Proyecto (Dummy) Revista Polifonía Orquesta Sinfónica del Estado de México by SIMONIMAGINA

Revista Semestral / Septiembre 2019 / Año 1 No. 1

CALENDARIO DE INVIERNO DE LA OSEM

VON KARAJAN VIRTUOSO DE LA MÚSICA

CORO POLIFÓNICO DE EDOMEX, OFRECERÁ SERIE DE CONCIERTOS

polifonía REVISTA DE LA

Rodrigo Macías LA MÚSICA COMO FACTOR DE CAMBIO

OPINIÓN ROGELIO MACÍAS SÁNCHEZ ALGO DE MÚSICA LUDWIG VAN BEETHOVEN BIOGRAFIA DE UN GRAN PIANISTA Y COMPOSITOR

Revista Semestral / Septiembre 2019 / Año 1 No. 1

CALENDARIO DE INVIERNO DE LA OSEM

VON KARAJAN VIRTUOSO DE LA MÚSICA

CORO POLIFÓNICO DE EDOMEX, OFRECERÁ SERIE DE CONCIERTOS

polifonía REVISTA DE LA

Rodrigo Macías LA MÚSICA COMO FACTOR DE CAMBIO

OPINIÓN ROGELIO MACÍAS SÁNCHEZ ALGO DE MÚSICA LUDWIG VAN BEETHOVEN BIOGRAFÍA DE UN GRAN PIANISTA Y COMPOSITOR

Revista Semestral / Septiembre 2019 / Año 1 No. 1

CALENDARIO DE INVIERNO DE LA OSEM

VON KARAJAN VIRTUOSO DE LA MÚSICA

CORO POLIFÓNICO DE EDOMEX, OFRECERÁ SERIE DE CONCIERTOS

polifonía REVISTA DE LA

Rodrigo Macías

LA MÚSICA COMO FACTOR DE CAMBIO

OPINIÓN ROGELIO MACÍAS SÁNCHEZ ALGO DE MÚSICA LUDWIG VAN BEETHOVEN BIOGRAFÍA DE UN GRAN COMPOSITOR

Creo en un mundo equitativo… la educación, la cultura y el arte son nuestros cimientos”.

CARTA DEL PRESIDENTE PATRONATO DE LA OSEM

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REVISTA DE LA OSEM / SEPTIEMBRE 2019 / AÑO 1 NO. 1

Lic. Heberto Guzmán Presidente del Patronato OSEM

Presentamos la revista OSEM organo de difusión de la cultura musical de México

PATRONATO DE LA OSEM

Anuncian conciertos de temporada de Invierno de la OSEM (Actualizar nota) Por / Redacción

REVISTA DE LA OSEM / Septiembre 2019 / Año 1 No. 1

l Patronato de la Orquesta Sinfónica del Estado de México (POSEM), dio a conocer su calendario de conciertos extraordinarios contemplados para el segundo semestre del 2018, entre los que destacan su participación estelar en el festival de música electrónica Mutek MX, en el Bosque de Chapultepec; un recital que ofrecerá con Fernando de la Mora en la Plaza de los Mártires de Toluca; la presentación bajo la batuta de Alondra de la Parra en la Arena Monterrey, y más ensambles ofrecidos a mujeres en penales de distintos estados de la República. Durante un evento, en el que también se anunció la ratificación de Heberto Guzmán como Presidente de la organización civil sin fines de lucro por parte del Gobernador del Estado de México Alfredo Del mazo, también se anunciaron otras actividades de relevancia, tales como una exposición organizada en conjunto con el escultor Sebastián, en el Centro Cultural Mexiquense Bicentenario. El 7 de septiembre, la OSEM ofrecerá un magno concierto en la Plaza de los Mártires de la ciudad de Toluca, junto al afamado tenor mexicano Fernando de la Mora y el mariachi Tlenhuicani, que abierto a todo público de manera gratuita que incluirá un juego de luces y fuegos artificiales. Bajo la batuta de la Maestra Alondra de la Parra, la agrupación mexiquense se presentará en el concierto México Unido a llevarse a cabo el 26 de septiembre en la Arena Monterrey, de esa ciudad neoleonesa. El 25 de noviembre la orquesta mexiquense cerrará el Festival Internacional de Creatividad Digital Mutek MX 2018, a las afueras de Museo Tamayo en el Bosque de Chapultepec, con un programa de música sinfónica con arreglos electrónicos dirigido a todo público, pero principalmente a los jóvenes en el marco de la plataforma para la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en el sonido, la música, las artes audiovisuales y la tecnología. El Presidente del Patronato, Heberto Guzmán, acompañado por la Secretaria de Cultura del Estado de México, Marcela González Salas, y el titular de la OSEM, el Maestro Rodrigo Macías, destacó que se seguirán llevando a cabo los Conciertos con Causa, en los que en colaboración con la Fundación Reinserta, se llevan ensambles al interior de penales femeniles, donde se ofrecen recitales para las reclusas. En esta ocasión se contempla la visita a centros penitenciarios del Estado de México, Jalisco, Aguascalientes y Querétaro. Entre las actividades culturales impulsadas por el PO-

Durante un evento, en el que también se anunció la ratificación de Heberto Guzmán como Presidente de la organización civil sin fines de lucro por parte del Gobernador del Estado de México Alfredo Del mazo, también se anunciaron otras actividades de relevancia, tales como una exposición organizada en conjunto con el escultor Sebastián, en el Centro Cultural Mexiquense Bicentenario. SEM, anunciadas también en compañía de integrantes del Patronato como Francisco Cervantes Díaz, Jorge Álvarez Colín, Luis Felipe Espíndola Estrada, José Luis Velasco Lino y Ricardo Aguirre Illing, todos ellos incansables impulsores de la cultura en México, se presentó un programa de exposiciones temporales que se ofrecen en el vestíbulo de la recién remodelada Sala Felipe Villanueva de Toluca, que en esta ocasión albergará la obra de Julio Hermes, Alberto Castro Leñero, Alejandro Pérez Cruz y Joel Rendón Vázquez. En los últimos años el POSEM se ha consolidado reforzando las actividades para no ser sea solamente una fuente de recursos para la OSEM, sino un verdadero impulsor de la cultura y de la participación de las empresas en el fomento de la música, apoyando giras internacionales que ponen muy en alto el nombre de nuestro país, como las realizadas en China, Estados Unidos y Colombia, además de importantes recintos como el Palacio de Bellas Artes y el Castillo de Chapultepec.

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LA ENTREVISTA

CON LA MÚSICA

EN EL ALMA Fernando de la Mora y Rodrigo Macías Por / Jorge Blancas

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a primera frase que hilvana Fernando de la Mora cuando Nivel Uno le pregunta sobre el significado de la música en su vida es: “Una vida sin ella es una vida vacía”. Estas palabras, articuladas sin ningún recelo, describen perfectamente al tenor mexicano, quien en este 2018 cumple 40 años de trayectoria artística. Su pasión por la música es evidente y confirma: “una vida sin música es una vida incompleta”. Arguye que la música es tan importante en el ser humano como la sangre que corre por sus venas. Sin exageración, recula como tratando de justificar sus dichos y adelantándose a aquellas voces que podrían minimizar el argumento. De la Mora, además de ofrecer su voz a grandes obras de la música clásica, ha sido -por décadas- un asiduo promotor del género, pues “¿qué sería del músico sin público?, sería como una oración sin dios”. Su tema, por si no se había notado, es la música, y más allá de criticar a quienes escuchan reguetón o banda, el tenor mexicano refiere que lo importante es que esas personas se puedan permitir escuchar otro género musical. Refiere que no puede concebir, ni conformarse que un concierto de la Orquesta Sinfónica del Estado de México “no esté totalmente abarrotado en todos sus conciertos”. En el entendido de que “el ser humano es grande por la música, la pintura y por sus expresiones artísticas”, Fernando de la Mora no puede quedarse de brazos cruzados esperando que la generalidad se acerque por motu proprio, es por ello que aprovecha cada oportunidad para hablar de la grandeza del género. CARRERA CONSOLIDADA Fernando de la Mora dice tener muchos años de haber “resuelto su voz”, sin embargo, más allá de quedarse

La música es tan importante en el ser humano como la sangre que corre por sus venas” Fernando de la Mora, tenor mexicano

Nosotros pensamos que a través de la música podemos hacer mejor a nuestra sociedad, más abierta, más sensible. La persona que viene a un concierto se vuelve un poco más paciente, más curiosa y eso es importante. Nosotros creemos que la música tiene la capacidad de influir en las personas” Rodrigo Macías, Director de la Sinfónica del Estado de México en la medianía, el tenor mexicano asegura que mantiene un estricto entrenamiento para “seguir rindiendo y emocionando a la gente”. Es por eso que a los nuevos talentos mexicanos los alienta a “partirse el alma por sus sueños”. RODRIGO MACÍAS DIRECTOR DE LA OSEM La impresión que proyecta Rodrigo Macías es la de un joven que comparte, ágil y visionario. Su trayectoria habla por sí sola, ha dirigido en las orquestas más importantes del país y ello le ha valido el reconocimiento de propios y extraños, no obstante, ha sido en la Orquesta Sinfónica del Estado de México (OSEM) donde encontró los tiempos y el apoyo perfectos para proyectar la músi-

ENTREVISTA

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A FERNANDO DE LA MORA Y RODRIGO MACÍAS

ca a fronteras que otros directores ni siquiera se habían atrevido. Su estrategia es simple, aunque revira de una gran valentía: Llevar una propuesta musical que cautive, que encante a la audiencia y después introducirla a piezas más complejas. Fue así como pudimos ver conciertos gratuitos en los principales foros del Estado de México de bandas sonoras de películas clásicas o conciertos sinfónicos de música popular mexicana, éste último con el finísimo acompañamiento del tenor mexicano, Fernando de la Mora. El tenor Fernando de la Mora, quien festeja este año 40 años de carrera artística, ha sido pieza clave para el lanzamiento de esta temporada de la OSEM. Por parte del director Rodrigo Macías, oriundo de Texcoco, no existen más que elogios a la calidad vocal del tenor, de quien se refiere como “un artista que tiene muchas facetas y que puede ligar por un lado la música popular mexicana con un gusto exquisito, pero también como un gran exponente de la ópera”. LA MÚSICA COMO FACTOR DE CAMBIO Para Rodrigo Macías la música de la OSEM tiene una utilidad social, además del aspecto emotivo y del aspecto espiritual. “También hay un elemento que tiene que ver con la utilidad social; nosotros pensamos que a través de la música podemos hacer mejor a nuestra sociedad, más abierta, más sensible. La persona que viene a un concierto se vuelve un poco más paciente, más curiosa y eso es importante. Nosotros creemos que la música tiene la capacidad de influir en las personas. No sólo para pasar el rato y decir que estuvo padrísimo o que bella estuvo la orquesta y la voz, sino dejar algo más importante, tenemos esa convicción, de influir positiva-

Lo único que critico a la gente que escucha banda o reguetón es que solamente escuchen ese tipo de música, que no se permitan escuchar este género maravilloso, que es el género de la música clásica, de música fina”. Fernando de la Mora, tenor mexicano

Me siento muy contento porque tenemos la oportunidad de ver al maestro De la Mora en dos facetas que son distintas, pero que son lo mismo. Por ejemplo, tuvimos conciertos de muy buena música popular mexicana, pero también en el mes de noviembre vamos a iniciar con la ópera y vamos a presentar Cavalleria Rusticana, que es un estreno para esta Orquesta”.

Rodrigo Macías, Director de la Sinfónica del Estado de México

mente en la sociedad, porque la cohesión social nosotros podemos ayudar a generarla. El sentido del respeto, el sentido de la identidad y el sentido del orgullo, creemos que se pueden compartir a través de la música”.

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BIO

VIRTUOSO

Herbert

von Karajan

Herbert von Karajan (Salzburgo, 5 de abril de 1908; Anif, cerca de Salzburgo, 16 de julio de 1989) fue uno de los más destacados directores de orquesta del periodo de la posguerra y, en general, del siglo XX. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años.

