Sub-Cultura Fanzine Número 12 - Febrero/Marzo 2017

SUB CULTURA

Nerd-ditorial

Fanzine sin ánimo de lucro realizado de forma colaborativa

Coordinación: Raúl Aberasturi Cubierta: Ana Palop Colaboraciones en este número: Alfonso Gentil Ana Palop Beats Wydev Carlos Plaza Clint Domingo Ortega Jorge Trenado Juan Díez La Bedela Pelirroja La Guillotina Cinéfila Luma Rajeh Mameluco Morales Ricardo Morales

Las opiniones publicadas son exclusiva responsabilidad de sus autores/as.

Esta publicación se realiza bajo licencia Creative Commons, excepto las imágenes aparecidas, cuyos derechos pertenecen a sus respectivos/as titulares

¡Fuego a tope!

Quería comenzar el Nerd-ditorial de este número con esa frase épica del cinematógrafo que me recordó alguien (ahora) próximo también a este fanzine. Y es que el lema de los malos de El Cuervo creo que resume muy bien el contenido de este número. ¿Por qué? Pues porque lo hemos vuelto a dar todo para ofrecerte los contenidos más genuinos y sorprendentes de la cultura sub (juegazo de palabras con el nombre de la revista para inventarme un término).

En esta ocasión tenemos, por una parte, colaboraciones ya veteranas en este fanzine que no hacen más que superarse. Y, por otro, nuevos fichajes con artículos especialmente completos. Vais a flipar, en serio.

En este número vamos a encontrar mucho comic, mucho cine y alguna sección rescatada del olvido. Clint seguirá dando consejos a los machos muy machos, conoceremos los mejores juegos de cartas made in Valencia y la Guillotina Cinéfila destripará una película más que premiada. Así que, si te gusta esa peli, garlic and water, porque ya nada será lo mismo a partir de ahora.

Especialmente destacados son los artículos sobre un basurón de culto como “The Room”, los dispositivos Wydevices y Juan Piquer Simón, a quien homenajeamos desde aquí.

Por supuesto, mucho más cine, como Rogue One, que por si no te habías dado cuenta, ahí va en portada; también grandes series de anime y otras que esperamos que recuerdes, porque las vamos a diseccionar muy a gusto. Y mil cosas más que están esperando ser leídas en cuanto pases las páginas.

Te recomendamos pasearte por los tugurios más oscuros meneando los brazos y gritando “¡Fuego a tope!” con el fanzine en las manos. Luego nos cuentas qué tal te ha ido. Prometemos referenciarte en el próximo número si lo haces.

Raúl Aberasturi 2

Sub Culturas de este mes Número 12

Febrero - Marzo 2017

SUBIENDO DE NIVEL Pantalla de frikis 4 En este número, lo último de Star Wars Rogue One, el cultazo The Room y la animación de Batman y la Broma Asesina Hora del cómic 15 Te contamos todo sobre Locke & Key y el gran Animal Man

MUNDO OTAKU

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No te pierdas a Doraemon, el gato cabezón más divertido, y el intercambio de cuerpos de Kimi no Nawa

UNA VIDA EXTRA ¿Te acuerdas?

Te vamos a refrescar la memoria con las geniales series Freaks and Geeks, Dragones y Mazmorras y los Masters del Universo Geek de hoy Un completísimo artículos sobre lo que hay que saber sobre los Wydevices Hello World Aprende con nuestro experto a hacer popó en Japón Personajes Homeajeamos a Flecha Verde y al gran director Juan Piquer Simón

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MISCELÁNEA Humor 47 Pártete el ojete con estos memes Agenda 48 Salones, convenciones y estrenos de cine para estos meses, ponte al día y no te pierdas nada La Guillotina Cinéfila 50 Acabando con la gente fan de “A cambio de nada” Consultorio 52 Clint Eastwood te ayuda con tu vida sentimental Criminalística 54 Hay que pensar mucho en la biología cuando se investiga Reportaje 56 Juegos de cartas con aroma a Valencia Imágenes misteriosas 47 ¿Te crees que sabes mucho? Pues llega la hora de demostrarlo

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The Fucking Master destacado Róbate unos planos

Star Wars: Rogue One

r

ogue One narra la historia de un grupo de rebeldes que roban los planos de la Estrella de la Muerte. Es inmediatamente anterior a Una nueva esperanza.

Rogue One es un canto a la nostalgia, ofrece todo lo que uno espera de una película de Star Wars.

Bien, pues tras un año llega la segunda película de Star Wars salida de la factoría Disney, y la primera que no gira alrededor de los Jedis y la familia Skywalker. Ofrece varias cosas que desgrano a continuación, como siempre SIN SPOILERS. De nuevo, Rogue One es un canto a la nostalgia, ofrece todo lo que uno espera de una película de Star Wars: escenas memorables, música emocionante y espectacular, personajes con momentos infartantes, y en definitiva todo el "espíritu Star Wars" está ahí, con esos emocionantes combates en los que sabes que van a ganar los buenos pero da igual, te tienen clavado a la silla, esa sensación de ciencia ficción cotidiana, con todos subiendo a las naves y volando por el espacio como quien coge un autobús, esa imagen de "fabuloso pero usado" con polvo y suciedad por toras partes... Por otro lado, el elenco de actores también está a la altura, destacaré a nuestro Diego Luna, estupendo en su papel de rebelde, a Mads Mikkelsen, que poco a poco se va haciendo un hueco como "secundario de lujo", y por encima de todo a Felicity Jones que demuestra que sea en el drama o en la ciencia ficción hace un trabajo sobresaliente. Por otro lado, hay algunos cameos de personajes de la trilogía original... Y, por encima de todo, se recupera la presencia de Darth Vader, aunque en este caso como personaje secundario. No he podido evitar echar una lagrimita cuando no le he oído doblado por Constantino Romero...

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En cuanto a los efectos visuales, están a la altura de las circunstancias sin innovar demasiado. No encontraréis nada demasiado innovador, pero tampoco creo que fuera la intención, el CGI está bien hecho y los combates son tan espectaculares como siempre, pero innovar, innovar... pues no, no innova. No me detendré mucho en ellos porque, como digo, no creo que sea lo que más destaca de la película (cosa rara en Star Wars, pero es así).

El CGI está bien hecho y los combates son tan espectaculares como siempre, pero innovar, innovar... pues no, no innova.

Y bueno, el guión bien, los actores como digo más arriba ayudan mucho, pero aunque mantienen el "espíritu Star Wars" hacia el final decae un poco. No voy a desvelarlo, evidentemente, pero a mí personalmente no me ha gustado, creo que desluce el resultado general de la peli, aunque reconozco el esfuerzo de Gareth Edwards por hacer algo no tan palomitero y sí más profundo creo que resulta un poco vago e incluso decepcionante en algunos momentos. Por otro lado, y puestos a pedir, Luna podía haber hecho de Dash Rendar, uno de mis personajes de fuera de las pelis favoritos. Ah! Si alguien espera alguna conexión entre esta película y el videojuego Rogue Squadron que se olvide, no tienen nada que ver.

Pero bueno, son pequeños puntos que, aunque deslucen un poco el trabajo final, no impiden disfrutar de un entretenimiendo de primer orden, tanto para nostálgicos de la trilogía original como para espectadores de nuevo cuño. ¡Que la Fuerza os acompañe!

Carlos Plaza (extraído de http://criticasmuyconstructivas.blogspot.com.es/)

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Pantalla de frikis cine

Huele a canela, pero es veneno

Cuando el director de una película también la produce, escribe el guion y es su protagonista, no podemos evitar pensar que estamos ante un proyecto para el instituto o, como mucho, una cinta de serie Z de un jovenzuelo aficionado al gore.

The Room t

he Room es, que yo recuerde, la obra intelectual que mayor síndrome de Stendhal me ha producido esta década. Aún hoy, semanas después de haberla visto, sigo fascinado por cómo una película tan mala puede tener en mí un efecto tan potente. Es la cinta de vídeo de La broma infinita de David Foster Wallace, podría verla durante horas y no cansarme jamás de lo insensata que es, lo mal producida que está o las pésimas actuaciones. Su imaginería de videoclip de Meat Loaf es repugnante, el guion lo ha escrito un maltratador, el cuerpo desnudo de Johnny habitará mis pesadillas durante eones. Todo da igual, me obsesiona y quiero volver a verla en breve, a ser posible con gente que sepa apreciarla. ¿Sabréis hacerlo vosotros? ¿QUIÉN ES TOMMY WISEAU? Cuando el director de una película también la produce, escribe el guion y es su protagonista, no podemos evitar pensar que estamos ante un proyecto para el instituto o, como mucho, una cinta de serie Z de un jovenzuelo aficionado al gore que solo desea llenar nuestras pantallas de látex y kétchup. Sin embargo, el origen de The Room es más prosaico: aunque siempre ha mantenido su vida personal en secreto, se sospecha que Tommy Wiseau nació en alguna parte de la Europa comunista en la década de los 50, que huyó a la Europa liberal durante su juventud y, desde allí, se trasladó a Louisiana a casa de unos familiares para terminar en San Francisco; se sabe que tuvo un negocio de importación de prendas coreanas de cuero y tela vaquera, que diseñó recuerdos para turistas, que trabajó en la hostelería y, finalmente, se enriqueció especulando con propiedades inmobiliarias.

Al comienzo del milenio, Wiseau decidió iniciarse como director de obras de teatro. Había estudiado las artes escénicas en varias escuelas diferentes y escribió un primer borrador de The Room, llamada así porque todo ocurría en una habitación en la que podían suceder cosas buenas y malas. Como no logró que nadie le dejara un teatro para representarla, decidió convertirla en la gran novela americana: más de 500 páginas que nadie quiso publicar.

Frustrado ante la perspectiva de que sus ideas no llegasen a plasmarse jamás, optó por invertir su propio dinero en una producción cinematográfica que controlaría con puño de hierro para que el proyecto se fuese al garete. Y vaya si invirtió: la broma (infinita, como dije antes) costó más de seis millones de dólares. ¿Quién no tiene ese dinero para su propio capricho artístico?

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¿QUÉ ES THE ROOM?

Johnny vive en una burbuja de felicidad consistente en ponerse todos los días el mismo traje (que le queda grande) para ir a trabajar al banco, en el que todos sus negocios son secretos.

The Room es un drama romántico con mucho humor negro, aunque esto último no estaba entre los propósitos del autor y es consecuencia única de ver una mala obra con la perturbada visión de un cultureta del siglo XXI. Trata del amor, la amistad, la pasión, la mentira y la traición; también trata de hacerte creer que verter pétalos de rosa lentamente sobre los pechos desnudos de la persona que amas mientras suena R&B de fondo es sexy y no pertenece a un imaginario muerto hace más de cuarenta años. También es, además, la historia de Johnny, un banquero de San Francisco al que nunca ascienden en su trabajo, y la obsesión que siente por su prometida, Lisa, con la que planea casarse hasta que descubre la verdad sobre su mundo, que le rasgará por dentro en una de las actuaciones más míticas que jamás se han visto. Podría parecer el típico telefilm de cadena privada de televisión para ver un domingo después de comer. Pero no: agárrense, que vienen curvas.

Los personajes de The Room tienen serios problemas psiquiátricos. No apreciamos en ellos el histrionismo que veríamos en los de una película de David Lynch pero, a su manera, son más oscuros y desagradables. Johnny vive en una burbuja de felicidad consistente en ponerse todos los días el mismo traje (que le queda grande) para ir a trabajar al banco, en el que todos sus negocios son secretos; nunca quiere hablar de sus clientes, excepto para quejarse amargamente de que nunca le ascienden (normal, Johnny, tienes problemas cognitivos). Toda su vida gira alrededor de Lisa, a la que agasaja con regalos y flores, y a la que somete a intensas sesiones de sexo tórrido en una cama con dosel de seda, candelabros de plata con velas encendidas, jugueteos genitales con pétalos de rosa y una música que produciría rechazo aunque no estuviese en conjunción con el resto de elementos. Además, responde a las historias sobre tragedias ajenas con una risa anormal y viste como un mal estereotipo de un videoclip de rap blanco de los 90.

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Cuando no sabes diferenciar entre 35 mm y alta definición y decides rodar la película en ambos formatos con las cámaras montadas en un soporte especial que has construido tú mismo, cuando has despedido a la mayor parte de los actores durante el rodaje porque no te gustaban y los has sustituido por tu personal de apoyo, [...] lo mismo eres más parte del problema que de la solución.

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Lisa, por su parte, está aburrida. Es natural, parece vivir encerrada en una casa compuesta por solo dos habitáculos y su única interacción con otros seres humanos es aguantar las charlas de su madre sobre los conflictos de su divorcio y la enfermedad terminal que va a llevarla a la tumba (y a la que Lisa no da mayor importancia), amén de las conversaciones sobre infidelidades con su mejor amiga, Michelle, y las visitas en cualquier momento del día de Denny, el hijo adoptivo de Johnny, que es menor de edad pero vive solo en un piso del mismo edificio y está pasando un mal momento económico porque ha hecho algún tipo de mal negocio con las drogas del que intenta sobreponerse uniéndose a Lisa y Johnny durante los prolegómenos de sus desagradables juegos sexuales (he estado tentado de avisar que esto era un spoiler, pero perdería mucha fuerza si lo hubiera hecho).

La tercera parte del triángulo la conforma Mark, el mejor amigo de Johnny, que sucumbe a los catárticos deseos de Lisa para mantener otra tórrida relación con ella, cuyo fetiche principal será mantener relaciones sexuales en escaleras de caracol.

Poco sabremos sobre Mark, excepto que Johnny tiene fijación con su vida sexual y que el actor que lo encarnó, Greg Sestero, está haciendo su agosto con un libro, The Disaster Artist, en el que explica todo lo que fue mal en esta película. ¿Pero qué fue lo que ocurrió para que la cesta pudiera salir mal con estos mimbres?

Para empezar, Wiseau se mostró negligente en todas sus facetas desde el principio de la filmación. Es normal cuando eres el director, el productor, el guionista, el actor principal y el publicista de una película que no puedas dar de sí todo lo que quisieras durante el rodaje en cada uno de tus roles. Claro que, cuando no sabes diferenciar entre 35 mm y alta definición 8

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(como menciona Sestero en su libro) y decides rodar la película en ambos formatos con las cámaras montadas en un soporte especial que has construido tú mismo, cuando has despedido a la mayor parte de los actores durante el rodaje porque no te gustaban y los has sustituido por tu personal de apoyo (jugada que ya hizo con maestría Lynch en Twin Peaks con el difunto Frank Silva encarnando al espíritu Bob), cuando el rodaje se interrumpe continuamente porque eres incapaz de aprenderte las líneas que tú mismo has escrito, y cuando toda la promoción que tienes para tu película es un anuncio en un cartel en una esquina de una calle de Hollywood con tu cara gigante, lo mismo eres más parte del problema que de la solución. El libro de Sestero se desvela como una maravillosa fuente de anécdotas sobre este rodaje.

¿Cómo es posible que una obra que podríamos tachar de bazofia dé para que uno de sus actores se forre con un libro sobre ella?

Pero no era solo él: Juliette Danielle, la actriz que encarna a Lisa aunque originalmente iba a ser Michelle, acababa de llegar a San Francisco desde su pueblo de Arkansas para labrarse un futuro en el mundo de la actuación y se agarró al primer clavo ardiendo que encontró. No sé si esta piedra fundacional de su carrera es la que la ha arrastrado a una producción de serie Z tras otra, pero catorce años después sigue encasillada en papeles de cine de terror y gore. Empezaste con mal pie, Juliette. Y el mismo camino siguió Greg Sestero (y eso que su carrera empezó con una breve aparición en Gattaca), aunque su gallina de los huevos de oro haya sido la publicación del libro. ¿Pero cómo es posible que una obra que podríamos tachar de bazofia dé para que uno de sus actores se forre con un libro sobre ella?

