The Good News No. 37

• EDICIÓN NO. 35, 2010 •

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FLASH

¿UN BEATLE EN CÓRDOBA? “Hay posibilidades”, repiten los más optimistas, desde que representantes de la productora Time 4 Fun estuvieron en nuestra ciudad y aseguraron que uno de los shows del Paul McCartney en Argentina podría realizarse en el estadio Mario Alberto Kempes. El ex Beatle tiene previsto realizar dos shows: uno en el Estadio Único de La Plata y el otro con lugar a confirmar. ¿Tendremos la dicha?

LA RENGA SUSPENDIÓ LA GIRA La Renga, que había vuelto al ruedo después de varios años con el excelente Algún Rayo, decidió ponerle paños fríos a la cosa y postergar la gira a causa de la muerte de Miguel Ramirez, el fan fallecido a causa del impacto de una bengala el 30 de abril en el autódromo Roberto Mouras de la ciudad de La Plata.

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QUORUM Sin señales de stress y al margen de los Rolling, Mick Jagger (68), con más de cuatro décadas de carrera, armó una nueva banda llamada Super Heavy cuyos integrantes son Dave Stewart (Eurythmics), Joss Stone, Damien Marley y A.R. Rahman (compositor de la banda sonora de Slumdog Millionaire).

Jagger dijo además: "La idea es meternos al estudio a tirar ideas, ver qué pasa y si nos divertimos", "ya tenemos algunas canciones de reggae, algo de rock, baladas y algo de soul", concluyó.

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la

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JAMIROQUAI: LA PERLA DEL QR2011 Jamiroquai se presentó en la segunda fecha del Quilmes Rock 2011 con un show impecable que deslumbró a más de 30 mil almas. Desde los primeros acordes de “Rock dust Light star” Jay Kay se apoderó del GEBA con su look único y el carisma que lo caracteriza, cargándose el equipo al hombro y haciendo vibrar a la multitud durante las dos horas del show.

Mientras tanto Jack Jonhson hizo lo propio la noche de apertura, Babasónicos la rompió con su flamante A propósito en la tercera fecha y Ciro y Los Persas cerraron el festival.

RHCP PARA AGOSTO Vuelven los Red Hot Chili Peppers que desde hace tiempo vienen trabajando en el sucesor de Stadium Arcadium (2006) disco que hasta febrero se iba a llamar “Dr. Johnny Skinz's Disproportionately Rambunctious Polar Express Machine-head”, un título tan ridículo como improbable. Todavía no hay un tracklist definitivo pero Chad Smith arriesgó que podría llegar a fines de agosto. Seguiremos a la espera de novedades del décimo disco de los RHCP, primero luego de la salida de John Frusciante.

O el buen Marilyn Manson perdió su toque o la gente cambió y la disquera tuvo que soltarle la mano. ¿Solución? Nuevo disco y nueva disquera. Ahora el cantante se encuentra terminando una placa aún sin título confirmado pero se sabe que será una mezcla de toda su carrera y que llegaría en algún momento de 2011. Por lo pronto en su página oficial ya hay un pequeño adelanto de una de las canciones, "I among no one".

Nada mal.

ESPERAR Y VER

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MARTÍN BRIZIO Crítico de Música

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NA PRESEA MÁS EN EL RUBRO “YO ESTUVE AHÍ”, REFERIDA OBVIAMENTE A LA ACUMULACIÓN DE MILLAS EN MATERIA DE SHOWS INTERNACIONALES PRESENCIADOS. EN ESTE CASO SE TRATÓ DE UNA BANDA MUY QUERIBLE, QUE TUVO SU CUARTO DE HORA GLORIOSA ALLÁ POR LOS `80 Y `90, Y QUE NOS DEJÓ JOYAS SONORAS TATUADAS EN NUESTRA MEMORIA, COMO LOS DISCOS “LOVE”, “ELECTRIC” Y “SONIC TEMPLE”.

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Un cantante muy carismático, con personalidad, que siempre ostentó una estampa de sex symbol y que en esta oportunidad parece haber quedado retenida en la aduana. Porque esa figura “morrisoniana”, que supo provocar suspiros y fantasías femeninas de las más variadas, hoy sigue luciendo un llamativo parecido con el can tante de los Doors pero en la curva descendien te de su decadencia, cuando el sobrepeso y los excesos de una época que se cobró varias célebres vidas lo llevaron a formar parte del selecto y macabro “Club de los 27”.

The Cult trajo su legado, su trayectoria y su buen nombre, pero lo llamativo y destacable es que no se basó solamente en su historia y que no hizo usufructo del facilista recurso de apelar a “las que sabemos todos”, como era de suponer en una agrupación cuyo pasado es mucho más rico que su presente. Sólo cuatro o cinco clásicos de los muchos que atesoran la dupla Astbury – Duffy dieron lugar a canciones que no tuvieron el mote de “hits”, como sí lo fueron

“Ian Astbury fue el maestro de ceremonia de un ritual eléctrico intenso con su caudal vocal y manejo escénico” “Revolution”, “Fire Woman”, “Peace Dog o “Sun King” (ausentes), pero que le dieron al concierto ese carácter de viaje cósmico casi imprede cible.

Climas magnéticos y chamánicos, se intercala ron magistralmente con momentos de pasional erupción rockera de la mano de “Rain” , “Sweet Soul Sister”, “ Love Removal Machine” , “She Sells Sanctuary” o “ Rise”, clásicos que no podían faltar y en los cuales pivoteó el show. Ian Astbury fue el maestro de ceremonia de un ritual eléctrico intenso, con su caudal vocal y manejo escénico pese a su “desmejora” estética. Billy Duffy, impecable, fue el encargado de llevar musicalmente a la banda, aunque durante gran parte del set se lo notó disgustado y con

quejas permanentes hacia el operador de monitoreo, pero en su sonido, sus solos y sus armonías se apuntaló la performance del grupo, que contó (en esta oportunidad) con otros monstruos como Chris Wyse en bajo (ex Ozzy) y John Tempesta en batería (ex Testament y White Zombie). A la mitad del show hubo lugar a un corto film de tres o cuatro minutos, algo desconcertante, que corroboró la militancia de Astbury en pro de las causas por la reivindica ción de los pueblos aborígenes, algo que apoyó desde siempre y que quedó en claro a lo largo de toda su carrera artística.

