The Good News No. 38

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FLASH NOEL GALLAGHER SE LARGA SOLO Noel Gallagher lanza su primer disco solista que llegará el 17 de octubre bajo el título de High Flying Birds, nombre con el que también bautizó a su nueva banda.

Al mismo tiempo el británico anunció que ya viene trabajando en un segundo álbum que llegará en 2012.

Según los dichos del propio Noel, se trataría de una colaboración junto al dúo de DJs Amorphous Androgynous.

CATUPECU PARA SETIEMBRE La producción de lo nuevo de Catupecu está a cargo de su frontman Fernando Ruíz Díaz y el tecladista de la banda, Macabre, y tiene fecha de salida para fines de setiembre. Los Catupecu vienen de sufrir la salida de su mánager, Fausto Lomba, y del baterista Javier Herrlein (ya reemplazado por Agustín Rocino, ex bajista de Cuentos Borgeanos).

A fin de julio salen para New York para masterizar el álbum.

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MORRISSEY, MORRISSEY El ex líder de The Smiths se prepara para sacar a la luz su décimo trabajo de estudio, y puso a disposición de sus fanáticos “Action is mymiddle name”, “The kid’s a looker” y “People are the same everywhere”, tres nuevas canciones que pertenecen al sucesor de Years Of Refusal (2009) y que suenan en su sitio web. Mientras tanto, Morrissey, con el disco ya listo, sigue a la espera a firmar con discográfica.

SUPER HEAVY VA MUY EN SERIO Tal y como te habíamos contado, Mick Jagger armó una súper banda, se llama Super Heavy, y reúne a Joss Stone, Damian Marley, Dave Stewart de Eurythmics y al hindú A.R. Rahman. Al parecer las cosas van en serio porque, además de tener fecha para el lanzamiento de su primer disco (20/9/11), ya suena en la web el primer adelanto.

El extracto, de poco menos de un minuto, pertenece a "Miracle Worker" y suena a un reggae muy bien planteado sobre la voz de Joss Stone y los coros de Marley Jr., con claras influencias del soul que la blonda lleva como marca registrada.

La banda de Kurt Cobain vendió más de 30 millones de copias de éste, su segundo trabajo de estudio, en las últimas dos décadas y eso no puede ser una casualidad.

MADONNA VA POR LA DOCENA La reina del pop comenzó a grabar el 4 de julio el sucesor de Hard Candy (2008). Así lo confirmó su manager Guy Oseary en su Twitter y, aunque no hay muchas novedades al respecto, se habla de remasterizaciones y grabaciones inéditas relacionadas con su The Blond Ambition Tour de la década de los 90´s.

A 20 AÑOS DE “NEVERMIND” A 20º aniversario de la publicación de uno de los discos más increíbles de todos los tiempos, se prepara la (¿obvia?) reedición de Nevermind, el mítico álbum de Nirvana.

Llegará el 19 de setiembre y tendrá una versión “Super Deluxe” que contendrá cuatro CDs con temas inéditos, rarezas, mezclas y apariciones en la BBC Radio, mientras que el DVD traerá un concierto inédito de la banda.

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LA DÉCADA DE LOS OCHENTA PASÓ CON MUCHO RUIDO Y ALGUNAS NUECES. FUE LA DÉCADA RECORDADA POR SIEMPRE COMO LA DE LA SUPERFICIALIDAD, EL HEDONISMO LLEVADO AL EXTREMO, LA ARROGANCIA Y LOS EXCESOS DESBORDADOS, Y DE HABER IMPUESTO ALGUNOS CLICHÉS ESTÉTICOS QUE HOY CAUSAN VERGÜENZA AJENA, A TRAVÉS DE VIEJAS Y DESCOLORIDAS FOTOGRAFÍAS ESCANEADAS. MARTÍN BRIZIO Crítico de Música

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a última década de la “guerra fría” fue la era del propagandismo yanki más exacerbado, la era Reagan, de las rockys, los Chuck Norris, y los soldados americanos buenos, dispuestos a dar su vida por salvar al planeta del germen comunista, malo, “muy malo”; la revancha llevada al cine de la guerra que perdieron en el campo de batalla, esa herida vietnamita que no cicatrizará jamás.

