Catalogus Expositie SBK Sprouts Young Talents 2021

COLOFON SBK Sprouts team: Caro Bensca Manon Funcke Yvonne Ploegsma Vera Schoffelen Priscilla Tosari Jenn van Voorthuisen Foto’s: ©Deelnemende kunstenaars Met dank aan: Amsterdams Fonds voor de Kunst, Prins Bernard Cultuurfonds, Florent, kunstenaarsvereniging Arti et Amicitiae, Loods 6, Stichting Otto Hetterscheid, Hanne Hagenaars en Alexander Ramselaar.

Voorwoord

Jurel Bakker Clara Berger Maikel Deekman Sina Dyks Sophia Maria Favela Wumen Ghua Manjot Kaur Hanneke Kiefmann Jaehyun Kim Vivian Mac Gillavry Luke McCowan Jochem Mestriner Nona Mooij Daria Lou Nakov Angel-Rose Oedit Doebé Marjolijn Rijks Bas Schippers Hagar Schuringa Lou-Lou van Staaveren Tian Teng

4

6 8 10 12 14 16 18 20 22 24 26 28 30 32 34 36 38 40 42 44

LINK Yasser Ballemans Jarik Jongman Semna van Ooy Jan Theun van Rees

46 48 50 52 54

NETWORK Tibor Dieters

56

Over de SBK Sprouts Young Talent Award Over de SBK-Otto Hetterscheid Stimuleringsprijs

58 60

VOORWOORD Vol trots tonen we van 6-12 oktober voor de zevende opeenvolgende keer de SBK Sprouts Young Talents 2021, een expositie van de 20 beste afstudeerders van de kunstacademies van Nederland.

Door COVID-19 ging SBK Sprouts in 2020 helaas niet door. De academies waren dicht en het afstuderen gebeurde online. We waren dan ook zeer verheugd dat alle afstudeerders dit jaar weer de mogelijkheid kregen rond de maand juli hun werk live te presenteren.

Het valt dit jaar op dat de jonge kunstenaars de inspiratie voor hun werk vaak dicht bij zichzelf zoeken of in hun directe omgeving.

Dromen, emoties, familie, natuur, architectuur, kracht, strijdbaarheid, maar ook de ongelijkheid van de vrouw zijn veelvuldig terugkerende thema’s.

Evenals in 2019 is ervoor gekozen om het werk van de ‘Sprouts’ in een kunsthistorische context te plaatsen en hiervoor gerenommeerde kunstenaars uit te nodigen van de kunstenaarssociëteit Art et Amicitiae. Onder de naam LINK nemen zij deel aan deze SBK Sprouts Young Talents expositie.

Het doel van SBK met de Sprouts exposities is de jonge kunstenaars een springplank te bieden richting de ‘echte’ kunstwereld.

Naast de (verkoop)exposities organiseren we speeddates, waarin ze gesprekken aangaan met directeuren van musea, galeriehouders, kunstverzamelaars en gerenommeerde kunstenaars. Verder is er een speciale avond i.s.m. Young Collectors Circle en in het kader van de samenwerking van Arti et Amicitae krijgen alle kunstenaars de mogelijkheid een aantal jaren aspirant-lid te worden van deze bijzondere kunstenaarssociëteit.

4

Tijdens de opening worden twee prijzen uitgereikt: de SBK Young Talent Award en de SBK-Otto Hetterscheid Stimuleringsprijs.

De eerstgenoemde prijs wordt gecureerd door een onafhankelijke jury die dit jaar bestaat uit Hanne Hagenaars en Alexander Ramselaar. De winnaar van de SBK-Otto Hetterscheid Stimuleringsprijs wordt gekozen door het artistieke team van SBK en twee leden van de Stichting Otto Hetterscheid.

De winnaar van de SBK Sprouts Young Talents Award wint een solo-expositie. In 2019 won Tibor Dieters deze prijs. Zijn expositie Network opent tegelijk met Sprouts bij SBK Galerie 1. Van de winnaar van de SBK-Otto Hetterscheid Stimuleringsprijs wordt werk aangekocht voor in de collectie van de SBK Kunstuitleen en ook krijgt hij/zij het opeenvolgende jaar een solotentoonstelling.

Reeds vele jaren ondersteunen het Amsterdams Fonds voor de Kunst en het Prins Bernard Cultuurfonds de SBK Sprouts exposities.

Ook dit jaar was het zonder hun steun niet mogelijk geweest en SBK is hen hier zeer dankbaar voor. De meeste credits gaan echter naar onze collega’s. Zonder hun bevlogenheid en betrokkenheid is het niet mogelijk een event als dit op zo’n professionele wijze neer te zetten.

We zijn bijzonder trots op ons team en op onze organisatie.

Eduard ter Schiphorst (algemeen directeur) Vera Schoffelen (artistiek directeur)

5

Jurel Bakker ‘In my work I search for the boundary of what we consider as nature and how we can question this limit. I commit to urgent matters and have always been involved with topics related to the climate crisis.

With my work, I want to create awareness in an accessible way.

‘Neo Nature’ is a visual investigation into the representation of nature in bathroom products. Showing a new emerging nature that surrounds us in our everyday life. We see nature appearing on products more and more, meanwhile, real nature is disappearing due to human action.’

