SILK R AD 新絲路 NO.77 June 2021
弦音疊轉—臺北市立國樂團團長陳鄭港專訪
Well-Synchronized, Endless Possibility— Interview of CHEN Cheng-Kang, General Director of TCO
首獎從缺，不是壞事— 從2021臺北市民族器樂大賽臺灣組首獎從缺談起
聽見1871— 李哲藝、梁越玲用文雅又溫暖的臺語打造《蔥仔開花》
Hearing 1871—LEE Che-Yi and LIANG Yue-Ling’s Formosa Bloom in Elegant and Stirring Taiwanese Language
國樂新絲路 Chinese Music on the New Silk Road
Taipei Chinese Orchestra Bimonthly 北市國樂雙月刊
目錄
Table of Contents
目錄│Table of Contents 新思路 The Route to Innovation
封面故事 Cover Story
疫情藝訊 TCO NEWS
客座主筆 Guest Columnist Session
追光人物 Stunning Figures
國樂新視界 New Vision of National Music
這些人這一刻 The Moment
TCO小學堂 TCO Classroom
發行人
陳鄭港
總編輯
鍾永宏
藝術顧問
林谷芳、林昱廷、吳榮順、施德玉、黃光男、湯良興、樊慰慈、鄭德淵 (依姓氏筆畫順序)
SILK R AD
編審委員
陳小萍、黃馨玉、黃立鳳、呂冠儀、蘇盈恩、陳慧君、黃湞琪、林恩緒
企劃／執行編輯
俠客行文創顧問有限公司
編輯顧問
許馨文
翻譯
張莞蓁
June 2021
藝文淑世 定心穩步
02
弦音疊轉— 臺北市立國樂團團長陳鄭港專訪
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TCO國樂抗疫，居家好聲活
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Art Meliorism Makes the World a Better Place
Well-Synchronized, Endless Possibility—Interview of CHEN Cheng-Kang, General Director of TCO
首獎從缺，不是壞事— 從����臺北市民族器樂大賽臺灣組首獎從缺談起
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聽見����—李哲藝、梁越玲用文雅又溫暖的臺語打造《蔥仔開花》
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快遞國樂新平台
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Hearing 1871- LEE Che-Yi and LIANG Yue-Ling’s Formosa Bloom in Elegant and Stirring Taiwanese Language
全力以赴，但不糾結名次— ����臺北市民族器樂大賽二、三名得主黃士晏、劉孟翎談比賽 TCO小學堂— 認識國樂團中的彈撥樂器
Publisher
CHEN Cheng-Kang
Editor-in-Chief
CHUNG Yung-Hung
Artistic Advisors
LIN Ku-Fang, LIN Yu-Ting, WU Rung-Shun, SHIH Te-Yu, HUANG Kuang-Nan, TANG Liangxing, FAN Wei-Tsu, CHENG Te-Yuan (by stroke of Chinese surname)
Editorial Review Committee
CHEN Hsiao-Ping, HUANG Hsing-Wu, HUANG Li-Feng, LU Kuan-Yi, SU Ying-En, CHEN Hui-Chun, HUANG Chen-Chi, LIN En-Hsu
Executive Editor．Production
Chivalry Cultural and Creative Industry & Consultant Ltd.
Editorial Consultant
HSU Hsin-Wen
English Translator
CHANG Woan-Zhen
28 32
01
新思路
The Route to Innovation
陳鄭港
團長 General Director
時常有人問我，「藝文淑世」到底是個什麼樣的概念？ 「淑世主義」（meliorism）是由英國十九世紀女性小說家艾略歐特（George
Eliot）所提出的概念，她認為在極度的悲
觀與樂觀主義中間，應該有一個中庸而務實的處事哲學。當人們面臨社會動盪、或個人的不如意時，除了一面倒地肯定 或否定一切，尚可以透過思考的努力、智慧的運用以及具體的行動來改善自己與社會的境遇，人的價值也能因之浮現。 這種精神與中國儒家的理念極為相近，儒家發源於列國紛爭的時代，面對混亂的時局，也依然對社會抱持希望；這種希 望不是烏托邦式的空言，而是透過實際的作為，一步一腳印地改善社會。 中文裡大多將「淑」字當作形容詞，為「美好」之意；在「淑世」概念裡則當作動詞用，意指讓世界變得更美好。當國 樂藝術與淑世主義結合，那就是更進一階的藝文淑世精神，透過人類的音樂行為，讓更多美好的事情發生，讓社會朝向 真善美的方向發展。 TCO劇院的年度歌劇《蔥仔開花》，便是藝文淑世的最好例證。《蔥仔開花》描寫馬偕夫人張聰明女士的生平故事，張 女士原名張蔥仔，原為受盡欺凌的童養媳，但她卻不向命運低頭，以堅毅的態度逐步學習漢字與英語，最後不僅改變了 自己的人生，還隨著馬偕牧師走遍臺灣、環遊世界，協助淡水「理學堂大書院」的籌建工作，自己更成為女學堂的義務 教師，對臺灣社會造成深遠的影響。北市國選擇這個故事，不但呈現了臺灣社會在西學啟蒙下邁向現代化的情景，更再 現了一位貧弱出身、在波折中成長茁壯的女傑原典。
《蔥仔開花》原訂於6月底與樂迷見面，但因新冠肺炎疫情陡然加遽，北市國遵照防疫指引，以大眾安全為考量，決定 延期演出。在惶然的社會氛圍下，北市國也希望能與樂迷分享張聰明女士的堅忍毅力，一如她在逆境中永不言棄、茁壯 自身，相信我們很快就會走到雲散霧開的那一日。屆時，所有藝術家的努力也都能開花結果，在舞台上與觀眾相會，以 藝術之美，為經歷疫情動盪的社會提供溫暖撫慰的力量。
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藝文淑世 定心穩步
Art Meliorism Makes the World a Better Place
People often wonder, “What is art meliorism?” The term meliorism is coined by female English novelist George Eliot in the nineteenth century. She believes that there has to be a position midway between extreme pessimism and extreme optimism. Something less intense and more practical. When tragedy hits and the world falls apart, people can do more than hoping in nativity or condemning in frustration. They can choose to confront reality and actually do something to improve and change the course of things or themselves. The power of thinking, devising and actualization are what makes people’s true characters shine. The philosophy closely resembled that of Confucianism. Confucianism originated from the warring states period. Though future seemed bleak and chaotic, there was always hope. People didn’t sit in waiting for a utopia. They fight to make changes and take the future in their own hands one step at a time. The Chinese word “shu” is generally used as an adjective to describe the possession of virtue and good behavior. Here “shu” acts as a verb, which means to make the world a better place. When the art of Chinese music and meliorism meet, the magic of music shall shape, sooth, educate and encourage the struggling hearts to make a difference and bit by bit make the world a better place. TCO theater’s Formosa Bloom is a testament to the power of art meliorism. Formosa Bloom tells the story of how Tiunn Tshong-Bing (nee Tiunn Tshang-A) never succumbs to the fate presented before her and step by step makes a life for herself. The once bullied child bride learns how to read and write Chinese and English from the beginning and later tours around Taiwan and the world together with Rev. MacKay. She even participates in the building of Oxford College in Tamsui and teaches at Tamsui Girls’ School. She is an inspiration and a beacon for the people of her times. Our heroin lives in a time when western education first opens people’s mind. She proves that even a girl from poverty can ascend into greatness despite the challenges and difficulties. Formosa Bloom was scheduled to debut in the end of June. However, the outburst of the pandemic puts TCO’s plan on pause. For the safety of all, TCO decides to postpone the show to a later date. TCO hopes that the wisdom and perseverance of Tiunn Tshong-Bing will lead us through all the pain and confusion to a bright future just like she has always done. When that day comes, all the artists will harvest the sweet fruit of their labor and again greet the audience with the power of art, culture and beauty to sooth and heal the damaged and broken hearts.