L

el título.

Segunda visita a nuestro país, con la formación original y con el cargamento a pleno de todos sus hits. Dos shows en el Malvinas Argentinas que resultaron excesivos, habida cuenta de que el primero tuvo una concurrencia por debajo de la mitad del recinto, y el segundo con un apenas digno 70%. Los chicos malos de Los Ángeles salieron con todo: puesta austera, sonido poderoso y “Wild Side” que lanzó la primera piedra.

Un set list a medida de los fans, en el marco de los festejos de los 30 años (la excusa de la

“ MÁS GORDOS, MÁS VIEJOS, CON LA MARCA DE LOS EXCESOS A FLOR DE PIEL Y RECORDÁNDONOS A CADA PASO QUE ALGUNA VEZ OSTENTARON EL CETRO DE SER “LA BANDA MÁS PELIGROSA DEL PLANETA” ”

Uno de los tópicos más característicos de todo aquello fue el “hard rock americano”, “soft metal”, o “hair metal”, esa expresión del rock más duro y visceral, edulcorado y pasado por el filtro de MTV y la explosión de las FMs, y cuanta calza, pañuelo bandana, make up y spray ande suelto, destrozando charts, rankings de ventas, y récords de todo tipo. Todo giraba alrededor de Los Ángeles, la meca de aquellos glamorosos días. Mötley Crüe es la banda que mejor resume lo que fueron esos años descontrolados de la California ochentosa; más gordos, más viejos, con la marca de los excesos a flor de piel y recordándonos a cada paso que alguna vez ostentaron el cetro de ser “la banda más peligrosa del planeta”, hasta que los Guns n` Roses se quedaron con

gira) donde no faltó nada. “Shout at the devil”, la balada “Home sweet home”, “Primal Scream”, “Same ol` situation”, “Dr. Feelgood”, la bellísima “Dont go mad, just go away” (Top 1 en mi ranking Crüe), el cover Beatle “Helter Skelter” (incluído en el segundo álbum), la fiestera “Smokin in the boys room” (otro cover, pero del tercer disco) y muchas más. Cierre a toda furia con “Kickstart my heart” de un show de más de dos horas, que tuvo momentos para que cada integrante se luzca con su propia perfomance: el solo de viola de Mick Mars, las arengas del bajista Nikki Sixx (el líder de la banda), los agudos forzados de Vince Neil y, por supuesto, el show aparte que significa Tommy Lee (sí, el ex de Pamela), tal vez el mayor frontman que tiene la agrupación, no sólo atrás de su gigantesca batería sino con irrupciones permanentes, micrófono inalámbrico mediante. Fin para esta visita guiada a los ochentas de la mano de uno de sus mayores representantes, en una especie de juego cómplice que deleitó a las “Chicas, chicas, chicas” de hoy y principalmente a las de ayer, que orgullosas mostraron sus siluetas un tanto perjudicadas por el paso del tiempo pero con la actitud intacta; acaso lo único que cuenta.

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SOBRE UN FONDO BLANCO Y EN LETRAS NEGRAS, ROJAS Y AMARILLAS, ESTABA IMPRESA EN EL AFICHE LA GRILLA DE BANDAS DEL FESTIVAL LANZAMIENTO DE UNA NUEVA RADIO: TANDEM, ROLO CASAS, EGO NON FUI Y BAILA EL MONO, POR CÓRDOBA, Y DESDE BUENOS AIRES, PELIGROSOS GORRIONES, LOS BRUJOS Y LOS VISITANTES. CARLOS RIVAROLA Director Artístico Rock & Pop · 95.5 FM / Good News · 90.3 FM

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horas antes del gran día, Alejandro Almada, mánager de los Gorriones, me avisa que no van a poder venir por una indisposición del cantante, Francisco Bochatón.

Almada, un tipo noble y sereno que atravesaba

sus 15 minutos de gloria en la música, me propuso traer a una banda nueva que, según su pálpito, nos iba a volar la cabeza. A mí la idea no me cerraba mucho, pero terminamos negociando por los bondis, el hotel y cachet cero.

