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Interfaces de Audio
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Contenido
No. 285, mayo 2022
28.
José
El
Soñador:
máxima
experiencia teatral musical Con el sello de Gou Producciones, esta puesta en escena regresó a las marquesinas del teatro musical en México para dejar en claro que la audacia, innovación y creatividad son la punta de lanza de esta compañía productora.
4. Detrás del micrófono MUVA: música intuitiva producción global
con
16. Universo sonoro
56. Un encuentro con
Conversaciones sobre el arte de arreglar (Parte 2)
Víctor Moreno: un oficio llamado stage manager
Por Mario Santos
20. Columna invitada El metrónomo en el estudio: ¿amigo o enemigo?
42. Columna invitada Ximena Constantino, el futuro sonoro de una saxofonista Por Mérlindon Crosthwaytt
Por Ferrer León
24. Clásicos de la ingeniería en audio Compresores: versatilidad y mucha utilidad Por Néstor Iencenella
38. Concurso Reseña musical / Plataforma escríbele.
46. Tributo a Germán Lobos Un recuerdo para este profesional de la Industria con afecto de amigos y colegas 52. A primera vista Micrófono de condensador para voz Shure KSM11 Además
com Sobrevivir en la barranca Por Francisco Javier Grajeda Sandoval
8. Nuevos productos 50. Referencias globales 54. Notas del medio Foto de portada: Ramsés López
La industria de la música y el espectáculo
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E DI TOR I AL DIRECTORIO Dirección Foto: Ramsés López
Jorge Urbano
Editora y copywriter Nizarindani Sopeña
Diseño Héctor Barrera
Staff Editorial Marisol Pacheco
Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera
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Ventas y Mercadotecnia
ocos proyectos de teatro musical en nuestro país han tenido tanto éxito como “José El Soñador”. Original de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, desde su primera puesta en escena en 1983, con la dirección, traducción, actuación y producción de Julissa, el público la convirtió en un gran éxito y de ahí
surgieron grandes talentos que hasta hoy siguen activos. La historia siguió exitosamente en 2004, cuando la obra fue puesta con la producción de Morris Gilbert, continuando su camino de triunfo.
Claudia Pérez
Content Marketing Natalia Urbano
Digital Marketing Chief Edith García
Telemarketing José Luis Careaga
Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores
Internet
Para este año, un nuevo José El Soñador nace y es la compañía productora Gou Producciones la que se encarga de llevar a nuevos públicos una historia que muchos aman, acompañada de recursos tecnológicos que desafiaron la creatividad de un
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Teléfono (55) 5240 1202
staff comprometido y dispuesto a sorprendernos en un momento en el que estamos regresando a los escenarios, apenas superando el tiempo de retos que la crisis sanitaria mundial nos impuso. Les invitamos a que conozcan el camino que este equipo recorrió para lograr los propósitos que José El Soñador 2022 se propuso y sorpréndanse con la pasión con la que todos los involucrados realizaron el proyecto. No cabe duda de que el talento en la Industria de la Música y el Espectáculo se encuentra siempre tanto en artistas como en quienes hacen posible sus ideas detrás del escenario. Con esta edición celebramos el
Revista mensual. Año 24, No. 285. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.
trabajo de todos ellos, además de recomendarles todos los artículos que tenemos para ustedes este mes. ¡Bienvenido, mayo! Orgulloso miembro
Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena
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Detrás del micrófono
Yum Chäak de MUVA: música intuitiva con producción global
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lamado “Yum Chäak” -el respeto a la lluvia, como narra un cuento maya-, el segundo disco de la banda mexicana MUVA fue resultado de reunir a músicos de distintas partes del mundo en un trabajo de producción a distancia que capturó la esencia, habilidad para resolver e ímpetu de sus participantes como respuesta al entorno de restricciones e incertidumbre que la crisis sanitaria y las circunstancias geopolíticas marcaban. Su lanzamiento digital se dio en Europa en 2021 y ha venido capturando la escucha de los amantes del world music en varias regiones del planeta; son Chatrán González (grabación, composición, dirección, producción general, programación, batería, percusión, coros, sintetizadores y canto de garganta) y Miguel Sabbagh (baterista) quienes comparten los desafíos y satisfacciones que enfrentaron para su realización.
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Un proyecto con significado “MUVA ha tratado de generar lazos entre aspectos estilísticos modernos y de sonido con cosas de las que nos sentimos orgullosos como mexicanos. En ‘Yum Chäak’ se refuerzan esos elementos como discurso. Su significado es una especie de cuento en maya, cuya enseñanza se pasa de generación en generación y se refiere a por qué se debe respetar la lluvia. Esa misma belleza tratamos de llevarla al título del disco y a la canción que lleva su nombre”, expone Chatrán. Con el confinamiento a todo y la certeza de que el arte y la música no debían parar, el fundador del grupo comenzó a buscar saciar inquietudes y, sin proponérselo, atrajo colaboraciones con músicos de otras latitudes y derivado en propuestas para festivales de world music como el Rainforest Music Festival en Borneo y la alianza con la disquera suiza, Nudacy Records:
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“Una de las primeras experiencias colaborativas con artistas de otros países fue a través de un Centro de Desarrollo del Arte Mieruba, en Mali, donde gustaron estas fusiones que estábamos haciendo con los estilos tradicionales. Entonces surgió la idea de grabar durante el confinamiento y Abdoulaye Kone (en Djeli ngoni, una especie de jarana) y Drissa Bagayogo (djembe) se las ingeniaron para hacerlo en el campo con un celular, en medio de una guerrilla que había en Segú, su ciudad. Algo similar pasó con Duncan Knight, gaitero escocés, que no podía salir a la calle y tuvo que matar el exceso de reverb armando un cuarto con cobijas y grabarse con su micrófono Audio-Technica; Harel Shachal estaba en Tel Aviv cuando ocurrió un bombardeo y se tuvo que ir a grabar a una casa de campo. Nos encantó la energía y la honestidad de eso, procuramos dejarla y aquí editamos e hicimos las correcciones pertinentes”.
Chatrán González y Ulises Juárez a su estudio y le transmití la línea conductora que él tradujo a su lenguaje. Técnicamente, Adrián grabó con un Shure SM57 y luego fuimos a grabar al estudio de mi amigo Ulises Suárez. Cada quien maqueteó en su casa y las partes que requeríamos mejorar con microfoneo, cuarto, consola o preamplificadores, las hicimos allá”.
Duncan Knight “Fuera de ellos, los demás son músicos con quienes me siento cómodo y todos tocan bien; la mayoría son amigos de muchos años. Hay una especie de conexión a nivel personal y por eso, creo, las cosas en el escenario fluyen más natural. Algunos vienen de otras bandas, como Miguel, que toca con Maldita Vecindad, o Adrián, que estaba con Qué Payasos... No hay un proceso de selección, ha sido por la amistad”. La producción Esto tomó poco más de un año (inició en el 2021) y fue el apoyo en Miguel lo que fue dando forma a la idea de Chatrán: “Llegué
Adrián López “En mi home studio experimento mucho,”, comenta Chatrán; “Grabé sonidos con el micrófono que uso para hacer mis talk backs ahí y las patas de la silla donde me siento las grabé con un AKG C414 en la orilla y un preamplificador ISA1 con una interfaz Saffire Pro40 de Focusrite. Juego con sonidos crudos y sólo cosas puntuales
“Hans Mues se encargó de los tracks con las colaboraciones internacionales en su estudio The Freak Room. Él entendió mi petición de sentir que el instrumento vive”. Leo Granados
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las hago en estudio. Por ejemplo, con Ulises Ulises Juárez grabamos percusiones con un Neumann U87 y un Sennheiser MD41 con un channel strip AMEC; algo parecido fue con las voces, donde usamos un RCA 44, mientras que para grabar los saxofones usamos también el U87 y un U89 Neumann para el room, además de un RCA 44 para la flauta. Mi juego es con lo orgánico y las pequeñas partes no tan perfectas que puede no darte una grabación en un entorno no hecho para ello”, describe el productor.
Carmen Fuerte Para Miguel, el factor orgánico en la captura también fue clave: “Como baterista, desde hace unos años me hice de mi estudio con la finalidad de simplificar la grabación de baterías, que es lo que más hago. Ya estaba familiarizado con todo el proyecto de MUVA porque a Chatrán lo conozco hace 20 años y en esta ocasión usé mi batería DW Drums, microfoneada con Sennheiser (de quienes tengo apoyo) y algunos otros micrófonos tipo boutique. Utilizo preamplificadores Manley y básicamente con eso hago la grabación y la edición en Pro Tools. Me gusta grabar de manera muy orgánica: instrumento, micrófono y preamplificador”. La mezcla y masterización tuvo dos aliados y momentos: “Hans Mues se encargó de los tracks con las colaboraciones internacionales en su estudio The Freak Room. Él entendió mi petición de sentir que el instrumento vive: la respiración del músico, los pasos que da. El disco se presentó en Europa a finales de noviembre de 2021 y por eso se sumó mi amigo y músico talentoso, Emanuel Ortiz, quien tiene su estudio de grabación y producción en Toluca, y le pedí con urgencia que hiciera la mezcla y masterización final de la unión de todos los tracks del disco con las rolas que no fueron sencillos”, comparte Chatrán. Con el disco enlistado en importantes charts de World Music en el viejo continente, se alista la presentación oficial en vivo en nuestro país, siendo la experiencia multisensorial de sus presentaciones algo esperado:
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Chatrán comenzó a buscar saciar inquietudes y sin proponérselo, atrajo colaboraciones con músicos de otras latitudes.