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BIOGRAFÍA Herbert von Karajan era hijo de una familia de la alta burguesía de Salzburgo, de ancestros griegos. Su tatarabuelo, Georg Johannes Karajanis, nació en Kozani, en la época en que pertenecía al Imperio otomano (hoy Macedonia Griega) se mudó a Viena en 1767, trasladándose finalmente a Chemnitz (en Sajonia). Él y su hermano fueron fundadores de la industria textil de Sajonia, tarea por la que recibieron sendos títulos nobiliarios por Federico Augusto I el 1 de junio de 1792 (de ese modo se añadió el «von» a su nombre familiar). Así, el apellido Karajanis se convirtió en Karajan.

e Isolda y en 1938, fue bautizado por un crítico berlinés como «Das Wunder Karajan» (‘el milagro Karajan’). Al firmar un contrato con Deutsche Grammophon aquel año, Karajan realizó la primera de sus numerosas grabaciones dirigiendo a la Staatskapelle Berlin en la obertura de La flauta mágica. Sin embargo, Adolf Hitler recibió con desdén al afamado director después de que este se equivocase en un momento en Die Meistersinger von Nürnberg en un concierto de gala que Hitler ofreció para los reyes de Yugoslavia en junio de 1939. Al dirigir sin la partitura, Karajan se perdió, las cantantes se detuvieron, la cortina se rasgó en medio de la confusión. Furioso, Hitler ordenó a Winifred Wagner: «Herr von Karajan jamás dirigirá en Bayreuth mientras yo viva», y así fue. Después PRIMEROS AÑOS Nació en Salzburgo en 1908. En 1929, realizó su debut de la guerra, Karajan hizo lo posible para no recordar oficial dirigiendo Salomé en la Festspielhaus de Salzburgo, aquel vergonzoso y no tan glorioso incidente, que sin emy entre 1929 y 1934, Karajan fue primer Kapellmeister en bargo salvó su carrera en la posguerra. la Ópera Estatal de Ulm, Alemania. En 1933, Karajan hizo AÑOS DE LA POSGUERRA su debut en el Festival de Salzburgo con la Walpurgisnacht En 1946, Karajan dio su primer concierto en la posScene en una producción de Fausto de Max Reinhardt. Al año siguiente, y nuevamente en Salzburgo, Karajan dirigió guerra, en Viena, con la Orquesta Filarmónica de Viena, la Orquesta Filarmónica de Viena por primera vez, y entre pero después las autoridades de la ocupación soviética 1934 y 1941, Karajan dirigió óperas y conciertos sinfóni- le prohibieron ejercer la dirección debido a su afiliación al partido nazi. En el verano de aquel año participó anócos en el Teatro de la Ópera de Aquisgrán. nimamente en el Festival de Salzburgo. Al año siguiente se levantó la prohibición y pudo seguir dirigiendo. En ÉXITOS DURANTE EL NAZISMO En marzo de 1935, la carrera de Karajan tuvo un sig- 1948, Karajan se convirtió en director artístico de la Genificativo impulso cuando se inscribió como miembro del sellschaft der Musikfreunde, Viena. También dirigió en el Partido Nazi (‘Aufnahmegruppe der 1933er, nachgereich- Teatro de La Scala de Milán. Karajan convirtió a esa orquesta en una de las mejote’). Aquel año, Karajan fue nombrado el más joven director de orquesta alemán y fue director invitado en Bru- res del mundo. En 1949 se presentó en el Teatro Colón selas, Estocolmo, Ámsterdam y otras ciudades europeas. de Buenos Aires en una serie de conciertos sinfónicos. Más aun, en 1937, Karajan hizo su debut con la Orquesta En 1951 dirigió un único ciclo completo de El anillo del Filarmónica de Berlín y la Ópera Estatal de Berlín (a la nibelungo (alternándose del 11 de agosto al 15 de agosque dirigió desde 1939, en plena Segunda Guerra Mun- to con Hans Knappertsbusch), así como Los maestros dial) con Fidelio. Disfrutó de un notable éxito con Tristán cantores de Núremberg, y en 1952 Tristán e Isolda en el

El arte de dirigir consiste en saber cuĂĄndo dejar la batuta para no molestar a la orquestaâ&#x20AC;?. Herbert von Karajan Director de orquesta

BIO

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VIRTUOSO

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Festival de Bayreuth. En 1953, después de dirigir Tannhäuser, dijo que nunca más lo haría porque no sabía si sus emociones le permitirían terminarla con vida. Aun así, asumió la dirección imponiendo la condición de que su plaza fuera vitalicia. Juntos realizaron apariciones por todo el mundo, obteniendo gran aclamación. En 1955, la orquesta hizo su primera presentación en Nueva York, desde donde comenzó una gira por los Estados Unidos, que fue repetida al año siguiente, y también durante varias temporadas más. En total, entre 1955 y 1958, Karajan y la Filarmónica de Berlín tocaron 105 conciertos en los Estados Unidos. Entre otros notables viajes internacionales se incluyen visitas a Japón, la gira de 1984 que los llevó también a Corea y sus primeros conciertos en China en 1978. Entre 1957 y 1964, fue director artístico de la Ópera Estatal de Viena. Estuvo estrechamente vinculado con la Orquesta Filarmónica de Viena y el Festival de Salzburgo, en donde inició el llamado Festival de Semana Santa, evento que permanecería ligado al director musical de la Filarmónica de Berlín aún después de que Karajan dejara ese cargo. Dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena en 1987 y continuó interpretando, dirigiendo y grabando en forma prolífica hasta su muerte en 1989.

de Beethoven. Sin embargo, los inventores del CD niegan este hecho.4 Fue él quien grabó el primer CD comercializado y la obra que tuvo el honor de ser registrada en la ocasión fue la Sinfonía Alpina, de Richard Strauss.

MUSICALIDAD Hay un consenso general sobre el don de Karajan para extraer una bella sonoridad de una orquesta. Donde la opinión varía es acerca de los grandes fines estéticos para los que el sonido Karajan era empleado. El crítico estadounidense Harvey Sachs analizó la postura de Karajan así: Vemos que Karajan eligió un sonido para todo propósito, altamente refinado, enlacado, calculadamente voluptuouso que podría ser aplicado, con las modificaciones estilísticas que estimaba necesario, a Bach y Puccini, Mozart y Mahler, Beethoven y Wagner, Schumann y Stravinski... muchas de sus interpretaciones tienen una cualidad prefabricada que otros como Toscanini, Furtwängler y otros nunca tuvieron... muchas de las grabaciones de Karajan son exageradamente pulidas, una suerte de contraparte sonora a las películas y fotografías de Leni Riefenstahl. Sin embargo, el crítico y comentarista Jim Svejda ha dicho que el estilo de Karajan anterior a 1970 no parece tan calculadamente pulido como su estilo posterior. KARAJAN Y EL DISCO COMPACTO Este estilo general impacta a muchos oyentes en difeKarajan tuvo un papel importante en el desarrollo del formato original del disco compacto (alrededor de 1980). rentes grados de pareceres sobre el logro final en la músiApoyó esta nueva tecnología de grabación y apareció en ca de diferentes épocas. La información en la Web sugiere la primera conferencia de prensa que anunció el formato. que de las numerosas grabaciones de Karajan, aquéllas Los primeros prototipos de CD tenían una duración limi- del repertorio principal romántico del siglo XIX a menutada apenas a sesenta minutos y a menudo se afirma que do atrae mayor admiración (y muchos comentan que sus se amplió hasta los 74 minutos a instancias de Karajan, grabaciones de las sinfonías de Beethoven dan la norma para que así cupiera en un solo disco la Sinfonía n.º 9 para otras versiones de las mismas), pero hay menos afec-

Algunos críticos, en especial el británico Norman Lebrecht, acusaron a Karajan de haber comenzado una devastadora e inflacionaria espiral de los sueldos profesionales.

to por su obra en la música del clasicismo, siendo estas y sus incursiones en la música barroca más bien mediocres. Dos reseñas que podrían considerarse representativas de la muy leída Guía Penguin de Discos Compactos pueden servir para ilustrar este tema. • Respecto de una grabación de Tristán e Isolda de Richard Wagner, una obra romántica muy importante, los autores del Penguin dicen «La de Karajan es una interpretación sensual de la obra maestra de Wagner, cuidadosamente hermosa y con una ejecución bastante refinada de la Filarmónica de Berlín... una excelente primera opción». • Acerca de la grabación de las sinfonías París de Haydn, los mismos autores dicen, «un Haydn a lo big-band con una venganza... No se puede dejar de pasar que la calidad de la ejecución orquestal es soberbia. Sin embar-

go, son versiones pesadas, más cercanas al Berlín Imperial que a París... los Minuetos son también muy lentos... Estas interpretaciones son tan carentes de encanto y de gracia para ser recomendadas de corazón». Con respecto a la música del siglo XX, Karajan fue criticado por haber dirigido y grabado casi exclusivamente obras compuestas antes de 1945 (Mahler, Schoenberg, Berg, Webern, Bartók, Sibelius, Richard Strauss, Puccini, Ildebrando Pizzetti, Arthur Honegger, Prokofiev, Debussy, Ravel, Paul Hindemith, Carl Nielsen y Stravinski), si bien grabó dos veces la Sinfonía n.º 10 (1953) de Dmitri Shostakóvich, y estrenó el Trionfi de Afrodite (Teatro alla Scala, de Milán, 13 de febrero de 1953) y la De Temporum Fine Comoedia (en el Festival de Salzburgo el 20 de agosto de 1973), ambas del compositor Carl Orff.

STATUS QUO NOSOTROS

CON 18 AÑOS DE HISTORIA

la Orquesta ha logrado sobresalir en el ámbito nacional La OSEM surge como un espacio único donde los jóvenes músicos puedan hacer práctica de los conocimientos adquiridos en sus estudios y a través de un proceso formativo desarrollar sus habilidades para integrarse posteriormente a los ensambles profesionales de la localidad y el país. Por / Redacción

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l 27 de agosto de 1971, por iniciativa del Gobierno del Estado de México y del maestro Enrique Bátiz, se fundó la Orquesta Sinfónica de dicha entidad, con el objetivo de difundir la música de concierto como medio de unión e identificación entre los mexicanos. Con residencia en la ciudad de Toluca, la Orquesta Sinfónica del Estado de México (OSEM) se ha caracterizado desde sus inicios por el empeño de llevar su mensaje a todos los rincones de la República Mexicana. A lo largo de 47 años de existencia, la OSEM ha presentado en sus conciertos a los directores invitados y solistas más destacados del planeta. De acuerdo con el propósito de impulsar las nuevas creaciones y de dar a conocer al público algunas obras que no han llegado aún al repertorio habitual de los conciertos, la OSEM ha estrenado obras como el Concierto para piano, In memoriam y la Suite Ararat de Loris Tjeknavorián; El encuentro de la Nueva España del italiano Ferrero y Reflejos de un poeta (Homenaje a Nezahualcóyotl), obra de encargo reciente del compositor mexicano Román Revueltas, entre muchas más. La OSEM es, sin lugar a dudas, la orquesta mexicana más grabada en la historia

y cuyos discos se distribuyen a nivel internacional por etiquetas como EMI, Warner Classics, RCA, Naxos, ASV, Varèse Sarabande, Musical Heritage Society y CBS; de entre el centenar de sus grabaciones merecen especial mención las series integrales de las Sinfonías de Beethoven, Schumann, Brahms y Tchaikovsky (siendo el único ensamble orquestal de México que ha realizado tal hazaña), así como discos dedicados a las Oberturas de Verdi y Rossini; y a la música de México y de España, donde sobresalen álbumes retrospectivos de la obra orquestal de Isaac Albéniz y Joaquín Rodrigo. La OSEM ha recibido el Premio Anual de la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música en repetidas ocasiones, por el impulso a las actividades musicales en la República Mexicana. En 1975, la OSEM realizó su primera gira por los Estados Unidos, y regresó por tres años consecutivos a partir de 1979, presentándose en las ciudades más importantes de aquel país. En 2002 realizó su primera presentación europea en el prestigioso Festival de Schleswig-Holstein en Alemania. En su segunda incursión europea en 2003, la OSEM presentó, con gran éxito, seis conciertos en España, Polonia, Alemania y Francia. En 2005 viajó a la ciudad de París, Francia, para presentar dos conciertos

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STATUS QUO NOSOTROS

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Con una nueva visión, el ensamble pretende aproximarse a los estándares más altos de excelencia. Entre los proyectos a corto plazo destacan la formación de nuevos públicos a través de diversos estilos musicales, y el fomento a la educación musical de las futuras generaciones.

