Polychromia by studiobyblos

POLYCHROMIA curated by Dino Marasà

Studio Byblos

Polychromia 2016 The wonder of Contemporary Art

envenuti amici artisti e benvenuti a voi lettori, su Polychromia, il libro d’arte che ha come obbiettivo la divulgazione reale ed efficace dell’operato di validi artisti, pittori, scultori e fotografi. Polychromia The wonder of Contemporary Art - La meraviglia dell’Arte Contemporanea perché ancora oggi esistono uomini che dunque riescono a meravigliarci poiché riescono a creare e a distinguersi dalla massa, per le idee, per l’estro per il messaggio che vogliono comunicarci attraverso l’opera d’arte. Polychromia li ha riuniti. L’arte é emozione, travaglio interiore, lotta con sè stessi, lotta con il supporto. L’arte è l’energia che alimenta il fuoco creatore che splende nella notte e rischiara a libera il mondo dalla disarmonia e dalla piattezza. Polychromia raccoglie le persone che riescono a dominare questo fuoco, ad addomesticarlo, a mantenerlo vivo. Da millenni l’uomo comunica con la lingua e con i segni. E l’artista, come il poeta e lo scrittore hanno una personalità comunicativa esuberante, potente avida di ispirazione e di volontà di descrivere il cosmo. Non riesce nessuno ad immaginare un mondo senza il concetto di arte, poiché essa è insita nel cosmo stesso, del quale ogni cosa fa parte. Platone diceva: “chiunque abbia i lumi illumini anche gli altri”. Studio Byblos obbedisce all’esortazione di Platone e provvederà realmente alla distribuzione editoriale, secondo la norme vigenti in Italia, di Polychromia. Perché chiunque esercita la professione di editore ha il dovere sia professionale che morale di distribuire ogni opera pubblicata per diffondere la cultura e non solo quello di presentarla in libri ben fatti e gradevoli all’occhio. In più Polychromia si appresta a compiere un viaggio internazionale poichè verrà mandato a molti fra i più importanti istituti museali del mondo e a selezionate gallerie. Supererà l’oblio del tempo assieme agli artisti pubblicati poiché entrerà davvero nelle biblioteche e verrà apprezzato da chiunque abbia seriamente intenzione di valorizzare l’operato degli artisti. Polychromia non è dunque un semplice libro d’arte ma strumento di consultazione efficace e mirato alla reale divulgazione. Cedo la parola ad un affermato maestro, vero esperto d’arte e amico che si dal primo momento ha creduto negli ideali di Polychromia, il maestro Internazionale Mario Salvo. Dino Marasà

ear friends and artists, dear readers, welcome on Polychromia, the art-book that targets the real and effective divulgation of the work of talented artists, painters, sculptors and photographers. Polychromia the wonder of Contemporary Art because today there are still men who are able to surprise us thanks to their creativity and they stand out from the crowd, for their ideas, for their inspiration for their message they want to communicate through the artworks. Polychromia has collected them all. Art is emotion, anguish, struggle with ourselves and with the artistic support. Art is the energy that fuels the creative fire that shines in the night and illuminates the world making it free from disharmony and flatness. Polychromia collects the people who manage to dominate this fire, to tame it, to keep it alive. For thousands of years man communicates with the language and with the signs. And the artists, the poets and the writers have an exuberant and communicative personality, powerful, hungry for inspiration and for willpower to describe the cosmos.is emotion, anguish, struggle with ourselves and with the artistic support. Art is the energy that fuels the creative fire that shines in the night and illuminates the world making it free from disharmony and flatness. Polychromia collects people who manage to dominate this fire, to tame it, to keep it alive. For thousands of years man communicates with the language and with the signs. And the artist, the poet and the writer have an exuberant and communicative personality, powerful, hungry for inspiration and for willpower to describe the cosmos. Nobody can imagine a world without the concept of art, because art is inherent in the cosmos itself, of which everything is a part. Plato said: “Anyone has the lights may light up the others”. Studio Byblos obeys the exhortation of Plato so it will really distribute Polychromia, according the italian rules. Because every publisher has a duty both professional and moral to deliver any published book to spread the culture and not just to present a well made and pleasing to the eye book. And more Polychromia is preparing to make an international trip because it will be sent to many of the most important art institutions in the world and in selected galleries. Polychromia will pass the oblivion of time together with the artists showed because Polychromia really comes in libraries and it will be appreciated by anyone who enhances seriously the work of the artists. Therefore Polychromia isn’t a simple book of art but a effective instrument of consultation and targeted to real divulgation. I give the floor to an established master, a true art expert and a friend, the International Master Mario Salvo who believed in the ideals of Polychromia since the beginning. Dino Marasà

n un mondo in continua metamorfosi tecnologico-virtuale che spesso non consente un taglio di vita più equilibrato attraverso una minore frenesia e maggior tranquillità per vivere in modo appropriato le vere emozioni, quelle autentiche, noto con immenso piacere che ancora qualcuno cerca di proporsi all’attenzione nonostante la giostra dell’effimero giri sempre più veloce e le superficialità alberghino a dismisura. Nell’ottica appunto di uno spazio libero di normale sinergia mentale anziché racchiusi dalla malcelata consapevolezza di essere precipitati nel limbo dell’indurimento emotivo, il nostro esperto Dino Marasà con Polychromia ci fornisce uno spaccato vivo, pulsante, fresco che rigenera la mente e riallaccia nuovamente il dialogo interrotto da moltissimo tempo tra il cervello e l’anima. Molti gli artisti menzionati in questo pregevole volume, nei quali è racchiuso un percorso davvero interessante, unico, particolare, le cui fantasie assemblate di linee e colori disegnano i nuovi confini del piacere visivo umano. Un testo d’arte virtuoso, palpabile, da gustare artista per artista per scoprire l’interessantissima e, personalmente, geniale rassegna di una visione correlata di diverse etnie artistiche in cui si intravvedono quella messicana a quella dell’est asiatico, passando per il Gran Canyon). Conoscendo personalmente le doti e l’acume artistico di Dino Marasà, presumo abbia trascorso notti insonni per ricercare artisti unici da plasmare in tale testo come personaggi tecnicamente robusti e pensanti, curiosamente innovativi. Un volume che resterà a lungo scolpito nella mente dei lettori che, sicuramente, sapranno individuare nel panorama segnalato, l’artista dal DNA cromatico, a loro immagine e somiglianza. Dico queste parole come profondo conoscitore dell’arte, pigmalione per numerosi nuovi talenti artistici che da tempo tutelo con premura e saggezza necessaria per riuscire a vederne la crescita evolutiva e caratteriale. Personalmente, durante la mia lunga carriera artistica, debbo purtroppo confidare che sono sempre state scarse le edizioni di testi artistici che avessero un senso concreto ovvero un tasso tecnico di vero spessore come invece è questo, nel quale finalmente si ritrovano le giuste emozioni di un tempo. Bravi tutti! Mi accomuno in un lungo abbraccio agli artisti partecipanti chiedendo loro di non abbattersi mai e di continuare così... ....A patto di avere costantemente accesa l’eterna fiammella a colori, la giusta calma interiore ed un intuito libero da qualsiasi tossina... Maestro Internazionale d’Arte Mario Salvo

n a world in constant technological-virtual metamorphosis that often does not permit a more balanced life through a less frenzy and a greater peace of mind to live properly the true emotions, the authentic ones, I notice with great pleasure that someone still tries to present himself to the attention of the other despite the ephemeral carousel spins faster and faster and superficiality resides without no limits. Our expert Dino Marasà, with Polychromia provides us a sharp, pulsating, fresh, insight that regenerates the mind and reconnects again the dialogue interrupted by a very long time between the brain and the soul and precisely in view of a free space of normal mental synergy instead to be enclosed by undisguised awareness of being rushed in limbo oh emotional hardening. Many are the artists mentioned in this remarkable volume, in which a really interesting unique, special, path is enclosed, whose assembled patterns of lines and colors draw the new boundaries of the human visual pleasure. Polychromia is virtuous, palpable, text of art, to be enjoyed artist by artist to discover the interesting and, personally, brilliant review of a vision related to different artistic ethnic groups in which we glimpse the Mexican one to that of East Asia, through the Great Canyon). I personally know the skills and artistic acumen of Dino Marasà and I presume he spent sleepless nights searching for unique artists to mold the characters in the text as a technically robust and thinking, curiously innovative. This volume will long remain engraved in the minds of readers who will find surely in the panorama of the book, the artist from a chromatic DNA in their own image and likeness. I say these words as a deep connoisseur of art, mentor to many new artistic talents that I safeguard since a long time with care and wisdom in order to be able to see the evolutionary growth and character. Personally, during my long career, I have to trust that unfortunately they have always been scarce the editions of artistic texts that had a concrete meaning or a technical rate of true thickness. Polychromia is different, we finally found in Polychromia the right emotions of the past. Good job to everyone! I join myself in a long embrace with the participating artists to never break down and continue like this ... ....Provided that you have constantly lit the eternal coloured flame, the right inner calm and free from any toxin intuition.. International Master of Art Mario Salvo

Juan anzuRES Juan Anzures is a Mexican artist from Oaxaca, Mexico. At the young age of five-years-old, Juan discovered his passion for colors and painting when his mother gave him a set of colored pencils. Juan came to California, in hopes of finding other avenues to express himself through art. Working by day, Juan spent his evenings, studying with French artist Dominique Amendola. Juan’s paintings were displayed in Collective Exhibitions in Los Angeles and San Diego; and in local Sonoma County Galleries. Juan Anzures è un artista messicano di Oaxaca. Alla giovane età di cinque anni, Juan ha scoperto la sua passione per i colori e la pittura quando sua madre gli regalò un set di matite colorate. Juan va in California, con la speranza di trovare altre strade per essprimere sè stesso attraverso l’arte. Lavora durante il giorno e trascorre le sue serate studiando assieme all’artista francese Dominique Amendola. Le opere di Paseo del la Reina al caer el sol, cm 30x30 The many cultures of Oaxaca are clearly portrayed in this abstract painting of the Legend of Mixteca.

Juan hanno partecipato a mostre collettive a Los Angeles, San Diego e nelle gallerie di Sonoma Country. L’arte di Anzures, filtra l’apparenza del reale attraverso la memoria e le tradizioni del mondo messicano. I suoi lavori sono frutto della profonda conoscenza del suo patrimonio-storico e culturale a cui sente profondamente di appartenere. Opere sublimate da luci morbide e soffuse, che assumono un senso di eterea sospensione: Anzures si pone come raffinato interprete della vita, degli effetti della luce sui corpi e del movimento. The art of Anzures , filter the appearance of reality through the memory and traditions of the Mexican world. His works are the result of deep knowledge of its historical and cultural heritage - who feels deeply to belong. Works sublimated by soft and subtle lighting, which take on a sense of ethereal suspension: Anzures stands as refined interpreter of life, the effects of light on the body and movement. Dino Marasà

Ballarina de flamenco, cm 16x20 The vibrancy exhibits the strength of her character.

Contatti: Calle Jazmin, 3 69030 San Pedro y San Pablo Tequixtenec, Oax, Mexico Mobile: +52 953 5415631 E-mail: juanp2007@hotmail.com Sito web: www.pintoresmexicanos.com/ juananzures/acerca-de-juan-anzures.htm

CaThERInE PEREhudOff fOWLER Catherine Perehudoff Fowler was born in 1958 in Saskatoon, Saskatchewan, Canada into a family of artists. Initially working with watercolours, she began painting the landscape of Western Canada. In 1976 she studied Painting and Textile Arts at Voss Folkehogskule in Norway. She graduated in 1981 with a B.A. in Art History from the University of Saskatchewan. Catherine attended the famous Emma Lake Artists’ Workshops in Saskatchewan, the Triangle Workshop in Pine Plains, New York, and the Symposium of Young Artists in Baie St. Paul, Quebec. The many places in which she has lived and travelled are reflected in the diversity of her landscapes. Painting out of doors as well as in the studio Catherine paints a tapestry of colours focusing on the transient moments of nature. Her

personal approach to landscape painting reveals her intrinsic connection with nature. Since 1979, Catherine has exhibited in over fifty solo, group shows, and art fairs in Canada, England, Italy, Norway, France and the USA. Her artwork has been written about in many articles, magazines, and books. Her paintings are in major collections including the Art Gallery of Nova Scotia; Robert McLaughlin Gallery, Ontario; Richmond Art Gallery, British Columbia; Voss Folkehogskule, Norway; the Institute of Pedagogy, Faculty of Art, Ostrava, Czech Republic; Canadian Embassies in Tokyo and Buenos Aires; and that of the former, Her Majesty, Queen Elizabeth, the Queen Mother. Catherine Perehudoff Fowler è nata nel 1958 a Saskatoon, Saskatchewan, in Ca-

Williams lake, 1999, watercolor on paper 57x76

EuR 2.000

nada in una famiglia di artisti. Inizialmente lavora con gli acquerelli, inizia a dipingere il paesaggio del Canada occidentale. Nel 1976 ha studiato pittura e arti tessili a Voss Folkehogskule in Norvegia. Si è laureata nel 1981 in Storia dell’Arte presso l’Università di Saskatchewan. Caterina ha partecipato al famoso Emma Lake Artists’ Workshops nel Saskatchewan, al Triangle Workshop a Pine Plains, New York, e al Simposio dei Giovani Artisti a Baie St. Paul, Québec. I numerosi luoghi in cui ha vissuto e viaggiato si riflettono nella diversità dei suoi paesaggi. Dipingendo sia all’aperto così come in studio Caterina dipinge un arazzo di colori concentrandosi sui momenti transitori della natura. Il suo approccio personale alla pittura di paesaggio rivela la sua intrinseca connessione con la natura. Dal 1979, Ca-

CaThERInE PEREhudOff fOWLER

Rain and mist, 2011 watercolor on paper, cm 76x57 EuR 2.000

CaThERInE PEREhudOff fOWLER therine ha esposto in più di cinquanta mostre personali, mostre collettive e fiere d’arte in Canada, Inghilterra, Italia, Norvegia, Francia e Stati Uniti. La sua arte è stata protagonista di molti articoli, riviste e libri. I suoi dipinti si trovano in importanti collezioni, tra cui l’Art Gallery della Nuova Scozia; Robert McLaughlin Gallery, Ontario; la Richmond Art Gallery, British Columbia; Voss Folkehogskule, in Norvegia; all’Istituto di Pedagogia, Facoltà di Arte, Ostrava, Repubblica Ceca; presso le ambasciate canadesi di Tokyo e di Buenos Aires; e quella della Regina Madre d’Inghilterra.

Clouds and rays of sunlight, 2003, watercolor on paper, cm 55,88x76

Emma Lake, 1995, watercolor on paper 57x76

EuR 2.000

The artistic language of Catherine Perehudoff Fowler uses delicate colors of an astonishing palette. She reveals the characters of the world with a big, deep lyric power. Her works are poems telling Nature and dedicated to a Nature of a continent where landscapes are so various and so enchanting. Lakes, trees, plants

CaThERInE PEREhudOff fOWLER and eveything dance on the canvas into a big harmony similar to that of a starry night. Dino Marasà Il linguaggio artistico di Catherine Perehudoff Fowler usa colori delicati di una tavolozza stupefacente. Rivela i personaggi del mondo con una grande forza lirica. Le sue opere sono poemi che raccontano la Natura e dedicati alla Natura di un continente dove i panorami sono così vari e così incantevoli. Laghi, alberi, piante e ogni cosa danza sulla tela in una grande armonia simile a quella di una notte stellata. Dino Marasà 755 Chotem Crescent - S7n4n3 Saskatoon, SK (Canada) Tel: 001 306 6530726 Mobile: 001 3062212038 www.catherineperehudoff.com cathy@catherineperehudoff.com

upper Kanaskakis lake, 1990, watercolor on paper, cm 55,88x76,2 EuR 2.000

Big sky, 1991 watercolour on paper, cm 57,15x76,2

EuR 2.000

hEInz TRuTSChnIG delle sue operein Asia), che conquistato la scena artistica internazionale. A Berlino si trova grande popolarità e presto andrà a Malta e New York. The pictorial creation of Heinz Trutsching is full of surreal emotions and gives to the viewer the chance to know his personal reviews of the world. Maestro Trutsching reveals a great attitude in drawing and in composing. The scene of a pictorial drama that is often a metaphorical suggestion and a place where we can find familiar characters with a different dressing but coherent to their original way to be. La creazione pittorica di Heinz Trutsching è colma di emozioni surreali e da allo spettatore la possibilità di conoscere la sua personale rivisitazione del mondo. Il Maestro Trutsching rivela una grande attitudine verso il disegno e verso il comporre. La scena di un lavoro teatrale pittorico che è spesso una suggestione metaforica e un luogo dove noi possiamo trovare personaggi familiari vestiti in modo diverso ma coerenti al loro modo di essere. Dino Marasà

Greed, oil on canvas, cm 150x150 Euro 12.000

Heinz Trutschnig was born on the 16th of April in 1964 in Kötschach-Mauten/Austria. Today he lives with his family in Pielachtal in Lower Austria. He first got in touch with arts during his graphical education. According to the saying: “Fata volentem ducant, nolentem trahunt” (the destiny leads the willing and chases the unwilling) Heinz Trutschnig made an international art career within a few years, which probably makes him the greatest surrealists of our time. The Mayor of Shanghai, Mr. Han Zheng, also has been impressed by his work and the domestic press praised the artist in the highest terms, as “the 35,000-euro man” (that’s the price his exhibits are traded in Asia), who conquered the international art scene. In Berlin he finds great popularity too and soon he will go on to Malta and New York. Heinz Trutschnig è nato il 16 aprile nel 1964 a Kötschach-Mauten Austria. Oggi vive con la famiglia a Pielachtal in Bassa Austria. Viene in contatto con le arti nel corso della sua formazione grafica. Secondo il detto: “Fata volentem ducant, nolentem trahunt” (il destino conduce la volontà e caccia ciò che non si vuole) Heinz Trutschnig ha fatto una carriera artistica internazionale nel giro di pochi anni, ciò probabilmente fa di lui il più grandi surrealisti del nostro tempo. Il sindaco di Shanghai, Mr. Han Zheng, è stato anche colpito dal suo lavoro e la stampa nazionale ha elogiato l’artista nei termini più alte, come “l’uomo da 35.000 euro” (questo è il prezzo

Lehargasse 3/6/9 - 3205 Weinburg, austria Mob: +43 (664) 2042605 E-mail: heinz@trutschnig.at Web: www.trutschnig.at

Maria Magdalena, oil on canvas, cm 115x189 Euro 20.000

LuCIa La SORSa Lucia La Sorsa was born in 1975, she lives and works in Taranto. She is responsible for the Precis Art, a specialized in organizing art events agency. She is author and editor of numerous awards (Premio Arte Poseidone, Premio Castello De Falconibus, Trofeo Artista Sinestetico 2016, Premio William Shakespeare etc.) and of some of the largest art events in recent years (Le Immagini e il sogno, 2 edizioni, Le Vie dei Colori 5 edizioni, Ars Gratia Artis etc.). She collaborated with many organizations and individuals for art diffusion and exploitation of the talents of beautiful Italy, as an independent curator and artistic director. She has exhibited her works in many important cities all over the world and in Italy. Numerous are the publications in catalogs and art magazines. Lucia La Sorsa è nata nel 1975, vive e lavora a Taranto. Dal 2014 è la responsabile della Precis Arte, agenzia specializzata nell’organizzazione di eventi d’arte. Ideatore e curatore di numerosi premi (Premio Arte Poseidone, Premio Castello De Falconibus, Trofeo Artista Sinestetico 2016, Premio William Shakespeare ecc.) e di alcuni tra i più grandi eventi d’arte degli ultimi anni (Le Immagini e il sogno, 2 edizioni, Le Vie dei Colori 5 edizioni, Ars Gratia Artis ecc.). Diverse le collaborazioni con enti e privati per la divulgazione dell’Arte e la valorizzazione dei talenti della nostra bella Italia, in qualità di curatore indipendente e come direttore artistico. Ha esposto le sue opere in molte città importanti in tutto il mondo e in Italia. Numerose le pubblicazioni su Cataloghi e riviste d’Arte accreditate. The metaphorical language of the artist Lucia La Sorsa describes feelings and emotion of man amd also moments of his inner life. When we are watching a work of Lucia both we think about the expressed matter and we can also laugh with a ironic smile. Lucia is a great artist with a great evocative power. She invokes feelings and emotions with a realistic, full of light palette. Il linguaggio metaforico dell’artista Lucia La Sorsa descrive sentimenti ed emozioni umane ed anche momenti della sua vita

anche dotto era un autodidatta, 2013, olio su tela, cm 60x80

artisti o burattini, 2014, olio su tela, cm 80x120

interiore. Quando stiamo ad osservare un opera di Lucia sia pensiamo all’argomento espresso sia possiamo anche ridere di un sorriso ironico. Lucia è una grande artista dotata di un grande potere evocativo. Invoca sentimenti ed emozioni con una tavolozza realistica e piena di luce. Dino Marasà 7

Via Lama, 247/B - 74122 Taranto Mob: +393356304402 E-mail: lucialasorsa@alice.it Web: www.lucialasorsa@jimdo.com Pricing: please contact the artist

PIERO PaLETTO

Piero Paletto was born in Turin in 1939, and he started painting when he was very young. His artistic route was rich of big satisfactions and he praises the participation in important national and international events, when he was awarded and prized. In addition to the appointment as a member of many academies he was the guest of Prince Rainier III of Monaco for his artistic merit and he was awarded by former Italian President Francesco Cossiga. Piero Paletto paintings have been exhibited in solo exhibitions in Italy, France, Switzerland, Spain, Croatia. Many of his works are in public and private collections.

Huaso-Chile, oil, cm 45x35

Piero Paletto è nato a Torino nel 1939, ha cominciato a dipingere in giovanissima età ed è stato il suo un percorso ricco di grandi soddisfazioni e vanta la partecipazione ad importanti rassegne nazionali ed internazionali nel corso delle

un uomo una storia, Lawrence d'arabia, oil on canvas, cm 90x130

PIERO PaLETTO

quali gli sono stati assegnati premi e riconoscimenti. Oltre alla nomina a membro di molte Accademie è stato ospite del Principe Ranieri III di Monaco per i propri meriti artistici e premiato dall’ex Presidente della Repubblica Italiana Francesco Cossiga. I quadri di Piero Paletto sono stati esposti in mostre personali in Italia, Francia, Svizzera, Spagna, Croazia. Molte sue opere si trovano in collezioni pubbliche e private.

Branco di cavalli in arizona, 2010, oil on canvas, cm 120x80 Euro 6000

The painter Piero Paletto is a real Maestro of the color. He reaches to define every particular of the real using a poetry and a technique that are really enchanting. Maestro Paletto’s artwork contains charm and can explain to the viewer the pictorial tell like a world made of beauty, elegance and harmony. Il pittore Piero Paletto è un vero Maestro del colore. Riesce a definire ogni dettaglio del reale usando una poetica e una tecnica che sono realmente incantevoli. L'opera d'arte del Maestro Paletto contiene fascino e può spiegare allo spettatore il racconto pittorico come un mondo fatto di bellezza, eleganza ed armonia. Dino Marasà Contatti: Via nicolao Cena, 16 - 10032 Brandizzo (TO) Cell. 347 4000455 Siti web: www.pieropaletto.it www.lelite.it www.artecittaamica.it Pricing: please contact the artist

Grange in Val d'Isere, 2011, oil on canvas, cm 40x40 Euro 2500

MaRGOT dE RuITER - hOOyKaaS My name is Margot de Ruiter-Hooykaas and I am an artist painter and a poet from the Netherlands living in Dubai (U.A.E.). Most of my art is dedicated to charitable causes for children with special needs around the world. This is done through my own charity trust in memory of my elder and disabled sister Monique. I was born in the Netherlands on the 17th of November 1967 and started my painting career around 1992 after years of extensive travelling. After working in Amsterdam and the painters village Laren for several years I moved to Monaco with my husband and then young children and became a member of La Maison de l’Amerique Latine. Between 2003-2008 various paintings were auctioned at charity events in Monaco where I conducted art classes on request. The Monaco period was very productive. In 2008 we moved to Dubai which gave me new painting inspiration and it clearly shows in the oriental gallery on the website. All paintings are expressionist and come directly from the heart to preserve directness. Beauty is always sacrificed to expression in the process. The aim is always that “you are Touched” by my art. At present I work from my ateliers in Dubai and Amsterdam and voluntarily dedicate part of my time to Mawaheb (which means talented in Arabic), an art studio for young adults with special needs.

Boy of Oman, oil on canvas cm 120 x 80 EuR 23.000

Il mio nome è Margot de Ruiter-Hooykaas e sono una pittrice e una poetessa dei Paesi Bassi che vive a Dubai. La maggior parte della mia arte è dedicato alla beneficenza per i bambini con bisogni. Viene fatta in prima persona da me in memoria di mia sorella maggiore disabile Monique. Sono nata nei Paesi Bassi il 17 Novembre 1967 ed ho iniziato la mia carriera di pittrice intorno 1992, dopo anni di viaggi di approfondimento. Dopo aver lavorato ad Amsterdam e nel villaggio dei pittori Laren per diversi anni mi sono trasferita a Monaco con mio marito e i figli e sono diventata un membro della “La Maison de l’Amérique Latine”. Tra 2003-08 vari dipinti sono stati messi all’asta in occasione di eventi di beneficenza a Monaco dove ho tenuto corsi d’arte. Il periodo di Monaco è stato molto produttivo. Nel 2008 ci siamo trasferiti a Dubai, dove ho avuto nuova ispirazione per la pittura come si vede chiaramente nella galleria orientale sul sito web. Tutti i dipinti sono espressionisti e provengono direttamente dal cuore per conservare l’immediatezza. La bellezza è sempre sacrificato al processo espressivo. L’obiettivo è sempre “l’essere toccati” dalla mia arte. Attualmente io lavoro ai miei atelier a Dubai e Amsterdam e volontariamente dedico parte del mio tempo a Mawaheb (talento in arabo), uno studio d’arte per i giovani adulti con bisogni speciali. Questo è sia una gioia e una perfetta combinazione di vita bilanciata tra mamma e artista, in una città in continua evoluzione. è un’artista di grande bravura stilistica ed espressiva, attuale e perfettamente conforme all’arte contemporanea, e questo grazie al suo talento nel rendere fruibile al pubblico la sua arte. Non è difficile, osservando le sue opere, scorgere quegli aspetti e quelle caratteristiche emozionali, di cui i suoi quadri sono pregni. She is an artist of great stylistic and expressive skills, a current and perfectly conforms to contemporary artist, This is thanks to her talent in making her art accessible to the public. It is not difficult, observing her works, to see those aspects and the emotional characteristics which imbue her paintings. Dino Marasà

Mata hari, oil on canvas cm 130x97 EuR 27.000

Director and owner Hooijkaas Fine Art DWC Jumeirah 3 str. 43B - PO 73419(dubai) Mob: 00975 502965804 E-mail: margotdr@eim.ae www.deruiter-hooykaas.com - art for Charity

REnzO TOnELLO Renzo Tonello è un maestro d’arte di indiscusso talento: da sempre egli sente la passione creativa dentro di se, traducendo quest’ultima in racconti a metà tra reale e surreale caratterizzati da intensi e luminosi cromatismi, capaci di svelare il suo mondo interiore. Una ricchezza espressiva che ben si unisce alla narrazione pittorica, apre la via a nuovi orizzonti percettivi. Renzo Tonello is a Maestro of undisputed talent: he always feels the creative passion inside him, by translating it into stories between real and surreal. These stories are characterized by intense and bright colors which are able to reveal his inner world. A richness of expressio well joins the pictorial narrative that opens up new horizons of perception. Dino Marasà

Studio d'Autore, 2010, olio su tela, cm 70x100

Renzo Tonello is a self-taught artist, he started painting very young, following a his own initial surrealist painting, then undergoing a profound transformation and attraction to the figurative. With its light/dark, it was called soon by some critics “the painter of light and silence”. He became teacher at the Academy “Gentium Pro Pace” in Rome, 1987. Since 1974 he has received numerous awards and honors. He was editor for the Piedmont of the international art magazine “The sting green” of Campobasso and correspondent of the art magazine “La Revue Moderne” in Paris. In 2015 the Academy of S. Sara of Alessandria gives him the graduate HC for art. Autodidatta, comincia a dipingere da giovane, seguendo una sua pittura iniziale surrealista, subendo poi una profonda trasformazione ed attrazione verso il figurativo. Con i suoi chiari/scuri, fu definito ben presto da alcuni autorevoli critici “il pittore della luce e del silenzio”. Entrato a far parte del corpo docenti dell’accademia Gentium Pro Pace di Roma nel 1987. Sin dal 1974 ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti. È stato redattore capo per il Piemonte della rivista internazionale d’arte “Il pungolo verde” di Campobasso e corrispondente della rivista “La Revue Moderne” di Parigi. Nel 2015 l’Accademia di S. Sara di Alessandria gli conferisce la Laurea H.C. per l’arte.

Libero, 2010, olio su tela, cm 70x100

Via Riva di Mezzodì, 2 - 13881 Cavaglià (BI) Cell. 349 8313833 E-mail: lorensnevada@gmail.com Sito web: www.renzotonello.it

MIMMO TaMBORRInI

Gabriella e il pioppo, pastello, cm 28x15

Presentiamo un pittore, un importante pittore, Tamborrini Mimmo. Una pittura di sintesi/curata nei particolari e basata su alcuni elementi personalizzati. Mimmo Tamborrini, non solo fa pittura, ma descrive un mondo ben preciso carico di silen-zio e di poesia. Tutto è raffinato; le architetture sognate aprono ad arco su spazi profondi i loro pochi ed esili elementi, per non modificare l'orizzonte. Il quadro, diviso in due da una impercettibile linea o attraverso colori filtrati, apre a scenografìe di freschezza incantatoria e di stimolanti fenomeni visivi. La luce inonda tutte le opere, senza violenza sì da sentirne la presenza senza distinguersi anzi confondendosi con il colore. Solitudine e la commozione sono elementi da metamorfosi pittorica che Mimmo Tamborrini realizza con la sua tecnica che ne moltiplica le possibilità espressive. Anche la figura risente di queste motivazioni, semplice e lineare ma pienamente figurativa e non prevaricante, ma precisa di un significato interiore per umanizzare le dimensioni di spazio e tempo. La pittura raffigura e porta la figura come elemento usato e capace di trasfigurare spesso, in modo malinconico, la vita. Pacata nei tratti, dolce nel segno e al centro di fantastici

elementi che lasciano aperti interrogativi sulle certezze del quotidiano. Nasce così la pittura di Mimmo Tamborrini, come un racconto breve collocato in un mondo fantastico che parla un linguaggio di interiore bellezza. Tamborrini Mimmo può fare tutto ciò in merito alle sue straordinarie qualità terapiche e pittoriche che, per la disposizione del suo buon gusto, trovano profonda corrispondenza tra risultato mentale e prodotto esterno. E sta qui la poesia di una pittura che ci regala autentica arte. Giorgio Falossi Mimmo Tamborrini, master, paints with talent, he tells the human stories with particular emphasis on the beauty and harmony of the real. His color scheme with delicate and bright tones gives agility to the pictorial tell and enhances the natural freshness of the design. Maestro Tamborrini reaches again to impress the viewer through a personal style and very thoughtful; all his artworks are precious and indisputably true art. Mimmo Tamborrini, Art Master, paints with talent and narrates the human stories with a particular prominence to beauty 12

and harmony of the real world. His delicate and full of light colors give fluency to the pictorial tell and it enhances the natural freshness of drawing. The Master Tamborrini impresses again the viewer through a personal and very thoughtful style; all his artworks are precious and indisputably true art. Mimmo Tamborrini, maestro, dipinge con talento, narra le vicende umane dando particolare risalto alla bellezza e all’armonia del reale. La sua cromia dai toni delicati e luminosi conferisce agilità al narrato ed esalta la naturale freschezza del disegno. Il Maestro Tamborrini riesce ancora una volta a stupire il fruitore grazie ad uno stile personale e molto meditato; ogni suo lavoro è prezioso è indiscutibilmente vera arte. Dino Marasà Mimmo Tamborrini was born in Matino (LE) in July 1928. After attending the Art Institute of Lecce, he was pupil of Aldo Calò and Luigi Gabrielli, He has exhibited in several solo and group exhibitions, and he received receiving several awards and honors. He was cited by

MIMMO TaMBORRInI

appuntamento, olio su tela, cm 45x25

several critics including Daniela Rossi and Giorgio Falossi. Mimmo Tamborrini è nato a Matino (LE) nel luglio 1928. Dopo aver frequentato l’Istituto d’Arte di Lecce, allievo di Aldo Calò e Luigi Gabrielli. Ha esposto in diverse mostre personali e collettive, ricevendo diversi premi e onorificenze. E’ stato citato da diversi critici tra cui Daniela Rossi e Giorgio Falossi.

Baccanti, 1945, inchiostro a matita su carta. Eseguito all’età di 17 anni

Via Roma, 154 73046 Matino (LE) Tel: 0833 507424 Pricing (EuRO): oil from 5.000 - tempera, pastel, indian ink from 1.000 to 2.000

ERnST MaROW

Mondaufgang an der See, 1998, olio su tela, cm 130x160

Ernst Marow, painter and graphic artist, was born in 1934 in Königsberg - Neumark (now Chojna / Poland). From 1955 to 1959 he studied at the Hochschule für Bildende Künste in Berlin. He participates since 1968 in several exhibitions in prestigious galleries in Germany and abroad. Now we recall the events from 2014: "Solo" at the Galleria360 'Florence-Italy; Albertina Museum Vienna "For Oysseus 107 recordings for Odysseus" graphic collection; "Graphics in dialogue with literature" engravings on Odyssey. Graphics market of Leipzig at the Museum of Printing Arts Leipzig. 2015: group exhibition "Art of the new millennium" with ART Mil.lenni Nou in Barcelona (Spain); International

exhibition of contemporary art at the International Contemporary Art Fair ART BAHO 2015 Barcelona presents the gallery ART Nou Mil.lenni - portraits Ernst Marow; "Ernst Marow - Magic of Reality" - retrospective in the historical rooms of the castle at Cappenberg Selm 2016: "Art Beijing 2016" international art fair. The work of Ernst Marow will be presented in China through the Art Nou Mil.lenni gallery of Barcelona Spain. Collections in museums and in public ownership: Albertina Museum Vienna, Sprengel Museum Hannover, Neues Rathaus Hannover, The Art Collection of Lower Saxony, Art collection at NDR Hamburg, East German Art Forum Gallery Regensburg, Foundation of the Savings

Bank lower Saxony, Savings Bank of lower Saxony and confederate associations, Westbank G Hannover, Allianz AG Stuttgart. Ernst Marow, pittore e grafico, è nato nel 1934 a Königsberg - Neumark (oggi Chojna / Polonia). Dal 1955 al 1959 studia presso la Hochschule für Bildende Künste di Berlino. Partecipa dal 1968 a diverse mostre in gallerie prestigiose in Germania e all'estero. Ricordiamo gli eventi dal 2014: "Mostra personal" presso la Galleria360‘ di Firenze-Italia; Museo Albertina Vienna "Per Odisseo - 107 incisioni per Odisseo" collezione grafica; "Grafica in dialogo con la letteratura" Incisioni su Odyssey sotto

ERnST MaROW il. 33. Leipziger mercato della grafica al Museo della stampa Arts Leipzig. 2015: mostra collettiva "Arte del nuovo millennio" con il ART Nou Mil.lenni a Barcellona (Spagna);Fiera internazionale d'arte contemporanea presso la International Contemporary Art Fair ARTE BAHO 2015 di Barcellona presenta la galleria ART Nou Mil.lenni - ritratti di Ernst Marow; "Ernst Marow - Magia della realtà" retrospettiva nelle sale storiche del castello Cappenberg presso Selm 2016: "Art Beijing 2016" fiera d'arte internazionale. I lavori di Ernst Marow saranno presentati in Cina attraverso la galleria Art Nou Mil.lenni di Barcellona Spagna. Collezioni in musei e in proprietà pubblica: Albertina Museum Vienna, Sprengel Museum Hannover, Neues Rathaus Hannover, Collezione d'arte della Bassa Sassonia, Collezione d'arte presso NDR Hamburg, Art Forum tedescoorientale Galleria Regensburg, Fondazione della cassa di risparmio della Bassa Sassonia, Cassa di Risparmio della Bassa Sassonia e associazioni confederate, Westbank G Hannover, Allianz AG Stoccarda.