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Como ya he mencionado, la cara gigante de Wiseau en una esquina de Hollywood era el elemento publicitario principal de la película: un primer plano picado en blanco y negro de alguien que parece un cruce entre el difunto Pete Burns y Willem Dafoe con una enfermedad inflamatoria tratada con grandes dosis de corticoestereoides y un ojo entrecerrado como si tuviera un orzuelo. Lejos de resultar atractivo o sensual, el público estaba convencido de que era una película de terror. Posteriormente, el propio Wiseau se referiría a ella como el Hombre Malvado; por qué la eligió para promocionar la trágica historia de un aparente buenazo que en realidad es un maltratador con evidentes trastornos mentales, nunca lo sabremos: en ningún momento de la película tenemos la sensación de que Johnny sea mala persona, solo un cúmulo de defectos genéticos y un mal entorno social que ningún ensayo de Steven Pinker podría justificar jamás.

La cara gigante de Wiseau en una esquina de Hollywood era el elemento publicitario principal de la película. Lejos de resultar atractivo o sensual, el público estaba convencido de que era una película de terror.

El 27 de junio de 2003, Wiseau organizó una primera proyección para los miembros del proyecto y la prensa. Cuenta la leyenda que la mayor parte del público no podía parar de reírse, y Scott Foundas, el periodista de Variety que cubrió el evento, contó en un artículo que la mayor parte de los presentes pidieron que les devolvieran el dinero antes de llevar media hora de visionado. Las comparaciones con Ed Wood fueron inevitables, y la crítica se dio cuenta de que los aparentes problemas mentales no eran solo de los personajes, sino del propio Wiseau y los locos que le siguieron para tirarse por este acantilado.

Sin embargo, su carrera no terminó aquí: The Room se proyectó en un par de cines durante dos semanas, avisándose de que no se devolvería el dinero de las entradas y mostrando una crítica de una reseña temprana que decía Watching this film is like being stabbed in the head (Ver esta película es como ser apuñalado en la cabeza). Sin embargo, a una de estas proyecciones acudió Michael Rousselet, famoso productor de cortos de Internet, que encontró algún tipo de valor en la obra y animó a todos sus amigos y conocidos a que la vieran con él.

Durante los últimos tres días de proyección fue a verla cuatro veces con diferentes personas, y de aquí surgió un fenómeno inesperado: la cinta alcanzó tal éxito en las esquinas más oscuras de Internet que Wiseau decidió seguir haciendo proyecciones. El fenómeno alcanzó cotas inesperadas, con Kristen Bell (Veronica Mars) organizando visionados privados para sus compañeros actores, que a su vez influenciaron a otras personas, que a su vez… Muy pronto, 10

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Descubrí esta opus magna a través de las reseñas de dos amigos en un portal de Internet: uno le puso un 10 y otro un 1. No tenía nada mejor que hacer un día festivo y me la puse, y ahora soy un ferviente fanático y no puedo dejar de admirarme de que haya alcanzado sus logros actuales.

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las muestras nocturnas para fanáticos de la película afloraron por todo el territorio estadounidense, y el público acudía vestido de Johnny con su traje enorme o de Lisa con su vestido rojo, se tiraba pelotas de fútbol americano desde distancias cortas vestidos de frac (copiando una de las escenas más absurdas), y tiraba cucharillas de plástico al aire durante ciertos momentos. Es el mismo ritual que presenciamos en algunos cines con The Rocky Horror Picture Show, solo que esa es buena (a su manera) y esta es sencillamente mala, pero por los motivos correctos: si alguna vez alguien intentó que el resultado fuese mejor, ya nadie se acuerda.

Así llegamos al día de hoy. Descubrí esta opus magna a través de las reseñas de dos amigos en un portal de Internet: uno le puso un 10 y otro un 1. No tenía nada mejor que hacer un día festivo y me la puse, y ahora soy un ferviente fanático y no puedo dejar de admirarme de que haya alcanzado sus logros actuales. Nadie le dará un buen premio jamás: las actuaciones son infames, el guion tiene ciertos elementos que podrían calificarse como delictivos o de incitación al odio, la banda sonora evoca pasajes mentales de trastiendas del Bronx en las que cosas feas le pasan a gente guapa, y el efecto final es suficientemente potente (por horrible) como para que Wiseau merezca tener su propio cameo en Los Simpson. Es una película deplorable y nadie debería verla estando solo porque un hombro sobre el que llorar puede ser necesario en los cien minutos de ese tiempo que jamás volverá que dedicaréis a verla. Pero no puedo dejar de recomendarla como ejemplo de hito histórico, de algo que tardará décadas en volver a ser conseguido, de evolución de los psicotrópicos de las discotecas del Madchester de los 90, cuando alguien se metía algo que no iba a tener retorno y, aún así, lo hacía porque iba a ser muy divertido. Tan pronto como quedéis atrapados por sus redes, empezaréis a firmar vuestros mensajes de Whatsapp con los emoji de la rosa, el balón de fútbol americano y la cuchara. Aún no lo sabéis, pero esto va a pasar.

Juan Díez 11

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Pantalla de frikis cine La locura comienza, así que sonríe

Batman: La broma asesina Como sucede últimamente en DC y Warner, esta producción ha tenido una respuesta bastante negativa y dispar entre los espectadores, no digo ya los críticos, pues estos son un público aparte del resto de lectores.

p

elícula de animación protagonizada por uno de los más grandes superhéroes del mundo, Batman. Producida por Warner Bros Animation y distribuida por el propio estudio, dueño de DC Comics, esta es la vigesimosexta entrega del universo animado de la editorial, que lleva sacando largometrajes originales desde hace una década, esta vez basándose en la novela gráfica del mismo título creada por Alan Moore y Brian Bolland, aunque el guion aquí lo firma Brian Azzarello. En su versión original podemos escuchar las voces de Kevin Conroy, Mark Hamill, Tara Strong y Ray Wise.

La película se estrenó exclusivamente en la pasada Con de San Diego, uno de los referentes internacionales de fans de los cómics, y en principio iba a ser distribuida directamente para formato digital, pero al final pudo verse de manera limitada y selecta en salas de cine y luego en formato doméstico, ya fuera DVD o Blu Ray. Como sucede últimamente en DC y Warner, esta producción ha tenido una respuesta bastante negativa y dispar entre los espectadores, no digo ya los críticos, pues estos son un público aparte del resto de lectores. A un servidor lo que más le ha destrozado la vista ha sido su prólogo de media hora.

Y es que dicha introducción no tiene nada que ver con el canon de la trama, directamente se lo han inventado para rellenar minutos y cuadrar la duración. Otro detalle que tampoco ha gustado a nadie, incluido quien suscribe estas líneas, es la representación que se hace de Batgirl, especialmente esa escena bastante misógina 12

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para los tiempos actuales, que esta heroína comparte con Batman. Ya sin embargo a partir de ese controvertido e incómodo momento el contenido pasa a hacer algo más de referencia a la obra, empieza por así decirlo a tener mayor fidelidad con el material del que todo fan señala como favorito, sustentado por unas interpretaciones que con el doblaje se pierden.

Hamill es el Joker, por mucho que se admire a Cesar Romero, Jack Nicholson, Heath Ledger o Jared Leto, ya que el también conocido por dar vida a Luke Skywalker ha puesto voz al príncipe payaso del crimen de Gotham desde 1992, en la serie animada de Batman. El argumento comienza con Batgirl (Barbara Gordon, Strong) patrullando la ciudad y fracasando en su intento por detener un robo, consiguiendo al menos frenar a uno de los criminales con la ayuda de Bruce Wayne (Conroy). Enojada por lo sucedido, Batgirl ataca a Batman agrediéndole física y verbalmente, lo cual les lleva finalmente a mantener relaciones sexuales ( si sí, lo habéis leído bien, se ponen a follar).

El prólogo originalmente iba a durar un cuarto de hora y serviría para presentar la historia principal, ya que la fuente no es lo suficientemente larga para ser adaptada.

Después, Batman investiga el escenario de un asesinato junto al detective Harvey Bullock (Robin Atkin Downes) y ambos concluyen que el Joker, actualmente encerrado en el manicomio Arkham, podría estar detrás de dicho crimen, y es entonces cuando este ataca a Barbara y a su padre, el comisario James Gordon (Wise). Por supuesto se incluye el flashback del villano, donde unos criminales le cuentan que tiene que usar la máscara de Capucha Roja e ir ataviado con una capa, secretamente intentando engañarle. A mitad de los títulos de crédito finales, la chica enciende un ordenador en cuya pantalla aparece el logo de su nuevo alter ego.

Fue el propio Hamill quien animó a los fans de los comics por Twitter y Facebook si querían que doblase a Joker en una hipotética adaptación de La broma asesina. El prólogo originalmente iba a durar un cuarto de hora y serviría para presentar la historia principal, ya que la fuente no es lo suficientemente larga para ser adaptada (la novela en cuestión se lee en una tarde) y además debía evitarse lo de Watchmen en 2009, a la que se añadieron fragmentos extras que no aparecían en las viñetas. No se aprendió de aquello y además se otorgó una calificación para mayores de 18 años, convirtiéndola en una cinta animada solo para adultos en la que además los dibujos fueron retocados por otro artista, Kevin Nowlan.

En lugar de humanizar a Barbara/Batgirl, los cambios realizados en su relación con 13

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Batman en el discutido prologo la convierten en un cliché habitual de los comics, la fémina que finge complejidad pero que cuando se le da un rol expandido solo puede ser vista a través de una mirada abiertamente sexual. El prólogo resulta tonalmente discordante y desviado caprichosamente del arco auto conclusivo de La broma asesina.

Sencillamente se considera innecesario y desconectado del segundo acto, con el asqueroso factor de que Batgirl mantiene una clara y subordinada relación de obediencia sumisa hacia Batman.

Cada escena es recreada con precisión meticulosa, pero el estilo de animación de DC actualmente no da la talla con el impactante dibujo de Bolland de los 80.

Él es el veterano experto y mentor, y ella es la alumna novata, y lo peor de todo es que nada de ese acto inicial tiene una relevancia real en el resto de la película, con Batgirl todavía ejerciendo de sacrificio humano al final. Su insípido drama romántico no añade peso alguno a su eventual trauma. Azzarello sabía de la controversia de la novela y en vez de arreglarlo echa gasolina al fuego con dicho prólogo, que parece implicar el que Barbara Gordon ha sido violada durante la tortura que sufrió a manos del Joker.

Empeora todavía más cuando a continuación Batman le pregunta a un grupo de prostitutas los quehaceres del Payaso asesino.

Cada escena es recreada con precisión meticulosa, pero el estilo de animación de DC actualmente no da la talla con el impactante dibujo de Bolland de los 80, una característica estética que recuerda al cine negro visto en El halcón maltés o en La sombra de una duda. El mejor esfuerzo de esta película es sin duda su reparto vocal, con dos actores que nos devuelven al dúo clásico de la serie animada. En conclusión, diría que esta cinta se ha visto impregnada del estilo que ha caracterizado en el pasado año a BvS y que como producción animada de DC está a años luz de la espectacular, al menos así la recuerdo, Batman: La máscara del fantasma, la pionera cinta que puso a Warner en el mapa de la animación.

Nota: 6,5

Jorge Trenado 14

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Hora del cómic cómics

Locke & Key

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ómic escrito por Joe Hill, ilustrado por Gabriel Rodriguez y publicado por IDW, aunque en España se encarga de distribuirlo Panini en formato de serie limitada, lanzado entre 2008 y 2013, siendo su editor original Chris Ryall. Su trama se

El primer arco narrativo precisamente se titula Bienvenidos a Lovecraft y se recopilan en el tomo inicial de seis números de Panini, cuyo formato se asemeja al de novela gráfica tipo Maus o a Batman: El Regreso del Caballero Oscuro.

ambienta durante la Revolución de las Trece Colonias, en la que un grupo de rebeldes se ocultan debajo de la futura Casa de Key, descubriendo un portal a otra dimensión, concretamente a la ciudad de Leng (conectando con los Mitos de Cthulhu), plagada de demonios que pueden hipnotizar y poseer a cualquiera que los contemple o los toque.

Luego la trama salta hasta el presente, donde Nina Locke y sus tres hijos, Tyler, Kinsey y Bode, quienes tras el asesinato de su padre, tratan de reconstruir sus vidas en la Casa de Key, una misteriosa mansión en Lovecraft, Massachusetts.

Allí, y cumpliendo con los elementos del subgénero casa encantada, descubrirán llaves mágicas que abren portales a otra dimensión, un lugar donde lo que hay no es para nada amistoso.

El primer arco narrativo precisamente se titula Bienvenidos a Lovecraft y se recopilan en el tomo inicial de seis números de Panini, cuyo formato se asemeja al de novela gráfica tipo Maus o a Batman: El Regreso del Caballero Oscuro. De los tres números especiales de Locke & Key, el más reciente, del pasado 21 de diciembre de 2016, Mundo pequeño, Hill asegura que el título es un guiño a una novela escrita por su padre, Stephen King. No hay que olvidar que el retoño del maestro del terror ha escrito libros antes como El traje del muerto, Cuernos y NOS4A2, por lo que a nadie extraña que recibiera el premio Eisner en 2011.

Adaptaciones ha tenido, siendo la más conocida un piloto para televisión que Dimension Films adquirió de IDW para Lovecraft, con la idea de ser desarrollado por Alex Kurtzman y Roberto Orci 15

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(saga Transformers) como productores.

Steven Spielberg también se llegó a sumar a la producción, con Josh Friedman (ahora mismo escribiendo Avatar 2) como guionista. 20th Century Fox se hizo con los derechos del episodio piloto, producido por Dream Works Television (propiedad de Spielberg) y K/O Paper Products.

Si se quiere hacer una serie televisiva de Locke & Key como debe ser, King y Hill deberían estar presentes produciendo, y en lugar de Kurtzman, Orci o Spielberg, contratar a los responsables de The Walking Dead y plantear temporadas al estilo American Horror Story.

Miranda Otto (El Señor de los Anillos), Sarah Bolger y Nick Stahl dieron vida Nina, Kinsey y Duncan Locke respectivamente, con Jesse McCartney (Atrapados en Chernobyl) como el protagonista, Ty Locke, mientras que Ksenia Solo hizo de Dodge. Mark Romanek (Retratos de una obsesión, Nunca me abandones) dirigió el episodio piloto, filmado en Hartwood Acres Park y en Ellwood City, cerca de Pittsburgh, siendo proyectado en la Convención Internacional de Cómics de San Diego, pero nunca emitido en la pequeña pantalla. Luego ha estado la opción de llevarla al cine como trilogía, según Kurtzman y Orci.

Bobby Cohen, productor de Memorias de una geisha o Revolutionary Road, se unió a los dos responsables de K/O para producirla en Universal, pero la cosa tampoco llegó a buen puerto. Si se quiere hacer una serie televisiva de Locke & Key como debe ser, King y Hill deberían estar presentes produciendo, y en lugar de Kurtzman, Orci o Spielberg, contratar a los responsables de The Walking Dead y plantear temporadas al estilo American Horror Story, con Netflix como la plataforma ideal para dar rienda creativa y explorar nuevas técnicas narrativas para el tema, argumento y personajes.

La libertad que hoy día da Netflix rara vez se puede ver en cadenas tipo AMC o FX, y por eso me atrevo a sugerir unos cuantos nombres para interpretar a los personajes principales: Tatiana Maslany (Orphan Black) como Kinsey, Haley Joel Osment (El sexto sentido, Inteligencia Artificial) como Duncan o Ty, y Kate Mulgrew (Orange is the New Black, Star Trek: Voyager) como Nina.

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Jorge Trenado

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Hora del cómic cómics

Animal Man

e La serie promovía el vegetarianismo, como se apreciaba cuando Buddy ayudaba a una banda de autoproclamados partidarios del ecoterrorismo a salvar delfines de la brutalidad de quienes los pescaban, pero también referenciaba al propio universo DC al incluir el Manicomio Arkham.

l cómic de Animal Man que publicó DC protagonizado por el superhéroe bajo el que se esconde la identidad civil de Buddy Baker, será recordado por la sobresaliente etapa del guionista británico Grant Morrison durante sus primeros 32 números, siendo toda una innovación al incluir temas como la conciencia social (con especial atención a los derechos de los animales), la metafísica, la deconstrucción del género superheróico en las viñetas, elementos de literatura posmoderna, unas muy excéntricas vueltas de tuerca al argumento, exploraciones de la espiritualidad y el misticismo cósmicos, la determinación del aparente libre albedrio por parte de un poder mayor, la manipulación de la realidad que incluye nociones de mecánica cuántica, la teoría del campo unificado, el viaje temporal y otras técnicas de metaficción.

