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MAGAZINE 504

Amelia Stein Attilio Fiumarella David Catรก Kirstin Barnes Jeff DePonte Paul Cary Goldberg Marydorsey Wanless Suzie Blake Iain Sarjeant Jane Alynn

AMELIA STEIN

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ATTILIO FIUMARELLA

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DAVID CATÁ

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KIRSTIN BARNES

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JEFF DEPONTE

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PAUL CARY GOLDBERG

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MARYDORSEY WANLESS 60 SUZIE BLAKE

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IAIN SARJEANT

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JANE ALYNN

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The images published in this magazine are copyrighted to their corresponding creators.

Je suis Charlie I am Charlie I was getting ready to write a little editorial for the new issue when I saw the news on Facebook.

I grew up with Charlie Hebdo. I’ve never been a fan and I Didn’t buy it regularly, but in some way I was always kind of reassured Charlie being around. I’d read it and check the cartoons and think: “Man, how can they get away with this?”. Well, they didn’t, in the end.

We need irreverence in the world. We need to be remembered that respect is never an entitlement.

Belonging to a religious group, being a famous person or a statesperson, earning a lot of money, working for a prestigious company or a governmental body, none of this is not enough to be granted respect and is certainly not enough to be safe from criticism and satire. Respect is a gift, respect is something one earns through one’s actions.

We have never published anything controversial in the magazine. It’s not because of some political idea, we simply never had the opportunity. But maybe is is time now for square photographers to get sharper.

Je me préparais à écrire un petit éditorial pour le nouveau numéro quand j’ai lu la nouvelle sur Facebook.

J’ai grandi avec Charlie Hebdo. Oh, je n’ai jamais été un fan inconditionnel, et je ne l’achetais pas régulièrement, mais d’une certaine façon ça me rassurait que Charlie soit là. De temps à autre je le lisais en me disant : « Mais comment font-ils pour que ça passe ? ». Eh bien, en définitive ça n’est plus passé.

Nous avons besoin d’insolence. Il nous faut nous rappeler que le respect n’est jamais un dû. Appartenir à un groupe religieux, être une personnalité connue ou un chef d’État, gagner un tas d’argent, travailler pour une entreprise prestigieuse ou pour le gouvernement, rien de tout ça ne donne automatiquement droit au respect, et rien de tout ça ne nous met à l’abri de la critique ou de la dérision. Le respect n’est pas un dû mais un cadeau, c’est quelque chose que l’on gagne au travers de nos actions.

Nous n’avons jamais publié d’artistes controversés.

Non pas à cause d’une certaine politique, mais bien parce qu’on n’en a jamais eu l’opportunité. Maintenant il serait peut-être temps que les photographes au carré deviennent plus incisifs.

Christophe Dillinger, January 2015

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Amelia Stein Loss and memory

www.ameliastein.com

Words to express the emotions of the loss of both Parents. To put into the written word the emotions that found themselves expressed in a handful of dark images of their possessions taken 15 years ago now. Small personal objects, the clock from the kitchen, two dancing figurines that dance in the dark of my photograph as if fading into the darkness of the inky black sorrow of the image. In the back of his tidy wardrobe, I find an old pair of his handmade shoes.

As I found myself finally alone in our home, with all their possessions still in their familiar places, as part of the grieving process, it was a time also to prepare the house to be sold, their possessions to be dispersed, some kept and treasured, others to be given away. The most ordinary of things, a wooden spoon and spatula for cooking slipped into my utensils in my own home.

I brought items back to my home and randomly they were photographed as part of the farewell homage of the life lived together of two very kind elderly people and my good fortune to have been their only child, their daughter.

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Now in retrospect that pain of grief at their loss was so very deep, with time it has somehow mellowed, my own years running ahead that brings me to face my own limitations also.

Ordinary objects from life, imbued with a sense of the person to whom they once belonged.