L’eleganza mista agli onirismi è la prerogativa dell’Arte di Ernst Marow. Le sue opere, tutte cariche di pathos e di romanticismo, parlano direttamente al cuore e svelano un animo votato all’introspezione e alla riflessione. Il pittore di grande respiro lirico ci affascina con le sue cromie, mostrandoci ancora una volta la potenza evocativa dell’Arte. Il Maestro gira sempre intorno l’enigma della realtà. Non narrativa ma l’essenza delle cose reali è la sua aspirazione. Il naturalismo di Marow riesce a riprendere il reale con fe-

die Reise nach ferula, 1974, olio su tela, cm 160x180

deltà cromatica e segnica: si sofferma a descrivere il particolare enfatizzando l’amplissima gamma delle sensazioni umane impadronendosi del segreto dell’equilibrio pittorico e dell’armonia narrativa, generosa ed esclusiva. The elegance mixed with oneirism is the prerogative of Maestro Ernst Marow. His artworks, which are all full of pathos and romanticism, speak directly to the heart and reveal a soul that looks to introspection and to reflection. The painter full lyrical manner captivates us with his colors, showing the evocative power of Art once again. The Marow naturalism can describe the real with color and mark fidelity: drawing the particular and emphasizing the very wide range of human sensations taking over the secret of the pictorial equilibrium and of the harmony of narrative which is generous and exclusive. He is always circling around the enigma of reality. No narratives but the being of real things is his aim. Dino Marasà Contatti: nussbaumkoppel, 6 - 24119 Kronshagen Telefono: 01781 6594176 Sito web: www.ernstmarow.de E-mail: sabineschulz@ernstmarow.de

ERnST MaROW

'Kräfte der Erde' - Öl auf Leinwand - 130 x 180 cm - 1991-1994

ERnST MaROW

Bildnis Sabine, 2005-2015, olio su tela, cm 130 x 90

RITa GRaaf living in formal composure and elegance and they answer to the hidden in each of us need of good art. What the artist imagines and reworks is well accepted by the viewer who remains safe pleasantly kidnapped by these exclusive works, valid and full of meaning. La figurazione dell’artista Rita Graaf trae ispirazione dal reale e viene magistralmente eseguita grazie ad un talento grande e ad una profonda conoscenza della tecnica pittorica. Le sue opere traggono la giusta ispirazione dalla lezione del passato e rendono sulla tela un mondo fatto di pure sensazioni estetiche. I suoi personaggi vivono dunque nella compostezza formale e nell’eleganza, rispondono all’esigenza celata in ognuno di noi di buona arte. Quello che l’artista immagina e rielabora viene ben accettato dal fruitore che rimane di sicuro piacevolmente rapito da queste opere esclusive, valide e ricche di significato. Dino Marasà

Greek goddess diana, oil on canvas, cm 50x30

Euro 375

Rita Graaf was born on 28th May 1958, lives in the Netherlands. She is an autodidact, she likes to paint subjects of ancient cultures, portraits, nature and everything beauty in oil, acrylic, chinese ink and pastel chalk. Rita Graaf è nata il 28 Maggio 1958, vive in Olanda. Pittrice autodidatta, le piace dipingere soggetti di culture antiche, ritratti, natura e qualsiasi bellezza ad olio, acrilico, china e carboncino. The figurative of artist Rita Graaf is inspired by real and it is masterfully executed thanks to a great talent and a deep knowledge of painting technique. Her works have inspiration from the lessons of the past and make the canvas a world of pure aesthetic sensations. Her characters are

la fontainestraat 122 - 3076VR Rotterdam (The netherlands) Mob: 00310683710406 www.artrita.jimdo.com - reikirita7@hotmail.com

new Begin, acrylic painting on canvas cm 70x50 Euro 475

KaTaRIIna ManSIKKanIEMI “K. ManSIKKanIEMI” Katariina Mansikkaniemi is a Finnish visual artist who lives and works in Helsinki. She has had two solo exhibitions, one in Kerava, Finland and the other one in Rome, Italy. In addition to the solo shows, she has participated in various group shows both in Finland and abroad. Her international career has taken her to galleries and museums in Paris, New York, Barcelona, Monaco and Palermo, Milan, Ferrara and Cossato in Italy. Most recently she has taken part in Bienal de Arte, Barcelona, Premio Internazionale d’Arte Raffaello Sanzio, Lecce, VI Festival Internazionale dell’Arte di Roma, Premio Expo Bologna; Premio Michelangelo, Florence; Trofeo Il Tempio, Monreale and I Personaggi dell’Anno, Florence. She likes to paint with oil colours on canvas. Themewise, her work focuses on the human condition. In addition to portraiture, she is fascinated by the relationship between man and his environment, including nature itself. Recently she had three solo shows, the last in Piacenza this year. Katariina Mansikkaniemi è un artista che vive e lavora a Helsinki. Ha esposto in mostre personali a Kerava, Finlandia e a Roma, Italia. Oltre alle mostre personali, ha partecipato a varie mostre collettive in Finlandia e all’estero. La sua carriera internazionale l’ha portata a gallerie e musei a Parigi, New York, Barcellona, Monaco e Palermo, Milano, Ferrara e Cossato in Italia. Più di recente ha partecipato a: Biennale di Arte, Barcellona, Premio Internazionale d’Arte Raffaello Sanzio, Lecce, VI Festival Internazionale dell’Arte di Roma, Premio Expo Bologna; Premio Michelangelo, Firenze; Trofeo Il Tempio, Monreale e I Personaggi dell’Anno , Firenze. Ama dipingere con colori ad olio su tela. Il suo lavoro si concentra sulla condizione umana. Oltre alla ritrattistica, è affascinata dal rapporto tra l’uomo e il suo ambiente. Recentemente ha tenuto tre personali, l’ultima a Piacenza quest’anno. La figurazione dell’artista Mansikkaniemi trae ispirazione dall’osservazione della figura umana per rendere al meglio il concetto stesso di piacevolezza artistica. I suoi personaggi traggono ispirazione dalla realtà e poi vengono trasposti in un’atmosfera fantastica, un universo fatto di emozioni e profonde sensazioni estetiche che rivelano un sicuro ed affermato talento artistico. The artistic works of the artist Mansikkaniemi have their inspiration from the observation of the human figure to best give the concept of artistic pleasure. Her characters are inspired by

Blending In, 2015, olio su tela, cm 50x60

reality and then they are transposed in a great atmosphere, a universe of emotions and deep aesthetic feelings that reveal her safe and stated artistic talent. Dino Marasà 19

Undercover, 2015, olio su tela, cm 50x60

E-mail: katamans@hotmail.com

anGELO GIudICE Maestro Angelo Giudice trasforms stones in pictorial dreams. Colours, shapes and lines are all working together and create a tale rich of deatils. The faces of the characters are dramatic, very similar to the ancient graeco-roman masks. So sicilian Greece is still alive in Maestro Giudice: he is living in Syracuse that gives him the power of creation of the mediterranean sun and the ability of telling as heritage af the ancient painters of Magna Graecia. Il Maestro Angelo Giudice trasforma le pietre in sogni pittorici. I colori, le forme e le linee lavorano assieme e creano un racconto ricco di dettagli. Le facce dei personaggi sono drammatiche, molto simili alle maschere grecoromane. Quindi la Grecia siciliana vive ancora nel Maestro Giudice: vive a Siracusa che gli dona la forza creativa del sole mediterraneo e l’abilità di raccontare quale eredità degli antichi pittori magnogreci. Dino Marasà Ronco II al Viale zecchino, 5 - 96100 Siracusa Tel: 0931 39777 Mob: 333 3131341 E-mail: angelogiudicepietredipinte@gmail.com Web: www.pietredipinte.it

Il re pastore babilonese, pietra dipinta

Angelo Giudice was born in 1941 in Syracuse, where he lives and works. After his diploma of Master of Arts at the Art Institute of Syracuse, he completed his studies at the Academy of Fine Arts of Rome, where he specialized in scenography with Maestro Peppino Piccolo. Also in Rome he attended the Free School of Nude. He taught for many years in middle school, and, at the High School “O.M. Corbino” of Syracuse. He collaborated on the popular plastic scenes of Campanile evening of Fiesole and, for the Academy of Fine Arte in Rome has restored the popular plastic scenes of Palazzo Braschi. He is an expert appraiser of art objects, collector, malacologist, his cultural interests extend in the various fields of culture. He has exhibited in various Italian cities, always receiving high acclaim from audiences and critics. Many of his works are in public and private collections. Angelo Giudice è nato nel 1941 a Siracusa, dove vive e lavora. Dopo aver conseguito il diploma di Maestro d’Arte presso l’Istituto d’Arte di Siracusa, ha completato gli studi presso l’Accademia di BB.AA di Roma, dove si è specializzato in Scenografia col maestro Peppino Piccolo. Sempre a Roma ha frequentato la Scuola Libera del Nudo. Ha insegnato nelle scuole medie e, per lunghi anni, al Liceo Scientifico “O.M. Corbino” di Siracusa. Ha collaborato alla realizzazione delle scene plastiche popolari del Campanile sera di Fiesole e, per conto dell’Accademia di BB.AA. di Roma ha restaurato le scene plastiche popolari di Palazzo Braschi. Perito esperto di oggetti d’arte, collezionista, malacologo, i suoi interessi culturali si estendono nei vari campì della cultura. Ha esposto in varie città italiane, riscuotendo sempre notevoli apprezzamenti di pubblico e critica. Molte sue opere si trovano in collezioni pubbliche e private. 20

Sisifo, pietra arenaria dipinta a mano

MIChELE BaSSO Interpretare non è, in questo caso, sinonimo di trasfigurare, ma di rivelare. L’artista in questo particolare contesto, mostra una suadente e poetica facoltà espressiva. Riesce a esprimere l’immediata sensazione visiva di un albero con i rami spogli. La suggestione proviene dall’insieme cromatico, basato su una ricca tavolozza, dove ogni particolare della tessitura cromatica è ben meditato. Interpreting is not, in this case, a synonym of transfiguring, but to reveal. The artist in this particular context, shows a persuasive and expressive poetic faculties. He manages to express the immediate visual sensation of a tree with bare branches. The suggestion comes from all color, based on a rich palette, where every detail of the chromatic structure is well meditated. Dino Marasà

Michele Basso, Italian graphic artist and painter, was born in Naples on 1936 (November 19). He attended the “Università Orientale di Napoli” for the degree course in Eastern Languages, Literatures and Institutions. He was student of the famous Islamist Alessandro Bausani. The interest in drawing, painting and Art History was for Michele Basso primary, than he dedicated himself at oriental studies. Only at the end of the ’50s, driven by a frenetic and continuous need to verify himself at every step, he has begun to draw and paint professionally and he started exhibiting in solo and group shows with the most famous contemporary artists. The critics were immediately interested in his activities. They reported and awarded him in Sondrio, in 1969, the European competition of landscape painting with the gold medal of the Council of European Municipalities; in Cremona, in 1977, with 3° award at the national competition of painting “El Cavalet”. Since 1968 he takes part in international art events – Montecarlo 1968 – Symposium

Malinconia del tramonto, olio su tela, cm 40x50

of Art Italienne. In Damascus in Syria (1971) to the Italian Art Exhibition, sponsored by the local Academy of Art and the Accademia Leonardo da Vinci. In Berlin, where he has several collectors of his works, Basso is especially appreciated by many German artists with some of which it has established artistic and cultural joint ventures. Michele Basso grafico e pittore italiano nato a Napoli il 19 novembre 1936. Ha frequentato l’Università Orientale di Napoli per il corso di laurea in lingue letterature ed istituzioni Orientali allievo del famoso islamista Alessandro Bausani. L’interesse per il disegno, la pittura e la storia dell’arte è stato per Basso precedente agli studi di orientalistica ma solo alla fine degli anni ’50, animato da un frenetico e continuo bisogno di verificarsi ad ogni passo, ha incominciato a disegnare e dipingere professionalmente e ad esporre in mostre personali e collettive con i più famosi artisti contemporanei. La critica si è subito interessata 21

alla sua attività e lo ha segnalato e premiato: a Sondrio, nel 1969, al concorso europeo di pittura di paesaggio con la medaglia d’oro del Consiglio dei Comuni d’Europa, a Cremona, nel 1977, con il 3° premio al concorso nazionale di pittura “El Cavalet”. Dal 1968 partecipa a manifestazioni artistiche internazionali – 1968 a Montecarlo – Symposium d’Art Italienne. A Damasco in Siria (1971) alla Rassegna d’Arte Italiana promossa dalla locale Accademia d’Arte e dall’Accademia Leonardo da Vinci di Roma. A Berlino dove conta diversi collezionisti di sue opere Basso è particolarmente apprezzato anche da numerosi artisti tedeschi con alcuni dei quali intrattiene rapporti artistico-culturali.

Search Michele Basso on facebook and you Tube

PaRK hWa Su Hwa-Su Park è laureata in disegno visuale all’università femminile di Dongduck . Mostre recenti:The third art gallery curatore, mostra SooHyun; 2015 The 11th Exhibition of Suwon Art Association; il 23° “Calendar Exhibition” di dodici artisti “Insadong People Exhibition”; Noble Exhibition; Korea International Art Interchange Exhibition. Ha vinto un premio di bronzo al concorso di arte delle donne della Corea. Eventi 2016: Park Fine Art International Tour Show – New Mexico – Frankfurt, Germany; invitata a FranceKorea Contemporary Art, Mostra personale a Insa-dong (Wednesday, July, 6th, ~ Tuesday, July, 12th); Art Fair in Jeju Lotte Hotel (Wednesday, July, 6th, ~ Saturday, July, 9th); SIA NEW YORK Gallery (511 W 20th St. 2nd FL. 2N. New York, NY 10011); (Thursday, July, 28th ~ Wednesday, August, 3rd) Asia Hotel Art Fair in Gangnam Marriott Hotel.

festival, mix media, cm 91x73 EuR 4.000

Hwa-Su Park is graduated Visual Design of Dongduck Women’s University. Recent exhibitions: The third art gallery curator; the SooHyun Exhibition; 2015 The 11th Exhibition of Suwon Art Association; the 23th Calendar Exhibition of twelve “Insadong People Exhibition”; Noble Exhibition; Korea International Art Interchange Exhibition. She won a bronze prize in the Korea Women art competition. Events 2016: Park Fine Art International Tour Show – New Mexico – Frankfurt, Germany; France-Korea Contemporary Art Invited Exhibition, Solo exhibition in Insa-dong (Wednesday, July, 6th, ~ Tuesday, July, 12th); Art Fair in Jeju Lotte Hotel (Wednesday, July, 6th, ~ Saturday, July, 9th); SIA NEW YORK Gallery (511 W 20th St. 2nd FL. 2N. New York, NY 10011); (Thursday, July, 28th ~ Wednesday, August, 3rd) Asia Hotel Art Fair in Gangnam Marriott Hotel.

Hwa-Su Park creates using the alphabet of the flowers. It’s a sweet tones Art, full of joy and charm. The light of the artworks is gentle and delicate and it’s well combined with the Nature. Her palette is well harmonized with the artistic tale and indicates to the viewer the right way to follow to understand better all the tale. Hwa-Su Park crea usando l'alfabeto dei fiori. Un arte dai toni dolci, pena di gioia e d'incanto. La luce delle opere d'arte è gentile e delicata e ben si combina con la Natura. La sua tavolozza è ben armonizzata con il racconto artistico e indica al fruitore la via giusta da seguire per meglio capire tutto il racconto. Dino Marasà

Summer, mix media, cm 38x45 EuRO 1280

...and Winter, mix media, mixed media, cm 30x30 EuR 960

PaRK hWa Su

autumn, mix media, cm 32x41 EuR 960

Kum-Kong aPT 1103-404 Kumi-dong (KOREa) Tel: 00821055806121 E-mail: hwasu62@naver.com

hEnK KORBEE Born in 1945 Henk Korbee became years later a math teacher at high school for a very long time and at the end, a few years teaching a summer course math at JBI then part of the university of Utrecht. These years he started to turn himself into a painter which took him four years to reset his mind but not without success. In 2014 he got the Certificate of Excellence from Palm Art AWARD and from the magazine Effetto Arte the Sandro Botticelli prize. Nato nel 1945 Henk Korbee è diventato anni dopo un insegnante di matematica al liceo per un tempo molto lungo e alla fine della sua carriera, un po’ di anni di insegnamento di matematica un corso estivo presso la JBI allora parte dell’università di Utrecht. Allora iniziò a trasformare se stesso in un pittore impiegando quattro Phantasie, 2013, oil on wood, cm 60x60 EuR 600

Lidija, 2015, oil on linen, cm 80x60 EuR 700

hEnK KORBEE anni per ripristinare la sua mente, ma non senza successo. Nel 2014 ha ottenuto il Certificato di Eccellenza da Palm Art AWARD e dalla rivista Effetto Arte il premio Sandro Botticelli. Henk Korbee and his colors. They are a wonderful artistic adventure because they describes the real with power and sweetness together. So the viewer gets in touch with the great technique and the magnificent talent of Maestro Korbee that are a real and rare form of artistic poetry. In his artworks he is able to affirm his great narrative impulse in every brushstroke so full of meaning; a "silk road" towards a new artistic horizon. Henk Korbee e i suoi colori. Sono un'avventura artistica meravigliosa perché descrivono il reale con forza e dolcezza asPhantasy, 2015, oil on wood, cm 60x60 EuR 600

sieme. Sicché il fruitore entra in contatto con la grande tecnica e il magnifico talento del Maestro che sono una vera e rara forma di poesia artistica. Nelle sue opere può affermare il suo grande impulso narrativo in ogni pennellata così piena di significato; una "via della seta" verso un nuovo orizzonte artistico. Dino Marasà

Cleaning the house, 2014, oil on wood, cm 60x60 EuR 600

Koppestokstraat, 65 2014 an haarlem (nederland) Tel: +31235440310 Mob: +31636061883 E-mail: henk.korbee@gmail.com Web: henk.korbee.kunstinzicht.nl

LuIGI duGO Il Maestro Luigi Dugo è padrone della pittura evocativa. I suoi ritratti sono pieni di colore e atmosfere che danno al racconto pittorico una scena surreale. Facce, personaggi, sono tutti espressivi e portano tutti un messaggio allo spettatore, un messaggio veramente profondo che deve essere condiviso con tutti. La tavolozza del Maestro Luigi Dugo è sempre un misto di colori chiari e scuri in una luce potente. Per questo motivo il Maestro Dugo cattura l'anima dello spettatore grazie ad una straordinaria poesia creativa. Dino Marasà Via Erice, 1 96016 Lentini (SR) Tel: 0957835695 Mob: 333 1258112 Pricing: from 1.500 to 5.000 EuR

natura morta, 1985, acrilico su tela, cm 60x45

Luigi Dugo was born in Avola (SR). He lives and works in Lentini. Many of his works are in art collections of the major Italian centers and in France, Germany, Switzerland, Poland, England, Holland, USA, his graphic works are also located at: Archive of the Venice Biennale, The National Library of Rome, The National Library Florence, Biblioteca Comunale of Ancona, Modern Art Museum in Rome, Museum of Modern Art in Paris, the Museum of Modern Art in Amsterdam, Visual Arts Archive of the Province of Ancona, Civic Museum "Salvi" of Sassoferrato, Museum municipal Information Senigallia, Archive of the Quadrennial of Rome. Luigi Dugo è nato ad Avola (SR). Vive ed opera a Lentini. Numerose sue opere sono presenti nelle collezioni d'arte dei maggiori centri italiani ed in Francia, Germania, Svizzera, Polonia, Inghilterra, Olanda, USA, Si trovano inoltre sue opere grafiche presso: Archivio della Biennale di Venezia, Biblioteca Nazionale di Roma, Biblioteca Nazionale di Firenze, Biblioteca Comunale di Ancona, Museo d'Arte Moderna di Roma, Museo d'Arte Moderna di Parigi, Museo d'Arte Moderna di Amsterdam, Archivio Arti Visive della Provincia di Ancona, Museo Civico "Salvi" di Sassoferrato, Museo Comunale dell'Informazione di Senigallia, Archivio della Quadriennale di Roma. Maestro Luigi Dugo is the master of the evocative painting. His portraits are full of color and atmospheres that give to the pictorial tale a surreal scene. Faces, characters are all expressive and all bring a message to the viewer, a really deep message that must be shared with all. The palette of Maestro Luigi Dugo is often a mix of clear and dark colors in a powerful light. For this reason also Maestro Dugo catches the soul of the viewer thanks to an extraordinary creative poetry. 26

Ritratto di vecchia, 1981, acrilico su tela, cm 70x60

LuIGI duGO

felicitaĚ&#x20AC; nella miseria, 1976, acrilico su tela, cm 50x70

LuIGI duGO

Conversazione (grafica), 1981, pennarelli su carta (pezzo unico) cm 23x32

LuIGI duGO

Pensionato a riposo, 1986, grafica (pezzo unico), cm 33x48

anGa STERREnBERG Anga Sterrenberg, artist rich of talent, reaches the highest of art by drawing because she gives to the viewer the chance to follow her inner world. With soft colors and the right light she can to open the road to a dreamland hidden in the artworks; dreams made of signs and spaces of color that lead our minds to discover new artistic experiences and ways to understand world. Anga Sterrenberg artista ricca di takento, raggiunge altissimi livelli artistici disegnando poiché dà al fruitore la possibilità di seguire il suo mondo interiore. Con colori morbidi e la giusta luce può aprire la strada a una terra di sogno nascosta nelle opere d'arte; sogni fatti di segni e spazi di colore che guidano le nostre menti a scoprire nuove esperienze artistiche e modi di capire il mondo. Dino Marasà herrengasse 6-8/7/15 - 1010 Wien (austria) Mob: 0043 664 5594544 E-mail:anga.sterrenberg@chello.at Web: www.lichtpyramide.at Pricing: 10.000 EuR

Schach-Königin, 1983, gouache and a2 pencil EuRO 10.000

Anga Sterrenberg, sculptor and painter, grew up in Augsburg. In 1967 in München she realizes thoughts on art and its realization . In 1971 she studied HfbK art in Berlin with Prof. Tajiri (sculpture). In 1974, half year guest with Prof. Wander Bertoni and Prof. Frohner. From 1972-2016 realizes solo and collective exhibitions in the Netherlands Germany, Austria, Luxembourg, Hungary, Italy, Israel, USA, UK, China, Switzerland. She has participated in exhibitions and artistic events of a high standard and features inscriptions in the most prestigious club artistic and cultural life of their country. Her works are in private collections all over the world Anga Sterrenberg, scultore e pittore, è cresciuta a Augsburg. Nel 1967 a München realizza Pensieri sull’arte e la sua realizzazione. Nel 1971 studia arte HfbK a Berlino con il Prof. Tajiri (scultura). Nel 1974 semestre ospite con il Prof. Wander-Bertoni e Prof. Frohner. Dal 1972-2016 realizza mostre individuali e collettive in Olanda Germania, Austria, Lussemburgo, Ungheria, Italia, Israele, Stati Uniti d’America, USA, Regno Unito, Cina. Ha partecipato a mostre ed eventi artistici di alto livello e vanta iscrizioni nei più prestigiosi club artistici e culturale del suo paese. Le sue opere si trovano in collezioni private in tutto il mondo.

Schach-dame, 1983, gouache and a2 pencil EuRO 10.000

SERGIO GRILLI Sergio Grilli, affermato pittore, è nato a Cortona (Arezzo) il 20 Maggio 1951. Da sempre appassionato di pittura ha partecipato a diverse mostre personali e collettive ottenendo lusinghieri consensi dalla critica più qualificata, dalla stampa nazionale e dal pubblico estimatore. Ha conseguito importanti e significativi riconoscimenti a carattere nazionale ed internazionale; nel 1995 gli è stato conferito l'ambito premio Biennale di Venezia 1995. Le sue opere sono custodite in collezioni pubbliche e private in Italia e all'estero. natura morta, cm 50x35

Sergio Grilli, famous painter, was born in Cortona on May 20th 1951. His passion was painting he has participated in several solo and group exhibitions obtaining acclaims by the most importancritics, by the national press and by the public appraiser. He received important and significant national and international awards in 1995 he was awarded with the prize “Biennale di Venezia 1995”. His works are in public and private collections in Italy and abroad. The special chromatic strength of Maestro Sergio Grilli expresses the world with a deep naturalism based on a great pictorial talent. Maestro Sergio Grilli has a great evocative power which is born in his soul and it’s enri-

fiori, cm 40x20

ched by the experience of a palette that tells the characters with an astonishing love for the poetics hidden in every thing of the world. La speciale forza cromatica del Maestro Sergio Grilli esprime il mondo con un profondo naturalismo basato su un grande talento pittorico. Il Maestro Sergio Grilli ha un grande potere evocativo che nasce nella sua anima e che è arricchito dall’esperienza di una tavolozza che narra i personaggi con 31

sbalorditivo amore per la poesia celata in ogni cosa del mondo. Dino Marasà Via I Maggio, 58 - 52044 Terontola (aR) Tel: 057567558 Mob: 3357189345 E-mail: sergio.grilli@libero.it Sito web: www.sergiogrilli.it Pricing: from 2.000 to 10.000 EuR

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960

Paesaggio a El achnar – Libia, 1948

My figurative production of Nature and Landscapes, seeks to position herself with humility, in the poetic forms of a painting that looks to the past, placing itself in the reality of the present. I suffered the lesson of the Fauves and the Expressionists, I felt the presence of some aspects of Italian and European twentieth century. A presence perceived, with great humility, walking along a process of contemplation admired from Renoir to Manet but especially through the Impressionists, I was meditating oni charm provocated in me by art of Monet, Manet and Paul Cézanne, already studied by Giorgio Morandi, my the beloved Master. They tell me that my painting is permeated with a meaningful dialogue that increasingly experiences the synthesis of research in perfect symbiosis between dream and reality. In fact, by a singular instinctive nel fiume Savena - Bologna, 1954, aquatint and pen,cm 35x25

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960 force it seems that I am always coherent among the emotions I suffer from nature, from things, events. It is what it is and that I feel as poetry. It has been said that my “paintings are the equivalent of a realistic iconography, a solemn gestures and painful and controlled chromaticism.'' These are words that embarrass me when I evaluate my still “not reached” of all that I have enclosed in my soul and I feel it sometimes like buried in trunks of rock hard to open up. It's my nature free and without “direct

imitations” that led me to observe the historical avant-garde of modernity with deference so to make a long and painful path that from Monet, Cézanne and from Giovanni Fattori led me to contemplate Morandi, ad to seek only to treasure the teachings, avoiding, as I said, “imitation”'. I think if anything, if even the slightest, I achieved in art is a result of that culture, rich in values, once given to me by my masters and by my father and then matured in the composition and in the conscience

of the drawing function, of the light and of the color, all filtered by the senses and entered with desired highlight the emotional sense of beauty in the musicality of Italian art universalization; ie to produce humbly art fills the values of humanism and inner spiritual responsibility. - I've always tried to give the paintings a dynamic way and to make them devoid of the weight of anecdotes or imaginary but rather pedantic stories and set to them on the meaning injected into form-subject filled from feelings and

natura Morta – Cose in cucina, 1950, tempera on paper, cm 60x50

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960

'Music Sense, 1954 of a series, awarded at number One Gallery of new york in 1955 and at “Galleria numero uno” of florence in 1956. In 2013 at “Giubbe Rosse” in florence is the first classified at “Music arte” award cured by dr. daniela Pronestì. Music Sense, 1954 è il superstite di una serie. Premiato alla number One Gallery di newyork nel 1955 e e alla Galleria numero di firenze nel 1956. nel 2013 alle Giubbe Rosse di firenze è il Primo Classificato nel Concorso “Music arte’ curato dalla dr.ssa daniela Pronestì.

from memories of that dedication and loving kindness to art they were transmitted to me. I know you are humble paintings, but they also evoke serenity and suffering together thatr become emotion and “narration”... animated by free but precise brushstrokes, always compelling, they force the viewer to read the sharpness of the image through a closer inspection, focusing on macro detail, on the brush that can also become abstract freely but which always leads to a perceptible and distinguishable image ... that gives emotion and communication. By sinning vanity, I think of my painting as something that is both timeless and in the probable time il likely become. They told me that: is placed over the chronicle and over the likelihood of reportage but it is in the world of prototypes, where reigns poetry, and where the theme, always elective, it returns to us with new and existing accents the surprising vitality of manual painting, in spite of the arrogance of rowdy gestures too often devoid of perceptible meanings.. It is a heavy duty of responsibility and of doubtfulness of realization often damage or suffering.My figurative production of Nature and Landscapes, seeks to position herself with humility, in the poetic forms of a painting that looks to the past, placing Ritratto In Giardino della sorella Mariella Bologna 1956, oil on canvas cm 60x80 - Coll. Beolchini paper, cm 60x50

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960

Cromie d'autunno nei Giardini di via Busacchi a Bologna, 1954, oil on canvas, cm 50x65 - Coll. daniel

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960 so to make a long and painful path that from Monet, Cézanne and from Giovanni Fattori led me to contemplate Morandi, ad to seek only to treasure the teachings, avoiding, as I said, “imitation”'. I think if anything, if even the slightest, I achieved in art is a result of that culture, rich in values, once given to me by my masters and by my father and then matured in the composition and in the conscience of the drawing function, of the light and of the color, all filtered by the senses and entered with desired highlight the emotional sense of beauty in the musicality of Italian art universalization; ie to produce humbly art fills the values of humanism and inner spiritual responsibility. - I've always tried to give the paintings a dynamic way and to make them devoid of the weight of anecdotes or imaginary but rather pedantic stories and set to them on the meaning injected into form-subject filled from feelings and from memories of that dedication and loving kindness to art they were transmitted to me. I know you are humble paintings, but they also evoke serenity and suffering together thatr become emotion and “narration”... animated by free but precise brushstrokes, always compelling, they force the viewer to read the sharpness of the image through a closer inspection, focusing on macro detail, on the brush that can also become abstract freely but which always leads to a perceptible and distinguishable image ...

Rifiorito in primavera,1956, oil on canvas, cm 70x95 - coll. privata PREMIO MOnTaGnOLa 1966 - MOnTaGnOLa aWaRd 1966

itself in the reality of the present. I suffered the lesson of the Fauves and the Expressionists, I felt the presence of some aspects of Italian and European twentieth century. A presence perceived, with great humility, walking along a process of contemplation admired from Renoir to Manet but especially through the Impressionists, I was meditating oni charm provocated in me by art of Monet, Manet and Paul Cézanne, already studied by Giorgio Morandi, my the beloved Master. They tell me that my painting is permeated with a meaningful dialogue that increasingly experiences the synthesis of research in perfect symbiosis between dream and reality. In fact, by a singular instinctive force it seems that I am always coherent among the emotions I suffer from nature, from things, events. It is what it is and that I feel as poetry. It has been said that my “paintings are the equivalent of a realistic iconography, a solemn gestures and painful and controlled chromaticism.'' These are words that embarrass me when I evaluate my still “not reached” of all that I have enclosed in my soul and I feel it sometimes like buried in trunks of rock hard to open up. It's my nature free and without “direct imitations” that led me to observe the historical avant-garde of modernity with deference 36

Studio per un ritratto,1952, carboncino, cm 40x60

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960

Studio di un drappeggio, 1952, – prova di disegno – carboncino -

that gives emotion and communication. By sinning vanity, I think of my painting as something that is both timeless and in the probable time il likely become. They told me that: is placed over the chronicle and over the likelihood of reportage but it is in the world of prototypes, where reigns poetry, and where the theme, always elective, it returns to us with new and existing accents the surprising vitality of manual

painting, in spite of the arrogance of rowdy gestures too often devoid of perceptible meanings.. It is a heavy duty of responsibility and of doubtfulness of realization often damage or suffering. La mia produzione figurativa di Nature Inerti e di Paesaggi, cerca di collocarsi, con umiltà, nelle forme poetiche di una pittura che guarda al passato ponendosi 37

nella realtà del presente. Ho subito la lezione dei Fauves e degli Espressionisti, ho sentito la presenza di certi aspetti del Novecento italiano e europeo percepito, con molta umiltà, percorrendo un processo di contemplazione ammirata da Renoir a Manet ma soprattutto attraversando gli Impressionisti, meditando sul fascino provocatomi dall’arte di Monet, di Manet e di Paul Cézanne, a sua volta già studiati da

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960

Set design for the two thousandth anniversary of Plautus’ birth, 1956, for the comedy Miles Gloriosus in city of Sarsina Scenografia per il Bimillenio di Plauto, 1956, per la commedia Miles Gloriosus a Sarsina

spirituale. - Ho sempre cercato di dare ai dipinti un senso dinamico e renderli scevri dal peso di aneddoti o racconti pedanti e immaginari ma piuttosto impostarli sul significato immesso nella forma-soggetto colmata di sentimenti e memorie per effetto di quella dedizione e amorevolezza all’arte che mi fu trasmessa. So che sono dipinti umili, ma anche evocanti serenità e insieme sofferenza che diventano emozione e ‘’narrazione’’ – “ ...animate da pennellate libere ma precise, sempre convincenti, costringendo chi osserva a leggerne la sottigliezza d’immagine tramite un’indagine ravvicinata, soffermandosi sul macro dettaglio, sul pennellare che può divenire anche liberamente astratto ma che conduce sempre a una immagine percettibile e distinguibile ... che dona emozione e comunicazione. "Peccando di vanità, penso alla mia pittura come qualcosa che è contemporaneamente fuori dal tempo e nel probabile tempo divenire. Mi è stato detto che ‘’si colloca oltre la cronaca e la verosimiglianza del réportage ma è nel mondo dei prototipi, dove impera la poesia, e dove il tema, sempre elettivo, ci restituisce con accenti nuovi e attuali la sorprendente vitalità della manualità della pittura, ad onta della prepotenza chiassosa di gestualismi troppo spesso privi di significati percepibili ‘’. È un carico gravoso di responsabilità e dubbiosità di realizzo; spesso danno sofferenza.”

Giorgio Morandi, l’amato Maestro. Mi viene detto che la mia pittura è permeata da un dialogo espressivo che sperimenta sempre la sintesi della ricerca in perfetta simbiosi fra sogno e realtà. Infatti, per una singolare forza istintiva pare che risulto sempre coerente fra le emozioni che subisco dalla natura, dalle cose, dagli eventi. È ciò che è e che sento come poesia. È stato detto che le mie pitture ‘’sono l’equivalente di una iconografia realistica, una gestualità solenne e sofferta e un cromatismo controllato.’’ Parole grosse che mi imbarazzano quando valuto il mio ancora ‘’non raggiunto ’’ di tutto quello che ho racchiuso nell’anima e che sento a volte come sepolto in scrigni di roccia dura ad aprirsi. È la mia indole libera e priva di ‘’imitazioni dirette che mi ha condotto a osservare le avanguardie storiche della modernità con deferenza e compiendo un lungo e sofferto percorso che da Monet, attraverso Cézanne e Giovanni Fattori mi ha portato a contemplare Morandi, cercando solo di far tesoro degli insegnamenti, evitando, come detto, ‘’imitazioni’’. Penso che se qualcosa, se pur minima, ho raggiunto in arte è per effetto di quella cultura, ricca di valori, impartitami in tempi lontani dai miei Maestri e da mio padre e poi maturati nella composizione e nella coscienza della funzione del disegno, della luce e del colore, filtrati dai sensi e immettere con auspicata evidenza il senso emotivo della Bellezza nella musicalità della universalizzazione italiana dell’arte; cioè produrre con umiltà un’arte colma dei valori dell’umanesimo e di interiore responsabilità

R. Battigelli 38

RICCaRdO BaTTIGELLI Riccardo Battigelli – ALCUNE delle OPERE del PRIMO PERIODO BOLOGNESE – prodotte dal 1948 al 1960

alberi -'nevicata nel bosco, 1956, oil on canvas, cm-65x85 - private collection

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE closed my studio of Bologna. It was as if I had torn the soul and the meaning of things. '' The art '' doors slammed in my face, changing the course of my existence. I went to Africa, then to America. I tried in vain to new work experiences '' materialistic '' to soothe the anguish and the pain of the distance from my three children. - At Taliesin West (Arizona), still I tried to regain '' the know of the art” of F. L. Wright, but due to unsustainable costs I had to give it up. Alternative was that I found work as a Cowboy Ranch in New Mexico. This ranch belonged to the family of a dear friend that was taken away and fell from hero ... ineligible human follies in Vietnam. I met the Western Art. The return to Italy in 1970, was in the Tuscan countryside family. I married my second wife in 74. The painful death of my sister Mariella and then of my parents were again the cause of suffering and despair. I devoted to farming, breeding and training of horses making them suitable to favor the Natural Education, Territorial Knowledge and values of nature and landscape related to the knowledge of themselves, to the sense of beauty and ethics for Nature . I programmed courses of drawing to understand the close connection between art, nature, poetry and beauty of Creation. In 1995, June 25, once again infinite pain and sadness; in '' Garden

La quercia nell’attesa,2015, oil on canvas, cm 50x70

I come from a family of Friulian descent but was born in Florence on March 1, 1933 - Architects, Engineers and physicians are the legacy of the family. After the war, my family moved to Bologna where I lived until 1967. I studied at the Academy of Fine Arts in Bologna. I had teachers like Morandi, Mandelli, Manaresi, Natalini, Regazzi and the Faculty of Architecture of Florence all of them loved and unforgotten Masters - I taught at several schools, executed paintings, interior design and architecture. In the decade '55 / 65 it was intense the activity of the set designer in various theaters in Italy and abroad: Geneva, Barcelona, Zagreb. I have exhibited in Italy, Europe, North Africa and the USA receiving awards and critical recognitions. Works of those years are in different collections. Following painful family vicissitudes, in the throes of agonizing despair, I 40

My pater e spazialità, 1961, oil on canvas, cm 60x80 - private collection

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE of Silence '' the place of the lost days land and the Hope of Eternity is for my eldest son, Alberto, 38 years old teared off the earthly life by the wickedness of cruel destinies without having been given to me to benefit mutual and legitimate participation in the things of life. – When I reached retirement benefit I gave the Ranch and each having to my son Daniele, deserving of all confidence, and since 2003 I returned to dedicate myself to art. I work and live in a studio housed in an ancient parsonage lost in the Tuscan countryside. Provengo da una famiglia di stirpe Friulana ma nacqui a Firenze il 1° marzo del 1933 – Architetti, Ingegneri e medici sono il retaggio della famiglia. Nel dopoguerra la mia famiglia si trasferì a Bologna dove ho vissuto fino al 1967. Studiai all’Accademia di Belle Arti di Bologna. Ho avuto Maestri come Morandi, Mandelli, Manaresi, Natalini, Regazzi e, alla facoltà di architettura di Firenze molti amati e indimenticati Maestri – Ho insegnato in diverse Scuole, eseguito pitture, design d’interni, architetture. Nel decennio ‘55/65 è stata intensa l’attività di scenografo in diversi teatri in Italia, fra cui il Regio di Parma, il Comunale di Bologna ed esteri: Ginevra, Barcellona, Za-

Sole nella foresta, 2005, oil on canvas, cm 50x70

Occhi di luce nel bosco, 1954, oil on canvas, cm 50x70 - private collection

gabria. Ho esposto in Italia, Europa, Nord Africa e USA ricevendo Premi e riconoscimenti di critica. Opere di quegli anni sono presenti in diverse Collezioni. In seguito a dolorose vicissitudini familiari, in preda ad angosciante sconforto, chiusi lo Studio di Bologna. Fu come se mi fosse strappata l’anima e il senso delle cose. ‘’Le porte dell’arte’’ mi si sbatterono in faccia mutando il corso del mio esistere. Andai in Africa, poi in America. Cercai inutilmente in nuove esperienze di lavoro ‘’materialistico’’ di lenire le angosce e il dolore per la lontananza dai miei tre figli. - A Taliesin West (Arizona), cercai di riacquisire ancora il ‘’sapere’’ dall’arte di F. L. Wright, ma per i costi insostenibili fui 41

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE

Memoria di cavalli nei deserti del new Mexico, 2006, oil and sands on cardboard

costretto a rinunciarvi. L’ alternativa fu che trovai lavoro come Cowboy in un Ranch nel Nuovo Messico della famiglia di un mio caro amico. Mi fu portato via e caduto da eroe per … le inammissibili umane follie nel Vietnam. Conobbi la Western Art. Il ritorno in Italia nel 1970, fu nella campagna toscana di famiglia. Mi sposai nel’74 in seconde nozze La dolorosissima scomparsa di mia sorella Mariella e poi dei miei genitori furono nuovamente causa di sofferenza e sconforto. Mi dedicai ad attività agricole, di allevamento e addestramento di cavalli rendendoli adatti a favorire l’Educazione Naturale, le Conoscenze Territoriali e dei valori della Natura e del Paesaggio correlati alla conoscenza di se

stessi , al senso della Bellezza e all’etica per la Natura. Programmai corsi di Disegno dal Vero per far comprendere la stretta connessione fra arte, natura, poesia e la bellezza del Creato. Nel 1995, il 25 di Giugno, ancora una volta dolore e tristezza infiniti; nel ‘’Giardino del Silenzio ‘’ nel luogo dei perduti giorni terreni e della Speranza d'Eternità è per il mio figlio primogenito, Alberto, strappato a 38’anni alla vita terrena dalle empietà di crudeli destini senza che mi sia stato dato di beneficiare della reciproca e legittima partecipazione alle cose della vita. - Raggiunto il pensionamento cedetti il Ranch e ogni avere al figlio Daniele, meritevole di ogni fiducia e dal 2003 tornai a dedicarmi all’arte. 42

Lavoro e vivo in uno studio ricavato in una antica canonica sperduta nelle campagne toscane. Riccardo Battigelli Simply Art. In summary this is Riccardo Maestro Battigelli. He is master on the human experience and on the world one. Experience wich is also lived, deep, big and rich. Riccardo Battigelli paints and creates, invents, guide, stimulate, makes us think, helps us to measure ourselves against the magnificence of the cosmos. He does not make us feel small remote beings in the universe, but the protagonists of the same. A total involvement of aesthetic sense and of mind, then, is induced to the viewer. It’s

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE a sincere emotion. Like the color and the sign of its description; sometimes so close to his Tuscany, it’s able to fly in antiquity while hovering over the boundless spaces of the pictorial theory almost abstract. Battigelli is delicate and decisive in all his works, is a Master painter, poet, man of culture. As they were certain ancient men. We should always listen to his kind of painting and life lesson. Because it is rich in content and in humanism. The one who nowadays wakes up in some minds and the same who walked six centuries ago in the homeland Tuscany. A homeland that gave to Italy a language, the sovereign way to communicate, understand and share. Battigelli is one of its most illustrious sons. He is a deep and sweet soul, a lighthouse

in the ocean of culture, place to guard a cultured, cosmopolitan hospitable city, with solid walls: Battigelli himself. Semplicemente Arte. In sintesi questo è Riccardo Battigelli. Maestro. D’esperienza umana e di mondo, vissuta, profonda, grande e ricca. Riccardo Battigelli dipinge e crea, inventa, guida, stimola, ci fa riflettere, ci aiuta a misurarci con la magnificenza del cosmo. E non ci fa sentire piccoli esseri sperduti nell’universo, ma protagonisti dello stesso. Un coinvolgimento totale di senso estetico e d’animo, dunque, è indotto al fruitore. Emotività sincera. Come il colore e il segno della sua descrizione; a volte così vicina alla sua Toscana, capace di volare nell’antichità mentre si libra

negli spazi sconfinati della teoria pittorica quasi astratti. Battigelli è delicato e deciso in ogni sua opera, è Maestro artista pittore, poeta, uomo di cultura. Come lo furono certi antichi. Si deve sempre ascoltare la sua benevola lezione di pittura e di vita. Perché é ricca di contenuto e di umanesimo. Quello che si sveglia in certi animi e che passeggiava sei secoli fa in Toscana, la patria. Una patria che ha dato all’ Italia la lingua, il mezzo sovrano per comunicare, comprendere e condividere. Battigelli è uno dei suoi figli più illustri. Animo profondo e dolcissimo, un faro nell’oceano della cultura, posto a guardia di una città colta, cosmopolita ospitale, dalle solide mura: sè stesso Dino Marasà

La mia melanconia, 2015, olio su tela, cm 75x50

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE

un molto tramonto, 2016, olio su tela, cm 70x50

Tramonto e tempesta, 2014, oil on canvas, cm 50x35

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE

Il ritorno dâ&#x20AC;&#x2122;Ottobre delle cavalle, 2006

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE

''nudo come alfa - l'Inizio''- Premio San fedele, 1954, - oil on canvas, cm 60x80

RICCaRdO BaTTIGELLI IL RItORNO A DIPINGERE

Tramonto sul Monte Serra, 2012,oilio su tela, cm 40x50

Via Santo Stefano, 389 - 50050 Montaione (fI) Tel: 333 8743610 E-mail: riccardo.battigelli@tiscali.it

KIRSTEn høST develops a life and vibration of its own. Her work has been exhibited in London, Edinburg, Copenhagen, Philadelphia, and New York in the U.S.A and will be exhibited next year in Palermo and Firenze in Italy. After her first soloshow in London in 1982, Ronald Alley, then curator at the Tate Gallery, wrote: Kirsten Høst`s collages spring from imagination, and symbolizes a whole gamut of emotions. With just a few coloured planes she is able to evoke complete landscapes, light and joy. Other collages depict more dramatic scenes of life, expressing pain and fear, but never without hope!