Hans Mues “En vivo, además del performance auditivo, buscamos enriquecer la experiencia visual con Marco Lara, artista que colabora emocionalmente en estos términos con lo que pasa en el escenario. Si la producción lo permite, a eso se suma una maximización de aromas con un proceso de pulverización de líquidos con lo que tratamos de dar al espectador mucho más de lo que usualmente tiene en un concierto de tipo instrumental y así jugar con las emociones”, amplía entusiasta el compositor. Finalmente, las lecciones de esta producción son afines al sentir y el aprendizaje de varios colegas, como comparte Miguel: “Nos cambió un poco el enfoque con el que comenzamos a hacer las cosas, amarrado a tiempos de entrega o lineamientos más sistematizados. Todos los músicos que conozco armaron algo por el gusto de hacerlo y mantenernos creativos, física y creativamente. Se dieron un montón de sinergias de diferentes maneras para resolver las distancias, las condiciones de trabajo, el acceso a un estudio y equipos para dedicarnos a tratar de hacer las cosas posibles con lo que teníamos a la mano. Técnicamente hablando, tuvimos que empezar a aprender a ser más autosuficientes, generar contenido y mejorar nuestras técnicas. Todos fuimos creciendo y además, hubo historias detrás de los discos, vivencias”, Finalmente, Chatrán agrega: “En general me gusta que las cosas fluyan y le pongo mucho corazón. MUVA es una especie de bola de nieve de gente que fue creciendo hasta ser este gran equipo y si me preguntaran si esperaba todo lo que está moviendo en el mundo este disco, no me creerían que todo empezó con un silbido que tengo en una grabadora”. Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
Nuevos Productos ESTUDIO
Universal Audio Interfaces Volt USB Series Con la mejor calidad de sonido de su clase, un modo de preamplificador de micrófono vintage, compresor integrado, 48V de potencia phantom para micrófonos de condensador, monitoreo de latencia y paquete de software de audio incluido, estas nuevas interfaces de grabación USB llevan el sonido de estudio clásico a las computadoras Mac, PC, iPads y usuarios de iPhone. Hay seis modelos disponibles (Volt 1, Volt 2, Volt 176, Volt 276 y Volt 476) y los usuarios pueden descargar programas de producción de audio, como Ableton, Softube, Celemony, Relab, entre otros, además de instrumentos y paquetes de plug ins desde su aplicación UA Connect. Vari Internacional. 55 9183-2700 www.varinter.mx www.uaudio.com
Genelec Altavoz 6040R Smart Active De su serie Signature, este altavoz activo de dos vías cuenta con el controlador LF y la tecnología de amplificador de potencia Clase D biamplificado, además de entradas analógicas y digitales compatibles con los formatos AES/EBU y SPDIF, una salida digital, voltaje de red universal y DSP integrado para que cada altavoz 6040R se sintonice para cualquier entorno acústico a través del software de calibración de sala GLM. Destaca también su diseño minimalista curvo, encargado al ingeniero industrial Harri Koskinen. Vari Internacional. 55 9183-2700 www.varinter.mx www.genelec.com
Rode Boom tipo brazo PSA1+ Equipado con un sistema para control de cables USB y XLR, este stand para micrófono es el aditamento ideal para aplicaciones en podcast y broadcast. Es compatible con cualquier micrófono o montaje antivibración que utilice una rosca estándar incluidos NT-USB Mini, PodMic y Procaster. Incluye muelles amortiguados para operación silenciosa, aislamiento contra ruidos de instrumentos, mouse o escritorio. Elizondo Music. 33 3122-1343 www.rode.com elizondomusic.com
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Nuevos Productos EScenario
Green Hippo Servidor de medios Mayon2+ MK2 Para la reproducción de contenido multimedia en eventos en vivo, este servidor cuenta con 2 salidas de producción HDMI 4K, unidad de medios con capacidad de 2 TB y captura dual 4K opcional. Entre sus funciones destacan control múltiple de unidades vía Zookeeper, pixel mapper, modelador 3D, gestor de contenido, timeline plus y visualizador de alta resolución. Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 audioacustica.com.mx www.green-hippo.com
DPA Micrófonos de diadema Core 4466/4488 De tipo omnidireccional (el 4466) y direccional (el 4488), estas diademas combinan las cápsulas de 5 milímetros de DPA con la tecnología CORE y el soporte galardonado con el premio Red Dot, haciéndolos duraderos, seguros y flexibles en aplicaciones de teatro, transmisión, lugares de culto y conferencias. Hermes Music. 55 5002-2200 www.hermes-music.com.mx www.dpamicrophones.com
L-Acoustics Procesador L-ISA II Al extender el procesamiento espacial a una gama más amplia de producciones y lugares, la marca presenta la próxima generación de su motor de procesamiento de audio 3D, que ofrece a los usuarios más potencia, rendimiento y flexibilidad y está disponible en cuatro configuraciones de salida diferentes a través de una tarifa única de licencia. El equipo duplica el recuento de salida potencial de la unidad original de 64 hasta 128 salidas para una mayor potencia y versatilidad en eventos más grandes y complejos, como una de sus características más importantes. Vari Internacional. 55 9183-2700 www.varinter.mx www.l-acoustics.com
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sennlatam@sennheiser.com www.sennheiser.com
Nuevos Productos DJ
American DJ Luminarias Par LED Encore Lime Par Series Con tres modelos disponibles: Encore LP7IP, Encore LP12IP y Encore LP18IP (de 7, 12 y 18 LED respectivamente), estas fuentes entregan una potencia de 20V por LED con salida potente del haz de luz en bordes suaves. Están equipadas con control de atenuación para los cuatro colores primarios (rojo, verde, azul y lima/lime) y pueden generar una amplia gama de paletas cromáticas y matices. La inclusión del chip LED tipo Lime aviva los colores y el CRI a 86.2. Ostentan registro IP65 para uso en exteriores. ADJ Products Group México. 728 282 7070 www.adj.com
Pioneer DJ Controlador XDJ RX3 Como un equipo todo en uno, incluye una pantalla táctil de 10.1 pulgadas y nueva interfaz con funciones heredadas del CDJ-3000 y la mesa DJM900NXS2. Es compatible con los softwares Rekordbox y Serato DJ Pro y tiene disponibilidad de 6 Efectos SoundColor FX (Vinyl Brake corto/ largo, Backspin corto/largo, Echo Out, Build Up, Mute y Ducking) más 15 Efectos Beat FX, pantallas On Jog y una nueva interfaz con pantalla táctil de 10.1 pulgadas y Release FX, activando Performance Pads. www.pioneerdj.com
Audio-Technica Cartucho para tornamesa AT-XP5 Fabricado con cuerpo de polisulfuro de fenileno (PPS) y fibra de vidrio de alta rigidez, que entrega una fuerza de apoyo (tracking) de 2 a 4 gramos, este fonocaptor ofrece nivel de salida de 5.5 mV. Su aguja elíptica de 0.3 por 0.7 milímetros, permite seguir los surcos del disco con gran precisión. www.audio-technica.com
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Lleve la eficiencia creativa a su estudio con esta interfaz de gran capacidad de E/S, monitoreo y enrutamiento en una interfaz de audio todo en uno. Pro Tools | MTRX Studio simplifica el flujo de su señal, proporcionando conexiones a todo su equipo. Dirija cualquier entrada a cualquier salida. Personalice los perfiles del monitor con su procesador de altavoces integrado. Equipe cualquier habitación de sus instalaciones para la mezcla Dolby Atmos. o Y obtenga un monitoreo de latencia ultrabaja al rastrear y mezclar con Pro Tools | HDX o HD native.
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Nuevos Productos Backline
Ashdown Audífonos OV-1-B-JAMAICA SOUNDSYSTEM Inspirados en el sello discográfico Jamaica Soundsystem/Trojan Jamaica de los músicos/productores Zak Starkey y Sharna “Sshh” Liguz, los OV-1-B enfatizan la presencia de los bajos y permiten experimentar la escucha con esta función cambiando el medidor de volumen. Con un diseño que evoca la historia musical de raíces negras, estos cascos despliegan un sonido cálido, permiten la cancelación automática de ruido y salto de pistas. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 www.gonher.com www.ashdownmusic.com
Mapex Tarola Ralph Peterson Signature En honor al legado del músico y educador Ralph Peterson Jr, fallecido el año pasado, la marca pone a disposición una especial limitada de su modelo Black Panther ONYX, un instrumento diseñado bajo las instrucciones de Ralph, tanto en apariencia como en sonido. Está creada con vasos de maple de 7 capas (de 6.85 milímetros de grosor), aros también en maple color negro y transparencias con acabado oscuro. Hermes Music. 55 5002-2200 www.hermes-music.com.mx www.mapexdrums.com
Roland Sintetizadores FANTOM-0 Series Con tres modelos, FANTOM-06 (de 61 teclas), FANTOM-07 (de 76 teclas) y FANTOM-08 (de 88 teclas), están equipados con las tecnologías de acción que cubren tanto la acción de pianos SuperNATURAL a la de sintetizador y acceso a galerías de sonidos disponibles en Roland Cloud y el sistema de síntesis ZEN-Core. Roland México. www.roland.com
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Universo sonoro
Conversaciones sobre el arte de arreglar (Parte 2)
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ara continuar acerca de la tarea de los arreglos musicales, comienzo diciendo que lo primero que hago es entender y ver en mi cabeza la idea global, el concepto y las referencias, si existen; saber qué estoy buscando, intentando ver el “cuadro completo”. Generalmente no comienzo con cosas específicas y escucho el tema para adentrarme en él. ¿Cómo iniciar? Puedo comenzar armando un score en el papel o en el programa de escritura, con todos los compases en blanco, secciones y demás. De esta manera logro ver el mapa o plano general donde voy a trabajar, percibo su tamaño total y veo “qué tan grande es la montaña”. Para mí, este paso es como el plano de un arquitecto. Si por el contrario, comenzara a detallar desde el principio sin haber tenido previamente la visión global del arreglo, perdería de vista dónde estoy parado y no sabría
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nunca si estoy detallando una milésima parte de un arreglo, que por ejemplo, debo entregar al día siguiente. Detallar sin ver la escena general es comenzar a trabajar para mí en el nivel microscópico del arreglo, cuando al principio creo conveniente comenzar con una visión macroscópica del mismo. Las únicas ocasiones en las que detallo algo desde el principio, es cuando tengo una muy buena idea para una sección (una introducción, por ejemplo), tengo mucha claridad de cómo deseo orquestarlo y considero necesario hacerlo en ese momento para no perder esa idea en particular. Las buenas ideas pueden disolverse en el olvido si no las pasas pronto de la cabeza a un medio un poco más confiable, es decir: grabarlas o escribirlas. Cuando se mira un objeto con una lupa, se ven los detalles imperceptibles y sutiles del objeto, pero se deja de ver el objeto completo. Hay tiempo para todo, pero yo recomiendo comenzar viendo primero el objeto entero. Dr. Krápula
Universo sonoro
En todo momento para mí es fundamental entender cómo suena lo que estoy escribiendo. Una de las barreras más importantes que existe para un arreglista y un compositor es que comúnmente no tiene a la mano los instrumentos para los que escribe; por lo tanto, no puede escuchar exactamente sus ideas y además, se enfrenta al hecho de escribir música para instrumentos que no ha tocado nunca. Hay una vieja y conocida distancia entre la idea que imaginas en tu cerebro y en el hecho de tenerla grabada como tú la imaginas o escrita, describiendo fielmente la idea imaginada. Puedes imaginar algo que suena maravilloso, pero al momento de producirlo, grabarlo o escribirlo, es decir, al momento de intentar aterrizar esa idea que suena increíble en el mágico mundo de la imaginación, fracasas cuando la idea aparentemente genial suena terriblemente mal en el contundente mundo de la realidad. Y comienza el ataque de las dudas: ¿Qué es lo que está mal: es la idea, o la idea es buena, pero está mal producida o escrita? Con estos sutiles problemas, vivimos muchas veces. Estoy convencido de que aún con un talento natural, lleva años a un músico minimizar esta distancia para saber exactamente cómo traducir estas ideas generadas en los momentos de inspiración, logrando que una idea suene exactamente como la imagina en su cabeza. Un problema común, por ejemplo, es estar generando una cantidad de ideas valiosas y de pronto darte cuenta de que te llevaría mucho tiempo escribir todo lo que estás tocando y de que es muy probable que olvides muchas partes al estarlas escribiendo. Por ello, recomiendo siempre tener el botón virtual de REC a la mano y en todo momento estar en posibilidad de grabarte. Adicionalmente estoy a favor de tener siempre un instrumento a la mano, pues así estás en contacto en todo momento con la materia sonora. Sela Oveson Live en KAXE Studios
Escuchen mucha música: lo que componen y producen es un reflejo de su pensamiento musical, formado por todo lo que experimentan creando, improvisando, escribiendo y escuchando.
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Tengo un libro maravilloso que se llama “¿Cómo escribir una película en 21 días?”, de una autora llamada Viki King. En este ingenioso libro, la autora expone un concepto que me parece interesante, sobre el momento en el que alguien comienza a escribir una historia: “Escribe primero tu idea con el corazón y re-escribe todo después con tu cabeza”. Se refiere a algo muy simple y muy real: al estar creando una historia, lo mejor es dejar que tus ideas fluyan sin pensar demasiado. Piensa solamente para resolver algo concreto, pero deja que las emociones y la inspiración te guíen para que expulses todo lo que sientas, todo aquello que nace directamente de tu impulso emocional. Una vez hecho esto, al día siguiente revisa todo lo que hiciste en la primera etapa emocional, pero ahora analizando, corrigiendo, cortando, añadiendo y demás. En la composición y el arreglo sucede algo muy similar. Muchas veces escucho la base grabada de un tema y se me ocurre una buena línea para la trompeta y ya sea que la cante o que la toque en el piano, escribo, grabo o registro en MIDI la idea latente, sin mayor razonamiento, sin mucho análisis. Lo importante es captar esa primera idea creada, para ya luego analizarla, ver si técnicamente es posible y corregir los detalles. Cualquiera que sea el proceso, es importante entender el proceso por medio del cual cada uno de nosotros escribimos o producimos música. En cada persona el proceso es diferente. En mi caso, a través del tiempo me he dado cuenta de que no tengo un solo método para escribir o crear música, aunque sí puedo enunciar en una lista algunos conceptos sobre mi proceso: Una idea puede surgir en tu cabeza, relacionando esa idea específicamente a un instrumento o voz. Te imaginas una línea con una trompeta, un ritmo con un tambor específico, una melodía con tu propia voz o para ser cantada por alguien: imaginas la idea ligada a un timbre concreto.
