Apócrifa 14 by APOCRIFA ART MAGAZINE

Director editorial Anubis Mendoza Editor miguel(así,sinapellidos) Redacción Apócrifa Ilustración María Zamora Ana Medga Web Anubis Mendoza Diseño miguel(así,sinapellidos) Anubis Mendoza Colaboradores Luis A. Ch. Flores Jandro Partida Poparama Aarondeworld Luis Lazalde Contacto info1@apocrifa.com.mx

Apócrifa at magazine es una revista digital independiente que muestra el trabajo de artistas y escritores que participan en la actualidad del planeta. Todo el contenido publicado en este número ha sido bajo la autorización de sus autores. En ningún momento esta publicación intenta lucrar con el trabajo que se presenta en esta edición. Total libertad para cualquier espectador hacer uso adecuado de esta revista siempre y cuando respete el crédito de los autores participantes. ISSN en trámite. Julio-Septiembre 2011.

http//:www.apocrifa.com.mx

Cables, circuitos, tabletas, uno que otro cautín y las posibilidades de que la creatividad de noches pasadas estén reunidas aquí han sido los elementos que permiten, nuevamente, otra Apócrifa. Esta vez, con bases más fuertes cada día, hemos hecho una revista exquisita para los ojos con variantes de arte.

Con un personificación única el encuentro del arte y la tecnología es en nuestros días una de las ramas que a diario encuentra solución para nuevos intercambios abstractos, y no en menor medida, en el desarrollo de la creatividad. Ahora son las máquinas parte del ingenio que se ha convertido en un colaborador de éstas, y a su vez, se han mostrado intelectualmente abiertas hacia la sensibilidad humana a pesar de su existencia efímera y cáustic

índice Sánchez Kokodrilo Jave Arturo Negrete Federico Jordán Pablo Paniagua Rorschach MASA Victor Villalobos Marcos Barbosa Sociacusia Malganis Sterlac Panteon de Belen Vhaldemar Madama

MX MX MX MX ES MX VE MX MX MX MX AU MX MX

10 16 22 36 48 64 82 86 88 100 112 116 120 128

Tetraloving, un juego esp谩stico txt Ap贸crifa 路 img S谩nchez Kokodrilo

La particularidad de un juego que durante los ochentas marco el rumbo de una generación, es el pudiente que generó un caos en distintos grupos sociales y fue la pauta de una enorme marea que arrasó con las inquietudes de una juventud volcada en la nueva era tecnológica, un claro ejemplo fue el Game Boy. Quién no haya jugado Tetris no conoce la ferocidad de las líneas horizontales ni la metamorfosis que sufre el consciente humano por la desesperación al evitar llegar a la cima. La presión y el ingenio no sólo bastan en la espontaneidad de una respuesta hacia un rival como lo es la velocidad y para mayor premura, la calza de los tetrominós. La formación de líneas con los cuadrados integrantes y el anclaje de estos, resulta una metáfora de la sociedad del amor, del movimiento que actualmente frecuentan los amorosos y otras entidades. Bajo el estilo japonés kawaii, Sánchez Kokodrilo determino las formas del juego en la caracterización de las pasiones, ese fenómeno del next cuando pretendemos como destino un amor, en sí, el score. Estas posiciones que ubican en la fábula cuadrada son las variaciones del plano sentimental, las formas de las relaciones. No se trata del amor como juego sino que aspira a ser la cooperación de los individuos, no existe el conocimiento absoluto del tetrominó que le sigue para formar la línea sino que se juega a radiar en el éxito. El Tetris como el amor es una película de azar y de orden, todo ocurre en el equilibrio que frecuentamos en la realización de una línea, de una construcción, de una alcurnia poética, y así, hasta los bytes, actualmente, forman parte de las sensaciones del nuevo individuo. 12

APROXiMADAMENtE 248,000,000 litERAtURAS (0.14 SEGUNDOS) txt Jave · img Anubis Mendoza

Qué bella época cuando el periodismo se daba en forma de cantos y la nota principal era la Iliada homéricos periodistas cegados por el fruto bendito del arte siguieron la tradición, y simpáticos juglares se pasearon por rumbos po pulares con cítara en mano para cantar las nuevas buenas y las malas viejas que azotaban los palacios, las cortes y las iglesias, y así las columnas de crítica aparecieron en forma de Lazarillos, pícaros que denunciaban los vicios que permanecen en las aldeas hoy ciudades, Arte y Realidad era el periodismo Letra y Música lo que componía la nota pluma y guitarra, hemerotecas de tiempos antiguos pero los tiempos cambian… Y lo que antes era cítara y voz ahora es iPod y Google reader.

La literatura en bits

Lo que podemos recordar por nosotros mismos quizás llegue hasta nuestros abuelos y posiblemente podamos tener una idea sobre cómo era el mundo hace 120 años escuchando las historias que sus abuelos les contaban. Considerando que la tierra tiene aproximadamente 5,000 millones de años, eso no es mucho. Sin embargo, gracias a los avances en la ciencia y la tecnología que se ha desarrollado podemos tener nociones de cómo era el universo a tan sólo unas fracciones de segundo después del Big Bang; si no fuera por nuestra infinita curiosidad y enorme ingenio, todo quedaría envuelto en una niebla densa que nos haría pensar que la abiogénesis es la causa de que estemos pisando la tierra. Somos unos animales raros, hace miríadas de años creamos un complicado sistema de lenguaje por el que podemos referirnos a nuestro entorno mediante conceptos abstractos, qué tiene que ver árbol con el árbol, por ejemplo; pero no sólo sirve para referirnos a nuestro entorno sino además podemos transferirlos a otra persona, es realmente sorprendente saber que no sólo pienso, sino que en realidad pensamos y discernimos como especie. ¡Comunidades enteras hacen uso de ideas y conocimientos de todos sus miembros! 17

Lo realmente increíble sucedió cuando se pudo crear un dispositivo mediante el cual, esas ideas que compartimos y pensamos, se pudieron encapsular y arrojar en el tiempo y espacio a lugares apartados donde la voz no alcanza a llegar, es más, a generaciones que todavía no nacen. La escritura como registro de la palabra hablada fue el gran avance tecnológico de la humanidad, que cambió para siempre nuestra forma de pensar y compartir, a partir de ese momento tuvimos la capacidad de algún día tener el pensamiento y conocimiento de gran parte del mundo, esa aldea global empezó a dibujarse, y está conformada incluso por personas que yacen muertas desde hace varios siglos pero que fueron tan gentiles como para compartir su conocimiento. En tiempos antiguos la Iliada se escribió alrededor de cinco siglos después de que los acontecimientos que narra sucedieran, miles de voces cantaron las hazañas antes que Homero(s) en el siglo VIII a.C. las pusiera sobre papiro. Voces anónimas, crearon uno de los más exquisitos cadáveres, reconstrucción sobre lo construido, construcción sobre lo desconocido, para crear tal arquitectura verbal. La literatura en esos tiempos vivía entra los ciudadanos, la cantaban, y eran parte de su composición, le aumentaban versos o le quitaban, magnificaban a Héctor con un adjetivo que otro quitaría para alabar a Aquiles. Hoy en día la literatura recupera su toque social, siglos pasó la letra escrita enmudecida en las mentes de quien la leía, leer sólo tenía la acepción de leer en voz alta, leer en voz baja no existía hasta recientemente y esto era porque lo leído se compartía en sesiones donde la comunidad se reunía para escuchar. Ahora mediante las nuevas tecnologías se comparte y el lector puede meter mano cada vez que se le antoje, si es que el escritor se deja o inclusive y especialmente si no se deja, poco a poco la palabra plagio adquiere un nuevo sentido, se convierte en un nuevo género literario. 18