The envelope, cm 100x130

Kirsten Høst is a Danish artist, now living in Denmark, who has embarked on a new phase of her life and work, after spending 30 years in London, UK. This new phase emanates from a confident and sure belief and trust, that there is a plan for each one of us, if we allow our true gifts to unfold naturally. This trust has allowed her to find a new vision and a new voice working with oil painting and watercolour/ink/collages. Kirstens work is strongly influenced by geometry, whish she sees reflected in all aspects of our universe. This theme was reinforced by her meticulous study and admiration of the great renaissance painters in the museums in Italy, where she has spent longer periods of time, especially in Firenze, Perugia and Venezia. Kirsten`s work frequently starts with a geometric shape and with an open mind, and inspiration 48

Kirsten Høst è un, artista danese, che vive in Danimarca, e che ha intrapreso una nuova fase della sua vita e di lavoro, dopo aver trascorso 30 anni a Londra, Inghilterra. Questa nuova fase emana da una convinzione di fiducia e certezza che c’e’ un tracciato per ognuno di noi, se permettiamo ai nostri veri doni a svolgersi in modo naturale. Questa fiducia le ha permesso di trovare una nuova visione e una nuova voce lavorando con pittura ad olio e acquerello / inchiostro / collage. Il lavoro di Kirsten e’ fortemente influenzato dalla geometria, che lei vede riflessa in tutti gli aspetti del nostro universo. Questo tema èstato rafforzato dal suo studio meticoloso e dell’ammirazione dei grandi pittori rinascimentali nei musei in Italia, in particolare Firenze, Perugia e Venezia dove ha trascorso molto tempo. Il lavoro di Kirsten inizia spesso con una forma geometrica e con una mente aperta, dalla cui ispirazione sviluppa una vita e una vibrazioni propria. Il suo lavoro èstato esposto a Londra, Edimburgo, Copenhagen, Phi-

KIRSTEn høST

Two women, cm 100x86

ladelphia e New York e presto sarà esposto in Italia. Dopo la sua prima mostra personale a Londra nel 1982, Ronald Alley, poi curatore alla Tate Gallery, ha scritto: “I collage di Kirsten Hoest nascono dall’immaginazione, e simboleggiano tutta una gamma di emozioni. Con pochi colori Lei è in grado di evocare paesaggi completi, spazio, luce e gioia. Altri collage raffigurano scene piu’ drammatiche della vita, esprimendo il dolore e la paura, ma mai senza speranza!”

Høst is her artistic language. Marks and colors are dancing in her artworks which are real and effective tales of the human world. So feelings and situations are together and they can narrate with great effectiveness and style and they communicate the inner vision of the artist. Colors are always full of tone and rich of light. So they can underline the action of the artwork with the most possible spontaneity. Kirsten Høst's artworks are amazing and they are all born from a big, generous talent.

Høst è il suo linguaggio artistico. I segni e i colori danzano nelle sue opere d'arte che sono reali ed efficaci racconti del mondo umano. Sicché sentimenti e situazioni sono assieme e possono narrare con grande efficacia e stile e possono comunicare la visione intima dell'artista. I colori sono sempre pieni di tono e ricchi di luce. Sicché possono sottolineare l'azione dell'oera d'arte con la maggiore spontaneità possibile. Le opere d'arte di Kirsten Høst sono sbalorditive e sono tutte nate da un grande, generoso talento.

The sweet geometry of the artist Kirsten

La dolce geometria dell'artista Kirsten

Dino Marasà

KIRSTEn hĂ¸ST

The second snow queen, cm 60x80

Insieme, cm 40x50

Mob: 004522272065 E-mail: hoest.art@gmail.com Web: www.hoestart.com Pricing: please contact the artist

Getting the harvest home, cm 50x50 EuR 1.500,00

Insieme, cm 40x50

KIRSTEn høST

The lovers, cm 40x50 EUR 1.700,00

CaLOGERO BuTTà Calogero Buttà was born in Capo d’Orlando near Messina in 1951. He is graduated from Acireale highschool and he joined the faculty of the University of Catania, he left the university after a few tests to attend the studio of the actor Alessandro Fersen in Rome to devote himself to the theater in which he already was interested for some time. He works as an actor for over twenty years. One step at time its great interest in drawing and painting comes back thanks to the friendship and the teachings of Maestro Gianni Strino. Calogero Buttà nasce a Capo d’Orlando (Me) nel 1951 diplomato al liceo scientifico di Acireale si iscrive alla facoltà di lettere dell’università di Catania, lascia l’università dopo alcuni esami per frequentare l’actor studio di Alessandro Fersen a Roma per dedicarsi al teatro di cui già si interessava da tempo. Lavora come attore per oltre un ventennio. Un poco alla volta torna al suo primo vero grande interesse il disegno e la pittura grazie soprattutto all’amicizia e agli insegnamenti del maestro Gianni Strino. Giocando con i sogni, olio su tela, cm 50x40

In Calogero Buttà compositions we can find the technical knowledge of a painter who knows to calibrate the chiaroscuro and chromatic passages, defining for other subjects so exquisitely realistic. Works that are not just paintings, but a tangible proof of the expressive skills and techniques of the artist, whose sinuous and gentle brushes, defines the contours of two subjects symbol of elegance and pride. Si evince nelle composizioni di Calogero Buttà la sapienza tecnica di un pittore che ben sa calibrare i chiaroscuri e i passaggi cromatici, definendo per altro i soggetti in modo squisitamente realistico. Opere che non sono solo dipinti, ma una prova tangibile delle capacità espressive e tecniche dell'artista, che con pennellate sinuose e gentili, definisce i contorni di due soggetti simbolo di eleganza e fierezza. Dino Marasà Contatti: Via Libertà sec. tr. dx., 37 80055 Portici (na) Phone: +39 081 7765950 Mobile: +39 366 2625913 E-mail: calogerobutta@libero.it Sito web: calogerobutta.it

Il lupo e l'agnello, olio su tela, cm 60x70

BIaGIO LandI For detailed info contact the artists to the mail address biagio.landi@email.it or surf the website www.avalonarte.com/biagiolandi Biagio Landi è nato a Salerno il 10 ottobre 1962, diplomato presso l’Istituto Statale d’Arte di Salerno nel 1981, si occupa di sculture ceramiche a tuttotondo e a rilievo; la sua produzione include anche oggettistica e complementi d’arredo. Dal 1987 ha preso parte a diverse Rassegne Culturali e Concorsi in varie città: Firenze, Agropoli, Cava de’ Tirreni, Salerno, Montesano sulla Marcellana, Milano, Roma, Grottaglie , S. Cipriano Picentino, Amalfi, Positano, Ravello, Vietri Sul Mare, Palermo, Palinuro, Luxor, Sorrento, Pontecagnano. Inoltre ha partecipato al Concorso Nazionale Young & Disign, Milano, 1998, lampada da tavolo “Pinocchio”. Ha realizzato opere per diversi enti. Per informazioni contattare l’artista alla mail biagio.landi@email.it o visionare il sito www.avalonarte.com/biagiolandi

Via Maria Santissima Immacolata, 1 - 84100 Salerno Mob: 3494634378 E-mail: biagio.landi@email.it Web: www.avalonarte.com/biagiolandi

donna nera, ceramica, cm 27x90 EuR 2.000

Biagio Landi was born in Salerno on October 10th 1962. He is graduated at the School of Art in Salerno in 1981. His art is concerned with ceramic all-round sculptures and in relief; its production also includes objects and furnishings. From 1987 he took part in several cultural events and awards in various cities: Florence, Agropoli, Cava de’ Tirreni, Salerno, Montesano sulla Marcellana, Milan, Rome, Grottaglie , S. Cipriano Picentino, Amalfi, Positano, Ravello, Vietri Sul Mare, Palermo, Palinuro, Luxor, Sorrento, Pontecagnano. He also took part to the National Contest Young & Disign, Milano, 1998, table lamp “Pinocchio”. He realized arworks for various organizations.

The sculptures of Maestro Biagio Landi are full of movement. They captivate the viewer and open him new horizons of perception. Their colors walk together to the shapes and define a world made by aesthetic adventures full of inner thoughts of the artist. They are artworks full of grace and lyric power created by a real Maestro that communicates art. Le sculture del Maestro Biagio Landi sono piene di movimento. Catturano l'osservatore e gli aprono nuovi orizzonti percettivi. I loro colori camminano assieme alle forme e definiscono un mondo fatto di avventure estetiche colme di pensieri interiori dell'artista. Sono opere d'arte piene di grazia e potere lirico create da un vero Maestro che comunica arte. Dino Marasà

Meditazione, ceramica, cm 30x60, EuR 2.000

PaOLa SIanO Paola Siano, was born in Salerno where she lives, studies and works. She was appointed Academic by the International Academy “The convivo” Appointment of Academic Associate – Art Section – awarded by the International Academy “Greci – Marino” – Academy of Verbano of Letters, Arts and Sciences. She had also: Great appointment of Academic of Dioscuri 2010 – Art Section – awarded by the International Academy of Dioscuri – International Academic Appointment of International Academic of Artistic Vanguards Nomination of Ambassador of Art Mediterranean – 2010 and 2012. She was also awarded by the International Academy “Dioscuri” with the 2010 Golden Dioscuro – She has won numerous awards and has held collectives in a lot importantn cities of the world. She was published in many art catalogs, magazines and newspapers. She was reviewed by national and international critics. E-mail: siano.paola@gmail.com Web site: www.paolasiano.com

Paola Siano, nata a Salerno dove vive, studia e lavora. Nomina di Accademica conferita dall’Accademia Internazionale “Il convivo” Nomina di Accademica Associata – Sezione Arte – conferita dall’Accademia Internazionale “Greci – Marino” – Accademia del Verbano di Lettere, Arti, Scienze. Gran nomina di Accademico dei Dioscuri 2010 – Sezione Arte – assegnato dall’Accademia Internazionale dei Dioscuri – Nomina di Accademica Internazionale delle Avanguardie Artistiche Nomina di Ambasciatore dell’Arte del Mediterraneo – 2010 e 2012. Dioscuro d’Oro 2010 assegnato dall’Accademia Internazionale dei Dioscuri – Ha vinto numerosi premi ed ha tenuto mostre collettive in numerose città importanti del mondo Pubblicata su numerosi cataloghi d’arte, riviste e quotidiani. Recensita da critici nazionali ed internazionali. E-mail: siano.paola@gmail.com Sito web: www.paolasiano.com

dormiveglia, mixed media on canvas, cm 100x50 EuR 800,00

Paola Siano is an artist who loves to paint real forms making them a mirror full of deep inner meaning. Paola owns a peculiar talent and a particular sensibility. She reaches to open new roads to study the human soul and feelings. Her characters are various and all of them are rich of personality and they lead the viewer to a better reading of the human soul. Paola Siano è un'artista che ama dipingere forme reali rendendole uno specchio pieno di profondi significati

interiori. Paola possiede un talento peculiare e una particolare sensibilità. Riesce ad aprire nuove strade per studiare l'anima e i sentimenti umani. I suoi personaggi sono vari e tutti loro sono ricchi di personalità e guidano lo spettatore verso una lettura miglior dell'anima umana. Dino Marasà

Via francesco Crispi, 71- 84126 Salerno Mob: 329 3433259 E-mail: siano.paola@gmail.com www.avalonarte.com/paolasiano www.paolasiano.com

Sogno o son desto?, mixed media on canvas, cm 70x50 EuR 800,00

RudIK PETROSyan

Paradise

Rudik Petrosyan (USA-ARMENIA) is graduated from the Yerevan Art College after Terlemezyan (1969) and is graduated from the Yerevan Fine Arts Institute (1978). He has won a lot of prizes and he has a lot of diplomas. Some of his paintings are in the permanent collection of Museums in Moscow (Tretiakov) ,Ukraine and Armenia. Collectors from around the world such us USA, Japan, Germany, England, Italy, France and so on have his paintings in their collection. Numerous churches are decorated with his oil paintings and Icons.He has participated in many exhibitions around the world. Rudik Petrosyan (USA-ARMENIA) si è diplomato l’ Art College presso di Yerevan successivamente Terlemezyan (1969) e si è laureato presso l’Yerevan Fine Arts Institute (1978). Ha vinto molti premi e ha molti diplomi. Alcuni dei suoi dipinti sono nella collezione permanente di musei di Mosca (Tretyakov), Ucraina e Armenia. Collezionisti di tutto il mondo, Stati Uniti d’America, Giappone, Germania, Inghilterra, Italia, Francia e così via hanno i suoi dipinti nella loro collezione. Numerose chiese sono decorate con i suoi dipinti ad olio e Icons. Ha partecipato a numerose mostre in tutto il mondo. A deep sense of artistic creation involves the viewer of the works of Rudik Petrosyan. He can draw landscapes of dream, full of colors and marks, full of tonal digressions and amazing for their well - planned pictorial plot. His palette together his creativity 56

determines the direction of the artistic interpretation and allows to the viewer to share a wonderful emotional world. Un profondo senso di creazione artistica coinvolge lo spettatore delle opere di Rudik Petrosyan. Può disegnare panorami da sogno, pieni di colore e segni, pieni di digressioni tonali e stupefacenti per la loro ben orchestrata trama artistica. La sua tavolozza assieme alla sua creatività determina la direzione dell'interpretazione artistica e consente allo spettatore di condividere un meraviglioso mondo emotivo. Dino Marasà 520 Westview ave, 2nd fL Cliffside Park, nJ, 07010 uSa Tel: 201-282-4911 Mob: 201-937-0613 Web: www.rudikpetrosyan.com Email:rudikpetrosyan@hotmail.com

Rudik PetRosyan

Morning light,

LoRedana FoGazza great satisfaction. She went to the School of Architecture of the University of Palermo, and she performed various work experiences, she now teaches in a primary school, where she is in charge of numerous cultural projects. Over the years she participated in group shows and impromptu painting (her passion), winning numerous awards and accolades. She studies and creates the cover, the sketches, the sketches and watercolors of the publication "It is the scene Maria" Bicentenary of the miracle of Our Lady of the Paradise 1797-1997, for the Diocese of Mazara del Vallo. She is curator, in 2010, of the "Collection of recipes of Sicilian cuisine ". In 2012, in Marsala, she had a solo in which Loredana expresses intense and meaningful emotions that are the basis of her artistic career, representing the woman in almost all her works with a painting full of pace, supported by a strong combination color and consistency in tone. In 2015, she realizes the video cover of "Discovering the beauty. Among Mozia and Marsala: monuments and landscapes of Sicily Phoenician and Punic". Many of her works are in public and private collections.

Gabbiani in volo, 2006, olio su tela, cm 40x40

Primavera, 1999, olio su tela, cm 50x60

Eclectic and vivacious, Loredana was born in 1963 in Mazara del Vallo where she lives and works. She started painting at a very young age and her was a path full of C.so armando diaz, 67 91026 Mazara del Vallo (tP) tel: 0923 907711 Mob: 389 9985908 loredana.fogazza@gmail.com

Eclettica e vivace, Loredana nasce nel 1963 a Mazara del Vallo dove vive ed opera. Ha cominciato a dipingere in giovanissima età e il suo è stato un percorso ricco di grandi soddisfazioni. Iscrittasi alla facoltà di Architettura dell'Università di Palermo, compiute varie esperienze lavorative, oggi insegna in una scuola primaria, in cui è referente di numerosi progetti culturali. Negli anni partecipa a mostre collettive ed estemporanee di pittura (la sua grande passione), ottenendo numerosi premi e riconoscimenti. Studia e realizza la copertina, i bozzetti, gli schizzi e gli acquerelli della pubblicazione "È di scena Maria" - Bicentenario del miracolo della Madonna del paradiso 1797-1997", per la Diocesi di Mazara del Vallo. Curatrice, nel 2010, della "Raccolta di ricette tipiche della cucina Siciliana". Il 2012 la vede protagonista, a Marsala, di una personale in cui Loredana esprime intense e significative emozioni che sono alla base della sua attività artistica, rappresentando la donna in quasi tutti i suoi lavori con una pittura piena di ritmo, sostenuta da un forte accostamento di colori e coerenza nei toni. Nel 2015, realizza la copertina del video "Alla scoperta della bellezza. Tra Mozia e Marsala: monumenti e paesaggi della Sicilia fenicia e punica".Molte sue opere si trovano in collezioni pubbliche e private.

Loredana Fogazza describes the real with ease and frankness. She is a talented artist and she has a generous in tones and a really spontaneous palette also capable in drawing to reproduce every detail of the artistic tale. Her light gives natural movement to the painting and it's a basic for the understanding of the plot. She is an artist, therefore, that can offer excellent moments in fruition also symbol of a masterful interpretation of the canons of good painting. Loredana Fogazza descrive il reale con disinvoltura e franchezza d’immagine. Artista talentuosa, possiede una tavolozza dai toni generosi e un segno davvero spontaneo e capace di riprodurre ogni dettaglio del narrato artistico. La sua luce conferisce movimento naturale al reso pittorico ed è un pilastro basilare per la comprensione dello stesso. Un’artista, dunque, in grado di offrire ottimi momenti fruitivi e simbolo di una magistrale interpretazione dei canoni della buona pittura. Dino Marasà 58

doMeniG GaBi Domenig Gabi is a through and through figurative Austrian artist. She paints mostly with acrylics and concerns herself primarily with the representation of women. Her characters send out varied emotions. Her figures are mostly located in a particular environment cutout. Flowers, plants, animals, patterns and landscape sections are decorative parts, but are usually situated in the background. She tries to capture moments and build up emotional tensions. The viewer should feel something of her passion when she paints. For her art should be life-affirming and beautiful, touching and connecting. A language without words. Participation in many national and international exhibitions in Austria, Germany, France, Italy United Kingdom, Brazil and USA. You can find her works in many private collections and in many international artbooks and catalogs. She has got 5 international Awards in the last 2 years. For details please visit her website: www.domenigartdesign.at Domenig Gabi è nata in Austria ed è un’artista figurative. Usa principalmente acrilici e vede se stessa nelle sue rappresentazioni pittoriche di donne. I suoi personaggi trasmettono emozioni diverse. I suoi personaggi sono tutti sistemati in un ambiente particolare e i fiori, le piante e gli animali, I modelli e gli elementi del paesaggio sono parti decorative situate in fondo. Lei cerca di catturare i momenti e costruire tensioni emotive. Lo spettatore deve sentire qualcosa della sua passione, quando dipinge. Per lei l’arte dovrebbe essere di affermazione del fatto che la vita é bella, commovente, un linguaggio senza parole. Numerosi partecipazioni in mostre nazionali ed internazionali in Austria, Germania, Francia, Italia Regno Unito, Brasile e Stati Uniti. Le sue opere si trovano in tante collezioni private e pubbliche. Le sue opere si possono trovare in tante collezioni private ed in numerosi libri e cataloghi d`arte internazionale. Ha ricevuto 5 premi internazionali negli ultimi due anni. Per ulteriori informazioni si prega di visitare il suo sito www.domenigartdesign.at http://www.domenigartdesign.at/ gabidomenig@aon.at

Birdgarden iii

sakura-kirschblüte, acrilico su tela, cm 80x120x2

Gabi Domenig praises women’ beauty with a chromatic language that perfecly fits to the femine universe. Signs are melting with colours and give to the viewer the chance to feel the poetic tension hidden in every woman. Gabi Domenig dives herself in the feminine ocean telling tales that reveals themself only to real artsits of evocative and rare expressive power. Dino Marasà 59

Gabi Domenig loda la bellezza della donna con un linguaggio cromatico che si adatta perfettamente all’universo femminile. Il segno si mischia con i colori per dare allo spettatore la possibilità di sentire la tensione poetica celata in ogni donna.Gabi Domenig si immerge nell’oceano femminile raccontando racconti che si rivelano soltanto agli arsti di raro potere evocativo ed espressivo. Dino Marasà

yuLia aLtas For Their Artistic Merit. Awarding Of The “Sandro Botticelli Prize” 2014; The Prize International Rome Imperial For The Artists That Are Worth For Their Artistic Merit; ITALIA IN ARTE "PIETER PAUL RUBENS AWARD 2015" - BAROQUE CONTEMPORARY ART; International Prize Marco Polo Art Ambassador.; Critics Award / Premio Della Critica; 1° International Noto Award - Unesco Heritage; Rome “Awarding Of The International Prize Michelangelo - Artists At The Jubilee”; Oscar Dell’arte 2015, Artexpò Gallery In Principality Of Monaco. Biennial Prize For Visual Arts "Academy Of Art 2015; “Awarding Of The International Prize Leonardo Da Vinci - The Universal Artist”, Florence 2016.

Spring in New Jersey, acquerello su carta strathmore, cm 35x45

Morning in the mountains, tecnica mista su carta, cm 27x35

Yulia Mosolóva Mirónova Altas was born in Tula City, Russian Federation and now lives in the United States. Her works belong to private and public collections in many countries and she is an awarded artist. She studied Art at Tula Art School and Orel Art College and was awarded with an Honors Diploma in Art & Design. Also she received her Master's degree from the Tula City University. Yulia Altas has had 7 solo exhibitions in the USA, UK, Italy and Russia and 32 group participations in Italy, the UK, Brazil, German, Japan and the USA, including at the Eiffel Tower's, Gustave Eiffel Hall and the Carrousel du Louvre in Paris. She was one of a handful of international artists who was chosen to exhibit her name and work on 25-story-tall video billboard above the American Eagle right in the heart of Times Square, Broadway, New York City, exhibition entitled “See Me take over Times Square” art show endorsed by See|Me Group, Inc. Awards: “The RAFFAELLO SANZIO 2014 AWARD & The Nelson Mandela SPECIAL AWARD FOR HUMAN RIGHTS”; Given The Title "MASTER" And The "RAFFEELLO SANZIO 2014 AWARD"; The Prize In For The Artists That Are Worth

Yulia Altas Mosolova Mironov è nata a Tula, Federazione Russa e ora vive negli Stati Uniti. Le sue opere appartengono a collezioni private e pubbliche in molti paesi ed è un artista premiata. Ha studiato all’ Art at Tula Art School e all’ Orel Art College è stato premiato con un Honors Diploma in Art & Design. Inoltre ha ricevuto il Master dalla City University Tula. Yulia Altas ha tenuto sette mostre personali negli Stati Uniti, Regno Unito, Italia e Russia e a 32 mostre collettive in Italia, Regno Unito, Brasile, Germania, Giappone e Stati Uniti, inclusa la “Sala Gustave Eiffel” della Torre Eiffel e il Carrousel du Louvre a Parigi. Lei è stato una dei pochi artisti internazionali che è stato scelta per esporre il suo nome e il lavoro per il video cartellone di 25 piani di altezza sopra l'aquila americana proprio nel cuore di Times Square, Broadway, New York, mostra dal titolo "See Me Take on Times Square "mostra d'arte promossa da See|Me Group, Inc. Premi: “The RAFFAELLO SANZIO 2014 AWARD & The Nelson Mandela SPECIAL AWARD FOR HUMAN RIGHTS”; Given The Title "MASTER" And The "RAFFEELLO SANZIO 2014 AWARD"; The Prize In For The Artists That Are Worth For Their Artistic Merit. Awarding Of The “Sandro Botticelli Prize” 2014; The Prize International Rome Imperial For The Artists That Are Worth For Their Artistic Merit; ITALIA IN ARTE "PIETER PAUL RUBENS AWARD 2015" BAROQUE CONTEMPORARY ART; International Prize Marco Polo Art Ambassador.; Critics Award / Premio Della Critica; 1° International Noto Award - Unesco Heritage; Rome “Awarding Of The International Prize Michelangelo - Artists At The Jubilee”; Oscar Dell’arte 2015, Artexpò Gallery In Principality Of Monaco. Biennial Prize For Visual Arts "Academy Of Art 2015; “Awarding Of The International Prize Leonardo Da Vinci - The Universal Artist”, Florence 2016. L’intenzione narrativa di Yulia Altas ben si unisce con il suo talento. Riesce ad unire cromia e segno nel rappresentare paesaggi di rara bellezza sì da guidare il fruitore verso la comprensione della tematica espressa in modo davvero efficace. The narrative intention of Yulia Altas fits well with her talent. She manages to combine chromatic and marks in representing landscapes of rare beauty so as to guide the user to the full understanding of the issue really effectively expressed . Dino Marasà

Contatti: Russia-usa e-mail: artmir2@gmail.com sito web: www.altasdesign.com

MaRia FeRRaRa M. Ferrara was born in San Pier Niceto (Messina), she shows ever since a very young age a marked inclination for artistic activities. At present she resides in Rome, after a long permanence abroad, first in Lausanne (Switzerland) and afterwards in London where she attends courses on creative techniques , coming to a passion for painting. In Rome she attends a School of Art and focuses her activity on figurative painting, having a preference for oil painting. Her works’ collection becomes more and more diverse throughout the years and she matures a predisposition on the use of strong and determined chromatic colours. Her whole work finds favor with the public interest, which leads to her participation in several collective and personal art exhibitions in Italy and abroad. Critics involved in her works: Alfredo M. Barbagallo; Simone Fappanni; Mara Ferloni; Conte Daniele Radini Tedeschi; Lorenzo Fattori; Claudio Lepri; Anna Francesca Biondolillo; Lucia Basile; Dino Marasà; Aldo Maria Pero; Giovanna Grossato; Salvatore Russo; Alessandro Costanza. Her artworks are published in several art books and magazines in Italy and abroad. M. Ferrara è nata a San Pier Niceto (Messina), mostra fin da molto giovane un’inclinazione marcata per le attività artistiche. Attualmente risiede a Roma, dopo una lunga permanenza all’estero, prima a Losanna (Svizzera) e in seguito a Londra, dove frequenta corsi di tecniche creative, per giungere a una passione per la pittura. A Roma frequenta una scuola d’arte e concentra la sua attività sulla pittura figurativa, prediligendo

“the square”, 2011, oil on canvas, cm 70x90 euR 2.000,00

la pittura a olio. La collezione delle sue opere diventa sempre più diversificata nel corso degli anni e matura una predisposizione all’uso di forte e determinato colori cromatici. Tutto il suo lavoro trova il favore dell’interesse del pubblico, che la conduce alla partecipazione a numerose mostre collettive e personali in Italia e all’estero. I critici che hanno parlato delle sue opere: Alfredo M. Barbagallo; Simone Fappanni; Mara Ferloni; Conte Daniele Radini Tedeschi; Lorenzo Fattori; Claudio Lepri; Anna Francesca Biondolillo; Lucia Basile; Dino Marasà; Aldo Maria Pero; Giovanna Grossato; Salvatore Russo; Alessandro Costanza. Le sue opere sono pubblicate in numerosi libri d’arte e riviste in Italia e all’estero. Maria Ferrara’s tones are describing the entire visible world with an abstract pictorial language that explodes with all strenght in front of the viewer. This language speaks to him and to his soul with clear, wonderful pictorial words and showing him a new, exclusive way of “making art”. So Maria Ferrara’s works are real artworks in the contemporary artistic scene that often is made by boring and nonsense experiments of abstractism. I toni di Maria Ferrara descrivono l’intero mondo visibile con un linguaggio pittorico astratto che esplode con tutta la sua forza davanti lo spettatore. Tale linguaggio gli parla anche all’animo con chiare, meravigliose parole pittoriche mostrandogli una nuova maniera di “fare arte”. Pertanto le opere di Maria Ferrara sono davvero opere d’arte nella scena artistica contemporana che spesso è fatta di esperimenti astratti noioisi e senza senso. Dino Marasà

Via dell’acquedotto Paolo, 58 - 00168 Roma tel: +39(0)6 3387917 Mob: +393402474435 e-mail: ferraramaria@hotmail.com Web: ferrara.webartgallery.it

Flash of light 2, 2013, oil on canvas, cm 50x50 euR 800,00

syLVia ditCHBuRn

ulysses Landscape, acrylic on canvas, cm 91x51x4

$au 2,200

Sylvia Ditchburn has been painting and exhibiting her works for more than 40 years as a professional artist. In her paintings she underlines the much diversity in Australia for example tropical rainforests and the Great Barrier Reef near Townsville north Queensland where she lives. She has exhibited her art widely, with more than 55 solo shows and many group shows throughout Australia and internationally in Russia, Beijing, New York, Paris and Italy. Her work is represented in collections throughout the world and she has received over 50 art Heart Reef, acrylic on canvas, cm 115x38x4

$au 2,200

syLVia ditCHBuRn awards. She has been invited to judge several art competitions in north Queensland. Sylvia Ditchburn dipinge ed espone le sue opere per più di 40 anni come un artista professionista. Nei suoi dipinti si sottolinea la grande diversità in Australia per esempio le foreste pluviali tropicali e la Grande Barriera Corallina vicino a Townsville Queensland del nord, dove vive. Ha esposto le sue opere d’arte ampiamente , con più di 55 mostre personali e molte collettive in tutta l’Australia ea livello internazionale in Russia, Pechino, New York, Parigi e l’Italia. Il suo lavoro è rappresentato in collezioni di tutto il mondo e ha ricevuto più di 50 premi d’arte; è stata invitata a giudicare vari concorsi d’arte, nel nord del Queensland. Sylvia Ditchburn loves her homeland. Australia, a magic continent where nature is fantastic, a continent where the light of the sun, passionate in its tones, gives a big, fantastic flavor to all. Plants, rocks, trees, animals, marine, are more near to us; their tropical power becomes tangible on the canvas. Sylvia makes us to have nearest a land far away from us: Australia where man explores his soul enjoying a wonderful, rich, joyful nature. Sylvia Ditchburn ama la sua patria. L'Australia, un continete magico dove la natura è fantastica, un continente dove la luce del sole, appassionata nei suoi toni, dà un grande fantastico aroma a tutto. Piante, rocce, alberi, animali, marine, sono più vicine a noi; la loro Birds nest fern, gouache on arches, cm 76x57 framed $au 2,500

forza tropicale diviene tangibile sulla tela. Sylvia ci fa avere più vicina una terra lontana da noi: l'Australia dove l'uomo esplora la sua anima godendo una natura, meravigliosa, ricca, gioiosa. Dino Marasà

Po Box 121 - Belgian Gardens QLd 4810 - australia Gallery: +61(0)747243953; Mob : +61(0) 0419790245 www.sylviaditchburnfineartgallery.com www.sylviaditchburnfineartgallery.com www.sylviaditchburn.com sylviaditchburnart@icloud.com spynx - Rock solid, acrylic on arches, cm 57x76 $au 2,500

RoBeRto LuCato thing. You, man, feel, think, speak, say. Your actions, man, bust have a sense. And your guide mustn’t be the the society but your thinking brain. Nor society nor money but you! You are able, man, to understand and to appreciate by yourself, you are able, man, to feel the emotions and the poetry and the magical complexity of the world. So man, be man, not a thing. This is the clear message of Maestro Roberto Lucato - not only excellent technique but deep exhortation to be all of us men. Essere umano stai pensando? E se non lo stai facendo, pensa! La società e il tuo simile non hanno il diritto di trasformati in una cosa. Tu, uomo, senti, pensi, parli, dici. Le tue azioni,uomo, devono avere un senso. E la tua guida non deve essere la società ma la tua mente pensante. Nè la società nè il denaro ma tu! Sei capace, uomo, di capire e di apprezzare da solo, sei capace, uomo, di sentire le emozioni e la poesia e la magica complessità del mondo. Così uomo, sii uomo, non una cosa. Questo è il messaggio chiaro del Maestro Roberto Lucato – non solo tecnica eccellente ma esortazione profonda ad essere tutti noi, uomini. Dino Marasà

sito web: www.robertolucato.it

anche Cristo si vergogna, 2011-2012, olio su tela, cm 124x100

“Sometimes I’m ashamed to be part of this race, are born so my thinking men. I have the desire to represent the now fugitive man thought of the matter, stand in front as in a mirror for questioning. It ‘also an attempt to awaken dormant consciences from the constraints and impositions of a power company is now in disarray. With my thinking beings I want to invite the observer to a catharsis metaphorically portraying ourselves, our tortured and contradictory human condition, but always for those who can read, with a message of hope for a renewed be us, thinking men. “ Roberto Lucato “A volte mi vergogno far parte di questa razza, nascono così i miei Uomini Pensanti. Sono la volontà di rappresentare il pensiero dell’uomo ormai profugo della materia, il mettersi di fronte come in uno specchio per porsi domande. E’ anche un tentativo di risvegliare coscienze assopite dalle costrizioni e dalle imposizioni di una società di potere ormai allo sbando. Con i miei Esseri Pensanti voglio invitare l’osservatore ad una catarsi raffigurando metaforicamente noi stessi, la nostra torturata e contraddittoria condizione umana, ma sempre, per chi sa leggere, con un messaggio di speranza per un rinnovato essere noi, Uomini Pensanti.” Roberto Lucato Human being are you thinking?And if not, do think! Society and your similar haven’t the right to transform you in a

Staccare la spina 50x70 2009 applicazioni e olio su tela

saLVatoRe PiRas Salvatore Piras was Born in San Gavino Monreale on April 26th 1970. He lives and works in Gonnosfanadiga (Sardinia). He is a selftaught, he has closely followed the work of Sardinians talented contemporary artists. His works are in various public and private collections of modern and contemporary art. He has participated in numerous group exhibitions in Italy and Europe. Salvatore Piras è nato a San Gavino Monreale il 26 Aprile 1970, risiede e opera a Gonnosfanadiga. Autodidatta, ha seguito con attenzione l’operato di validi artisti sardi contemporanei. Sue opere sono presenti presso diverse collezioni d’arte moderna e contemporanea pubbliche e private. Ha partecipato a numerose collettive nel territorio nazionale ed europeo.

Metamorfosi n°1, 201, tecnica mista su carta, cm 70x50

Maestro Salvatore Piras indubitable owns technique and poetic power as all the great artists. His palette and his sign are based on the real that then is transfigured in landscapes full of contemplative silence. The artworks are full of the personal interpretation about the secret beauty and soul of Nature. Piras makes the viewer to love art, makes the viewer to dream art, in a triumphal dance of sign, shapes and colors. Il Maestro Salvatore Piras indubbiamente possiede tecnica e forza poetica come tutti i grandi artisti, La sua tavolozza e il suo segno si basano sul reale che viene poi trasfigurato in panorami colmi di silenzio contemplativo. Le opere d’arte sono

Metamorfosi n°2, 201, tecnica mista su carta, cm 70x50

colme della sua personale interpretazione sulla segreta bellezza e anima della Natura. Piras fa amare al fruitore l’arte, fa sognare al fruitore l’arte, in una danza trionfale di forme, segno e colore. Dino Marasà 65

Via Leonardo da Vinci, 5 09035 Gonnosfanadiga (Vs) tel: 070 9798006 - Mob:.340 2625807 Web: www.laspadarina.com Pricing: from 300,00 to 9.000 euRo

oLGa aGaRkoVa di vita consegue la laurea in ingegneria al politecnico di Kremenchung. Trasferita in Danimarca e poi in Italia, nel 2010 si sposa e nel 2012 diventa cittadina italiana e apre un’attività con il marito di “lavorazione artistica del mosaico”. Si avvicina all’arte del ricamo a punto croce slavo, una passione mai sopita, nata nell’infanzia. Lo stile del punto croce slavo consente di esprimere su tela quella magia di colori che solo la pittura può superare e rendere visibili immagini meravigliose. La ricerca di nuove modalità di espressione, hanno portato l’artista ad avvicinarsi anche alla pittura. L’artista frequenta un corso di disegno dal quale sono già partite elaborazioni su tela. L’intenzione narrativa di Olga Agatkova ben si unisce con il suo talento prepotente. Riesce a coniugare cromia e segno in modo fortemente evocativo sì da guidare il fruitore verso la piena comprensione della tematica espressa in modo davvero efficace. The narrative proposal of Olga Agatkova fits well with her strong talent. She is able to combine chromatics and marks in a strong evocative way so as to guide the user to the full understanding of the expressed subject in a really effective way . Dino Marasà

Il miglior mio amico, 2013, tecnica ricamo punto croce slavo, cm 40x29, 28 toni

Agarkova Olga was born on Feb. 23, 1978 in Novokuznetsk in the Kemerovo region in Russia At the age of six months her family moves to the city of Kremenchung in Ukraine , where she lived until the age of 23. She is very determined in her life projects she graduated in engineering from the Polytechnic Kremenchung. She moved first to Denmark and then in Italy, in 2010 she got married and she became an Italian citizen in 2012 and she opened a business with her husband of “artistic workmanship of the mosaic”. She approaches to the art of slavic cross-stitch embroidery a passion who never died down that was born in childhood. The style of cross stitch Slavic allows to express on canvas the magic of colors that only painting can overcome and make visible stunning images. The search for new modes of expression, have led the artist to approach to painting. The artist attends a drawing course from which some processing on canvas have already started. Olga Agarkova nasce il 23 febbraio 1978 a Novokuzneck nella regione del Kemerovo in Russia. All’età di sei mesi la sua famiglia si sposta nella città di Kremenchung in Ucraina, dove vive fino all’età di ventitrè anni. Molto determinata nei suoi progetti 66

Corona di spine, 2011, tecnica ricamo punto croce slavo, cm 37x28, 8 toni

Troyka russa, 2011-2012 tecnica ricamo punto croce slavo cm 34x44, 41 toni

oLGa aGaRkoVa Contatti: Via Case del Medico, 54 67030 introdacqua (aQ) Cellulare: 389 6489822 sito web: www.agarkolart.com e-mail:deol10@meta.ua

Sussurro della farfalla, 2014, pittura tecnica ricamo punto croce slavo, cm 39x42, 11 tonalitĂ

GioVanni MattaLiano His works have been exhibited in main European cities such Milan, Palermo, Rome, Turin, Agrigento, Brussels, Paris, London (in Brick Lane Gallery). Since 1975 he has been awarded several international prizes and he is cited in several art magazines and newspapers. Ha esposto nelle principali città italiane ed estere fra cui Milano, Genova, Palermo, Roma, Torino, Agrigento, Bruxelles, Parigi, Londra. Dal 1975 ad oggi ha ricevuto numerosi premi nazionali ed internazionali ed è apparso in diversi volumi, riviste d'arte e testate dell'informazione. The universe speaks to us through the pictorial emotions of Maestro Giovanni Mattaliano. His works, made with thousands of colored dots, are representing cosmic expansion animated by concentric circles, ellipses, curves and spirals that move in the grandeur of the infinite space. The star clusters, galaxies, astral worlds, in the imagination of Maestro Mattaliano take different forms and become art, the universe becomes art.

espansione cosmica, 2015. acrylic on panel, cm 110x90

L'universo ci parla attraverso le emozioni pittoriche del Maestro Giovanni Mattaliano. Le sue opere, realizzate con migliaia di punti colorati, rappresentano espansioni cosmiche animate da cerchi concentrici, ellissi, curve e spirali che si muovono nella grandiosità dello spazio infinito. Gli agglomerati stellari, le galassie, i mondi astrali, nell'immaginario del Maestro Mattaliano prendono forme differenti e divengono arte, l'universo diviene arte. Dino Marasà

Cellulare: 333 8936806 e-mail: dodmat@tin.it www.pittorica.com/ Giovanni-Mattaliano Pricing: contact the artist espansione cosmica, 2015. acrylic on panel, cm 110x90

niCoLa Rizzo La poesia creativa del Maestro Nicola Rizzo padroneggia il colore e il segno con ottimo risultato narrativo. La sua tavolozza è dunque ricca, anche di luce che abbaglia benevolmente il cuore e l’anima e rischiara gli orizzonti dell’arte contemporanea. Un Maestro Nicola Rizzo, fra i più capaci di leggere l’animo e trasformarlo in arte. Creative poetry of Maestro Nicola Rizzo masteres color and sign with great narrative result. His palette is rich, therefore, also of light that dazzles benevolently the heart and the soul and brightens the horizons of contemporary art. A Master Nicola Rizzo, one of the most able to read the mind and turn it into art. Dino Marasà

dedicato a mia figlia, lavoro ad olio su tela di lino, mis. 60x80

Nicola Rizzo was born in the National Park of Cilento and Vallo di Diano on 6th January 1948. He soon begins to draw and make use of, since the early years of oil colors media. After school classical studies, he undertook a self-employment in design in for furnishing. Then he employes in education as a primary school teacher, teaching children, among other things, to learn to do simple mosaics or watercolor works. Leaving school, he devoted himself full time to painting on canvas, focusing on the oil technique. His art is inspired by the natural beauty, the most significant places, from an architectural and historical point of view, the human figure in its various attitudes of life. Each work is related to a message, in a cool and pleasant way you want to satisfy the viewer, to transport it in a sphere of serenity and contentment of the spirit. Nicola Rizzo nasce nel Parco Nazionale del Cilento e Vallo di Diano il 6 gennaio 1948. Comincia presto a disegnare e far uso dei colori ad olio, sin dai primi anni di scuola media.Dopo gli studi classici, intraprende un lavoro autonomo legato molto al disegno in prospettiva dell’arredo. Successivamente si inserisce nel mondo della scuola come insegnante di scuola primaria, insegnando ai bambini, tra le altre cose, ad imparare a fare semplici mosaici o lavori di acquerello. Lasciata la scuola per raggiunti limiti di età, si dedica a tempo pieno alla pittura su tela, privilegiando la tecnica a olio. La sua arte è ispirata alle bellezze naturali, ai luoghi più significativi, dal punto di vista architettonico e storico, alla figura umana nei suoi vari atteggiamenti di vita. Ogni lavoro è legato ad un messaggio, che in un modo fresco e piacevole vuole appagare chi lo guarda, per trasportarlo in una sfera di serenità ed appagamento dello spirito.

