soundcheck Magazine, La industria de la música y el espectáculo

34. La pausa que la cantante y compositora Carla Morrison se dio, tuvo su recompensa al volver a la producción de su música y espectáculo en vivo, además de la realización de su gira “El Renacimiento”, que ha dejado patente la evolución de la artista, arropándola por su banda, staff de management y de producción con experiencia internacional.

Foto de portada: Equipo Carla Morrison

industria de la música y el espectáculo

Comienza otro año y una nueva oportunidad para realizar mejoras, en nuestra casa, nuestro trabajo, nuestras relaciones con los otros y con nosotros mismos. Sin importar nuestra edad o nuestra situación particular, la superación de los obstáculos nos puede hacer más capaces cada día.

En nuestra Industria, las experiencias de los últimos tiempos nos cambiaron a muchos; tal vez a otros no tanto, pero este año hemos aprendido, entre otras cosas, a organizarnos mejor y a encontrar soluciones distintas.

En mi humilde opinión, la esperanza de un mejor futuro es lo que debe hacernos mover para realizar las mejoras necesarias y el inicio de un nuevo año es la mejor ocasión para renovar esta esperanza. Es por ello que es aún más interesante el reportaje que esta vez les ofrecemos en portada: renacer es posible.

Estos días huelen a nuevo, tal y como esta primera edición de 2023, así que los invitamos a que la descubran página por página y que nos acompañen en las que siguen, así como en nuestras redes sociales, donde tenemos contenidos especiales: FB/Soundcheck Magazine Mx, IG/soundcheckmxmag, TW/soundcheckMXMag, YT/sound:check Magazine Mx.

¡Los mejores deseos para todos!

DIRECTORIO

D i r e c c i ó n Jorge Urbano

E d i t o r a y c o p y w r i t e r Nizarindani Sopeña

D i s e ñ o Héctor Barrera

S t a f f E d i t o r i a l Marisol Pacheco

A d m i n i s t r a c i ó n Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

V e n t a s y M e r c a d o t e c n i a Claudia Pérez

D i g i t a l M a r k e t i n g C h i e f Edith García E d i t o r A u d i o v i s u a l José Luis Careaga C o r r e s p o n s a l G u a d a l a j a r a Juan Carlos Flores

I n t e r n e t www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx T e l é f o n o (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 25, No. 293. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo. Orgulloso miembro

Garigoles:

Licantropía punk

La banda tapatía Garigoles, en sus treinta y dos años de actividad en los escenarios, ha labrado una sólida y honesta reputación en la escena tapatía y nacional. En este lapso han entregado tres fonogramas de gran calidad, haciendo patente que “de lo bueno, poco”. La agrupación prepara lo que será su nuevo LP, fieles a este esquema en época de sencillos en plataformas.

No hay nada mejor que casa Oscar del Río, a.k.a. Jobo Panteras, guitarrista, vocal y líder del trío, concedió una charla en la que, con entusiasmo notificó de la activación de su home studio llamado Panteras Estudio, con el que debuta como ingeniero y técnico empresario

independiente. Aquí se grabó el 100 por ciento de “Licantropía Moderna, Vol. 1”, el siguiente disco de la banda.

Jobo narra cómo fue el proceso de aprendizaje y adquisición de equipo para constituir Panteras Estudio: “Yo estaba acostumbrado a grabar mis cosas en casete y en cinta de media pulgada. Ya cuando entramos a un estudio profesional con Arturo “Tuti” Perales, grabamos en cinta de 2 pulgadas, hasta que llegó el formato digital. Hace 10 años, cuando grabamos el último disco, realizar la grabación de un álbum que se oyera bien aún era muy tardado y caro. Desde entonces, hemos sacado muchas canciones y nos propusimos grabar nuestras cosas de manera independiente. Ese fue el proceso de empezar a adquirir equipo

Por Juan Carlos Flores

propio, mismo que usamos actualmente. Inicié con una interfaz multitrack Echo Audiofire 12, hoy descontinuada. Después me hice de una consola MRS24 y un micrófono Carvin CM87S de filamentos de oro que me gusta mucho. Todo consistió en adaptarnos a lo disponible e ir haciéndolo sonar cada vez mejor. Además de este equipo, en esta ocasión la masterización la hizo Tuti Perales, de manera excelente. La idea de aquí en adelante es seguir nuestra vereda y seguir sacando música con lo nuestro. Desde entonces hemos grabado a varios amigos, con buenos resultados”.

Jobo continúa con la descripción de las sesiones de grabación en los diferentes espacios de su hogar: “En este disco vienen rolas que grabamos durante la pandemia, un tiempo que nos sirvió para elegir cuáles de las cuarenta y ocho canciones nuevas que teníamos listas se grabarían. Hace un año, Nacho González (Cuca) se nos unió en la batería. Con él estamos elaborando temas para que en septiembre que viene, empecemos a grabar otro disco”.

“La batería se grabó en un cuarto de mi casa. Las grabaciones iniciales estaban muy comprimidas, ya que el cuarto es muy pequeño, pero adecuado. Los micrófonos fueron un juego de Shure SM57 y uno de condensador que, aunque son muy básicos, captan muy bien los platillos. Más que nada, aprendes que la clave no está en la grabación, sino en la ejecución del

músico. Primero seteamos la baterista y de ahí grabamos, siempre cuidando la ubicación de los micrófonos. Hay que tener cuidado de que no deje de ser un sonido natural”.

Las guitarras de “Licantropía Moderna Vol. 1” fueron capturadas con un micrófono Shure SM57 y un SM7B. “Tengo mis amplificadores Marshall bastante bien seteados, así que no sufrimos ni para las guitarras, ni para el bajo, mientras que para este último tenemos un Ampeg que se microfoneó de manera muy similar y que se grabó en el mismo cuarto que la batería. Las voces las grabamos con el Carvin”.

Además de realizar la grabación en su totalidad, Jobo realizó la mezcla con la aplicación de producción digital Reaper y con algunas indicaciones de Tuti, con el objetivo

industria de la música y el espectáculo

Tuti Perales, quien con su experiencia de más de treinta años en su trinchera Oigo Estudios en Zapopan, Jalisco, en esta ocasión dio el brillo final a “Licantropía Moderna”.

Jobo Panteras

de realizar el máster sin contratiempos: “Toda la mezcla se hizo en casa, con un sonido muy sencillo, manteniéndolo muy parecido a como tocamos, en sonido de trío: batería, guitarra, bajo y voz. La guitarra la doblé una sola vez. Los monitores que usé fueron los JBL LSR305, que tienen un sonido muy directo y fiel”.

Máster licantrópico

Un viejo aliado de Garigoles es Tuti Perales, quien con su experiencia de más de treinta años en su trinchera Oigo Estudios en Zapopan, Jalisco, en esta ocasión dio el brillo final a “Licantropía Moderna”. “Yo grabo los discos de Garigoles desde 1994 o 95. Esos trabajos anteriores eran básicamente grabar a la banda en vivo y hacer algunos parches. En ese tiempo no había tantos recursos técnicos para el máster o mezcla como los hay actualmente, pero sacábamos el sonido muy bien”.

Tuti comenta cómo se dio la negociación para este nuevo esquema de trabajo: “Con Garigoles, José Fors -amigo común de ambos- escuchó el material y sugirió y solicitó que yo hiciera el máster final. Me sorprendí de lo que logró Jobo en cuanto al sonido: la captura de las baterías, por ejemplo. Él hizo mucho proceso para hacer separaciones, poder limpiarlas y que quedaran más precisas. En cuanto a las guitarras, siendo Jobo el guitarrista, sabe para dónde va y qué es lo que quiere. Hay una buena pared de sonido. Había poco que hacer, aunque comparando con la mezcla previa antes del máster, levantó bastante bien y lo importante es que quedaron contentos”.

Tuti describe algo de las herramientas utilizadas en el master: “Fue una combinación de varias. Yo uso mucho el IZotope Ozone 6, que es uno de los clásicos para masterizar, pero

también tengo los UAD de Universal Audio, que trae varios plug ins. También uso algo de Waves. Es una mezcla de varias marcas y plug ins”.

Con respecto a la preparación para plataformas, el ingeniero menciona: “Ahora, las plataformas están controlando la guerra del loudness. En este caso, el sonido es duro y tiene que sonar bastante fuerte, aunque intento ajustarme a los parámetros que dictan las plataformas y sacar la mejor parte de sonido posible, sobre todo por el género que maneja la banda”.

Los responsables de la producción llegan a sus conclusiones. Jobo Panteras finaliza: “De todo se aprende mucho. Yo le tengo mucho amor a todos mis discos, pero más a este, porque nos costó mucho trabajo crear algo de la nada. Ya quedan las cosas para lo que sigue o para bajar un poco el presupuesto con todo el trabajo previo en casa”.

Por su parte, Tuti concluye: “Desde que conocí a Jobo y a Garigoles, me parecieron una buena propuesta con sentido del humor de punk mexicano, y vale la pena que hayan sacado nuevo material”.

Tuti Perales

Universal Audio

Emuladores de guitarra UAFX Guitar Amp

Diseñados para amantes del tono, esta tríada la conforman el amplificador de reverberación Dream ‘65, usado por The Beatles, Muddy Waters y Elvis Costello, entre otros; el amplificador Ruby ‘63 Top Boost de bulbos, que definió el sonido de la invasión británica con Queen, Radiohead y U2; y el amplificador de instrumentos Woodrow ‘55, también de bulbos, la elección de Neil Young, Chuck Berry y The Eagles. Entre sus funciones destacan la posibilidad de combinar distintos gabinetes, añadir reverberación de bulbo y vibrato, modificar circuitos y personalización a través de su aplicación móvil UAFX (disponible para iPhone/ Android). Vari Internacional. 55 9183 2700 www.varinter.mx www.uaudio.com

IK Multimedia

Monitores iLoud Precision MTM

Perteneciente a la familia de altavoces de estudio asistidos por DSP, los tres nuevos modelos de la serie Precision 5, Precision 6 y Precision MTM (midwoofer-tweetermidwoofer), cuentan con un par de woofers de 5 pulgadas e incorporan la tecnología ARC (Corrección automática de sala) que los calibra de acuerdo con la acústica en la posición de escucha que se les asigne. En el caso de los MTM, la aplicación de software gratuita X-Monitor, disponible en el sitio de IK, permite acceder a funciones como emulaciones de una variedad amplia de monitores de estudio, altavoces de alta fidelidad y altavoces para dispositivos móviles. www.ikmultimedia.com

Rode

Micrófono USB NT-USB+

Heredero del NT-USB original lanzado en 2014, el dispositivo cuenta ahora con circuitos mejorados mediante la tecnología Revolution Preamp de ruido ultra bajo y alta ganancia de la marca, además de conversión analógica a digital de alta resolución mejorada de 24 bits/48 kHz y un potente DSP interno que le permite aplicar el procesamiento de audio APHEX avanzado, usando también un filtro de paso alto para eliminar el estruendo de graves y el ruido de fondo, además de un compresor para un sonido impactante y equilibrado. Como extra, integra efectos Aural Exciter y Big Bottom para un tono de transmisión singular. www.rode.com

Audífonos para gamers

Paisajes sonoros de la más alta calidad Sonido envolvente Virtual 7.1 Medidor UV patentado RGB ajustable para configurar con tu color favorito.

Rational Acoustics

Software de predicción acústica SMAART V9

Listo para probar los tres modos de medición (tiempo real, respuesta de impulso y SPL), las nuevas funciones de la versión 9 incluyen un generador de señales de salida múltiple, generador de señales presente, una macro de temporizador, comportamiento de pausa de medición y funcionalidad de seguimiento de retardo de configuración automática. Con la actualización se incluye un formato de licencia de suscripción anual para las ediciones Suite, RT y LE de v9. SonoTribe. 55 3617 6018 www.sonotribe.com www.rationalacoustics.com

Digico

Consola digital Quantum338T

Basada en FPGA de séptima generación, la Quantum338T incluye 128 canales de entrada con 64 buses y una matriz de 24 por 24, todos con procesamiento de canal completo. Además, 70 pantallas de canales TFT individuales y su chasis Quantum flotante brindan faders (3 por 100 milímetros sensibles al tacto) dispuestos en tres bloques de 12 bancos, más una par asignables por el usuario dedicados, cada uno con medición de alta resolución. Permite conversión ADC y DAC de 32 bits “Ultimate Stadius”, integrada en Quantum338 como estándar, junto con seis conexiones MADI simples o tres redundantes, dos ranuras DMI y una interfaz de grabación USB UB MADI. Hermes Music. 55 5002 2200 hermes-music.com.mx www.digico.biz

Chamsys

Software de iluminación MagicQ Stable

En esta versión se añaden marcadores y cuadrículas de tiempo, disparo y direcciones aleatorias en cualquier FX, calibración automática de posición y rotación de cabezas móviles dentro del espacio MagicQ 3D y multiconsola. sesiones que ahora admiten hasta 10 consolas. Así mismo, posibilita capturar programadores entre consolas en sesiones. Vari Internacional. 55 9183 2700 www.varinter.mx www.chamsyslighting.com

ADJ

Controlador de iluminación DMX WMX1

Potente y compacto, el WMX1 está pensado para el artista que busca crear espectáculos de luces de alto impacto sobre la marcha, sin una computadora. Su flujo de trabajo intuitivo, potente motor de efectos internos y controles táctiles facilitan su operación desde una plataforma de iluminación DMX. La unidad estándar viene con 1 universo DMX, pero hay disponibles con hasta tres universos adicionales como complementos. Entre sus paletas y efectos destacan: módulo Color FX con 8 tipos de efectos y 16 colores definibles; módulo Move FX con 8 tipos de efectos; módulo Beam FX con 8 tipos de efectos; 6 botones de flash para controlar Special FX, Strobe, Blinder, Speed, Blackout y Smoke. ADJ Products Group México. (728) 282 7070 www.adj.com

JBL

Sistema portátil de PA PRX900

Está conformado por tres altavoces autoamplificados de dos vías y dos subwoofers autoamplificados que cuentan con sistemas de controladores patentados y amplificadores de Clase D. Se operan mediante la aplicación JBL Pro Connect y su pantalla LCD. El paquete DSP incluido, tiene ecualizador paramétrico de 12 bandas para sintonización del sistema y control tonal. Se suma la tecnología dbx DriveRack para supresión de retroalimentación automática en vivo y fija, limitadores de sistema duros y suave. Con la aplicación JBL Pro Connect, los usuarios pueden controlar hasta 10 altavoces, integrando sistemas JBL EON ONE MK2, PRX ONE y EON700. www.jblpro.com

Pioneer DJ

Controlador DDJ-FLX4

El DDJ-FLX4 es un controlador de dos canales perfecto para principiantes ya que permite utilizar gratuitamente el modo Performance de rekordbox y Serato DJ Lite. Con la actualización de rekordbox este arranque de 2023, se podrá añadir el DDJ - FLX4 a un dispositivo móvil, lo que hará aún más fácil y entretenido iniciarse en el mundo de los pinchadiscos en cualquier momento y lugar. www.pioneerdj.com

Gibson

Guitarra eléctrica Lzzy Hale Explorerbird

La primera signature creada de la marca para una música, la compositora e intérprete Lzzy Hale. Es una Explorerbird que combina la forma del cuerpo de la guitarra Explorer clásica y un clavijero Firebird no inverso con herrajes dorados. El Explorerbird viene con un llamativo acabado Cardinal Red que combina con la actitud explosiva de su música y luce radiante para las actuaciones en vivo de Lzzy.