Un show de casi una hora y media que nos dejó sabor a poco pero a la vez una enorme satisfacción por haber sido testigos de un momento único, donde el verdadero rock se mostró en su estado más puro, como una auténtica expresión artística, con intérpretes que entienden perfectamente lo que es dar todo y no apelan a fórmulas complacientes.

En épocas donde el espectáculo suele estar más abajo del escenario que arriba, volver a ser sólo un privilegiado y entusiasta espectador, y que al verdadero show lo brinden quienes lo tienen que brindar, nos llena de orgullo y de placer.

Que se repita.

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MARTÍN BRIZIO Crítico de Música

ES UN BUEN MOMENTO PARA HABLAR CON CIRO. LAS AGUAS SE AQUIETARON, LA RUEDA ESTÁ GIRANDO OTRA VEZ, Y LOS TEMAS QUE UN TIEMPO ATRÁS PODRÍAN HABER SIDO INCÓMODOS PARA TOCAR, HOY PUEDEN TRATARSE CON MUCHA NATURALIDAD. • E D I C I Ó N N O . 3 7, 2 0 1 1 •

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Foto: Sebastián Luce

Sensible, muy tranquilo, mesurado, muy predispuesto al diálogo, y si a eso le sumamos el título de ser el más “fachero” del rock nacional, nos da una ecuación casi perfecta: algo así como el chico ideal que toda madre desearía para su nena. Jauría es la nueva banda del ex líder de Ataque 77, acompañado por otros reconocidos músicos del medio, como “Pichu” Serniotti (ex Cabezones) y Ray Fajardo (ex El Otro Yo), lo que le da la chapa de ser el supergrupo del rock argentino. Presente, pasado, futuro, y su reconocida postura de izquierda, en una charla muy amena en el desembarco de su nuevo proyecto en Córdoba Capital.

GN: Venías de una banda como Attaque, con 20 años jugando en primera y ahora volvés un poco al “under”, a un volver a empezar. ¿Cómo fue el proceso de de volver a cero?

CP: Es raro, no me esperaba que fuera tan divertido, tan emocionante. Es tener más training, eso de “vivir el momento”, sé que suena a cliché, pero es así. No es fácil de lograr: uno tiene cosas que le pesan en el pasado, que le preocupan a futuro, donde el presente es más efímero; pero ahora estoy disfrutando cada cosa que pasa. Es para mí un momento muy grato, es lo mejor que he hecho, sin desmerecer lo grande que ha sido

ceso de pasar de Attaque a este proyecto? ¿Cuánto tiempo te tomó procesar la desvinculación y retomar la senda de la música?

CP: Fue bastante tiempo. Yo me fui el 13 de diciembre de 2008, ese día fue mi último show, en Uruguay. Cuando me fui no tenía perspectivas de seguir con la música, en realidad no tenía idea de hacer nada, estaba esperando que aparezca la señal para saber a dónde ir. Aproveché e hice un viaje ansiado, algo que venía postergando hace tiempo, estuve ocho meses en México, y desde ahí empezaron a salir canciones nuevas y eso me movilizó a buscar una banda para tocarlas. Y a la

“Tengo un corazón que late a la izquierda y late fuerte” lo anterior, que es lo que me trajo hasta aquí.

Estoy contento porque con este presente puedo ver bien hacia el pasado y disfrutarlo con más alegría.

GN: ¿Cómo fue dar un paso a la inversa, eso tocar para cuatro o cinco mil personas y pasar a tocar nuevamente para 300 o 500? ¿Es una sensación especial o te hace un poco de ruido?

CP: Con Attaque girábamos mucho, tocábamos en el interior y no siempre en lugares grandes; la particularidad de juntar mucha gente se daba en un recital grande como en la presentación de un disco, algún Obras o en un festival en horario central. Los shows generalmente eran para 500, 1000 ó 1500 personas. A mí siempre me gustó lo más íntimo posible, mis lugares preferidos no superaban las dos mil personas, mientras más chico más divertido. Y mirá ahora: íbamos a tocar en el Captain Blue XL (capacidad para 1500 personas aproximadamente) y porque no venía bien la venta nos pasamos a uno más chiquito. En otras épocas hubiéramos dicho “uh... qué fracaso”, pero no, ¡buenísimo! Vamos para adelante.

GN: Yendo al origen de Jauría, ¿Cómo fue el pro-

hora de elegir, elegí gente que admirase y busqué a mis más admirados de los últimos tiempos, que son con los que estoy. Habrá sido un año más o menos en armar las canciones y decir “esto es lo que quiero”. Estaba muy movilizado por el desafío de hacer algo nuevo, no salir con un disco solista sino con un proyecto.

GN: Te preguntaba por el duelo, una vez desvinculado de Attaque, ¿sentiste alivio, dolor o tristeza?

CP: Un poco de todo, en muchos aspectos me sentí muy aliviado, más que nada porque me fui a un lugar donde no me conocía nadie, asique me olvidé de quién era (o me acordé de quién era).

Hubo mucha evaluación, mucho balance, y sí, existieron momentos de dolor, pena, porque es una ruptura, una separación. Cualquiera que haya tenido una relación de pareja de dos o tres años y se separa siente que se le viene el mundo abajo, esta fue una relación de 21 años. Y no es menor cosa porque aparte están los sentimientos, la amistad, el sustento, el espíritu. Porque así como pongo ahora mi espíritu en este proyecto también lo puse siempre, en mis temas hablo de mí, no invento personajes, siempre estoy muy involucrado en las cosas que compongo.

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ESPÍRITU SETENTISTA GN: En tu último disco hay un tema que se llama “Tosco”, o sea que seguís hablando de lo que hablabas antes, como “Setentista” por ejemplo.

