KY Magazine

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Primera KY Yo diseño, tú diseñas… ¡todos diseñamos!

Por muchas razones, octubre es uno de nuestros meses favoritos. Es como el viernes de los meses. Desde octubre aún se ve lejano el fin de año, pero algo nos dice que el timbre de salida está a punto de sonar. Además, no debemos olvidar que octubre es el mes diez y ya sabemos que el diez siempre nos seduce.

En el mes diez y con la KY número nueve, les tenemos una entrega en donde privilegiamos el diseño como tema. Si uno de nuestros fuertes es el diseño en todas sus variantes, ahora, con el pretexto del Design Fest, nos dimos a la tarea de hacerlo aún más notorio: vamos desde un tapatío que diseña y construye bicicletas (Lokobikes), hasta un colectivo muy original que hace diseño de y en casi cualquier cosa (Cabeza de Caset). También, a dos años de su creación, les platicamos de los monos del Consomé de Tuna y traemos aquí una muestra de lo que Mentes Creativas presentó, en exhibición, en el segundo Pim the shoes. Cinco diseñadores nos presentan sus trabajos y, como siempre, los consentidos: nuestros colaboradores de la sección de cómics, que en este número parecen venir reloaded.

Y hablando del Design Fest, esta edición promete mucho.

Te contamos lo último, a punto de iniciar y te queremos recordar que este evento es el más importante de su tipo

en el país, por lo que si lo tuyo lo tuyo lo tuyo es el diseño, no debes dejar de pararte por la Expo Guadalajara los días 15, 16 y 17 de este mes.

Y te tenemos tres noticias con relación al Design Fest. La primera: que KY estará presente: no dejes de visitarnos, tendremos muchas sorpresas, además de que te estaremos esperando a que nos lleves tus propuestas para publicar aquí. La segunda: que también estarán nuestros colaboradores de la sección de cómic; podrás conocerlos y adquirir sus diferentes productos, que no encontrarás fácilmente de otra manera. Y la tercera (y tal vez la mejor): sólo para ti, que eres lector de KY, si nos escribes a cualquiera de nuestros correos solicitándolo, te enviaremos una invitación, para que la imprimas y puedas entrar gratis al Design Fest 09.

Finalmente, hay otras dos entregas de este número de KY que te queremos recomendar: la entrevista con David Lachapelle, con su previa crónica sobre lo que pasamos para entrevistarlo y una crónica estupendamente disfrutable de Renich Bon Ciric, sobre su aventura al tratar de entregarle a los de Placebo su demo, ¡en pleno concierto! Renich: eres nuestro héroe.

Y ya: diséñate el mejor lugar para leer y ¡anda por tu KY!

1. Juan Carlos Jiménez Es Knito, para los cuates. De niño trepaba árboles, escuchaba discos y dibujaba –siendo diestro– con la mano izquierda. Comunicador por la UAM-Xochimilco, inició su carrera produciendo Televisión en la UTE, más adelante se le presentó la oportunidad de producir radio para Grupo 7 y Radio Red, pero un buen día despertó y ya era diseñador gráfico e ilustrador. Amante de la gráfica expontanea, la música libre, la guitarra compulsiva, los libros prestados y el diseño de audio.

El 2008, junto con un par de amigos, fundó “Matanga”, taller de diseño, donde hace diseño editorial, desarrollo web, cartel, ilustración y estampado sobre tela. Es feliz papá de Fabricio, un niño que a sus 4 años ya comienza a mostrar interés por la algarabía de los garabatos.

2. Enrique Castillo Surfea en la realidad de su vida tropical, buscando entre olas artistas y fotografiando viajes. Inspirado en una versión artística de la realidad, admirador de la obra de Ugo Mulas; busca recrear un mundo diferente, donde su mirada pretende vivenciar la diferencia de lo esencial y lo banal.

Busca, por medio de la compañía internacional de las artes www. tropicalico.com dar la oportunidad a

los verdaderos talentos y provocar un shock multicultural.

3. Anabel Díaz Nació en Guadalajara un 2 de noviembre, quizá por eso las estrellas le ayudaron a ser esa inadecuada social que es ahora, y talvez por esa razón se cambia de nombre esporádicamente (por ahora su alter ego se llama Agatha Foster), pero desde entonces siempre hizo dibujitos y chapoteaba en el óleo que alguna vez algún familiar dejó descuidado, pero siempre fue una niña dulce, casi empalagosa. Se descarriló al salir del bachillerato y anduvo flotando en facultades que le agriaron la personalidad. Es por eso que ahora es agridulce, al igual que sus trazos, sus colores, y los contenidos de sus pinturas. Ella pinta, también escribe, graba y hace fotografía amateur, ha tratado de hacer escultura, pero la tridimensionalidad no es lo suyo. En realidad, ella sólo va hacia donde el aire la lleva, y frecuentemente es víctima de las circunstancias, pero también es feliz. O trata de serlo.

4. Renich Von Ciric Colaborador de última hora de KY, su crónica nos tomó con un pie en la imprenta, pero paramos prensas, porque como leerán, valía la pena.

Este mexicano-serbio, nació en 1981.

Es cantante, guitarrista, arreglista y productor de introbella, grupo del que prometemos contarles con más detalle en el próximo número. Renich, además, dice ser buen nadador y buceador (su récord sin respirar es de 5´30´´); habla a la perfección inglés y no canta mal las rancheras en serbio. Es, también, buen cocinero y tiene licencia de chofer. Tiene un blog: http://blog. woralelandia.com Y la página de su banda, introbella es: ww.introbella. com 5. Zatu Straftäer Ama los calcetines de Batman, usar sus botas de lluvia, las paletas tix tix color morado, los dichos del Piporro, la tarugada, a Rafael Inclán, hablar de mocos, ver porno gore de zombies, no hacer su tesis de sociología, los videohomes, hacer dibujitos jugar a las mutaciones, a los insectos, ver la pelicula Delincuente de Pedrito Fernández, el olorcito de los oleos, jugar a las fotitos, jugar a los ercutos con Kakito, molestar a Pollock, hacer vagancias, inventar canciones tontas, jugar a los raperos, caminar así nomás, pedalear, Dragon Ball, tomar cafecito y no peinarse.

6. Gaby Becerra Gaby Becerra puede ser también Gaby B. Castellanos, Lahun Oc, o bien

Colaboradores GabiiBc, si se trata de “twitear” (O Gaby Bc, si le esculcan a MySpace).

Nacida en agosto, esta tijuanenesetapatía estudió Comunicación en el ITESO. Ahora trabaja, pero piensa muy pronto en regresar a concluir su carrera. Aunque su espíritu viajero (recientemente estuvo un largo periodo en Canadá) la empuja a pensar en seguir viajando cuando se pueda. Vive actualmente unos largos seis meses, que estamos seguros terminarán bien.

Preocupada por el planeta, la ecología y el cambio climático. Vive desde hace 17 años en la misma torre de departamentos y recién acaba de hacer una crónica sobre ello. Por cierto, está tomando un taller de crónica y aunque ella no está muy convencida, es realmente bastante buena. Y, a partir de este número, será colaboradora constante de KY. 7. Íngrid Herández Nació en los años setentas en Tijuana.

Creció en el restaurante Licha’s Place, junto a su abuela Alicia. Estudió fotografía mientras asistía a la preparatoria. Más adelante estudió Sociología en la Universidad Autónoma de baja California y posteriormente una maestría en El Colegio de la Frontera Norte, pero pronto abandonó la academia y comenzó a tomar fotografías. Ha expuesto en diversas galerías y museos de México, Los Ángeles, Nueva York, Alemania, Moscú

y Bogotá. Su trabajo ha sido expuesto recientemente en National Center of Contemporary Art, Moscú, La Raza Gallery, San Francisco CA, Freire Universität Berlin en Alemania, y el Centro Cultural Tijuana, Tijuana, B.C. Actualmente es becaria del FONCA, dentro del programa Jóvenes Creadores (2008-2009). Irregular, su primer libro, suma un proyecto fotográfico que ha desarrollado a lo largo de cinco años. www.ingridhernandez.com.mx 8. Cabeza de Caset Proyecto que surge de la idea de dos diseñadores gráficos: Hiram Montaudon y Karla Álvarez Noriega, con la necesidad de expresarse por medio de imágenes y sonidos.

Desde el 2007 aplican su estilo en diversos productos como playeras, blusas, bolsas, morrales, cuadros, tenis etcétera, en creaciones únicas y de edición limitada. Además ofrecen diseño especializado. Cabeza de Caset promueve el reciclaje con ideas de artículos usados y etiquetas; la no explotación de quienes participan en la elaboración y diseño de sus productos, así como una comercialización con precio justo. Elaboran ilustraciones digitales, historietas y audio historietas, creando un mundo de imaginería, sarcasmo y libre expresión, en el que la sociedad es la principal inspiración. Cuentan con dos sitios en la web: www.cabezadecaset.com www.

myspace.com/cabezadecaset. Y puedes agregarlos al Facebook: facebook.com/ cabeza.decaset 9. Bruno de Loera Diseñador gráfico e ilustrador de corazón, con ambiciones, sueños e ilusiones de músico y luchador, se ha desempeñado en diversas áreas diseñísticas y se pega un tiro con el papel y el ordenador, esperando algún día tener el nivel de un verdadero profesional. Así nomás. http://gestor-arte-comunicacion. blogspot.com/ 10. Pablo Villalpando y Selene Rojas.

Son la clásica historia de amor entre maestro y alumna, pero sin la inevitable orden de restricción al final.

Comparten el gusto por el color negro, las melodías orquestradas y el chisme farandulero.

Desde el año pasado colaboran juntos como estilistas y diseñadores de imagen, siendo los únicos dos miembros de una compañia sin nombre.

Además de esto, cada uno trabaja en su proyecto individual de moda, NUMEROCUATRO y HUMA respectivamente.

Hace ya tres semanas que son vecinos.

img: Kenia González

www.kymagazine.com.mx Director Editorial David Izazaga Márquez dizazaga@kymagazine.com.mx

Portada: Miriam Ramos Colaboradores: José Israel Carranza, Leslie Martín, Ricardo Cerqueda, Alfonso Cadena, Nacho Cadena, Federico Barón, Jonathan Lomelí, Cristian Mejía Ramírez, Ana Cinthya Uribe, Hugo Hernández, Paco Castro, Miriam Ramos, Ricardo Luévanos, Ilsem Yaremy González de Alba, Sergio Saucedo, Kenia González, Sergio Rodea, Mariño González, Adrián de Galo, Quetzal Cárdenas, Diana Martín, Jonás Acosta, Magaly, Victor Sprint Nova, Azzem, René Córdova, Mario Ruiz, Martín Mora, Ulises Rodríguez, Gabriel Anguiano, Alfredo Rodríguez, Karen Puente, Damián Trejo, Eva Cabrera, Berenice Muñiz, José Soto, Carlos Alberto Salgado Chablé, Ulises Arreola, Elizabeth Martínez, Alejandro Armenta, Jerónimo Escudero, Claudia Lucinda Hernández, Bere Muñiz, Carlos López de Alba, Dolores Díaz, Verónica Nieva, Natalia Pérez García, Heriberto Acosta, Manuel Ramos, Adriana Martínez Erándini, Elvia Guadiána, César Chávez, Jimena Souto, Gloria Pérez, Alejandro Meza, Gaby Becerra, Enrique Castillo, Anabel Díaz, Knito, Bruno de Loera, Cabeza de Caset, Zatu Straftäter, Renich Von Ciric, Íngrid Hernández, Adrián S. Bará, Pablo Villalpando, Selene Rojas.

KY magazine, revista mensual de distribución gratuita. Año 1, número 9, octubre de 2009. Editor responsable: David Izazaga (dizazaga@kymagazine.com.mx). KY magazine es una publicación independiente. Impresa en Prometeo Editores S.A. de C.V.: calle Libertad No. 1457, colonia Americana, C.P. 44160, Guadalajara, Jalisco, México. Tel. 38-2627-26. Tiraje: 10 mil ejemplares. Número de certificado de reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: en trámite. Número de certificado de Licitud de Título: en trámite. Número de certificado de Licitud de Contenido: en trámite.

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Director Creativo Alvar Ramos Martínez alvar@kymagazine.com.mx Editor Juan Levid Lázaro levid@kymagazine.com.mx Redacción Iván Vázquez ivan@kymagazine.com.mx Corrección Gloria J. Martínez G. Fotografía Natalia Fregoso natalia@kymagazine.com.mx Abraham Pérez abraham@kymagazine.com.mx Director Comercial Carolina Lerma Martínez direccion.comercial@kymagazine.com.mx Consejo Editorial Martín Mora, José Luis Coronado, Javier Audirac, Jorge González Arce, Mariño González, Sergio Rodea, Mak Gutiérrez.

Placeres

Dios bendiga a los oaxaqueños txt & img: Federico Barón

Los tamales oaxaqueños son tan sólo una de las trecientas catorce delicias de este mundo, que con toda seguridad serán reseñadas en este espacio (ya van al menos ocho, y contando). Y es que los tamales oaxaqueños tienen esa característica especial de ir envueltos en hoja de plátano, lo que –aseguran los que saben– les da un sabor delicadamente único.