El evento arrancó con sol y mucho retraso. La gente disfrutaba pacientemente de la hermosa geografía del teatro griego, mientras afuera la policía se pasaba de rosca con algunos que no querían soltar la caja de vino.

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Una vez concluido el set de las bandas locales, el turco Aquere agarró el micrófono para blanquear oficialmente la baja de los Peligrosos, y presentó a los ignotos que habían venido en su reemplazo. Algunas luces comenzaban a encenderse cuando Catupecu Machu saltó al escenario con una determinación que nos puso a todos en alerta.

Dos veinteañeros que, además de tocar el bajo uno y la guitarra el otro, eran hermanos, y un adolescente que no pasaba los 15 atrás de la batería, arrancaron con un “Dale!” bien fuerte como grito de batalla, una batalla que ya consideraban ganada desde se enteraron que tocarían en Córdoba.

La furia de esos primeros acordes puso rápidamente al público dentro de sus bolsillos, aquella tardecita que ya era casi noche. Fernando, el mayor de los Ruiz Díaz, punteaba y cantaba como un poseído, Miguelito Sosa, con el cuerpo enteramente decorado con calcomanías de la radio anfitriona, le daba a la batería como si delante de él estuvieran Mollo y Arnedo, y Gaby, Gabriel Ruiz Díaz, saltaba sin parar y se ganaba el podio de las anécdotas cuando, promediando el show, descalzo y sin remera, corrió cuesta arriba por los escalones del teatro, mezclándose entre la gente sin dejar de disparar con su bajo.

arengadoras aún inéditas en el mercado.

Después fue el turno de Los Brujos, y bien tarde Los Visitantes dieron por concluida la velada. A desconcentrar, a desarmar, y a buscar un plan para descargar toda la adrenalina acumulada.

Esos mil y pico que estuvieron allí esa jornada de 1996 disfrutaron antes que nadie los versos desaforados de “Calavera Deforme”, “La Polca”, “Elevador”, y todas esas melodías

Mientras veía como se alejaba caminando rumbo al hotel, y retomando de a poco la calma, reflexioné un instante, mientras me devoraba un exquisito choripan.

La fiesta se terminaba y la leyenda comenzaba a facturar otro jugoso capítulo. Pero el saldo más auspicioso fue el debut de los Catupecu, convertidos, de allí en más, en la nueva gran promesa del rock nacional.

El tiempo se encargaría de poner a la banda en el lugar que se merecía.

“La furia de esos primeros acordes puso rápidamente al público dentro de sus bolsillos”

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Miguelito cambió de nombre y de instrumento, ahora se llama Abril y hasta hace no mucho cantaba en Cuentos Borgeanos.

A Gaby se lo vio una madrugada volviendo a casa, pero nadie sabe bien si alguna vez llegó, y Fernando, su hermano, socio y cómplice, mientras lo sigue esperando, transformó el dolor en canciones y siguió adelante con nuevos compañeros de ruta.

A Almada lo perdí aquella noche en la avenida del Dante después de darle un abrazo y agradecerle por su sabia insistencia: “Llamame así armamos algo con estos pibes, y deséale de mi parte a Francisco que se recupere pronto”, le dije.

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GN: Hablás de vos como “artista mediana”, pero en realidad sos un peso pesado…

HL: Pero hablando en términos comerciales, en el campo de lo veraz, no soy una música que pueda hacer un Orfeo; hay pocas mujeres que pueden hacerlo, en realidad no sé si hay alguna. Tal vez haya sido Mercedes Sosa en alguna época.

Yo no puedo llenar un estadio de cinco mil personas. Eso no significa que sea más o menos pesada, estoy hablando de una realidad de dimensión. Las damas no somos muy convocantes.

GN: Vos sos de una generación de músicos en la que era necesario cantar bien. Ahora parece que cualquiera que se anime, canta. ¿Qué opinás de eso?