CP: Es lo que soy yo, “Setentista” es una letra mía, como “Western”; las letras que yo escribí en Attaque tenían que ver con una forma de pensar que por suerte la compartí con los chicos, porque me podría haber pasado que me dijeran “no pienso lo mismo que vos”, pero no: siempre me apoyaron. Y acá lo mismo, sabían la persona que venía y que tenía ciertos compromisos que no tienen que ver con una postura política sino con una forma de conciliar el sueño, con deudas que yo siento para con la sociedad en la que vivo.

Tiene que ver con mi formación, siempre me inquietaron personalidades como la del gringo (Agustín Tosco) o como la de René Favaloro.

Eso tiene que ver con que tengo una personalidad instintivamente de izquierda, tengo un corazón que late a la izquierda y late fuerte, y por eso me identifico con esta gente y trato de homenajearlos. Aparte los traigo para que nos confrontemos, porque por ejemplo el sindicalismo de hoy es sinónimo de una cosa turbia, que da miedo, y en aquella época era otra cosa, era dignidad, era sentirte apoyado, otra historia.

GN: Hace poco hablamos con Luciano (bajista de Attaque) y justamente en el último disco (Estallar - 2009) hay un tema (“Días de desempleo”) que tiene la misma temática ¿Quiere decir que el hilo conductor de ambas partes sigue siendo el mismo?

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CP: Sí, yo estoy muy contento con que ellos hayan seguido la beta, y que sigan defendiendo el emblema de Attaque, que para mí es lo mismo; que a los pibes que escuchaban Attaque les caiga en simpatía lo que estoy haciendo para mí significa lo mismo. Es decir, a mí me vienen y me hablan mal de Attaque y los saco de un boleo en el culo (risas). Más allá de los caminos separados, hemos tenido 21 años que avalaron una forma de hacer las cosas, que nos hicieron a nosotros trabajar, vivir, y hemos hecho trabajar y vivir; hemos brindado muchas alegrías, y eso es bueno, es una gran función social también.

GN: En Attaque convivían estas canciones de protesta, de denuncia social, con las canciones casi naif de amor adolescente, como “Hacelo por mí” o “Arrancacorazones”.

CP: Sí, porque tiene que ver con aceptar la vida como un crisol de diversidades emocionales que complementan una cosa con la otra. Necesitás toda esa dulzura para poder endulzar los momentos amargos, y también necesitás hacerte fuerte en los momentos duros, para poder volver a recurrir nuevamente a ese oasis de dulzura. Es muy bueno que existan esos con“Si trastes.

vienen y me hablan mal de Attaque los saco de un boleo en el culo”

GN: ¿Hoy escuchás “Hacelo por mí” y qué te genera?

CP: Me genera eso: decir “¡huy! podríamos haberlo grabado mejor, hacerlo mejor”, pero después nos sacamos las ganas y lo hicimos en vivo en Trapos (en 2001) y es una versión bien “attaquera”, actualizada. En aquel entonces, cuando lo grabamos, no teníamos experiencia con el estudio de grabación, nos comía crudo el estudio, entonces sonaba un poquito más pop, pero después hicimos grandes discos, poderosísimos, que reflejaban bien la esencia de lo que era Attaque en vivo.

ESPECIAL

TODO CONCLUYE AL FIN SUCEDE EN LAS MEJORES FAMILIAS

CARLOS RIVAROLA Director Artístico Rock & Pop · 95.5 FM - Good News Radio · 90.3 FM

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ay un primer flechazo al que le sigue un juramento de amor eterno, después los confites, la dicha de dormir y despertarse con un alma gemela, de disfrutar por igual las mismas canciones, las mismas películas, las mismas comidas, los mismos ideales, las mismas utopías; luego llegan las descendencias, que tienen los ojitos de uno y la boquita del otro, pero que son la síntesis perfecta de ambos; y en simultáneo, las obligaciones que irrumpen sin aviso previo, los espacios que se van acotando, los tiempos que se superponen, la • E D I C I Ó N N O . 3 7, 2 0 1 1 •

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rutina que comienza a mostrar los dientes, y sin que nadie se lo imagine (y contra cualquier pronóstico) los años, la convivencia, la nostalgia de los tiempos “singles”, y un tedioso y karmático proceso (que vuelve todo en el sentido contrario) terminan con el viaje en la mitad del camino.

Y papá por un lado, mamá por el otro, los niños con régimen de visitas, y otra película con final abierto que se termina entre reproches, fuegos cruzados y destino incierto.

Algo similar, aunque con una dosis más fuerte de histeria e irresponsabilidad, sucede con las bandas de rock.

Cuando ya todos habíamos logrado completar el duelo tras la separación de dos de los grupos fundamentales de nuestra historia rockera, Soda Stereo y los Redondos, asumiendo y aceptando las carreras solistas de sus cantantes, Gustavo Cerati y el Indio Solari, entre finales de un siglo y comienzos del otro, las esperanzas de amor eterno comenzaron a renovarse gracias a la poderosa sensación de solidez que demostraban bandas como La Renga, Bersuit Vergarabat y Los Piojos, que acaparaban los medios de la mano de una catarata de hits, y llenaban grandes estadios asumiendo con valiente madurez una grata condición de popularidad.

Las estadísticas demuestran, con algo de frialdad, que una historia que se termina impulsa el comienzo de otra, caiga quien caiga en el medio.

Hasta que el diablo volvió a meter la cola, y el desgaste, los egos, los cortocircuitos de las sociedades creativas, y los efectos colaterales del éxito, otra vez dividieron lo que la magia había unido. La Renga se fue y volvió, Bersuit se dispersó en las aventuras solistas del pelado Cordera y Juan Subirá (cada uno por su lado) y el resto en De Bueyes, y Los Piojos quedaron repartidos con Andrés Ciro al frente de Los Persas, con Miki desocupado, Piti Fernández a tiempo completo con La Franela, el malogrado Tavo Kupinsky como guitarrista de Las Pelotas y los demás en un proyecto reciente al que llamaron El Vuelo de la Grulla.

