Children & Young People 2012 by SMK

2012

/ Children & Young People

BØRN & UNGE ”Vores vision for børn og unge-området er at forbedre børn og unges muligheder i livet ved hjælp af kunst og kreativitet. Jo mere varieret et udbud de møder af kunst og kultur, jo mere bredspektret bliver også deres egne oplevelser af verden og dens muligheder og potentialer”

Karsten Ohrt, direktør SMK

/ CHILDREN & YOUNG PEOPLE ”Our vision regarding children and young people is to boost their opportunities in life by means of art and creativity. Encountering a varied selection of art and culture – the more varied, the better – will expand the potential range of their own experience of the world and all it has to offer.” Karsten Ohrt, Director, SMK

“Bøger er som bjergtoppe, der stikker op af havet. Skønt de kan ligne isolerede øer, er de udvækster på en underliggende geografi, der på en gang er lokal og dog del af et verdensomspændende mønster.”

INDHOLD / CONTENT

Hvem er vi? / Who we are

Vi lærer på bagkant / We learn in retrospect

Jerome Bruner

EN UGE PÅ SMK / A WEEK AT SMK

UNGES LABORATORIER FOR KUNST / ULK art labs

Tirsdag / Tuesday

Onsdag / Wednesday

Kunstpiloterne - de unges stemmer / Art Pilots –The Voice of Youth

Torsdag / Thursday

Gennemlyst – på sporet af Bosch og Breugel / Illuminated – Tracing Bosch and Bruegel

Fredag / Friday

105

TALES – create the next scene

Lørdag / Saturday

Søndag / Sunday

108

”Det er ingen kunst at … flette bacon”. ULK på Roskilde Festival 2012 / “There’s no great art to... braiding bacon”. ULK at Roskilde Festival 2012

/ “Books are like mountaintops jutting out of the sea. Self-contained islands though they may seem, they are upthrusts of an underlying geography that is at once local and, for all that, a part of a universal pattern.”

UNDERVISNING / School and learning programMes

Vision og praksis i undervisningen på SMK / Vision and practice in teaching at SMK

Kunstkatapult / Art Catapult

Praktikforløb for lærerstuderende / Internships for Teacher Education Students

Undervisningsmaterialer 2012 / Teaching materials 2012

Digt af Naja Marie Aidt / Poem by Naja Marie Aidt

Ny bog: Dialogbaseret undervisning: Kunstmuseet som læringsrum / New book “Dialogue -based Teaching. The Art Museum as a Learning Space

118 xxx GLÆD DIG TIL 2013 / Coming up in 2013

Hvem er vi? / WHO WE ARE Marianne Grymer Bargeman / Enhedsleder / Head of Unit – Children & Young People / marianne.bargeman@smk.dk Nana Bernhardt / Undervisnings- og udviklingsansvarlig i Skoletjenesten / Curator – School and learning programmes / nana.bernhardt@smk.dk Michael Hansen / Værkstedsleder / Curator – Workshops / michael.h@smk.dk Julie Maria Johnsen / Undervisnings- og udviklingsmedarbejder / Education and Development staff / julie.johnsen@smk.dk Frederik Henrik Knap / ULK koordinator / Coordinator, Art Labs / frederik.knap@smk.dk Nikolaj Recke / ULK kunstner / ULK Artist / nikolaj.recke@smk.dk Kunstfaglige studentermedarbejdere 2012 / Student staff in the booking department 2012 Jesper Grønneskov Nielsen, Kristian Rasmussen, Sara Line Batson, Fillip Danstrup, Olivia Skjerk Frankel, Michèle D. Rylander Christensen, Line Kanstrup Nielsen, Julie Thesander, Gisela Kruse Rønnow, Sara Thetmark

Silhuetklip, elevproduktion / SILHOUETTES, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

Værkstedsmedarbejdere 2012 / Artist staff 2012 Marika Seidler N. Andersen, Michael Boelt Fisher, Signe Dahlerup, Michelle Ejstrup, Ida Flarup, Suzette Gemzøe, Christina Hamre, Karen Land Hansen, Malene Hartmann, Tine Hecht-Pedersen, Tine Jakobsen, Hanne Ravn Hermansen, Regitze E. Karlsen, Elin Kromann, Birgitte Lund, Nanna Starck, Cecilia Westerberg, Carina Zunino.

Undervisere og omvisere 2012 / Educators and guides 2012 Jesper Grønneskov Nielsen, Kristian Rasmussen, Sara Line Batson, Fillip Danstrup, Olivia Skjerk Frankel, Michèle D. Rylander Christensen, Line Kanstrup Nielsen, Julie Thesander, Gisela Kruse Rønnow, Sara Thetmark, Sofie Sjöblom, Sofie Regitze Kattrup, Peter Kær, Thomas Ladeby, Bjarne Purup, Toke Hal, Marie Nederby Kristensen, Miriam Wistreich, Lejla Mrgan, Sara Worm Tighe, Sisse Hoffmann, Mathilde Teglgaard Nielsen, Nina Dyrmose, Annette Skov Ingfred Petersen, Christine Tommerup, Jette Paula Lundstrøm, Anne Sauer, Christina Videbech. Samarbejdspartnere / Partners Skoletjenesten på Sjælland, Gefion Gymnasium, Copenhagen Jazz Festival, DREAM, Roskilde Festival, Det Kgl. Vajsenhus, Bavnehøj Skole, Prinsessegårdene i Valby, Øbro Fri Skole, Sex og Samfund, Folkekirkens Skoletjeneste, Biblioteket Frederiksberg, DTU, Zahle Læreruddannelse, Sankt Annæ Gymnasium, Øster Farimagsgade Skole, Kildevældsskolen, Københavns Museum, Det Kgl. Teater, Arken, KØS, Designmuseum Danmark, Thorvaldsens Museum, J.F. Willumsens Museum, Nikolaj Kunsthal, Musikken i Skoletjenesten, Nationalmuseet. Sponsorater / Sponsorships Er du eller din virksomhed interesseret i at støtte Børn & Unge aktiviteter på SMK, så kontakt os for et møde om samarbejdets mange muligheder. Hanne Støvring, ansvarlig for fundraising og partnerskaber. Hanne.s@smk.dk 7

Af Marianne Grymer Bargeman, Enhedsleder Børn & Unge

VI LÆRER PÅ BAGKANT Vi lærer på bagkant, argumenterer den amerikanske professor og organisationsteoretiker Karl Weick. ”Sensemaking is a retrospective process: Remembering and looking back are a primary source of meaning”. (Weick: 1995: 11). Denne årbog tager Weick på ordet og ser tilbage på 2012, med fokus på børn og unge, i håbet om at blive klogere. Formålet med årbogen er altså ikke at producere et hyldestskrift, som årbøger ofte er, men i stedet at dele produktive refleksioner med afsæt i daglig praksis. Hvilken tilgang til læring og kreativitet prægede vores arbejde i 2012, og hvad bidrog det til? Hvordan udvidede konkrete projekter vores repertoire i forhold til vores kunstfaglige og pædagogiske strategier? Hvordan tilrettelægger vi fremover processer, der øger sandsynligheden for, at læring og kreativitet finder sted? Og hvordan kan vi tænke det hele ind i en organisatorisk sammenhæng og hverdag?

Foto: Anne Mie Dreves

Læring og kreativitet spiller en stor rolle i al vores arbejde i Børn og Unge (herefter B&U). Derfor vil jeg i det følgende forsøge at komme en forståelse af begreberne lidt nærmere. Læring sker anderledes, end vi tror, siger Weick. Den sker nedefra, på bagkant og er altid forbundet med fortolkningsprocesser. Mennesker vil med andre ord altid forsøge at tillægge alting en eller anden form for mening, sensemaking, uanset afsenderens intention. Hvis Weick har ret, vil det være hasarderet at tro, at alle i en klasse vil få det samme ud af et undervisningsforløb. Det stiller krav til den måde, vi strukturerer læreprocesser på, både i undervisningen og organisatorisk. Læring foregår ikke kun i formaliserede situationer, men overalt, hele tiden. Hvordan vi forstår læring, hænger tæt sammen med det videnskabsteoretiske univers, vi abonnerer på. Jeg abonnerer på forestillingen om, at verden er socialt konstrueret. Betydninger og viden er således ikke stabile størrelser, men derimod noget som konstrueres og dekonstrueres i relationer og sociale processer. Den amerikanske psykolog Kenneth Gergen formulerer det sådan: 8

”Den grundlæggende idé i social konstruktion virker ret enkel, men den er også dyb. Alt, hvad vi regner for virkeligt, er socialt konstrueret. Eller, sagt mere dramatisk, intet er virkeligt, før folk er enige om, at det er det”. (Gergen og Gergen: 2009: 9). Læring vil således altid være en del af en social proces, der foregår i samspil med andre. Viden og det rum, viden udvikler sig i, er altså relationelt. Afhængigt af hvor jeg står, får tingene mening. Verden er ikke bare. En anden teoretiker, hvis bidrag, jeg mener, er væsentligt i diskussionen omkring meningsskabelse og læring, er den amerikanske psykolog Jerome Bruner. En af Bruners centrale pointer er, at vi organiserer vores virkelighedsforståelser i narrativer. De narrativer, vi har om os selv og vores omverden, har ifølge Bruner en strukturerende kraft i forhold til vores forståelse af verden. Bruner understreger også vigtigheden af at tale ind i og forstå hinandens bevidsthedslandskaber, for ellers følges anvisninger sjældent op med de handlinger, vi ønsker. Vi har alle brug for en form for genklang, en genkendelig ”knage”, som vi kan hænge det nye op på. De fleste har sikkert erfaret, hvor vanskeligt det

er at lære eller huske noget, som man ikke kan sætte sammen med noget kendt og derfor forstå anvendelsen af. Ifølge Bruner er det i sammenhængen mellem vores menings- og handlingslandskaber, at mening opstår. I 2012 udkom bogen Dialogbaseret undervisning. Kunstmuseet som læringsrum. Den er skrevet af museets undervisningsansvarlige i samarbejde med Line Esbjørn fra Thorvaldsens Museum og den norske professor i pædagogik Olga Dysthe. Bogen leverer et substantielt og tiltrængt bidrag til det museale undervisningsfelt og er resultatet af et flerårigt projekt om museer og medborgerskab. Bogen giver eksempler på, hvordan man vha. dialog kan skabe den sammenhæng, som bl.a. Bruner taler om. Samtidig gør den også opmærksom på, at det er i gnisten mellem to poler, at erkendelsen ofte sker. Dialogens kreative potentiale ligger i spændingen mellem forskellige stemmer, som Olga Dysthe siger med henvisning til den russiske litteratur-, sprog- og kulturkritiker Mikhail Bakhtin. Som sagt er det svært at definere læring. Til gengæld synes de fleste enige om, at de processer, hvor læring 9

2012 / Antal besøgende på SMK: 429.692

Antal skoleklasser på SMK: 1782 (37.882 elever) Antal børn i museets værksteder, weekend og ferie: 9563 Antal børn på SMK i alt: 48.201 Antal unge på SMK (14-29 år) i alt: 120.313 (28 % af vores besøgende)

opstår, tager forholdsvis lang tid, fordi vi skal have adgang til hinandens bevidsthedslandskaber fx vha. narrativer. Tidskrævende læringsprocesser er dog ikke altid forenelige med de aktuelle vilkår i kulturinstitutioner, hvor kravet om mange og målbare resultater er konstant til stede. Derfor har vi i B&U brugt en stor del af 2012 på at reflektere over, hvordan vi rammesætter, så der både er plads til resultat og proces. Inden vi ser nærmere på konkrete eksempler fra vores undervisningspraksis på museet, skal vi forsøge at indkredse begrebet kreativitet, der ligesom læring er svær at definere entydigt.

KREATIVITET Erhvervspsykolog og leder af TRAC Training and Resources for Advanced Creativity - Thea Mikkelsen skriver, at vi alle har et kreativt potentiale, men ”det er kun dem, der forstår at reagere på ideerne og tør føre dem ud i livet, som gør brug af deres kreativitet” (Mikkelsen: 2009: 13). Kreativitet og innovation handler om at have øje for det nye, det uprøvede og at have mod til at sætte ting sammen på nye måder. Men kreativitet handler ikke alene om at tænke anderledes. Det handler også om at ”sætte mål”. Det, der ifølge Mikkelsen kendetegner den kreative hjerne, er, at den ”forstår at bruge mere bredt af sine ressourcer og at forbinde de forskellige centre i hjernen med hinanden” (ibid: 32).

Forestillingen om, at man kun er kreativ, når man er helt frisat, er et eksempel på et typisk narrativ, som let kanoniseres på en måde, så man ikke kan få øje på andet. Men kreativitet er ikke fri leg, og rammesætning er mindst ligeså vigtig her 10

som i andre sammenhænge. At arbejde kreativt kræver tid, fordybelse, metode, planlægning og målsætninger. Evnen til at få gode ideer er altså ikke en magisk kvalitet, men derimod nært forbundet med hårdt arbejde og evnen til at arbejde i et relationelt felt. Nogle af de spørgsmål, vi for tiden er meget opsatte på at undersøge, handler netop om kreativitet. Hvor har vi lavet plads til hvilken slags kreativitet? Hvad indfortolker vi i begrebet? Og hvordan strukturerer man det kreative, så det skaber et større udfaldsrum for hele organisationen? Man kan planlægge undervisning, men ikke læring. Alligevel er der god grund til at forsøge at tilrettelægge processer, der skaber gode rammer for læring og kreativitet, også organisatorisk. Derfor er det også meget glædeligt, at 2012 blev året, hvor kreativitet blev skrevet ind i museets vision, som bl.a. indeholder ambitionen om, at SMK ”vil styrke et kreativt og reflekteret samfund, der værdsætter sin historie og anerkender forskellighed”.

UNDERVISNINGSDESIGN Nu til de konkrete eksempler. I mange år var det en del af vores selvforståelse, at SMK skræddersyede hvert enkelt undervisningsforløb på baggrund af lærerens ønsker. Det var med Bruners ord vores kanoniserede narrativ. Umiddelbart virkede tilbuddet meget generøst og modtagerorienteret, men for et par år siden måtte vi indse, at det krævede enormt meget forberedelse, at kvaliteten var for svingende, og at det tilsammen skabte et meget broget billede af, hvad SMK stod for i undervisningssammenhæng. Derfor tog vi bl.a. fat på at udvikle en række faste en-times forløb i samarbejde med en gruppe lærere (dansk, historie, billedkunst) og elever. Det resulterede i:

• • • •

Færre, men faste, undervisnings- forløb Forløbsbeskrivelser til lærerne, der bl.a. redegør for, hvilke læringsmål hvert enkelt forløb understøtter i forhold til klassetrin Kompendier og emnemapper til museets undervisere, der samler faglige ressourcer (artikler, undervisningsmaterialer, noter m.m.). Undervisningsdesign til hvert forløb, der på baggrund af afprøvning med skoleklasser foreslår museets undervisere en hensigtsmæssig dosering af forskellige typer øvelser og korte oplæg. Formålet med designet er at opnå den flerstemmighed og dialog, den aktive deltagelse og variation, som er centrale mål for vores undervisning.

Med de faste en-times forløb og denne struktur kan lærerne ikke længere vælge frit på alle hylder. Til gengæld ved vi, at den vare, vi sælger, er gennemtestet og af høj kvalitet. Forløbsbeskrivelserne sikrer forventningsafstemning mellem lærer og underviser, og undervisningsdesigns, kompendier og emnemapper gør det muligt internt at speede læringsprocesserne op vha. vidensindsamling og -deling. De sidste mange år har vi samarbejdet med retoriker Signe Hegelund om at styrke omviserne og undervisernes retoriske kompetencer. I 2012 udvidede vi arbejdet til også at indbefatte de 20 kunstnere/arkitekter, som arbejder i museets værksteder. De står for museets billedskole og for de undervisningsforløb, der kombinerer besøg i museets udstillinger med værkstedsforløb. For mig er det helt centrale, som kunstnerne bidrager med i en undervisningssammenhæng, dét at se verden uselvfølgeligt og dét at bestyrke eleverne i deres første fornem-

melse. Desuden er kunstnere generelt gode til at gøre os opmærksomme på, at verden er fuld af ting, vi overser, i overbevisning om, at vi kender den og ved, hvad den indeholder af muligheder og betydninger. Ønsket med rækken af workshops med Signe Hegelund var at synliggøre og blive klogere på de kompetencer, som kunstnerne bidrager med (hvad er det kunstneriske egentlig for en ingrediens?). Derudover ønskede vi at opkvalificere museets forløb med længerevarende værkstedsarbejde ved at skærpe fokus i hvert enkelt forløb. Det er en generel udfordring, når vi arbejder med undervisning. Vi vil som formidlere have det hele med, men vi bør bestræbe os på at have ét fokus, som alt, hvad vi foretager os, forholder sig til. Det handler om intentionalitet. Man kan skærpe fokus ved at se nærmere på udvælgelse, rækkefølge og vægtning i et undervisningsforløb. Er pointen fx så langt fremme i værket, at et spørgsmål er hensigtsmæssigt, eller er det snarere et miniforedrag, der er på sin plads? Hvordan afspejler det kreative arbejde i værkstedet bedst forløbets tema, formmæssigt og indholdsmæssigt? Ved at gennemgå hvert enkelt forløb i forhold til værkudvalg, dispositionsprincipper (hvilke informationer placerer vi hvor) og kreative øvelser kommer læringsdybden i fokus frem for -bredden. Bogen Dialogbaseret undervisning argumenterer endvidere for vigtigheden af variation i forløbene. Ovenstående afsnit giver eksempler på, hvordan vi har højnet kvaliteten og samtidig etableret en ramme om, at vores undervisere kan lære noget hurtigt. Det har dog hele tiden været vigtigt for os at understrege, at der var tale om undervisningsdesign. Ordet design signalerer, at forløbet kunne være sammensat anderledes, og underviserne opfordres da også til at bruge de elementer, der giver mening for dem og den aktuelle undervisningssituation, jvf Weicks sensemaking. Vores mål er ikke at skabe robotter. Til gengæld ønsker vi, vha. forskellige tiltag og redskaber, at øge sandsynligheden for, at læring og nye erkendelser opstår.

DEN MINDSTE ENHED ER DYADEN Det er ikke tilstrækkeligt at skabe undervisningsdesigns og gode rammer for

læring i selve undervisningssituationen. Arbejdet med læring er også en organisatorisk udfordring. I en relationel optik er dyaden (modsat individet) den mindste enhed, argumenterer professor ved CBS Jan Molin. Relationen mellem mindst to aktører er det mindste, og samtidig mest afgørende, organisatoriske element. Viden er ifølge Molin ikke personbåret, men knytter sig til den organisatoriske kontekst.

Derfor er det afgørende, at vi tænker læring i en større sammenhæng. Men hvordan organiserer man sig om kompetenceudvikling? Og hvordan designer man læreprocesser, der går den vej, man ønsker? Den 1. april 2012 gjorde vi et forsøg, da vi ændrede ansættelsesforholdene for museets timelønnede undervisere og omvisere. Vores mål var at skabe et stærkt læringsmiljø, et fagligt og socialt fællesskab, uden at vi dog havde mulighed for at tilføre feltet flere økonomiske midler. Den 1. april overgik alle omvisere og undervisere til stillinger som studentermedarbejdere i stedet for freelancere. Dette medførte en ændring af lønnen til den lavere studentertakst, som til gengæld gav mulighed for at aflønne ved møder, læringsdage, underviserworkshops, partnerskaber etc. Ønsket med ændringen var netop at opkvalificere både

vores undervisningsog omviserpraksis på SMK gennem større mulighed for kompetenceudvikling og inddragelse af studentermedarbejdere i udviklingsprojekter. På denne måde øger vi sandsynligheden for, at de opbygger en flerfaglighed, der gør dem i stand til at koble kunsthistorisk og læringsteoretisk viden sammen. Muligheden for at inddrage studentermedarbejdere i særlige projekter og udvikling af daglig undervisningspraksis på museet giver større ejerskab, engagement, fælles viden og bedre undervisning. At vi skelner så skarpt mellem omvisere og undervisere er relativt nyt, men endnu et bevidst forsøg på at skabe klarere rammesætning. Selvom der er mange overlap mellem en omvisning og et undervisningsforløb, er konteksten og målene meget forskellige.

ET REFLEKSIONSREDSKAB Lad os i det følgende kigge på udfordringen med at skabe plads til både resultat og proces i et mere teoretisk perspektiv. Den schweiziske læringsteoretiker Etienne Wenger arbejder med en model, der er brugbar i denne sammenhæng. Hans model viser en cirkel, en helhed, der består af henholdsvis deltagelse og tingsliggørelse i en yin/ yang-lignende figur. Til deltagelsesdomænet hører engagement, tanker, handlinger og det emotionelle. Til tingsliggørelse hører mere afsjælede ting som kontrakter,

mening deltagelse

eksistens i verden

oplevelse

former

fokuspunkter medlemskab handlen dokumenter samspil monumenter gensidighed værktøjer projektion

verden

tingsliggørelse

forhandling 11

procedurer og dokumenter. Ifølge Wenger har mange af os en tilbøjelighed til at glemme tingsliggørelsen og blive for længe i deltagelsesdomænet. Deltagelse og tingsliggørelse er ikke komplementære størrelser, ikke godt eller skidt, men de skal ifølge Wenger være i en hensigtsmæssig balance. Det er altså ikke enten-eller, men et både-og. Modelen er god at tænke med og skaber grobund for overvejelser omkring, hvordan vi doserer, og hvordan vi ønsker balancen skal være mellem dét, vi kan måle og tingsliggøre, og dét, vi ikke kan måle og forudsige. Vores arbejde med faste undervisningsforløb er et konkret eksempel på, at vi har skruet op for tingsliggørelsen. Denne årbog er det samme. Og vi kunne arbejde endnu mere målrettet med targets (fx læringsmål, statistik og anden form for målbarhed), hvis vi ønskede det. Wenger skriver meget rammende, at tingsliggørelsens styrke er ”dens fyndighed, dens transportabilitet, dens potentielle fysiske vedvaren, dens fokuserede virkning”, men han skriver også, at det samtidig er dens svaghed (Wenger: 1998: 76). For meget tingsliggørelse kan fastlåse aktiviteter i en bestemt form og skabe illusion om kontrol og stabilitet. Vores undervisningsdesign kunne i værste fald blive så tingsliggjorte, at de ikke engagerede, fordi de ikke rummede den levede erfarings rigdom. Wengers model bidrager til forståelse af, hvor vigtigt det er at rammesætte klart og vide, at vi ved at skrue op og ned på forskellige procesteknologier opnår forskellige ting.

Når vi i forbindelse med udvikling af faste undervisningsforløb skruer op for tingsliggørelsen, betyder det ikke nødvendigvis, at vi skruer ned for deltagelse. Alt er relevant, bare ikke på samme tid.

DET FÆRDIGEVALUEREDE SPROG En udfordring for al undervisning er, hvordan man tilrettelægger undervisningsforløb, der både er fokuserede og samtidig giver plads til elevernes erfaringslandskab, til nødvendig improvisation og til, om nødvendigt, at skifte hest i vadestedet. Wenger har en anden yin/yang-model, hvor tingsliggørelse og 12

deltagelse er erstattet af emergent og designet. Igen handler det om at skabe en hensigtsmæssig balance mellem det færdigstøbte og det forhandlingsbare. Det handler altså ikke om at slippe af med det emergente, men snarere om at medtage det og gøre det til en bevidst mulighed. Hvis ting er for færdigstøbte, hvis det hele er designet på plads, har det ofte den effekt, at eleven ikke behøver tænke, hvilket næppe er hensigtsmæssigt. Den engelske professor og diskursanalytiker Jonathan Potter og socialpsykolog Margaret Wetherell taler om det færdigevaluerede sprog, som er uden håndtag og lukker for fortolkningsrummet. Brugen af PowerPoint har eksempelvis som form en uheldig tendens til at være tænkt færdig uden blik for relationen. Derfor opfattes PowerPoint-præsentationer sjældent som nysgerrige på modtagerens verden. Omvendt er dialog og studiekreds jo heller ikke altid ønskværdigt. Balancen mellem åbenhed og struktur diskuteres grundigt i bogen Dialogbaseret undervisning. I al vores undervisning arbejder vi nu målrettet på at blive bedre til at eksplicitere intentionaliteten og nøje overveje fortolkningsinvitationerne. Når vi åbner for dialog, skal vi også reservere plads til at udforske og udfordre elevernes erfaringslandskab. Den amerikanske læringsteoretiker Barnett Pearce er en af de teoretikere, som har arbejdet intenst med kommunikation og skabelse af sociale verdener. Ifølge ham har ord ikke en betydning i sig selv, men en brug i en kontekst. En talehandling er altid omgivet af episoder (noget, der gik forud), relationer, identiteter og kultur/kontekst. Derfor risikerer vi, at vores talehandlinger ikke får det tilsigtede udfald. Dialogen udebliver, eller beskeden misforstås. Det er vigtigt at have in mente, når vi står i en undervisningssituation, men også når vi laver partnerskaber. Bevidstheden om, at en talehandling aldrig står alene, fremmer samarbejder ved bl.a. at synliggøre vores selvforståelse i form af kanoniserede narrativer.