Neo Nature Date | 2021 | 1080 x 1920 Video Installation

6

KUNSTACADEMIE: AKI ArtEZ

7

Clara Berger ‘This project is based on one single moment where a pigeon flew through a closed window at my grandaunt’s place soon after she passed away.

It zooms into this one single moment from various perspectives and questions the truthfulness of it.

Was this pure coincidence or my grand-aunt who wanted to return to her old life but this time as a pigeon? „The Sky Was Clear a Minute Ago“ consists of a set of eight different images where I am working with multilayered backgrounds and elements that repeat in different ways.

By playing with repetition I want to emphasize on the surreal nature of this situation.

Did it really happen or was it just a dream?

As a studio based photographer I am interested in how reality is constructed. The photographic image is not only created by releasing the shutter but it’s based on sketches, staging and post production.

Through these methods I am playing with the viewers perception and I am testing the boundaries of the image. In my practice the single image overweighs the concept of telling a story through a series.’

Pigeon | 2021 | 84,9 x 118,9 cm studio construction/ photoshop

8

KUNSTACADEMIE: KABK Den Haag

9

Maikel Deekman Maikel Deekman (1971) is a Dutch artist with roots in Suriname. Inspired by traveling artists, he ascribes his development as a ‘hybrid’ artist to a cross-fertilization of his personal, and different cultural backgrounds. Given these a linguistic, political, cultural and anthropological perspectives, he forces himself to think about identity and positionality and that strongly inspires his work. Deekman has a specific sense of colour, material and texture. He uses, for example, hard and ‘ready-made’ materials such as metal, wood and glass that naturally find their way to him. He creates artworks that tell stories.

In his thesis Fabric to connect, Deekman investigated the connections between fabric patterns, culture and art, prompted the creation of his ‘hybrid’ artwork: ‘Digital Patchwork Framed Mamjo & Framed Skin Installation’.

Colour, material, texture, rhythm are the ingredients of this thinking in Western, Surinam and African ways.

Deekman makes connection with both cultural traditions, including contemporary codes, outside of the art field through this he creates a new perspective, new human relationships.

10

KUNSTACADEMIE: Gerrit Rietveld Academie

Digital Patchwork Framed Mamjo Installation & Framed Skin Installation

11

Sina Dyks ‘I am a textile designer with a great passion for color, material, structure and techniques. Over the years I have specialized in weaving, including jacquard, and I dive into color and the use of color. I am always concerned with the aspect that makes material interesting and stirring.

Looking at something from a technical perspective helps me to come up with new ideas and innovations.

The influence of our senses determines how we perceive things and how we see the world. However, aspects such as culture, genes and upbringing do have a major impact on this. External stimuli are like the bits and bytes that a computer converts into logical composite units. I actually think it’s like weaving where the bits and bytes are like the warp threads and weft. All together they form a woven fabric.

The stimuli that are perceived by our senses, generate activity in the brain.

This process influences our DNA and therefore stimuli influence our DNA. This influence has an effect on our behavior and on our being, but above all on the choices we make.

How I am going to perceive things today, you nor anyone else will ever know.

In a way we do have a lot of influence on perception and we can learn many things ourselves. By giving a lot of attention to something you find interesting, you can get better at it. Because of the fact that you used to be interested in a certain subject, you might see and experience things differently today.

Collection Stimuli Wiring System is built on this friction, tension and the richness of our wiring system that happens in your body and affects our

24 12

KUNSTACADEMIE: KABK Den Haag

brain. I searched for continuous movement and the richness from how our body is built.

By creating a field of tension for the brain, you will experience it as interesting, beautiful or exciting. By using the right color combinations in work in which a lot happens, I can still present these in a calming manner.

I pay attention to the psychological effect of colors,as well as the needs of people in them, so that I can sense and satisfy them.That’s exactly what I want with my textiles. I want to show people all the beauty and richness that the world contains in color.’

13

14

Sophia Maria Favela HEAR US NOW ‘I was brought up in a world where women are silenced. We were taught to be quiet, to shrink ourselves, make ourselves smaller.

The violence of the system we live in has overpowered us and we let it happen — until we didn’t.

We are here, standing tall on the shoulders of our ancestor angels.

They have whispered in our ears “take up the space that is rightfully yours”. The whispers became louder, inspiring our voices to grow stronger.

Continuing this beautiful train reaction; giving courage to others to speak up.

The strength of a woman is limitless. Our vulnerability is our power, our rage is our source and our words turn into healing, solidarities and communities.

We are a chorus of voices that will not be silenced.’

From the series Hear Us Now | 2021 Fine Art print | 75 x 60 cm (Baryta paper on dibond)

KUNSTACADEMIE: KABK Den Haag

15

It is another river that I seek | 2021 Oil on linen | 200 x 330 cm

16

KUNSTACADEMIE: KABK Den Haag

Wumen Ghua Wumen Ghua takes you with her paintings to her homeland-Inner Mongolia. The area has an eventful history in the 20th century, lying on the borders with Mongolia and Russia. During the Japanese occupation of the area in World War II, heavy battles were fought and their losses on the spot ultimately made the Japanese decide not to realize the Tokyo-Berlin axis via Siberia, but via Southeast Asia and the then Dutch East Indies.

In her work-It is another River that I seek, Wumen Ghua shows aspects of that almost forgotten history, in which not only the facts but also the mythology and cultural definition of the area’s role played in our interwoven global history.

