Estudios Te贸ricos del Arte
Orlando Sunsin Prof. Jos茅 Sol贸rzano
resumen del curso
parte Lecturas
La Critica contra la Arbitrariedad
Catherine Millet
1
Catherine Millet nos ofrece una breve opinión y reseña sobre la función de un critico del arte en nuestros tiempos, en esta sociedad global con un universo inmenso de imágenes que nos ¨bombardea¨ constantemente. Nos brinda un breve paseo por la historia del papel de un critico; este papel varia y cambia constantemente también, es decir, se debe de ajustar a la sociedad en la que se encuentra espacial y temporalmente, siendo el arte objeto de su análisis, como un reflejo de dicha sociedad. El critico es un intermediario, entre la obra y la audiencia, un espacio donde existen infinidad de intenciones por parte del autor, así como infinidad de interpretaciones por parte de los consumidores de dicha obra. El critico es un guía que elabora un discurso sobre la obra y lo aproxima a la realidad y entendimiento del publico, sin embargo esta labor se hace mas compleja con el tiempo, ya que las sociedades han evolucionado de manera más rápida y
progresiva, rompiendo sus paradigmas con más brevedad que las anteriores; obligando al critico a amoldarse a dicho cambio en la sociedad, que a su vez impulsa al artista como objeto inmerso en ella. A inicios del siglo XX, Marcel Duchamp rompió todo esquema que hasta el momento era contemplado como valido en el mundo del arte, utilizando el concepto de ¨readymade¨, colocando objetos de la cotidianidad que usualmente no eran considerados como artísticos en una galería, esto enfrento a los críticos y a la sociedad a un nuevo discurso y los llevo a una reinterpretación y replanteamiento sobre lo que se podía considerar arte y lo que no hasta entonces. Así abriendo esta brecha aparecieron más artistas con propuestas similares. El arte ya no era cuestión solamente de admirar una pintura o una escultura, no era solo apreciar la aplicación magistral de la técnica, y el reflejo directo que esta nos brindaba, sino que se convierte a una interpretación mas abierta y
subjetiva, en una ¨instalación¨. Esta apertura brinda mayor libertad de interpretación para cada persona, le permite crear su propio mundo de interpretaciones e imágenes, pero este hecho no quiere decir que se pueda expandir de gran manera, ya que tanta libertad nos lleva a la cuestión de que cualquier cosa puede ser arte. Aquí entramos en un conflicto, y el critico debe acudir a su conocimiento y criterio para brindarnos una idea de lo que podemos aceptar como arte y que no, este punto en el mundo del arte se vuelve paradójico, ya que a mayor arbitrariedad por parte del artista menor libertad de interpretación por el espectador, esto porque el artista encaja su obra en un espacio muy limitado de experiencias y percepción del mundo. En el mundo del arte existen muchos discursos, muchas interpretaciones y muchas criticas, todo es un proceso que involucra a la sociedad como una unidad integral, donde están inmersos, espectadores, artistas
y críticos; todo confluye en un ciclo de comunicación, necesario y vital para el desarrollo del hombre, su conocimiento, expresión y humanidad, este ciclo ha estado inscrito en nuestro cadena genética desde el inicio, donde siempre se ha necesitado un emisor, un medio y un receptor. Es acá donde la participación del critico se convierte en un intermediario, donde establece lo que cabe dentro de la arbitrariedad y dentro de la libertad pero que siempre debe estar sujeto a cambios de percepciones y sobrepaso de paradigmas sociales. Pero no es aquí donde se completa este proceso, el verdadero sentido aparece cuando se genera la “retroalimentación”, cuando se da ese intercambio entre los lados del ciclo, es decir del emisor al receptor y del receptor al emisor, es aquí donde la sociedad consumidora de la obra obliga al mismo artista a exponer lo que esta sociedad impone en su cotidianidad, por esto Marcel Duchamp descubrió la
magia de abrir mas el discurso, generando esta acción reciproca donde el autor empuja a la sociedad y la sociedad al autor como complementos perfectos, mas allá de la arbitrariedad o de la libertad, el objeto del arte es impulsar al humano a su mas pura expresión moral y universal, dando así un breve sentido a nuestra fugaz estadía en este vasto universo, donde no existe, ni se asoma ninguna verdad absoluta. por: Orlando Sunsin.