Ahora bien: tamales oaxaqueños hay muchos. Y quizá, de entre esos muchos que usted haya probado, habrá algunos muy buenos. Pero tamales oaxaqueños excepcionales, de chuparse los dedos, sólo unos: los tamales oaxaqueños El Trébol.

La historia de El Trébol se remonta a ya hace varias décadas. Es una fábrica ubicada en el número 202 de la calle José Martí, en la colonia Escandón de la Ciudad de México.

Ahí los preparan y de ahí se distribuyen, a todas las tiendas de autoservicios de la ciudad. La novedad es que, desde hace varios meses, se pueden ya conseguir aquí en nuestra urbe, gracias a Wall Mart.

Ya sé, ya sé… seguramente se estará usted preguntando, cómo es que unos tamales que son preparados y refrigerados

a cientos de kilómetros de aquí, podrán llegar a su mesa no sólo como los mejores tamales oaxaqueños que haya probado, sino como si estuvieran recién salidos de la olla de vapor. Comprendemos sus dudas, entendemos que no siempre la comida refrigerada nos da buena espina. Pero aquí no hay falla, no hay duda. Búsquelos en su próxima salida al súper, póngalos en el carrito y ya en casa puede optar por meterlos al microondas o bien por calentarlos al vapor. Para localizarlos no hay pierde, envueltos en plástico, lo único que tiene usted que identificar es un trébol y en verde la marca “El Trébol”.

De regular tamaño, con la justa medida de relleno, nada picosos (ya usted se podrá encargar de “arreglarlos” a su gusto), uno no es ninguno; con dos quedará seguramente satisfecho y si se come tres, no lo culparemos.

Manjar de manjares, una delicada delicia, sobre todo para quienes tenemos propensión por la comida que tiene relleno.

Provecho.

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Contenidos Las cosas que le cambiaron la cara a la ciudad Que la ciudad se mueva en las Loko Bikes Un Caset lleno de música, pintura y sarcasmo Pulpos, monos, serpientes, frijoles: ¡qué consomé! ¿Quién me quiere enchular mis Nike?

El diseño es verde en Design Fest 2009 Post Disco Roboto: Tres clásicos para los días enfermos El largo camino para platicar con Lachapelle “He vivido lo suficiente para encontrar nuevamente las cosas que pierdo” Sentido de pertenencia Excipiente: Faquir Intermitente I y II El sobre que contiene una foto, un mensaje y un amigo La Leche: La diversa comida regional mexicana Animatic: Tres monos Dirhay, maaay frrrend Crónica de las desventuras de quien quiso entregarle un disco a Placebo en pleno concierto La ópera: disfrutarla así, sin previo conocimiento Recomendaciones Portafolio Moda Cómics

img: Alvar Ramos

Las cosas que le cambiaron la cara a la ciudad

Alguna vez, cuando la Central Nueva fue nueva txt: Federico Barón img: Abraham Pérez

Cuando la “Nueva” Central de Autobuses se inauguró, en abril de 1988, a todo mundo le parecía una barbaridad que se hubiera construido “hasta la salida a Zapotlanejo”.

Acostumbrados a tenerla a mano, en pleno centro de la ciudad, el cambió no le gustó a nadie, incluidos los vendedores de virotes. Y es que, efectivamente, en 1988, la Central Nueva estaba allá, solita, sin nada a sus alrededores.

los camiones, el tráfico y el humo más lejos.

Veintiún años después, la Central Nueva ya no está nueva y, otra vez, está dentro de la ciudad. O más bien: la ciudad se la comió, sin que muchos si quiera lo hayan percibido del todo. La queja, hace veintiún años, era que “cómo es que la gente iba a llegar hasta allá, si no tenía para pagar el taxi”.

Y era fundado el reclamo, pues hace más de veinte años los taxistas eran igual o peor de abusivos y muy frecuentemente uno terminaba pagando más por el servicio de taxi que lo llevara a la Central Nueva, que lo que le costaba el boleto para ir a sabrá Dios dónde.

El otro comentario generalizado del que dan cuenta los diarios de la época, fue la crítica de que “para qué hacer una central de autobuses tan grande, si con la mitad era más que suficiente”. Y sí, efectivamente, durante los primero años aquello que hoy nos parece al menos normal fue considerado casi casi un “elefente blanco”, un gran desperdicio de galerones y patios. Hoy en día, la Central Nueva le queda a penas al dedillo a las exigencias de transporte de una ciudad como la nuestra. Y, es más: le han tenido que nacer hijos (a lo mejor y bastardos, en eso ni nos metemos), pues ya sabemos que allá en el cruce del camino a la Base Aérea y la prolongación de la avenida Vallarta, se han levantado al menos tres distintas centralitas nuevecitas, que le han ahorrado a más de uno vueltas innecesarias (quien viene de Vallarta, si vive en el sur, se baja ahí y evita una hora de ida a la Central Nueva y una de regreso a su casa).

Por eso se instauró un servicio de minibuses que llevaban a los pasajeros de la Central Vieja a la Central Nueva y viceversa. Servicio que enmuinó a los taxistas y que sólo duró mientras a la gente se le bajaba el coraje de que se llevaran

Y, al final, yo me quedo con el recuerdo de cuando mi papá me enseñaba a manejar, en el grandísimo estacionamiento de enfrente de la Central Nueva, que hace veinte años nunca se llenaba. Ahora ya se llena.

Que la ciudad se mueva en las Loko Bikes txt: Juan Levid Lázaro img: Enrique Castillo

La bici como siempre la quisiste. El modelo que se te ocurra, el que haya pasado por tu cabeza puede ser armado por Miguel Castillo (1981), quien es el fundador de Loko Bikes, donde se crean las bicicletas a tu gusto y medida. Actitud en Movimiento es el eslogan con el que propone una cultura en dos ruedas, complementadas por música y pintura.

Toda una estética del andar en bicicleta por las calles de la metrópoli, proyecto único en la ciudad y, no hace falta buscar mucho para darse cuenta que también se distingue en todo el país.

El Loko es un patineto retirado por una fuerte lesión.

Encontró en la bicicleta la manera de satisfacer su necesidad de adrenalina y gusto por moverse con estilo, de una manera

diferente. A los 26 años de edad armó su primer vehículo; hoy, dos años después, tiene su taller y ofrece diez diferentes modelos, lo cuales puede armar en sólo tres semanas; es más, hay un prototipo de bambú entre sus obras. También puede dar forma a una idea del cliente, cuestión de ponerlo en papel.

Hoy la cultura de la bici es su fuerte. En ello pone su empeño como diseñador y quiere desarrollarlo; ve un clima propicio en la ciudad para detonar esta posibilidad. Por lo pronto puedes ver sus diseños o contactarte con el Loko Bike en www.lokobikes.net, donde invita a tener tu propia bici, como nadie más, como ninguna otra en cualquier lugar. A que sí puedes tener una bicicleta única.

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¿Cómo nació la necesidad de diseñar tus propias bicicletas?

Por el gusto de tener algo único. En todo lo que se refiere al diseño, siempre me ha gustado diseñar mis propias cosas, así que cuando tuve la necesidad de tener una bicicleta me pregunte “para qué comprarla”, cuando puedo dedicarme y hacer la mía propia. Así fue como comencé a meterme a la onda de estudiar materiales y procesos, para hacerme la mía y ya de ahí un amigo decidió invertir, confió en mí para hacerle la suya, quedó bien y él quedó muy contento. ¿Cómo fue tu primera bicicleta?

Pues de muchas piezas armé una. Un rin de una; el cuadro olvidado de otra; un manubrio de otra bici. Hice como un Frankenstein de muchas bicis. La verdad es que siempre me ha gustado lo original. En ese tiempo tenía 26 años.

Entonces, ¿no tuviste bici de pequeño?

No, siempre anduve en patineta. Siempre me gustó como deporte, ahora lo veo como una necesidad de movilidad; antes con la tabla era mucha adrenalina, sólo que tuve un accidente y lo dejé. No tenía dinero y donde andaba era muy caro tener una bicicleta, por eso no tenía. Pero a veces te

encontrabas unas bicicletas sin llantas, amarradas en los postes y era cuestión de ir a cortar las cadenas, llevártela a tu casa y darle. ¿Qué diferencia encontraste entre moverte en bici o en patineta?

En primera instancia la movilidad; después el gusto de andar en la calle, salir por las tardes y tomar un café por ahí, una cerveza, ir con amigos, hacer distancias largas, moverte a diferentes lugares, más ahora que hay puertos en muchos lados y puedes dejar tu bici.

Ya con bici, ¿qué tan importante es que esté diseñada según tus necesidades?

Sobre todo en el diseño lo que me gusta es expresar lo mío, tener las cosas personalizadas, y en cuanto a bicis es muy difícil encontrar algo que te llene al cien por ciento.

En cuanto a estos diseños, los hago como tal como quiero; es una manera de expresarme y moverme: expresión en movimiento. ¿Qué pasa cuando alguien más te pide una; qué necesitas saber de esa persona para diseñar?

Si ya tienen un modelo o les gusta uno de los que tengo, sólo es cuestión de ver medidas de piernas, brazos, su peso; depende la persona, y en base a eso se desarrolla el proyecto. ¿Qué es más importante forma o fondo?

Por lo regular la gente que me busca lo hace por el diseño. Siempre trato de tener un equilibrio entre ambos aspectos, pero la forma siempre marca la diferencia. Pero hay un sinnúmero de marcas de bicis que están clavadas en cuestiones técnicas y comodidad. Para calle hay marcas con diseños muy conocidos, por eso busco diferenciarme en el diseño. ¿Qué te inspiró a desarrollar tus diseños?

Pues cuando comencé a desarrollar mis primeras bicicletas, me basé mucho en las motocicletas de los años veinte. El tipo de concepto, las formas del cuadro, la postura.

Pero la verdad es que ahora le doy rienda suelta a mi imaginación para expresar lo mío totalmente. ¿Cómo debe ser una bicicleta ideal para esta ciudad?

Pues debe de tener una muy buena suspensión, por

aquello de los baches. La postura debe ser muy cómoda para recorrer largas distancias; mucha gente vive en la periferia y la verdad es que las vías para andar en bici están acá.

Buena postura, buena suspensión y sobre todo estilo, diseño.

A la gente de aquí le gusta mucho lo diferente; se ha notado desde hace mucho con la arquitectura, la forma de vestir y ahora con las bicis esperemos que la gente exprese su sentir.

Ahora hay una apuesta por moverse en bici en la ciudad, ¿qué piensas de ello?

Lo veo como una propuesta muy interesante a futuro.

Ahora es un poco complicado, la gente está en pañales en la bici, por así decirlo. Necesitamos dar a conocer más lo nuestro para fomentar más el uso de la bici, pero que sea tu bici, que se distinga. ¿Qué sensación tienes cuando dicen que esta ciudad es bicicletera?

Me gusta porque la cuestión bicicletera es a escala mundial. Antes creo que hasta daba vergüenza, ahora no, ahora es un orgullo porque se deja ver que hay gente interesada en cuidar el medio ambiente y hacer ejercicio y dejar el coche a un lado. Es algo que se debe presumir.

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1914

1950 1930

Un Caset lleno de música, pintura y sarcasmo Hace algunos años, un par de diseñadores tapatíos apasionados por la música, la pintura y el arte audiovisual, unieron su ingenio con la premisa de retratar con un dejo de sarcasmo y desenfado la cotidianeidad en una ciudad compleja como la nuestra, a partir de la mezcla de imágenes y sonidos.

Desde entonces, Cabeza de Caset, ha puesto su toque a todo tipo de objetos de uso común, desde blusas, camisetas, bolsos, tenis, separadores, morrales… e incursionado en diversas disciplinas como la pintura, la ilustración digital, historietas y medios audiovisuales.

Sus creaciones, son piezas únicas pues según afirman en su manifiesto, cada persona lo es. Su manufactura está basada en la utilización de materiales reciclados, con ese toque kitsch y divertido que caracteriza al grupo tapatío fundado por Hiram Montaudon y Karla Álvarez Noriega.

txt: Iván Vázquez img: Cabeza de Caset

“La peculiaridad del diseño de Cabeza de Caset se fusiona eclécticamente con la intensa vida cultural de una ciudad difícil de categorizar: borrachos, pandilleros, arrastrados, malandrines, pillos, barberos, mentirosos, moralistas, corruptos, enamorados, hedonistas, ególatras, artistas, sicóticos… todos somos parte de los diseños de Cabeza de Caset. Todos nos encontramos en la guillotina de esta forma de expresión.”, expresa Flavio Pinedo Márquez, miembro del colectivo.

En este mundo de cinta magnética, los protagonistas son extraños personajes, (o quizá no tanto): Don Vicio, el Árbol Calaco, el Jorobas, Blodi Bastar, Mr. Puterfacter y los Guacarones, son los inquilinos de una urbe imaginaria que constantemente se re escribe y evoluciona.

Según sus creadores, “el símbolo Cabeza de Caset es un adolescente eterno, mexicano, con todas sus virtudes

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y contradicciones que su herencia cultural representa.