Ragazza a Montagnana, lavoro su tela di lino riportata su compensato di pioppo

Via G. ettore Herler, 10 - 31046 oderzo (tV) Mob: 345 4342165 email: erkla@libero.it Web: www.rizzonicola.it

CRistina Maya Caetano in un saluto alla vita e alla natura. Sfruttando del colore, il contrasto tra l’astratto e il figurativo stampato su paesaggi, immagini e personaggi che lei inventa, suoi soggetti preferiti accanto gli animali, fiori e piante. Per Cristina arte è libertà e la gioia dell’anima. Nel suo olio su tela che è ispirata dalle sue poesie e nelle sue tecniche miste a olio ha riflettuto la sua collezione di libri e marchio “Little Fairy Lotus” per bambini. Dal 2005 ha partecipato a diverse mostre di pittura in Portogallo e dal 2011 ha lavora con Vieira Portuense Art Gallery in Portogallo. Dal 2013, Cristina partecipa a importanti mostre internazionali.

Pure essence, 2015 oil on canvas, cm 50x60

Cristina Maya Caetano is Portuguese, born in Angola, lived in Mozambique and presently lives in Portugal, between Aveiro and Pinhel. She works with oil-oncanvas and her paintings were born from poems that she created. It is in tuning with the essence of spirituality that she expresses herself using bold colors and waveforms in the breeze of her soul. Color combinations, the abstract and the figurative printed on landscapes, images and characters that she invents, are her favorite subjects alongside the animals, flowers and plants. What her eyes sees and her five senses feels, she analyzes inwardly and in the silence of her being she creates with love each work. She has participated in several important international exhibitions around the world and she works with international curators and galleries. Her artwork has often been awarded and also published in specialized Art Books and Magazines. Her work is represented in the permanent collection of EUROPEAN ART MUSEUM in Denmark, and in the MAMAG (Modern Art Museum) in Austria. Cristina Maya Caetano è il portoghese, nata in Angola, ha vissuto in Mozambico e vive in Portogallo ad Aveiro. Scrittrice, un artista plastico, illustratrice e poetessa. Lavora con tecnica mista olio-su-tela e illustrazioni. Le piace usare i colori audaci e vibranti,

the other light, 2016, oil on canvas, cm 80x100

CRistina Maya Caetano Cristina Maya Caetano is a painter that stimulates those who come into contact with her paintings which are unique and sometimes conflicting emotions. She is equipped with a strong personality, the Portuguese artist is sober and of great refinement, and she can convey effectively the various shades of color. And if the spirals with which transfigures her inner world express a subtle metaphor of human life, some special tensions are also from her figurative subjects that emerge from the chromatic magma. Cristina Maya Caetano è una pittrice che stimola in quanti entrano in contatto con i suoi dipinti, singolari e talvolta contrastanti emozioni. Dotata di una spiccata personalità, l’artista portoghese è sobria e di grande raffinatezza, e sa trasmettere con efficacia le varie tonalità del colore. E se le volute con le quali trasfigura il suo mondo interiore esprimono una sottile metafora della vita umana, particolari tensioni vengono anche dai suoi soggetti figurativi che emergono dal magma cromatico. Dino Marasà

salt body. sea body, 2014 oil on canvas, cm 80x60

Contatti: Portogallo sito web: cristina-maya-caetano.webnode.pt e-mail: cmaiacaetano@gmail.com Roses of the soul for you, 2015, oil on canvas, cm 80x60

RoCCo PaCi conta più di 200 Mostre Collettive e più di 50 Mostre Personali in tutto il territorio nazionale ed all’estero. Sceglie le destinazioni delle Mostre non nelle località turistiche ma in località dove lui pensa che ci sia il senso della vita; Borghi marinari o montanari, in cui si vive in modo semplice e dove ritrae scorci di paesaggio o di vita passata ed attuale. Small towns of Sicily, rich of suggestive histories, are the protagonists of Maestro Rocco Paci pictorial tale. With their colors they transfigure the reality and give to it a dimension of silent and calm dream. Streets, stairs, people, windows, walls are waiting for us, visitors of a world that wants only to be discovered and to be shared. Piccole città della Sicilia, ricche di storie suggestive, sono le protagoniste del racconto pittorico del Maestro Rocco Paci. Con i loro colori trasfigurano il reale e gli danno una dimensione di sogno silenzioso e sereno. Strade, scale, persone, finestre, mura ci stanno aspettando, visitatori di un mondo che vuole essere solo essere scoperto e condiviso. Dino Marasà italy e-mail: roccoarte@libero.it www.roccopaci.it a Montalbano elicona, acrylic on canvas, cm 40x40

Rocco Paci, is a contemporary painter, was born in the workshop of his own country, he uses the force of a simple style, strong and bright. He paints from an early age, now it has more than 200 Group Exhibitions and more than 50 solo exhibitions all over the country and abroad. He chooses destinations of the shows not in the tourist areas but in places where he thinks there is the meaning of life; Fishing or mountain villages , where you live simply and where he portrays views of the landscape or of past and present life. Rocco Paci, pittore contemporaneo, nasce nell’officina del suo stesso paese, sa contrapporre la forza di uno stile semplice, forte e luminoso. Dipinge da tenera età, ad oggi

Per le Chiese di Petralia soprana, acrylic on canvas, cm 70x50

MaRio tasCa Maestro Mario Tasca is the master of figuration and of the abstract. He can realize the best in the two great part of drawing wih a big technique and a big managing of the pictorial tricks. Mestro Tasca creates with an astonishing palette, his brushstrokes are full of meaning and are composed by large and calm color “plans”. His paintings are tonal tales made of experience, linear rapresentations of a inner world speaking to the common man that is fascinated by this art full of personality and culture. Il Maestro Mario Tasca è padrone della figurazione e dell’astratto. Può realizzare il meglio in entrambe le parti della pittura con una grande tecnica e una grande padronanza degli artifizi pittorici. Il Maestro Tasca crea con una tavolozza stabiliante, le sue pennellate sono piene di significato e sono composte da grandi e calmi piani di colore. I suoi dipinti sono racconti tonali fatti dall’esperienza, rappresentazioni lineari di un mondo interiore che parla all’uomo comune che rimane affascinato dalla sua arte che risulta essere piena di personalità e cultura. Dino Marasà

il violinista, 2015, disegno matita su carta

The painting of Mario Tasca, Paduan painter, self-taught, is clearly instinctual. His works certainly bring a great emotional energy and psychic who engages you in a chaos of cosmic dimension. Since the beginning of 2015 he began to grapple with the austerity of black and white pencil drawing by applying the human figure in its most pure and simple, of the idea of ”kalos kai agathos” from culture of classical Greece to which in beauty and goodness can not be sin and evil; So the artistic nude as a paradigm of the beauty of ancient Greece, in respect of the feelings of the viewer of the artwork. La pittura di Mario Tasca, pittore padovano, autodidatta, è nettamente istintuale. Sono, le sue, opere certamente portatrici di una grande energia emotiva e sensitiva che ti coinvolge in un caos di dimensione cosmica. Dall’inizio del 2015 ha cominciato a cimentarsi con l’austerità del bianco e nero della matita da disegno applicandosi alla figura umana nella sua forma più pura ed essenziale, all’insegna del concetto del “kalos kai agathos” della cultura della Grecia classica per la quale nel bello e buono non può esserci il peccato e il male; il nudo artistico dunque come paradigma della bellezza dell’antica Grecia, nel rispetto della sensibilità del fruitore dell’opera d’arte. e-mail: tascamario@libero.it

Luci della ribalta, 2015, acrilico e spatola su tela, cm 80x60

astRid JaCoBs professionale gratificante come art director, editrice, illustratrice e scrittrice. Espone sue opere a livello internazionale in tutta la Germania, Slovacchia, Italia, Austria, Francia, Inghilterra, Scozia e Stati Uniti (New York, Miami e St. Louis). Le sue opere sono esposte in molte collezioni pubbliche e private in tutto il mondo. Nel 1993 si trasferisce a New York, Stati Uniti d’America, dove ha lavorato presso la Barrett - House Art Gallery e la Scuola d’Arte. Dal 1998 ha il suo studio a Monaco di Baviera, in Germania, come artista freelance. I suoi quadri permettono di catturare i momenti felici di silenzio, mostrando agli altri uno scorcio di ciò che è sotto la superficie. I colori esprimono le emozioni e la musica che stanno dietro tutte le forme di vita. Per il suo colore è musica e la musica è il colore.

Cruising on a fine night, acrylic on canvas, 100 x 100cm interstellar, acrylic on canvas, 90x90cm

The award-winning painter, illustrator and author Astrid Jacobs works and lives in Germany. She graduated from the Art Academy in Hamburg, Germany. Aside from her fine-art career, Ms. Jacobs had a prosperous professional life as an art director, publisher, illustrator and writer. She exhibits her artwork internationally throughout Germany, Slovakia, Italy, Austria, France, England, Scotland and United States (New York City, Miami and St Louis). Her artwork hangs in many public and private collections worldwide. In 1993 she moved to New York, USA, where she worked at the Barrett-House Art Gallery and School of Arts. Since 1998 she has her own Studio in Munich, Germany, as a freelance artist. Her paintings allow to capture happy moments of silence, showings others a glimpse of what’s beneath the surface. The colors express the emotions and music behind all forms of life. For her color is music and music is color. La premiata pittrice, illustratrice e autrice Astrid Jacobs vive e lavora in Germania. Si è laureata presso l’ Accademia di Belle Arti di Amburgo, in Germania. A parte la sua carriera nelle Belle Arti, l’artista Astrid Jacobs ha avuto una vita 74

astRid JaCoBs Artistic expression in Astrid Jacobs looks at both the abstract to the figurative tradition that, by implementing the lessons of surreal. From his deep love for the color, she became deeply involved in finding its own way with sincerity and intellectual honesty; it makes research continues the very reason of his art. In its colors, in its signs he lives a skilled and versatile intellect. Astrid Jacobs in recent years has developed a valuable compositional syntax and rich fantasy. She turns its attention to the sidereal spaces drawing inspiration for the forms and manners fueling her creativity and supplementing arrichendola with unusual items but undoubtedly valid aesthetic and formal point of view. L’espressione artistica in Astrid Jacobs guarda sia alla tradizione figurativa che all’astratto, mettendo in atto la lezione del surreale. A partire dal suo profondo amore per il colore, si cimenta nel trovare la sua propria strada con sincerità e onestà intellettuale; fa della ricerca continua il motivo stesso della sua arte. Nei suoi colori, nei suoi segni vive un intelletto abile e versatile. Astrid Jacobs in questi anni ha sviluppato una sintassi compositiva preziosa e ricca di fantasia. Volge la sua attenzione verso gli spazi siderali traendone ispirazioni per le forme e le maniere alimentando così la sua creatività completandola e arrichendola con elementi insoliti ma indubbiamente validi dal punto di vista estetico e formale. Dino Marasà

Rose, acrylic on canvas, 80x60 cm

Magdalenenweg, 5 - 82152 Planegg (Germania) telefono: 0049 89 89530623 - Cellulare: 004915737642466 Web: www.astridjacobs.de e-mail: astridjacobs@gmx.net Pricing: from euro 1400,00 a 3.600,00.

kidist deGaFFe intitolati “Endurance” (2005-2008), poi la serie di “Endurance Continued” (2009-2012), “Allegory to Endurance” vanno dal 2013 ad oggi. Degaffe ha esposto in paesi come Germania, Stati Uniti, Francia, Svizzera, e l’Etiopia. L’opera ‘The gallop’ è esposta al Museo Nazionale dell’Etiopia. Artist Degaffe is a poetically visionary artist of solar research, she has always held true to her creative dimension based on an allegorical representation of distant memories and memorials landscapes. Over time his art has come to a formal unit not separated by a climate permeated with subtle intimate lyricism. Poeticamente visionaria, artista della ricerca solare Degaffe, si è sempre tenuta fedele alla propria dimensione creativa fondata su una figurazione allegorica di lontani ricordi e di paesaggi memoriali. Nel tempo la sua arte è giunta ad una unità formale non disgiunta da un clima intimista permeato di sottile liricità. Dino Marasà

Contatti: BP 80 - Chexbres (svizzera) e-mail: degaffesart@gmail.com www.arva.ch; www.artdegaffe.livegalerie.com

Artiste avec miroir et Alpes

Degaffe Kidist Born in Ethiopia, 1969. Worked in airline industry, public relations, journalism, marketing, education, but always in her heart is the spirit of an Artist. Enthusiast, she leaves all her activities to follow Art. She graduates from a Private Fine Art Academy in Addis Ababa in 2005. Since, full-time professional artist. While she specializes in semi-abstract expressive portraits, her works also include landscapes inspired by exposure to Mombasa & the European Alps. Degaffe also uses animal motifs to express allegory in the endurance series. Her earlier works titled ‘Endurance’ (from 2005 to 2008), then her series of ‘Endurance Continued’ (from 2009 to 2012), ‘Allegory to Endurance’ Series from 2013 to current. Degaffe has exhibited in countries including Germany, USA, France, Switzerland, and Ethiopia. Her work ‘the gallop’ exhibits at the National Museum of Ethiopia. Degaffe Kidist è nata in Etiopia, 1969. Ha lavorato nel settore del trasporto aereo, delle pubbliche relazioni, giornalismo, marketing, formazione, ma sempre nel suo cuore ha lo spirito di un artista. Entusiasta, lascia tutte le sue attività per seguire l’arte. Si laurea alla “Private Fine Art Academy” di Addis Abeba nel 2005. Da allora è a tempo pieno un’artista professionista. Specializzata in ritratti espressivi semi-astratti, nelle sue opere si trovano anche paesaggi ispirati a Mombasa & alle Alpi. Degaffe utilizza anche animali allegorici nella serie “Endurance”. I suoi primi lavori

Endurance Equilibre II

JoRdan e. BRooks lustrazione con il suo staff (OutThere Comic books & Illustrations). They are evocative compositions that express a poetic out of time and history. Jordan E. Brooks demonstrates here to have a thorough pictorial culture and persuasive imaginative capacity. Sono composizioni suggestive che esprimono una poetica fuori dal tempo e dalla storia. Jordan E. Brooks dimostra di possedere un’approfondita cultura e una suadente capacità immaginifica. Dino Marasà Contatti: 642 n. W. shorey Place 66608 topeka (kansas) Mobile: 785 3806099 www.jordanebrooks-com.webs.com All of My Life, 2015, acrilico su tela, cm 60,96x91,44

Jordan E. Brooks is influenced by a wide variety of work ranging from the classical to comic book greats from the 90’s. Brooks’ work focuses on the concept of social awareness and overriding power of social media on our environment. Brooks’ work aims to remind people of their inherent humanity. He has lived in Topeka and Lawrence, Kansas his life. In 2011 he had his first international group exhibition at the Southern Nevada Museum of Fine Arts in Las Vegas. He was honored to become a part of their permanent collection with “Gallery of Hearts”. This only inspired him to move forward! In 2013, he was blessed to be a part of 100 international contemporary artist from all over the world. “Power of perception” was the publication produced by this inspiring collection. He is currently working on a number of illustration projects with his crew (Out There Comic books & Illustrations). Jordan E. Brooks è influenzato da una vasta gamma di attività che vanno dal classico al libro grandi fumetti dagli anni ’90. Il lavoro di Brooks si concentra sul concetto di consapevolezza e sul prevalere del potere dei social media sul nostro ambiente. Il lavoro di Brooks ha lo scopo di ricordare alla gente della loro umanità intrinseca. Ha vissuto sempre a Topeka e Lawrence, Kansas. Nel 2011 tiene la sua prima mostra internazionale di gruppo presso il Museo Nevada meridionale di Belle Arti di Las Vegas, Nevada. Ha avuto l’onore di entrare a far parte della loro collezione permanente con “Galleria di Cuori”. Questo solo lo ha ispirato ad andare avanti! Nel 2013, è stato benedetto ed è entrato a far parte dei cento artisti contemporanei provenienti da tutto il mondo nella prima mostra internazionale a New York, nel centro storico di Harlem. “Potere della percezione” è stata la pubblicazione prodotta da questa collezione così incisiva. Attualmente sta lavorando su una serie di progetti di il-

New, 2011, acrilico su tela, cm 121,92x91,44

RoBeRto La toRRe d’Arte della sua città, nella sezione scultura, e inizia l’attività artistica intorno al 1965 partecipando ad alcune esposizioni.Vanta al suo attivo numerose esposizioni in diverse città italiane ed estere, tra le quali Roma, Venezia, Milano, Padova, Trieste, Torino, Firenze, Ferrara, Catania, Novara, Enna, Atene, Taormina, Agrigento, Siracusa, Acireale, Tel Aviv, Parigi, Tokyo, La Valletta, Barcellona, Figueras.Sue opere figurano su cataloghi e riviste specializzate: C. A. M. nn. 24, 25, 26, 35 e Nuova Arte 1996 e 2007 della G. Mondadori; Editel 1993; Arte Immagini 1996; Artisti Siciliani Contemporanei 1998; EIAC 1992; Avanguardie Artistiche 2006-07-08-09; Il Quadrato; I Grandi Maestri; Arte In Tricolore 2011; Archivio Euroarte; Paris Beaux Art; Effetto Arte; Arte Ambiente; Boè, Top Boè; Rai Tv3; Sky Tv; Teleuno Tris; Televita e diversi quotidiani nazionali e regionaliCitato dai critici: F. Torrisi; L. Trimarchi; G. Patellaro; F. Castellani; E. Fabiani; F. Gallo; L. Musmeci; M. R. Belgiovine; D. Cutrufo; D. Conenna; M. De Treissac; V. Cardaci; G. Amato; G. Scozzari; Di Martino; V. Giaracca; P. Pappalardo; M. Mali; F. P. Prestipino; T. Rizzo; A. Koji; A. F. Biondolillo; G. Possa; S. Serradifalco; G. Accascina; G. Candrilli; I. Nigrelli; V. Crimì; P. Levi; D. Marasà; S. Bison; S. Russo.

natura morta, gouache on canvas, cm 70x100

Roberto La Torre was born in Enna, Sicily’s navel, on January 6th, 1948. He studied at the Art Institute of his city, in the sculpture department, and he starts the artistic activity around 1965 by participating in various exhibitions. He exhibited in numerous exhibitions in various Italian and foreign cities, including Rome, Venice, Milan, Padua, Trieste, Turin, Florence, Ferrara, Catania, Novara, Enna, Athens, Taormina, Agrigento, Siracusa, Acireale, Tel Aviv, Paris, Tokyo , Valletta, Barcelona, Figueras. His works appear in catalogs and magazines:C. A. M. nn. 24, 25, 26, 35 e Nuova Arte 1996 e 2007 della G. Mondadori; Editel 1993; Arte Immagini 1996; Artisti Siciliani Contemporanei 1998; EIAC 1992; Avanguardie Artistiche 2006-07-08-09; Il Quadrato; I Grandi Maestri; Arte In Tricolore 2011; Archivio Euroarte; Paris Beaux Art; Effetto Arte; Arte Ambiente; Boè, Top Boè; Rai Tv3; Sky Tv; Teleuno Tris; Televita and several regional and national newspapers They wrote about him: F. Torrisi; L. Trimarchi; G. Patellaro; F. Castellani; E. Fabiani; F. Gallo; L. Musmeci; M. R. Belgiovine; D. Cutrufo; D. Conenna; M. De Treissac; V. Cardaci; G. Amato; G. Scozzari; Di Martino; V. Giaracca; P. Pappalardo; M. Mali; F. P. Prestipino; T. Rizzo; A. Koji; A. F. Biondolillo; G. Possa; S. Serradifalco; G. Accascina; G. Candrilli; I. Nigrelli; V. Crimi; P. Levi; D. Marasà; S. Bison; S. Russo. Roberto La Torre nasce a Enna, ombelico della Sicilia, il 6 gennaio 1948. Studia presso l’Istituto

The experience of Maestro Roberto La Torre appears on the canvas and evokes the beauty of Nature and the suggestions of sicilian history. His art lives in a full of light, enchanting powerful palette. To the viewer of the work he speaks about worlds which are suspended in time. These world are rich of poetry and emotions, they are all limitless extension of the artist thought that gives voice to them with a fascinating technique and formal elegance. L’esperienza del Maestro Roberto La Torre compare sulla tela e evoca la bellezza della Natura e le suggestioni della storia siciliana. La sua arte vive in una tavolozza piena di luce, incantevole e potente. Parla al fruitore dell’opera di mondi che sono sospesi nel tempo. Questi mondi sono ricchi di poesia ed emozioni, sono estensioni infinite del pensiero dell’artista che dà loro voce con una tecnica affascinante ed eleganza formale. Dino Marasà C.da Corvo s.n.c. - 94010 nissoria (en) tel: 0935 669267 Mob: 333 8658718 e-mail: fam_latorre@alice.it Pricing: from 3.000 to 5.000 euRo

Pergusa, anacronistica Persefone, 2014 oil spatula on canvas, cm 56x100

seBastiano aLtoMaRe

La fascia di orione, è da qui che vengono gli alieni 2015, scultura legno e foglia oro, cm 60x90 euR 1.500

Le opere del maestro Sebastiano Altomare, sono un ponte immaginario tra la tradizione artistica e l’innovazione, soprattutto dal punto di vista emotivo. Opere evocative, il cui simbolismo spinge la mente a voler spezzare i limiti di lettura dell’opera. Originale l’esecuzione e la scelta dei soggetti, frutto di un’attenta ricerca stilistica.

Precarietà, 2014, scultura legno e colori a smalto cm 165x30 euR 3.000

Altomare Sebastiano was born in Avola on 6th February 1946. He attended the Art Institute of Syracuse where he lives and works. He has exhibited with success since 2003. We remember the events of 2015: Gallery Arttime, Passioni di Cristo, Pescia (Pistoia), 1st International “Unesco” City of Noto (SR); Gallery Farini, Bologna International Contemporary Art; ArtExpo Gallery Casalpusterlengo (LO) Contemporary Forlì. Some works are in museums of contemporary art in Sicily and northern Italy.

The works of Maestro Altomare, have an imaginary bridge between the artistic tradition and innovation, especially from an emotional point of view. Evocative works, whose symbolism pushes the mind to break up the reading of limits. The works have an original execution and choice of subjects the result of careful stylistic research. Dino Marasà

Nato ad Avola il 6 Febbraio 1946. Ha frequentato l’Istituto d’Arte di Siracusa dove vive e lavora. Ha esposto con successo dal 2003. Ricordiamo gli eventi del 2015: Galleria Arttime, Udine; Passioni di Cristo, Pescia (Pistoia), 1° Internazionale “Unesco” Città di Noto (SR); Galleria Farini , Bologna Internazionale d’Arte contemporanea; Artexpò Gallery Casalpusterlengo (LO) Contemporanea di Forlì. Alcune opere si trovano in Musei d’Arte in Sicilia e al Nord Italia.

Contatti: Mobile: 347 0449982 Via Mario Francese, 40 -96100 siracusa e-mail: sebastiano.altomare@yahoo. it

Ben FRoCHisse Ben Frochisse graduated at the “Institut Supérieur des Beaux Arts Saint - Luc” of Liege in 2000. He exhibited since 1999 successfully. In 2014 he exhibited at Palexpo Verona and in 2015 the Biennale “RomArt” at the Fair of Rome. Ben Frochisse si è diplomato all’”Institut Supérieur des Beaux-Arts Saint-Luc” di Liegi nel 2000. Espone con successo dal 1999. Nel 2014 ha esposto al Palaexpo di Verona e nel 2015 alla Biennale “RomArt” presso la Fiera di Roma. L’amore per il surreale ha caratterizzato da sempre la creatività del maestro Ben Frochisse. Egli si avvale dell’uso di simboli, mescolando realtà e metafisica, per fare discernere meglio al fruitore la descrizione dei contenuti pittorici, accompagnandosi anche con cromie vivide che enfatizzano i tratti stilistici con sapiente maestria. La sua sintassi surreale è piacevole e accattivante. Stimolo per la fantasia, essa ci consente di comprendere il reale e le sue manifestazioni, facendoci ammirare nuovi confini rappresentativi che sono frutto del talento e dell’ingegno umano.

Condamnation, olio su tela, cm 50x70

reality and metaphysical, to better discern the user the description of the pictorial content, also accompanied with vivid colors that emphasize the stylistic traits with great skill. His surreal syntax is pleasant and appealing. Stimulus to the imagination, it allows us to

understand the real and its manifestations, making us admire new representative boundaries that are the result of talent and of human ingenuity . Dino Marasà

The love of the surreal has always characterized the creativity of the teacher Ben Frochisse. He makes use of symbols, mixing

Rue de Revougne, 217 5570 Beauruins (Hommay) Belgio e-mail: ben.frochisse@gmail.com sito web: http://benfrochisse.wix.co m/benfrochisse

Les larmes de Dieu, olio su tela, cm 70x100

FRanCesCo LuCHino letterario che spiega i propri intenti e le proprie inclinazioni e nello stesso tempo la propria abilità. L’essere poliedrico é un’ altra caratteristica di questo artista che riesce a stupire tutti con il suo fraseggio chiaro e disinvolto in tutte le sue opere. The color and artistic momentum of the master Luchino is perceived in every corner of his accomplishments. He fell in love art and reality revises any landscape, or urban glimpse instant and makes them live again donating his inner light and strong vitality that changes moment by moment. His inner freedom pushes him to seek ever new compositional alphabets. The ordeals of artist so I'm like a literary manifesto explaining their intentions and their own inclinations and at the same time their ability. Being versatile is an other feature of this artist who manages to impress everyone with his light and casual phrasing in all his works. Dino Marasà

notturno dal balcone, 2015, olio su tavola, cm 40x50

Francesco Luchino, painter, lives and works in San Mauro Torinese. He has held solo exhibitions and participated in group shows and competitions, gaining wide acclaim from audiences and critics. His artistic activity has been given wide coverage in many art books. They wrote him many critics, including George Borio, Carlo Franza and Aldo Spinardi.

e li fa rivivere donando la sua luce interiore e una forte vitalità che si rinnova istante per istante. La sua libertà interiore lo spinge a ricercare sempre nuovi alfabeti compositivi. I cimenti dell’ artista quindi sono come un manifesto

Via torino, 7 10099 san Mauro (to) tel: 011 8222723

Francesco Luchino, pittore, vive ed opera a S. Mauro Torinese. Ha allestito mostre personali e partecipato a collettive e concorsi, ottenendo ampi consensi di pubblico e di critica. Alla sua attività artistica è stato dato ampio risalto in molti libri d’arte. Hanno scritto di lui molti critici, tra cui Giorgio Borio, Carlo Franza e Aldo Spinardi. Lo slancio cromatico e artistico del maestro Luchino si percepisce in ogni angolo delle sue realizzazioni. Egli innamorato dell’arte e della realtà rielabora ogni paesaggio, scorcio o istantanea urbana

interno: scultura e fiori, 2015, olio su tavola, cm 40x60

ViCtoR HaGea The artworks of Victor Hagea can find the right location in the hyper - surreal scene: architectural compositions and figural impossible, astral, denounce the will of rigorous research on the assumptions of the reconquest of a world inexorably lost. And these works denote hypersensitivity in poetry that you can bring to light only with skillful use of color and chiaroscuro that enhance the symbolic value of the particulars designed with skilled craftsmanship. Dino Marasà

Contatti: Fockensteinstr., 17 - 81539 Monaco Phone: 0049 89 6916457 e-mail: vichagea@yahoo.de sito web: www.victor-hagea.de

Between the Lines, olio su tela, cm 130x100

Victor Hagea was born in 1948 in Lupeni - Huneodara in Romania and in 1985 he moved in Germany. He exhibits since 1980 and he was awarded with several awards the last one was: The Golden Canvas of the year 2014 for the picture Between the lines. Many works are in museums in Romania and private collections in Europe, USA and China. He is in several publication since 1988. Victor Hagea è nato nel 1948 a Lupeni - Hunedoara in Romania e nel 1985 si è trasferito in Germania. Espone dal 1980 ed è stato premiato con numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui il “Tela d’Oro” nel 2014 per l’opera “Tra le righe”. Molte opere sono in Musei in Romania e collezioni private in Europa, Stati Uniti e Cina. Egli è in molte pubblicazioni dal 1988. Le opere di Victor Hagea possono trovare la giusta collocazione nel panorama dell’iperrealismo-surreale: composizioni architettoniche e figurali impossibili, astrali, denunziano la volontà di una rigorosa ricerca sulle ipotesi della riconquista di un mondo inesorabilmente perduto. E queste opere, denotano un'ipersensibilità poetica che è possibile far trasparire solo nell'uso sapiente del colore e del chiaroscuro che esaltano la valenza simbolica dei particolari studiati con abile maestria.

Le temps suspendu, 2015, olio su tela, cm 48x33

yoLanda antaL The artist, Yolanda Antal, was born in Poland, lives and creates art in Israel studied art at the" Academy of fine arts" in Italy. studied art and theatre at the Hebrew University, Jerusalem, Israel. A member of the" israeli society of artists and sculptors" A member of "Israel Art Source", a society of fine art artists and galleries. Yolanda Antal, paints in oil and sculpts in bronze, bringing life and lightness into the metal. Her art works are a combination of modern and classic art. She brings a new concept with her innovative technique of hand painting on the bronze sculptures, with plenty of beautiful colors and light reflections. The colors in her works are influenced by the bright tones of the sea and nature. In her art works, nature and the female figure are dominant, inspired by legends, mythology, History, the bible , and different female stereotypes. The women, symbolizes , love and serenity, yet temptation and mystery... Yolanda’s original art works, express spiritual energy, connection between humanity and nature life, the values of classical beauty, in a modern style, created with plenty of details, imagination and love. She participated in many art exhibitions all over the world, New York, Toronto, Paris, Roma, Barcelona, Las Vegas, Palermo, Bologna, Tel Aviv, etc. Her art works art part of collections of fine art Galleries.

Girl in red, bronzo, cm 30x30x15

L'artista, Yolanda Antal, è nata in Polonia, e vive e crea arte in Israele. Ha studiato presso la "Accademia di Belle Arti" in Italia, arte e teatro alla Hebrew University, Gerusalemme, Israele. Membro della "Società degli artisti e scultori israeliani", membro del "Israele Art Source", una società di artisti e gallerie d'arte. Yolanda Antal, dipinge ad olio e scolpisce in bronzo, portando la vita e leggerezza al metallo. Le sue opere sono una combinazione di arte moderna e classica. Lei porta un nuovo concetto con la sua tecnica innovativa di pittura a mano sulle sculture in bronzo, piene di bei colori e riflessi di luce. I colori nelle sue opere sono influenzati dai toni accesi del mare e della natura. Nelle sue opere d'arte, la natura e la figura femminile sono dominanti, ispirate da leggende, mitologia, storia, la Bibbia, e diversi stereotipi femminili. Le donne, simboleggia, amore e serenità, mistero e la tentazione ancora ... l’opera d'arte originale di Yolanda, esprime l'energia spirituale, la connessione tra l'umanità e la vita naturale, i valori della bellezza classica, in stile moderno, con abbondanza di dettagli creati da l’immaginazione e l'amore. Ha partecipato in molte mostre d’arte in tutto il mondo, New York, Toronto, Parigi, Roma, Barcellona, Las Vegas, Palermo, Bologna, Tel Aviv, etc. Le sue opere sono parte di collezioni di gallerie d’arte. They are evocative compositions that express a poetic out of the ordinary. The artist demonstrates that he has a deep culture of sculptural technique and a persuasive imaginative capacity. The color choice is never casual, but functional exaltation sign and plastic form. Sono composizioni suggestive che esprimono una poetica fuori dal comune. L’artista dimostra di possedere un’approfondita cultura della tecnica scultorea e una suadente capacità immaginifica. La scelta cromatica non è mai casuale, ma funzionale all’esaltazione del segno e della forma plastica. Dino Marasà Contatti: edom, 184 - 8806000 eilat (israel) Phone: 00972775314662 Mobile: +972524734141 yolanda_antal@yahoo.com www.yolanda-antal.com

Il vagabondo, bronzo, cm 43x32x23

kostas LoudoVikos Master Kostas Loudovikos is a poet of art. He is a very cultured and sensitive poet. In his works you can find lots of references to world culture. Kostas Loudovikos elaborates his artistic story using many different characters - symbols that are chosen for their inherent expressive strength. Maestro Loudovikos has ranged, throughout his career, for many themes related also to his land such as icons and ancient art revisited. A vast production, therefore, deserves to be known and to be appreciated because it has much to say and to tell, about art, about human life.

the Lamp of sisyphus, tempera and silver powder on cardboard, cm 105x84 euR 3.000

Kostas Loudovikos is a Greek multi-dimensional artist, graduated from the National School of Fine Arts in Lyon (France), with studies in Art History and Law in the University of Athens. His creative portfolio incorporates painting, wall frescoes, icons, drawings, poetry and books about art. He has international awards and publications. Loudovikos’s images are original and unique. Kostas Loudovikos è un artista greco multi-dimensionale, laureato all’Accademia Nazionale di Belle Arti di Lione (Francia), con studi in storia dell’arte e giurisprudenza e all’Università di Atene. Il suo portafoglio creativo comprende dipinti, affreschi, icone, disegni, poesie e libri sull’arte. Ha premi internazionali e pubblicazioni. Le immagini di Loudovikos sono originali e uniche. 84

Il Maestro Kostas Loudovikos è un poeta dell’arte. Un poeta molto colto e sensibile. Nelle sue opere è possibile trovare tantissimi riferimenti alla cultura mondiale. Kostas Loudovikos elabora il suo racconto artistico usando i più svariati personaggi - simbolo che vengono scelti per la loro forza espressiva intrinseca. Il Maestro Loudovikos ha spaziato, durante la sua carriera, per molte tematiche legate anche alla sua terra quali le icone e le rivisitazioni dell’arte antica. Una vasta produzione, dunque, che merita di essere conosciuta e apprezzata perché ha tanto da dire e da raccontare, sull’arte, sulla vita sull’uomo. Dino Marasà

kostas LoudoVikos

the apple of prayer, tempera and silver powder on cardboard, cm 137x53 euR 3.000

Greece www.loudovikos.com info@loudovikos.gr

icarus Ropewalker, tempera on cardboard, cm 133,5x58

euR 3.000

LoRRaine stRieBy Lorraine is certainly a busy artist these days, writing and illustrating children’s books, being showcased in New York City, traveling to Florence, Italy, to pick up the Botticelli Prize in a Palace. How did this all come about? Oh, she is also the Original Creative Artist of the West Virginia University Children’s Hospital Float along with Children’s Miracle Network in the 2016 Tournament of Roses Parade, in Pasadena, CA, which is entitled "Wild and Wonderful." Her artistic education: 1958 West Virginia University; 1974 California State University, BS in Business Education; 1975 California State University, California Teaching Credential. Lorraine is mainly a self-taught artists and has taken many workshops and has studied extensively with Los Angeles based artists Jim Gaines and Ron Pekar. Lorraine è di certo un artista impegnata in questi giorni, perché scrive i suoi libri illustrati per bambini, perché é in mostra a New York, é in viaggio verso Firenze, Italia, per ritirare il Premio Botticelli in un palazzo. Come ha fatto ad arrivare a tanto? Oh, lei è anche l'artista creativo originale del Children Hospital alla University West Virginia di Float con il Children’s Miracle Network nel 2016 Tournament of Roses Parade, a Pasadena, CA, intitolato "I selvaggio e il meraviglioso". La sua educazione artistica: 1958 West Virginia

seeing all that Jazz, mixed Media on paper cm 30x32 print, framed, embellished, usd 2500

Musical Margo, mixed media on paper cm 30 x 32, private collection, print usd 1500

Clarinet in Blues, mixed Media on paper cm 30x32, in europe, usd 2950

LoRRaine stRieBy

still Life with Raven, 2013, oil on canvas, cm 65x90 Found on kindle/amazon, her Children's book, "all Roads Lead to Rome,"

LoRRaine stRieBy University; 1974 California State University, BS in Business Education; 1975 California State University, California Teaching Credential. Lorraine è principalmente un' artista autodidatta e ha fatto molti workshop e ha studiato a lungo con artisti affermati di Los Angeles: Jim Gaines e Ron Pekar. The chromatic enchantment of Lorraine Strieby is the cornerstone of her artistic expression. She is able to describe lan-

dscapes and human stories of her family with great pictorial agility. Her colors and her palette are generous of shades and lights, her sign gets the power from them, is happy, alive and exciting. Lorraine Strieby is happy in her pictorial descriptions, which really warm the soul and project the artist towards rich perception horizons.

Riesce a descivere panorami e vicende umane a lei familiari con grande agilità pittorica. Le sue cromie e la sua tavolozza sono generose di tonalità e di luce, il suo segno attinge potenza da essi, è felice, vivo e avvincente. Lorraine Strieby è felice nelle sue descrizioni pittoriche, che davvero riscaldano l’animo e proiettano l’artista verso orizzonti percettivi ricchissimi.