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封面故事
Cover Story
弦音疊轉— 臺北市立國樂團團長陳鄭港專訪 文
洪子薇 圖
臺北市立國樂團
2021年5月，陳鄭港接替期滿卸任的鄭立彬擔任北市國第六任團長。他感謝鄭立彬團長6年來的精彩建設，對於這份傳承的 責任感到任重道遠。他更期許，未來能偕北市國一起落實藝文淑世的理想。 若細究陳鄭港的淑世理想，或可分為兩個方向：其一，是極度貼近大眾的社會關懷；其二，是步步履行目標的務實思考。 而這樣的概念，又與他的學知歷程有著密不可分的關係。
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從演奏家、學者、到專業藝術經理人，各種視野的疊加累積，讓陳鄭港的音樂生涯成了豐富的奏鳴曲。
04
從家族薰陶到學院訓練 陳鄭港的國樂之路，來自於自幼成長環境的啟蒙。 陳鄭港生於新竹縣新埔的客家村落，陳鄭港的家族長 輩則是鄰里八音班的核心成員。在他的回憶中，舅舅 家的閣樓收藏著美麗的大花鼓，長輩們閒暇時便聚在 一起操弄鑼鼓，陳鄭港也耳濡目染地學起了客家八 音。在家族文化氛圍的影響下，陳鄭港在國、高中時 期皆加入了學校的管樂隊與國樂社，大學更進入中國 文化大學音樂學系國樂組，主修二胡與理論作曲。 「在國樂中，二胡是極其重要的樂器，胡琴線性聲響 的藝術與表現方式與人聲歌唱非常相似，可以演奏出 人類心中的歌唱線條。」陳鄭港認為，胡琴音樂宛如 浩瀚海洋，可以讓學習者徜徉其中，獲得心靈寄託； 作曲理論則能幫助自己掌握音樂的各種表現形式，因 而可以從理性的角度來解讀感性的藝術作品。
陳鄭港於中國文化大學音樂學系國樂組就讀時，主修二胡與理論作曲。
從音樂學接繫民族學 這種感性與理性並重的訓練，也豐富了陳鄭港日後看待各種音樂議題的思考視野。 陳鄭港自中國文化大學畢業後，便進入中廣示範國樂團擔任專職胡琴演奏員，隨後返回母校文化大學擔任音樂系國樂組助 教及藝術學院與藝術研究所的秘書。當時的他因職務之便遍覽許多音樂學的學位論文，也漸漸琢磨出自己胸中的音樂研究 之路。 當時音樂類的論文大多由聲音出發，但陳鄭港則認為音樂乃是人類「感於物動，形諸於聲」的成果，人為何創造聲音、音 樂背後與人類的連繫，同樣是相當重要的議題。 這種對人類、社會、與常民生活的關懷，讓陳鄭港選擇進入國立政治大學民族學系繼續深造。除了自小浸淫的漢族傳統音 樂外，陳鄭港亦相當關注臺灣原住民族的音樂與文化，大二那年暑假參加「臺灣省社會服務工作隊」走遍北臺灣各個原住 民山地鄉，隨後也利用假期7次踏查中橫公路沿線的原住民部落。是以，陳鄭港在就讀民族學系碩士班期間，便以大嵙崁 群的泰雅族為主體，研究泰雅族音樂的流變，這也是臺灣原住民研究中的第一篇泰雅族音樂的碩士論文。
在宜蘭武塔部落，向巧手的泰雅族耆老牧師學習製作的四簧口簧琴。
當年背著這個背包，一個暑假七趟往返中橫公路。
05
封面故事
Cover Story
從族群脈絡新解臺灣國樂淵源 取得碩士學位之後，陳鄭港擔任的工作益發多元，除了在中國 文化大學、國立臺灣戲曲學院、國立臺灣藝術大學擔任教職， 也進入臺灣國樂團擔任研究員與行政主管，於國樂界一路深 耕。 實際的業界經驗，以及對國樂相關研究的觀察，也讓陳鄭港在 就讀博士班時，重新思考自己的研究路線。最後他決定從民族 學角度切入，去挖掘在漢人遷臺四百年的光陰裡，漢系傳統民 間音樂如何使用發展、繼而邁向現代化與藝術化的過程。 在這個脈絡中，陳鄭港幼年生活於客家村落、親歷常民自發性 音樂結社的生活經驗就成了臺灣漢系傳統音樂傳承的最佳例 證；隨著史料挖掘，他更發現了早在1930年代，臺灣發行的唱 片中就有以「華樂團」或「華樂班」為名的漢系傳統音樂樂隊 之作品，樂隊的編制則包括了胡琴、揚琴、鑼鼓等編制，已經 具備現代國樂團的雛形。 恭逢其盛，主編北市國10周年團慶特刊。
「傳統臺灣漢人社會的尋常文化中，民間音樂是作為生活藝術 而存在；1949年國民政府遷臺所帶來的交響化概念國樂，則是 表演藝術、精緻藝術與創作藝術，因為大時代的因緣際會，對 臺灣漢系傳統音樂邁向現代化起了醍醐灌頂的作用。」
演奏家、學者與經理人的視野疊加 在學術研究之外，多年的樂團行政工作，也磨練出陳鄭港以
參與《北市國樂》月刊編輯工作時接受的行政歷練， 對陳鄭港造成了深遠的影響。
「專業樂團經理人」自許的角色定位。 在回憶這條藝術行政之路時，陳鄭港也透露了與北市國的悠久情誼——在北市國仍以報紙形式發行《北市國樂》月刊的年 代，他曾擔任北市國團慶十週年專刊的編輯。其後雖然因進入中廣而離開這份編輯工作，但當時在這個優秀團隊所接受的 行政歷練卻從此打開了自己的視野。 其後，當他進入其他職業樂團擔任行政主管，處理各種演出企畫、執行、行銷等不同面向的工作，更讓他深刻體會到「經 理人」之角色對現代樂團經營的必要性。他也認為，在自己接獲北市國第六任團長的任命時，北市國也開啟了樂壇專業經 理人的時代。 陳鄭港表示，作為臺灣第一個專職國樂團，北市國各方面條件俱足、運作穩定，演奏與教育等業務亦已相當完整，接任者
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要思考的，就是如何在現有基礎上更精緻地執行工作。同時，自己身為樂團經理人，將不會以藝術表演者、創作者的身分 出現在樂團的演奏舞台上，而會以「藝文淑世」的概念，引導北市國進行更多社會參與。
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串連藝術實踐與社會參與 陳鄭港說，過往音樂家追求的藝術實踐，是在孤獨的自我修練過程中不斷追求精進與突破。然而現今時代風氣改變，邁入 廿一世紀以後，所有大型表演團體都面臨資源不足的經營窘境。是以，現在的藝術家必須走入人群，從音樂的內容、行 為、形式都必須跟大眾生活產生連結，方能取得大眾對藝術的支持，這就是社會參與的必要性。 在藝術實踐與社會參與的天平兩端，經理人的專業性也就此浮現。當一場音樂會背後牽涉的參與者、資源……諸多考量與 音樂家的藝術追求出現各有堅持時，音樂家不需要唾面自乾、委屈求全，而能由經理人來溝通、串連雙方的想法。經理人 追求的目標，是為音樂家爭取更多資源與平台、讓音樂家發光發熱，同時也讓更多人參與美好的藝術成果。 陳鄭港相信，當「藝術實踐」與「社會參與」兩項指標相輔相成、妥善執行，不僅能為北市國贏得更多社會支持，也能厚 實北市國全民樂團的體質。國樂的美好，永續地在社會上流傳發展，是表演藝術、精緻藝術與創作藝術，也自然地成為緊 密的生活藝術。這就是他心中最理想的藝文淑世藍圖。
陳鄭港期許國樂可以是表演藝術、精緻藝術與創作藝術，也可以自然地成為緊密的生活藝術。
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封面故事
Cover Story
Well-Synchronized, Endless Possibility— Interview of CHEN Cheng-Kang, General Director of TCO Text
HUNG Tzu- Wei
Picture
TCO
As a performer, an academic researcher and a professional or manager, CHEN is able to view music in a more comprehensive way.
CHEN Cheng-Kang succeeded CHENG Li-Pin as the sixth general director of TCO in May 2021. He acknowledges the wonderful works of CHENG Li-Pin for the past 6 years and has a great understanding of the responsibility and legacy that is now to pass on him. To him, the dream is to achieve meliorism through art together with TCO. CHEN’s ideal meliorism comes in two parts--one is to maintain a close connection with the general public and their day-to-day
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life; the other is the practical steps that can be taken to achieve the goal. The choice is greatly affected by his academic background and personal experience.