Eusica Music Store. 55 1991 2887 eusica.mx www.gibson.com

Hercules

Stand para guitarra PLEXI AGS GS414BLT

De edición limitada, este soporte cuenta con el embrague de ajuste instantáneo Auto Grip System que se adapta a tamaños de cuello de 40 a 52 milímetros. Fabricado en policarbonato, refuerza su resistencia y así se pueden acomodar los instrumentos. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 www.gonher.com www.herculesstands.com

Ritter

Funda para guitarra 335 Arosa

Modelo de la nueva serie de fundas Arosa, ofrece la máxima protección, incluso en condiciones climáticas extremas como la lluvia y la nieve, gracias a su construcción que combina espuma de 20 milímetros de alta densidad, espuma blanda de 10 milímetros y suave/felpa de 3 milímetros. Para guardar afinadores y otros aditamentos, ofrece cuatro bolsos en la parte frontal y tiene líneas reflejantes en la parte inferior para visibilizarla en condiciones de poca luz. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.ritter-bags.com

¿Cómo dar vida a una disquera de música electrónica?

Hola, soy Jairo Guerrero, conocido en el medio de la música electrónica como B-Liv o por mi proyecto “Techxturas Sonoras”. Además de ser productor musical y miembro activo de la Academia Latina de Grabación (Latin Grammy), soy fundador de 4 sellos disqueros independientes de música electrónica (My Own Beat Records, Freshly Cooked Music, Glitch Records y Days Without End).

Con esta experiencia sobre la mesa, decidí lanzarme en esta oportunidad a hablar desde mi experiencia acerca de cómo crear un sello indie de música electrónica, tomando mi aprendizaje para compartir con todos aquellos que inician o sueñan con iniciar en el music business de los sellos disqueros y poderlos guiar un poco en el proceso de fundar un sello discográfico o por lo menos orientarlos e inspirarlos para que lo hagan de la mejor manera posible.

Manos e ideas a la obra Cuando comencé hace años en el mundo de la mercadotecnia, lo primero que aprendí fue la regla de las 4 Ps: Producto, Plaza,

Promoción, Precio. En este caso no incluyo Precio, pues este ya está estandarizado para todo el mercado en las tiendas de música. Estas 3 Ps son las 3 variantes a tener en cuenta a la hora de emprender; por eso, antes de comenzar, quisiera darles un contexto de lo que pasa con las canciones de música electrónica en la industria vs. las 3 Ps:

Por Jairo Guerrero (B-Liv - Techxturas Sonoras)*

1. Producto (La disquera).

Al crear un sello disquero, te vas a arrojar a un océano con superávit de música y sellos; es un universo de saturación donde va a ser difícil destacarse. Pareciera además que actualmente hay un virus en la proliferación de sellos, ya que hoy, por cada 10 artistas electrónicos, hay 1 sello disquero y la gran verdad es que el mundo de la música digital ha evolucionado de tal manera que cualquiera pueda publicar su música sin necesidad de tener disquera, pero lo cierto también es que abrir un sello disquero es tan fácil como darle play a una canción en Spotify, cualquiera puede hacerlo, pero el orgullo del logro no radica ahí, sino mantenerlo de manera consistente y constante y tratarlo con la seriedad y el mayor profesionalismo que se pueda. Fundar un sello es emprender, es hacer empresa, y cuando se hace, la idea es hacerlo bien y no de manera mediocre e improvisada. La manera como lo gestiones, hablará mucho de la forma como te gestionas en la vida.

2. Plaza (Las tiendas o lugares donde se va a generar la transacción de tu música con el oyente).

En la música electrónica hay 3 plataformas de ley: Beatport, Traxsource y Spotify. (Por supuesto, hay otras más que tienen algo de relevancia, como Juno Download, Bandcamp o Apple Store, pero son las 3 mencionadas al encabezado las que marcan el termómetro).

Para quienes no sabían, Beatport, que es la plataforma más grande de música electrónica, publica semanalmente alrededor de 25,000 tracks de lanzamiento, que provienen de aproximadamente 56,000 sellos independientes, mientras que en Traxsource, que es la segunda plataforma de venta más importante y además la más respetada en términos editoriales en el género de house music y sus variantes, el movimiento es similar, solo que sus servidores, al no ser tan grandes como los de Beatport, se enfrentan diariamente a una saturación de datos (lanzamientos, música basura, sellos basura y disqueras que solo jugaron a serlo unos meses y quedaron inactivas), razón que los ha obligado a dar de baja material que ha estado inactivo durante más de un par de años.

Pero dejando aparte este detalle, la plaza donde se transacciona la música electrónica da a luz más de 60 mil canciones mensualmente. Esto significa muchísimo material queriendo salir, muchos sellos tratando de destacar y todo tipo de artistas tratando de mostrar lo que hacen.

3. Promoción (¿Qué vas a hacer como disquera para que buenos artistas quieran darte su música?). Cuando fundé My Own Beat Records, lo que buscaba era:

·Tener una disquera que desde México compitiera en el mercado global de géneros como techno, house y techhouse.

·Poder usar el label como una plataforma de networking con grandes tiendas y productores.

·Y por último y no menos importante, sumar a los artistas (incluyéndome).

Hoy, a 7 años de su creación, My Own Beat Records es una de las 200 disqueras indie más importantes del mundo en este género y una de las más importantes de México, con un catálogo de más de 200 artistas clave en la escena global.

Pero para que toda este prólogo funcione, hay que tomárselo con seriedad, porque los productores que lo hacen y que tienen un buen nombre en el medio, quieren relaciones profesionales. No regalan su trabajo de horas de estudio a cualquier disquera.

La industria de la música y el espectáculo 19

Si no lo haces con seriedad, no vas a recibir trabajo serio. Los productores serios quieren estar en una disquera que se maneje de manera profesional, que les sume en vez de restar y que aunque su música (por la dinámica del mercado hoy) no genere las cuotas de recuperación de regalías, los reciba con un agreement (convenio), una buena promoción, que cuide los detalles de los lanzamientos y de su imagen gráfica y demás.

En resumidas cuentas, un artista quiere una disquera que trate bien y de manera seria y respetuosa su música.

Ya que tenemos las 3 Ps claras, entonces reza conmigo estos mantras:

·Una disquera no es un juego, si quieres ser tomado con seriedad, debes hacerlo de manera seria y profesional.

·Una disquera no solo requiere de pasión; requiere mucho tiempo, responsabilidad y recursos. Debes trabajarla.

·Una disquera requiere de una promoción constante y llamativa y para eso se necesitan recursos.

·Una disquera requiere de perseverancia.

·Una disquera debe tener buena curaduría para entregar música decente.

·Una disquera, sin importar su tamaño, igual que en la pista de baile si eres DJ, debe hacer bien su presentación, ya sea frente a 4 personas o miles.

El último motivo que debe existir para crear un record label es hacerlo por capricho. Generalmente, estos duran poco y quien sufre las consecuencias es el artista y su música y no el sello, porque si este deja de existir, ¿dónde queda la música del artista?

El ABCD que necesitarás para crear tu sello disquero

A. Establecer tu sello

B. Artistas

C. Distribuidora

D. Promoción

A. Establecer tu sello. Esto requiere del mismo criterio que cuando se crea una marca o producto; la consistencia visual y de comunicación son muy importantes.

Para iniciar debes tener básicamente: imagen gráfica, redes sociales, una cuenta de mail personalizada a tu disquera (ejemplo: info@mydisquera.com), de ser posible un sitio web, nombre registrado, canales de Soundcloud, Mixcloud, YouTube, una plantilla de contrato para tus futuros artistas, una plantilla de promoción con imagen o video (esto para no andar haciendo de chile, mole y pozole) y una serie de alianzas de

promoción como mailing / promo VIP / radio shows, playlist en Spotify y en las tiendas especializadas y demás.

B. Tus artistas. Antes de lanzarte, debes tener muy claro el género o los géneros que vas a impulsar como disquera, y antes de darla de alta, debes tener en cuenta que tiendas como Beatport o Traxsource te van a exigir tener un catálogo de artistas anticipado por lo menos en 6 lanzamientos.

Importante: la meta no es correr para comenzar, sino hacerlo de una manera honrosa y digna, pues ese primer lanzamiento con el que se estrena tu disquera es una suerte de pauta para el tipo de artistas que llegarán a tu sello. Dicho de una manera

está Miguel Rodríguez, en la gira estará Matías Gauchad, un alumno mío muy querido y bien formado, a quien le queda perfecto la obra por todo el trabajo que hicimos con las secuencias y las pistas. Todavía está en la indecisión de si se va a hacer en surround para los diferentes lugares que no estén diseñados para eso, pero trataremos de que sea lo más parecido posible y la experiencia sea tan satisfactoria como la del teatro Ramíro Jiménez”, afirma Chacho.

Las nominaciones en Los Metro de Siete Veces Adiós

Mejor actuación femenina principal en un musical. Fernanda Castillo

Mejor actuación masculina principal en un musical. Gustavo Egelhaaf

Mejor actuación masculina de reparte en un musical. César Enríquez

Mejor actuación femenina de reparto en un musical. Alba Messa

Mejor composición de música original para un musical mexicano. Jannette Chao, Vince Miranda, Alan Estrada

más coloquial, no puedes iniciar vendiendo quesadillas y luego ofrecer caviar, así como tampoco se vale comenzar vendiendo caviar para terminando vendiendo cacahuates de semáforo, porque si lo haces, pierdes toda la credibilidad como disquera y curador A&R. Los artistas generalmente observan los sellos para ver el tipo de artistas que hay en su catálogo y la manera en la que se maneja como label antes de enviar un demo o aceptar firmar en una determinada disquera.

Ponte la vara alta para comenzar Como reza un fragmento de diálogo de la película “Jerry Maguire”: “Representa a un buen atleta y el resto de los buenos querrán estar contigo”.

C. Distribuidora.

Lo primero que debes saber es que para llegar con tu catálogo a las plataformas que importan en la música electrónica

Mejor ensamble en una obra de teatro musical Mejor director de una obra musical. Alan Estrada Mejor obra de teatro musical Mejor escenografía para un musical. Jorge Ballina Mejor diseño de Iluminación para un musical. Félix Arroyo

(Traxsource, Beatport, JunoDownload, Trackitdown, DJ Tunes), debes hacerlo a través de una distribuidora.

Mejor diseño sonoro para un musical. Gonzalo “Chacho” Peniche

Mejor diseño de vestuario para un musical. Luis Roberto Orozco Mejor coreografía y/o movimiento para un musical. Diego Vega Ganadora del Premio del público a la mejor experiencia teatral del año

Existen muchos servicios independientes en los que tú mismo puedes gestionar el catálogo, subir las canciones y demás. Son tiendas o agregadores como Bandcamp, CD Baby, Fryer, FreshTunes y Distrokid, entre otras, pero estos sistemas son limitados, cuestan dinero por anticipado o no tienen distribución en todas las plataformas; muchas de ellas piden cuotas anuales de mantenimiento de canciones y demás; por eso, si quieres hacerlo de manera profesional, como lo hacen las disqueras que admiras, recomiendo hacerlo con una distribuidora mayor: Triplepoint, Believe, OneRPM, LabelWorx o Symphonic. No cobran por anticipado, la comisión la obtienen por venta (entre el 13 y el 20 por ciento), es un poco mayor que lo que cobran los agregadores, pero la diferencia en términos de plataforma, de respaldo para ti como disquera, no tiene comparación. Son empresas que trabajan para ti.

La industria de la música y el espectáculo

D. La promoción.

Lo mal hecho es así y punto. Lo feo es feo y punto. La calidad del contenido debe transmitirse en el buen diseño de su empaque. Así, debes diseñar una promoción gráfica atractiva y viviendo en todas las redes de manera simultánea. ¿No eres diseñador? Busca a alguien con talento y criterio que te ayude. ¿No eres experto en redes? Busca quien sí lo sea. Recuerda: tus futuros artistas van a invertir tiempo en ti al hacer las canciones y dártelas, así que invierte en ti y tu disquera. Hazlo bien. Hazlo de manera decente. No seas improvisado.