La magna obra que surgió a partir de un evento histórico tardó cinco siglos en pensarse y escribirse; el 11 de septiembre de 2001, un par de aviones se estrellaban sobre un par de torres que eran idénticas, vía internet, el mundo opinaba y lanzaba sus teorías sobre cómo fue eso posible, qué es lo que tuvieron que hacer las personas para guiar dichos vehículos hacia dichos edificios, todos debatían en ese espacio privilegiado, toda opinión era tomada en cuenta, podía ser discutida, ridiculizada e inclusive aceptada, un conglomerado de expresiones multilingües relataban los hechos, a partir de sus propios puntos de percepción o de otros. Periodistas homéricos trataban de conjuntar todo lo dicho, cineastas homéricos platican lo sucedido, en potencia se encuentra la siguiente gran obra, y no hablo de que sea sobre este hecho en concreto, sino que el potencial de que un hecho pueda ser discutido en forma instantánea a escala global gracias a los avances tecnológicos logrados en comunicación y almacenamiento de datos permite que un homérico entusiasta tenga a su disposición en cuestión 0.48 segundos, aproximadamente, lo que Homero tuvo a su disposición en cuestión de 15,768,000,000 segundos, aproximadamente. El 21 de febrero de 1848, se publicaba Manifiesto del Partido Comunista, proponiendo una nueva forma de organización social, económica y política, ideas que se ponen a prueba con la praxis hasta 1917, es decir que 69 años tuvieron que pasar para que esas ideas se fueran propagando e incubando en las mentes de nuestra especie, se reunían los comunistas a ciertas horas para discutir, viajaban para propagar cual cristiano en una misión evangélica hasta que fue suficiente y decidieron que era tiempo de salir del huevo de las ideas a la revolución rusa. 19

En octubre de 2010 aparecía un pequeño folleto en Francia titulado Indígnate donde llamaba a una insurrección pacífica y no violenta en contra de… y argumentaba una serie de cosas por las que te indignas, para el 15 de mayo de 2011 las plazas españolas de Madrid fueron testigos de un movimiento masivo de jóvenes científicos, letrados, y creativos ejecutando nuevas formas de gobierno, de comunicación y distribución de riqueza, a nivel micro (es decir sólo se pudo hacer en el espacio de la plaza), por las mismas fechas también inspirados por el pequeño folleto en Chile los estudiantes se movilizaban demandando cambios significativos a la estructura educativa de su país, a finales de septiembre del mismo año en Nuevo York, afuera de la calle del muro, sucedía acto similar. En menos de un año gracias a las tecnologías, un ensayo estaba dándole nueva perspectiva al esferoide que habitamos. Nunca antes en nuestra historia, tantas personas simultáneamente podían discutir sobre los contenidos publicados, reformularlos, y llevarlos a otras escenas, incluso inéditas. Entonces he hablado que para producir un texto se tiene la capacidad de tener toda la información necesaria en tan sólo una fracción de segundo, el emisor sólo tiene que, como dicen coloquialmente, “echarle coco”, para distribuirlo y que tenga un impacto mundial, experiencias previas dicen que un semestre es necesario (podríamos poner la experiencia de J.K. que en tan sólo un día de la publicación de sus novelas millones de lectores la habían engullido pero no lo haré, por cuestiones de ética profesional). ¿Qué decir sobre el vehículo en que transita el mensaje? A nivel imperceptible, las tipografías marcan nuestra forma de aproximarnos a esas ideas, la tecnología psicológica empleada en la creación de tipos influyen en nuestras percepciones, hacen que se nos dilate la pupila o contraiga, un uso adecuado de ellas pueden hacernos vomitar o reír a carcajadas, y en conjunción con tecnología de color, de música y de cuanta tecnología quieras aplicar al código, el mensaje se vuelve más complejo, más dinámico, atractivo o feo. 20

Por ejemplo yo digo:

Se crean nuevos códigos, nuestro entorno se vuelve más dinámico que nunca, en la calle me he encontrado estos mensajes crípticos por doquier que llevan a lugares insospechados sin consumir mucha energía. Una prostituta lleva tatuado uno de estos códigos que al leerlos te llevan a un compendio de literatura erótica. En los microchips de los ordenadores a nivel microscópico puedes encontrar una obra de arte que viendo más de cerca te lleva a un código QR que al escanear te lleva a una biografía ¿Cómo es que la tecnología ha marcado a la literatura? No lo sé, pero lo ha hecho más accesible, más divertido de crear, más retador por lo mismo. La tendencia es prácticamente la misma, poner en palabas lo que quieres expresar, lo que ha cambiado drásticamente es dónde se ponen esas palabras. 21

Impresi贸n con-tacto

http://75grados.blogspot.com

txt Apócrifa · img Luis Lazalde

Hablar del fenómeno de impresión, ese que a muchos diseñadores, ilustradores y artistas les causa un mal de jaqueca, es una metáfora del dolor que tiene que vivir un artista plástico, y para resolver dicho problema, Arturo Negrete. Este señor, radicado en la capital mexicana, es un impresor destacado dentro del mercado del diseño y de la ilustración a nivel nacional, su desempeño de un trabajo tan tradicional y que de alguna forma se ha impuesto con ese sentimiento “orgánico” del impresor ante los avances tecnológicos, es uno de los factores que lo ha consolidado en las ilustraciones y en los ojos de muchos. He aquí su palabras y su ánimo por la serigrafía.

¿Cómo es la comprensión hacia el proceso de impresión? La impresión no se comprende, se siente, el color fluye a través de nuestro ser, se plasma en nuestra mirada y se ejecuta con nuestras manos. ¿Cómo es que interviene tu proceso de impresión en la obra y viceversa? Es una simbiosis entre la obra y el impresor, en la medida que respetemos el proceso este nos respetara a nosotros, para obtener el mejor resultado en la reproducción deseada ¿Bajo qué aspectos cualificas una obra para desempeñar la impresión? Lo principal es diferenciar entre una obra digital o plástica, para así emplear el mejor proceso y obtener no una impresión, sino una interpretación de obra. ¿Cuáles han sido los preceptos que ha determinado a lo largo de su carrera como impresor? En un principio la serigrafía artística estaba enfocada a la vieja guardia de los artistas plásticos de la gráfica mexicana, en la actualidad creemos en los nuevos valores juveniles como diseñadores, ilustradores, y artistas urbanos, con una filosofía incluyente ya que la mayoría los ve de una manera excluyente, pero tenemos el honor de colaborar en sus proyectos de impresión. 26

La tecnología ha determinado ciertas eras dentro de la impresión ¿cómo ha afectado ésta a tu proceso? Lejos de afectarlo lo ha beneficiado, ya que anteriormente todos los procesos se desarrollaban de manera artesanal y requerían mas tiempo, actualmente la tecnología específicamente en diseño digital, ha contribuido a reducir tiempos. ¿Cuál es la propuesta del taller 75 grados? Contribuir al desarrollo de la plástica mexicana apoyando no solo a los grandes artistas plásticos sino a las nuevas propuestas de la gráfica con impresiones de la mejor calidad posible. ¿Quiénes han participado con tu trabajo? Nuestra historia abarca desde los grandes artistas plásticos como Rafael López Castro, Germán Montalvo, Félix, Beltrán, Carlos Palleiro, Bernardo Recamier, Carlos Gayou, René Azcuy, Martha Chapa, entre otros. Y diseñadores como Alejandro Magallanes, Gustavo Amézaga, Rogelio Rangel, Cesar Evangelista, Cesar Nandez, entre otros y artistas urbanos como Saner, Seher, News, Anita Mejía, Cecy , entre otros. ¿Cuál ha sido la visión de Arturo Negrete y su equipo para el futuro? En nuestra trayectoria por la gráfica mexicana nos dimos cuenta de la gran necesidad de dar a conocer el trabajo de nuestros artistas emergentes, y por igual, de la falta de espacios para exponer su obra. Por lo anterior decidimos contribuir a su difusión mediante la creación de un evento en el que se pudiera realizar este fin, Taller en vida. En este participan todos los que tengan una propuesta gráfica, se imprime en vivo un cartel artístico de su obra y se invita a la comunidad gráfica y al público en general a participar de una manera interactiva y lúdica logrando un ambiente relajado y amigable donde el fin es exponer y dar a conocer la calidad y las nuevas propuestas gráficas que regirán el futuro de las nuevas propuestas estéticas mexicanas y del mundo. 31