La misma suerte corrieron otras bandas también de larga trayectoria, como Attaque 77, que siguió adelante sin su cantante Ciro Pertusi, quien armó Jauría; Los pericos que con igual logística sobrevivieron a la partida del Bahiano, caso contrario al de Cabezones que conservó sólo a su frontman César Andino, quien le bajó el pulgar a los demás; y Viejas Locas, que quedó a merced de los delirios del villano Pity Álvarez, dedicado a esa gran promesa que es (¿fue?) Intoxicados, y a escupirle la oreja a los escrúpulos a través de las cámaras de América TV. Podríamos seguir enumerando separaciones, pero eso queda como tarea para la casa. Para las crónicas queda el análisis sobre quién se quedó con la mejor parte, quién resultó más perjudicado, quién acertó y quién la pifió.

Lo cierto es que, cuando se acaba la onda no hay discográfica, no hay sadaic, no hay contrato ni compromiso preestablecido que detenga el Apocalipsis. Las estadísticas demuestran, con algo de frialdad, que una historia que se termina impulsa el comienzo de otra, caiga quien caiga en el medio.

Pasa en las mejores familias. ¡Cómo no iba a pasar en el rock!

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Rosario: hablemos de jazz

EMILIANA FELIZZIA Periodista

DIEGO CASANOVA ES EL VOCALISTA Y TROMPETISTA DE LA ROSARIO SMOWING; UNA BANDA DE JAZZ (Y NO SÓLO DE JAZZ) QUE, SIN NECESIDAD DE HACER REFERENCIA A SU LUGAR DE ORIGEN, SE ABRE CAMINO EN UN PAÍS QUE TIENE POCO DE FEDERAL EN LA MÚSICA, PERO NO POR FALTA DE PROPUESTAS. GN- ¿Cómo y por qué decidieron hacer jazz?

DC- Bueno, en realidad no hacemos sólo jazz, no somos una orquesta estilista.

Aunque abordamos muchos géneros, y el jazz es uno, creo que nuestro mayor contacto con el jazz viene por el lado de los instrumentos: los clarinetes, las trompetas, los banjos pintan un poco nuestras canciones con un colorcito “jazzero”.

GN- ¿Y qué pasa con el público?

DC- Hurgamos en todos los estilos que nos da la gana y tratamos que todo tenga olor a “Smowing”. Nuestro objetivo no es popularizar, sí hacer canciones, poder tocarlas y pasar buenos momentos; obviamente que la parte económica cuenta porque vivimos de esto, pero para eso tenemos un manager que nos ha hecho crecer de una forma increíble.

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GN- Se definen como “rockbigband” ¿Y eso?

DC- Eso es una gran ocurrencia del KB (contrabajista) y me parece que es una definición bastante exacta: todos nosotros nos criamos musicalmente con el rock, todos tuvimos una banda de rock y es lo que somos. Los arreglos de los caños con ese poder rockero creo que nos convierte en una “rockbigband”.

“estamos teniendo un reconocimiento importante a nivel nacional”

GN- Hay momentos en la carrera de una banda que son bisagra. ¿Cuál es el de Rosario Smowing?

DC- ¡Tenemos más bisagras que un biombo! (risas). Existieron varios momentos de quiebre en la orquesta, pero creo que este es uno de ellos y bien grande, estamos teniendo un reconocimiento importante a nivel nacional y eso viene de la mano de un trabajo a conciencia con un equipo de músicos y staff que, después de once años, muestra sus frutos.

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GN- Contame de “Se Mueve” - Volumen 3 DC- Es un disco ecléctico por sobre todas las cosas. Pero más allá de que lo ecléctico es parte casi fundamental en la orquesta, no hay ningún estilo que sobresalga, y nos dimos unos cuantos gustos artísticos y técnicos: muchos invitados, entre ellos Mara Santucho (de Los Cocineros) y Carlo Seminara (percusionista de Cielo Razzo).

GN- Marcame los cambios que existen entre los tres discos en estudio que grabaron.

DC- Bueno obviamente que los ocho años (que separan nuestro primer disco del último) se ven reflejados por todos lados.

Volumen 1 fue nuestra primera experiencia y eso hace que tenga un montón de cositas de las que nos quedamos con las ganas por no saber o por no poder.

Si siempre estoy llegando tiene otro

audio y es un disco donde la banda sintió pertenencia; o sea, la formación -después de muchos cambios- estaba estable hacía ya tres años y eso se notó, y sobre todo que al haberlo tenido un año guardado (porque estábamos rompiendo lazos con la compañía con la que editamos Volumen 1), todo ese año fue de minuciosidades y detalles.

En Se mueve, en cambio, todo salió como queríamos; hicimos un plan y lo pudimos concretar de principio a fin, y eso no es fácil de conseguir.

“todos tuvimos una banda de rock y es lo que somos” (sobre los integrantes de la banda)

PinggnoP

Hablemos de Rosario GN- Rosario es una cuna cultural fundamental en Argentina. ¿Qué cambia para un artista el haber fundado la banda en ese lugar?

DC- Para mí todo. Rosario Smowing es lo que es porque nació, vive y vivirá en Rosario; yo personalmente soy un enamorado de mi ciudad, tengo todo: los afectos, los amores, el río, el club, mi gente, y la luna que no es como la de otros lados… ¡Creéme, te la invito a ver!

GN- Las principales bandas del mundo rara vez deciden hacer fecha en Rosario, pero los nacionales no dudan en viajar allí en sus giras ¿Por qué pensás que pasa eso?

DC- La verdad es que a las extrañas razones del mercado no las conozco, pero recomiendo a todos los artistas pasar por Rosario, las devoluciones son fuertes (no siempre agradables) y a parte un doradito al lado del río ¡e’ impagable! (risas).

-Un género musical Todos, absolutamente todos -Una banda/solista Tom Jones -Una canción Te abracé en la noche (Fernando Cabrera) -¿Qué opinás de Córdoba?

Simple… Me gusta porque nos tratan como en casa, tengo unos cuantos amigos y cuando venimos a tocar bailan hasta el final… más no se puede pedir.

-¿Qué opinás de Buenos Aires? ¡Tá jodido! Viví un tiempo ahí y es una locura, por momentos divertida y por momentos ava sallante; de todas maneras ir a tocar siempre es interesante porque las cosas que se generan son todas monstruosas como la ciudad, y la concentración de gente lo hace necesario y atractivo a la vez -¿Qué opinás de Rosario?