17

Manjot Kaur ‘My drawings, paintings, and time-based media summon the mystical, scientific and absurd to draw attention to the current socio-political predicaments and the sovereignty of nature.

Use of borrowed imagery and text bridges the past and present, while imaginative, fantasy-inducing zones of abstraction invite viewers to contemplate the legacy of landscapes that we exploit and inhabit.

Cross Pollinating ancient mythologies and historical narratives, I counter-narrate the iconic motifs and attributes, or set them in juxtaposition with one another, to allow opportunities for critical reflection. Threaded throughout are revelations of sexuality and fecundity, also contemplating human population demographics and its increasing imbalance with other inhabitants and inheritors of the earth. How should we respond to current needs while also holding space to think about both human and non-human generations to come?”

At times I set these concerns within metaphorical landscapes that meld images of regeneration, reproduction, cosmology, and microbiology. As humans and nature continue to adapt to ever-changing, increasingly hostile environments, my work offers both dire warnings and a place of refuge.’

Kalaratri-the violence of Mother Nature that encompasses death and destruction | 2021 | 32 x 42 cm (with frame) Gouache and watercolour on paper

18

KUNSTACADEMIE: Jan van Eck Academie

19

Hanneke Kiefmann ‘I perceive painting as a place of encounter and exploration of the concept of the ‘self’ in relation to painting. I constantly look for this confrontation as to examine what the relationship consists of and what form the communication can take on. It doesn’t only take place in the studio, I want to take the painting into my world, on walks, for example, to face it in a different environment and evoke new ways of connecting to it. As to overstep the border of approaching a surface and open up the space of the painting.

The concept of the self I would formulate in questions such as: how do I integrate myself into the world?

How do I make sense of the reality I created around myself, the outer world?

What role does painting play in this?’

20

KUNSTACADEMIE: AKI ArtEZ

Durchleuchtung eines Gesprächs | 2020/2021 300 x 300 cm

21

Jaehyun Kim Jaehyun Kim (1993, South Korea) currently lives and works in the Netherlands. Based on traditional East Asian art education, he observes and investigates on the point of grafting between incompatible things to understand the gifts of nature. He uses media such as, painting, relief printing and sculpture depending on the spectrum and speed of the scene he wants to capture.

He sees nature as the most neutral area where in signifiants can communicate in a modern society that is losing its common truth. The attitude of contemplation is a way to receive inspiration from nature for his work, and presents a certain sense of distance where his work can be located. He collects the colors, textures, and shapes of natural objects through repeated observation, and recombine the properties of living things by layering them with different approaches.

From that point of view, understanding the properties and speed of each material in his work is a process that takes precedence over expressing certain features. The relationship between heterogeneous materials, and the relationship between materials and gestures is a language belonging to a domain that we already intuitively understand everywhere. Rather than depicting the characteristics of an object or phenomena, he is interested in how such an intuitive language can be conveyed as a still image of a picture. In the work “Talk”, which is representative of his recent work, he provides his painting as a space. He expect the audience to witness what belongs to their ambling, strolling minds through his work. By walking through this realm, the audience will share in the never-ending dialogue between conscious and unconscious thought. The instinctive expression of our emotions, the meditative observation of the forces of nature in us that form our minds, is the goal of his visual work. It aims to create parallelism between painting and perception through painterly surfaces similar to earth.

22

KUNSTACADEMIE: Frank Mohr Instituut

Talk | 2021 | 200 × 150 cm | Ink, acrylic, spray paint, oil on canvas

23

Ramifications 1 | 2021 205 cm x 150 cm | Mixed media

24

KUNSTACADEMIE: Gerrit Rietveld Academie

Vivian Mac Gillavry ‘My practice is influenced by my background in anthropology. My work often starts with a question, when the work develops further even more questions arise.

Yet, I believe the artworld is a place where you do not necessarily have to have an impact on society, where things do not have to be useful or make sense. Art can be a place where fact and fiction are intertwined.

I want to create a sort of world or landscape in which the viewer is encouraged to wonder or fantasize about the forms and their stories and meaning. These iron sculptures are created by what I call ‘intuitive welding’. They are inspired by patterns and phenomena of growing and splitting.

I am fascinated by the different types of ramifications found in everyday life. For example, in the splitting of tree branches, in bodily systems like veins, or in human-built systems like roads.

The almost pattern-like elements that can be seen in both the drawing as the sculptures capture the rhythm of some kind of growing organism.

Although I work with a solid material, I try to give the sculptures a light and playful character to suggest the feeling of three-dimensional drawings, that interact with the drawing on paper and their surroundings.’

25

Bedrock: Island Camping | 2021 170 x 150 x 2 cm | Oil and acrylic on canvas

26

KUNSTACADEMIE: HKU

Luke McCowan The large scale paintings of Luke McCowan reveal an interplay with depth, space and layering within the paintings themselves.

As McCowan uses his fascination for collage to create balanced, challenging compositions, the artist includes several personal elements that generate a texture and depth in an immaterial sense.

Between the blurred photographs and geometrically aligned compositions of rocks, glass, or crystals, McCowan reveals an interaction between different approaches to his medium of choice, bringing together the worlds of photography and painting through the depth of focus in his layered work.