HL: Para mí es buenísimo que cualquiera pueda cantar. Yo no sé si soy buena o mala cantante, depende de cómo te compares (y no es falsa modestia), pero con lo que tengo me arreglo y soy feliz.

GN: El tema es que si con lo que tenés hacés feliz a los demás…

HL: Pero eso ya no depende de mí. Vengo laburando hace muchos años y tengo mi gente. Por ahí no lleno un Orfeo o un Luna Park pero sigo haciendo mi trabajo desde un lugar genuino y a algunas personas les doy felicidad.

si perdía todo. Siempre trato de ser auténtica y ya no lo era. No estaba siendo verdadera conmigo y eso se transmite. Y como soy una vasca intrépida y no escuché las voces que me decían “¡Cómo vas a dejar eso, no te vayas!”, dije “no, yo me voy”. Agarré el mapa y decidí venirme a Córdoba porque está en el centro de la Argentina, con seis provincias alrededor, para viajar en auto, estar con la naturaleza… después, el auto se me hizo bolsa por las montañas y la realidad me llevó a otro lugar (risas).

Pero estaba muy entusiasmada de cumplir el sueño que muchos tienen en la ciudad, que es dejar todo e irse a vivir a la naturaleza. Y eso me dio fuerza para volver y me causó sorpresa, a su vez, porque en realidad no sabía qué iba a hacer después. Me ofrecían contratos a tres años y yo decía “no sé si después quiero ser cantante de rock, dedicarme a la fotografía o hacer radio”.

Además, me pasa que muchas veces fantaseo con volver al campo. Mi hija, que nació en Córdoba, ama andar a caballo y yo allá la llevo a tomarse el subte.

GN: ¿Cómo pensás que es ser hija de Hilda Lizarazu?

HL: No lo sé, habría que preguntarle a ella en unos años. Creo que está bueno.

GN: En un momento metiste un “parate” en tu carrera y te viniste a vivir a Córdoba. Pero lo que más me gustó es que mientras mucha gente está buscando un minuto de fama, alguien diga “me bajo de esta”, y lo mejor es que pudiste ir y volver…

GN:¿Pero ella sabe quién sos?

HL: Sí. Yo no quiero que sea “hija de”, porque hay muchos exponentes de “hijos de” que se meten en lugares que no están buenos, y yo quiero inculcarle otros valores que no tengan que ver con esto de los medios y la fama porque es comidilla muy barata.

HL:¿Viste qué loco? Lo hice porque estaba absolutamente convencida de que no podía estar en ese lugar donde estaba porque no quería, y no me importaba

GN: Yo me refiero al conocimiento de tu carrera, a la transmisión de otras épocas…

HL: Con mi hija no hablo mucho del pasado, es más el afuera el que lo hace.

Yo soy su mamá, la reto, le pongo límites y pienso en cómo puedo hacer para que me dé bola, porque haciendo una analogía de lo ecuestre: la tengo que tener muy corta de freno porque es una yegua briosa (risas).

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GN: ¿Futuro Perfecto qué es?

HL: Es este presente, es un tiempo verbal, es un disco escrito en presente, pasado y futuro (ese sería como un mensaje medio subliminal). Además de la parte filosófica (que es una filosofía de aceptación), el poder hacer un tercer disco como solista, de poder seguir cantando y viviendo de la música, es buenísimo. Uno es artífice de su propia moldura, hay que ser consciente de que uno se va armando y puede cambiar.

GN: Me impresionó mucho tu video grabado en Tigre…

HL: Es un video que lo que más tiene es arte. Trabajamos con una escenógrafa amiga, y una vestuarista con la que armamos vestidos con cosas recicladas de ferias americanas, y quedaron realmente muy buenos, como un vestido hecho de corbatas. Es un video con mucho arte y muy poco presupuesto.

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momento especial para mí.

Después, épocas con Charly García, como cuando salimos a Latinoamérica por primera vez con Los Enfermeros, y me tocó vivenciar show inolvidables como una plaza de toros en Medellín, ¡fue increíble!

GN: ¿Te acordás de todos los shows que hiciste? Yo te vi en General Pico por ejemplo ¿Recordás ese show?