El Sistema de valores de la Cultura Estética
Juan Acha
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Primeramente Juan Acha nos expone en esta lectura una enorme justificación sobre la construcción del gusto estético de nuestras culturas, nos brinda un recorrido de como esta construcción ha ido a evolucionando a través del tiempo y formándose en nuestra sociedad como un gran edificio con puertas, ventanas, niveles, techos y demás vertientes o elementos que se encuentran en cualquier edificación. Pero todo edificio tiene un ciclo de vida determinado, en donde el tiempo lo desechará y probablemente reciclará, para así abrir espacio a un nuevo edificio que se amolde mejor a la evolución y paisaje de la sociedad en donde este se desenvuelve; sucede la misma situación con nuestro sistema de valores estéticos, se encuentran constantemente sometidos a cambios y evoluciones, es una construcción interminable en donde los obreros jamás dejarán de trabajar para llegar al piso más elevado, o por decir, a la aproximación más cercana a la verdad que fundamenta nuestra
axiología, la cual llega a determinar nuestros valores y juicios valorativos. La diferenciación entre el arte y la estética parece ser la causa principal por parte del autor, profundiza, valora, enjuicia, cuestiona, analiza y concluye que la estética es una generalidad que encierra demás elementos, en este caso el arte creado por el humano como forma de manifestación, expresión y comunicación. El arte requiere de una construcción de la generalidad estética y esta a su vez se construye tanto por un colectivo inconsciente, como por conjuntos de experiencias personales, únicas e incomprensibles para los demás sujetos que son ajenos a estas experiencias tan subjetivas y personales, inclusive instintos como especie humana llegan a influenciar en nuestra construcción del gusto y de los valores estéticos. En lo personal el texto define el horizonte en donde establece que lo estético pertenece a la
naturaleza de las cosas, a una inmensidad mayor y el arte a la naturaleza del hombre, esta ultima naturaleza del hombre se encuentra dentro, limitada y sujeta a la naturaleza de las cosas. Internamente pienso que uno de los mayores errores de la sociedad moderna y todas sus sociedades antecesoras es separar al hombre y sus creaciones de la naturaleza, como algo externo o ajeno a ella, cuando en realidad el hombre es solo una parte de ella y por tanto el y todas sus creaciones son tan “naturales” como el agua, rocas y arboles. La construcción artística de una obra se define por muchas razones aisladas pero entrelazadas al mismo tiempo, el artista concibe su obra como un objeto artístico, planeado, pensado y aplicado para comunicar una idea, mientras que una persona no artista puede llegar al mismo resultado pero sin la misma intencionalidad, y ambos crean lo mismo, una obra de arte, una
racional y otra irracional. Son creaciones del hombre y por tanto se encuentra influenciadas por lo estético de la naturaleza de las cosas y por esas experiencias únicas e irrepetibles en cada individuo. Existe una ley superior que nos define a todos los valores estéticos naturales, pero existen por debajo de esta, leyes creadas por las sociedades que nos definen los valores artísticos y en si el arte como reflejo de la sociedad. Lo estético y lo bello es natural, por lo tanto el hombre como algo natural es bello, y por tanto todas sus creaciones son estéticas y bellas, pero como sujetos debemos orientar nuestros juicios, gustos y valoraciones, basados en las experiencias personales y en la educación que se nos brinde, así tanto como las situaciones que afectan nuestro estado emocional, físico, psicológico, geográfico y temporal. Cabe destacar que lo estético dentro de su complejidad encierra distintas categorías, las cuales juegan y
admiten mayor cantidad de gustos y construcciones, ya que todos los individuos dentro de la subjetividad de interpretaciones construyen un sentido inclinado hacia cierta categoría basado en sus experiencias, por lo que puede que alguna persona valore más cierta categoría por sobre otra, pero esto no quiere decir que sea incapaz de apreciar las otras categorías. Así la construcción del gusto de cada individuo se convierte en un proceso complejo donde se requiere de muchos elementos para conformar una pieza, que por razón y motivo final fue concebida bajo un juicio moral y estético, para cuestionar y formar otra juicio moral y estético que empuje a la sociedad y al hombre a una aproximación más cercana a la estética que tanto lo define; así como el ultimo piso de un edificio que determina su elevación. por: Orlando Sunsin.
Silencios: El Triunfo de lo estético
Shiner
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El arte fue creado para comunicar, en su origen se dio como una necesidad para nuestros antepasados, ellos pintaban relatos y contaban historias casi para su supervivencia, con sus pinturas básicas en forma e intención, ya para la historia más reciente el arte paso a ser objeto de elites y clases de altas esferas sociales, se convierte en símbolo de poder y superioridad, pero aún con el mismo principio de comunicación e intencionalidad. En la actualidad la escena ha cambiado, en un mundo globalizado y sin fronteras el arte se desenvuelve dentro de un mundo interconectado y los artistas se exponen a toneladas de imágenes constantemente; en este mundo pluralista, donde cualquier idea o objeto de arte es valido y consumido, el arte ha dejado de ser objeto de museos y de altas esferas, se
enfrenta ahora a la calle, se expone al que la comprende y al que no, al que la desestima. El objeto existe y esta expuesto por lo que el arte es para todos, ya no existe excusa para decir que el arte es una cuestión elitista, ahora bien, las sociedades deben cumplir con su compromiso de generar dentro de su población cierto interés y apreciación hacia el arte, ya que el arte se define como un aspecto que empuja a las sociedades a romper sus limites y elevarse, no la elevación total, sino de capa, llevan a un mejor juicio, a una mejor valorización y por tanto a un mayor entendimiento moral y por consecuente a un mejor bienestar social y colectivo. Ya definimos que el arte es para todos, no se puede pretender que todos tengan su misma percepción y concepción sobre el arte, pero el hecho de que el objeto este al alcance de todos ya