Una idea creada en tu cabeza sin estar necesariamente relacionada a ningún timbre, es solamente la idea musical que probablemente creas en un piano o guitarra y que después en tu estudio, buscando en librerías, orquestando o con un músico a tu lado, asignas a algún timbre concreto. El timbre está muy relacionado con la tesitura. Imaginar ideas en una tesitura aguda, estará relacionada a ciertos instrumentos que son capaces de sonar en ese rango. Una idea puede comenzar siendo
Las buenas ideas pueden disolverse en el olvido si no las pasas pronto de la cabeza a un medio un poco más confiable, es decir: grabarlas o escribirlas.
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Universo sonoro
un ritmo, una secuencia armónica, una textura, un arpegio o una melodía y a partir de ahí crear todo lo demás. Escucha todos los instrumentos musicales, en todas sus dinámicas y rangos posibles y de preferencia escucha estando al lado de un músico real y no con librerías. Pueden buscar videos de clases o demostraciones con músicos reales. Aquí dejo algunos links: Guitarra: https://www.youtube.com/watch?v=A0yAeCxAfCU Bajo: https://www.youtube.com/watch?v=uGJoEVcATEc Instrumentos de viento-banda: https://www.youtube.com/ watch?v=CCTeSjpDsIs&t=866s Instrumentos de orquesta: https://www.youtube.com/watch? v=zgaQFLUdUL0&list=PLqR22EoucCyccs5J639SCefaM7mD9d MSz Además, escuchen mucha música: lo que componen y producen es un reflejo de su pensamiento musical, formado por todo lo que experimentan creando, improvisando, escribiendo y por supuesto, por la música que escuchan.
Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.
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Columna invitada
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El metrónomo en el estudio: ¿amigo o enemigo?
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l metrónomo es una herramienta que sirve para medir el tiempo de la música, así como darle exactitud y estabilidad a los compases que conforman la composición. Es una herramienta básica en la ejecución musical; sin embargo, para aquellos músicos que no están acostumbrados a utilizarlo en sus rutinas de estudio, puede ser una verdadera pesadilla trabajar con él, ya que al no tener incorporado el pulso, tiene que racionalizarse a la vez que se ejecuta cada nota y esto lo hace verdaderamente complejo al inicio. ¿Por qué es importante su utilización en el estudio?
Herramienta versátil Como ya se mencionó, el metrónomo nos da precisión en la medida de la música, porque, sí, así es, la música tiene medida, y si bien existen músicos que tienden a desafiar los principios de la música, también a lo largo de la historia se han desarrollado reglas que hacen que esta funcione y es por ello que antes de querer romper cualquiera de ellas, es necesario conocerlas y dominarlas. El metrónomo es de gran ayuda al momento de llevar a cabo una producción en el estudio, aunque no todos los géneros se prestan para utilizarlo de manera mecánica; aun así, la gran
Los productores deben tener en cuenta todas las maneras en las que se puede facilitar los procesos de los músicos en el estudio.
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mayoría lo utiliza dándole una gran estabilidad a la música que se está produciendo, para evitar el fenómeno de ir a toda prisa, como cuando algunas bandas tocan en vivo.
Por supuesto, como cualquier herramienta en el estudio, también existen consideraciones a las que debemos prestar atención si deseamos tener el control, por ejemplo: los instrumentos con una intensidad acústica considerable, como una batería o una trompeta, requieren un mayor volumen en los audífonos de monitoreo del músico al escuchar la pista de referencia sobre la cual se graba, y esto a su vez hace que el volumen del metrónomo se fugue, capturándose de nuevo por el micrófono con alta sensibilidad y contaminando nuestra señal, dejando rastros lejanos de un metrónomo a lo lejos en nuestra toma final.
Su correcto uso nos proporciona una serie de ventajas en la post producción, por ejemplo: Al momento de la edición, se ajustan las imprecisiones en la ejecución, en caso de ser necesario, así como al copiar partes y pegarlas y duplicar o extraer secciones o partes del audio con gran exactitud, ya que incluso visualmente hay marcas en la mayoría de los DAWs en cada uno de los tiempos de un compás y sus subdivisiones si así se desea, dando una representación grafica a través de una red (grid) de divisiones en pantalla que nos indica en todo momento dónde es cada uno de los pulsos que estemos buscando dentro de un compás, además de ser una representación muy intuitiva y fácil de operar. En la gran mayoría de los DAWs disponibles, el metrónomo, también conocido como click, es altamente configurable, haciendo de este una herramienta extremadamente versátil. Podemos enviar un sonido estándar a los audífonos del músico o cambiarlo por un sonido personalizado, como claves, cencerros, pulsos, percusión y virtualmente todo aquello que se nos ocurra; de igual manera, podemos usarlo solo en los monitores si así lo deseamos o solo al grabar y no al reproducir, o en ambos momentos, con un sonido para monitor y otro para control room. Podemos tener diferentes niveles en cada retorno y en nuestro monitoreo, podemos automatizarlo o cambiar automáticamente de velocidades a lo largo de un tema, entre muchas otras opciones.
Para solucionar lo anterior, existen diferentes alternativas de solución, como utilizar audífonos in ear, ya que al estar dentro del oído del músico, evitan mucho la salida de la señal, pero con la desventaja de que al ser audífonos que se utilizan dentro del oído se convierten en herramientas de uso personal, los cuales no suelen compartirse por temas de higiene y no todos
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El metrónomo es de gran ayuda al momento de llevar a cabo una producción en el estudio, aunque no todos los géneros se prestan para utilizarlo de manera mecánica.
los músicos cuentan con unos, pero por eso existen otras opciones, como el uso de audífonos cerrados, que mientras más cerrados estén, menos dejarán escapar señales hacia el micrófono. Otra opción es cambiar el sonido del click por algo menos presente, como pulsos o bombos, haciendo que las fugas hacia el micrófono sean menos sencillas de escucharse. Por último, algo tan elemental como controlar el volumen puede ser de gran ayuda.
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El conocimiento y la exploración, aliados de las producciones Configurar de manera estratégica el metrónomo puede ayudarnos a conseguir buenos resultados y facilitar el proceso de grabación con los músicos, así como un volumen adecuado y una configuración correcta; por ejemplo, a veces los percusionistas prefieren escuchar en corcheas por la sensación de velocidad y menos silencios al momento de tocar, curiosamente, los temas lentos pueden ser problemáticos para algunos instrumentistas de percusión si se configuran en negras, y aunque es común, no es regla general, pues cada músico funciona de forma distinta y es parte de nuestra habilidad en el estudio de grabación dominar el arte de la configuración del metrónomo para conseguir los resultados esperados, facilitándoles los medios.
Columna invitada
En teoría, un músico profesional, tiene el tiempo musical incorporado como parte de su formación y eso favorece mucho los procesos, sin embargo, no todos cuentan con ese entrenamiento o talento rítmico y es por ello que los productores deben tener en cuenta todas las maneras en las que se puede facilitar esto para llegar al objetivo. Es importante también que, al momento de determinar las velocidades de los temas a producir, se verifique que el tema “camine” de forma natural en el ritmo; es decir, que no se sienta forzado a una velocidad que parece no fluir con los músicos. Si el metrónomo se siente lento en relación a la
ejecución, quizá en lugar de pedirles que toquen más lento, es mejor que se ajuste un poco el metrónomo, de tal manera que se sienta en un flujo más natural a la manera de tocar de la banda o el músico. Como es de esperarse, un entrenamiento rítmico por parte del productor o ingeniero también es importante, ya que entender perfectamente el desarrollo del tiempo del metrónomo les permitirá incluso que sus punch in y punch out sean precisos (cuando inicia y termina la grabación) y así fluyan de la misma manera con la banda. En conclusión, el metrónomo es de gran utilidad; para algunos es una herramienta neurótica, pero para muchos otros es totalmente indispensable y funcional, obviamente, no todos los proyectos lo requieren para grabar, pero sí la gran mayoría. Hasta los proyectos más sincronizados, como una orquesta, cuentan con un director que hace las veces de un metrónomo, marcándoles el tiempo a todos y cada unos de los músicos participantes. Mi recomendación es que lo exploremos, conozcamos y experimentemos con él y sin duda nos llevaremos una muy grata sorpresa, sabiendo que es un gran aliado de nuestras producciones. El resultado final nos dará grandes satisfacciones con esta arma invisible de la producción.
*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio. com y www.antenastudio.com
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Por Néstor Iencenella*
Clásicos de la ingeniería en audio
Compresores: versatilidad y mucha utilidad
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n esta última entrega de los clásicos de la ingeniería en audio, presentaremos a los compresores, este maravilloso invento, muchas veces incomprendido, abusado y maltratado.
En líneas generales, un compresor reduce el rango dinámico de una señal y viéndolo desde ese punto de vista, seguramente exista poca gente que quiera eso; sin embargo, es de mucha utilidad en una grabación, porque gracias a este procesador, podemos distinguir las diferentes sutilezas de una grabación que se escucha a niveles bajos, además de que también podremos
añadir un determinado carácter a los sonidos, permitiéndonos resaltar ciertas características. Cabe destacar que al igual que otros procesadores, no se deber abusar de él, porque obtendremos como resultado un sonido sobreprocesado. Fairchild 660 / 670 Creado por Rein Nama y fabricado por Farchild Recording Equipment Corporation, este equipo salió a la venta en 1959 y rápidamente conquistó muchos estudios alrededor del
Groovyland Studios/WSDG sound:check
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Clásicos de la ingeniería en audio
mundo. Está considerado el Santo Grial de los compresores, porque no solo comprime, sino que además añade calidad a la señal, gracias a su circuitería, que contiene 20 tubos y 11 transformadores, convirtiéndolo en el procesador más deseado y misterioso de la Industria.
Es muy apreciado cuando se quieren añadir armónicos impares a la señal y la distorsión y existen excelentes emulaciones en el mercado de diversas marcas.
Cabe decir que muchas marcas lo han emulado, pero se dice que cada modelo es único.
Teletronix LA 2A Jim Lawrence fabricó su primer compresor en 1958 y luego de probar con varios modelos anteriores sin tanto éxito, en 1962 tomó forma este hermoso compresor, que hasta el día de hoy se sigue utilizando. Es muy versátil y frecuentemente utilizado en voces, pero la realidad es que se comporta bien con cualquier fuente sonora, incluso para masterización. Su calidez y su forma “natural” en la compresión lo hacen una herramienta esencial para cualquier ingeniero. Además, tanto en hardware como en plug in, el LA 2A sigue brillando.
Urei 1176 Creado por Bill Putnam en 1966, incorporando en su circuitería los transistores FET, este compresor es versátil, pero muchos ingenieros lo utilizan para comprimir percusiones gracias a la ventaja que tiene en el control de ataque y release, permitiendo un mejor control. Una de sus características más destacables es que si presionamos todos los botones de ratio del 1176 a la vez, entra en un modo “atascado”, que lo hace ideal para trabajar en paralelo. Existen varias versiones y todas son excelentes; muchas empresas se han dedicado a emularlo hasta el día de hoy, incluso en el modo “atascado”. dbx 165 Este es otro gran compresor de los primeros con tecnología Voltage Controlled Amplifier (VCA) y un sistema propio de regulación de ataque y release que se denomina Over Easy,
Urei LA 3A Pariente del LA 2A, el LA 3A incorpora el circuito de detección del primero, pero el resto de su circuitería es de estado sólido.
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logrando una compresión natural y suave. Se ha convertido en otro clásico muy recomendable para bajas frecuencias y existen muchas buenas emulaciones disponibles en el mercado. SSL Bus Compressor La consola SSL 4000 trae en su master la opción de insertar este gran compresor que hasta hoy se utiliza para dar cohesión a los tracks de una mezcla. Hay otros también que suelen ser utilizados en buses de batería o cualquier otro tipo de instrumentos; se encuentran disponibles muchísimas emulaciones en el mercado e incluso otras marcas además del SSL lo fabrican en hardware.
Manley Variable MU Introducido en el mercado desde 1994, existen varias versiones de este compresor, aunque todas son bastantes parecidas entre sí. Se trata de una herramienta obligada para la masterización, ya que su calidez y su elegancia para comprimir lo hacen ideal y único para comprimir un programa de música completo, llevarlo a altos niveles de RMS y que siga sonando natural.