HL: No sólo no me acuerdo de lugares donde toqué, no recuerdo lugares donde he estado y caminado. La semana pasada estuve reunida con Dani García y Fernando Samalea, estuvimos viendo filmaciones de giras, lugares donde estuvimos, y situaciones que vivimos que no recordamos en absoluto, pero no por haber estado sobre-estimulada con químicos (risas). Por ejemplo, olvidé una situación en Francia con Rubén Juárez donde él tocaba “No voy en tren, voy en avión”, cosas increíbles. ¿Será que existen cuestiones físicas que nos hacen más o menos memoriosos? Hice un montón de cosas que no recuerdo… lo de General Pico por ejemplo, ¿estuvo bueno el show? (risas).

GN: Recuerdo una época del rock en la que no éramos tan sectarios, que podíamos compartir cosas sin descalificar. ¿Qué época recordás como dorada?

HL: Recuerdo un show en el Chateau Rock con Man Ray y Sumo (año 1985 ó 1986) donde Luca estaba eufórico, con pelucas llamativas.

Recuerdo ese show pero no fue un momento glorioso de Man Ray; quiero decir que fue un

GN: ¿Cuál es la gran cantante argentina del rock?

HL: El momento de rock de Celeste Carballo fue para mí lo mejor… y la tapa del disco es mía (risas).

Me enorgullece porque me tocó estar mientras grababa el disco y

era su época punk; ella estaba un poquito fuera de foco (como sacada), se había pelado, estaba muy rockera; es más: le saqué las fotos mientras cantaba y prendía un pucho. Siempre me impactó muchísimo ese momento de autodestrucción, y además el disco me encantó. Es una cantante que caló en mí.

El “pelado” Cordera habla.

Dice cosas. Y, por lo general, cosas que hacen que uno pare la oreja porque no son intrascendentes. Con motivo de su segundo disco solista, La Caravana Mágica, el ex frontman de Bersuit vino a Córdoba y habló en exclusiva con nosotros de su nuevo rumbo artístico, despegado del rock y enfocado decididamente hacia la cumbia, de su nueva forma de componer y, principalmente, del regreso de su ex banda.

MARTÍN BRIZIO Crítico de Música Agradecemos a Radio Gamba la posibilidad de ejecución de la nota.

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ecién llegado de La Paloma, esa pequeña localidad uruguaya que desde hace algunos años lo apodó como "el hijo pródigo", y orgulloso de seguir mostrando su resistencia al progreso (no tiene celular ni computadora), levantó el teléfono (fijo) y, sin esquivar ningún bulto, se dispuso a prender un ventilador cada vez más pesado.

GN: ¿Como conviven en vos la tranquilidad de La Paloma (Uruguay) con la vorágine y el vértigo de Buenos Aires?

GC: Conviven perfectamente porque son dos energías antagónicas, que se equilibran entre sí. Yo necesito mucho de eso para poder descontaminarme de tanto ruido, de tanta información. De alguna manera allá vuelvo al alma y al cuerpo, y desde ahí vengo y puedo emitir mejor, más profundo, puedo estar más en mi centro; y acá me pierdo.

GN: ¿Cuál es la diferencia entre Suelto (primer disco como solista) y esta “caravana mágica”?

GC: La diferencia es que Suelto fue un disco concebido como un hobby, como una “escapadita” de mi antigua formación (Bersuit Vergarabat), pero nunca pensé en tener una carrera solista.

Después se dio por un montón de motivos y no estaba muy cómodo, estaba buscando un lugar.

Con el tiempo fui formando y conformando una banda, que ya tiene un tiempo y con la cual hicimos este disco, La Caravana Mágica; y ya el temperamento y la historia cambió de signo. Es un disco que tiene mucho de lo que es una tribu haciendo música; estamos descubriendo muchas cosas interesantes en lo que es la

Necesitan innovación, frescura, nuevos compositores; y nos consideramos eso: nuevos compositores de música tradicional.