Armar un pensamiento fragmentario txt Jandro Partida · img Federico Jordán

“En el campo de la ilustración la prensa con el grabado en relieve mató al iluminador de la producción monástica. La litografía, la pantalla tramada, lo digital, han cambiado nuestro campo como ilustradores”. Federico Jordán

Al encontrarme con el portafolio de Federico Jordán acerté con un gran hallazgo: el más latente desde lo más remoto donde se parangonan mis propias visiones. Bien se dice que la imagen nace de la alucinación. Y aquí encontramos un marco completo de ilustraciones que se adaptan al frágil mundo de papel que las contiene. De pronto comprendí que ilustrar es reunir las piezas para armar un pensamiento que nace en universo fragmentario. Las ilustraciones de Jordán no son simplemente decorativas, sino que más bien se trata de un trabajo sobrio y conceptual en el cual una expresión posmoderna y surrealista viene a trazar las formas de un lenguaje desarmado que solo es posible explicarlo mediante la gracia con la que rearma su discurso con colores sólidos y separados que funcionan como las piezas de un rompecabezas colorido. Sin embargo, cada imagen refleja un universo posible que se concatena con nuestra visión más posmoderna del mundo y su constante velocidad de transformación que hoy en día funciona como nuestra moneda de cambio cotidiana. 38

De modo que, ilustrar desde el estilo de Jordán es observar la estructura de un mundo en el cual la diversidad tiende a monotizarse y por qué no, a monopolizarse para así filtrar mediante trazos y figuras geométricas simples, la esencia del universo finito que hemos construido y cuyo centro de gravedad no nos permite alejar ni acercar nuestros ojos satélites de esa fuerza consumista que nos atrae hacia lo invisible e irracional. En las ilustraciones encontramos un collage simétrico que pretende abordar una gama de sentidos a partir de una serie de fracciones que embonan perfectamente como si fuesen las figuritas o las piezas que sirven para armar un juguete cuyos pedazos vienen contenidos en un estuche menos amplio que el resultado del modelo que se ofrece para armar.

De modo que un sentido caricaturezco e infantil (infantil en el sentido pedagógico) quiere emerger de esta red de imágenes engarzadas por el hilo conductor de un discurso breve que es retenido en su propio lenguaje preciso y calculado el cual está subordinado más bien a las exigencias de los trazos y a la uniformidad de los colores que incrustados le dan forma a un mundo fragmentado que es impactado diariamente por su propia rutina, ese automatismo acrítico que le brinda hallazgos cotidianos, esos a los ya estamos acostumbrados a ver, mas no a contemplar ni a vislumbrar. 44

Ilustrar es vislumbrar para Federico Jordán. Sus trazos nos ayudan a entender que en la simplicidad se encuentra una potente diversidad que nos permite tomar lo básico para tender lazos con nuestras visiones, esos hallazgos latentes en nuestra frágil sociedad que construimos a diario. Con estas ilustraciones podemos darnos cuenta de que imaginar no es un acto efímero, sino todo lo contrario, es una acción en movimiento que no cansa de reunir los pedazos que simplemente decoran a nuestra cultura para transformarla en una vanguardia expresiva que resignifique e interprete nuestro entorno.

La narración de la libertad creativa

txt miguel(así,sinapellidos) · img Poparama y Aarondeworld

En una ciudad cervantina, dentro de pequeños callejones y una atmósfera de bohemia y traslados en el tiempo, existe un escritor web. En esas lomas históricas que fungen como parte de un punto multicultural hay una voz que menciona “mi vida es un performance y yo soy una obra de arte”. Ese eco refleja una obra que es comunicación, una simbiosis que accede a un proceso de creación en el mundo literario, y por igual, pictórico. Desde la península ibérica llegó desde hace más de diez años a México un individuo adicto a las noches guanajuatenses, Pablo Paniagua. Español de nacimiento, mexicano por naturalización, ha llevado desde hace varios años un proyecto en el que uno de sus discursos se muestra a sus espectadores a través del internet, Literatura Indie. Antes pintor y después escritor, este autor con su derroche emocional ha hecho uso, al igual que muchos otros y contando, de la masividad de la red que hoy día nos contiene con el fin de difundir y de menguar su obra tras un sistema de creación que ha denominado blognovela. Con cuatro obras ya en su mano ha logrado contribuir al espacio cibernético para buscar otra alternativa en la que el escritor pueda tener un contacto inmediato con el lector. 49

Ante la actitud lúdica que siempre muestra el español, no es por demás precisar que su búsqueda estética se encuentra en nuevas alternativas para la creación de literatura, tal es el caso de su “literatura fractal” que parte de su desarrollo como escritor y es el mismo con el que involucra el uso de la red. La creación de una novela con soporte en internet requiere de un formato especial, conceptualizar dicho trabajo es la catarsis que sufre el escritor, “Las tecnologías influyen en los medios de comunicación, digamos que ahora con Internet son más instantáneos, y por ello se da un tipo de literatura más directa, escrita en primera persona y con capítulos más cortos… también es hablar del mundo de hoy, estar inserto en tu tiempo.” menciona Paniagua. Tal inspiración se ha postrado en la deserción de una escritura que se forma en un balance de bits hacia un humor decoroso, ambivalente y de color negro en lo que ha sido una evolución desde La última utopía, Exex, El mono cibernético, y muy reciente, La novela perdida de Borges. Paniagua despierta con la internet un uso sarcástico y de frecuente ironía en una construcción donde como autor se vive y se reinterpreta, los buscadores son las entradas y forman parte de la repartición de sus libros, a pesar de tener un soporte electrónico la impresión es típica, creación artesanal, en casa. Ante las caricias digitales de los lectores, además de contribuir a la red para dar paso no sólo a un blog cualquiera, ha alimentado a críticas y nuevos refuerzos en cuestiones literarias. Se trata de una simbiosis que corresponde a la manufactura de investigación, creación y organización de un proyecto en el que cabe todo: la propuesta, la práctica y la distribución. Literatura Indie de Paniagua es un fomento a la creencia del buen desarrollo de los medios tecnológicos, en los que no existen límites para el aprovechamiento de dialogar, convivir y participar de la extensa línea que marca la literatura. 52

De la última, La novela perdida de Borges El de la portada violeta se trata de una narración que mantiene una crítica hacia uno de los consentidos de Argentina, Jorge Luis Borges. Este se convierte en un ente místico, tal y como lo es la generación de sus preceptos literarios, mas Paniagua colabora para una desconstrucción que intenta meditar en la labor del sudamericano. Como entidad, la sustancialidad del cuerpo del texto otorga la apertura a una nueva visión sobre la obra de Borges, sin embargo existe una voz dentro de esta novela que hace una pauta referente a la personalidad del argentino y que es cuestionable. Una historia de intriga y humor, España y México con un tercero, es el caos de un estudiante de literatura cuestionando su existencia con la vida del famoso y las ambiciones eróticas de su propia carne, es la erudición y la mezcla de los sabores del hombre, una ambivalencia que equivale a la superación de un momento, Borges ama a Paniagua cuando este ya ha dormido. http://literaturaindie.mex.tl