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Amelia Stein Loss and memory

www.ameliastein.com

Des mots pour exprimer les émotions liées à la perte des deux parents. Pour mettre sur papier les émotions qui se sont trouvées exprimées dans une poignée d’images sombres prises il y a maintenant 15 ans. Les objets personnels, l’horloge de la cuisine, deux figurines qui dansent dans l’obscurité de ma photographie comme si elles se fondaient dans l’obscurité d’encre de la tristesse.

Dans le dos de sa garde-robe bien rangée je trouve une vieille paire de ses chaussures fait main.

Alors que je me trouvais enfin seule dans notre maison, avec tous leurs biens encore bien à leurs places, dans le cadre du processus de deuil, il me fallait aussi préparer la maison à la vente, leurs biens à être dispersés, certains conservés précieusement, d’autres destinés à être donnés. Le plus ordinaire des choses, une spatule et une cuillère en bois glissées parmi les ustensiles de ma propre cuisine.

J’ai apporté ces objets chez moi et je les ai photographiés au hasard, comme un hommage, un adieu à la vie conjointe de ces deux personnes âgées et à ma

bonne fortune d’avoir été leur seul enfant, leur fille.

Maintenant, avec le recul, cette douleur profonde de leur perte s’est avec le temps en quelque sorte adoucie, mes propres années qui s’accumulent m’amènent à faire face à mes propres limites.

Voici des objets ordinaires de vie, imprégnés par l’âme de la personne à qui ils ont appartenus.

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Attilio Fiumarella The swimmers

www.attiliofiumarella.com

One of the first public facilities built in Balsall Heath was the

new life. In the same way, in this imaginary world, the users are

Moseley Road Baths. Constructed in two stages, the first being

gripping the swimming pool’s essence, keeping the heritage

the construction of the Free Library, the baths were designed

alive.

by William Hale & Son and opened their doors on October 30, 1907. There were restrictions to access, as was common at

«The Swimmers» was funded through a bursary granted by

the time, and three different entrances attest to that: one for

Some Cities.

first class men, another for second class men and a third for women. Its unique architecture and gathering purpose made it the icon of the neighbourhood.

After several years of decline, one of the two swimming pools has been refurbished, restoring its old lustre. Sadly, the Gala pool is still left to degradation. The Birmingham City Council intends to close the Baths permanently in 2015, following the opening of a new sports facility.

This body of work aims to outline the loss of this valuable heritage and also to strengthen the relationship between the pool and its people.“The swimmers” were immortalized in an atmosphere inspired by the butterfly and its cocoon. This temporary skin provides the butterfly with enough energy for a

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Attilio Fiumarella The swimmers

www.attiliofiumarella.com

Une des premières installations publiques construites à Balsall

la même façon, dans ce monde imaginaire, les utilisateurs

Heath fut les bains de Moseley Road. Bâtis en deux étapes,

saisissent l’essence de la piscine et en gardent le patrimoine

la première étant la construction de la Free Library, les bains

vivant.

furent conçus par William Hale & Fils, et ouvrirent leurs portes

« The Swimmers» est un projet qui a pu être mené à bien grâce

le 30 Octobre 1907. L’accès y était restreint, comme il était

à une bourse de Some Cities.

courant à l’époque, et trois entrées différentes en attestent : une pour les hommes de première classe, une autre pour les hommes de deuxième classe, et un troisième pour les femmes.

Son architecture unique et son objectif communautaire en firent une icône du voisinage. Après plusieurs années de déclin, l’une des deux piscines a été rénovée et son lustre ancien restauré. Malheureusement, la piscine de Gala est toujours en proie à la dégradation. Le conseil municipal de Birmingham a l’intention de fermer les Bains de façon permanente en 2015, suite à l’ouverture d’un nouveau centre sportif.

Ce travail vise à décrire la perte de ce patrimoine précieux et aussi à renforcer la relation entre la piscine et de son public.