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en la Salle Gaveau y el Teatro Mogador, logrando un éxito rotundo. En septiembre del mismo año, con siete conciertos, se llevó a cabo la gira por la República Popular de China en ciudades tan importantes como: Shanghai, Beijing, Shenyang y Harbin. Fue en enero de 2006 cuando la orquesta ofreció seis conciertos en España, incluyendo el Festival Internacional de Sevilla “Entreculturas”, además de Madrid, Albacete y Zaragoza. Dos años más tarde, en 2008, la OSEM realizó la más extensa de sus giras, esta vez por Estados Unidos de América, en un recorrido de costa a costa por cuarenta y ocho ciudades, cosechando grandes éxitos entre el público y la crítica. Además, en 2010, la OSEM recibió la honrosa invitación para representar la cultura musical hispanoamericana en la 59ª edición del Festival de Música y Danza en Granada, España; celebrando, con dos conciertos en el Palacio de Carlos V, el Bicentenario del inicio de la Independencia de México y el Centenario de la Revolución Mexicana. Debido a su éxito, en diciembre de 2012 y enero de 2013, la orquesta fue nuevamente invi-

Conformada por 90 jóvenes, beneficiados del Programa Becario del Estado de México y con sede en la consagrada Sala de Conciertos Felipe Villanueva, el ensamble se enorgullece de ser un semillero continuo y permanente que retroalimenta la actividad musical profesional del estado y el país.

tada a la República Popular de China para ofrecer siete conciertos, refrendando los éxitos de su anterior paso por dicho país. De enero a marzo de 2015, la OSEM realizó su más reciente gira por los Estados Unidos de América, ofreciendo una serie de cuarenta y dos conciertos en diversas ciudades, a invitación de Columbia Artists Management, al reconocer la prestigiada trayectoria que ha logrado la OSEM. De tal suerte, nuestra Orquesta se convirtió en el primer ensamble mexicano en ofrecer una gira de conciertos tan extensa en un país extranjero. En junio del 2017 la OSEM viajó a Bogotá, Colombia, para ofrecer dos conciertos en el Teatro Mayor, sumando así otro éxito internacional. La OSEM fue dirigida por Enrique Bátiz desde su fundación hasta 1983 en un primer período y posteriormente de 1989 a 2018. Entre 1983 a 1985 fue dirigida por Manuel Suárez; de 1985 a 1989 por Eduardo Díazmuñoz; y a partir de febrero de 2018 le fue conferida la Dirección General de la OSEM al director de orquesta y compositor mexiquense Rodrigo Macías.

INTEGRANTES (Falta lista de integrantes) PIANISTA Guerrero Zamora Juan Carlos SOPRANOS Carla Acosta Villavicencio María Anaya Salgado Stefania Beltrán Miranda Mónica Escarlet Bernal Palma Liliana Cervantes Pérez Ana Paola Chávez Ferretiz Soren Dénica Cortes Gutiérrez Jessica Albertina Dávila Quesada Mariana del Castillo Téllez Ximena Díaz Luna Sara Alicia Estrada García Karen García Rosas Margarita González López Daniela González Zamudio

María Teresa Hernández Jasso Karima Alexandra Hurtado Aguado Leslie López Hernández Adriela Macías Gion Paulina Rosalva Mancilla Bernal Luz del Carmen Ramírez Fernández Natalia del Carmen Ríos Álvarez Nancy Micol Rodríguez Soto Diana Gisela Saenz Bárcenas Nidia Serna Vidal CONTRALTOS Xóchitl Angulo Severino Yasmín Angulo Severiano Mariana Cañizales Espinosa María Eugenia Ceballos Michelena Sonia Esther Jesusita Díaz Nájera Eneida Estrada Martínez

Mtro. Rodrigo Macías González

Director de la OSEM

Se ha presentado al frente de la Orquesta Sinfónica del Estado de México, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica Nacional, el Coro y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, las orquestas filarmónicas de Jalisco, Querétaro y Zacatecas y las sinfónicas de Xalapa, Aguascalientes, San Luis Potosí, Yucatán, de las universidades autónomas de Nuevo León, Guanajuato, Hidalgo, Tamaulipas, entre otras. En el foso ha dirigido Tosca de Puccini, Payasos de Leoncavallo, Don Pascuale de Donizetti, “El Murciélago” de Strauss, la “La Scala di Seta” y “L’occasione fa il ladro” de Rossini y “Bastian y Bastiana” de Mozart. En el ámbito de la música contemporánea ha colaborado estrechamente con Onix Ensamble. Es fundador y director de la Orquesta de Texcoco, su ciudad natal y ha acompañado a solistas como Fernando de la Mora, Horacio Franco, Eva María Zuk, Javier Camarena, José Luis Duval, Lourdes Ambríz, Rebeca Olvera, Charles Oppenheim, Mauricio Náder, Ángel Padilla y Carlos Egry. Debutó en Europa en 2004 con el Divertimento Ensemble de Milán y en 2007 en el Festival Cervantino en con el grupo potosino la Camerata del Desierto. El músico texcocano (1977) realizó sus estudios en el Instituto Cardenal Miranda de la ciudad de México y en el Conservatorio “Giuseppe Verdi” de Milán en Italia. Sus principales maestros han sido Xavier González, Sandro Gorli y Juan Trigos. Su música ha sido interpretada en México, Estados Unidos e Italia (Festival Cervantino, Foro de Música Nueva Manuel Enríquez).En Julio de 2008 fue nombrado Texcocano Distinguido por el Ayuntamiento de Texcoco en sesión solemne de Cabildo y en Noviembre de 2011 le fue conferida la presea “Jean Dausset” al mérito altruista en el Palacio de Bellas Artes. De diciembre de 2010 a enero de 2018 director titular de la Orquesta Sinfónica Mexiquense. Y desde febrero de 2018 al frente de la Orquesta Sinfónica del Estado de México.

Mónica Fernández Dotor Karen Gallo Salinas Joana Gomes Martins Ana Erika Gutiérrez Coyote Anel Irene Hernández Guevara Ana Victoria Ibáñez Arreola María del Carmen López Méndez Dinora Fabiola Macías Ramírez Ana Oliva Martínez Segura Fabiola Mireles López Victoria Eugenia Olguín Amaro Monserrat Paz Pérez Andrea Natividad Rivera García Olivia María Urbán Flores Jennifer Velasco García TENORES José Daniel Ayala García Francisco Javier Baltierra Gallegos Chac César Barrera Plascencia David Alejandro Colín López Víctor Hugo de la Rosa Barreto Ángel Alonso Flores Hernández José Luis Flores Ruiz Luis Alberto Galicia Mixtititla José Amer Galván Ceballos Rodolfo Garay Mendoza Roberto García Chavarría Gibrán Jasiel González Escamilla Josué Hernández Campos Yonkani Mariano Ramírez Jezrael Martínez Valdez Emmanuel Moreno López Luis Miguel Ramírez del Toro Rubén Romeo Real Martínez Francisco Gabriel Salas Ortíz José Antonio Sánchez Martínez Rafael Vega Valladares Karim Ángel Zamora Ravelo BAJOS Alejandro Bernal Corona Ezequiel Cervantes González José Roberto Cortés Mendoza Manuel Danis Díaz Silverio Adán Flores Eleno Eloy Guadalupe Galvez García Víctor García Corona Rodrigo Porfirio Jiménez Tenorio Abraham Enrique Magaña Ledón Noé Martínez Mejía Luis Octavio Martínez Padilla Diego Miranda Baños Miguel Ángel Morales Hernández José Félix Pérez Garduño Abel Josué Pérez Lara Carlos Rangel Paniagua Lorenzo Sánchez Hernández Edgar Ramiro Sierra Zamora Edén Vega Ramírez Andrés Villareal Martínez P15

NUESTRA SEDE

Sala de Conciertos

FELIPE VILLANUEVA, música para tus ojos

El espacio, inaugurado el 28 de agosto de 1987, fue creado con el propósito de fortalecer la cultura y reafirmar la identidad mexiquense. Por / Secretaría de Cultura

REVISTA DE LA OSEM / Septiembre 2019 / Año 1 No. 1

a Sala de Conciertos Felipe Villanueva, recientemente remodelada, cuenta con una sala de consulta multimedia con fonoteca y biblioteca especializada, una cafetería bistró y una rampa, sanitarios y un elevador para las personas con capacidades diferentes, son algunas de las nuevas áreas para la promoción de la cultura mexiquense. Después de 29 años de intenso trabajo, el Gobierno y la Secretaría de Cultura del Estado de México, decidieron que el espacio entraría en un proceso de rehabilitación, remodelación, ampliación y modernización de sus áreas.

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REMODELACIÓN El Patronato de la Orquesta Sinfónica del Estado de México (OSEM) fue el encargado de realizar este proceso para que el espacio fuera accesible, seguro, confortable y tuviera nuevas áreas y servicios para el público. Esto se logró gracias a la inversión de 15 millones de pesos por parte del Gobierno del Estado de México donado al Patronato. La primicia de esta remodelación es su respeto por la arquitectura original, armonizándola con valores de la arquitectura contemporánea, logrando un espacio funcional que satisface las necesidades del público actual y de los miembros de Orquesta Sinfónica del Estado de México, ya que la sala es su sede. Las obras de la modernización de esta institución cultural, una de la más representativas e importantes del Estado de México, iniciaron en septiembre de 2016 y concluyeron en enero de 2017. Entre las acciones que se desarrollaron están: revalorización del vitral Las mariposas, instalado originalmente en la sala de conciertos, el cual ahora es parte de la fachada principal e ícono del espacio.

La creación de una biblioteca de consulta pública especializada y digital ligada a la OSEM, la cual cuenta con tres computadoras, una impresora y 10 dispositivos Kindle. Aquí el público encontrará partituras, documentos, acervos históricos y grabaciones emblemáticas de la orquesta mexiquense para su uso documental y recreativo. Además de un área de juego y lectura infantil. También la colocación de una rampa, sanitarios y elevador para las personas con capacidades diferentes y adultos mayores; un tótem que de forma digital permitirá conocer la programación de la OSEM; una caseta de vigilancia e informes y en la sala de conciertos se contará con un área para 10 personas en sillas de ruedas. Además de que se modernizó la sala, la cual tendrá capacidad para 890 personas; se realizó la ampliación del área de vestíbulo; se colocó la taquilla al interior y en el espacio inferior de la sala, en una superficie de 57.89 metros, se adecuaron las oficinas de la dirección y patronato de la OSEM. PROYECTO UNCLUYENTE Orlando Bastos, coordinador general y director ejecutivo de la obra de remodelación, destacó que se trató de un proyecto que buscó hacer al visitante la entrada y visita más confortable, pero también dar accesibilidad al espacio a personas con capacidades diferentes. “Para lograrlo decidimos sacar el vitral que estaba escondido y ahora todos podrán verlo. También hicimos una rampa y bahía para personas con discapacidad, una nueva entrada a la sala y una rampa externa que sirve como salida de emergencia adicional. “También modernizamos la iluminación exterior e interior de la sala con lámparas ahorradoras, mejoramos los camerinos y creamos la biblioteca que tiene casi todo el acervo de la OSEM, el cual está disponible en tablets y

200 libros. La idea es que también sea un espacio para que los jóvenes del Conservatorio de Música puedan estudiar y tener más acceso a música clásica”. “Por eso estará abierto toda la semana, para que el público no sólo acuda a los conciertos, sino para que también pueda hacer uso de la fonoteca y de las áreas de cómputo para que consulten su acervo y conozcan a los diferentes artistas”. FORO DE ARTES Finalmente, Heberto Guzmán, presidente del Patronato de la OSEM, reveló que con esta modernización el espacio es un lugar idóneo no sólo para las actividades artísticas, sino también para difundir el trabajo de los nuevos valores de la pintura, escultura o de otras disciplinas “quienes van a tener aquí un espacio para promover sus obras”. El presidente puntualizó que los mexiquenses tienen un recinto propio y amable para que se diviertan, lo visiten y disfruten. “Se trata de un espacio para la promoción de la cultura mexiquense. Ahora los estudiantes y artistas profesionales cuentan con una sala de piano para las prácticas y tienen una cafetería bistró, es decir, para ser utilizada por valores mexiquenses. Además, afuera tenemos sillas y sombrillas para que la gente esté al aire libre y disfrute aún más su estancia”.

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MUNDO CLÁSICO

Preparan un musical sobre la vida de Pavarotti

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Nicoletta Mantovani, viuda de Luciano Pavarotti, ha dado su visto bueno a un proyecto para llevar a la gran pantalla la vida del tenor italiano, al frente del cual estarán John Berry, exdirector de la Ópera Nacional Inglesa, y Michael Gracey, director cinematográfico y productor, entre otras películas, de Rocketman, biografía sobre el cantante pop Elton John. No habrá ningún actor que encarne el papel de Pavarotti en este musical, porque, como señala Gracey, “nadie puede ocupar su lugar”. Debido a ello, los realizadores del film recurrirán a imágenes de archivo en las que aparezca el tenor, bien de actuaciones suyas, bien de entrevistas o reportajes.

LA VOZ DEL TLAMATINI, CONCIERTO HOMENAJE A MIGUEL LEÓN-PORTILLA EN BELLAS ARTES

La Secretaría de Cultura, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), organizó el concierto interdisciplinario La voz del tlamatini a Miguel León-Portilla, en el marco del homenaje nacional que diversas instituciones públicas le rinden al gran historiador mexicano. La Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) y las coordinaciones nacionales de Literatura y Teatro del INBAL prepararon esta actividad que se llevó a cabo el lunes 8 de julio en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, bajo la dirección huésped P18 de Eduardo García Barrios.