Piensa y planea qué alianzas vas a tener para promocionar tu label: radio shows, web radio stations, bases de datos, servicios de promoción, diseño de banners, videos promocionlaes de los lanzamientos, playlists y demás.

Decían las abuelas: “El que quiere tienda que la atienda”, así que desde antes de comenzar el viaje de ser disquera, debes estar consciente de que deberás invertir dinero, tiempo y esfuerzo.

Crear una disquera es crear una empresa en la que tú vas a ser el VP. No hay trucos ni física cuántica que entender, tan solo tener criterio y darle respuesta a las preguntas adecuadas: ¿Por qué y para qué quieres una disquera? ¿Qué quieres lograr con ella?

A lo largo de mi carrera he visto todo tipo de disqueras; las pasajeras que inician con bombos y platillos y a los meses se cansan; las que mantienen un buen manejo y hoy son importantes; las que solo firman a los amigos sin importar la calidad (con esas no pasa nada, ni con el sello, ni con los amigos); las que se manejan como la caja menor de un changarro; las que simplemente existen porque sí y las que ni siquiera se asesoran para tener al menos un buen diseño gráfico y lucen como un puesto de comida callejera; las que son pequeñas. pero con una excelente curaduría; las que supuestamente son importantes, pero nunca reportan regalías. He visto las que piensan que te hacen un favor y las que realmente quieren ayudarle a tu música, y he visto hasta

El segundo momento fue el periodo para juntar, ampliar y procesar información respecto a los sonidos de los instrumentos musicales: descubrir por prueba y error, conociendo recintos y ofreciendo su servicio, cómo hacer para subir la calidad sónica de su trabajo y dar mejor calidad a los clientes. Una etapa para trabajar más en la fuente, escuchar música, entender lenguajes, dinámicas, instrumentaciones, arreglos, analizar partituras, tener a los mejores músicos y lugares para grabar; cómo funciona la música y sus atributos sónicos. A eso se añadió la mentoría de Guillermo Solís, ingeniero en electrónica especialista en estudios de grabación, quien le permitió entender el mundo de la electrónica dentro de los equipos e identificar fallas, dar mantenimiento y reparar.

El tercer momento ha sido madurar todo el esfuerzo de estudiar música y audio. Poner en servicio el cúmulo del trabajo en varios estudios y proyectos que le permitieron llegar al Centro Cultural Roberto Cantoral y poner a prueba la experiencia para grabar distintos estilos de música: son cubano, son veracruzano, clásica, ópera... a gente como Paquito D’ Rivera, la Orquesta Filarmónica de la Ópera de Munich, Javier Camarena, Playa Limbo, Natalia Lafourcade, El Tri, Ramón Vargas, Armando Manzanero, con un especial recuerdo... el momento para sopesar los frutos de la educación musical y mutar de sonido en sonido.

sellos que jamás llegan a serlo porque solo llegan a abrir un fan page de FB y de ahí no pasan.

“Lo que tengo ahora está pensado para utilizar la menor cantidad de plug ins posible, sabiendo el sonido que quiero lograr de origen”.

Hay de todo, y la idea es que no caigas en el montón del ruido inútil. Piensa que ya hay demasiada polución digital en el mundo como para seguir arrojando botellas de plástico en su océano binario. Si vas a echar peces nuevos, que sean lindos, que vengan con nuevos sonidos, buenas propuestas, con tracks bien hechos y sobre todo, con canciones y música que no contaminen el ambiente.

Enfrentar nuevos momentos Con la llegada de la pandemia, Icautli volvió a considerar hacerse de su espacio de grabación en casa. Apoyándose en Valentín Rivero para hacer un tratamiento acústico, hoy Ica puede atender los proyectos que se gesten en estudios como Fonobox o el Centro Cultural Roberto Cantoral, y saciar su anhelo de seguir atendiendo la producción en vivo, además de realizar mezcla y masterización en su propio espacio:

Con más de 30 años de experiencia en el medio musical como periodista, productor de programas de radio especializada, editor de revistas de música, productor y DJ, es considerado uno de los artistas de música electrónica más reconocidos de nuestro país. Con más de 200 producciones firmadas en diferentes sellos discográficos, su propuesta sonora abarca desde ritmos para la pista de baile, hasta ensambles que generan puentes entre la música electrónica y la literatura. Actualmente es miembro de la Academia Latina de Grabación Latin Grammy, donde participa con “Madre Cumbia”, su más reciente disco. Contacto: www.soyjairoguerrero.com

“Lo que tengo ahora está pensado para utilizar la menor cantidad de plug ins posible, sabiendo el sonido que quiero lograr de origen. Los plug ins que uso son para corregir ciertas cosas que no están bien, sin procesar demasiado dentro de la computadora; prácticamente tengo 18 equipos periféricos, mis tres pares de monitores (los que más me han gustado a través del tiempo) y que me permiten llevar y traer proyectos de mis otros lugares de trabajo”.

La industria de la música y el espectáculo 23

de la música y el espectáculo

El rol del músico de sesión o músico de estudio

El año pasado estuvo, sin duda, repleto de oportunidades en el campo musical; esperamos siempre lo mejor y eso a veces nos lleva a ampliar nuestros horizontes para explorar el mundo de posibilidades que la música ofrece y quizá a vivir la música más de cerca. Es por ello que hoy quiero compartirles uno de los campos de acción mas activos, pero a la vez más escondidos en la profesión musical: el músico de sesión o músico de estudio.

Alternativas musicales

Vivir de la música puede ser en muchos campos de acción; para algunos es componer, para otros es acompañar artistas, algunos tienen sus propios proyectos musicales y otros más ejecutan su instrumento para diversas producciones musicales, comerciales y demás.

Dentro del estudio de grabación, algo de lo que más se solicita es la producción musical para diferentes artistas o proyectos, y debido a que el estudio es un microscopio auditivo, se busca una alta exigencia que proyecte de manera precisa y con un

alto estándar la propuesta musical en cuestión. Se busca contar con un equipo de trabajo del más alto nivel y es aquí donde entra el rol del músico de sesión.

El músico de sesión o músico de estudio es un músico que participa en diferentes proyectos musicales ejecutando su instrumento para otros artistas o proyectos y en ocasiones también en producciones publicitarias como jingles.

Cabe mencionar que ser músico de sesión requiere de un alto nivel musical y otras cualidades personales que hacen que se logre plasmar la idea de forma altamente profesional; es por ello que no cualquier músico está listo para ser un músico de sesión en el estudio de grabación. Hay muchos músicos que hacen carrera solo haciendo sesiones en el estudio, incluso son muy cotizados para diversas producciones y vemos sus nombres en interminables listas de créditos.

trabaja normalmente basado en un arreglo escrito y además pensado en una sección; por lo tanto, podría sugerir, pero normalmente se ajusta a lo que está escrito por el arreglista, por lo que suelen ser buenos lectores.

Factores importantes en el estudio Dentro de las características más comunes que hacen a un músico de sesión destacan, como anteriormente se mencionó, ser un músico de muy alto nivel, tener una actitud profesional, porque ser profesional no es un nivel en sí mismo, sino una actitud ante la tarea a desempeñar, y esto implica tener el instrumento y todo su equipo en excelentes condiciones, estar a tiempo, tener una actitud dispuesta, darse tiempo para revisar partituras, guías y/o audios previos a la sesión, estar preparado para cualquier sorpresa adicional; tener una identidad musical,

En mi experiencia con los diversos músicos de sesión, podría decir que existen aquellos que estudian el tema y aportan de manera creativa algunos elementos que hacen que su ejecución luzca aún más, y también existen algunos otros que son excelentes lectores y su participación se basa en ejecutar de manera precisa lo que en el arreglo se ha escrito. La mayor parte de las veces hay una combinación de estos, que obedece más a la exigencia de la producción; por ejemplo: la base rítmica puede conocer los patrones y los obligados y fluir con el tema en los asuntos de matices o adornos que la canción o el productor pida conforme se va construyendo el tema, mientras que en la sección de metales es más difícil que se permita improvisar, ya que

La industria de la música y el espectáculo

Los músicos de sesión son los héroes sin capa, aquellos que colaboran con el corazón en una producción fuera del ojo del espectador, sin aplausos ni público

ya que esto es en gran medida lo que hace que sean tan cotizados con el sello personal que le imprimen a cada canción, su sonido particular, la musicalidad y el “feeling”; saber trabajar en colaboración, ser creativo (a) y tener una paciencia infinita, ya que muy a menudo se piden diversas tomas del mismo pasaje, no solo buscando la perfección, sino buscando opciones que mejor acomoden a la parte en concreto del tema, considerando su impacto en las presentaciones en vivo, entre otras particularidades. Es por esto que es preciso mencionar que un músico acostumbrado a tocar en vivo no siempre está listo para el estudio y viceversa; sin embargo, hay quienes son excelentes en ambos campos y conocen cómo manejar ambas disciplinas a la perfección.

Hay factores a considerar dentro del desempeño de un músico de sesión, por ejemplo: ¿cuáles son los límites entre

las aportaciones creativas y hasta dónde se convierten en parte de la composición? Esto se puede tornar delicado si no se aclara desde el inicio con el equipo de producción; normalmente, los músicos de sesión aportan con muy buena disposición, pero a veces es necesario mencionarlo, nada mejor y más cordial que trabajar con transparencia y claridad.

Hay músicos de estudio que manejan acuerdos basados en regalías; algunos consideran que sus aportaciones son parte de la composición y acuerdan con el productor un porcentaje de regalías, claro que es un albur, ya que no hay garantías de que el tema en cuestión vaya a ser un éxito, pero es un riesgo que en ocasiones se decide tomar.

Mucho del trabajo de “construir una canción” va mas allá de la planeación y la logística de producción y una gran cantidad de ello surge en la dinámica que se da en el estudio. Ahí se proponen ideas, se brindan opiniones y aportaciones valiosísimas que le dan en ocasiones un giro bastante interesante al tema y en gran medida, esto sucede a partir de las intervenciones de los músicos de sesión y/o en ocasiones surge de ellos mismos. Pareciera que estando dentro del estudio todos con el mismo propósito, se crea una atmósfera creativa, una familia temporal con la que colaboramos para obtener el mejor de los resultados posibles y los músicos de sesión forman gran parte de ello.

Con lo anterior como base, puedo decir que, en mi experiencia, las grabaciones que se hacen con músicos de sesión solos, a distancia, apartados en sus home studios, suelen dar buenos resultados, pero no contienen esa dinámica mágica a la que me refiero cuando digo que se mezclan las ideas y las vibras de todos los involucrados en el mismo momento y lugar. Sin embargo, y viendo el otro lado de la moneda, la participación de los músicos de sesión se ha expandido gracias a internet y eso también es bueno, así como el actual escenario de la música publicitaria, en donde cada vez menos músicos reales participan y se utilizan librerías de muy buena calidad y solo si es necesario un o una cantante. Digamos que nos estamos adaptando a todos estos nuevos modelos en donde ninguno es mejor que el otro, solo diferentes.

Mucho del trabajo de “construir una canción” va mas allá de la planeación y la logística de producción y una gran cantidad de ello surge en la dinámica que se da en el estudio

Los músicos de sesión son los héroes sin capa, aquellos que colaboran con el corazón en una producción fuera del ojo del espectador, sin aplausos ni público dentro de los estudios de grabación por horas, pero que gracias a su capacidad de conectar con la música, se convierten en los traductores de las emociones entre el artista, el productor y la audiencia.

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música  regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@ antenastudio.com y www.antenastudio.com

The Live Experience, desde el TEC CEM

La misión de presentar su proyecto final para graduarse en la carrera de Tecnología y Producción Musical en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores, Campus Estado de México (TEC CEM), hizo que Óscar Eduardo García Romero y Pablo Escamilla, con su proyecto TAYK, revolucionaran los conceptos y producción técnica para la música en vivo al incursionar en el uso de Dolby Atmos para su show “Pacific: The Live Experience”. El resultado pone a la vanguardia a la institución, ofreciendo así un punto de referencia para la música en directo, lo que marcará la pauta en los años que vienen.

Romper la cuarta pared Dado que el campus cuenta con un auditorio equipado y certificado con Dolby Atmos, el interés de los postulantes era aplicar tal tecnología y prestaciones, a fin de propiciar una nueva experiencia en los conciertos en vivo, como relata

Édgar Torres, director de la carrera: “Hace unos meses inauguramos ese auditorio y Óscar y Pablo querían construir una experiencia innovadora y revolucionaria para romper la cuarta pared, usando terminología de teatro, porque tradicionalmente en los conciertos de audio en vivo se hace una mezcla mono y estéreo, al frente y al lado de ti, y el público está detrás de la cuarta pared. Y esa pared fue la que ellos rompieron al querer aprovechar Dolby Atmos y hacer que la gente estuviera dentro del escenario, al interior del sonido. Por ahora sólo existe algo así en una sala de conciertos del MGM en Las Vegas, pero fuera de eso, en ningún otro lado del mundo. Por eso estamos muy

Édgar Torres

entusiasmados con este proyecto, porque anticipamos que será el primer paso a la era de los conciertos en Dolby Atmos y que se van a empezar a producir en todos lados”.