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Initiation and Continuation— From Family to School CHEN practically grew up with Chinese music. He was born in a Hakka village in Xinpu, Hsinchu County. The elders in his family were core members of the community Bayin class. He can still see the beautifully painted drum stored in the attic of his uncle’s house in his mind up until this day. The elders would gather together to play with the gongs and drums in their leisure time. By osmosis CHEN dived into the world of Hakka Bayin in a very early age. The passion for music ran in the family and prompted CHEN to join the band and the Chinese orchestra in both junior and senior high school. He then further chose to major in the erhu and composition at the Department of Chinese Music, Chinese Culture University. “The Erhu has a major presence in Chinese music. The instrument produces a free array of vibratos and slides which resembles human voice. It is so expressive and flexible, as if it sings like people do.” The Erhu’s flexibility allows it to produce sounds across an extremely broad spectrum. Playing the erhu is like swimming in an ocean of music where one can be perfectly soothed and cleansed. As for composition and theory, they give people a better understanding of all music forms which enable people to construe art and passion with sense and logic.
Deep into the luscious mountains and the breath-taking waters—Visiting the newly built traditional underground lodging of the Tao people from Orchid Island by invitation of a dear friend as his first guest.
From Music to Ethnology The attention to both sense and sensibility broadened the scope of CHEN’s music world. He became a professional erhu artist at BCC Chinese Orchestra right after graduating from Chinese Culture University. Later he became an teaching assistant of the Department of Chinese Music and the secretary of the College of Arts at Chinese Culture University. It was during this period of time he immersed himself in a sea of theses in the field of music. The research and reading shaped his road to music advancement. Back then most of the theses related to music focus on sounds. However, CHEN Cheng-Kang believes music to be the product of “enlightenment in daily life that is expressed with sound”. It is equally important to explore the reason why people create the sound and how the sound connects to human culture. The love for the human race, the community and life of the common people prompted CHEN to enrolled in the Department of Ethnology at the National Cheng-Chi University (NCCU). Aside from the traditional Han CHEN Cheng-Kang is skilled in playing LaBaXian, also known as Tiexianzai.
music he is familiar with, CHEN also has great interest in the music and culture of the indigenous peoples in Taiwan. In his sophomore year he participated in the Taiwan Province Social Work Project in summer. They visited all the indigenous areas in northern Taiwan and, on seven separate occasions, the tribes along the Central Cross-Island Highway. Moved by what he saw, he based his study on the Atayal at Msutunux during his graduate school years at the Department of Ethnology and produced the very first thesis on the music of Atayal in Indigenous Studies.
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封面故事
Cover Story CHEN Cheng-Kang is the editor of TCO Monthly, the 10th anniversary special edition. The experience as an administrative worker changed him permanently.
Understanding Chinese Music in Taiwan from the Context of Ethnicity After graduating from Graduate School, more career choices opened up for CHEN. He taught at Chinese Culture University, National Taiwan College of Performing Arts and National Taiwan University of Arts. He has also worked as a researcher and an administrative worker at National Chinese Orchestra Taiwan. One thing is for certain--he never gave up the pursuit in the advancement of Chinese music. After actually working in the field and analysing Chinese music related materials, CHEN Cheng-Kang reconsidered his approach and decided to enrol in a PhD program in ethnology. He wished to map out the development of the traditional folk music of the Han. The effort gave him a better understanding of how the music form progressed, matured and modernized in the past 400 years after the Han moved to Taiwan. As a child, CHEN saw how the ordinary people at the Hakka village would form bands when practicing music without formal music education. As he looked deeper into the history, he even discovered traditional Han music records released in the name of “ Hua Music Band” or “ Hua Music Group” back in the 1930s in Taiwan. These groups played with Huqin, Dulcimer, Gong and Drum. They were the earliest form of modern Chinese orchestra. “In traditional Han culture in Taiwan, folk music is treated as the art of life. When the KMT government relocated to Taiwan in 1949, they introduced the concept of symphony orchestra, transforming Chinese music into a combination form of perform-
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ing arts, refined art and creative art. The revolutionary concept drove the modernization of traditional Han music in Taiwan.” explained CHEN.
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Musician, Scholar and Manager All in One CHEN proudly calls himself a professional orchestra manager after years of training as an academic researcher and an administrative worker in music groups. He has worked closely with TCO as an administrative worker. It was when TCO still published TCO Monthly in the form of newspapers. CHEN worked as the editor for the 10th anniversary special edition. Though he later resigned and decided to work for BCC instead, the experience in this phenomenal orchestra has expanded his horizon by leaps and bounds. It was when he started handling other administrative works such as project planning, execution and marketing for other professional music groups did he begin to grasp the importance of a manager to a modern music group. TCO has officially entered into the professional manager era as he took over the job as the 6th general director of TCO. According to CHEN Cheng-Kang, as the very first professional Chinese orchestra, TCO has a very sound foundation. It operates smoothly and has a relatively robust performance routine and education system. As a successor, the most important thing is to refine and modify the existing work process. At the same time, as a manager, he will not be appearing onstage as a performer or a composer. In fact, his job is to achieve meliorism through art by engaging TCO in more social work and community participation.
Artistic Fulfillment and Community Engagement CHEN believes that artists in the past pursued advancement and breakthrough in isolation. The approach is no longer sufficient in the 21st century where resource is scarce and all major performing art troupes are required to reach out to the general public for extra support. The music played, the activities planned, and the final execution must be able to excite and induce passion from the public in order to obtain public support in Arts. This is why community engagement is on the top of the priority list. Between the pursuit of art and community participation, the role of a professional manager becomes ever more crucial. Holding a concert involves participants, resources and many other aspects that should be taken into consideration. When the commercial aspect clashes with the pursuit of art, the musician shouldn’t have to compromise or engage in endless negotiations and debates. It falls to the manager to facilitate communication and bridge gaps. Ultimately, a manager’s job is to allow the musician to create great art pieces without distraction and for more people to appreciate the wonderful fruit of artistic creativity with content. To CHEN, artistic fulfillment and community engagement should go hand in hand. This will win TCO more public support and further improve the overall quality of the orchestra. Chinese orchestra is a combination of performing art, refined art and creative art. Needless to say, an art loved by the community is naturally an art of life as well. And this is the ultimate meliorism through art CHEN strives to accomplish.
CHEN Cheng-Kang believes that Chinese music may be considered as a form of performing arts, refined art or creative art and at the same time, an art of life.