PARTNERSKABER En del af arbejdet med at styrke indsatsen vedrørende læring og kreativitet har i 2012 været præget af ønsket om nye og tætte partnerskaber med kræf-

ter uden for museets fire vægge. Nye alliancer giver os flere perspektiver og tilbyder os nye forståelsesrammer. Det er vigtigt, da det kan være svært selv at se, hvilke narrativer og forforståelser man cykler rundt i. Den amerikanske psykolog E. Sampson taler om faren for at operere med for mange implicitte standarter. Oftest har vi brug for de andres blik for at få øje på vores implicitte standarter. Ingen kan se sig selv bagfra. Hvis vi kun taler med os selv om os selv, risikerer vi at få gjort vores brugere, og måske også vores kolleger, til den tjenstvillige anden som er et andet begreb, jeg henter fra Sampson. Den tjenstvillige anden er en person, som vi indlejrer i vores eget reducerede univers i stedet for at se den anden som del af en vigtig lærende relation. Vigtigheden af at se den anden som en vigtig lærende relation var fx baggrunden for, at vi i 2012 satte os for at påbegynde et mere målrettet forløb med de praktikanter, vi hvert år får fra læreruddannelser, for herved at sikre et større tilbageløb af viden fra dem til os. Det var også i 2012, vi udviklede, afprøvede og evaluerede et stort pilotprojekt og undervisningsforløb: Kunstkatapult. Målet var at styrke en faglig dialog mellem skoler og museum, som sikrer, at museet inddrages som en fast læringsressource i skolernes årsplaner. Undervisningsforløbet blev til i samarbejde med lærere og elever fra forskellige skoler og en styregruppe med kompetente folk udefra med praktiske og teoretiske erfaringer fra forskellige fagfelter og institutioner. ULK, Unges Laboratorier for Kunst, har førertrøjen på, når det gælder årelang erfaring med at tænke i partnerskaber, co-produktioner og brugerinddragelse. ULK er et kreativt og socialt community for unge på SMK - online og onsite. Målet er at gøre kunst og museet tilgængeligt og inkluderende for alle unge. I 2012 samarbejdede ULK med Roskilde Festival, hvor kunstpiloterne sammen med festivalens brugere skabte en 104 meter lang tavlevæg, Tankeværk, og en flydende installation, Liquid Lounge. Typisk for ULK var projekterne fra begyndelsen tænkt dynamiske og med brugerne som medskabere. 2012 bød også på app’en TALES, som er udviklet af unge fra

Frederiksberg Bibliotek og kunstpiloter fra ULK. En af styrkerne ved ULK er for mig at se evnen til at fokusere på det midlertidige og sætte parentes om det institutionelle - uden af den grund at miste forbindelsen med sidstnævnte. ULK udfordrer også internt museets konformitet, hvilket giver os alle et større udfaldsrum. Et konkret eksempel på et internt samarbejdsprojekt i 2012 var udstillingen Gennemlyst. Det var første gang, museets unge kunstpiloter var medskabere af en udstilling på museet, og det stiller naturligt spørgsmålet om, hvad de bidrager med? Vores erfaring er, at de unge bidrager med viden om, hvad der er relevant i deres livsverden, og at de i dialog med os producerer ny viden, fx visuelt i form af nytænkende formidling og udstillingsdesign. De unge er med til at producere ny viden om, hvordan den forskningsbaserede viden kan blive en del af deres meningshorisont, eller bevidsthedslandskab, som Bruner ville sige, og dermed en del af deres identitet. Det er uvurderlig viden for ethvert museum, som interesserer sig for fremtidens publikum.

mig at se det kit, der får det hele til at hænge sammen. Hvis vi udvikler vores refleksive kompetencer, både internt og eksternt, øger vi sandsynligheden for, at vi lærer noget af at arbejde med læring, og at vi kompetenceudvikler os til at kunne gøre det, vi gør i dag, bedre i morgen. Den danske filosof, ledelsesteoretiker og professor ved CBS Ole Fogh Kirkebys begreb translokutionalitet betyder, at vi først ved, hvad ting betyder, når vi hører os selv sige det. Vi skal fortsat bestræbe os på skabe et læringsmiljø, hvor der er plads til betaversioner, og hvor spørgsmål er mindst ligeså relevante som svar. Det færdigevaluerede sprog rummer som allerede nævnt ikke meget læring. Sammen må vi træne forandringsmusklen og blive bedre til at se verden fra flere perspektiver. Hvis jeg blot flytter mig et felt på skakbrættet, ser verden anderledes ud. Hvilke felter på skakbrættet tilbyder vi hinanden, vores kunstpiloter, vores elever, praktikanter og samarbejdspartnere? Og hvilke felter på skakbrættet er slet ikke ledige? Ved konstant at reflektere over det, vi gør, etablerer vi et stadig større og nødvendigt mulighedsrum.

AT LÆRE AF AT ARBEJDE MED LÆRING Hvis vi aldrig kan være sikre på, at tiltag får det udfald, vi regner med (jf. Weicks sensemaking), hvis enhver udsigelse er kontekstafhængig (jf. Pearces talehandlinger), og samfundets hastige udvikling gør foranderlighed til eneste konstant, hvad har vi så overhovedet at holde fast i? Trods min manglende tro på kausale sammenhænge og forudsigbarhed er det vigtigt, at vi har et mål, når vi iværksætter læringsprocesser og skaber partnerskaber. Læring er for

DE SMÅ SEJRE Denne årbog har som formål at genstandsgøre den viden, som hverdagen producerer. Bogen er endnu et eksempel på, at vi skruer op for tingsliggørelsen. Modsat tendensen med at følge midler og ekstraordinære projekter er det en sjælden tilfredsstillelse at dvæle ved hverdagen, den daglige, konkrete praksis, og de forudsætninger, vi har for at diskutere og forstå den. Det er jo i den daglige praksis, de fleste møder

os. Det nærsynede perspektiv minder også om vigtigheden af at give noget så almindeligt som samtaler opmærksomhed. Måden, vi konstruerer samtaler på, har enorm betydning for, hvor vi kommer hen, som Peirce vil sige. Weick siger small wins, og der er al mulig grund til at fejre de små sejre. Det er ofte i detaljerne, de største forandringer bor. Denne årbog er på ingen måde en illustration af svarene på de mange spørgsmål, jeg rejser i artiklen. Den er snarere refleksioner over de dilemmaer og udfordringer, som feltets kompleksitet kaster af sig.

På den ene side skal vi honorere kravet om mange og målbare resultater, og på den anden side peger forskning og erfaring på, at de processer, hvor læring og kreativitet opstår, tager forholdsvis lang tid. I det daglige arbejde skal vi skabe rum for både tingsliggørelse og deltagelse, det emergente og det designede. Vi skal være lette at forstyrre, men samtidig modstandsdygtige. Årbogen er fuld af kvalificerede, konkrete bud på vores måder at tilgå udfordringerne på i 2012, men bogen rummer ingen entydige svar. Jeg tror dog på, at jo mere vi er i stand til at genstandsgøre og dele viden om vores felt, jo mere kvalificeret kan vi rammesætte, så der både bliver plads til stejle læringskurver, kontante resultatmål og langsigtet udvikling.

Litteraturliste Bruner, Jerome: Mening i handling, Klim, 2006 Gergen, Kenneth J. og Mary: Social konstruktion – ind i samtalen, Dansk Psykologisk Forlag, Kbh. 2005 Mikkelsen, Thea: Kreativitetens psykologi - hvad du som kreativ bør vide om dig selv og din psyke, Nyt Nordisk Forlag Arnold Busck, 2009 Molin, Jan: Organisation & ledelse – i et udviklingsperspektiv, Leading Capacity, 2003 Pearce, W. Barnett: Kommunikation og skabelse af sociale verdener, Dansk Psykologisk Forlag, 2007 Edward E. Sampson: Celebrating the Other: A Dialogic Account of Human Nature (Theoretical Imagination in Psychology), Harvester Wheatsheaf , 1993 Weick, Karl E.: Making Sense of the Organization, Blackwell Publishing, 2001 Weick, Karl E.: Sensemaking in Organisations, SAGE, 1995 Wenger, Etienne: Praksisfællesskaber, Hans Reitzels Forlag, 2006

14 15 COLLAGE, elevproduktion / COLLAGE, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

By Marianne Grymer Bargeman, Head of Unit – Children & Young People

WE LEARN IN RETROSPECT We learn in retrospect, says US professor and organisation theorist Karl Weick: ”Sensemaking is a retrospective process: Remembering and looking back are a primary source of meaning” (Weick: 1995: 11). This yearbook takes its inspiration from Weick and looks back at 2012 – focusing on children and young adults – in order to identify the learning outcome. The objective of this yearbook is not, then, to produce a simple celebratory piece of writing, but rather to share productive reflections with others based on our everyday practice. What approaches to learning and creativity infused our work in 2012, and what impact did this have? How did specific projects expand our repertoire in relation to our strategies concerning the interdisciplinary field of art and learning theory? How can we plan processes that best nurture learning and creativity? And how can we place all this within an organisational context and our everyday work?

Learning and creativity plays a major part in all our work at the Department for Children and Young People (“Børn og Unge”, hereinafter B&U). For this reason I will seek to describe how we understand the concepts in a little more detail here. Weick tells us that learning takes place in ways that are different from what we probably think. It happens from below, in retrospect, and is always associated with processes of interpretation. In other words people will always seek to attribute some kind of meaning to things – engaging in sensemaking – regardless of the sender’s original intention. If Weick is right it would be ludicrous to believe that every student in a class will derive the same benefits or impressions from a given educational course. This in turn presents special requirements in terms of how we structure learning processes in our teaching and in our organisation. Learning does not just take place in formalised situations; it takes place all the time and everywhere. Our perception of learning is closely associated with the theories and modes of thought to which we subscribe. I subscribe to the theory that the world is a social construct. Meaning and knowledge are not absolute and stable entities; rather, they are constructed 16

and deconstructed in a range of relationships and social processes. The US psychologist Kenneth Gergen puts it in these terms: “The basic idea of social construction may seem simple enough. But consider the consequences: if everything we consider real is socially constructed, then nothing is real unless people agree that it is”. (Gergen: 2009: 4). Thus, learning will always be part of a social process that takes place in a state of interaction with others. Knowledge, and the space in which knowledge is developed, is relational. Things have meaning depending on where I stand. We cannot say that the world simply is. Another theorist who I believe has made an important contribution to the discussion concerning the creation of meaning and learning is the US psychologist Jerome Bruner. One of Bruner’s key points is that we arrange and organise our perceptions of reality in narratives. According to Bruner our narrative thinking about ourselves and our surroundings has a structuring impact upon the way we understand the world. Bruner also accentuates the importance of speaking into and understanding each others’ landscapes of consciousness; if we do not, directions and requests are rarely followed up by the actions we would like to see. We all need some

kind of recognition; something on which to peg the new things we learn. Most of us have probably experienced how difficult it can be to learn or remember something that we cannot associate with anything familiar, with something that would help us understand its practical application. According to Bruner, meaning arises when our landscapes of consciousness and landscapes of action meet. The year 2012 saw the publication of the book Dialogue-based teaching. The Art Museum as a Learning Space. The book is written by the Head of School Programmes at SMK in co-operation with Line Esbjørn from Thorvaldsen Museum and Olga Dysthe, Professor Emiritus at the University of Bergen. The book makes a substantial and much-needed contribution to the field of education in a museum setting and is the result of a year-long project about museums and citizenship. It offers examples of how dialogue can help create the links, connections, and meaning that e.g. Bruner talks about. It also calls attention to the fact that insight and knowledge is often found in the spark created between two opposing poles. The creative potential of dialogue resides in the tension between different, “unequal voices”, as Olga Dysthe says, referring to the Russian theorist

of literature, language, and culture Mikhail Bakhtin and his concept of multivocedness. Learning is difficult to define. However, there seems to be widespread agreement that the processes that give rise to learning require relatively long time because we must access each other’s landscapes of consciousness, e.g. by means of narratives. However, time-consuming learning processes cannot always be reconciled with the prevailing conditions applying to cultural institutions today, where the demand for many and measurable results exert their constant pressure. For this reason we at B&U have spent much of 2012 reflecting on how to set up a framework that allows scope for results and processes alike. Before we take a closer look at specific examples from our teaching practices at the museum we will look closer at the concept of creativity; a concept that can be every bit as complex and elusive as learning.

CREATIVITY Thea Mikkelsen, a corporate psychologist and director of TRAC – Training and Resources for Advanced Creativity – states that we all possess creative potential, but “only those who know how to respond to ideas and dare to

put them into practice actually make use of their creativity.” (Mikkelsen: 2009: 13). Creativity and innovation is about being alert to the new, to the untested, and about having the courage to combine things in new ways. But creativity is not just about thinking in new and different terms. It is also about “setting targets”. According to Mikkelsen, the creative brain is characterised by ”knowing how to tap more widely into its resources and how to link the various centres in the brain with each other” (ibid: 32).

The notion that you are only creative when you are entirely free and unfettered is an example of a typical narrative of the kind that can so easily become canonised, preventing us from seeing anything else.

lational field. Some of the questions that we are currently very keen to explore are concerned with creativity. Where did we create space for what kinds of creativity? What interpretations do we read into the concept? And how do we structure creativity so that it can generate greater potential for the entire organisation? You can plan teaching, but not learning. Nevertheless there is good reason for seeking to establish processes that create a good framework for learning and creativity, including in organisational terms. This makes it a particular cause for celebration that the year 2012 was also the year where creativity was written into the museum’s vision, which now includes the ambition to support and strengthen “a more creative and reflective society that values its history and cherishes difference.”

TEACHING DESIGN However, creativity is not necessarily the same as free play; setting out a framework is every bit as important here as in other contexts. Working creatively requires time, immersion, method, planning, and objectives. The ability to come up with good ideas is not, then, a magical quality; rather, it is closely associated with hard work and the ability to work within a re-

Let us move on to the specific examples. For many years it was part of our self-image that the SMK would customise each teaching session on the basis of the visiting teacher’s wishes. In Bruner’s terms this was our canonised narrative. At first glance this offering seemed very generous and recipient-oriented, but a few years ago we had to acknowledge that this 17

approach required an awful lot of preparation, that the level of quality was too prone to variation, and that it all created a blurred and uncertain image of what the SMK stood for in terms of school programmes. In response to this we embarked on developing a range of basic one-hour sessions in collaboration with a group of teachers (specialising in the subjects of Danish, History, and Visual Arts) and students. The results of this work were: • • • •

Fewer, but more clearly defined teaching sessions Descriptions of each teaching session for teachers, including an account of the learning objectives supported by the specific session and its intended target group/age bracket Compendiums and themed collections of resources for the museum’s educators (articles, teaching materials, notes, etc.). A specific teaching design for each session. Based on collaborations with actual students the designs offer the museum educators suggestions on how to implement variation in forms of teaching such as dialogue, mini-lectures and practical-aesthetic learning processes. The purpose of this design is to achieve the multivoicedness, dialogue, active participation, and variation in forms of teaching that stand as central objectives for our school programmes.

The catalogue of basic one-hour teaching sessions means that teachers can no longer choose anything they like. But on the other hand we are certain that the product supplied is carefully tested and of high quality. The descriptions ensure that teachers and museum educators share the same expectations of what is going to happen, and the teaching design, compendiums, and themed collections of materials make it possible to speed up internal learning processes, making it easy to collect and share information. For many years now we have co-operated with the rhetorician Signe Hege18

lund in order to build the rhetorical skills of our museum guides and educators. In 2012 we expanded the scope of this collaboration to also include the 20 artists/architects working at the SMK workshops. They are in charge of the museum’s art school and of the workshops for schools that combine sessions in the exhibitions with workshop activities. To me, the central contribution that artists bring to an education context is the ability to view the world from fresh perspectives and to reaffirm students in trusting their initial impressions; their gut instincts. What is more, artists are generally good at making us aware of how the world is full of things that we overlook due to our own conviction that we already know it and the possibilities and meanings it contains. The workshops conducted with Signe Hegelund sought to foreground and explore the skill sets and literacies that artists contribute (what kind of ingredient is “the artistic”, anyway?). We also wanted to upgrade the museum’s work with longer-term workshop activities by introducing a sharper focus on each session. This is a general challenge for us when working with education. We would like to include everything, but we should endeavour to retain a single focus point to which everything relates. It is all about intentionality. One can sharpen one’s focus by taking a closer look at the issues of selection, order/sequence, and emphasis made in a course. For example, is the main point so evident in a given work of art that a simple question would do the trick, or is a mini-lecture called for? How can the creative work done at the workshop best reflect the overall theme of the teaching session, both in terms of form and content? By looking at each individual session in terms of the works of art selected, the dispositions made (what information goes where?) and creative/practicalaesthetic activities, we focus on the depth of learning rather than on its breadth. The book Dialogue-based Teaching. The Art Museum as a Learning Space also argues in favour of the importance of variation in forms of teaching.

The above provides examples of how we have improved the overall quality of our education activities while also establishing a framework that allows our educators to learn something quickly. However, it was always important to us to accentuate that the efforts made were about teaching design. The word “design” indicates that the various teaching sessions might well have been put together in different ways, and indeed the educators are encouraged to use whatever elements make sense to them and are appropriate to the teaching situation at hand, cf. Weick’s concept of sensemaking. Our objective is not to create robots. What we do want is to use a range of initiatives and tools to increase the potential for learning and new insights.

THE SMALLEST UNIT IS THE DYAD Creating teaching design and a good framework for learning in the teaching situation itself cannot stand alone. Work on learning is also an organisational challenge. According to Jan Molin, professor at CBS, the dyad, rather than the individual, constitutes the smallest unit from a relational point of view. The relationship between at least two players is the smallest – and most crucial – organisational element. According to Molin knowledge is not carried by individuals, but associated with the organisational context.

This makes it crucial to conceive of learning within a wider context. But how does one organise staff training? And how does one design learning processes that go the way you want them to go? On 1 April 2012 we ventured in a new direction by changing the terms of employment for the museum’s hourly paid educators and guides (excluding artists). Our objective was to create a strong framework for learning and an equally strong sense of belonging to a professional and social community, but we did not have the opportunity to infuse more funds into the area. Rather, on 1 April all guides and educators

became employed as student assistants rather than as freelancers. This meant that their hourly rates were reduced to a lower student rate, but in turn this made it possible to offer paid participation in meetings, learning days, educator workshops, partnerships, etc. The point of the change was to upgrade our educator and guide practice at SMK by creating better opportunities for skill raising and for involving student assistants in development projects. In this way we increase the likelihood of having them build a more wide-ranging professional and interdisciplinary identity that enables them to link up art historical knowledge and learning theory. The opportunity for involving student assistants in learning projects and in the development of everyday education practices at the museum creates a greater sense of ownership and commitment, it makes it easier to share knowledge, and it improves teaching practice overall. Making such a sharp distinction between guides and educators is a relatively new thing at SMK, but this move reflects another deliberate attempt at setting up a clear framework. Even though guided tours and teaching sessions share many traits, their contexts and objectives are very different.

A TOOL FOR REFLECTION In what follows we will look at the challenge of accommodating both results and processes from a more theoretical perspective. The Swiss educational theorist Etienne Wenger employs a model that can be useful in this context. His model shows a circle that encompasses a yin/ yang-like figure with “participation” on one side and “reificaton” on the other. The realm of participation is the site of commitment, involvement, thoughts, actions, and emotions. The realm of reification is the realm of e.g. contracts, procedures, and documents. According to Wenger many of us have a tendency to forget about reification, staying too long in the domain of participation instead. Participation and reification are not opposing entities, but according to Wenger there must be an appropriate

Using reification more by developing basic teaching sessions does not necessarily mean that we use participation less.

balance between the two. This is not a question of either-or, but of incorporating both. His model provides excellent food for thought, prompting deliberations on how we dose our work and on what kind of balance we want between what we can measure and objectify and what we cannot measure and predict. Our work with creating a catalogue of basic teaching sessions is a specific example of how we have increased our work on reification. This yearbook is another. And we could work even more specifically with targets (e.g. learning targets, statistics, and other forms of measurability) if we wanted to. Wenger very accurately states how the strength of reification and objectification resides in ”its succinctness, its portability, its potential physical persistence, its focusing effect” (61), but he also states that this is its weakness, too (Wenger: 1998: 76). Too much reification can keep activities locked in a specific form and create an illusion of control and stability. At worst our teaching design might become so objectified that it fails to engage people because it does not offer the richness of lived experience. Wenger’s model helps us appreciate the importance of establishing a clear framework and of being aware that we will achieve different things by increasing or decreasing our focus on different process technologies.

Everything is relevant, only not at the same time. READY-MADE DISCURSIVE REPERTOIRES One challenge applying to all education is the question of how to plan teaching sessions that are focused while also remaining open to the students’ landscape of experience, to necessary improvisation and to, if necessary, changing tack midway. Wenger offers another yin/ yang-model in which the concepts of reification and participation are replaced by the concepts “emergent” and “designed”. Once again the objective is to create a suitable balance between the predetermined and the negotiable. The point is not, then, to get rid of the emergent, but rather to include it and raise awareness of it as a possibility. If things are too predetermined, if everything is carefully designed to slot into place, the end effect is often that the student does not need to think at all; this is hardly the desired result. The British professor and discourse analyst Jonathan Potter and the social psychologist Margaret Wetherell speak of readymade discursive repertories (Potter & Wetherell, 1987), which offers no

meaning participation

forms

living in the world

experience

acting

interacting mutuality

point of focus

membership monuments projection

documents

world

instruments

reification

negotiation 19

Total visitors at SMK in 2012: 429.692

Number of visiting school classes: 1782 (37,882 students) Number of children visiting the workshops during weekends and holidays: 9,563 Number of children and young adults visiting SMK in 2012, total: 48,201 Number of young PEOPLE aged 14 to 29: 120,313 (28 % of all visitors).

handles and closes off the space for interpretation. For example, the use of PowerPoint presentations has an unfortunate tendency to being fully conceived without paying heed to the relationship into which it will enter. That is why PowerPoint presentations are rarely regarded as signalling interest in their recipients’ world. But on the other hand dialogue and study circles are not necessarily desirable in all contexts. The balance between openness and structure is discussed in depth in the book Dialogue-based Teaching. In all our education activities we now work concertedly to become better at presenting our intentionality explicitly and at carefully considering our invitations to offer up interpretations. When we open up a dialogue we must also set aside time to explore and challenge the pupils’ and students’ landscape of experience. Barnett Pearce (US) is among the educational theorists who have worked intensively with communication and with the creation of social worlds. According to him words have no meaning in themselves, but only uses within contexts. A speech act is always surrounded by episodes (something that precedes it), relations, identities, and culture/context. That is why we run the risk of our speech acts facility to have the effect we intended. Dialogue evades us, or the message is misunderstood. It is important to keep this point in mind in teaching situations, but also when entering into partnerships. Awareness that a speech act will never stand alone can promote co-operation, e.g. by heightening awareness of our own self-image and canonised narratives.

PARTNERSHIPS Part of the work on nurturing learn20

ing and creativity in 2012 was infused by a desire to enter into new and close co-operation with partners outside the museum itself. New alliances provide us with new perspectives. This is important, for it can be difficult to see the narratives and preconceptions that you may be bogged down by. The US psychologist E. Sampson speaks of the dangers of operating with too many implicit standards. We usually need the gaze of others to see our implicit standards. No-one can see themselves from the back. And if we only speak to ourselves about ourselves we run the risk of turning our users, and perhaps even our colleagues, into the serviceable other which is another concept borrowed from Sampson. The serviceable other is a person whom we embed in our own reduced universe instead of viewing them as part of an important learning relation. The importance of seeing the other as a key learning relation was the reason why 2012 also saw us embark on more targeted efforts aimed at the interns we receive every year from teacher’s colleges in order to ensure that more knowledge and reflections trickles back from them to us. In 2012 we also developed, tested, and evaluated a major pilot project and teaching programme: Kunstkatapult (“Art Catapult”). The objective was to enhance professional dialogue between schools and the museum in order to ensure that the museum is incorporated in school curricula as a regular resource for learning. The course evolved through co-operation with teachers and pupils from various schools and with input from a committee consisting of competent outside forces with practical and theoretical insights from various professions, fields of study, and institutions. The ulk Art Labs holds extensive

experience with thinking in terms of partnerships, co-productions, and user involvement. The ulk Art Labs consist of a creative and social community for young people at SMK – online and onsite. The objective is to make art and the museum accessible and relatable to all young people. In 2012 the ulk Art Labs cooperated with the Roskilde Festival, where the art pilots worked with festivalgoers to createTankeværk (“Thinking Work”), a 104-metre wall for writing on, as well as a liquid installation entitled Liquid Lounge. In a move typical of ulk the projects were envisioned as dynamic and with users as co-creators. 2012 also saw the emergence of the app TALES, which was developed by young people from the Frederiksberg Library and art pilots from ulk. To me, one of the major advantages of ulk resides in the ability to focus on the temporary and to place the institutional aspect in parenthesis – without losing its link to the institutional setting. The ulk Art Labs also challenge the museum internally, prompting us to resist conformity and giving us all a wider potential when reaching out. One concrete example of an internal collaborative project was provided by the 2012 exhibition Illuminated. This event marked the first time that the SMK’s young art pilots helped cocreate an exhibition at the museum, and this quite naturally raises the question of what they contribute? Our experience is that the young people contribute insights into what is relevant to their world, and they help generate new knowledge through their dialogue with us, e.g. visually in the form of innovative presentation and exhibition designs. The young people help generate new knowledge about how research-based information can become part of their outlook

– or landscape of consciousness, as Bruner would put it – and thus part of their identity. This is invaluable knowledge for any museum interested in the audiences of the future.

LEARNING FROM WORKING WITH LEARNING If we can never be certain that our initiatives have the effect we expect (cf. Weick’s sensemaking), if every utterance is contingent on its context (c.f. Pearce’s speech acts), and rapid developments in our society makes change the only constant, what can be hold on to? Despite my lack of faith in causal links and predictability it is important to have goals in mind when launching learning processes and creating partnerships. I regard learning as the glue that holds everything together. By developing our reflection skills internally and externally we increase the likelihood of learning something from working with learning, and of developing our competencies so that we will do what we do today even better tomorrow. The Danish philosopher, management theorist, and professor at CBS Ole Fogh Kirkeby uses a concept known as translocutionality, which means that we only know what things mean when we hear ourselves saying it. We should still endeavour to create a learning environment that can accommodate beta-versions and where questions are every bit as relevant as answers. As we have already dis-

cussed, ready-made discursive repertoires do not promote much learning. We must give added attention to our ability to handle change and become better at viewing the world from more perspectives. If I make just one move on the chessboard of life the world suddenly looks different. What positions on this chessboard are we offering each other, our art pilots, our pupils, interns, and partners? What positions are not available at all? By constantly reflecting on what we do we establish an ever larger and increasingly necessary field of opportunity.

THE SMALL WINS The purpose of this yearbook is to reify the knowledge generated by everyday life. The book is yet another example of an emphasis on reification. As a counterpoint to the overall trend of monitoring and following funds and extraordinary projects it is very satisfying to have this rare opportunity to dwell on everyday life, on our concrete practice and the preconditions for how we discuss and understand it. For it is as part of our everyday practice that most people encounter us. This intimate perspective also reminds us that we should pay attention to something as commonplace as conversations. The way in which we construct conversations has a tremendous impact on where we end up, as Peirce might put it. Weick uses the term small wins, and there

is every reason to celebrate the little victories. Often the greatest changes reside in details. This yearbook should in no way be regarded as an illustration of answers to the many questions and issues raised in this article. Rather, it should be viewed as a string of reflections on the dilemmas and challenges that this complex field presents.