La serie también es muy conocida por su frecuente psicodelia, en parte las cubiertas dibujadas por Brian Bolland. Para regocijo de sus lectores, Morrison anunció que la jungla humana regresaría para aparecer en 52 junto a otros personajes de la editorial como Adam Strange o Batwoman. En su origen fue una propiedad del sello Vertigo y mensualmente compartía portadas con las historietas de terror publicadas allí en serie limitada y sin el distintivo de la Autoridad del Código de Cómics. En la primera etapa, del 88 al 90, Morrison convirtió al personaje titular en una figura cotidiana que vivía en un universo poblado de extraterrestres.

La serie promovía el vegetarianismo, como se apreciaba cuando Buddy ayudaba a una banda de autoproclamados partidarios del ecoterrorismo a salvar delfines de la brutalidad de quienes los pescaban, pero también referenciaba al propio universo DC al incluir el Manicomio Arkham. Después de Morrison, en el 93, se entró a saco con la mecánica cuántica, ilustrándolo con recortes como los usados por William Burroughs, Tom Veitch o el fallecido Steve Dillon. Fue la época en que Buddy regresó a su profesión de especialista de cine y liberaba los poderes de su tótem interno.

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En su último regreso a DC, entre 2011 y 2014, Animal Man entró a formar parte de Los Nuevos 52, todo ello tras la trama previa de Flashpoint, escrita por Jeff Lemire.

Febrero – Marzo 2017

SUBIENDO DE NIVEL

En esta etapa, Jamie Delano giró a Animal Man al terreno del cómic adulto, como hiciera en Hellblazer, matando al protagonista y resucitándolo, como le pasaba a La Cosa del Pantano de Vertigo, para ponerlo sobre ruedas por la Ruta 66 y cruzarse con otros títulos del sello, ya fuera Los libros de la magia de Neil Gaiman o la Patrulla Condenada, otro trabajo de Morrison. Para el 95, el renacido Buddy llevaba el pelo canoso y practicaba el chamanismo, tras lo cual su colección fue cancelada. En su último regreso a DC, entre 2011 y 2014, Animal Man entró a formar parte de Los Nuevos 52, todo ello tras la trama previa de Flashpoint, escrita por Jeff Lemire.

En esta ocasión, Buddy encuentra una fuerza vital conocida como Rojo, el equivalente animal del Verde de La Cosa del Pantano. La naturaleza de la realidad es el tema recurrente del personaje con Morrison, rompiendo la cuarta pared y encontrándose con su creación entre viñetas mientras hacía referencias a las Tierras del Multiverso DC o incluía cameos del Coyote y el Correcaminos, creando una alegoría en parte religiosa y en parte yuxtaponiendo varias capas de esa realidad, trayendo dibujos animados a cómics y estos al mundo real, todo muy digno de premio. La culminación de todo ello llegaba con la revelación de que los habitantes del Universo DC eran personajes de ficción.

La búsqueda posterior de quienes han matado a su familia llevaba a Animal Man al Limbo de DC, donde su creador, Morrison, le explica que en cualquier momento le puede convertir un aspecto de su personalidad, y por ejemplo hacer que se vuelva carnívoro.

Jorge Trenado 18

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MUNDO OTAKU

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Mundo Otaku mangas, animes, y demás productos asiáticos por Alfonso Gentil

Doraemon El gato cósmico!!!!

Miles de aventuras nos esperan!!

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oraemon mitad gato mitad robot, viene del siglo XXII enviado atrás del tiempo por Sewashi Nobi para cambiar el futuro incierto de su tatarabuelo Nobita, y sus descendientes puedan disfrutar de un futuro mejor. Mientras Doraemon tomaba una siesta, en su fecha real, antes de viajar al pasado, un ratón mordió gran parte de sus orejas. Algo sucedió mal durante su fabricación, por eso lo rechazaron y lo denominaron de bajo rendimiento. A pesar de todo esos contratiempos, fue enviado como ayuda…

Nobita, el chico torpe, vago y propenso al fracaso, siempre se mete en disputas, sobre todo con los gamberros de su entorno, aunque eso no le dispara su temple. Nuestro gato cósmico, tiene un bolsillo en su barriga, del cual saca objetos mágicos del futuro!!!! . La historia nos contará como un gato robot, intentará ayudar a un joven vago y torpe, a mejorar su destino. Serie entretenida, sobre todo por los inventos y artilugios que saca de su bolsa!!!!

Kimi no Nawa Una historia de amor, sueños y anhelos

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asos agigantados que transcurren en poco tiempo, una película que trata sobre un intercambio de cuerpos y mente. Una joven Mitsuha, que imagina como podría ser como chico. A la vez, Taki, un chico que empieza a ver el mundo a través de los ojos de una chica. Una historia compleja, pero al mismo tiempo entretenida, con toques de humor y sobre todo amor.

Catástrofes, cuentos populares, lugares reales en la actualidad, un gran derroche de imaginación y energía que nos mete en la mente opuesta. Recomendada para todo fan del anime!!!

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UNA VIDA EXTRA

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¿Te acuerdas? espacios del pasado

5 razones por las que debes ver

Freaks and Geeks Esto no es Beverly Hills, muchachada, esto es Chippewa, Michigan, una ciudad suburbial inventada, y los protagonistas son de todo menos ricos y famosos.

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inco, veinte, dieciocho o treinta y tres son números aleatorios. Hay infinitas razones para ver esta serie. Pero bueno, cinco es un número con buena rima para hacer chistes y para ir acotando que si no escribe uno una tesina. Empezamos,

1. Son frikis como nosotros La serie bien podía ser como Sensación de Vivir, porque va de las aventuras de dos hermanos, Linsdsay y Sam Weir, en un instituto. Pero esto no es Beverly Hills, muchachada, esto es Chippewa, Michigan, una ciudad suburbial inventada, y los protagonistas son de todo menos ricos y famosos.

El título apela al antiguo concepto de freak en la cultura americana. Los marginados, los macarrillas, los alelaos, los outsiders de mediopelo del lugar. Los geeks son lo más parecido al friki actual, púberes y adolescentes que pasan horas jugando a Dragones y Mazmorras y haciendo, pues eso, cosas de frikis, siendo también unos marginados de tomo y lomo. Y no me refiero a cosas más modernas, porque aunque la serie es de la temporada 99/00, la historia pasa en el curso 80/81, con lo cual abundan las pintazas y las gafas gigantes.

Otra seña significativa, y ya que estamos comparando con Sensación de vivir, seguimos, es que la edad de los actores corresponde con la edad de los personajes. O sea, no vemos a un maromo de 35 años estudiar para un examen de mates o una multioperada haciendo de niña de catorce años. Aquí es todo de un realismo increíble. Tanto que a veces asusta, aunque se trate de una serie hecha por un especialista en comedia, Judd Apatow.

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UNA VIDA EXTRA

2. La historia y los personajes

Al desarrollarse la única temporada emitida todo se va entremezclando, de una manera bastante natural, con los populares, los acusicas, y toda esa fauna que vive en los american high schools.

En la familia Weir hay cambios. El pequeño empieza el instituto, y la antes muy aplicada y mathathleta Lindsay empieza a juntarse con malas compañías.

Al principio la adaptación de ambos en sus respectivos mundos es complicada. A ella los malotes la ven como una empollona y no se fían. Sam y sus amigos (2 amigos) viven en su burbuja de tebeos, juegos de rol y frikismo contumaz. Al desarrollarse la única temporada emitida todo se va entremezclando, de una manera bastante natural, con los populares, los acusicas, y toda esa fauna que vive en los american high schools.

La banda de Sam, en un principio, son sus dos únicos amigos: Neal Schweiber, una especie de pronto HowardWolowich sin ser tan listo, y Bill Haverchuck, un tipo raro, raro, raro —que diría papuchi—. Los freaks son más numerosos. Daniel Desario, el típico gamberrete fumaporros que siempre está pensando qué hacer; Kim Kelly, la guarrilla del insti, malhablada y malencarada; Nick Andopolis, un bobalicón loser que se dedica a darle a la batería, y en el fondo es un cacho de pan, y Ken Miller, el gilipollas de turno, siempre borde, siempre cínico y graciosillo, fumando aún más porros que el mismísimo líder.

Amoríos desatinados, humillaciones en clase de gimnasia, conversaciones paternofiliales de traca, faltas a clase para hacer cosas locas, intensas partidas de Dragones y Mazmorras, primeros besos, desencuentros, enfados, cantar canciones de Styx para enamorar a una dama (el mítico Lady), un genial asesor estudiantil medio colegui medio dictatorial y muchas otras aventuras se dan en estos 18 episodios. Una cuestión que tenemos que tener en cuenta es que la serie tiene unos raros altibajos, y es porque constantemente reprogramaban, e incluso la llegaron a cancelar de la NBC en el capítulo doce, donde por presión de los fans se alargaron a tres episodios especiales más, para después producirse los siguientes y últimos tres para Fox Family Channel.

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3. El Reparto Freaks and Geeks supuso muchos primeros papeles protagonistas y muchos debuts de actores que después hemos visto muchísimo, ya sea en la tele o en el cine. Algunos de ellos son directamente estrellas de Hollywood y reyes de la comedia.

El bobo Nick era otra estrella del Hollywood actual: Jason Segel. Es uno de los tipos en Cómo conocí a vuestra madre.

El que hacía de chulillo colocado era ni más ni menos que James Franco, que tanto hemos visto tanto en pelis de superhéroes (los Spideman de Raimi), en películas intensamente dramáticas como 127 horas, en supercomedias como Pinnaple Express (Superfumados es su feo título en español) o The Interwiew, o esa rareza maravillosa llamada Springbreakers. Precisamente uno que lo acompaña mucho es el que hace de capullo, que no es otro que su supercolega Seth Rogen, a quien conocemos de comedias de todo tipo y pelaje, como las ya mentadas o Superbad (Supersalidos, otro nombre que pa qué), Virgen a los 40, Funny People, Zack y Miri hacen una porno o Malditos vecinos 1 y 2. Aparte de actuar dirige y coescribe algunas de esas comedias que tanto gustan a la chavalería. La fiesta de las salchichas es el último ejemplo tangible.

La mediojipi Lindsay era protagonizada por Linda Cardellini que fue Velma en las películas de Scooby-Doo. También apareció en Brookeback Mountain o en series como Mad men o New girl.

Su papel en Urgencias es la que le ha dado más fama.

El bobo Nick era otra estrella del Hollywood actual: Jason Segel. Es uno de los tipos en Cómo conocí a vuestra madre y también protagoniza una comedia fundamental (al menos para mí) de los últimos años: Te quiero, tío. También salió en Bad Teacher, en la interesante Jeff y los suyos o en Paso de ti.

Sam Weir es John Francis Daley, al que muchos recordaréis ya más crecidito, haciendo de psicólogo en Bones.

Y muchos más que me dejo, porque tampoco es cuestión de ponerse pesadito.

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4. La Banda Sonora La canción de la cabecera ya es un temazo de Joan Jett, Bad Reputacion. Canciones de los 70 y principios de los 80 que a los más melómanos les flipará. Van Halen, Styx, Rick Deringer, Santana, Janis Joplin, KISS, The Face, Cream, Rush, Madness, Billy Joel, Queen, los Who, Supertramp, Emerson, Lake & Palmer, Lynyrd Skynyrd, Boston, Black Flag, David Bowie o The Grateful Dead, entro otros muchos, consiguen dar una autenticidad muy chula.

El presupuesto iba destinado en gran parte a la compra de derechos de las canciones. En deferentes reemisiones se han tenido que cambiar algunas canciones porque no llegaba el dinero para pagar tanto royalty.

Tanto es así que el presupuesto iba destinado en gran parte a la compra de derechos de las canciones. En deferentes reemisiones se han tenido que cambiar algunas canciones porque no llegaba el dinero para pagar tanto royalty.

Afortunadamente, hoy en día se puede disfrutar del contenido íntegro de las canciones ya sea en DVD o por Netflix, que es por donde es más fácil verla ahora (o en las formas alegales que ustedes y yo sabemos).

5. Judd Apatow Bueno, esto supondrá un inconveniente para muchos, pero el toque que el productor, director y escritor da a sus producciones está, ya muy desarrollado en esta serie. Él fue el productor, y fue creada por Paul Feig (director de algunas de la comedias que hemos mentado antes y en serie de televisión tan míticas como 30 Rock, The Office o Bored to Death). Apatow dirigió algunos capítulos, pero su sello, como en su día tuvieron directores de comedias dramáticas un tanto pasadas de vueltas como John Hughes, está ahí. Según nos cuenta Nuria Vidal Trapero, en su artículo Judd Apatow y la nueva comedia americana para Rirca: El universo personal de los films de Judd Apatow se basa como eje central de las tramas en la configuración de los personajes y de los chistes que se crean alrededor del conflicto que quieren superar, donde no pueden faltar dos elementos esenciales: chistes sobre sexo y referencias a la cultura popular del momento – chistes hechos de manera ingeniosa y orgánica y en el momento preciso. Sus protagonistas, mayoritariamente masculinos, se caracterizan por su antiheroicidad y por sufrir lo que se llama el Síndrome de Peter Pan que describe a aquellas personas adultas caracterizadas por su inmadurez emocional, que suelen huir de las responsabilidades y actúan de manera infantil. Lo único que hace Apatow es presentarnos un nuevo concepto de masculinidad, donde pasamos del prototipo de hombre exitoso al loser entrañable, que representan los nuevos moldes de una sociedad americana.

Lo cito íntegro porque yo no lo hubiese explicado mejor, la verdad.

Pues nada, muchachada, que veáis la serie, que es muy entretenida, y ya me contáis.

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Mameluco Morales

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¿Te acuerdas? espacios del pasado Alfonso Gentil

Dragones y Mazmorras Un mundo lleno de dragones y poderes malignos.

U

n mundo fantástico, lleno de seres extraños, magos, poderes y aventuras nos esperan tras estas palabras sacadas de la misma letra de la banda sonora de esta magnífica serie de nuestra infancia (década 80/90 para algunos/as). Cierto día, un grupo de amigos, quieren ir al parque de atracciones a pasar el rato. Deciden entrar en una atracción llamada Dungeons & Dragons, una montaña rusa llena de monstruos, pero sin saberlo, se abre una puerta dimensional que les transportará a otro mundo!!!!

Pronto llegan a conocer al Amo del calabozo, un mago bajito pero con mucho poder, el cual será su mentor a lo largo de los capítulos. Según cada personaje, les ofrece un atuendo, una especialidad especial, poderes que solo pueden ser usados en dicho mundo. Les esperan grandes aventuras, pero con un mal oculto en su interior…, sorpresas y “amigos” inesperados les aguardan, pero lo más importante, la búsqueda de una puerta que les devuelva a su mundo de origen. Una gran serie que nadie puede perderse!!!

Masters del Universo

a

dam, hijo de los gobernantes de Eternia. Tiene la Espada del Poder, y cuando la

Su principal objetivo es mantiene en alto, y dice estas gobernar el Castillo de palabras.. : ¡Por el poder de Grayskull, del cual He-Man Grayskull! ¡Yooo teeengo el podeeeer!, extrae sus poderes. obtiene poderes y se transforma He-

man!!!, el ser más poderoso del universo.

Le acompaña Battle Cat, la Hechicera Sorceress, Man-At-Arms y Orko, Nuestro protagonista utilizará sus poderes para salvaguardar el mundo en el que viven del malvado Skeletor. Su principal objetivo es gobernar el Castillo de Grayskull, del cual He-Man extrae sus poderes. Una serie nostálgica, que nos trae esos recuerdos de cuando escuchábamos esa mítica frase del poder de grayskull!!!. Miles de aventuras nos esperan con esta gran serie!!!

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Geek de hoy tecnología actual

Historia de los Wydevices noticias

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uando me hablaron de Zoltar TV por primera vez sonaba exactamente al dispositivo que andaba buscando, doble sintonizador/grabador de tdt, una capacidad de almacenamiento de 1,5 Tb, una antena wifi-N y un Kernel de Linux moviéndolo todo, los fuentes disponibles en la página web y, con el apagón analógico, parecía un parche perfecto.... me llamaba mucho la atención la característica del timeshift, y con Linux todo es posible… decían... es de código abierto.