Constantemente le borran y vuelven a grabar la cinta con la información que recibe a diario por los medios masivos de comunicación. Como sus creadores, es un amante de la música y sueña con ser una estrella de rock”.

En el ámbito de la plástica, el colectivo recientemente organizó una muestra pictórica que involucró el talento de una serie de diseñadores de la localidad, bajo el nombre “13 de vagabundos”, compuesta por trece piezas de pequeño formato, realizadas en su totalidad por medios digitales.

Esta constante referencia al mundo musical, ha llevado a los diseñadores a relacionarse con diversos personajes de la escena rocanrrolera y underground de México, Argentina, Estados Unidos, Francia, Uruguay, Reino Unido y España, con una excelente proyección.

Algunos de los trabajos expuestos, así como obra inédita, ha sido publicada de manera recurrente en la revista de artes y cultura “Gugu Dada”, editada en el D.F. y distribuida en todo el país.

Los grupos tapatíos Sherele, Mexcla, Los Dorados, Demián Gálvez (guitarrista de Ely Guerra) y la agrupación argentina Cahuenga, proyecto solista del baterista de Bajo Fondo Tango Club, Adrían Sosa, Tónica Ciclo de Jazz, Casas Wagner y Red Radio Universidad de Guadalajara, han utilizado sus diseños en diversas ocasiones.

¿Dónde conseguir sus productos? Existen diversos puntos de distribución de artículos Cabeza de Caset en nuestra ciudad, así como en el interior del país e incluso en España, que puedes ubicar a detalle en la página de Internet del grupo: http://www.cabezadecaset.com/ o bien, contactarlos a través de redes sociales como Myspace y Facebook.

Pulpos, monos, serpientes, frijoles: ¡qué consomé!

A dos años de iniciar un proyecto que no sabían bien a bien a dónde las llevaría, Martha Gallardo y Nancy Aedo ven con satisfacción cómo los productos de Consomé de Tuna se han convertido en todo un hit. Y es que, cuando recuerdan cómo fue ese inicio, hoy, casi no pueden creerlo. “La verdad es que empezamos esto para salir de la pobreza en la que estábamos”, confiesa Martha Gallardo.

Precisamente hace un par de años, cuando se invitó a las personas que tuvieran algo que vender a participar en el camellón de Chapultepec, un poco antes de navidad, fue que Nancy y Martha, egresadas del ITESO, se pusieron a fabricar monos, que, a decir verdad, nacieron con ángel. Porque no se trata de los clásicos monos con formas definidas. No, los seres que emergen del Consomé de Tuna, son extraños, con ojos irregulares, patas largas y flacas, gorditos, cuadrados… ¡pero adorables! Y es que quizá el secreto mejor guardado de este proyecto es que, nos aseguran Martha y Nancy, no hay dos iguales, cada mono tiene su personalidad, cada uno es

txt: Federico Barón Img: Antonio Rubio

único e irrepetible, quien compra uno se lleva la garantía de que no habrá otro igualito.

Y pues bien, continuando la historia, luego de las dos primeras semanas vendiendo los monos del Consomé en el camellón de Chapultepec, ambas vieron cómo habían ya recuperado la inversión. Y no sólo eso: comenzaron a darse cuenta que la gente los empezaba a ubicar, los buscaba y los quería… ¡cada vez más!

Cuenta Martha Gallardo cómo es que, al principio, eran básicamente los amigos y conocidos los que se hacían de los monos, pero de repente les tocó ver, en la calle, cómo algún mono colgaba del espejo retrovisor de un coche y cuando volteaban a ver al conductor, ni idea tenían de quién era.

Y así fue como ambas se convencieron que el proyecto, nacido así, espontáneamente y más bien como un divertimento, tenía serias posibilidades de convertirse en algo más que eso. Y comenzaron a tomárselo más en serio, a

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pensar en que más allá de sólo un periodo, había que pensar en estar siempre. Y compraron materiales y pusieron oficina y comenzaron a surtir en tiendas y el Consomé de Tuna, entonces sí, se convirtió en una marca registrada, con lo que se dio un gran paso hacia la formalidad. Cuenta Martha Gallardo que hubo un momento en este periodo de dos años que la situación económica las apretó un poco, pero que ya, ahora las cosas paren no sólo ir mejor sino consolidarse.

Y el Consomé, luego de dar a luz a sólo monos, ahora se diversifica, pues ya hay monederos, bastidores, pines, cojines y ¡bolsas!

La otra buena noticia es que los precios son realmente económicos. Adorablemente económicos. ¡Ah! Y si se preguntaron en algún momento por qué el nombre de Consomé de Tuna, no hay nada encriptado en el nombre, resulta que, desde el principio ambas socias estaban de acuerdo en el nombre debía llevar, por principio, la palabra consomé… el trabajo fue después encontrar de qué sería el consomé. Y fue de tuna, así nomás.

El Consomé de Tuna lo puedes encontrar en: * La tienda del Teatro Diana * dear deer (López Cotilla 1238) * Punto Eskarlata (Providencia 2767) * CouTure (Efraín González Luna 2017) * Nowa-me (López Cotilla 1534)

¿Quién me quiere enchular mis Nike? txt: Staff KY img: Natalia Fregoso

El colectivo Mentes Creativas, organizó, por segunda ocasión, Pim the Shoes, un concepto muy original, que cada vez despierta más interés entre la gente interesada en el diseño, la ilustración, el cómic, el graffiti, etcétera. Se trata del lanzamiento de una convocatoria abierta, para que los artistas interesados participen en la intervención de un par de tenis de la marca Nike, modelo Cortez; luego, en una fiesta que tuvo lugar el pasado 2 de octubre, se presentaron tanto participantes como ganadores y, además se invita a otros artistas a que intervengan también los tenis, fuera de concurso, sólo para exponerse.

Es precisamente esta muestra, la de los artistas

invitados, la que presentamos en estas páginas. La idea es la personalización de los tenis, o como se le ha dado en llamarle: la “customización”, la visión muy particular de cada artista, su propuesta, en los pies.

Te sugerimos estar pendiente de la siguiente convocatoria que volverá a hacer muy pronto el Colectivo Mentes Creativas y de algunas otras propuestas que irán colgando en sus sitios web. www.facebook.com/colectivomc http://www.myspace.com/colectivomc

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Brenda Montes

Pin Pon

Side

Seergio

Mortem

Brenda Montes

LokoBikes

Anubis

Satterugly

Rock

Fixe

El diseño es verde en Design Fest 2009 Durante tres días, nuestra ciudad tendrá el mercado nacional más grande del mundo del diseño en todas sus variantes: interiorismo, diseño gráfico, moda, cómic y mucho más. ¡Y KY estará presente en el pabellón de Diseño Hecho en Jalisco, ahí te esperamos!

Del 15 al 17 de octubre, Expo Guadalajara recibirá una de las plataformas más importantes del diseño en nuestro país: el Design Fest 2009, que para esta su tercera edición, al igual que los buenos vinos se pone mejor, con un programa de lujo y donde por supuesto… KY estará presente. Conferencias magistrales, talleres, pasarelas de moda y un montón de stands con productos de vanguardia, son tan sólo algunas de las actividades que conforman esta fiesta del diseño, que estará dividida en cinco grandes pabellones: ecológico, nuevos talentos moda, mueble, automotriz y diseño hecho en Jalisco.

Con la premisa de promover el desarrollo sustentable y la interacción amigable con el medio ambiente, el Design Fest se puso verde (o más bien amarillo con el planeta), con un programa de actividades que dedica un espacio importante al uso de materiales reciclados y biodegradables.

Y los invitados de honor son… en esta ocasión, tocó a Valencia presidir el brindis, por lo que se contempla la participación de una comitiva de especialistas en distintas vertientes del diseño, quienes a lo largo de tres días compartirán sus experiencias y técnicas de trabajo con los asistes, a través una serie de talleres y conferencias.

Además, se suman a estas actividades académicas, un grupo de expertos nacionales en los rubros: publicitario, animación, iluminación, ilustración, moda, diseño mobiliario, diseño industrial, interiorismo, branding, diseño gráfico y eco diseño.

Aquí algunos nombres: Alejandro Rodríguez (Milenio), Jorge Alberto Cabrera y Mario Pons (Anima Estudios),

Beatriz Nieto (diseñadora Público España y Abobe), Anabel Prado, Mario Rosales y Jorge Mendoza (Triveroquio); Héctor Galván (Omelette Estudio), Alejandro Rodríguez (Alquimia) y los diseñadores españoles: Ximo Roca, Boke Bazán, Luis Eslava, Manolo Bañó y Modesto Granados.

Destaca además, la participación del diseñador estadounidense, Sol Sender (VSA Partners), autor del logotipo utilizado durante la campaña electoral del ahora presidente de EUA, Barack Obama.

Existen tres tipos de paquetes para asistir a este ciclo de conferencias (doce en total), abierto a todos los entusiastas del diseño o disciplinas afines del conocimiento. El cupo es limitado a tan sólo 1,500 lugares, que van de los 1,600 a los 1,980 pesos.

Por otra parte, se ofrecerán ocho talleres impartidos por destacados especialistas en diseño de portadas, nuevas rutas publicitarias, animación, ilustración, moda y diseño, por mencionar algunos, nacionales y extranjeros. El curso consta de 10 horas clase, divididas en dos sesiones y el cupo es limitado a 25 personas por grupo.

Se llevarán a cabo el jueves 16 y el viernes 17 de octubre, de 15:00 a 20:00 horas, en Brandhome (Av. Hidalgo 1812, colonia Ladrón de Guevara), sede alternativa del festival. El costo por taller es de 2,300 pesos. Por otra parte, el Design Fest también será el foro que convocará a casi dos centenares de empresas relacionadas con el mundo del diseño, la moda y otras parafilias (incluida KY por supuesto), quienes estarán promocionando todo tipo de productos y servicios

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txt: Iván Vázquez img: Design Fest

en un mismo lugar.

verde como bosques, selvas, junglas, plantas y vegetación.

Sí, sí, leiste bien. KY estará presente en un stand durante el Design Fest, con un montón de revistas para ti, además de otras sorpresas (incluso para nosotros lo son). Búscanos en el pabellón “Diseño Hecho en Jalisco”.

En varias pasarelas durante el Design Fest se irá realizando el certamen y las eliminatorias, para que el sábado 17 de octubre, se lleve a cabo la última pasarela con los tres primeros lugares, que recibirán estímulos en efectivo de $10,000, $5,000 y $3,000, respectivamente.

Para mayor información sobre procedimientos y requisitos de inscripción a los talleres y conferencias, consulta el portal: www.design-fest.com.

Y también otros consentidos tuyos y de KY estarán presentes: todo el colectivo de talentosos e ingeniosos artistas que hacen cómic, tanto para KY como para otros proyectos (como el Batallón 52, las Crónicas del Fin del Mundo y etcétera) tendrán su espacio en el que no sólo te estarán mostrando sus habilidades, sino exponiendo todos los productos y proyectos en los que andan.

Como acabas de darte cuenta, este festival vaya que promete y como no somos tan perversos como para antojártelo y luego no invitarte, pues tómala, aquí puedes conseguir pases. ¿Cuál es la mecánica? Fácil: escribe a nuestros correos (los encuentras en la página 6) y como todo lo que merece la pena en esta vida… espera un poco.

Pronto recibirás en tu bandeja de entrada una invitación electrónica, que podrás imprimir y hacer válida en las taquillas del recinto ferial.

Concurso de moda: piedra, papel y tijera Piedra, Papel y Tijera es el 2do. Concurso de moda que bajo el lema “El Diseño es Verde”, es organizado por el Designfest. La base del concurso es diseñar un vestido en el que exclusivamente se usen materiales como papeles, cartones, cartulinas o similares de cualquier tipo, color y gramaje. Los vestidos estarán inspirados en la naturaleza

PASARELAS EN EL DESIGN FEST 09 Jueves 15 de octubre 12:00 ** 14:30 Pasarela Piedra, Papel y Tijera (Primera eliminatoria) 18:00 ** Viernes 16 de octubre 12:00 ** 14:30 Pasarela Piedra, Papel y Tijera (Segunda eliminatoria) 18:00 ** Sábado 17 de octubre 14:30 Pasarela Piedra, Papel y Tijera (Gran Final y premiación de los 3 diseños ganadores). En el Salón de Conferencias. ** Pasarelas presentadas por reconocidas escuelas de moda de Guadalajara, como Universidad del Valle de México, Univer, CIME (Centro Integral de Moda y Estilo), CSM (Centro Superior de Modas), Imaginarte e Instituto de Arte Bribiesca.

Anabel DĂ­az Anubis Mendoza Little Red Sin nombre Butterflaws Digital

Knito Jazz digital Digital

Anubisde Bruno Mendoza Loera Ennombre la KY Sin Digital

Cabeza de Caset Mi Barrio Digital

Zatu Straft채ter Mis Dibujitos Tinta

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Disco Roboto

Tres clásicos para los días enfermos La de los videojuegos es una enfermedad incurable, altamente contagiosa, que suele procurar enormes cantidades de placer a quienes la padecen. Se propaga por medio de la vista y el oído, pero alcanza su máximo grado de peligrosidad una vez que los controles, promiscuos, comienzan a cambiar de manos. Sus síntomas son variados y fáciles de reconocer: temblor en los pulgares, ojo tapatío (brinca o zapatea), predisposición gluteal al asiento y nula capacidad de atención a todo aquello que no ocurra dentro de la pantalla de un televisor. Una vez contraída, y a sabiendas de que la cura es inexistente, lo mejor es dejarse llevar y, si la picazón en los dedos no remite, recurrir, por lo menos una vez a la semana, a cualquiera de los siguientes clásicos.