El show, que los chicos ya habían presentado en el formato tradicional, fusiona las influencias musicales, estética sonora y criterios de producción de ambos alumnos, como relata Óscar: “Hicimos un EP con TAYK y para presentarlo en vivo produjimos la versión que se hizo en el Auditorio del TEC y se llamó “Pacific: The Live Experience”, donde buscamos romper con el estereotipo de que la música electrónica solamente va con DJs y tocaron músicos en vivo. Yo soy guitarrista y Pablo toca los teclados, así que nuestra visión era llevar al escenario música electrónica con instrumentación en vivo. La otra motivación que teníamos era que confiábamos en que la música que hacemos se presta mucho para crear atmósferas que puedan sentirse desde que la escuchas en la bocina de tu celular, en los audífonos y, claro, desde el estudio. La concepción de nuestros tracks las tenía y lo que seguía era aprovechar la tecnología que brinda el TEC, así que nos acercamos con las personas correctas para hacer de esa ambición algo realizable. Con el primero que nos acercamos fue con Arturo Amador, ingeniero experto en Dolby Atmos, para decirle nuestra idea, que él creyó, y ahí empezamos”.

Óscar García

El siguiente paso fue comenzar a trabajar el proyecto para adecuarlo a las necesidades de Dolby Atmos en los tracks, lo que tomó un tiempo de alrededor de nueve semanas.

De esa labor, Pablo Escamilla destaca: “Arturo nos dijo qué necesitábamos hacer. Lo primero fue trabajar la sesión de la música en Ableton Live, específicamente organizarla de manera que todo fuera muy intuitivo y nos permitiera ser eficientes, sin afectar nuestra fase como artistas. Nuestra sesión de Ableton Live está desglosada en cada uno de los sonidos que tienen todas las canciones, nueve en total, y en esas hay stems de cada una que debimos separar por cada sonido de batería, bajo, sintetizador y voz para dársela a Arturo y nos ayudara en el estudio para adecuarla a la nueva tecnología”.

“A la par nos dedicamos a juntarnos con más personas que nos ayudaran, como la sociedad de alumnos de la carrera, para temas como la publicidad; delegamos tareas porque era mostrarnos como artistas con el valor agregado Dolby Atmos. Nuestra concepción del show en vivo de música electrónica es muy interesante, porque muestra las influencias de artistas que usan paletas extensas e incluso son polos opuestos como nosotros; venimos de mundos distintos, pero atacamos un mismo objetivo, y justo ese contraste es el que nos permite

La industria de la música y el espectáculo

“Estamos muy entusiasmados con este proyecto, porque anticipamos que es un paso a la era de los conciertos en Dolby Atmos y que se van a empezar a producir en todos lados”. Édgar Torres.

Pablo Escamilla

tener momentos de euforia y calma dentro del show, que queríamos plasmar para hacer realidad esta experiencia y, en ese sentido, la otra clave fue el ingeniero Joe Mendoza, que nos ayudó con la sonorización en sala y monitores”.

Para Óscar, quien fungió como director musical del proyecto, el contraste pilar era tener lo digital y lo análogo: “Es música electrónica con secuencias que salen del Ableton Live, pero hay un bajista tocando, una vocalista, los teclados, todo con controladores MIDI, los teclados y las guitarras que paso por un amplificador de bulbos. Todo el tiempo está el juego entre lo análogo con lo digital y combinar lo mejor de ambos mundos, con la ventaja de que desde su origen, la música ya era muy atmosférica. Desde el inicio supimos que esto iba más allá de una calificación, sino que podía ser algo que nos distinguiera y hablara de nosotros como productores y artistas; una visión para aportar en la Industria. Coincidir con Arturo y luego con Joe fue lo indicado, porque entendieron el proyecto y lo llevaron más allá”.

Diseño de sistemas y algo más La aportación de Arturo Amador, encargado de los estudios de grabación y el Auditorio Dolby Atmos del TEC, fue guiar y adecuar técnicamente la música para el formato inmersivo, sabiendo que existe aún poca información para aplicaciones en concierto: “Cuando me contaron la idea de hacerlo inmersivo, lo más importante era entender el concepto del proyecto que tenían y plasmarlo en un formato multicanal, haciendo sentir el factor espacio y no sólo ponerle los sonidos por aquí y por allá, sino que el conjunto diera las atmósferas que requerían. Eso nos llevó a tener 83 canales que utilizamos en total de las sesiones en digital con tecnología Dante y así tener la mayoría de canales prácticamente en un solo cable y, al mismo tiempo, atender la parte analógica con la microfonía de los instrumentos que estaban en el escenario, la parte de la secuencias y programación que se hizo en Ableton Live. Eso se mandó a la consola y de ahí a un renderizador que tuve que investigar y aprender, Spat Revolution de la marca francesa Flux, que fue el que nos permitió mapear la sala, calcular las distancias de los altavoces, las dimensiones del espacio y que todo fuera lo más real posible. Y luego, lo que pudimos hacer con este programa fue armar los paneos y las automatizaciones en tiempo real. Hoy sabemos que existen herramientas que puedes utilizar para hacer proyectos immersivos para audio en vivo”.

“Lo que permite el programa es que puedes tener cualquier interfaz de audio conectada y en este caso, que soy un aficionado a Dante y opté por esta tecnología, poder transportar

Arturo Amador

“Delegamos tareas porque queríamos mostrarnos como artistas con el valor agregado de Dolby Atmos. Nuestra concepción del show en vivo de música electrónica es muy interesante”. Pablo Escamilla.

la música y el espectáculo

Malinche, renovar su presencia

Malinche, renovar su presencia

Como parte del área de marketing global, siendo el puente entre España y México en cuanto a comunicación y actividades como talleres que se realizan durante las funciones de Malinche, Roxana Drexel lleva la bitácora diaria de lo que sucede en México en cuanto a la amplificación de estas labores. “Estuve en el estreno de la obra”, comenta, “y estoy desde octubre del año pasado trabajando con Nacho en este proyecto” Roxana trabajó con Nacho Cano hace 16 años, cuando trajo el proyecto “Hoy no me puedo levantar”, tanto a la capital mexicana, como a la gira que se realizó por ciudades como Monterrey, Guadalajara y Veracruz.

Como parte del área de marketing global, siendo el puente entre España y México en cuanto a comunicación y actividades como talleres que se realizan durante las funciones de Malinche, Roxana Drexel lleva la bitácora diaria de lo que sucede en México en cuanto a la amplificación de estas labores. “Estuve en el estreno de la obra”, comenta, “y estoy desde octubre del año pasado trabajando con Nacho en este proyecto” Roxana trabajó con Nacho Cano hace 16 años, cuando trajo el proyecto “Hoy no me puedo levantar”, tanto a la capital mexicana, como a la gira que se realizó por ciudades como Monterrey, Guadalajara y Veracruz.

varios canales en un solo cable y así tener la mayor cantidad disponible para hacer una espacialización correcta, porque mientras más canales tuviéramos, sería lo ideal poder jugar con el espacio y los sonidos en el espacio. Fue un tema bastante entre complicado, porque debí aprender el software y luego armar el diseño de cómo quedaría el envío y los regresos de las señales; pensábamos que iban a ser 30 canales y nos fuimos a 83. Fue complicado, pero se logró resolver, porque hubo mucho diálogo y ellos hicieron el desglose de su sesión, porque lo tenían de un show anterior en estéreo, en L y R, y había que llevarlo a diferentes canales. Eso nos ayudó a poder espacializar con mayor resolución en este formato Dolby Atmos”.

¿Cómo se escucha Malinche?

Microfonía inalámbrica Receptores duales Sennheiser EM-3732-II Transmisores Sennheiser SK-5212

Micrófonos DPA 6060

Audio inmersivo en vivo

“Pasaron los años y cuando lanzó su documental de Malinche, Nacho me compartió la información y me comentó que quería venir a México a presentarlo, lo cual hicimos en el Museo Memoria y Tolerancia de Ciudad de México. Posteriormente, me invitó para ser el puente entre ambos países en cuanto a los talleres que tienen que ver dentro del mismo ecosistema de la obra en Madrid, para que el espectáculo vaya más allá y cumpla con una parte educativa. También doy charlas con el staff y platicamos sobre el vínculo con las culturas mexicanas antiguas”, menciona. Además, Roxana lleva la prensa en México y la difusión en diferentes medios de comunicación, del disco “Malinche Sinfónico”, mezclado en Dolby Atmos.

“Pasaron los años y cuando lanzó su documental de Malinche, Nacho me compartió la información y me comentó que quería venir a México a presentarlo, lo cual hicimos en el Museo Memoria y Tolerancia de Ciudad de México. Posteriormente, me invitó para ser el puente entre ambos países en cuanto a los talleres que tienen que ver dentro del mismo ecosistema de la obra en Madrid, para que el espectáculo vaya más allá y cumpla con una parte educativa. También doy charlas con el staff y platicamos sobre el vínculo con las culturas mexicanas antiguas”, menciona. Además, Roxana lleva la prensa en México y la difusión en diferentes medios de comunicación, del disco “Malinche Sinfónico”, mezclado en Dolby Atmos.

Un total de tres conciertos fueron los llevados a cabo y, en la operación en sala y monitores, Joe Mendoza expone los retos y aprendizajes de ésta, su primera vez, mezclando un concierto para Dolby Atmos: “Fue sumamente enriquecedor, porque de inmediato ves que esto es punta de lanza de lo que viene. El proyecto tuvo varias etapas para llegar a la sonorización en vivo, aparte de la preproducción que hicieron los artistas y luego el diseño de sistemas, las conexiones e interconexiones y todo lo que armó Arturo. La mezcla de audio de las secuencias y de las pistas nos tomó como dos semanas. De ahí se hizo el trazo de las trayectorias de algunos elementos sónicos para poder generar las

Micrófonos de mano Sennheiser con cápsula Neumann KK105

Shure Beta 58

Con una trayectoria de más de treinta años en la producción escénica, Susanna pondera como aprendizaje el aporte al trabajo de directores y compañías innovadoras, que han abierto caminos y lenguajes:

“Nuestro objetivo es darle la importancia a Malinche como una de las mujeres más importantes que ha tenido nuestro país, darle ese peso y recuperar una historia que nos han contado mal. Admiro mucho a Nacho, por hacer esta obra y con esta música tan increíble y ni hablar de la escenografía y la danza, que tienen un primer nivel”.

“Nuestro objetivo es darle la importancia a Malinche como una de las mujeres más importantes que ha tenido nuestro país, darle ese peso y recuperar una historia que nos han contado mal. Admiro mucho a Nacho, por hacer esta obra y con esta música tan increíble y ni hablar de la escenografía y la danza, que tienen un primer nivel”.

Joe Mendoza

“El reto es trabajar con personas de este nivel, porque la producción en sí ya la conozco y no es que sea siempre igual ni mucho menos, porque cada una tiene su forma y lenguajes. Creo que es uno de los oficios donde se aprende cada día; hay que tener disciplina porque es muy duro y exigente que no se podría estar sin que aporte algo; Nacho Cano me ha dado una forma de ver diferente: estar cerca de quien va a todo por el proyecto porque cree en su intuición y en su forma de hacer las cosas”.

sensaciones acústicas que querían y con eso, se presentó un factor difícil con las latencias, porque desde el momento en el cual pasamos todas las señales por convertidores AD/DA, de ahí a nuestro software de renderización y luego regresar a nuestro sistema de monitoreo, eso sería un desafío. Teníamos una latencia de inicio de 23 milisegundos y pudimos bajarla hasta 18. Logramos resolverlo con in ears, para cubrir que la sensación de nuestros músicos fuera la más natural posible al tocar en vivo”.

“El reto es trabajar con personas de este nivel, porque la producción en sí ya la conozco y no es que sea siempre igual ni mucho menos, porque cada una tiene su forma y lenguajes. Creo que es uno de los oficios donde se aprende cada día; hay que tener disciplina porque es muy duro y exigente que no se podría estar sin que aporte algo; Nacho Cano me ha dado una forma de ver diferente: estar cerca de quien va a todo por el proyecto porque cree en su intuición y en su forma de hacer las cosas”.

Malinche cautiva al público en Madrid, dando testimonio del alto nivel que logró alcanzar la compañía que lo produce y supo traducir con paciencia, experiencia y adaptación el imaginario de Nacho Cano.

“La obra está pensada para estar dos años en cartelera. Somos un equipo de veinte personas detrás de la comunicación y todo el tiempo estamos haciendo campañas y moviendo los hilos para que sea algo que el público visite”.

“La obra está pensada para estar dos años en cartelera. Somos un equipo de veinte personas detrás de la comunicación y todo el tiempo estamos haciendo campañas y moviendo los hilos para que sea algo que el público visite”.

Malinche cautiva al público en Madrid, dando testimonio del alto nivel que logró alcanzar la compañía que lo produce y supo traducir con paciencia, experiencia y adaptación el imaginario de Nacho Cano.

industria de la música y el espectáculo

“Una motivación que tuvimos fue que confiábamos en que la música que hacemos se presta mucho para crear atmósferas que puedan sentirse en Dolby Atmos”. Óscar García.

La industria de la música y el espectáculo

La industria de la música y el espectáculo

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

“Una vez que se hizo el cálculo y la igualación de las latencias, se rediseñó el sistema de monitoreo. Resuelto eso, lo que siguió fue hacer la imagen acústica ya espacializada, y fue muy divertido y enriquecedor, porque normalmente todos los ingenieros y operadores que hacemos sala tenemos muy clara la imagen acústica frontal y dónde jugar con algunas profundidades, paneos y altitudes de los sonidos, pero en este caso, el hecho de generar una experiencia sónica y audiovisual espacializada fue muy interesante. El sistema se operó vía Dante, con diferentes interfaces y una mesa Allen & Heath SQ6, también con una tarjeta Dante. El monitoreo y la microfonía inalámbrica fueron hechos con Sennheiser”.

Pacific: The Live Experience, un logro humano y técnico

Avid Pro Tools HDX Core Tarjeta PCIe HDX.