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疫情藝訊 TCO NEWS
TCO國樂抗疫，居家好聲活 文
臺北市立國樂團編輯部 圖
臺北市立國樂團
世紀級的新冠肺炎（COVID-19）肆虐全球，疫情一發不可收拾，到如今，疫情仍是嚴峻。因此，如何做好防疫工作 成為各國最高的戰略指導方針。 在此疫情期間的臺灣，實施嚴格的邊境管制，加上全民一心抗疫，一年多來總是處在低感染風險的級別，「臺灣」 也成為全球防疫的優異模範生之一。 2021年的5月，一個不經意的防疫破口，打破了一年多來的生活安寧，防疫快速提升到三級，不管家庭、企業、公民 營機構等，都造成強大壓力與經濟損失，所有表演藝術產業也因而被迫停止，「居家」工作、上班成為疫情期間大 家共同生活的模式與話題。 臺北市立國樂團（北市國）在這波疫情中也未倖免，從5月11日起至7月間的表演活動也被迫停止或延期。但是， 「音樂家的社會責任」驅使了樂團在這段疫情嚴峻之時也未曾缺席，因此，北市國迅速策畫了各項線上網路活動。
臺北市立國樂團 疫情線上推廣活動 節目
TCO國樂小學堂
Friday，聽國樂
國樂防疫操
望春風 ——
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居家音樂會
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時間
6月15日起 每週二19:00
節目內容
由北市國演奏家於平台分享音樂 家的感動與生命故事。
播放平台 官方臉書專頁 YouTube頻道直播 並留存在網路上
官方臉書專頁
每週五
邀請音樂家推薦國樂經典作品， 並分享作品背後的典故。
邀請專業舞蹈老師使用國樂作品編 防疫操，邀請大眾一起做操防疫。
官方臉書專頁
7月上旬推出
7月中旬推出
邀請北市國的演奏家於家裡共奏一 首國樂作品，並將合奏過程錄製影 片於網路上分享，邀請樂迷一起網 路上共樂。
6月11日起
YouTube頻道
YouTube頻道
官方臉書專頁 YouTube頻道
北市國的演奏家7月中旬推出望春風——居家音樂會，將在官方臉書專頁、YouTube頻道，邀請樂迷粉絲一起合奏。
除了迅速推出線上網路活動外，還不定期地在北市國YouTube頻道分享音樂會演出實況。而正在著手規劃的TCO 2021/22樂季售票音樂會，也將視疫情狀況機動轉換為「網路直播音樂會」。 儘管COVID-19疫情仍然嚴峻，但是北市國仍不間斷地以音樂陪伴及撫慰大家不安的心情。期待這波疫情能快快退散 並被控制住，早日恢復正常生活狀態，一起到音樂殿堂欣賞音樂家們精彩的舞台展演與藝術饗宴。
TCO國樂小學堂直播現場
TCO樂團首席王銘裕，為了宅在家的廣大樂迷朋友們，特別推薦由他擔任二胡協奏作 品 陸 《西秦王爺，陪伴大家一起度過辛苦防疫的日子。 臺北市立國樂團FB
臺北市立國樂團YOUTUBE
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封座 客 面主 故筆 事
Cover Columnist Story Guest Session
首獎從缺，不是壞事— 從2021臺北市民族器樂大賽 臺灣組首獎從缺談起 文
錢麗安 圖
臺北市立國樂團
2019底，全球相繼陷入COVID-19的困境裡，嚴重者封城鎖國，輕者亦是嚴陣以待地度日，各種活動能否如期舉辦，皆須 視當下情況而定。在此氛圍下，「2021臺北市民族器樂大賽」去年便決議因應海外選手可能無法抵台現場參賽，破天荒地 將比賽分為「海外組」與「臺灣組」進行，海外組的參賽者將演出錄製成DVD寄來參賽，臺灣組則維持現場演出形式，這 也是臺北市民族器樂大賽自1993年舉辦以來，第一次以此形式進行比賽。
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2021年臺北民族器樂大賽特別因為疫情將比賽分為海外組與臺灣組進行，臺灣組為維持開放觀賽，當天晚上於網路線上進行直播。
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比賽前特別邀請笛、簫作曲家陳中申老師引言分享。
臺灣組首獎從缺 評審觀點 破天荒的事情還不只這一樁，今年的比賽也首開紀錄—「臺灣組」首獎從缺。 曾參與1995年臺北市民族器樂大賽拿下第二名的評審侯廣宇表示，這回固然囿於疫情考量，不得不分為國內外組，比賽的 形式也略有差異，但七位評審對兩組參賽者的評選標準是一致的；差別只在於海外組的參賽者是以錄製的DVD參賽，可以 多錄幾遍再挑選出最好的，但臺灣組必須在舞台上現場演出，也就是說，臺灣的參賽者只有一次機會。 評審郭哲誠認為，臺灣選手與樂團合作機會少，加上現場不設麥克風，相對地聲音就比較薄弱，容易凸顯缺失，「臺灣的 參賽者可以在音量、音色飽滿度、熟練度上稍微再提升一些，不要寄望跟樂團演出要用麥克風，因為那不是你真正的實 力，是靠外力幫忙的。這點海外組參賽者表現出的張力與厚度都比臺灣好。」 「臺灣組參賽者當下的表現，就樂曲的掌握上來說，還是有一些欠缺。」臺北市立國樂團首席指揮指揮瞿春泉認為，就技 術層面，或是對於作品的理解與詮釋，臺灣選手其實相當不錯，但就是少了一點積累、舞台與歷練，「因為參賽者都很年 輕，若隨著時間的增長，我相信可以成為一個很優秀的演奏者。」
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封座 客 面主 故筆 事
Cover Columnist Story Guest Session
傳統、新創並重 溯源、扎實理解才能讓作品發光 歷年臺北市民族器樂大賽在挑選決選作品時，有兩大考量，一是傳統、一是現代新創，前者考驗的是參賽者是否對傳統 曲目扎扎實實地下過苦功，有充分的學習和掌握；後者則在技巧或音樂的詮釋上，需要有更豐富的知識和理解才能勝任。 「現代作品有很多調性的轉換和音色的變化，各種速度、難度很大的技巧，曲子結構也偏向龐大，必須對整個作品的詮 釋、佈局、結構都有一定的掌握。」瞿春泉以這次的決賽指定曲、選自關迺忠《蝴蝶夢》第三樂章的〈劈棺〉為例，其中 有很多和樂團交織、融合、貫穿的樂段，如果沒有充分的瞭解與佈局，就無法讓整首曲子的貫通性、流暢性、整體性充分 發揮，自然也達不到想要的成果。相反地，趙松廷與曹星的《幽蘭逢春》則因取材自崑曲曲牌，在許多旋律、技巧上，都 需對崑曲有一定的認識，對現代年輕樂手是很大的挑戰。 那麼，對身處現代的年輕演奏家，要如何傳統、現代並具，兼融一家呢？文化大學國樂系主任吳宗憲認為可從「好好認識 自己的文化」找答案。 笛子做為一個樂種，不過是近代一百年間的事，從明末清初四大聲腔體系興起，直到民國初年的三、四百年間，都是聲樂 當道，器樂多是在為聲樂服務，鮮少獨立發揮的空間。國民政府遷臺時，有一批國樂演奏家跟著過來，才開始在臺灣推廣 國樂；換言之，臺灣直到1950年代初期，民間才開始有人玩所謂的國樂器。因此，要能掌握傳統的精髓，只能向源頭挖， 別無他法。 「當你要以笛子來演繹一首來自崑腔的曲調時，對崑腔、崑曲有多少涉獵？你知道崑笛最初在崑腔中是主要的伴奏樂器與 拖腔樂器，更對後來的江南絲竹影響甚鉅。如果一個學笛子的人，對於崑腔、江南絲竹沒有一點點的瞭解時，在演繹這樣 的曲目時，氣息該如何表現、該運用怎樣的裝飾音？參賽者一定要回到歷史脈絡裡，看傳統到底賦予音樂怎樣的意義或意 涵，再藉由樂器傳達心中思維。」 吳宗憲表示，如果對文化不理解，手上唯一剩下的就是技巧，「你要怎麼運用這些技巧來服務音樂？」就像每個人都有一 顆心與身體，當你的心知道要往哪裡去，身體才有辦法來幫助你的心完成；如果不知道自己的心要走去哪裡，就算擁有好 的技術，也無法讓聽眾覺得感動，因為不是來自於心。」
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2021臺北市民族器樂大賽評審團與得獎青年音樂家。
首獎從缺 不是壞事 因此，如何全方面地鍛鍊自我，遠比單一的名次要來得更長遠，「在我看來，首獎從缺不是壞事。」侯廣宇表示，一方面 彰顯此一比賽的公正與客觀性，絕不因是主辦單位就有保障名額，「這在中國是不可能的事。」 在侯廣宇的觀察裡，臺北市民族器樂大賽不管是對臺灣、中國或是海外華人學習國樂的人來說，影響是蠻大的，「1993年 參加第一屆比賽的演奏家，現在早已是國樂界的中流砥柱，不管是在樂團擔任演奏家、在學校擔任教授，這個比賽不僅培 養演奏家，更是國樂人，意義非同凡響。」 更重要的是，侯廣宇認為比賽的過程對選手來說是更難得的經歷，這個經歷是其他表演、活動、考試都無法替代的。「分 數對一位真正的演奏家來說一點都不重要，我要聽的是你的音樂與當下的表現，當下有沒有感動人才是最重要的。」 「一個好的音樂人要把音樂吃透，就像吃飯一樣自然。」侯廣宇說，就像《幽蘭逢春》這樣的作品應該不僅於在比賽中演 奏，而是可以做為演奏一生的保留曲目。「我在正式演出吹奏，也在家中練習、休閒玩耍、甚至朋友聚會娛樂吹，我也會 要求學生要用這樣的態度看待音樂。」吳宗憲也表示，對致力成為演奏家的年輕朋友來說，「音樂即生活、生活即音樂」 絕不可只是口號，因為你對待音樂的態度，就決定了一個人的藝術呈現，以及藝術生命有多長。
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聽見1871— 李哲藝、梁越玲 用文雅又溫暖的臺語打造《蔥仔開花》 文
明瑩 圖
臺北市立國樂團、李哲藝、梁越玲
李哲藝，一位來自音樂世家的子弟；梁越玲，一位來自歌仔戲世家的女兒。年少時都曾與家學擦肩而過，但或許是因為舞 台的基因和創作的血液，他們最終都踏上了表演藝術之路；站在父母前輩的肩膀上，以更寬闊的視野、創新的語彙，成為 臺灣當代傑出的作曲家和編劇家。2021年，馬偕牧師來臺宣教150週年，受臺北市立國樂團之邀，兩人再次攜手，以牧師 娘張聰明女士為主角，共同打造了臺語歌劇《蔥仔開花》，紀念這段百年前發生在臺灣土地的溫馨故事。
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《蔥仔開花》作曲家 李哲藝
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《蔥仔開花》劇本 梁越玲
自己不寫就沒演出 求新求變的金曲作曲家 眾所周知李哲藝誕生於音樂世家，父親李武男是臺灣首位豎 琴音樂家、製琴家，他從小就與父親、弟弟同台演奏，但父 親明白音樂之路坎坷，因此李哲藝在高雄市立高級中學唸的 是第二類組，考入中國文化大學一開始也是主修物理；音 樂，只能是興趣。然而，這份興趣卻逐漸生根發芽、無限茁 壯，最後驅使他勇敢轉入音樂系。不過考驗，才正要開始！ 李哲藝回憶：「豎琴這種冷門樂器，還沒畢業就看到沒有出 路」，正統古典音樂的道路不可行，他只能自己求新求變。 大學時代和學長們玩室內樂，有豎琴譜的曲子太少，他只好 自己編、自己寫，退伍之後接受餐廳、婚宴商演，也累積了 不少曲子，慢慢的，他開始跨足劇場、舞蹈、兒童劇等領 有豎琴譜的曲子太少，李哲藝只好自己編寫，反而創造出自己的空間。
域，編曲和作曲的機會越來越多。
李哲藝成功運用學校所學，創造出自己的空間，從一開始迫於「自己不寫，就沒有演出」的無奈，到近年成立「灣聲樂 團」，成為臺灣第一個擁有自己樂團的作曲家，並入圍33次金曲獎，完成作曲作品近2000首，各類編曲作品近5000首。 李哲藝的創作從不設限，不排斥任何樂種，「就像小時候聽到什麼就彈什麼一樣」他這麼形容；而人生的軌跡其實都是 貢獻，高中理工科的背景，讓李哲藝從年輕時就是個3C科技人，「我從一開始作曲，就沒有拿過紙和筆，都用電腦，幾 乎見證了作曲軟體的發展史！」科技能力，也讓他永遠都走在時代尖端，從他最近甚至在podcast開設了「李哲藝的音樂 Bar」節目，便可知一二；除了與莘莘音樂學子共勉，也讓人更加理解，他的作品，為何永遠都有新意、讓人感到驚喜。