Hambre amarilla Inspirado en una pizza a medio comer, Pac-Man combate, una y otra vez desde hace 30 años, a los terribles fantasmas Akabei, Aosuke, Gu-uta y Pinky. El videojuego creado por Toru Iwatani revolucionó lo que, hasta entonces, se había hecho en materia de entretenimiento electrónico y sus seguidores en este planeta nos contamos por millones.

Durante 255 pantallas, el héroe amarillo se dedica a ingerir los puntos diseminados a lo largo y ancho de los laberintos y a devorar, de tanto en tanto, alguno de los manjares suculentos que aparecen en su camino: naranjas, manzanas

y hasta pretzels.

Además de ser un éxito en el mundo de los videojuegos, Pac-Man es, sin lugar a dudas, uno de los iconos más reconocibles de la cultura popular contemporánea: su rostro ha sido inmortalizado en camisetas y series de televisión, pero algunos de los más grandes homenajes se pueden encontrar en los abismos virtuales de YouTube, con animaciones y cortometrajes creados por los fans. Uno de ellos, titulado simplemente Pac-Man: The Movie, fue dirigido por Stanley Wong y recrea, en un edifico abandonado, y con actores reales, el ansia de los fantasmas acechados por el monstruo amarillo: una joya de principio a fin. Lo mejor de Pac-Man, sin embargo, está en el juego original de 1979, el mismo que, hoy día, sigue contagiando a millones de personas en todo el orbe.

Vida Tetris Con 25 años de vida, el videojuego creado por el ruso Alekséi Pázhitnov continúa rompiendo, al son de la balalaika, conexiones neuronales en los cerebros de los gamers. La mecánica del juego consiste en armar líneas a partir de las siete figuras ―todas formadas por la unión de cuatro cuadrados― que caen, primero lentamente y más tarde a gran velocidad, hacia la base de la pantalla. Tetris se convirtió en una revolución con la aparición de la consola

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portátil Game Boy ―era el juego oficial incluido― en 1989.

Desde entonces, y como en el caso de Pac-Man, ha sido plagiado, copiado y homenajeado cientos de veces.

El colectivo de diseño NOTsoNOISY (www.notsonoisy. com), bajo la dirección de Guillaume Reymond, ha venido realizando homenajes, desde hace varios años, a diversos videojuegos, entre ellos Tetris, donde las figuras son sustituidas con seres humanos distribuidos en un gran auditorio y el movimiento se simula a partir de la técnica del stop motion. Vale la pena visitar su página y conocerlos.

No obstante, a pesar del placer ocasional de estos videos, el enfermo gamer sabe que no hay virus más infeccioso que el de Tetris y que la única manera de aplacar sus síntomas es construir algunos cientos de líneas y esperar, con un hueco enorme en el estómago, el momento en que el cosaco baile, a mitad de la pantalla, para anunciar nuestra victoria al universo.

Champiñones en la cañería La primera vez que vi correr a Mario por las intrincadas tuberías del reino Champiñón, con aquella musiquita pegajosa acompañando cada uno de sus saltos y coronando cada una de sus victorias, supe de inmediato que pronto me le uniría en su aventura y que la expectativa de vida de los hongos coléricos ―que aparecían una y otra vez en

la pantalla― descendería dramáticamente una vez que me hiciera con los controles.

El debut del fontanero italiano creado por Shigeru Miyamoto tuvo lugar en 1981, en el videojuego Donkey Kong, donde con el nombre Jumpman se dedicaba a esquivar los barriles lanzados por un simio furioso y a rescatar a la damisela en apuros. Poco después apareció, ya con su nombre definitivo, y en compañía de su hermano Luigi, en Mario Bros., que luego evolucionaría a Super Mario Bros. y tendría muchas otras secuelas para plataformas como Nintendo, SNES, Game Boy y, recientemente, Wii. Como en los casos de Tetris y Pac-Man, las aventuras de Mario han llegado a la televisión y al cine, pero con poca suerte. Sus mayores glorias están en los videojuegos y tres de ellos se prescriben, sobre todas las cosas, para paliar los picores en el alma gamer: Super Mario Bros. 3 (Nintendo), Super Mario World (SNES) y Super Mario Galaxy (Wii). A final de cuentas todo jugador sensato ―es decir, todo enfermo de videojuegos― sabe que, luego de un buen atracón de hongos verdes, no hay cosa más importante en este mundo que terminar, de una vez y siempre, con las maldades infinitas del demente Iggy Koopa. txt: Mariño González img: Carlos Aroche

marigno@gmail.com composta.net/discoroboto

El largo camino para platicar con Lachapelle El día que llegamos al lugar donde entrevistaríamos a Lachapelle nunca nos imaginamos que nos esperaban más de cinco horas para lograrlo.

Nos habían dicho que teníamos que estar a las cinco de la tarde y que la entrevista no podía durar más de diez minutos. Así, todos hicimos planes para, máximo, estar a las seis de la tarde fuera de ahí. Nuestros planes empezaron a desvanecerse cuando dieron las cinco y media y no había señales de que todo iniciara. Y cada vez llegaban más medios, cuando en principio pensábamos que seríamos muy pocos.

De pronto, se dio la señal para que todos nos fuéramos de ahí (¡ah!, ¿con que lo tenían en otro lado, eh?), atravesáramos la calle y nos internáramos por un pasillo, hasta el fondo.

Ahí estaba David Lachapelle: descalzo, pisando el pasto. Su natural personalidad desfachatada emergía en medio de todos. La gente de su staff iba y venía, entraban y salían de los cuartos y él, con pantalón de mezclilla, suéter color agua y abajo del mismo una playera de cuello “V”, todo de un vintage sin haberse preocupado por buscarlo.

Por unos momento, por varios minutos, la atención de quienes acabamos de llegar se concentra en verlo. Su gorra negra de la NASA, ladeada, su barba de un par de días, su

img: Natalia Fregoso txt: David Izazaga

vida que se ve que no le corre. Al menos en este momento.

En medio del desordenado orden que se vive, alguien parece empezar a ver que habrá que definir un rol de entrevistas. No sabemos por qué, pero KY ha quedado penúltimo en el rol, así que habrá que relajarse. Sentados en una de las varias mesas que hay en el lugar, observamos al primer medio que le hace la entrevista. Mientras, todos comienzan a explorar el lugar, en busca del mejor escenario para hacer las fotos.

Hay botes y botes de Vitaminwater por todos lados, llenos, vacíos y semivacíos. Ya han transcurrido dos horas desde que llegamos y comenzamos a dudar en salir antes de que se oculte el sol. La emoción de platicar con Lachapelle nos reanima.

La primera entrevista, sospechamos, ya lleva al menos treinta minutos. ¿Qué no eran diez? Alguien de su staff se acerca a pedirnos que la prudencia, a la hora de la entrevista, quepa en cada uno de nosotros, que por respeto a los demás que esperan, a los diez minutos cortemos, porque si por David Lachapelle fuera, él se queda toda la noche platicando. Pues sí, pero la prudencia no cupo en la primera entrevistadora, que ya lleva cuarenta minutos. Termina, luego vienen las fotos. Y no sólo las que el fotógrafo hace para su medio, sino las que luego ella se toma con Lachapelle y con Amanda

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Lepore. Y Lachapelle, sin prisa, luego de que le toman las fotos, se asoma para ver en la cámara el resultado y hace comentarios con el fotógrafo.

Ahora empieza ya la segunda entrevista. Van al fondo, atrás de la alberca. Su musa, Amanda Lepore, no se le separa ni un solo momento. Y no se le separará ni en esa tarde, ni ningún momento de los días que estarán en la ciudad.

Lepore, vestida de cuero negro sintético, nunca se quitó los lentes negros. Ni se despeinó; el maquillaje intacto todo el tiempo y el rojo intenso de sus exagerados labios carnosos no se alteró ni cuando bebió su Vitaminwater.

Cuando concluyó la segunda entrevista empezó el nervio de los fotógrafos, que veían cómo el sol comenzaba a ocultarse y los planes de su escenografía natural se morían, como los Vitaminwater que alguien generosamente había dejado por ahí.

Y entonces la sugerencia vino de los fotógrafos: hacer todos, en un solo momento, las fotos para todos los medios, para aprovechar los últimos destellos de luz natural y que las entrevistas se hicieran después. Y así se hizo. Lachapelle posó, parado, sentado, de lado, observó las fotos… sin prisa, sin variar su semblante, la gorra siempre descuidadamente ladeada: en su lugar.

Terminando la sesión, llegó la hora de comer para Lachapelle y su musa. De manera que se nos informó que teníamos que ser pacientes (más pacientes, pues) y esperar un poco. Decidimos entonces que, en vista de que antes

que nosotros aún había varios entrevistadores, podíamos salir de ahí en busca de cena, con toda tranquilidad. Y así lo hicimos. Al regresar, supimos que Lachapelle había mandado algunas cervezas para hacer menos tediosa la espera y algo para “picar”. En la mesa aún había totopos, unas cuantas quesadillas a medio comer (alguien comentó que Lachepelle las había pedido de un queso “muy fuerte” y que no estaban buenas, al menos para el paladar tapatío), muy poco guacamole (David se lo había terminado, pues ama el guacamole, supimos), algunas tortillas y ensalada.

Cumplíamos ya más de cuatro horas ahí y Lachapelle, después de comer y descansar un poco, reanudaba las entrevistas. En ningún momento se le vio cansado, molesto, ni mucho menos: es más, estaba más fresco que al principio, siempre que pasaba junto a nosotros nos saludaba (¡Hi guys!), inmutable la expresión de su rostro. Y su musa con él, también, siempre, de buen humor.

Cuando la hora de la entrevista llegó ni siquiera habíamos caído en cuenta que ya eran cerca de las once de la noche. La plática fue de una media hora, Lachapelle hojeó KY (¡Oh, nice covers!) y vino luego el bombardeo de preguntas. Reímos constantemente; carcajeamos cuando, de manera espontánea, Lachapelle, a la pregunta de que qué había perdido en el camino de hacerse famoso, respondió: “mi virginidad”. Estaba entero, nunca perdió el humor. Al final se despidió muy afablemente (¡Nice questions, guys!) y nosotros salimos de ahí cansados de esperar, pero seguros de que la espera había valido la pena.

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“He vivido lo suficiente para encontrar nuevamente las cosas que pierdo”

txt: David Izazaga/Alvar Ramos/Juan Levid Lázaro img: Natalia Fregoso

¿A qué edad descubriste que eras artista?

una metáfora, en lugar de utilizar personas.

Desde muy joven. La única cosa que pensaba que podría hacer desde que era un niño. En la escuela me aburría, no ponía atención en algo más, por eso siempre dibujaba y pintaba en mis cuadernos; así que todo fue muy natural.

Nunca tuve deseo de ser otra cosa.

¿Qué ha perdido David Lachapelle en su camino para convertirse en un fotógrafo famoso?

¿Ha habido momentos en los que no tenías tu cámara y hubieras querido tenerla para tomar una foto?

Pues nunca traigo una conmigo porque se convierte como en un trabajo, empiezas a dejarte llevar, no me gusta hacer instantáneas, así que las fotos que tomo son, de alguna manera, instantáneas de mi vida; fotografío a toda la gente que está en mi vida, así que realmente se convierte en las memorias de los años de mi vida. ¿A qué personalidad, viva o muerta, no has fotografiado y te gustaría hacerlo?

Las personas que han muerto y que he querido fotografiar lo he hecho a manera de caracterizaciones de todos modos.

Así que fotografié a todos mis amigos; es como si hiciera la pintura de alguien. Por ejemplo, cuando hice la foto de Jesucristo o Marilyn Monroe fue con gente que se parecía a ellos o que los interpretaban. Por eso me siento muy satisfecho de todas las personas que he querido fotografiar.

He platicado con Bono para hacerle algunas fotografías, estoy muy emocionado por eso. Ya no fotografío celebridades, así que para mí más que un artista es un héroe. Por eso me gustaría mucho fotografiarlo. Hemos hablado de eso y estoy seguro de que va a pasar pronto.

Si tuvieras que tomarle una foto a Dios, ¿qué escenario escogerías y qué pose le pedirías que tomara?

Creo que uno de los problemas sería la idea de Dios como una persona que te juzga y te observa lo que haces con tus genitales. Que además te castiga. Miguel Ángel dibujó a Dios como un hombre viejo y con barba, puso esa idea en la gente, de que Dios es una persona, todo ese concepto asusta, pero está muy distante de lo que en realidad es. Para mí Dios es la idea de amor, belleza y naturaleza. Prefiero retratar mi idea de paraíso con belleza y naturaleza, como

Mi virginidad (risas). Una y otra vez (más risas). Pierdes cosas y vuelves a encontrarlas. He perdido mi mente y la he encontrado una vez más. Algunas veces, en mi imposibilidad de decir que no al trabajo he perdido mi vida, el balance y luego los encuentro otra vez. Afortunadamente he vivido lo suficiente para encontrar nuevamente las cosas que pierdo. ¿Tienes alguna obsesión?