El final de la postmodernidad y el advenimiento de la época supermoderna

Pablo Paniagua

¡La Postmodernidad ha muerto! Hoy se habla de la Postmodernidad como si todavía estuviéramos inmersos en ella, cuando hace tiempo quedó atrás. En todas las épocas de la historia el arte ha sido un reflejo de su tiempo y una manifestación que nos sirve para estudiar los comportamientos sociales y culturales, y en dicho sentido, para entender la Postmodernidad y certificar su muerte, es preciso comprender, a su vez, el siguiente proceso evolutivo: Modernidad – Postmodernidad – Supermodernidad, en su dimensión artística, para luego llevar el modelo a su escala social y política. También, he de aclarar, es más preciso utilizar los términos como están propuestos, en vez de Modernismo, Postmodernismo y Supermodernismo, por el simple hecho de que el Modernismo es una corriente artística surgida entre los siglos XIX y XX, que también se conoce con los nombres, según los países, de Art Nouveau, Modernisme y Jugendstill, y por ello Modernismo y Modernidad no son lo mismo, pues el primero se refiere a una corriente artística y el segundo a una época de la Historia del Arte, de tal modo que, para igualarlos en un mismo plano lingüístico y conceptual, son más acertados los términos propuestos. Respecto al término “hipermodernidad”, que hoy en día emplean algunos filósofos, por ejemplo Gilles Lipovetsky, es del todo erróneo, pues para utilizar el prefijo “híper” primero habría que haber pasado por lo “súper”, nomenclatura evolutiva necesaria y aplicable en este caso. Para ordenar este ensayo, en el punto primero –I– abordaré la antedicha evolución en su faceta artística; en el punto segundo –II– veremos que la misma sintomatología se repite en los aspectos sociales y políticos; y en el punto tercero –III– ofreceré mis conclusiones sobre la actual Época Supermoderna. 56

I Hoy, con la perspectiva del tiempo pasado, un tiempo que dejaba de ser presente para convertirse constantemente en futuro, como una mutación de sí mismo, como fundamento del cambio, podemos abordar para comprender, desde esta distancia, todos los sucesos artísticos del siglo XX en lo que a las artes visuales se refiere, a partir del concepto de “Dispersión del arte”. Tenemos que considerar el arte del siglo XX como una entidad en constante evolución, tratando de superarse a sí misma a un ritmo frenético, en una lucha por descubrir todas las formas expresivas y de representación posibles que el ser humano pudiera crear, haciendo un paralelismo con el progreso científico y tecnológico, por medio del cual la Humanidad llegaría a conocer lo hasta ahora no conocido como una conquista más de la evolución. Entre finales del siglo XIX y principios del XX aparece en Europa el Arte Moderno, en el instante en que el artista deja de copiar la realidad, para acabar inventándola, en ese afán aventurero de crear lo inexistente como fin último de esa evolución ilimitada. En ese momento, los sucesos artísticos se dan de acuerdo a una serie de parámetros estilísticos, que los conforman como determinados movimientos con una evidente preponderancia dentro de su medio. Estos movimientos artísticos se suceden unos a otros, según van surgiendo diferentes formas de expresión y representación de una realidad nueva, descubierta o inventada. Pero, para hacer utilizables estos términos de manera conjunta, podríamos decir que la expresión artística se da representada de manera objetual o conceptual, según sea su determinada carga. En un principio el Arte Moderno se vio expresado, fundamentalmente, de manera objetual y enmarcado en un territorio llamado europeo, o sea, concentrado en un lugar geográfico preciso (principalmente en París) en eso que se denominarían Vanguardias Históricas, si bien esa determinación territorial no era del todo exclusiva, pues en Alemania, Austria e Italia antes de la primera guerra mundial, en Suiza durante ella, y en Rusia entre los años 1909 y 1925, hubo una importante actividad vanguardista, pero de ninguna manera tan poderosa como en la ciudad del Sena. En 1916, en la ciudad de Zurich, aparece el Movimiento Dadaísta, propuesto por Hugo Ball y luego encabezado por el pensador Tristan Tzara, que junto con un grupo de artistas hacen realidad la revolución que preconiza el fin del arte o el antiarte. Pero la ruptura definitiva con la esencia objetual se dio en el año 1917 con Marcel Duchamp, cuando elige un objeto cotidiano para exponerlo y firmarlo como obra de arte: un hecho de vital importancia en la futura trayectoria del Arte Moderno, que en ese preciso instante no supuso más que una provocación, pero que, a la larga, cambiaría el curso de la historia. 57

El fin de Dada no se hizo esperar, debido al choque ideológico entre dos gurús, el citado Tzara y André Bretón, mentor del Surrealismo, con lo que muchos de los artistas integrados en el dadaísmo se pasaron a las filas de la revolución surrealista. Si Dada suponía una negación de la realidad impuesta por los poderes dirigistas de la sociedad, el Surrealismo reivindicaba la realidad de lo irracional. Hasta aquí, el “estado de concentración” que se daba en el mundo del arte era algo evidente, pero con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, en 1939, empieza la “dispersión del arte”, al menos en su etapa geográfica. Aquellos movimientos artísticos que se sucedían han de abandonar la escena donde se desarrollaban, acabándose para dar paso a otros nuevos. El epicentro del mundo del arte sería ahora la ciudad de Nueva York, aunque en Europa, tras el final de la guerra, la actividad creadora continuaría pero ya no de forma tan arrolladora como en tiempos pasados. Se pasó de la “Escuela de París” a la “Escuela de Nueva York” y a la bipolaridad en el dominio de los sucesos artísticos. En los Estados Unidos de América surgió con fuerza, en torno al año 1945 (y no sin apoyo del Estado) el Expresionismo Abstracto, como primera tendencia genuinamente americana y como última manifestación estética del Arte Moderno; tras ésta, a partir de 1955, aparecerían el Pop Art (europeo y estadounidense), la llamada Nueva Abstracción o Abstracción Postpictórica (que más tarde competiría con diversas abstracciones europeas como Grupo Cobra e Informalismo), el Op Art y el Minimal Art. En las tendencias norteamericanas ya se aprecia una ruptura estética más cercana a planteamientos conceptualistas, y en el caso del Pop Art cierto “neodadaismo” en la reproducción de algunos trabajos, en los que la mano del artista ya no está presente, y un claro comportamiento postmoderno por la influencia iconográfica de la sociedad de consumo. Aquí, ya podemos hablar del inicio de la Postmodernidad y señalar al Pop Art como su primera manifestación artística. En aquella época también aparecen las artes del cuerpo (happening, performance, etc.) y el “concepto” en sus distintas manifestaciones empieza a tomar relieve en la escena artística. Se da, entonces, otra ruptura sobre la concentración que ya no es meramente de lugar, sino de contenido. Es el concepto que entra en escena, la herencia de Duchamp y el Movimiento Dadaísta. El concepto se concreta cuando se abandona la improvisación dadaísta, para hacer un planeamien58