«Les nageurs» ont été immortalisés dans une atmosphère inspirée du papillon et de son cocon. Cette peau temporaire fournit au papillon assez d’énergie pour une nouvelle vie. De

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David Catá Let me fly

www.scan.cat/en/tl-david-cata

We are as ephemeral as the wind and we fly like it. We disappear, leaving only a trace, a seed that memory keeps alive.

With a frustrated sigh I try to let you fly, I try to let you go, but you come back to me, the pain of an unrepeatable past.

Nous sommes aussi éphémères que le vent et nous volons comme lui. Nous disparaissons, laissant seulement une trace, une graine que seule la mémoire maintient en vie.

Avec un soupir de frustration j’essaie de te faire t’envoler, j’essaie de te laisser partir, mais tu reviens à moi, la douleur d’un passé irremplaçable.

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Kirstin Barnes Every inch of me

www.kirstinbarnesphotography.com

In a world full of objectification, what does it mean to be judged? This piece of work examines the relationship between the audience and the artist, the woman and the misogynist. Every Inch of Me is meticulously photographed, exact inch size images of the entirety of my body. By giving the whole of my body on my terms, dehumanising myself, is it still possible to objectify me?

Am I now in control?

I have turned this work into a multi-sensory, one on one experience, an installation film with sound and an invitation to hold all of me in your hand. The experience could be seen to make the participants uncomfortable, to reverse the embarrassment, the power, the uneasiness of being completely naked in front of someone. Can you ever know me by seeing all of me?

Dans un monde enclin à l’objectivation, que signifie être jugé ? Ce travail examine la relation entre le public et l’artiste, la femme et le misogyne. « Every Inch of Me » est méticuleusement photographié, ce sont des images exactes de la taille d’un pouce de la totalité de mon corps. En donnant à l’ensemble de mon corps selon mes propres conditions, me déshumanisant moi-même, est-il encore possible de me transformer en objet ? Suis-je maintenant au contrôle de moi-même ?

J’ai transformé ce travail en un film multi-sensoriel, une expérience intime, une installation sonore avec à la clef une invitation, celle de tenir tout de moi dans votre main. L’expérience pourrait rendre les participants mal à l’aise, pour inverser l’embarras, la puissance, le malaise d’être complètement nu devant quelqu’un. Pourrez-vous vraiment me connaître en ayant vu tout de moi ?

Kirstin Barnes is our latest artist in residence.

Kirstin Barnes est notre dernière artiste en résidence.

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Kirstin’s work is a one inch wide video. Please click here to view it.

Le travail de Kirstin est une vidéo d’un pouce de coté et peux etre visualisé ici.

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Jeff DePonte Phnom Penh

digitalfilm.co

I didn’t choose street photography— it chose me.

During a 2012 vacation in Tokyo, my shooting style evolved from that of a timid traveler to that of a documentarian, and I was hooked. Later that year, while on a documentary film shoot in Phnom Penh, I spent my free time photo walking, and it all came together for me. I know now that I am compelled to create images of people in their environment.

People of other cultures and their everyday lives fascinate me. I want to share my observations of life, take you inside a world utterly different from your own. The act of shooting on the street helps me see the extraordinary in the ordinary, helps me to more completely experience a place.

It’s all about the human condition, running into a culture that’s so different from your own and wanting to share that. I’m passionate about documentary photography.

I strive to capture the spontaneous, un-selfconscious actions of people in their everyday lives. While I consider much of my work street photography, some street purists might not. That’s fine with me— if the image

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moves you in some way, labels don’t matter.

One camera, one lens, black and white, square. In September of 2014, before I left for Phnom Penh, I decided on the general form of the work. The images were all composed in square format, not cropped after the fact. Oh, and my camera is dead quiet. The subject rarely knows that I made an image, and I work very close to my subjects. Fuji is the new Leica.

Experiencing a place as poor as Cambodia will make you question the things you take for granted back home in your own comfort zone. Photography can help make us question what is normal and routine, while depicting an ingenuity and resourcefulness that are universal.