Quizá la necesidad de sólo crear. Se vuelve una necesidad. ¿Diariamente?

Sí, porque hay días en los que no y siento como si me haya perdido de algo. Supongo que sí es una obsesión.

En una palabra, ¿cómo describes a Andy Wharhol? ¿Sólo una? Generoso. ¿Qué tipo de música has estado escuchando?

Michel Jackson, solamente. ¿Es algún tipo de inspiración?

Creo que lo redescubrí antes de que muriera. Siento que él estaba cansado de su vida y en sus letras y su música se reflejaba como un personaje épico. Creo que eso era muy extremo. Era la persona más famosa en el planeta, más que cualquier otra; en Sudáfrica no sabían quién era Madonna pero sí quien era Michel Jackson. Todo eso, ser la persona más famosa del planeta, luego verse como una broma, un paria, ser acusado del peor pecado: la pedofilia; yo creo que era inocente.

Fue llevado a los extremos, de ser la persona más importante, a ser acusado de un crimen sin perdón. De ir negro a blanco, como sea que haya pasado, no importa. Él

retaba el juicio de las personas; por ejemplo cómo fue que cambió su cara. Las personas, incluso las más liberales o de mente abierta, tenían algún tipo de juicio contra él. Su vida fue más que entretenimiento, como una especie de profeta que vino a enseñarnos sobre los juicios. Cuando murió, muchas personas, incluidos artistas, fue que se dieron cuenta de que algo grande pasó y de que algo se perdió. En la historia debe ser rescatado como uno de los personajes principales. Y sí, respondiendo a la pregunta, he estado escuchando a Michel Jackson últimamente. ¿Cuándo conociste su música?

Desde que era muy joven. Estaba dando una clase en un colegio de New York, tenía unas fotos de Jannet Jackson y la gente comenzó a preguntarme acerca de Michel y fotografié a alguien caracterizado. Me hicieron preguntas y sabía que iba a morir, que no iba a estar mucho tiempo con nosotros.

Fue algo muy loco. No me había dado cuenta de lo mucho que me iba a afectar. Entonces me golpeó la idea y esa es la naturaleza humana, no apreciamos las cosas, hasta que se van.

Fue como con Warwhol, no lo apreciaban mucho en New York, yo estaba con él en los ochenta, para mucha gente, snobs o críticos de arte, pensaban que era irrelevante como artista. Vendía obras muy baratas y las críticas eran muy duras. Era más reconocido en Europa. Uno de los grandes coleccionistas donó algunas de sus obras maestras al MOMA cinco años antes de su muerte y las rechazaron. Fue horrible y humillante, muy penoso para Andy Warwhol. La gente olvida eso, lo mismo pasa con Jackson. De pronto cuando muere, tres años después, se arma un gran espectáculo en el mismo museo para presentarlo.

En conclusión, la gente dice: ¡uh, un genio se murió, cómo,

lo hemos olvidado! Pasa lo mismo con Jackson, hubo gente que lo adoró casi religiosamente y después se encargó de destruirlo. Es como la naturaleza humana, cuando las cosas son muy accesibles no les ponemos mucha atención y de pronto las cosas se vuelven valiosas. ¿Es un tema sensible para ti en este momento?

Soy sensible y punto. Siempre lo soy. Soy gay, soy muy emocional. Siempre he sido así, para mí es normal. Lloro, río, es normal. ¿Qué recuerdo Madonna?

tienes

de

haber

trabajado

con

No me gustó para nada trabajar con ella. No es una buena persona. No me gusta la imagen que proyecta hacia el exterior. Por ejemplo, si comparas el último concierto de Madonna y el último de Michel Jackson, puedes comprobar los bellos y positivos mensajes de Jackson para el mundo y lo mensajes que da ella son muy egoístas, es mierda. Trabajar con ella fue una pesadilla. Fue mala con todo mundo, no es una persona generosa, al crew lo trata como una mierda, trata a todo mundo como perros. Lo hace, de verdad. Y fue la primera persona con la que renuncié, eso cambió mi vida.

Siempre quise trabajar en un video con Madonna, estaba haciendo uno y fue tan mala que paré. Y me sentí tan bien cuando dije: no. Desde entonces hice muchos cambios, me di cuenta que no debo decir sí siempre. ¿Existe una foto imposible?

No, creo que todavía no. He tratado de fotografiar cosas que no se han fotografiado. Pero no he encontrado nada imposible.

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Sentido de pertenencia

txt. Federico Barón imgs: Cultura del Ayuntamiento de Guadalajara

¿Qué pasa cuando, caminando, ya sea por la calle o apunto de subirte a tu medio de transporte, algo te sacude y te hace reflexionar que esa calle por la que circulas todos los días es tuya, tan tuya como de los otros, anónimos que siempre te acompañan, aunque ni los conozcas? ¿Sientes que perteneces a esta ciudad, a estas calles, a estos parques?

de letreros en recortes de vinil en diferentes puntos del espacio, como banquetas, bancas, bardas, jardineras, botes de basura, piso y otro mobiliario urbano. Las calcomanías son frases como “mi calle”, “mi ciudad” o “mi banqueta”, por mencionar algunos ejemplos. La propuesta intenta generar identidad y sentido de pertenencia de la ciudad.

La pieza Sentido de pertenencia, de Adrián Guerrero, forma parte de los once proyectos seleccionados por la Dirección General de Cultura del Ayuntamiento de Guadalajara, de la convocatoria de recuperación de espacios públicos. Sentido de Pertenencia tiene como eje temático el espacio público y el capital social. La instalación contempla la colocación

A la fecha, la pieza ha tenido ya dos espacios para su montaje, debido a su carácter itinerante: en el mes de julio en un parque de la colonia Independencia, ubicado sobre la calzada del mismo nombre y, en esta ocasión, en la estación Juárez del Tren Ligero.

Excipiente

Faquir Los territorios indispensables, para serlo, han de ser también incomunicables: la primera persona queda erradicada de ellos —o es más bien que se encuentra tan profundamente incrustada que es imposible distinguirla—, de modo que cuando nuestra perplejidad regresa a interrogarlos no devuelven sino razones multiplicadas para la incomprensión y el misterio. Pasa, por ejemplo, en este deslucido rincón donde no tendría lugar ninguna proeza, al que jamás asomaría las narices ninguna potencia del Universo, en esta luz quieta de ayer y mañana que dibuja con desgano la forma idónea del tedio: meramente aquí, con esta planta y estas bancas, frente a estos aparadores —locales donde sucede qué, cómo diablos saberlo: en uno vendían ropa, alguna vez, y acaso en otro funcionó o funciona una casa de cambio—, y de espaldas a toda variante ridícula del entusiasmo o la ira: aquí, cualquier mañana en que habría que estar atareándose en la proliferación laboriosa de lo común, y en lugar de dar preferencia a la inconspicua ocurrencia de uno mismo en la averiguación de nada (o no nada, tampoco: cuántos coches negros pasan en el transcurso de una hora, por ejemplo, para

txt: José Israel Carranza img: Natalia Fregoso

emprender desde esa constatación el cálculo acucioso de un vaticinio igual de insignificante: cuántos pasarán en la hora siguiente, pongamos). Aquí, pues, en este punto que en este instante puede estar siendo barrido de toda imaginación —fácil, pues nunca habrá quedado registrado en ninguna—: aquí hay indicios innegables, por irreconocibles que sean, de algo que con toda la inconsecuencia del mundo cabe bien llamar raptos fugaces de eternidad. Porque, vamos a ver: qué podía pasar aquí: nada: justamente nada. El ámbito inmejorable para el faquir que siempre he tenido en mente: venía en un libro titulado Personajes increíbles (la portada la ilustraba el tosco dibujo de una muchacha cíclope, y acaso no sea imposible dar con él, en alguna librería de viejo, o en internet, pero me rehúso: es condición de todo tesoro que sea irrecuperable); en un trance místico, el faquir elevó un brazo al cielo y así se quedó, por semanas que sumaron meses y años, hasta que algún pajarraco llegó a establecer su nido en la palma abierta.

Aquí debería estar ese faquir.

Intermitente I y II ¿Cuántas veces nos encontramos con automóviles, estacionados en cualquier parte, que por el sólo hecho de encender sus luces intermitentes, creen tener el derecho de quedarse ahí, en doble fila, sobre la banqueta o, en fin, en cualquier parte? Como si el hecho de prender las luces intermitentes los equiparara a la activación de una sirena, como si el solo hecho del “prender y apagar” los hiciera invisibles.

La pieza “Intermitente I Y II”, proyectada por Héctor Reyes, consiste en simular el efecto que probablemente pretendan generar los automovilistas al encender sus luces de emergencia. La simulación se espera lograr colocando piezas de la parte frontal y trasera de un vehículo, separadas por el cuerpo inexistente de un vehículo, sobre el paso peatonal y ciclista de una acera, y con lámparas intermitentes encendidas. Quienes circulen por la banqueta podrán transitar

libremente por el espacio que queda entre las piezas, como si la función de invisibilidad o permeabilidad del vehículo estacionado indebidamente sobre banqueta estuviera activada.

En una primera intervención, la pieza estuvo montada, durante una semana, en el mes de septiembre, en el cruce de las calles Moscú y Libertad, en la colonia Americana.

La pieza forma parte de las 11 seleccionadas por la Dirección de Cultura del Ayuntamiento de Guadalajara, de la convocatoria de recuperación de espacios públicos llevada a cabo en marzo pasado y que tiene como eje temático la movilidad no motorizada.

El sobre que contiene una foto, un mensaje y un amigo txt: Gaby Becerra imgs: zEn & xolox

Tuve la oportunidad de conocer y formar parte de un movimiento positivo que viaja por nuestro país. Llegaron una noche de verano a mi trabajo, proponiendo repartir imágenes de lugares no turísticos de México. Yo, en mis prisas, los mandé con el encargado. Al acabar mi trabajo y partir del local, una de mis compañeras me enseñó una fotografía, que ahora no recuerdo exactamente cómo lucía… pero sí que llamó mi atención por lo bella que era. Me dijo que aquellos dos muchachos que acababan de salir del restaurante se la habían regalado. Como buena mexicana, buscando lo gratis, salí y grité “¡Hola, ¿qué regalan?!”, a lo que uno de ellos contestó “buena vibra”. Bien ahí -pensé sinceramente- algo que el mundo en verdad necesita.

Y fue en ese momento cuando me lo explicaron: viajan por todo México durante cinco años tomando fotos de lugares no comunes y de gran belleza de nuestro país, para posteriormente imprimirlas, con mensajes positivos en la parte trasera y repartirlas a las personas. Tú, al recibir un sobre con una foto de este proyecto, te comprometes a escribir otro mensaje optimista para que en algún momento, en algún lugar diferente llegue a unas manos desconocidas y así. Después te pones en contacto con la persona que te escribió el mensaje, ya sea contándole tu anécdota sobre éste, escribiendo otro mensaje positivo, o sigues la comunicación optimista con él o la extraña.

Lo más interesante y emocionante, es, al menos para mí, el abrir tu sobre. Tiene que haber todo un “ritual”. Un momento

feliz. En la parte trasera viene un pequeño laberinto que, supuestamente, ayuda a canalizar tu energía. Hay personas que esperan mil momentos para abrirlo (como yo) y otras personas que la abren en el momento, pero la mayoría de las veces resulta ser un mensaje que necesitaban. Los mensajes tratan, un poco, de todo, pero principalmente se ocupan de maravillarnos de nuestra existencia y de nuestra posición en este gran universo. El mensaje que a mí me tocó era de un músico argentino. Dice: “Hoy recorrí la ciudad En busca de alguien que no estaba, que nunca estuvo Y que no habría posibilidad de que estuviera. Y la encontré…”

La verdad, al leerlo, no me emocioné tanto como esperaba; pero ahora que lo pienso es un gran mensaje. Sólo hay una yo en todo el mundo, aunque haya muchos y muchas con gustos o hasta físicos parecidos, soy única. Mi mensaje, por el contrario, hablaba sobre maravillarnos del destino y la casualidad, que nos juntan con personas en situaciones inesperadas. Aprovechar todo de esas situaciones y aprender de ellas. A la joven a la que le llegó me confesó que el mensaje lo abrió cuando se encontraba en un café con una antigua amiga con la cual tenía conflictos. Al leerlo, digamos que olvidó rencores y perdonó.

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Toño y Josué (también llamados Zen y Xolox), son dos hermanos originarios de Pachuca, Hidalgo. Llevan dos (de los cinco años) viajando por México, y como al año y medio nació esta idea del sobre y el mensaje positivo. Actualmente buscan patrocinadores y exponen sus fotos, pues de así es como subsisten y de lo que la gente quiera donar al obtener sus fotos y sus respectivos mensajes.