El caso es que a pesar de su precio exagerado y después de repasar documentos y opiniones en foros, pareció un buen capricho. Nada más lejos de la realidad, el producto distaba bastante de estar "maduro" para su salida a producción pero pronto empezaríamos a descubrirlo "the hard way". Uno de los principales inconvenientes venía por la ausencia de la capacidad de gestión del dispositivo desde un ordenador a través del wifi, su entrada ethernet o su puerto USB. Los 2 primeros, porque el Zoltar TV solo explotaba la red en modo cliente, no teniendo forma alguna de conectar por red desde otro dispositivo. A través del USB, sin embargo, te encontrabas con desconexiones frecuentes durante las transferencias de ficheros y un muy mal implementado protocolo MTP. ¿Quién coño quiere un dispositivo con 1,5Tb de espacio en el que no se pueden almacenar cosas de forma masiva?

Siendo así, la única opción que quedaba para transferir los contenidos era "en porciones" con un pendrive, o, a través de la red, pero iniciando la tarea desde el propio dispositivo y su poco ágil entorno gráfico. En el apartado de uso, los frecuentes cuelgues terminaron por rematar la faena y el descontento generalizado estaba servido, la paciencia simplemente se agotó.

En el plano constructivo, el cacharro seguía teniendo un Linux, y el ritmo de publicación de actualizaciones permitía ser relativamente optimistas. A nivel hardware seguía siendo un aparato excelente (para la época). No obstante, la paciencia como digo, se fue agotando, y el ritmo de publicación y mejoras introducidas… también.

Había que hacer algo, y la comunidad comenzó a organizarse, a estudiar de qué forma tomar parte activa en la evolución que todos los usuarios estaban esperando. No resultó tarea sencilla, hasta que las distintas comunidades de usuarios empezaron a unirse. Por un lado estaban el foro de Zoltar TV y los del Media Titan en España, y por otro lado estaban los foros franceses del Wyplayer, y alguno italiano también. No resultó sencillo encontrar la manera de saltarse las restricciones de acceso, a través de la red, el cacharro solo expone el puerto para el Wyplayer y no se han descrito formas de poder abusarlo. Otro vector era el mecanismo de actualización del firmware, pero estaba protegido por un cifrado que impedía su alteración. Lo único que se logró por esa vía fue llegar a desempaquetarlo y entender que formato tenían aquellos ficheros .wup Si la memoria no me falla, fue en los foros del MT donde descubrieron la manera de vulnerarlo, pero el vector utilizado resultaba ser excesivamente complicado para un uso generalizado por parte del usuario. El truco requería desmontar el disco, un adaptador USB para conectarlo al PC, y una serie de modificaciones a realizar desde otro Linux. No recuerdo ya bien los detalles, pero básicamente encontraron un fichero llamado local_conf.py que se podía modificar y se ejecutaba cuando 25

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volvías a montar el disco en el aparato. Encontraron la forma de incluir las librerías necesarias e invocaban el demonio de telnet, con el argumento de que no pidiese password. Cuando arrancabas, el sistema presentaba el puerto de telnet abierto, admitía conexiones, y lo mejor de todo, eras ROOT. Los ánimos estaban por todo lo alto, recuerdo perfectamente el primer día que entré por telnet en el Zoltar TV, postear como un loco en el foro de host56, investigando cada directorio, cada fichero, cada proceso… llevábamos meses detrás de una forma de ganar un acceso privilegiado, y con esto creíamos tener la clave, pero no iba a ser "tan" sencillo. La hazaña surgió, si mal no recuerdo, en los foros del Titan, pero para la comunidad de Zoltar todavía tardó un poco en llegar, se tardó algo de tiempo en dominar la técnica, en parte por lo complicado del proceso, y por otro lado porque "una vez que tienes telnet", no te la juegas, por si acaso.

Este bug se explotaba montando el disco /dev/sda1 en /mnt (requería un jfs_fsck primero), lo que permitía acceder al sistema de ficheros de /wymedia. No en todas las versiones (MediaTitan 7983 y anteriores, Zoltar TV 7891 y anteriores, Wyplayer 8399 y 8379…), pero sí en algunas muy específicas, se exponía un fichero llamado local_conf.py que llamó la atención de los chicos del MT. Descubrieron que dicho fichero (con extensión .py, lo que delataba su interprete, Python) se ejecutaba en cada arranque, y condicionaba la carga de los plugins y otras configuraciones. La solución fue muy ingeniosa, por un lado, descubrieron que se podían cargar librerías de Python que estuviesen presentes (como OS), y por otro lado, descubrieron que el demonio de telnet estaba ya allí, esperando a ser utilizado. Combinado con un conocimiento de los parámetros del demonio, solo bastaban añadir un par de líneas: import os, que permitía contar con las funciones de la librería OS de Python, y os.system(‘telnetd –l /bin/ash’) que permitía lanzar una consola ASH al demonio telnetd que, además, con el parámetro –l permitía no necesitar saber la password y acceder por telnet al dispositivo una vez que este se encontraba arrancado.

Pasaron los días, se estudiaron diversas maneras para poder incluir cosas nuevas y los chicos del MT le empezaron a trastear de lo lindo. Se averiguó que la arquitectura de la CPU era SH4, algo bastante exótico, y que requería de binarios compilados para ella, que el sistema de arranque tenía unos mecanismos de protección muy difíciles de vulnerar y que, para nuestro desánimo, el RootFS se montaba en modo solo lectura. A veces no basta solo con ser ROOT…

Así las cosas, teníamos un sistema complejo de particiones, de la que solo teníamos una con posibilidad de modificación, acceso telnet, y un Kernel de Linux corriendo dentro. Sobre la partición en la que contábamos con acceso de escritura, se trata de un robusto y sencillo JFS que quedaba montado sobre la raíz como wymedia. Todavía quedaba tiempo para llegar a ponernos al día y seguir todos los avances de los chicos del MT. Crearon un paquete de software y un sistema que permitía arrancar demonios de una forma genérica, al que denominaron extras. Dichos extras incluían servicios tan necesarios como pure-ftpd, un servidor samba… esto permitía ganar unas formas de acceder al aparato que no existían antes… y todo gracias al código abierto de sus respectivas comunidades de desarrolladores… código abierto del software añadido, pero… ¿qué pasaba con los "fuentes" del software que tenían publicado en el web? Esto merece una reflexión específica al respecto.

Resulta que los paquetes de código fuente publicados en la web del fabricante eran los del software que ellos aprovecharon de la comunidad para agilizar su propio desarrollo (alsa-lib-1.0.14_rc1-r5, dbus-glib-0.72-r2, freetype-2.1.10-r6, gphotofs0.4.0-r6, havana2-modules-92i-r6, jfsutils-1.1.11-r1, libusb-0.1.12-r1, linux-headers-2.6.16, module-init-tools-3.2.2-r5 …), pero su propio código, es propietario, y no se publicaba en el paquete que llegaba a la web del fabricante. El caso es que lo más importante, jamás ha sido publicado. ¿En qué medida afecta esto al objetivo de desarrollar un firmware alternativo? La única respuesta posible es… “en todo”. La ausencia de unos archivos de código fuente “funcionales” nos ha condicionado terriblemente, provocando la incapacidad de tener el control completo de las compilaciones.

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Aun así, las primeras versiones empezaron a ser distribuidas, todas ellas publicadas por los chicos del foro del Media Titan, aunque se empezó con su ayuda a portar al resto del ecosistema de dispositivos (Zoltar TV, Media Titan, Wyplayer), con gran acogida, aunque por ahora limitada por la poca base de usuarios. Los primeros firmwares publicados eran específicos a cada plataforma, con la ausencia del Mediatec, que nunca tuvo una comunidad “realmente” activa. De este último, se cuenta en el repositorio de firmwares con su RootFS gracias a que algún usuario sí había, pero tardó en aparecer por los foros alguien que lo tuviera.

En este punto de la historia, cabe volver a destacar el "blindaje" del cacharro, y la brillante e ingeniosa forma en la que se saltó dicha protección. El truco aquí está en el fichero change_firmware.sh, las particiones y el sistema de arranque de u-boot. En tiempo de arranque, el sistema deja de hacerlo y pivota entre la partición activa y la de respaldo (donde se ha ubicado el firmware modificado), el resultado es que ya se podían distribuir paquetes para su instalación por un público minoritario, habida cuenta de la complejidad de todo el proceso de desmontaje del disco y la necesidad de andar trasteando con las particiones a través del adaptador USB. Como contrapartida, el esfuerzo era recompensado con creces a los valientes, que obtenían servicios tan útiles como samba o ftp, recordemos las limitaciones impuestas por diseño en los firmwares originales, que impedían cualquier actividad iniciada “desde fuera” del propio aparato.

En cuanto al sistema de instalación y el proceso de paquetización de estas primeras etapas, cabe decir que supuso un gran esfuerzo y hubo muchísimo tiempo e ilusión puestos en ellos por un gran equipo de entusiastas que tienen mi mayor admiración, y que sin ellos no hubiese sido posible el siguiente gran paso evolutivo.

Cuando hablamos de código, conviene recordar el tipo de lenguaje y la forma en la que se presenta al sistema operativo, existen binarios (compilados) y scripts (cuyo código fuente está al alcance y se interpreta). El caso es que Python puede entregar binarios, y permite interpretar de igual manera. Para nuestro disgusto, en los WyDevices contamos con software desarrollado en Python, pero compilado, por lo que cualquier intento de trastear la GUI era un infierno inasumible. No obstante, se lanzó la comunidad con el arduo proceso de decompilación de los ficheros de la GUI, proceso complejo e imperfecto –generaba ficheros fuente “parecidos”, aunque no siempre funcionales- , pero apareció algo que llamó la atención a la comunidad el 10 de junio de 2010…. era un proceso que ponía el cacharro en modo tienda, descomprimiendo el contenido de un pendrive con una etiqueta especifica (WYDEMO) en el sistema de ficheros, y una estructura muy concreta (carpeta demo_mode_pack, con un fichero media.tar).

Originalmente, el fabricante había definido la función handle_demo que se lanzaba siempre que se pinchaba un pendrive.

Comprobaba la etiqueta, y si se satisfacía el formato adecuado, tomaba el media.tar y lo descomprimía directamente en /wymedia (sin protecciones ni comprobación previa, como sí ocurría con las actualizaciones formales update.wup).

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El vector de entrada en esta función también tuvo su enjundia, ya que lo que se extraía era en /wymedia, pero donde se necesitaba la modificación (ya conocida) era en /etc/params/local_conf.py. Una vez más, se recurrió a un mecanismo ingenioso, por el cual se creaba una estructura nueva, 'demo_pack/etc/params' y en ella se alojaba el local_conf.py con las modificaciones necesarias, por debajo, a nivel demo_pack, se dejaba el script de instalación install.sh. Se creaba entonces una carpeta demo_pack/wymedia y una vez allí, se hacía con tar el paquete con: tar cvf media.tar install.sh ../etc –P . Con el parámetro –P se permite utilizar rutas absolutas (en detrimento de las relativas, mas habituales), lo que permitía que, al descomprimir, no lo hiciera sobre wymedia (solo) sino también sobre ../etc la estructura que se había creado con antelación, permitiendo de esta manera “machacar” el local_conf.py original e invocar al script de instalación install.sh.

No era el proceso más sencillo del mundo, ya que requería estar con la actualización que tenía el bug descrito anteriormente, lo que convertía en necesario, en aparatos más modernos, realizar un proceso de downgrade para alcanzar la versión con el BUG de local_conf.py.

El punto clave aquí es que el proceso descomprimía en /wymedia sin comprobar la firma, y eso era un avance muy importante en caso de ser capaces de dominar dicho proceso… ¿por qué? Recordemos la forma de instalación de los firmwares alternativos, en esta etapa seguiamos sacando los discos cada vez que el dispositivo necesitaba ser formateado por desastre, prueba fallida, o nueva versión. Se describió una nueva forma de instalación en la que ya no era necesario sacar el disco, tan solo introducir un pendrive, con la etiqueta WYDEMO, una carpeta con un media.tar que descomprimía sin comprobar en el sistema y permitía lanzar el sistema de instalación del firmware alternativo. La revolución estaba servida, el nicho de usuarios se amplió profundamente y las capacidades que se fueron entregando fueron dando superpoderes a los cacharritos, mientras, el abandono manifiesto del mantenimiento por parte del fabricante dejaba a la comunidad como la única esperanza de sacar provecho de estos dispositivos, y permitía a los usuarios animarse a probar todas esas supuestas ventajas.

Volviendo atrás, recordemos que los nuevos usuarios ya salían de fábrica con sus dispositivos con una versión de firmware superior a la vulnerable descrita con anterioridad. Esto suponía tener que hacer el proceso de downgrade. No era especialmente complejo, se traba de modificar un update.wup de la versión vulnerable y hacer creer al aparato que era una versión superior. Cuando no estaba modificado, el aparato detectaba que estabas intentando actualizar a una versión anterior y rechazaba la actualización, sin embargo, descubrimos que editando el update.wup y buscando el string que identificaba la versión y modificándolo a un número superior a la instalada (ej. 8000) con un editor Hexadecimal (como IcyHexplorer), no se rompía el código CRC y el cacharro “creía” que se le iba a poner un nuevo firmware, aunque en realidad lo que estaba desplegando era la actualización que traía la vulnerabilidad de local_conf.py.

Esto permitía desplegar la versión vulnerable, y por tanto, realizar la instalación del firmware alternativo a continuación.

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En cuanto a los avances, hay que resaltar el proceso a seguir. La máquina virtual de compilación es un Fedora con STLinux compilando en cruzado para arquitectura SH4, lo que seguía requiriendo de unos conocimientos importantes de cara a compilar nuevos extras. En este apartado cabe destacar los grandes avances logrados gracias al código abierto, no necesitar nada más que adaptar las diferentes versiones de paquetes, Pure-FTPd, Samba, Transmission, RSync, Mongoose, PHP …. Recordemos ahora la ausencia de la capacidad de gestión del dispositivo por la red, los extras trajeron primero paquetes más o menos standard, como FTP o Transmission, pero más adelante comenzaron a aparecer las primeras versiones de WyModCP, en donde se combinó lo aprendido del sistema cuando solo había telnet y pruebas de ensayo y error, y se aprovechó para presentar al usuario, a través del navegador web, primero con HTML plano, y con PHP un poco más adelante, muchos de esos descubrimientos. La intención no era baladí, la ampliación de la base de usuarios permitía facilitarles el vector de entrada, lo que nos permitía ganar tiempo para escuchar las demandas más populares, como la reorganización de los canales de TV (en la implementación del fabricante solo se podía hacer en no menos de 20 minutos trasteando con su ridículo mando e irresponsiva interfaz de usuario).

Durante el proceso de decompilación de los binarios de Python se descubrieron, entre otras cosas, la gran cantidad de chapuzas, cosas sin terminar de rematar que estaban a medias y que nunca el fabricante concluyó (como el plugin de DailyMotion), así como plugins ocultos que (creemos) fueron desarrollos de los desarrolladores freaks en su tiempo libre (por ejemplo, una clase oculta de YouPornVideo, un backend que se llamaba banzai.pyo que lo conseguimos poner a funcionar desde el WyModCP para tener un mando virtual a través de la web… y muchas otras cosas que ya no recuerdo, pero que iban dando vidilla a la comunidad de desarrollistas que nos juntamos por aquella época) Volviendo al código abierto, recordemos que el fabricante usaba código abierto (para ahorrarse horas de desarrollo), pero desarrollaba código cerrado. Esto, si bien es éticamente cuestionable, nos ofrecía aun así alguna que otra ventaja.