Avid Pro Tools Interfaz MTRX con Base Unit, Madi y PRO|MON

Avid Pro Tools Tarjeta adicional para interfaces MTRX con puertos Digilink

Avid Pro Tools | MTRX 128 Channel IP Audio Dante Card

Avid Pro Tools | MTRX 64 channel IP Audio Dante Module

Avid Sync HD

Focusrite RedNet PCIeR

Apple Mac Pro Procesador Intel Xeon W de 8 núcleos y 3.5 GHz

Radeon Pro 580X con 8 GB de memoria GDDR5

Almacenamiento SSD de 1 TB

Apple Ipad Air

iHSE 474-4RMK Rack Mount Brackets

iHSE 474-BODY 2 Chassis 2 Slots

iHSE L481-BHHC Main Board, Local Unit single slot, HDMI 2x USB-HID, CAT-X, Resolution up to 1080p (DVI to 1920x1200). Includes cables

iHSE R481-BHHC Main Board, Remote unit single slot, HDMI, 2x USB-HID, CATX, resolution up to 1080p (DVI 1920x1200).

Includes Cables.

iHSE L481-BHXC Main Board, Remote Unit single slot, HDMI, CAT-X, resolution 1080p (DVI 1920x1200). Includes cables

iHSE R481-BHXC Main Board, Remote Unit single slot, HDMI, CAT-X, resolution 1080p (DVI 1920x1200). Includes cables (04) Nexo DTD-I Controlador de altavoz para las series PS y LS (11) Nexo ID24 Gabinete acústico compacto

Crown DCI 8/300 Amplificador

Crown Dci 4/300 Amplificador

JBL Control 45C/T Bocina

Allen & Heat SQ6 Consola 48 channel / 36 bus digital mixer

Allen & Heat Expansor DX168

Microfonía

Shure SM58, SM81

Sennheiser EW-135 G3 Sennheiser SR2050 IEM Transmisor doble para monitoreo inalámbrico

Focusrite Scarlett Interfaces de audio 2i2

“Pablo y Óscar hicieron el desglose de su sesión y eso nos ayudó a poder espacializar con mayor resolución en Dolby Atmos”. Arturo Amador.

Axel Yáñez, stage manager

“Junto con Arturo y de la mano de nuestros artistas, fuimos eligiendo qué elementos musicales queríamos que tuvieran trayectorias y así generar en el auditorio la sensación que querían, porque ellos tenían muy claro desde el minuto uno cuál era la sensación que ellos deseaban generar en los escuchas. Me quedo con una experiencia súper gratificante, con sensaciones nuevas y un agradecimiento a la institución que nos abre las puertas para experimentar y llevar a cabo

estos proyectos de la manera más controlada y profesional, y hacia los artistas por su entereza y ganas de hacerlo posible”.

Con los mejores deseos de que estos conciertos se vayan popularizando para que cada vez más público los disfrute, vaya una felicitación a estudiantes, profesores y todo aquel que hizo este proyecto realidad, porque con una buena idea, pueden darse muchos pasos adelante.

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

“En este caso, el hecho de generar una experiencia sónica y audiovisual espacializada fue muy interesante”. Joe Mendoza.

La industria de la música y el espectáculo

El Renacimiento Carla Morrison

Por Marisol Pacheco

Renacimiento Tour Morrison :

Fotos de concierto: Equipo Carla Morrison

a pausa que la cantante y compositora Carla Morrison se dio, tuvo su recompensa al volver a la producción de su música y espectáculo en vivo, trayéndole una nominación al Grammy Latino, la invitación de Coldplay para abrir sus conciertos en México y la realización de su gira “El Renacimiento” que ha tocado suelo azteca, estadounidense y ciudades clave de América Latina. Esto ha dejando patente -con sus tres llenos en el Teatro Metropolitan de la Ciudad de México- de cómo se crea la evolución de la artista, arropándola por su banda, staff de management y de producción con experiencia internacional.

Nuevos bríos

Para Isaac Safdeye, parte del equipo de management de la empresa Cosmica Artists con sede en Los Ángeles, Estados Unidos, y quien coincidió con Carla Morrison en un trabajo de bookeo en el 2015, la fuerza de este regreso está basada en pasos pequeños, bien consolidados: “Entré a organizar la gira y convocar el equipo, ahora de su lado, y arrancamos fuerte con una gira que armamos en Estados Unidos. Desde entonces el enfoque ha sido fue muy simple: ponerla a ella y su voz al centro, su banda y el sonido de sus canciones con una proyección escénica linda alrededor. De esos conciertos se trajo una energía especial al equipo y, justo antes de que le abriera a Coldplay en marzo de 2022 para sus fechas de México, fue que comenzó este anhelo de ponerla a girar en México, América Latina, otros festivales y más fechas regadas en Estados Unidos armándole un equipo.

“La primera fecha en Estados Unidos fue en el Greek Theater, en L.A., un venue para 6 mil personas, que fue sold out y le

dio fuerza al enfoque de producción y todo el apartado en vivo que queríamos: tener un show sólido en el sonido y también de luces, mucho más bonito, con más fuerza y más complejo, en concordancia con los visuales. Buscamos colaboradores para eso y fue así que conectamos con Andrés Campos y su equipo: Alejandra González para el contenido de video y Diana Malagón en luces. Todo ese material partió de una narrativa guiada por Carla, quien explicó las emociones que tuvo cuando escribió las canciones y cómo conectan esas con su público, identificar esos momentos de clímax al interpretar hits y reflejarlos en el escenario. Ése fue un trabajo muy especial que se hizo a la distancia y que se tuvo que ajustar hasta ocurrido el primer show en Monterrey. Así empezó el diseño de producción que se hizo para tener esta gira súper bonita con noches de sold out, como las ocurridas en el Teatro Metropolitan en Ciudad de México”.

Plasmar el Renacimiento

El concepto y diseño que rige la producción de El Renacimiento se gestó en 25 días, tras enlazar a Andrés Campos y su compañía Cronos (que han colaborado en las producciones de Marc Anthony, Osuna, Myke Tower, entre otros), con quien Carla hizo clic desde el primer momento: “Nos recomendó Daniel, guitarrista de la banda con quien ya había coincidido en otros proyectos, conversé primero con Isaac y les pasé una

industria de la música y el espectáculo

Carla Morrison

Diana Malagón

propuesta. Hablé con Carla para conocerla y saber cuál era la idea de su tour y de ahí nos sentamos a dibujar un boceto y luego llevarlo a la virtualidad con herramientas como Vectorworks, Vision y Dipends. Eso fue en junio de 2022, yo estaba de tour en Europa y me puse a trabajar con el equipo creativo de forma híbrida, con Alejandra González el video y Diana Malagón las luces pensando en un todo escenográfico”, menciona.

“El diseño tiene cuatro segmentos que dividen el show y nuestro propósito principal era distinguirlos. Un punto de partida con Aleja, para los videos, fue referir las cuatro estaciones e ir llevando desde ahí ese ciclo que describe el proceso de una ruptura amorosa o desamor, contar esa historia. El primer momento busca simular el marco de una pintura renacentista, usar un marco armado con luminarias Chorus Line, jugar con elementos distintos de colores e intensidades. El segundo momento sumerge al al público en distintos ambientes de luz y sombras, oscuridad, texturas, los involucra un poco más con Carla dándoles intimidad. El tercero lleva esta referencia renacentista y usamos bombillas, unos blinders de filamento para poder transporta ahí los colores y texturas alusivas. El cuarto momento tiene la integración completa de luces y video, juega con ambos y Aleja utilizó fotos de Carla que trabajó al estilo renacentista, como la Monalisa, para resaltar su imagen y hacer ese enganche con los fans”.

“Técnicamente, el concepto y su diseño debían ser rápidos de montar; utilizamos como proveedor a Pro3, y al momento en que creamos este concepto que también incluye una pantalla inclinada y otra tipo malla, Charly se encargó de hacer pruebas en su bodega para tener el sistema de montaje listo. En este sentido, la forma en que trabajamos en mi compañía es que podemos armarte todo el concepto, diseño y programación del show, y ayudar a que la producción del artista la corra, yo puedo hablar con las compañías de renta, negociar y con base en eso, entregar un producto final completo donde, si el crew ya tiene su iluminador, se le capacita para que haga el show. El propósito siempre es trabajar con el artista y ayudarlo a crecer”, detalló satisfecho Andrés.

Innovación que simplifica y enriquece

Sobre el escenario, esta visión se mantuvo limpia posicionando tres estaciones para ubicar a los músicos en los costados y, la malla/pantalla con el asiento de Carla y su micrófono, entre ellos. Uriel, stage manager, destaca de esto el trabajo de playback y la redundancia que han elaborado Alejandro (director musical) y Demian Jiménez, mediante interfaces de audio, conectividad en red y programación MIDI: “Lo que se ha hecho para que la banda disfrute más el show ha sido programar éste con recursos MIDI e interfaces que prácticamente disparan lo que

Carla Morrison

“El diseño de iluminación tiene cuatro segmentos que dividen el show y nuestro propósito principal era distinguirlos”. Andrés Campos.

Carla Morrison

pasa canción tras canción de manera muy sencilla, con el extra de tener un respaldo por si hay una falla. Eso es fruto de un trabajo complejo y dedicado que hicieron Alex y Demian, y que simplifica también la interacción con sala y monitores, que en este caso hace una misma persona, que se cuide y estén a la mano diferentes elementos sonoros o musicales para el show en vivo, referir lo que pasa visualmente, los momentos que va llevando el concierto”.

“Mi tarea es cuidar que las conexiones, switcheos y demás ocurran, además de tener desde luego los instrumentos de los chicos a punto. En el caso de Carla, está la particularidad de que tiene un micrófono inalámbrico que combina el transmisor Shure ULX-D con una cápsula DPA dfacto en el transductor, que le da una nitidez muy bonita a la voz y todos los matices que ella hace al interpretar”.

Alejandro Jiménez, director musical de Carla desde hace más de una década, y su cómplice, Demian Jiménez, técnico de playback y producción en esta gira, detallan la fascinación que ha sido para ellos poder enriquecer su interpretación en vivo programando y posibilitando tener un sonido redundante: “Estábamos en los ensayos para hacer los últimos detalles del show y armamos todo el diseño del set bajo este esquema que inició en una sesión de Ableton Live cuando queríamos tener los stems de la mezcla del disco con la voz de Carla, la batería, efectos, transiciones, teclados, guitarras, cuerdas y todo, para apegar las canciones lo más que se pudiera para sonar en vivo y que Alejandro, por ejemplo, se concentrara más en su música y apoyar a la banda en su papel de director, y lo técnico tenerlo poquito más separado y tener más fluidez”, relata.

“Lo más interesante y jugoso del set up que tenemos es cómo está el que nos permite lo redundante. Usamos dos interfaces de audio iConnectivity y la ventaja que tienen es que cuentas con entradas USB, donde puedes conectar dos computadoras con el mismo software y todo, tus dos sesiones corriendo al mismo tiempo, y si se cae una, entra la otra. Estas también nos permitieron programar el MIDI que usamos para varias cosas, ya decíamos del Fractal pero también en el Nord que usamos y necesitábamos que las computadoras pudieran manden el MIDI, lo que estas interfaces nos dejan hacer vía Ethernet a tres interfaces: una para el MIDI, la del playback y la mía; están conectadas por red y ya está integrada la solución de tal manera que si entra la otra computadora, el MIDI también se cambia. Viajamos con todo nuestro rig, es muy fácil programar. Esas cosas están suaves y nos permiten mantener la musicalidad como banda”.

“Nos fuimos con Vari Lite, las Beam Wash, para aplicar sus increíbles recursos como gobos y rotaciones”. Diana Malagón.

Isaac Safdeye

Además de esta configuración, Demian complementa la tarea detallando el armado particular del setlist: “Nuestra sesión de Ableton, con aproximadamente 680 stems, la tenemos ahí, con todo lo que hay en las canciones, por si queremos añadir cosas al show, agrupados por elementos. A Gerry le mandamos tracks estéreo, el clic y los cues. Esto nos ayuda a que, si bien el show es el mismo, estás respaldado en que habrá una vocecita que te dirá qué sigue, puedes quitar cosas, sustituir o doblar porque el esqueleto del show es el mismo todas las noches, pero la energía de todos cambia mucho y esto nos permite fluir mejor, nos da cierta consistencia y una columna sobre la cual podemos agregar muchos otros elementos, además de coordinar con luces y video... Está bien padre lo que podemos hacer”.

en Estados

Para Gerardo López, production manager, ingeniero de sala y monitores, quien ya había trabajado con Carla y se unió al proyecto en 2021, ese amarrado y programación señalado por Andrés, Demian y Uriel, le permitió concentrarse en lo técnico, combinando tecnología estándar -como en su elección de microfonía- y las prestaciones de Allen & Heath para la operación de sala y monitores: “Nuestra selección de micrófonos es convencional: e604 de Sennheiser, SM58 y SM57 de Shure. Tenemos un sistema de comunicación con switch de Radial y mi arma secreta es una D Live C1500 y un MixRack DM0 de Allen & Heath, con cajas de expansores DX168, con lo que es muy fácil viajar, porque yo cargo con todo mi equipo. Para Carla adquirimos un ULX-D y lo que hicimos fue cambiarle la cápsula al transmisor por una DPA dfacto. Además, ellos son dueños de sus in ears Shure PSM900”.

Gerardo López

Usuario de Allen & Heath desde hace siete años, para Gerry la portabilidad y calidad de sus recursos nativos han sido una revelación que simplifica su doble labor como sonidista: “Pongo una tarjeta Waves sólo para grabar multitrack y tener la captura de cada show. Como hago monitores desde sala, utilizo MCA y tengo 80 canales, entre sala y monitores, a cada quien con su proceso y con una bocina recibo su comunicación y hago las peticiones que necesite cada uno. Usamos un solo ambiente de micrófono, porque a Carla le gusta mucho escuchar a su gente”.