to previo de lo que hay detrás de la idea, y no la idea en sí. Como resultado, a partir del año 1969 comienzan las exposiciones de Arte Conceptual como tal, viéndose legitimada esta tendencia en el año 1972 en la Documenta 5 de Kassel. La competencia entre el “concepto” y el “objeto” está servida en forma de lucha fratricida entre dos elementos que son como el aceite y el agua, que al ser incompatibles provocan la dispersión de sus sustancias. Así comienza el verdadero camino hacia la “dispersión del arte”, que no es más que el tránsito del principio de la dispersión hasta la dispersión total y el triunfo del concepto sobre el objeto, en lo que podríamos llamar Supermodernidad, que es el estado en el que ahora nos encontramos. En la Postmodernidad se da la citada lucha entre el objeto y el concepto, a través de un conjunto de discursos que pugnan por imponerse, fundamentados en la defensa o el ataque a la mimesis de la realidad. La actividad artística, a su vez, se empieza a diseminar en diferentes puntos geográficos y el eclecticismo de las formas de expresión–representación se conforma como la tónica generalizada. El arte se empieza a dispersar poco a poco, hasta llegar a ser un modo de expresión propio del mundo occidental que se implanta a nivel planetario, con el triunfo final del concepto sobre el objeto. La Supermodernidad está caracterizada por la mundialización del arte en la cultura global occidental, en la que tienen cabida multitud de artistas de diferentes lugares del planeta, que trabajan, sobre todo, en referencia al concepto. Vemos, así, que los diversos estados de la Historia del Arte tienen paralelo con el desarrollo de la sociedad occidental en el transcurrir del siglo XX, pues el arte es una manifestación como reflejo emanado de un mismo cuerpo. No entro a valorar en este punto la supuesta crisis de la sociedad globalizada, ni la crisis del arte expuesta de manera tan locuaz por Jean Baudrillard, simplemente unifico la historia del arte del siglo XX bajo los conceptos de “concentración–dispersión”, para explicar y marcar cronológicamente su accidentado transcurrir.

II Si en el mundo del arte la Postmodernidad se identifica por la lucha entre el objeto y el concepto, y la separación territorial de las diferentes manifestaciones y el inicio de la comentada dispersión del arte, en el plano socioeconómico y político, la Postmodernidad, de igual modo, se identifica por la lucha entre Oriente y Occidente en lo que se denominó como Guerra Fría, con dos maneras distintas de entender los procesos económicos entre el capitalismo y el comunismo. Objeto-concepto en el arte, capitalismo-comunismo en el plano político y socioeconómico. Por consiguiente, el inicio de la Postmodernidad lo podríamos marcar en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, con la reconstrucción europea y dentro del proceso de separación del mundo en dos bloques políticos. La pugna entre el objeto y el concepto terminará con la supremacía del concepto en el mundo del arte a finales de la década de los 80, cuando en los diferentes eventos internacionales del arte, ferias y bienales, el concepto rebasa a las distintas expresiones objetuales, con una sensibilidad estética más acorde a los nuevos tiempos y frente a propuestas más envejecidas que quedan como referencia del pasado. En la esfera política y socioeconómica, de manera similar, el capitalismo, con la liberalización total de la economía, se impone como modelo mundial predominante frente a un comunismo fracasado, con el final de la Era Soviética y la caída simbólica, en 1989, del Muro de Berlín. Si en el mundo del arte, al final de la Postmodernidad, la dispersión de los diferentes centros creadores se da a nivel planetario, en el plano socioeconómico y político cobra relevancia la mundialización del liberalismo económico como modelo, en lo que se define como “globalización”. A partir de aquí, con la dispersión total del arte y con la globalización del modelo occidental, es cuando ya podemos hablar del inicio de la Época Supermoderna, a partir del año 1989, con la caída del Muro de Berlín (si bien los cambios entre épocas (Modernidad – Postmodernidad – Supermodernidad, siempre se producen como un proceso de transición en pocos años, con el atisbo de las primeras manifestaciones que terminan por tomar fuerza e imponerse como pauta). 60

Asimismo es fundamental, dentro este proceso que marca el inicio de la Supermodernidad, el surgimiento de un nuevo medio de comunicación e información global, a través de una red de redes que se da a conocer con el nombre de Internet, cuya aplicación abierta se empieza a implantar a partir del año 1992, con un proceso experimental previo que se inició en el año 1989 con el primer ISP de marcaje telefónico world.std.com. Ahora en Internet confluye y se desarrolla una nueva “cultura global” que expande las fronteras de la comunicación y la información de manera prodigiosa, algo totalmente inédito en la Historia de la Humanidad y como signo de la nueva Época Supermoderna. Si en la Postmodernidad la sociedad occidental se ve influida en su desarrollo por la tecnología y las tendencias consumistas, en la Supermodernidad lo está bajo un consumismo exacerbado y la alta tecnología o hi-tech (telefonía móvil, computadoras, pantallas de plasma, productos cibernéticos, videoconsolas, discos compactos, nanotecnología, etcétera), en lo que representa un salto cualitativo respecto a anteriores avances tecnológicos. Ya la relación del humano con la tecnología es distinta, pues su dependencia pasa a formar parte de su manera de vivir como algo imprescindible. Salta a la vista que la vida y las dinámicas sociales de la Postmodernidad no son las mismas, que a partir de los procesos globalizadores que se desarrollan tras la caída del Muro de Berlín, e hiere a la razón no percibir esta nueva realidad y seguir hablando de los tiempos actuales como si todavía estuviéramos instalados en una especie de Postmodernidad eterna, cuando las condiciones sociales, artísticas y políticas ya no son las mismas, y cuando los avances tecnológicos están cambiando los procesos evolutivos de la especie humana. III Habiendo ya certificado la muerte de la Época Postmoderna y su Postmodernidad, ahora explicaré mis conclusiones sobre la recién iniciada Época Supermoderna. Un incierto pensador, como es Francis Fukuyana, tergiversando a Hegel, declaró el Final de la Historia viendo en el triunfo del “liberalismo económico” la solución a los problemas de la Humanidad, cuando dicho modelo político, que se basa en la avaricia, la usura y la especulación (donde se juega con la dignidad humana en casinos llamados bolsas de valores), triunfa con sus cimientos corruptos sobre el comunismo y es moralmente censurable cuando una minoría somete, por interés particular, a la mayoría de los habitantes del planeta. A este respecto, Gilles Lipovetsky se equivoca cuando dice que su mal llamada “hipermodernidad” se funda en cuatro 61

principios, como son los derechos humanos, la democracia pluralista, la lógica del mercado y la lógica tecnocientífica; pues los derechos humanos de ningún modo son respetados por unas democracias (que más bien parecen dictaduras camufladas) que se desviven por el mantenimiento de un sistema económico tan injusto que favorece, exclusivamente, a los dueños del dinero; cuando dichas “democracias”, dominantes en occidente, hacen guerras ilegales que pisotean los derechos humanos que dicen se han de valer. Y es que la Supermodernidad, más bien, se identifica por la simulación que suponen los presuntos valores beneficiosos del liberalismo económico, las dictaduras disfrazadas como democracias, el respeto de los derechos humanos a conveniencia, y sí, aquí sí, la lógica tecnocientífica. En la sociedad supermoderna el individuo se ve alienado por todo lo que conforma el sistema político-económico arriba expuesto, mediante una serie de dinámicas enajenadoras que se asumen como tipo de vida. Es la cultura del consumismo exacerbado y de la imagen que se desprende de lo material, del tanto tienes tanto vales, del dinero y la ostentación como sinónimo de éxito social, es la banalidad más absoluta infectando los cimientos de la misma sociedad. Y es que, efectivamente, el triunfo del liberalismo económico supuso el hundimiento de las utopías, de los pensamientos que buscaban, en la evolución de la especie humana, un mundo más justo, libre y pacífico, ofreciendo, a cambio, un sistema económico salvaje que agranda las brechas de desigualdad económica, con el consecuente aumento de las masas de pobreza y la hegemonía de la injusticia como signo. Así pues, la Supermodernidad nace bajo la inercia enajenadora y la crisis embrionaria de un sistema económico que marca el camino hacia lo contrario que simboliza la utopía: la distopía. A lo anterior debemos sumar que, tras la caída del Muro del Berlín y el desmantelamiento de los sistemas políticos comunistas, el mundo se volvió a dividir, esta vez, en dos bloques con una manera totalmente distinta de entender la realidad, y bajo el influjo de tradiciones marcadas por los mandatos de sus religiones dominantes. El proceso globalizador impuesto por Occidente, bajo las reglas de su orden económico y como forma de conquista cultural, es rechazado por parte de las sociedades musulmanas y de los regímenes políticos teocráticos, pero con cierta propensión retrógrada hacia postulados ultraconservadores. Se da, consecuentemente, una lucha de civilizaciones basada en el sentir de sus distintas religiones, 62