Pongamos el ejemplo de las bases de datos de poca entidad. El fabricante no tuvo que construir su propio software para la gestión de DB’s, simplemente incorporó SQLite como backend de base de datos para algunos componentes, canales de TV, grabaciones, etc…

A nosotros, dicha elección nos permitía trastear directamente con los datos que después eran consumidos desde la GUI y por los demonios, de esta forma, encontramos la manera de incorporar algunas de las cosas más demandadas. Una de las primeras y celebradas mejoras que trajo el WyModCP fue precisamente en el apartado de reordenación de los canales de TDT. En las primeras versiones de WyModCP, al tratarse de código HTML no había muchas opciones para poder manejarlo, pero tras la incorporación de PHP y el módulo de PDO para acceso a db’s de sqlite3 pudimos finalmente empezar a trabajar con los canales del TDT, primero nos bastó mostrarlos en el panel, pero más adelante conseguimos un sistema completo de gestión, que permitía reordenarlos, renombrarlos, eliminarlos, hacer backups 29

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y restauraciones de todo el conjunto de canales (Esto puede no parecer tan útil, pero cabe recordar que con cada actualización o cuelgue “completo” era necesario resintonizar y volver a ordenar… de ahí que fuese muy útil tener un sistema que, sin necesidad de resintonizar, dejase las cosas en su sitio ante una reinstalación o vuelta al firmware de fábrica) Otras ventajas que trajo WyModCP con el paso del tiempo fueron el interfaz de grabaciones, que permitía la descarga de los vídeos grabados en el cacharro a un pc en fichero único, un mando virtual a distancia basado en el banzai.pyo que comentamos antes, controlar las configuraciones del ventilador, un mecanismo de despliegue de actualizaciones “menores” integrado… Se trabajó algo también en la interfaz, se crearon paquetes de “pieles” o “skins” y temas alternativos, se pudo lograr intercambiar entre los aparatos del ecosistema las pieles oficiales, así como los RootFS… pudiendo tener el interfaz del MT en un Zoltar TV, o el de Wyplayer en un MT etc.

Recibimos colaboraciones súper exóticas, como un paquete de gestión de DDNS como Inadyn, una config del fichero de instalación que permitía cambiar el tamaño de los subtítulos, paquetes de iconos alternativos, un driver para HDMI-CEC, un plugin para rootear PS3 (PSFreedom), ampliaciones de los codecs útiles del aparato, un inservible minero de BTC llamado CPUminer (la potencia de proceso era ridículamente baja)… y otras muchas cosas divertidas que ya no recuerdo de memorieta…

Por otro lado, el fabricante incorporó en alguna de las actualizaciones un plugin de YouTube, que no tardó mucho en empezar a fallar (al cambiar Youtube su API) y que jamás se molestaron en arreglar. Sin embargo, fue la comunidad la que encontró la manera de solucionarlo, y no en una sola ocasión, con cada cambio de API el plugin era corregido por la comunidad a través del fichero turlututube.py Ya en los últimos tiempos las actualizaciones y las ideas se fueron extinguiendo poco a poco, aunque hubiese incorporaciones muy destacables en las funcionalidades nuevas. Entre las mismas, incorporamos el paquete de Streamripper, que es un software que permite grabar emisiones de Icecast o Shoutcast, los binarios de ices, que es un reproductor de radio para icecast o shoutcast, así como una pestaña llamada Wycron en WyModCP que permitía desde el navegador programar dichas grabaciones y planificar nuevas. En este caso, podías dar de alta por un lado las emisoras, luego los programas, y después generar “líneas de cron” para poder dejar programadas las grabaciones de la radio con la frecuencia especificada, un sistema muy cómodo de no perderte nunca un buen programa de radio (siempre que emita en icecast o shoutcast, claro) Otra de las incorporaciones más tardías, un servidor uPnP llamado MediaTomb, que permitía servir los medios presentes en el dispositivo, a otros clientes (por ejemplo un Tablet o un teléfono). Sin embargo, todos estos avances fueron ya disfrutados por un menor número de gente, ya que con la cantidad de años que habían pasado desde la fabricación de los primeros dispositivos, había ya aparecido otras soluciones, o simplemente la base de usuarios fue paulatinamente desapareciendo al sustituir sus aparatos por cosas más modernas, por avería o hartazgo…

Algunos entusiastas seguimos disfrutando, aun habiendo pasado tanto tiempo, de estos cacharros. Los últimos 2 firmwares alternativos en aparecer fueron orientados a convertir el dispositivo en algo más parecido a un NAS que a un receptor de TDT, se prescindieron del exotismo de las modificaciones realizadas en la GUI, dado que los pocos usuarios que seguimos con 30

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él lo que menos hacemos es utilizar el TV, ya que conseguimos “realizar” también uno de los antiguos objetivos que nos habíamos auto-impuesto, como era sustituir la GUI original por la de XBMC. Aquí la limitación era hardware sobre todo, pero encontramos una combinación perfecta que nos ha permitido extender su vida útil, espero, que por muchos años más. La línea de firmwares PyDev daban por hecho dicha combinación, una Raspberry Pi conectada al dispositivo por su cable Ethernet y una serie de configuraciones en ambos sentidos, que permitían controlar el contenido del wydevice (sus 1,5Tb) desde el interfaz Kodi (antiguamente XBMC) que aportaba la Raspberry. Al establecer la conexión por un cable Ethernet, el rendimiento era más que suficiente (Más del doble que el obtenido por wifi-N), y se cubría una de las grandes limitaciones de la Raspberry, como es la falta de almacenamiento masivo, en pocas palabras, estaban hechos el uno para el otro.

Se incorporaron entonces mecanismos para añadir tags a los MP3, así como carátulas a cada una de las grabaciones que se planificaban, se pudo incorporar al conjunto de herramientas el cliente y servidor de SSH, y fue posible establecer entre ellos seamless login con certificados, que permitía lanzar los comandos entre uno y otro de forma transparente una vez que estaba configurado… en definitiva, un killer-combo. La incorporación de la raspi a la ecuación de los wydevices ha permitido por ejemplo construir un sistema completo de emisión por internet (Reproductor Ices en wydevice, Servidor Icecast en Raspberry), poder navegar de forma transparente sobre 1,5Tb de biblioteca en una Raspberry, donde se mantiene toda la colección de medios en el wydevices, pero cuya DB se aloja en la Raspberry.

Como conclusión, cabe destacar el caso de los Wydevices como un ejemplo de las bondades del código abierto. En el apartado de la comunidad, contar con todas las piezas que hemos incorporado al dispositivo con un relativo “pequeño esfuerzo” ha sido una experiencia increíble, ya que hemos sumado desarrollos independientes a los dispositivos gracias a la libertad que te permite contar con los códigos fuentes liberados a la comunidad OSS. Como contrapunto, destacar cómo fabricantes reutilizan el código abierto, pero se demuestran egoístas al combinarlo con código cerrado y poner todas las trabas del mundo para permitir a la comunidad trastear con los dispositivos. Se puso demasiado esfuerzo en los “mecanismos de protección”, pero sin embargo no en alcanzar la madurez de código que tenían que haber entregado, lo que nos lleva a continuar haciéndonos las preguntas de siempre… ¿Qué gana el fabricante con ello? ¿Por qué impedir a la comunidad que participe de forma activa en la evolución de los dispositivos? No tengo respuestas para estas preguntas, pero, sin embargo, sí tengo clara cuál sería mi respuesta a la pregunta de ¿qué tipo de código prefieres desarrollar, abierto o cerrado? ¿Adivinas cuál es?

Agradecimientos a: Minukab, Deniro666, Polo35, Argos, Schischu, GDalPlay, Archer, Eklalj, Kill, Xavi, DJFactory, HR100, Muad, Lim0n, Rayman18, Mamensa, PapiBD, Chichiban y a tod@s aquellos que hicisteis realidad esta aventura. Dedicado a toda la comunidad de usuarios WyDev, a Richard Stallman y a Raul Aberasturi, por brindarme la oportunidad de escribir este artículo.

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Beats Wydev

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Hello World

cine

espacios del presente

Te cagas, chaval

Váteres de Japón

q

ueridos amigüitos y amigüitas hoy os voy a hablar de una de las cosas más placenteras que puedes hacer en tu trabajo: cagar.

Vale, de acuerdo, algunos me diréis que es el sitio ideal, y que no hay nada mejor que estar en casa y después de una comilona, echarse una siesta mientras intentas hacer una de esas cosas que llaman peli y manta, para luego, por fin, al despertar, echar un cagarro de esos que sientes que tu ojete se ha quedado abierto y que te ha vuelto a entrar hambre.

Eso está muy bien, pero pensad que en casa no estáis ganando dinero por cagar.

Si hay un país donde hay un verdadero culto al noble arte del cagar ese es Japón, en unos pocos años se distanciaron de sus vecinos y no sólo igualaron en comodidades con occidente, sino que además ha superado con creces a occidente.

En Asia la ausencia de papel higiénico es común, y los váteres consisten en un agujero en el suelo y dos apoyapies. Junto a ellos, suele encontrarse una palangana y un depósito de agua que ejerce a la vez de bidet y de repositorio para el agua que usarás para “tirar de la cadena”. Muchos aseos no tienen separación alguna, o si la tienen, no cubren la parte inferior, haciendo una especie de glory hole de la mierda: ves lo que hay, pero no la cara del alfarero. Sin embargo en Japón, aunque aún es posible encontrar ese tipo de váteres para cagar en cuclillas, los más extendidos ya son los de estilo occidental. Dentro de los de tipo occidental, los más básicos son como los de España, pero limpísimos, incluso si están en un tren o en un restaurante de comida rápida, están casi tan limpios (o más) que los de tu casa.

El primer accesorio, que llama la atención, aunque es el menos común es el de la tapa autolevantable. Entras en el baño y al cerrar la puerta con pestillo, automágicamente la tapa del váter te saluda levantándose, (al abrir la puerta hace la tarea inversa) ni que decir tiene las ventajas higiénicas que ofrece este saludo.

Otras de las comodidades que nos ofrece el váter japonés como agradecimiento por alimentarlo, es que nos calienta la taza para que no se nos enfríe el culito. La temperatura es estándar pero he llegado a ver tazas con temperatura regulable.

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cine

El panel de mando está en la parte derecha, los botones son un mundo, pero los gráficos que llevan suelen ser bastante descriptivos, y recientemente los fabricantes (por cierto allí el Sr Toto, es lo que aquí el Sr Roca) han acordado unificar los iconos. Lamentablemente hay botones y funciones sólo en japonés que no es posible de descifrar ni con google translator, aunque la mayoría de las veces estas son para configuraciones en modo avanzado. toto> su Funcion limpiar el vater, funcion gestion del tubo,... si eres un lamer de los váteres los puedes dejar echando agua sin parar, a un conocido de un primo le pasó.

Para los lusers y turistas en general nos bastan los botones básicos de limpieza frontal y ojal, el primero nos lo indica con un icono de mujer. El chorro sale más disperso y está pensado para lavarse el Toto (sonido de platillos), pero te puedes refrescar los huevecillos si eres un hombre. El otro botón mucho más usado es el de limpieza de ojal. Esta maravilla se puede personalizar, (un mojón para el que usa el palabro customizar). Puedes escoger la temperatura del chorrito y cómo no, la potencia: desde un suave cosquilleo, hasta presión manguera de bombero para acabar con el más fuerte de vuestros tarzanetes y la defensa numantina de su liana. La regulación en el eje Z ya depende del usuario, que deberá moverse para atinar a la inversa es decir hacer que su diana atine al chorro y no al revés, aunque huelga a decir, que dado que el váter japonés es menor en cuanto a diámetro, hay poco margen para el error.

El ventilador no es una cosa tan común y normalmente es de aire frío, aunque alguno dispone de regulación de temperatura, junto con la de velocidad. Se recomienda que para que el cerito os quede preparado para el próximo beso negro, al final uséis el papel.

Como decíamos al principio del artículo, al igual que en el resto de Asia, antiguamente los váteres japoneses carecían de la menor privacidad, desde la nula separación y ausencia de puertas para que veas lo bien que caga el de tu lado (me viene a la mente que en mi guardería los váteres eran así) imagino que para que las profes pudieran vigilar desde un único punto estratégico, que ningún niño se caía por la taza. Más adelante llegó la separación pero sin puertas, y por último a las puertas con la parte de abajo abierta, recordar que muchos váteres no eran de taza sino que el cagar, como es natural se hacía en cuclillas, la privacidad ahí la tienes pero no porque no te vean cagar sino porque no pueden hacer un “une los puntos” ese culo corresponde con esa cara.

Para acabar, lo más fascinante de todo, y también lo más novedoso. Un superavance japonés para que no nos oigan cagar.

Aquí en españa la gente tose, o abre grifos, o incluso tira de cadena (estos dos últimos son un despilfarro de agua) En Japón el vater nos proporciona un botón que simula el ruido de la cisterna al vaciarse, pero sin gastar una gota de agua para tapar nuestros pedos o nuestro plopi.

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La Bedela Pelirroja

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Personajes

cine

reportaje

Flecha Verde

e Nuestro protagonista fue en sus inicios la versión arquera de Batman, pero con el tiempo dio paso a ser un portavoz del más ferviente progresismo moderno.

l superhéroe de DC Comics fue creado por Mort Weisinger y apareció por primera vez en el número 73 de More Fun Comics, en noviembre de 1941. Su identidad secreta es la de Oliver Queen, Ollie para los amigos, siendo un empresario multimillonario y dueño de Industrias Queen, aparte de una conocidísima celebridad en su localidad de Star City. A veces aparece vestido como Robin Hood y como aquel, Flecha Verde es hábil en el tiro con arco, usando dicha habilidad para proteger su hogar, que otras veces ha sido Seattle, cuando no ha estado junto a sus compañeros de la Liga de la Justicia o del Escuadrón Estrella.

Verde como la Kryptonita, nuestro protagonista fue en sus inicios la versión arquera de Batman, pero con el tiempo dio paso a ser un portavoz del más ferviente progresismo moderno, concretamente a partir de los 60 con el guionista Dennis O´Neil y con quien le dio su diseño visualmente más trágico, Neal Adams. En los 70 se emparejó con otro héroe más relacionado con la ley y el orden, Hal Jordan, el más conocido de los Linterna Verde, y en los 90 le relevó a Oliver su hijo Connor Hawke, pero de nuevo se resucitó al original en la etapa que hizo el guionista Kevin Smith.

Fue con el nuevo milenio cuando las tramas del personaje se centraron más en su relación profesional y personal con Canario Negro, tal y como pasó en la serie limitada de la JL Cry for Justice, anterior esta al relanzamiento editorial con Los Nuevos 52. Fuera de los cómics nunca ha sido muy reconocido por los lectores no habituales o casuales, pero sí que ha aparecido en la serie animada Súper amigos de los setenta y en los últimos quince años en Liga de la Justicia Ilimitada, La Joven Liga de la Justicia, The Batman, El intrépido Batman y en varias películas originales del Universo Animado DC. 34

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cine

Flecha Verde y su ayudante adolescente Speedy (Roy Harper) hicieron su primera aparición en la portada del MFC #73 de noviembre del 41, y cuando Weisinger lo creó, se inspiró no solo en Robin Hood sino también en un serial de Edgar Wallace.

En imagen real le vimos en la serie Smallville interpretado por el actor Justin Hartley, entre 2006 y 2011, y justo al año del final de esta se estrenó otra serie, Arrow, en la cadena The CW, donde el personaje titular lo encarna Stephen Amell, quien desde entonces se ha ganado mucha admiración al igual que la serie, hasta el punto de servir de trampolín para otras continuaciones derivadas de lo que se conoce como Arrowverso.

Comienzos: 1941-68 Flecha Verde y su ayudante adolescente Speedy (Roy Harper) hicieron su primera aparición en la portada del MFC #73 de noviembre del 41, y cuando Weisinger lo creó, se inspiró no solo en Robin Hood sino también en un serial de Edgar Wallace. Por aquellos años su principal archienemigo era sospechosamente parecido al Joker y el bueno de Speedy tuvo su propio origen en número 89 de MFC. Weisinger también creó a Aquaman, por lo que sus apariciones como invitado en las aventuras de Flecha Verde eran habituales, igual que en la publicación hermana Adventure Comics entre 1946 y 1960, y en World´s Finest Comics hasta 1964. Cuando DC se llamaba Leading Comics, Arrow y Speedy eran de los que más historietas acaparaban y tuvo hasta una compañera llamada Arrowette.

Flecha Verde sobrevivió a la Edad de Oro de los cómics, siendo a menudo personaje secundario en las aventuras de Superboy, la versión adolescente de Kal- El. Quien más vendía en esta nueva etapa era obviamente Superman, resistiendo a ser reinventado, como si les pasó a Linterna Verde o a Flash. En 1958 tuvo una etapa en la que fue dibujado nada menos que por Jack Kirby.