On the one hand we must honour demands for many and measurable results, and on the other hand research and our experience tells us that the processes that prompt learning and creativity require relatively long periods of time. In our everyday work we must accommodate reification and participation, the emergent and the designed. We must be easily disrupted and receptive, but at the same time we must be robust. The yearbook is full of qualified and concrete examples of how we have approached the challenges in 2012, but it offers no definite answers. However, I do believe that the more we can reify and share knowledge about our field, the better we will be able to set up frameworks that will accommodate steep learning curves, stringent targets, and long-term development.

Literature Bruner, Jerome: Acts of Meaning, Harvard University Press, 1990. Gergen, Kenneth.J: An Invitation to Social Construction, 2009, Sage. Mikkelsen, Thea: Kreativitetens psykologi - hvad du som kreativ bør vide om dig selv og din psyke, Nyt Nordisk Forlag Arnold Busck, 2009 Molin, Jan: Organisation & ledelse – i et udviklingsperspektiv, Leading Capacity, 2003 Pearce, W. Barnett: Making social Worlds: A communication Perspective, Blackwell Publishing, 2007 Edward E. Sampson: Celebrating the Other: A Dialogic Account of Human Nature (Theoretical Imagination in Psychology), Harvester Wheatsheaf, 1993 Weick, Karl E.: Making Sense of the Organization, Blackwell Publishing, 2001 Weick, Karl E.: Sensemaking in Organisations, SAGE, 1995 Wenger, Etienne: Communities of practice. Learning, meaning and identity, Cambridge University Press, 1998

EN UGE PÅ SMK / A WEEK AT SMK

På de følgende sider viser vi et udsnit af B&U aktiviteter i en tilfældig uge på SMK / The following pages present a selection of B&U activities during a week at SMK

Kl. 10.15 Særudstilling: Hammershøi og Europa En 3. klasse deltager i et to-timers værkstedsforløb i særudstillingen Hammershøi og Europa. I værkstedet udforsker de kunstneren Vilhelm Hammershøis særlige gråtoneskala og udformer deres egne fortolkninger: Hvem mon bebor kunstnerens tomme rum? / 10.15 Special exhibition: Hammershøi and Europe A group of 3rd graders take part in a two-hour workshop session pertaining to the special exhibition Hammershøi and Europe. At the workshop they explore Vilhelm Hammershøi’s distinctive greyscale palette and come up with their own interpretations: Who lives in the artist’s empty rooms?

Kl. 10.15 Tema: Gisp, det er gips En gruppe gymnasieklasse besøger Den Kongelige Afstøbningssamling (KAS), hvor de bl.a. ser krigsguden Nike og fabeldyret Griffen. I det tilhørende gipsværksted laver de efterfølgende bevingede væsener.

COLLAGE, elevproduktion / COLLAGE, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

Kl. 10.15 Tema: Kroppen i kunsten En gymnasieklasse deltager i forløbet ”Kroppen i kunsten” i forbindelse med et tværfagligt forløb, der kobler billedkunst, historie og biologi. I forløbet undersøger de kunstnernes blik på kroppen. Her er muskuløse, tykke, tynde, langlemmede, korte og knoklede, indadvendte, imødekommende og sensuelle kroppe. Vi diskuterer, hvordan kropsidealer afhænger af tid og sted og af skiftende værdier og normer. / 10.15 Theme: Body in Art A group of upper secondary school students take part in the teaching session about representation of the “Body in Art” in connection with an interdisciplinary session that merges art, history, and biology. During the sequence they examine artist´s gaze on the body. Here they find muscular, fat, thin, long-limbed, short, bony, introvert, welcoming, and sensuous bodies. We discuss how notions about the ideal body are contingent on time and place and on changing values and norms.

Rummodel, elevproduktion / ARCHITECTURAL MODELS, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

foto: lea glob

TIRSDAG /TUESDAY

Kl. 10.15 Tema: Der var engang… En børnehave deltager i et en-times forløb med værksted. Her er fokus på de gode historier. Efter en halv time i museets sale går gruppen i værksteder og maler eventyrlige billeder. / 10.15 Theme: Once upon a time… A kindergarten group takes part in a onehour teaching session that includes a workshop session. The sequence focuses on good storytelling. After spending 30 minutes in the museum’s exhibition rooms the group enters the workshop to paint fairytale images.

Cornelis Cornelisz. van Haarlem: Titanernes fald / The Fall of the Titans (1588-1590)

/ 10.15 Theme: All About Plaster A group of upper secondary school students visit the Royal Collection of Plaster Casts (KAS), where they see e.g. the victory goddess Nike and a gryphon. Afterwards they sculpt winged beings at the plaster workshop.

Kl. 11.15 Tema: Mellem liv og død Et hold konfirmander deltager i et to-timers forløb. I fællesskab undersøger vi forskellige værker, der forholder sig til forholdet mellem liv og død. Den efterfølgende værkstedsaktivitet giver mulighed for at udforske grænserne mellem liv og død yderligere. Hver elev får to papplader og skaber hermed rum. Rummene repræsenterer henholdsvis livet og døden. Eleverne skal skabe en form for passage fra det ene rum til det andet. En trappe, et hul, en dør, en sprække? / 11.15 Theme: Between life and death A Confirmation class take part in a two-hour artist led workshop teaching sequence. Together we explore a range of works that address the relationship between life and death. The subsequent workshop activity offers additional scope for exploring the boundaries between life and death. Each student is given two cardboard sheets and will use them to create rooms or spaces. These spaces will represent life and death, respectively. The students must create some sort of passage from one room to the next. A staircase, a hole, a door, a crack? FOS: One Language Traveller (2012)

Kl. 12.15 Tema: Skulptur- og billedanalyse med fokus på installationer To svenske 9. klasser ser og diskuterer kunstens mangfoldige udtryk og arbejder efterfølgende i værkstedet med modeller af installationer. Modellerne fotograferes, da modeller er svære at transportere med tilbage til Sverige. / 12.15 Theme: Sculpture and Picture Analysis focusing on installation art A large group of Swedish 9th graders look at and discuss the many different modes of expression that art may take and then go on to work with models of installation art at the workshop. The models are photographed to provide a lasting memento; it would be difficult for the students to bring their models back to Sweden.

TIRSDAG / TUESDAY Kl. 11.15 Tema: Portræt, iscenesættelse og identitet – en fotoworkshop En gruppe tandteknikere fra Teknisk Skole deltager i 2½-times-workshoppen Portræt, iscenesættelse og identitet – en fotoworkshop. Med udgangspunkt i kunstværkerne arbejder eleverne med spørgsmål som: Hvad er identitet? Hvordan kan man iscenesætte sin egen og andres identitet? Sammen med museumsunderviseren udforsker de portrætter fra forskellige kunsthistoriske perioder, der repræsenterer forskellige medier og udtryksformer. Og ved hjælp af digitale kameraer skaber de i mindre grupper deres egne portrætter. / 11.15 Theme: Portrait, self-representation, and Identity – a Photo Workshop A group of dental technicians from a Technical College take part in the 2½- hour workshop Portrait, Presentation, and Identity – a Photo Workshop. Taking their point of departure in works of art the students address questions such as: What is identity? How may one present and stage one’s own identity – and the identity of others? Together with the museum educator the students explore portraits from various periods of art history, encompassing a range of different media and modes of expression. The students are divided into smaller groups to create their own portraits. Foto, elevproduktion / PHOTO, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

Kl. 14.45 Billedskole for de 6-8-årige og de 12-16-årige De yngste elever tegner lysekroner inspireret af kunstneren Danh Vos lysekrone. De ældste elever arbejder på deres individuelle opgaver i museets værksted.

Kl. 11.00 Besøg af Kronprinsparret, Prins Christian og Prinsesse Isabella Den kongelige familie vises rundt i den moderne samling og er efterfølgende i værkstedet, hvor der både males og laves skulpturer. Hele seancen optages af DR og skal senere bruges som indslag til Kronprinsparrets Kulturpris-overrækkelse. / 8.00 - 11.00 Visit from HRH Crown Prince Frederik, Crown Princess Mary, Prince Christian, and Princess Isabella The royal family are taken on a tour of the collection of modern art and subsequently visit the workshop where they paint and make sculptures. The entire session is filmed by DR, the Danish broadcasting corporation, and the footage will later be featured at the official ceremony for the Culture Award of the Crown Prince and Princess.

/ 14.45 Art Class for 6-8-year-olds and 9-12-year-olds The younger students draw chandeliers inspired by the artist Danh Vo’s chandelier. The older students will work on individual projects at the museum workshop. Danh Vo: 08:03:51, 28.05.2009 (2009)

Kl. 11.15 Tema: Kunst i kikkerten En 1. klasse deltager i et en-times forløb, hvor vi undersøger ældre og ny kunst, der prikker til vores fantasi og fortæller fantastiske historier. Ud over den umiddelbare oplevelse, udforsker vi også, hvordan man kan træne sit blik og undersøge kunsten nærmere. Vi bruger kikkerter til at skærpe blikket og rekvisitter som fx forskellige malede overflader til at sætte fokus på det taktile.

Tegninger, elevproduktion / DRAWINGS, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

/ 11.15 Theme: Zooming in on Art A group of 1st graders take part in a onehour session where we examine older and new art that awakens our imagination and tell fantastical stories. We also explore how you can train yourself to look more closely and explore art in greater detail. We use binoculars to hone our gaze and employ props, such as surfaces painted using different techniques and materials, in order to focus attention on questions of tactility.

RUMMODEL, elevproduktion / SCALE MODEL, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS 28

COLLAGE, elevproduktion / COLLAGE, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS 29

ONSDAG / WEDNESDAY

Andre Mantegna: Kristus som den lidende frelser /Christ as the Suffering Redeemer ( ca. 1495-1500)

Kl. 14.45 Billedskole for de 6-8-årige og de 9-12-årige Eleverne laver skulpturelle fluer i alverdens materialer. / 14.45 Art Class for 6-8-year-olds and 9-12-year-olds The students make sculptural insects out of a wealth of materials.

Kl. 10.15 Tema: Liv og død Et hold konfirmander deltager i et en-times forløb, hvor kunstneriske virkemidler og bibelske motiver er i centrum. Forløbet slutter med et samtidskunstværk af Elmgren og Dragset, og med afsæt i værket kommer nutidens problematikker vedr. valg, etik og menneskesyn til debat. / 10.15 Theme: Life and death A Confirmation class take part on a one-hour session that focuses on artistic devices and Biblical motifs. The session ends with a contemporary installation by Elmgren and Dragset, and this work is used as the basis for discussing contemporary issues regarding choice, ethics, and our view of human life.

Elmgreen og Dragset: Please, keep quiet!, 2003

skulptur, elevproduktion / SCulpture, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

Kl. 16.00 ULK Et hold på 29 kunstpiloter mødes i lab 01 sammen med Mimi Larsson fra Københavns Metro og Sofie Linde fra SMK’s Kommunikationsafdeling for sammen at kortlægge beboere og mennesker, der lever omkring de to metrohegn, SMK har fået tildelt. 15 andre piloter arbejder i grupper med personer efter sidste onsdags feltarbejde ved metrostationerne for at skræddersy workshops ved hegnene, der kan nå ud til både unge, børnefamilier og ældre. Dagens spørgsmål er: Hvilke rammer skal vi sætte, og hvordan skal vi sætte værkerne fra SMK i spil – digitalt / analogt? Hvilke temaer kan vi bruge fra SMK’s værker til at skabe relevans for brugerne? / 16.00 ULK Art Labs A team of 29 art pilots meet up at lab 01 together with Mimi Larsson from the Copenhagen Metro and Sofie Linde from the SMK Communication Department. Together, they map out the people inhabiting the area around the two metro fences allocated to the SMK. A total of 15 other pilots work in groups, following up on last Wednesday’s fieldwork at the metro stations in order to design on-site workshops capable of reaching young people, families with children, and older citizens. The question addressed today is: What sort of framework should we establish, and how should we put artworks from the SMK into play? By digital or analogue means? What themes in the SMK artworks can we draw on in order to make the project relevant to users?

TORSDAG / THURSDAY

Søren Jensen: Uden titel /Untitled (1985)

Kl. 11.15 Tema: Hånd i Hånd En 5. klasse har et to-timers forløb om fællesskaber. Vi ser og taler om forskellige værker, der har fællesskaber eller manglende fællesskaber i centrum. I værkstedet laver vi skulpturer. Opgaven består i at lave to figurer, der har et forhold til hinanden. Forholdet kan være godt, dårligt eller måske endda ligegyldigt. Kl. 10.15 Tema: Guldalder og det moderne gennembrud – idealisering og kritik En 8. klasse undersøger gennem værksamtaler og mindre gruppeøvelser den danske guldalderkunst og kunsten i det moderne gennembrud og bruger netop kontrasten mellem de to perioder til at skærpe blikket og forståelsen for, hvordan kunsten og samfundet ændrer sig. Forløbet varer en time. / 10.15 Theme: The Danish Golden Age and the Modern Breakthrough – Idealisation and Criticism A group of 8th graders use conversations about artworks and group activities to explore Danish Golden Age art and art from the Modern Breakthrough, using the contrast between the two periods to hone their gaze on and appreciation of how art and society changes. The session lasts an hour.

skulptur, elevproduktion / SCulpture, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

/ 11.15 Theme: Hand in Hand A group of 5th graders complete a two-hour session about community as a concept. We will look at and speak about a range of works that address a sense of community and togetherness – or lack thereof. At the workshop we will create sculptures. The objective is to create two figures which have some sort of relationship with each other. That relationship may be good, bad, or even indifferent Kl. 14.45 Billedskole for de 6-8-årige og de 9-12-årige De yngste elever laver pegasusser i gips og de store laver tårne i museets værksteder. / 14.45 Art Class for 6-8-year -olds and 9-12-year-olds The younger students make Pegasus figures out of plaster, while the older students make towers at the museum workshops.

FREDAG / FRIDAY Kl. 10.15 Tema: Årstider En børnehave deltager i et en-times forløb. Her er fokus på årstidernes foranderlighed. Efter en halv time i museets sale går gruppen i et af museets værksteder og arbejder med akvarel.

Kl. 10.15 Museologi og kuratering En gymnasieklasse deltager i et forløb, hvor vi diskuterer ophængningsprincipper på SMK, udstillingsanalyse og kuratorens og institutionens rolle. Eleverne laver deres egne udstillingskoncepter vha. rummodeller og nedskalerede billeder ligesom museets udstillingsteam gør det. / 10.15 Museology and Curating A group of upper secondary school students take part in a session where we discuss the presentation/hanging principles employed at the SMK, exhibition analysis, and the role played by the curator and institution. The students create their own exhibition concepts by means of scale models of exhibition rooms and scale pictures, just like the museum exhibition team does.

/ 10.15 Theme: The Four Seasons A kindergarten group takes part in a one-hour session focusing on the changing seasons. After spending half an hour in the museum’s exhibition rooms the group enters one of the museum workshops to work with watercolours.

Kl. 11.15 Kunstkatapult workshop 4 En 5. klasse deltager i forløbet Kunstkatapult, som er fordelt over fem forskellige, men sammenhængende workshops. I dag undersøger de sammen med en arkitekt rum og installationskunst og har bl.a. fokus på, hvordan forskellige rum påvirker os, mens de laver deres egne stemningsrum. / 11.15 Art Catapult workshop 4 A group of 5th graders take part in the Art Catapult education programme, which encompasses five different, but interlinked workshops. Today the students are joined by an architect as they study rooms, spaces, and installation art. The subjects addressed include how different rooms and spaces affect us, and the students create their own atmospheric spaces. Kl. 14.45 Billedskole for de 6-8-årige og de 9-12-årige De yngste elever laver maskebilleder og de ældste laver tryk/stempler. 14.45 Art Class for 6-8-yearolds and 9-12-year-olds The younger students make mask pictures while the older students create prints/ stamps.

Kl. 15.00 Børnefødselsdag med temaet prinser og prinsesser Kinga bliver fem år og har inviteret sine veninder til fødselsdagsfest på SMK. Efter en tur rundt på museet bliver der spist kage, drukket saftevand og arbejdet kreativt i værkstedet. / 15.00 Children’s Birthday: Princes and Princesses theme Kinga turns five today and has invited her friends to a birthday party at the SMK. After a tour of the museum the children have cake and lemonade and work creatively at the workshop.

Kirsten Justesen: Omstændigheder/Circumstances (1969)

Kl. 10.15 Tema: Kroppen i Kunsten En social- og sundhedsskole deltager i et to-timers forløb, hvor de ser forskellige værker og taler om seksualitet, alderdom, barndom og værdier. I værkstedet laver de collager, hvor der reflekteres over de samtaler, de havde foran værkerne. / 10.15 Theme: The Body in Art Students from a basic health care college take part in a two-hour sessions where they look at a range of works and talk about sexuality, ageing, childhood, and values. At the workshop they create collages reflecting on the experiences they had in front of the works.

FREDAG / FRIDAY

LØRDAG / SATURDAY

Kl. 10.15 Tema: Dyr i kunsten En gruppe store vuggestuebørn kommer på deres andet besøg på museet. En dukke, Karsten Kunst, er den gennemgående figur i begge forløb. Forløbet består af 25 minutter i museets samlinger og 25 minutter i værkstedet. I værkstedet laver børnene et pindsvin i fællesskab. / 10.15 Theme: Animals in Art A group of older crèche children (two-year olds) make their second visit to the museum. A puppet known as “Karsten Kunst” (“Archie Art”) is a recurring figure in both sessions. The sequence consists of 25 minutes in the museum collections and 25 minutes at the workshop. At the workshop the children co-operate to make a hedgehog.

Kl. 13.00 Tema: Guldalder og national identitet – en fotoworkshop En VUC-klasse deltager i forløbet ”Guldalder og national identitet – en fotoworkshop”. Hvad vil det sige at have en national identitet? Hvad er nationalfølelse, hvordan skabes den? Og hvordan kan kunsten tale med eller mod tanken om en fælles national identitet? Med afsæt i kunsten og i egne erfaringer giver eleverne gennem en fotoopgave deres bud på, hvad det vil sige at have en national identitet. / 13.00 Theme: The Golden Age of Danish Art and National Identity – A Photo Workshop A VUC class (mature students) take part in the teaching session ” The Golden Age of Danish Art and National Identity – A Photo Workshop”. What does it mean to have a national identity? How are national sentiments and patriotism created? And how can art speak in favour of or in opposition to the notion of a shared national identity? Taking their point of departure in works of art and in their own experience the students carry out a photographic assignment, offering their take on what it means to have a national identity.

/ 11.15 Theme: Picture and Sculpture Analysis A group of 7th graders take part in a two-hour workshop session where selected works of art are analysed and discussed. In the collection of Surrealist art the young people are divided into groups. They find works that they analyse, subsequently presenting their analyses to the rest of the class. At the workshop the class works with sculpture. A deliberately restricted selection of materials governs the activity.

/ 12.00 Children’s birthday: Fantasy David turns seven and has invited his friends to join him in viewing works of art featuring angels, swords, dragons, sneaking shadows, and surreal worlds. At the workshop the children have cake and lemonade and paint fantastic scenes. Erik Ortvad: Spildt mælk/ Spilt Milk, (1936)

Kl. 11.15 Tema: Billed- og skulpturanalyse En 7. klasse deltager i et to-timers forløb, hvor udvalgte værker analyseres og diskuteres. I den surrealistiske samling bliver de unge delt op i grupper. De finder værker, de efterfølgende analyserer og fremlægger for resten af klassen. I værkstedet laver klassen skulpturer. Et bevidst begrænset materialetilbud styrer aktiviteten.

sÆBEBOBLEBILLEDE / BUBBLE PICTURE

Kl. 12.00 Børnefødselsdag med temaet Fantasy David bliver syv og ser sammen med vennerne værker med engle, sværd, drager, snigende skygger og surreelle verdener. I værkstedet bliver der spist kage, drukket saftevand og malet fantasifulde malerier.

Kl. 10.30 Åbent værksted med temaet Tårne og spir I museets åbne værksted kan alle børn og unge arbejde kreativt i et hav af materialer. / 10.30 Open workshop: Towers and Spires At the museum’s open workshop all children and young adults can work creatively with an abundance of materials.

SØNDAG / SUNDAY Kl. 11.00 SØNDAG FOR BØRN på scenen med temaet ”Helt ude i skoven” Den første søndag i måneden er der søndag for børn. Denne søndag undersøger børnene i samarbejde med værkstedets kunstnere, hvad der sker helt ude i skoven. Her er ingen begrænsninger. Det er op til deltagerne i fællesskab at forme skovens liv.

Wilhelm Freddie: Sensibelt portræt/ Sensitive Portrait (1940)

/ 11.00 SUNDAY FOR CHILDREN on the Stage: “Out in the Forest” The first Sunday of the month is always Sunday For Children day at the SMK. This Sunday the children work with the workshop artists on exploring what goes on out in the forest. There are no limits. The participants will shape the forest and its inhabitants together.

Kl. 10.30 Åbent værksted med temaet portræt I museets åbne værksted kan alle børn og unge arbejde kreativt i et hav af materialer. / 10.30 Open workshop:portraits At the museum’s open workshop all children and young adults can work creatively with an abundance of materials.

Pieter Bruegel d.Æ.: Fastens strid med fastelavn / The Strife of Lent with Shrove-Tide (ca. 1550-1560)

Kl. 13.00 Børneomvisning i museets samlinger med tema om fastelavn og udklædning / 13.00 Guided tour for children Theme: Carnival and dressing up

UNDERVISNING / SCHOOL AND LEARNING PROGRAMMES

If you think education is expensive, try ignorance. Derek Bok

“ Som underviser er der kontant afregning. Det er hård træning i formidling. Eleverne trækker sig lynhurtigt, hvis jeg ikke kan få dem til at synes, at kunsten kan noget meningsfuldt, og at museet har noget til dem. At skabe rammer for, at eleverne erobrer museets rum og synes, at det også er deres, føles som det vigtigste i verden, når det lykkes!”. Annette Skov Ingfred Petersen, museumsunderviser og kunsthistoriestuderende

“ When you teach you get immediate responses. This is a tough crash-course on presentation skills. The students will back away in a flash if I fail to make them feel that art can do something meaningful and that the museum has something to offer them. To help students conquer the museum space and feel that it is theirs, too, feels like the most important thing in the world when you succeed!” Annette Skov Ingfred Petersen, museum educator and art history student

et komplekst felt

Vision og praksis i undervisningen på SMK

På SMK har vi en vision om at tilbyde undervisning af høj kvalitet med udgangspunkt i kunsten og i museets anderledes læringsrum. Vi ønsker at tilrettelægge processer, der øger sandsynligheden for, at læring finder sted. At oversætte denne vision til praksis forudsætter, at vi kortlægger vores felt og forholder os til alle vores interessenter. En helt klassisk kommunikationsmodel kan give et indblik i det felt, vi navigerer i:

MEDDELELSER

AFSENDERE

Museumsundervisere Fagligt blik og kompetencer Personlig tilgang og engagement

Undervisningssituationen Mødet mellem elever /de studerende, lærere/undervisere, museets rum, de enkelte kunstværker og museumsunderviseren.

SMK/ Børn & Unge Fx: Genstandsfelt: Den faste samling af 700 års kunst samt skiftende særudstillinger. Overordnede visioner for SMK (herunder rammeaftale med Kulturministeriet). Bl.a. vision om at omsætte museets samlinger af kunst fra død kapital til ny erkendelse og nye oplevelser. Og om at skabe rammer for kulturelt medborgerskab. Målsætning om målgruppeundersøgelser og brugerinddragelse. Læringsteoretisk udgangspunkt, herunder ideal om dialogbaseret undervisning og fokus på æstetiske læreprocesser. Skoletjenesten på Sjælland Fx: Vision om at tilbyde alle under uddannelse et personligt møde med historie, kultur, natur og kunst, og gennem mødet at styrke elevernes dannelse og faglige viden og medvirke til at give indsigt i kulturarven og i det moderne samfund. Vision om at tilrettelægge undervisning både før, under og efter museumsbesøget. Vision om målgruppedifferentieret undervisning. Vision om at mødet for den enkelte elev skal være nærværende, relevant og vedkommende.

MODTAGERE

Uddannelsesinstitutioner Fx: Grundskolen Gymnasiale ungdomsuddannelser VUC Læreruddannelser Universiteter Sprogskoler Lærere / undervisere Underlagt læreplaner og fagmål fra Undervisningsministeriet, årsplaner, særlige indsatsområder mv. Elever / studerende Klassetrin og fagligt niveau Læringsstile Erfaringer/livsverden/ personligt udgangspunkt

Som det fremgår af den lille model, befinder museumsundervisning og vores praksis sig i et komplekst felt, hvor mange parter og visioner skal tilgodeses. Dykker vi ned i enkeltdele, er det først og fremmest afgørende, at vi tilgodeser vores målgruppe: elever/ studerende og lærere/undervisere fra uddannelsesinstitutioner med forskellige læringsmål og forskelligt fagligt og personligt udgangspunkt. Herudover, som det fremgår af modellen, har vi på SMK en vision om, at eleverne/de studerende og deres lærere/undervisere oplever en dialogbaseret undervisningspraksis. For os betyder dét bl.a., at undervisningen er funderet på flerstemmighed og elevdeltagelse gennem en variation af undervisningsformer fra samtaler med eleverne og miniforedrag til praktisk-æstetiske øvelser og opgaver, der kan understøtte æstetiske læreprocesser. For at eksplicitere denne vision har vi bl.a. udviklet fem dialogiske principper, som grundlag for vores daglige praksis: • • • • •

At betragte viden og kommunikation som proces At prioritere elevernes/de studerendes personlige møde over den autoritative fortælling At etablere en undersøgende og flerstemmig praksis At skabe rum for legende snak At udøve en flerstemmig og enstemmig undervisning

I forlængelse af de dialogiske principper ligger også vores vision om at udnytte museet som ramme for kulturelt medborgerskab. I undervisningssammenhæng betyder det bl.a. at skabe rum for de mange stemmer, narrativer og fortolkninger, som mødet med kunsten kan igangsætte, og at skabe identifikationspunkter og relevans for alle elever/ studerende uanset kulturel og social baggrund. Én ting er disse grundlæggende visioner og med dem ønsket om at tilbyde undervisning af høj kvalitet på SMK. En anden ting er praksis! For hvordan sikrer vi de optimale rammer for, at vores visioner kan udfolde sig i den konkrete undervisningssituation på museet og i mødet med kunsten? Hvordan sikrer vi sammenhæng mellem vision og praksis?