cuando cada vez está más claro que los cultos monoteístas, cuyos dioses fueron inventados por los hombres para dar sustento y respuesta a las incógnitas sobre la existencia, sólo han servido para generar violencia y servir a lo contrario de lo que por lógica se desprende de los atributos que debería tener la divinidad, como son el amor, la misericordia y el respeto ajeno, de tal modo que ahora un islamismo intransigente, esquizofrénico, se vale de la violencia para alejarse de cualquier valor que pudiera ser avalado por un dios verdadero, en idéntico proceso al de Iglesia Católica a lo largo de su historia. La falta de valores, la simulación, la alienación del individuo por el poder y por el sistema económico consumista, la adicción tecnológica y la esquizofrenia religiosa, son los valores de una nueva Época Supermoderna sumida en la banalidad. La especie humana, por lo visto, camina hacia la distopía. Habrá que esperar, mientras tanto, el nacimiento del hombre posthumano, ése que vivirá en paz en este planeta tras el derrumbe de la actual Humanidad. Pablo Paniagua, a 20 de noviembre del 2010

BIBLIOGRAFÍA El presente ensayo, para estar más acorde con el método propuesto por Michel de Montaigne, se aparta del academicismo que domina en el género y por ello ofrece la bibliografía consultada habiendo omitido las especificaciones al texto: Baudrillard, Jean (1998). La ilusión y la desilusión estética. Venezuela: Monte Avila Editores. Danto, Arthur (1995). “El final del arte” en El Paseante. España: Siruela. De Micheli, Mario (1988). Las vanguardias artísticas del siglo XX. España: Alianza Editorial. Fukuyama, Francis (1992). El fin de la historia y el último hombre. España: Planeta. Juanes, Jorge (2002). “El arte posthumano” en Artelugio. No. 5, año 2002. México: UAQ. Lipovetsky, Gilles (2006). Los tiempos hipermodernos. España: Anagrama. Lucie-Smith, Edward (1994). Movimientos artísticos desde 1945. España: Destino. Marchán Fiz, Simón (1988). Del arte objetual al arte de concepto (epílogo sobre la sensibilidad postmoderna). España: Akal. Montaner, Joseph Maria (1999). La modernidad superada (arquitectura, arte y pensamiento del siglo XX). España: Gustavo Gili.

Espasmo visual/sonoro en tiempo real, 3.0

txt miguel(así,sinapellidos) ·img Poparama y Aarondeworld

Hablar de una entidad en que un visual y un sonido se funden es una sensación particular en que existe una conexión afine entre dos polos, la vista y el oído, y que sólo se puede generar mediante la unión de estos con el fin de inundar al espectador bajo una perspectiva tan similar al arte cinematográfico, sin embargo cuando se trata de experimentación la abstracción de ambas entidades concretan una percepción para generar nuevas dimensiones que alternanen la subjetividad del individuo. Dos compositores, Emmanuel Ontiveros y Paúl León, con un matemático, Benjamín Sánchez, son la estructura de “la banca” de Rorschach 3.0. Bajo el nombre del creador del extendido test del psicodiagnóstico, el de las manchas en diez láminas, ellos han fusionado su proyecto al considerarse una metáfora de este estudio que forma parte del psicoanálisis de personalidad. 67

Con el computador como herramienta base e instrumentos convencionales han desarrollado la búsqueda de un arte sonoro/visual con la que han conformado una retrospectiva hacia el ingenio del hombre. Son bases sonoras que los compositores mezclan en una improvisación de sonidos, tanto análogos como digitales, el matemático gesta la programación de las formas que necesita la imagen para someterse al juicio del sonido y así conformar el ciclo de un espectáculo que en cada presentación es único, no existe una repetición alguna, lo que es en el momento es lo que será. A veces un saxofón, en ocasiones el violín, la guitarra, la computadora, el software, otras tantas la voz y otros instrumentos, son parte del concepto de sonidos que involucra Rorschach 3.0 para la configuración de mutaciones visuales que estallan al momento de sonar. La creación de este espectáculo se lleva a cabo mediante la proyección de las deformaciones visuales que se interrumpen por la obra sonora que surge mediante la sonorización de ocho canales que procura ambientar y transformar la tridimensión, y a su vez, interactuar con el escucha. Toda esta integración genera una atmósfera, “la espacialización del sonido”, en la que los sentidos de la vista y el oído son mediadores de la traslación de un juego de libertad y para fortuna de todos es en tiempo real. Además de que el sonido se mueve, este propone la construcción de varias dimensiones al integrarse con el movimiento de las muy variadas figuras que acontecen en la proyección, los distintos cuerpos que viven ahí interactúan entre sí y recrean la vida, la trayectoria del humano.

http://rorschach3punto0.wordpress.com

Además, esta experimentación que ha creado la formación de estos tres jóvenes es la banca anfitriona de varios compositores, colectivos, músicos y artistas visuales, por lo que cada versión con algún invitado genera nueva identidad, otro rostro señero del proyecto. Disfrutemos de las particularidades de los colores sonorizados y tratemos de infiltrar a la razón de los movimientos que están aquí. Analicemos nuestras perspectivas a diario que siempre existirá una lámina Rorschach que nos manifestará una sustancia.

Electr贸nica lectura

El trabajo colectivo no es una moda, es una necesidad cuando las ideas otorgan la ferocidad de las voces que las proponen. La expresión de algunos grupos han sido gracias al congenio de pensamientos y de trabajo, que al lado de la inspiración, alternan para realizar una metamorfosis, si no divina por lo menos sincera. Masa, un bufete, grupo, despacho, como se le pueda llamar, de diseño, es uno equipo de personas que han logrado realizar distintas ideas que se han establecido para grandes empresas y que a su vez les ha permitido ubicar un estilo propio dentro de la música y de la moda. Este equipo que ha alternado desde 1997, año de su creación, se ha consolidado como uno de las inspiraciones para muchos diseñadores que se encuentran en el ámbito comercial a nivel internacional. Masa, además de ser un espacio de recreación en el que la tecnología con las artes rudimentarias como los poster artesanales o la serigrafía, a través del color, es también un espacio de ideas y de conceptos, y en este número gozamos de una de las más frescas del grupo, una tipografía, aun sin nombre, pero que en cada lectura electrifica nuestra visión. A petición de Apócrifa Art Magazine, Masa accedió a colaborar con nosotros de una manera efímera mediante el préstamo de esta tipografía que luce esta edición 14, algo que tenemos que celebrar y dar gracias por tan modesto gesto.