“Afortunadamente, la tecnología ha avanzado bastante y equipos como estos de Fractal que te permiten omitir tantos compresores y los músicos están muy a gusto con los sonidos

Carla Morrison

“La primera fecha

Theater, en L.A., un venue sold out y le dio fuerza al enfoque apartado en vivo que queríamos”.

Estados Unidos fue en el Greek venue para

que fue enfoque de producción y todo el queríamos”. Isaac Safdeye.

que ellos mismos crearon y tenerlos en estéreo, me deja a mí trabajar muy bien el sonido de los instrumentos como tal, la acústica que suena increíble y entonces se manda la señal procesada, divido mis inputs de sala monitores y puedo hacer mis mezclas diferente. Esta dLive tiene unos compresores increíbles; los emuladores y gates nuevos que traen los uso para todo. Encontré un plug in nativo que me limpia mucho la mezcla y se solucionó. Ahora ya no uso tarimas altas para la batería y es mucho mejor”.

Un renacer luminoso La colaboración entre Alejandra, armando el contenido de video, y Diana Malagón, con la iluminación, culmina la visión de este espectáculo que cautiva y logra cuidar el vínculo emotivo que crea Carla con su público, conforme ocurre el concierto:

Carla Morrison

6 mil personas,

“La base de todo el diseño era tener un marco sobre el escenario, una pantalla inclinada con luces que semejaran éste y hacerlo brillar más, lograr que fuera un conjunto y no peleara con el video, todo en armonía. Buscamos luminarias muy fuertes como beams, pero cerradas, usarlos pocas veces para dar texturas, pintar el escenario y generar ambientes diferentes. Nos fuimos con Vari Lite, las Beam Wash, y aplicar sus increíbles recursos como gobos y rotaciones; usamos Chorus Line de Elation por el tema del marco, su LED y zoom; la Forte de Robe en piso para dar contraste y generar más texturas de diferentes ángulos con las Vari Lite arriba y éstas abajo. Me gusta manejar mucho calles y contras de piso y ahí nos fuimos con VL5, que son fabulosas para pintar a la banda en general; tenemos blinders a piso y dar su lavado de luz con ese tungsteno precioso que da, y como la pantalla del escenario es malla, se puede traslucir la luz y dar otra textura naturalmente. Usé GrandMA2 para diseñar y todo lo corrí con una GrandMA3 Fullsize, todo perfecto. Se mandó por Sempty y el video está en Resolume. Este resultado se logró porque pusimos la luz y el video en comunicación”, destaca la también arquitecta.

Los casi 40 conciertos con los que El Renacimiento ha recorrido Latinoamérica, confirman la teoría de Andrés Campos: “Esto no se trata de la iluminación, el video o el audio por separado sino de cómo, cada elemento, es una pintura, un color para entregar a un cuadro que es para el público. Para mí es muy satisfactorio que hallamos podido entregar un producto único, tal cual como es Carla para sus fans. Finalmente, también destaco que esto se hizo con amor y cariño y con la delicadeza que tienen las mujeres. En la empresa hay un porcentaje alto de ellas y me enorgullezco por trabajar a su lado y ver su crecimiento, como el caso de Diana que ya corrió este tour como un sueño que tenía”.

Una década con Dolby

Su debut fue en el marco de la Cinemacon en 2012 y fue la película animada “Valiente”, de Disney, donde se le utilizó por primera vez. Desde entonces, Dolby Atmos ha marcado un movimiento en la producción cinematográfica, broadcast o televisiva y de entretenimiento en casa, además de la musical. De sus atributos clave habla Carlos Cuevas, Dolby Applications Engineer.

Los ingredientes, la receta y el platillo

“El formato ha sido muy bien aceptado y adoptado por la Industria, porque no nada más proporciona una sensación de audio inmersivo, sino que hay diferentes herramientas que ayudan en el lado de producción para agilizar procesos. Dolby Atmos es el nombre genérico del formato y de ahí tenemos Atmos Theatrical y Home Entertainment, esa fue la primera división. Dentro de Home Entertainment existe una subdivisión que podemos nombrar como broadcast o para cualquier material audiovisual, y por otro lado, Atmos Music. Si hablamos de theatrical, hay todo un procedimiento a cumplir de revisión del espacio y ciertas especificaciones para que pueda funcionar para mezcla de cine en términos de volumen, espacio del estudio, presión sonora, respuesta en frecuencias y demás. Del lado de Home Entertainment tenemos la posibilidad de emplear dos herramientas, una se llama Dolby Atmos Production Suite, el entry level o punto de arranque; y el Mastering Suite, donde está todo el potencial del software sin límite en procesamiento de señal. Cualquiera de estas dos herramientas pueden funcionar para hacer broadcast o Atmos Music, con pequeñas diferencias entre ellos”, detalla de inicio el experto.

Ahora bien, para explicar cómo trabaja Dolby Atmos, Carlos usa una analogía con la preparación de comida: “Para preparar un platillo de comida necesitas ingredientes y una receta. Si sigues ésta, en términos de cantidades y procedimientos, vas a obtener un platillo que tendrá la cantidad a servir para cierto número de comensales. En nuestro medio, los ingredientes son los audio files y la metadata es la receta. Si yo tomo esta metadata y manipulo los audiofiles, voy a obtener diferentes resultados. Si hago una fiesta y selecciono un menú de diferentes platillos, estos implican ciertos ingredientes y recetas que voy a ofrecer y para ello debo saber cuántos

último paso en ese sentido formato en teléfonos celulares fue un elemento que

invitados y eso depende también del tamaño y el lugar. Con base en el largo, ancho y altura del lugar, puedo definir cuántos invitados puedo tener para que no estén apretados o con demasiado espacio”.

“Las dimensiones de largo, ancho y altura me ayudan a establecer cuántos invitados tengo, que son las bocinas, pero no todas son iguales y, en nuestro mundo, serían los canales frontales, surround, subwoofers y así, en el momento en que defino de qué tamaño es el lugar y cuántos invitados tengo por lado, ya puedo armar el menú con base en las características de cada uno. Necesito un chef que pueda tomar los ingredientes y la receta e interpretar a este número específico de invitados y sus características para garantizar el sabor de la receta original, lo que se hace con las herramientas de Dolby Atmos, Production Suite y Mastering Suite”.

“Si regresamos a la definición de Dolby Atmos, es un formato de audio inmersivo, porque tengo bocinas alrededor mías, basado en objetos; es decir, los ingredientes, los audiofiles con su metadata; es un formato de audio inmersivo basado en objetos que es adaptativo. No importa si es una fiesta chica o grande, el formato puede adaptarse a la cantidad de bocinas y dimensiones del cuarto”.

Con más de 65 salas de cine adecuadas por Carlos, así como diversos espacios para cine en casa, lo más importante que considera contemplar para incursionar en proyectos aplicando esta tecnología, es entender el principio del concepto y usar prácticas adecuadas:

“El

Carlos Cuevas

sentido fue la adopción del celulares de alta gama; eso que cambió el juego”.

profesional del audio en el teatro y ha tenido participaciones destacadas en obras como “Cabaret”. Así detalla los desafíos y soluciones de audio que se implementaron en la obra con Nexo, Shure y

“El punto de partida fue entender las propiedades acústicas de este teatro, un recinto rectangular como el formato tradicional de una sala de cine, con muros paralelos dentados no tan profundos y un bajotecho de plafón muy liso y muy reflejante, que hacía como una especie de cono en la parte de atrás. Con la asesoría de Claudia Cárdenas, arquitecta en acústica, y mis inquietudes, nos pusimos a trabajar en medio de la crisis sanitaria y una de las cosas que vimos cuando empezamos a medir el tiempo de reverberación, fueron las diferentes caídas que tenía el teatro, que eran casi perfectas con un poco de paralelismo en algunas partes, pero incómodas en la parte posterior, y por ello metimos acondicionamiento para absorber en toda esa área y alrededor de donde iba a quedar nuestro sistema de audio: el Nexo GEO M10, que nos permitió hacer una cobertura totalmente homogénea del espacio”.

crecer en tamaño; ojo, en tu herramienta los puedes crecer a un cuarto de otras dimensiones como un cine, pero sonará distinto si no tiene esas características, va a sonar como un cuarto de volumen del cine; por eso hay que irse con cuidado con esas cosas”.

“El concepto de inmersión es estar en medio del audio y para ello tienes que crear espacios alrededor tuyo; puede ser que se estén moviendo o con elementos fijos para dar diferentes planos y la herramienta permite crear ambas dimensiones. Otra de las ventaja de lo inmersivo es que mezclas a la configuración de tu sala y es escalable: puedes ir del formato 5.1.2, 5.1.4, 7.1.2, -el 7.1.4 es el más convencional-, hasta 9.1.6 y, dependiendo del cuarto, es el número de bocinas a instalar. Se manejan objetos y metadata, se manda a la herramienta y ésta hace un render o una preparación de lo que entrega el audio a la cantidad de salidas que hayas declarado en tu interfaz de sonido. Tú siempre entregas ingredientes y receta, y con base en eso, el render crea y se adapta a lo que tengas conectado”.

Recapitulemos

“Entonces venimos de elementos sueltos, generas una cama y sobre ella pones objetos dinámicos, estáticos, pequeños o grandes y la decisión de qué elemento de sonido es parte de la cama y qué elemento de sonido un objeto, es una decisión

“Normalmente, cuando alguien mezcla una película, viene de múltiples elementos monoaurales o estéreo, como diálogos de escena, ADR -Automatic Dialogue Replacement- que son los doblajes; música original, música de librerías o licenciada, ambientes, efectos y folies. Todos estos elementos se empiezan a premezclar y generan tres grandes grupos o stems: diálogos, música y efectos. Estos stems, dependiendo el formato -si vas a 5.1 son 6 canales; si vas a 7.1, ocho canales-, estos tres grandes grupos los vas premezclando y cuando los unes obtienes una mezcla final, que es la que se imprime en el master de la película”.

“No soy ingeniero en sistemas, pero con ayuda del programa SpectraFoo Complete hicimos las mediciones y pudimos visualizar en tiempo real lo que estábamos oyendo. Luego, con el software de configuración NS1 de Nexo, armé los diseños y con mi sonómetro medí las ponderaciones A, B y C para validar lo que nos indicaba el NS1 y el analizador. En realidad, los GEO M10 son plug & play y lo que corresponde es todo el tema de la predicción, porque el equipo te va a dar la respuesta que tú determines. En ese sentido, el criterio con el que se colocó había sido que fuera totalmente homogéneo de la fila de hasta atrás hasta casi la segunda o tercera fila de adelante”.

“Nosotros decidimos cambiar ese concepto para tener más punto de origen, porque cuando estás en la parte baja y tienes las bocinas tan altas, se pierde la verdadera imagen sonora y, en esta obsesión de la cobertura, sí la consigues, pero no tienes una buena imagen sonora para el espectador, así que nuestra

“Eso es lo que haces en Dolby Atmos. Tomas esos tres grandes stems, los generas y la mezcla final se conoce como cama. Previamente, has podido manejar, simultáneamente, hasta 128 ingredientes y hacer la preparación. Estos objetos, que pueden ser estáticos, dinámicos, chiquitos o los puedes

primera decisión fue bajar el equipo, buscar un punto medio entre la cobertura y con esta imagen que conseguimos con la proyección que armamos, logramos mantener naturalmente una pérdida de 3 dB al final del teatro y que las primeras filas tuvieran 3 dB más de presión, porque los subwoofers que en el plan original queríamos subir al escenario para que fuera una cosa más homogénea y no logramos hacer, tuvimos que ponerlos abajo; por ello buscamos compensar ese nivel de presión en las primeras filas hasta conseguir un equilibrio y sin poner ningún tipo de front fill”.

La industria de la música y el espectáculo

Javier Valverde Studio

La industria de la música y el espectáculo

Allen & Heath:

artística del ingeniero de mezcla”, menciona Carlos Cuevas. “No hay regla, se trata de lo que convenga, depende de la herramienta que uses, Pro Tools o Nuendo, permiten que un elemento en cierto punto sea parte de la cama o un objeto. El render toma los objetos, se configura para definir si el sistema tiene una cama o multicama, que también puedes tener. Se hace el render de todo esto y se entrega la cantidad de bocinas que tienes declarada en tu sistema, lo integra y monitorea todo el tiempo”.

La gente que está interesada en montar su sala Dolby Atmos se ha encargado de publicar una serie de documentos donde están las recomendaciones para montaje y donde está la herramienta Dolby Audio Room Design Tool (DARDT): “Esta permite poner las dimensiones del cuarto y equipamiento e indica cuáles son los ángulos recomendados y las tolerancias para poder instalar los altavoces y además informa, con base en las dimensiones del cuarto, cuál es la manera y configuración recomendada. Lo que es muy importante en Dolby Atmos son dos cosas: el vector de dirección de la bocina; es decir, que de donde está el punto de escucha yo tenga los

vectores de dirección de gabinetes y no se junten, porque parece que es la misma señal, y para eso es la herramienta de diseño, que usa, por un lado el vector de dirección, y por otro, la presión sonora. Si el sistema no está equilibrado y balanceado correctamente, sobre todo en presión sonora, el efecto no se genera. Estos son básicos para el diseño que se deben comprender y contemplar”, enfatiza Carlos.