For at sikre sammenhæng må vi først og fremmest forholde os til, hvordan vi samarbejder med vores målgruppe og brugere. Hvordan afstemmer vi vores undervisningstilbud med uddannelsesinstitutionernes behov? Dvs., hvordan sikrer vi, at vores undervisningstilbud er relevante i forhold til de læringsmål, uddannelserne skal leve op til? Hvordan tilrettelægger vi læringsprocesser og udnytter museet som et anderledes læringsrum? Et læringsrum, hvor eleverne/de studerende møder kunsten i al sin mangfoldighed, uforståelighed, skønhed og grimhed. Hvor der ikke er klare facitlister, men hvor elevernes/de studerendes mange stemmer konfronteres med hinanden og med museets kunstfaglige stemmer gennem en undersøgende, flerstemmig og gerne legende praksis, hvor viden genereres i fællesskab. Hvor vi anerkender, at hverken børn eller voksne lærer på én måde, men gennem mange forskellige læringsstile, og at vi alle har et forskelligt fagligt og personligt udgangspunkt. Herudover må vi forholde os til, hvem der varetager undervisningen og skal klædes på til at efterleve vores visioner. Undervisningen på SMK varetages af ca. 35 museumsundervisere med mange forskellige fagligheder; fra akademiuddannede kunstnere til studerende i fag som kunsthistorie, moderne kultur, antropologi, historie, kommunikation og materiel kultur fra både DPU, Institut for Dannelse og Pædagogik, Københavns Universitet og RUC. Bredden i fagligheder er en styrke. Det giver mulighed for, at vi kan tilgå kunsten og det faglige stof i vores museumsundervisning på mange forskellige, kvalificerede måder. Og det skaber grobund for et stærkt og inspirerende læringsmiljø på museet. Desuden er museumsundervisning i sig selv et flerfagligt felt, hvor den enkeltes fagfaglighed og en pædagogisk faglighed skal gå hånd i hånd. Men hvordan navigerer vi bedst muligt i det komplekse flerfaglige felt? Hvordan kan vi oplære og løbende videreuddanne vores undervisere, så der både skabes rum for den enkelte undervisers faglige styrker og for den fælles vision om dialogiske principper, kulturelt medborgerskab og visionen om at tilgodese uddannelsesinstitutionerne og deres elever/studerende og lærere/undervisere? Hvordan kan vi

klæde vores undervisere på til – med konkrete læringsmål for øje – at etablere en dialogisk atmosfære med en gruppe elever/studerende og lærere/ undervisere, de møder for første gang og ofte kun i mellem en og fire timer? Hvordan sikrer vi en løbende kompetenceudvikling og flow i en tid, hvor studerende skal hurtigere og hurtigere igennem studiet? Ovenstående er blot et par af de spørgsmål, som præger vores felt og udviklingen af vores daglige undervisningspraksis, og som vi har haft særligt fokus på de sidste par år. Vi vil her komme med eksempler på, hvordan vi har sat rammerne og samtidig pointere, at det er et arbejde i evig proces i dialog med vores brugere og vores undervisere og, som det fremgår af modellen, et arbejde, der skal ses i sammenhæng med overordnede visioner for SMK og for Skoletjenesten på Sjælland.

Rammer for undervisning på SMK For at arbejde systematisk med vores vision og daglige praksis har vi udviklet en ramme omkring vores undervisningsforløb. Dele af den er udviklet på baggrund af brugerundersøgelser og samarbejde med uddannelsesinstitutionerne. Andre dele er udviklet på baggrund af undersøgelser af de behov, man har som både ny og erfaren museumsunderviser. Rammen om den daglige undervisningspraksis udmønter sig udadtil i en række faste undervisningstilbud målrettet forskellige uddannelsesinstitutioner og læringsmål. Internt i B&U udmønter rammen sig i et system, der skaber transparens om vores visioner og krav til undervisningen, og som tillader alle museumsundervisere at deltage i udviklingen af undervisning og dermed giver underviserne ansvar og ejerskab – og som forhåbentlig i sidste ende sikrer en større sammenhæng mellem vision og praksis. Rammen består af: • • • • •

Forløbsbeskrivelser med læringsmål Øvelser og materialer Undervisningsdesign i kompendier og emnemapper Oplæringsforløb Løbende kompetenceudvikling

Vision og praksis i undervisningen på SMK

FORLØBSBESKRIVELSER MED LÆRINGSMÅL Forløbsbeskrivelsen sætter en faglig ramme om vores undervisningsforløb og skal gerne sikre forventningsafstemning mellem lærer/underviser og museumsunderviseren. Vi arbejder hen imod, at en forløbsbeskrivelse er udarbejdet til alle faste forløb, der tager udgangspunkt i museets samling af 700 års kunst samt forløb i særudstillinger. Forløbsbeskrivelsen skitserer netop rammen om forløbet (fx et tema, en kunsthistorisk periode) og indeholder en liste over de læringsmål, forløbet understøtter. Forløbsbeskrivelserne udvikles efter afprøvning og evaluering af undervisningsforløbene med vores målgrupper. Ved booking af undervisning modtager både lærer/underviser og museumsunderviser en forløbsbeskrivelse. De har dermed et fælles udgangspunkt for undervisningen.

UNDERVISNINGSDESIGN I KOMPENDIER OG EMNEMAPPER I samarbejde med museumsunderviserne udvikler vi løbende kompendie- og emnemapper til alle faste undervisningsforløb, vi udbyder på museet. Kompendierne har to formål: I) At sikre, at museumsunderviserne ikke skal opfinde den dybe tallerken igen og igen, men får vejledning og råd om de enkelte forløb, bl.a. ved hjælp af undervisningsdesign. II) At sikre en grad af styring og sikre, at der (synligt) stilles krav til undervisergruppen. Et kompendium består af: Forløbsbeskrivelser med læringsmål. Kort beskrivelse af forløbets faglige ramme og læringsmål. Info-ark OM MÅLGRUPPER. Info-arkene er udarbejdet på baggrund af samarbejde med lærere/undervisere og grundig læsning af læreplaner. De beskriver, hvad man skal være opmærksom på, når man står over for de forskellige klassetrin, og hvilke greb, man kan bruge for at imødekomme grupperne. Arkene skal dels hjælpe museumsunderviseren med at forberede sig på de forskellige målgrupper samt afspejle, at det er afgørende og forventet, at man som underviser tænker målgruppens læringsmål og forudsætninger ind i planlægningen af et forløb. Undervisningsdesign. Et eksempel på, hvordan et forløb kan se ud. Vores undervisningsdesign er bygget op omkring den klassiske didaktiske model HVAD-HVORDAN-HVORFOR og afspejler dermed både refleksion over forløbets konkrete aktiviteter (hvad og hvordan) og den bagvedliggende pædagogiske og faglige hensigt (hvorfor). Designet er afprøvet og evalueret med testklasser og dermed et solidt fundament for videre bearbejdelse og inspiration. Det er ikke en statisk størrelse, men en hjælp til at strukturere et undervisningsforløb og reflektere over, hvordan oplevelsen af det enkelte kunstværk bruges som udgangspunkt for forløbets faglige diskussioner. Undervisningsdesign gentænkes kontinuerligt før, under og efter forløbene afhængigt af museumsunderviser, målgruppe etc. Værkliste med billedeksempler. En billedoversigt med kunstværker fra SMK’s samling, der med fordel kan bruges i undervisningsforløbet. SMK’s samling af kunst er stor, og det kan som både ny og erfaren underviser være svært at overskue, hvilke værker der har særlig relevans for de forskellige forløb. Artikler. 2-3 artikler med god basisviden om forløbet er valgt ud og kan bruges som udgangspunkt for videre læsning og research fx i såkaldte emnemapper. Ligesom kompendier knyttes en emnemappe til alle faste forløb. EMNEMAPPER er en ”fyld-i-mappe” og en fælles vidensbank, der hele tiden udbygges af museumsunderviserne. Emnemappen finder sin styrke i at være fokuseret om ét område og samler relevant viden til de specifikke undervisningsforløb. Mapperne indeholder en notebank (med undervisernes egne noter til inspiration for alle), undervisningsmaterialer fra andre museer, kulturinstitutioner og læreanstalter, artikler fra fagbøger mv.

Vision og praksis i undervisningen på SMK

OPLÆRINGSFORLØB I arbejdet med at skabe sammenhæng mellem vision og daglig praksis har vi de sidste par år sat særlig fokus på oplæring af nye undervisere: Hvordan sikrer vi en oplæring, som klæder nye undervisere på i forhold til SMK’s/Skoletjenestens visioner og feltets flerfaglighed; kunstfagligheden, den enkeltes fagfaglighed og den pædagogiske praksis? Og som ikke mindst gør opmærksom på vores målgruppes, uddannelsesinstitutionernes, virkelighed. Hvordan kan vi fra første færd opfordre og inspirere til løbende refleksion over praksis? Vi har sat oplæringen i system med dette program:

3 introdage. Nye undervisere introduceres for praktiske og faglige forhold ved museet som hus og ved jobbet som museumsunderviser. Der arbejdes praktisk med vision og praksis for museumsundervisning på SMK, fx ved afprøvning af øvelser og refleksion over læringsprocesser. Gå med erfarne undervisere. Før første soloforløb observerer nye undervisere undervisningsforløb varetaget af erfarne undervisere for at få indblik i undervisningsforløbenes praktiske og faglige forhold. Første supervision. Når underviserne har varetaget en række forløb, observerer museets undervisningsog udviklingsansvarlige et undervisningsforløb og giver mundtlig og skriftlig feedback. Fokuspunkter og retningslinjer for supervisionen defineres på forhånd. Underviserne opfordres også til selv at overveje, om de har særlige ønsker til supervisionen.

“På værkstedet får man mulighed for at snuse til en kreativ fordybelse med et bredt spektrum af materialer. Man lærer og husker bedre, hvis man har gjort tingene selv”. Cecilia Westerberg – billedkunstner tilknyttet værkstedet

LØBENDE KOMPETENCEUDVIKLING For løbende at fokusere på kompetenceudvikling afholder vi bl.a. underviserworkshops 2-3 gange hvert halve år, hvor der arbejdes praktisk og teoretisk med museumsundervisningen. Et eksempel på kompetenceudvikling er også partnerskaber. Her indgår museumsunderviserne partnerskaber med hinanden. Alle undervisere finder en makker og observerer og diskuterer hinandens forløb. Vi vælger et fokus for partnerskaberne, fx refleksion over, hvordan det lykkes (eller hvorfor det ikke lykkes) at skabe flerstemmighed i et undervisningsforløb. Vi udvikler spørgsmål, der knytter sig til undervisningssituationen, som underviserne tager udgangspunkt i og diskuterer med hinanden. Man kan i et partnerskab også vælge at tage udgangspunkt i noget, man har svært ved, eller som man gerne vil udvikle. Der følges op på partnerskaberne til underviserworkshops. I 2012 har vi i partnerskaberne haft fokus på flerstemmighed, aktiv deltagelse og variation. Vi tilbyder også vores undervisere at deltage i Skoletjenestens underviserkurser. Og i 2013 planlægger vi besøg ud af huset med afprøvning af undervisningsforløb på andre museer for på denne måde at få inspiration og i fællesskab reflektere over anderledes tilgange til museumsundervisning. For at skabe transparens ift. ledelsens visioner for udviklingen af daglig praksis og ikke mindst for at invitere underviserne til at være ansvarlige deltagere i arbejdet med undervisningen på museet, tilrettelægger vi halvårsprogrammer for kompetenceudviklingen. Vi planlægger og synliggør dermed, hvad vi netop dette halvår vil fokusere på i vores workshops og reflektere over i vores praksis. Således bliver det transparent, hvor i processerne, vi befinder os, hvor vi kommer fra, og hvor vi er på vej hen. Vores ønske er at synliggøre, hvordan et underviserjob på SMK også er en løbende kompetenceudvikling.

ØVELSER, VÆRKSTEDSAKTIVITETER OG MATERIALER En stor del af vores daglige praksis handler om at udvikle og afprøve øvelser og materialer til brug i selve undervisningssituationen.

En øvelse kan være alt fra større praktiske opgaver med digitalkamera eller limpistoler til mindre øvelser som skitsetegning, processkrivning, diskussionsoplæg og kropslige og sanselige udfoldelser. Vi bruger dem til at understøtte undersøgende, flerstemmige, kreative og legende læringsprocesser, og de er dermed et redskab til at efterleve vores dialogiske principper. Vi vil netop ved hjælp af øvelserne skabe et fælles rum for undersøgelse, hvor elevernes/de studerendes stemmer og personlige møder med kunsten kommer i spil. Vi udvikler øvelser og materialer, der kan noget forskelligt alt efter faglig og pædagogisk hensigt. Nogle øvelser er udviklet med henblik på at inddrage elevernes/ de studerendes erfarings- og livsverden, så der skabes relevans for dem. Andre øvelser bruger vi til at skærpe elevernes/de studerendes egne sanser og iagttagelsesevner. Mange af øvelserne giver en ”tænkepause” og en pause fra den verbale formidling. I det hele taget bruger vi øvelserne til at skabe variation i undervisningen. Vi vil gerne sætte museets faglige viden i spil, men samtidigt anvise flere veje ind i kunsten og imødekomme, at eleverne/de studerende har et forskelligt fagligt og personligt udgangspunkt og forskellige læringsstile.

Med øvelserne vil vi skabe bedre forudsætninger for, at flere læringsstile aktiveres, så eleverne/de studerende kan undersøge kunstværkerne gennem praktisk arbejde, kropsligt, taktilt, visuelt osv. For at strukturere arbejdet og synliggøre refleksionen over den enkelte øvelse har vi udviklet et skema, der beskriver afprøvede øvelser, museumsunderviserne kan bruge. Skemaet består af:

• Øvelsens navn • Målgruppe • Forløb/emner/værker, øvelsen er særligt egnet til • Tid • Hensigt med øvelsen/pædagogisk sigte • Beskrivelse af øvelse • Praktisk info Museumsundervisere og ansvarlige udvikler, afprøver og evaluerer løbende øvelser målrettet alle uddannelsestrin og fokuseret omkring museets forskellige kunstværker.

“Som underviser på SMK er der rum for at eksperimentere og udvikle kompetencer både som formidler og som kunsthistoriker”. Christine Tommerup, museumsunderviser og kunsthistoriestuderende

“As a museum educator at SMK I have opportunities for experimenting and developing my competencies as an educator and as an art historian”. Christine Tommerup museum educator and art history student

Vision and Practice in Teaching at SMK

At the SMK we have a vision of offering high-quality teaching that takes its point of departure in art and in the alternative learning space provided by the museum setting. We want to plan processes that increase the potential for learning. Translating this vision into actual practice requires us to carefully chart the field in which we operate and to relate to all stakeholders. A classic communication model can offer some insight into the field in which we navigate:

SENDERS

The Teaching Situation Encounters between students, teachers, the museum setting, works of art, and the museum educator.

Museum educators Professional approach and competencies Personal approach and commitment SMK / B&U E.g.: Field of study: The collections spanning 700 years of art and the various special exhibitions. Overall vision for the SMK (including framework agreement with the Ministry of Culture). This includes a vision of translating the museum’s collections from inert capital into new awareness and new experiences. And a vision of creating a framework for cultural citizenship. Objectives concerning target group analyses and user involvement. Learning theory as a point of departure, including dialogue-based teaching as the ideal. Skoletjenesten/Education Centre (A public organisation that collaborates with a number of museums and educaitonal institutions in Denmark, incl. SMK) E.g.: A vision of offering all students a personal encounter with history, culture, nature, and art, thereby strengthening their personal bildung or self-formation and academic knowledge and helping to provide them with insight into our cultural heritage and modern society. A vision of planning teaching activities prior to, during, and after the visit to the museum. A vision of differentiated teaching to match different target groups. A vision of making the encounter relevant and reletable for each student.

A COMPLEX FIELD

MESSAGES

RECEIVERS

Educational Institutions E.g.: Primary and lower secondary education Upper secondary education VUC (Adult education) Teacher’s Education colleges Universities Language schools Teachers Must observe curriculums and specified learning outcomes from the Danish Ministry of Education, annual plans, special focus areas, etc. Students Class level/academic level, learning styles, experiences/personal point of departure

As the model shows, museum education and our practice occupies a complex field where many stakeholders and visions must be accommodated. If we consider individual parts it is particularly crucial for us to accommodate our target group: students and teachers from educational institutions with different objectives and different academic and personal points of departure. As the model shows the SMK also has a vision stipulating that students and their teachers/educators should experience a dialogue-based education practice at the SMK. To us this entails, among other things, that the teaching is based on multivoicedness and student participation by employing several different forms of teaching, ranging from conversations with students and mini-lectures to practical-aesthetic activities that support aesthetic learning processes. In order to make this vision clearly explicit we have developed five principles of dialogue to serve as the basis for our everyday practice: • •

• • •

To regard knowledge and communication as a process To prioritise the students’ personal encounters above authoritative narratives To establish an exploratory and multi-voiced practice To create a space for playful talk To engage in multivoiced and single-voiced education activities

The principles of dialogue also underpin our vision about utilising the museum as a framework for cultural citizenship. In an education context this involves allowing space for the many voices, narratives, and interpretations that an encounter with art can prompt, and to create points of identification and relevance for all students irrespective of their cultural and social background. These fundamental visions and the accompanying desire to offer high-quality education activities at SMK are one thing. But actual practice is quite another! How do we establish the optimum framework for having our visions unfold themselves in the specific teaching situation at the museum and in the encounter with art? How do we ensure a correlation between vision and practice? Answering this question requires us to consider how we co-operate with our target group and users. How do we correlate our education activities with the educational institutions’ actual needs? How do we ensure that our offerings are relevant in relation to the learning objectives that the institutions must meet? How do we best plan our learning processes and utilise the museum as an alternative learning space? A learning space where students meet the world of art in all its variety, complexity, obscurity, beauty, and hideousness. A space without fixed answers, but one where the students’ many voices are confronted with each other and with the voices of museum professionals

through an exploratory, multivoiced, and playful practice where knowledge is generated together. And where we recognise that neither children nor adults learn in just one single way, but via many different learning styles, and that each of us have different academic, professional, and personal points of departure. We must also consider the question of who carries out the teaching, i.e. who must be equipped to translate our visions into real life. Education at the SMK is carried out by approximately 35 museum educators who come from different professional and academic backgrounds; ranging from academytrained artists to university students reading subjects such as art history, modern culture, anthropology, history, communication, and material culture; these students come from institutions such as the Department for Education (DPU) at Aarhus University, the University of Copenhagen, and RUC, Roskilde University. The wide range of academic disciplines represented is an advantage. It allows us to approach art and academic subject matter in many different, qualified ways. It also creates fertile soil for a strong and inspirational learning environment at the museum. What is more, museum education is in itself an interdisciplinary field where each individual’s academic qualifications and experiences and skills as an educator must go hand in hand. But how can we best navigate such a complex interdisciplinary 55

TEACHING DESIGN IN COMPENDIUMS AND FOLDERS

Vision and Practice in Teaching at SMK

field? How can we create a framework for the educators to reflect on their own practice, and how can we train the museum educators in a way that accommodates each educator’s particular academic qualifications as well as the shared vision about dialogue, cultural citizenship, and the vision of catering to educational institutions and their students and teachers/educators? How can we – with specific learning objectives in mind – equip our educators to establish an atmosphere conducive to dialogue with a group of students and teachers they have never met before and often only interact with for one to four hours? How do we ensure ongoing competency development/staff training and flow at a time when students in Denmark are required to complete their studies at increasingly rapid rates? The above are only a few of the questions relevant to our field of work and to the development of our everyday education practice; questions that

we have been particularly attentive to in recent years. In what follows we will provide examples of how we have established the framework, and at the same time we will point out how this work is continually ongoing; a ceaseless process conducted in an ongoing dialogue with our users and educators. As the model shows this work should be considered within the context of the overall visions for the SMK and for the Skoletjenesten/Education Centre.

Framework for teaching at SMK In order to work systematically with our vision and everyday practice we have developed a framework for our school programmes. Parts of it were developed on the basis of user studies and collaboration with schools. Other parts were developed on the basis of studies of what new and experienced museum educators need in their work. Externally the framework surrounding our everyday education practice is evident in a range of teaching sessions targeted to different educational insti-

Together with the museum educators we regularly develop compendiums and folders for all the teaching sessions offered at the museum. The compendiums serve two objectives: I) To ensure that museum educators are not required to start from scratch repeatedly, but are provided with concrete materials and advice on how to complete individual sessions, e.g. by means of the teaching design tool. II) To ensure transparency concerning the requirements of the educator group and a certain degree of control concerning the overall learning objectives of a teaching session. A compendium comprises:

tutions and learning outcomes. Internally at B&U the framework prompts a system that creates transparency, both as regards our visions and our requirements pertaining to the teaching, and which allows all museum educators to take part in the development of teaching sessions and projects, thereby giving them greater responsibility and ownership. We hope that the framework will ultimately ensure greater consistency between vision and practice. The framework consists of the following: •

•

• • • •

Descriptions of teaching sessions, including learning goals (subject goals and didactic goals) Teaching design reflected in compendiums and folders (themed collections of resources). Practical-aesthetic activities and materials Introductory sequence for museum educators Ongoing competency development/staff training

Descriptions of the teaching session including learning goals. A brief description of the session framework and intended learning outcomes. Information sheets ABOUT TARGET GROUPS. The information sheets are based on co-operation with teachers and on close reading of learning plans. They describe what museum educators should be aware of when facing different age groups and a range of tools and devices that educators can use to cater to each group. The sheets are intended to: I) help the museum educator prepare for teaching the various target groups. II) reflect that the museum expects educators to consider the target group’s learning outcomes and qualifications when planning an education sequence.

DESCRIPTIONS OF TEACHING SESSIONS WITH LEARNING GOALS The descriptions establish a professional and academic framework around our education programmes and will help ensure that visiting teachers and museum educators are on the same page and share the same expectations. We are working towards having descriptions for all basic teaching sessions based in the museum’s collections of 700 years of art as well as sessions based on special exhibitions. The description outlines the relevant framework (e.g. a specific theme or period from art history) and includes a list of the learning goals supported by the sequence – both subject goals and didactic goals. The descriptions are developed in connection with tests and evaluations of the teaching sessions carried out with our target groups. When booking a teaching session the teacher and museum educator will both receive a description of the session. This gives them a common point of departure for the teaching situation.

Teaching design. An example of what a teaching session might look like. Our teaching designs is based on the classic didactic model WHAT-HOW-WHY, which means that it reflects the specific activities (what and how) as well as the underlying educational intentions (why). The designs have been tested and evaluated by test classes, which has ensured solid foundations for ongoing development and inspiration. The teaching design is not static, but should be regarded as a tool for structuring a teaching session and for reflecting on how the student’s perception of works of art can be used as the starting point for discussion. The teaching design is continually considered and reconsidered before, during, and after the sessions depending on the museum educator and target group involved, etc. List of artworks. A pictorial overview of works of art from the SMK collection. The SMK’s collection of art is very comprehensive, and new and experienced art educators may both benefit from an overview of works that are particularly relevant to each teaching session. Articles. The compendium includes two or three articles that provide good basic knowledge about the teaching session and can be used as the point of departure for further reading and research, e.g. in the associated folders. All basic teaching sessions also have their own folder. These folders constitute a shared knowledge bank that is regularly expanded by the museum educators as they add more materials. The folder focuses on a single subject and contains information and knowledge relevant to each specific teaching session. The folders include a notes bank (containing the museum educators’ own notes to serve as inspiration to everyone), teaching materials from other museums, cultural institutions, and schools, articles from textbooks, etc.

Vision and Practice in Teaching at SMK

PRACTICAL-AESTHETIC ACTIVITIES AND MATERIALS Much of our everyday practice is about developing and testing activities and materials to be used in the teaching situation itself. An activity can be anything from a major practical task involving digital cameras or glue guns to less extensive activities based on e.g. sketching, process descriptions, discussion, and bodily expression. The activities can be based on individual work or group work. We use the activities to support exploratory, multivoiced, creative, and playful learning processes, which makes them a tool that helps us translate our principles of dialogue into practice. By means of the activities we wish to create a collective/shared room for study where the students’ voices and personal encounters with art are brought into play. We develop activities and materials that emphasise different approaches to visual arts and different learning styles depending on the intended goals in terms of subject matter and overall didactic goals. Some activities were developed with a view to incorporating the student’s own experiences and horizon, making the subject matter relevant to them. Other activities are used to hone the students’ visual literacies and sensory approaches. Many of the activities offer a “break” from verbal communication. Overall we use the activities to provide variety in our teaching. We certainly wish to bring the museum’s art historical and theoretical knowledge into play, but at the same time we also wish to point to the possibility of approaching art in many ways and through many narratives and to accommodate the fact that the students have different points of departure and different learning styles. The objective of the activities is to activate more learning styles in order to allow students to explore the works of art through practical-aesthetic work: physical, tactile, visual, etc. In order to structure the work and render explicit our thoughts and reflections behind smaller-scale activities we have developed a form which describes the tried-andtested activities that museum educators can use. The form comprises the following: • Name of the activity • Target group • Teaching sessions/subjects/works of art for which this activity is particularly suitable • Time frame • Objective behind the activity/potential learning outcome • Activity description • Practical information Museum educators will regularly develop and evaluate activities targeted at all age groups and focusing on the museum’s different artworks in collaboration with the head of shool programmes.

INTRODUCTORY SEQUENCE In recent years our work on ensuring a firm connection between vision and everyday practice has placed particular emphasis on training new museum educators: How do we ensure that their training properly equips new educators as regards the SMK and the Skoletjenesten/Education Centre visions and the interdisciplinary nature of the field (which comprises art as a field of study in itself, the individual museum educator’s professional and academic background, and learning-theory principles)? Also, and very importantly, we must call attention to the reality experienced by our target group: educational institutions. How can we encourage and inspire ongoing reflection on actual practice right from the outset? We have systematised our training with this programme: 3 introductory days. New museum educators are introduced to practical, professional, and academic aspects of the museum itself and of the job as museum educator. We address visions and practices pertaining to museum education at the SMK, e.g. by trying out activities in galleries and by reflecting on learning processes. Observing experienced educators. Before facing the teaching situation themselves, new museum educators will observe teaching sessions conducted by experienced museum educators in order to gain insight into the didactic issues associated with such sequences. First supervision. Once the museum educators have carried out a number of teaching sessions the museum’s Curator - School and Learning Programmes will supervise a teaching session and offer oral and written feedback. Focus points and guidelines for the supervision will be defined in advance. The educators are also encouraged to consider whether they have special requests regarding the supervision.