txt Apócrifa · img MASA

A modo de lotería fue la creación de esta tipo que, los tres integrantes de Masa, como sinergia conciliaron en un momento de divertimento. Estos grafemas contienen el fervor de un trabajo colectivo, la integración de la tecnología y el semblante de los medios que hoy día han permitido la evolución de la inteligencia humana. Se trata de una línea que porta la simbología de circuitos eléctricos y que entrelazadas no sólo muestran una posible conexión visual, sino que existe una metáfora, las letras son conexión, son comunicación, que por medio de la lectura juegan a ser un circuito textual, un mapa de distintas resistencias y capacitores que se involucran para equilibrar el hecho de la trasmisión de información. Es este número, placenteramente, quien exhibe como un poema a las artes y a la tecnología esta tipografía de suculentos alientos y de electrizantes espasmos, como un poquito de Masa, como un poquito de lo que ya somos máquina integradas por partes de humanos. http://masa.com.ve

Cortema Light & Music

txt V铆ctor Villalobos 路 img Ana Megda

Y siempre se entera la hoja en blanco todo el pánico de encontrarme frente a ella y no poder clavar de una vez los frenos o clavarle tres rolas de Mogwai, por lo menos. Y la angustianecesidadagresión que le infrinjo no es otra cosa que botones para pegar la realidad la de Borges, claro, en un ovillo mientras a salvo me reencuentro con ese pálido niño que llama desde hace tiempo y quiere fornicar despacio un playmovil Y decir, ciertamente, que ese que se masturba con alambre de púas en la diestra y un catálogo de lencería en la otra debo ser yo proyectado en una pantalla mil veces mil EXTERIOR. BOSQUE DE CEREZOS EN FLOR. NOCHE. Se asume que volamos inútilmente a la vista de todos, y los personajes no se habían dado cuenta de la faramalla justo cuando salían de sus casas huyendo del perseguidor. Chiva se queda viendo afortunadamente a la música de fondo retirándose en silencio. No nos vió volar, es justo. INTERIOR. CASA DEL QUE MÁS AGUANTE. SIN HORA. Una botella zurca los aires ante la mirada atónita y rítmica de los presentes en lo que ésto sucede, el alcohol ha hecho merma en todos, y la música ya no se escucha, ya nadie se interesa por el detalle. INTERIOR/EXTERIOR. PUERTA ENTREABIERTA U OJO. CREPÚSCULO. La botella sigue en su armario de éter-aire-o-lo-que-sea, suspendida pues. Chiva hace anotaciones en una hoja en blanco parado al centro del marco de la puerta afuera el sol se pone y es tan inmóvil como la botella de adentro. Los playmóvil y las chicas en lencería piden permiso al pasar a su lado. La hoja está en blanco Fin 87

Dimensiones efĂmeras

Las concepciones de Barbosa exploran diversos procesos experimentales vinculados al entendimiento de lo digital, estas permiten ir más allá de lo existente a través de una entidad que transmuta a cada momento. De la muestra se extraen fragmentos arbitrariamente pausados por el autor, que expone de esta manera un instante, una porción del espacio virtual sobre la que prevalece la forma intacta. Lejos de un lugar común, los pasajes de Barbosa se deslizan en un espacio impregnado de la sensación de no tener la certeza de nada, dada la frecuente hibridación de los elementos que ahí yacen entre los límites del a veracidad.

txt Anubis Mendoza 路 img Marcos Barbosa

Su obra va de la ironía al comentario político. Le gusta trabajar con chicas que se sientan cómodas desnudas y es surfista de corazón. Trabaja con varios materiales que van de textiles a fotográficos, pasando por intervenciones urbanas, como el graffitti y otros. Su obra es controvertida por utilizar discursos políticamente incorrectos, como mujeres desnudas disfrazadas por una gran vagina u hombres negros sosteniendo relaciones interraciales.

100

Colectividad, silencio, sonoridad y circuitos 101

102

http://sociacusia.net

104

Las nuevas tecnologías no sólo han procreado información y códigos binarios, se trata también del intercambio cultural y mediático que las ideas del hombre han generado con ellas, un caso: el cuestionamiento del sonido como memoria documental. Referirnos a arte sonoro en nuestros días tiene un absoluto infinito ya que cada día surgen movimientos alrededor de ésta y a la vez otro tanto de experimentaciones por un número indefinido de artistas, el acercamiento a la nuevas tecnologías y la inmediatez con la que surge la información respecto al tema han permitido que este tipo de arte se propague por el mundo como una especie de epidemia silente, megabytes mediante un cable… sshhh! Tras algunos años de investigación y propuestas, Yair López, optó por enjuiciar al sonido mediante la intervención del sentido auditivo, factor mediador del fenómeno experimental, con un fin único, lograr la gestación de un proyecto diverso. Escuchar para reunir y con ello conservar para compartir, es tan sólo un método con el que esta nave de sonido captura distintas entidades sonoras que se gestan en la abstracción sólo para convertirse en un arte, en piezas que para el bien de algunos han obtenido un espacio dentro de la extensa gama experimental, algo de esto es Sociacusia. txt miguel(así,sinapellidos) · img miguel(así,sinapellidos) y Sociacusia

105

Ya aunado a este proyecto, Javier Audirac, fortaleció el proyecto para constituirlo no sólo como la búsqueda de la experimentación sonora y electroacústica, sino como la madre gestora de una variada clase de programas, es decir, la experimentación sonora, independiente de cualquier clasificación, no sólo quedo en manos de sus creadores sino que se convirtió en un espacio para el desarrollo de muchos más. Con talleres, conciertos, charlas y colaboraciones, Sociacusia ha creado un distintivo grupo bajo la participación colectiva. Anclar el sonido con distintas herramientas, medios poco convencionales, la recreación con diversos grupos sociales, entre otros, han formulado una estructura de experimentación que ya comienza a mostrar resultados.

107

108

López y Audirac se inspiran en el Laboratorio Sensorial, instalaciones que han abierto las puertas a dicho proyecto con el objetivo de otorgar un espacio que cumpla con los requerimientos adecuados para soportar, sino es que todas, por lo menos la mayoría de las actividades que éste desarrolla. Algunos circuitos eléctricos, conciertos a poca luz, niños sonrisas, han sido tan sólo unos de los tantos que han procreado a lo largo de tres años. En Sociacusia el sonido es el arma fundamental, el cuerpo en el que se dispersa la monotonía de la abstracción y frecuenta infinitas constelaciones que permiten al escucha a concebir de otra manera el gusto por el sonido. Generar, el lema es generar. Sin precisar una teorización estos señores como cerebro del proyecto, ya que también hay otros nombres involucrados en él, fungen la conceptualización de los aspectos primordiales y como alas instantáneas es la muestra que entregan semanalmente mediante su propio programa de radio, Sociacusia ciclo.

109

110

111

Encore Las partes de este proceso derivan en un ruido de voces distintas al unísono y no necesariamente componen una canción, el encoré de Malganis demanda la conexión de los nervios auditivos con los nervios ópticos para dar paso a la interpretación de un grito o una narración sonora de una profundidad poética reveladora. La necesidad de construir una entidad con tantas posibilidades nos acerca a lo desconocido alimentando la curiosidad de quien permanece inerte tratando de comprender el valor de la obra.

txt Anubis Mendoza y Malganis · img Malganis

Encore es un proyecto multimedia que busca transformar el sonido en una representación plástica, el origen del proyecto parte de crear en principio una base de piezas auditivas que transmutarán para así obtener una obra multimedia en la que el espectador pueda apreciar los matices de la adición de distintos registros sonoros. Este proyecto se nutre de la sesión de 5 grabaciones de Noise Music interpretadas por 5 distintos artistas, más un encore cuya base es la improvisación. La generación de un espectrograma donde se registra la mezcla cada una de las grabaciones es el producto que concluye el proyecto.