lo hace general, colectivo y no elitista, es cuestión de cada sociedad darle la importancia que el arte requiere y dependiendo de esta valorización, así de más o menos elevado será el estado moral. Ahora, ¿es el arte para todo?, el arte como anteriormente se expuso en el texto es para todos, entonces en tanto al ser de todos y para todos, ¿por qué no serlo para todo?, al tener un gran alcance e influencia sobre los comportamientos sociales, puede ser cualquier cosa, para cualquier consumidor de objetos artísticos, para cualquier grupo, el arte puede tratar un tema por más simple y absurdo que sea hasta los temas más complejos e incomprensibles que se hayan planteado en cualquier otra rama de la sociedad, el único requisito es tener una intencionalidad, un motivo, un mensaje, y como proceso de comunicación, e fundamental un emisor que lo emita y un receptor que lo reciba;
¿qué cual es el contenido de la obra?, ¿qué el contenido de la obra define su valor?, ¿qué la realización y aplicación técnica define la calidad de la obra?; todas estas preguntas se vuelven absurdas con el hecho de que haya un solo individuo que consuma la pieza, este factor invalida todas les preguntas anteriores. Así entonces el arte puede ser para todo, de todo y para todos, es una totalidad que se integra y no se aísla, no puede ser comprendida como una parte, ni como una fracción, mucho menos como algo exclusivo, para que sea arte debe ser comprendida como un todo, de lo contrario no puede ser apreciada como tal. Aquí es donde el autor expone su idea sobre el triunfo de lo estético, (como lo tratamos en la reseña anterior de Acha), al arte es una esfera
inmensa que se encierra dentro de otra aún más inmensa como lo es lo estético y sus reglas, el arte es arte porque busca la superioridad de lo estético y trata de simularlo, repetirlo y aplicarlo; por esto el titulo de la lectura, “El Triunfo de lo estético”, este esteticismo hace al arte general y único, complejo y simple, hace que el arte sea un silencio de la sociedad a sentido de reflexión y que a su vez sea su voz a sentido de comunicación. por: Orlando Sunsin.
parte presentaciones
portadas cd’s
presentación
1
Echoes, The Best of Pink Floyd (2001).
Houses of the Holy, Led Zeppelin (1971).
campañas publicitarias
presentación
2 Campaña Deficiente.
Campa単a Eficiente.
categorías
estéticas presentación
3
Belleza-fealdad Dramático-cómico Sublime-Trivial Nuevo-Típico Cada categoría muestra un ejemplo primertamente de una pieza artística y luego una aplicación publicitaria. En todos los ejemplos se buscaron piezas que contuvieran buen diseño y estuvieran bien realizadas.
Belleza
fealdad
dramatico
comico
sublime
trivial
Nuevo
tipico
parte Informes
Documental
Ai Wei Wei
Informe
1
Ai WeiWei: Never Sorry un Documental por Alison Klayman La nutrición de un artista se encuentra en el más leve y profundo pensamiento o experiencia, pero; ¿como se mantiene este en un sistema político que limita la expresión?, ¿como se desarrolla, vende y reinventa dentro de una sociedad que esta maniatada?, pues esta y muchas cuestiones más profundas son a las que el artista chino Ai WeiWei se debe de enfrentar para construir su discurso frente a un escenario artístico muy limitado, es necesario una mirada desde afuera para que así su obra se exponga en un contexto exterior que admira mucho pero entiende poco sobre la situación real de uno de los países más poderosos del mundo que priva a su población de información y libre expresión. La influencia de su padre artista sobre su infancia fue fundamental para la incursión de WeiWei en el mundo del arte, rompiendo así las fronteras de un sistema comunista para ir a estudiar a la meca del sistema capitalista y el mayor centro de confluencia artística, Nueva York. Acá compartió y ayudo a círculos de artistas chinos que buscaban un bien en común, validar la creatividad artística china dentro y fuera de su país.
La obra de Ai se desenvuelve mayoritariamente sobre la protesta al sistema político que lo restringe, es un intelectual provocativo y polémico, lo cual lo ha llevado a ocupar uno de los lugares más importantes en la escena del arte de la Republica Popular de China. En la actualidad Ai WeiWei se ha convertido en un líder de opinión gracias a su utilización de las redes sociales, las cuales se han convertido casi que en su galería ya que allí es donde la mayor parte de su obra se desarrolla para luego terminar en una galería física. WeiWei reflexiona en su casa, “de todos los gatos en mi casa, hay uno que sabe abrir la puerta a diferencia de los otros que pasan echados, ¿de donde viene la inteligencia de este gato?”, se cuestiona el artista tranquilamente en su hogar. Para entender su lugar en el universo del arte el artista chino vuelve la mirada al pasado histórico de su nación, el cual es milenario, llegando a la conclusión de que es un amante de la cultura, pero que quiere algo “nuevo”, quiere romper esa línea. Su lugar en el universo es el de un meteorito (artista) que empuja con fuerza para chocar contra un cuerpo solido y concreto
(gobierno). El artista reafirma su aspiración a romper con el pasado y destrozarlo con la manifestación al dejar caer jarrones del periodo neolítico chino al piso, dejando así en trozos una pieza de alto valor histórico, así como también los interviene manualmente pintando logos de marcas actuales sobre ellos. En cuanto a su gran accionar como critico del sistema, lo confirma su serie de fotografías en las cuales simplemente toma su mano realizando una señal obscena con el dedo índice con palacios y centros de gobierno como fondo, una clara señal de su poca afinidad al gobierno. Otro de sus trabajos titánicos es la denuncia social que realizó al recopilar nombres de niños que fallecieron después de un trágico terremoto en su país, la muerte de más de 5mil niños en escuelas publicas supuestamente mal construidas por el gobierno causo que varios activistas denunciaran y llegarán al final de la situación.