Se encuentran establecidos en Guadalajara por el momento y he tenido la oportunidad de conocerlos más a fondo. En una de nuestra pláticas, me percaté que hace aproximadamente año y medio el destino nos había juntado a Toño y a mí en Plaza Galerías, en donde me enseñó las fotos que llevaba hasta el momento y me explicó más o menos su proyecto (todavía sin la postal). Al principio, admito, me incomodó un poco que un extraño se acercara y me ofreciera unas fotos, por consiguiente me imaginé que quería dinero;

después, recuerdo, me aplicó una encuesta sobre lo que el arte significaba para mí y al final cedí al aceptar una bella foto a cambio de dinero. Esta vez fue al revés: yo los busqué a ellos… y quedé fascinada con el nuevo proyecto.

Fue algo tan sencillo, lo que el destino y la casualidad pusieron en mi camino, que me hizo sonreír en la calle sin razón aparente por semanas. Y lo más impresionante es que los extraños lo notaban, desde el señor que vende flores en la calle, un cubano desconocido, hasta los niños pequeños.

Al final, la misión se cumplió, al menos en mí: pasar buena vibra, energía, optimismo o como le queramos llamar.

Nada nos cuesta ir por el mundo con una sonrisa, siendo agradecidos y positivos. Los mensajes los encontramos a donde volteemos, en personas, lugares y situaciones, en cada quien está descifrarlo. http://postales3er-ojo.blogspot.com

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txt: Nacho Cadena y Alfonso Cadena (*) img: Alvar Ramos * Propietarios del restaurante “LA LECHE ® ALMACÉN GOURMET de Puerto Vallarta.

La diversa comida regional mexicana Se nos fue septiembre, mes en el cual el fervor patrio de nosotros, los mexicanos, aflora. Es bonito recordar y “vivir”, aunque sea por un mes, los signos de identidad de la Patria, al igual que algunos símbolos y circunstancias históricas que hacen exaltar nuestro amor a México y olvidar, momentáneamente, asignaturas pendientes por ya casi 200 años...

Qué bonita nuestra bandera tricolor, con ese verde intenso que simboliza la esperanza amada... y el Himno Nacional de Bocanegra y Nunó, junto con el Escudo Nacional, ahora ya con el águila completa (no a la mitad) sobre el nopal y comiendo a la serpiente. No hay que olvidar el Día de los Niños Héroes, “El Pípila”, la ceremonia del “grito”, quizá la más popular de todas las festividades alusivas de la época.

Pero también como símbolo de identidad, la gastronomía tiene mucho que ver en este México nuestro. El tequila, el pulque, el mezcal, son “de a de veras” mexicanos y desde luego, así lo es la comida, o mejor decir, la cocina mexicana... Corrección: la “cocina mexicana” no existe, lo que sí tenemos son las cocinas regionales mexicanas, ese maravilloso mosaico culinario, con sus grandes diferencias entre la comida yucateca (sabrosa, con influencias mayas y toques europeos), la veracruzana (de mar, de pámpano y huachinango, de hierbas fuertes y con detalles de la gastronomía española, lógico), la poblana (la más barroca de todas, con sabor a convento, con aromas coloniales, de elaboración compleja), la oaxaqueña (autóctona, con

texturas y sonidos de los chapulines y las hormigas, maíz y chocolate), la jalisciense (semejando sones y mariachis, con sus manitas de puerco, sus antojitos y el pozole con cabeza de cochino, con destellos luminosos de tequila), la sinaloense (con el calor del Pacífico, como esos aguachiles, callos, camarones azules y los mariscos calientes en guisados perfectos), la nayarita (pescados zarandeados, olor a humo de la madera de los esteros, ostiones dulces y frutos de La Tovara), la norteña, de Sonora, Chihuahua y Nuevo León (sencilla, honesta: fuego, brasas, carne, alimentos nutritivos) y todas las demás cocinas regionales, cada una con lo suyo, diferentes, con sus propios toques de identidad y así, todas juntas, como piezas de rompecabezas, al unirse forman el gran cuadro de la culinaria nacional, llena de colores brillantes, con fuertes contrastes, sabores bien definidos, sin neutralidad, con aromas dulces o salados y a la vez embriagantes, que llenan los sentidos con sus texturas misteriosas, místicas y pasionales.

Nosotros, en septiembre, sentimos el placer de cocinar con sentido nacional, al recordar recetas olvidadas, originales, que han trascendido y podernos dar el gusto de encontrarles una reinterpretación adecuada a los tiempos.

Respetamos con gran fidelidad lo tradicional, lo original, la pureza de antaño, pero buscamos también envolver todo ello con su vestido actual, tratando de interpretar a sus autores, agregándole un poquito de esto y una pizca de lo otro, presentando así los suculentos platillos en vajillas

La leche

modernas, dándole a lo de siempre un toquecito de sorpresa y una presentación de figuras y color que engrandezca la tradición que tanto respetamos. Siempre, ante todo, buscando lo esencial: la buena comida, sabores que gusten, colores que inciten, texturas que intriguen. ¡Qué placer sentimos todo septiembre!, al rescatar nuevas formas para el cuitlacoche; al combinar lo verde de los chiles poblanos con las panelas y con los dulces de biznaga, o lo negro de los frijoles con el rojo intenso de los chiles secos, y las tortillas de maíz torteadas con el guacamole y los gusanos de maguey. Hasta podemos reinventar por lo menos una docena de chiles rellenos, inspirados siempre en los originales, o cambiar las carnitas de puerco por carnitas de pato en sus tortillas taqueras... los chamorros de puerco, Coctelito Tropicoso (cuatro porciones)

Ingredientes: 300 g. Pulpo cocido y picado 100 g. Camarón cocido y picado Para el ceviche de frutas: 1pz. Manzana roja en brunoise 1 pz. Pepino pelado en brunoise ½ pz. Mango en brunoise 2 pzs. Kiwi en brunoise

los aguachiles de callo de hacha, las tortitas de camarón combinadas con berenjenas o espárragos...

En los postres hay que buscar la similitud de las jericallas con el creme Brullé de canela, hacer salsas de chocolate con chile, pastelitos bañados con infusiones de páprika y aceite de oliva; volver a la simplicidad de unos plátanos flameados y miel de habanero, o a la complejidad de los moles con sabores actuales.

Cocinar lo mejor de las comidas regionales fue, es y será siempre divertido, sabroso, auténtico y muy nacionalista.

Que nuestros platillos lleven siempre la esencia del ¡VIVA MÉXICO!

½ pz. Jícama en brunoise 1 pz. Cebolla morada en brunoise 100 ml. Vinagre de vino blanco 100 g. Albahaca morada Sal y pimienta al gusto Para la cátsup de mango: 200 ml. Cátsup 2 pzs. Mango Sal y pimienta al gusto

Preparación: En un bowl mezclar todos los ingredientes del ceviche, agregar el pulpo y el camarón, rectificar acidez, sal y pimienta. Agregar la cátsup de mango al gusto.

Presentación: Servir el coctel decorando con flores comestibles, aceites de colores y sal de colima.

Animatic

Tres monos Casi como un accidente (un feliz accidente, habría que precisar) pasó por la cartelera local Tres monos (Üç maymun, 2008), la más reciente entrega del turco Nuri Bilge Ceylan.

Se trata del quinto largometraje de este cineasta, pero es apenas el primero que se cuela a las pantallas de las minisalas de los megacomplejos exhibidores locales. La cinta es atendible desde cualquier punto de vista que se le vea: porque es un riguroso y congruente ejercicio técniconarrativo, porque exhibe el potencial de un cine que accede con éxito a la intimidad, porque hace comentarios sobre la sociedad y su célula (¿cancerígena?), la familia, porque tantas maravillas fueron coronadas con el premio a mejor realizador en el Festival de Cannes de 2008.

Tres monos sigue los pasos de una familia cuya cotidianidad se ve alterada involuntariamente (por lo menos al inicio). El pater familias trabaja como chofer para un político que atropella a un transeúnte en la carretera. Pero como se viven tiempos de elecciones y el político argumenta que no es conveniente que se sepa lo del accidente (y porque el político es corrupto, perdón por el pleonasmo), convence a su empleado para que él cargue con la culpa; a cambio de dinero, por supuesto. Entonces el padre va a la cárcel, y mientras está encerrado el hijo vive un problema tras otro y su mujer se convierte en amante del jefe. Y para cuando es dejado en libertad, el paisaje se ha modificado; pero todos

txt: Hugo Hernández img: Miriam Ramos

acceden, tácitamente, sin siquiera hablarlo, a dejar pasar lo sucedido. Y la familia sigue…

El título, comenta Ceylan, “viene de la filosofía de Confucio, en la que, de hecho, los tres monos tienen una significación positiva que representa la sabiduría: no escuchar al mal, no verlo, no hablar de él. En la película, el hijo pretende que no vio a su madre cometer adulterio, el padre que no escuchó la voz de su patrón en el teléfono y la madre les miente a ambos. En nuestros días la metáfora de los tres monos es utilizada de manera peyorativa, para denunciar la hipocresía de las apariencias”.

Bilge Ceylan apuesta por una cámara estática (que se mueve poco y cuando se mueve lo hace lentamente) que se ubica en ángulos sugerentes (emulando puntos de vista que pueden asociarse a un personaje determinado, pero que a veces aportan ambigüedad), por un uso del campo y fuera de campo propositivo (los personajes aparecen o desaparecen del encuadre, a veces violentamente); por una puesta en escena que se mueve en los límites del naturalismo y que va dando cuenta de la emotividad de los personajes; por un montaje que sorprende en más de una ocasión y que es útil para dar cuenta de las rupturas familiares, con un ritmo lento que termina por hacer sensible la densidad de lo abordado; por una banda sonora que es un prodigio, pues lo mismo da presencia a un montón de cosas que no están a

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la vista (los cantos que emergen de un minarete, medios de locomoción, barcos, trenes, que sugieren que algo se mueve afuera mientras adentro, en el cuadro, todo es estático) que acentúa o matiza estados anímicos agudizando ciertos sonidos del ambiente. En conjunto, la técnica no sólo está al servicio de la emotividad de los personajes, sino que consigue que el espectador se forme más que una idea de cómo es aquélla, que la comparta.

Mediante este dispositivo estilístico el realizador turco consigue dar cuenta de la violencia ambiente, de la corrupción que se da en los diversos ámbitos de la sociedad, del abuso que cometen los poderosos con los débiles (roles que se pueden modificar: el abusado puede pasar a ser el abusador), de los quiebres emocionales que se dan en el cuerpo de la familia y que terminan por dejarse atrás, no sin una carga de dolor que casi se puede tocar y oír. Es singularmente valioso, por ejemplo, el cielo nublado que oprime el paisaje (y se vuelve opresivo, convirtiéndose en visualización y extensión de las emotividades de padre, madre e hijo). Ceylan confiesa que “todo se concentrara en los tres miembros de esta familia. Para eso, tenía que aislarlos visualmente del mundo circundante. ¡Al principio hasta había previsto no mostrar más rostros que los de esos

tres! Y quería crear alrededor de ellos un ambiente cromático particular, con tonos no saturados, que he obtenido en posproducción. Quería una imagen menos naturalista que la de mis películas anteriores, más estilizada”.

No está de más resaltar que Bilge Ceylan trabaja en video de alta definición (lo que es casi imperceptible, pues la claridad de la imagen haría pensar que filma en 35 mm).

El turco sabe sacarle muy buen provecho al video, pues retrabaja prácticamente cada imagen, y en posproducción consigue manipular la densidad de la luz, de los colores, incluso la profundidad de campo: es una especie de pintor que retoca lo que toca con la cámara. ¡Y todavía hay algunos románticos que añoran trabajar en 35 mm!

De Tres monos uno puede sacar conclusiones terribles (bueno, ni tanto, pues son palpables, ¿para qué exagerar?), como que el engaño y el hacerse “de la vista gorda” están en la base de la familia, como que el abuso es uno de los fundamentos de la sociedad, que la violencia latente (y a menudo efectiva) es una constante de la convivencia humana.

Tres monos es una película que es preciso ver y oír, y al final es inevitable hablar de ella.

Dirhay, maaay frrrend txt: Jonathan Lomelí img: Ilsem Yaremy González de Alba

Liberado al fin del pupitre nuestro de cada día, el viernes volví temprano a casa. Llegué decidido a ovillarme en el sofá durante el resto de la tarde para acabar de leer “Goldfinger”, de Ian Fleming, acerca del infalible y relamido Agente 007.

Sin conocer la mácula del error, el filoso agente Bond acababa de descubrir a Goldfinger, un traficante de oro, llevándose al bolsillo tramposos millones en un juego de baraja amañado. A cambio de no revelar la verdad, el mítico espía londinense le exige en pago 10 mil dólares y un boleto doble de tren a Nueva York, porque se lleva con él a la curvidelicosa secretaria del truhán, sobre la cual sofoca sus dotes de amante y macho alfa durante el viaje.

No habían pastado mis ojos ni media hora sobre las líneas del sedante best seller, cuando una voz detrás de mi oído me interrumpió.

“Jelouuu, maaay frrrrend”, espetó la voz. “Jauguar yuuu, maaay frrrend?”, se agudizó el sonsonete en mi oído. Antes de voltear siquiera, supe que Dirhay había llegado a casa. Si Rama es un intrépido lengualarga, el sobrino no desmerece ante las proezas imaginarias del tío.