El tenor Xabier Anduaga y la soprano Adriana González, ganadores del Concurso Operalia El tenor español Xabier Anduaga y la soprano guatemalteca Adriana González han sido los ganadores de la edición de este año del Concurso Operalia, creado por Plácido Domingo en 1993. Anduaga y González no solo recibirán los 30.000 dólares —cada uno—, que premian a los vencedores en el apartado de ópera, sino otros 10.000 más por haber sido también los triunfadores en el apartado de zarzuela (premios Plácido Domingo Ferrar y Pepita Embil, respectivamente). La fase final ha tenido lugar esta vez en el Teatro Nacional de Praga, y ha sido retransmitida en directo a través de Medici TV Facebook. El propio Domingo dirigió desde el foso.

Ha muerto Anner Bylsma El violonchelo acaba de perder a una de sus grandes figuras históricas con el fallecimiento ayer en Amsterdam, a los 85 años de edad, del maestro Anner Bylsma. Hijo de un profesor de La Haya, a los 25 años obtuvo el primer premio en el concurso Pablo Casals en México. Violonchelo principal de la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam en la década de los sesenta, Bylsma fue progresivamente desarrollando un interés por la interpretación bajo criterios historicistas. Hoy en día se le considera uno de los grandes pioneros, junto a Frans Brüggen y Gustav Leonhardt, del gran renacimiento y posterior eclosión de la llamada ‘música antigua’.

EDWARD GARDNER, NUEVO TITULAR DE LA LONDON PHILHARMONIC El inglés Edward Gardner (Gloucester, 1970) ha sido nombrado nuevo director titular de la London Philharmonic Orchestra (LPO), siendo sorprendentemente el primer director británico desde finales de la década de los sesenta en tomar las riendas de esta centuria tan genuinamente londinense. Gardner asumirá esta responsabilidad a partir de la temporada 2021/22, y su contrato es por cinco años. En declaraciones al periódico The Times, el actual director de la Sinfónica de Bergen ha manifestado sentirse “encantado de haber sido elegido como director principal de la orquesta con la que tuve mis primeras experiencias sinfónicas verdaderamente inspiradoras, en especial en las impresionantes interpretaciones mahlerianas que realizaron bajo la batuta del gran de Klaus Tennstedt a principios de la década de 1980”

¿Reemplazará la computadora al compositor? Hace un año, la revista BBC Music Magazine se preguntó si la inteligencia artificial llegaría a sustituir a los humanos como compositores. Recientemente, en la sala Cadogan Hall de Londres, la empresa electrónica Huawei se introdujo al debate, presentando el “final” de la Sinfonía “inconclusa” de Schubert “compuesto por un teléfono celular. Las evaluaciones de los críticos describieron esta “conclusión” como Wagner “lite” o quizás como música para cine…pero nada remotamente parecido a la música de Schubert.

BEETHOVEN CUMPLIRÁ 250 AÑOS

El pasado 16 de abril dábamos noticia del fallecimiento, a los 90 años, del pianista Jörg Demus [en la foto]. Demus había sido uno de los pioneros en la utilización del pianoforte en la interpretación del repertorio del siglo XIX y este interés le había llevado a acumular a lo largo de su vida una importante colección de instrumentos históricos, entre pianos y claves, algunos de los cuales pertenecieron a Claude Debussy y a César Franck. En los últimos días, los periódicos franceses han dado la voz de alarma sobre la progresiva destrucción que viene sufriendo este inestimable patrimonio tras la muerte de su dueño.

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La colección de pianos históricos de Jörg Demus corre grave peligro

El año 2020 será el año Beethoven en cuanto a programaciones musicales pues el 250 aniversario de su natalicio (Bonn, 1770) será conmemorado con cientos de interpretaciones de su magna obra por orquestas, solistas y conjuntos musicales en todo el mundo. Beethoven cumplirá 250 años en el año 2020. ¿Alguna vez te preguntaste dónde nació el genio? Bonn en Alemania fue la ciudad que le dio la bienvenida a Ludwig. De hecho en Bonn puedes visitar su casa natal que ahora funge como museo y cumple la misión de preservar una importante colección de documentos del compositor. En varios países ya se han iniciado las celebraciones como en el célebre Wigmore Hall de Londres que festejará a Beethoven a partir de septiembre 2019 y a lo largo del 2020 al igual que en festivales europeos P19 a partir del presente verano.

NIÑOS

PRODIGIOS

ALMA DEUTSCHER, la “nueva Mozart” que aún salta la cuerda

Alma Deutscher aún no se ha convertido en un nombre famoso, pero parece ser sólo cuestión de tiempo. Por/Melissa Eddy para The New York Times

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a consumada pianista y violinista también es compositora. Ha escrito conciertos para piano y violín y una ópera. En diciembre hará su debut en el Carnegie Hall. Este mes, grabará su primer disco de melodías de piano que compuso cuando tenía 4 años. Esto no fue hace mucho tiempo, porque Deutscher, que ha sido llamada “la nueva Mozart”, tiene 14 años. Deutscher hace un gesto de desesperación ante la mención de Mozart, una comparación que rechaza. “Muchas personas me han estado diciendo que si quiero madurar, tengo que componer música que refleje la fealdad del mundo moderno”, comentó. “No quiero hacer eso. Quiero componer música que me parezca hermosa”. El resultado más reciente es una interpretación moderna de un vals vienés que poco a poco se convierte en un vals romántico que termina con una melodía alegre basada en el ulular de una sirena policial vienesa. El estreno con orquesta completa en mayo terminó con el público en Sonderborg, Dinamarca, de pie. Johannes Wildner, quien dirigió la

La consumada pianista y violinista también es compositora. Ha escrito conciertos para piano y violín y una ópera. En diciembre hará su debut en el Carnegie Hall. Este mes, grabará su primer disco de melodías de piano que compuso cuando tenía 4 años. Esto no fue hace mucho tiempo, porque Deutscher, que ha sido llamada “la nueva Mozart”, tiene 14 años. Deutscher hace un gesto de desesperación ante la mención de Mozart, una comparación que rechaza. “Muchas personas me han estado diciendo que si quiero madurar, tengo que componer música que refleje la fealdad del mundo moderno”, comentó. “No quiero hacer eso. Quiero componer música que me parezca hermosa”. El resultado más reciente es una interpretación moderna de un vals vienés que poco a poco se convierte en un vals romántico que termina con una melodía alegre basada en el ulular de una sirena policial vienesa. El estreno con orquesta completa en mayo terminó con el público en Sonderborg, Dinamarca, de pie. Johannes Wildner, quien dirigió la orquesta, alabó su creatividad e imagina-

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Ella quizás sea uno de los prodigios musicales más talentosos de su generación, elogiada por Zubin Mehta y Simon Rattle, pero también es una adolescente que está probando su libertad y resistiéndose a las expectativas.

NIÑOS

PRODIGIOS Soy una feminista muy firme y estoy realmente feliz de haber nacido ahora, cuando se permite que las chicas desarrollen sus talentos”, “Porque si hubiera nacido antes, probablemente no me habrían permitido convertirme en compositora. Habría tenido que ser ama de casa”.

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“Muchas personas me han estado diciendo que si quiero madurar, tengo que componer música que refleje la fealdad del mundo moderno”, comentó. “No quiero hacer eso. Quiero componer música que me parezca hermosa”.

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ción armónica, advirtiendo que no la celebraran simplemente por su edad. Nacida en 2005, Deutscher creció en Inglaterra. Recibió su primer violín a los 3 años. A los 4 se sentaba durante horas al piano, componiendo melodías. Su padre, Guy Deutscher, trató de encontrar a un maestro dispuesto a trabajar con una compositora de edad preescolar, pero la mayoría lo rechazó. Sus padres son selectivos con su agenda de presentaciones, que el año pasado incluyó conciertos en China, Alemania y Suiza. Tras pasar meses en Viena para los ensayos de su ópera “Cinderella”, la familia se mudó allí. “Viví en Inglaterra, pero crecí con la música de Mozart, Schubert, Beethoven y Haydn”, dijo Deutscher. “Musicalmente hablando, creo que Viena siempre ha sido mi hogar”. Ahí, Deutscher da largas caminatas, acompañada de su familia y la cuerda rosa para saltar con flecos brillantes que ha llevado consigo desde que era niña.

“Cuando era más pequeña, realmente pensaba que era la cuerda la que me daba inspiración”, dijo. Recientemente ha batallado con el argumento para una ópera que le encargó el Salzburg State Theater. Gran parte de la música está en su cabeza, dijo, pero encontrar la trama ha sido difícil. Aunque cuenta con 86 mil suscriptores en su canal de YouTube, Deutscher tiene poco interés en las redes sociales. No tiene teléfono celular, pero lleva una libreta para apuntar melodías e ideas. Dijo que en el futuro le gustaría componer un poema sinfónico, una sinfonía completa y un musical. Espera con ansias su actuación en el Carnegie Hall, donde será una de las compositoras más jóvenes en interpretar sus propias obras allí, dijeron los directivos. Sin embargo, mientras el mundo se concentra en sus logros, Deutscher dijo estar agradecida por la oportunidad y la aventura que su vida le ha ofrecido. Fuente: Melissa Eddy para The New York Times. Artículo publicado por elclarin.com

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RECOMENDACIÓN QUE VER Y ESCUCHAR

100 cosas que tienes que saber de la ópera. Mitos y leyendas del espectáculo más grande de todos los tiempos

CD´S

“Concierto de Año Nuevo 1987”/ Johann Strauss/Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Herbert von Karajan Pese a que el tradicionalísimo Concierto de Año Nuevo siempre ha destacado por cuidar especialmente la calidad técnica de sus registros, hay que reconocer que la versión de 1987 -¡casi 30 años ya!- dirigida por el carismático Herbert Von Karajan brilla con luz propia tanto a nivel instrumental como ¡atención, novedad! vocal. Una maravilla que resiste divinamente el paso del tiempo pese a una competencia de altísimo nivel.

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PARA ESCUCHAR

Bachtrack se fundó en enero de 2008 y es el buscador on-line de eventos de música clásica más amplio. Mostramos alrededor de 30.000 eventos entre conciertos, óperas y ballets. También publicamos unas 200 críticas al mes gracias a nuestro equipo de 150 colaboradores repartidos alrededor del mundo. Entrevistamos a los mejores cantantes e instrumentistas del momento además de a las futuras estrellas, publicamos adelantos de festivales, concursos y nuevas temporadas.

Escucha lo mejor de la música Clásica en Classical.com El violonchelo acaba de perder a una de sus grandes figuras históricas con el fallecimiento ayer en Amsterdam, a los 85 años de edad, del maestro Anner Bylsma. Hijo de un profesor de La Haya, a los 25 años obtuvo el primer premio en el concurso Pablo Casals en México. Violonchelo principal de la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam en la década de los sesenta, Bylsma fue progresivamente desarrollando un interés por la interpretación bajo criterios historicistas. Hoy en día se le considera uno de los grandes pioneros, junto a Frans Brüggen y Gustav Leonhardt, del gran renacimiento y posterior eclosión de la llamada ‘música antigua’.

PÁGINA WEB

Página web Bachtrack especializada en música culta

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LIBROS

Este libro aglutina cien perspectivas clave para entender la ópera. Desde el estreno de los títulos más célebres hasta los secretos de las voces consagradas, de los grandes teatros operísticos, de personajes inmortales como Carmen o Rigoletto, del mítico Do de pecho o de la inimitable Castafiore. Son solamente cien cuestiones de ópera, pero podría haber cien más, porque la ópera es un arte total y global que no se termina nunca. Es más, se trata de una disciplina “multidisciplinar” que engloba música, poesía, teatro, escenografía, luces, colores, artes plásticas, éxitos, fracasos, mitos, divos, divas... y miles de historias que, por un motivo u otro, emocionan desde hace más de 400 años.