從新詩寫到劇本 沉浸多年熟諳臺語文創作 梁越玲的母親16歲進入黑貓歌舞團，之後成為歌仔戲名伶白香 蘭，她曾以母親的故事創作同名臺語音樂劇，登上國家戲劇 院。自幼耳濡目染，梁越玲熟悉歌仔戲，也喜歡歌仔戲，但母 親並不贊同，俗語說：「父母無聲勢，送囝去學戲」，母親深 知戲途艱辛，送她去唸大學，唸了與歌仔戲看似毫無關連的英 文系。卻不曾想，每年聖誕節的話劇表演，還是燃起了梁越玲 對舞台的熱情，喜歡寫新詩的她，開始一路從小說寫到劇本， 更是對製作戲劇特別感興趣。比起演出，她更喜歡製作，因此 大學畢業後原本答應母親只演三年戲的她，在三年後毅然成立 「尚和歌仔戲劇團」，此後26年間，沉浸於製作，集編導演工 作於一身。 在創業、創團的過程中，梁越玲明白劇本對團有絕對的影響 力，因為想要演自己的戲、說自己的故事，陸陸續續寫了很多 劇本，「即便沒有這個團，我還是會繼續創作」她如是說。梁 越玲的文筆自然流暢，融合傳統與現代、生活與哲學，擅游走 於東西方元素及跨領域題材，曾入圍傳藝金曲獎最佳作詞獎。 多年的文字訓練，讓她熟諳臺語文創作，早年曾寫過馬雅各醫 師的故事，認識到教會系統的臺語，擁有特別文雅、溫暖的語 彙和用法。這一次撰寫張聰明牧師娘的故事，她便把自己的所 知所學都用上了，要重現19世紀末、20世紀初，那個臺語文當
梁越玲團長集編導演於一身。
道的年代，讓觀眾感受土地的溫度。
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聽見歷史的聲音 找到演唱自己語言的方法 1871年馬偕牧師踏上臺灣宣教，自此臺灣是他「全心所疼惜的、一生最後的住家」，而與他相伴一生的，是原名張蔥仔 的張聰明女士，又被臺灣人親切的稱為偕牧師娘。臺語歌劇《蔥仔開花》，從牧師娘在加拿大教會的演講開始，揭開她 一生的故事，運用倒敘與正敘交錯的手法，帶領觀眾進入當時的時空背景，也感受她在人生的各種轉變中，不變的韌性 與堅定。《蔥仔開花》採用全歌劇形式，無一句台詞，皆為歌詞，對編劇和作曲家而言，無疑是挑戰；劇本量體就超過 60頁，是梁越玲寫過最長的本。而完全以臺語演唱更是艱鉅任務，但也是最令人期待之處，李哲藝希望透過這次精心編 排，帶領歌劇演員找到演唱自己語言的發聲方法，讓觀眾直覺式的理解，在不依賴字幕的情形下，聽懂70、80％以上的 歌詞。 《蔥仔開花》由國樂團在東方文化的底蘊上來演奏，也是別具意義，相較於交響樂團，國樂團更能貼近馬偕夫妻生活在 臺灣時的聲音景觀。因此，聽見歷史的聲音，不僅表現在自然流暢的臺語文中，也流露在國樂團沈穩磅礡的音樂裡。最 後，雖然受到COVID-19疫情影響，《蔥仔開花》近期難以與觀眾見面，但如同梁越玲所言：「演戲的人永遠都會知 道，排練的時間可以更多」，延期不一定是壞事，演員們將有更多的時間沉澱，淬鍊出更完美的演出。
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上三圖為2021臺北市立國樂團TCO劇院歌劇《蔥仔開花》排練。
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Hearing 1871— LEE Che-Yi and LIANG Yue-Ling’s Formosa Bloom in Elegant and Stirring Taiwanese Language Text／MING Ying Picture／TCO、LEE Che-Yi、LIANG Yue-Ling
LEE Che-Yi comes from a family of musicians. LIANG Yue-Ling comes from a family of Taiwanese opera artists. None of them planned to follow the footsteps of their elders when they were young. It may have been the passion for stage that’s embedded in their genes or the creative blood boiling in their veins which ultimately drove them to the world of performing arts. They have already seen further than others by standing upon the shoulders of giants. These two excellent artists with bold visions and enticing vocabulary prove to be extraordinary composers and playwrights. 2021 marks the 150th anniversary of Rev. MacKay’s arrival in Taiwan as a missionary. The two artists were commissioned by
LEE Che-Yi
TCO to create Formosa Bloom, a Taiwanese opera featuring heroin Tiunn Tshong-Bing in memory of the happy occurrence a century ago in Taiwan. LIANG Yue-Ling
Either Find a Way or Make One— A Golden Melody Award Winning Composer Who Embraces Creativity It is a known fact that LEE was born into a family of musicians. His father Lee Wu-Nan is the first harpist and harp making artist in Taiwan. He performed on stage with his father and his younger brother from an early age. His father understands well that the road to becoming a great musician is paved with struggles and difficulties. As a result, Lee studied STEM in senior high school and majored in physics when he first gotten into Chinese Culture University. Music was nothing more but a hobby--or so he would like to believe in the beginning. Over time hobby gradually turns into passion and passion eventually becomes a lifestyle. This prompted him to switch major, and he officially became a student in the department of music. The road to success isn’t all sunshine and rainbows. As LEE Che-Yi recalls, “Harp is not a popular instrument. This means the prospect of a promising career is almost non-existent. I knew that even before I graduated.” Since becoming a classic harpist seemed to be an unlikely choice, he had to try making lemonades out of all lemons. He played chamber music at the university and had to arrange or write most of his own pieces for Harp since the existing repertoire was very limited. After completing compulsory military service, he also played at restaurants and wedding receptions. As his repertoire started to grow, he began branching out to theatres, dances and children’s theatres. The experiences then led to more opportunities for him to arrange or compose new pieces.
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LEE exploited his academic expertise to the fullest and made a name for himself. He went from being forced to compose music pieces to establishing his own
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orchestra--One Song Orchestra. He is the first composer to form an orchestra in Taiwan. Not to mention he was shortlisted for Golden Melody Award for 33 times, composed roughly 2000 music pieces and arranged nearly 5000 scores. He does not believe in self-limitation. As a matter of fact, he still “plays whatever he heard just like when he was a child” said LEE "Everything we experience in life shapes and nourishes us." His STEM background gave him confidence and made it easy for him to deal with technology. “Paper and pencil were never my tools of choice. I have used the computer for all my creative work since day one. I practically witnessed the evolution of composing software!” The ability to play with technology allows him to be a step ahead of others. He even started a podcast named LEE Che-Yi’s Music Bar to share his findings and insights with music students. These novel attempts are why he can manage to surprise the music world with amazing ideas that open our eyes.