While most of the photographs that appear in his works come from his archive of family photo’s, the stones in his paintings provide a geological sense of memory and place, as they are natural to the area in Wisconsin, USA, where McCowan grew up. By blurring the photographs underneath, their memories are not just held in place by the stones, but also border a more abstracted sense of memory and passing of time that goes beyond that of either artist or spectator. McCowan’s fascination for this manipulation of imagery in painting, combined with the more naturalistic textures and nostalgic subject matter, gives way to multilayered and immersive compositions.

Text: Menno Vuister

27

Melchior’s paard in spore creature creator | 2021 Oil, spraypaint and white gesso on canvas | 155 x 190 cm

28

KUNSTACADEMIE: HKU

Jochem Mestriner In the associative and philosophical works of Jochem Mestriner all sorts of real and fictional characters, scenario’s and narratives appear. Inspired by literature, video games, art history and language, Mestriner’s approach starts with reading and writing. Writing himself as much as reading, the artist triggers thoughts, associations, characters and shapes; sometimes reminiscent of epic tales that predate us, sometimes wildly unfamiliar. By rewriting, rethinking, shaping and reshaping, eventually his work materialises into the paintings we see. Mestriner’s works, in that sense, are like a continuous exercise of thought in which characters from one painting can easily appear again in others and new patterns or narratives can suddenly emerge.

Different stories and scenarios also require Mestriner to paint in different styles. Keen on single brushstrokes, he enjoys expressing the painterly nature and futility of imagination. Bordering the absurd at times, Mestriner’s paintings challenge the spectator to read into them. The true anecdotes behind the paintings, however, are not easily revealed, bordering humour, weirdness, and the epic character of classic stories.

Text: Menno Vuister

29

Nona Mooij Nona Mooij was born in Amsterdam in 1998, where she stayed all through childhood and schooling and currently has her studio. In 2021 she graduated from the Fine art course of the HKU. Nona Mooij makes small-sized works with distinct painterly gestures. Her paintings are part of a continuous process in which Mooij brings a balance in her works that contains just enough friction to challenge, but is always in harmony. This is done by assessing every painting when its finished and seeing if she has to lean more into the abstract or pull back a bit, causing the level of detail to fluctuate constantly.

While Mooij paints from photographs of remarkable, joyful or intimate moments from her personal life, she deliberately blurs her depictions. She does this by imposing various restrictions on herself during the process of painting, such as working solemnly with a specific type of paint, using large brushes, or by painting in certain patterns or shapes.

As a figurative painter, Mooij regards abstraction as a troublesome notion, but this is exactly where her quest towards balance begins.

By applying restrictions and abstraction, she adds a more universal appeal to her work. While retaining the intimacy of her own memories, the meaning of the work no longer belongs to her, but opens up to the interpretation of the spectator. She leaves questions unanswered, causing viewers to instinctively fill in the gaps with their own experiences. Brings the viewer and the artwork closer together.

Untitled, part of ‘Soon to be’-serie | 2021 30 x 24 cm | oil on canvas

30

KUNSTACADEMIE: HKU

31

Daria Lou Nakov

‘Drawn to create physical experiences by buildingspace made of images, both real and imaginary. In my work I investigate the reflection between images and spaces, by composing abstract imagery.

In my work ‘Coté Jardin’ I investigate our relation to images and their physicality. Both within the images themselves and the space where they stand in, therefore changing with each installation. The same way these spaces change completely within each composition.

By merging both three dimensional models and photographs created to that effect, I question our way of experiencing space within this visual world. In the space made with these images I create a physical experience, pulling back the abstraction into an ephemeral reality. I aim to turn the question around and create an experience of this visual abstraction in our physical space.

When looking at an image the first thought is to question where does that depict. In my composition I like to free the viewer from that and ask what is that ? And make them look not because they recognize somewhere or something but look to discover somewhere or something.

I like to push the boarders of realism within photography to activate the viewers and make them question what they are looking at.

Interested in mixing the old and the new in my work, for that I make use of both analog (my hands, photograms) and digital tools. I believe analog and digital technics need each other to enrich one another.

These technics bring me both the physicality and the imagery to create with realism and imagination, to question what role can abstraction play within photography.’

Pigeons, part of the Installation ‘Coté Jardin’

32

KUNSTACADEMIE: Gerrit Rietveld Academie

33

Angel-Rose Oedit Doebé Angel-Rose Oedit Doebé is a Dutch-Surinamese visual artist from Amsterdam.

She describes herself as a visual artist who is rooted in the medium of photography. She creates photos, mainly self-portraits, installations, ready-made sculptural work and works with archives.

Besides her visual art, Angel-Rose is invested in activism, social rights, feminism, writing, creative direction and is involved with children in a creative manner.

The artist works from her own created perspective called ‘the Angel-Rose coloured glasses’.

It’s a world where she expresses her bold opinion on marginalization within the white, western society. She does this by creating a mixture of pop culture, camp, and activism through her art.

It’s almost a satirical way of expressing her opinion.

Society was not built for her, but the artist is claiming her space loudly through her artistry.

Racism has left the chat | 73 cm x 43 cm

34

KUNSTACADEMIE: HKU

35

Cherished Alchemy You are transforming, Everything around you and within you is in a permanent system of change, a constant process understood as a system of flow. Materials and forms are subjected to changes of state and purpose.