Y, ya te digo, soy un enamorado de mi ciudad.

Creo que vivir en Rosario es una bendición. No puedo ser parcial. ¡Viste cómo son los amores!

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A NICOLÁS CUÑO LO LLAMAN “EL BICHO RARO DE LA INDUSTRIA”; ES EL IDEÓLOGO DE LA MARCA DE ROPA KEY BISCAYNE, FUE JUGADOR PROFESIONAL DE VÓLEY, ES INSTRUCTOR DE “EL ARTE DE VIVIR”, Y HACE UN TIEMPO COMENZÓ A TOCAR CON SU PROPIA BANDA, LOS ECHEVERRÍA.

HECHO CON AMOR

Habla de respiración, meditación, relación con el sol y la luna, contacto con la naturaleza, de llegar al alma. Temas que parecieran no unirse a las tendencias. Pues bien, Cuño parece encontrar el punto de unión.

GN- ¿Cómo lográs compatibilizar actividades tan diferentes?

NC- Uno todo. No busco ver resultados. Todo lo que hago me permite tener una sonrisa en la cara, con una sonrisa todo es más fácil. Yo valoro al que está contento, al que está vivo. Tengo que tomar conciencia de que hoy puede ser mi último día. La vida pasa corriendo, la música que hago y las campañas que propongo son para transmitirle eso a la gente. Desde que hice cursos de meditación trato de mostrar lo que a mí me hizo bien.

GN- ¿Cómo te conectaste con El Arte de Vivir?

NC- Llegué porque hacía yoga; hice un viaje increíble para conocer esa cultura y vi que en los templos a los nenes les enseñaban a manejar la respiración. Eso determina tu estado: cuando estás nervioso, respirás rápido; cuando estás triste, respirás lento. Y me enseñaron que cuando aprendés a manejar la respiración, manejás mejor tus emociones. Empecé cursos de respiración cuando volví, me gustó y me fui metiendo; después me interné un mes para ser instructor con gente de la India.

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GN- ¿Qué cambió en tu vida desde que seguís esta técnica?

NC- Me enseñó a entender que si tu cabeza está mal cualquier cosa que vayas a resolver te va a salir mal; es un círculo vicioso y transmitís eso, esa energía. Muchas enfermedades se generan por estrés mental: mucha gente dice “hice un cáncer”, y eso se debe al estrés y a la angustia.

GN- ¿Y cambió la forma de encarar tus proyectos?

NC- Sí. Aprendí a armar buenos equipos de laburo. La clave está rodearte de cada vez de mejor gente, estar enfocado: a veces pensás que tenés muchas cosas y desde que medito mi cabeza está más ordenada, más limpia y fresca, y tardo mucho menos en tomar decisiones.

GN- Hablando de tus proyectos, Key Biscayne siempre sorprender con sus campañas ¿Qué viene en esta temporada?

NC- La nueva campaña se llama “Hecho con amor”. En la primera etapa tiene sólo el cangrejo de la marca, y para verano sumamos la imagen (como una segunda parte). Para el verano se viene el slogan “el poder del amor”, que busca comunicar que el que ama es único, y el que no

ama es débil. Quiero contarle a la gente que es importante poder vivir con amor.

Un poco de sonido…

GN- ¿Cómo decidiste armar una banda y dedicarte (entre otras cosas) a la música?

NC- Los Echeverría es una banda de amigos.

Empecé a estudiar canto hace diez años con la misma profesora de Ciro Martínez; y ver que la misma canción que escribí hace ocho años aún me hace llorar, hizo que decidiera armar mi propia banda. Además, la gente me lo pidió, me lo pide, lo quiere. Llenamos un Roxy, salimos en la revista Caras, y esto para nosotros es un hobby.

GN- ¿Y va a dejar de ser sólo un hobby?

NC- Voy a dejar que sea lo que Dios quiera, que la energía fluya donde vaya. Me costó armar una banda y disfrutar de mi trabajo, lo logré por El Arte de Vivir: ¿Cómo hacer para disfrutar de las cosas que hago?

Nicolás Cuño

Lo importante es levantarme todos los días con ganas, divertirme, hacer cosas que me hagan estar contento, valoro a la gente que está feliz con lo que hace, no importa que lo haga.

Faltan sonrisas en la gente.

GN- ¿Tienen pensado tocar en Córdoba?

NC- Sí, posiblemente nos presentemos en julio.

GN- ¿Cómo ves a los cordobeses?

NC- Hay amabilidad, hay más alegría que en Capital Federal, en la gran ciudad se pierde más el centro, la excitación, la gente acá está más conectada con la naturaleza.

Es quien creó, desarrolló y posicionó la marca de indumentaria Key Biscayne, que está en el mercado desde mediados de los ’90. Se encarga del cuidado de la imagen de Adrián Suar, Leo Sbaraglia, Andrés Ciro Martínez, y Charly García, entre otras celebridades. Jugó ocho años en el primer equipo de vóley del Náutico Hacoaj. Es instructor en la ONG El Arte de Vivir, direccionada a la meditación. Tiene una banda musical llamada Los Echeverría, que comenzó con éxito sus presentaciones en Buenos Aires.

LOS RECOMENDADOS DEL MES MIRÁ - por Roger Koza

EL ESPÍRITU DE LA COLMENA Víctor Erice, España, 1974 “Érase una vez…”.

Con esta frase de cuento infantil empieza la ópera prima de Erice; primera obra maestra del realizador en la que ya pueden percibirse los rasgos centrales de toda su obra: rigor formal, tiempos narrativos lentos, un interés demarcado por cierto grado de vecindad entre la conciencia onírica y la vigilia, superpuesta con otra zona de indefinición respecto de la diferencia entre el cine y la vida, la ficción y la realidad. En plena dictadura franquista, una niña se deslumbra con la proyección de Frankestein (1931), en una función de cine ambulante.

La fascinación por aquel monstruo, que en un pasaje del film de Whale se encuentra con una niña de edad similar a la pequeña Ana de este relato, habrá de tener un impacto existencial en ella, que determinará su crecimiento.