ONGOING COMPETENCY DEVELOPMENT/STAFF TRAINING Our ongoing focus on staff training and competency development includes 4-6 educator workshops a year; here, museum educators address practicalities and theory pertaining to museum education. Another aspect of staff training and competency development concerns partnerships, where the museum educators enter into partnerships with each other. Each educator finds a partner, and these partners will observe and discuss each other’s teaching sessions. We choose a particular focus for the partnerships, e.g. reflections on how to promote multivoicedness in a teaching session and the challenges involved in that. We develop questions associated with the teaching situation, and the museum educators take their point of departure in these questions and discuss the issues with each other. A partnership can also focus on something that the participants find difficult or would like to develop further. Followup on the partnership activities is conducted at educator workshops. In 2012 the partnership efforts have focused on multivoicedness, active participation, and variation in forms of teaching. We also offer our museum educators the opportunity to take part in the Skoletjenesten / Education Centre’s workshops for museum educators with participants from many different museums. And in 2013 we are planning to try out teaching sessions at other museums in order to find new inspiration and reflect on different approaches to teaching at museums. In order to ensure transparency relating to the visions for the development of everyday practices and, very importantly, to invite museum educators to be responsible participants in the work on education at the museum we plan six-month programmes for staff training and competency development. In so doing we plan and highlight what we will focus on in our workshops and reflect on in our practice during the next six-month period. This ensures immediate transparency of our current position within the overall processes: Where we come from and where we are going. We wish to highlight how a job as a museum educator at SMK also involves ongoing development of competencies and literacies.

FOTOCOLLAGE, elevproduktion / PHOTO COLLAGE, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

“Det er i udvælgelserne af farverne eller skulpturens enkelte dele, og i beslutningerne om hvordan værket skal komponeres at hver elev udvikler sin egen individuelle kreativitet.” Carina Zunino, billedkunstner tilknyttet værkstedet

“Each student develops his or her individual creativity in their selection of colours or individual parts of a sculpture, and in their decisions on how to compose their work.” Carina Zunino, artist at the SMK Workshop

UL T

AR T CA TA P for 5th graders

for 5. Klasse

Et partnerskab mellem skole og museum Kunstkatapult er et undervisningsforløb for 5. klasse og resultatet af et tæt samarbejde og partnerskab mellem skole og museum. Det er på mange måder et forbilledligt eksempel på, hvordan et undervisningsprojekt og et konkret undervisningsforløb kan udvikles og implementeres i museumsregi. Ved hjælp af midler fra Kulturstyrelsen fik vi i 2012 ressourcer til at lade udviklingen af Kunstkatapult strække sig over et veltilrettelagt år. Det har givet mulighed for tæt samarbejde med lærere, elever og skoleledere fra tre skoler i København, og det har givet mulighed for fordybelse i både udviklingen, afprøvningen og evalueringen af undervisningsforløbet. Denne grundige udviklingsproces, som kun sjældent kan prioriteres uden ekstern finansiering, har naturligvis skabt helt særlige og gode resultater. Kunstkatapult er et projekt, der har tilføjet et veludviklet, bæredygtigt og ambitiøst undervisningsforløb til museets faste udbud af forløb til skoler. Men det er også et projekt, der det seneste år har iltet og forhåbentlig flere år fremad vil ilte den daglige praksis på museet i alt fra udvikling af undervisningsdesign og øvelser til kompetenceudvikling af undervisere og samarbejder med uddannelsesinstitutioner. Kunstkatapult har bidraget til og vil fortsat bidrage til en styrket faglig dialog mellem skolen og museet som dannelsesinstitutioner og mellem museet og museets brugere. Og ikke mindst har Kunstkatapult bidraget til og vil fortsat bidrage til at opkvalificere og synliggøre museet som videns- og læringsressource i skolernes årsplaner. 62

A school-museum partnership Art Catapult (“Kunstkatapult”) is a teaching programme for 5th graders and is the final result of close co-operation between schools and the museum. In many ways the project is exemplary, showcasing how an education project and a specific teaching programme can be developed and implemented in a museum setting. In 2012, funding from the Danish Agency for Culture provided the resources necessary to let the development of the Art Catapult project extend over the course of one carefully planned year. This has created opportunities for close co-operation with teachers, students, and school principals from three schools in Copenhagen, and it has allowed scope for in-depth work on the development, trial run, and evaluation of the teaching programme. This painstaking development process – something that is rarely possible without external funding – has quite naturally yielded particularly good results. The Art Catapult project has added a well-developed, sustainable, and ambitious teaching programme to the museum’s regular offerings to schools. But it is also a project that has provided an infusion of fresh energy into everyday practice at the museum, affecting everything from the development of teaching designs and activities to staff training for museum educators and collaborations with institutes of education. Hopefully it will continue to do so in the years to come. Art Catapult has contributed to – and will continue to contribute to – enhanced professional dialogue between schools and the museum as places of growth and edification and between the museum and the museum’s users. Very importantly, Art Catapult has contributed to and will continue to contribute to raising the museum’s profile as a resource for knowledge and learning. 63

Kunstkatapult er et tværfagligt undervisningsforløb for 5. klasse. Forløbet tilgodeser fagmål for dansk, billedkunst og historie og strækker sig over 5 workshops: 2 på skolen og 3 på SMK. Eleverne går PÅ OPDAGELSE i kunstens verden sammen med deres lærere, en museumsunderviser og en kunstner. De kommer helt tæt på kunstens HISTORISKE OG KULTURELLE FORTÆLLINGER i alt fra klassiske malerier og skulpturer til nye kunstformer som installationer og videokunst. De skal OPLEVE og UNDER SØGE kunsten, SAMTALE OM den og ANALYSERE den. De skal ARBEJDE PRAKTISK med kunstens udtryk og indhold og lave deres egne produkter og fortolkninger ved hjælp af både DIGITALT OG MATERIELT BILLEDARBEJDE. / An interdisciplinary teaching programme for 5th graders Art Catapult is an interdisciplinary teaching programme for 5th graders. The programme is designed to accommodate learning outcomes for the subjects Danish, Visual Arts, and History and encompasses five workshops: two at the school and three at SMK. The students will EXPLORE the world of art together with their teachers, a museum educator, and an artist. They will home in on art’s HISTORICAL AND CULTURAL NARRATIVES in everything from classical paintings and sculptures to new art forms such as installations and video art. They will EXPERIENCE and EXAMINE art, engage in CONVERSATIONS ABOUT it and ANALYSE it. They will WORK HANDS-ON with the various modes of expression of art, creating their own products and interpretations by means of both DIGITAL AND MATERIAL WORK WITH IMAGES.

”Forløbet har en virkelig god faglig dybde.” Rolf, lærer på Bavnehøj Skole

/ ”These sessions have real depth and substance.” Rolf, teacher at Bavnehøj Skole

Stig, lærer på Det Kgl. Vajsenhus

”Man begynder at føle sig sådan lidt hjemme i det.”

/ ”It’s been totally great. Don’t ever stop doing this. There is not nearly enough of this kind of thing in school.” Stig, teacher at Det Kgl. Vajsenhus

Mikkel, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

/ “You start to feel sort of at home there.” Mikkel, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

Fordybelse i anderledes læringsprocesser I FEM WORKSHOPS

At ”kunstkatapultere” Vi har kaldt undervisningsforløbet for Kunstka tapult, fordi vi netop gennem kunsten vil “katapultere” eller sætte gang i elevernes tanker om, hvem de er, og om den verden, de lever i, om deres historie og kultur. Og måske endda vende deres tanker lidt på hovedet, vække deres nysgerrighed og kreativitet. / “Art catapulting” We use the name Art Catapult for this teaching programme because we wish to use art to “catapult” the students into thinking about who they are, about the world in which they live, and about their history and culture. Perhaps we will even turn their thoughts upside down a little, pique their curiosity and promote their creativity.

Kunstkatapult handler om fordybelse. Mulighederne for fordybelse i det faglige stof er store, fordi undervisningsforløbet strækker sig over 5 workshops. Herigennem opnår eleverne ikke alene en fortrolighed med museumsunderviseren, museets rum og kunstværker, men de udfordres også i hver enkelt workshop til at udvide deres undersøgelser og udforske nyt fagligt stof og dermed hele tiden bygge videre på deres erfaringer og viden. Ved hjælp af stor variation i undervisningsformen og ved at indtænke elevernes forskellige læringsstile er både elever med et stærkt og et svagere fagligt og personligt udgangspunkt tilgodeset og har gode muligheder for at fordybe sig i læringsprocesserne.

”Jeg har lært, at kunst kan gøre ondt på to måder, både indeni med følelserne og udenpå, på hånden, der hvor jeg brændte mig med limpistolen.” Niels, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus / “I’ve learnt that art can hurt in two ways: inside, because of the emotions it creates, and outside, because I burnt my hand on the glue gun.” Niels, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

”Det har været vildt fedt. Det må I simpelthen aldrig holde op med. Der er alt for lidt af det her i skolen.”

/ Immersion in alternative learning processes IN FIVE WORKSHOPS Art Catapult is about contemplation and immersion. There are excellent opportunities for immersing oneself in the subject matter because the teaching programme encompasses five workshops. This makes students familiar and comfortable with the museum educator, the museum setting, and its works of art, but at the same time each workshop challenges them to expand their investigations, to explore new areas of study, and thereby to continue to build on their experience and knowledge. The great variety incorporated in the educational approach and the fact that the students’ different learning styles have been taken into account means that students of all kinds – academically strong or weak, privileged or marginalised, etc. – are catered to. All have excellent opportunities for immersing themselves in the learning processes.

TEGNING, elevproduktion / DRAWING, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

Et tværfagligt undervisningsforløb for 5. Klasse

Et enkeltstående forløb og/eller del af et større fagligt forløb Kunstkatapult er udviklet som et selvstændigt undervisningsforløb, der ikke stiller krav til lærere og elever om forberedelse eller efterbearbejdning. Men forløbet skal ikke nødvendigvis stå alene og fungere som en enkeltstående event. Mange fagligheder er i spil, og forløbet er dermed fleksibelt for lærere, der kan tænke det ind i skoleårets øvrige faglige forløb og trække tråde frem og tilbage i forhold til egne faglige målsætninger og årsplaner. Kunstkatapult kan også med fordel bruges som et forarbejde til udskolingens videre arbejde med billedanalyse og forståelse for visuelle udtryk. / CAN BE USED SEPARATELY OR INTEGRATED Art Catapult is designed to provide a complete teaching programme that does not require teachers and students to prepare beforehand or to continue working with the subjects afterwards. However, the programme need not necessarily stand alone as a one-off event. Many different subjects are brought into play, which makes the programme a flexible resource for teachers: they can incorporate Art Catapult in their overall plan for the school year, focusing on specific aspects in relation to their own learning objectives and curriculums. Art Catapult is also excellent for preparing the ongoing work on approaches to visual arts and visual literacies for 6th-10th graders.

”Det bedste var nu altså bare at arbejde sammen… jamen altså, jeg synes altså bare, det har bragt klassen en lille smule tættere på hinanden.” Niels, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

”Kan I ikke bare lave en kunstskole? Altså hvor vi bare går i skole hver dag ovre på museet?”

/ “The best thing was simply to work together – I really think it has brought us all a little bit closer.” Niels, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

Sophie, 5.v, Øster Farimagsgade Skole

/ “Couldn’t you just do an art school? So that we’d go to school at the museum every day?” Sophie, 5.v, Øster Farimagsgade Skole

Kunstkatapult-manual Manualen er et lille opslagshæfte om kunstkatapult. Her kan man bl.a. finde undervisningsdesign for hver enkelt af de 5 workshops og få et overblik over både praktiske og faglige forhold i forløbet. Man kan også læse om de bagvedliggende didaktiske overvejelser og økonomi.

”… vi lærte bare en masse ting, men man tænker ikke rigtig over, at man lærer, men man har bare lært en hel masse om farver og rum og billeder. Jeg havde virkelig aldrig tænkt over det der med farverne før eller med historierne i billederne.”

/ Art Catapult manual The manual is a small leaflet about Art Catapult. Readers can find information on the teaching design behind each of the five workshops and form an overview of the practical and academic issues pertaining to the programme. The leaflet also includes information on the didactic deliberations behind Art Catapult and on funding issues.

”Der skete noget nyt hver gang, og der var et solidt fagligt indhold. Det her, det er tænkt igennem. Det giver mening. Det står meget stærkt det forløb, vi lige har været igennem. Det er gennemarbejdet.” Steffen, lærer på Kildevældsskolen

/ ”Something new happened every time, and the contents were solid. Everything has been carefully considered and thought out. It makes sense. The sessions we have just completed are very strong. It’s been worked through very well.” Steffen, teacher at Kildevældsskolen.

Nadia, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus / “… we learnt lots of stuff; you don’t really realise that you’re learning anything, but in fact you’ve learnt lots about colour and space and pictures. I ‘d actually never thought all that much about colour before, or about the stories in pictures.” Nadia, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

”Det var sjovt at se, hvordan en kunstner kan være sådan personlig, hvad han går og tænker på og laver.” Emilie, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus / “It was great fun to see what an artist can be like in person; what he’s thinking and doing.” Emilie, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

68 69

TEGNING, elevproduktion / DRAWING, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

COLLAGE, elevproduktion / COLLAGE, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

Hvem har udviklet kunstkatapult? Lærere, elever og skoleledere fra tre skoler i Kbh.; Bavnehøj Skole, Det Kgl. Vajsenhus og Kildevældsskolen har udviklet undervisningsforløbet sammen med undervisere, en billedkunstner og en arkitekt fra SMK.

”Eleverne er blevet åbne, og de er blevet meget mere modtagelige. Det har simpelthen været så godt!” Susanne, lærer på Bavnehøj Skole

Med støtte fra Kulturstyrelsen brugte denne arbejdsgruppe et år, fra oktober 2011 til oktober 2012, på at udvikle, afprøve og evaluere Kunstkatapult. Forløbet er nu et fast undervisningstilbud til alle interesserede skoler.

“The students have opened up and have become far more receptive. It’s all been really great!”

Mikkel, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

Susanne, teacher at Bavnehøj Skole

Udviklingsprocessen er blevet fulgt tæt og diskuteret livligt med tre faglige sparringspartnere; pædagogisk leder på Øster Farimagsgade Skole, Kirsten Hanne Hansen, lektor på Læreruddannelsen Zahle Kirsten Skov, og forsker i udeskoler og anderledes læringsrum fra University College Syddanmark, Anne-Marie Tyroll Beck.

”Jeg synes, det var helt vildt spændende at møde en arkitekt … Jeg har selv tænkt på at blive arkitekt, når jeg bliver stor.”

/ “I think I’ve learnt to sort of … get into the works of art somehow. I mean to take a closer look at them. For example at what they are made of and what they look like … and, like, whether they are fun or serious, and what the colours are like, and things like that.” Mikkel, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

/ Who developed Art Catapult?

/ “I thought it was really exciting to meet an architect … I’ve thought about becoming an architect myself when I grow up.” Mikkel, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

Teachers, students, and school principals from three schools in Copenhagen – Bavnehøj Skole, Det Kgl. Vajsenhus, and Kildevældsskolen – developed the teaching programme in collaboration with museum educators, an artist, and an architect from SMK. Based on funding from the Danish Agency for Culture this working group spent the 12-month period from October 2011 to October 2012 developing, testing, and evaluating the Art Catapult project. The teaching programme is now part of the SMK’s offering to all interested schools. The development process has been followed with great interest – and discussed with equal enthusiasm – with three consulting partners: Kirsten Hanne Hansen, Øster Farimagsgade Skole; Kirsten Skov, assistant professor at Læreruddannelsen Zahle and Anne-Marie Tyroll Beck, researcher on alternative learning spaces at University College Syddanmark.

”Jeg synes, jeg har lært at sådan … leve mig ind i kunstværkerne på en måde. Altså at se lidt nærmere på dem. Fx hvad de er lavet af, og hvordan de ser ud … og altså om de er sjove eller mere alvorlige i det, og fx hvordan farverne er.”

Mikkel, 5. Syd, Det Kgl. Vajsenhus

”Eleverne var ’på’ og nysgerrige i hele gruppen … Det er umuligt at have en engelsktime efter forløbet.” Eva, lærer på Det Kgl. Vajsenhus

/ ”The students were turned on and curious all the way through … it’s impossible to have a standard English class after this teaching sequence.” Eva, teacher at Det Kgl. Vajsenhus.

”Det var spændende at møde en kunstner … Fordi, når der er nogen, der har lavet sådan noget, så tror man, det er sådan nogle kedelige mennesker, der taler sådan lidt gammeldags, men han var meget sjov, Nikolaj.” Victor, 5.x, Bavnehøj Skole / ”It was exciting to meet an artist … Because when someone does something like that you think that they’re this boring type of person who speaks in an old-fashioned way, but that Nikolaj guy was good fun.” Victor, 5.x, Bavnehøj Skole 71

TEGNING, elevproduktion / DRAWING, CREATED BY STUDENT PARTICIPANTS

”Det sjoveste var kreativiteten … Altså at vi selv måtte være kreative. Og se noget kunst, der var kreativt.”

”Før ville jeg aldrig nogensinde finde på at gå ind på et museum. Det er alt for gammeldags. Men nu er det sådan faktisk ret okay … Nu er museet faktisk sejt. Gammeldags og nymodags. Det er sejt.”

Holger, 5.x, Bavnehøj Skole

Youssef, 5.x, Bavnehøj Skole

”The really fun part was the creative stuff … I mean the fact that we were allowed to get creative ourselves. And to see some creative art.” Holger, 5.x, Bavnehøj Skole

”Sometimes you didn’t get to see what you wanted to see, but then you can see it next time and discover some new stuff.” Ceren, 5.x, Bavnehøj Skole

Udveksling mellem to dannelsesinstitutioner

På helt overordnet plan er det målet med Kunstkatapult, at der gennem forløbet knyttes tætte bånd mellem to dannelsesinstitutioner, folkeskolen og SMK, og dermed at sikre en personlig og faglig udveksling mellem lærere, elever, museumsundervisere og kunstnere. Forløbet tilgodeser Folkeskolens FORMÅLSPARAGRAF om “at fremme den enkelte elevs alsidige udvikling” (§1 stk. 1) og “udvikle arbejdsmetoder og skabe rammer for oplevelse, fordybelse og virkelyst, så eleverne udvikler erkendelse og fantasi og får tillid til egne muligheder og baggrund for at tage stilling og handle” (§1 stk. 2). Og forløbet tilgodeser VISIONER FOR SMK, bl.a. målet om at “omsætte museets samlinger fra død kapital til ny erkendelse og nye oplevelser.” I Kunstkatapult kobles 700 års kunsthistorier til elevernes nutidige kontekst og læringsprocesser. Kulturarv gøres til en levende størrelse og bliver genstand for refleksion for både elever og museum.

”Nogle gange fik man ikke set det, man gerne ville se, og så kan man lige se det næste gang og finde nogle nye ting.” Ceren, 5.x, Bavnehøj Skole

”I’d never have dreamed of entering a museum before. That sort of thing is much too old-fashioned. But now it’s actually quite okay … the museum is actually cool now. Old-fashioned and modern. That’s cool.” Youssef, 5.x, Bavnehøj Skole

”I en årsplan er det fantastisk at have det og se frem til – ud af huset og fagmål er tilgodeset.”

”Det er kunst i øjenhøjde. Kunsten er for os.”

Eva, lærer på Det Kgl. Vajsenhus

”This is art presented at eye level. Here, art is there for our sake.” Eva, teacher at Det Kgl. Vajsenhus

“It’s great to have this as something to look forward to during the school year – you get an excursion where our learning outcome requirements are also met.” Eva, teacher at Det Kgl. Vajsenhus

Eva, lærer på Det Kgl. Vajsenhus

/ Exchanging knowledge One overall objective of the Art Catapult project is to forge a close link between two important educational institutions – the Folkeskole (the Danish public school) and the National Gallery of Denmark – thereby ensuring fruitful personal and professional interaction between teachers, students, museum educators, and artists. The project accommodates the AIMS OF THE FOLKESKOLE (public-sector primary and lower secondary education), which state that the school should “promote the well-rounded development of the individual student” (1:1) and “endeavour to develop the working methods and create a framework that provides opportunities for experience, in-depth study and allows for initiative so that students develop awareness and imagination and a confidence in their own possibilities and backgrounds such that they are able to commit themselves and are willing to take action” (1:2). Art Catapult also accommodates the VISIONS OF SMK, including the objective of “translating the museum collections from inert capital into new awareness and new experiences.” The Art Catapult project creates a connection between 700 years of art history to the student’s own context and learning processes. Cultural heritage is made relatable and relevant, becoming an object for reflection for students and the museum alike.

Mere information om kunstkatapult / More information about Art Catapult Film - se filmen fra den allerførste kunstkatapult: / Film – watch footage from the very first Art Catapult event: http://www.smk.dk/besoeg-museet/undervisning/grundskolen/kunstkatapult-for-5-klasse/ Manual - se manualen til kunstkatapult: / Manual – see the Art Catapult manual: http://www.smk.dk/besoeg-museet/undervisning/grundskolen/kunstkatapult-for-5-klasse/ Rapport – refleksioner over læringsudbytte i afrapporteringsrapport til Kulturstyrelsen: Kontakt Børn & Unge-afdelingen på SMK for at få tilsendt rapport. / Report – reflections on learning outcomes in a report submitted to the Danish Agency for Culture.

Please contact the Children & Young People at the SMK to request a copy of the report. 72

Praktikforløb for lærerstuderende / Internships for Teacher Education students På de danske læreruddannelser indgår krav om ”praktik i andre skoleformer”. Mange lærerstuderende vælger museer som ramme for deres praktik. På SMK har vi årligt ca. 4-6 lærerstuderende i praktik. For at opkvalificere ikke bare de studerendes udbytte af praktikforløbet, men også museets, har vi tilrettelagt et program, der består af følgende: En introduktionsfase, hvor de lærerstuderende introduceres til museet som organisation og til vores undervisningspraksis på strategisk plan, gennem indsigt og adgang til handlingsplaner, undervisermanualer etc. En observationsfase, hvor de studerende observerer så mange forskellige undervisningsforløb som muligt for at opnå et bredt indblik i museets praksis og samle inspiration til næste fase. En produktionsfase, hvor de studerende udvikler et produkt. Det kan fx være et undervisningsdesign, en øvelse, en skitse til et undervisningsmateriale etc. Produktet skal sikre de lærerstuderendes refleksion over, hvordan museet kan fungere som læringsrum set fra en lærers perspektiv. Forløbet indebærer også løbende sparring og vejledning og afsluttes med afprøvning af produktet med en inviteret skoleklasse med efterfølgende feedback fra museets undervisningsansvarlige. Flere praktikanter har udviklet og afprøvet øvelser til undervisningsforløb, én har udviklet et dramaforløb og andre har udviklet undervisningsdesign til særudstillinger og til den faste samling af kunst. Ved udviklingen og afprøvningen af de konkrete produkter opnår både den lærerstuderende indblik i og refleksion over museet som læringsrum, og museets praksis iltes af de studerendes blik på museet og deres forslag til udvikling af praksis. For mere om samarbejder mellem museer og læreruddannelser anbefaler vi hjemmesiden www.learningmuseum.dk

The curriculum of Danish institutions for Teacher Education include a requirement for an “internship in an alternative learning space”. Many students choose museums as their field of study. At the SMK we receive approximately 4 to 6 interns from Teacher Education schools each year. In order to improve not only the students’ outcome from the internship, but the museum’s too, we have planned a programme that comprises the following: An introductory phase where students are introduced to the museum as an organisation and to our educational practices on a strategic level; this is done via insight into and access to visions, action plans and resources for museum educators. An observation phase where students observe as many different educational activities as possible, such as short teaching sessions in galleries and workshops, in order to gain wide-ranging insight into the museum’s practice and gather inspiration for the next phase. A production phase where the students develop a product – for example a teaching design, an idea for a practicalaesthetic activity, an outline for educational materials, etc. The product will ensure that the interns reflect on how the museum can act as a learning space seen from a teacher’s perspective. The internship also includes regular consultation and guidance sessions and will be concluded by testing the product in collaboration with an invited class and the Curator- of School and learning programmes at the museum, who will provide feedback. Several interns have developed activities and materials for teaching sessions, one developed a drama workshop, while others have developed teaching design for exhibitions and the collections. The development and testing of concrete products gives the interns insight into the museum as a space for learning, and the museum’s own practice is given a blast of fresh air by the students’ gaze on the museum and their proposals on how its practice may be developed. For more about co-operation between museums and teacher’s colleges we recommend the website www.learningmuseum.dk

Undervisningsmaterialer 2012 / Teaching materials 2012 MIT Hammershøi og MIT Matisse MIT er en ny serie og et inspirationsmateriale, som vi løbende udvikler til værker fra vores faste samlinger af kunst. Det er henvendt til gymnasiale ungdomsuddannelser (primært målrettet billedkunst- og danskfag). Udover at fokusere på et enkelt kunstværk, har materialet også som mål at tydeliggøre flerstemmighed i fortolkningsprocessen. Der findes ikke én tilgang til kunsten, men mange forskellige metodiske og oplevelsesbetonede vinkler. Materialet er opbygget som en samtale om et udvalgt værk, et værk, som har en særlig betydning for samtaleparterne. Avec Matisse I forbindelse med en stor udstilling om kunstneren Henri Matisse på SMK i efteråret 2012 samarbejdede vi med Det Franske Kulturinstitut om at udvikle et undervisningsmateriale på fransk til udskoling og gymnasiale ungdomsuddannelser. Med materialet kan elever øve fransk og samtidig arbejde med Matisse, som en vigtig eksponent for fransk kulturhistorie.