Distressor Empirical Labs Este equipo fue desarrollado por Dave Derr e introducido en el mercado en 1995, ganando popularidad muy rápidamente. Hay ingenieros que son fanáticos y hay otros como yo, que pensamos que es bueno para ciertas cosas, pero lo que sí es cierto es que es distinto a todos los demás compresores y eso lo lleva a participar de esta lista. También existen emulaciones de él.
API 2500+ Stereo Bus Compressor Para seleccionar el mejor compresor para nuestras producciones, todo depende del tipo de música a tratar. En el caso del API 2500, es cierto que la tecnología es algo que debemos probar y sacar nuestras propias conclusiones, pero lo real es que este compresor tiene muchas opciones de parámetros y considero que eso ayuda mucho; por suerte, en las emulaciones existentes también se tomaron el trabajo de tomar muestras de esas características.
Espero que los equipos descritos en esta serie de artículos ayuden a conocerlos y que animen a los ingenieros de audio a experimentar con ellos cuando sea posible, en pro de sus proyectos. ¡Gracias por leer!
Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.
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Por Nizarindani Sopeña
José El Soñador:
Fotos: Ramés López
máxima experiencia teatral musical
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C
on el sello de Gou Producciones, José El Soñador (JES) regresó en 2022 a las marquesinas del teatro musical en México con siete semanas de funciones en el Centro Cultural Teatro 1 para dejar en claro que la audacia, innovación y creatividad son la punta de lanza de esta productora que ha transformado la referencia del teatro musical en nuestro país, como lo han probado puestas en escena como “Hoy No Me Puedo Levantar” (HNMPL) y “Jesucristo Súper Estrella”.
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José El Soñador
Son las cabezas de la compañía y el equipo de producción técnica de JES, quienes develan cómo se hizo realidad esta magna producción teatral, una experiencia de entretenimiento que estimula al espectador por la convivencia inmersiva de un muro formado por más de 400 metros de pantalla con diez metros de altura, videomapping, escalones de veinte metros de largo, bambalinas que se dividen, patas que se mueven, 120 luminarias. Un diseño artístico y de producción que logró hacer coexistir todo para contar una versión nueva, mexicana, de este clásico del teatro musical. Gou Producciones: Incursionar, arriesgar y dejar huella Alejandro Gou es hombre de teatro y lo ha producido con su propia compañía desde 2008: “Todo lo que ven es un resumen de lo que veo por el mundo y comparto con mi equipo creativo, Armando Reyes y Guillermo Wiechers. Lo que hemos hecho es una mezcla entre un concierto y el teatro musical, donde lo importante es no olvidar la historia que queremos contar, porque no me gusta hacer obras de teatro que ya vienen hechas y sólo replicas. A mí me gusta crear”.
Desde que compró los derechos de “Jesucristo Súper Estrella”, Alejandro Gou cuidó mucho que la tecnología no desmereciera a los actores y estableciera ese balance. “A la gente de Andrew Lloyd Webber les gustó lo que hicimos y hoy, quien quiera comprar la historia de Jesucristo Súper Estrella, tiene que comprar mi versión, lo que sin duda es un gran halago. Lo mismo pasó con JES”, menciona. “Entonces, ¿cómo darle la vuelta a una historia tan clásica? Pues hablando de tecnología, ésta ha crecido maravillosamente bien y no está peleada con una buena historia, así que por ahí nos fuimos: Tenemos 420 metros de pantallas de LED, 200 luces robóticas y se logró un gran balance entre la iluminación, el video y los efectos especiales. Yo soy un soñador y ver esto, con el tiempo que estuvimos día y noche, y cuando se dio el primer acercamiento con el público y ver la reacción, fue increíble. Somos un gran equipo. Me rodeo de gente que me enseña, busco a los mejores en cada área y me convierto en un orquestador de todo”.
José Eduardo Mendoza, Alejandro Gou y Carlos Hernández Elemento clave en la visión y misión de Gou Producciones es Guillermo Wiechers, quien ostenta una carrera como productor independiente con 18 años de experiencia y 21 montajes a nivel profesional, en los que ha colaborado con artistas como Susana Alexander, Héctor Bonilla, Héctor Suárez, Víctor Trujillo, Ignacio López Tarso, Ari Telch y María Rojo. Desde el 2017 se unió a la producción ejecutiva junto a Alejandro Gou: “Me toca ensamblar los brazos del pulpo”, comenta; “por un lado, soy el vínculo entre la empresa mexicana y la que
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administra los derechos de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, The Really Useful Group, que está basada en Londres, y por otra parte, me toca supervisar la contratación del talento, así que me he convertido en una especie de abogado de entretenimiento para leer las licencias, los contratos, las letras chiquitas y saber a qué se obliga uno. También soy quien revisa qué es lo que debe salir del centro de costos asignado para la producción, las peticiones de los creativos, los mandos operativos y hacer una proyección de cuánto costará ese periodo de ensayos, porque detrás está el trabajo de Armando Reyes con cada creativo que eligió llamar para este proyecto. Esta producción nos tomó 18 meses y soy también quien está trabajando en lo que sigue”.
que función tras función da notas, una orquesta de 11 elementos con el productor musical Alex Carrera, que sabe de también de tecnología y conectividad para operar en el foso y mandar a cabina, un director de orquesta coordinando la ejecución de los instrumentos en vivo, un dance capter, dando notas de pasos de baile y naturalmente, un área técnica con su production stage manager, a quien cariñosamente llamamos Marmota (Xio Sánchez), que está en todo, además de los anfitriones, taquilleros, el personal de seguridad y estacionamiento”.
La crisis sanitaria hizo que se vieran interrumpidas las funciones de HNMPL y también se postergó la misión de School of Rock, un compromiso que todavía no tiene fecha; fue entonces que empezó a concretarse JES, como comparte Guillermo: “Lo que la gente ve sobre el escenario es la conjunción de Armando Reyes, a quien considero un amigo genio, quien unió esfuerzos con talento de amplísima y reconocida trayectoria, como el escenógrafo argentino Jorge Ferrari, el diseñador de video Maxi Veco, el coreógrafo español Carmelo Segura y Mariano Deitri, quien durante muchos años trabajó para Cameron Mackintosh, el gran zar del teatro musical mundial”. “Somos en total alrededor de 130 personas para dar esta calidad de espectáculo, desde vestuaristas, peluquería y maquillaje, con personas como Ángel Bernal, que lleva 13 años en Gou Producciones; tenemos un director vocal, un coordinador de los swings, una directora residente Guillermo Wiechers sound:check
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Un sello distintivo en el diseño de producción Su imaginario está en el teatro desde niño y por ello es actor y egresado de la carrera en Arquitectura de Espectáculos por la Escuela Superior de Artes y Espectáculos de Madrid, con especialidad en escenografía. Es Armando Reyes, director de Tycoon Gou -la división de espectáculos familiares de Gou Producciones-, que trabaja con licencias de televisión como Nickelodeon y Cartoon Network- y el director creativo de JSE: “Cada vez que venía un proyecto de gran formato, como Jesucristo Súper Estrella, le pedía a Alex que me dejara hacerlo completo, y así empezamos a cambiar la manera de hacer teatro. Esto nuevo que creamos es una combinación de espectáculo de Las Vegas con concierto y teatro musical, lo que nombré como el súper gran formato. Así es como llegamos a JES”, afirma. Armando también comenta que el diseño de JES surgió en la crisis sanitaria a petición de Alejandro Gou y su inspiración fue innovar en el uso de recursos tecnológicos: “Desde muy chico conozco el musical y era de esos que diseñé y rediseñé millones de veces en mi cabeza. Empecé con una maqueta y mi idea era meter mucha tecnología: trabajar con pantallas, pero de una manera teatral, pues hay una guerra muy fuerte contra éstas en este ámbito, porque dicen que esto no es cine. Yo quería redignificarlas y explorar hacer un uso teatral con ellas y mostrar que con creatividad se pueden usar. Eso fue lo primero que hice: me puse a hacer cuadros como pantallas y a darles movimiento y versatilidad, porque no es sólo una pantalla fija y eso le da un uso teatral. De ahí concebí la primera idea, me junté con mi equipo creativo, Jorge Ferrari, mi escenógrafo, y Maxi Vecco, un diseñador de video maravilloso y empezamos a hacer un story board. Cuando lo tuve me senté con Alex y se lo mostré. También me dijo que si estaba loco, si creía que era posible, y yo le dije: ‘Más bien dime si tenemos el presupuesto para hacerlo, aunque el presupuesto no debe ser un
obstáculo, porque para mí, la creatividad no sólo se aplica para poner buenas ideas, sino también para hacerlas realidad”. El siguiente paso fue exponer la idea a la gente de Media Center, Carlos Hernández y José Eduardo Mendoza, para hacer factible las pantallas en movimiento y demás ítems de producción técnica. Se sumó el equipo artístico y después se integró diseño de vestuario, iluminación y audio. Armando narra: “Fui guiándolos hacia un lenguaje de espectáculo, de show. Lo visualizaba como hacer un espectáculo de Las Vegas, contando una historia. Este es un espectáculo que nace de la dirección de arte, del diseño de producción. Nosotros le dimos fondo y forma a algo que estaba montado en un salón de ensayos y luego les pedimos que le dieran vida en el escenario”. “Yo creo que esto fue una comunión perfecta en la que trabajamos todos; este montaje no viene de ningún lugar, ¡aquí lo inventamos! Es una experiencia multisensorial que me confirma que más que hacer teatro, conciertos o desfiles, hago experiencias de vida para las personas y creo que esto es muy impactante, porque es muy estimulante a nivel visual, auditivo... ¡ataca todos tus sentidos!”, concluye Armando.
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Audio: mezcla en vivo de un show híbrido Alejandro Zambrano ha girado alrededor del mundo realizando el audio de “Billy Elliot”, “Charlie y la Fábrica de Chocolates”, “El Fantasma de la Ópera”, “La Bella y la Bestia” y colaborado en México en “Chicago”, “Los Miserables”, “El Violinista en el Tejado”, “Mentiras”, “HNMPL” y “Jesucristo Súper Estrella”. En JES armó el diseño asociado de sonido y operador técnico del mismo:
Alejandro Zambrano “Armamos el proyecto, planteamos, programamos y realizamos la mezcla que escucha el público. Usamos el sistema de audio RCF autoamplificado del lugar y la consola Soundcraft Vi6 con actualización de software Vi600 y una segunda consola Yamaha CL5para los músicos e in ears. Todo está spliteado y en esa consola salen los in ears y las mezclas personales para los músicos. En microfonía tenemos Sennheiser y para los actores principales usamos cápsula DPA 6061 por una cuestión de presión: es un show que suena muy fuerte y necesitamos que esa presión la soporte bien el micrófono”.