Este y muchos otros proyectos forman parte del arte de Ai WeiWei que participan en circuitos de arte europeos y americanos. El artista explora y manifiesta la importancia del lenguaje y el proceso de comunicación y de cómo utilizamos estos procesos, maximizamos y nos afecta diariamente; WeiWei se convierte en la voz de la gente ordinaria del pueblo chino, les da voz, los hace existir presentándose como un ente en representación de un colectivo anónimo. Sobre el arte, el artista se ve atraído por lo impredecible y por un pensamiento liberal como marca del mundo moderno, apoya diciendo que “siempre debe de existir un espacio para cosas nuevas”, un constante progreso y empuje social hacia la realización de una sociedad. Ai relaciona con un orden secuencial que su obra es optimista a pesar de criticar un mundo frívolo, ya que esto lleva a la curiosidad y esta por si misma lleva a la creatividad y esta en el arte siempre genera
espacios nuevos. Considera el arte como un vehículo para crear y desarrollar ideas creativas que reflejan una sociedad y plantearse nuevas cuestiones que una vez resueltas empujan a la sociedad un escalón más arriba. El gato que aprendió a abrir la puerta, se diferencia de los demás, ¿de donde proviene esa inteligencia?, realmente eso no interesa ni importa, la diferencia de la inteligencia de ese gato a la de la inteligencia humana, trata de que el gato abre la puerta pero nunca la cerrará, es este instinto puro y de líder que revalida la misión del artista WeiWei con su discurso en su país China; convirtiéndose en un artista que a diferencia de los demás “gatos” abre la puerta para nunca cerrarla. por: Orlando Sunsin.
fid 4 Informe
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El Festival Internacional de Diseño en su 4ta Edición se llevo acabo en el país en las primeras semanas del mes de Marzo de este año 2014, el evento es uno de los gigantes y referentes para el campo del diseño multidisciplinario y un punto de encuentro para propios y ajenos de esta disciplina a nivel Latinoamericano. Este año el evento contó con expositores de la talla de Isidro Ferrer, un inusual pero reconocido diseñador español, también Spencer Tunick, el fotógrafo de los desnudos masivos, Jessica Walsh, una de las diseñadores más jóvenes e influyentes en la actualidad, entre algunos más. Este tono con el que presento a los expositores como sino conociera mucho de ellos, es un refuerzo a mi opinión sobre el evento donde muchos de los asistentes al festival conocían realmente poco a los expositores o no los conocían del todo. Estamos de acuerdo de la inmensidad y la oportunidad que representa el FID como vitrina
para el diseño y jóvenes de la región, de los expositores que logramos tener, de la organización inmensa que requiere y la activación cultural que genera en nuestra capital; pero, ¿no es el FID acaso ahora un símbolo de moda?, ¿no se volvió el FID un evento masivo?, mi intención no es ser exclusivo con los ajenos al diseño, más bien es ser incluyente con ellos, pero hacerlo bien. Generalmente hablando con las excepciones que se deben de dar en todos los casos, en Costa Rica solemos ser un poco ignorantes y la mayor parte de la gente siempre esta “detrás del palo” como se dice popularmente, lo que quiero decir es que estoy completamente seguro que muchas de las personas asistentes al evento no tenían la mas mínima idea de quien o cual ha sido el trabajo de los expositores por los cuales están pagando por ir a ver, a manera de evento como medio para informar a las personas sobre las tendencias más nuevas del diseño, estoy de acuerdo, ya que el fin es que todos absorbamos información de los grandes
expositores y así mantenerse actualizado. En los días del festival, (mi experiencia me llevó a sentir una atmosfera muy “plástica”, observe mucha gente que llego al evento solo para decir que estuvieron ahí o para tomarse fotos y publicarlas en sus redes sociales, un síntoma normal que cualquier costarricense padece, “La Ley de Aparentar”), a lo que voy con esto es que presencie como las personas esperaban más los recesos que las propias conferencias, y que además observe muchas personas que a la hora de las conferencia no prestaban la mas mínima atención.
vamos ir a ver al Festival, para así sacarle el mayor provecho a tan magistral evento, que sin duda alguna en cuanto a organización y expositores me dejó satisfecho, mejor aún que los anteriores, no deja de ser una experiencia emocionante y atractiva para la comunidad del diseño en nuestro país y la región. Mi comentario es meramente dirigido a los asistentes y no al evento en si, ya que se que los organizadores hacen todo lo posible y de la mejor manera, reconozco su esfuerzo y estoy seguro que ellos también analizan y trabajan el aspecto que he mencionado.