Marjolijn Rijks’ practise cherishes and celebrates this importance of things through acts of creation and destruction. Rijks is aware that both matters and value mutate - especially our evaluations of things. This occurs in a constant process of revision to whose eternal laws she adapts her production. Previous works become raw material for newer creations in a concrete attempt to answer an urgency of renewal. Paintings are destroyed into pieces, or fused together by interventions with different sets of materiality, an encroachment on the century-old tradition of painting: plastics, epoxy and polyrutherane impregnate and assimilate what was before their intervention, altering to a new entity. This ongoing process of transmutation and its implicit suggestion that everything can be distilled, refined, and recombined, posits the premise of a universal interconnectedness. Rijks, pursuant to an alchemic reading of life, sees everything as a momentary configuration with varying concentrations of original substances and principles. The physical and spiritual are interrelated in the balance between mind, spirit and body. Within this understanding, art has the power to manifest the presence of transcendence through its concrete realisations. The facticity of transcendence is yielded by the primary of intuition. In Marjolijn Rijk’s experience, it appears in two different yet related forms - understood to emerge from different sources, from a metaphorical “above and below”.

The first form is one of vision, whereby an idea appears as a clearly defined image.

The second stems from materials, from the act of experimenting without a preconceived plan in mind. These two principles define the modalities through which ideas are configured as transformative experience, materialised into processes and projects.

Text: Elisabetta Cuccaro

Hold it together | 95 x 76 cm | acrylic paint, canvas, epoxy & PU

36

KUNSTACADEMIE: Frank Mohr Instituut

Marjolijn Rijks

37

Pony | 148 x 122 cm | acrylics and spraypaint on MDF | 2020

38

KUNSTACADEMIE: AKI ArtEZ

Bas Schippers What are you, a sissy?

‘When I was about 7 years old my mother bought me a Spice Girls cd, I was too embarrassed to buy myself.

When I had friends over to play I’d hide it under my bed.

I remember very well in 8th grade how scared I was when I was biking for my life while being chased by other boys on mopeds that wanted to beat me up. I never understood what I did to make them mad. Still the fear and running away changed something in me.

Painting for me always came from a place of inner conflict.

I always was a lot softer than other boys and didn’t understand how they could hurt one another. Everyone seemed to be so convinced of things I saw completely different. Like there was a code of conduct that was the norm to everybody but I didn’t get the memo.

All of this has contributed to my desire to be physically imposing.

I see the bodybuilding lifestyle that I live as an undocumented performance that informs my painting practice. I am my own muse and try to confirm as well as challenge hyper-masculine traits and features.

Painting has enabled me to approach things that I thought or felt with more distance and to explore and imagine alternative views.’

39

40 46

Hagar Schuringa ‘In mijn werk, dat doorgaans bestaat uit tekeningen, schilderingen en installaties, vertaal ik de dagelijkse objecten en de omgeving om mij heen.

Ik onderzoek hoe verschillende vormen zich tot elkaar verhouden en hoe deze vormen kunnen veranderen wanneer ik hen steeds een nieuwe context of compositie geef. Mijn werk is daardoor vaak fragmentarisch opgebouwd en bevindt zich regelmatig op het snijvlak van het twee- en driedimensionale.

Voor mijn afstudeerproject maakte ik de installatie ‘Een eiland voelt soms als een schaalmodel van iets groters dat je nog niet begrijpt.’

In de installatie bevraag ik hoe we ons verhouden tot onze omgeving.

Het gegeven van een eiland vormt in de installatie de rode draad.

Een eiland bevat een beperkte hoeveelheid ruimte en is geïsoleerd.

Tegelijkertijd staat een eiland symbool voor vrijheid en hangt er een idyllisch beeld om haar heen. Deze contradictie vormt het startpunt van mijn installatie.

Via dia-projectie, collagetechnieken en proza onderzoek ik het verlangen naar de individuele ervaring van vrijheid. Ik wil laten zien hoe we ons conformeren aan de omgeving, hoe we voortdurend een houvast zoeken. Daarnaast zie ik het als een uitdaging verschillende media samen te laten smelten tot één geheel en is mijn werk tegelijkertijd ook een onderzoek naar kleur en vorm.’

Installatie ‘Een eiland voelt soms als een schaalmodel van iets groters dat je nog niet begrijpt’

KUNSTACADEMIE: Gerrit Rietveld Academie

41

Lou-Lou van Staaveren

Marqueyssac | 2021 100 x 150 cm | Diasec mounted on dibond

42

KUNSTACADEMIE: KABK Den Haag

‘Coming from a family of flowers growers, I have always been drawn to plants and greenery. Over the past years the garden has become the arena of my photographic practice. It is both my playground and my lab. Gardening and photography are very similar to me: both are all about applying and restraining from control and about imagining future possibilities.

I use photography to turn my head inside out. My photographs present the world as I see it: similar to the one we know, only more green, harmonious and saturated. I want my work to spark a sense of eerie wonder and to challenge my audience to question their anthropocentric position. What does it mean to idealize and control our natural environment? And how can we (re) establish a sustainable relationship to it?’

Pleasant Place ~Portrait of a garden The garden is not far from my home. It is green and colorful, enclosed by tall hedges of yew and hornbeam. The garden is enormous, but it’s clever design with many different garden rooms makes it feel cozy and intimate.