113

http://encore.goliathfx.com

El humano y la máquina

-Hay que ser superior a la humanidad por fuerza, por altura de alma,- por desprecio… Friedrich Nietzsche

Hablar de la obra de Sterlac es poner en tela de juicio ideas intrínsecamente humanas, juicios de valor del tipo bueno o malo, la pregunta sería ¿es bueno o malo, el pensamiento que se da a raíz de la obra de Sterlac? ¿es bueno o malo, pensar más allá de lo estrictamente humano como son las sensaciones? Es hablar de conceptos relacionados con la computación como interfaz, cyborg, estos están estrechamente ligados a lo humano, lo que para Sterlac es ser humano o transhumano más propiamente dicho; transhumano porque el autor plantea en sus ideas primordiales que “el cuerpo está obsoleto”, el cuerpo está ausente, es fantasma, es abandonado, y no se trata de un abandono del físico como fuga o rechazo de él, sino, es más bien, un paso adelante, una nueva forma de integrarse al mundo influido por la tecnología. Es un concepto posterior al que tenemos aún arraigado en la humanidad, en la mente de la mayoría, se abandona la idea de la auto-posesión, del dominio de sí mismo y se da cabida a la robótica, a la internet, a la biotecnología, para que posean al cuerpo. 116

http://sterlac.net Sterlac plantea una amplificación del cuerpo, por medio de la utilización de instrumentos médicos, prótesis, sistemas de realidad virtual, etcétera, para explorar alternativas, para ocupar lo que pensamos como cuerpo, un cuerpo que es ya arquitectura, y como tal puede ser construida y modificada de acuerdo a las exigencias del medio en donde se desarrollará el proyecto arquitectónico. Un ejemplo muy común de esta relación de la vida humana y la tecnología es el marcapasos en donde la dependencia de la persona hacia el aparato es del cien por ciento ya que si el aparato deja de funcionar o falla la calidad de vida de la persona se ve disminuida, entonces dicha interacción entre máquina y persona es de total armonía; este tipo de interacciones son las que nos permitirán llevar la existencia de la raza humana o posthumana a otras partes de la galaxia y más allá de lo que aún podemos imaginar… 117

txt Luis A. Ch. Flores 路 img Mar铆a Zamora

Si tenemos en cuenta que el soporte del performance es tan solo el espacio y el tiempo en donde es ejecutado y todo lo demás que sucede alrededor de este acto es tan sólo documentación, entonces lo más importante es el sustento filosófico de éste y no la adoración del objeto como es en la mayoría de las obras de arte. Por un lado podemos tomar el performance de Sterlac como una exageración, como un extremo y esto atiende al instinto de conservación o a la clara tendencia a atesorar las cosas como están, como las conocemos, esto para no movernos de la zona de confort, de la zona de conocimiento absoluto, es como si nos mostraran otro camino para llegar al mismo punto y nos negáramos a seguir dicho camino nuevo y volviéramos a andar sobre nuestros mismos pasos una y otra vez. Por otro lado podemos tomar la obra de Sterlac como los primeros indicios de lo que será el humano en un futuro, de lo que está por venir para nosotros como especie y el cómo se desarrollará la existencia de nuestra raza bajo otras circunstancias, bajo otras normas y otras ideas y tal vez otros espacios. Sterlac, pues, nos muestra los primeros pasos hacia lo que serán los posthumanos, las posibles circunstancias y cualidades del humano en los tiempos venideros. Hacer una lectura futurista de la obra sería lo más acertado, sin asustarse ni dejarse llevar por la moral tradicional, podríamos decir pues que Sterlac hace planteamientos para el futuro, para lo que está por venir. Hagamos un ejercicio de imaginación y pensemos en ciudades habitadas por miles de cyborgs conviviendo en armonía con el entorno (que por cierto no lo considero favorable) y llevando consigo todo tipo de dispositivos que permitan que dicha existencia se lleve de una manera plena y satisfactoria, donde todos exploten sus posibilidades y disminuyan sus discapacidades. Entonces si en palabras de Nietzsche lo malo es todo lo que procede de la debilidad, no veo lo malo en proponer formas de fortalecer y asegurar la existencia de la raza humana en un futuro venidero, creo que simplemente será otra forma de habitar el cuerpo. 119

120

Sound system con baile fogoso

121

txt miguel(así,sinapellidos) · img miguel(así,sinapellidos)

Cuando escuchamos las canciones aquellas que el pueblo mitifica después de una larga historia marcada por una época bonita, el recuerdo es inevitable. En cuanto al sonido de México ha sido particularmente la cultura popular la que se ha distinguido en contemplar dichas obras y por siguiente, mantenerlas en la línea del tiempo como la diversión que alegra el alma, sostener los sentimientos de felicidad y de picardía es la frecuencia del corazón. Algo bueno, bonito y bailable es lo que acontece en nuestra época con canciones de antaño, Panteon de Belen Sound System. De Guadalajara, surgidos del barrio al que hace homenaje su nombre, tres hombres encapsulados en la diversión y en el desenfado se propusieron ser una cara distinta de la mezcla del bit mexicano. Con una propuesta musical de entretenimiento puro y de gozadera absoluta es lo que estos jóvenes realizan en las manos de su espectáculo. Con sonidos de la cultura popular mexicana, como si fueran lotería, se han encargado de dejar de lado la idiosincrasia de la cultura del ámbito electrónico al utilizar lo que el goce y el arrabal del mexicano expresa en su ánimo de fiesta, del pueblo para el pueblo. 122

Rolitas de corte sutil con mezclas efímeras y visuales con síntoma de festividad diaria, son la creación de un concepto único en que el baile y la espontaneidad hacen de las noches de quienes disfrutan de Panteon una ola de gratificación, y a su vez, una burla para otros tantos del género. Así, la tecnología en cooperación con el performance que arrancó con una gama pastel de verde, rosa y azul en unos chambelanes, se ha incrementado hasta llegar a los cybermariachis que son hoy día y acompañados de las tradicionales lechuguillas y del envase tan peculiar que llevan en mano, el mezcal Tonayan, procuran un efecto único de esparcimiento y diversión total con la inmersión en el público, sin olvidar los peculiares y libidinosos visuales que le agregan al efecto Panteon. Un proyecto electrónico del “populacho” con una ridícula perspectiva por aquellos que suben al escenario a observar al computador desarrollar los remixes, es la oda que Panteon propone: desmitificar al dj de su excelsa gracia y de su hermosa indumentaria. Panteon de Belen se ha caracterizado por la empatía que genera con su público en donde da lo mismo el folclore y el lujo, en el que las clases sociales empatan y generan un caos para reordenar la mofa del business electrónico. Con personalidades ocultas en el escenario, Rodo, Bogarín y Casarín, vj, dj y remixer respectivamente, configuraron nuevas imágenes de personajes como Chabelo y Paquita la del Barrio para lograr con ello un spleen de lumbre candente, Panteon se trata pues de un furor enigmático que obliga a la sonrisa a expresarse conforme la vista y el oído, y todo, simplemente todo, por el magno evento de disfrutar.

126

http://soundcloud.com/panteondebelen

Vicisitudes en net art

129

En esta breve muestra, Vhaldemar conjuga mitología, fantasía y misticismo como un aporte de su creatividad personal con variaciones de registros urbanos. Las posibilidades de la imaginación de Madama son vastas, y es por eso que a veces se nos presenta con una autenticidad que denota consigo el cambio cultural que trajo la era digital. Su creación mira con frecuencia a estampas que dejan atrás la pulcritud y que sin embargo, van marcadas por la inocencia de un niño. txt Anubis Mendoza · img Vhaldemar Madama

130

134

135

136

apocrifa.com.mx