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OPINIÓN

ALGO DE MÚSICA (Solicitar columnista especializado en EDOMEX)

La Sonata Hammerklavier y el Cuarteto Opus 130 de Beethoven

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Rogelio Macías Sánchez

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stas últimas semanas de ayuno musical en vivo por motivos míos de salud, los hemos compensado en casa con sesiones intensas de música grabada con el tema de “música de cámara de Beethoven”, que es mucho más extensa que su música sinfónica. No la hemos agotado, pero casi sí. La hemos seguido en forma temática, iniciando con los dieciséis cuartetos de cuerdas, los tríos de piano, los de cuerdas y así, otras dotaciones instrumentales, para terminar con las 32 sonatas para piano. Hay que decir que los estudiosos de la música no incluyen las sonatas para piano sólo en la música de cámara, pues esta denominación se reserva para aquella música dialéctica y de intimidad, que es el mejor espejo de los sentimientos del autor. La música sinfónica y las sonatas para piano son piezas de lucimiento y demostraciones públicas de autoridad. La música de cámara de Beethoven, como toda su obra, se clasifica, según el tiempo en que fue hecha, en la temprana o clásica, la intermedia o romántica y la tardía o moderna. Son estilos diferentes, aunque siempre reconocen su autoría, que es inconfundible. En la temprana, antes del 1800, se reconoce la influencia de los titanes que regían entonces la música en Viena: Haydn y Mozart. Después, y hasta 1815 más o menos, es el apogeo del Beethoven en plenitud de condiciones físicas, ilustración, libertad espiritual y madurez intelectual que lo llevaron a entregar al mundo la música romántica, la más conocida y amada. Después y hasta su muerte, sordo y viviendo y creando en la introspección pura, creó sus obras modernas, que son un verdadero testamento espiritual, que adivinó el porvenir, lo aceptó y lo criticó, todo con su música. De este periodo son la Missa solemnis, la Novena Sinfonía, las dos últimas sonatas para violonchelo y piano, las cinco últimas sonatas para piano y los cinco cuartetos Ludwig van Beethoven de cuerdas finales. Es música puramente intelectual, que nunca escuchó. Fuera de la Novena Sinfonía, son piezas muy difíciles de escuchar, son intelectuales y exigen mucho pensar por parte de los oyentes. Ludwig van Beethoven (Foto: Especial) De estas, hay dos que llegan a ser desquiciantes: El Cuarteto de cuerdas No. 13, Op. 130, y la Sonata para piano No. 29, conocida como Sonata Hammerklavier. Este nombre le viene a la sonata porque Beethoven la publicó con el nombre de Große Sonate für das Hammerklavier (Gran sonata para piano de martillos), indicando que no debería tocarse en el viejo clavecín, sino en el moderno piano de martinetes, recién inventado y traído al uso común. Las dos son piezas largas, muy largas y verdaderamente caóticas en algunos de sus movimientos, inexplicables y feas, hasta molestas por momentos. Para los que pensamos que la música de cámara es la confesión anímica del autor, nos queda la convicción de que estas obras representan el enojo y la denuncia artística y pública de condiciones sociales incompatibles con la bondad humana. Son quejas y protestas sociales para que las entienda el que quiera y el que pueda. El Beethoven revolucionario dejó da hacer arte para manifestar belleza; hizo arte, feo y hasta molesto, para denunciar inconveniencias de la sociedad humana de su época.

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LECTURA

IMPRESINDIBLE

MÚSICA Y NIÑOS

La aceptación de la música clásica no pasa necesariamente por un entendimiento musicológico de la obra que se escucha. El arte en sí mismo busca desplegarse y, muchas veces, el conocimiento profundo de una materia pone en peligro la consecuencia natural de su percepción.

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l oído con el que un niño recibe cualquier propuesta sonora posee la arquitectura necesaria para elaborar un gusto temprano y duradero, pues la música ha de ser permitida siempre, ha de ser facilitada, y el eslabón entre determinadas expresiones y el público infantil parece determinar cierta altura que enmudece en muchos la necesidad de acceder a tales obras. Anita Collins: ¿Qué pasaría si cada niño tuviera acceso a la educación musical desde el nacimiento? En algunos ámbitos se tiende a profesionalizar al espectador (cuya cultura y reglas de comportamiento nos hacen creer que es necesaria una capacitación especial), pero los niños adolecen de ese sentimiento ilustrado que magnifica el deleite del arte. Así, viviendo unas fe-

chas en las que el tiempo de ocio amplía las propuestas con los más pequeños, la música en familia ocupa un maravilloso lugar de disfrute compartido: la mal llamada “música culta” se convierte entonces en un espacio de libertad y juego, de danza, de grito, de voltereta. Existen muchos ejemplos de canciones, villancicos y cuentos musicales escritos para una audiencia exclusivamente infantil, pero ellos perciben un mundo que no ha de ser vedado ni proscrito: romántica, ópera, coral, sinfónica o contemporánea, cualquiera de las formas sonoras que adopta la música ocupa un lugar en la memoria original de los niños. Sólo hay que dejar que suene. Fuente: Ulises Villanueva, en La quinta de Mahler, Madrid, julio 2019.

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La música en familia ocupa un maravilloso lugar de disfrute compartido: la mal llamada “música culta” se convierte entonces en un espacio de libertad y juego, de danza, de grito, de voltereta.

CULTURA MUSICAL

La ópera es un género teatral que combina música y drama sobre el escenario. Tiene su origen en Italia durante el siglo XVI. A través de su historia nos ha legado grandes representaciones e intérpretes inolvidables. En esta ocasión vamos a destacar a diez famosas obras que, a pesar del tiempo, han sabido mantenerse vigentes en el gusto y la memoria del público.

Las 10 mejores óperas de todos los tiempos

Las obras más famosas que hacen vida dentro de este género teatral nacido en Italia.

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1 La Traviata

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Composición de Giuseppe Verdi para un libreto escrito por Francesco Maria Piave. La historia está basada en la novela de Alexandre Dumas, La Dama de las Camelias. El título original de esta obra fue Violetta, en alusión al nombre de la protagonista y se estrenó oficialmente en 1853 en Venecia cosechando un rotundo fracaso. La Traviata cuenta la historia de una famosa cortesana parisiense llamada Alphonsine Plessis.

2 Tosca

3 La flauta mágica

De Wolfgang Amadeus Mozart con libreto de Emanuel Schikaneder. La historia sucede dentro de un cuento de hadas, aunque para muchos investigadores, la obra contiene varias referencias masónicas. Constituye la última ópera escenificada de Mozart que concibió a los 35 años de edad.

4 La boheme

Música de Giaccomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. La obra está compuesta de cuatro actos basados en la novela de Henry Murger, Escenas de la vida bohemia. Cuenta la historia de un estudiante de música en el Conservatorio de Milán en donde conoce al gran compositor Pietro Mascagni. La boheme fue estrenada en el teatro Regio de Turín en 1816 bajo la dirección de Arturo Toscanini antes de convertirse en el más grande director de orquesta de su época.

5 Carmen

Es una obra de cuatro actos basada en la novela del mismo nombre del autor Prosper Mérimée. Es una composición de Georges Bizet que cuenta con libreto de Ludovic Halévy y Henry Meilhac. Se estrenó en la Opéra Comíque de París en 1875, recibiendo muy malas críticas. Carmen narra la historia de una gitana en la Sevilla de 1820, la que seduce a un soldado inexperto, quien cegado por los celos asesina a su amada.

6 Las bodas de Figaro

Se trata de una ópera de comedia compuesta por Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte. Está basada en Le mariage de Figaro de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais. Se estrenó en Viena en 1786 bajo la dirección del propio Mozart y es considerada una de las piezas más importantes de la música. La historia se lleva a cabo en Sevilla a finales del siglo XVIII y fue adaptada por sus autores para evitar las alusiones políticas del texto original que podrían ocasionar problemas en su tiempo.

7 Rigoletto

Música de Giuseppe Verdi y libreto de Francesco Maria Piave para este melodrama compuesto por tres actos. Su argumento está basado en la obra teatral original Le Roi s’amuse de Víctor Hugo, el cual narra un drama pasional lleno de engaños, y venganza. Tiene como protagonista a Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua.

8 Madame Butterfly

Esta obra cuenta con música de Giaccomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. Está basada en el cuento Madame Butterfly de John Luther Long y en la novela Madame Chrysantheme de Pierre Loti. Fue creada originalmente en dos actos y al estrenarse no tuvo el éxito esperado por lo que Puccini tuvo que reescribir la obra en tres actos. Esta versión sí conquistó al público en su estreno en Brescia en 1904.

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CULTURA MUSICAL

LOS 10 MEJORES ESCENARIOS DE ÓPERA • Teatro Alla Scala Ubicación: Milán, Italia. • MET / Lincoln Center Ubicación: Nueva York, Estados Unidos. • The Royal Opera House Ubicación: Londres, Inglaterra. • Palais Garnier Ubicación: París, Francia. • Teatro Colón Ubicación: Buenos Aires, Argentina.

• The Bolshoi Ubicación: Moscú, Rusia. • Sydney Opera House Ubicación: Sídney, Australia. • Festspielhaus de Bayreuth Ubicación: Bayreuth, Alemania. •Vienna Staatsoper Ubicación: Viena, Austria. • Teatro Massimo Ubicación: Palermo, Italia.

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Teatro Alla Scala, de Milan.

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9 Don Giovanni

Ópera de Wolfgang A. Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte. Fue estrenada en el teatro de Praga en 1787. Es una ópera bufa cuya historia está basada en el Don Juan de José Zorrilla. Los acontecimientos ocurren en Sevilla cuando Don Giovanni, un noble arrogante y promiscuo se topa con la horma de su zapato.

10 El barbero de Sevilla

Ópera bufa con música de Gioacchino Rossini y libreto de Cesare Sterbini. Se basa en la comedia del mismo nombre de Pierre-Augustin de Beaumarchais. Se estrenó en el teatro Argentina de Roma en 1816, y en 1825 se convirtió en una de las primeras óperas italianas en representarse en Estados Unidos. Es considerada la mejor en el género de las óperas de comedia y nos relata las aventuras de una pareja de enamorados conformada por el conde de Almaviva y la huérfana Rosina.

PATRONATO DE LA OSEM

El Presidente del Patronato de la Orquesta Sinfónica del Estado de México, Heberto Pérez Guzmán, señaló que el atraer las creaciones de los metepequenses a espacios públicos y trascendentes fomenta el valor de la cultura y el arte.

Un árbol de la vida musical en Sala Felipe Villanueva Por/ Leila Vargas, Portal Diario

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l árbol de la vida es una compleja artesanía que colma de orgullo las numerosas dimensiones de la tradición y espiritualidad que caracteriza a los mexicanos y más específicamente a los artesanos de Oaxaca, Puebla y Metepec. Se trata de una manifestación mágica y hermosa, una lluvia de colores y símbolos que conmemoran la creatividad detallada y minuciosa, un elemento cultural lleno de sentido. Hoy día, los temas e íconos que se presentan en cada Árbol de la Vida varían de lugar a lugar, particularidad que distingue a cada uno como una pieza única y representativa de su origen, tal fue el caso del árbol de la vida que se entregó al Patronato de la Orquesta Sinfónica del Estado de México, por parte del ayuntamiento de Metepec. Una iniciativa que surgió entre el POSEM y el municipio de Metepec, directamente del presidente muni-

cipal, David López Cárdenas para dejar un legado de Metepec en la ciudad de Toluca y específicamente en la sala Felipe Villanueva, que es la casa de la Orquesta Sinfónica del Estado de México. La OSEM ha sido un aliado importante para la administración del gobierno municipal saliente, motivo por el cual se decidió entregar un árbol de la vida monumental como muestra de agradecimiento y dicha de contar con entes artísticos de tan alta talla. El autor de dicha obra fue Sicilio Sánchez Flores, un artesano de Metepec que logró, auxiliado de 5 artesanos más, una representación de lo que significa la música, el arte y en especial el movimiento orquestal que caracteriza a los municipios, la obra tiene un peso de 400 kg y mide aproximadamente 2.3 metros de largo por 1.3 de ancho, cuenta con más de cien elementos y detalles que hacen alusión a la magia que los instrumentos generan para hacer música, más específicamente arte. (Foto: Leila Vargas)

EN ZAPOPAN, JALISCO

A LOS QUE VIMOS (Evento optativo simulado) RP

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PROGRAMA (Simulado)

DE INVIERNO

SEPTIEMBRE 01/02 El Niño y la Música Jorge Vázquez, director huésped Luis Miguel Lombana, narrador Arturo López «Pío», proyección animada en tiempo real Rimsky-Korsakov • El vuelo del abejorro Poulenc • Babar, el elefantito Prokofiev • Pedro y el lobo Público a partir de los 4 años de edad Sábado 18:00 horas Domingo 12:00 horas $200 y $160

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SEPTIEMBRE 05/02 Jiajing Lai*, directora huésped Chen Qigang • Wu Xing Rimsky-Korsakov • Capricho español Chaikovski • Suite de El lago de los cisnes * Laureada en el Premio Internacional de Dirección de Orquesta OFUNAM 2018 Sábado 11 Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100

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OCTUBRE 08/09 Massimo Quarta, director artístico Chaikovski • Serenata para cuerdas Richard Strauss MÁS INFORMACIÓN EN:

• Serenata para alientos Mozart • Sinfonía no. 35 Haffner Sábado 18 Ensayo abierto. Entrada libre 10:00 horas Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100 NOVIEMBRE 22/23 Massimo Quarta, director artístico Javier Pérez, Julián Romero y Esteban Solano, percusiones Russell Peck • The Glory and the Grandeur para percusiones Stravinski • La consagración de la primavera Sábado 25 Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100 NOVIEMBRE 29/30 Yuriy Yanko, director huésped Ilya Ioff, violín Rimsky-Korsakov • Obertura de La novia del zar Chaikovski • Concierto para violín Borodin • Sinfonía no. 2 Sábado 01 Ensayo abierto. Entrada libre 10:00 horas Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100

www.cultura.edomex.gob.mx www.osem.edomex.gob.mx

VENTA DE BOLETOS SALA FELIPE VILLANUEVA Martes a sábado 10:00 a 14:00 horas Miércoles a sábado 16:30 a 20:30 horas Domingos 10:00 a 13:30 horas Si hay concierto por la tarde se abre de 16:00 a 19:00 horas Teléfono: 5622 7125