Neal Adams y Dennis O´Neil (1969-83) Adams actualizó al personaje visualmente, mientras que O´Neil le confirió una nueva actitud más cercana a la mentalidad de izquierdas, por lo 35

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Queen por ejemplo convence a Jordan de que mire más allá de su estricta obediencia a los Green Lantern Corps, para así ayudar a los marginados o discriminados de la sociedad como hacían los activistas que recorrían América en camioneta en los 70.

que en cierta manera hicieron que Flecha Verde entrase en política, pero además le dieron una compañera y por tanto novia, Canario Negro, así como un compañero de fatigas y camarada en temática social, Linterna Verde (Hal Jordan). Queen por ejemplo convence a Jordan de que mire más allá de su estricta obediencia a los Green Lantern Corps, para así ayudar a los marginados o discriminados de la sociedad como hacían los activistas que recorrían América en camioneta en los 70.

Hasta este punto se llegó a malinterpretar el tono de dichas historias, como cuando una vez se dio por sentado que se hacía una alegoría al autoritarismo izquierdista, y no era así del todo. La que no ocultó su protesta fue la trama de Snowbirds Don´t Fly, trama de GL en la que se revelaba que Roy Harper era yonqui, y que en su día fue muy aplaudida por sacar a la luz los problemas con las drogas para alertar a la población joven, y que concluyó sin embargo en otro arco argumental diferente, en el de Flash. Flecha Verde pasó a las páginas de Action Comics con el entonces debutante guionista Elliot Maggin.

En 1976 también debutaría con el personaje el dibujante Mike Grell, antes de pasar sus historias a WFC y luego a una serie limitada donde mantuvo una rivalidad contra el supervillano Conde Vértigo. En 1985, el Flecha Verde de Tierra 2 murió durante los acontecimientos de retrocontinuidad de Crisis en tierras infinitas que acabaron con el Multiverso, por lo que el de la Edad de Oro fue reinventado como el miembro perdido de la formación original del super grupo 7 Soldados de la Victoria. En toda esta etapa mantuvo una amarga rivalidad con el Hombre Halcón dentro de la JLA, pero hizo buenas migas con Animal Man sin embargo.

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Green Arrow: The Longbow Hunters Los años de Mike Grell

También se infiltró en un grupo de eco terroristas, los Edén Corps, sacrificando su vida para prevenir que una bomba destruyese la ciudad de Metrópolis.

Grell escribió e ilustró esta miniserie en formato tapa dura donde se presentaba a la enigmática arquera japonesa Shado, cuya familia había sufrido en un campo de concentración para japoneses en los Estados Unidos. Con Grell, Flecha Verde se mudó hasta la Ciudad Esmeralda, apropiado nombre de Seattle, en el estado de Washington. El estilo de Denny O´Neil ya no se apreciaba y se acercaba a un público más maduro, como el de Pregunta, de ahí que si aparecía Hal Jordan no lo hacía vestido de Linterna Verde, sino vestido normal y con su identidad civil. La CIA también empezó a controlar las actividades de Ollie.

Después de Grell Tras la serie limitada, Jim Aparo comenzó a dibujar al personaje para quitarle ese aire que estaba tomando tan cercano a la línea Vertigo, haciendo que rescatase a la novia de GL, Carol Ferris, o que apareciese en la miniserie Hora Cero: Crisis en el tiempo. Fue la época en la que Connor Hawke se presentó como el hijo perdido de Oliver Queen, fruto de una relación pasada. También se infiltró en un grupo de eco terroristas, los Edén Corps, sacrificando su vida para prevenir que una bomba destruyese la ciudad de Metrópolis.

De esta forma Connor le reemplazó en la serie.

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Smith, Hester y Meltzer (2000-04)

cine

La etapa que comprende el arco argumental Quiver fue desarrollada por Smith, cineasta conocido por irreverentes comedias como Clerks o Dogma, o por haber escrito para Marvel la interesante historia de Daredevil Diablo Guardián. Ilustrada intento por Phil Hester, la resurrección de Oliver es usada por el abuelo de Stanley y su monstruo en un intento por ganar poder sobre esa criatura que el anciano vinculó accidentalmente a su nieto, intentando poseer el cuerpo de Ollie, posiblemente solo por su carencia de alma, y usar su acceso a los recursos de la JLA para dar con el monstruo.

Flecha Verde escogió a una nueva compañera, Mia Dearden, como la primera Speedy chica.

Flecha Verde también escogió a una nueva compañera, Mia Dearden, como la primera Speedy chica. Smith luego se centró en presentar un nuevo enemigo, un asesino en serie super poderoso que se hacía llamar Onomatopeya, para así dar el relevo al nuevo guionista, Brad Meltzer, quien recuperó a Roy Harper para que ambos rescatasen objetos como un anillo de poder de los Linternas Verdes. Meltzer firmó Renacimiento, una historia de GL, donde continuaba la trama en la que Oliver utiliza el anillo contra Sinestro, quien presumiblemente llevaba muerto años, antes de reclamar dicho anillo un renacido Hal Jordan. Meltzer escribió Crisis de identidad, miniserie en la que Flecha Verde investigaba el asesinato de Sue Dibny, la esposa del Hombre Elástico.

Tras los acontecimientos de Crisis infinita, Oliver trabajó con los mismos instructores de artes marciales que entrenaron a Deathstroke y además descubrió que había estado financiando secretamente a los Outsiders de Batman, por lo que tuvo que dimitir de su puesto de alcalde de Star City, aunque al final esto le sirvió para proponerse a Canario 38

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cine Negro. En 2007, Andy Diggle y Jock se unieron para lanzar Green Arrow: Año Uno, una serie limitada en la que se muestra a Oliver Queen como un frívolo playboy al que no le importa nada ni nadie, aparentemente ni siquiera él mismo, pero cuando es traicionado y abandonado en medio de la jungla en una isla, averigua una cosa que sí le importa: la justicia. Su némesis en esta ocasión fue China White, una asesina narcotraficante.

En su etapa con Canario Negro, Flecha Verde fue rehén de la Abuela Bondad y posteriormente atacado con nitrógeno líquido cuando perteneció a los Black Lantern Corps.

En su etapa con Canario Negro, Flecha Verde fue rehén de la Abuela Bondad y posteriormente atacado con nitrógeno líquido cuando perteneció a los Black Lantern Corps. En Cry for Justice, Prometheus se vengó de él y de la JLA destruyendo Star City, lo que llevó luego a Deadman a resurgir de las ruinas en El día más brillante gracias a su anillo blanco. En los Nuevos 52, una continuidad posterior a Flashpoint, apenas se mencionaba a Roy Harper y parte de las tramas las escribió Ann Nocenti, que tras un flojo comienzo tuvo que ser sustituida por Jeff Lemire, quien mejoró notablemente la colección con la introducción de personajes como El Rey Reloj o John Diggle, este último uno de los que entró en Arrow.

Antes de Maldad Eterna, Queen fue reclutado por Amanda Waller para uno de sus grupos y a continuación formó parte de la Liga de la Justicia Unida, contando ya con un nuevo guionista, el mismo que el de su versión televisiva, Andrew Kreisberg, creador del personaje de Felicity Smoak, quien también usó en ambas versiones a Merlyn y hasta a Lex Luthor. En el actual Renacimiento, Flecha Verde aparece como todo un guerrero por la justicia social, y otras tantas veces hemos conocido versiones alternativas del personaje, como en la obra de Frank Miller vinculada a Batman, particularmente El regreso del Caballero Oscuro, donde aparece manco, según parece por culpa de Superman.

Jorge Trenado 39

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reportaje Monstruos con cremallera, super héroes en pijama y motosierras de cartón

Juan Piquer Simón, el hombre que hacía soñar Sirva este pequeño resumen de su carrera como sentido homenaje a uno de los grandes del género fantástico de nuestro país.

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l 16 de Febrero de este año, Juan Piquer Simón cumpliría años de no habernos dejado en el 2011. Estoy seguro de que su mente se apagó dándole vueltas a infinidad de proyectos que por desgracia no verán la luz, pero su legado sigue vivo en las películas que rodó a lo largo de su carrera.

En cada una de ellas demostró su forma de entender la industria del cine como un gran espectáculo.

Un entretenimiento de primer nivel para grandes y pequeños. La literatura fantástica de Verne, Salgari, Lovecraft... llenaban la Quijotera de Juan desde que comenzó sus primeras lecturas.

Quería sorprender a la gente como el mismo se sorprendía con estas historias...Y a ello dedicó su vida.

Con más o menos acierto siempre trato de entretener al público con sus películas. Por desgracia y como sucede más frecuentemente de lo que uno querría, fue en muchas ocasiones más reconocido fuera de nuestras fronteras que en su propia casa. Sirva este pequeño resumen de su carrera como sentido homenaje a uno de los grandes del género fantástico de nuestro país. No entraremos muy a fondo a hablar de cada uno de sus films, porque los analizaremos uno a uno en futuras entradas.

J.P. Simón Valenciano de nacimiento, debuto en el cine en 1977 con "Viaje al centro de la tierra".

Después de una dilatada experiencia en publicidad (gremio en el que Juan aprendió muchos trucos y fx que le servirían posteriormente en su carrera cinematográfica), unos 40

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años en la radio y sus difíciles coqueteos con el documental ("España Violenta" el documental que rodó junto a Llorenç Soler sobre la guerra civil, no pudo vencer la censura) al fin Juan, adapta de una manera más o menos libre el libro de Julio Verne y consigue su primer éxito rozando los dos millones de espectadores y recaudando más de un millón de euros. La crítica no respondió con el mismo entusiasmo que el público, pero estas cosas no paraban a Juan, ni mucho menos.

Para su segunda película como director, Juan estuvo negociando con Marvel para adaptar "Capitán América" pero las negociaciones con Stan Lee no llegaron a buen puerto.

Como su primera película había ido más que bien, J.P. no dudó en ir a por la segunda, no sin antes estar a punto de cerrar un trato con Samuel Z. Arkoff, que con su productora American International Pictures se había ocupado de la distribución de "Viaje al centro de la tierra" en suelo estadounidense y quería encargarse también de distribuir los futuros proyectos del director. Una de las condiciones era que Juan se fuese a vivir a Estados Unidos, cosa que el director no hizo, no cuajando así el asunto.

Para su segunda película como director, Juan estuvo negociando con Marvel para adaptar "Capitán América" pero las negociaciones con Stan Lee no llegaron a buen puerto.

Así después de varios cambios de nombre y 9 complicados meses de rodaje, llegó en 1979 "Supersonic Man". Cinta de corte superheroico a la sombra de nuestro querido "Superman" de Donner de la que por unas cosas o por otras siempre acabamos hablando.

Pese a tener que vérselas con la citada "Superman" y aguantar lógicas comparaciones, Juan triplica con la recaudación los poco mas de 190.000 € que costó el film. Así que después de invertir en su propia productora Almena Films, y producir algún titulo... había que ir a por la tercera y por que no... a por la cuarta.

Así se estrenan en 1980 y 1981 respectivamente "Misterio en la isla de los monstruos" y "Los diablos del mar".

La primera de ellas, adaptación bastante libre de "Escuela de robinsones" de Julio Verne, cuenta en su reparto con estrellas de la talla de Peter Cushing, Terence Stamp (Otra vez Superman ya que Terence interpreta al General Zod en "Superman II"), Paul Naschy, Ian Sera y Ana Obregon (Si si, Ana Obregon).

La segunda es otra adaptación, siempre libre, de "Un capitán de quince años" también de Verne, esta vez con menos estrellas internacionales (aunque ahí están Patty Sheppard y Aldo Sambrell) menos componente fantástico y menos humor que su predecesora, repitiendo Ian Sera el papel protagonista.

"Viaje al centro de la tierra", "Misterio en la isla de los monstruos" y "Los diablos del mar" forman lo que se suele llamar la trilogía Verniana de Juan Piquer Simón.

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Y llegó el gore...

"Mil gritos tiene la noche" quinta película de Juan Piquer, abandona las aventuras para toda la familia y relata la historia de un asesino en serie cuyas obsesiones le llevan a sembrar el terror en un campus universitario. Basado en un guión que le llega a Piquer desde Estados Unidos llamado "Jigsaw" y que hace suyo aportando cosas de su propia cosecha y protagonizado entre otros por Ian Sera, Christopher George, Lynda Day, Frank Braña y Jack Taylor, la película se estrena en 1982. Por desgracia y pese a ser un éxito en Estados Unidos, una sucia maniobra del distribuidor deja a Piquer sin su parte de los beneficios. Y aunque se le invita a quedarse en Boston a rodar más películas, Juan rechaza la jugosa invitación.

Influenciado por la novela de Shaun Hutson "Las babosas" Juan Piquer comienza a buscar financiación para llevar a buen puerto la adaptación de la novela.

La cosa se complica, la reciente ley Miró y otros factores no parecen beneficiar al cine de género al que Juan dedica su vida. La ausencia de financiación al cine fantástico es indiscutible pero aun así... había que ir a por la sexta.

La sexta película de Piquer Simón iba a continuar la línea emprendida por "Mil gritos tiene la noche" con sus buenas dosis de muertes sangrientas, pero los productores presionaron para que incluyese un extraterrestre bonachón y un niño, el motivo no era otro que el bombazo a nivel mundial que el estreno de "E.T., el extraterrestre" de Steven Spielberg había supuesto.

El resultado fue la inclasificable "Los nuevos extraterrestres" estrenada en 1983, imposible mezcla de géneros que a pesar de lo alocado de su propuesta no funcionó mal en Alemania.

Aguantando la resaca de su último film Juan Piquer pasa el tiempo entre otras cosas intentando sacar un proyecto que no sale a flote con Paul Naschy y produciendo para Ismael Gonzalez "Yo amo a Hitler" hasta que vuelve a dirigir su séptima cinta.

La séptima se titula "Guerra Sucia" thriller de acción estrenado en 1984, que acaban comprando para su distribución en USA nuestra querida Cannon Films. Rodada de la forma más austera posible reciclando grabaciones descartadas de anteriores proyectos de Piquer, con Ian Sera ejerciendo esta vez de productor ejecutivo. La película fue rodada por Juan Piquer bajo el seudónimo de Alfredo Casado.

Unos meses después, un incendio acaba con el poblado del Oeste de Daganzo que Juan había comprado al finalizar "Supersonic Man" gracias a la excelente recaudación de esta.

Y llegaron las babosas asesinas...

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Influenciado por la novela de Shaun Hutson "Las babosas" Juan Piquer comienza a buscar financiación para llevar a buen puerto la adaptación de la novela. El mismísimo Roger Corman se interesa por el proyecto, pero al final es Dino De Laurentiis quien gracias a la providente intervención de Vicente Escrivá quien da luz verde al film. La película sobre estos moluscos gasterópodos asesinos hijos de la gran puta, se estrenó en 1987 y gana el Goya a los mejores efectos especiales.

El siguiente asalto de Juan Piquer iba a ser captar el espíritu de H.P. Lovecraft, en su décima cinta "La mansión de Cthulhu". El director no acabó muy convencido del resultado asumiendo las dificultades de adaptar al cine a su admirado Lovecraft.

Con la confianza de De Laurentiis en el bolsillo, Juan recibe entre otros un guión al estilo "Alien". El director decide afrontar el proyecto cambiando el frío del espacio exterior por la oscuridad de lo más profundo del océano. Así se gesta en 1989 "La grieta" ciencia ficción de corte submarino que supondría el último éxito de Juan Piquer Simón ganando de nuevo el Goya a los mejores efectos especiales.

De Laurentiis confía ciegamente en el buen hacer de J.P. Simón y le propone proyectos tan inquietantes como una secuela de "Orca: La ballena asesina" o "Barbarella II". La productora de Dino se viene abajo antes de que ninguno de estos proyectos se materialicen, relegándolos al olvido.

El siguiente asalto de Juan Piquer iba a ser captar el espíritu de H.P. Lovecraft, en su décima cinta "La mansión de Cthulhu". El director no acabó muy convencido del resultado asumiendo las dificultades de adaptar al cine a su admirado Lovecraft.

Aunque la película fue distribuida en el extranjero, dice la leyenda que en España la vieron en su único pase en salas cinco personas. Esto sucedió en 1993, dos años después de su estreno internacional en el mercado doméstico en 1991.

Al finalizar "La Mansión de Cthulhu" Juan Piquer intenta desarrollar muchos proyectos.