L’incanto cromatico di Lorraine Strieby è il cardine della sua espressione artistica.

adam and eve, artist's Collection, nFs, Prints available, euR 950, unframed, cm 48x24, euR950 each

Dino Marasà

LoRRaine stRieBy

RightonkeyB, private collection, print, unframed, cm 30x32

LoRRaine stRieBy

Weekend-warrior, mixed media on paper, cm 30 x 32 usd 2500

angels gate, mixed media on canvas, cm 36x36 usd 3950

echo Park Los angels, mixed media on canvas, cm 36x36, museum collection, nevada southern Museum of Fine art Las Vegas, prints available on canvas, $1800, embellished

LoRRaine stRieBy

Maui, mixed media on canvas, cm 10x12, embellished print on canvas, usd 650

20300 tau Place Chatsworth - 91311- usa tel: +18182613968 www.lorrainestrieby.com adobeart818@earthlink.net

tatyana PaLCHuk (tatJana PaLCuka-Rikane) of colorful, delicate painting technique and excellent composition skills. In 2003rd received Master of Arts in Fine Arts and Painting. From the world’s artistic heritage Tanya is very close to the Italian Renaissance, Northern Renaissance (15th – 16th Century), French Illuminated Manuscripts (15th century). Tatjana Palcuka-Rikane is a member of the Latvian Art Union. She is also painting, drawing and composition teacher. Her students work in many countries around the world. Tanya regularly participates in exhibitions. There have been eight solo exhibitions and many group exhibitions. Her paintings are in public collections and many private collections all around the world. Tatjana Palcuka-Rikane (nome d’arte – Tatjana) è nata nel 1954, nella città capitale della Lettonia – Riga. Dal 1967 a 1973 ha studiato alla Jana Rozentala School

in painter’s studio, 1999, olio su tela, cm 78,5x100

Tatjana Palcuka-Rikane (further on – Tatjana) was born in 1954, in the capital city of Latvia - Riga. From 1967 to 1973 studied in Jana Rozentala School of Art in Riga, where received college-level education. From 1975th to 1981 studied in Latvian Academy of Arts, department of easelpainting, followed by an excellent evaluation. From 1984th to 1987th studied in post-graduate course (master class) in the USSR Academy of Arts workshop. Excellent experience gained while studying at the most famous Western school academics like marine painter Eduards Kalnins (Eduard Kalnins) and other great masters. Continuously working and studying at the highest level, Tanya perfectly learned Latvian academic school of painting – including academic drawing school, a subtle sense

Palchuk in Balance, 2004, olio su tela, cm 72x92

tatyana PaLCHuk (tatJana PaLCuka-Rikane)

still Life with Raven, 2013, olio su tela, cm 65x90

of Art di Riga, dove ha ricevuto l’istruzione di livello universitario. Dal 1975 al 1981 ha studiato all’Accademia di Arti lettone, dipartimento di cavalletto-pittura, conseguita con una valutazione eccellente. Dal 1984 al 1987 ha studiato, con corso post-laurea (master class), presso l’Accademia Sovietica di Laboratorio Artistico. Ha acquisito un’ottima esperienza durante gli studi accademici presso la più famosa scuola occidentale con il pittore di marine Eduards Kalnins ed altri grandi maestri. Continuando a lavorare e studiare al pił alto livello, Tatjana si è perfezionata all’Accademia lettone di pittura – compresa la scuola di disegno accademico dalla quale scaturisce il sottile senso del colore, la tecnica pittorica delicata nella composizione e le competenze eccellenti. Nel 2003 ha conseguito il Master in Belle Arti e Pittura. Tatjana è molto vicino al Rinascimento italiano, Rinascimento del 15 ° – 16 ° secolo ed ai manoscritti miniati francesi del 15 ° secolo. È un membro

still Life with Magpie, 2014, olio su tela, cm 60x80

tatyana PaLCHuk (tatJana PaLCuka-Rikane)

French Horn, 2008, olio su tela, cm 70x100

dell’Unione Nazionale d’Arte Lettone; insegna disegno, composizione e pittura. Tatjana partecipa regolarmente a mostre. Ha partecipato a numerose mostre collettive ed organizzato otto mostre personali. I suoi dipinti sono in collezioni pubbliche e molte collezioni private di tutto il mondo. Perfezione del dettaglio ed una particolare freschezza cromatica donano all’operato di Tatjana PalcukaRicane un enorme valore nel panorama artistico internazionale. Le tematiche sviluppate sono quelle delle nature morte, del disegno che accompagna ogni attimo della sua vita: soggetti magistralmente sviluppati con sagace rappresentatività. Ne conseguono realizzazioni pittoriche valide atte ad esaltare la bellezza e la nobiltà di oggetti, corpi femminili in pose suadenti, animali. Tutto viene qui sublimato dalla potenza espressiva dell’arte che in lei ha un sapore di antico e forse per questo appare eterna. Senza alcun dubbio un’eccellente esponente del realismo contemporaneo.

improvisation, 2014, olio su tela, cm 70x74

tatyana PaLCHuk (tatJana PaLCuka-Rikane) Perfection of detail and a special color freshness donate to the work of Tatjana Palcuka - Rikane a tremendous value in the international art scene . The themes are those of the still life, the drawing that accompanies every moment of her life: subjects masterfully developed with canny representativeness . The result is valid pictorial realizations designed to enhance the beauty and nobility of objects, women's bodies in poses persuasive, animals. Everything is here sublimated by the expressive power of art that in her has a taste of ancient and perhaps that seems eternal. Without any doubt an excellent exponent of contemporary realism. Dino Marasà

Robezu street, 4 LV 3913 iecava (Latvia) Mobile: 00371 29909504 e-mail: perikans@inbox.lv Web: www.tpalchuk.eu

drawing lesson, 1999, olio su tela, cm 100x110

“Rits” (Morning) 1998, olio su tela, cm 50x60

RaiMondo CaRRetta “CaRRai”

Le tre grazie, 2015, olio su tela, cm 50x40

Raimondo Carretta nom de plum “Carrai,” has attended art school and he was influenced by artists such as Umberto Boccioni and Michelangelo Buonarroti. Several art critics spoke wrote about him and he took part to important artistic events during his long career. In 2013 he was included in the “Golden book 2013, Florence art citycontemporary masters”. He took part in group exhibitions and is in several specialized publications. Raimondo Carretta in arte “Carrai”, ha frequentato il liceo artistico ed è stato influenzato da pittori come Umberto Boccioni e Michelangelo Buonarroti. Hanno parlato di lui diversi critici d’arte e ha partecipato ad importanti eventi artistici di rilievo

durante la sua lunga carriera. Nel 2013 è stato inserito nel libro albo d’oro 2013, Firenze città d’arte, maestri contemporanei. Ha partecipato a mostre collettive ed è presente in pubblicazioni specializzate. We are facing with a work of high executive level, poetic inspiration and soft and varied color scheme. We must affirm to the Master Carrai to have been able to make, with a slight drawing up the evanescence, the indefinable vagueness of bodies. The artist demonstrates that he has the gift of being able to combine figuration and abstraction. Ci troviamo di fronte a un’opera di alto li96

vello esecutivo, di poetica ispirazione e di morbida e variegata cromia. Bisogna dare atto al Maestro Carrai di aver saputo rendere, con una stesura lieve fino all’evanescenza, l’indefinibile vaghezza dei corpi. L’autore dimostra di possedere la dote di riuscire a coniugare figurazione e astrazione. Dino Marasà

Contatti: studio e galleria: atina, via Roma, 6 Phone: 0776 301374 - 0776 21801 Mobile: 339 2549945 - 331 3109473

aLan BaRnes

War widow

Alan Barnes has achieved recognition and success in both the local Australian market and more recently in the exciting International market. Drawing inspiration from world events, the unknown future and the darker parts of society, Alan’s work is often dark and provocative in nature and thought provoking at the very least. Alan’s work has been exhibited, published and awarded and he regularly receives invitations to participate in exhibitions and publications around the world: Melbourne 2005, Florence Biennale of Contemporary Arte (2003, 2007), Colorida Gallery, Lisbon Portugal 2012, Masters of Today Contemporary Art Book, 2008, S. Botticelli 2015. Alan Barnes ha ottenuto riconoscimenti e successo sia nel mercato australiano che internazionale. Traendo ispirazione da eventi mondiali, l’incertezza del futuro e le tematiche sociali, il suo lavoro è spesso oscuro, provocatorio e stimolante. In 20 anni, l’operato artistico di Alan è stato esposto, pubblicato e premiato. Viene oggi invitato a partecipare a mostre in tutto il mondo. Personali: Melbourne 2005, Biennale di Firenze dell’Arte Contemporanea nel 2003 e nel 2007, Colorida Gallery, Lisbona Portogallo, 2012, Contemporary Art Book dei Maestri Contemporanei, 2008, Premio S. Botticelli 2015. Il messaggio di queste opere di Alan Barnes è quanto mai attuale: un’umanità dilaniata da guerre in cerca di fuga e di salvezza dall’orrore dei nostri tempi. La stesura pittorica è molto significativa nei suoi cromatismi accesi. La figurazione è espressionista e portatrice di soggettive emotività. The message of these works of Alan Barnes is actual as ever: a humanity torn by wars in search of escape and salvation from the horror of our times. The paint layer is very significant in its bright colors. Figuration is expressionistic and full of subjective emotionality. Dino Marasà Melbourne - australia tel: +61(0)431707041 www.adbarnes.com e-mail: alan@adbarnes.com all prices upon enquiry

Help me!

younG - ae yi

Swim in the river of thoughts IV, 2015, tecn. mista su tela, cm 60×73

It’s clear from the painting of Young-Ae Yi a very particular and innate tonal predisposition and composure of the whole artwork. The artworks hint at a considerable expressive potential as well as valuable technical knowledge and full of vital and recognizable symbols that result in recurring figuration fish. What the stylistic developments of this artist? Surely they will be praiseworthy. Dino Marasà Swim in the river of thoughts, comb-pattern pottery, 2015, olio su tela, cm 73×60

Young-Ae Yi graduated at Hongik University Graduate School Of Fine Art. The artist is Member of Amitiés Internationales André Marlaux, Member of ADAGP, Member of A.M.A. Albo Mondiale degli Artisti, Member Of Seoul Fine Arts Association, Member Of Korea-Book Arts Association, Member of Environment Arts Association, Member of Contemporary Female Arts Association. The artist has been published in many art books and took part in numerous exhibitions all over the world since 2012. Young-Ae Yi si è laureata presso l’Università Hongik Graduate School of Fine Art. L’artista è membro della Amitiés Internationales André Marlaux, Membro della ADAGP , Membro della AMA Albo Mondiale degli Artisti, Membro della Seoul Fine Arts Association, Membro della Corea-Book Arts Association, Membro dell’Environment Arts Association, membro della Contemporary Female Arts Association. L’artista è statapubblicato in molti libri d’arte e ha preso parte a numerose mostre in tutto il mondo dal 2012. Ciò che si evince dalla pittura di Young-Ae Yi è una particolarissima ed innata predisposizione alla compostezza tonale ed alla visione d’insieme. I suoi elaborati pittorici lasciano intravedere un potenziale espressivo non indifferente oltre che una conoscenza tecnica valida e carica di simbolismi vitali e riconoscibili che si concretizzano nella figurazione ricorrente dei pesci. Quali gli sviluppi stilistici di tale artista? Sicuramente degni di lode. 98

Swim in the river of thoughts V, 2015, acrylic on canvas, cm 116×91

younG - ae yi

Swim in the river of objects â&#x201C;&#x2019;adaGP, 2015, acrilico su tela, cm 116x91

dong-a apt21-1601, Buheungro246,Bupyeongku, 21387 incheon, south korea Mob: +82(0)1022905167 e-mail: cjddus0@naver.com Web: http://www.yiyoungae.com/

Gun Mattsson could be called naive, but very effective and full of meanings that emerge thanks to the inner freedom of the artist expressed through new compositional alphabets. Gun Mattsson is an eclectic artist and manages to impress the observer who recognizes her rare talent remaining fascinated. L’espressività figurativa carica di slancio cromatico di Gun Mattsson si percepisce in ogni angolo delle sue realizzazioni. Uno stile che potremmo definire naif ma di sicuro impatto e carico di significati che emergono grazie alla sua libertà interiore espressa mediante nuovi alfabeti compositivi. Artista eclettica riesce a stupire l’osservatore che riconosce il suo talento raro e ne rimane affascinato. Dino Marasà

Carousel

Gun Mattsson, painter, was born and lives in Stockholm, Sweden. Her pictures can be seen showing a sort of satellite “snapshots” taken from the prehistorical times, cultures and places on earth, up the whole way to our century ….and within the same frame. Dramas, A GREAT CIRCUS OF LIFE are constantly going on, fatefully repeating – ancestors and their successors hand in hand, back to back, front to front. Gun Mattsson has with great interest studied psychology and sociology and her two Bachelor of Arts includes degrees in Art History, Science of Cultures, Science of States and Philosophy. She has shown her Art-Works at the Biennales in Florence, Mexico, Chianciano, Izmir and London as well as at Art Fairs, Museums and Galleries in USA, Canada, Latin America, Australia, Asia and many countries in Europe. She has been given the honour of several prestigious international awards. Gun Mattsson, pittrice, è nata e vive a Stoccolma, Svezia. Le sue opere possono essere

viste come una sorta do”scatti” dal satellite presi dai tempi preistorici, culture e luoghi terrestri, sull’intera strada verso il nostro secolo… e dentro la stessa cornice. Drammi, un grande circo della vita, vanno costantemente avanti, ripetendo fatalmente – antenati e discendenti mano nella mano, schiena a schiena, davanti l’uno all’altro. Gun Mattsson ha studiato con grande interesse psicologia e sociologia e i suoi due dottorati in arte includono Storia dell’Arte, Scienza e Cultura, Scienze Politiche e Filosofia. Ha esposto le sue opere alla Biennale di Firenze, in Messico, a Chianciano, a Smirne e a Londra così pure in mostre, fiere d’arte, musei e gallerie in USA, Canada, America Latina, Australia, Asia e molte altre nazioni europee. Le è stato dato l’onere di parecchi premi internazionali. The figurative expression, charged by chromatic rush of Gun Mattsson, can be felt in every corner of her accomplishments. A style that 100

Contatti: stockholm sweden Mobile: 0046 86513704 e-mail: gunmattsson@tele2.se sito web: www.gunmattsson.com

attika BouBezaRi L.Bienvenuto, P.Frantanaro, R.Chiavarini, Cap. Michele Miulli, M.Vannozzi, Paolo Battaglia La Terra Borgese. E membro di varie accademie artistiche di notevole importanza nazionale ed internazionale. Per arrivare alla perfezione compositiva e all’armonia cromatica di queste opere, Attika Boubezari si è servita di mirate tecniche espressive, con enunciazioni di segno usufruendo di una tavolozza che declina tutte le possibili variabili dell’azzurro. La Natura viene definita qui in tutta la sua potenza dinamica e sostanza plastica. The artist Attika Boubezari has used targeted expressive techniques to get to the perfection of composition and color harmony of these works, with statements of sign using a palette that declines all possible blue variables. Nature is defined here in all dynamic and plastic substance power. Dino Marasà Profondeur, 2013, acrylic, cm 50x40

Attika Boubezari was born in Algeria, where she is now living and working. She graduated at the "Art school of Algeirs" in 1984 and in China at the "Beijing Accademy of Art and Design" in 1987. During her artistic career she received many prizes, awards and got honorable mentions both in Italy and abroad. From 1987 she exposed in: China, Algeria, Slovenia, France, Cyprus, Spain, Italy, Romania, USA, Germany, Belgium, Austia, Hungary. References at: Museo de Monaco France, Museo Antonio Galda Mexico, Museo Civico di Arte Moderna di Palazzo Giandalia, town of Castronovo di Sicilia Italy, Mamag Modern Art Museum in castle Hubertendorf Austria. 3They wrote about her: A.Mostefai, Joweli, D.Marasà, S. Serradifalco, D.Marasà, P.Levi, S.Russo, A.F.Biondolillo, L. Lanzarotti, L.Ciatto, R.Pengo, A.Sever, L.Bienvenuto, P.Frantanaro, R.Chiavarini, Cap. Michele Miulli, M.Vannozzi, Paolo Battaglia La terra Borgese. She is a member of several art colleges in major national and international importance.

Contatti: 28 Rue Ferhat Boussad - 16 000 alger - algér Phone: 00213 771 710657 Mobile: 00213 665 119035 attika_boubezari@hotmail.com www.artactif.com/boubezari-attika

Attika Boubezari è nata in Algeria, dove attualmente vive e lavora. Si è diplomata alla “Art school of Algeirs” nel 1984 e in Cina alla “Beijing Accademy of Art and Design” nel 1987. Durante la sua carriera artistica ha ricevuto parecchi premi, onorificenze e menzioni sia in Italia che all’estero.Dal 1987 in poi ha esposto nelle seguenti nazioni : Cina, Algeria, Slovenia, Francia, Cipro, Spagna, Italia, Romania, Stati Uniti, Germania, Belgio, Austria, Ungheria. Referenze presso: Museo de Monaco France, Museo Antonio Galda Mexico, Museo Civico di Arte Moderna di Palazzo Giandalia, comune di Castronovo di Sicilia Italia, Mamag Modern Art Museum in castle Hubertendorf Austria. Hanno scritto di lei : A.Mostefai, Joweli, D.Marasà, S. Serradifalco, D.Marasà, P.Levi, S.Russo, A.F.Biondolillo, L. Lanzarotti, L.Ciatto, R.Pengo, A.Sever,

Metaphore, 2013, acrylic, cm 50x40

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JoseFina teMín

Pellizcos, paper and wood, cm 14x43x62

euR 750,00

I was born in México City. When I finished one year of university I went to live to the USA, there I studied Ikebana with a japanese teacher, Asako Ogata, that changed my vision of the world, I also learned the Batik technique. When I came back to México I studied in the school of Crafts and Design, finishing I started to work in my own studio. I love Nature, my work is based on it. I work with Paper that has become my second skin. I combine Paper with wood, vaines, logs and other materials I find in my early walks. I also work with steel. These two materials allow me to express myself with joy and freedom. Sono nata a Città del Messico. Quando ho finito un anno d’uni-

Vaina Mixta, paper, palm vaine, wood, cm 21x115x7

versità sono andata a vivere negli USA, dove ho studiato Ikebana con un maestro giapponese, Asako Ogata, che ha cambiato la mia visione del mondo, ho anche imparato la tecnica Batik. Quando sono tornata in Messico ho studiato alla Scuola d’Arte e Disegno e alla fine ho iniziato a lavorare nel mio studio. Amo la Natura, il mio lavoro si basa su di essa. Lavoro con la Carta che è diventata la mia seconda pelle. Combino la Carta con il legno, tronchi e altri materiali che trovo durante le mie passeggiate la mattina presto. Lavoro anche con l’acciaio. Questi due materiali mi permettono di esprimermi con gioia e libertà. Josefina Temín

euR 600,00

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JoseFina teMín

Vaina mixta, paper, palm vaine, wood, cm 21x115x7

euR 600

La materia pulsa di vita e di emozioni, forgiata dall’artista Josephina Temín. Lei regala alla materia una ventata di rinnovamento, distaccandosi dalla lezione appresa per sconfinare verso dove ogni cosa diventa formidabile e degna della massima attenzione. Le sue sculture non sono quindi tradizione ma innovazione formale e stilistica, impregnate di lirismo e poeticità. La Temin è un’amante della natura che viene celebrata in ogni sua opera come madre primigenia e fonte di vita e d’emozione per ogni essere. The matter pulsates with life and emotions, forged by the artist Josephina Temín. She gives the a breath of renewal, breaking away from the lesson learned to trespass where everything becomes formidable and worthy of admiration. Her sculptures are not so traditional but formal and stylistic innovation, imbued with lyricism and poetry. Josephina is a lover of nature that is celebrated in all works of her. She is like a mother and primal source of life and emotion to every creature. Dino Marasà

alcatraces, paper, eucaliptus wood, painted wood, cm 19x36x37 cm 20x40x36 euR 750,00

Messico - telefono: +52 55 55 60 22 28 sito web: www.josefinatemin.com - e-mail: jtemin@hotmail.com

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ManueLLa MueRneR MaRioni

Lacrime, 2013, acrylic with spectrum glass fragments on canvas, cm 120x90 10.000 euR

Manuella Muerner Marioni was born 1964 in Thun, Switzerland. She studied art and fashion design at the New Art School Zurich (Switzerland). After study she made several trips abroad for art-studies in Florence (IT), Vienna (AT), Lisboa (PT), Paris (FR), Spain, Southamerica and USA. For seven years she collaborated with the NIKI DE ST. PHALLE FOUNDATION in Germany, Switzerland, France and USA. During this time Niki de St. Phalle was her friend and personal teacher. She has been featured in group and solo shows at museums, galleries and cultural centers in Europe, Asia and the US, including Zhou Brothers Foundation Chicago, Southern Nevada Museum of Fine Art in Las Vegas and solo show at the International Museum of Contemporary Art

ITALIA ARTE in Turin. She will be a leading force in the 21st Century! Manuella Muerner Marioni nasce 1964 a Thun, in Svizzera. Ha studiato arte e fashion design presso la Nuova Scuola d’Arte di Zurigo (Svizzera). Dopo lo studio ha fatto diversi viaggi all’estero per gli studi d’arte a Firenze, Vienna, Lisbona, Parigi, Spagna, Sud America e Stati Uniti . Per sette anni ha collaborato con il NIKI DE ST. PHALLE FONDAZIONE in Germania, Svizzera , Francia e Stati Uniti . Durante questo periodo di Niki de St. Phalle era suo amico e maestro personale. È stata descritta in mostre collettive e personali presso musei, gallerie e centri culturali in Europa, Asia e Stati Uniti, tra cui Zhou Brothers Foundation 104

di Chicago, Southern Nevada Museum of Fine Art di Las Vegas e mostra personale al Museo Internazionale di Arte Contemporanea ITALIA ARTE a Torino. Sarà una forza trainante nel 21 ° secolo! Marioni Manuella Muerner walks along the artistic tale using media that have effect on the user. Her art is exuberant, full of meaning and narrative depth. Her representations are pure expressions of spatiality which is made skillfully with the use of glass. In small pieces, it is real, multicolored, elegant, technical, mosaic tile, a messenger of the knowledge and of the composition by the artist. The Muerner Marioni with its three-dimensional mosaics renews the same meaning

ManueLLa MueRneR MaRioni

Lost soul, 2013, acrylic with copper splitter on canvas, cm 100x75 9.200 euR

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ManueLLa MueRneR MaRioni

Flash birds, 2014, acrylic with spectrum glass fragment on canvas, cm 90x90 9.300 euR

of this art form. It becomes milestone for a revisiting of the concept of mosaic and sculpture. To come into contact with the work of Manuella means thus to expand our knowledge and enjoy true art. Manuella Muerner Marioni percorre il racconto artistico usando mezzi che fanno

effetto sul fruitore. La sua è un’arte esuberante, piena di significato e di spessore narrativo. Le sue rappresentazioni sono pure espressioni di spazialità resa magistralmente con l’uso del vetro. In piccoli pezzi, esso è vera e propria tessera musiva, multicolore ed elengante, messaggero di conoscenza tecnica e compositiva dell’artista. La Muerner Marioni con i suoi 106

mosaici tridimensionali rinnova il senso stesso di questa forma d’arte. Essa diventa pietra miliare per una rivisitazione del concetto di mosaico e di scultura. Entare a contatto con l’opera di Manuella significa dunque ampliare le proprie conoscenze e godere di vera arte. Dino Marasà

ManueLLa MueRneR MaRioni

Courtesy of Jadelynn, 2013, mirror sculpture, cm 52x22x32 14.200 euR

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ManueLLa MueRneR MaRioni

torso silver, 2009, mirror sculpture, cm 50x24x30 13.500 euR

www.artemanuella.ch Rotella, 2015, mirror sculpture, cm 50x30x23 14.200 euR

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ManueLLa MueRneR MaRioni

Music silver, 2009, mirror sculpture, cm 48x27x40 13.600 euR

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CLaudette aLLosio démie Européenne des Arts-Lettres et Philosophie, membro dell’Institut Européen des Arts Contemporains. Ha organizzato ed è stata la presidente della 2° Biennale de Pastel a Dauphiné (maggio 2015). Composizioni suadenti e leggiadre, che rievocano le forme e i colori della natura, caratterizzano i lavori dell’artista del pastello Claudette Allosio. Questa talentuosa pittrice affascina il fruitore creando magistrali armonie figurali. Una nuova esperienza emozionale che si inserisce nel solco della tradizione impressionista. Mellow and graceful compositions, which evoke the marks and colors of nature, characterize the pastel works of the artist Claudette Allosio. This talented artist captivates the viewer by creating masterful figurative harmonies. A new emotional experience that fits into the groove of the impressionist tradition. Dino Marasà Contatti: 36, Rue Le Corbusier 38400 saint Martin d’Hères (France) tel. (33) 0683458805 - e-mail: callosio@free.fr sito web: www.claudetteallosio.com Pricing: from euro 1.500,00. Fil d’ariane, 2015, pastel, cm 80x60

euR 1.500

Allosio Claudette has practiced painting for pleasure for about thirty years. Her artistic practice today is the culmination of a long process of reflection, between pictorial practices, and acquired training. Her source of inspiration is the natural environment. She is member co-founder and president of the “Pastel en Dauphiné” in Grenoble 2011, member of Who’s Who Art International, member of the Maison des Artistes, member of the Académie Européenne des Arts et LettresPhilosophie, member of the Institut Européen des Contemporary Arts. She organized and she was the president of the 2nd Biennial Pastel in Dauphiné (May 2015) and the next in March 2017. Allosio Claudette ha praticato la pittura come piacere per una trentina d’anni. La sua pratica artistica attuale è il culmine di un lungo processo di riflessione, fra pratiche pittoriche, e formazione acquisita. La sua fonte di ispirazione è l’ambiente naturale. Membro co-fondatrice e presidente dell’Associazione “Pastel en Dauphiné” di Grenoble dal 2011, membro del Who’s Who Art International, membro della Maison des Artistes, membro dell’Aca-

décomposition florale, 2015, pastel, cm 64x64

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euR 1.300

CeLine doneGan Celine Donegan is an expressionist painter, predominantly working in oils. Her paintings have been exhibited in Australian galleries since 2002 and internationally since 2013 and are in private collections in Australia, England, France, Germany, Croatia, Sweden and the United States. Her studio base, Luck St Studio, was established in the semi –rural Adelaide Hills setting of Macclesfield in 2005. Nominations/awards include: 2016 –First International Prize L. Da Vinci, The Universal Artist, Florence/Italy, 2015 – 9th Female On-Line International Art Exhibition, (Diploma of Excellence/Honorable award), London; Botticelli Art Award, Florence, Italy; Premio Guglielmo II Award, Monreale, Italy 2014/13 – Palm Art Award, Leipzig/Germany, (Certificate of Excellence); 2014 – Rafaello Sanzio International Art Award, (Italia in Arte). Publications include: 2016 Art Compass, Art Domain Whois Verlag, Germany 2014 International Contemporary Artists, Vol IX ICA Publishing New York 2015-14 Who’s Who in Visual Art 100 Artists in Painting, Graphic Arts, Digital Arts, Sculpture Vol 2014-15, Art Domain Who is Verlag, Germany 2013 Important World Artists Vol 1, World Wide Art Books/WWAB, California. Celine Donegan è una pittrice espressionista, che lavora prevalentemente ad olio. I suoi dipinti sono stati esposti in gallerie australiane dal 2002 e internazionalmente dal 2013 e si trovano in collezioni private in Australia, Inghilterra, Francia, Germania, Croazia, Svezia e Stati Uniti. Il suo studio base, Luck St Studio, è situate nella semi-rurale Adelaide Hills –Macclesfield nel 2005. Le nomination e i premi includono: 2016 – Primo premio internazionale L. Da Vinci, Artista Universale, Firenze/Italia 2015 – 9th Female On-Line International Art Exhibition, (Diploma di merito d'eccellenza), London; Botticelli Art Award, Firenze, Italia; Premio Guglielmo II , Monreale, Italia 2014/13 – Palm Art Award, Leipzig/Germany, (Certificato d'eccellenza) 2014 – Raffaello Sanzio Premio d'arte internazionale, (Italia in Arte). Le pubblicazioni includono: 2016 Art Compass, Art Domain Whois Verlag, Germany; 2014 International Contemporary Artists, Vol IX ICA Publishing New York 2015-14 Who’s Who in Visual Art 100 Artists in Painting, Graphic Arts, Digital Arts, Sculpture Vol 2014-15, Art Domain Who is Verlag, Germany 2013 Important World Artists Vol 1, World Wide Art Books/WWAB, California

The works of Celine Donegan are a hymn to life, to nature and beauty that surrounds the world. She has a personality which cares the design and ae-

Booleroo Thistles

Sandhills, View to Coastline

sthetic research but also the emotional one. Dynamic and soft brushstrokes blend the colors, giving the works a skilful color and strong visual impact. Le opere di Celine Donegan sono un inno alla vita, alla natura e alla bellezza che circonda il mondo. Una personalità attenta alla ricerca stilistica ed estetica ma anche emozionale. Pennellate dinamiche e morbide fondono i colori, dando 111

alle opere un’impostazione cromatica sapiente e di forte impatto visivo. Dino Marasà

Contatti: sa 5153 australia Po Box 419 Macclesfield Mobile:0061402428943 e-mail: celine.d@bigpond.com www.celinedonegan.com

MaRGaRetHa GuBeRnaLe Basilea, Barcellona, Palermo, Edimburgo, Roma, Noto, Miami. Margaretha Gubernale nei suoi lavori carichi di magia e simbolismo, trasmette emozioni intense mediante la creazione di figurazioni dai toni gentili, baluginanti e cariche di immediata comunicatività. Filtrate dalla fantasia, le scene dipinte appaiono metafore che confinano con il surreale. In esse si mischiano elementi in una staticità intrisa di eleganza ed equilibrio formale. Margaretha Gubernale in his work full of magic and symbolism, transmits intense emotions by creating figures by gentle tones, shimmering and communicative immediate charges. Not only by the imagination, the painted scenes appear metaphors bordering the surreal. In these elements are mixed in a static soaked with elegance and formal balance. Dino Marasà

God’s Eye, 2015, olio su tela, cm 80x100

The most of mystic pictures of Margaretha Gubernale are painted in oil on canvas. The source of her inspirations are the nature and philosophy and anthroposophy.She works nearly 30 years as an international artist. She was born in 1941 in Switzerland and lives in Switzerland and Italy. She exhibits from 1983. In 2015 she exhibits at Biennale di Milano, Paesaggi di Luce, Contemporary Paradise at Villa Castelnuovo in Palermo, in Dundas Street Gallery at Edinburgh in Scottland, in Berlin, Munich, Strassbourg, Madrid, Sicily. In 2015 she exhibit in Milan, Lübeck, Venice, Basel, Barcelona, Palermo, Edinburgh, Rome, Noto, Miami. La maggior parte delle immagini mistiche di Margaretha Gubernale sono dipinti in olio su tela. La fonte della sua ispirazione sono la sua natura e la filosofia e l’antroposofia. Lavora quasi 30 anni come artista internazionale. Nata nel 1941 in Svizzera e vive in Svizzera e in Italia. Espone dal 1983. Nel 2015 espone alla Biennale di Milano, Paesaggi di Luce, contemporanea Paradiso a Villa Castelnuovo a Palermo, in Dundas Street Gallery a Edimburgo nel Scozia, a Berlino, Monaco, Strasburgo, Madrid, Sicilia. Nel 2015 ha esposto a Milano, Lubecca, Venezia,

Four time baptized, 2015, olio su tela, cm 60x60

e-mai: mar.gubernale@bluewin.ch Web: www.margarethagubernale.org

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EfEndI MEhrIban The art of Mehriban is a successful attempt to make free the hidden energy in consciousness. Expressive tensions from the great lyrical content take shape; emotional pathos and communication skills combined with a great talent, are the setting for a personality that enhances the contemporary art stage. L’arte di Mehriban é un riuscito tentativo di liberare le energie nascoste nella coscienza. Tensioni espressive dal grande contenuto lirico prendono forma, pathos emotivo e comunicatività accostati ad un grande talento, fanno da cornice ad una personalità che arricchisce il palcoscenico dell’arte contemporanea. Dino Marasà

Mystery of the night

Mehriban Efendi is an international awards winning artist surrealist and cinematographer living in Azerbaijan. She studied art in the fine art school of “Azim Azim zade “of Baku and in the high level animation art school of Moscow, Russia. As an artist she started to paint very early and now she is considered as one of unusual surrealist artist exhibiting her art works through of the world. In 2015th she has been invited to be represented by “Coop” art gallery of Slovakia conducted by Frantisek Jakub. Besides Azerbaijan she has exhibited in USA, Portugal, Nederland, Russia, Australia, Argentina, Asia, Bulgary, Slovakia and so on. She is a member of "Surrealism Now" group of Europe, Portugal. Mehriban Efendi è artista surrealista vincitrice di premi internazionali, cineasta, vive in Azerbaijan. Ha studiato arte presso la scuola d’arte di “Azim Azim zade” di Baku e alla scuola d’arte d’animazione di alto livello di Mosca, Russia. Ha iniziato a dipingere molto presto e ora è considerata come uno degli artisti surrealista insoliti ed espone nel mondo. Nel 2015 è stata invitata a essere rappresentata da “Coop” galleria d’arte della Slovacchia diretta da Frantisek Jakub. Oltre l’Azerbaigian ha esposto le sue opere in Stati Uniti, Portogallo, Olanda, Russia, Australia, Argentina, Asia, Bulgaria, Slovacchia. L’artista è membro del gruppo europeo “Surrealism Now”, Portogallo. 113

Impression

Landlines: +99 4124323156 - Mob. +99 4556393946 E-mail: mery_111@live.com Sito web: www.mehribanefendi.co.uk

OLUgbEnga akandE

Many rivers to cross, oil on canvas, cm 24x36 EUrO 10.000,00

Olugbenga Akande was born to a lawyer-journalist-politician of the first republic, Late Mr. Ganiyu Makanjuola Akande and a military personnel mother, late Major Mrs. Monisola Adedeji. His parents had a first hand knowledge of his talent in arts and they jointly assisted him in growing his talent. He is as selftaught artist. He had his first gallery at the age of 18 in 1982. It was located a

stone throw from where Artgbegis gallery is currently located in Ibadan today. Africaâ&#x20AC;&#x2122;s rich culture, heritage, diverse ethnicity and behavioral patterns, have been a source of fascination to him because of its originality, beauty, splendor and the pride that goes with it. With over three and a half decades (35 years) of painting oil on canvas, he has worked with international and local artists, art critics, cu-

Our ethnic dance culture - nigeria, oil on canvas, cm 243x35 EUrO 10.000,00

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rators, art valuers, gallerists and art collectors in diverse endeavours. In the last twelve months he has participated in several art exhibitions in Italy, Turkey, United Kingdom. In Nigeria he has collaborated with numerous institutions, Corporations, Foundations, Media houses, TV stations and non-governmental organizations on various projects in arts and culture, including art workshops.

OLUgbEnga akandE

Love me, oil on canvas, cm 86,36x86,36 EUrO 10.000,00

His paintings are in several collection in Nigeria and abroad. He enjoys painting oil on canvas and he enjoys working with children. He also enjoys reading African history. List of international art awards: Minerva goddess of all art Award, Best artist in the world Award, Best artist modern and contemporary Award 2015, Sandro Botticelli art Award, Michelangelo art Award, UNESCO heritage Award,

Cerrificate of Achievement Award, Artist in history Award Guglielmo II Award, Canaletto coin Award, Uffizi contemporary Award in view. Olugbenga Akande è nato da un avvocato-giornalista-politico della prima repubblica, defunto signor Ganiyu Makanjuola Akande e dal poi Maggiore Signora Monisola Adedeji. Già i suoi genitori avevano

riconosciuto il suo talento nelle arti e lo assistito congiuntamente ad accrescerlo. Comunque è come autodidatta. Ha avuto la sua prima galleria, all’età di diciotto anni nel 1982. Si trovava a due passi da dove oggi la sua galleria “Artgbegis” si trova attualmente a Ibadan. La ricca cultura africana, il patrimonio, le diverse etnie e modelli di comportamento, sono stati una fonte di fascino per lui per la

Contemporaries, oil on canvas, cm 162x38 EUrO 10.000,00

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OLUgbEnga akandE

The reed dance, mixed media, cm 60x60 EUrO 10.000,00

loro originalità, bellezza, lo splendore e l’orgoglio che suscitano. Con oltre tre decenni e mezzo (35 anni) di pittura ad olio su tela, ha lavorato con artisti internazionali e locali, critici d’arte, curatori, periti d’arte, galleristi e collezionisti d’arte

in diversi cimenti. Negli ultimi dodici mesi, ha partecipato a numerose mostre in Italia, Turchia, Regno Unito. In Nigeria ha collaborato con numerose istituzioni, Enti, Fondazioni, Media House, stazioni televisive e organizzazioni non governative 116

in vari progetti nelle arti e della cultura, tra cui laboratori artistici. I suoi dipinti si trovano in diversi raccolta in Nigeria e all’estero. Si diverte a realizzare pittura ad olio su tela, a lavorare con i bambini e a leggere la storia africana. Lista dei

OLUgbEnga akandE premi internazionali d’arte: Dea Minerva di tutte le arti, Premio "Best Artist in the World", Premio "Best artist modern and contemporary 2015", Premio d'art "Sandro Botticelli" , Premio d'arte "Michelangelo", UNESCO heritage Award, Certificate of Achievement Award, Premio "Art in history", Premio "Guglielmo II", Premio "Canaletto", Premio "Uffizi" arte contemporanea. Il pittore esalta in questi ritratti di donne o di tribù del suo mondo africano la plastica bellezza dei tratti del viso e l’espressività degli occhi, che sembrano volerci comunicare la necessità di un doveroso riconoscimento della sua essenza culturale, anche se differente dalla nostra. La trattazione cromatica rivela una gestualità istintiva, capace di mettere a punto i particolari, ma che si arresta prima di cadere nella retorica descrittiva. Ci troviamo di fronte a un pittore che utilizza una pittura distribuita in ritmi differenti, per realizzare composizioni che rievocano luoghi, tradizioni e costumi del suo paese in un gioco cromatico essenziale, elegantemente mirato a coglierne le componenti psicologiche, più ancora

The visit, oil on canvas, cm 90x60 EUrO 10.000,00

Telephone: +2348073271413 - +2348068723007 Email: artgbegi@yahoo.com artgbegi2@gmail.com facebook page: www.facebook.com/thegalleryofartgbegi Web: www.artgbegi.simplesite.com www.shopvida.com/collections/olugbenga-akande

Our ethnic dance culture, oil on canvas, cm 243x35

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EUrO 10.000,00

OLUgbEnga akandE

Eve, oil on canvas, cm 71,12x99,06 EUrO 10.000,00

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OLUgbEnga akandE

hunters dance , oil on canvas painting, cm 86x101

che le caratteristiche etniche. Opere uniche e piene di energia, sintesi di un insieme di emozioni forti. Akande ci lascia conoscere attraverso le sue opere, una cultura differente, un mondo e una concezione di vita che non ci appartengono, ma che grazie anche ad opere come questa, riusciamo ad apprezzare cogliendone lâ&#x20AC;&#x2122;infinito fascino. The painter glorifies in these portraits of women or of African world tribes the plastic beauty of the facial features and the

expressiveness of the eyes, which seem to want to communicate us the need for a due recognition of african cultural essence, even if different from ours. The color treatment reveals an instinctive gestures, which is able to finalize the details, but that stops before falling in the descriptive rhetoric. We are faced with a painter who uses a distributed paint in different rhythms, to create compositions that evoke places, traditions and customs of his country in an essential play of colors, smartly targeted to grasp the psy-

EUrO 10.000,00

chological components, even more than the ethnic characteristics. They are unique works and full of energy, synthesis of a set of strong emotions. Akande let us know through his work, a different culture, a world and a conception of life that don't belong to us. It's also thanks to these artworks such, we can enjoy taking in the infinite charm of Africa Dino MarasĂ

Our masquerade nigeria, oil on canvas, cm162x38 EUrO 10.000,00

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bErnarda VISEnTInI Bernarda Visentini graduated in humanities, she exhibits continuously since 1980. Her studies and experience of travel in searching the first traces of Man in the various archaeological sites become an element of mediation between past and present and they are reflected in highly personal sculptural elaboration that reproduce the basic themes of life. Many prominent critics and writers have studied her art that appears in numerous publications and encyclopedias. She won many prizes won, including the Excellence Stylistics-Palermo Award, the national awards “Veritas 2004” and “Target 2005” in Rome at the Capitol, the Critics’ Prize at the Tokyo International Competition in 2011, the First Prize Effetto Arte competition with Paolol Levi, the Art Academy award with Charles J. Spina-Montecarlo. She has exhibited in prestigious places such as: in Milan at Castello Sforzesco; in Udine at Church of St. Antonio Abate and Universities; at the University of Roma-La Sapienza (Triennial of Visual Arts) and Bramante (3“From Caravaggio to the present day”, by Paolo Levi); First and Second Biennale di Palermo and “PortoFranco 100 artists selected by Vittorio Sgarbi”; Turin-MIIT Museum; Also in Valcamonica (International Conferences of Prehistoric Art), in Austria, Hungary, Slovenia. Academic and Artistic Avant Garde is part of the Academy of “500” for Science Arts and Culture-Roma, as an Merit Academician. Bernarda Visentini è laureata in materie letterarie, espone con continuità dal 1980. I suoi studi e l’esperienza dei viaggi alla ricerca delle prime tracce dell’Uomo nei diversi siti archeologici diventano elemento di mediazione tra presente e passato e si concretizzano in personalissime elaborazioni scultoree che ripropongono i temi fondanti della vita. Molti illustri critici e scrittori si sono occupati della sua arte per cui è inserita in numerose pubblicazioni ed enciclopedie. Tanti sono i premi conseguiti nel corso degli anni, fra i quali il premio Eccellenza Stilistica-Palermo, i premi nazionali “Veritas 2004” e “Traguardo 2005”a Roma in Campidoglio, il premio della critica al Concorso internazionale Tokyo 2011, il premio Primo Concorso Effetto Arte con Paolo Levi, il premio Oscar dell’Arte con J. Charles Spina-Montecarlo. Ha esposto in sedi prestigiose quali: Milano-Castello Sforzesco; Udine-Chiesa di S. Antonio Abate e Università degli Studi; Roma-Università degli Studi La Sapienza (Triennale di Arti Visive) e Sale del Bramante (“Da Caravaggio ai nostri giorni”, a cura di Paolo Levi); Palermo-1^ e 2^ Biennale e “Porto Franco100 artisti selezionati da Vittorio Sgarbi”; Torino-Museo Miit; inoltre in Valcamonica (Convegni internazionali di Arte Preistorica), in Austria, Ungheria, Slovenia. Accademico delle Avanguardie Artistiche e fa parte dell’Accademia de “ i 500” per le Arti Scienze e Cultura-Roma, in qualità di Accademico di Merito.

ariete, cemento e graffiti, cm 62x15x25

The art of Bernarda Visentini evokes the dawn of human sculpture. It contains an ancestral force that draws the soul of Nature. A feared and at the same time worshiped mystery by man, of all cultures and civilizations. So the old becomes contemporary, evocative object in the strict sense. The prehistory awakens in each of us, dormant for thousands of years; we hear sounds and smells feel forgotten for thousands of years, elusive entities observe us. It's magic and nice suggestion induced by a sculptor who understands the soul and loves to overwhelm man in a pleasant sensations turbines. L’arte di Bernarda Visentini evoca gli albori della scultura umana. Essa contiene una forza ancestrale che richiama l’anima della Natura. Un mistero temuto e allo stesso tempo adorato dall’uomo,di ogni cultura e civiltà. L’antichissimo diviene contemporaneo, oggetto suggestivo in senso stretto. Si risveglia in ognuno di noi la preistoria sopita da millenni, udiamo suoni e sentiamo odori dimenticati da millenni, ci osservano entità sfuggenti. Non è magia ma piacevole suggestione indotta da una scultrice che conosce a fondo l’animo e ama travolgerlo in un turbine di sensazioni piacevolissime. Dino Marasà 120

Il cuore della pietra, cemento e pietre naturali cm 75x62x7

via del Pino, 9 - 33017 Tarcento (Ud) Mob:320 1644022 bernarda.visentini7@tin.it http://www.archeosculture.com/

MarIa gIUSEPPa MELIS Maria Giuseppa Melis was born in Tertenia on November 22th 1951. She lives and works in Cagliari. She obtained her degree at the Art School of Cagliari where she learned the techniques of engraving, in the early nineties she started to paint and practice etching. Her early paintings of his early were figurative, but already with strong expressionist hints, she has increasingly moved to the lyrical abstractionism, to arrive, currently, in an informal action in which the color, worked mostly with the spatula, has a material valence. Her artistic production ranges for the use of various materials and techniques. She has exhibited her works in Italy and abroad, in solo and group exhibitions, festivals and art competitions and she has won awards and prizes . Nata a Tertenia, in provincia di Nuoro, il 22 novembre 1951. Vive e lavora a Cagliari. Dopo il diploma, conseguito al Liceo Artistico di Cagliari dove ha appreso anche le tecniche dell’incisione, nei primi anni Novanta ha iniziato a dipingere e a praticare l’incisione calcografica. Dalla pittura degli esordi, figurativa, ma già con forti accenni espressionisti, si è orientata sempre più verso l’astrattismo lirico, per approdare, attualmente, a un contesto informale d’azione in cui il colore, lavorato soprattutto con la spatola, ha una valenza materica. La sua produzione artistica spazia per l’utilizzo di vari materiali e tecniche. Ha esposto le proprie opere in Italia e all’estero, in mostre personali e collettive, rassegne e concorsi artistici nel contesto dei quali ha ottenuto premi e riconoscimenti.