There’s a pond with water lilies, a greenhouse, a flower covered hill, a vegetable plot, a shed with tools and a cat, a little forest, a maze, an orchard and much more. No place is better for playing hide and seek, for casual strolls, for contemplation.

Gardening and photography go very well together. In essence, the two are surprisingly similar. Both the gardener and the photographer slide along the same scale of control, with observation on one end and intervention on the other. Both construct new realities – paradises or utopias if you will – the gardener using landscape and the photographer using images.

Pleasant Place is the English translation of Locus Amoenus: a literary concept describing an idealized natural retreat inspired by the Garden of Eden and Elysium. This remote garden hide-out functions as a landscape of the mind, serves to highlight the difference between urban and rural life and is a place of refuge from the processes of time and mortality. Welcome to my pleasant place.

43

Tian Teng In large paintings Tian Teng reveals intriguing scenes of everyday life in Dutch cities. Coming from China, her vision on the Dutch everyday life is perhaps that of an ‘outsider’ or tourist. This allows her to reveal specific details that are of interest even to lifelong inhabitants, as she points her gaze towards those things that might, in their mundanity, go entirely overlooked. While her previous works, including drawings, prints, and collages, came together impulsively, the series of large paintings she presents at her graduation are made in a concentrated manner, as she focusses on countless details, playing out scenario’s and narratives related to the spaces she depicts.

While almost always based on selfmade photographs, the most important feature of the paintings is contrast. By showing both the inside and outside of the spaces she paints at the same time, she reveals an interplay between dark and light, interior and exterior, and challenges the spectator to explore details and meaning within the paintings. At the same time, the paintings direct the gaze from outside to inside or vice versa, showing both a personal and more general perspective on how everyday life can be seen. This approach does not only result in rich, detailed scenarios, but also brings about questions about how our cultural background is important in how we regard the things we see everyday.

The Shape of Unseen 4 | 2021 110 x 130 cm | Oil on canvas

44

KUNSTACADEMIE: HKU

45

LINK Ook dit jaar wordt het werk van de ‘graduates’ weer tegelijk gepresenteerd met werk van andere kunstenaars.

Net als in 2019 hebben we voor de begeleidende expositie LINK samenwerking gezocht tot kunstenaarsvereniging Arti et Amicitiae.

Door het recente werk van Yasser Ballemans, Ersin Ekin, Jarik Jongman, Semna van Ooy en Jan Theun van Rees, kunstenaars die zich al bewust zijn van hun identiteit en hun eigen koers hebben bepaald, naast dat van de recent afgestudeerde Sprouts te tonen, ontstaat een interessante vergelijking.

46

47

48

55

Yasser Ballemans ‘Als beeldend kunstenaar ben ik geïnteresseerd in de rol van kunst bij rituelen, zoals parades, kampvuren, carnaval en herdenkingen.

Ik onderzoek daarom hoe ornamenten, versieringen en “ouderwetse” technieken op een eigentijdse manier kunnen worden ingezet.

Ook het gegeven dat in vroegere culturen vaak in gezamenlijkheid tot kunst en verbeelding werd gekomen spreekt me aan. Ik wil onderzoeken hoe er in de context van deze tijd, waar het individu belangrijker lijkt te zijn geworden, gezamenlijk betekenisvolle kunst kan worden gemaakt.

Mijn interesses hebben ook consequenties voor de typen vormen die ik gebruik. Ik ben erg geïnteresseerd in de vormentaal van traditionele ceremonies, zoals te zien in religieuze relikwieën, praalwagens, triomfbogen, vlaggen, trofeeën, ornamenten en feestelijke kostuums in verschillende culturen over de hele wereld. Mijn werk wordt afhankelijk van de context op een speelse en abstracte manier door deze vormen gevoed. Vaak speel ik met symetrie en herhaling zodat beelden complex zijn maar ook rust uitstralen zodat ze, als het meezit, uitnodigen tot contemplatie en verbeelding.’

Weapons of Choice No 6 | 70 x 40 x 70 cm | keramiek en hout | 2014

49

Jarik Jongman Jarik Jongman (Amsterdam, 1962) werkte na zijn studie aan de Kunstacademie in Arnhem als assistent van Anselm Kiefer in Frankrijk. Hij exposeerde regelmatig in het buitenland, o.a. in Berlijn, Londen, New York, Jerusalem en tweemaal in ‘collateral events’ bij de Biënnale van Venetië, in 2009 en 2011.

In 2010 won hij de (gedeelde) eerste prijs van de UK National Open Art Competition met juryvoorzitter Gavin Turk. Zijn werk is geselecteerd voor de Threadneedle prize en de John Moores prize en geëxposeerd op de Biënnale van Liverpool in 2012.

In 2017 won hij de prestigieuze Luxembourg Art Prize.

Hij gebruikt in zijn schilderijen zowel zijn eigen foto’s als materiaal gevonden op rommelmarkten, antiquariaten en internet als uitgangspunt voor zijn werk, waarin architectuur vaak een rol speelt.

In zijn recente werk slaat hij een nieuwe richting in: gebruikmakend van een gesturale stijl verbindt hij abstracte elementen met figuratie in schilderijen die refereren aan cinema, politiek, geschiedenis en persoonlijke associaties.

50

The procession | 140 x 200 cm

51

Semna van Ooy

Reizen door het glazen hart | 2017 Inkt, potlood en tape op papier op houten paneel.