Adaptaciones de "Roberto Alcazar y Pedrín", "El guerrero del antifaz" y "El capitán Trueno" (ambas con el punto de mira puesto en Michael Paré como protagonista), "La saga de los Aznar", "La Celestina", "La casa en el confín de la tierra", una serie de historias de terror presentadas por Alaska como si del maestro de la cripta se tratase... Ninguno de ellos llega a realizarse.

En 1995 ya instalado definitivamente en su tierra natal Valencia, Juan afronta el rodaje de "La isla del diablo" una adaptación de la obra de Victor Mora, primera de tres películas de aventuras que el director consigue sacar a delante esta vez con subvenciones estatales y ayudas de la televisión privada. Las otras dos llegaron en 1996. "Manoa, la ciudad de oro" y "El escarabajo de oro", adaptaciones libres de Salgari y Poe respectivamente. En la última oficialmente la dirección recae sobre Vicente J. Martín y Juan Piquer es productor ejecutivo, pero solo oficialmente. La verdad, confirmada por los implicados, es que fue Juan el que dirigía pero no daban financiación para tres películas rodadas por el mismo director, así que hubo que poner a Vicente al frente cara a la galería pese a que este dirigió solo alguna escena.

Las películas no cumplen para nada lo que se esperaba de ellas, estrenadas ya en una época donde las superproducciones de Hollywood arrasaban en taquilla con sus asombrosos efectos especiales (sin ir más lejos "Manoa, la ciudad de oro" y "El escarabajo de oro" se estrenan en 1999, tres años después de su rodaje).

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cine

Tras este varapalo, Juan Piquer Simón asesoró a Álvaro Sáenz de Heredia en cuestiones artísticas y fx en su "Brácula: Condemor II" escribió unos cuantos capítulos de "Manos a la obra" y bien seguro que a imaginar con esa cabeza suya un montón de historias pero ya no volvió a dirigir jamás.

En 2003 Juan Piquer Simón asume el puesto de subdirector de la Mostra de Valencia y en 2005 pasa a ser el director de la misma hasta 2008... Pero ya no tuvo tiempo de volverlo a intentar detrás de las cámaras. Con un estado de salud cada vez más delicado, Juan Piquer Simón nos dejaba el 8 de Enero de 2011.

Este pequeño resumen ha sido posible entre otras cosas, a la gran fuente de información, anécdotas y buenos ratos que supone el libro "Juan Piquer Simón, Mago de la serie B" coordinado por Jorge Juan Adsuara.

Gracias a Juan Piquer Simón por su cine, por no rendirse, por nadar a contracorriente y a todos los que sudaron con él, a los que seguís en ello y a los que nos dejasteis.

Cabe destacar un capítulo especial sobre tres de sus películas que ni muchísimo menos son sus mejores trabajos a nivel técnico.

Gracias a Eva por poner el nombre de Juan de nuevo encima de la mesa sin saberlo, a mi amigo Domingo por hacerlo grande, a la tienda de cine en Valencia, por dar esa última mirada a la rebotica en el último momento poniendo en mis manos aquel libro y a Jorge Juan Adsuara por contestar aquel correo del que seguro no recuerda nada... pero yo, que fui el que recibió respuesta...si recordaré.

Gracias...

Luma Rajeh

Sus películas destacadas Como colofón final a lo anteriormente dicho, cabe destacar un capítulo especial sobre tres de sus películas que ni muchísimo menos son sus mejores trabajos a nivel técnico, de hecho son las peores en esto, pero si son las mejores en demostrar cuán grande era el viejo Juan por que en estas películas de cremallera, pijama y cartón salió muy dignamente, como solo el sabia hacer MISTERIO EN LA ISLA DE LOS MONSTRUOS Conclusiones En cuanto a nivel técnico de los efectos especiales es sin duda de lo peor que ha realizado Piquer Simon, los monstruos que atacan el barco, no pueden ser mas de baratillo, en cualquier todo a 100 tienen mejores disfraces los monstruos de la isla son maquetas de boca fija que a pesar de la ausencia de movilidad de esta rugen despiadadamente, y los indígenas están más cerca de salir de cualquier gimnasio que de una isla inhóspita, a pesar de ello Juan sabe una vez más salir dignamente y con la cabeza bien alta de este desaguisado, usando el giro final de la novela donde felizmente queda explicado y justificado el desastre de efectos especiales del que el espectador ya ha dado sobrada cuenta, a mi sinceramente me dibujo una sonrisa en la cara mientras pensaba (ah pícaro qué bueno que eras con lo tuyo) esto unido a que los actores si dan buena cuenta de sus 44

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personajes llevándolos a la perfección cuenta con un reparto de calidad con grandes figuras del cine tanto nacional como internacional incluida Ana Obregón cuando era actriz, y buena, eso unido al siempre firme pulso de Juan convierte esta peli de ridículo presupuesto en una cinta de aventuras para toda la familia que cumple muy bien su objeto del puro entretenimiento, Lo que nos enseña

Sin duda lo que siempre ha tenido muy claro Juan Piquer Simon, ¨a veces poco es mucho¨ frase que define perfectamente la carrera de este director que tanto cuando tenía poco como cuando tenía mucho, era capaz de estructurarlo a la perfecta medida de las posibilidades, un director de los que ¡imposible! no existía, era capaz de sacar a flote cualquier proyecto, un grande de nuestro cine.

SUPERSONIC MAN Conclusiones

La película Supersonic Man nos presenta a un súper héroe salido de la gran fama que estaba teniendo la película de Superman.

Podíamos estar fácilmente ante la segunda de las películas a nivel de calidad de su director, en esta ocasión la película nos presenta a un súper héroe salido de la gran fama que estaba teniendo la película de Superman, esta cinta está llena de efectos especiales de lo más curiosos por distintas razones, en primer lugar a pesar de que todo lo que vemos en pantalla son maquetas y muñecos (eso sí hábilmente animados por maquetistas de cierto renombre) dichos muñecos y maquetas no ocultan en la imagen que lo son (habiendo tachado a esta cinta algunos despiadados críticos de ser una anuncio de Geyper man Ibertren y otros juguetes de la época) sin embargo y a pesar de ser cierto que todo esto canta mucho, la integración de dichos juguetes en la imagen esta tan bien hecha y los dota de un realismo en sus movimientos que se le perdona lo otro, pues al igual que algunos efectos cantan (pues son de la época que son) cabe destacar la mayoría de ellos dando una película genial y muy por encima de lo que se hacía en Europa en ese época, por otro lado si le sumamos un genial villano (de uniforme y guantes) como mandan los cánones del fantástico de los 50,s y su ejército también con atractivos uniformes dan una genial historia con unos personajes muy cuidados y una estética muy de los 50,s pero en color en definitiva una cinta muy atractiva para disfrutar a cualquier edad, tanto el villano como el héroe están dotados de una personalidad tan potente que te meten de lleno en la historia siendo el disfrute total.

Lo que nos enseña cabe destacar al margen de lo que siempre destacaba el las producciones de Piquer Simón (hacer lo máximo con lo mínimo) en este caso el siempre presumió de que las escenas de vuelo de SUPERSONIC MAN eran mucho mejores que las de Súper Man, pues la capa del suyo tenía el movimiento lógico en un vuelo y la del americano no, bien sobre esta cuestión (en la que razón no le faltaba) los responsables de la cinta americana en una visita de promoción de Súper Man en nuestro país coincidieron con Juan y le preguntaron cuál era el efecto especial con el que habían conseguido dicho movimiento, pues ellos por mucho que limpiaran el suelo del lugar de rodaje y las más complicadas técnicas que usasen, en cuanto encendían el ventilador responsable de mover la capa, se levantaba en 45

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UNA VIDA EXTRA

cine

el plato unas pequeñas motas que el objetivo captaba, no puedo evitar sonreír al imaginarme la cara de el gran Juan diciéndoles, es muy, muy sencillo, nos limitábamos a regar el suelo del plato antes de rodar y así el polvo no se movía, Grande donde sea que este, LOS NUEVOS EXTRATERESTRES Conclusiones

Los Nuevos Extraterrestres en un principio no era más que una serie b de las típicas exploitation sobre extraterrestres tan de moda en tierras italianas en aquella época.

La cinta termino convirtiéndose en lo que nunca debió ser, en un principio no era más que una serie b de las típicas exploitation sobre extraterrestres tan de moda en tierras italianas en aquella época, esta bebe tanto de estas (de estas copia la presencia de los huevos alien) como de la clásica ¨llegan sin avisar¨ de las que parece copiar atmosferas y estilos y lo consigue, todo iba por buen camino hasta que llega a nuestras fronteras un éxito de otra galaxia muy distinta (E.T.) un ¨avispado¨ productor le impone a Juan que la película tiene que tener un niño y un extraterrestre, este aun negándose a ello por lo absurdo de ello, pues nada tiene que ver con su proyecto, se ve obligado y toma el camino más consecuente, me quedo con lo que tengo rodado y meto lo del niño y el extraterrestre con calzador, el resultado pues una cinta para adultos por su violencia, con los dos pequeños protagonistas como diluidos en el metraje como si fuera una película dentro de otra película donde alguien en medio de todo contara las aventuras del pequeño niño con su mascota un extraterrestre llamado TROMPI (¿quién pensaría este nombre?) más digno de una película de Enrique y Ana o de Parchís y que parece ser el hijo ilegitimo de 3experimento como este pues la película si somos capaces de extrapolar la historia de los pequeños, cumple sobradamente con lo que se puede esperar de una cinta de extraterrestres del estilo que siempre debió ser, desde estas líneas quiero aprovechar para mandarle un mensaje a Juan donde quiera que se fuera, ese gran director que tanto me hizo disfrutar con todo su cine, diciéndole Juan en lo único que te equivocaste en tu carrera es en asegurar que esta cinta es muy mala, pues no lo es, lo hubiese sido en la claqueta de cualquier otro pero no en la tuya, pues fuiste un creador de sueños, tanto cuando trabajaste con presupuestos ajustadísimo como con los un poco más sueltos.

Fuiste y serás uno de los grandes y si tu carrera se hubiese forjado en otro país serio recordado por la crítica internacional como un grande, pero en este lo serás por los fans y eso vale mucho más Lo que nos enseña Como este director convertía lo imposible en posible y de lo absurdo era capaz de crear una película muy, muy decente y cuando tenía un buen material y un presupuesto adecuado creaba mucho y bueno, todo lo que filmo y firmo tiene ese punto bueno que solo él supo plasmar cuando la industria del cine y la crítica le dio la espalda al fantástico nacional que tanto cosecho entre los fans y tanto aprendimos de ese género gracias entre otros al gran Piquer Simón.

Domingo Ortega 46

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Febrero–- Noviembre Marzo 2017 2016 Octubre

Dices tú de risa… humor Especial twits en La Grillera

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Febrero – Marzo 2017

Agenda Febrero - Marzocine eventos

por Ana Palop por Ana Palop

Febrero Salones y Convenciones 

3 al 5 de Febrero ComiK·D - I Salón Internacional de Cómic y Manga de Donostia-San Sebastián Centro Kursaal Elkargunea - Donostia (San Sebastián)

 11 al 12 de Febrero - XVI Japan Weekend Madrid IFEMA - Feria de Madrid - Madrid  25 de Febrero de 2017 - V Japan Weekend Bilbao Bilbao Exhibition Centre - Barakaldo (Bizkaia)

Estrenos de cine 03/02/2017 Hotel Europa (Death in Sarajevo) (Danis Tanovic) La Excepción a la Regla (Warren Beatty) Manchester Frente Al Mar (Kenneth Lonergan) Melanie. The Girl With All The Gifts (Colm McCarthy) Resident Evil: El Capítulo Final (Paul WS Anderson) 10/02/2017 Cincuenta Sombras Más Oscuras (James Foley) Felices Sueños (Marco Bellocchio) Lego Batman: La película (Chris McKay) Moonlight (Barry Jenkins) Rings (F. Javier Gutiérrez) El nacimiento de una nación (Nate Parker) 17/02/2017 Jackie (Pablo Larraín) La Gran Muralla (Zhang Yimou) Land of mine. Bajo la arena (Martin Zandvliet) Manual de un tacaño (Fred Cavayé) 24/02/2017 El Fundador (John Lee Hancock) Es por tu bien (Carlos Therón) God Particle (Julius Onah) La vida de Calabacín (Claude Barras) 26/02/2017 Fences (Denzel Washington) 48

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Diciembre 2016 – Enero 2017

cine

Marzo Salones y Convenciones o 4 de Marzo - retr0alba 2017 Feria del videojuego retro de Albacete Sede de la Universidad Popular de Albacete - Albacete o 11 al 12 de Marzo - FreakCon I Convención Internacional Manga, Cómic, Series, o Animación y Videojuegos.

FYCMA - Palacio de Ferias y Congresos de Málaga - Málaga o 11 al 12 de Marzo - XI Japan Weekend Barcelona La Farga de L’Hospitalet - L’Hospitalet de Llobregat o 11 al 12 de Marzo - XI Salón del Cómic y Manga de Castilla y León Feria de Valladolid - Pabellón 3 - Valladolid o 30 de Marzo al 2 de Abril - 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona Fira de Barcelona (Montjuïc) – Barcelona

Estrenos de cine 01/03/2017 American Pastoral (Pastoral Americana) (Ewan McGregor) 03/03/2017 El guardián invisible (Fernando González Molina) Logan (James Mangold) T2: Trainspotting (Danny Boyle) 10/03/2017 El caso Sloane (John Madden) En Zona Hóstil (Adolfo Martínez) Kong: La Isla Calavera (Jordan Vogt-Roberts) Un espacio entre nosotros (Peter Chelsom) Crudo (Julia Ducournau) 17/03/2017 El hijo de Jean (Philippe Lioret) Incerta Glòria (Agustí Villaronga) La Bella y la Bestia (Bill Condon) Patient Zero (Stefan Ruzowitzky) 24/03/2017 El Bar (Álex de la Iglesia) La cura del bienestar (Gore Verbinski) 31/03/2017 Cantábrico (Joaquín Gutierrez Acha) Ghost in the Shell (Rupert Sanders) Los Pitufos: La aldea Escondida (Kelly Asbury) 49

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Febrero - Marzo 2017

Análisis de una Master crítica

La Guillotina Cinéfila: “A cambio de nada” Por La Guillotina Cinéfila

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oy a destriparos películas y vosotros sois libres de seguir leyendo o no. Toda película que vea y me parezca mala, será destripada y pasada por la guillotina de este nuestro fanzine. En este número os voy a destripar la película “A cambio de nada”, dirigida por Daniel Guzmán, ganador del Goya al Mejor Director Novel.

Según la sinopsis de la película, Darío es un chico de 16 años que disfruta de la vida junto con su vecino y amigo del alma Luismi. Pero yo, más que decir que disfruta de la vida, diría que pierde el tiempo, se mete en líos y es un niñato con una pataleta. La pataleta comienza a raíz de la separación de sus padres, y hace cosas como empezar a trabajar en un taller surtiéndolo de motos que él mismo roba. Su jefe del taller, “Cara Limpia”, es un viejo delincuente que le enseña el oficio al chaval y le instruye a Darío para ser un casposo como él. Hasta aquí, mi sinopsis de la peli.

A partir de aquí, si no quieres que te spoilee toda la película, no sigas leyendo.

La película no aporta nada nuevo, es una historia más de chico de barrio humilde sin aspiraciones de futuro. En todo caso, de futuro delincuente que pasa de estudiar, trabaja más bien poco y solo quiere dinero fácil. No le he encontrado sentido a lo que nos quería decir el director ni qué mensaje quiere hacer llegar, porque Darío sigue siendo el mismo al principio y al final de la peli.

La primera escena que me resulta llamativa es que el director del centro donde estudia Darío convoca a los padres para hablar con ellos y los padres se percatan que no tienen ni idea de qué curso está haciendo el chico, ni siquiera que lo tiene todo suspendido. El director les dice a los padres que lo van a expulsar por entrar a robar exámenes y los padres siguen viviendo en Los Mundos de Yupi, mientras piensan que su hijo lo sigue haciendo todo bien.