The Master Maria Giuseppa Melis can to explain with abstract marks and colors all that is about man and world. Her paintings are a transfiguration of the reality and of the feelings of the man. They speak. And they tell the experience of a big artist and about the way she understands men and world and communicate from the painting, her opinion. Il Maestro Maria Giuseppa Melis può spiegare con segni astratti e colori tutto ciò che riguarda l'uomo e il mondo. I

Canto oceanico, 2012, mixed media on masonite, cm 70x49 EUrO 1.100

Centrale e conforme!, 2008, mixed media on pressed cardboad, cm 40x30 EUrO 550

suoi dipinti sono una trasfigurazione della realtà e dei sentimenti dell'uomo. Parlano. Raccontano l'esperienza di una grande artista, il modo in cui comprende gli uomini e il mondo, e comunicano dal dipinto, la sua opinione. Dino Marasà 121

Via a. businco, 7 09121 Cagliari - Sardegna Mob: 349 8053867 mariagiuseppamelis@tiscali.it web: www.mariagiuseppamelis.it Pricing: contact the artists

fU WEnJUn

a Long Journey, 2014-2015, conceptual photography, cm 140x175

Year 2016 collective Exhibitions: 2016 3rd International Biennial of Contemporary Art of Argentina, Buenos Aires, (Argentina) 2016 Premio Arte Roma, Museo Archeologico Stadio di Dominizio, Rome (Italy) Art Yellow Book Artists Group Exhibition, CICA Museum (Korea) Villa Pisani National Museum “The Best Artists in the Museum”, Villa Pisani National Museum (Italy) Triennale dell’Arte Contemporanea, Verona (Italy) Peninsula Fine Arts Center Biennial 2016, Peninsula Fine Arts Center (USA) International Fine Art Cannes Biennale 2016, Cannes (France) The Working of Non-Figurative System, Right View Art, Beijing (China) Art and Science Award Exhibition, Art and Science Museum, Milan (Italy) Biennale Riviera del Brenta, Venice (Italy) IAFwarsaw International Art Fair,

Fu Wenjun, Chinese contemporary artist, was born in Chongqing (China) in 1955. He graduated from Sichuan Fine Arts Institute and currently works on conceptual photography, installation and oil painting. Now he lives and works at Chongqing, China. He has presented solo exhibitions at Guangdong Museum of Art (Guangzhou), the Old Summer Palace (Beijing), United Nations Headquarters (New York), Today Art Museum (Beijing) and other international art organization. His works are exhibited at significant international exhibitions since 1979. His artworks are collected by Today Art Museum, the Old Summer Palace, China Huaya Art Foundation, Power Station of Art, Tokyo Metropolitan Art Museum, Dubai Community Theatre and Arts Center, Aldo Castillo Gallery, the Kennedy Family, Organization of the 2nd International Biennial of Contemporary Art in Argentina, World Council of Peoples for the United Nations, Fashion and Art Institute (USA), Dazu Grotto Museum, Chongqing Art Museum, Guangdong Museum of Art, Société Nationale des Beaux Arts of France, Egypt Ahmed Shawki Museum and other significant organizations and collectors. Main solo recent solo exhibitions 2015: Guangdong Museum of Art (Guangzhou, China); “Thoughtful Images --- Fu Wenjun’s Abstract Photography Exhibition” United Nations Headquarters (New York, USA) “Photographic Narrative --- Fu Wenjun’s Conceptual Photography Solo Exhibition” 2014Florida (USA) “Illusory Metamorphoses --- Fu Wenjun Grass Cloth Photographic Exhibition”

350 b.C. conceptual photography, 2015, cm 175x140

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fU WEnJUn Warsaw (Poland) International Exhibition in Homage to Egypt and its Culture, Ahmed Shawki Museum, Egypt 1st Central Europe Fine Art Biennale, MAMAG Modern Art Museum, Austria 11th Biennale d’Arte Internazionale di Roma, Rome (Italy)

Fu Wenjun, artista contemporaneo cinese, è nato a Chongqing (Cina) nel 1955. Si è laureato al Fine Arts Institute di Sichuan e attualmente lavora sulla fotografia concettuale, l'installazione e la pittura ad olio. Vive e lavora a Chongqing, in Cina. Ha presentato mostre personali al: Museo d'arte Guangdong (Guangzhou), il Vecchio Palazzo d'Estate (Pechino), sede delle Nazioni Unite (New York), Museo d'Arte Oggi (Pechino) e altre organizzazioni internazionali d'arte. Le sue opere sono esposte in importanti mostre internazionali dal 1979.Le sue opere sono raccolte dal Today Art Museum, il Vecchio Palazzo d'Estate, la Cina Huaya Art Foundation, Power Station of Art, Metropolitan Museum Art di Tokyo, Dubai Community Theatre e Arts Center, Aldo Castillo Gallery, la famiglia Kennedy, Organizzazione della seconda Biennale Internazionale di arte contemporanea in Argentina, Consiglio mondiale dei Popoli per le Nazioni Unite, Fashion and Art Institute (USA), Dazu Grotto Museo, Museo d'Arte di Chongqing, Museo d'arte Guangdong, Société Nationale des Beaux Arts di Francia, Egitto Ahmed Shawki Museum e altre significative organizzazioni e collezionisti. Principali mostre personali recenti: 2015: Museo d'arte Guangdong (Guangzhou, Cina); "Immagini piene di

Come and go, 2015, conceptual photography, cm 140x175s0

Motion of heart and body, 2014-2013, conceptual photography, cm 175x140cm

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fU WEnJUn Biennale d'Arte 1 ° Europa centrale raffinata, Museo MAMAG Modern Art, Austria; 11 ° Biennale d'Arte Internazionale di Roma, Roma (Italia) Maestro Fu Wenjun creates works of great expressiveness. His narrative includes many different subjects and he is at the top of contemporary art. Every work he realized induces the viewer to deep reflections and considerations. About man, the world, the nature and actions. The colors of its conceptual photographs reverberates on the artistic tale like emphasis and enhancement of the same tell. The color scheme speaks to the soul, sloping, in a palette of various colors who agree with each other in a gentle but firm harmony, formidable as a whole. Any historical moment of the human journey through time has artists who used their works for a while, now forgotten, didactic function. Fu Wenjun always brings this function back discreetly and never pedantically relying on his artist's instinct and his rational soul of man who discerns, compares and summarizes what he notices. We are impressed by his works because they approach the human being to understanding and to meditation about misunderstood themes that become familiar and of our interest. Il Maestro Fu Wenjun realizza opere cariche di grande espressività. La sua narrazione comprende le più

among the Clouds, 2014-2015, conceptual photography, cm 175x140

pensieri --- Esposizione Fotografia Astratto di Fu Wenjun" Sede delle Nazioni Unite (New York, Stati Uniti d'America) "Racconto fotografico --- concettuale Mostra Personale fotografica di Fu Wenjun" 2014 Florida (USA): "Metamorfosi Illusorie --- Fu Wenjun Grass Cloth Mostra fotografica. Mostre collettive 2016: 3 ° Biennale Internazionale d'Arte Contemporanea di Argentina, Buenos Aires, (Argentina); 2016 Premio Arte Roma, Museo Archeologico Stadio di Dominizio, Roma (Italia); Arte Libro Giallo Artisti Collettiva, Museo CICA (Corea); Museo Nazionale Villa Pisani "I migliori artisti del Museo", Villa Pisani Museo Nazionale (Italia); Triennale dell'Arte Contemporanea, Verona (Italia); Peninsula Fine Arts Center Biennale 2016, Peninsula Fine Arts Center (USA) Fine Art Cannes Biennale Internazionale 2016, Cannes (Francia) Il lavoro di sistema non-figurativo, Vista Destra Art, Pechino (Cina) Arte e Scienza Exhibition Award, Arte e Museo della Scienza, Milano (Italia); Biennale Riviera del Brenta, Venezia (Italia); IAFwarsaw Art Fair internazionale, Varsavia (Polonia); Esposizione Internazionale in Omaggio all'Egitto e la sua cultura, Ahmed Shawki Museum, Egitto; 124

food is the god of the People 2014-2015, conceptual photography, cm 175x140

fU WEnJUn svariate tematiche e si pone ai vertici dell’arte contemporanea. Ogni opera da lui realizzata induce il fruitore verso riflessioni e considerazioni profonde. Sull’uomo, sul mondo, sulla natura e sulle azioni. La cromia delle sue fotografie concettuali riverbera sul narrato quale enfasi e valorizzazione dello stesso. Parla all’animo la cromia, digradante, in una tavolozza dai toni vari che concordano tra di loro in un’armonia delicata ma decisa, formidabile nel suo insieme. Qualsiasi momento storico del cammino umano nel tempo ha avuto degli artisti che Take the horse head as guide, 2014-2015, conceptual photography, cm 175x140

hanno usato le loro opere per la tanto, ormai dimenticata, funzione didascalica. Fu Wenjun la riporta in auge sempre con discrezione e mai con pedanteria affidandosi al suo istinto d’artista e alla sua anima di uomo razionale che discerne, compara e riassume quanto nota. Si rimane colpiti dalle sue opere poiché avvicinano l’essere umano alla comprensione e alla riflessione su tematiche che da misconosciute diventano familiari e di nostro interesse. Dino Marasà

501 art base, no. 120 huangjueping Main Street, Jiulongpo district, Chongqing, China, 400053. Mob: +8613908317733 +8613708199834 E-mail: fu1955@qq.com zangchaonan@gmail.com www.fuwenjun.com Worship, 2014-2015 conceptual photography, cm 175x140

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fU WEnJUn

Still the Ordinar World, 2014-2015, conceptual photography, cm 175x140

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fU WEnJUn

gone with the Wind, 2014-2015, conceptual photography, cm 175x140

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LISbETh häLJESgård usually determines most of the subjects, by suggesting motives and sentiments, she wants to make the viewer complicit. Lisbeth Häljesgård è un acquerellista autodidatta dalla Svezia, è nato nel 1952. Ha partecipato a numerose mostre in Svezia e in diversi paesi, come in Islanda, Austria, Principato di Monaco, Francia, Gran Bretagna, Ungheria e Italia , e alcune mostre con giuria . Lisbeth Häljesgård ha ricevuto da tre premi per i suoi dipinti e il suo valore artistico, tutti nel 2015 : “Premio Sandro Botticelli” a Firenze, Italia; “Premio Internazionale Roma Imperiale”, Roma, Italia; ” Premio Internazionale Marco Polo- Art Ambassador”, Venezia, Italia. Nel settembre 2016 ha ricevuto il premio “Palma d'Oro per l'Arte in Monaco”.L’acquerello è per lei un mezzo fantastico di espressione. Dipinge soprattutto natura e paesaggio. È il suo sentimento interiore che di solito determina la maggior parte dei soggetti, suggerendo motivazioni e sentimenti, lei vuole fare diventare lo spettatore complice.

anno 1876

Thanks to the colours a fog gifts dreams, pictorial emotions, deep and real extensions of coscience. This is the pictorial gift of Lisbeth Häljesgård, an artist rich of a big emotional power. The signs and the lights are the letters of an extraordinay compositive alphabet, that is devoted to the artist’s soul. And letters and phrases are real examples of poetic visual art. Grazie ai colori una nebbia regala sogni, emozioni pittoriche, profonde e reali estensioni della coscienza. Questo è il dono pittorico di Lisbeth Häljesgård, un artista ricca di un grande potere emozionale, I segni e le luci son le lettere di uno straordinario alfabeto compositivo, che è devoto all’anima dell’artista. E lettere e frasi sono veri esempi di poetica arte visiva. Dino Marasà

by the river

Lisbeth Häljesgård is a self-taught watercolor artist from Sweden, born in 1952. She has participated in many exhibitions in Sweden and in different countries, as in Iceland, Austria, Monaco, France, Great Britain, Hungary and Italy, and some of the exhibitions are juried. Lisbeth Häljesgård has been awarded by three prizes for her paintings and her artistic merit, all in 2015: “Sandro Botticelli Prize” in Firenze, Italy; “Prize International Rome Imperial”, Rome, Italy; “International Prize Marco Polo- Art Ambassador”, Venice, Italy. She has got in September 2016 the “Palma d'Oro per l'Arte in Monaco. Watercolor is for her a fantastic means of expression. She paints mostly nature and landscape. It is her inner feeling that 128

kyllinge kvarngård 101 73392 Sala - Sveden Tel: +46707437199 lisbeth.haljesgard@gmail.com http://www.gallerikyllingekvarn.se/ Pricing: 950 EUr each work

kOSTaS kOrOVILaS supports a well-defined symbolism used as a metaphor apt to describe the human emotion or images donated by the real. Korovilas art throws the cornerstones of a new pictorial dialectics and which undoubtedly has to be taken as an example of style and elegance . Dino Marasà The great Cluster in hercules, 2012 oil on canvas, cm 120x100 EUr 3.000

2nd Parodos, 25 Martiou drosia - 14572 athens (greece) Tel: 0030- 210 6210141 Cell. 0030- 6934439421 E-mail: kostas.korovilas@gmail.com

Kostas Korovilas, a Greek painter, considers the art of painting a science delving deep into the unknown bringing to light truths hidden from ordinary people’s mind and eyes. His paintings are often poetic allegories delivering a message to the spectator. The painter is a poet, a creator. He has participated in major international exhibitions in museums and Biennale exhibitions world wide, and has also presented his artworks in solo exhibitions. He runs his own Studio of the Arts, personal gallery in Athens. Kostas Korovilas, pittore greco, considera la pittura una scienza in profondo nello sconosciuto che porta la luce nascosta dalla mente e dagli occhi della gente comune. I suoi dipinti sono spesso allegorie poetiche che vogliono consegnare un messaggio allo spettatore. Il pittore è un poeta, un creatore. Ha partecipato alle maggiori mostre internazionali in musei e in Biennali in tutto il mondo, e ha anche presentato le sue opere in mostre personali. Ha il suo studio d’arte e la sua galleria personale ad Atene. La stesura cromatica e segnica di Kostas Korovilas supporta un simbolismo ben definito usato come metafora atta a descrivere l’umana emozione o le immagini donate dal reale. Un’Arte che getta i capisaldi di una dialettica pittorica nuova e che indubbiamente deve essere presa come esempio di stile ed eleganza. The application of color and of signs of Kostas Korovilas

Color playfulness, 2015, oil on canvas, cm 120x100 Eur 2500

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kELLIannE O’brIEn Kellianne O’Brien paints and sculpts spiritual energy, image, and color. As an undergraduate student of French Literature and Philosophy, she spent a year studying in Nice, France absorbing the majestic beauty and light of the Mediterranean. In 1995, at age 30, Kellianne began a journey of recovery through the healing power of art. While enduring Dark Nights of the Soul, through a series of painful emotional experiences, Kellianne discovered that they were the beginning of a profound spiritual awakening that only painting could heal and subsequently reflect. Kellianne expresses her soul through the mediums of painting, sculpture and photography. Her art expresses not only the divinity within her, but seems to express the divine spirit that lives in color itself and within all of life. Kellianne’s artwork has been the recipient of numerous prestigious awards and has been exhibited in New York City, the Virgin Islands, Montreal, London, Mallorca, Crete, Cremona, Sicily and Rome. Kellianne O’Brien dipinge e scolpisce l’energia spirituale ,immagine e colore. Da studentessa viaggio di recupero attraverso il potere curativo dell’arte. Mentre resiste alle Scure Notti dell’Anima, attraverso una serie di esperienze emotive dolorose, Kellianne ha scoperto che erano l’inizio di un profondo risveglio spirituale che solo la pittura poteva guarire ed anche riflettere. Kellianne esprime la sua anima attraverso il mezzo della pittura, scultura e fotografia. La sua arte esprime non solo la divinità dentro di lei, ma

homme

sembra esprimere lo spirito divino che vive in colore stesso e in tutta la vita. Le opere d’arte di Kellianne hanno ricevuto numerosi premi prestigiosi e sono state esposte in New York City, le Isole Vergini, Montreal, Londra, Maiorca, Creta, Cremona, la Sicilia e Roma. La timbrica stilistica di Kellianne O’ Brien comprova una particolarissima predisposizione compositiva nei confronti della narrazione informale. L’equilibrio scenico risulta, infatti, sempre perfettamente orchestrato in funzione di una finalità fruitiva che rende partecipe l’osservatore, conducendolo verso la riscoperta di lirici valori estetici. Le opere informali che rasentano il dripping sono dunque manifestazioni di un poetico rapporto esistente tra l’autrice ed il suo mondo interiore. Ne consegue una positiva traduzione cromatica che si distingue amabilmente grazie alla possenza tonale ed alla elegante fusione delle malgame. The stylistic tone of O' Brien Kellianne proves a very particular compositional predisposition towards informal narrative. The scenic balance is, in fact, perfectly orchestrated according to 130

kELLIannE Oâ&#x20AC;&#x2122;brIEn a fruition purpose that makes the viewer a participant, leading him towards the rediscovery of operatic aesthetic values. The informal works that are near the dripping are therefore expressions of a poetic relationship between the author and her inner world . It follows a positive chromatic translation that stands out nicely thanks to the tonal majesty and the elegant fusion of colouristic mixtures. . Dino MarasĂ

E-mail: info@colouriste.com Sito web: www.colouriste.com

Interpolation 3

Orchestral suite

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rObErTa grEWCOCk

Lucid day 1, 2015, acrylic on canvas cm 60x76 EUrO 6.000 winner of the 1st International Prize Leonardo da Vinci "The Universal artist.

Roberta Grewcock was born in Edmonton, Alberta Canada. She studied Fine Arts at Okanagan University in Kelowna, B.C., Canada. She has had 17 Solo exhibitions and 21 group exhibitions in Canada, the United States, France, Great Britian, Italy, Spain and South Africa. Special awards/prizes include; The Nelson Mandela Human Rights award, International award – the Top of Contemporary Art (Lecce, Italy) 2014, Stylistic award – The Best artist in the world-“La Grande Exposition Universelle’ (the Eiffel Tower-Paris, France) Oct.2014,1st Prize Catania, Raffaella Sanzio award (Lecce, Italy, International prize Marco Polo-Art Ambassador, the Genuis of art- Effetto arte magazine (Italy),Commffest (Toronto, Ontario)honourable mention,The David of Bernini in 2015 (Lecce, Italy),Special prize for Human Rights in 2015 Tribute to Anne Frank (Lecce, Italy), International Prize Michelangelo -Artists at the Jubilee at the Palazza Cardinal Cesi in Rome and the International Prize “Artists at the Castle”awarded to principal contemporary artists (Orsini Castle of Nerola) Dec. 2015. Roberta currently lives and works in Kelowna, B.C.Canada. The painting Lucid dream 1 was also in the magazine "Art International Contemporary" (Jan/Feb 2016). The artist received also the: IL BEATO ANGELICO of high recognition for the year 2017 & Special Human Rights Award 2016Tribute to Paolo V1- The Humanity Pope- high recognition for artistic curriculum. The artist will be one of the "60 Top Masters of Contemporary Art 2017" featured in the Art Tour International Magazine in 2017. She will also be receiving the ATM Master Award in May 2017 in Florence Italy. Roberta Grewcock è nata a Edmonton, Alberta, Canada. Ha studiato Belle Arti presso l’Università di Okanagan a Kelowna, BC, Canada. Ha tenuto 17 mostre personali e 21 collettive in Canada, Stati Uniti, Francia, Gran Bretagna, Italia, Spagna e Sud Africa. Premi speciali / premi includono; Il premio Nelson Mandela per i diritti umani, premio internazionale – Top of Contemporary Art (Lecce, Italia) 2014, premio stilistica – il miglior artista nel mondo- “La Grande Esposizione Universale ‘(Torre Eiffel-Parigi, Francia) Oct.2014, 1 ° Premio Catania, premio Raffaella Sanzio (Lecce, Italia, Premio internazionale Marco Polo-Art Ambasciatore, il Genio dell’Arte Effetto (Italia), Commffest (Toronto, Ontario) Menzione d’onore, Il David di Bernini nel 2015 ( Lecce, Italia), Premio speciale per i diritti umani nel 2015 Omaggio a Anna Frank (Lecce, Italia), Premio Internazionale Michelangelo Artisti al Giubileo, Palazzo Cardinal Cesi a Roma e il Premio Internazionale “Artisti al Castello” assegnato al capitale artisti contemporanei (Castello Orsini di Nerola) dicembre 2015. Roberta attualmente vive e lavora a Kelowna, BCCanada. Il dipinto Lucid dream 1 è stato anche pubblicato sulla rivista "Art International Contemporary" (genn/feb 2016). L’artista ha anche ricevuto il: IL BEATO ANGELICO, alto riconoscimento per il 2017 & Il Premio speciale per i Diritti Umani 2016 - Tributo a Paolo VI - Il Papa dell’umanità - alto riconoscimento per il curriculum artistico. L’artista sarà una dei “60 Top Masters dell’arte contemporanea 2017” indetto nell’ Art Tour International Magazine nel 2017. Riceverà anche l’ATM Master Award nel maggio 2017 a Firenze, Italia. 0

You made my day, 2015, acrylic on canvas cm 91x121 EUrO 8.400 exhibited at the: Pollock the new heirs at Villa Castlenuovo Palermo Italy October 2015

Mobile: 0012502154180 Web: www.robertagrewcock.com E-mail: art.by.ro@gmail.com

The abstract artworks of the artist Roberta Grewcock trasmit the deep of her creative soul. Her lights are living in strong signs and the brush stokes which are full of pathos and strength, in a landscape that helps to understand the pictorial tale. Tales of great power are talking to the viewer of the work, they create dreams of inner visions and they also give to the canvas soul and word born from a real artist. Le opere d’arte astratta dell’artista Roberta Grewcock trasmettono il profondo della sua anima creativa. La sue luci vivono in forti segni e pennellate che sono piene di pathos e forza in un panorama che aiuta a comprendere il racconto pittorico. Racconti di grande forza parlano al fruitore, creano sogni di visioni interiori, danno alla tela anima e parola nate da una vera artista. Dino Marasà 132

JOhn LIgTEnbErg non soggiace all'esigenza della riproducibilità della realtà, ma ne interpreta la valenza simbolica ed emozionale. Paesaggi immersi in una luce azzurrina sono le immagini che sollecitano la fantasia dell'artista, alimentando i suoi sogni. Il tono intimistico del suo narrare, sempre domina, una lirica espressività, che trasfigura le forme per condensarvi le sue emozioni.

aqua, 2015, olio e acrilico, cm 115x75

John Ligtenberg (11-071954, Apeldoorn, The Netherlands). Art is a form to reflect his emotions and feelings . In his special technique and warm colors, he expressed the inner complexity of man in relation to nature, society and the elusive. He creates his world in acrylic and oil paint. “The image is created in my mind and is shaped by my soul”. Direct, impulsive while probing, he goes his own way and continues to develop Winner “Sandro Botticelli Prize”. Nominated for the “Palm Art Award”. Exhibitions in: Moscow, St. Petersburg, Rome, Florence, Venice, Milan, Bruges, New York, Prague and the Louvre Paris. His Studio is currently based in Nova Lhota, Czech Republic. John organizes workshops at home and abroad.

caldi, esprime la sua complessità interiore e il rapporto dell’uomo con la natura, la società e l’inafferrabile. Egli crea il suo mondo con colori acrilici e oli. “L’immagine creata nella mia mente ed è delineata nella mia anima”. Diretto, impulsivo mentre sonda, lui va per la sua strada continuando a produrre. Vincitore del “Premio S. Botticelli”. Nominato per il “Palm Art Award”. Mostre a: Mosca, San Pietroburgo, Roma, Firenze, Venezia, Milano, Bruges, New York, Praga e il Louvre di Parigi. Il suo studio è attualmente sede a Nova Lhota, Repubblica ceca. John organizza workshops in patria e all’estero. Sono i segreti fremiti dell'animo, le intuizioni della fantasia, le tensioni dello spirito a dettare a John Ligtenberg le regole del suo linguaggio informale, che

John Ligtenberg (11-071954, Apeldoorn, Paesi Bassi). L’arte è una forma che riflette le sue emozioni e sentimenti. Nella sua tecnica personale che utilizza colori

The secrets of the soul quivers, the intuitions of the imagination, the spirit tensions dictate to J. Ligtenberg the rules of his informal language, which is not subject to the need of the reproducibility of reality, but it interprets the symbolic and emotional value. Landscapes bathed in a blue light are the images that stimulate the imagination of the artist, fueling his dreams. The intimate tone of his narration, always dominates, a lyrical expressivity, transfiguring forms to condense his emotions. Dino Marasà

Contatti: nova Lhota, 14 28401 Vidice (repubblica Ceca) Mobile: 00316529359762 E-mail: info@johnligtenberg.com Sito web: www.johnligtenberg.com

Berkel, 2010, olio e acrilico, cm 180x90

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MarTa MELnICzUk Marta Oberrauch-Melniczuk, married Oberrauch, stateless Ukrainian 1949 born in Wilfingen, district Rottweil, studied from 1968 to 1975 as a scholarship receiving member of “Studienstiftung des Deutschen Volkes” highschool-teaching at the Eberhard Karls Universität Tübingen and at the University Institute for Drawing. 1993 doctorate at the Ludwig-Maximilians-Universität Munich. Teaching at the Thomas Mann-Highschool in Munich. She is member of the Museums Intermational Commitee and Certified Artist by the Museum of the Americas, Doral U.S.A. Marta Melniczuk, sposata Oberrauch (Collalbo, Renon, Italia), apolide Ukraina, nata 1949 a Wilfingen, distretto di Rottweil, ha studiato da 1968 fino a 1976 come membro di “Studienstiftung des Deutschen Volkes“ per carica dínsegnante di liceo classico al´ Università di Tübingen, e simultaneo al` Istituto per Disegni del ´ Università. Laureata 1993 a Ludwig-Maximilians-Universität München. Numerose esposizioni e pubblicazioni in Germania e a l’estero mostrano la capacità mediante con i colori e líntensità delle forme artistiche nelle opere di Marta Melniczuk. Il centro di gravità delle sue creazioni consiste tanto in una combinazione entra la parola e límmagine – le sue serie disegni sono tradotti in lingua Ukraina e lingua Giapponese – quanto in una rappresentazione di musica riflessa nella sua pittura, particolarmente usando opere di Liszt, Satie, Prokofiev e Rachmaninow. Quadri in collezioni pubbliche e private.

Travel I, 2014, acrylic shells on canvas, cm 60x40

Marta Melniczuk is able to reflect her emotion and her big culture in the paintings. Abstract paintings that are full of sensibility and metaphoric power. Marta tells her inner world with a great poetic ability, uses a palette that dues into light. This palette believes in signs as unique interpreters of the pictorial word. The brushstrokes are well defined and establish a relation between macrocosm and microcosm. Marta like all man is between macrocosm and microsm but she creates art inspired and connected to music to “harmonically” represent and to “harmonically”draw the wonderful Universe where we live. Marta Melniczuk è capace di riflettere le sue emozioni e la sua grande cultura nei diointi. Dipinti astratti che sono colmi di sensibilità e di forza metaforica. Marta racconta il suo mondo interiore con grande abilità poetica, usa una tavoloccia che si immerge nella luce. Questa tavoloccia crede nei segni quali unica interpreti della parola pittorica. Le pennellate sono ben definite e stabiliscono una relazione tra microcosmo e macrocosmo. Marta come tutti gli uomini è fra microcosmo e macrocosmo però lei crea arte ispirata e connessa alla musica per rappresentare “armonicamente” e disegnare “armonicamente” il meraviglioso Universo dove noi viviamo. Dino Marasà

Travel II, 2014, acrylic shells on canvas, cm 60x40

Ebersberg - (germany) Email: marta.melniczuk@yahoo.de Web: www.martamelniczuk.weebly.com

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MISa ahara Aihara Misa was born in 1942, in Ibaraki pref. Japan. She is graduated from Joshibi Univ. of Design & Art. She is working for exploring reality of paintings. She has exhibited in Japan, Europe and USA. She participated in Florence Biennale, London Art Biennale and Chianciano Art Biennale. Aihara Misa è nata nel 1942, nella prefettura di Ibaraki in Giappone. Laureata presso l’università Joshibi in Design e Arte. Lavora per esplorare la realtà del dipingere. Ha esposto in Giappone, Europa ed Usa. Ha preso parte alla Biennale di Firenze, alla Biennale di Londra e alla Biennale di Chianciano.

Verko 15-4, 2015, oil on canvas, cm 91x72,7 EUr 1.500,00

The artist Misa Ahara uses colors and signs to paint wonderful artworks acted to explain to the viewer a fantastic world made of dreams and impressions born from the Universe. The brushstrokes are full of symbolic values like the titles of her artworks that want to emphatize the presence of some secret relation between world and human mind. So these artwoks are really guides towards an alternative interpretation of the Universe to better collect his energy and to transfer the force of energy into the pictorial tell. L’artista Misa Ahara usa colori e segni per dipingere opere d’arte meravigliose atte a spiegare allo spettatore un mondo fantastico fatto di sogni ed impressioni dall’Universo, Le pennellate sono piene di valori simbolici come i titoli delle sue opere che vogliono enfatizzare la presenza di qualche segreta relazione fra il mondo e la mente umana. Così queste opere d’arte sono davvero guide verso un’interpretazione alternativa dell’Universo per meglio raccoglierne l’energia e per trasferire la forza dell’energia dentro il racconto pittorico. Dino Marasà

Verko 14-9, 2015, oil on canvas, cm 100x80 EUr 1.700,00

3-3-8 hutawahigashi, hunabashi-shi - 274-0805 Japan Tel: 0081474473376 E-mail: aimi@kra.biglobe.ne.jp http://www5d.biglobe.ne.jp/~uam53283

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rOSarIa COInCEçaO

Stripes the Tiger, acrylics, cm 80x100

Universo/ Universe, acrylics, cm120x80

Born in Lisbon, Portugal in a family of artists and restoring antiques, Rosária Conceição is graduated in architecture at UFRJ, in Rio de Janeiro, Brazil. Through her father, she learned the art of drawing, painting and sculpture. Today, the painting appears intuitively, ambiguity, transcendence, in diverse plans, light, color and movements characterize her paintings. An intimate dialogue is established during the execution of her Works, colors and shapes turn into small verses that translate emotions and meditations. In 2014, for the first time, she participated in Palermo Biennale with her work: Stripes – The Tiger. Nata a Lisbona, Portogallo in una famiglia di artisti e di antiquari restauratori, Rosária Conceição si è laureata in architettura al UFRJ, a Rio de Janeiro, Brasile. Attraverso suo padre, ha appreso l'arte del disegno, dipingere e scolpire. Oggi la sua pittura appare intuitiva, ambiguità, trascendenza, in 136

reflex in Lake,(horses), acrylics, cm 90x200

rOSarIa COInCEçãO diversi piani, luce, colore e movimenti caratterizzano la sua pittura. Un dialogo intimo si stabilisce durante l'esecuzione delle sue opere, colori e forme diventano piccoli versi che traducono emozioni e meditazioni. Nel 2014, per la prima volta, ha partecipato alla Biennale di Palermo con la sua opera: Stripes - The Tiger. The big chromaticity of the artist Rosaria Conceição is experienced in every corner of her artistic work. The dialectic of her signs offers to the user a pictorial world of pure emotion, every reverb is well balanced in the name of exquisite compositional harmony and above all equipped with the most possible naturalness. Rosaria Conceição is also a sculptor as well as plastic brush master. She is a multifaceted artist who always gives her best when creating and when sheexpresses what her soul perceives and feels. La grande cromaticità dell’artista Rosaria Conceição è vissuta in ogni angolo del suo operato artistico. La dialettica dei suoi segni offre al fruitore un mondo pittorico fatto di pura emozione, ogni riverbero è ben dosato in nome di un’armonia compositiva pregevole e soprattutto dotata della massima naturalezza possibile. Rosaria Conceição è anche scultrice plastica oltre che maestra di pennello. Un’artista poliedrica che dà sempre il meglio di sè quando crea e quando esprime ciò che il suo animo sente e percepisce.

Pack (horse and Wolves), acrylics, cm 90x120

Via r. Escritor José américo de almeida, 10 bloco 1 casa 101 22795-045 rio de Janeiro brasil Mob:00 55 21 96857-4147 E-mail: zarchk@yahoo.com.br

Dino Marasà

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JOhWEY rEdIngTOn technical and a big talent. These allows to her to render on the artworks the pictorial tale. The brightness of the artwork is delicate and clean, a pleasure for the viewer. So skies, seas, lands become visible in the artworks together with some people that represent a walk of man in his life. A walk that is a symbol of research of something in a dimension where some “coloristic fogs” cover the reality that can be known only step by step and not only with thinkings or theories. Le opere d’arte di Johwey Redington sono visioni di un mondo interiore vissuto in una dimensione onirica. Dipinge con grandi tecnica e talento. Ciò le permette di rendere sulle opere d’arte il racconto pittorico. La lucentezza della opere d’arte è delicata e pulita, un piacere per lo spettatore. Così cieli, mari, terre diventano visibili sulle opere assieme a delle persone che rappresentano un cammino dell’uomo durante la sua vita. Un cammino che è simbolo di ricerca di qualcosa in una dimensione dove “nebbie coloristiche” coprono la realtà che può essere conosciuta solo passo dopo passo e non soltanto attraverso i pensieri o teorie. Dino Marasà Los angeles, California (USa) E-mail: architect@johwey.com Web: www.johwey.com When the Winter's gone, 2015, encaustic mixed media cm 40x50 USd 1800

Johwey Redington is an internationally-recognized FilipinoAmerican artist living and working in Southern California. Her work has been featured in various solo and group exhibitions across US and Europe and is represented in many private and public collections worldwide. Johwey works primarily with encaustic, an ancient painting technique involving the use of melted pigmented beeswax, to create complex layers of light, color, and texture in her paintings. Her style incorporates the emotion-driven abstract fields of color and marries it with the romanticism of lyrical abstraction. Her experience and discipline as an architect are reflected in her work. Johwey Redington è un’artista vivente filippino-americana, riconosciuta a livello internazionale e lavora nel sud della California. Il suo lavoro artistico è stato presentato in varie mostre personali e collettive in tutta Europa e Stati Uniti ed è rappresentato in molte collezioni pubbliche e private in tutto il mondo. Johwey lavora principalmente con l’encausto, una tecnica pittorica antica che comporta l’uso di cera d’api fusa pigmentata, per creare strati complessi di luce, colore e consistenza nei suoi dipinti. Il suo stile incorpora i campi astratti emozioni guidate di colore e si sposa con il romanticismo di astrazione lirica. La sua esperienza e la disciplina come architetto si riflettono nel suo lavoro. The artworks of Johwey Redington are visions of a inner world lived in a dimension of dream. She paints with a great

Like Yesterday, 2015, encaustic mixed media, cm 40x50 USd 1800

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LaUrO PEdraza Ricerca espressiva che tocca la ricerca informale di quella di Lauro Pedraza: un sapiente artista che non rinuncia a esprimere tutto il suo attaccamento alla Natura. Il suo è un canto lirico, dalle vibranti tonalità, di una tavolozza ricca di variabili cromatiche. Questa ritualità gestuale controllata, gli ha permesso di rivelare appieno il suo amore per un sinfonico particolare della Creazione. Dino Marasà francisco rodriguez #212 Colonia del Maestro San francisco 67300 Santiago nuevo Leon (Mexico) Tel: +528188820924 Cell: +5218180294613 E-mail: lauropedraza@prodigy.net.mx Web: www.lauropedrazart.com fb: https://www.facebook.com/ LauroPedrazaart/ bodegon de flores y frutas - Still life of flowers in a vase, with fruits, 2015 mixed media on canvas, cm 101x76

Pedraza is a Mexican artist born in Monterrey, Nuevo Leon Mexico on August 27th, 1966, he lives with his family in Santiago, Nuevo Leon. Highly influenced by post-impressionists masters Vincent Van Gogh, Paul Cézanne and Paul Gauguin among others. Is a versatile painter covering a wide spectrum of techniques in a unique emotional and expressive way closer to music and poetry than to the traditional realism, he works on figurative and abstract paintings. Is a colorist traditional and digital visual artist always working with different textures and techniques producing innovative art works. He is also an Electronic Systems engineer active in the Information Technology field. During the current and past years Pedraza has been exhibited in Mexico, USA, Spain, Italy, France and Scotland. Pedraza è un artista messicano nato a Monterrey, Nuevo Leon Messico il 27 agosto 1966, vive con la sua famiglia a Santiago, Nuevo Leon. Molto influenzato da maestri post-impressionisti Vincent Van Gogh, Paul Cézanne e Paul Gauguin, tra gli altri. Pedraza è un pittore versatile che copre un ampio spettro di tecniche in un modo emotivo ed espressivo unico più vicino alla musica e poesia che al realismo tradizionale, lavora su dipinti figurativi e astratti. È un artista visivo tradizionale e digitale lavora sempre con diverse texture e tecniche che producono opere d’arte innovative. Egli è anche un ingegnere in sistemi elettronici attiva nel campo dell’ Information Technology. Durante quest’anno e quello passato Pedraza ha esposto in Messico, negli Stati Uniti, Spagna, Italia, Francia e Scozia. An expressive research touches informal research in Lauro Pedraza: he is a skillful artist who doesn’t renounce to express his attachment to nature. In Lauro we find lyric , from the vibrant, with a rich palette of color variations. This ritual gesture controlled, allowed him to fully reveal his love for a particular symphony of Creation. 139

"La Montaña" "The Mountain", March, 2013, técnica mixta (Polvo de mármol, óxidos, tierras, óleo y acrílico), Mixed media on canvas, cm 90x 60,

rOSIE LOnghI dE bOüard

Eclats, 2015, mixed media, cm 80x80

Rosie LONGHI-de BOÜARD was Born in Italy in Cenate Sopra (BG) , after many years in Paris, she lives and works in Deauville Normandie (France) since 2006. She is Associate Member of the National Society of Fine Art in Paris and Associate Member Correspondent of the Internationale Academie of Modern Art in Rome (Italy). She is the student of G. Beauge, himself a student of Louis Nallard Second School of Paris. After a figurative period she turned to Abstraction from 2008. His artworks are exhibited internationally primarily in the USA.