/ MIT Hammershøi (MY Hammershøi) and MIT Matisse (MY Matisse) MIT (MY) is a new series of inspirational materials based on works from our permanent collections of art; the series will be expanded regularly. MIT (MY) is targeted at upper secondary schools, particularly the subjects Danish and Visual Arts. In addition to focusing on a single work of art the material also aims to highlight multivoicedness in the interpretation process. There is not just one point of entry to the art; rather, several different methods and experience-based perspectives can be applied. The material takes the format of a conversation about a selected work; a work of special significance to the parties involved in the conversation. Avec Matisse In connection with a major exhibition about the artist Henri Matisse at SMK in the autumn of 2012 we collaborated with Institut Francais du Danemark on developing education materials in French for 9th-10th grade students and upper secondary schools. These materials allow students to practise their French while also working with Matisse, an important figure within French cultural history. sse, som en vigtig eksponent for fransk kulturhistorie.

DIGT / POEM

This poem was written by Naja Marie Aidt in connection with the SMK’s special exhibition Hammershøi and Europe. We used the poem in teaching sessions to explore how language can create images and how images can conjure up language.

Dette digt er skrevet af Naja Marie Aidt i forbindelse med SMKs særudstilling Hammershøi og Europa. I undervisningsforløb brugte vi digtet til at undersøge, hvordan man gennem sproget kan skabe billeder og gennem billeder kan skabe sprog.

first the all but empty space / first only closed doors and averted figures / deserted streets, abandoned buildings / winter forest, white and silent; a Vilhelm Hammershøi: Interiør med kunstnerens staffeli / Interior with the Artist’s Easel (1910).

naked woman, faceless / a young girl sweeps a floor, a man is reading / the light is alive / it shimmers in the gray regions / a lot of fuzzy murk, a radiant white hand / the light central / the light / the light // this space is a sphere of tension; it’s electric; it’s mathematics / and more than that, but what? / the woman bows her head – ashamed of her naked body? / or delighting in her beauty? / does the girl sweep the floor with sorrow written on her back / or is

først det næsten tomme rum / først kun lukkede døre og bortvendte skikkelser / mennesketomme gader, forladte bygninger / vinterskoven, tyst og hvid; en nøgen kvinde uden ansigt / en ung pige fejer et gulv, en mand læser / lyset er levende / det sitrer i gråzonerne/ en hel masse fnugget mørke, en strålende hvid hånd / lyset i centrum / lyset / lyset // dette rum er et spændingsfelt; det er elektrisk; det er matematik / og mere end det, men hvad? / bøjer den nøgne sig skamfuldt over sin krop? / eller nyder hun sin egen skønhed? / fejer pigen gulvet med en sorg som et tegn i ryggen / eller hviler hun / sunket ind i sig selv? / og udtrykker den sårbare nakke en hengivenhed / som ansigtet ikke kan huse? / lukkede døre, men de står på klem: rummet har muligheder: luk en dør op! / vi befinder os i en kinesisk æske! / og en dag i februar møder du måske en mand / han spadserer ned ad strandgade / han betragter dig opmærksomt / skyggerne i din frakkes folder / dit hårdt oplyste kindben / en særlig tilstedeværelse du ikke selv kan se / dette rum er digtets rum / denne mand er digteren / og du møder ham i london, paris / i brügge og rom / skiftende lys / nye scener / og så slynges du pludselig ind i en næsten brændende skov / det er solnedgangen bag træerne der brænder / de udflydende konturer er en blidhed digtet ikke engang selv kan rumme / det flyder over / digtets rum er et spændingsfelt // digteren vender ryggen til dig / eller: han ser granskende på dig / han træder tilbage / han placerer dig skævt i billedet / rummet udvider sig / rummet beskæres / nu ligner det et fotografi / nu gør det ikke / digteren er diskret / digteren er insisterende / han tilbyder dig et sug i kroppen / eller: længsel, at se sin ensomhed / han tilbyder dig at genkende noget / stilhed, tavshed, noget meget nøgternt / en kølighed, som ikke er kold: / her fem personer placeret tæt på hinanden / deres blikke søger væk / ingen kontakt / men også: samvær / og her et par ved et bord / den ene er digteren selv / han er trådt ind i digtet / men også herinde vender han ansigtet mod sit objekt / han vender ryggen til dig // og imens står digteren ved siden af dig og betragter sig selv / en sårbar nakke // og altid gråtonerne, det intense mørke / altid: lyset // lyset // ulmende, glødende / strengt og højt / tæt og uldent / det er levende // det flyder over // det er digtets rum // et spændingsfelt // og du står og ser på det / ser på det // og så træder du ind / du

she resting / slumped inside herself? / and her neck, exposed – does it signal a devotion / her face cannot harbor? / closed doors, but they’re open a crack: the space has possibilities: open a door! / we are in a chinese box! / and on a february day you may meet a man / he is walking down strandgade / he observes you closely / the shadows in the wrinkles of your coat / your sharplyillumined cheekbone / a special presence you yourself cannot see / this space is the poetic space / this man is the poet / and you meet him in london, paris / in bruges and rome / shifting light / new scenes / and suddenly you are flung into a forest practically on fire / the fire is the sunset behind the trees / the blurry contours are a softness not even the poem itself can contain / it spills over / the poetic space is a sphere of tension // the poet turns his back to you / or: he scrutinizes you / he steps back / he places you askew in the image / the space expands / the space is trimmed / now it resembles a photograph / now it doesn’t / the poet is discrete / the poet is insistent / he offers you a shiver down your spine / or: a longing, to see your loneliness / he offers you recognition of something / calm, silence, something very subdued / cool that isn’t cold: / here five persons placed close to each other / their eyes seeking elsewhere / no contact / but also: companionship / and here a couple at a table/ one of them is the poet himself / he has entered the poem / but in here too he turns and faces his subject / he turns his back to you // and meanwhile the poet stands beside you, observing himself / a neck, exposed // and always the gray tones, the intense darkness / always: the light // the light // smoldering, glowing / stark and bright /dense and fuzzy / it’s alive // it spills over // it’s the poetic space // a sphere of tension // and you stand, gazing at it /gazing at it //

træder ind i digtet nu / ind i billedet

and then you step inside / you step inside the poem now / into the painting

Naja Marie Aidt

NY BOG: Dialogbaseret undervisning

Kunstmuseet som læringsrum

I august 2012 udkom bogen Dialogbaseret undervisning. Kunstmuseet som læringsrum af Olga Dysthe (professor i pædagogik ved Bergen Universitet), Line Esbjørn (undervisningsog udviklingsansvarlig i Skoletjenesten på Thorvaldsens Museum) og Nana Bernhardt (undervisningsog udviklingsansvarlig i Skoletjenesten på SMK). Bogen findes på dansk, norsk, engelsk og spansk og er udgivet af Fagbokforlaget (Oslo), Skoletjenesten på Sjælland og Unge Pædagoger. Med bogen ønsker forfatterne at bidrage til kritisk refleksion over kunsten og museernes potentiale som læringsrum set fra et nordisk perspektiv i et felt præget af angelsaksiske traditioner. Med fokus på dialogbaseret undervisning er bogen endvidere anvendelig for alle, der interesserer sig for undervisning og læring, hvilket understreges i anmeldelser både i tidsskriftet Nordisk Museologi og i fagbladet Folkeskolen. I tidsskriftet Nordisk Museologi (december 2012) skriver Ane Hejlskov Larsen bl.a. at ”Dialogbaseret undervisning. Kunstmuseet som læringsrum udmærker sig i særlig grad ved at være skrevet som en sammenhængende bog og formidler dens analysepointer igennem et engageret sprog og en stofnær struktur. Forfatternes hensigt er at kvalificere skolebesøget på museet. Bogen er formidlingsmæssigt eksemplarisk i den forstand, at den lader sine læsere i dens pædagogiske og didaktiske analyser følge hovedpersonernes samtaler i de udvalgte casestudier. Det er et greb, der fungerer så godt, at ikke alene museumsformidlingsinspektøren, gymnasie og folkeskolelæreren, pædagogen eller den unge universitetsstuderende i praktik får et uddannelsesmæssigt fix, men også familiefaderen og -moren får under læsningen foræret redskaber til spørgeteknik og dialoger, som kan kvalificere det næste museumsbesøg med familiens børn. Det er formidling på et højt niveau, der kan inddrage sine brugere og læsere i den konkrete forskningsproces. Som læser kan man følge med i op- og nedture i samtalerne mellem museernes formidlere og unge brugere. Selv om bogen har fokus på dialogen i en undervisningsmæssig sammenhæng, kunne dens pointer og cases uden videre udbygges med tilsvarende materiale fra mere uformelle læringssammenhænge som fx søndagsrundvisningen for interesserede og med andre målgrupper end lige danske unge.”

mer og aktiv elevdeltagelse. Syv undervisningseksempler, fire fra grundskolen og tre fra ungdomsuddannelserne, viser, hvordan det er muligt at lave undervisningsdesign inden for en ramme på tre timer. Undervisning, som inddrager eleverne gennem direkte møder med kunstværker, genstande og bygninger, gennem tematiske samtaler og gennem praktisk–æstetiske opgaver. Det overordnede formål med bogen er at fremme god undervisningspraksis.Dette gøres ikke ved at fremstille idealiserede eksempler, men ved at vise og diskutere både stærke og svage sider igennem undersøgte cases, hvor elever modtager undervisning på museer. Det, der er så uhyre interessant i denne her bog, er, at der stilles skarpt på at skabe rammer i undervisningen på kunstmuseerne for dialogisk interaktion, og hvordan man udnytter flerstemmighedens potentiale. Spændende og vedkommende kommer bogen også bredt rundt om begrebet dialog. Begrebet bringes i spil meget interessant i forhold til dialogbaseret undervisning. Læseren vil automatisk komme i en reflekterende position i forhold til egen praksis. En uundværlig og fornyende bog for alle, der arbejder med børn og unge inden for formidling. Eksemplerne i bogen er hentet fra kunstmuseernes verden, men undervisningsformen kan overføres til skolernes egne læringsrum – i alle fag og på alle klassetrin. Bogen er ren visuelt og opsætningsmæssigt udformet meget delikat og propert, og den kan på det varmeste anbefales. Bogen er meget velskrevet og vidner i høj grad om grundig research og med baggrund i en velassorteret og fagrelevant litteraturliste.” ” Det, der er så uhyre interessant i denne her bog, er, at der stilles skarpt på at skabe rammer i undervisningen på kunstmuseerne for dialogisk interaktion, og hvordan man udnytter flerstemmighedens potentiale.” Tove Katborg Laursen

”Det er formidling på et højt niveau, der kan inddrage sine brugere og læsere i den konkrete forskningsproces.” Ane Hejlskov Larsen

I fagbladet Folkeskolen (oktober 2012) kalder anmelder Tove Katborg Laursen bogen for nytænkende og nødvendig Dialogbaseret undervisning er super spændende og meget aktuel. Bogen stiller skarpt på varierede undervisningsfor78

Dialogue-based Teaching

The Art Museum as a Learning Space

August of 2012 saw the publication of the book Dialoguebased Teaching. The Art Museum as a Learning Space by Olga Dysthe (Professor Emiritusin Education at the University of Bergen), Line Esbjørn (Head of School Programs at Thorvaldsens Museum/Skoletjenesten) and Nana Bernhardt (Curator- of School and teaching programmes at SMK/Skoletjenesten). The book is available in Danish, Norwegian, English, and Spanish and is published by Fagbokforlaget (Oslo), Skoletjenesten/ Education Centre , and Unge Pædagoger. With the book the authors wish to contribute to critical reflection on the potential offered by art and museums as a space for learning, and to provide a Nordic perspective on a field that is greatly influenced by Anglo-Saxon traditions. With its focus on dialogue-based teaching the book is also useful for everyone with an interest in education and learning, as is highlighted by reviews in the journal Nordisk Museologi and the trade journal Folkeskolen. In Nordisk Museologi (december 2012) Ane Hejlskov says that ”Dialogue-based Teaching. The Art Museum as a Learning Space is remarkable in the manner in which it conveys its analyses through lucid, engaging language and a structure that is firmly based in the subject matter. The authors’ objective is to qualify school visits at the museum. In its didactic analyses the book allows readers to follow the main protagonists’ conversations in selected case studies, an approach that works so well that not only museum education curators, teachers in primary and secondary schools, educators, and young university students in internships get an excellent educational fix here; reading this book gives parents useful tools in the form of questioning and dialogue techniques that can add new nuances to their next museum visit with their children. Only highly competent communication is capable of involving users and readers in specific research processes as this book does. Readers can follow the highs and lows of conversations between museum educators and young visitors. Even though the book focuses on dialogue in a teaching context its points and cases could easily be extended to include similar material from less formalised

learning situations such as open guided tours for all interested parties and for target groups other than Danish children and young adults. The review in Folkeskolen (October 2012) calls the book innovative and necessary. Tove Katborg Laursen writes that “Dialogue-based teaching” is very exciting and highly relevant today. The book focuses attention on variation in forms of teaching and on active student participation. Seven examples – four from primary and lower secondary school, three from upper secondary school – demonstrate how it is possible to create teaching design within a threehour framework. Teaching that involves students through direct encounters with works of art, objects, and buildings, through themed conversations, and through practicalaesthetic activities. The overall objective of the book is to promote good teaching practices. This is not done by presenting idealised examples, but by showing and discussing strong and weak points of real-life cases where students participate in teaching sessions at museums. What makes this book so interesting is the fact that it focuses on creating a framework for dialogue and interaction in teaching at art museums, and on how to utilise the potential inherent in multivoicedness. The book also provides very interesting and relevant takes on the concept of dialogue and how it relates to dialogue-based teaching. Readers will automatically be prompted to reflect on their own practice. An indispensible and innovative book for everyone working with education aimed at children and young adults. The examples in the book come from the realm of art museums, but the teaching methods employed can be transferred to the school’s own learning spaces – within all subjects and for all age groups. The book’s visual design is attractive, delicate, and wellmade, and the book itself comes highly recommended. Well-written, this book testifies to careful research and firm foundations in an extensive and relevant list of literature.

UNGES LABORATORIER FOR KUNST / ULK ART LABS

Kunstpiloterne - de unges stemmer Med bidrag af kunstformidler Hanne Flarup

Udstillingen ’Gennemlyst – på sporet af Bosch og Bruegel’, Roskilde Festival, den kollaborative app TALES og det kommende projekt Byens Hegn i samarbejde med Københavns Metro er nogle af kunstpiloternes projekter, du kan udforske på de kommende sider. Alle artikler er lavet i samarbejde med og af kunstpiloterne i ULK – frivillige unge, der mødes hver onsdag på SMK for at udvikle og afholde aktiviteter og projekter med kunsten og brugerinddragelsen som omdrejningspunkt. De hjælper SMK med at målrette ung-tilung-formidling og -kommunikation. Til gengæld støtter museet op med ressourcer og faciliteter. Kunstpiloterne er stoffet, der binder ULK sammen – samtidig er de afgørende forandringsagenter i en museumsorganisation i rivende udvikling. Vores ønske er at synliggøre deres stemmer i denne B&U-årbog. ULK er SMKs sociale og kreative community for unge mellem 15 og 25 år – i 2012 anført af 40 frivillige kunstpiloter, koordinator Frederik Henrik Knap og kunstneren Nikolaj Recke. ULK’s mission er at gøre SMK og kunsten inkluderende og vedkommende for alle unge – samtidig med at 84

vi anerkender, at målgruppen ikke kan kategoriseres som et fast, afgrænset segment. Derfor er vores tilgange til, hvordan vi former brugerinddragelsen i interne og eksterne brugerinddragende projekter og aktiviteter også forskellige. Vores mål er altid at sætte museets mange fagligheder og kompetencer i spil på tværs af organisationen for at skabe flerstemmighed i ULK’s projekter - netop fordi vi ved, at brugere er lige så forskellige som de mange stemmer, der sættes i spil. ULK finder du i lab 01 på SMK, på Facebook, YouTube, Twitter, Instagram og tagdel.dk samt i tværfaglige samarbejder i byrummet.

Hvordan bliver viden til? ”ULK arbejder med et systemteoretisk vidensbegreb, der ikke forsøger at fastlægge, hvad der er sandt, men som iagttager hvilken viden, der bliver produceret i hvilke kontekster, og som arbejder med, at viden også altid kan være anderledes. I ULK bruger vi den viden, de erfaringer, tanker og oplevelser, de unge har med sig, når de kommer på museet, og sætter den i spil med den forskningsbaserede viden, museet producerer”.

Sådan beskrev daværende projektleder, Tine Nygaard, i 2007 den viden, der opstod i museets møde med det første hold af kunstpiloter, da ULK blev etableret på SMK som en del af et større videncenter. Vidensbegrebet, hun præsenterer i citatet, er systemisk og inspireret af Niklas Luhmanns systemteoretiske og konstruktionistisk kommunikationsteori, som den kommer til udtryk i Soziale Systeme (1984). Ord som ”erfaringer”, ”oplevelser” og ”tanker”, der ”sættes i spil med forskningsbaseret viden” produceret af museet, understreger, at den forskningsbaserede viden kun er en del af den viden, der produceres i ULK. Den største videnskilde er altid de unges baggrund og erfaringsverden. I ULK er det vores overbevisning, at ingen mennesker er tomme kar, vi kan fylde viden i. For os handler det i højere grad om, hvordan man tilegner sig viden end om, hvilken viden man bør tilegne sig. I lyset af moderne læringsteorier, som bl.a. museumsteoretikerne Eileen Hooper-Greenhill og George Hein præsenterer, er det blevet tydeligt, at man ikke lærer ret meget ved at lytte til envejskommunikation. Vi må selv være en aktiv del af læringsprocessen.

Kompleksiteten i vores samfund - gående fra ét universelt samfundsbillede - til en mere foranderlig og polycentrisk struktur, som det blandt andet beskrives af Lars Qvortrup i Det hyperkomplekse samfund, har de seneste år været afgørende for museernes formidlings- og kommunikationsstrategier, som er blevet mere målrettede og foranderlige for at kunne fange brugere – og ikke-brugeres - opmærksomhed. Mange museer har fået øjnene op for, at mennesker tilegner sig viden forskelligt.

Brugerne som medskabere Når vi i ULK inddrager brugerne – kunstpiloterne - i alt fra museets udstillingspraksis til formidling og kommunikation, opstår der en forskydning af museets traditionelle dannelsesbegreb med sin opdragende tilgang, til en opfattelse af museets brugere som en konstant foranderlig hybrid mellem besøgende, gæster og medproducenter. Brugerne lader sig ikke danne og opdrage af museet men bruger institutionen som ramme om en slags selv-dannelse, der har sit udspring i mødet mellem kunsten og brugerens livsverden. Vores syn på dannelse er derfor, at et nyt forståel-

sesniveau – ny viden – opstår netop, når en balance mellem tidligere og nye erfaringer etableres. ULK var ved sin etablering blandt pionererne herhjemme i forhold til brugerinddragelse, eller brugerdreven innovation, i en kunst- og kulturkontekst. Det er en tendens, der har vundet stærkt indpas på kulturinstitutioner i både ind- og udland i de senere år for at åbne institutionerne for et bredere publikum, end der tidligere har været tradition for. Men oprindeligt havde begrebet brugerdreven innovation intet med kulturinstitutioner og kunst at gøre. Det blev derimod brugt i designvirksomheder, hvor producenten ønskede at målrette et produkt præcist efter brugerens ønsker og behov. Særligt har den amerikanske designvirksomhed IDEO været dagsordensættende inden for denne form for brugerdreven innovation. Det er altså et begreb, der umiddelbart har kommercielle rødder, og som direkte har fokus på produktinnovation. I ULK handler brugerinddragelsen ikke om at udvikle produkter, men om at skabe ny viden om kunsten i mødet med brugerne Vi arbejder ud fra den konstruktionistiske læringsteori,

hvor viden om kunst først opstår, når den italesættes af dem, der deltager i kommunikationen om den. I forhold til læring og dialogisk formidling betyder denne tilgang, at vi selv er medproducenter af al viden, vi tilegner os. Der er ikke tale om ’top-down’ kommunikation fra afsender til modtager, men en kommunikation baseret på dialog, hvor viden konstant er i forandring og tilpasses i forhold til vores erfaringsverden og reaktioner. ULK’s navn beskriver meget præcist vores dialogbaserede vidensopfattelse: ULK er de unges laboratorier for kunst, dvs. et sted, hvor vidensproduktionen er undersøgende, forsøgsbaseret og under konstant forandring. Netop laboratorietanken gør, at ULK er i konstant udvikling, og derfor er de følgende artikler om udvalgte ULK projekter - eller laboratorieundersøgelser – et øjebliksbillede af ULK anno 2012.

ART pilotS - THE VOICE OF YOUTH With contributions by art educator Hanne Flarup

The exhibition Illuminated – Tracing Bosch and Bruegel, Roskilde Festival, the collaborative app TALES and the upcoming project “”Byens Hegn” (“COOL CONSTRUCTIONS”) created in co-operation with the Copenhagen Metro are some of the art pilot projects presented in the pages that follow. All articles were created in cooperation with art pilots from the ULK Art Labs – young volunteers who meet up every Wednesday at the SMK in order to develop and stage activities and projects that take art and user involvement as their pivotal point. They help the SMK create peer-topeer communication aimed at young people, and in return the museum places resources and facilities at their disposal. The art pilots are the glue that holds the ULK Art Labs together – and they are crucial agents of change in a museum organisation that is undergoing rapid change and development. In this yearbook, as in all ULK Art Lab projects, we wish to make their voices heard. The ULK Art Labs are SMK’s social and creative community for young people between the ages of 15 and 25. In 2012 the initiative was headed by 40 voluntary art pilots, co-ordinator Frederik Henrik Knap, and the artist Nikolaj Recke. The ULK Art Labs’ 88

mission is to make the SMK and art relatable and relevant to all young people – even while recognising that the target group cannot be classified as a single, cohesive and firmly delimited segment. They are as different as adults and children. Thus, our approaches to shaping user involvement in internal and external user-involving projects and activities can also vary greatly. Whatever the project, we always aim to cut across the various professions and departments at the museum in order to make a multitude of voices heard – because we know that the users are as different as the many voices that are brought into play. The ULK Art Labs can be found in lab 01 at SMK, on Facebook, YouTube, Twitter, Instagram, and tagdel. dk and as part of interdisciplinary collaborative projects in the urban space.

How is knowledge generated? ” The ULK Art Labs applies a concept of knowledge derived from systems theory; one that does not seek to establish what is true; rather, it observes what kinds of knowledge is generated in what contexts, and is open to the idea that knowledge can always also be different. At the ULK Art Labs we use the knowledge, experience, and thoughts that the young art pilots bring with them as they enter the

museum, letting it interact with the research-based knowledge produced at the museum.” This was how Tine Nygaard, who was project manager of the initiative at the time, described the knowledge arising via the museum’s encounter with the first batch of art pilots back in 2007 when the ULK Art Labs were established as part of a wider-ranging research centre at the SMK. The concept of knowledge presented in the quote is systemic and inspired by Niklas Luhmann’s systems theory and constructivist communication theory as expressed in Soziale Systeme (1984). The use of terms such as ”experience” and ”thoughts”, interacting with ”the research-based knowledge” produced by the museum accentuates how research-based knowledge is only part of the totality of the knowledge generated by the ULK Art Labs. The main source of knowledge is always the young participants’ own background and frames of reference. At the ULK Art Labs we believe that no person is an empty vessel into which knowledge may be poured. To us the main point of interest is how knowledge is appropriated rather than what knowledge should be taken on board. In the light of modern theories on learning as presented by e.g. the museum theorists Eileen Hooper-

Greenhill and George Hein it has become clear that little is learnt from listening to one-way communication. We must actively participate in the learning process ourselves. In recent years the complexity of our society – which has moved from a single, universal image of society towards a more changeable and polycentric structure, as described by e.g. Lars Qvortrup with his thoughts on The hyper-complex Society – has governed the museums’ education, presentation, and communication strategies: they have become more specifically target-oriented and mutable in order to catch the attention of users – and non-users. Many museums have become aware that people appropriate knowledge in different ways.

Users as co-creators When the ULK Art Labs involves our users – the art pilots – in everything from the museum’s exhibition practices to education, presentation, and communication this effects a shift in the museum’s traditional instructive approach to a new position where museum users are perceived as constantly changing hybrids between visitors, guests, and co-creators. Users do not simply let themselves be educated and instructed by the museum; rather, they use the institution as the setting of a kind of

self-improvement, a self-edification based in the encounter between art and the user’s own world. Our view of education is that new levels of understanding – new knowledge – arise when a balance between previous and new experiences is struck. When they were first established the ULK Art Labs were among the first in Denmark to address user involvement or user-driven innovation within the context of art and culture. In recent years this trend has become far more widespread at cultural institutions in Denmark and abroad; such venues open themselves up to much wider audiences than tradition has hitherto dictated. Originally, however, the concept of user-driven innovation had nothing to do with cultural institutions and art. Rather, it was used by design companies when manufacturers wanted a product to specifically reflect and target the user’s wishes and needs. The US design company IDEO has been particularly instrumental in setting the agenda for this kind of user-driven innovation. So the concept is rooted in commercial ventures and a focus on product-related innovation.

constructionist theory of learning which states that knowledge about art only arises when it is explicitly addressed by those who participate in communication about art. In terms of learning and of presentation based on dialogue this approach means that we are all co-producers of all the knowledge we appropriate. This is not a question of top-down communication from a sender to a recipient, but of communication based on dialogue. Here, knowledge is constantly changing and adapted to match our different responses and horizons of experience. The name of the ULK Art Labs provides a quite accurate description of our dialogue-based concept of knowledge. It is a laboratory of art, i.e. a place where the production of knowledge is based on explorations, experiments, and ongoing change. The laboratory approach means that the ULK Art Labs are in a state of constant development. The articles that follow about selected ULK projects – or laboratory experiments – provide insight into the specific subjects explored by the ULK Art Labs in the year 2012.