52

“Alles gebeurt bij toeval en uit noodzaak” - Democritus 460 v.Chr. – ca. 356 v.Chr. Botsingen, uitglijders en toevalstreffers, de beelden en tekeningen van Semna van Ooy ontstaan tijdens het maken. Het is een kwestie van handelen, kijken en reageren. Ze maakt daarbij graag gebruik van collagetechnieken. Ze zoekt de toevallige vondst, de bijvangst, door zoveel mogelijk het onvoorziene toe te laten. In het werk gaat het om de spanning tussen constructie en toeval. In het werkproces draait het om de vragen: hoeveel toeval laat je toe, wanneer grijp je in en waar ligt het moment dat je stopt. De misslag en de herstelling zijn er onderdeel van. Een deel van de tekeningen draaien uiteindelijk de vernieling in. Uit de destructie ontstaan weer nieuwe combinaties en nieuw werk.

De aanleiding voor het werk ligt bij het ontleden van beweging; in fragmenten van films, in bevroren beweging op foto’s en in kunstwerken van oude meesters.

De blauw-witte serie is het resultaat van twee werkperiodes in 2017 als Artist in Residence bij Kaus Australis in Rotterdam. De reis en de transitietijd in de Intercity Direct tussen Amsterdam en Rotterdam waren aanleiding voor een serie vierkante collages in blauw.

Tijdens de treinreis heeft van Ooy allerlei observaties gedaan en opgetekend. Zoals het fenomeen dat het verkeer op de snelweg vanuit de voorbijrazende trein achteruit in plaats van vooruit lijkt te bewegen. Die betrekkelijkheid van snelheid is in de collages gethematiseerd door fragmenten met verschillende dynamiek pal naast elkaar te plaatsen om zo de gesuggereerde beweging kracht bij te zetten of juist af te zwakken.

53

54

Jan Theun van Rees ‘In mijn beeldende werk richt ik mij op de verschijningsvorm van ruimtes als afbeelding, waarbij ik mij concentreer op de perceptie van de (afgebeelde) ruimte in relatie tot de ons omringende werkelijkheid.

De representatie van een ruimte op het platte vlak is altijd een interpretatie van een bepaalde plaats, ook als deze ruimte fictief is en alleen als afbeelding bestaat.

Ik kan mij laten leiden door een bepaalde ruimtelijke verschijningsvorm die mij opvalt; restruimtes in openbare gebouwen (Chicago), ontmantelde ruimtes tijdens het bouwproces (Amsterdam), of de ruimtes tussen de gebouwen (Tokyo). Met foto’s probeer ik die wezenlijke kenmerken te visualiseren en te doorgronden.

Ook is het mogelijk dat een bepaalde ruimtelijke kwaliteit wordt gevisualiseerd door die ruimte zelf te construeren. In dat geval wordt alles in het werk gesteld om die specifieke kwaliteiten uit te beelden.

In essentie blijft de afbeelding altijd een ”doorgang” naar een andere ruimte, die door ons voorstellingsvermogen toegankelijk wordt.

Er is dus immer een verbinding tussen de plaats waar wij zijn en de afgebeelde ruimte waar wij naar kijken.

De muur vormt een scheiding tussen ruimtes, maar de ruimtes worden wel gedefinieerd door diezelfde muur, die de ruimtes aan weerszijden dus ook met elkaar verbindt. Zo verbindt de afbeelding van een ruimte de tastbare werkelijkheid met een werkelijkheid die alleen als idee of als droom bestaat.’

55

NETWORK

56

Tibor Dieters Naast Sprouts is in SBK Galerie 1 de expositie ‘Network’ van Tibor Dieters te zien. Dieters won in 2019 de SBK Sprouts Young Talent Award en verdiende hiermee een solo-tentoonstelling.

Voor dit project transformeert Tibor Dieters postdozen in pinhole-camera’s, die hij vervolgens de kunstwereld rondstuurt.

Als een voorruit die vliegen vangt, keren de postdozen terug als bewijs van hun reis. Ze vatten hun reis samen in één beeld, een fotogram, vol met de uitgestrekte geometrie van DHL-magazijnen. Het beeld is het resultaat van de routes en de anders onzichtbare arbeid van dienstdoende postbodes en koeriers.

Het proces legt op een unieke wijze de arbeid bloot die nodig is om beelden te produceren en onthult de anders ongrijpbare infrastructuur van cultureel en institutioneel kapitaal. Net als August Sander’s ‘Face of Our Time’, bestaat het project ook als een groeiende catalogus van de Nederlandse kunstindustrie, gebaseerd op de onderlinge verbondenheid van kunstenaars, curatoren, galleristen en diens neven-industrie - zoals lijstenmakers, werkplaats-assistenten en postbodes.

In samenwerking met diverse werknemers van SBK Kunstuitleen & Galerie heeft Dieters een unieke serie locatie-specifieke fotogrammen gecreëerd door zijn pinhole-postdozen naar de KNSM-laan te sturen. Het resultaat verbeeldt de arbeid, die de postdoos van zijn studio direct naar de voordeur van SBK gebracht heeft. Naast zijn fotogrammen presenteert Dieters een compleet nieuwe serie werken die het resultaat zijn van een langdurig onderzoek naar hedendaagse arbeid in de marge.