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Febrero - Marzo 2017

El papel de Antonia, la abuela del director y personaje que trabaja en un rastrillo, parece totalmente metido con calzador. Aparece para echar un cable al chaval, conociéndose fortuitamente en la Gran Vía y ofreciéndose para ayudarle creyéndole huérfano, aunque luego no volvemos a saber gran cosa sobre este personaje. Da la sensación de que, al montar la película, el cierre de la historia con ese personaje lo han dejado fuera.

Tenemos después una sucesión de imágenes de las tonterías y actitudes de quinqui del protagonista: Darío y su colega robando ropa de El Corte Inglés para entrar en Pachá, Darío entrando en la discoteca y ofreciéndole a una chica su “lomo embuchao” (patético y de auténtico cromagnon), Darío intentándose pegar con el portero de la discoteca, Darío y su colega haciendo un sinpa en un bar, robando una moto, cantando por Julio Iglesias… Gilipolleces varias, vamos.

A resaltar la escena en la que quiere irse de putas, habla con una prostituta de carretera y le parece algo muy guay, muy chuli, muy recreativo. Pero cuando la prostituta pasa de él y se va en un camión con quien parece ser su padre, a Darío no parece hacerle tanta gracia el hecho de salir de putas e irse con una. Me pregunto qué nos querría decir el director con esta escena, si quiere hacer ver que su protagonista es idiota una vez más o ya ni se sabe el qué. Añadir que la prostituta es un transexual y no se sabe bien si quiere que Darío parezca inocente por no saberlo o hay otro sentido que no comprendo, ya que también, durante toda la película, el protagonista utiliza como insulto la palabra marica hacia su amigo Luismi.

Como su jefe y colega, el “Cara Limpia” es metido en prisión por su ilegal establecimiento de motos robadas, el protagonista tiene la genial idea de robar en un sitio de recambios la caja fuerte para pagar su fianza. Entonces, podemos asistir al mejor robo cinematográfico de la historia, porque es lo más cutre que he visto en toda mi vida. Ni que decir tiene que no consigue sacar a su colega de la cárcel y, para colmo, le pilla la poli porque el parguelas va repartiendo billetes de 500 euros por la calle.

A todo esto, Daniel Guzmán, queriendo meter un punto de dramatismo a su película, hace que Luismi, mientras huye de la policía, sea atropellado y Darío atrapado. Pero no os preocupéis, como buena peli Disney, el director nos tenía preparado un bonito happy ending, en el que el amigo se salva y Darío, al soltar tres lágrimas delante del juez y explicarle “Ej que, verá usté, señó juez, yo soy un quinqui, y robo y hago todas esas cosas malas porque mis padres se van a divorsiá, y me han pedío que decida con quién me quiero quedá, y verá usté, que yo, con 16 años, no tengo capasidá suficiente, pá respetá las desiciones de mis pares y, por eso, he tenío esta pataleta”, a lo que el juez se le ablanda el corazón y decide castigar al chico solamente haciendo que trabaje gratuitamente en el local donde ha robado.

Para concluir, en la escena final, vemos a los dos amigos en el descampado de su barrio y podemos deducir que Darío no ha aprendido nada de todo lo que ha pasado. De hecho, se le ve bastante contento porque sus padres ya no le van a hacer decidir (que, parece ser, eso es lo que le hacía ser un delincuente y no estudiar), y sigue bromeando y dejando abierta la posibilidad de seguir robando, según le dice a su amigo.

Daniel Guzmán te ofrece perder 96 minutos de tu vida a cambio de nada.

NOTA: 3/5 guillotinas.

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Febrero - Marzo 2017

Análisis de un Master consultorio

El Rincón de Clint Por Clint Eastwood Queridos machotes:

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ras el último aluvión de cartas por fin puedo responderos como os merecéis, con tiempo y desde el corazón. Como ya sabéis, no me gusta andarme con tonterías, así que os agradezco vuestra confianza y vamos al grano.

Querido Clint, Estoy enamoradísimo de una chica genial, estamos compenetrados al 100%, es la chica de mis sueños.

Hacemos todo juntos, enseguida estábamos compartiendo piso, vivimos junto con mis tres perros (Rocky, Flipy y Talula), vamos a la playa con los perros, hacemos senderismo con ellos y nos los llevamos de vacaciones a hoteles donde permiten perros.

Después de cuatro años de relación con la chica que pensaba que iba a ser la definitiva, me encuentro ante un ultimátum: Mis perros o ella. ¿Qué hago Clint?

Firmado: MachoAlfa 66 Amigo MachoAlfa, El perro, así como el mono, son dos animales indispensables en la vida diaria del machote. Ladridos, mordiscos, miradas tiernas y algún derechazo a la mandíbula hacen que un día merezca la pena ser vivido.

Cuánta maldad alberga una persona capaz de querer privarte de esas pequeñas alegrías. Ella no es la indicada, tus perros sí.

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Febrero - Marzo 2017

Hola Clint, Acabo de cumplir nueve años con mi novia y justo en el día de nuestro aniversario me suelta que quiere dejarlo. Todo iba perfectamente, nunca nos peleábamos,y de repente me encuentro con esto sin previo aviso...

Fdo: Supernormal 31# Vamos a ver Supernormal... ¿Esto que coño es? ¡Vaya atajo de nenazas que me escribís! ¡Un hombre nunca sabe cuánto tiempo lleva con una mujer! Aún así reconozco un reto cuando lo veo... Aquí hay un misterio que resolver...

Lo primero que tienes que hacer es agenciarte una gabardina y un sombrero negro, espero que fumes. Síguela en taxi cuando salga del trabajo y no la pierdas de vista, en algún momento ella entrará en un edificio que no conoces, llamará o tendrá llave. Tú esperarás apartado de la luz de las farolas, cigarrillo en mano, y la verás salir un par de horas después. Confirmado: hay otro hombre. Espera a que ella se vaya, sube y llama a la puerta. Él creerá que ella ha olvidado algo. Cuando abra le golpeas rápidamente en la cara varias veces descargando un poco de tu rabia. A ella ya la has perdido pero te sentirás mejor. Palabra de Clint.

Venerado Maestro: Yo soy muy de andar por casa, mis comics, mi Star Wars limited edition, y mi chica son mis grandes pasiones.

Ella es más de salir a correr e ir al gym (todos lo días) , y pilates y piscina los jueves y sábados. La verdad es que me preocupa un poco que esté tan obsesionada con su figura. Ella es guapa y tiene muy buen cuerpo, lo cual me encanta, pero yo prefiero que pase más tiempo en casa conmigo. ¿Cómo se lo digo?

Fdo: Padawan_canario Querido patán canario: ¡Otra nenaza! ¡Malditos seais todos! A esa mujer hay que hacerle un monumento por dedicar tanto tiempo a mantener lo mejor que tienen las féminas para ofrecernos...su belleza y juventud! Y tú con los tebeos! Madura un poco y haz cien flexiones arrepintiendote por molestarme con tus dudas. Y a ella puedes pasarle mi correo personal para problemas de pareja: Viejoverdecañon@hot

Y, sin más, me despido, en el próximo número seguiré aconsejandoos en estos temas que me proponéis.

Recordad: Un hombre no friega, no baila y no empareja los calcetines....nunca!

Manda tus preguntas a: frikicultura@gmail.com, con el asunto “Clint, te necesito”. Responderemos lo antes posible, sabemos que tu consulta siempre es urgente.

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Análisis de un Master reportaje Criminalística 10

La Palinología

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oncepto de Palinología

La palinología es una disciplina de la botánica dedicada al estudio del polen y las esporas. Ésta se centra fundamentalmente en el análisis de su morfología externa que presenta patrones estructurales diferentes a tenor de las variaciones en la exina, que es la pared externa de los granos de polen. El estudio y análisis microscópico de su simetría, aperturas en las paredes, contorno, forma, tamaño, etc. tiene un valor taxonómico y permite distinguir taxones diferentes a distintos niveles (familia, géneros, especies). Es en el estudio paleontológico donde alcanza su máxima versatilidad, pues el polen tiene gran resistencia a la putrefacción debido a las características químicas de la exina.

Por todo ello se puede establecer que el Polen es la huella dactilar de las flores.

2.- Uso de la Palinología forense en la Investigación Criminal.

En este sentido hay que establecer que según las fuentes consultadas, en España la Palinología forense todavía no es una técnica muy empleada y que en los casos que se ha utilizado han sido una prueba más del caso a tratar, apoyada por otras pruebas de peso a la hora de condenar al autor de un hecho criminal.

Más allá del valor que tiene la palinología para resolver casos de homicidio, el estudio del polen y las esporas también nos puede dar indicios útiles para resolver otros problemas de orden legal, tales como el origen y rutas de transporte de drogas como la marihuana y la cocaína, el origen y destino final de mercancías sujetas a estrictas regulaciones internacionales de comercialización, la autenticidad de una obra de arte y el origen de fabricación de un objeto de valor, entre otros muchos ejemplos, como el caso de la Sábana Santa que fue llevada a estudio por el profesor Max Fre, que falleció antes de llegar a una conclusión de si era o no auténtica.

La palinología es una herramienta de peso para resolver casos en materia penal, como cuando se quiere encontrar al autor material o intelectual de un delito, el lugar donde podrían estar enterrados los restos de un cadáver, o simplemente conocer el origen geográfico de objetos desconocidos. De modo que si tomamos una o varias muestras del polvo presente en la ropa, piel, cabello o atrapado en las fosas nasales de un cadáver, podemos recrear, a partir de los granos de polen, las condiciones prevalecientes antes de su muerte.

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Febrero - Marzo 2017

La producción y dispersión del polen y las esporas son las consideraciones más importantes en la palinología forense. Si uno sabe cual es la producción esperada y modelos de dispersión de esporas y polen (llamado también lluvia de polen) para las plantas en una región dada, entonces uno sabrá qué tipo de "huella digital de polen" esperar en muestras que vienen de ese área. Por consiguiente, la primera tarea del palinólogo forense es intentar encontrar una coincidencia entre el polen en una región geográfica conocida con el polen en una muestra forense.

Importancia La gran importancia que tiene la palinología en la investigación criminalística se debe a que el polen y otros tipos de esporas producidos por las plantas están presentes en casi cualquier lugar y durante cualquier época del año. Al ser transportadas por animales (mayormente insectos) y por el viento, estas diminutas partículas vegetales alcanzan casi cualquier objeto, al cual se adhieren, y en el cual permanecen inalteradas por muchos años gracias a una cubierta protectora natural denominada exina. En el ser humano, el polen es frecuentemente encontrado en el pelo, la piel, ropa y zapatos. En la escena del crimen, el polen puede ser recuperado del suelo, polvo, barro, basura, cestas, sogas, y prácticamente cualquier objeto encontrado en las inmediaciones donde haya sido descubierto el cadáver. Además de su ubicuidad, el polen y las esporas poseen varias propiedades que incrementan su valor como evidencia para resolver crímenes. Cada tipo de polen y espora tiene características específicas, lo que permite determinar la familia, género y hasta la especie de planta de la cual provienen, con esto podemos reconocer e identificar la evidencia, luego, con técnicas más sofisticadas como la prueba de ADN podríamos llegar a individualizarla.

4.- Aparatos para su estudio y lugares para estudiar la técnica.

Los aparatos para el estudio de esta técnica con fines forenses, es fundamentalmente el microscopio y la posesión de catálogos identificativos de las diferentes especies de polen que existen en una determinada región objeto de estudio.

El proceso es la recogida de muestras del lugar del crimen o de la propia víctima (muestra indubitada) y del presunto agresor o de la persona que se tengan sospechas de que ha cometido el hecho criminal (muestra dubitada) y de esta forma llevarlas a estudio comparativo.

Como hemos dicho es una rama de la Botánica y como tal hay que llevar a cabo los citados estudios y después profundizar en la técnica.

Ricardo Morales 55

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Análisis de una Master reportaje

Juegos de cartas valencianos

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esde siempre, las Fallas han sido algo más que la fiesta universalmente conocida. Y es que en los meses de espera a los días grandes, las comisiones suelen organizar todo tipo de actividades lúdicas y/o culturales.

Entre las actividades lúdicas destacan los torneos de juegos de mesa tradicionales como el Truc (juego de cartas similar al mus), el dominó o el parchís.

Aunque recientemente están causando furor nuevos juegos de temática fallera, tanto dentro como fuera del mundo fallero, que están basados no solo en la propia fiesta sino también en elementos de la cultura valenciana. Entre los destacados se encuentran La Fallera Calavera y Mascletá, de los que hablaré a continuación.

La Fallera Calavera, el joc de cartes valenciá (de 2 a 5 Jugadores) La Fallera Calavera es un juego de cartas creado por Enric Aguilar (Denia 1985), en el que los jugadores tienen que reunir los cinco ingredientes para calmar la ira de la Fallera Calavera y así poder ganar la partida.

El juego básico consta de 100 cartas entre las que se incluyen: 27 cartas tesoro (calavera amarilla), entre las que se encuentran cartas con habilidades especiales y los ingredientes:

33 cartas de batalla (calavera roja), son las cartas utilizadas tanto para atacar como defenderse y conseguir cartas tesoro:

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y 40 cartas especiales de efectos diversos y que pueden afectar tanto a tesoros de otros jugadores como intervenir en las batallas por los ingredientes.

Desde su creación en 2014, el juego ha ido ampliándose más y más. De hecho actualmente va por la cuarta edición del juego, además cuenta con una expansión: “La Fallera Calavera 2: Els ingredients de la discordia” (La Fallera Calavera 2: Los ingredientes de la discordia), con 52 cartas más que añadir al juego. También diferentes cartas adicionales que se añaden como agradecimiento al mecenazgo (La Muixeranga d’Algemesi, L’Aeroport Fantasma o el Tirisiti) o son cartas que se han sorteado a través del Facebook o la pagina web (el Tio Canya).

Existe además una novela escrita por Enric Aguilar e ilustrada por Esther Méndez, editada por Sembra Llibres, en la que se narran las aventuras de la Fallera Calavera y del resto de personajes que aparecen en el juego; así como diversos artículos de merchandising.

Tal es la popularidad del juego entre niños y mayores, que se organizan torneos.

Mascletá: Pum, Pam, Fiuu! (de 1 a 7 jugadores) El siguiente juego es de reciente creación y tiene previsto su lanzamiento a finales de febrero para así estar listo en fallas.

Creado por Oscar García Navarro, creador también del juego de mesa para adultos: En Tu Casa o Donde Sea, y que cuenta con ilustraciones del conocido artista fallero Raúl Martínez “Chuky”.

Es un juego de memoria en el que los jugadores tienen que recordar una secuencia reproduciendo tanto los sonidos de los diferentes tipos de petardos como el número (hasta tres), para así formar una mascletà.

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Número 12

MISCELÁNEA

Febrero - Marzo 2017

Hay tres tipos de petardos: Carcasas: PAM

Petardos: PUM

Salidas: FIUU

Además cuenta con cartas especiales como la fallera, el gros o los músicos, con habilidades capaces de alterar la partida.

Durante los últimos dos meses el autor ha estado recorriendo la Comunidad Valenciana presentando su juego en casales falleros, tiendas de comics y asociaciones. En una de sus presentaciones, en Manhattan Comics Xativa, tuve la oportunidad de jugar varias partidas, y ya aviso que se pasa un rato muy divertido.

NOTAS SOBRE LAS IMÁGENES: ** Las imagenes de las cartas de la Fallera Calavera pertenecen a la pagina oficial del juego (http://www.lafalleracalavera.com/) ** Las imagenes de las cartas de juego Mascletà pertenecen a la pagina oficial de Facebook (https://www.facebook.com/pirojocs/)

del juego

** Las imagenes de la partida de Mascletá (partida MCXativa y Partida MCXativa1) pertenecen a Eduardo Oltra y Ana Mª Palop.

Ana Palop 58

Sub Cultura

Número 12

MISCELÁNEA

Febrero - Marzo 2017

Imágenes misteriosas pasatiempos

¿Reconoces estas imágenes?

noticias

Soluciones del número anterior:

El personaje misterioso

Personaje – El Grinch.

Serie – Black Mirror (episodio “Blanca Navidad”).

Película – Qué bello es vivir.

Sabe mucho más que tú.

La serie misteriosa

La película misteriosa

Son bastante especiales.

Película de Goya. Natalia de Molina pasándolo muy mal. Y lo sabes.

Las soluciones…, ¡en el próximo número!

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