Méritos de desaparecido Dirhay, el otro inquilino en mi casa de Talbot Street 56, prescinde de su dormitorio por varios días a la semana. Las pocas veces que lo he visto llega a casa cualquier tarde.

Hace una pausa en la cocina para preparar un sándwich o una sopa caliente, deglute con instintiva voracidad y luego sale a fumar un cigarro al balcón. Siempre con una prisa que se pisa a sí misma los talones. Luego vuelve a la calle con pasos invisibles. El cabello le cae sobre el hombro. En

la oscuridad de su piel se esconden facciones heredadas seguramente de sus antepasados en África, aunque conserva la mirada penetrante y las ojeras del hindú promedio. Es originario de la Isla Mauricio, en el Océano Índico. En la mano derecha ostenta un anillo dorado con una piedra en color rojo. Cuando Dirhay sonríe se le llenan los ojos de un aire gangsteril. Siempre está tarareando una canción, dando pequeños saltitos y sacudiéndose la melena.

“Very guuuud, maaay frrrend”, me dice al tiempo que sorbe con auténtico placer su plato de sopa, y me lo muestra elevándolo sobre su barbilla, de pie frente al balcón.

Recostado en el sofá, bajo mi guardia al apartar el libro de manera que queda descubierto mi rostro. Le busco la mirada a Dirhay y le pregunto qué lo ocupa últimamente, porque realmente me intriga si su oficio tiene algún beneficio.

Traduzco parte de nuestra conversación, dejando intacto el intraducible maaay frrrend.

“Yo me sé mover, maaay frrrend/ Nunca estoy en un solo lugar/ Voy y vengo por toda la ciudad, aquí y allá/ Siempre alrededor, maaay frrrend”, contesta Dirhay para después soltar amarras a sus palabras y empezar a navegar en un océano donde no gobierna más vela que su lengua.

Pero antes de zarpar, anticipando su retrato para este texto, le pregunto qué edad tiene. Él me pide que adivine. Le calculo unos 28 años pero me responde negativamente. En realidad tiene 35 años.

“Pareces más joven”, le digo. “Es porque yo tengo un plan diferente”, responde con lo que podría pasar por un misterioso autoelogio. “Este tono lo conozco”, me digo a mí mismo haciendo memoria, mientras volteo a ver a Rama de espaldas en la cocina, amasando la harina de un futuro pan de cebolla.

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“¿Diferente?”, es todo lo que me resta decir para que Dirhay ponga el valor de su credo por los cielos.

Lo que se dice un hombre con suerte Me explica que su plan en esta vida es diferente al mío, al de Rama, al de cualquier otro inquilino y al del resto del mundo. Por eso luce más joven -el egoísmo no le carcome el ánimo para revelar la fuente de su juventud-. “¡Yo me sé mover!”, me dice dando brinquitos. “¡Muévete, muévete!”, repite ejecutando una danza de inspiración hindú, mezclada con la de un super-star del Lejano Oriente crucificado ante la gloria de los falsazos Occidentales.

“Yo no puedo estar aquí acostado, ¿si sabes? Leyendo un libro pero sin moverme. ¡Tienes que moverte! Salir a la calle, ir y venir, buscar otros caminos, moverte, tú me entiendes, ¿verdad? Mi plan es diferente”, me enreda en su explicación.

“Soy un hombre con suerte ¿sí sabes? Vivo de mi suerte”, sentencia.

En seguida lo prueba relatando su experiencia de dos noches atrás. Llegó a casa de madrugada pero nadie le abrió la puerta, entonces decidió dormir al pie de la puerta sobre Talbot Street. No habían pasado ni diez minutos cuando un hombre se le acercó para ayudarlo.

Dirhay le explicó su problema y el buen samaritano le ofreció su casa en donde le dio de cenar, le preparó un sofá con cobijas y lo despachó al día siguiente desayunadito y rasurado.

“Soy un hombre con suerte”, me presume Dirhay. “¿Ves estas llaves?”, dice sacando un puño de ellas del bolsillo de su chaqueta. “26 querían mi puesto, pero yo lo conseguí”, refiere. Resulta que 26 personas querían el puesto que

él obtuvo como secretario particular de un importante empresario restaurantero de Dublín. Según Dirhay, su nuevo jefe le entregó las llaves que corresponden a seis diferentes residencias en cotos exclusivos de Irlanda, a las cuales él debe darles mantenimiento.

Ni para qué abundar sobre el sueldo, las comodidades de rey, los excesos de adonis y los festejos de perezoso responsable que Dirhay vive en las mansiones que habita, supervisa y usa como si fueran para él solo, porque su jefe vive eternamente de viaje. Cuando creo que no puede dar más pruebas siderales de su buena suerte, me calla la boca.

“También me gané la lotería”, agrega al final de su relato.

“No mames, Dirhay”, le replico ahora sí, con justicia. “¡Que me gané la lotería! En el 2006 me gané la lotería. Seis mil euros. No miento, soy franco; no hombre, a mí no me gusta decir mentiras”, dice un poco serio ante mi incredulidad.

Un largo silencio me permite regresar a mi libro. Luego de que Dirhay acaba su sopa, rebusca en los bolsillos de su chaqueta y voltea a verme. “Están en mi saco verde” le digo.

“Agarra uno, ándale cabrón”, la parte final se la enuncio en fraternal español.

Dando brinquitos y cantando una canción hindú que no comprendo, ordeña uno de mis cigarros, y luego sale al balcón a fumarlo con una ansiedad fulminante que lo hace terminar en un minuto.

“Very guuud, maaay frrrend!”, celebra haciendo estiramientos con los brazos y las piernas. Minutos después se despide. Sale por la puerta corriendo con una prisa diferente, no de quien va tarde al trabajo, sino de quien dejó a medias un juego y vuelve a darle término. O a recomenzarlo otra vez. “Guuud baaay, maaay frrrend!”, grita escaleras abajo para perderse en las calles de Dublín. Pasará al menos una semana antes de que vuelva a verlo.

Photo-X: A

Alfredo Estrella

Crónica de las desventuras de quien quiso entregarle un disco a Placebo en pleno concierto

txt: Renich Bon Ciric img: Staff KY

El pasado 29 de septiembre fue un gran día. Fui, junto con El Negro y Evelyn (su novia), a ver a Babasónicos y a Placebo a la Arena VFG. Yo llevaba un disco de mi banda “introbella” e iba dispuesto a hacer lo necesario para entregárselos a los de Placebo, ya que los considero una banda muy afín a nosotros. No quiero comparar las calidades porque los resultados serían obvios. Simplemente los siento muy afines y creo que tienen una historia que propició, al final, que yo hiciera todo lo que estuviera a mi alcance para entregarles el disco.

a). Que me dejara pasar a dejarlo en el escenario b). Que me llevara ella c). Que ella lo llevara d). Que lo llevara un guardia e). Que me acompañara un guardia y que luego me sacaran de la Arena f). Que me dejara esperarlos en la camioneta en la que viajan de salida g). Que me dejara pasar a la zona platino para poder aventarlo

Según vi en un video documental de ellos (en Yotube), tuvieron un muy buen comienzo porque David Bowie escuchó su disco y los invitó a hacer una gira con él. Esto les ayudó a empezar con el pie derecho y… bueno, lo demás ya es historia.

Le dije que era mi sueño triunfar con mi banda que probablemente Placebo pudiera incluirnos en sus giras o, por lo menos, escuchar nuestro disco. No aceptó. No le importó nada. Así que de manera sutilmente prepotente me sacó de ahí (con dos guardias de seguridad detrás de ella).

Pues ahí estoy, en la VFG… pensando y observando con detalle la infraestructura del lugar. El concierto estuvo genial. Babasónicos no traía mucha energía: traía mucho volumen, pero el sonido no estuvo a la altura de ellos (culpa, creo yo, del ingeniero de sonido).

Decidí entonces volver a intentarlo. Porque nadie me va a detener de lograr lo que quiero. Me dirigí al otro extremo del lugar. Ahí, me topé con dos señoritas, las cuales no me dejaron llegar ni al nivel bajo. De forma prepotente y protagónica me impidieron pasar: no me miraban ni a los ojos. Les pedí… les rogué que me dejaran… y no quisieron…

Nosotros, desde las gradas, veíamos el concierto. Yo pensaba y pensaba: ¿cómo chingados llego hasta allá para entregárselos? Decidí ir al baño y preguntarle a alguien que trajera puesta la playera de OCESA. A quien le pregunté lo único que me dijo fue que “imposible”, que era completamente imposible acercarme. Luego se dedicó a desmoralizarme y bajarme las esperanzas: “no… imposible…”.

Después de las clases de desmoralización me dirigí al extremo derecho de la arena. Bajé hasta el primer nivel, lugar donde una señorita me impidió entrar. Le rogué y le expliqué por qué quería pasar. Le presenté varias opciones, como:

Fue entonces que tomé un respiro y las brinqué a las dos. Corrí hacia el escenario con un guardia intentando rasguñarme la espalda para agarrarme. Me paré en seco y lo aventé hacia atrás con mi brazo sobre la parte baja de su pecho. Seguí corriendo sin detenerme. Emocionado.

Asustado. Contento de ver que casi lograba mi cometido.

Sólo llevaba mi celular y el disco en la mano.

En mi loca carrera atropellé a dos grupos de señoritas (a las cuales les pido mis más sinceras disculpas, de verdad que no era mi intensión). Al llegar a la parte de enfrente y con tres guardias atrás de mí, me acerqué al escenario

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lo más que pude y decidí aventar el disco. Como también traía el celular en la mano casi lo aviento también. Por los nervios, por la adrenalina, no podía soltar el celular y aventar el disco. Duré cinco segundos cambiando de mano el celular y, la neta, los guardias me esperaron. Llevaba el disco en alto para que no se asustaran… pero la gente, que contemplaba la escena, sí se asustó.

Aventé el disco, voló por el aire y giró en torno a mí otra vez… grité: ¡nooooo!... Cayó en el escenario y luego se fue al suelo. Una persona (al parecer de seguridad) lo tomó y entonces le grité con toda mi fuerza: ¡Weeey, ponlo en el escenario, por favoooor! Para esto ya tenía a varios guardias (según yo unos seis o siete) encima. No me podían vencer. Me volteaba y me lograba soltar y los aventaba. Me ahorcaban y me presionaban el oído. Me golpeaban en la cabeza y en la espalda. Yo le pedí a la persona que vi recoger el disco que lo dejara ahí. No sé si lo recogió él u otro guardia lo hizo. Me alteré mucho en ese momento y grité: ¡Noooooo, el discoooooo! No sé, en realidad, qué pasó con eso, porque en esos instantes, ahorcándome, me tiraron al suelo (junto conmigo, otro guardia, también al suelo) y me empezaron a patear en la cabeza y en la espalda. Me dieron dos rodillazos en la cien y no cedí. No dije ni “ouch” una sola vez. Me los seguí quitando de encima y no podían conmigo. Las torturas continuaron: torcida de oreja, golpes en la cabeza y las piernas, jalón de cabello, etcétera. Me ahorcaban de dos maneras: primero con el brazo, luego tomaron mi traquea con los dedos y me la presionaban. Yo solo pensaba en el disco, en que ojalá y se hubieran dado cuenta los de Placebo y lo pidieran.

De tanto ahorcamiento comencé a desvanecerme. Un guardia intentó romperme un brazo y yo le regresé el manotazo. Después me pusieron las esposas en una mano y me voltearon a patadas para ponérmelas en la otra. Iban a llevarme de espalda e inclinado (de nalgas) frente a todo el público. Mi orgullo y dignidad me hicieron forcejear otra vez y levantarme y enderezarme. Les dije: yo de aquí salgo con la frente en alto. Uno intentó patearme para que me cayera… pero no lo logró.

En el camino me iban diciendo: “hay maneras de hacer las cosas”, “cada acción tiene una reacción”. Les dí la razón, pero les aclaré que intenté todo. El capitán de ellos, el cual dijo ser policía, tomó otra actitud. Fue entonces cuando sentí algo de respeto hacia ellos. Les dije que no los odiaba ni los culpaba. Que ellos hacían su jale… Pero que yo no iba a dejar mi sueño desvanecerse sólo porque me dijeran que “era imposible…”.

Me llevaban ya a la patrulla, según esto para encarcelarme.

El capitán, eventualmente, les dijo: “No wey, que se vaya”.

Iba muy golpeado y me quedaba sin aire. Me llevaron hasta la salida de la VFG, junto a un árbol, y me dejaron ir. Les agradecí mucho. “Nomás no entres hasta que se acabe”, me dijeron.

Me quedé tirado, ahí, respirando. Una persona se acercó a ofrecerme ayuda y le dije: “no, gracias”. Me sentía en realidad tan contento de haber dado el paso. No quiero justificar la violencia para hacer lo que a uno le guste, al contrario, pienso que uno nunca debe pasar por encima de la gente. También pienso que uno nunca debe dejar que la gente destruya tus sueños. Nunca voy a dejar que lo hagan, y ya me lo he probado a mí mismo. Hay que hacer lo que tengas que hacer para lograr tus sueños, mientras no dañes a nadie. Siento que fue así, en este caso. Lo intenté antes por todos lados y dejé la fuerza como último recurso. Aún cuando ellos me golpearon yo no los golpeé, yo sólo los empujé y me protegí.