Erice filma la niñez, edad de la incertidumbre y estadío de la pregunta, y de esto se predica una meditación lúcida sobre lo dicho y lo no dicho que incluye la interacción familiar, la interpretación cinematográfica y la historia ominosa de una España fascista.

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ESCUCHÁ - por Carlos Rivarola

DEBUT Y DESPEDIDA San Martín Vampire, 1999 Probablemente ya descatalogado, y por ende inconseguible en las bateas de las tiendas de discos que aún resisten en el mercado (pero seguramente descargable a través de algún poro sensible de la web) esta joyita pop-rock merecía una reivindicación antes de ser depositada como cenizas en el panteón de la industria cultural argentina.

Gestada en algún after del siglo pasado, y concebida con el premonitorio título de Debut y Despedida, esta obra que nació y murió prematuramente allá por 1999, amarrocó un puñado de melodías finas e irresistibles que bien podrían haber echado algo de luz al sombrío camino de la primera década del 2000.

Fabio Rey, ex guitarrista de Los Brujos; Rudy Martínez, tecladista eximio y factótum de Audioperú; y Sergio Pangaro, cantante de Baccarat, formaron San Martín Vampire con el único objetivo de grabar este disco, levantar todo tipo de sospechas y separarse antes que las evidencias los condenaran a marcar tarjeta.

Un repertorio donde sobresalen con altanería “El Elegante”, “Mal Mortal” y “Espuma de Vieytes”, y que, con muy poco para descartar, componen un playlist de veinte canciones con bases bailables y paisajes ambiguos que nos recuerdan a soundtracks de películas de los ´60 y ´70, sostenidas con precisión por los colchones sonoros de Rudy, por el suspenso en los punteos de Fabio, y por la incomparable voz de Pangaro. Su efecto fue corto e intenso, como las cosas buenas.

Los pocos que llegaron a conocer la banda y no conservan ningún registro de su música, seguramente agradecerán volver a escucharla. Para los que aún no tuvieron la chance, aún están a tiempo.

En estos tiempos flacos de novedades locales, la experiencia de rastrear esta rareza y rescatarla de su efímera suerte bien vale la pena.

A diferencia de estos tiempos mezquinos donde escasean las ideas, en Debut y Despedida de San Martín Vampire, lo que sobra es frescura y sorpresa.

“Soy un producto de los tiempos que corren. Urgente e Inquieto.

Digital de 8 AM a 17 PM. Análogo todo el tiempo.

No tengo Facebook, no sé usar el bluetooth, y siento nostalgia por el manuscrito. De la misma manera en que muchos aprovechan el trayecto en auto para escuchar lo que no se permiten sin movimiento, yo camino y llevo música en mis oídos. Soy el Walk Man. Hago zapping y elijo la oferta. Tolero y descarto según la intensidad del tráfico, la longitud de los trayectos y la densidad del clima.

Y aunque coqueteo con la actualidad, mi referencia siempre es atemporal. ¿Quieren leer lo que estoy escuchando?”

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CAPÍTULO DE HOY:

EL ESPÍRITU DEL VINO, HÉROES DEL SILENCIO CARLOS RIVAROLA Director Artístico Rock & Pop · 95.5 FM

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s muy temprano. Todavía está oscuro aunque el reloj marque las 7:30. Es otro Mayo a pleno, pero las hojas amarillas todavía no cayeron.

En el patio del colegio deje mi última sonrisa.

Acaba de sonar el timbre y las puertas comienzan a cerrarse.

Los padres y las madres se saludan y se dispersan. La calle vuelve a quedar vacía. El barrio se despierta en calma, y yo emprendo la marcha.

Anoche escribí una carta mientras escuchaba una canción que decía: “…condena al exilio, las verdades a medias…”.

Voy por Jerónimo Cortéz hasta que doblo en Fragueiro; los autos que bajan van reduciendo la velocidad para cruzar la vía. A pocos metros los espera un semáforo intermitente; frente al banco hay una cola de jubilados que llega hasta la esquina; el bar huele a café. Prendo el walkman, suenan los Héroes del Silencio.

Gran parte de la década del noventa se la dediqué a esta banda, durante infinitos capítulos fue mi musa en buenos y en malos momentos.

Todo comenzó con “Entre dos Tierras”, y siguió con “Malas Intenciones”, “La Carta”, “Hechizo”, “Oración”, “Decadencia”, y todas las canciones de Senderos de Traición, el segundo disco del grupo que fue el primero que llegó a mis manos.

Después apareció “El mar no cesa”, y, sin darme cuenta, estos amigotes españoles se fueron colando en mi agenda de muertes y de resurrecciones cotidianas, mientras sigilosamente sem-

braban una popularidad de culto entre las pequeñas legiones de fundamentalistas locales.

Hoy elegí deslizarme hacia el centro por Campillo, en compañía de El espíritu del Vino, la obra más mística, más conceptual y más rockera de los Héroes.

De a poco al fin se iba haciendo la luz, cuando “El camino del Exceso” me remontó a los laberintos emocionales de otros tiempos, y “Tesoro” a los mantos de piedad, y “La Herida” a los rostros de la locura, y “La Sirena Varada”, “Flor de Loto” y “Bendecida” a los viajes de ida hacia ninguna parte.

Busqué alargar el trayecto levitando sobre la bruma de aquellas guitarras, prendí un cigarrillo en ayunas contradiciendo mis tiranos códigos mañaneros. Me senté en una punta del puente Alvear con la esperanza de encontrar en el viejo abasto algún vestigio de la magia de aquellas épocas.

Pero otra vez crucé la frontera y emprendí el tramo final, mirando de reojo cómo ese resabio de agonía que aún pesaba dentro de mi mochila, ahora caía desde el puente y se alejaba por un hilo de agua hasta perderse en la eternidad.

La estación de servicio hoy sólo vende nafta premium.

Las vidrieras del suburbio exhiben sus tesoros al por mayor y menor; en las mesas de los tugurios los proletarios reclaman su desayuno completo junto a La Voz del Interior y un tibio sol de otoño confirma que en este pedazo del mundo ha comenzado un nuevo día.