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Jeff DePonte Phnom Penh

digitalfilm.co

Je n’ai pas choisi la photographie de rue, c’est elle qui m’a choisi. Au cours de vacances à Tokyo en 2012, mon style de prise de vue a évolué rapidement, passant de voyageur timide à documentariste, et je suis devenu accro. Plus tard dans la même année, tandis que j’assistais au tournage d’un documentaire à Phnom Penh, j’ai passé mon temps libre à marcher et à prendre des photos et tout est devenu clair. Je sais maintenant que mon rôle en tant que photographe, c’est de faire des images d’individus dans leur environnement.

Les habitants d’autres cultures et leur vie quotidienne me fascinent. Je veux partager mes observations à propos de leur manière de vivre et vous emmener dans un monde tout à fait différent du du vôtre. Le fait de photographier dans la rue me permet de voir l’extraordinaire dans l’ordinaire, m’aide à vivre plus pleinement un lieu.

Il s’agit de parler de la condition humaine au sein d’une culture radicalement différente de la sienne et de vouloir le partager. Je suis passionné par la photographie documentaire. Je m’efforce de capturer les actions spontanées, non posées, de personnes dans leur vie

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quotidienne. Je considère mon travail comme étant de la photographie de rue, mais certains puristes ne seront peut-être pas d’accord avec moi. Cela ne me dérange pas.

Si d’une certaine façon ces images plaisent et émeuvent, leur étiquette ne compte pas.

Un appareil photo, un objectif, du noir et blanc, carré. En Septembre 2014, avant mon départ pour Phnom Penh, j’avais décidé de la forme générale de mon travail. Les images ont toutes été composées en format carré, pas recadrée après coup. Oh, et mon appareil photo est tout à fait silencieux. Le sujet sait rarement que j’ai fait une photo et je travaille très près de mes sujets. Les Fuji sont les nouveaux Leica.

Faire l’expérience d’un endroit pauvre comme l’est le Cambodge nous fait remettre en question les choses que l’on prend comme acquises chez soi, dans notre zone de confort. La photographie peut aider à nous interroger sur ce qui est normal et routinier, tout en illustrant une ingéniosité et une débrouillardise universelles.

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Paul Cary Goldberg In my solitude

www.paulcarygoldberg.com

When I purchased a digital camera in 2009 I abandoned my studio work for five years and focused on documentary photography. In 2013 a friend and fellow artist pressured me to return to the still life genre. I was reluctant, fearful of repeating old work. Yet I knew she was right - it was important for me to go back into my studio.

Returning to a contemplative studio process was difficult. I was self-conscious, clumsy, stiff and timid.

I was never one who pre-conceived images. For me it is always a process of discovery. But this time I was floundering, directionless, not even knowing what to photograph. My film came back from the lab with strong composition and lighting elements yet it meant nothing to me. This continued for quite some time. I was deeply frustrated and dissatisfied and I was becoming increasingly pessimistic.

Then somehow I saw layers. Literally. The surfaces of wood, slate and marble which had been lingering in my studio for years, began to pile one upon the other. This meant something - viscerally and visually. The objects assembled. Fruit, flowers, pods, seeds, nuts, onions,

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garlic, bread and velvet found their places on the stage and relationships between them began to emerge.

Still Life. Nature Morte. Bodeg贸n. Vanitas. Memento Mori. I was back in the solitude of my studio, where photography is such sweet sorrow.

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Paul Cary Goldberg In my solitude

www.paulcarygoldberg.com

Quand j’ai acheté un appareil photo numérique en 2009, j’ai abandonné mon travail en studio pendant cinq ans et me suis concentré sur la photographie documentaire.

En 2013, une amie artiste fit pression sur moi pour que je revienne au genre de la nature morte. J’étais réticent, craignant de me répéter. Pourtant, je savais qu’elle avait raison – il était important pour moi de revenir dans mon studio.