DICIEMBRE 11/12 Sylvain Gasançon, director huésped Leonard Elschenbroich, violonchelo Dvořák • Concierto para violonchelo Elgar • Sinfonía no. 1 Sábado 08 Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100 ENERO 18/19 Massimo Quarta, director artístico y violín Wieniawski • Concierto para violín no. 2 Dvořák • Sinfonía no. 9 Del Nuevo Mundo Sábado 15 Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100 FEBRERO 17/18 Sylvain Gasançon, director huésped Erika Dobosiewicz, violín cultura.edomex

@cultura.edomex

BOLETOS ESPECIALES Las siguientes promociones son válidas para todos los conciertos. El interesado deberá acudir a la taquilla en persona: Boleto Familiar $100 Segundo piso*

Wagner • Preludio y Muerte de amor de Tristán e Isolda Alexis Aranda • Concierto para violín Alexander von Zemlinsky • La sirenita Sábado 22 Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100 FEBRERO 25/26 Iván López Reynoso, director huésped Aníbal Robles, flauta Ana María Tradatti, piano Arturo Márquez • Danzón no. 2 Georgina Derbez • Concierto para flauta y piano Rachmaninov • Sinfonía no. 2 Sábado 29 Charla introductoria al programa 19:00 horas $240, $160 y $100

@OSEMoficial

• Consta de 4 entradas. A la venta desde el martes previo a cada concierto, sujeto a disponibilidad • Limitado a 50 boletos para cada uno de los conciertos Boleto Estudiante $40 Segundo piso* P39

STATUS QUO NOSOTROS

CORO POLIFÓNICO del Estado de México

Desde el año 2001, el Estado de México cuenta entre sus activos culturales con el Polifónico del Estado de México, antes Coro de la Orquesta Sinfónica del Estado de México (Coro de la OSEM), el cual por su alto nivel de interpretación actualmente puede ser considerado como uno de los coros más importantes del mundo. Por / Redacción

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onformado por más de ochenta voces de cantantes profesionales egresados de distintas instituciones de educación artística, desde su fundación, bajo la dirección del Maestro Manuel Flores Palacios, el Coro Plifónico del Estado de México se ha presentado con un amplio repertorio coral que abarca desde lo clásico hasta lo popular y folclórico, en las cabeceras municipales, en diversas poblaciones del Estado de México, en el Teatro de Naucalpan, en el Teatro San Benito Abad de Cuautitlán Izcalli, así como en importantes foros como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Ollin Yoliztli, la Sala Nezahualcóyotl, y el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. El Coro Polifónico ha sido invitado para participar en festivales nacionales e internacionales, como el Festival Internacional Cervantino en la Ciudad de Guanajuato, el Festival Internacional de las Culturas en Monterrey Nuevo León y el Festival de las Almas en Valle de Bravo. Algunos de sus integrantes han cantado en Portugal y España operas como “Tosca (Puccini), Il Barbiere di Siviglia (Rossini), Nabucco (Verdi), Carmen (Bizet), Traviata (Verdi), obras sacras como Stabat Mater de Rossini, Requiem de Brahms, Mozart, Verdi, etc. Durante las celebraciones del Bicentenario de la Independencia de México y el Centenario de la Revolución Mexicana en nuestro estado, estrenó y grabó el Himno del Bicentenario que después se convirtió en el Himno de la Universidad Mexiquense del Bicentenario; grabó el disco “Romántico de Tultepec” con el Órgano Mo-

numental del Auditorio Nacional (para Urtex); participó en la inauguración del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario en Texcoco y del Teatro Bicentenario en León, Guanajuato y fue nominado a las Lunas del Auditorio Nacional por su participación en el Espectáculo Clásico “Opera Prima. Las voces del Bicentenario”. Entre los más destacados conciertos presentados, cuenta con el estreno en México del “Mandarín Milagroso” de Bela Bártok, óperas como “Nabucco” y “Traviata” de G. Verdi, “Pescadores de Perlas” de G. Bizet, “Boheme” de G. Puccini, “Requiem” de Verdi, Mozart, Fauré y Brahms. Asimismo, la “Fantasia Coral” de L. V. Beethoven, “Carmina Burana” de C. Orff, “Misa de Coronación” de W. A. Mozart, la “Gran Misa en Si menor de J. S. Bach, “Stabat Mater” de G. Rossini, Stabat Mater de Dvorak. “Novena Sinfonía” de L. v. Beethoven, “Payasos” de R. Leoncavallo, “Mesias” de G. Haendel, “Alexander Nevsky” de S. Prokofiev. Una de las misiones más importantes del Coro Polifónico es proporcionar espacios de conocimiento y recreación en donde se puedan desarrollar capacidades artísticas como una forma de contribuir al esparcimiento con valores, por lo que de manera permanente y como una labor altruista, ha ofrecido conciertos didácticos y ha brindado su apoyo al Coro de la Comunidad de Santa María del Monte, asimismo se ha conformado un Coro de niños que en un futuro pudiera ser semillero para la misma Institución.

INTEGRANTES PIANISTA Guerrero Zamora Juan Carlos SOPRANOS Carla Acosta Villavicencio María Anaya Salgado Stefania Beltrán Miranda Mónica Escarlet Bernal Palma Liliana Cervantes Pérez Ana Paola Chávez Ferretiz Soren Dénica Cortes Gutiérrez Jessica Albertina Dávila Quesada Mariana del Castillo Téllez Ximena Díaz Luna Sara Alicia Estrada García Karen García Rosas Margarita González López Daniela González Zamudio

Mtro. Manuel Flores Palacios

Director del Coro Polifónico Inicia su carrera artístico musical en ciudad de México, participando en algunas obras teatrales, en eventos culturales declamando, cantando zarzuela y dando conciertos con diversos grupos musicales. Forma parte del grupo musical de la Compañía de Danza Folklórica de la Universidad Nacional Autónoma de México; la cual ganó el Premio Nacional de Etnocoreografía en el año de 1987-1988. Al terminar los estudios profesionales de Biología en la Facultad de Ciencias de la UNAM, se traslada a Roma, Italia, donde ingresa al Conservatorio de Música de “Santa Cecilia” obteniendo el título de Canto. En ese mismo país hace cursos de perfeccionamiento con los maestros Alfredo Kraus, Ana Doré, Miwako Matsumoto y con el Director de Orquesta Massimo Pradella. Participa en diversos concursos de Canto entre los que destacan el Torneo Internacional de Música (TIM) de Roma, Concurso Internacional de Canto de Spoletto y Concurso Franco Corelli de Ancona. Debuta en Roma en el Teatro dell’ Orologio con la opereta Bastian e Bastiana de W. A. Mozart. En las óperas Traviata, Elisir d’amore, Doña Flor, Boheme, Carmen, Le cantatrici villane, entre otras, actuó en los roles principales. Ha dado conciertos en Italia, Grecia, Francia, Brasil y últimamente en Polonia y Portugal. Para la televisión actuó en Italia, Grecia, México y Brasil. Dentro de su repertorio como solista se incluyen la Misa de Réquiem de Verdi y Mozart, así como la Misa de Coronación de Mozart. Ha tomado cursos de Dirección de Orquesta con los maestros Enrique Bátiz y Massimo Pradella. En enero del 2001 forma y dirige el Coro Juvenil del Estado de México, el cual a través de una ardua labor y disciplina se consolida en poco tiempo como Coro de la Orquesta Sinfónica del Estado de México.

PATRONATO DE LA OSEM

Sinfónica Edomex podría tocar en el Vaticano Heberto Guzmán Gómez, presidente del patronato de la orquesta indicó que esperan confirmación de fechas Por/ Publicado en El Universal

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uego de rebasar las expectativas en cuanto a público y conciertos, la Orquesta Sinfónica del Estado de México (OSEM), que dirige Rodrigo Macías, podría ofrecer un concierto en el Vaticano, anunció Heberto Guzmán Gómez, presidente del patronato de la agrupación. “Estamos gestionando todo este proyecto a través del patronato para llevar a cabo esa presentación, estamos precisamente en que nos confirmen fechas”, expresó Guzmán Gómez en conferencia de prensa. “Viajaría toda la orquesta, bajo la dirección de Rodrigo Macías, y se está elaborando un programa especial, sobre todo con piezas litúrgicas y por otra parte con presencia de músicos mexicanos”, adelantó Gómez. En cuanto a los logros de la OSEM en 2018, el dirigente del Patronato, comentó que entre los conciertos que ofreció la agrupación orquestal, destacó la del Alcá-

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zar del Castillo de Chapultepec, con el tenor mexicano Arturo Chacón. Otros conciertos que ofreció la orquesta fueron el de “Queen sinfónico” en el Teatro Quimera de Metepec; el de Navidad, que cerró el año pasado. Además de las presentaciones en los reclusorios que fueron en Santa Martha Acatitla, así como otros en el Estado de México. Abundó que en este año se llevará a cabo la Temporada 140 que es la regular de la Orquesta y posteriormente “estamos pensando en apoyar y regresar a los reclusorios, que ha causado, sobre todo en el femenil, una gran respuesta y solidaridad.

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PARA SABER

¿CÓMO SE ESCUCHABA LA MÚSICA MEDIEVAL? El descubrimiento de un manuscrito que se creía perdido y su adaptación a los instrumentos musicales con los que contamos hoy en día nos enseñan cómo era la música medieval. Por/ Redacción

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na canción medieval se puede escuchar de nuevo después de 1.000 años, tras un proyecto de investigación que ha tardado 20 años en reconstruir la melodía. ‘Songs of Consolation’ (Canciones de la Consolación) se pudo escuchar hace unas semanas en la capilla de Pembroke College, en Cambridge. Estos sonidos se basan en la reconstrucción de lo que en la época medieval eran las partituras: una serie de neumas, símbolos que representaban la música. En la época, la memoria de los músicos jugaba un papel decisivo, ya que muchas sobras no se guardaban por escrito. Una dificultad añadida al intentar adaptar las obras medievales a la actualidad es que se desconoce el tono de las notas, no se sabe si las neumas son agudas o graves. Esta canción en particular data del s. XI y se ha recuperado tras estar 142 años perdida. Sam Barret, de la Universidad de Cambridge, ha trabajado durante más de 30 años recuperando ‘Songs of Cambridge’ (Canciones de Cambridge), que se corresponden a la parte final de una antología de textos en

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latín. En 1840 un estudioso alemán se encontraba visitando Cambridge y arrancó la hoja final de este manuscrito, que fue finalmente encontrada en 1982, pero su localización fue un enigma durante 142 años y esto impidió que la obra se pudiera investigar como una pieza completa con anterioridad. Tras más de 30 años de investigación, el Dr. Barret se ha conseguido recitar la obra completa pero adaptada a los instrumentos musicales actuales. Este trabajo se ha podido completar gracias a la intervención de otros músicos especializados en la Edad Media, como Benjamin Bagby, del Lost Songs Project (Proyecto Canciones Perdidas) y miembro de Sequentia, un trío musical que recupera canciones medievales. El Lost Songs Project ha conseguido rescatar melodías del medievo o incluso anteriores, entre ellas Beowulf y Carmina Burana. El trío Sequentia se completa con la presencia de Hanna Marti, imprescindible a la hora de completar los estudios sobre estas canciones: necesitan mezclar los requerimientos prácticos de voz e instrumentos y compararlos con los resultados de la investigación académica para poder reconstruir la melodía completa.

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BIOGRAFÍAS Y VIDAS

(Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) Compositor alemán. Nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.

LUDWIG VAN BEETHOVEN Biografía de un Gran Pianista y Compositor Beethoven fue un músico alemán y la figura musical predominante en el periodo de transición entre las eras tradicionales y románticas. Por / Agencia Amex

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úsico y pianista Ludwig Van Beethoven, fue extensamente considerado como el más grande músico de todos y cada uno de los tiempos, nació el 17 de diciembre de, 1770 en la urbe de Bonn en el electorado de Colonia, un principado del Sagrado Imperio Romano. Si bien su fecha precisa de nacimiento es dudosa, Beethoven fue bautizado el 17 de diciembre en 1770. Ya que, como cuestión de derecho y costumbre, los bebés fueron bautizados en las 24 horas siguientes al nacimiento, el 16 de Diciembre es su data de nacimiento más probable. No obstante, el propio Ludwig Van Beethoven cree equivocadamente que nació un par de años después, en 1772, y insistió tercamente en la data incorrecta aun cuando se presenten con los papeles oficiales que probaron alén de toda duda razonable de que en 1770 era su auténtico año de nacimiento.