“En este show tenemos treinta micrófonos inalámbricos y los tres protagonistas usan doble, para prever cuando se obstruyen por el sudor o cuando se quedan sin pila; también están preparados micrófonos de mano en el escenario. Casi no hay monitoreo de voces en el escenario. Kalimba y Carlos Rivera usan in ear y Fela Domínguez se escucha y guía con la música. El artista se adapta, lo saben desde el primer día. La obra combina teatro y show, entonces hay un volumen considerable y su referencia está en sala. Todo está automatizado por escenas y se van abriendo al nivel necesario, pero no hay automatización de fader, se mezcla el show en vivo, a la banda y los actores. Casi no metemos efectos, solamente aplicamos un poco de compresor y ecualizador”. Iluminación: el desafío Convocado desde la puesta de HNMPL, Pablo Gutiérrez (de Life Entertainment Crew) asumió el reto de colorear con luces lo que para él no es teatro ni un concierto, sino la fusión de ambos en un contexto de metros y metros de pantallas para video: “Es una aventura totalmente diferente. Fue muy difícil aterrizar el diseño de iluminación, porque hay 450 metros de pantalla atrás y fue complicado decidir desde dónde íbamos a tirar y colocar
Pablo Gutiérrez sound:check
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las luces. Para hacerlas más presentes, hicimos un marco con las Elation Chorus Line como luces de calle (laterales, entre las piernas del teatro) y también usamos Vari-Lite VL2600 Profile, VL2600 Spot, VL2600 Wash y VL10 Beamwash, provistas por Media Center y que cambiaron todo por sus colores, que nos dejaron lograr muchas cosas y usarlos como cortadoras, además de las Profile en combinación con las Spot y arriba se usaron las VL10. Para el marco que está al frente se usaron las Chorus Line y unas Supersharpy de Clay Paky para dar profundidad y separación de la pantalla. Otro plus que metió Alex fueron dos luces RoboSpot de Robe como seguidores, que se controlaron desde arriba para los protagonistas. El diseño se hizo con Vectorworks y para operar se partió de una consola ETC, para pasar a MA Lighting grandMA2 full size. El
balance con el contenido de video creado por Maxi Vecco se logró cuidando criterios como la temperatura y los colores, en relación con dimensión, perspectiva y sincronía”. A Pablo le acompañan los programadores Andrés Campos y Luciano Marcos y en la operación Andrés Mendoza, Javier Hernández y Chalio, parte del crew del CCT1. “Para mí, JES fue un reto muy grande y estoy muy contento y orgulloso de participar”, afirma el iluminador. Video: la clave para dar vida a un nuevo formato teatral José Eduardo Mendoza, Director comercial de Media Center, fue el proveedor de los sistemas de video e iluminación para JES. Como expuso Armando Reyes, fueron los segundos en
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José El Soñador Fela Domínguez, la tecnología como incentivo artístico sumarse para hacer realidad las ideas de parte de la dirección creativa y ejecutiva y definir el tema visual, que es el ochenta por ciento de esta producción: “Estamos hablando de un proyecto que nació con una idea de cerca de 400 metros de pantalla y quedó en 450 metros, equivalente a 29 millones y medio de pixeles. Cuando entramos a realizar el montaje de esta producción, ocupamos cerca de cinco mil horas hombre para tener las plantillas de montaje y programación presentadas para un previo del montaje final”.
La intérprete y actriz, con participaciones en obras como “El Guardaespaldas” y “El rey león: el musical”, y en el papel de La Narradora en JES, señala acerca de la tecnología y su trabajo en este proyecto: “Mi relación con la tecnología es antes y después de esta obra, porque es la primera vez que se logra mimetizar de esta forma: tenemos el teatro con unas pantallas gigantescas que nos obligó trabajar distinto, por el reto que fue salir del salón de ensayos para ir al escenario y tener estos monstruos atrás que hacían que ciertos movimientos nuestros se vieran chiquitos. La tecnología llegó para quedarse y para hacernos crecer como artistas. Creo que la evolución en todo siempre ayuda y qué bonito que en el arte la tecnología se pueda meter de esta forma para crear cosas espectaculares”.
“Se trata de 1,800 módulos de 50 por 50 centímetros de 3.9 milímetros de pitch; cableado, entre señal y corriente, de cerca de 15 kilómetros; más de nueve toneladas de pantalla móvil, porque es una producción donde la mecánica teatral y la automatización interfieren mucho y hay pantallas que se mueven de un lado a otro y otras bambalinas digitales que se parten. Tenemos cerca de cinco toneladas más de pantallas fijas, una escalera completamente visual tapizada de pantalla LED y siete kilómetros más de cableado para poder realizar esto, en algo que nosotros creamos de cero a cien. Son cerca de 180 mil watts, un generador que normalmente se usa sólo para video, así que acá tenemos tres centros de carga para video”.
“Tenemos un jefe de video, Jorge Medrano, encargado de correr el show. Todo está automatizado por medio de LTC, un time code de SMTP que automatiza audio, video e iluminación. Tenemos dos servidores que, entre los dos, generan 60 millones de pixeles y se crearon para este proyecto. Hay dos servidores, un main y backup, que corren en tiempo real. Además tenemos cerca de 120 móviles, Vari Lite y ClayPaky, que están interactuando con todo el video. Fue un gran reto trabajar y generar luz de contra para eso pero nos hemos caracterizado como compañía, en tener las mejores soluciones para esas aplicaciones. La iluminación ha sido la punta de lanza de nuestra compañía y ahora el video que estamos logrando para realizar estos proyectos”.
Armando Reyes, José Eduardo Mendoza, Alejandro Gou, Carlos Hernández y Guillermo Wiechers. sound:check
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José El Soñador
El apartado de mecánica teatral en este entramado visual también fue clave: “Creamos rieles que fueron operados manualmente por técnicos de tramoya, porque si hubiéramos automatizado con motores toda esta producción, los tiempos del video no se hubieran logrado, pues éste interactúa con el movimiento físico de las pantallas, así que el video tiene que ir en el timing perfecto y no podíamos fiarnos de la tecnología. Fue más fácil retomar el tacto y experiencia humana. Lo único que sí es automatizado son las bambalinas: dos que se parten en un número del espectáculo y que bajan completamente al escenario con motores. Todo el rigging del escenario se tuvo que crear para esto y colgar todo. Este proyecto nos dejó poner todo el expertise acumulado en la vida; todo lo aprendido se resumió en este proyecto y vemos cómo todo ha valido la pena”, cierra orgulloso José Eduardo.
José El Soñador en la versión de Gou Producciones ha marcado un refrescante y memorable referente para el teatro musical de nuestro país. Si usted se quiere sumar y describirlo como Armando, de super gran formato, bienvenido; aquí lo importante es saber que el talento mexicano sigue
José El Soñador: audio, iluminación y video al máximo de creatividad Audio Sistema de audio RCF Consola Soundcraft Vi6 con actualización de software Vi600 Consola Yamaha CL5 Microfonía Sennheiser DPA 6061 (para los actores principales) Iluminación (24) Luminarias Vari-Lite VL10 BeamWash (16) Vari-Lite VL2600 Wash (12) Vari-Lite VL2600 Spot (06) Vari-Lite VL2600 Profile (14) SL Nitro 510 (12) Luminarias Clay Paky Sharpy Plus Video (420) Metros cuadrados de pantalla LED, Pitch de 3.9 milímetros (27,525,120 pixeles) (01) Videoproyector Barco láser de 35,000 lúmenes (02) Servidores de video custom con 6 salidas 4k 4096 por 2160 (04) Tarjetas de envío Nova MCTRL 4K con control de 35,389,440 pixeles trascendiendo por su audacia, imaginario, profesionalismo y eficiencia: “Al final, la gente agradece que hayamos traído a JES, pero yo les digo que lo hicimos en México. Está hecho por mexicanos y creativos extranjeros de muy alto nivel. Tengo 51 años y tendré veinte años más para producir; vienen más locuras”, afirma contundente Alejandro Gou, invitándonos a seguirle, indudablemente, la pista. Redacción: Marisol Pacheco
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Por Francisco Javier Grajeda Sandoval
Fotos: Yorch Gómez y Andy Jiménez
Segundo lugar Concurso Reseña musical/Plataforma escríbele.com
Sobrevivir en la barranca I Poder sentirlo todo en todas partes El primer concierto al que asistí fue a los trece años. En plena ebullición de bandas como La Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio, Café Tacvba o Cuca, yo fui a ver a los primeros mencionados y debo decir que, a partir de ese momento, me volví adicto a la música en vivo. Aquella euforia desbordada, los comportamientos carentes de todo freno por parte de los asistentes, aunado a la fuerte presencia escénica de los ejecutantes, creaban un imponente ambiente que mezclaba aromas, sonidos, luces, empujones y la acritud de la adrenalina en mi boca que me hicieron entender que mis sentidos tenían aún mucho por vivir. Sentí miedo, sí, definitivamente ver pasar botes de basura volando a un lado tuyo, o a tipos encender latas de aerosol a modo de sopletes, sentir que estás a merced del movimiento
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y designio de las masas es muy intimidante cuando eres un chiquillo que solo quería oír a uno de tus grupos favoritos de ese momento, pero luego entiendes que ahí tú también eres masa, eres parte de ese todo que no va a fijarse en las reglas de la acústica o la moral, al menos por un par de horas, y eso te vuelve una persona distinta a la que generalmente eres, pero igual a lo que sientes dentro de ti cuando escuchas en tus audífonos una buena canción a todo volumen. II Entonces sentimos lo que es estar vivos Alguna vez dije que, para morir en paz, me bastaría con ver en vivo a cinco bandas; Sigur Rós, Radiohead, Pink Floyd, Portishead y Massive Attack. A las dos primeras ya las gocé en conciertos, la tercera es casi imposible (ya ni se hablan),
Segundo lugar Concurso Reseña musical/Plataforma escríbele.com
pero he podido ver dos veces a Roger Waters y ambas experiencias (“Dark Side of the Moon” y “The Wall”), han sido totalmente alucinantes. Portishead y Massive Attack, son asignaturas pendientes, pero por fortuna aún tocan juntos a veces. El punto es que, cuando hice esa aseveración, me había quedado corto en mis expectativas, pues nunca imaginé la potencia de estar a unos metros de distancia de Deftones, o a unos centímetros de Foo Fighters, ni pensé en el escalofrío que me provocaría escuchar en directo “Hombre al agua”, de Soda Stereo o “Sledgehammer” de Peter Gabriel; tampoco había contemplado hacer grandes descubrimientos con teloneros como Dresden Dolls o The National. Ahora sé que aún al morir, me voy a quedar muy corto en cuanto a las experiencias que pudiera disfrutar en alguna tocada. Aun así, tengo mis bandas consentidas para ver en vivo y una de ellas es La Barranca. III Pero tu canción es triste y hermosa Yo escuché a La Barranca en concierto por primera vez en 1998, cuando tocaron en el extinto Bar Fly de Guadalajara, presentando el disco “Tempestad”. Aquella vez ya estaba tocando con ellos Alejandro Otaola, a quien conocía por Santa Sabina, y aún tenían en su alineación a Alfonso André, Federico Fong y a Jorge Gaytán acompañando al siempre barranqueño José Manuel Aguilera.
Ese concierto fue impresionante, pues a pesar de que solo contaban con dos álbumes, dieron una presentación llena de buena vibra, con una ejecución impecable y haciendo que todos los que estábamos presentes cantáramos, bailáramos, nos abrazáramos y sintiéramos en cada vellosidad del cuerpo todo lo que ellos quisieron provocarnos.
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Si es que aún hay alguien que no conoce a La Barranca, me permito comentar que es uno de los mejores grupos de rock que existen en México, siendo catalogados como la banda más elegante de ese género en el país y manteniéndose vigentes desde 1995, cuando durante un palomazo en Guadalajara siendo Semana Santa y tras grabar con Jaguares y Forseps, Aguilera, André y Fong decidieron crear un concepto que sigue vigente hasta la fecha. La banda cuenta con doce álbumes de estudio y por sus filas han pasado numerosos músicos de alta calidad que tanto en vivo como en sus grabaciones, dan muestra de una impresionante creatividad y precisión, además de derrochar una energía que te envuelve desde el primer acorde hasta el momento en que se bajan del escenario, dejándote con ganas de mucha Barranca más. Yo los he visto en teatros, en bares, en festivales, en la calle, en salas de conciertos. Los he oído sobrio, con sueño, deprimido, eufórico, ebrio, sin ganas, con muchas ganas. He sido testigo de su virtuosismo en acústicos, con invitados, musicalizando películas de cine mudo, tocando con mariachis, haciendo covers de Radiohead o hasta luchando con pésimas ecualizaciones. Sin mentir, es el grupo que más veces he visto en vivo.