Subo al ascensor y marco el dos con un flamante alivio. En mis oídos aún resuena “Tumbas de Sal”.

Anoche escribí una carta que nunca pondré en ningún buzón.

Seré otra vez, un Héroe del Silencio.

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PARA CERRAR EL CÍRCULO MEDIÁTICO DECIMOS PRESENTE EN LA FM Y A NUESTRAS VERSIONES TELEVISIVA, PAPEL Y WEB LE SUMAMOS GOOD NEWS RADIO - 90.3. on transmisión las 24 hs., "la noventa" (que suena en el dial y en nuestro site) mezcla segmentos netamente musicales con una programación que se alinean a la idea de The Good News: Música, cine y entretenimien to agregándole la dosis justa y necesaria de actualidad e información.

La artística a cargo de Carlos Rivarola, se basa en clásicos rock, pop y funk suman do los sonidos más modernos de la músi ca local, nacional e internacional.

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La grilla cuenta con referentes del ámbito l o c a l , c o mo M a x D e l u p i , M a r t í n B r i z i o , Demián Díaz y Luciana Jaime, a los que luego se sumarán otras importantes figu ras.

Le sumamos una nueva propuesta al dial, con la consigna de ampliar y jerarquizar el espectro cultural de la Córdoba.

GRILLA DE PROGRAMACIÓN De Lunes a Viernes

De 08 a 10 hs. PRIMERA MAÑANA De 10 a 13 hs. ES UN BRIZIO (Conducción: Martin Brizio) De 13 a 15 hs. INVENTO ARGENTINO (Conduccion: Max Delupi) De 15 a 18 hs. NADA QUE VER (Conducción: Luciana Jaime) De 18 a 21 hs. VUELVO TARDE (Conduccion: Demián Díaz) De 21 a 03 hs. 90 IMPRESCINDIBLES De 03 a 08 hs. TRASNOCHE LA 90

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EL CINE EN EL MES DE MAYO

DEL 1 AL 1O / EL CINE QUE SE VE Y EL CINE QUE NO VEMOS

ROGER KOZA Crítico de Cine

UN DRAMA INTIMISTA Y UNA HETERODOXA COMEDIA COSTUMBRISTA, DOS PELÍCULAS QUE OSTENTAN UN SESGO AUTORAL EXPLÍCITO, CONSTITUYEN UNO DE LOS MOMENTOS MÁS ALTOS DE LA CARTELERA ANUAL.

EL CINE QUE NO VEMOS

una musicalidad distinta si el lenguaje se orienta hacia lo poético.

En casi todo el cine iraní los intercambios lingüísticos tienen una riqueza particular. Son otros silogismos, otras lógicas las que se ponen en juego. Películas como Primer plano dan cuenta de otros patrones de razonamiento, que están enraizados en otra experiencia del lenguaje.

Copie conforme es una larga conversación entre Binoche y Shimell, una mujer vinculada con las artes y un escritor exitoso que acaba de publicar un libro de título homónimo al film y que llega a Italia a presentar la versión en italiano. Después del evento, los dos pasearán por la Toscana.

Primero en auto, en una típica escena de Kiarostami. Luego seguirán a pie y casi nunca dejarán de charlar.

Después de Shirin, una película que ha sido olímpicamente ignorada y subvalorada (quizás se trate de una de las grandes obras de Kiarostami), el debut extranjero de Kiarostami con Binoche y el barítono inglés William Shimell despertaba interés. La buena noticia es que Kiarostami es Kiarostami donde sea que filme.

En efecto, Copie conforme es una película reconocible como suya para cualquier seguidor de quien ha sido responsable de películas extraordinarias como Primer plano y El sabor de la cereza, aunque el cambio de territorio determina algunas variaciones. En ese sentido, hay en toda la película una secreta indagación de la(s) lengua(s) extranjera(s), de los efectos que tiene el lenguaje sobre los sujetos y sus comportamientos, de los que predican modalidades de argumentación, formas afectivas de expresión y • E D I C I Ó N N O . 3 7, 2 0 1 1 •

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El tema de fondo es filosófico y de carácter estético: ¿qué determina la naturaleza original de una obra? Shimell dará una primera explicación, y, como buen inglés, será una solución de índole naturalista (y analógica): la reproducción biológica no es muy diferente de la creación artística.

El origen es una copia o, dicho en otros términos, la creación es una derivación insólita de algo heredado, o una combinación extraña de elementos dados.

Kiarostami hace una operación inteligente y arriesgada: sobre el original del vínculo entre Binoche y Shimell, el director propone, a medida que avanza el relato, una reinvención lúdica y lúcida de este vínculo.

Es decir, en algún momento ellos imitarán y se apropiarán de elementos de sus propias vidas; así copiarán sus experiencias pasadas y jugarán a que son experiencias compartidas.

EL CINE QUE NO VEMOS En uno de los momentos más felices del film, que transcurre en una cantina, una matrona italiana los confundirá con una vieja pareja, error de percepción que será tomado por Binoche al pie de la letra. De ahí en adelante, copiando secretamente datos de sus propias vidas, se establece un juego amoroso, sublimado por la conversación y quizás resuelto en un fuera de campo magnífico que empieza justo cuando termina el film.

“Copie Conforme” es un examen placentero de la conversación como una erótica y una estética

Algunos planos de Kiarostami son inconfundiblemente suyos: cuando se decide por un plano y contraplano, su método de trabajo es inconfundible. Casi con seguridad, Binoche no está hablando con Shimell sino directamente con el propio Kiarostami. La película transmite una obsesión con los espejos, que suelen cumplir una

función específica en el montaje: simular la lógica del plano y contraplano.

La interacción entre clases sociales constituye una marca del cine de Kiarostami: aquí, sus dos personajes pertenecen ostensiblemente a una clase pudiente. No obstante, un encuentro callejero con unos ancianos, el vínculo esporádico con un mesero y el intercambio de Binoche con una mujer mayor sugieren la vigencia de una preocupación verificable en casi toda su obra.

Esencialmente peripatética y formalmente impecable, la nueva película de Kiarostami es un examen placentero de la conversación como una erótica y una estética.