GN: Pero ya en Bersuit siempre fuiste el que más aportó la cuota de cumbia, de murga, de candombe…

GC: Sí, “El Baile de la Gambeta”, “En la Ribera”, “Murguita del Sur”, “Un Pacto” ¡qué sé yo! muchos de los temas que yo compuse y que tienen que ver con la música tradicional latinoamericana. Es la veta que más me movió en Bersuit. Había otros que se dedicaban más a lo tanguero, otros al rock, a mí me gustaba más eso. Entre todos de alguna manera creábamos una mixtura y se generaba esa combustión.

Hoy, a esa alquimia la estoy teniendo con Matías Chávez (El Chávez) que viene de la cumbia electrónica, con Juanito el Cantor que viene del folklore electrónico, y con los chicos de La Paloma que tienen mucho que ver con la música tradicional uruguaya. Es interesante este combo. En este disco recién estamos comenzando a experimentar, y para el próximo (La Caravana Mágica Vol. II) estamos desarrollando otras cosas, como lo que hacemos en los shows con la gente que es ver lo que genera una canción que no conocemos, porque es una improvisación absoluta, desde que empieza hasta que termina. Estamos haciendo música ahí, como lo hacían las tribus; los humanos hacíamos eso: nos juntábamos a jugar con la música.

GN: ¿Te sentís formando parte de la movida de la cumbia electrónica?

“La música existió y existirá, antes y después del rock; no necesito de ese mundo para hacer música" música latinoamericana, y fundamentalmente en la cumbia. Estamos indagando en eso en un momento en el que es necesario indagar en nuestras raíces tradicionales.

GC: Totalmente. Formo parte de esa música y de esa ideología también, esa que se aparta bastante del estigma y del mundo del rock, “rock” ideológicamente hablando.

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Salimos de eso y entramos en el género música.

La música existió y existirá, antes y después del rock. Para mí es muy importante decirlo porque es una forma de habitar otro lugar, no necesito de ese mundo para hacer música.

GN: Cuando sacaste tu primer disco solista, hablamos con vos y nos llamaba la atención tu discurso muy combativo hacia el rock, como renegado. ¿Seguís pensando así?

GC: Sí, ya no con tanta vehemencia porque ya estoy en otro lugar, y agradezco muchísimo a toda aquella “oscuridad” de la que formé parte que y me trajo hasta aquí. Pero quiero abandonarla, para formar parte de una nueva era, la era de acuario, donde la música, la improvisación, la creatividad, la magia, la fantasía y la profundidad son más interesantes que las bengalas, las banderas, el aguante, esa cosa tan viril, de hinchada, que formó parte de lo que fue la década de los `90 y gran parte del 2000, pero que llegó a su fin.

GN: ¿Cómo nacen tus último hits: “La bomba loca” y “Asalto de Cumbia”?

GC: Fue una improvisación. En un momento salí a tocar a la gorra con dos amigos que ahora forman parte de la banda, y pedí una ayuda, “una limosna pa’ los músicos”. Puse mi gorra y la gente se sonrió porque lógicamente ver un artista que llenaba estadios pasando la gorra parecía

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“Estoy tratando de ser un poco menos inteligente y un poco más sensible” más un chiste que algo real; entonces, apareció un señorita muy jovencita y se ofreció ella en la gorra. Para nosotros fue un momento de mucha vergüenza, y respondimos con esa canción: “Con vos juego esta noche, juego a la bomba loca”, y después le dimos vida. Y el “Asalto de cumbia” nació en el Club La Aguada, donde se estaba haciendo un concierto para chicos que se estaban recuperando del paco, que salían a robar, entonces, jugando a “te robo esto, te robo lo otro”, Juanito el Cantor gritó “es un asalto de cumbia” y fue de una gestación. Estas dos canciones tienen mucha vida, no nacieron de la mente. Esto es fundamental para marcar la diferencia de componer, podés hacer una composición a través de tu mente o de la improvisación, que es justamente “ausencia de mente”. Son dos lugares distintos. Estoy trabajando hace mucho tiempo para ser un poco menos inteligente y un poco más sensible.