At the ULK Art Labs user involvement is not about developing products, but about creating new knowledge about art through interaction with users. We work on the basis of the 89

Åbningstale 2. maj 2012

Gennemlyst – på sporet af Bosch og Bruegel Med bidrag af kunstpiloterne Emilie Fournaies Buchvald og Astrid Nordlund

Tænk at vi i dag står her foran udstillingen - så mange idéer, tanker og forsøg er endelig samlet i Gennemlyst – på sporet af Bosch og Bruegel. Det er en udstilling, som vi 20 tilknyttede kunstpiloter har glædet os til at se færdig, efter at vi i mange uger har arbejdet på højtryk. Vi kan ikke komme uden om, at åbningen af udstillingen er en særlig stor oplevelse for os kunstpiloter. Men det er ikke blot åbningen, som betyder meget. For et halvt år siden blev vi tilbudt at lave denne udstilling på museet, og det var fantastisk at opleve så stor en interesse for os kunstpiloter. Det har ikke blot været konservatorernes arbejde, som har fascineret os, siden vi første gang blev inviteret ind bag de ellers lukkede døre og fik et indblik i deres fantastiske arbejde på SMK. Vi skulle ikke bare være tilskuere, men indgå et samarbejde, og vi fik dermed mulighed for at sætte vores personlige præg på udstillingen. Det 92

har været en stor oplevelse at være en del af processen - step by step - og blive inddraget i alt, hvad angår lys, lyd, film, tekstformidling og rekvisitter i udstillingen og i samarbejde med udstillingsarkitekter, en interaktionsdesigner, kunstformidlere, håndværkere, kommunikations- og pressemedarbejdere, grafikere og konservatorer ikke mindst. Vi startede helt konkret med to plancher fyldt med idéer og muligheder, hvilket skabte selve rammerne for udstillingen. Efterfølgende arbejdede vi videre med modeller af rummene for derved at finde ud af, hvad der egentlig kunne lade sig gøre rent praktisk. Ud over at det er fantastisk at se udstillingen åbne, tror vi, at alle vi kunstpiloter kan se os selv i udstillingen i små ting, som man ved, er blevet til, fordi vi ønskede, at det skulle være sådan, hvilket er bevis på, hvor meget der er blevet lyttet til os, og hvor meget vi er blevet involveret. Ligeledes har det været utrolig tilfredsstillende at opleve, hvordan vores forskellige former for viden er blevet accepteret og på den måde har gjort os ligestillet med de mennesker, som normalt arbejder med museets udstillinger. Vi håber virkelig, at museet føler, at de også har lært noget af at arbejde så tæt sammen med unge kunstinteresserede. Vi er i hvert fald utrolig glade og begejstrede for resultatet i dag. Vores personlige idéer er blevet hørt og realiseret i udstillingen – idéer, som bevaringschefen Jørgen Wadum projekterede i ”full size” i udstillingen eller det fantastiske fordybelsesbord.

Alle detaljer, farveprøver, lyssætninger, formidlingsforslag blev til i en demokratisk beslutningsproces. Vi kan i dag pege på hver vores idé eller tanke i den færdige udstilling. Arbejdsprocessen har givet en forståelse for, hvor lang tid det tager at tilrettelægge og skabe en udstilling. Derudover har vi fået et indblik i konservatorernes omfattende og utroligt spændende arbejde. Og det er netop dét, vi ønsker at vise jer i udstillingen - ved at realisere en konservators værksted og vise, hvordan det fungerer i praksis – nemlig give jer indblik i, hvordan en videnskabelig tilgang til kunsten ser ud. Vores forhold til udstillinger på SMK er desuden blevet vendt helt på hovedet. Normalt oplever vi værkerne og diskuterer vores indtryk af udstillingen - nu kunne vi pludselig ikke undgå at tænke på gamle skitsetegninger under det reelle værk eller på farvelagene, og hvor farverne egentlig kom fra. Dette viser mest af alt nok, hvor optaget vi blev af denne nye verden, som konservatorerne åbnede for os. Ud over at dette har været en utrolig spændende oplevelse for kunstpiloterne hver især, har det også bragt os tættere sammen og samtidig endnu tættere med museet, end vi før har følt os. Vi har som sagt alle været utrolig optaget og interesseret i konservatorernes arbejde, og vi håber og tror, at vi kan give jer samme oplevelse, som vi selv havde, da Jørgen Wadum præsenterede sit arbejde første gang i Unges Laboratorium for Kunst. 93

”Man fik et indblik og en indflydelse på nogle processer, der normalt ikke er tilgængelige. Det føles lidt, som om man får del i en lille hemmelighed - alt det, der sker bag om udstillingerne.” - Karoline Krabbe, kunstpilot

”Som interaktionsdesigner på SMK husker jeg processen med kunstpiloterne som et af det mest givende af de projekter, jeg har været en del af på SMK. Interaktionen med kunstpiloterne og at være med til processtyringen – den kreative proces. Fra alle åbne forslag til sammen at sætte rammerne for formidling af konservatorernes fortællinger. Skabelsen af det scenografiske rum var meget vellykket, men vi kunne sagtens have skruet mere op for det sanselige i mine øjne. Kunstpiloterne ønskede en soberhed i udstillingsrummene, samtidig med at udstillingen skulle præges af meget oplevelsesdesign. De ville have, at udstillingens afsender var hele udstillingsgruppens, dens mange fagligheder - og det var en sympatisk tanke.” - Louise Springborg, interaktionsdesigner i ’Gennemlyst – på sporet af Bosch og Bruegel’

”Processen omkring denne udstilling har været utrolig interessant for mig personligt, og enormt inspirerende for gruppen. Det er direkte ung-til-ung formidling med dybde, intensitet og poesi. Det er supervigtigt rent kulturelt, men også et sjovt og vigtigt alternativ til de steder, hvor vi ellers er aktive; Roskilde Festival, Facebook, YouTube, Twitter.” - Frederik Worm, kunstpilot

”Det er virkelig mit indtryk, at udstillingen har været i stand til at kommunikere til folk, på tværs af alder, netop fordi den er udarbejdet af både unge kunstpiloter og professionelle museumsmedarbejdere. Måske har Gennemlyst vækket en større nysgerrighed for de historier, der ligger bag museets malerier, fordi vi har været med til at fortolke og lave sanselig museumsformidling.” - Malene Prytz, kunstpilot

Opening speech, 2 May 2012

Illuminated – Tracing Bosch and Bruegel With contributions from Emilie Fournaies Buchvald and Astrid Nordlund, art pilots

“Just think that today, we finally stand here in front of the exhibition. So many ideas, thoughts, and experiments have finally come together in Illuminated – Tracing Bosch and Bruegel. All 20 art pilots who have been involved with the project have greatly looked forward to seeing the final result after working at full speed for weeks. This opening is a particularly important event for us art pilots. But the official opening is by no means the only thing that is important to us. Six months ago we were offered the chance to create this exhibition at the museum, and it was marvellous to feel such great interest in us as art pilots. The conservators’ work has fascinated us ever since we were first invited to look behind the usually closed doors, gaining insight into their fantastic work here at SMK. But now we were not just observers, but had been asked to enter into a collaborative effort, and this gave us the opportunity to put our own personal imprint on the exhibition. We have thoroughly 98

enjoyed being part of this project every step of way, getting involved in everything from lighting, sound, film, texts, and props, working together with exhibition architects, an interaction designer, art educators, builders, communication and PR officers, graphic designers – and of course the conservators. Our work began by filling out two large posters with ideas and options, thereby setting out the framework of the exhibition. Afterwards we worked with models of the rooms in order to determine what could actually be realised in purely practical terms. We believe that each and every art pilot can see something of ourselves in the exhibition in little things that we know have ended up like that because we thought they should be like that. They prove how everyone have really listened to us and the extent to which we have been involved in the work. It has also been immensely satisfying to see how our different kinds of knowledge have been accepted, putting us on an equal footing with the people who usually work with the museum’s exhibitions. We really hope that the museum feels that they have also learnt something from working this closely together with young art fans. For our part, we are extremely pleased with the results we see here today. Our personal ideas have been heard and realised in the exhibition – ideas that the Keeper of Conservation, Jørgen Wadum, projected out into fullscale representations in the exhibition or in the marvellous study desk. All details, colour samples, lighting, and

presentation proposals were decided upon democratically. Today, each of us can point to one of our own ideas or thoughts in the finished exhibition. The working process has made us appreciate how long it takes to plan and create an exhibition. And we have gained insights into the demanding and incredibly exciting work done by the conservators. That is also what we want this exhibition to do. By setting up a conservator’s workshop and demonstrating how it works we want to provide insight into a scientific approach to art. The process has also turned our entire relationship with exhibitions at SMK upside down. We usually simply experience the works of art as they are and discuss our impressions of the exhibition – but now we suddenly can’t stop thinking about the probable underdrawings beneath the work we see, about the layers of colours, and about where the pigments would have come from. This certainly demonstrates how fascinated we became with the new world that the conservators opened up for us. The entire event has been a fascinating experience for each of us, but it has also brought us even closer together as a group – and forged an even closer link between us and the museum. As we have already said , we were greatly fascinated by the conservators’ work, and we hope that we can offer visitors an experience similar to the one we had when Jørgen Wadum first presented his work at the ULK Art Labs.

”As interaction designer at SMK I recollect the process with the art pilots as one of the most rewarding projects I have ever been part of at the museum. This includes the interaction with the art pilots, being part of the process management – and the creative process as such. Going from a lot of open-ended proposals to establishing a firm framework for presenting the conservators’ stories. The scenographic space was highly successful, even though I thought we could easily have incorporated greater sensuousness in the design. The art pilots wanted a sense of soberness and stringency in the exhibition space, and they also wanted the presentation to be very much governed by experience design. They wanted to present the entire exhibition team as the sender, incorporating all the many professions it includes – and that was a sympathetic notion.” - Louise Springborg, interaction designer for ’Illuminated – Tracing Bosch and Bruegel’

“My impression is that the exhibition has been able to communicate with people across all age groups precisely because it was developed in co-operation between young art pilots and professional museum staff. Perhaps Illuminated has prompted greater interest in the stories behind the museum’s paintings because we have helped interpret how the museum presents its exhibitions and made it more tactile.” - Malene Prytz, art pilot

”You got insights into processes that are not usually accessible to the public – and a chance to influence them. It felt a little like being let into a secret – into all the things that happen behind the scenes.” - Karoline Krabbe, art pilot

”The processes surrounding this exhibition have been incredibly interesting for me personally, and hugely inspiring to the group. This is direct peer-to-peer communication for young people, full of depth, intensity, and poetry. It is a super-important cultural event in itself, but it also offers a fun and important alternative to the other places where we are active: Roskilde Festival, Facebook, YouTube, Twitter.” - Frederik Worm, art pilot

”Having your voice heard at the museum, having your opinions taken into account, is a fantastic experience, and that was exactly what I felt during the creation of the exhibition Illuminated. Working with a team of museum staff to arrange an exhibition where your own opinions are taken into account through all the stages – from the initial idea phase to the building of models and the final presentation – is very validating. It clearly demonstrates how the SMK, a state institution, is capable of getting its users involved.” - Laura Vangsgaard, art pilot

Med bidrag af kunstpiloterne Frederik Worm og Lea Cecilie Bennedsen

Hvad bruges UV-lys til på et museum? Gennemlyst – på sporet af Bosch og Bruegel

Med missionen om at SMK’s viden om kunsten altid skal gøres synlig og tilgængelig for brugerne, indgik 20 kunstpiloter, bevaringseksperter, en interaktionsdesigner, en arkitekt, scenografer, håndværkere, kunsthåndterere, avmedarbejdere, kunstformidlere, kommunikations- og pressemedarbejdere i et tæt samarbejde for at præsentere historien om fire næsten ens malerier fra 1500-tallet. Det var første gang, at kunstpiloterne fra ULK var medproducenter af en udstilling. Teamet skulle omsætte forskernes opdagelser til en udstilling, som løftede sløret for de resultater, konservatorerne kom frem til under undersøgelserne af fire malerier, som til daglig hænger på Kadriorg Art Museum i Tallinn, Glasgow Museum og SMK, mens et er i privateje. Undersøgelserne blev til i et samarbejde mellem de tre museer, University of Glasgow og CATS, Centre for Art Technological Studies and Conservation.

”Min første indskydelse var, at nederlandsk maleri ikke var specielt dragende – men at møde konservatorerne og deres historier fængede mig fuldstændig. Vi fik pludselig indblik i et arbejde, museumsbesøgende ikke normalt oplever. Konservatorerne var meget pædagogiske i deres introduktion og inddragelse af os – og hvis vi som kunstpiloter kunne videreformidle den øjenåbner, så gav det mening for ULK.” - Frederik Worm, kunstpilot Maleriernes motiv De fire malerier i udstillingen forestiller Kristus, der driver kræmmerne ud af templet. Malerierne repræsenterer fire versioner af samme tema. Det er historier om moral, illu-

100

streret gennem gådefulde scener i og omkring templet, der spiller på budskaber om religiøse konflikter og kontrasterne mellem rig og fattig, lærd og uskolet.

Værkernes hemmeligheder og historier Udstillingens fokus lå dog langt dybere i maleriet end i motivet. Det handlede om, hvilke historier og hemmeligheder, der kommer til syne, når fortidens kunst udforskes med nutidens moderne videnskabelige metoder. Vi fik altså mulighed for at få indblik i kunstnerens arbejdsmetoder og intentioner ved at gennemlyse værkerne, så vi kunne se materialer og undertegninger.

Udstillingens opbygning Med udstillingen Gennemlyst – på sporet af Bosch & Bruegel kunne du tage med på en opdagelsesrejse ind under overfladen på fire malerier, følge konservatorernes arbejde og komme tilbage til 1500-tallets kunstatelierer. Udstillingen indeholdt meget få tekster og var i stedet fyldt med redskaber og digitale værktøjer til en større forståelse af maleriernes hemmeligheder og de skjulte lag. Så snart du trådte ind i udstillingen, blev du gennemlyst af illusionen af uv-lys. Du følte på egen krop, hvordan malerierne var blevet undersøgt. I en rekonstruktion af konservatorernes værksted på SMK oplevede du, hvordan konservatorerne arbejder bag kulisserne, og fik selv mulighed for at undersøge i mikroskop, se pigmenter og gå på opdagelse i konservatorernes univers. Du kunne også opleve forsiden og bagsiden af museets egen version af maleriet, der sammen med de tre andre værker fra Glasgow, Tallinn og i privateje har været genstand for undersøgelserne. I udstillingen kunne du på egen hånd dykke dybere ned i maleriernes lag gennem seks forskellige touch screens, der gav dig oplevelsen af selv at gennemlyse værkerne, se skjulte detaljer og følge pigmenternes rejse.

BRUGERNES KOMMENTARER ”Jeg følte mig som deltager” ”Jeg blev meget klogere på konservering, pga. snak med konservator” ”Afslappet. Meget gennemført og interessant, kreativ opsætning - værkstedsagtig er et plus” ”Værkstedsagtigt på den gode måde” ”Super intro m. konservatoren Jørgen Wadum. Så levende, at jeg først troede, han stod der - og ikke ville forstyrre :-)” ”Sjovt, med samme maleri på forskellige måder” ”Så godt!” ”Mærkeligt at kalde det kunst” ”Jeg vidste ikke, hvad jeg gik ind til, men det viste sig at være utroligt interessant” ”Informationsniveauet var for lavt, jeg var mere interesseret i at lære om processen, ikke at lege konservator” ”Den talende mand er god!” ”Jeg havde for lidt tid, men det er jo min egen skyld” ”Det lugtede en bitte smule af pizza” ”Flot og masser af farver” ”Interaktive skærme er fine, men kan ikke stå alene. Det er forstyrrende, at man skal bladre hele tiden. Gammeldags plancher har også sine fordele, man bliver ikke træt i armene af dem” ”Jeg vender tilbage (besøgte udstillingen 3 gange) - animeret til fordybelse, især i detaljerigdommen i maleriet/malerierne - behov for at gentage en god oplevelse” ”MERE TAK ;)” ”Overvældende meget”

101

UserS’ comments With contributions from Frederik Worm and Lea Cecilie Bennedsen, art pilots

What is UV light used for at a museum? Illuminated – Tracing Bosch and Bruegel

Sharing a common mission – that the SMK’s knowledge about art should always be made visible and accessible to users – a team of 20 art pilots, conservation experts, an interaction designer, an architect, scenographers, carpenters, art handlers, AV specialists, art educators, and communication and PR staff entered into close co-operation in order to present the story of four almost identical paintings from the 16th century. This was the first time that art pilots from the ULK Art Labs were co-creators of an exhibition. The team set out to translate the researchers’ results into an exhibition, presenting the discoveries made by conservators while studying four paintings – one from the Kadriorg Art Museum in Tallinn, one from Glasgow Museum, one from Statens Museum for Kunst, and one from a private collection. The studies were conducted as a joint effort involving the three museums, the University of Glasgow, and CATS, Centre for Art Technological Studies and Conservation.

”My first impression was that old Dutch painting was not particularly interesting – but meeting the conservators and hearing their stories really got me hooked. We suddenly got insights into an area of work that visitors don’t usually see. The conservators gave us a great introduction and were very good at involving us – and if we as art pilots could help others have a similar eye-opening experience, then that would make perfect sense for the ulk Art Labs to be involved.” - Frederik Worm, art pilot The paintings’ subject matter The four paintings presented in the exhibition depict Christ driving the traders from the temple, offering four variations 102

on the same theme. In the four paintings we can find stories of morality illustrated via enigmatic scenes in and around the temple; stories that convey messages of religious conflict and contrasts between rich and poor, the learned and the ignorant. Secrets and stories However, the exhibition delved much deeper than the subject matter itself. Its main focus was the stories and secrets unearthed when art from the past is studied by means of modern science. UV scans of the paintings gave us insight into the artists’ working methods and intentions by showing us the underdrawings and materials used. Exhibition structure The exhibition Illuminated – Tracing Bosch & Bruegel allowed visitors to explore what lay beneath the surface of four paintings, to follow the conservators at work, and to journey back to a 16th century artist’s studio. The exhibition featured very few texts; rather, it was filled with e.g. digital tools to help you explore and appreciate the painting’s secrets and hidden layers. The moment you stepped into the exhibition you were bathed in an illusion of UV light, experiencing how the paintings had been studied on your own body. A replica of the conservators’ workshop at the SMK showed you how conservators work, and you had the chance to study objects under a microscope, to examine pigments, and to explore the conservator’s world. You could also see the front and back of the museum’s own version of the painting, which was the object of the extensive studies along with the Glasgow, Tallinn, and privately owned paintings. At the exhibition you could delve down through the paintings’ layers of pigment on six different touch screens that let you experience the works in UV light and x-ray, see hidden details, and follow the journeys made by various pigments.

”I felt like I was part of it all” ”I learned a lot about conservation from talking to the conservator” ”A relaxed feel. Very well put together; an interesting, creative set-up – the workshop-like feel is a major plus” ”Workshop-like in the good way” ”The introduction by the conservator Jørgen Wadum was really great. It was so lifelike that I initially thought he was actually there – and didn’t want to interrupt :-)” ”It was fun to see the same painting in different ways” ”Really great!” ”Call this art? Strange.” ”I didn’t know what I was in for, but it turned out to be really interesting” ”Not enough information; I was more interested in learning about the process, not in playing at being a conservator” ”The talking guy is good!” ”I didn’t have enough time, but of course that’s my own fault” ”It smelt a little like pizza” ”Beautiful and lots of colour” ”Interactive screens are fine, but they cannot stand alone. Having to leaf through everything is disruptive. Old-fashioned posters have their advantages too; they certainly won’t wear out your arms” ”I’ll be back (visited the exhibition three times) – this presentation invites deep immersion, particularly the wealth of detail in the paintings – I needed to repeat a good experience” ”MORE, PLEASE ;)” ”An overwhelming abundance of material” 103

TALES - CREATE THE NEXT SCENE

Erfaring Sanselig udfoldelse

Med bidrag af Emil Lüth, kunstpilot og Jenni Saunte, projektleder på Biblioteket Frederiksberg

Brugeroplevelsen

Rigdom

Ejerskab

Bredde

TALES er et pilotprojekt og en app, hvor du med din smartphone eller tablet kan skabe historier i ord og billeder - og fortælle videre på andres fortællinger. Appen er udviklet af unge fra Biblioteket Frederiksberg og kunstpiloterne fra ULK og lægger sig i forlængelse af sociale apps som Instagram og Movellas. En scene er en scene er en scene TALES er en sjov, let og ikke mindst perspektivrig måde at eksperimentere med fortællinger på. Med appen kan man fastfryse et øjebliks inspiration til billede og ord og spinde videre på andres fortælletråd og på den måde skabe nye fælles historier. Fortællingerne deler man i TALES’ online forum, hvor man får umiddelbar respons fra andre brugere, som igen kan føre stafetten videre og udfordre dig til nye historier. TALES er udviklet som et dialogisk online rum til kulturformidling, men den kan benyttes overalt og på tværs af tid og sted. De unge bag TALES tog afsæt i andre sociale fora og apps som Wikipedia, Instagram og Movellas, hvor brugere på lignende vis samarbejder om indhold og bygger videre på hinandens indslag. Startskuddet – Collaborative Art Udviklingen af appen TALES var en opdagelsesrejse i krydsfeltet af stemmer fra unge, frivillige kunstformidlere, bibliotekarer og interaktionsdesignere - med det fælles mål at få brugerne til at være medskabere af en fælles fortælling i et enkelt, performativt, virtuelt rum med mulighed for at udfolde sig æstetisk, blive set og være deltagende. Workshops formede den fælles målsætning om en digital platform, der skulle gøre det muligt for brugere sammen at forene fragmenter til en helhed 104

gennem kreative kollektive processer, og samtidig sikre et fælles ejerskab og give brugeren mulighed for at reflektere over sine sanser. ”Jeg elsker, når min fortælling tager en uventet drejning, fordi en anden har bygget videre på den. Det er sjovt, når det bliver til noget helt nyt – og det er det samspil, der er idéen i TALES. Vores mål med TALES er, at man kan udtrykke sig sammen med andre, om lige præcis det, man nu synes er interessant, sjovt eller trist – og uanset hvor man er,” - Emil Lüth, kunstpilot På SMK og Biblioteket Frederiksberg Med ULK har SMK sat fokus på øget brugerinddragelse, og i den sammenhæng er TALES et vigtigt redskab, da appen også er et tilbud for brugere på museet. I SMK’s Information kan alle låne en iPod og gå i dialog med kunsten – sætte den i nye kontekster med egne ord og billeder og på denne måde skabe egne versioner af værkerne, tage ture i museets samlinger og synliggøre personlige favoritter blandt værkerne for andre. Og bygge videre på andres fortællinger i samlingerne. Med TALES kan museets brugere lufte deres betragtninger over kunsten og kunstoplevelsen på nye måder. De kan sammensætte deres egne omvisninger i 700 års kunst og gøre den tilgængelig for andre. Eller de kan respondere direkte og spontant på et enkelt værk. Fortællinger i dette pilotprojekt kan inspirere museet fremadrettet i arbejdet med at formidle kunsten.

På Biblioteket Frederiksberg, som er spækket med fortællinger, kan man som læser selv digte videre på historierne. Sådan er det også med TALES, men her slippes historierne helt fri i hænderne på alle, der har lyst til at være med, uanset hvor og hvem de er – og biblioteket ønsker netop at favne dette. Biblioteket Frederiksberg vil benytte TALES til at engagere bibliotekets brugere på nye spændende måder i forbindelse med kommende formidlingstiltag. Her får bibliotekets brugere nu mulighed for selv at skabe starten på en fortælling. TALES er støttet af Styrelsen for Bibliotek og Medier og udviklet i samarbejde med designbureauet b14. TALES kan downloades gratis til smartphones og tablets på App Store og Google Play.

105

/ TALES - CREATE THE NEXT SCENE With contributions from Emil Lüth, art pilot and Jenni Saunte, project manager at the library Biblioteket Frederiksberg

Experience Sensory expression

User experience

Richness

Ownership

Scope

TALES is a pilot project and an app that allows users to use their smartphone or tablet to create stories via words and images – and to continue the tales told by others. The app, which was developed by young people from the library in Frederiksberg and art pilots from the museum’s ULK Art Labs, is similar to social apps such as Instagram and Movellas. A scene is a scene is a scene TALES is a fun and easy way of experimenting with narratives – one that is full of new perspectives. The app lets you capture a moment of inspiration in pictures and words and continue the narrative thread woven by others, thereby creating new, jointly told stories. The stories are shared on the online TALES forum; here you will get immediate response from other users who will in turn pick up the baton and challenge you to come up with new stories. TALES was developed to serve as an online space for dialogue and for presenting cultural subjects, but it can be used everywhere, across time and space. The young people behind TALES took their point of departure in other social forums and apps such as Wikipedia, Instagram, and Movellas where users take similar approaches to co-operating on the generation of content and to building on the contributions made by others. The beginning – Collaborative Art The evolution of the TALES app constituted a journey of discovery conducted in a polyphonic field that involved young volunteer art pilots, librarians, and interaction designers – all united by a wish to make the app’s users co-creators of a shared narrative in a simple, performative, virtual space that offers opportunities for expressing oneself aesthetically, for being seen, and for making a contribution to something bigger. 106

Workshops helped shape a common objective: a digital platform that would enable users to jointly fuse fragments into an integrated whole through creative collective processes while also ensuring joint ownership and giving users opportunities for reflecting on their senses and how they perceive the world.

”I love it when my tale takes on a whole new direction because someone else has picked it up and continued working on it. It is great fun to see it becoming something entirely new – and this sort of interaction is at the very heart of the TALES concept. Our objective with TALES was to enable people to express themselves together with others about whatever subject you happen to find interesting, fun, or sad – no matter where you are.” - Emil Lüth, art pilot

At SMK and Biblioteket Frederiksberg With the ULK Art Labs Statens Museum for Kunst has focused attention on the concept of greater user involvement, and TALES is an important tool in this regard because the app is also made available to museum visitors. All users can borrow an iPod from the SMK Information Desk and use it to enter into dialogue with art – to place it within fresh contexts shaped by their own words and images, thereby creating their own versions of the works; they can tour the museum collections and point out personal

favourites to others. And they can continue to build on narratives created by others in the collections. With TALES the museum’s users can give voice to their thoughts about art and the art experience in new ways. They can fashion their own tours through 700 years of art and make them available to others. Or they can respond directly and spontaneously to a particular work of art. The narratives of this pilot project may serve as inspiration for the museum’s future education and presentation activities. At Biblioteket Frederiksberg, which is of course brimful of narratives, readers can continue and embellish the stories themselves. This is also the case with TALES, but here the stories are placed entirely at the disposal of everyone who wishes to get involved, no matter where and who they are – and this is exactly what the library wishes to embrace. Biblioteket Frederiksberg will use TALES to involve and engage library users in new and exciting ways. Here, library users will have the opportunity to create the start of a tale themselves. TALES is sponsored by Styrelsen for Bibliotek og Medier (the Danish Agency for Libraries and Media) and was developed in collaboration with the design agency b14. TALES for smartphones and tablets can be downloaded for free at App Store and Google Play.