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IV La muerte que a mí me toca, sea el piquete del alacrán Tomando en cuenta las tantas veces y de distintas formas que he sido testigo de la fuerza de La Barranca, quedaba claro que no me iba a perder la posibilidad de verlos cuando, debido a la pandemia que estamos sobreviviendo desde hace un par de años, anunciaron un concierto en línea para diciembre de 2020. Debo confesar que me la pensé por un instante, yo sabía que no iba a ser igual. Me iban a faltar algunos litros de cerveza (aunque no soy aficionado a beber, despeñarme en La Barranca es inevitable), esta vez no iba a escuchar los clásicos gritos: “Aguilera, hazme un hijo”, ni me iba a cimbrar la piel en cada poro con las primeras distorsiones de guitarra al comenzar “El síndrome” y ni qué decir de no poder gritar a todo pulmón “¡Quémame coooooon tu pieeeeel!” al escuchar “Ser un destello”. No, no iba a ser igual, pero iban a ser ellos e iba a ser yo, y a fin de cuentas, para que la magia de la música exista, es necesario quien esté dispuesto a tocarla y quien esté dispuesto a disfrutarla. Así que me dispuse. Compré un cable HDMI para poder conectar mi laptop a la pantalla, un six de cervezas oscuras y acondicioné el cuarto de la televisión de manera que, si los vecinos decidían, como es
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habitual, llevar grupo norteño a sus cocheras o prender sus bocinas con música a todo volumen, no me fuera a cortar mi trance barranqueño. El concierto mencionado fue un recorrido por canciones emblemáticas de sus discos anteriores, más la presentación del álbum “Entre la niebla”, y aunque no fue realmente en vivo, sí era una grabación que se notaba hecha en una sola toma de cada tema, lo que daba esa sensación, con errorcitos y desafinadas incidentales incluidas, de que estabas ahí, viéndolos en un escenario interpretar con la emoción viva y no con los arreglos propios de un estudio, lo que esa noche habían decidido presentar. Al final no pude comprarme una playera o preguntarle a algún desconocido en el baño su impresión por el concierto, o manejar rumbo a casa oyendo a todo volumen las canciones que no hubieran tocado y que yo habría agregado al setlist, y mucho menos pude gritarle a la tele el clásico “¡Ooooooooootra! ¡Oooooooooooootra!”, pero si algo me quedó claro es que no debemos dejar de vivir mientras “El alacrán” no haya decidido picarnos.
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Por Mérlindon Crosthwaytt*
Ximena Constantino, el futuro sonoro de una saxofonista
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aya gratos recuerdos del futuro, charlando con un café en la mano y junto a la extraordinaria persona y gran saxofonista Ximena Constantino. En una década, dos o tres, seguramente alcanzará importantes dimensiones de consagración para nuestro país, algo así como el ejemplo del Maestro Flautista y Director de Orquesta, Horacio Franco. ¿Por qué no verla así? Por favor, coloquemos todos nuestra voluntad, imaginación y pensamiento, que hasta allá veremos a Ximena representarnos en el mundo y de esta manera, estaremos en el futuro recordando sus logros del pasado. ¿Cómo ha sido tu carrera en el medio musical? “Creo que no hemos logrado los objetivos todavía como mujeres; no se trata de estar en contra del otro género, pues tengo un hijo, sino que simplemente hay más hombres conocidos que mujeres en el sax” comenta. Ximena es la primera mujer en terminar y graduarse de la carrera de ocho años de Saxofón en el Conservatorio Nacional de Música, aunque en la Escuela Nacional de Música hay más chicas que se han graduado. Ximena comparte que hay un contraste de mujeres en la música académica y en la música comercial que admira por sus talentos y alcances, y explica que, sin embargo, en el ámbito de la academia, existe una falta de cátedra antigua, “un linaje de formación en saxofón”, ya que en la música clásica no hay una cátedra para este instrumento como tal. Ximena tiene a su amiga Sofía Zumbado, también saxofonista, en el Vórtice Ensamble, del compositor y director de orquesta Felipe Pérez Santiago y como un logro especial, Ximena estrenó en Perú una obra de Venus Rey Jr: una suite que compuso para ella, la cual pudo interpretar, pero que debido a la crisis sanitaria, no se ha podido grabar. Ximena nos relata una experiencia, a modo de aprendizaje, que considera relevante. Le platicó a su profesor (del cual dependía en aquel entonces para terminar su carrera) sobre su embarazo, y éste le respondió que ella ya no iba a ser músico nunca y se negó a continuar dándole clases. Acto seguido, Ximena se dio de baja dos años y finalmente el Maestro Filomeno Ortíz, con quien se encuentra agradecida, firmó los documentos para que siguiera estudiando y se graduara; nos deja entonces la lección de que el que quiere, puede.
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Audición, meritocracia y profesionalismo Más allá de los géneros, a las orquestas se entra por meritocracia, por audición. Sería interesante proponer, de manera alternativa, por ejemplo, una orquesta de mujeres estatal o federal; en Oaxaca hay orquestas de mujeres y también bandas como la Banda Femenil Regional Mujeres del Viento Florido. Ximena agrega: “Estoy de acuerdo con las
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“Una persona que está en la música de manera verdadera, es difícil que sea una persona vacía”.
orquestas mixtas, y también creé el Ensamble de Saxofones Mujeres de México; finalmente se trata de que el ejecutante sea bueno y profesional”. Existen ambientes nada profesionales que pueden ser nocivos para los músicos y con pocos cuidados, aún siendo entre mujeres. Ambientes de personas negativas, drogas, alcohol, mala paga y condiciones de logística no profesionales, así cómo también tratar a los músicos con prejuicios y no brindarles hospedaje y condiciones adecuadas. “Debemos regirnos por la música más allá del género, como artistas tenemos la responsabilidad social de buscar y generar oportunidades, lo que está bien hecho, está bien hecho, no vayas a lugares, ni con gente en quien no crees, ni debes estar” sugiere Ximena en esta reflexión. Datos y visión para los músicos jóvenes desde la experiencia. Antonie-Joseph Sax (1814-1894), hijo de Charles-Joseph Sax, ambos de Bélgica, es el creador del saxofón. Otro dato interesante es que a la dama del saxofón, Elise Hall, su doctor le recomendó tocar el sax y ella le pagó al compositor francés Claude Debussy para que compusiera para ella y aunque destacó, él se refería a ella con poca importancia. Desde su
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origen, el sax ha sido un instrumento raro, hay un libro llamado “El Cuerno del Diablo”, de Michael Segel, que recomienda Ximena para quien comienza sus estudios en el sax (con una traducción al español que puede encontrarse en dialnet.uniroja. es). El abuelo de este instrumento es el clarinete y actualmente, el sax cabe en muchos estilos como el jazz, la salsa, la música contemporánea, la música comercial, el rock y el blues. Hay que estudiar esos estilos; hay que estudiar la teoría musical y no quedarse en un estilo”. Estudio de grabación y home studio Ximena graba en salas acústicas y en vivo y con su ensamble, colocan micrófonos al centro para sonar lo más natural posible. Lo que más le agrada son los micrófonos AKG y Shure, que también usa en casa con una interfaz Behringer y el programa Logic Pro, buscando el sonido lo más natural posible, sin cambiar afinaciones, sino simplemente grabar bien para que quede de origen. “De Shure ocupo el modelo Blx14/b98 y actualmente me patrocina D’Addario. Además, a través de Casa Veerkamp, tengo instrumentos BG France y Victory Instruments, del cual uso un sax soprano.
Para evitar errores comunes en el sax, Ximena ofrece los siguientes tips: 1. Dar la suficiente importancia a las notas largas y a las escalas. 2. Los ejercicios de respiración se tienen que hacer toda la carrera del músico. 3. Hay distintas ofertas de boquillas, cañas y saxofones y se deben probar diferentes para encontrar la comodidad y el sonido deseado.
“Estoy de acuerdo con las orquestas mixtas y también creé el Ensamble de Saxofones Mujeres de México; finalmente se trata de que el ejecutante sea bueno y profesional”.
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“Hay un contraste de mujeres en la música académica y en la música comercial que admiro por sus talentos y alcances, pero en el ámbito de la academia, existe una falta de cátedra antigua, “un linaje de formación en saxofón”.
Siempre agradecida con la música Ximena sostiene en creer en lo que se haces, sin pasar por encima de nadie. La música le ha dado momentos maravillosos como viajar y está agradecida con su esposo, el Maestro Armando Cedillo, trompetista, por su apoyo emocional, musical, y por ser padre de su hijo. Ella finaliza: “Le he dado a la música mi tiempo y me ha redituado; una persona que está en la música de manera verdadera, es difícil que sea una persona vacía. Se puede contactar a Ximena en Facebook: Saxofonista Ximena Constantino, Instagram: Ximena Constan y en TikTok: Ximena Constantino Sax.
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Germán Lobos M
úsico, cantante y productor. Cantante de música virreinal y productor e ingeniero de grabación especializado en música de concierto. Este perfil, con el que muchos colegas conocieron a Germán Lobos, es sólo una parte de lo que él significó para muchas personas. Su sensibilidad fue muy apreciada y la amistad que prodigaba fue muy valorada para quienes disfrutaron de ella. Sin duda, su repentina partida de este plano de existencia es un muy difícil momento para su familia, amigos y colaboradores, y el siguiente escrito está hecho con todo el cariño para recordarlo. Estamos seguros
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de que Germán estaría feliz de saber que era tan querido, y desde aquí enviamos un fuerte abrazo a todos quienes él tocó con su sensibilidad y talento. Hasta siempre, Germán. “En 2018, mi vida cambió dramáticamente después de una separación muy dolorosa. Germán se acercó a mí un día y me dijo: ‘Estás callado, enojado y triste por todo lo que ya no será, pero querido Ica, piensa en todo lo bello que puede venir y todo lo que hermosamente puedes crear’. Germán pudo leer
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mi corazón en pedazos sin que yo dijera una palabra, se acercó y me dio un abrazo, estuvo ahí para mí, para saber que yo iba anímicamente mejor. Generalmente, cuando una persona se va, decimos sólo lo bueno que él era porque ya no está y queremos honrar su partida. Yo quiero honrar su vida, Germán fue tres veces caballero, un ser excepcional y amó México con todo su ser. No tengo duda que toda vida que Germán tocó, cambió para bien. Él me ayudó a sanar y a ver todo ese mal momento de mi vida desde una perspectiva más constructiva. Aprendí mucho bueno de ti. Gestor cultural incansable, amante del arte y de las buenas formas. Sé que no soy el único que pensará así. Le hacías mucho bien al mundo, Germán. Hasta siempre, amigo”. Icautli Cortés, ingeniero de audio “Una de las más gratas experiencias como profesional del audio es encontrarse con colegas con quienes inmediatamente se crea una entrañable amistad. Germán es uno de esos maravillosos personajes. Nos conocimos en el Primer Encuentro Oídos de Oro en Tepoztlán, en 2011. Afable, de una gran conversación y siempre dispuesto a profundizar en el conocimiento de nuestra profesión. Acudió a varios de mis talleres. Después llamaba una y otra vez para reafirmar ideas. Inolvidable su sonrisa y trato caballeroso. Estaba en el camino correcto para ser una de las
figuras más destacadas en nuestra Industria. Fue siempre de los primeros en apuntarse para nuestras célebres comidas de fin de año y de los últimos en retirarse de las mismas. Germán ha dejado un espacio difícil de reemplazar: a nivel profesional y como un buen amigo. Personalmente, es complicado transmitir a través de estas líneas todo el cariño que imprimió. Como sucede en casos así, es triste no haber tenido la oportunidad de agradecerle por todo lo que aportó. Germán querido… muchas gracias por todo y buen viaje. Juan Switalski, ingeniero de audio “Además de haber sido un entregado y apasionado de la música, Germán Lobos fue un amigo que estuvo constantemente presente, dispuesto a ayudar en lo que fuera posible. Tuvimos muchas charlas y en ellas, un tema frecuente fue microfonía y técnicas de grabación, otra gran pasión de Germán. En los años de amistad que tuvimos hubo oportunidad de colaborar en varios discos, desde música para piano, coral y ensambles, hasta proyectos personales que hicimos por amor al arte. Afortunadamente deja una extensa lista de producciones en las que participó como cantante, productor y/o ingeniero, pero sobre todo nos dejó un ejemplo de amistad impecable”. Luis F. Herrera, ingeniero de audio “Mi querido Germán Lobos, gran ser humano que pasó por el transitar de muchos y que dejó una huella importante en sus vidas, y para unos, como yo, tatuada en lo más profundo del corazón.