LEE Che-Yi never self-limits or dismisses any other music forms. Picture shows him performing with Eason Chan at Hong Kong Cultural Centre in 2005.
From Poems to Script— Writing in Taiwanese Language for Years on End LIANG Yue-Ling’s mother became a member of the Black Cat Song and Dance Ensemble at the age of 16. Later she became a famous Taiwanese opera actress in the name of BAI Xiang-Lan. LIANG created a Taiwanese musical in the same name in honour of her mother. The play was performed at National Theatre. LIANG learned to perform and love Taiwanese opera by osmosis. Her mother was reluctant to engage her in the profession in the beginning. Acting was frowned upon and regarded as something only people without options would do. Her mother wished to spare her child the criticism and misery. She sent LIANG to university to study English. However, every Christmas the plays they put on reminded LIANG again and again of her passion for theatre. She started writing poems, then novels, and eventually plays. She was especially interested in producing plays. More so than acting. Originally, she promised her mother that she would only work in theatre for three years after she graduated. But by the end of the third year, she established Sunhope Taiwanese Opera Troupe. For the next 26 years, she lived and thrived for writing, directing and LIANG Yue-Ling is a playwright, director and performer.
performing plays of her own.
LIANG gradually realizes the power of a good script as she worked to establish the troupe. She wrote many scripts for the sole purpose of the freedom to tell the stories she wanted in the way she wanted. “I would continue to write with or without the troupe,” she said. LIANG has a great understanding of the language and is an extremely skilled writer. Her script incorporates elements of the old, the new, the everyday life, and the philosophy of the wise. She is familiar with cultures from both the east and the west and interested in stories across all disciplines. She was once shortlisted for best lyrics for Golden Melody Awards for Traditional Arts and Music. Writing in Taiwanese comes naturally after years of training. She familiarized herself with the elegant and soothing Taiwanese language when putting together the story about James Laidlaw Maxwell. When asked to tell the
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story of our beloved Tiunn Tshong-Bing the missionary wife, she went all out and determined to truthfully reproduce the period. Back in late 19th century and early 20th century, Taiwanese language was the predominate language used by people on this island. It was what they lived and breathed.
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Rehearsing Formosa Bloom by Taipei Chinese Orchestra TCO Theatre in 2021.
Hearing the Sound of History and Finding Your Voice Rev. MacKay arrived in Taiwan in 1871. He called Taiwan his final resting place. To this island he devoted his life. His partner in life Tiunn Tshong-Bing (nee Tiunn Tshang-A) was also well loved by the people on this island. The whole play unfolded as Tiunn Tshong-Bing the missionary wife told the story of her life at a speech in a church in Canada. Using depiction and flashbacks, the narration transported the audiences back in time and lived vicariously through Tiunn Tshong-Bing. She made many life-changing decisions and has overcome many challenges. But never for a moment did she break down or give up. Formosa Bloom is an opera without lines. Everything is sung by actors and actresses on stage. This is a challenge for playwright and composer alike. The script has in total over 60 pages. It is the longest script ever written by LIANG . To sing in perfect Taiwanese language adds to the level of difficulty and lure. LEE hopes to help the actors and actresses find their own voice and do justice to the beauty of Taiwanese language. With correct pronunciation of the lyrics, the audience should be able to understand 70 or 80% of the lyrics intuitively without the help of subtitles. Formosa Bloom is an oriental story with music performed by a Chinese orchestra. In comparison with the music of other symphony orchestras, the music of Chinese orchestra can better reproduce the live back then in Taiwan. Hearing history means not only admiring the natural and fluent Taiwanese language but also appreciating the magnificent music. Although the appearance of Formosa Bloom has to be rescheduled due to COVID-19, LIANG has no qualms. “Any actor will agree that there is no such thing as too much rehearsal time.” Rescheduling is not necessarily a loss as the actors and actresses will have more time to calm down and reflect on how to perfect the performance.