Eclats, 2015, mixed media, cm 80x80

Rosie LONGHI-de BOÜARD è nata in Italia in Cenate Sopra (BG), dopo molt anni a Parigi, vive e lava in Deauville Normandie (Francia) dal 2006. Membro associate della Società Nazionale di Belle Arti a Parigi e membro corrispondente associato dell'Accademia Internazionale d'arte moderna a Roma (Italia). Studentessa di G. Beauge e Louis Nallard della seconda scuola di Parigi. Dopo un periodo figurativo dal 2008 ritorna all'astrattismo. Le sue opere d'arte sono esposte principalmente negli USA. The mark of the painter Rosie Longhi de Boüard votes itself to the chromatic narrative by pictorial styles according with the entire artwork with the greatest possible agility. These styles are both pure color, and a chromatic melange that gives dynamism to all 62 a rue gambetta - 14800 deauville (france) Tel: 0033 (0)611751207 Sito web: http://www.galerielonghidebouard.fr E-mail: r.longhidebouard@hotmail.fr

Jaillissement, 2015, mixed media, cm 81x65

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rOSIE LOnghI dE bOüard

Magnificat, 2014 oil, cm 61x50

works. The light also gets support from the choice of colors and accompanies the viewer in the emotional interpretation of the artistic tale. This art, therefore, is pleasant meeting point between the viewer accustomed to the usual and the artist who stands as renewed avant-garde movement. Surely the success of Longhi de Boüard is to be found both in talent and also in the use of the technique perfected over the years.

La segnica della pittrice Rosie Longhi de Boüard si vota alla narrazione cromatica mediante stilemi pittorici che si accordano con l’insieme dell’opera con la massima agilità possibile. Tali stilemi sono ora colore puro, ora un melange di cromia che conferisce dinamicità alle opere tutte. La luce inoltre ricava sostegno dalla scelta dei colori e accompagna lo spettatore nell’interpretazione emotiva del narrato artistico. Tale Arte, dunque, 141

è piacevole punto d’incontro tra lo spettatore avvezzo al consueto e l’artista che si pone come rinnovato movimento d’avanguardia. Sicuramente il successo della Longhi de Boüard è da ricercare sia nel talento ed anche nell’uso della tecnica perfezionata negli anni. Dino Marasà

kIM YOng bO frequentato un corso alla “Ecole de Photo” e alla “Art School of Drouot” (France). Membro delle: Seoul Art Association, International Association Andre Multaux, Ecole de Photography, ADAGP (International Copying Association), Taylor Foundation, Hongik Artists Association. Eventi recenti: h2015 Seoul open Art Fair (2 times); Biennale di Barcellona; Biennale di Palermo; Arte in capital Andepaintin grand Palais in Paris. Andre Malrux global Artist Prize Premi recenti: 2012 Taylor association des artisies Prix Maxime Juan (Fondazione Taylor Parigi France) 2014 Special Prize in the Korea Fine Art exhibition;The 7th Korea Japan Exhibition Excellence Prize 2015 Gran Premio Korea power leader; Roma Imperial international Prize – The Genius of Art Rivista Effetto Arte; Sandro Botticelli Prize (Firenze); Rubens Baroque Art (Lecce – Ancient Theatre); International Prize – Michelangelo Artist at the Jubilee. Invitata a mostre in Russia Repin Academy Saintpeterburg Russia, Art in capital Dessin & peinturea l'eau (Grand palais Paris). Fiere d’arte: Art Expo New york 2016; Seoul open art fire 2° volta; Hong kong Conrad Hotel art fair; Carrousel du Louvre Paris 2° volta. Riviste stampa 2016 artfabetic Presidente de l'Association Concordia. The chromatic research of Kim Yong Bo was born from the purity of color that becomes artistic sign. So that the forms are mixed in the color itself and become dreamlike visions, grandeur in their visual spectacle. Kim Yong Bo senses the vibrations of objects and transmits them to the painting and so renders perfectly the dynamic of the pictorial tale. The palette is always with live and bright tones, full of thick and decision. An Art that is real technical sophistication and that really excites the viewer.

noahs ark, acrylic on canvas, cm 72,7x53

Kim Yong Bo (Seoul/Republic of Korea 1952) is painter, designer, photographer, a graduate artist of School of Contemporary Art at the highest course. He has attended a course at “Ecole de Photo” and the “Art School of Drouot” (France). He is a member of: Seoul Art Association, International Association Andre Multaux, Ecole de Photography, ADAGP (International Copying Association), Taylor Foundation, Hongik Artists Association. Recent events: 2012 Taylor association des artisies Prix Maxime Juan (Taylor Foundation Paris France) 2015 Korea power leader grand prize; Roma Imperial international Prize – The Genius of Art Effetto Arte Magazine; Sandro Botticelli Prize (Florence); Rubens Baroque Art (Lecce – Ancient Theatre); International Prize – Michelangelo Artist at the Jubilee. Invitational exhibition in Russia Repin Academy Saintpeterburg Russia, Art in capital Dessin & peinturea l'eau (Grand palais Paris). Art fair: Art Expo New york 2016; Seoul open art fire 2time; Hong kong Conrad Hotel art fair; Carrousel du Louvre Paris 2time. Reviews/press 2016 artfabetic Presidente de l'Association Concordia. Kim Yong Bo (Seoul/Repubblica di Korea 1952) è pittrice, designer, fotografa, un’artista diplomata al corso avanzato della School of Contemporary Art. Ha 142

La ricerca cromatica di Kim Yong Bo nasce dalla purezza del colore che diventa segno artistico. Sicché le forme si confondono nel colore stesso e divengono visioni oniriche, grandiose nella loro spettacolarità visiva. Kim Yong Bo percepisce le vibrazioni degli oggetti e le trasmette al dipinto e così facendo rende perfettamente la dinamicità degli stessi. La sua tavolozza è sempre dai toni vivi e accesi, colmi di spessore e decisione. Un’Arte che è vera ricercatezza tecnica e che davvero entusiasma lo spettatore. Dino Marasà #a. 505 hilltop Treasure Unvillage han namdong Yong San gu 40-210 Seoul (korea) Tel: +822798887 Mob: 01053479356 E-mail: yongbo507@naver.com

kIM YOng bO

glory of god, acrylic on canvas, cm 111x146,5

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JOhn drOOYan

Ugo, (from “headquarters” series) prints on canvas, cm 68x87,5

As a young man, while working at Dellen Publishing Company in San Francisco, I was commissioned to create chapter opening photographs for a series of math textbooks. At the time I was familiar with the photographic creations of John Pfahl, which involved integrating placed sculptural objects in landscapes he photographed, and having a not too distant memory of a night spent on Zabriskie Point in Death Valley by moonlight, I proposed to design and create sculptures of mathematical concepts that I would photograph in Death Valley…which was accepted. As I was designing the mathematical scultpures, I read Laurence Weshchler’s book about Los Angeles artist Robert Irwin, titled “Seeing is Forgetting the Name the Thing One Sees” which followed Robert Irwin’s investigations into perception, intuition and chance, that lead to his ground breaking environmental artworks. The result was twenty-four chapter opening photographs, ten of which I’ve selected to comprise the Desert Target series (www.drooyanart.com) – which form the conceptual and perceptual foundation for my mixed media and digital artwork that followed. I subsequently attended the San Francisco Art Institute and began working with 3-D objects on the surface of my photographs, which continued with two series of mixed media artwork titled “Save the Creatures”, and “Altar Egos”, in which three dimensional objects, as well as my drawing and painting are integrated with my photographs. One professor commented on the influence of Picasso, and another on Magritte’s perceptual/conceptual paradigm, in these works. Works from the Altar Egos and Save the Crea-

Edgemar,(from “headquarters” series), prints on canvas cm 91x120

tures series have appeared in many group and solo exhibitions, including solo exhibitions at Galerie Samuel, in Paris, the Daniel Saxon Gallery in Los Angeles, and the Brand Art Gallery, in Glendale, California. I bought my first (Macintosh) computer in early 1994, and thereafter began work on my digital artwork series titled “Headquarters”, which includes my hand drawn and painted imagery combined with photography, and “Ocean Park” – the only artwork I’ve made that does not include photography. For many years I was not able to make ( or have made) satisfactory prints of my digital artwork. Finally, with the development and arrival of Genuine Fractals, Colorburst rip software, and the Epson 9880 printer, I am now able to make high quality archival prints

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of my digital artwork on canvas and paper. Most recently I have embarked on a series of photographs titled “Celebrities”. Da giovane, mentre lavorava alla Dellen Publishing Company a San Francisco, mi è stato commissionato di creare il capitolo d’apertura con foto per una serie di libri di testo di matematica. A quel tempo avevo familiarità con le creazioni fotografiche di Giovanni Pfahl, che ha coinvolto integrando oggetti scultorei in paesaggi da lui fotografati, e avendo un ricordo non troppo lontano di una notte trascorsa a Zabriskie Point nella Valle della Morte al chiaro di luna, proposi di progettare e creare sculture di concetti matematici che avrei voluto

JOhn drOOYan

O’henry, (from “headquarters” series), prints on canvas, cm 80x104

grafia. Per molti anni non sono stato in grado di fare (o fatto) stampe soddisfacenti della mia grafica digitale. Infine, con lo sviluppo e l’arrivo di Genuine Fractals, Colorburst rip software, e la stampante Epson 9880, sono ora in grado di effettuare stampe d’archivio di alta qualità della mia grafica digitale su tela e carta. Più di recente ho intrapreso una serie di fotografie dal titolo “Celebrità”.

babylon (from “headquarters” series), prints on canvas, cm 71x86,5

fotografare nella Valle della Morte … che è stata accettata. Mentre stavo progettando le sculture matematiche, ho letto il libro di Laurence Weshchler su Los Angeles dell’artista Robert Irwin, dal titolo “Vedere è dimenticare il nome della cosa che uno vede”, che ha seguito le indagini di Robert Irwin nella percezione, l’intuizione e il caso, che portano alla sua innovativa opere d’arte ambientale. Il risultato è stato ventiquattro fotografie d’apertura per i capitoli, dieci dei quali ho selezionato per far comprendere la serie Desert Target (www.drooyanart.com) – che costituiscono il fondamento concettuale e percettivo per i miei tecnica mista e opere d’arte digitale successive. In seguito ho frequentato l’Istituto d’Arte di San Francisco e ho iniziato a lavorare con oggetti 3D sulla superficie delle mie fotografie, che continua con due serie di opere d’arte in

tecnica mista dal titolo “Save the Creature”, e “Altar Egos”, nei quali oggetti tridimensionali, così come il mio disegno e pittura sono integrati con le mie fotografie. Un professore ha commentato sull’influenza di Picasso, e un altro sul paradigma percettivo/concettuale di Magritte, in queste opere. Le opere della serie Altar Egos e Save the Creature serie sono apparse in molte mostre collettive e personali, tra cui mostre personali alla Galerie Samuel, a Parigi, la GalleriaDaniel Saxon Gallery, e laBrand Art Gallery, a Glendale, in California. Ho comprato il mio primo computer (Macintosh) all’inizio del 1994, e da allora in poi cominciai a lavorare sulla mia serie grafica digitale dal titolo “Headquarters”, che comprende i miei disegni a mano e dipinti immaginario combinati con la fotografia, e “Ocean Park” – l’unica opera d’arte ho fatto che non include la foto-

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John Drooyan creates works made by great abstract execution, fruit of the intuition of an absolutely rational artist who draws the most of his aesthetic concept of beauty, by the exaltation through a series of micro geometric shapes with their sharp symbolic role. John Drooyan crea opere dalla notevole esecuzione astratta, frutto dell’intuizione di un artista assolutamente razionale che non disdegna, ma anzi estrae al massimo il suo concetto estetico di bellezza, esaltandolo attraverso un susseguirsi di micro forme geometriche con un loro preciso ruolo simbolico. Dino Marasà

JOhn drOOYan 285, West 6th st, Unit 329 San Pedro, Ca 90731 T USa Mobile: 310 309 9430 E-mail: jdvisart@yahoo.com www.drooyanart.com

bEaTE kULIna pactness at the same time as a graceful yet fragile lightness shimmering elegantly through the areas of colour. In her two-dimensional landscapes (for instance in "Nikko, Japan") Kulina feels it to be her vocation to follow abstract principles. Yet without contradiction, in a veduta painting of the city of Helsinki for example, she is able to follow the path of (magical) realism. Abstraction and realism do not compete but complement each other in Kandinsky' work as well. In 1912, in his essay "On the Problem of Form", Kandinsky differentiates abstraction and realism as two poles, embodying what the spirit has chosen to take from the storeroom of matter in two opposite directions. These two poles open up two paths which eventually will lead to the same goal. It is this common goal which is reflected in the works of Kulina as well. They all make a strong impression on their viewers, expressing the experience of an uncompromising pursuit of unity of art and life. Text by Dr. Barbara Aust-Wegemund L’artista Beate Kulina fa della sua pittura, l’arte della seduzione paesaggistica. I colori caldi si stagliano sfumati e armonici sulle sue tele, svolgono intricati rituali alchemici per dare all’osservatore Hommage à William Blake “creation of Adam” 2003, acquerello, cm 50x60

Born in Hamburg in 1949, Beate Kulina studied Free Art at the University of Fine Arts of Hamburg (HFBK) with Kurt Kranz und Franz E. Walther. Through her work at Stadttheater Pforzheim, Beate Kulina gained insight in the world of dramaturgy and set design. Apart from a lasting influence this leaves on her painting, the impression was so strong it sparks off an independent lyrical oeuvre as well. Since 1979, Beate Kulina lives as an artist in Berlin. She has been taking part in work and study visits which serve Beate Kulina as her sources of inspiration reflected in her landscape paintings - be it Tokio, Helsinki, Tel Aviv or Stockholm. Her watercolours are inspired by current events, travels, literature and theatre. The desire for beauty - corresponding to the desire for reality according to Plato - constitutes the unifying theme for the whole of the artist's oeuvre. From this inner urge, she develops a stunning imagery in her art, depicting powerful com-

“The blue painting” Vierwaldstätter see Luzern, Switzerland, 2000, acquerello, cm 36x48

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la sensazione di luce che rievoca i dipinti dei pittori impressionisti del romanticismo inglese, in particolare di Turner. Le cromie diventano il tramite delle sue emozioni al fruitore. è un’arte istintiva, piena di carisma e soprattutto di amore per il bello.

Tropical rainforest, 2013, acquerello, cm 54x62

The artist Beate Kulina makes her painting, the art of seduction by landscapes. Warm

colors stand out soft and harmonic on her canvases, performing intricate rituals of alchemy to give to the viewer the feeling of light that recalls the paintings of the Impressionist painters of English Romanticism, particularly of Turner. The colors become through her emotions to the viewer. It is an art instinctive, full of charisma and above all love for beauty. Dino Marasà

bEaTE kULIna Contatti: hampsteadstr. 25 14167 berlino (germania) Telefono: +49 3037448873 Cellulare: +49 1726232350 Sito web: www.beatekulina.de E-mail: beate.kulina@web.de Pricing: da Euro 2.800,00 a 3.200,00. Hommage a Michelangelo “creation of Eve“, 2000, acquerello, cm 36x48

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PaTrICIa aSTOrga MC InTYrE Ignacio Villegas, consolida la sua pittura con un forte nozione di disegno. Con il suo progetto di laurea guidato da José Balmes, cominciano ad emergere i lineamenti della sua arte. Da allora, la natura è stata ricorrente in diversi periodi e fasi di sviluppo del suo lavoro. Ha partecipato a diverse mostre collettive e personali: New York 2014, Firenze 2014 e Milano 2015. Con gli Outsiders Expo Stazione centrale a Strasburgo, Francia 2014. Ha partecipato a diverse biennali come Barcellona, al MEAM e alla Biennale di Palermo, Italia. Invitata a fiere d’arte come l’ Art Shopping di Parigi e recentemente invitata allo Spectrum Miami, dicembre 2015.

Ci troviamo di fronte a opere di alto livello esecutivo, di poetica ispirazione e di morbida e variegata cromia. Bisogna dare atto alla pittrice Patricia Astorga di "El sueño de la casa propia" ("the dream of home ownership"), treated resin with printed acetate and acrylic. cm 20x31

Patricia Astorga, born and lives in Chile, studied Bachelor of Arts at the P. Catholic University of Chile, graduating with distinction in 1992. A student of Gonzalo Cienfuegos and disciple of Ignacio Villegas, she consolidates her painting with a strong notion of drawing. With her degree project led by José Balmes, they begin to emerge the lineaments of her art. Since then, nature has been recurrent in different periods and stages of development of her work. She has participated in several group and solo exhibitions, like New York 2014, Florence 2014 and Milan 2015. With the Outsiders in Expo Central Station in Strasbourg, France 2014. Participated in several biennials such as Barcelona, in the MEAM and Palermo Biennale, Italy. Invited, among others, to art fairs like Art Shopping in Paris and recently invited to Spectrum Miami, December 2015. Patricia Astorga, è nata e vive in Cile, ha studiato Bachelor of Arts presso la P. Università Cattolica del Cile, diplomandosi con lode nel 1992. Allieva di Gonzalo Cienfuegos e discepolo di

Seguridad ("Security"), treated resin with treated acetate and acrylic. cm 20x30

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"Poliptico" detalle ("Polyptych", detail),oil on canvas total dimension cm 150x150

aver saputo rendere, con una stesura lieve fino all’evanescenza, l’indefinibile vaghezza del paesaggio. L’autrice dimostra di possedere la dote non comune di riuscire a coniugare figurazione e astrazione, che qui si fondono in un contesto di luminose chiarezze tonali. We are faced with works of high executive level, poetic inspiration and soft and varied color scheme. We must affirm that the artist Patricia Astorga to has been able to make, with a slight drawing up the evanescence, the indefinable vagueness of the landscape. She demonstrates that she has the dowry uncommon to be able to combine figuration and abstraction, which here come together in an environment of bright tonal clarities. Dino Marasà

Sur del mundo ("Southern world") oil on canvas, cm 170x80

E-mail: patricia.astorga.arte@gmail.com Sito web: www.patriciaastorga.cl

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aYSIn ISErI (isd-art)

29/12/2003

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aYSIn ISErI (isd-art) feeling from one to another.- “The Great Stories” are part of core human experience and never change except in the most superficial ways. The settings might be modified depending on who's telling it, the characters might have different names, but fundamentally, it's still the same story. - This statement above changed my life and turned my way to professional art life. I was born in Istanbul in 1964. A very famous Turkish painter Bedri Rahmi Eyuboglu was my first inspiration and had my first exhibition when I was 4 yrs old. Due to my father’s job, we travelled a lot with my family and this helped me to understand and observe different cultures. I performed on stage, play several musical instruments, sang in quires for long years.

aysini@superonline.com

Tango of Isis

- “The Great Stories” are part of core human experience and never change except in the most superficial ways. The settings might be modified depending on who's telling it, the characters might have different names, but fundamentally, it's still the same story. - This statement above changed my life and turned my way to professional art life. I was born in Istanbul in 1964. A very famous Turkish painter Bedri Rahmi Eyuboglu was my first inspiration and had my first exhibition when I was 4 yrs old. Due to my father’s job, we travelled a lot with my family and this helped me to understand and observe different cultures. I performed on stage, play several musical instruments, sang in quires for long years. At the same time, I ended up studying business and finance and worked professionally until 2003. In the meantime, I never left dealing with music and art. I started sculpting in 1996 with a great teacher Irfan Korkmazlar. While working with him, I did 4 solo exhibitions. Then I started my own studio ISD-ART in Istanbul and from 2006 on, I am teaching sculpting and have 45 students/artists working with me. I have an art gallery in Bodrum, Turkey. I think art is a very powerful means of communication. Essentially it exists in the mind of the creator and if enriched by imaginative and technical skills, it is the most tasteful way of passing the 151

Re-birth

aYSIn ISErI (isd-art) I think art is a very powerful means of communication. Essentially it exists in the mind of the creator and if enriched by imaginative and technical skills, it is the most tasteful way of passing the feeling from one to another. - "Le grandi storie" sono parte del nucleo dell'esperienza umana e non cambiano mai se non nei modi più superficiali. Le impostazioni possono essere modificate a seconda di chi lo sta dicendo che, i personaggi potrebbero avere nomi diversi, ma fondamentalmente, è sempre la stessa storia. - Questa dichiarazione di cui sopra ha cambiato la mia vita verso una vita d'artista professionista.

greatfulness

At the same time, I ended up studying business and finance and worked professionally until 2003. In the meantime, I never left dealing with music and art. I started sculpting in 1996 with a great teacher Irfan Korkmazlar. While working with him, I did 4 solo exhibitions. Then I started my own studio ISD-ART in Istanbul and from 2006 on, I am teaching sculpting and have 45 students/artists working with me. I have an art gallery in Bodrum, Turkey. 152

Sono nata a Istanbul nel 1964. Un famoso pittore turco Bedri Rahmi Eyuboglu è stata la mia prima ispirazione e ha avuto la mia prima mostra quando avevo 4 anni di età. A causa del lavoro di mio padre, abbiamo viaggiato molto con la mia famiglia e questo mi ha aiutato a capire e osservare le diverse culture. Ho recitato sul palco, ho suonato diversi strumenti musicali, cantato per lunghi anni. Allo stesso tempo, ho finito gli studi da professionista degli affari e della finanza e ho lavorato in questo campo fino al 2003. Nel frattempo, non ho mai lasciato la musica e l'arte. Ho iniziato a scolpire nel 1996 con un grande maestro Irfan Korkmazlar. Mentre lavoravo con lui, ho fatto 4 mostre personali. Poi ho iniziato il mio studio ISDART a Istanbul e dal 2006 in poi, sto insegnando scultura e ho 45 studenti / artisti che lavorano con me. Ho una galleria d'arte a Bodrum, in Turchia.

aYSIn ISErI (isd-art) Credo che l'arte è un potente mezzo di comunicazione. In sostanza essa esiste nella mente del creatore e se arricchita da abilità immaginative e tecniche, è il modo più raffinato di passare il sentimento da uno all'altro. The goddess Isis is the feminine archetype for creation – the goddess of fertility and motherhood in Ancient Egypt. She has gone by many names and played many roles in history. She was considered as the Queen of Heaven, Mother of the Gods, The Brilliant One in the Sky, She Who Knows How to Make Right Use of the Heart, Moon Shining over the Sea, etc. She had so many worshippers. The symbol of Isis in the heavens was a star. Its appearance in other’s soul marked the beginning of a new year- a new era -. For some, she was The One Who is All and will remain so until the end of the universe. The goddess is the essence of the feminine energy which is part of us all. La dea Iside è l’archetipo femminile, per la creazione – la dea della fertilità e della maternità in Egitto. Ha passato molti nomi e interpretato molti ruoli nella storia. È stata considerata come la Regina del Cielo, Madre degli Dei, Colei brillante nel cielo, Lei che sa fare un uso corretto del Cuore, La luna che splende sopra il mare, ecc Aveva tanti fedeli. Il simbolo di Iside in cielo era una stella. Il suo aspetto a altra anima ha segnato l’inizio di un anno nuovo in una nuova era – . Per alcuni , era Colei che è Tutto e rimarrà tale fino alla fine dell’universo. La dea è l’essenza dell’energia femminile che fa parte di tutti noi. Sinuous and compositional softness characterize the Aysin Iseri sculpture. The shape and the

Intimacy

intertwined bodies are imbued with meditated and mediated classicism by the inspiration of composition and creativity in homage to the goddess Isis who oversees all creative and emotional process. Sinuosità e morbidezza compositiva caratterizzano la scultura di Aysin Iseri. Le forme e i corpi intrecciate sono intrise di classicismo meditato e mediato dall’estro compositivo e dalla creatività in omaggio alla dea Iside che sovrintende ogni processo creativo ed emozionale. Dino Marasà 153

IrEna OrLOV The echo of the stars, of the galaxies, of the universe and of the thought becomes chromatic trace in the artistic work of Irena Orlov. The painter uses color to trace fantastic shapes that are pure art. Orlov explains with strokes and palette that cosmology and cognitive science are describing and so she gets closer the viewer to these disciplines. Often abstruse, they become intelligible chromatic emotion that is a source of excitement and mental contemplation together. Lâ&#x20AC;&#x2122;eco delle stelle, delle galassie, del cosmo e del pensiero diviene traccia cromatica nellâ&#x20AC;&#x2122;operato artistico di Irena Orlov. La pittrice usa il colore per tracciare forme fantastiche che sono pura Arte. Spiega la Orlov con i tratti e la

Stellar wind, new media, cm 91X121 USd 4010

Cosmic Symphony, new media, cm 121x182

USd 10,350

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IrEna OrLOV

birth of an Idea, mixed media, cm 121x182

USd 10,350

tavolozza ciò che la cosmologia e le scienze cognitive descrivono avvicinando così lo spettatore a queste discipline. Spesso astruse, esse diventano emozione cromatica intellegibile che è fonte di emozione e contemplazione mentale assieme. Dino Marasà

antennae galaxies, watercolor, cm 45x60 USd 1500

14301 addison St Ste 6 -91423 Sherman Oaks (USa) Tel: 001 818 501 4537 Sito web: www.irenaorlov.com E-mail: irenaorlov@att.net

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SOMSak ChaITUCh Somsak Chaituch is an abstract and figurative expressionist artist that combines both eastern and western art. His eastern cultural origins and his western artistic upbringing are fused together creating a unique style with a wonderfully elegant and charming taste. Somsak’s works are permeated with a sense of unfathomable depth conjured up directly from dreams. Continuous wave-like patterns created by curving ribbon forms, charge his hypnotic paintings with a swirling flow. Serpentine lines move rhythmically across the canvases creating a sinuous movement that mesmerises the viewer completely. The bright and lively colours of Chaituch’s palette overlap but never intertwine. Each a defined plane within the pictorial space. The use of strong, warm, unblended colours has a powerful and joyous effect on the eye and makes his works immediately and intuitively comprehensible. No, complicated rationalisation is needed to understand what the senses have already interpreted and brought into the sphere of consciousness through pure emotional responses. A juxtaposition of exuberance and composure characterise Somsak’s paintings. Large, but tamed, brushstrokes of colour paired with meticulous and careful details that ask for closer inspection. Paintings with many levels of observation that keep our attention constantly captured. The unique style of this talented artist remind us of masters such as Wilfredo Lam, Brice Marden, Frank Stella, Diego Rivera and even Van Gogh all fused together with Buddhist art, but it would still be reductive when considering Chaituch’s oeuvre.

Dancing eyes, 2014, acryl on linen, cm 160x120 EUr. 7.500,00

The aesthetic beauty and significance of Chaituch’s art is astounding and the depth of emotions it suscitates is a journey we will never want to come back from.

Dancing-Hair, 2015, acryl on linen, cm 180x140 EUr. 7.500,00

Somsak Chaituch è un artista espressionista astratto e figurativo, che combina sia l'arte orientale e occidentale. Le sue origini culturali orientali e la sua educazione occidentale si fondono insieme creando uno stile artistico unico. Le opere di Somsak sono permeate da un senso di profondità insondabile evocato direttamente dai sogni. Onde continue create curvando le forme di un nastro, riempiono i suoi quadri con un flusso vorticoso. Linee serpeggianti si muovono ritmicamente attraverso le tele creando un movimento sinuoso che affascina completamente lo spettatore. L'uso di forti, colori caldi e non miscelati ha un effetto potente e gioioso per gli occhi ed è immediatamente comprensibile. Una giustapposizione di esuberanza e compostezza caratterizzano i quadri di Somsak. Pennellate di colore in coppia con dettagli minuziosi e attenti che richiedono un esame più attento. Dipinti con molti livelli di osservazione che catturano la nostra attenzione. Una fioritura armoniosa di vitalità e freschezza, un tripudio dei sensi su un letto di tranquillità serena. Lo stile unico di questo artista di talento ci ricorda maestri come Wilfredo Lam, Brice Marden, Frank Stella, Diego Rivera e anche Van Gogh tutti fusi insieme con l'arte buddista, ma sarebbe comunque riduttivo se si considera l'opera di Somsak 156

SOMSak ChaITUCh

A dream5, 2014, acryl on linen, cm 140x160 EUr. 7.500,00

Chaituch. La bellezza estetica e il significato dell'arte di Chaituch è stupefacente e la profondità delle emozioni che suscitate è un viaggio da cui non avremo mai bisogno di tornare. Questa pagina di bella pittura del Maestro Chaituch Somsak nasce con evidenza da un ottimo disegno preparatorio. Si tratta di un vivacissimo insieme di forme sinuose e colori. La composizione, rivelando l’abilità di un artista elegante, è tutta giocata sullo squillo cromatico delle tonalità e sul

loro contrasto che fanno pensare, a livello simbolico, alla solarità. Artista di grande caratura espressiva e stilistica. Pennellate energiche, cromìe brillanti, sono la chiave della sua pittura, che risulta d’effetto e ricca di personalità. This beautiful painting page of Maestro Chaituch Somsak is born with evidence by an excellent preparatory drawing. It is a lively set of sinuous shapes and colors. The composition, revealing the ability of an elegant artist, is all played on the chro157

matic scales and their contrast which suggest, on a symbolic level , to the sunshine. He is an artist of expressive and stylisti great caliber. Energetic brush strokes, brilliant colors ranging, are the key to his painting, which is full of effect and full of personality. Dino Marasà

www.chaituchsomsak.com

aLEXandEr SanEr Il cromatismo monotematico delle opere scultoree dell’artista Alexander Saner ci impone una rivisitazione del concetto stesso di spazialità e di prospettiva, creando opere che narrano le sue teorie compositive e artistiche. Una grande creatività che gli impone quindi di creare nuovi schemi narrativi che sicuramente sono degni di nota. Dino Marasà

Tension 7

Cut 77

Alexander Saner is a swiss artist, autodidact, lives in Breitenbach, near Basel. In early years active as Cartoonist for newspapers, entertainment and advertising. Since 1993 three dimensional art: sculptures, objects. Photography as of 2010. Exhibitions: Basel, Zürich, Lausanne, Ascona, Meisterschwanden, Mannheim, Lörrach, Salzburg, Lausanne, Ortona, La Valletta Malta, Palermo, Rom, Vatican, Miami, Manhattan-New York, Paris. Alexander Saner è un artista svizzero, autodidatta, vive a Breitenbach, vicino a Basilea. Nei primi anni di attività come vignettista per i giornali, l’intrattenimento e la pubblicità. Dal 1993 tre arte tridimensionale: sculture, oggetti. La fotografia dal 2010. Mostre: Basilea, Zurigo, Losanna, Ascona, Meisterschwanden, Mannheim, Lörrach, Salisburgo, Losanna, Ortona, La Valletta Malta, Palermo, Rom, Vaticano, Miami, ManhattanNew York, Parigi.

Static 1

158

aLEXandEr SanEr

Virus

Chromaticism-theme of sculptural works by the artist Alexander Saner requires us a remake of the concept of space and perspective, creating works that narrate his compositional and artistic theories. An big creativity that therefore requires the creation of new narratives which are definitely noteworthy. Dino MarasĂ

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Spitalstrasse, 45 - 4226 breitenbach (Switzerland) Tel. 0041 617812916 - E-mail: a.saner@bluewin.ch Sito web: swissart.net/alexandersaner

frank Mann Taipei, and Tokyo, in the United States, in New York, Miami, and Seattle, and in South America, in Buenos Aires and Sao Paulo. An installation of his paintings was exhibited at La Chappelle des Salelles, St. Maurice D’Ibie (Ardeche), France, as part of the International Festival D’Art Contemporain. In the past year, his work has been included in exhibitions in Venice, Paris, and New York. He recently participated in the exhibition, Italia Docet Laboratorium at the Palazzo Barbarigo Minotto, San Marco, Venice, a Collateral Event of the 56th Venice Biennale. He lives and works in New York. Frank Mann ha esposto dovunque con importanti mostre a New York, Londra, Amsterdam, Parigi, Barcellona e Berlino. Mann è elencato nei 2.000 Artisti e Designer di Rilievo del XX secolo, nell’Enci-

Oculus, no.28, 2014, oil on canvas, cm 105x135 17.000 USd

Frank Mann has exhibited widely with major exhibitions in New York, London, Amsterdam, Paris, Barcelona, and Berlin. Mann is listed in 2,000 Outstanding Artists and Designers of the Twentieth Century, The Biographical Encyclopedia of American Painters, Sculptors, and Engravers (2003), The International Dictionary of Artists (2010), Internationale Kunst Heute (International Art Today) 2015, and in the 33rd Edition of Who’s Who in the World (2016). Among the numerous public and private collections that have acquired Mann’s work are the Guggenheim Museum and the Museum of Modern Art, both in New York, The Museum of ModernArt, BuenosAires, Argentina, and the Museum of ContemporaryArt,Nice,France. His work has been included in exhibitions in Asia, including Seoul,

red Oculus, 2014, oil on canvas, cm 78x85 8.000. USd

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frank Mann clopedia biografica dei Pittori, Scultori e Incisori d’America (2003), nel Dizionario internazionale degli artisti (2010), nell’ Internationale Kunst Heute (International Art Today) 2015, e nella 33 ° edizione del Who’s Who in the World (2016). Tra le numerose collezioni pubbliche e private che hanno acquisito il lavoro di Mann vi sono il Museuo Guggenheim e il Museo dell’Arte Moderna, entrambi a New York, il Museo d’Arte Moderna, Buenos Aires, Argentina, e il Museo d’Arte Contemporanea di Nizza, Francia. Le sue opere sono state esposte in mostre in Asia, tra cui Seul, Taipei e Tokyo, negli Stati Uniti, a New York, Miami, e Seattle, e in Sud America, a Buenos Aires e San Paolo. Un’installazione dei suoi dipinti è stato esposta presso La Chappelle des Salelles, San Maurizio D’Ibie (Ardeche), Francia, nell’ambito del Festival Internazionale d’Arte Contemporanea. L’anno scorso, le sue opere sono state esposte in mostre a Venezia, Parigi e New York. Recentemente ha partecipato alla mostra, Italia Docet Laboratorium a Palazzo Barbarigo Minotto, San Marco, a Venezia, un evento collaterale della 56 ° Biennale di Venezia. Vive e lavora a New York.

Oculus, no.17, 2014, oil on canvas, cm 105x135 17,000. USd

The color development of the Maestro Frank Mann is the basis of his pictorial composition. With the artworks of the "Oculus" series (eye) he intends to communicate to the viewer different filtered views of the real world so to better capture

hidden and unseen energies to the human eye. These visions are similar to the representations made by the subatomic physics of matter and of the universe. Refinement of content and skills and talent in painting make, therefore, Frank Mann, a Maestro with detailed and rich in culture contents. Lo sviluppo cromatico del Maestro Frank Mann è alla base della sua composizione pittorica. Con le opere della serie “Oculus” (occhio) egli intende comunicare diverse al fruitore filtrate visioni del mondo reale per captarne energie nascoste e invisibili all’occhio umano. Tali visioni sono similari alle rappresentazioni fatte dalla fisica subatomica della materia e del cosmo. Ricercatezza di contenuto e abilità e talento pittorico fanno, dunque, di Frank Mann, un Maestro dai contenuti particolari e ricchi di cultura. Dino Marasà

212 E. 34 Street, no. 3 - e 10016 new York - U.S.a. Tel. 001212 689 9003 Web: www.oculusonline.net E-mail:fmann100@hotmail.com Oculus, no. 7 2014, oil on canvas, cm 78 x 85, 8,000. USd

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JanI Jan J.

Endless 2, 2015, iron painting mixed media on wood, 123x83x5 cm EUrO 7.000

The chromatic and semiotic dialogue of Master Jani Jan J. is placed on iron. It is a symbol of strength and toughness, excellent metaphor for the durability of the idea that art is rooted in mankind. Jani

Jan J. uses a palette of bold colors, often he is using elements such as other colors to give tone to the pictorial tale. An evocative and engaging Art, which allows contact with a mental dimension that 162

tells the cosmos. An agile and precise in details tale that remains imprinted in the viewer. Il dialogo cromatico e segnico del Maestro

JanI Jan J. Jani Jan J. ha luogo sul ferro. Esso è simbolo di forza e robustezza, ottima metafora della durevolezza dell’idea dell’Arte che è radicata nel genere umano. Jani Jan J. usa una tavolozza dai toni decisi, spesso aiutandosi con elementi diversi dai colori per dare tono al racconto pittorico. Un’Arte evocativa e coinvolgente, che permette il contatto con una dimensione mentale che racconta il cosmo. Un racconto agile e preciso nei dettagli che rimane impresso nello spettatore. Dino Marasà Jani was born in Salzburg, Austria, and creates his mixed-media paintings in his studio in Enzersdorf – Austria and on the island Karpathos in Greece. He is a self-taught sculptor and painter, an art therapist graduate, and a multimedia director. He has visited numerous places, including Europe, Africa, Russia and China. Most of his activities and exhibitions have been in Austria, the Czech Republic, Greece, Germany, France, Italy, England, Turkey, Finland, Malta, and Scotland. Jani Jan J. is the founder, curator and organizer of the yearly event “Kunst & Kultur in Staaz”, since 2011 In his career he was and still is honored with international awards. Last award is ''Palma d'oro per l'arte 2016''-artexpo-gallery and Academy, Oscar Award Best Artist of the year 2016“- Foundation Costanza. Jani è nato a Salisburgo, in Austria, e crea i suoi dipinti tecnica mista nel suo studio in Enzersdorf Austria e sull'isola di Karpathos in Grecia. Scultore autodidatta e pittore, arte terapeuta diplomato, e regista multimediale. Ha girato numerose località, tra cui Europa, Africa, Russia e Cina. La maggior parte delle sue attività e mostre sono stati in Austria, Repubblica Ceca, Grecia, Germania, Francia, Italia, Inghilterra, Turchia, Finlandia, Malta, e la Scozia. Jani Jan J. è il fondatore, curatore e organizzatore della manifestazione annuale "Kunst & Kultur in Staaz", dal 2011 Nella sua carriera è stato ed ancora onorato da premi internazionali. Ultimo premio è “Palma d'Oro per l'Arte 2016” - art-expo-galleria e Academy, Oscar premio come miglior artista dell'anno 2016 "- Fondazione Costanza.