El evento sería más valioso si todo el esfuerzo realizado logra repercutir en el mayor numero de personas que asistieron, (prefiero tener un evento con 100 personas prestando atención, que uno con 1000 personas y solo 10 aprovechando cada dólar de su entrada), nos falta madurar en ese sentido y tener previamente una visión más general y completa de lo que
Para finalizar tuve el placer de mantener una breve charla con Spencer Tunick, uno de mis expositores preferidos, ya que combina la fotografía con una manifestación sociocultural, y que ciertamente reta y toca algunos limites y temas tabús de nuestra sociedad generando un valioso discurso alrededor de su obra, la cual esta llena de belleza escénica y humana, con
composiciones y aplicaciones técnicas majestuosas. De aquí obtuve su firma, convirtiendo que mi entrada valiera cada dólar y sino más aun. por: Orlando Sunsin.
parte examenes
ANálisis cortometraje Animado
examen
1
“Rabbit” (Conejo) un corto animado por Run Wrake. 1. Categorías estéticas presentes y por qué. • Dramático, trata de una historia moral acerca de la codicia y la presencia de la avaricia, en donde dos niños que encuentran a un ídolo al que logran exprimir para su propio beneficio, todo tiene un desenlace trágico, en donde se asesinan animales, los niños mueren y el corto genera de principio a fin una tensión constante, este aspecto se refuerza con el uso crudo de los elementos gráficos y la música del mismo, las situaciones generan cierto impacto y tensión en el espectador. • Cómico, porqué Run Wrake en el corto utiliza imágenes de cromos antiguos para rehacer este mundo y decide ponerle nombre a cada uno de los objetos para darle una especie de protagonismo propio. Las ilustraciones son de carácter infantil y poseen cierta inocencia, además la forma en la que los personajes se mueven, por ejemplo el ídolo, causa cierta sensación cómica, el aspecto anteriormente mencionado del nombramiento de los objetos también se puede connotar en el sentido de que el autor juega con la inocencia de los niños utilizando los cromos, siendo el equivalente a la “ignorancia adulta”, cegados por la avaricia y codicia; este recurso apoya la idea de la forma didáctica en la que se desarrolla la educación de muchos niños, colocando la palabra junto a una ilustración para su mejor entendimiento.
• Fealdad, ya que la misma codicia de los niños los lleva a cometer cualquier tipo de atrocidades para conseguir lo que ellos quieren por medio de los poderes del ídolo. Ciertamente la grafica del corto y sus ambientaciones musicales y demás elementos juegan entre una línea de lo cómico y lo feo, en ocasiones parecen ilustraciones cómicas, y en otras se busca la intencionalidad de mostrar lo feo. • Belleza, al usar las imágenes de los cromos antiguos hace que su animación llame la atención, tiene un estilo pop muy característico. Nada sobra y todo está medido perfectamente. El corto es mudo acompañado por leves melodías puntuales. La belleza se puede medir por la ejecución precisa de todos los elementos, la música concuerda con el momento exacto, los movimientos están diseñados para generar mayor tensión, y la obra se desarrolla con una introducción, desarrollo y conclusión muy claras, siguiendo normas, haciendo que la obra se encaje en estas reglas que lo pueden hacer percibirse como bello. En el corto se puede percibir cierta impresión de lo grotesco lo cual es una categoría derivada de lo feo y dramático, que busca generar un impacto inmediato en el espectador, esto se puede evidenciar al mostrarse sin ninguna preocupación por ejemplo, las tripas y sangre del conejo, oveja y caballos.
2. Categoría de la imagen como construcción de lenguaje y por qué. Según el video “Rabbit” del artista Run Wrake, en la VideoAnimación, se construye un lenguaje de la imagen representativo, ya que las imágenes se evidencian como tal y no buscan ser reales, se comprende la situación y lo que se representa pero no de manera realista. Sin embargo hay secciones, en donde algunas partes de las escenas se representan de manera realista; un ejemplo que podemos citar es el paso de las nubes en el fondo durante el videoclip. Este hecho evidencia que mezcla varios tipos de construcción del lenguaje por medio de la imagen tanto mimética como representativa mayoritariamente. Las ilustraciones utilizadas son en la mayoría de sus casos de carácter infantil; otro aspecto a tomar en cuenta para la consideración de que la construcción del lenguaje por medio de la imagen es representativa, es la forma en la que se articula la animación de dicho video, ya que inclusive los movimientos no son realistas, se muestran fragmentados, pausados y no fluidos, esto nos lleva a una contemplación totalmente representativa de la obra desde la imagen como tal, hasta su movimiento en la animación. En cuanto a nivel de construcción del lenguaje según el signo se puede decir que es totalmente semántico, ya que relata un hecho, nos cuenta una historia dramática, llena de intriga, de símbolos y signos; los cuales el espectador debe de ir digiriendo e interpretar para comprender mejor el sentido de la historia, parte de una construcción del lenguaje muy bien empleada, involucrando muchas connotaciones y así abriendo el camino a la interpretación del espectador.