Retourner à un processus contemplatif fut difficile. Je me sentais complexé, maladroit, rigide et timide. Je n’ai jamais été quelqu’un qui préconçoit ses images. Pour moi, c’est plutôt toujours un processus de découverte.

Mais cette fois, je pataugeais, sans direction, ne sachant même pas ce qu’il fallait photographier. Mes pellicules me revenaient du laboratoire avec des images aux éléments de composition et d’éclairage forts mais qui ne voulaient rien dire pour moi. Cela a continué pendant un certain temps. J’étais été profondément frustré et mécontent et de plus en plus pessimiste.

Puis je me suis mis à voir des surfaces. Littéralement.

Les surfaces de bois, d’ardoise et de marbre qui avaient perduré dans mon studio pendant des années, ont

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commencé à s’empiler les unes sur les autres. Elles avaient du sens - viscéralement et visuellement. Les objets s’assemblèrent. Fruits, fleurs, gousses, graines, noix, oignons, ail, pain et velours trouvèrent leur place sur la scène et les relations entre eux commencèrent à émerger. Still Life. Nature Morte. Bodegón. Vanitas.

Memento Mori. J’étais de retour dans la solitude de mon studio, où la photographie est un chagrin si doux.

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Marydorsey Wanless Travelling the Back Roads

www.marydorseywanless.com

The work exhibited in “Traveling the Back Roads” is about place: the Kansas prairie and its history, its architecture, its geography, its elements. The land here is characterized both by the predictable as well as the unexpected.

One never knows what one will find around the curve ahead or over the next hill: soaring vultures, pastures of wildflowers, or an old school house.

I go to the prairie for inspiration; it calls me back again and again. I love the elements created by weather: sun, wind, snow, fog, rain, mist, storms, clouds, calm, wet dry cold hot, humidity, temperature. I love to see great distances, to fill my camera lens with sky. I love to hear the birds and coyotes, to smell the burns, to feel the wind against my face.

I moved to Kansas in 1981, thinking it was just a short stop along my journey through life. Thirty-three years later, I have come full circle and embraced Kansas as my home. Now I have an art studio at the end of a gravel road in rural Onaga, where I live and enjoy the seasons and natural life of the area, where my senses are constantly alive and stimulated, and where I can soak up

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the vistas of the prairie and the forever skies.

The work exhibited in “Traveling the Back Roads” is a collection of my impressions of rural Kansas. It too is a juxtaposition, as is the prairie: the modern vs. the old, digital vs. handmade.

I feel that both types of photographic techniques tell the stories of the area equally well. The man-made alterations of the prairie are constantly worn down by the unforgiving weather of Kansas. I have used my iphone camera and some digital “apps” to create black and white square images of sights along the back roads. The tintype metallic look of the photographs references the harsh climatic elements, as well as the rich history of the area.

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Marydorsey Wanless Travelling the Back Roads

www.marydorseywanless.com

Le sujet du travail exposé dans « Travelling the Back Roads », c’est le lieu même : la prairie du Kansas et son histoire, son architecture, sa géographie, ses éléments.

Ce lieu est à la fois prévisible et inattendu. On ne sait jamais ce qu’on va trouver au détour de la route ou au delà de la prochaine colline : l’essor des vautours, les champs de fleurs sauvages, ou une vieille école.

Je traverse la prairie à la recherche d’inspiration ; elle m’appelle encore et encore. J’aime les formes créés par les conditions météorologiques: le soleil, le vent, la neige, le brouillard, la pluie, la brume, les orages, les nuages, le calme, froid / sec / humide / chaud, l’ humidité, la température. J’aime être confrontée à cette immensité, à remplir de ciel l’objectif de mon appareil. J’aime écouter les oiseaux et les coyotes, sentir l’odeur de l’écobuage, sentir le vent sur mon visage.