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LA VIDA DE BEETHOVEN EN LOS PRIMEROS AÑOS Beethoven tenía 2 hermanos más jóvenes que subsistieron hasta la edad adulta, Gaspar, nacido en 1774, y Johann, de 1776. La madre de Beethoven, María Magdalena van Ludwig, era delgada y muy elegante mujer de manera profunda moralista. Su padre, Johann Van Beethoven, fue un vocalista de la corte mediocre mejor conocido por su alcoholismo que cualquier habilidad musical. No obstante, de Beethoven abuelo, padrino y homónimo, profesor de capilla de Ludwig Van Beethoven, fue músico más próspera y prominente de Bonn, una fuente de orgullo para los jóvenes sin fin Ludwig. En algún instante entre los nacimientos de sus 2 hermanos menores, el padre de Beethoven empezó a enseñarle música con un rigor excepcional y bestialidad que le afectó a lo largo del resto de su vida. Los vecinos

siempre y en toda circunstancia contaron del pequeño llorando pequeño mientras que jugaba el clave, de pie encima de un taburete para lograr las teclas, su padre golpeándolo para cada vacilación o bien fallo. Sobre una base prácticamente diaria, Ludwig Van fue fustigado, encerrado en la bodega y privado del sueño a lo largo de horas extra de práctica. Estudió violín y Clavier con su padre, como a tomar clases auxiliares de organistas cerca de la urbe. Si pese a, o bien debido a los métodos drásticos de su padre, Beethoven era un músico de talento espectacular desde sus primeros días y se muestra destellos de la imaginación creativa que ocasionalmente llegar más lejos que cualquier músico de ya antes ni después. Con la esperanza de que su hijo sería reconocido como un prodigio musical a la par de el gran Amadeus Mozart, el padre de Beethoven organizó su primer recital público para el 26 de marzo de 1778. Anunciado como un “pequeño hijo de 6 años,” (la edad de Mozart cuando comenzó por la emperatriz María Teresa ) pese a que era, en verdad de 7 años, Beethoven jugó increíble mas su considerando no recibió de prensa en lo más mínimo. Mientras, el prodigio musical asistió a una escuela primaria llamada América Tirocinium, donde afirmó que un compañero de clase, “No es un signo había de ser descubierto de esa chispa de genio, que relucía de forma tan refulgente en él después.” Ludwig Van, que tuvo inconvenientes con sumas y explicando su vida, era en el mejor de un estudiante promedio, y ciertos biógrafos han planteado la hipótesis de que puede haber tenido la dislexia leve. Como mismo afirmó a sí mismo: “La música viene a mí con más sencillez que las palabras.” En 1781, a la edad de 10, Beethoven se retiró de la escuela a estudiar música

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BIOGRAFÍAS Y VIDAS

10 Datos curiosos sobre el músico Ludwig van Beethoven.

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1.- Se dice que el apellido Beethoven proviene de Beeth: betabel y Hoven: plural de Hof; granja es decirGranja de Betabel, todo esto hace lógica cuando se sabe que su origen es de granja. 2.- Su primer actuación fue a los 7 años, un 26 de marzo de 1778, su padre 220px-Thirteen-yearold_Beethovenalegaba era de 6 años, destacando su genialidad y precocidad. 3.- A los 11 años publicó su primera composición: Nueve variaciones sobre una Marcha de Ernst Christoph. 4.- Desarrolló más de 80 obras: Piano: 32 sonatas. Cámara: 16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano. Vocal: Lieder, 2 misas y 1 ópera; Fidelio. Concertante: 5 conciertos para piano y orquesta, 1 para violín y orquesta. Orquestal: 9 sinfonías y oberturas entre la que destaca el ciclo de las Nueve Sinfonías y la Tercera conocida como Eroica. 5.- Ludwig van Beethoven, uno de los compositores de música más importantes de la historia, siguió el camino de las artes porque su padre quedó impresionado después de ver a Mozart dar un concierto a la edad de seis años y decidió que cuando tuviera un hijo (que no nacería sino hasta dentro de ocho años más), sería como ese pequeño prodigio. Todos conocemos el resto de la historia: se hizo una leyenda cuyo legado trasciende hasta nuestros días, y, lo hizo aún siendo sordo. Pero que sumergiera la cabeza en el agua poco o nada tiene que ver con su sordera,

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a tiempo completo con Christian Gottlob Neefe, el recién nombrado Organista de la Corte. Neefe introdujo a Beethoven en el estudio de Sebastian Bach, (musico al cual le tenia mucha devocion y respeto), ya la edad de 12 años Beethoven publicó su primera composición, un conjunto de alteraciones para piano sobre un tema de un músico tradicional obscuro llamado Dressler. Por 1784, su alcoholismo y su descomposición agravamiento de voz, el padre de Ludwig Van Beethoven ya no era capaz de sostener a su familia, y Beethoven pidió formalmente un nombramiento oficial como Asistente Organista de la Corte. Pese a su juventud, fue admitida su petición, y Beethoven fue puesto en la nómina de la corte con un modesto sueldo anual de 150 florines. En un esmero por facilitar su desarrollo musical, en 1787 la Corte decidió mandar a Ludwig Van Beethoven a Viena, capital de la cultura y la música de Europa, donde aguardaba para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Solo hay especulación y pruebas concluyentes de que Beethoven jamás se reunió con Mozart, y mucho menos estudiado con él. Tradición, puesto que el que, tras percibir a Beetho-

ven, Amadeus Mozart debía haber dicho, “Sostenga sus ojos en él;. Cualquier día se va a dar al planeta algo de que charlar” En todo caso, tras solo unas poquitas semanas en Viena, Beethoven supo que su madre había caído enferma y retornó a su casa a Bonn. sobrante allá, Beethoven siguió labrarse su reputación como músico joven de la corte más prometedor de la ciudad.? Cuando el emperador romano beato José II murió en 1790, un joven de 19 años de edad, Beethoven recibió el enorme honor de componer un monumento musical en su honor. Por razones que no están claras, la composición de Beethoven jamás se hizo, y la mayor parte acepta el joven músico había probado altura de la labor. No obstante, más de un siglo después, Johannes Brahms descubrió que Beethoven había compuesto una pieza “hermosa y noble” de la música titulado Cantata de la muerte del emperador José II. En la actualidad, se considera su primera pieza maestra. COMPONIENDO PARA AUDIENCIAS En 1792, con las fuerzas revolucionarias francesas barren mediante la zona del Rin en el electorado de Co-

solo lo hacía porque le ayudaba a despejarse. 6.- Su sordera comenzó a una edad Beethoven_ 3muy temprana, pero nunca se supo el origen de esta, algunos investigadores afirman que de acuerdo a los escritos del artista simplemente fue una progresiva pérdida de audición a pesar de los tratamientos recibidos. Una de las hipótesis de su sordera es el surgimiento de neuro labyrinthitis u otospongiose, algunos alegan provocada por sífilis. 7.- La famosísima bagatela de Beethoven, para piano conocida como «Para Elisa» debe su popular nombre, según parece, a la confusiónde algún copista a la hora de transcribir el manuscrito original de la partitura. Debido a la mala legibilidad de la dedicatoria, donde parece estar escrito «Elisa» debe leerse, en realidad, «Teresa». Así, la bagatela debiera ser conocida como «Para Teresa». 8.- Las famosas cuatro primeras notas de la Quinta Sinfonía de Beethoven fueron utilizadas en las transmisiones radiofónicas de la Segunda Guerra Mundial para fortalecer los ánimos, dado que en el código Morse tres puntos y una raya (esto es, tres notas cortas y una larga) equivalen a la «V», es decir, «Victoria». 9.- Beethoven tenía un oído tan fino que, la continuada exposición a su propia música, le llevó a vivir parte de su vida con una sordera parcial y su Novena Sinfonía la compuso plenamente sordo. 10.- Se dice que a Beethoven no le gustaba tocar en escenarios altos debido al vértigo que padecía gracias a la labyrinthitis.

lonia, Beethoven decidió desamparar su urbe natal de Viena, de nuevo. Mozart había fallecido un año antes, dejando a Joseph Haydn como el más grande músico indudable vivo. Haydn era vivir en Viena en el tiempo, y fue con Haydn que el joven Beethoven ahora pretende estudiar. Como su amigo y patrón Count Waldstein escribió en una carta de despedida, “el genio de Mozart llora y llora por la muerte de su acólito Se halló cobijo, mas no se ha liberado con la inacabable Haydn. A través de él, ahora, que busca unir con otro. a través de habitual trabajo que va a recibir el espíritu de Mozart de las manos de Haydn “. En Viena, Ludwig Van Beethoven dedicó al estudio de todo corazón musical con los músicos más prominentes de la temporada. Estudió el piano con Haydn, composición vocal con Antonio Salieri y contrapunto con Johann Albrechtsberger. Aún no se sabe como músico, Beethoven estableció velozmente una reputación como pianista virtuoso que era en especial capaces para la improvisación.

DATOS IMPORTANTES SOBRE LUDWIG VAN BEETHOVEN Beethoven ganó muchos clientes del servicio entre los primordiales ciudadanos de la aristocracia vienesa, que le dieron alojamiento y los fondos, lo que deja Ludwig Van, en 1794, para romper los nudos con el electorado de Colonia. Beethoven hizo su aguardado debut público en Viena el 29 de marzo de 1795. Pese a que hay un notable discute sobre cuál de su concierto para teclado temprana actuó esa noche, la mayor parte de los estudiosos piensan que jugó lo que es conocido como su “primer” concierto para piano en Do Mayor. Poco después, Beethoven decidió publicar una serie de 3 tríos de piano como su “Opus 1”, que fueron un gran éxito crítico y financiero. En el primer muelle del nuevo siglo, el 2 de abril de 1800, Beethoven estrenó su Sinfonía n.º 1 en do mayor en el Real Teatro Imperial en Viena. Si bien la vida de Ludwig Van Beethoven medraría a aborrecer la pieza – “En esos días no sabía de qué manera componer,” comentó más adelante, la sinfonía afortunado y melódica, no obstante, lo estableció como uno de los músicos más insignes de Europa. Conforme avanzaba el nuevo siglo, Van Beethoven compuso una pieza tras otra que lo marcó como músico magistral llegar a su madurez musical. Su “6 Cuartetos de cuerda”, publicado en 1801, prueban un dominio completo de la más bastante difícil y acariciado de formas vieneses desarrollados por Mozart y Haydn. Beethoven asimismo compuso Las criaturas de Prometeo en mil ochocientos uno, un ballet muy popular que recibió 27 actuaciones en el Teatro de la Corte Imperial. En torno a este tiempo Ludwig Van Beethoven, como todos y cada uno de los de Europa, visto con una mezcla de sorprendo y terror como Napoleón Bonaparte se proclamó primer cónsul, y después emperador, de Francia. Beethoven admiraba, detestaba y, hasta determinado punto, identificado con Napoleón un hombre de capacidades sobrehumanas, supuestamente, solo un año mayor, y asimismo de obscuro nacimiento. En 1804, solo unas semanas una vez que Napoleón se proclama emperador, Beethoven estrenó su Sinfonía N.º tres en honor de Napoleón. Después el nombre de “Sinfonía Heroica” de Beethoven por el hecho de que se desanimó con Napoleón, que era su obra más grande y más original hasta la fecha, de modo diferente a todo lo escuchado ya antes que por medio de semanas de ensayo, los músicos no podían hallar la forma de jugar. Un miembro sobresaliente proclamado Eroica “, uno de los productos más originales, más excelentes y más profundos que todo el género de la música jamás han sido expuestos.” LA PÉRDIDA DE AUDICIÓN Al tiempo que estaba componiendo estas obras grandes y también inmortales, la vida de Beethoven estaba combatiendo para llegar a un pacto con un hecho sorprendente y horrible, uno que trató desesperadamente de esconder. Iba suecos. Con el cambio de siglo, Beethoven se esmeró por distinguir las palabras habladas a él en la charla.