3. Una interpretación del significado del corto. Cuando finaliza el video el significado del corto se hace más evidente pero no es hasta unas reproducciones más del video que percibimos otros significados o detalles que se complementan para dar una coherencia / hilo conductor a todo el corto. Empecemos por el más obvio y con el que se da el clímax del corto, “la avaricia rompe el saco”. La avaricia se infiere en un grado menor desde el puro inicio, cuando la niña quiere matar al conejo para satisfacer sus necesidades (conseguir la piel del mismo), tal vez incluso después de matar ese conejo hubiese querido matar más conejos u otros animales para seguir satisfaciendo a un nivel mayor su necesidad de no padecer frio, pero eso no se da porque después de que matan al conejo un “ídolo” sale del interior del mismo y tiene el poder de transformar los objetos a su placer, cuando los niños presencian la capacidad del ídolo de convertir insectos en joyas ven una mina de oro que los convertirá en reyes, se disponen a matar más animales para atraer más moscas y por lo tanto tener más oro, pero para lograr esto necesitan primero satisfacer la necesidad del ídolo (la de comer jalea), lo que sucede al final es que no pudieron satisfacer las necesidades del ídolo continuamente y este termina por matarlos, tal y como ellos mataron a su portador “El Conejo”, al final los niños pierden la vida y el oro. “Uso a conveniencia” Los niños ocupaban del ídolo para generar joyas y el ídolo no ocupaba nada de los niños más que le dieran jalea, cuando la jalea se acaba y los niños no les da tiempo de regresar con más antes de que ídolo se devuelva al interior de su portador,
el ídolo ya no ocupa de los niños porque ya satisficieron su necesidad mientras que los niños todavía quieren más joyas, pero el ídolo no ve más uso en los niños y se deshace de ellos. “La inocencia (ingenuidad) del ser humano” El hecho de que se utilicen ilustraciones y elementos (nombres de los objetos) presentes dentro de un libro infantil en el corto, puede tomarse junto a la trama principal como una referencia a como el ser humano deja de ver excepto de lo que le gusta ver, es decir dentro su meta por ser ricos no se dieron cuenta que el ídolo no era el esclavo de los niños, era viceversa, se puede ver como ejemplo de ingenuidad el hecho de que los seres humanos son fácilmente de engañar. “El conejo blanco” Puede que exista una referencia al personaje del cuento de Alicia en el País de las Maravillas, el conejo blanco; esto porque en el corto de animación el conejo (quien porta al ídolo) es quien los lleva a un “nuevo mundo” donde los objetos pueden dejar de ser lo que son o convertirse en algo completamente distinto. Inclusive dentro de la subjetividad de la interpretación del contenido y buscando un sentido más allá basado en la aparición de símbolos y signos se puede decir que, por ejemplo, aparece una manzana(conocimiento/tentación), la cual nunca se conecta con los niños y aparece aislada, así como también en las primeras joyas que convierte el ídolo los niños ignoran por completo la tinta y la pluma(conocimiento/escritura) y se enfocan solamente en las joyas y la idea de ser
reyes, de seguro el autor busca plantear la realidad de una sociedad que prefiere la materialidad por encima de su educación, una sociedad donde la superficialidad predomina y la profundidad escasea y es devaluada, pues cambian las plumas y los tinteros por jalea. También cuestiona el verdadero valor de esas joyas (superficialidad), ya que parte de la idea de que inclusive un insecto (algo despreciable), puede transformarse en algo valioso. 4. Cómo se relaciona el tema/significado con la categoría estética presente y con la imagen como construcción de lenguaje. Tomando en cuenta el significado de “la avaricia rompe el saco” reflejado en el corto, es posible relacionarlo con lo dramático y lo cómico, ya que es un tipo de humor negro el hecho de que los niños en su afán de ser ricos lo hayan perdido todo incluso sus vidas, una tragedia en la que la culpa total la tienen los niños, en cuanto a la representación y la semántica presentes como imágenes para la construcción de lenguaje, se ve el porqué de estas, ya que dentro del corto se observa que el significado de “la ingenuidad del ser humano” no hubiese sido tan fácil de captar si no se hubiesen utilizados imágenes que quisieran verse como tales (ilustraciones de libros para niños) y el hecho de que se cuenta una historia hace referencia y concuerda con utilizar ilustraciones de libros para niños (el propósito de estos libros infantiles es de contar historias con el propósito de enseñar), entonces es como si el autor nos estuviese contando un libro para niños con una moraleja muy profunda acerca de la forma de pensar y actuar del ser humano. por: Orlando Sunsin, Alberto Cubero y Ericka Souto.
ANálisis Artículo arte/Publicidad
examen
2
Modalidad de contacto entre la publicidad y las artes plásticas por Gabriela tallarico por: Orlando Sunsin, Alberto Cubero y Ericka Souto.
5 parte proyecto final
introducción El proyecto promueve la implementación práctica de las herramientas teórico-conceptuales vistas en el curso en un producto de comunicación visual. Para ello, se deben incorporar en sus propuestas los métodos de análisis de la imagen, así como una serie de categorías de la imagen de acuerdo a su intención comunicativa. El proyecto, deberá contar, por tanto con un trabajo de indagación relativo al tema seleccionado, postulando
espontaneidad y de la mano de su autor.”