“Finalmente, el auge que el formato ha ganado en los últimos dos años se debe a las plataformas de contenido sobre demanda y streaming por su formato de entrega que, por un lado, da la experiencia del audio inmersivo y que a nivel de producción puede entregarse un mismo producto con, digamos, distintos sabores: una película para diferentes territorios, stems de diálogos separados, mezclas en estéreo o 5.1, en fin, muchos extras u optional tracks, con los que se tiene toda esa preparación de entregables o deliveries, que hoy ya es parte de la responsabilidad de un postproductor y un estudio que mezcla poder entregar toda esa paleta de opciones para que se puedan generar nuevas versiones para diferentes mercados. Todo esto es otra ventaja, no para el

usuario final, sino para la producción. El formato fue adoptado muy rápido por las empresas de streaming porque adecúan sus productos para satisfacer su demanda de contenido, cubriendo la cantidad de espacio y la logística de distribución de cada usuario, según lo que se quiera y cómo se puede disfrutar. El último paso en ese sentido fue la adopción del formato en teléfonos celulares de alta gama; eso fue un elemento que cambió el juego. Por otra parte, ya está disponible Dolby Atmos para podcasts y sigue la apertura para el formato”.

“Estamos viviendo el tiempo de las experiencias: el público busca el máximo disfrute de sus contenidos y la suma de diferentes elementos en este mundo audiovisual. Además de Dolby Atmos, también está Dolby Cinema, que es una experiencia impresionante. Apenas hay algunas salas en el país, pero va avanzando. Actualmente hay un cambio en la percepción, que es una maravilla”, concluye Carlos, con la seguridad de que esta compañía continúa desarrollando nuevas opciones para el público.

Entrevista: Nizarindani Sopeña /

Redacción: Marisol Pacheco

Black Tornado

Rosino Serrano -

ADAM Audio y Sonarworks,

colaboración triunfante

Para conmemorar la disponibilidad de la nueva Serie A de monitores para estudio, ADAM Audio y Sonarworks presentan los detalles de su colaboración en la reciente gama, sucesora de la multipremiada Serie AX.

La Serie A de ADAM Audio ofrece un sonido altamente preciso y transparente a través de una gama completa de monitores. Esta gama también cuenta con una gran cantidad de opciones de sonorización y adaptación a la sala que se pueden controlar de forma remota y en tiempo real a través del A Control, una aplicación de software de descarga gratuita de ADAM Audio (disponible para Windows y MacOS). A Control también ofrece una función muy esperada de la serie, desarrollada en colaboración con los expertos de calibración Sonarworks, con lo que los usuarios pueden cargar y almacenar los perfiles de calibración de SoundID Reference directamente en el DSP de los monitores de la Serie A, sin necesidad de ejecutar la aplicación SoundID Reference ni plug ins adicionales de DAW.

Cada monitor de la Serie A contiene una plataforma integrada en el DSP de los altavoces que puede albergar filtros creados en SoundID Reference. Este software mide la acústica del espacio y genera una calibración a medida para ayudar a contrarrestar las frecuencias y resonancias problemáticas. Normalmente, este perfil de calibración requiere la ejecución de un VST o de la aplicación SoundID Reference, requiriendo un mayor uso de CPU y latencia. La integración de la Serie A anula el uso de la CPU y reduce significativamente la latencia al almacenar los perfiles de calibración directamente en el DSP de los altavoces. Una vez transferidos al altavoz, puede seguir beneficiando la calibración de SoundID Reference sin necesidad de ningún software ni cables de red: un gran ejemplo de la filosofía “set and forget” (configurar y olvidarse).

Además, con el fin de ayudar al mayor número posible de usuarios a experimentar esta nueva tecnología, ADAM Audio y Sonarworks se complacen en compartir los detalles de un período de prueba extendido de 60 días de SoundID Reference para los clientes de la Serie A. La licencia de prueba está disponible para los clientes de esta gama que registren sus monitores de la Serie A en el área MyADAM en adam-audio.com. Ofrece toda la funcionalidad de SoundID Reference, incluida la posibilidad de exportar filtros para poder importarlos a A Control y al DSP de los altavoces.

Para quienes estén interesados en adquirir los monitores de la Serie A, ya están disponibles en Latinoamérica a través de su red de distribuidores. ¡Conozcan todas las bondades de esta colaboración!

La industria de la música y el espectáculo 53

presencia consistente en el mercado mexicano Digico y Hermes Music,

Encargado de las estrategias comerciales relacionadas con la que hoy es la División Profesional de Hermes Music, Édgar García -su director- comparte los aciertos para el posicionamiento de los equipos de Digico en México.

“Digico se ha posicionado en los últimos siete años de manera muy importante en el mercado mexicano y latino gracias a una estrategia basada en la capacitación que aceleró esto de manera exponencial. Nuestro trabajo se basó 100 por ciento en la capacitación, en acercarnos a todos los usuarios. Hicimos giras desde Baja California hasta el sureste, llevando consolas Digico y estableciendo un programa de certificación avalado por la marca directamente desde Inglaterra”.

En este sentido, los elementos clave fueron los siguientes, como menciona Édgar: “El primero fue identificar y permanecer con los usuarios de Digico de siempre y segundo, acercarnos a quienes no habían tenido mucho contacto. Hicimos muchos programas de entrenamiento. Un dato al respecto es que, antes de la pandemia, logramos ser el distribuidor número uno a nivel mundial de Digico. Hoy es una de las marcas líderes en nuestro mercado, que llega en un momento clave con su

tecnología Quantum para seguir posicionándose, no solamente como una marca líder en cuanto a riders, sino también en el desarrollo de tecnología nueva”.

Para el especialista, un valor agregado de la marca es que permite prolongar la inversión del usuario a través del desarrollo e implementación de tecnología compatible y escalable:

“Digico es una de las empresas de consolas digitales que basó su estructura en salvaguardar la inversión de sus usuarios. ¿Qué quiere decir esto? Las consolas Digico de hace siete u ocho años pueden actualizarse y ser una opción para 2023. La compañía estructuró su portafolio de productos para ese fin; entonces, si pensamos en la Serie SD –legendaria, con modelos como la SD9 y la SD11-, fijó un estándar en la industria a nivel internacional y su tecnología está basada en un FPGA que nos permite desarrollar las capacidades de la consola en el tiempo.

Por ejemplo, hace no mucho fue lanzada la SD12 que, en su formato inicial, tenía 72 inputs; pasaron ocho o nueve meses y pudieron desarrollar el software que de nuevo tocaba la base y estructura del FPGA e incrementaron su capacidad a 96 canales sin tener que agregar hardware. Fue puro desarrollo”.

“Esto es un punto muy valioso para un mercado donde los cambios son muy rápidos. Digico trabaja en ello, y por eso, ahora que llega su tecnología Quantum, el usuario sabe que viene de su FPGA y que ambas innovaciones brindarán el máximo de las capacidades y beneficios extras de alta calidad en operación, flujo de trabajo y sonido. Otra cosa que me fascina de Digico es que está muy cerca de los operadores y por eso hay muchas funciones nuevas que surgieron de los ingenieros. Es información que, por ejemplo, en el caso de Hermes Music, como su distribuidor, nos permite compartirles lo que necesita

la gente y lo que hay que desarrollar. La marca escucha y está en constante búsqueda de feedback; porque si no, no hay forma de desarrollar a favor del usuario”.

Con un cierre a tope de 2022, donde se entregaron 25 consolas, las acciones realizadas marcarán la pauta en este 2023: “En la pandemia me junté con varios usuarios e hicimos actividades de actualización y mantenimiento, principalmente. Preparamos a la gente y a los equipos para un regreso inminente, como un tema de prevención que seguimos trabajando. Como resultado, en los últimos cuatro meses de 2022 hemos entregado más de 25 consolas y esto habla de que las cosas van bien. Para nosotros como división, ha sido clave programar: estamos viendo calendarios de shows y con base en eso vamos proyectando qué y cuándo podemos entregar. Al final estamos preparados y muy contentos del movimiento que tiene la Industria en este regreso, que nos urgía a todos, y estamos teniendo mucha oferta de espectáculo, lo que es primordial para aportar un granito de arena con grandes marcas como Digico, su excelente equipamiento y tecnología, más abasto, servicio y soporte”.

“Este año viene lleno de giras y tours de certificación, porque tenemos mucho que decir con la tecnología Quantum; tenemos que mostrar y capacitar a nuestros usuarios y de nuevo estar cerca de los que ya lo son, además de, por supuesto, conocer a aquellos a los que necesitamos invitar para que la conozcan, porque más allá de si te gusta o no la marca, conocer las tecnologías nos permite como ingenieros estar preparados para todo. La gran lección que nos dio la pandemia fue adaptarnos y abrirnos, conocer, respetarnos y apoyarnos. Creo que el éxito que ha tenido el Departamento Profesional de Hermes, a través de estas marcas e históricamente, ha sido la empatía y es la que nos mantendrá dando la pauta en nuestro entorno”, concluye Edgar.

La industria de la música y el espectáculo 55

25 años

Fundada por el Ingeniero en Electrónica con especialidad en Acústica por el Instituto Politécnico Nacional Roberto Velazco, Soluciones Acústicas es una empresa pionera en el desarrollo de productos y servicios para acondicionar los espacios a una escucha y desempeño sonoro óptimo y está llegando a su aniversario número 25 con el mayor de los entusiasmos.

En la búsqueda del buen sonido El camino trazado ha estado lleno de curiosidad, experimentación, innovación y entretejido de vínculos, los cuales iniciaron junto al reconocido ingeniero Próspero Sandoval, uno de los expertos en la materia y con quien pudo diseñar e instalar los estudios del Instituto Mexicano de la Radio (IMER), como recuerda: “Instalamos las consolas Harrison, de las primeras que entraron a México y pude desde entonces ver cosas muy novedosas e interesantes. De ahí pasé a Radio Centro y luego estuve Discos Peerless, donde daba mantenimiento, y me tocó instalar las consolas MCI. Ahí tenían una colección de revistas Mix que tenían artículos de acústica y fue donde aprendí varias cosas; fue cuando se me ocurrió implementar cursos sobre el tema. En aquellos días sólo había cursos de sonorización o audio que daba gente como Juan Switalski”.

de grandes soluciones

El resultado fueron las clases que Roberto impartió en la Universidad del Claustro de Sor Juana, de Audio y Acústica. De ahí, la aventura se trasladó a emprender para dar servicios a las consolas MCI y de ahí a unirse a Jorge Camacho (QEPD), representante de MCI en México, para arrancar el departamento de mantenimiento y ventas. “Eso me llevó a entrenarme directo con la compañía y aprendí audio digital; me tocó la llegada del CD y las grabadoras digitales para luego explicarlas a la gente con fines promocionales y así introducir el audio digital en México. A la postre me asocié con Alberto Kreimerman de Hermes Music, para entrar al mercado del audio profesional, pues tenía interés en vender equipo a radiodifusoras y estudios de grabación; yo estaba muy conectado en Televisa y nos asociamos para entrar en ese mercado. Todo iba bien hasta la devaluación de 1995 y tuvimos que cerrar, y en ese entonces fue que me pidieron hacer la acústica de un estudio de grabación”, rememora Roberto.

Eso marcó el camino para trabajar formalmente en la acústica, siendo el punto de partida el desarrollo de materiales en este rubro, como relata el ingeniero: “No era tan accesible traerlos, ya que eran importados y muchas veces llegaban dañados, mojados, incompletos o decolorados por el viaje. Lo que hacía era comprar el doble de cantidad y aprovechar lo más posible, hasta que un día una persona me preguntó por qué no lo fabricaba yo. Me acerqué a unas personas y me empecé a asesorar y a invertir para que me hicieran muestras de distintas densidades y tamaños, flexibilidad, solidez y resiliencia, y con eso hacía

Estudio Silicone

Roberto Velazco

mis experimentos, hasta que encontré la densidad y elasticidad óptima para absorber bajas frecuencias”.

Roberto continúa: “Poco más de un año comencé a fabricar el material; mandé hacer las placas con mis especificaciones y parámetros, las usé en un par de estudios y, tras un percance con fuego, tuve que volver a cambiarlas para hacerlas no flamables. Así nació Absortech, material libre de poliéster y hecho con puro poliuretano, tan absorbente como la lana mineral”.

Desde ese momento, el servicio de acondicionamiento acústico se desarrolló para aplicaciones diversas, como cuartos de casas y estudios de grabación, cambiando la sede de operaciones de la Ciudad de México a la de Mérida: “No encontrábamos proyectos y fue hasta que una situación fortuita nos llevó con el arquitecto encargado de hacer el Teatro Daniel Ayala, que ganó muy buena fama. De ahí hicimos el Centro Cultural Olimpo, el Teatro de la Ciudad de Playa del Carmen, el Auditorio del Centro Asturiano en la Ciudad de México, los coliseos de Yucatán -ahora Foro GNP-, el de Puebla -el Acrópolis-, y el Centenario de Torreón. En Monterrey, hicimos la Sala IMAX que está en el Museo del Papalote, un Auditorio para una escuela, algunos recintos para el TEC de Monterrey y también tenemos otras obras en Sinaloa, Tampico, Cuernavaca, Manzanillo, Veracruz, entre otras ciudades. En la capital hemos hecho muchos restaurantes y allá, ese es nuestro principal mercado. También destacaría siete planetarios, particularmente el de Guadalajara, que incluso está considerado entre los cinco mejores del mundo y es referencia para la gente de IMAX”.

La

vuelta

de los estudios

En este entorno, Roberto destaca el revival de los estudios de grabación: “Están tomando fuerza de nuevo y eso tiene que ver mucho con plataformas como Netflix y Amazon Prime y la demanda de proyectos con ciertas especificaciones que requieren. Hemos hecho estudios en San Luis Potosí, Puebla, Querétaro, León y también en la Ciudad de México. Acabamos de hacer uno en Pachuca al que le está yendo muy bien, con

Dolby Atmos para mezcla de sonido para cine y música. Otro grande es uno que montamos en Mérida, Montana, que también tiene Dolby Atmos”.