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BIOGRAFÍAS

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Y VIDAS

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Beethoven descubrió en una carta desgarradora en 1800 uno a su amigo Franz Wegeler, “Debo confesar que llevo una vida desgraciada, a lo largo de prácticamente un par de años he dejado de acudir a las funciones sociales, sencillamente pues me resulta imposible decir a la gente: soy sueco Si tuviese cualquier otra profesión, que podría ser capaz de hacer en frente de mi enfermedad;. mas en mi profesión es una horrible desventaja “. En ocasiones impulsados a los extremos de la melancolía por su consternación, Ludwig Van describió su desesperación en una nota larga y emocionante que oculta su vida. El 6 de octubre de 1802 y conocido como “El Testamento de Heiligenstadt”, se lee en parte, “oh hombres que piensan o bien afirman que soy malévolo, bastante difícil de suprimir o bien misántropo, lo mucho te hace daño mí. Usted no sabe el secreto causa que me hace parecer que la forma de que habría terminado mi vida -. fue solo mi arte que me retuvo Ah, parecía imposible dejar el planeta hasta el momento en que dio a luz a todo cuanto sentía estaba en mí. “ Prácticamente prodigiosamente, pese a su sordera de manera rápida progresiva, Beethoven siguió componiendo a un ritmo mareante. Desde 1803 a 1812, lo que es conocido como su “medio” o bien periodo de “heroica”, compuso una ópera, 6 sinfonías, 4 conciertos a solas, 5 cuartetos de cuerda, 6 sonatas de cuerda, 7 sonatas para piano, 5 series de alteraciones para piano, 4 aperturas, 4 tríos, 2 sextetos y 72 canciones. El más renombrado de estos eran sinfonías N.º 3-8, el “Moonlight Sonata”, el “Kreutzer” Sonata para violín y Fidelio, su única ópera. Cuando al salir pasmosa de la música superlativamente complejo, original y precioso, este periodo de la vida de Beethoven no se equipara con cualquiera de cualquier otro músico de la historia. Pese a su excepcional potencia de una preciosa música, Ludwig Van Beethoven era solitario y habitualmente miserables lo largo de su vida adulta. De mal genio, de psique ausente, codicioso y sospechoso hasta el punto de la paranoia, Ludwig Van tuvo un feudo con sus hermanos, sus editores, sus amas de la casa, sus pupilos y sus clientes del servicio. En un accidente ilustrativo, Beethoven procuró romper una silla sobre la cabeza del príncipe Lichnowsky, uno de sus mejores amigos y clientes del servicio más fieles. Otra vez que estaba en la puerta del palacio del príncipe Lobkowitz chillando a fin de que todos oigan, “Lobkowitz es un burro!” Por una pluralidad de razones que incluía a su poquedad paralizante y el aspecto físico lamentable, Ludwig Van Beethoven jamás se casó ni tuvo hijos. Fue, no obstante, desesperadamente enamorado de una mujer casada llamada Antonie Brentano. En el transcurso de 2 días en el mes de julio de 1812, Beethoven le escribió una carta de amor larga y preciosa que jamás mandó. Dirigida “a ti, mi amada inmortal”, afirmaba la carta, en parte, “Mi corazón está repleto de tantas cosas que decirte – ah – hay instantes en los que siento que las cantidades del habla a nada en lo más mínimo – Cheer arriba – siendo mi verdad, mi único amor, mi todo como

soy tuya “. La muerte del hermano de Beethoven Caspar en 1815 provocó una de las grandes pruebas de su vida, una dolorosa batalla legal con su hermana, Johanna, por la custodia de Karl Van Beethoven, su sobrino y su hijo. La lucha se extendió durante 7 años a lo largo de los que los dos lados devolvían difamaciones feas en el otro. Al final, Beethoven consiguió la custodia del pequeño, si bien apenas su aprecio. PRINCIPALES OBRAS DE BEETHOVEN Y SU MUERTE De alguna forma, pese a su tumultuosa vida personal, enfermedad física y la sordera completa, Beethoven compuso su música más grande, tal vez la música más grande nunca compuesta – cerca del final de su vida. Sus mayores obras tardías incluyen Missa Solemnis , una masa que comenzó en 1824 y se considera como uno de sus mejores logros, y Cuarteto de cuerda n.º 14, que contiene 7 movimientos vinculados jugado sin reposo. Noveno y último sinfonía de Ludwig, terminado en 1824, prosigue siendo el mayor logro impresionante del ilustre músico. conocida final de la coral de la sinfonía, con 4 vocalistas solistas y un coro cantar las palabras del poema de Friedrich Schiller “Elegía a la alegría”, es quizá la más conocida pieza musical en la historia. Al tiempo que los conocedores recreaban en la dificultad del contrapunto y formal de la sinfonía, las masas hallaron inspiración en el vigor himno-como el final de coral y la invocación de clausura de “toda la humanidad.” Ludwig Van Beethoven murió el 26 de marzo de 1827, a la edad de 56. La necropsia descubrió que la causa inmediata de la muerte fue la cirrosis post-hepatitis del hígado. La necropsia asimismo dan pistas sobre los orígenes de su sordera. Al tiempo que su mal genio, diarrea crónica y la sordera son consistentes con la enfermedad arterial, una teoría que compiten traza la sordera de Beethoven a contraer el tifus en el verano de 1796.

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MÚSICA

Y TENDENCIAS

LA MÚSICA CLÁSICA BUSCA NUEVOS PÚBLICOS CON

HOLOGRAMAS Y TECNOLOGÍA 3D

Por / Mauro Apicella / La Nación

REVISTA DE LA OSEM / Septiembre 2019 / Año 1 No. 1

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n la música , el término crossover es muy abarcartivo. Puede referir tanto a ese repertorio popular que llegó a las voces de Los Tres Tenores, hace casi tres décadas (con temas como “O sole mío” y el “Nessun dorma” del Turandot de Puccini), hasta una banda de rock que actúa con una orquesta sinfónica detrás. Pero, sobre todo, se convirtió en una batea donde hace ya algunos años se podían encontrar discos de André Rieu y Sarah Brightman y, más cerca de nuestros días, en plataformas digitales, los de Il Divo, Il Volo, Katherine Jenkins, David Garrett e, incluso, Rieu y Brightman, que siguen muy vigentes y pronto volverán a visitar la Argentina. El violinista holandés es el rey de un repertorio ecléctico integrado, en buena parte, de una clásica ligera que no debe ser menospreciada, y que tiene cada vez más adeptos. Tiene agendadas, desde el 11 de este mes, cinco funciones en el Luna Park junto a la Johann Strauss Orchestra. Por su parte, la soprano Brightman, que es pionera en el crossover entre la lírica y el pop, se presentará el 8 y el 10 de diciembre, en el Teatro Colón. Claro que la fusión musical es solo una instancia que satisface el gusto de una audiencia que, sin duda, es cada vez mayor. Además, la tecnología es hoy un recurso que sirve para aggiornar estos espectáculos y, también, como efecto motivador para generar nuevas audiencias. Es probable que, a una persona que nunca le interesó la música clásica, jamás la tentará un recital de piano y voz con un programa dedicado a las grandes arias de la ópe-

City Of Mirrors (Ciudad de espejos)” toma como punto de partida la Venecia donde nació Antonio Vivaldi, para contar una historia en la época de la Italia barroca. Una producción 3D en la que los hits de Vivaldi (sus famosísimas estaciones) son alternadas o reinterpretadas por una banda pop-rock. Además, hay coreografías contemporáneas y visuales que echan mano a los recursos más recientes que se utilizan en los shows actuales. ra italiana. Pero si le decimos que ese repertorio lo canta una de las mayores divas del canto lírico del siglo XX, que murió hace 41 años pero gracias a la tecnología la revivimos en forma de holograma y la tendremos cantando en un escenario porteño, quizás el prejuicioso oyente cambie de idea y sea realmente tentando; por la tecnología o por esa extraña pasión que existe por la necrología. Si vamos a ser críticos con los prejuicios no caigamos en el error de convertirnos en lo que criticamos. Pensemos también que una parte de esa audiencia novata irá ante la recomendación de que se trata de la gran prima donna de la ópera del siglo pasado. No es solo una cuestión de tecnología, resucitación virtual e imagen.

Aunque el efecto de resucitación es un arma publicitaria persuasiva. El año pasado Primary Wave Music Publishing adquirió los derechos de la obras grabadas por el pianista Glenn Gould. ¿Qué traía entre manos? Meses atrás anunció su sociedad con Eyellusion para crear el holograma de Gould y lanzarlo en un tour de conciertos (entre las producciones de Eyeyllusion figuran los hologramas de Dio y Frank Zappa). “A Glenn Gould le hubiera encantado esta nueva tecnología que llevará sus mejores actuaciones a lugares de Canadá y de todo el mundo”, dijo Faye Perkins en nombre de los herederos de los derechos intelectuales del artista. “Las presentaciones en vivo de Glenn siempre fueron un evento y estamos encantados de que los fanáticos de lo viejo y lo nuevo puedan experimentar lo que fue verlo en el escenario”. Tal vez haya que creerle al señor Perkins porque al genio canadiense del piano le interesaba la tecnología. Y mucho. Rara vez volvió a grabar el amplio catálogo bachiano que publicó. Sin embargo, en 1981, un año antes de su muerte, tuvo la oportunidad de volver sobre las Variaciones Goldberg y lo hizo con un registro digital (sí, leyeron bien, en 1981, un registro clásico digital, un año antes de que se comenzaran a vender los primeros CD de ABBA y Billy Joel). La pregunta hoy es: ¿Qué fanático del piano clásico no pagaría por ver a Gould frente al piano, sentado en esa silla con las patas recortadas, que parecía sacada de un volquete de deshechos? ¿Quién no querría volver a “ver” su genialidad? Hace algo más de una década se tomó el registro de una interpretación de Gould (para obtener su fraseo y su dinámica) y se lo convirtió en una especie de controlador MIDI que fue utilizado por Yamaha para disparar los sonidos de uno de sus nuevos pianos. De ese experimento se publicó un disco. La idea era traer al presente la manera de tocar de Gould con un sonido actual, bien siglo XXI. ¿Y Callas? La prima donna María Callas murió cuatro años antes que Gould, y hace algunos meses volvió a salir de gira, en forma de holograma. Y el 14 de octubre se la podrá ver sobre el escenario del Teatro Coliseo, cantando arias de grandes óperas, con su estilo único. El CEO de Base Hologram, empresa que creó Callas in Concert, se alinea con la idea de las nuevas audiencias. Dice que el show busca que nuevos públicos tengan la oportunidad de “presenciar las impactantes presentaciones que convirtieron a María Callas en una leyenda”. También es impactante el espectáculo City of Mirror del proyecto Vivaldianno, que se verá en el mismo escenario, tres días después, el 17 de octubre. Volvamos al planteo de párrafos anteriores. Quienes no están habituados a la clásica difícilmente serán tentados con un concierto dedicado a las cuatro Estaciones, de Vivaldi.

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MÚSICA

Y TENDENCIAS

Vivaldianno, el espectáculo basado en la música de Vivaldi con estética pop.

A Glenn Gould le hubiera encantado esta nueva tecnología que llevará sus mejores actuaciones a lugares de Canadá y de todo el mundo”, dijo Faye Perkins en nombre de los herederos de los derechos intelectuales del artista. “Las presentaciones en vivo de Glenn siempre fueron un evento y estamos encantados de que los fanáticos de lo viejo y lo nuevo puedan experimentar lo que fue verlo en el escenario”.

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Michal Dvorak, el creador del espectáculo Vivaldianno.

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Pero si se les ofrece un show multimedia, con una historia sostenida por visuales y una banda de música pop, quizá puedan evaluar la oferta. La primavera de Vivaldi con batería y scratches. Algo así como la versión folk setentosa que Waldo de los Ríos hizo hace más de cuatro décadas con la Sinfonía 40 de Mozart. En ese caso la intención también era llegar de otra manera, a otros públicos. “City Of Mirrors (Ciudad de espejos)” toma como punto de partida la Venecia donde nació Antonio Vivaldi, para contar una historia en la época de la Italia barroca. Una producción 3D en la que los hits de Vivaldi (sus famosísimas estaciones) son alternadas o reinterpretadas por una banda pop-rock. Además, hay coreografías contemporáneas y visuales que echan mano a los recursos más recientes que se utilizan en los shows actuales. El 4 de marzo 1678, Camilla Vivaldi dio a luz a Antonio Lucio. Ese día hubo un terremoto en Venecia. Fue

en el sentido literal, aunque en el musical, años más tarde Antonio le daría algunos sacudones a los amantes de la música de esa época. El niño no tendría futuro, nació muy enfermo, por eso lo bautizaron apenas nacido. Pero la historia hoy nos cuenta más sobre sus triunfos que acerca de sus debilidades. Como dato anecdótico, el creador del proyecto se llama Michal Dvorák (casualmente el mismo apellido que el compositor checo más trascendente de todos los tiempos, Antonin Dvorák). Pero Michal no ostenta algún parentesco en su curriculum. Se trata de un músico dedicado al rock en su país y a la música para teatro y cine que con los años expandió su territorio, especialmente con el proyecto Vivaldianno, que ya lleva un par de años con giras por varios continentes. Es un show muy visual con puesta en escena de Tomas Belko y animaciones de Kosuke Sugimoto, con pantallas gigantescas, luces, máscaras espejos y la rockera actitud de los músicos sobre el escenario.

LA FRASE ILUSTRADA

Ni una inteligencia sublime, ni una gran imaginaciĂłn, ni las dos cosas juntas forman el genio; amor, eso es el alma del genioâ&#x20AC;?. Wolfgang Amadeus Mozart

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HUMOR

ESTRAMBÓTICO

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