Sin Título “Y fue todo lo que esta aquí y allá, y fue el tiempo y el espacio, y se hizo el hombre y se encontró con el conocimiento, y nació, y creció, y vivió y murió, establecido en este universo abstracto, hijo de la
La Representación La obra busca representar y expresar el orden mayor de las cosas, una casi que espiritualidad personal de parte del autor y su percepción subjetiva del universo, además de su propio mundo de símbolos y signos, la propuesta busca ser integral y sistemática, donde todos los elementos son partes de una totalidad, donde todos están entrelazados, conectados y establecidos ahí por un motivo. La realización inicial de la obra a nivel de boceto fue espontanea en cuanto al trazo grafico, pero si realizada con una idea previamente determinada; es decir el autor ya sabía lo que quería decir, pero no había establecido como decirlo, ya que la intención es la de una creación espontanea, como lo que refleja la obra en si, que trata del universo, su orden, lo paradójico y lo humano. Referencia: La Obra de Mark Rothko.
el color El Color se convierte en una dualidad que rige el universo, la materia no puede definirse como tal sin su contrario, la no materia. La luz necesita de la oscuridad para completarse y definirse; este dualidad polarizada se representa en la obra por la utilización del color blanco y negro, los cuales son colores opuestos. Esta dualidad de color proyecta la pureza y la esencia de la obra y además apoya el sentido principal de su realización, “lo complejo se explica con lo simple”, el orden universal y toda su complejidad se reduce a una explicación con dos colores básicos. Referencia: La Obra de Frank Stella.
La forma En el mundo del autor cada forma tiene su razón de ser, no la limita a un solo significante sino a varios, los círculos o esferas por ejemplo representan desde los testículos masculinos hasta los grandes cuerpos solidos y esféricos del universo, reduce todos estos elementos a su geometría y volumetría más básica y fundamental. Apoyando así el principal sentido de su obra, “lo complejo se explica con lo simple”, otras formas inscritas son los triángulos y algunas formas más caóticas, que para el autor, sus significados ya están definidos dentro de su propio mundo perceptivo y los cuales quedan libres a la interpretación del espectador a la hora de quedar plasmados en el lienzo. Referencia: Movimiento Madí Argentino.
La textura La Textura, el grafismo y la aplicación técnica conllevan un papel importante en la obra, ya que visualmente debe de causar una atracción y un impacto, debe de estar compositiva y visualmente equilibrada para que su estética sea mayor, a la hora de tratarse de texturas, usualmente se reproducen patrones ya establecidos adquiridos de experiencias pasadas pero muy difícilmente se crea una nueva textura. El autor se reta en el sentido de buscar nuevas representaciones de texturas y formas o al menos de recombinar y establecer algo nuevo para que visualmente sea fresco y llamativo. Las texturas también ayudan a establecer contrastes, profundidades, luces y sombras, y darle un mayor sentido de direccionalidad a la obra, todos estos elementos se definen por la técnica utilizada y su forma de aplicación, la dirección del trazo, la densidad del mismo, los grosores y los espacios, es parte del proceso de elaboración que el artista lleva acabo. Referencia: Movimiento Visionary Art.
Los símbolos Son los que desarrollan el contenido de la obra, están inscritos tanto en una subjetividad colectiva, como en una sumamente personal y única. La construcción de la obra, surge a partir de una espiritualidad simbólica y geométrica, estos se convierten en sus partes y como tal la obra no puede ser comprendida como una totalidad sin ellas, ni las partes pueden ser consideras como elementos aparte y aislados, sino que todo funciona como un sistema complejo e integral en donde todo es esencial y todo se comprende como una totalidad, así como sucede en el orden de las cosas y el universo que el autor desea representar. Estos símbolos como se explicaron anteriormente son la reducción más simple y básica de las cosas, encierran a la humanidad (hombre/mujer) en el cosmos, no como algo aparte sino como parte de el, los símbolos se reducen a figuras geométricas, en este caso al hombre con el triangulo orientado hacia arriba, la mujer con el triangulo orientado hacia abajo, mientras que los círculos representan desde el conocimiento, las células, planetas y hasta las estrellas. Los símbolos buscan las armonías entre ellos, se entrelazan, las líneas y las curvas se vuelven inclusive un símbolo, un organismo que vive y respira como el universo mismo; la fuerza, progresión, y razonamiento de las líneas se equilibran y calibran junto con lo orgánico, primitivo e instintivo de las curvas; como sucede en el humano, dentro y fuera de el. El simbolismo de la obra representa lo primitivo y lo avanzado, encierra un todo, lo complicado y lo simple, lo claro y lo oscuro, lo que es y lo que no es, lo que será y lo que no fue, y además de esto encierra y coloca al hombre como parte de este orden dentro de la misma obra, no como centro del universo sino como un elemento parte de el, todo se vuelve una dualidad, una paradoja, una ley.
La Composición La composición, cada una de las cuatro piezas son compositivamente simétricas , el autor desea generar un mayor equilibrio visual y estético. Esto obedece a procesos que responden a lo que se establece como bello y ordenado, algunas piezas contienen una simetría horizontal, es decir se reflejan sobre su eje vertical (lo que esta a la izquierda calza con lo que esta a la derecha), otras contienen una simetría vertical, es decir se reflejan sobre su eje horizontal (lo que esta arriba calza con lo que esta abajo), mientras que hay otra composición que se refleja en ambos sentidos, esta composición hace lucir más ordenada y equilibrada la pieza.