Je ai déménagé au Kansas en 1981, pensant que c’était juste une courte étape dans le long voyage qu’est ma vie. Trente-trois ans plus tard, j’ai bouclé la boucle et reconnu le Kansas comme étant mon foyer. Maintenant, j’ai un studio au bout d’un chemin de gravier dans la

campagne de l’Onaga, où je réside et où j’apprécie les saisons et la vie naturelle de la région, où mes sens sont constamment stimulés et en éveil et où je peux profiter du spectacle de la prairies et du ciel qui n’en finit pas.

Le travail exposé dans « Travelling the Back Roads » est une collection de mes impressions du Kansas rural. C’est aussi une juxtaposition, tout comme l’est la prairie : le nouveau et l’ancien, le numérique et le fait main. Je pense que les deux types de techniques photographiques racontent l’histoire de la région aussi bien l’une que l’autre.

Les altérations artificielles de la prairie sont constamment érodées par le temps impitoyable du Kansas. J’ai utilisé mon iPhone et des « apps » afin de créer des images numériques, carrées et en noir & blanc d’endroits le long des routes de campagne. Le rendu métallique et simulant la ferrotypie des photographie fait référence à la rudesse du climat autant qu’à la richesse historique de la région.

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You are, or you know a poor rectangular photographer who would you like to try their hand at the square format and be published in the magazine? If so, the Square Residencies program is just what you need. It is free, it last three to six months and is open to all, regardless of age, gender or nationality (or indeed photographic gear).

Here’s what you need to do: Gather some of your work and some info about yourself. Put together a proposal, highlighting your visual project and why you think the square format would fit.

Email the lot to editor@squaremag.org What you’ll get: On-going assessment and feedback on your project from members of the Square Magazine team (email, phone and Skype).

Academic help if needed (for instance art history and contextual studies).

A slot in the magazine at the end of the residency.

Promotion of the project via social networks and the magazine’s website.

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Suzie Blake Lost memories

www.prettychicken.com

” Lost Memories” is a series of large-scale photographic works exploring the relationship between human beings and their environment, past, present and future. The works are an accumulation of over 15 years worth of film photography stills shot around the world. Using both analogue and digital, and incorporating various techniques including cross processing, double exposure, expired film and digital image processing.

Through my images the abject of our private lives is fused with the beauty of public places, and vice versa. I explore human behavior in both the public and private realm and also consider voyeurism; our obsession with knowing what others are doing or what they have done. Within all of this I also consider environmental issues as a wider contextual feature. How our actions affect the environment and the impact our relatively small doings make on a larger scale.

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« Lost Memories » est une série de travaux photographiques à grande échelle qui explorent la relation entre les êtres humains et leur environnement, passé, présent et avenir. Ces travaux sont une accumulation de 15 ans de clichés de par le monde, qui intègrent diverses techniques et médias y compris le traitement croisé, la double exposition, les films périmés et le traitement numérique de l’image.

A travers mes images le côté abject de nos vies privées est fusionnée avec la beauté des lieux publics et inversement. J’explore le comportement humain à la fois dans le domaine public et privé et prends aussi en compte le concept de voyeurisme : notre obsession à savoir ce que les autres font ou ce qu’ils ont fait. Au travers de tout cela, je tiens aussi compte des problèmes environnementaux dans une problématique contextuelle plus large. Comment nos actions affectent-elles l’environnement et quel impact nos efforts personnels ont-ils à une plus grande échelle.

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Vous êtes, ou vous connaissez quelqu’un qui est un pauvre photographe qui se débat avec le rectangle et qui aimerait essayer le format carré et etre publié dans le magazine ? Le tout nouveau programme de résidence d’artistes peut vous aider. C’est gratuit, ça dure de 3 à 6 mois et c’est ouvert à tous, quelque soit votre âge, votre sexe ou votre nationalité.

Ce qu’il nous faut : Rassemblez des extraits de vos travaux et quelques info sur vous-mêmes.

Mettez sur pied une proposition, mettant en lumière votre projet visuel et les raisons pour lesquels vous pensez que le format carré serait approprié.