Un muerto que no para de nacer GN: No puedo dejar de preguntarte por Bersuit…

GC: Para mí Bersuit es una teatralización del pasado, dicho con mucho respeto. Fue la banda más importante que formé en mi vida; en aquel momento fue todo para mí, y cuando dejó de serlo por que la banda no tenía más alma y consideré que el ciclo había terminado. Lo sufrí, fue un duelo, lo padecí por más de dos años y hoy ya es pasado, estoy emprendiendo un nuevo viaje.

Sé que es doloroso para muchos de los seguidores, pero hagan de cuenta que estoy muerto.

Cuando alguien se va y parte nos duele, pero es lo que pasó. Mi corazón y mi alma están acá ahora, con un nuevo proyecto, con nuevos hermanos. Ya no me pasa nada con Bersuit.

GN: ¿No te molesta que hayan regresado?

GC: No, respeto lo que quieran hacer, es su destino, es su viaje, está bueno que lo hagan. Firmé

“Sé que es doloroso para muchos de los seguidores de Bersuit, pero hagan de cuenta que estoy muerto” para que ellos lo puedan hacer, cedí mi parte, todo lo que tenía ahí lo cedí en forma gratuita sin pedir nada a cambio, porque yo no iba a forzar a que eso no ocurra. Y si le sirve a la gente eso que ven, está buenísimo. Yo estoy en otro lado. Si no hay alma ni corazón, yo no estoy.

HOT SAUCE COMMITTE PART II Beastie Boys, 2011

DATA

Hubo un tiempo en que el mundo se parecía a un callejón con paredes llenas de graffitis, humo brotando desde las alcantarillas, y jóvenes enfundados en amplias remeras y gorras con viseras en la nuca, que caminaban a los saltitos con un skate bajo el brazo.

Era el tiempo en que el rap y el hip hop, en una alianza inevitable, se comenzaban a despegar de los padrinazgos, para consolidar una movida lo suficientemente sólida, que trascendió colores y fronteras con la velocidad de una rima.

Sin duda, los abanderados de aquella pintoresca revolución musical fueron los Beastie Boys, unos neoyorquinos con cara de adolescentes que nunca terminaron la escuela secundaria, que la pegaron con “Sabotage” y lograron ese plus que cualquier artista necesita para brillar un poco más que el resto, y que de paso sirvió

Nombre: Hot Sauce Committe Part Two Fecha: Abril, 2011 Producción: B. Boys Sello: Capitol Rec. Duración: 45 min.

para popularizar el género.

Luego de algunas intermitencias y de algunos silencios prolongados, los chicos bestias están de regreso con un interesante trabajo que reivindica la esencia combativa, y la actualiza para este presente, al que los scratches y los mensajes rebeldes le siguen viniendo como anillo al dedo.

Recomiendo Hot Sauce Committe Part Two de los Beastie Boys.

Para redescubrir la obra de una banda clave, haciendo foco en el hoy pero mirando de reojo el pasado, sin llegar a ponernos retro.

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LET’S GET LOST Bruce Weber, EE.UU., 1988

Este documental del fotógrafo Bruce Weber sobre Chet Baker, uno de los más grandes trompetistas y cantantes de jazz, ícono irresistible de la Generación Beat, no sólo permite entender un período de la música popular y un género, sino que funciona como un retrato generacional de una época.

Weber construye una puesta en escena por contrapuntos: fotos, material de archivo, algunas sesiones de grabación, registro de viajes y una entrevista elegíaca, un poco antes de su extraña muerte en Amsterdam, se cruzan con el testimonio de amigos, familiares, ex esposas y músicos. La dulzura inconfundible de su voz y su rostro de pugilista, su proclividad a la autodestrucción, imposible de inferir de sus modales y su música, son señales identificables aunque insuficientes para descifrar el misterio de un artista y su vida.

No alcanza con escuchar a Ruth Young maldecir el carácter manipulador de Baker, la envidia de otro trompetista y los testimonios de una madre dolida por su hijo heroinómano. El ostensible cansancio ontológico de Baker, su aura fantasmal, parecen el reverso necesario y la cifra de una melodía melancólica que atraviesa todas sus canciones, aunque el penúltimo plano de la película alienta a pensar que Baker vivió feliz en sus propios términos.