Llegué llorando de la emoción con mi hermano Ati. Él se asustó porque no sabía lo que pasaba. Le expliqué, lloré y lloré. Me dijo que estaba orgulloso de mí… pero que le había dado mucho miedo que me lastimaran. Que la próxima vez le dijera a él y me ayudaba. Le dije que creía que poca gente tenía un hermano como él y lo abracé mientras él me besaba y me acariciaba. Fue muy bonito.

Estoy orgulloso de mí y es por eso que escribo esta crónica. Quiero que me sirva y cuando ande down me ayude a recordar de lo que he sido capaz para lograr mis sueños.

Espero que te ayude a tí a lograr los tuyos. Consejo: no te desanimes, aún cuando todos te digan que es imposible. Tú puedes. ¡Hazlo! ¡Lánzate!

Aún cuando Placebo no haya recibido el disco o lo reciba y no le interese, lo intenté. Lo bailado, quién me lo quita, ¿eh?

Además quiero aprovechar para, públicamente, pedirle disculpas a OCESA y a Placebo (aunque no creo que ellos lean esto nunca). Discúlpenme por hacer este tipo de cosas.

No está bien usar la fuerza. Pero también está muy mal que hayan intentado restringirme de alcanzar mis metas y sueños y que el hecho de querer entregar un disco se convierta en algo tan difícil y burocrático.

En todo caso, ojalá y les haya ido bien en el concierto y todo.

La ópera: disfrutarla así, sin previo conocimiento txt: Staff KY img: Cultura UDG

Ahí, en el centro, está la voz, el instrumento que ha acompañado a la humanidad desde su nacimiento hasta nuestros días, ese que, convertido en palabra, arrullo o canción infantil encuentra su vínculo directo con las emociones.

Aquel que independientemente de las civilizaciones ha permanecido fiel al humano convirtiéndose en su primera referencia musical. La voz, en el caso de la ópera, es una línea más en la partitura de la música pero es, sin duda, uno de los elementos a los que dentro de la misma se le ha dado un especial énfasis. No sólo porque los personajes que cuentan visual y auditivamente la historia son los portadores, sino porque el referente de nuestras emociones es expresado con sonidos distintivos de la especie humana. La voz tiene parte en el momento en que un mito es narrado y así como esos mitos a manera de relatos sencillos fueron referentes en nuestra infancia, así estaban ligados con la voz de quien los contaba. Se podía escuchar entonces muchas veces el mismo cuento y provocaba y evocaba distintas sensaciones relacionadas con los afectos.

Lévi-Strauss escribía que la ópera es la música realizada en su forma más alta, la más completa, la más total; en ella encontramos lo que la humanidad ha pedido desde hace tanto tiempo a los mitos: dar explicaciones o expresiones totales que se sitúan simultáneamente a varios niveles.

Si bien es cierto que tanto los personajes del teatro como de la ópera pertenecen a la categoría de seres de ficción, la mediación de la voz cantada les dota de una presencia específica y totalmente distinta. En la ópera el componente

afectivo e inconsciente de los personajes está realzado por el sonido en detrimento de sus ideas y sus conductas manifiestas, que en el teatro están definidas por el sentido de las palabras. Estos personajes oscilan entre el mito y la realidad, toman componentes del primero para llevar a cabo metáforas respecto al segundo, es decir, que son y no son a la vez. Esto permite que por un instante, más allá de nuestra realidad inmediata, conectemos con los afectos propios presentes o pasados. Incluso que imaginemos cómo serían esos que aún no hemos vivido y que en la ópera se cuentan que existen.

La ópera se ha convertido en ese otro escenario donde el inconsciente se pasea a su modo. Es ahí donde, por un instante, a través de todo el arte que logra conjuntar en escena, se recrea la melancolía, el dolor, la alegría, el deseo, la venganza, los celos, la justicia, el amor, el engaño: todo lo demasiado humano.

Es por esto que contrario a lo que se piensa por la gente que no se ha acercado a conocerla, la ópera no necesita referentes ni conocimiento previo para disfrutarla. En la medida en que se conecta directamente con las emociones, su acercamiento no puede ser desde lo racional. El espíritu de la ópera misma es la exaltación de las pasiones humanas y por tanto todo aquel que deje al descubierto los canales de sus sentidos, logrará encontrar en la ópera un sitio para pasearse.

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El Metropolitan Opera House, en Guadalajara Para conocer la ópera, hay que acercarse a ella y ahora podemos tener un excelente pretexto para hacerlo. A partir del 10 de octubre, se estará transmitiendo la temporada 2009-2010 del Metropolitan Opera House de Nueva York en vivo, vía satélite en el Teatro Diana. Este proyecto dirigido a los más diversos públicos –amantes de la ópera, curiosos y quienes desean vivir por primera vez la experiencia operística– permitirá acercarse a figuras que con su prestigio y talento han escrito notables capítulos en la ópera contemporánea. Este recincto que cumple 125 años de vida, ha sido uno de los grandes protagonistas de la ópera a nivel mundial. En este caso presentará además de nuevas producciones, reposiciones del repertorio de la compañía. En palabras del titular de la orquesta del MET, James Levine: “es un repertorio maravillosamente balanceado que incluye cuatro obras completamente nuevas en el MET, así como gran número de óperas que ha estado fuera del repertorio por mucho tiempo”. Cabe señalar que todas las transmisiones cuentan con subtitulaje en español.

De manera complementaria, una hora y media antes de cada función se ofrecerá una charla introductoria en el Estudio Diana (el cupo será limitado a 120 personas y el acceso será gratuito presentanto el boleto de la ópera del día) para que, en la voz de expertos y de manera breve, el público conozca más detalles de la trama, autores y compositores de la obra que verán.

Para complementar la temporada de ópera del MET, en el Estudio Diana se realizará el ciclo Miércoles de Do de pecho, charlas especializadas sobre las óperas desde su estructura musical, características de las voces, interpretaciones y roles que han marcado las puestas en escena, impartidas por expertos en el género y con interpretaciones vocales de

cantantes locales y nacionales reconocidos. La entrada a estas noches líricas de formato relajado incluirá una copa de vino por persona y una tabla de quesos y carnes frías.

Precios de los boletos de las transmisiones en vivo: Desde $80 hasta $250 Precio de los miércoles de Do de pecho: Individual: 200 Pareja: 350 PROGRAMA: Programa Temporada 2009-2010 10 de Octubre: Tosca 24 de Octubre: Aída 7 de Noviembre: Turandot 19 de Diciembre: Los cuentos de Hoffmann 9 de Enero: El Caballero de la Rosa 16 de Enero: Carmen 6 de Febrero: Simon Boccanegra 27 de Marzo: Hamlet 1 de Mayo: Armida Las transmisiones en vivo, vía satélite, se harán en el Teatro Diana en una pantalla de cine de 14 x 9 metros, con señal de alta definición y equipo de Sonido Dolby 5.1 de alto poder. Las funciones, realizadas ante el público en aquel recinto, emplearán trece cámaras —varias de ellas, robóticas— que desde diversos y asombrosos ángulos contribuirán a enfatizar la narración, enriqueciendo de manera sobresaliente la apreciación del espectáculo, y contarán además con subtitulaje en español, lo que permitirá adentrarse en la historia sin restar atención a la puesta en escena.

Kings of Leon Martes 20 de octubre. 21:00 hrs Auditorio Telmex

AC / DC Jueves 12 de noviembre. 21:00 hrs Foro Sol. Distrito Federal

Escuchar este nombre probablemente no te remita demasiado, pues se trata de una agrupación con apenas unos meses de vida.

Sin embargo, al revisar su alineación otra cosa sucede: Alison Mosshart (The Kills) en la voz, la guitarra de Dean Fertita (Queens of the Stone Age), Jack Lawrence en el bajo (The Raconteurs) y el mismísimo Jack White, guitarrista y vocalista de The White Stripes, forman parte de este proyecto alternativo, que en conjunto, da como resultado una ecuación explosiva y potente.

Caleb, Nathan y Jared Followill y su primo Matthew Followill, mejor conocidos en conjunto como Kings of Leon, llegan a la capital de la torta ahogada en plena efervescencia de su carrera musical. El cuarteto originario de Tenesse, EUA, tiene preparado un concierto que repasará algunos de los éxitos que han cosechado a lo largo de cuatro producciones discográficas de estudio, sin dejar de lado la más reciente, “Only by the nigth”, que les ha otorgado gran popularidad en nuestro país. Boletos de 380 a los 980 pesos y pueden adquirirse a través del sistema Ticketmaster.

Para beneplácito de la amplia comunidad rockera de nuestro país, una de las bandas seminales del rock, aunque no llega a Guadalajara, sí estará presente en el Distrito Federal. En el marco de la gira promocional de su más reciente producción de estudio “Black Ice” (2008), los hermanos Angus y Malcom Young a lado del Brian Johnson, vienen cargados de alto voltaje y crudos guitarrazos a la vieja usanza. Cada kilómetro recorrido y minuto invertido para llegar la noche del 12 de noviembre al Foro Sol del Distrito Federal, sin duda valdrá la pena.

Algunos de los más emblemáticos himnos del headbang. Boletos de 280 a 1,280 pesos, disponibles en Ticketmaster.

Yanni Viernes 16 de octubre. 21:00 horas Auditorio Telmex Con más de una docena de álbumes de estudio y treinta años de carrera artística, el pianista y compositor griego, Yanni, uno de los exponentes más representativos del género New Age, promete un directo plagado de emotividad, en lo que será su primera presentación en Guadalajara. Algunas de sus piezas, que mezclan el sonido orquestal con sintetizadores, le han valido repetidas nominaciones a los premios Grammy. Autor además de uno de los conciertos más famosos de la industria musical de lo años noventa: Yanni Live at the Acropolis, Boletos de 350 a 2,260 pesos, disponibles en Ticketmaster.

Paul Oakenfold Sábado 17 de octubre. 21:00 horas Foro Alterno Uno de los dj´s más reconocidos en el globo, trae sus beats de nueva cuenta a territorio Mexicano, para poner a bailar a los amantes del punchis punchis y las mezclas electrónicas duras. El británico Paul Oakenfold es creador de todo un concepto sonoro consolidado en el mainstream internacional por casi dos décadas, lo que lo ha llevado a incursionar en la producción e incluso en la musicalización cinematográfica y de videojuegos. Boletos 400 pesos general y 600 pesos v.i.p, disponibles en Ticketmaster.

The Killers Jueves 5 de noviembre. 21:00 horas Auditorio Telmex Después de un par de años de aquel exitoso directo que ofrecieron en el Auditorio Telmex, la agrupación estadounidense de Indie rock, The Killers regresa por la revancha, con uno de los conciertos más esperados de los últimos meses en la perla tapatía. En 2004, la agrupación comandada por Brandon Flowers, lanzó el álbum “Hot Fuss”, con el que cobraron fama internacional, misma que han consolidado con su más reciente placa, “ Day and Age”. Boletos de 1,650 a 280 disponibles en puntos de venta Ticketmaster y taquillas del teatro.

Dralion A partir del jueves 22 de octubre Explanada López Mateos La magia de los acróbatas más famosos y virtuosos del mundo, llega por tercera vez a Guadalajara, con un espectáculo mágico: Dralion. El nombre surge de la mezcla dos representativos símbolos de oriente y occidente: el dragón y el león respectivamente, como una metáfora de la armonía y sincretismo cultural. Actualmente, este montaje que involucra la participación de más de una treintena de atletas de diversas nacionalidades, ha sido presenciado por más de 9 millones de personas alrededor del mundo. Boletos de 390 a 990 pesos.

Sólo las estrellas Jueves 29 de octubre, 20:30 hrs.

Teatro Diana En lo que parece ser una de las presentaciones más fuertes, en cuanto a ballet se refiere, el Teatro Diana albergará, en una sola noche, a los primeros solistas de las compañías más importantes del mundo, como el Ballet Bolshoi, el Kirov, el Tchaikovsky Theater, el Imperial Ballet, el Boris Eifman Ballet y el Mikhailovsky Ballet de San Petersburgo, con un repertorio que incluye Romeo y Julieta, La Bayadera y Lago de los Cisnes, entre otras.

Sombras. Un sueño entre un sueño Viernes de octubre, noviembre diciembre, 20:30 hrs.

Teatro Guadalajara del IMSS Ir a ver al Grupo Luna Morena es garantía de profesionalismo, de diversión y de magia.

Recomendada para mayores de 13 años esta pieza fue ganadora del premio a mejor obra de experimentación en el Festival Internacional de Títeres de Praga, en el año de 2007.

Este montaje para adolescentes y adultos, maravilla de principio a fin, dese la vuelta cualquier viernes de aquí a que concluya el año; la admisión es de 80 pesos general y 50 pesos para estudiantes, maestros, personas de la tercera edad y trabajadores del IMSS.

RECOMENDACIONES

The Dead Weather Viernes 9 de octubre. 23:00 horas.

Teatro Estudio Cavaret

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