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追樂 國 光新 人視 物界 Stunning New Vision Figures of Chinese Music
快遞國樂新平台 文
吳毓庭
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大叔聊古典、台灣鳥廳院、那個音樂史、郝聲音、國家兩廳院、新匯流藝術講堂、臺中國家歌劇院
「你有聽podcast嗎？」2020年起，這句話成了許多人碰面時的問候，事實上podcast早已問世多年（註一），但它為何會突 然在台灣造成流行，有人歸因於藍牙耳機的興起，有人歸因於時代潮流已走到要瓜分閱聽人的「第二注意力」（註二）， 當然也有人認為是因為疫情限制了實體活動，造就更多網路節目（除podcast，還有線上演出、社群直播等）誕生。無論如 何，這些新興傳遞聲音的載體正方興未艾，國樂團／工作者，乃至其他音樂領域從業人士，會視它們為「現場音樂會」替 代品，或能從中找到新的作法與價值，都是很值得思考的問題。
Podcast挖掘大小議題 談及目前聚焦國樂主題的 podcast，首推由財經專家郝旭烈主持的「郝聲音」。該節目在去年下半年開播，最初創立如同許 多專業達人，試圖在影視、有聲書平台外，拓展分享知識的途徑。然而它的內容卻很不一般；由於郝旭烈小時候學習過二 胡，近年又因藝企合作參與、主持過多場TCO音樂沙龍，故節目在企管、投資話題外，也陸續邀請北市國團員上節目，以 主打演奏家、連帶介紹演出的方式，讓大眾輕鬆走入國樂世界。 相較於傳統的廣播訪談，「郝聲音」反映出了幾個專屬於podcast的特性：時長沒有限制，主持人與來賓能跟隨現場氛圍自 由發展內容，許多時候「節外生枝」反而是整集亮點；再者，除了分享知識、觀點，郝旭烈如老友般與音樂家聊天的口 吻，也營造出了podcast非常珍貴的陪伴感（註三）。
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「郝聲音」podcast別於一般節目的介紹曲目或是節目，主持人郝旭烈與音樂家常在節目中互動演出與演唱。
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兩廳院×剝殼花生鋼琴家—徐嘉琪錄製podcast。
不過，podcast始於自媒體、可以容納多元觀點的特色，似乎在 國樂領域還有待發展。像是議題導向的節目，就可藉由「命題 作文」，善用主持人不同的背景與切入點鋪陳。不少討論西樂 的頻道即抓住這個方向，比如直接以音樂史為開台方向的「那 個音樂史」頻道，或是在頻道裡設定題目開講的「剝殼花生」 （像是第三十九集「〈鱒魚〉指法」）和「大叔聊古典」（像 是第七季第四集「聊聊這本書《指揮家之心》」）等。 至於許多節目可能都會因版權受限，面臨「音樂頻道無音樂」 的狀況，這時除了像「郝聲音」邀請來賓現場演奏，或「剝殼 花生」由主持人鋼琴家徐嘉琪親自錄音，恐怕只有由廣播公司 操刀較能克服這一點。美國大波士頓地區（Greater Boston）的 WCRB電台是一個好範例，他們將公司過往的現場演奏與訪 談，重新剪輯並加入新介紹，製作出「Classical
台灣鳥廳院主持人艾薩克。
Performance」
節目。這樣讓舊資源好好再生的方法，其實也非常適合擁有自 家錄音版權的樂團採用。 對照現在國外和臺灣的Podcast音樂節目，在呈現形式上，其實大致不出前面提到的方法，然而真要比較，歐美節目在「節 目議題」安排上，確實更具「細究」與「宏觀」的想像力。歷史悠久的英國「愛樂管弦樂團」（Philharmonia Orchestra）長 期經營podcast頻道，內容有樂曲導聆、節目說明，還有介紹樂團聲部的特輯（「The Orchestral String Section: An Introduction」）、團員的幕後談心分享（「Late-Night Cabaret」）等，都讓喜愛他們粉絲在音樂會後，對樂團有更親近的認識。另 外像是由指揮家魏勒斯坦（Joshua Weilerstein）主持的「便利貼」（Sticky Notes），四月時邀請到樂譜出版社「亨樂」（G. Henle Verlag）的總編輯與英國鋼琴家賀夫（Stephen Hough）連線，暢聊重新校訂海頓五十五首鋼琴奏鳴曲的歷程與思考， 無疑具有時代意義的高度。
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追樂 國 光新 人視 物界 Stunning New Vision Figures of Chinese Music
「新匯流藝術講堂」是一個匯聚古典音樂、音樂家和聽眾的場域，長期於臉書專頁推廣古典音樂議題與演出分享。
線上直播 從工具變創作 關於網路直播，最直覺想到的「線上音樂會」在《新絲 路》第71期已有專文分析，但利用直播技術變化出的音 樂節目卻仍在探勘初期。 由作家楊照擔任董事長的「新匯流文化基金會」之藝術 講堂自去年四月起，便邀請不同音樂人開設直播節目至 今，是台灣藝文領域少數持續耕耘此形式的單位。其中 的節目大致可分為三類：第一類鎖定「演奏議題」，開 講「巴爾托克音樂課」、「巴洛克音樂詮釋」；第二類
國家兩廳院提供，攝影：張震洲。
為「導讀／導聆」，由音樂人介紹音樂名家與書籍；第 三類為具有現場演出的音樂家訪談。三種類型算是涵蓋了從一般愛樂者到專業音樂人的需求，只是整體而言，線上直 播獨有的「互動性」還未真正開發，成果因此也類似預錄節目。 當然，要音樂直播做到像社交平台直播主，主打個人魅力，或像電商平台直播主，拿著商品（票券、創作）喊價，都 非易事，但若能讓直播技術從「工具」轉變成「創作內容」的一部分，或許會產生新的效果。 今年四月底，國家兩廳院即透過直播方式，播放了一場介紹「新點子實驗場」劇作的「新上市投資說明會」。會場 上，主持人以股市分析師口吻介紹各標的物內容，並在節目最後公布通關密語，讓線上、線下觀者即時填寫留言以獲 取購票折扣，此時「直播」就不再只是「直播」，更是演出內容的一環。另外，像是日本售票平台Zaiko，直接將 「直播節目」上架為商品，讓樂迷欣賞音樂會就像觀賞一部紀錄片，能跟隨鏡頭深入演奏、唱者的周圍，都為直播帶 出了更積極的意義。
國家兩廳院以「新上市投資說明會」方式用網路直播介紹「新點子實驗場」計畫演出。攝影：張震洲。
註一：Podcast一字由英國記者 Ben Hammersley於2004年創立，用來描述當時新出現的網路廣播節目。
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註二：《數位時代》網站（2020/6/17），指涉「不用全神貫注做事的時間」。 註三：《能力雜誌》（778期），見〈求知、陪伴、愛跟風 Podcast開啟聽經濟新戰局〉一文。
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推薦中文音樂類podcast 1. 《大叔聊古典》：由藝術經紀人徐鵬博和音樂工作者吳毓庭共同主持，聊書、聊唱片版本，也聊產業內幕。 2. 《台灣鳥廳院》：整體氛圍輕鬆如置身小酒館，內容包含音樂家訪談與音樂節目預告。 3. 《安迪老師》：從Youtube同場加映至podcast，每每以獨到見解細膩剖析音樂作品，備受聽眾喜愛。 4. 《那個音樂史》：兩位主持人暢聊課本上沒寫的音樂史，聽來讓人感到與大音樂家們特別親近。 5. 《兩廳院×剝殼花生》：由國家兩廳院與鋼琴家徐嘉琪共同製作，內容主要為訪談與演奏家詮釋分享。 6. 《郝聲音》：財經專家郝旭烈的個人節目，也是目前唯一持續介紹國樂的節目。 7. 《學音樂的壞孩子》：專訪「不乖」的音樂人，暢聊他們如何走出自己的音樂路。 8. 《蹦藝術》：由長笛家林仁斌製作，主持人口條清晰，整體氛圍溫暖，極適合靜下心聆賞。 9. 《Wow藝術》：由臺中國家歌劇院製播，主題涵蓋音樂、戲劇、舞蹈，內容著重跨領域激盪。 10.《M脫殼》：知性、深入的訪談節目，主題聊唱片也聊演奏。
推薦外語音樂類podcast 1. 《Crushing Classical》： 主持人Tracy Friedlander平時教授商業策略，她在節目中會邀請音樂人一起暢聊職涯發展，主題非常特別。 2. 《Music to my Ears》：由BBC音樂雜誌製作，內容為當代音樂家深度訪談。 3. 《Naxos Classical Spotlight》： 由Naxos唱片公司媒體關係總監Raymond Bisha主持，可以聽見許多歐陸主流外的古典音樂介紹。 4. 《Philharmonia Orchestra podcast》：由愛樂管絃樂團製作，主題涵蓋幕前到幕後，很值得樂團類podcast參考。 5. 《Sticky Notes》：由指揮Joshua Weilerstein製作，主題從樂曲介紹到時事討論，是非常出色的個人類podcast節目。
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這些人這一刻
The Moment
全力以赴，但不糾結名次— 2021臺北市民族器樂大賽 二、三名得主黃士晏、劉孟翎談比賽 文
錢麗安 圖
TCO、黃士晏、劉孟翎