107

”Det er ingen kunst at… flette bacon” ULK på Roskilde Festival 2012 Med bidrag af kunstpiloterne Karoline Krabbe, Naja Jessen, Sara Tarby, Lise Astrid Grundtvig Olsen, Laura Vangsgaard og Filip Vest

Flydende farvelaboratorium

”Selvom Roskilde Festival først og fremmest er en uge, hvor folks kærlighed til musik, mudder og makrelmadder får frit løb, beviste festivalens gæster i 2012, at der ikke bliver sparet på kreative tanker og kloge ord - selv om tømmermændene stadig hamrer i baghovedet. De to simple sætninger ”Kunsten er at” og ”Det er ingen kunst at…” blev nemlig startskuddene til visdomsord om alt fra mødre, kønssygdomme, kærlighed, og drømme til flettet bacon”. - Karoline Krabbe, kunstpilot Roskilde Festival skiller sig ud fra mange andre kreative miljøer, fordi festivalens gæster smider alle hæmninger og lader følelser og tanker få frit løb. Netop denne unikke atmosfære giver mening for ULK til at lave projekter, der får folk til at give deres besyv med. Det er et perfekt sted til at skabe dialog, fordi ingen føler behov for at opretholde en formel facade eller en tankegang, der holder sig inden for normalen. På Roskilde Festival er det tilladt – nærmest meningen - at tænke uden for boksen, deltage og gøre noget skørt. 2012 blev året, hvor Unges Laboratorier for Kunst indtog Roskilde Festival med de to projekter: Tankeværk og Liquid Lounge. De første spadestik blev taget allerede i februar – og med en masse research, kreative samarbejder og sponsorater i ryggen skabte kunstpiloterne en lang, skrivbar væg og en farvebombarderende lounge for alle festivalens gæster. For kunstpilot Laura Vangsgaard i Roskilde-teamet stod det helt fra starten klart, at projekterne skulle være inkluderende og invitere festivalgæsterne til at tage del: ”De skulle selv være med til at skabe projektet. Tankeværk og Liquid Lounge skulle med deres forskellighed opfylde de tanker 108

og visioner, vi havde om at skabe et foranderligt projekt, der ændrede sig, alt efter hvem der lagde deres vej forbi, samtidig med at der var plads til, at folk kunne ’tage en slapper’ og iagttage festivalens pulserende liv.

Kunsten er... et Tankeværk!   Med Tankværk skabte ULK rammen for en inspirerende dialog om kunst sammen med festivalens brugere på en 104 meter lang tavlevæg, der gav plads til skæve tanker og umiddelbare indfald. Med udgangspunkt i sætningerne: ”kunsten er at...” og ”det er ingen kunst at...” skulle festivalgæsterne selv afslutte sætningerne og komme med deres bud. Tankeværk blev en væg til umiddelbar dialog og eftertænksomme udsagn, hvor festivalens gæster bidrog med alt fra lommefilosofi til moralske tømmermænd. Væggen var netop udtænkt dynamisk, og alle var selv medskabere med bud på, hvad kunsten er - eller ikke er. Væggen var i konstant forandring, og der kom hele tiden nye sætninger til, mens andre blev visket ud for at gøre plads til nye. Når kunstpiloterne Naja og Laura tænker tilbage på, hvordan gruppen to gange dagligt klargjorde væggen, der på under en time var fyldt ud med

projekter bidrog til festivalgæsternes eftertænksomhed, fordi det ene opmuntrede til udtryk, ekstern og delt eftertænksomhed, og det andet opmuntrede til stille, privat og individuel eftertænksomhed. Det ene affødte en dialog mellem gæsterne, som kunne ses, og det andet projekt ville have folk til bare at se”.

sætninger som: ’Det er ingen kunst at… ’sutte en fugl’, ’være enige’, ’vælge sine kampe’, ’at følge sine drømme’ og ’elske’, var det en bekræftende oplevelse for dem at se, hvordan festivalgæsterne tog imod Tankeværk, og hvor hurtigt væggen blev fyldt ud af festivalgæsterne: ”Det var både de mænd, der satte teltene op i opstartsdagene og graffitidrengene, der syntes, vi brugte for meget plads på en væg, de kunne have sprayet til. Og da festivalgængerne kom, tog det ingen tid, før vi måtte vaske væggen ned, så der var plads til flere gode bud på, hvad kunst er – og ikke er’. I løbet af bare få timer var Tankeværk helt fyldt med alt fra filosofiske tanker til pudsige påfund, og folk var ikke bange for at kommentere andres udsagn, og dialogen var derfor hurtigt i gang”. Kunstpilot Sara Tarby peger på, at Tankeværk både var et aktivt og humoristisk indspark til dialog og møder imellem festivalgæsterne med netop de skæve, eftertænksomme stencils over lange bænke med teksterne ’vil du høre en hemmelighed?’, ’vil du se Frihedsgudinden i Danmark?’ eller ’ville ønske du sad ved siden af mig’, der transformerede et kort hvil mellem koncerterne til meget mere: ”Begge

Liquid Lounge var et farvestrålende farvetag og blev til i et samarbejde mellem ULK’s kunstpiloter, Kasper Berthelsen og Martin Aggerbeck fra soapbubbles.dk og DTU. Loungen blev stedet, hvor mange festivalgæster tog en pause fra det pulserende festivalliv i sidde- og liggemøbler og med tid til afslapning, eftertænksomhed, fordybelse og visuel stimulans. Taget bestod af transparente akrylplader og kemiske væskeblandinger, der udfordrede forestillingsevnen og gav plads til sanselig fordybelse – i konstant forandring, fordi lysshowet af kemiske væsker i taget var afhængigt af vejr og vind, temperaturer og høje baslyde, som fik farvestrålende væsker mellem akrylplader til at bevæge sig rundt og derved skabte nye mønstre og forbindelser. I Liquid Lounges ønskede kunstpilot Sara Tarby, at folk virkelig skulle være i deres ”zen”, når de trådte ind under taget: ”Jeg var i ekstase, da jeg så de første lægge sig i stolene og bare kigge op på det multifarvede, bevægende tag, fuldstændigt som jeg havde forestillet mig det. Det kunne jo sagtens blive til en utopi, da vi var placeret midt i orkanens øje på festivalen, hvor aktivitetsniveauet er på sit højeste, og folk simpelthen ikke havde tid eller lyst til at stoppe op til eftertænksomhed”.

Mange stemmer – et fælles mål For kunstpiloterne Laura og Lise bekræftede hele processen dem i troen på, at den fælles indsats i ULK i høj grad er medvirkende til, at projekter af denne størrelse kan realiseres: ”Gruppemæssigt knyttede det os tættere sammen, da vi i tilblivelsesprocessen tilbragte meget tid sammen – man lærte hinanden bedre at kende og

lærte, hvordan vi på bedst mulig vis kunne skabe sammen, samtidig med at vi havde det sjovt. Vi har lært meget om team spirit og ansvar under udviklingen af projekterne - specielt under opbygningen, hvor der til tider var brug for fælles opmuntring og kampånd på grund af de udfordringer, der selvfølgelig altid dukker op i en proces, hvor behov og praktiske forhold hele tiden forandrer sig, imens processen skrider frem. Det bekræftede os i ULK’s gode sammenhold og evnen til at løfte i flok. Vi lærte som gruppe at få alles hænder og tanker til at gå op i en højere enhed og endte med to rigtig flotte projekter, som vi kan være stolte af. Det gør også meget for fællesskabets sammenhold, at vi sammen løftede udfordringerne, og dette kun takket være alles indsats. Vi kom tættere ind på hinanden - vi blev rystet ud af vores faste rammer og blev tvunget til at arbejde under andre betingelser, men fik også nye muligheder. For kunstpilot Sara Tarby betød det, at hun i processen lærte meget om sig selv som del af et frivilligt community: ”Der er forskellige kræfter at byde ind med i en arbejdsgruppe, og jeg lærte, hvad jeg kan bidrage med og måske vigtigst af alt, hvad jeg har brug for fra andre. Det er sjovt med frivillige communities - man lønnes ikke og kan ikke ’fyres’. Man stoler fuldt og fast på, at de mennesker, som er der, er passionerede og engagerede, siden de er der i fritiden. Motivationen for at deltage og bidrage er en helt anden, end hvis det bare var et job. Jeg har også lært, at jeg som medspiller skal lære, at når man er flere om arbejdet, så må man også have tillid til sine medmennesker. Jeg alene kan ikke være overalt i så store projekter, så der er områder, man involverer sig i - og så er der andre, som man må overgive til andre. Det kræver for det første en stor del planlægning, så man internt er på samme side og har samme visioner, og så kræver det en stor del tillid, og det er jeg blevet bedre til. Det at være kunstpilot er ikke bare et spørgsmål om at være kringlet og kreativ. Du skal lige pludselig fungere i en stor gruppe

og planlægge stramt og struktureret, for projektet må ikke lande på jorden – det er alvor. Du har Roskilde Festival og SMK i ryggen med tillid og midler, - så man vokser med opgaven, og det er skønt!” I kunstpilot Filip Vests øjne var hele processen enormt interessant, fordi gruppen af kunstpiloter var nødt til at starte helt fra bunden i projektets begyndelse: ”Vi havde med Liquid Lounge for eksempel ikke nogen kontakter i forvejen til de studerende fra DTU, vi gerne ville have et samarbejde med, så det var bare om at komme i gang med at ringe rundt. Jeg kan huske, jeg følte mig som en slags detektiv, da jeg sad og undersøgte, hvad de forskellige professorer skrev projekter i, og hvem der var leder for hvilke kandidatuddannelser. Herefter skulle jeg ringe ind og blive omstillet til den ene, som omstillede mig til den anden, og efterhånden må jeg have snakket med halvdelen af staben derindefra. Normalt ville jeg ikke have tænkt over, hvad der egentlig lå i at organisere et samarbejde, men pludselig står man med det i hænderne - og det har for mig været en virkelig lærerig oplevelse”.

SMK rækker ud Når ULK er til stede på Roskilde Festival og i byens rum uden for museets faste rammer, er vi med til at vise, at kunst ikke kun findes på museernes hvide vægge. Kunst kan opleves hvor som helst. For ULK og kunstpiloterne er det vigtigt også at gå i dialog om kunst på et jordnært plan i et frirum, hvor der er tid til at udforske og undersøge stemmer, vi ikke til daglig møder på museet. SMK og kunsten bliver mere tilgængelig, når festivalens gæster møder museet i uformelle rammer – og Roskilde Festival er et godt sted at starte en dialog om kunst mellem unge. Den bliver pludselig vedkommende, ufarlig og ligefrem – og det tiltaler mange, der på denne måde får blod på tanden til at udforske mere og måske gøre museet og kunsten til deres eget. 109

110

111

112

113

114

115

”There’s no great art to … braiding bacon” ULK at Roskilde Festival 2012 With constributions from art pilots Karoline Krabbe, Naja Jessen, Sara Tarby, Lise Astrid Grundtvig Olsen, Laura Vangsgaard, and Filip Vest

”Even though the Roskilde Festival is first and foremost a week where people’s love of music, mud, and mucky food is given free rein, the festivalgoers of 2012 certainly proved that there is no shortage of creative thoughts and wisdom among them – even with a throbbing hangover. The two simple sentences “There is a special art to …” and “There is no great art to…” became the starting points for words of wisdom about everything from mothers, venereal disease, love, and dreams to braided bacon”. - Karoline Krabbe, art pilot

Roskilde Festival is different from many other creative settings: It’s visitors let go of all inhibitions and give their emotions and thoughts free rein. This unique atmosphere makes it a natural choice for the ulk Art Labs to stage projects that invite people to contribute something themselves. It is a perfect place for engaging in dialogue because no-one feels the need to maintain a formal façade or a mode of thinking that stays firmly within the accepted norms. At Roskilde Festival you are allowed – even supposed – to think outside the box, to take part in things, and to do something silly. In 2012 the ulk Art Labs conquered the Roskilde Festival with two projects: Tankeværk (“Thinking Work”) and Liquid Lounge. The first preparations were made back in February – and with a lot of research, creative collaborations, and sponsorship support the art pilots created a long wall that could be used to write on and a colourful lounge for all festival visitors. To art pilot Laura Vangsgaard from the Roskilde team there was no doubt: right from the outset it was clear to her that the projects should invite festivalgoers to take part in the proceedings: ”We wanted them to help shape the project themselves. Tankeværk and 116

Liquid Lounge were created on a basis of a vision of staging mutable projects that changed according to whoever happened to pass by, and at the same time they should allow people to chill out and observe the frenzied festival life from a different position.

There is an art to ... Thinking Work!   With Tankeværk the ulk Art Labs created a framework for an inspirational dialogue with festivalgoers. A 104-metre long blackboard wall allowed all interested parties to offer up their immediate thoughts, impressions, and leftfield ideas. Essentially, the wall prompted visitors to complete two sentences: “kunsten er at...” (“There is a special art to …”) and “det er ingen kunst at...” (“there is no great art to …). Tankeværk became a site of instant, immediate dialogue and thoughtful statements; the festivalgoers’ contributions ranged from homespun philosophy to expressions of moral remorse. The wall was conceived as a dynamic, constantly changing entity, and all contributors helped co-create the work by offering their views of what art is and isn’t. New sentences were added regularly, while others were erased to accommodate new ones.

When the art pilots Naja and Laura think back on how the group prepared the wall twice a day, only to see it filled with sentences such as “There is no art to … ‘sucking a bird, ‘agreeing’, ‘picking your battles’, ‘following your dreams’ , and ‘loving someone’ in less than an hour, they remember how reaffirming for them it was to see how the festivalgoers embraced Tankeværk and how quickly the wall got filled: ”There were plenty of reactions at first from the guys who set up the tents during the early start-up days and the graffiti crowd who thought that we took up way too much space on a wall that they could have used. Once the festivalgoers arrived it took next to no time before we had to wash down the wall to allow room for more thoughts on what art is – and isn’t. It just took a few hours for Tankeværk to fill up completely with everything from philosophical thoughts to odd ideas, and people were not afraid to comment on statements made by others. All this meant that the dialogue was up and running almost instantly.”

Art pilot Sara Tarby points to how Tankeværk made an active and humorous contribution to dialogue and encounters between festivalgoers, not

least with the stencilled statements above the long benches where texts such as “would you like to hear a secret?”, “would you like to see the Statue of Liberty in Denmark?”, and “would you like to sit next to me?” transformed brief rests between the concerts into something else: ”Both projects prompted reflection amongst the festivalgoers – one encouraged them to express themselves, to share their reflections with others, while the other promoted quiet, private, individual contemplation. One of them involved a visible dialogue between people; a dialogue that could be seen, while the other project simply wanted to make people see.” A liquid colour laboratory Liquid Lounge was a ceiling of many colours created in co-operation between the ulk art pilots, Kasper Berthelsen and Martin Aggerbeck from soapbubbles.dk, and DTU.   The lounge created a venue where many festivalgoers took a break away from the frenetic pace of festival life, reclining in comfortable furniture and taking out time for relaxing, contemplation, and visual stimulation. The ceiling above the lounge area consisted of transparent acrylic sheets with chemical liquids inside that created a constantly changing lightshow: the liquids responded to weather conditions, temperatures, and loud bass sounds, forming new patterns all the time. The totality served to fire up the observers’ imaginations and allowed plenty of scope for sensuous reflection. With Liquid Lounge the art pilot Sara Tarby wanted people to experience a true Zen moment as they stepped in underneath the ceiling: ”I was absolutely ecstatic when I saw the first people lie down in the chairs and just gaze up at the multi-coloured, moving patterns, just as I had imagined. For we could easily have been disappointed by the reality of things; we were located right in the hotspot of the festival area, the site of the greatest and most hectic activity, and we might well have found that people simply didn’t have the time or inclination to pause for a moment of quiet reflection.”

Many voices – one common goal Art pilots Laura and Lise found that

the entire process confirmed their belief that the shared efforts made by the ulk Art Labs make an important contribution to realising projects on this scale: ”We have become more tightly knit as a group, for we spent a lot of time together during the construction phase – we got to know each other better and learnt how we might best create something together while also having fun. We have learnt a lot about team spirit and responsibility while developing these projects – particularly during the actual construction stage, when we often needed mutual encouragement due to all the challenges that invariably appear in projects such as these. This confirmed our view of the great sense of community among the ulk crowd and of our ability to act together. As a group we learnt how to make everyone’s hands and thoughts act together, and we ended up by creating two really great projects that we can be proud of. This sense of community is furthered by the fact that we faced the challenges together – and only overcame them thanks to the contributions made by all. We drew closer – we were taken out of our usual setting and were forced to work under a new set of conditions, but this also gave us a whole new set of opportunities. Art pilot Sara Tarby felt that the process taught her much about herself as part of a voluntary community: ”The various members of a working group bring different things to the table, and I learnt what I can contribute and, even more importantly, what I need from others. Volunteer communities are great fun – you do not get paid and you cannot get “fired”. You fully trust that the people who are there are truly passionate about the project; they’re there on their own time. The motivation for taking part and making a contribution is much greater than it would have been if it were simply a job. I have also learnt that when there are many people working on something you need to trust your fellow man. You cannot be everywhere, and so you choose to get involved with some things – and leave other things to others. This requires a great deal of planning to ensure that everyone is on the same page and share the same vision, and it also requires a great deal of trust – and I have become better

at that. Being an art pilot is not just a question of being quirky and creative. You need to act and co-operate within a large group and to plan in a tightly structured manner, for the project mustn’t fail – this is serious. You are backed by the Roskilde Festival and Statens Museum for Kunst, who trust you and have allocated funds to your project – so you rise to the occasion, and that’s a great feeling! Art pilot Filip Vest found the entire process tremendously interesting because the group had to start right from square one when the project was first launched: ”For Liquid Lounge, for example, we wanted to work with the DTU, but had no contacts there, so we simply needed to get cracking and start calling people. I remember feeling like a kind of detective as I was poring over the various subjects addressed by the various professors, and over who headed which lines of study. Then I had to call them and got transferred from one person to the next until I’d probably talked to half the faculty. I usually never really think about what it takes to set up a collaborative effort, but suddenly I found myself doing it hands-on – and that was really instructive for me.”

The SMK reaches out When the ULK Art Labs and the SMK are present at the Roskilde Festival and in urban spaces outside the regular museum setting we demonstrate that art is not restricted to the white museum walls. Art can be experienced anywhere. For the ULK Art Labs and the art pilots it is important to enter into dialogues on art in a down-to-earth manner that allows time and scope for listening to voices that we do not meet in our everyday work at the museum. The SMK and art becomes more approachable and relatable when festivalgoers meet the museum in an informal setting – and the Roskilde Festival is an excellent place to launch a dialogue about art between young people. Art suddenly becomes relevant, straightforward, and less daunting to them – and this appeals to many, prompting them to look further into things and perhaps eventually to make the museum and its art their own. 117

GLÆD DIG TIL 2013

Coming up in 2013

Frihed – en udstilling for børn Den 6. september 2013 åbner vi børneudstillingen Frihed, der med markante kunstværker, fantasi og tankelyst udfordrer og inviterer børn til at udforske begrebet frihed. Vi laver udstillingen i 200-året for den verdensberømte danske filosof Søren Kierkegaards fødselsdag, og hans frihedsbegreb vil være ét blandt flere spor i udstillingen.

Freedom – an exhibition for children On 6 September 2013, we will launch the exhibition Freedom, which is specifically aimed at children. It uses works of art to challenge and invite children to explore the concept of freedom. The exhibition is staged in the year celebrating the 200th anniversary of the birth of the world-famous philosopher Søren Kierkegaard, and Kierkegaard’s concept of freedom will be one of the leitmotifs running through the exhibition. Nam June Paik: Søren Kierkegaard Robot (1996)

Samarbejde med sprogskoler Et samarbejde mellem Københavns Sprogcenter, Thorvaldsens Museum og SMK. Vi går sammen om at udvikle nye undervisningsforløb og undervisningsmaterialer, der tilgodeser sprogcentrenes særlige behov. Sprogcentrene og museerne mødes i visionen om at påtage sig et kulturelt og socialt medansvar i forhold til de inklusionsprocesser, der finder sted i samfundet. I care – Education, Children, Art. Nye metoder til at arbejde med

førskolebørn og moderne kunst Hvordan udvikler man nye metoder til at arbejde med førskolebørn og moderne kunst? Det undersøger vi i et samarbejde med daginstitutionerne Prinsessegårdene i Valby, tre daginstitutioner i Scandicci kommune i Toscana og Centro per l’Arte Contemporanea Pecci i Prato. Projektet er EU-finansieret (Comenius-projekt) og har som mål at undersøge og udvikle pædagogers arbejde med børns visuelle kommunikation og billedudtryk med fokus på moderne kunst. PLUS – partnerskaber mellem københavnske skoler og virksomheder/ kulturinstitutioner PLUS er et projekt iværksat af Københavns Kommune med det mål at skabe tættere samarbejde mellem skoler og kultur/erhvervsliv. SMK indgår i 2013 partnerskab med Øster Farimagsgade Skole. Sex og Samfund I samarbejde med Sex og Samfund udvikler vi to undervisningsmaterialer og et undervisningsforløb i forbindelse med deres uge sex- kampagne, der i 2013 har fokus på forskellige familieformer. Kampagnens åbningsevent finder sted på SMK. Unges Laboratorier for Kunst & Byens Hegn – Cool Constructions Frem til juni 2013 indgår ULK i et kreativt samarbejde med Københavns Metro – og skal sammen med borgere, der lever og bor omkring metroens byggepladser forvandle metrohegnene ved Solbjerg Plads på Frederiksberg og Marmorkirken i København. Vi tager udgangspunkt i de 159 kunstværker fra museets samling, der er til fri download.

Co-operation with language schools A co-operative project involving Københavns Sprogcenter (Copenhagen Language Center), Thorvaldsens Museum, and SMK. We will join forces to develop new teaching programmes and education materials that take the special requirements of Danish language schools into account. I care – Education, Children, Art How can you develop new methods for working with preschoolers and modern art? We will explore this subject in co-operation with the day-care institutions Prinsessegårdene in Valby, three day-care institutions in the Scandicci region of Tuscany, and the Centro per l’Arte Contemporanea Pecci in Prato. The project is funded by the EU (a Comenius project) and aims to examine and explore how childcare educators work with children’s visual communication skills, all with particular focus on modern art. PLUS – partnerships between schools and enterprises/cultural institutions in Copenhagen The PLUS project was launched by the Municipality of Copenhagen. One of the objectives of the partnerships is to help “schools in Copenhagen utilise the potential for co-operating with and forging links to the business and cultural communities in Copenhagen…” (Quotation from the Municipality of Copenhagen). In 2013, we will enter into a partnership with the Øster Farimagsgade Skole. Sex og Samfund (Sex and Society) Together with the organisation Sex og Samfund we will develop two sets of teaching materials and a teaching session in connection with their annual uge sex campaign (week sex campaign); in 2013 the campaign will focus on different types of families. The official campaign launch event will take place at SMK. ULK Art Labs & Byens Hegn – Cool Constructions Up until 2013 the u.l.k. Art Labs will engage in creative co-operation with the Copenhagen Metro: together with citizens who live near the metro building sites, they will transform the metro fences at Solbjerg Plads in Frederiksberg and Marmorkirken in Copenhagen. We take our point of departure in the 159 works of art that Statens Museum for Kunst offers up as free downloads. …AND MORE TO COME

…OG MEGET MEGET MERE

118

119

Forside: Collage lavet af Øbro Fri Skole, 3.-4. klasse, med inspiration fra museets collager af Kirstine Roepstorff. Elever fra Øbro Fri Skole står også bag portrættet s. 36, som er inspireret af museets portræt af Vilhelm Freddie. Side 8: Fotografiet blev oprindeligt taget til Kulturkik, nr. 4, 2013. Side 29: Elevproduktion med inspiration fra maleriet Vilhelm Hammershøi: INTERIØR. STRANDGADE 30, 1908. AROS, Aarhus Kunstmuseum /Front page: Collage, created by 3rd and 4th graders from Øbro fri Skole, inspired by the museum’s collages by Kirstine Roepstorff. Student from the same school also created the portrait p. 36, drawing inspiration from the museum’s portrait by Vilhelm Freddie. Page 8: The photo was originally taken for Kulturkik, no. 4, 2013 Page 29: Created by student participants, inspired by the painting Vilhelm Hammershøi: INTERIOR. STRANDGADE 30, 1908. AROS, Aarhus Kunstmuseum

Redaktører: Formidlingschef Berit Anne Larsen (ansvarsh.) og enhedsleder Marianne Grymer Bargeman / Editors Head of Education Berit Anne Larsen and Head of Unit Marianne Grymer Bargeman Tekstbidrag af / Contributions by Marianne Grymer Bargeman, Nana Bernhardt, Michael Hansen, Julie Maria Johnsen, Frederik Henrik Knap, Nikolaj Recke Grafisk tilrettelæggelse / Graphic design: Olga Bramsen Oversættelse / Translation: René Lauritsen Korrektur / Proofreading: Kirsten Nauja Andersen Tryk / Printed by Narayana Press Tak til / Thanks to Kulturstyrelsen, Skoletjenesten på Sjælland, Gefion Gymnasium, Det Kgl. Vajsenhus, Bavnehøj Skole, Prinsessegårdene i Valby, Øbro Fri Skole, Sex og Samfund, Sorring Lervarefabrik, Staedtler Nordic A/S, IKEA A/S, Jydsk Blindrammefabrik A/S, Royal Talens, AV Form, Nymosegård Træuld, Totax Plastic A/S, HAMA, Molotow, RIAS, SADOLIN, Let’s Colour og Soapbubble.dk og mange flere Copyright © Elmgreen & Dragset/billedkunst.dk 2013 © Søren Jensen/billedkunst.dk 2013 © Kirsten Justesen/billedkunst.dk 2013 © Erik Ortvad/billedkunst.dk 2013 © Wilhelm Freddie/billedkunst.dk 2013 © André Derain/billedkunst.dk 2013 Foto / Photo: Alle fotos ©: SMK, hvis andet ikke er anført. SMK foto: Frida Gregersen, Riccardo Burarella All photographs ©: SMK, National Gallery of Denmark unless otherwise stated. SMK photo: Frida Gregersen, Riccardo Burarella 120