Un hombre y una mujer se enlazan en las palabras, y en el intercambio de signos escriben sus identidades.

EL CINE QUE SE VE

SUSPENSO

EMOCIONAL LOS MARZIANO (Ana Katz, Argentina, 2010)

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os planos iniciales de Los Marziano expresan un juego estético y un sentido del suspenso. En cuatro planos, su directora, Ana Katz, sitúa simbólicamente a Luis (Arturo Puig), uno de los Marziano, que es médico, buen mozo, rico, casado, con dos hijos mellizos jóvenes y una mujer que lo ama. Vive en un country cerrado y le gusta jugar al golf.

Los planos generales delimitan un territorio y un concepto sociológico.

Inmediatamente, los planos subsiguientes introducen al otro hermano, Juan (Guillermo Francella): vive en Misiones, conduce un ciclomotor, busca trabajo, y tiene una hija en Buenos Aires; en este pasaje se lo ve con

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una mujer más joven y una niña, vínculo que no se explicita. En algún momento, Luis caerá en un pozo. En otro pasaje, Juan no podrá leer una señal de una ruta.

En el lucido (y lúcido) montaje paralelo que abre la película ya están implícitas las coordenadas simbólicas de la totalidad del film. Son vidas paralelas, dos universos definidos por la pertenencia de clase (lo que remite al pretérito concepto de movilidad de clases), cada uno con un conflicto personal a resolver: por un lado, los misteriosos pozos de la cancha de golf en donde caen los vecinos (que viven en un encierro deseado, en búsqueda de una vida segura y tranquila) constituyen la obsesión peculiar de Luis.

EL CINE QUE SE VE Por el otro, Juan necesita saber qué sucede con su visión, aunque quizás le preocupe más digitalizar los casetes de un programa de radio en el que trabajó durante 15 años. ¿Necesita anteojos? ¿Es Alzheimer? ¿Un problema neurológico desconocido? Lo cierto es que no puede leer. Si bien en geometría las paralelas nunca se juntan, en algún momento, Luis y Juan, hermanos de sangre y desde hace tiempo distanciados (nunca se sabrá la razón), tendrán que encontrarse.

Ana Katz no está muy lejos en su tercera película del universo de Lucrecia Martel. La interacción de clases, la familia y la decadencia atraviesan Los Marziano (y también el Juego de la Silla, la ópera prima de Katz). Pero existen diferencias: no hay perversión, ni tampoco una sociología que mueva los hilos de las criaturas en función de demostrar una tesis filosófica sobre la conducta de una clase, lo que no significa que Katz no entienda muy bien las diferencias de clase, sus modismos lingüísticos, sus temores y anhelos.

“En este misterioso género inventado por la joven Katz [...] se sugiere que cualquier relación comienza (o se retoma) cuando la razón termina” El costumbrismo, un género proclive a la imposición de un imaginario de clase para hablar sobre otra, es trastocado en su costado reaccionario y así deviene en su opuesto. Katz apuesta a una interacción casi utópica, y llega incluso a sugerirlo con un detalle casi irreconocible: tanto un médico que atiende ocasionalmente a Juan como el propio Luis leen un periódico progresista.

Rita Cortese, Arturo Puig y Guillermo Francella son hermanos, y Mercedes Morán, la esposa del personaje de Puig en la película de Ana Katz (centro).

Las elecciones formales son admirables. Las elipsis, los parsimoniosos travellings hacia adelante, las panorámicas y todas las interpretaciones construyen plano tras plano una película sin fisuras. Desde un plano en picado de transición sobre un pescado en un plato hasta el travelling y el plano general cuando se muestra cómo un personaje atraviesa un vidrio, Katz elige el tiempo justo de cada escena.

Y quizás no sea necesario decirlo: el modo en el que propone el encuentro entre los hermanos y el tiempo que se toma para que ese evento tenga lugar implican una comprensión cabal del relato cinematográfico y del costo irreversible que conlleva sostener un enojo.

En este misterioso género inventado por la joven Katz, que podría llamarse suspenso emocional, se sugiere que cualquier relación comienza (o se retoma) cuando la razón termina.

En Ascochinga Polo Club se jugó la octava fecha de la Copa de Oro, uno de los torneos de mayor prestigio de la provincia de Córdoba.

Presencias como las de Tomás y Delfín Rueda, Martín Passara y Tomás Fernandez Ocampo, le dieron brillo a este evento deportivo, realizado en increíbles instalaciones, con muchas presencias importantes y un desfile exclusivo para finalizar la jornada.

UN ENCUENTRO QUE BRILLÓ

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SACRECOURE

La alegría de vivir en la simpleza Sacrecoeur no es una marca para fashion victims, la idea de crear vestidos atemporales que puedan servirnos una y mil veces, atrae a todo tipo de mujeres sin calificar su edad. Seguimos tendencia pero no es el todo para nosotros.

Nuestra meta: hacer del vestido, la prenda para toda ocasión, reviviendo el sentido estético de la misma como prenda símbolo de la femineidad , seguridad y sensualidad que una mujer despliega en su ser.

Por eso dentro de nuestra colección, se puede encontrar tres líneas bien diferenciadas por sus formas, texturas y diseño.

DAY TIME

CLUB CHIC

PREMIUM

Es una línea de vestidos urbanos. Esta temporada bien representados en tejido de lana y modal.

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Inspirada en la Disco de los 70 este invierno.

Responde a un estilo mas glamoroso y rebuscado donde el brocato o la seda son protagonistas. Ideal para bodas o cocktails. Alta noche.

Con ánimo de crecer, este Inverno 2011, lanzamos nuestra segunda marca SCR, que se comercializa en nuestro exclusivo. Una petit collection muy canchera de remerones, abrigos de lana y calzas.

Prendas urbanas que ofrecen una propuesta simple y directa para la mujer que busca la comodidad sin perder la elegancia.

SACRECOUR DRESSES · Paseo del Jockey Lun. a Dom.: 10 a 21 hs. · Lorena Martínez: (0351) 153-709430 · Por ventas mayoristas: (0351) 156-063215

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