2021臺北市民族器樂大賽輔於四月落幕，雖因疫情之故分為海外組與臺灣組競賽，依舊交出精采的成績。其中就讀 於中國文化大學中國音樂學系一年級的黃士晏一舉囊括二獎，以及兩首指定曲的最佳詮釋獎；而就讀國立臺灣藝術 大學國樂學系研究所二年級、擁有許多跨界合作經驗的劉孟翎拿下三獎，展現臺灣國樂人才新氣象。
黃士晏： 第二名讓我更有動力！ 「到目前為止，我參加過的比賽都是拿第二 名。」2021臺北市民族器樂大賽臺灣組的二 獎得主黃士晏在電話那頭爽朗大笑。還沒十 九歲的他，去年剛成為大學新鮮人，從得知 消息到正式參賽，不過短短兩個月時間。黃 士晏坦承初時有點兒猶豫，但老師告訴他， 學經驗比拿名次重要，沒想到他不僅榮獲臺 灣組第二名（第一名從缺），也一舉拿下兩 首決賽指定曲的「最佳詮釋獎」。 聽了哥哥的國樂社團成果演出音樂會而愛上 笛子的黃士晏說，一路念的都是音樂班，卻 直到小學六年級才開始上個別課，「長大才 發現那段經驗太重要，」他說，在團體班學 習、合奏的過程裡，需要學的不僅是音樂上 的技巧，還得學著和大家相處，聽對方、乃 至整個樂團的聲音，對音樂性的認知，就這 麼一點一滴地慢慢積累起來。加上他很早就 加入啟蒙老師林秉曄成立的聚樂坊，社團裡 匯聚了來自宜蘭各校的國樂好手，從小學四 年級到大學生，共聚一堂相互切磋、演出，
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無形中也強化了音樂的能力。
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音樂班一路而上，當然有許多參賽經驗，但總是拿第二的黃 士晏會不會因此喪氣？「不會，因為這讓我知道人外有人， 也讓我有持續往第一的動力。」黃士晏偷偷地說，他其實不 喜 歡 練 琴 ， 也 不 會 每 天 練 ， 因 而 發 展 出 一 套 練 琴 理 論 —— 「練對，比苦練重要。」他解釋，要找到「對的」，必須用 心聆聽自己的練習，卡關時不要悶著頭反覆練，反倒要停下 來，重新思考一下氣該如何運、指法該如何調整，想清楚才 能練對技巧。 同樣地，對音樂的想法也很重要。黃士晏表示，除了課堂上 的學習，自己多聽不同版本也很重要，例如，某首曲子的某 小節為何大家吹的都不一樣？或是為何譜上註記明明該吹小 聲，卻有人反其道而行？甚至，當聽到這首作品時，腦子會 浮出什麼顏色、景象、感覺，都有助於演奏者對曲目的詮 釋。以這次決賽的指定曲《幽蘭逢春》為例，曲中暗含了創 作者由禁錮到豁然開朗、體驗自由滋味的人生體悟，因此他 以故事手法處理，以低沈樂音開場，中間幾處停頓也重新設 計，末了以仿電影淡出的畫面，反其道地小聲收尾，留下一 抹淡淡尾韻。 「想法要比別人厲害，否則整體音樂的呈現就很難比別人厲 害。」黃士晏說，增強功力的方式不能侷限，要放開心胸體 驗生活周遭的各種事物，要打開自己的眼界，要多看電影、 運動、聽音樂等各種自己喜歡的事情，從中汲取養分。
黃士晏於羅東高中時期在校學習笛子。
最後就是要學會放鬆的技巧，「若太過緊張會讓音樂性與技巧都變得僵硬，一定要努力找出讓自己放鬆的技巧。」 黃士晏透露自己的放鬆秘訣就是：在側台等待上台時，會閉上眼睛全心地聆聽台上的演出，對方吹得好要打心裡贊 同，吹不好也不能因此而高興，「我要的，是贏自己。」他說，要慢慢把這種緊張的感覺轉化為興奮，「緊張和興 奮都會讓心跳加快，但緊張會讓手、腦子慌掉，但興奮會讓手腦協調越來越好。」 還不到十九歲，談起音樂頭頭是道的黃士晏說，雖然有很多想嘗試發展的方向，像是指揮、作曲，也想跟不同領域 的藝術合作，甚至教學、進專業樂團等，但現階段最重要的是，還是一步步的繼續在笛藝上扎根，「拿第二名的好 處是，讓我知道『我不是第一』，還要無限進步的可能，這是最可貴的契機，可以繼續衝刺。」
黃士晏曾在羅東高中國樂團擔任學生指揮。
黃士晏小學四年級透過「聚樂坊」習笛。「聚樂坊」由蘭陽土地上一群 具專業背景的熱血青年國樂老師所創立，團長為林秉曄(圖左五)。
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這些人這一刻
The Moment
劉孟翎：與笛為伴，遨遊人生 和黃士晏剛好相反，今年的季軍得主劉孟翎直到高中前念的都是普通班。「就是快樂學習，所以一路學來沒什麼撞牆 期。」劉孟翎笑說，當初是看到哥哥姐姐學國樂，興起跟著學的念頭，但等到她的笛藝可以跟哥哥姐姐來一場家庭音 樂會時，哥哥姐姐卻停了下來，只剩她一路堅持到現在。 關於笛藝的學習之路，今年才研究所二年級的她說的雲淡風輕，頗為「無為」。因為非音樂班，自然少了同儕壓力； 不太參加比賽，因為自覺準備不夠。那這次怎麼會想參賽？「因為再不參加就沒機會了。」她大笑說，有些事情，真 是錯過就沒有了，「對於比賽，我沒那麼強的得失心，因為比我認真的人一定很多，不會糾結在有沒有名次。」 倒是成就感這件事對她很重要，劉孟翎說。一方面是學笛子是從小到大難得堅持的一件事，加上偶而的比賽會有成 績，練久了也會知道自己哪裡不足，可以從修正中看到進步，進而獲得滿足感。「當有滿足感時，就比容易堅持下 去。」
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劉孟翎於北投文物館進行南管曲目演出。
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南管實驗文學劇場《行過洛津》於戲曲中心開演前記者會。
劉孟翎表示，笛子成為一個樂種，也不過是民國前後的事，換言之，關於笛子的各種吹奏技巧、詮釋法仍不斷推陳 出新，是這門藝術的最大挑戰。就以這次決賽指定曲之一《蝴蝶夢》來說，到底該用一把笛子吹到底，還是中間要 換成低音笛來表現都有不同的論斷，這些都挑戰著演奏者的想法、技法與詮釋風格，也讓笛藝的可能性更加多元且 豐富。 不僅於此，經常與不同領域藝術形式合作，也讓劉孟翎有更多機會接觸不同的挑戰，像是跟著弘宛然古典布袋戲團 去日本演出、跟濁水溪舞蹈團去西班牙，其中，最特別的經驗要算跟江之翠南管劇團長年的合作，「在此之前我從 沒碰過南管，也沒參與過這樣的戲劇形式，等於要重新學習一個樂種，從看譜開始，以及很多靠著口訣流傳的指 法、技術等。」劉孟翎說，不管是跨界或是融合，都能拓寬視野，也讓笛子的可能性更開闊；而出國演出還有一個 好處，可以近距離觀摩西方傳統音樂跟樂器演奏方式，是很好的交流。 目前正開始書寫論文的劉孟翎說自己是務實派，想挑戰的事情很多，不會也不想讓自己侷限在某個框架中，對音樂 的追求也是如此，機會來了就好好把握住，盡最大能力做好，至於是不是要終身投身音樂工作，都可以調整。畢 竟，年輕就有更多的機會可以嘗試。
為劉孟翎參與不同藝術形式的合作經驗，上下皆為參與濁水溪舞蹈團在西班牙的巡迴演出。
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小學堂 TCO TCO Classroom
TCO小學堂—
認識國樂團中的彈撥樂器
文
明瑩 圖
傅馨逸
國樂團中使用的彈撥樂器種類繁多，從高音到低音皆具備，主要有柳琴、琵 琶、中阮、大阮、三弦、古箏、揚琴等樂器，採用手指、指甲（假指甲）、 撥子、彈片、琴竹等觸動琴弦來發出聲音。 彈撥樂器積澱著深厚的文化精髓，傳承了悠遠的歷史底蘊，讓國樂團不同於 西方交響樂團只有吹管、拉弦、打擊的編制，多了一組聲部，能表現出點 狀、顆粒性的音樂風格，在音色上也各有特色，在樂器的樣式、型態上，則 因其典雅的外觀，而頗具識別度。這些彈撥樂器不但可以和其他樂器和諧演 奏，在樂曲需要民族、民間色彩的形象表現時，彈撥樂器總是能脫穎而出， 在彈、撥琴弦之時，演繹出精彩的文化素描，更能用聲音撥動歷史的軌跡， 是國樂團中無可取代的聲部。 以下就讓我們介紹幾款常見的彈撥樂器，認識它們悠遠的歷史，您可以找一 找最古老和最年輕的樂器分別是誰？它們又分別是從那些地方發源的呢？
古箏 古箏，又稱秦箏，有2500年以上的歷史。古箏的面板 由梧桐木製成弧形，音箱成長方形，琴弦架在雁柱 上 ， 一 弦 一 音 ， 基 本 按 五 聲 音 階 排 列 。 唐 宋 時 有 13 弦，後增至16弦、18弦，目前最常用的規格為21弦。 古箏的高音區音色透亮，中低音區音色醇厚，左右手 都有豐富的演奏技巧。
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揚琴 揚琴又稱為洋琴、蝴蝶琴，明末由中亞地區傳 入，用堅木為音箱，設琴橋架金屬弦，以琴竹 敲擊發聲。最初在廣東沿海地區流行，後廣泛 運用於各地的傳統音樂中。揚琴具有清脆的音 色、寬廣的音域，可同時奏出和音、分解和弦 及快速琶音，擅長演奏輕快、活潑的曲調，獨 奏、合奏皆有特色。
阮 阮得名於西晉竹林七賢中擅長彈奏此樂器的 「阮咸」，又可稱為秦琵琶。近代，阮咸依形 制及音高不同，發展出小阮、中阮、大阮等類 型，小阮的音色明亮清透，中、大阮的音色中 正渾厚，廣泛使用於獨奏及合奏；以其出色的 音響融合性和便於演奏和聲的長處，在國樂團 的彈撥聲部中占有一席之地。
柳琴 柳琴狀如小型琵琶，因此又稱為小琵琶或土琵琶。 起源於清代，原為山東柳琴戲、安徽泗洲戲、浙江 紹興亂彈等劇種的重要伴奏樂器。1972年王惠然改 革為4弦29品，按十二平均律排列，可達4個8度， 右手持彈片演奏。柳琴音域寬廣、半音齊全、音色 優美具有穿透力，在國樂團中擔任高音聲部。
琵琶 琵琶的名稱來自於模擬演奏手法的形聲字， 「推手為批，引手為把」。唐代由印度傳入半
三弦
梨形音箱琵琶，曲項橫彈、用撥子演奏。清代 由橫彈改為豎彈，棄掉撥子，用手指彈奏，提
三弦，共有3條弦，故名之，琴柄平滑無品位，琴框
高了琵琶的表現力。琵琶是最具代表性的彈撥
兩面蒙以蟒板。是傳統音樂中重要的彈撥樂器，例如
樂器之一，既能詮釋溫柔婉約的文曲，也能展
京劇的「三大件」、江南絲竹的「八大件」、廣東音
現金戈鐵馬的武曲。
樂的「五架頭」、南管的「上四管」當中，都有三 弦。音色獨特，聲音鏗鏘有力，在樂隊合奏中，常用 來加強節奏效果，也適合單獨演奏特色旋律。
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國樂新絲路
Chinese Music In the New Silk Road