Es así como desde Mérida, Soluciones Acústicas dio un paso en su evolución: “De hecho, cuando celebramos los 15 años de la empresa, formamos el Grupo Soluciones Acústicas, donde están una escuela de música, un taller de carpintería y bodega de materiales del arquitecto Benavides y un estudio de grabación, donde además damos cursos de audio y locución. Me asocié con un compositor en Mérida para formar una empresa que esté enfocada en hacer de Mérida un centro de grabaciones, así como es Nashville en Estados Unidos”.

“Queremos hacer de Mérida ese polo al sur del país y ya hice siete estudios que están funcionando y estamos terminando tres más. Estamos promocionando el proyecto en Estados Unidos, justo en Nashville, para que los músicos conozcan este destino y vengan a grabar, reduciendo significativamente sus costos y con una excelente calidad. A la par, estamos dando clases en Ingeniería de Audio para fomentar la cultura de la Acústica, que es lo que permitirá que el usuario final y los involucrados en la creación, como productores y artistas, tomen conciencia de su importancia en la correcta escucha de las cosas.

“En México seguimos un poco atrás de lo que pasa en Europa, Estados Unidos o Colombia y Argentina, para hablar de Latinoamérica. Hay personas haciendo cosas muy interesantes, como Valentín Rivero, Jessica Zamudio y la gente de JHS Custom Design, pero más que tener a más gente incursionando en la Acústica debemos hacer que haya una cultura distinta del sonido”.

25 años se dicen fácil, pero recorrer esta historia, con todo lo que conlleva, merece un gran reconocimiento, que en este caso, va para el ingeniero Roberto Velazco y su equipo de trabajo. ¡Enhorabuena!

La industria de la música y el espectáculo

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Nexo, presencia fortalecida en México

Durante la crisis sanitaria, cuando la Industria de la Música y el Espectáculo estaba suspendida por completo, el personal de Representaciones de Audio, distribuidores de la marca francesa en nuestro país, diseñó un programa de capacitación para todo aquel que quisiera actualizarse y mejorar en el uso de los sistemas de la marca. Dicha actividad tuvo una excelente respuesta no sólo en usuarios mexicanos, sino de toda Latinoamérica y hasta España. Fue así como el año pasado, durante la feria ISE Live & Online en Barcelona, la compañía distribuidora recibió un reconocimiento grandemente merecido.

Con este contexto y con la idea ya desde hace tiempo de recibir en tierras mexicanas a Jean Mullor, CEO de Nexo, Representaciones de Audio preparó una serie de actividades, que incluyeron visitas a algunos clientes que echan mano de la marca en sus proyectos, pero no sólo eso, sino que tuvieron a bien organizar un evento para conocer al equipo humano y a su vez, reconocer la labor realizada para apoyar a la marca.

Jean Mullor comenzó la relación con Nexo cuando, después de trabajar en Yamaha y en el momento en el que ésta adquirió al fabricante de altavoces, le propusieron ponerse al frente de la marca, aprovechando su origen francesa, el mismo que el de Nexo: “Necesitaban a alguien que hablara francés y que supiera de la cultura francesa y así empecé a trabajar en la compañía como presidente en 2015”, recuerda.

Mucho ha pasado desde entonces y Nexo ha sumado grandes éxitos en su haber, pero como a toda la Industria,

Jean Mullor

2020 fue un año que afectó gravemente sus actividades. Con la vista en el pasado, Jean habla acerca de lo que esta etapa dejó en él profesional del audio: “Antes que nada, tuvimos que acostumbrarnos a no planear, y no estábamos vendiendo; nos preguntamos qué sí podíamos hacer y reforzamos el departamento de investigación y desarrollo. Trabajamos en esto y el año pasado lanzamos 14 distintos productos, por lo que ahora nuestro catálogo es mucho más consistente que antes. Esto fue una de las cosas positivas de la pandemia”, menciona.

Además, para Nexo también estos fueron momentos de expansión hacia otros mercados, como el de la instalación. El CEO de la compañía señala: “Fuimos muy afortunados, porque aunque llevamos el mercado del touring en nuestro ADN, afortunadamente hemos reforzado mucho nuestros productos del mercado de instalación y finalmente, lanzamos nuestra serie ID, que es totalmente para este nicho. Originalmente diseñamos para que fuera un complemento para bocinas en teatros y foros de entretenimiento, pero finalmente entraron a este mercado”.

Con estas ventajas en la actualidad, y con eventos en vivo realizándose de una manera ya casi como en tiempos prepandémicos, hay desafíos que Nexo está enfrentando, tal y como menciona Jean Mullor: “De manera general, pienso que la primera oportunidad que puedo ver es el refuerzo de nuestro posición en el negocio de los shows en vivo en mercados como Europa y el Reino Unido y claro, en los proyectos de instalación que vamos teniendo, como soluciones completas en estadios, además de las aplicaciones en recintos musicales, como teatros y en lugares como bares y restaurantes, clubes nocturnos y discotecas. Justamente con Representaciones de Audio visitamos algunos lugares y sé que ahí tenemos mucho potencial”.

Otro de los importantes retos que Nexo enfrenta, como muchos fabricantes de muchas industrias en el mundo, es la falta de inventario, debido al retraso de producción de complementos electrónicos; sin embargo, su CEO comenta: “Somos afortunados, porque todos los productos están hechos en Francia por Nexo y podemos resolver los problemas por nosotros mismos. Tenemos la habilidad para hacerlo”.

Para Nexo, la innovación tecnológica es esencial: “Además de esto, tratamos de estar cerca de los usuarios constantemente para saber lo que necesitan y lo que piensan de los productos. Tratamos de desarrollar todas las ideas que llegan y de experimentar constantemente. Después del último gran desarrollo en los sistemas sonoros, que fueron los arreglos lineales, y de que todas las marcas han puesto de su parte, tanto en Europa como en Estados Unidos, nosotros estamos investigando mucho acerca de la tecnología inalámbrica y su aplicación. Lo estamos haciendo con algunas universidades en Europa y hay que hacer mucha inversión, pero es muy sorprendente y espero poder hablar de eso más concretamente muy pronto. Lo que puedo decir ahora es que la innovación es buena, pero queremos conservar la calidad del audio siempre”.

¿Qué tan importante es el mercado mexicano para Nexo? Jean Mullor finaliza entusiasta: “Es muy importante por diferentes razones. Queremos tener la mejor distribución para México y necesitamos saber hacerlo en cada mercado. Trabajar con Representaciones de Audio es excelente y además tienen un lugar como Escenario 21 para hacer demostraciones. He quedado muy impresionado por lo que he visto y me encantaría hacer muchas más visitas aquí”. Seguramente la visita de Jean avivó los ánimos de todos quienes lo conocieron en México y quedaron listos para seguir reforzando la presencia de marca. ¡Enhorabuena!

La industria de la música y el espectáculo 59

orgullosamente hija de crew

Aprendió bicicleta en los montajes y de niña acompañaba a su padre, Sergio Zenteno. Y si bien aquello pudo ser definitivo para trazar su carrera en la producción, las experiencias de Mariana Zenteno junto a Alexander Acha, Cristian Castro, Benny Ibarra, Plácido Domingo, Sting, Elton John, Ricky Martin, Alejandra Guzmán, en musicales como “Cats” o las giras internacionales de Holiday On Ice, ocurrieron luego de una búsqueda profesional ajena a este ámbito y, especialmente, atender el llamado a una pasión saciada sólo por vincularse con la gente que hace posible el espectáculo.

Una infancia en backstage

“Mi papá es Sergio Zenteno, ingeniero de audio, y muchos fines de semana estaba con él cuando trabajaba; entonces me tocó estar en muchos montajes. Aprendí a andar en bici mientras mi papá montaba el show y, de recuerdos muy marcados que tengo de esa niñez tengo el del concierto de Natalie Cole en Bellas Artes: ensayaban una parte donde ella se apoyaba con una proyección de Nat King Cole en la pantalla y empezaba a cantar con él. Es muy vívida la imagen mía de estar en el pasillo central de Bellas Artes viéndola. Tenía como siete u años años. Si lo pienso es muy interesante, porque no todos los niños tienen esa experiencia de escuchar música tan distinta, Me di cuenta de que la apreciación por el músico, la música y lo que pasa en el escenario se vuelve importante y, ahora puedo decir que a nivel profesional, en mi infancia se definió lo mucho que me importa estar en el crew y tener una buena relación con quienes he trabajado, porque al final, ¡yo soy hija de crew!”.

Con formación como ingeniera industrial, amante de la danza y una preparación en la India como terapeuta de trabajo corporal y meditación, el gran giro de Mariana hacia los entarimados ocurrió tras un llamado de su padre con Alexander Acha: “Le había pedido a mi papá que le preguntara si me permitía

Como parte del crew de Alejandra Guzmán

darle una sesión de meditación a Alex y aceptó. Hasta hoy sigo sin entender cómo sucedió lo siguiente: estábamos en un descanso de la clase, cuando me dijo que yo debería de ser su production manager. Honestamente no tenía idea de a qué se refería y cuando vi a mi papá le pregunté qué hacía un production manager. Conforme describía el perfil, me di cuenta que tenía muchas de las cosas que me encantaban de haber estudiado ingeniería y le dije que quería aprender a hacerlo. No me hizo mucho caso -y debo reconocer que con justa razón, porque yo había querido ser bailarina, ingeniera y terapeuta-. Ese comentario de Alexander fue lo que cambió mi vida”.

industria de la música y el espectáculo

Torneo Gamers

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Festival Rusia

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Lo que vino después fue un acercamiento con la producción de Benny Ibarra y Raúl Rosas, su entonces production manager, con quien intercambió la primera petición de trabajo para aprender. Ahí conoció a ingenieros como Gonzalo “Chacho” Peniche y empezó a empaparse del apartado técnico de la producción; de ahí, el paso fue hacia la oficina de Darío De León en Genera Música: “El hijo de Darío, Adrián, y Edmundo Ramírez, que era el jefe de producción, me llevaron a trabajar a la gira de Cristian, donde me quedé tres años. Edmundo fue el primer production que realmente me enseñó lo que es hacer este trabajo; a entender que el trabajo más fuerte es toda la parte de preproducción; que si haces giras internacionales de alta exigencia, habrá cosas en las que falles, que pero tienes que aprender. Con él sigo infinitamente agradecida porque fue mi primer maestro”.

Posteriormente, Mariana tuvo otras oportunidades: “Cuando Darío De León iba a traer la gira de Holiday On Ice a México, me llamaron para hacer la logística. A la tour manager le gustó mi trabajo, ofreció mandar mi currículum a Europa y seis meses entré a hacer la gira europea del show, que duró un año y que pasó por Alemania, Francia y Holanda. Me tocó estar desde el desarrollo y creación del show; aprendí otra estructura de trabajo y fue un año sin parar. Al volver a México, me ofrecieron hacer la gira del musical “Cats”, con OCESA y la compañía de Estados Unidos. Fue por Sudamérica y ahí pasé otros tres meses fuera del país”.

Las estructuras, prácticas y metodologías foráneas aprendidas por Mariana ratificaron los valores medulares para hacer producción: “En este medio hay que ser muy flexible. Lo que me enseñó trabajar con diferentes estructuras es saber que te tienes que adaptar a trabajar. Sigo pensado que, al final, siempre hay cosas que se pueden mejorar en todas las producciones, pero también que esa producción funciona porque ya tiene una estructura y tienes que ver en qué parte te tocar adaptarte a ella”.

Esta cualidad de adaptación ha hecho que Mariana forme parte de una gran cantidad de proyectos, desde la coordinación de producción de conciertos y en oficinas de management de diversos artistas, hasta las relaciones públicas de marcas de audio profesional: “Hay que entender que dedicarse a esta industria es un estilo de vida muy complicado; requiere muchísimo de uno, no solo por la parte del tiempo, sino porque tienes que hacer relaciones

y carácter. Pide mucho de ti en muchos aspectos y también hay que aprender a aceptar a la gente como es, porque en muchas ocasiones vives con ella”.

Lo importante son las personas

El valor cualitativo de ser un profesional de la producción es aprender de un grupo de personas con una estructura mental única, menciona Mariana: “Yo trabajo en esto porque me gusta la gente de la Industria; gente que piensa distinto y que tiene una estructura mental absolutamente fuera de lo convencional: que son creativos. pero estructurados. Esa es una de las características particulares que veo en mis compañeros: gente que piensa de otra manera, que saben de arte, pero también de cosas muy prácticas. Estoy enamorada de ellos...ellos me apasionan. También tengo claro que en esto, las únicas personas que tienen derecho a creérsela son aquellos que han aportado a otros a su crecimiento y aprendizaje. La gente que ha enseñado, instruido, creado estructuras y reglas en este medio es quien realmente puede decir que es importante”.

“He trabajado con artistas, promotores y agencias de publicidad de artistas como Elton John y Sting; en cruceros, espectáculos de patinaje sobre hielo y para mí ha sido sumamente interesante la oportunidad de poderme inventarme a mí misma en distintos ambientes y ver cómo logro resolver estar ahí o no, entendiendo que muchas veces uno viene a irrumpir en la producción, dejas de ver las cosas como un problema y desarrollas otras capacidades. Por eso me puedo mover en proyectos de relaciones públicas, promoción, management o logística; eso me ha hecho participar en la ópera, pero también con Ricky Martín o musicales. Gracias a que no me amarro a algo, tengo cierta estructura y he podido conocer a tanta gente en esta Industria y quiero seguir haciéndolo”, concluye Mariana Zenteno, hija de crew que ha encontrado en este medio una fascinante forma de vida.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Con Kalimba en el Teatro Metropólitan

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