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En recuerdo
Integrante de Mexicalia, donde lo conocí, creamos una relación, que más de amigos y colegas, era como de una familia, con sus altibajos, con sueños y expectativas, pero sobre todo con mucho amor. Hombre con muchos talentos, pero sobre todo noble, generoso como él sólo y para mí, casi hermano del que recibí un amor incondicional y una radiante luz que alegraba mi alma”.
muchas veces, y sin embargo, recorriendo en mi memoria más de veinte años de historias compartidas, me convenzo de que la existencia no se mide en horas, días o cualquier sinónimo del tiempo, sino por las búsquedas y los aprendizajes emprendidos, las obras realizadas, las alegrías y la capacidad de dar y recibir amor; en esto, querido Germán, has sido generoso y fecundo y dejas constancia en todos aquellos que tuvimos el privilegio de tu presencia.
Lorena Barranco, cantante Mientras tenga memoria, te quedas conmigo, Hermano… Gracias infinitas… hasta siempre…” Salvador Guízar cantante “Nuestro querido Germán Lobos fue y es un ejemplo a seguir para muchos. Él era la mezcla perfecta entre un profesionista apasionado y un ser humano lleno de bondad y sencillez. De los recuerdos que me vienen a la mente en donde tuve la dicha de cruzar caminos con este ángel fue, en la labor de audio rescate del 19 de septiembre de 2017 en Ciudad de México, en donde por varios días dedicó destino, tiempo y energía para ayudar a encontrar víctimas debajo de los escombros con su equipo de audio. Meses después le fue otorgada la medalla “Audio rescate19” por sound:check Xpo por su gran mérito. Por todo eso y mucho más, gracias, Germán”. Novelli Jurado, ingeniero de audio
“A mi querido hermano Germán Lobos Mendoza: Pido permiso al duende de la inspiración para que me permita expresar con fidelidad y en la medida justa el querido recuerdo y la huella imborrable que ha dejado la presencia en mi vida de un colega ejemplar, de un amigo insustituible, de un hermano en el mejor y más genuino sentido del término, pero esencialmente de un ser humano excepcional por su talento, inteligencia y generosidad, que quiso y supo estar a la altura de todos los escenarios que el arte y la vida le ofrecieron. Se ha ido muy temprano, me he repetido
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“Germán: A casi un mes de tu partida, todavía es difícil de creer. Un ser generoso, dispuesto a cooperar, hacer equipo, apoyar y siempre sumar. Era poco el tiempo que teníamos de haber empezado a tratarnos; muchos amigos músicos y muchos más en el fascinante mundo del audio y la producción nos unían. Hablábamos el mismo lenguaje y teníamos experiencias profesionales muy cercanas, escuchábamos tu nombre cada vez en más proyectos, tu participación en Oídos de Oro siempre estuvo presente aportando, echando porras y compartiendo proyectos, hasta que un día un proyecto nos puso frente a frente, sumando para sacarlo adelante y así, en un abrir y cerrar de ojos, ya sumábamos como socios. Compartimos equipos, escuchábamos proyectos mutuos y opinábamos para crecerlos. Tu entusiasmo siempre estuvo presente, fuiste un gran socio en las Noches de Ofelia y así fuimos generando contenido
siempre de muy alta calidad. Nos cuesta trabajo no tenerte y sin duda hay un gran vacío que es difícil ocupar…creías en la música, en los músicos y sus proyectos. En las locuras que se nos ocurrían sin cuestionar qué tan complicado era, ahí estabas con una gran sonrisa”. Gabriela Méndez y “Chacho Peniche”, ingenieros de audio
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Chuck Ainlay, en lo nuevo de Albert Cummings El productor e ingeniero ganador de varios premios Grammy, Chuck Ainlay, ha grabado y/o mezclado más de trescientos álbumes, incluido el trabajo con artistas legendarios y actuales como George Strait, Taylor Swift, Miranda Lambert, Peter Frampton y Mark Knopfler, entre muchos otros y recientemente trabajó en el nuevo álbum de estudio, “TEN”, del aclamado bluesman Albert Cummings. Grabado en Nashville, en Phenix Studio, de Peter Frampton, el álbum presenta un equipo de ensueño de los mejores músicos de Nashville reunidos por Chuck, incluido el baterista Greg Morrow, el bajista Glenn Worf, el tecladista Michael Rojas y el guitarrista Rob McNelley, con una aparición especial del legendario artista Vince Gill. “Lo primero que Chuck les dijo a los músicos cuando entramos al estudio fue que estaban ahí para darle a Albert algo que nunca tuvo, ¡y lo hizo!”, comenta Albert. “La música que comenzó a reproducirse en el estudio sonaba como si se estuviera creando en un nivel completamente nuevo”. “Albert notó mi nombre y le gustaron las grabaciones que había estado haciendo”, menciona Chuck. “Estaba pensando en hacer otro álbum y me preguntó si estaría interesado, así que entablamos una conversación, me envió algunos CDs de álbumes anteriores y quedé realmente impresionado”.
En “TEN”, Albert se aventura en el rock, el country, el soul y la música americana, mientras que sus canciones van desde melodías que hacen sonar las paredes hasta baladas suaves, con la voz áspera y mundial de Cummings que toca todos los estados de ánimo adecuados”. “Elegí Phenix Studio de Peter Frampton para grabar las pistas y mezclar el álbum, ya que el estudio está bendecido con todo lo que se necesita desde un punto de vista técnico, junto con un gran sonido y una gran vibra”, afirma Chuck. “Parecía el lugar perfecto para hacer este álbum, ya que no era una
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banda súper grande. Además, siendo Albert un guitarrista, ¡realmente estaba emocionado con la idea de estar en el estudio de Peter Frampton! Cummings y Ainlay habían hablado sobre algunos artistas invitados que podrían estar en el disco. Como gran admirador de Vince Gill, Cummings se preguntó si había alguna posibilidad de que Gill estuviera interesado. Ainlay recuerda: “Me preguntó qué pensaba sobre esa posibilidad y le dije: ‘Bueno, Vince es un buen tipo, ¡así que tal vez!’ .’” Gill terminó prestando su talento vocal en la bulliciosa canción “Last Call”. “Albert estaba en la luna”, afirmó Ainlay, “O como él dice, tener a Vince en el disco fue solo otro momento de ‘pellizcarme’”. Al hablar sobre el seguimiento real del disco, Ainlay compartió detalles sobre las opciones de micrófonos, amplificadores y preamplificadores: “A Albert le gusta mucho el amplificador Fender llamado Vibro-King, con el que no estaba muy familiarizado, y lo emparejamos con uno de los Fender Vibroverbs de Frampton”, comenta Ainlay. “Amplifiqué cada amplificador con un Shure SM57 cerca del parlante en un ángulo de 40 grados. También utilicé un micrófono de cinta de estudio R-121 de Royer labs y un micrófono de cinta estéreo Royer SF-12 para el ambiente de la sala. Esa combinación es la forma en que he estado microfoneando guitarras eléctricas durante años y funciona. Los ejecuté a través de módulos API para preamplificadores de micrófono y luego directamente a la grabadora de disco duro. Generalmente no uso compresión cuando grabo guitarras eléctricas, ya que puede matar una actuación. Obviamente, Albert tiene una pedalera, por lo que haría algo de compresión en su extremo dependiendo de la pista, pero siempre trato de obtener el sonido que el guitarrista realmente escucha en la sala. Al trabajar con Mark Knopfler a lo largo de los años, aprendí que realmente se trata del guitarrista, no de mí y de cualquier procesamiento que pueda hacer después”.
“TEN” también presenta varias pistas en las que la guitarra acústica es el instrumento destacado, por ejemplo, “Hard Way” y “Meet the Man”. Ainlay continúa: “Peter Frampton tiene una Signature Series Martin, así que esa es la guitarra que terminamos usando. Para la microfonía, mezclé un micrófono de condensador multipatrón Neumann KM 86 dirigido al orificio para capturar el cuerpo de la acústica junto con un micrófono de instrumento DPA 4099, que es de cuello de ganso. Lo coloco donde el mástil se une al cuerpo para obtener más ataque del instrumento”. El paso final del proyecto fue la masterización y Chuck Ainlay eligió a Mike Haynes de Ensõ Mastering, con sede en Nashville. “Como ingeniero de masterización, siempre debes honrar la visión del ingeniero de mezcla, y esto es especialmente cierto cuando masterizas un proyecto mezclado por el amigo e ícono de la industria, Chuck Ainlay”, afirma Mike. A lo largo de su carrera, Cummings se ha esforzado por no poner límites a su música y con TEN ha subido el listón hasta un punto en el que todo parece posible. “He estado jugando durante muchos años y todavía encuentro nuevas formas de expresarme”, dice Albert Cummings. “De eso se trata este álbum para mí. Apoya mi creencia de que puedo lograr cualquier cosa que me proponga”.
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Micrófono de condensador para voz
Shure KSM11 C
omo una novedad para el registro de la voz, la cápsula del micrófono vocal inalámbrico KSM11 de la firma fundada en 1925 por Sidney Shure redefine el rendimiento vocal al proporcionar una adecuada combinación de bajos plenos, medios claros y agudos detallados, sin necesidad de una amplia ecualización. El KSM11 es un micrófono de condensador cardioide diseñado específicamente para actuaciones en vivo, grabación de eventos y transmisión de alta calidad y permite que los sistemas inalámbricos digitales transmitan voces en vivo de forma extraordinaria. Algunos detalles Con los requerimientos que la transición a la tecnología digital han impuesto a los escenarios para espectáculos en vivo en la actualidad, el micrófono de condensador cardioide KSM11 fue desarrollado para aprovechar la alta linealidad del audio digital; es decir, la misma salida en toda la gama de frecuencias. El dispositivo ofrece un equilibrio de gama baja completa, gama media rica, detalles esenciales de agudos y un importante rechazo de los sonidos fuera del eje, ofreciendo a los usuarios una excelente representación de la interpretación vocal para construir sus mezclas, ecualizando por elección y no por default, todo esto de una manera inalámbrica. A continuación, un listado breve de sus características: ·La cápsula de condensador inalámbrica patentada del KSM11 utiliza un diafragma de oro de tres cuartos de pulgada y una electrónica de primera calidad para un rango dinámico excepcional. ·Su patrón polar cardioide profundo y altamente uniforme reduce la distorsión de fase fuera del eje y logra una reproducción vocal impecable y concentrada.
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·El diseño rigurosamente perfeccionado hace que la cápsula ocupe un espacio más pequeño y ligero en comparación con las cápsulas inalámbricas convencionales. ·Cuenta con un avanzado sistema de aislamiento suspendido que elimina casi completamente el ruido de manipulación. ·Su rejilla de acero templado es resistente a la intemperie e incluye un filtro contra chasquidos, para voces uniformes y libres de efectos. ·Está disponible en acabados negro y níquel.
A primera vista
Si vamos un poco más a profundidad, veremos que el KSM11 cuenta con un condensador TypeElectret, patrón polar cardioide, respuesta en frecuencia de 50 a 20,000 Hz, salida de impedancia (1 kHz) de 250 ohms, sensibilidad a 1 kHz y un voltaje de circuito abierto de 46.5 dBV/Pa. El nivel de presión sonora del KSM11 es de 151 dB, su relación señal a ruido es de 71.5 dBs y su rango dinámico es de 128.5 dB. Su nivel de clipping es de 10 dBV y la presión positiva en su diafragma produce un voltaje positivo en el transmisor con respecto a tierra. Finalmente, con un peso de 150 gramos y dimensiones de 4.8 por 7.6 centímetros, este lanzamiento de Shure se integra a la gama de opciones que la marca pone a disposición de la Industria de la Música y el Espectáculo para responder a los retos de hoy, de una manera sencilla y efectiva. ¡A probarlo!