La Intencionalidad La intencionalidad, el autor busca generar una dirección al contenido de la obra, dejar apenas un rasgo para que así el espectador obtenga una leve pista, pero que aun así tenga la libertad de interpretar lo que el decida, la colocación intencional de los triángulos orientados hacia arriba con el acompañamiento de dos círculos a los lados de su base, representan el órgano de la masculinidad; mientras que la misma situación en los triángulos orientados hacia abajo, representan el órgano femenino. Esta intención esta sutilmente inscrita en todas las piezas, es el Genesis del humano, y que como parte del cosmos, es por lo tanto también el sentido de origen para el universo. Otra intención es la simetría ya que pone al hombre y a la mujer como partes iguales, esenciales y fundamentales, además la otra intención de las curvas y las líneas y como estas se sostienen visualmente entre si; responden tanto a la conceptualización como lo hace a la estética.
El formato El formato de las obras, es una razón más para entrelazar el vinculo entre el espectador, la obra y el artista y generar un mayor acercamiento. Las obras se realizan en un formato un tanto mayor a un pliego L4 o tabloide, este tamaño sumado al factor de la grafica y su expresión detallista, obliga al espectador a acercarse más a la obra para así poder apreciarla y admirar su detalle y su complejidad, busca acortar las distancias físicas y mentales. Esta acción apoya el sentido personal e intimo de lo que artista expresa mediante su obra, convirtiéndose en un mensaje profundo, subjetivo y elevado por el orden de las cosas que este representa. Con el formato el artista abre las puertas de su sentir y pensar para que el espectador se acerque un poco más y logre comprender mejor al autor y su obra.
La Contrucción del lenguaje El lenguaje de la imagen en la obra es totalmente expresivo, no busca ser real, ni figurativo, se encuentra en la abstracción del artista, es una expresión inmediata, únicamente con una idea previamente establecida en la mente de su autor de lo que quiere comunicar o expresar, pero no con un trazo premeditado, sino que deja a este, libre a la espontaneidad y a su percepción compositiva, estética y subjetiva.
En cuanto a la construcción del lenguaje del signo, es totalmente sintáctico, sintetiza por completo un elemento, la obra se establece y define por medio del color, la textura, la línea, la curva y el punto; es un estilización muy depurada del universo del discurso del artista. Es una imagen que busca ser bella y atractiva por medio del contraste, la dirección, composición, formas y demás elementos sometidos a un complejo proceso de simplificación.
La Categoría Estética La unidad de las cuatro piezas que conforman la obra, representan con mayor fuerza un orden con la categoría estética de lo Sublime, ya que su conceptualización trata un tema elevado y de una utopía para el humano, que esta constantemente en busca de acercarse a una verdad absoluta para poder definirse a si mismo, y nunca jamás estará tan siquiera cerca a una aproximación de dicha verdad; por este concepto y por su composición y aplicación técnica, la obra puede considerarse o ser admirada como algo sublime.
Otra categoría que se puede distinguir no de manera tan predominante es la Belleza, ya que el artista busca crear su obra a través de un orden, un canon y una armonía, para que la obra llegue a ser contemplada como algo bello.
Las Piezas La obra esta conformada por cuatro piezas, en si la totalidad de la obra es comprendida como un ciclo, una progresión, una evolución del cosmos y el humano como parte inmersa en el. “Un Ciclo” que acaba pero se renueva y nunca termina sino que
se eleva, esta parte es fundamental para entender que el final no es símbolo negativo o de decadencia sino es solamente la etapa final de un ciclo que se restablece en algún otro punto del tiempo y espacio.
El Génesis “El origen, la fecundación de la semilla, el inicio del cosmos y del hombre, del día y la noche, de la luz y la oscuridad, los triángulos se entrelazan, representan “El Acto”, surge una fuerza en el centro, un destello, y a partir de el todo lo demás.” (nació)
La Evolución “Y el tiempo y el espacio se estiraron abrazados, uno al otro, como los triángulos se sostienen incansablemente, se revolucionaron y evolucionaron al infinito, y establecieron lo que esta arriba y abajo, lo que esta al lado y al otro. Creció el conocimiento y el entendimiento hacia todos los extremos.” (creció)
La Inmensidad “Cuando ocupó lo que tenía que ocupar, se estableció y se hizo estable, y encontró la inmensidad, la escala de lo colosal y de lo pequeño, de lo complejo y lo simple; y el conocimiento se diluyó hacia la semilla, y la semilla se elevaba por la esencia hasta la esfera del conocimiento.” (vivió)
El Descenso “Y cuando encontró todo lo que tenía que encontrar, cumplió con su razón de ser, y empezó a dejar de existir, se elevó no solo hacia abajo sino también hacia arriba, dejó la superficie del plano para sumergirse en el ciclo que lo reinicia todo.” (murió)
Universidad Veritas, Abril 2014