Tot 14 november te zien bij SBK Galerie 1 Amsterdam KNSM.

57

SBK Sprouts Young Talent Award Tijdens SBK Sprouts Young Talents worden tijdens het openingsevent twee kunstprijzen uitgereikt, waaronder de SBK Sprouts Young Talent Award.

De winnaar van de Sprouts Young Talent Award 2021 wordt bepaald door een externe jury die dit jaar bestaat uit Hanne Hagenaars (schri­jver van essay’s, tentoonstellingsmaker en werkte als cura­tor en conservator in het Fries Museum) en Alexander Ramselaar (bestuurslid culturele stichtingen en verzamelaar hedendaagse kunst).

De prijs bestaat uit een solo-expositie bij één van de galeries van SBK. De SBK Young Talent Award werd in 2019 gewonnen door Iriée Zamblé en Tibor Dieters.

58

Tibor Dieters

Iriée Zamblé

59

SBK-Otto Hetterscheid Stimuleringsprijs De SBK-Otto Hetterscheid Stimuleringsprijs is een aanmoedigingsprijs voor jonge kunstenaars om hen te ondersteunen in hun artistieke ontwikkeling. Het is een gezamenlijk initiatief van SBK en de Stichting Otto Hetterscheid. Van de winnaar wordt werk aangekocht voor in de collectie van de SBK Kunstuitleen en ook krijgt hij/zij het opeenvolgende jaar een solotentoonstelling.

Tijdens deze expositie wordt het werk van de winnaar getoond in samenhang met één of meerdere werken van de kunstenaar Otto Hetterscheid. De winnaar van 2019 was Stella Hyunj Kim. Otto Hetterscheid werd geboren in Vught in 1927. Hij studeerde aan de School voor Industriële vormgeving in Eindhoven en aan de Kunstnijverheidsschool in Amsterdam, de latere Rietveld Academie.

Aanvankelijk werkte Otto Hetterscheid enige tijd als grafisch ontwerper en al snel begon hij zijn eerste collages te maken.

‘Het werk van Otto Hetterscheid zit vol emotie. Het is poëtisch, lyrisch, expressief of juist ingetogen. Enkele forse trefzekere streken staan sterk in een stille omgeving. Ragfijne lijnen manoeuvreren zich voorzichtig door het beeld. Stukjes van een handgeschreven brief zijn nauwelijks leesbaar. Maar dat doet er niet toe, want het gaat om de sfeer die het beeld oproept. Hetterscheids werk draagt niet voor niets nooit een titel, want woorden schieten te kort.

Woorden hebben hooguit een dubbele betekenis, terwijl beelden, vooral abstracte beelden, onbeschrijfelijk veel meer zeggen.’ ¹ ¹ Sanneke Stigter, [Inleiding] Otto Hetterscheid 70, Otto Hetterscheid, Amsterdam 1997

60

Meer info: www.stichtingottohetterscheid.nl

Otto Hetterscheid | Zonder titel | 1969 | Collage | 89 x 69 cm

De winnaar van de SBK-Otto Hetterscheid Stimuleringsprijs 2019: Stella Hyunji Kim

61

Kunst lenen, sparen, kopen SBK Kunstuitleen & Galerie is er voor de ervaren kunstverzamelaar en de startende kunstliefhebber.

SBK verhuurt én verkoopt kunst aan particulieren en bedrijven.

Al vanaf € 6,95 p/mnd heb je bij ons toegang tot ruim dertigduizend kunstwerken die allemaal te leen én te koop zijn. Dé ideale manier om met kunst te experimenteren, want ben je uitgekeken op een kunstwerk, dan ruil je het gewoon om. En heb je het kunstwerk van je dromen gevonden, dan kun je het kopen met collectietegoed dat je tijdens het lenen hebt opgebouwd.

Wil je je interieur of bedrijf een upgrade geven met kunst, maar weet je niet hoe je daar aan begint of denk je dat je daar het budget of de knowhow niet voor hebt?

Of ben je als (ervaren) kunstkoper op zoek naar een nieuwe aanwinst en wil je kunnen kiezen uit een brede en unieke collectie? Bij SBK Kunstuitleen & Galerie kun je op een toegankelijke, no nonsens manier terecht voor unieke kunst, voor elk budget.

Alle voordelen op een rij: • op eenvoudige wijze kunst in je huis of bedrijf • unieke kunst voor elk budget • met ruim 30.000 kunstwerken de meest gevarieerde collectie van Nederland • 5 vestigingen in Nederland; word lid bij één vestiging en je kunt overal terecht • 24/7 kunst lenen via de online kunstcatalogus • tijdens het lenen direct een collectietegoed opbouwen • een enthousiast en vakkundig team dat je graag verder helpt • kunstwerken zo vaak wisselen als je wilt , dus onbeperkt experimenteren met kunst • een voordelige bezorgservice

SBK Kunstuitleen & Galerie SBK Galerie 1 KNSM KNSM-laan 307-309 1019 LE Amsterdam (020) 620 13 21

Openingstijden galerie woensdag t/m zondag 11.00 - 18.00 uur

amsterdamknsm@sbk.nl www.sbk.nl Tijdens SBK Sprouts Young Talents (6 t/m 12 oktober 2021) zijn we elke dag geopend van 11.00 - 18.00 uur.

copyright ©2021 SBK Kunstuitleen & Galerie