Enzersdorf, 98 - 2134 Staatz (austria) Tel. +43 69914021422 Cell. +43 69914021422 Sito web: www.janijanj.com E-mail: jani@janijanj.com

Triptych - a long time ago 2, 2015, iron painting mixed media on canvas, EUrO 4000

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LIaO ShUTaO The chromatic syntax of Maestro Shutao Liao develops a world of sensations and feelings derivation from the inner perception of the reality. Shutao Liao owns a peculiar palette that gives to the canvas the chance to host the metaphorical sense of the pictorial tale. This is basilar to develop a pictorial language that can be deeply understood by the viewer that becomes like a protagonist of the work. The sensations are deep, real, touchable and stimulate the Ego that is able to reach and to look at new emotions and new horizons. Maestro Shutao Liao is a leader of the contemporary abstract painting and his artworks are example of this. La sintassi cromatica del Maestro Shutao Liao sviluppa un mondo di sensazioni e sentimenti derivati alla sua intima percezione della realtà. Shutao Liao possiede una tavolozza peculiare che dà alla tela la possibilità di opsitare il senso metaforico del racconto pittorico. Questo è basilare per lo sviluppo di un lingauggio pittorico che può essere compreso profondamente dallo spettatore che diventa quasi protagonista dell'opera. Le sensazioni sono profonde, reali, tangibili e stimolano l'Ego che è capace di raggiungere e osservare nuove emozioni e nuovi orizzonti. Il Maestro Shutao Liao è un leader della pittura astratta contemporanea e le sue opere d'arte ne sono esempio. Dino Marasà Passing 18, 2015, mixed media on cotton, cm 53x43 EUr 12.000

Shutao Liao is an important international artist. We notice the latest events: 2013 International Anthology – A Look At The South, 2013, Argentina; 2014 Raffaello Sanzio Master Award, Italian Cultural Association, Italy; Nelson Mandela Human Value Award, Italian Cultural Association, Italy; Shakespeare Award, February; The 1st Trinacria International Award 2014; 2015 Honorary Master Member 2015 Of Italian Cultural Association; The Fifth Annual Exposure Award, Musee Du Louvre, Seeme, France. Shutao Liao è un importante artista internazionale. Si segnalano gli eventi più recenti: 2013 International Anthology – A Look At The South, 2013, Argentina; 2014 Premio Raffaello Sanzio , Associazione culturale italiana, Italia; Premio al valore umano Nelson Mandela Associazione culturale italiana, Italia; Premio Shakespeare, Febbraio; Primo premio internazionale Trinacria 2014; 2015 Maestro Membro Onorarario per il 2015 di un Associazione culturale italiana; Quinto Premio -mostra annuale, Musee Du Louvre, Seeme, Francia. 150-15 72nd road, apt 3k flushing, nY 11367 USa Mob: 001646 2889855 Email: shutaoliao@gmail.com Web: www.liaoshutao.com

a new being 15, 2015, mixed media on cotton, cm 107x99 EUr 31.000

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MIChELa VaLEnTI I lavori di Michela Valenti rapiscono lo sguardo dell'osservatore. La pittrice scompone l’immagine nell’interpretazione, ponendo l'accento su movimento ed emozione, e approdando a una soluzione che definire astratta sarebbe riduttivo. Le pennellate si susseguono rapide e dense in un coinvolgente gioco di sovrapposizioni e suggerimenti. The work of Michael Valenti abduct the viewer's gaze. The artist divides the image interpretation, focusing on movement and emotion, and arriving at a solution that would be reductive to define abstract. The strokes follow each other in a rapid and dense overlapping and addictive game suggestions . Dino Marasà

Contatti: dufourstrasse, 6 Ch9500 Wil (Svizzera) Tel. 0041 79 3781328 creationsmic@gmail.com www.michelavalenti.com

Quintessenza, 2014, acrilico su lino cartonato, cm 60x80

Michela Valenti was born in Switzerland in 1968, she graduated in industrial technical drawing (Lugano) in 1992. At the age of 33, following a cerebral accident, she is deprived of sight for several months. The time spent in the dark allows her to shed light in her innermost self. Thus she began her artistic career in 2005. She has participated in national and international exhibitions as well receiving the awards. Her works are in public and private collections, published in catalogs and art magazines. Talented critics has spoken about her art, including V. Sgarbi. Michela Valenti nata in Svizzera nel 1968, si diploma in disegno tecnico industriale (Lugano) nel 1992. All’età di 33 anni, in seguito ad un incidente celebrale, rimane per mesi privata della vista. Il periodo trascorso nell’oscurità le permette di far luce nel suo io più profondo. Inizia così nel 2005 il suo percorso artistico. Ha partecipato a mostre nazionali ed estere ricevendo vari riconoscimenti. Le sue opere figurano in raccolte pubbliche e private, e sonopubblicate in cataloghi e riviste d’arte. In merito al suo operato si sono espressi valenti critici tra cui V. Sgarbi. 165

Malizia, 2015, acrilico su tavola, cm 52x65

gEOrgETa STEfanESCU sua opera d’arte alle Nazioni Unite a Ginevra e in una galleria americana di Pechino. La sua arte Art-Bricolage ha il “supporto” come tema della scelta ed è molto personale e originale come una matrice e il suo coinvolgimento nel percorso filosofico della creazione. Il dipinto bidimensionale o i colori, forme e volumi con il supporto di andare verso la tridimensionalità della scultura, anche ceramiche e tessuti, creando il suo dialogo nel tempo e il suo pensare sullo spazio e sul materiale e sull’immaginazione. The deep dialogue with matter and objects is the basis of the artworks of Giorgeta Stefanescu. Her works allow the viewer to confront himself with unusual representative forms, which are matured after careful research. So the artwork becomes the meeting place for creative novelty

Ondulatory mouvement, 1998

French-Romanian conceptual visual artist has a Master in painting and drawing teacher of the National Academy of Fine Arts in Bucharest, in 1981. Today she is a known and recognized artist internationally by a few dozen of medals and awards and participation in personal exhibitions and groups in several countries in Europe, New York and China. She is listed and among other private collections has a artwork in the UN in Geneva and in an American gallery of Beijing. Her art ArtBricolage has the “Support” as the theme of choice and is very personal and original as a matrix mother and her involvement in the philosophic path of creation. The two-dimensional painting or colors, shapes and volumes with support going to the three-dimensionality of sculpture, even ceramics and textiles, creating her dialogue in time and her think about space and on the material and imagination. Artista visiva concettuale franco-rumena ha un master in pittura e disegno insegnante dell’Accademia Nazionale di Belle Arti di Bucarest, nel 1981. Oggi è un artista conosciuta e riconosciuta internazionalmente da qualche decina di medaglie e premi e per la partecipazione a mostre personali e collettive in diversi paesi in Europa, a New York e in Cina. La sua arte è in collezioni private; una

freeway, 2002

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gEOrgETa STEfanESCU and common man. Undoubtedly you have to be able to read the Stefanescu. But it is not difficult, you just open your mind and listen to the vibrations of the imagination of this artist so inclined to reveal her soul. Il dialogo profondo con la materia e con gli oggetti è alla base dell’operato artistico di Giorgeta Stefanescu. Le sue opere consentono al fruitore di confrontarsi con forme rappresentative inconsuete, maturate dopo attente ricerche espressive. Sicché il supporto diviene il luogo d’incontro tra novità creativa e uomo comune. Indubbiamente bisogna saper leggere la Stefanescu. Ma non è difficile, è sufficiente aprire la mente ed ascoltare le vibrazioni della fantasia di quest’artista così propensa a rivelare la sua anima. Dino Marasà

Evolution, 2006

Vidollet, 7- 1202 - geneve (Suisse) Tel: 0041(0)227333696 E-mail: georgeta@bluewin.ch Web: www.georgetastefanescu.ch

knitting technical, 2010

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gIUSEPPE bOzzOTTa Le sue prime fotografie sono state scattate all’età di 9 anni, quando trascorreva interi pomeriggi in camera oscura col padre, sviluppando e stampando, in bianco e nero, gli istanti di luce da questi precedentemente catturati. Qualche anno più tardi una Kodak Instamatic divenne la sua più fedele compagna. Essa era stata un regalo davvero gradito. Con la Kodak Instamatic Giuseppe iniziò a fare fotografie secondo il suo piacere e talento. Solo dopo l’età adolescenziale il padre gli regalò la sua prima reflex, una Canon Ftb (che custodisce tuttora gelosamente e mantiene in perfetto stato funzionale) con annesso un unico obiettivo, un 50mm f 1,4. Con questa splendida macchina Giuseppe ha fotografato sino all’età

reflections 1

His first photographs were taken at age 9, when he spent whole afternoons in the dark room with his father, developing and printing, black and white, the moments of light, that his father captured previously. A few years later a Kodak Instamatic became his most faithful companion. It was a really appreciated gift. With the Kodak Instamatic Joseph began to take photographs according to his pleasure and talent. Only after the teenage father gave him his first SLR, a Canon Ftb (which he guards jealously till now, and he keeps in perfect functional status) with attached a photographic lens, a 50mm f 1.4. Giuseppe photographed until the age of 40 years with this splendid machine. His wife, then, gave him his first digital camera, a Fuji S5500, diving moving permanently to its current digital SLR. In 2008, Joseph becomes founder of ARVIS, and only after a couple of years, he became also a board member of the Association ARVIS. In 2014, along with Nino La Corte, Antonella Bisanti, Francesca Paola Di Maria, Morena Anzalone and Peter Conti founded the Association “Lunghezza d’Onde”, of which, as well as founder, he is proud component till now. He is participating in international cultural projects under the aegis of Studio Byblos I.P.H. Exibitions: 2009 - 2010 Artistic collective exibitions (ARVIS); 2009 e 2010 Internazionale exibition of Siciliambiente (ARVIS); 09.07.2011 Collective exibition DLF - Palermo; 11.05.2012/27.05.2012 Permanent exibition of Giuseppe e Gioacchino Bozzotta at Stazione Notarbartolo – DLF - Palermo; 2010-2011-2012-2013 San Calogero Holyday - Torretta/Palermo exibition of Giuseppe e Gioacchino Bozzotta; 28.02.2013 Collective exibition - Palermo - “Sala della Fonderia” (ARVIS); 2014 Collective exibition “Mostriamoci” in the occasiono f the founding of Association “Lunghezze d’Onda”; 06.02.2015 Exibition “Attimi”; 2015 Collective exibition “Punti di vista” in Siracusa (edited with ISDN). 168

reflections 2

gIUSEPPE bOzzOTTa di 40 anni. La moglie, poi, gli regalò la sua prima macchina digitale, una Fuji S5500, trampolino per passare definitivamente alla sua attuale reflex digitale. Nel 2008 Giuseppe diventa prima socio dell’ARVIS, e solo dopo un paio di anni, anche componente del direttivo dell’Associazione ARVIS. Nel 2014, insieme a Nino La Corte, Antonella Bisanti, Francesca Paola Di Maria, Morena Anzalone e Pietro Conti fonda l’Associazione Lunghezze d’Onda, della quale sino ad ora, oltre che fondatore, è fiero componente. Sta partecipando a progetti culturali internazionali di ampio respiro sotto l’egida della Studio Byblos I.P.H. Mostre dal 2009 al 2010 Collettive artistiche (ARVIS) 2009 e 2010 Collettiva per mostra internazionale di Siciliambiente (ARVIS); 09.07.2011 Mostra collettiva per il DLF di Palermo 11.05.2012/27.05.2012; Mostra diurna e notturna sulle vetrate della stazione Notarbartolo per il DLF di Giuseppe e Gioacchino Bozzotta. 2010-2011-2012-2013 Mostra a Torretta in occasione della Festa di San Calogero per conto del Comune di Torretta di Giuseppe e Gioacchino Bozzotta 28.02.2013 Collettiva per il Comune di Palermo per l’inaugurazione della sala della Fonderia (ARVIS); 2014 Collettiva “Mostriamoci” per inaugurare la nascita di Lunghezze d’Onda 06.02.2015 Prima mostra personale “Attimi” 2015 Collettiva “Punti di vista” a Siracusa con pubblicazione (ISDN).

reflections 3

The veracity of the subject is deliberately suspended in time and space through the use of color filters and ingenious artifices who are witness of talent and of knowledge but above all they are witness of the Bozzotta's ability to dialogue with himself in search of a obtained, determined, perfection that is not fleeting but permanent within the same photographic

The photographic dialectics of Joseph Bozzotta inspired by real and describes the moments that the human eye can not grasp spontaneously. So faces, views, people donate to the user their most hidden side, almost intimate. This brings us to that static dynamism that is the prerogative of every work of photographic art.

frame. All this makes Giuseppe Bozzotta a true photographic art Master. La dialettica fotografica di Giuseppe Bozzotta trae ispirazione dal reale e descrive gli attimi che l’occhio umano non riesce a cogliere spontaneamente. Sicché volti, scorci, persone donano al fruitore il loro lato più nascosto,

reflections 4

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gIUSEPPE bOzzOTTa

Lifes 1

Lifes 2

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gIUSEPPE bOzzOTTa

Lifes 3

Lifes 4

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gIUSEPPE bOzzOTTa

faces 2

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gIUSEPPE bOzzOTTa

faces 4

faces 1

quasi intimo. Ciò ci conduce verso quel dinamismo statico che è prerogativa di ogni opera d’arte fotografica. La veridicità del soggetto è volutamente sospesa nel tempo e nello spazio grazie all’uso di filtri cromatici e artifici ingegnosi che sono la testimonianza di talento e di conoscenza della tecnica ma soprattutto della capacità del Bozzotta di dialogare con se stesso alla ricerca di una perfezione, ottenuta, decisa, non fugace ma permanente all’interno della stessa cornice fotografica. Tutto ciò rende Giuseppe Bozzotta vero maestro dell'arte fotografica. Dino Marasà Via filippo bartolino, 10 90146 Palermo Tel +00393443829968 Mail: giuseppe.bozzotta@gmail.com

faces 3

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rUTh STIrnIMann Svizzera, vive e lavora in Nuova Zelanda. I suoi dipinti sono espressioni della sua creatività, armoniose vibrazioni che giacciono sotto tutte le forme di vita. Ama andare oltre il conosciuto, rendendo l'energia intangibile tangibile sulla tela. Le sue opere sono conosciute internazionalmente in città come Christchurch, Buenos Aires, Sydney, New York, Berlin, Miami, Helsinki, Roma, Milan, São Paulo e Rio de Janeiro. I suoi dipinti sono anche esposti alle fiere d'arte internazionali come ad esempio Scope BASEL, Berliner Liste, Biennale d’Arte a Roma, ST.ART a Strasburgo e Spectrum Miami. Le sue opere sono pubblicate in molti libri d'arte contemporanea. Nel Dicembre 2013 Ruth ha vinto il primo premio su 1050 artisti alla competizione d'arte internazionale a Roma sull'argomento “La Tua Arte Nel Sociale” e nell'Agosto del 2014 ha ricevuto al sesto Festival Internazionale dell'Arte a Roma il premio internazionale del festival.

heaven on earth - hexagon, 2013, acrylic on canvas, diameter cm 112

Ruth Stirnimann, born and brought up in Switzerland, lives and works in New Zealand. Her paintings are expressions of the creative, harmonious vibration underlying all life forms. She loves to go beyond the known, making intangible energy patterns tangible on the canvas. Her works are internationally recognized with exhibitions in cities like Christchurch, Buenos Aires, Sydney, New York, Berlin, Miami, Helsinki, Rome, Milan, São Paulo and Rio de Janeiro. Her paintings are also represented at international art fairs such as Scope BASEL, Berliner Liste, Biennale d’Arte in ROME, ST.ART a Strasburgo and Spectrum Miami. Her work is represented in many international contemporary art books. In December 2013 Ruth won the first prize over 1050 artists in the international art competition in Rome with the topic “La Tua Arte Nel Sociale” and was granted in August 2014 at the 6th International Festival of the Arts in Rome the International Prize of the festival. Ruth Stirnimann, nata e cresciuta in

La luna - etherial vibration, 2015, acrylic on canvas, diameter cm 100

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rUTh STIrnIMann Ruth Stirnimann uses the color mixed to the sign of the geometric figure which expressive language of her narrative painting. Thus she is able to represent the different concepts or objects with sophistication and effectiveness. The artist possesses a great compositional talent that is obvious: she prefers warm colors, harmonizing with cold ones in a pleasant color ensemble. The lines and signs together with the colors become bearers of pictorial dynamism and grace and compare themselves constructively on the whole spatial work. Ruth Stirnimann usa il colore misto al segno della figura geomatrica quale lingua espressiva del suo narrare pittorico. Riesce così a rappresentare i più diversi concetti o oggetti con ricercatezza ed efficacia. L’artista possiede un grande talento compositivo che è evidente: predilige i colori caldi, armonizzandoli con quelli freddi in un ensamble cromatico piacevolissimo. Le linee e i segni assieme ai colori diventano portatori di dinamismo pittorico e di compostezza e si confrontano costruttivamente sull’intera spazialità dell’opera. Dino Marasà

Mandala multidimensionality, 2015, acrylic on canvas, diameter cm 70

103 harnetts road, rd1- kaikoura 7371 new zealand - Tel: 0064 (0)3 319 7868 Mob: +64 (0)21 210 5092 www.ruthstirnimann.com Email:ruth@ruthstirnimann.com Pricing: from 2000,00 to 5000,00 Euro

Cosmic fire, acrylic on canvas,diameter cm 140x100

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fEdErICO TaMbUrrI

aggregato con intreccio iperspaziale 100x100 acrilico 2015

Federico Tamburri International Artist was born on October 6th 1949 at Atri. He is an international artist, painter, sculptor, graphic, poet, master glass maker. He studied at the Artistic College at the school of architecture in Pescara. For 31 years he headed an old workshop of artistic glass, and we can find evidence of this work in major public buildings,

private and religious. He has exhibited his works around the world. A multifaceted artist, in the three-year period 2006 2008 he dedicated himself to sculpture, using the white stone of the Majella and the marble of Carrara. Since 2009 he wrote 165 poems and he is present in the literary scene with several books. They wrote about him the major newspapers 176

and magazines, critic of international importance. His works are in various museums and private collections in Italy and abroad. Federico Tamburri Ă¨ nato il 06 ottobre del 1949 ad ATRI (TE) dove vive ed opera. Artista Internazionale, Pittore, Scultore, Grafico, Maestro Vetraio, Poeta, ha

fEdErICO TaMbUrrI studiato al Liceo Artistico e alla Facoltà di Architettura di Pescara. Per 31 anni ha diretto un antico laboratorio di vetrate artistiche, lasciando in questo settore, testimonianza del suo operato in importanti edifici pubblici, privati e religiosi. Ha esposto le sue Opere in tutto il mondo. Artista poliedrico, nel triennio 2006 - 2008 si è dedicato alla scultura, utilizzando la pietra bianca della Majella e il marmo di Carrara. Dal 2009 ad oggi ha scritto 165 componimenti in chiave poetica ed è presente nel panorama letterario con diversi libri. Si sono occupati di lui le maggiori testate giornalistiche e critici di spessore internazionale. Sue Opere sono in diversi Musei e collezioni private in Italia e all’estero. Creative poetry of Federico Tamburri draws lifeblood from the color and the sign. His creativity is able to express his ideas with a great instinctive component. His painting is filled with evocative chromatic modulations, founded on a balanced formal tale. So the images define themselves in harmony with the narration, with the artist's personal experience, the message he wants to express. We can notice in Tamburri his past of master glassmaker for the magnificence and the might of his chiaroscuro figuration because sometimes it seems to be in front of glass works. Everything is light in Tamburri also darker colors become the brightest performers of a mature representation of the space.

Simurgh, 2014, acrilico su tela, cm 80x60

La poetica creativa di Federico Tamburri trae linfa vitale dal colore e dal segno. La sua grande creatività riesce ad esprimere le sue idee con una grande componente istintiva. La sua è una pittura colma di suggestive modulazioni cromatiche, fondata su un equilibrato racconto formale. Sicché le immagini definiscono sé stesse in armonia con il narrato, l’esperienza personale dell’artista, il messaggio che lui intende esprimere. Si nota in Tamburri il suo passato di maestro vetraio per la magnificenza e la possanza chiaroscurale della sua figurazione poiché talvolta sembra di essere davanti a opere in vetro. Tutto è luce in Tamburri anche i colori più scuri diventano i più luminosi interpreti di una matura spazialità rappresentativa. Dino Marasà

Via risorgimento, 10 - 64032 atri (TE) Cell. 340 8228313 E-mail: federico.art@tiscali.it Sito web: please search federico Tamburri artista Espansione mentale, 2014, acrilico cn 60x70 EUrO 4.500,00

177

karEn SaLICaTh - JaMaLI Karen Salicath Jamali è un’artista americana, si è laureata presso l’Accademia Reale Danese di Belle Arti, Scuola di Design, nel 1991. L’artista vive e lavora a New York. Ha lavorato come pittrice, scultrice e fotografa e ora anche come compositrice e pianista negli ultimi 30 anni. Ha partecipato a più di 100 mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui il Museo del Louvre di Parigi, il Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Monreale, il Kume Museum di Tokyo. Ha ricevuto una serie di riconoscimenti e premi da parte della comunità artistica internazionale tra cui Oscar nell’arte. Le sue opere costruite includono diversi pezzi permanenti e sono in più di 600 collezioni private. Le sue opere sono in permanenza presso la Jamali New York Gallery, situata a SoHo, New York. Artworks of the artist Karen SalicathJamali seem the night sky. And like it they are complex and full of mystery. A mystery that science wants to explain and art reaches to represent. As well known Universe is without end, it contains great forces drivers of everything. The figurate power of these forces came out the canvas and it remembers us their powerful presence in everyone’s existence. So Karen reaches with her brushstrokes to give us the right dimension we must have: human part of an Universe that can everything.

Universe, dispersion on canvas, cm 122x92

Karen Salicath Jamali is an American artist, graduated at the Royal Danish Academy of Fine Art, School of Design, graduation 1991. The artist living and working in New York City. She has been working as a painter, sculptor, and a photographer and now also as a composer and pianist for the past 30 years. Participating in over 100 solo and group exhibitions throughout the world including the Louvre Museum in Paris, Museum of Modern and Contemporary Art in Monreale, Kume Museum Tokyo. She has received a number of honors and awards from the international art community including and Oscar in art. Her built works include several permanent pieces and are in more than 600 private collections. Her work can be seen permanently in the Jamali NYC Gallery, located in SoHo, New York. 178

Le opere dell'artista Karen Salicath Jamali somigliano al cielo notturno. E come lui sono complesse e piene di mistero. Un mistero che la scienza vuole spiegare e l'arte riesce a rappresentare. Come si da bene l'Universo è senza fine, contiene grandi forze che guidano ogni cosa. Il potere figurato di queste forze viene fuori dalla tela e ci ricorda la loro potente presenza nell'esistenza di ognuno. Così Karen riesce con le sue pennellate a darci la giusta dimensione che dobbiamo avere: parte umana di un Universo che tutto può. Dino Marasà 413, Westbroadway. Soho (new York) Tel: +12129663335 Mob: +14076144077 art-@karensalicath.com www.kjamali.com www.jamalinycgallery.com

JEnnY bEnnETT Jenny Bennett, a New Zealander, was born Mc Lellan in 1950,in Hastings, New Zealand, and had a rural childhood. She later graduated with an M.A. (hons) anthropology, from Otago and Auckland Universities and moved to the city of Whangarei where she still lives. Bennett began painting in 1976 and has explored a wide range of media and techniques, print making, clay sculpture, puppetry/ performance, flax weaving, pastel work and collage. Bennett’s first exhibition was in 1976 and continued to show nationally and internationally. She was selected for and won various art awards and commissions. Bennett has served on arts boards, judging panels and as part of mentoring programmes. She participated in the 2007 Florence biennale, and the Chianciano Biennale in 2009, 2011 and 2015. Bennett has also taken part in the Power of Perception and Art Expo in New York. After several years of exploring various themes, mainly landscapes, Bennett says it is exciting to begin a new series of exploring flora, new colours and abstraction work for the London Biennale in 2017. Jenny Bennett, un neozelandese, è nato Mc Lellan nel 1950, a Hastings, Nuova Zelanda, e ha avuto un'infanzia rurale. in seguito si è laureata in antropologia M.A. (Hons), da Otago e l’università di Auckland si trasferisce nella città di Whangarei dove vive. Bennett ha iniziato a dipingere nel 1976 e ha esplorato una vasta gamma di supporti e tecniche, il processo di stampa, scultura in argilla, teatro di figura / prestazioni, la tessitura del lino, il lavoro pastello e collage. La prima mostra di Bennett è stata nel 1976 e ha continuato a esibire a livello nazionale e internazionale. Selezionata per e ha vinto diversi premi d'arte. Ha inoltre fatto parte di diverse giurie d’artei e di programmi di mentoring. Ha partecipato alla Biennale di Firenze del 2007, alla Biennale di Chianciano nel 2009, 2011 e 2015. Ha anche preso parte al potere di percezione e Art Expo di New York. Dopo diversi anni di esplorare vari temi, soprattutto paesaggi, ha deciso di iniziare ad esplorare una nuova serie sulla flora, su nuovi colori sull’astratto per la Biennale di Londra nel 2017.

Water painting, oil on canvas, 100x100 cm

EUr 2.550,00

The light and the sign emphasize the pictorial draw of Jenny Bennett. An artist with a rich and varied palette, tells us about her distant country. Incontaminate places in the sun the southern hemisphere, with the scent of exotic. Dreams that materialize themselves, pleasant as the waters of a stream that break between the stones or leaves that provide shade to a full of vitality wildlife. Jenny Bennett reaches to create a bond between us and New Zealand. So let's start an imaginary journey with open eyes that leaves us in the soul memories and impressions to share with anyone willing to learn about the world. La luce e il segno enfatizzano la resa pittorica di Jenny Bennett. Artista dotata di una tavolozza ricca e variegata, ci racconta il suo lontano paese. Luoghi incontaminati sotto il sole australe, che profumano di esotico. Sogni che si materializzano, piacevoli come le acque di un ruscello che si infrangono tra le pietre o foglie che fanno ombra ad una fauna piena di vitalità. Jenny Bennett riesce a creare un un legame tra noi e la Nuova Zelanda. Così iniziamo un viaggio immaginario ad occhi aperti che ci

kaitoki walk, great barrier Island, oil on canvas, 90x90 cm EUr 2.500

lascia nell’animo ricordi e impressioni da condividere con chiunque abbia voglia di conoscere il mondo. Dino Marasà new zealand E-mail: jenny@jennybennett.com www.jennybennett.com

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ChrISTInE CézannE - ThaUSS donne. Nei suoi dipinti piuttosto surrealisti, si specializza sulla donna ed il loro ruolo nella società. Negli ultimi anni Christine Cézanne-Thauss ha dipinto un sacco di ritratti bizzarri ed espressivi. Female faces are rendered by generous and well rhythmic brushstrokes by Christine Cézanne-Thauss, talented painter and capable of turning the emotion into light and color. Faces almost iconic, with eyes hidden by sunglasses fashionable, are witnesses of the contemporary and the metropolitan routine. Paintings that analyze and observe our society and that will be a reference for posterity when, in the future, will want to study the past without resorting to the media such as photography or multimedia. Volti femminili vengono resi da pennellate generose e ben ritmate da Christine Cézanne-Thauss, pittrice di talento e capace di trasformare l’emozione in luce e colore. Volti quasi iconici, con gli occhi nascosti da occhiali alla moda, sono testimoni della contemporaneità e della quotidianità metropolitana. Una pittura che analizza e osserva la nostra società e che sarà riferimento per i posteri quando, in futuro, vorranno studiare il passato senza ricorrere ai mezzi quali la fotografia o la multimedialità. cezanne.christi@hotmail.com christi.cezanne@chello.at www.augenfisch.at

Mrs, cool 2, 2016, acrylic, oil pastel on canvas, cm 70x50

Christine Cézanne-Thauss was born in Vienna, Austria, where she is still living and working. She had been skilled in art for many years and she took part in various of local and international exhibitions. Her paintings were shown all over the world like in Germany, Italy, Russia, the USA, Portugal, Poland, Hungary, France, Great Britain, Uruguay, Turkey and Greece. In 2014 she took part in the 21st C ICAA Art Festival in Seoul. In 2016 she is invited to take part in the 7th International Art Meet, Kolkata, India. As a painter her favourite theme is the human being, especially women. In her rather surrealistic paintings, she specializes on women and their role in our society. In the last years Christine Cézanne-Thauss painted a lot of expressive and bizarre portraits. Christine Cézanne-Thauss è nata a Vienna, Austria, dove lei ancora vive e lavora. Si è esercitata nel campo dell’arte per molti anni e ha preso parte in varie mostre locali ed internazionali. Ha esposto in molte nazioni del mondo: Germania, Italia, Russia, Stati Uniti, Portogallo, Polonia, Ungheria, Francia, Gran Bretagna, Uruguay, Turchia e Grecia. Nel 2014 ha preso parte al 21° C ICAA Art Festival di Seoul. Nel 2016 è stata invitata a prendere parte alla settimo Art Meet di Kolkata in India. Come pittrice il suo tema preferito è l’essere umano, specialmente 180

Mrs, cool 1, 2016, acrylic, oil pastel on canvas, cm 70x50

PaSQUaLE faLCE Pasquale Falce is a painter, born in Pignola in 1965, he lives and works in Potenza. He is a self-taught, and heoperates within the modern figurative. He has exhibited in several cities in exhibitions, shows and competitions, winning prizes and awards. Among the attendance and the awards are cited: International Club 1st prize of criticism "Proybido" collective Teatro Stabile, Power; Collective Trade Fair, Exhibition Lucani '900, Gallery Forum Interart, Rome; collective "Il Focolare", Pignola. Recently he has participated in the 1st Biennale of creativity in Verona, 2nd International Biennale of Palermo, and other exhibitions still ongoing. He is in numerous magazines such as: Effetto Arte, Eccellenze etc. He has been criticized by many of the major critics, such as: Bianchi, Borghini, Conti, Galluccio, Ferloni, De Marco, Giannantonio, Sandro Serradifalco, Salvatore Russo, Stefania Bison, Paolo Levi, Vittorio Sgarbi, Dino Marasà, Josè Van Roy Dalì. Pasquale Falce è pittore, nato a Pignola nel 1965, vive ed opera a Potenza. Autodidatta, opera nell'ambito del figurativo moderno. Ha

esposto in diverse città in mostre, rassegne e concorsi, ottenendo premi e riconoscimenti. Fra le presenze e i premi si citano: Internazional Club 1° premio della critica “Proybido”, collettiva Teatro Stabile, Potenza; collettiva Fiera Campionaria, Rassegna Lucani '900, Galleria Forum Interart, Roma; collettiva “Il Focolare”, Pignola. Negli ultimi anni ha partecipato alla 1° Biennale della creatività a Verona, 2° Biennale Internazionale d'arte di Palermo, ed altre mostre ancora in corso. Presente su numerose riviste come: Effetto Arte, Eccellenze ecc. Criticato da numerosi critici importanti, come: Bianchi, Borghini, Conti, Galluccio, Ferloni, De Marco, Giannantonio, Sandro Serradifalco, Salvatore Russo, Stefania Bison, Paolo Levi, Vittorio Sgarbi, Dino Marasà, Josè Van Roy Dalì.

Very sweet pictures characterize the painting of the Maestro Pasquale Falce; they host characters that give hope and positivity in the viewer. A child is the herald of a future that will be, generational continuity of man, loving care he will have for is mother when she will be old: a mother who breastfeeds him and looks into his eyes. Establishing a bond that will last forever. A bond that is light in the gloom of uncertainty surrounding the existence of each one of us. Light from a sun that caresses the face of a girl with festive rays illuminating the soul oppressed by some torment. The painting of Maestro Pasquale Falce is faithful retelling of the emotions and the human soul. A masterful interpretation thanks to a valid and a safe talent and technique .

raggio di luce

Immagini molto dolci caratterizzano la pittura del Maestro 181

Legame

Pasquale Falce; esse ospitano personaggi che danno speranza e positività nel fruitore. Un bimbo è araldo di un futuro che verrà, continuità generazionale dell’uomo, affettuosa sarà la cura che avrà della madre quando lei sarà vecchia: una madre che lo allatta e lo guarda negli occhi. Stabilendo un legame che durerà per sempre. Un legame che è luce nella penombra di incertezza che circonda l’esistenza di ognuno. Luce proveniente da un sole che accarezza il volto di una ragazza con i suoi raggi festosi rischiarandone l'animo oppresso da qualche tormento. La pittura di Pasquale Falce è fedele rivisitazione delle emozioni e dell’animo umano. Magistrale interpretazione grazie ad un talento e ad una tecnica validi e sicuri. Dino Marasà

C.da Pantano, 84/a - 85010 Pignola (Pz) Tel: 0971 45050 Mob: 340 2504027 E-mail: falcepasquale@gmail.com

MargarETh OSJU speranza e desiderio, scrivo anche omaggi alla natura, ai viaggi della vita, al nostro risveglio interiore. E sì, scrivo per i bambini anche, (ancora un manoscritto) e io illustro altri poeti poesie anche. Ogni creazione è una poesia, un messaggio, un incidente, una memoria nascosta, un senso nudo, uno sguardo, un pezzo di storia, un chiedere di speranza e di molte illustrazioni sono schizzi a, ancora, poesie non scritte. Sono i viaggi del passato, il presente e il rossore del futuro. La purezza di significato artistico spicca in ogni realizzazione della poliedrica artistica Margareth Osju. Poeta di parole e d’immagini offre allo spettatore le sue sensazioni con disinvoltura e immediatezza; sensazioni profonde, poetiche che sussurrano all’animo le vibrazioni dei personaggi e dei protagonisti dell’opera d’arte. Margareth Osju è grande, è spontanea, incanta, in una parola è una vera artista. The purity of artistic significance stands out in every artwork of the multifaceted artist Margareth Osju. Poet of words and images, she gives the viewer her feelings with ease and immediacy; they are deep, poetic, feelings, that whisper to the soul the vibrations of the characters and of the protagonists of the artwork. Margareth Osju is great, is spontaneous, charming, in a word is a true artist. Dino Marasà www.margarethosju.org

Still

My name is Margareth Osju and I am an artist. I was born in Sao Paulo, Brazil in 1962. I came to Sweden as a refugee. from Chile, along with my parents and siblings year 1973. I am a poet and an autodidact artist and writer. Between different kind of artistic projects I am illustrating poems from some manuscripts I have written for some years ago. Mostly of my illustrations, paintings and photos belongs to different poems. There is a reason why my artworks can differ so drastically from each other but it has with I am a versatile poet. I write not only about life and death and hope and longing, I also write tributes to nature, to life’s journeys, to our inner awakening. And yes, I write for kids too, (still a manuscript) and I illustrate others poets poems too. Each creation is a poem, a message, a incident , a hidden memory, a naked sense, a look, a piece of history, an ask of hope and many illustrations are sketches to , still, unwritten poems. They are journeys of the past, the present and the redness of the future. Il mio nome è Margareth Osju e sono un’ artista. Sono nato a San Paolo, in Brasile nel 1962. Sono venuto in Svezia come rifugiato. dal Cile, insieme con i miei genitori e fratelli anno 1973.Io sono una poetessa, un’ artista e scrittrice autodidatta. Tra diversi tipi di progetti artistici che sto illustrando, le poesie da parte di alcuni manoscritti che ho scritto qualche anno fa. Per lo più delle mie illustrazioni, dipinti e foto appartiene a diverse poesie. C'è un motivo per cui i miei lavori possono differire in modo così drastico le une dalle altre, il fatto che sono una poetessa versatile. Scrivo non solo sulla vita e la morte e la 182

The secret of Mynotaur, 2011, paint on paper, cm 30x40

CECILIa fLaTEn In her continuous game of colors, Cecilia Flaten searches for creating a dialog between light and shadow. Strong tonalities fall from the skies, which does not let us clearly figure out if they are images from the internal sight, from the memories or from the dreams, and they radiate an abstract peace similar to silence. Her work is a big meditation on natural elements. Flaten mixes the fluent atmosphere of the sky with a soft appearance of the horizon. This mixture attracts the landscapes towards less defined and more abstract images. Her work captures the interaction of the light over the landscape, reaching an atmospheric perspective. Her painting proves a lot of time dedicated to the contemplation of the environment . The traces are careful and discreet. In her artwork, the artist shows how the landscape may look beautiful in its deformity. It is as if one could breath in the mild air and feel the clouds coming down. Cecilia Flaten's works are inspired in the Scandinavian Mythology, in the Midnight Sun, in the Northern Dawns, in the lands of the Arctic and of the Patagonia. The works recall on us perhaps intellectuals, perhaps real landscapes, which, in a poetic game, let us see the magic and the strength of her Norwegian roots, always present in the spirit and the mind of Cecilia Flaten, obtaining in Europe as well as in the United States, the name of "The Painter of the Magic Lights". She exhibits from 1983. We recall the last two year: -2014 Exposure Filatelic Society of Chile, Exhibition " Polar transits"; WHO IS WHO ART INTERNATIONAL SAMI, Galerie Étienne de Causans , PARIS (2014 - 2015 ) GALERIE METANOIA. PARIS. 2015- Individual Exhibition . Artifact Gallery , Manhattan , New York; Individual ExhibitionGalería Arte Mundo Sur , Santiago , Chile. Nel suo continuo gioco di colori, Cecilia Flaten cerca di creare un dialogo tra luce e ombra. Tonalità forti cadono dal cielo, che non ci permette di capire chiaramente se sono immagini di vista dall'interno, dai ricordi o dai sogni, e si irradiano una pace astratta simile al silenzio. Il suo lavoro è una grande meditazione su elementi naturali. Flaten mescola l'atmosfera fluente del cielo con un aspetto morbido dell'orizzonte. Questa miscela attira i paesaggi verso immagini meno definiti e più astratti. Il suo lavoro cattura l'interazione della luce sul paesaggio, raggiungendo una prospettiva atmosferica. La sua pittura rivela un sacco di tempo dedicato alla contemplazione dell'ambiente. Le tracce sono attente e discreto. Nella sua arte, l'artista mostra come il paesaggio può sembrare bello nella sua deformità. Come se si potesse respirare l'aria mite e sentire le nuvole scendere. Le opere di Cecilia Flaten si ispirano alla mitologia scandinava, al sole di mezzanotte, ad albe nord, nelle terre dell'Artico e della Patagonia. Le opere richiamano su di noi, forse, intellettuali, forse paesaggi reali, che, in un gioco poetico, ci permettono di vedere la magia e la forza delle sue radici norvegesi, sempre presente nello spirito e la mente di Cecilia Flaten, che ha in Europa, così come negli Stati Uniti, il nome di "La pittrice delle luci magiche". Espone dal 1983. Ricordiamo gli ultimi due anni: -2014 Esposizione della società filatelica del Cile, Mostra "transiti polari"; WHO IS WHO ART INTERNATIONAL SAMI, Galerie Etienne de Causans, Parigi (20142015) GALERIE METANOIA. PARIGI. 2015- mostra personale. Artefatto Gallery, Manhattan, New York; Mostra personale ExhibitionGalería Arte Mundo Sur, Santiago, Cile.

arctic Voices ( inspired in the norwegian fiords ), 2015 oil and Pigment of Lapislázuli, cm 70x100, EUrO 2.800

Voices in the arctic (inspired in the norwegian fiords )( inspired in the norwegian fiords ), 2015 oil and Pigment of Lapislázuli, cm 70x100 , EUrO 2700

The North mystery with its silence is reflected in the works of Cecilia Flaten. She is a talented artist, and she reaches to give emotions to the user that are living testimonies of a wild, remote and unusual nature. The name "The magical lights painter" is thus fully confirmed because when we watch her paintings we travel to the poles to be enchanted. Il mistero del Nord con il suo silenzio si specchia nelle opere di Cecilia Flaten. Artista di talento, riesce a donare emozioni al fruitore che sono vive testimonianze di una natura selvaggia, remota e inconsueta. Il soprannome“La pittrice delle luci magiche” trova dunque piena conferma e fondamento perché guardando i suoi quadri si viaggia fino ai poli per rimanerne incantati. Dino Marasà www.flaten.cl

183

Gli Artisti The Artists Anzures Juan, 1

Frochisse Ben, 80

Misa Ahara, 135

Agarkova Olga, 66

Fu Wenjun, 122

Muerner Marioni Manuella, 104

Akande Olugbenga, 114

Gabi Domenig, 59

O'Brien Kellianne, 130

Alloiso Claudette, 110

Giudice Angelo, 20

Orlov Irena, 154

Altas Yulia, 60

Graaf Rita, 18

Osju Margareth, 182

Altomare Sebastiano, 79

Grewcock Roberta, 132

Paci Rocco, 72

Antal Yolanda, 83

Grilli Sergio, 31

Palchuk Tatyana

Astorga Patricia, 148

Gubernale Margaretha, 112

(Palcuka Rikane Tatjana), 92

Associazione Culturale “Avalon Arte”, 52

Hagea Victor, 82

Paletto Piero, 8

Aysin Iseri (isd-art), 150

Häljesgård Lisbeth, 128

Park Hwa Su, 22

Barnes Alan, 97

Høst Kirsten, 48

Pedraza Lauro, 139

Basso Michele, 21

Jacobs Astrid, 74

Perehudoff Fowler Catherine, 2

Battigelli Riccardo, 32

Jani Jan J., 162

Petrosyan Rudik, 56

Beate Kulina, 146

Kim Yong Bo, 142

Piras Salvatore, 65

Bennett Jenny, 179

Korbee Henk, 24

Redington Johwey, 138

Boubezari Attika, 101

Korovilas Kostas, 129

Rizzo Nicola, 69

Bozzotta Giuseppe, 168

La Sorsa Lucia, 7

Salicath Jamali Karen, 178

Brooks Jordan E., 77

La Torre Roberto, 78

Saner Alexander, 158

Buttà Calogero, 53

Landi Biagio, 54

Shutao Liao, 164

Carretta Raimondo “Carrai”, 96

Ligtenberg John, 133

Siano Paola, 55

Cézanne-Thauss Christine, 180

Longhi De Boüard Rosie, 140

Stefanescu Geogeta, 166

Chaituch Somsak, 156

Loudovikos Kostas, 84

Sterrenberg Anga, 30

Conceiçao Rosaria, 136

Lucato Roberto, 64

Stirnimann Ruth, 174

De Ruiter-Hooykaas Margot, 10

Luchino Francesco, 81

Strieby Lorraine, 86

Degaffe Kidist, 76

Mann Frank,160

Tamborrini Mimmo, 12

Ditchburn Sylvia, 62

Mansikkaniemi Katarina, 19

Tamburri Federico, 176

Donegan Celine, 111

Marow Ernst, 14

Tasca Mario, 73

Drooyan John, 144

Mattaliano Giovanni, 68

Temín Josefina, 102

Dugo Luigi, 26

Mattsson Gun, 100

Tonello Renzo, 11

Falce Pasquale, 181

Maya Caetano Christina, 70

Trutschnig Heinz, 6

Ferrara Maria, 61

Mehriban Efendi, 113

Valenti Michela, 165

Flaten Cecilia, 183

Melis Maria Giuseppa, 121

Visentini Bernarda, 120

Fogazza Loredana, 58

Melniczuk Marta,134

Young-Ae Yi, 98

Polychromia®, ideato e curato dall’editore Dino Marasà, è stato impaginato dalla casa editrice Studio Byblos www.studiobyblos.com Stampato a Palermo. Polychromia® was created and curated by Dino Marasà editor. Layout by Studio Byblos publishing house www.studiobyblos.com Printed in Palermo.

ISBN 9788894149234

Caleidoscopio, mixed media, 40x40 cm gift of Master Altomare Sebastiano to Studio Byblos on November 16th 2016

ISBNâ&#x20AC;&#x2C6;9788894149234