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Notas del medio
Ulises Hadjis: El Mundo y la Nada De los años de pubertad, cuando tocaba la guitarra y adquirió el portaestudio de casete Tascam 424 con el que hizo sus primeras grabaciones, el venezolano Ulises Hadjis recuerda que aquel fue el camino que lo metió en la autoproducción: “En ese momento no me preocupaba ni la producción ni la ingeniería, sino más la música; ahora me doy cuenta de que, obviamente, estaba aprendiendo también a grabar y a usar lo que tenía para hacerlo”. Con cuatro discos y varias colaboraciones, su reciente álbum “El Mundo y la Nada”, grabado en su espacio (Estudio Continuo), cambió el proceso con el que venía haciendo sus discos anteriores: “Pavimento” fue el primer disco en el que trabajé con más músicos; en los dos primeros yo grababa la mayoría de las cosas y este fue más colaborativo. Eso cambió el sonido y la visión de producción, que estuvo a cargo de Carles ‘Campi’ Campón, de la banda Vetusta Morla, quien quiso volver a la sonoridad de sus micrófonos Coles de listón pasados por preamplificadores Neve”, señala el cancionista”. Sobre la relación que establece con los productores, afirma: “La visión que tengo del productor es como de psicoanalista: busco alguien que me muestre el punto ciego y desarrollamos
una dinámica de confianza. Me gusta seguir las directrices del productor, porque yo ya compuse la canción y estoy tocando los instrumentos, así que me interesa saber qué va a decir la otra persona”. Las canciones de “El Mundo y la Nada” se escribieron entre 2017 y 2019 y algunas cuentan con colaboraciones junto a Gaby Moreno, Florencia Núñez y Xoel López. “Mi disquera sentía que había que sacar sencillo por sencillo y realmente es agotador. Produje un par de discos para Universal Music y el director me dijo, “hay que sacar discos enteros, salvo contadas excepciones de artistas”. Esa es una lección de la industria: el sencillo no construye un fan, mientras que el disco sí lo hace”.
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Notas del medio
Las voces del disco se grabaron en Estudio Continuo con un micrófono Neumann y una caja de poder: “La cadena que uso casi siempre pasar por un SSL y listo. No comprimimos ni ecualizamos nunca, porque cantamos de una manera tranquila, menos en la canción “Despiértame cuando llegues”, en la que mi voz la grabé con el Manley Reference que tenemos en el estudio”. Para la mezcla, Ulises suele hacerla como trabajo previo junto a El David Aguilar, su socio y colega, o bien con Roy Cañedo o Nacho Sotelo; la masterización queda en los oídos de Juan García o Gerry Rosado: “Hago pre mezcla con David bastante cerca para cachar algo más técnico de frecuencia o compresión. Si voy con Roy y Nacho, Roy suele revisar todo y Nacho toma cosas de lo que hice y arma con eso una segunda visión; yo, antes de pedir cambios, lo dejo pasar un par de días. Con lo que estoy luchando ahora es en lograr presentarme en directo usando un MPC y un looper para mantener la magia del performance en vivo yo solo, porque no tengo fechas suficientes para ensayar con una banda”, finaliza.
Solid State Logic, ganador del Queen’s Award El procesador externo analógico Fusion fue reconocido con este prestigioso premio británico a la innovación para las empresas del Reino Unido y reconocen y celebran la excelencia empresarial en todo el país, además de marcar el segundo reconocimiento Queen’s Award de SSL en dos años. Desde su lanzamiento en 2018, Fusion se ha utilizado en muchos estudios de grabación comerciales de todo el mundo y ha ganado popularidad entre la comunidad de producción, mezcla e ingeniería de audio, gracias a sus poderosas herramientas de modelado tonal. Fusion brinda detalles, calidez y delicadeza a las señales de audio que solo los circuitos analógicos reales pueden proporcionar. El Director General de SSL, Nigel Beaumont, comenta: “Nos sentimos honrados de haber recibido este premio, el segundo en dos años. Expreso mi gratitud a todo nuestro personal por impulsar una cultura de innovación, y a nuestros clientes de todo el mundo que son extremadamente leales y exigentes con sus aplicaciones. Finalmente, como parte de la familia Audiotonix,
somos afortunados de tener acceso a recursos y conocimientos adicionales que nos permiten ofrecer continuamente productos de clase mundial”. Sin duda, SSL se merece éste y muchos premios más gracias a la creatividad con la que sus productos cuentan y han hecho evolucionar a la Industria de la Música y el Espectáculo. ¡Felicidades a todo el equipo!
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Un encuentro con
V íctor Moreno:
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o tenía la mayoría de edad, pero sí el fuego del rock en las venas cuando Víctor Moreno se hizo “secre” de la mítica banda El Ritual, circunstancia que a la postre le convirtió en el encargado del escenario del Festival Avándaro en 1971. “Estaba en el Poli (IPN), me tocó vivir el movimiento de 1968 y el soundtrack de la época sonaba en Radio Capital con el rock legendario de Jimmy Hendrix, Deep Purple y The Beatles, mientras que en México ya se empezaba a dar el brinco y se dejaba el a go go y todo ese tipo de música, para que las bandas incursionaran en la vena de la psicodelia y el rock pesado, como Los Ovnis, La Máquina del Sonido, Los Yaqui y el grupo que a mi gusto era el más destacado en ese momento: Los Dug Dugs, que para mi sorpresa supe que vivían cerca de mi casa. Un día los busqué, estaban ensayando y me dije: ‘¡de aquí soy!”. De las tocadas en salones de fiestas a los hoyos funky El anhelo de tener su propia banda hizo acudir a Víctor a los ensayos donde circulaban también otros proyectos como el de Javier Bátiz, Grass and Flowers y Peace and Love, entre otras, entorno que favoreció la convivencia con los instrumentos y equipo de audio de la época. En 1971, conoció a El Ritual y se dio la invitación para ser del staff: “Yo estaba feliz, era mi mole y me pagaban por trabajar con ellos. Era un trabajo muy pesado porque todos traían amplificadores del tamaño de un ropero. Martín, el organista, traía un Hammond 3 con su altavoz Leslie y entre seis lo movíamos. Me empecé a interesar y aprender mucho acerca del equipo y cómo funcionaba todo. Tuve acceso también a cómo grabaron ese disco legendario de la banda; estaba en el estudio con ellos. Se fueron a la cúspide en la época, tenían mística, discurso y en el escenario montaban un show con máquinas de humo, luces y parafernalia que en ese entonces era algo novedoso”. “Cada grupo tocaba con su batería y eran enormes, con doble bombo, un montón de toms y platillos, así que fue de desmontar una y luego la otra. Estábamos acostumbrados a poner y quitar rápido, porque cuando íbamos a los hoyos funky, por ejemplo, el Salón Chicago, estaba tocando Javier
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Bátiz y, terminando él, sus secres ya estaban bajando por un lado y nosotros subiendo por del otro; yo me encargaba de la batería y de montar atriles y por eso acabé de baterista. Lo hacíamos en menos de diez minutos. Agarramos mucho paso y empezamos a conocer mucho de equipo, qué amplis para el bajo, cuáles no, cuándo una Gibson, una Fender, los micrófonos de baja y alta impedancia, la afinación y demás”.
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“En ese momento se vino una explosión en cuanto a la difusión de los grupos mexicanos, porque la radio se abrió: sonaba La Revolución de Emiliano Zapata, El Amor, La División del Norte, los Three Souls, todo eso unos meses antes del Festival de Avándaro. Los eventos donde tocaban empezaron con 500 personas en bares, frontones y auditorios de escuelas y en medio año ya eran 5 mil”, relata Víctor. El evento especial que se convirtió en festival Cuando se empezó a hablar de Avándaro, el manager de El Ritual y Peace and Love era Armando Molina, quien había sido cantante de La Máquina del Sonido, y fue el contacto con la gente de Telesistema Mexicano, quienes originalmente hacían eventos para una carrera. Fue su petición de armar una Noche Mexicana lo que dio paso a la propuesta de una tocada con las bandas La Revolución de Emiliano Zapata y Javier Bátiz: “Cuenta la leyenda que aquello no se concretó y fueron las bandas de Molina las que armaron el cartel. Iban a ser cuatro, luego pasaron a ocho y quedaron en 12, el plan era estar de 8 de la mañana a 8 de la noche; se esperaban entre 10 y 20 mil personas como máximo”. “El equipo se había ido un día antes y todo se entregó a la empresa de Galván Castro: cada banda mandó su backline y se concertó que íbamos a juntar el equipo de todos. Hubo un staff general que mandó una de las filiales de Telesistema Mexicano, porque llevaban equipo para grabar, pero no tuvimos un PA como tal, sino que se armó con la fusión de todo lo que llevábamos y al final fue insuficiente. Como era mucha gente sobre un escenario de 20 metros de ancho por 6 de fondo, Armando tomó la decisión de poner una coordinación general nombrando a Fernando Rivera ‘El Cabezón’, que estaba con Peace and Love, y a mí como responsables del escenario”. “Pensé que estaba viviendo un sueño, hasta que me percaté que me había sacado la rifa del tigre: teníamos equipo muy identificado, el mejor lo llevaba Peace and Love y El Ritual, porque usaban amplificadores Acoustic, que compraban en San Diego; los de El Amor traían sus Ampeg y todos los bajistas tocaron con eso. Three Souls usaba Fender; ningún guitarrista llevaba pedalera, no existían, tampoco los procesadores. El microfoneo fue de lo más rudimentario, tanto para la batería como para el resto del equipo, el que hubo era del equipo de la televisora, que grabó el audio; los amplis sonaban como
Foto de Graciela Iturbide tomada del libro "Yo estuve en Avándaro", de Graciela Iturbide y Federico Rubli, Trilce Ediciones/UNAM/Gobierno del Estado de México PA, porque lo que hicieron fue sumar las bocinas de todos, interconectar los equipos para que saliera el sonido hacia adelante. Optimistamente pienso que eso daba para que se oyera hasta 50 metros”. “Además estaban también las cámaras de Telesistema Mexicano, eran enormes: dos en cada extremo del escenario y su cableado; un mar de cables y teníamos que estar arreglándolas con todo. Las plantas de luz que llevaron se vieron rebasadas, porque estaban funcionando desde las 10 de la mañana. Todo lo llevó la televisora. Como avanzó la jornada fuimos definiendo qué íbamos a montar y cómo lo íbamos a poner. Por la cantidad
“Aquellas bandas tenían mística y discurso y en el escenario montaban un show con máquinas de humo, luces y parafernalia que en ese entonces era algo novedoso”.
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Un encuentro con
de equipo que había decidimos hacer una segunda línea que sirviera de respaldo, por si algún aparato fallaba, pero empezó a llover y el escenario no tenía paredes, la lluvia entraba y empezó a mojar los aparatos”. “Para el viernes a la media noche, ya había entre 20 o 30 mil personas, comenzaron a pedir música y se hizo una prueba de sonido con músicos de El Ritual, Peace and Love y se aventaron un palomazo al que se conoció como Zafiro, que prendió a la gente, luego cerró Three Souls y quedamos todos muy motivados. La gente estuvo llegando toda la noche, hasta ser entre 200 mil y 300 mil personas. Llegó gente de todo el país, de Sudamérica y Estados Unidos; fue el tercer festival en magnitud a nivel mundial”. Revaloración Tras Avándaro, Víctor armó su banda de power trío Medusa, con la que hizo rock pesado y pudo vivir el final de un movimiento de rock hecho en México que alcanzó su clímax con el respaldo y ocaso de un entorno que lo difundió e hizo presente:
“Todavía fuimos a la televisión, hicimos giras, tocamos en estadios y fue padrísimo. Seguimos aprendiendo, me llevé a Medusa y comencé a conseguir equipo; Ricardo Ochoa
Víctor y Rafael Catana nos vendió su guitarra Fender, compré un bajo Gibson, una batería Slingerland y teníamos mucho apoyo de bandas como Náhuatl. Luego vino ese periodo de echar a los músicos y varios optaron por sumarse a las bandas de los baladistas y bandas de otros géneros”. “A la distancia considero que puede haber una apertura para hacer sonar a aquellos grupos en más foros en vivo. No me he desconectado del todo. Cumplí 68 años y me siento con la confianza de que mi proyecto caminará bien y afortunadamente me he ido haciendo de equipo. Creo que puede darse una revaloración de lo que estas bandas tienen para compartir”.
Medusa Con un sinfín de anécdotas, Víctor Moreno tiene la actitud que se necesita en esta Industria para estar presente: aventarse y sobre todo, disfrutar la música. Él es la raíz del oficio que ahora llamamos stage manager. Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco
“En Avándaro, los amplis sonaban como PA, porque se sumaron las bocinas de todos para que saliera el sonido hacia adelante. Optimistamente pienso que eso daba para que se oyera hasta 50 metros. Realmente no sé qué se oyó más allá”.
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