Envoyez le tout à editor@squaremag.org Ce que vous pouvez espérer de nous : Une évaluation et un retour sur votre projet d’un des membres de l’équipe de Square Magazine (mail, téléphone ou Skype).

Une aide académique si necéssaire (par exemple en histoire de l’art ou en études contextuelles).

Un article dans le magazine à la fin de la résidence.

La promotion de votre travail via les réseaux sociaux et notre site web.

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Iain Sarjeant Winter abstracts

www.iainsarjeant.co.uk

This series explores winter’s effect on the landscape - a sudden transformation of the everyday and familiar.

Each fresh snowfall brings an array of random shapes and details – some simple, some complex and chaotic.

This bold, graphic and visually stimulating world is made even more appealing by its transient nature: these compositions have often vanished by 10am, after the sun and wind have had their effect.

Working close to home, my aim is to make thoughtful, meditative images – reflecting the slow and measured process of creating them, often alone in a silent, white landscape.

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Cette série explore l’effet de l’hiver sur le paysage - une transformation soudaine du quotidien et du familier.

Chaque chute de neige fraîche crée un éventail de formes aléatoires et de détails - certaines simples, d’autres complexes et chaotiques. Ce monde audacieux, graphique et visuellement stimulant est rendu encore plus attrayant de par sa nature éphémère : ces compositions ont souvent disparu passé 10h du matin, puis le vent les détruisent.

Je travaille près de chez moi, mon but est de créer des images pensives, méditatives, reflétant le processus lent et mesuré de la création, souvent seul dans un paysage blanc et silencieux.

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Jane Alynn Interior

www.janealynn.com ” Interior” reflects my interest in liminal spaces, landscapes in transition, thresholds, those zones of in-betweenness, places that Kandinsky spoke of as “pregnant with possibilities.” The photographs in this series were made within an empty gallery, which I inhabited for a couple of weeks between exhibitions.

My aim was to explore the simplified space, making light and the space itself the primary subject matter. I was curious how the white walls would reflect highlights and shadows, how light-shafts of the afternoon sun or subdued light on a foggy morning would articulate the space. The resulting images are compositions of pure abstraction. They become quiet metaphors for the way the outer eye serves the inner.

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« Interior » reflète mon intérêt pour les espaces liminaires, les paysages en transition, les seuils, les zones d’entre-deux, que Kandinsky décrit comme étant « enceinte de possibilités ». Les photographies de cette série ont été faites au sein d’une galerie vide que j’ai habitée durant 15 jours entre 2 expositions.. Mon but était d’explorer l’espace simplifié, faisant de la lumière et de l’espace lui-même les sujets primaires de mon travail. J’étais curieuse de voir comment les murs blancs reflètent les lumières et ombres, comment les barres de lumiere du soleil d’après-midi ou la lumière tamisée d’un matin brumeux font s’articuler l’espace. Les images qui en résultent sont des compositions purement abstraites.

Elles deviennent de calmes métaphores par le biais de l’œil extérieur desservant l’œil intérieur.

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The Square Team ◆

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Rédacteur en chef : Christophe Dillinger www.cdillinger.co.uk Direction artistique : Yves Bigot www.yvesbigot.com • www.editionsdejuillet.com Relecture : lepoSs, Timothy Dillinger Assistant: Nina Baillie

Square Magazine is published by squaremag (uk).cic, registered at Companies House, Cardiff, UK, number 8933748

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Soyez sûrs de ne nous envoyer que des photos au format carré. Nous acceptons toute image dans ce format, que ce soit du film 24x36, du numérique recadré ou du Polaroid. Un carré, c’est dans l’œil, pas seulement dans l’appareil.

Please send only square format photographs.

We accept anything, even 24x36 or digital cropped, or Polaroid. Square is in the mind, not necessarily in the camera.

Nous avons besoin d’une série cohérente d’une quinzaine de photos maximum et d’une description de votre travail.

We need a coherent series of around 15 pictures max as well as an artist statement about your work.

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