DATA Nombre: “Let´s Get Lost” Fecha: 1988 Dirección: Bruce Webber Género: Biopic Duración: 120 minutos Protagonistas: Chet Baker, Carol Baker y Vera Baker

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PABLO CANDI DJ Residente de JBG Cerro

EL SOUL ES UNO DE LOS PRINCIPALES GÉNEROS MUSICALES QUE ENGLOBA LA LLAMADA BLACK MUSIC, ÉSA QUE TUVO ORIGEN EN LAS COMUNIDADES AFROAMERICANAS DE LOS ESTADOS UNIDOS A PRINCIPIOS DEL SIGLO PASADO. • EDICIÓN NO. 38, 2011 •

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Los exponentes más reconocidos del soul son los legendarios Stevie Wonder, Marvin Gaye, Sam Cooke, Ray Charles, Otis Redding, Wilson Pickett, Aretha Franklin y James Brown, entre muchos otros. Pero luego de esa generación dorada, el soul se reformuló, renació unido a otros géneros más nuevos como el R&B o el hip hop, aunque nunca perdió su “alma”. A este nuevo soul lo llaman neo-soul, pero es soul, legendario soul, inspirado en sus orígenes, sin perder su esencia.

Aloe Blacc es uno de esos nuevos exponentes que honra las raíces del género, aún sumándole condimentos de otros ritmos.

“Necesito un dólar, un dólar es lo que necesito”, repite el estribillo de ese tema, y continúa: “Yo tenía un trabajo pero el jefe me echó, lo siento no voy a necesitar su ayuda no… Por favor jefe, necesito este trabajo más de lo que cree. Pero él me dio mi último cheque y me dejó en la calle”. Así retrata Aloe esta nueva realidad estadounidense de crisis, que contrasta con la que suelen mostrar los artistas pop.

Aloe Blacc es el nombre artístico de Egbert Nathaniel Dawkins III, nacido en Los Ángeles en 1979. Sus comienzos en la música lo tuvieron como MC de Emanon, una agrupación de hip hop underground. Luego se abriría camino solo, editando en 2006 su primer disco, Shine Through, para el sello Stones Throw Records.

El resultado es un gran disco, intenso, variado, que contiene canciones bien soul, algunos temas más R&B, otros bien hip hop. También sorprenden algunas canciones con ritmos latinos y cantadas en castellano, en homenaje a sus orígenes, ya que sus padres son panameños, como la curiosa versión del clásico de John Legend: “Ordinary People”.

Sin embargo fue su segundo álbum, Good Thins, lanzado en 2010, el que le daría reconocimiento mundial. El tema “I Need a Dollar” se transformaría en un hit al ser elegido como la canción introductoria de la serie How to Make It in America, de HBO.

Sus letras hablan sobre la pobreza, el desempleo, las fábricas abandonadas, los “sin techo”, pero también de cierta mujer y del amor

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Sus letras hablan sobre la pobreza, el desempleo, las fábricas abandonadas, los “sin techo”, pero también de cierta mujer y del amor, como

no podía ser de otra manera en un artista de música soul. Good things es un disco menos amplio que el anterior, más purista, más cercano a los grandes del género, lleno de reminiscencias sonoras de otras décadas, pero intimista, profundo y nostálgico.

El videoclip del tema “Femme fatale”, de inagotable blanco y negro, resume gran parte de la intención estética de éste artista. El estilo vintage de su vestimenta “sugiere la rica historia de la música negra y honra a los grandes músicos y cantantes que han allanado el camino para que yo sea un artista de soul hoy”, como admite él en un reportaje.

El estilo vintage de su vestimenta “sugiere la rica historia de la música negra y honra a los grandes músicos”

Mientras cada vez más artistas negros eligen unirse a la fría industria musical en productos repetitivos y vacíos, Aloe Blacc representa la tibieza de volver al camino que hizo grande a la música negra, la calidez del respeto a las raíces, el calor del alma.

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FLASH

BLANCO Y NEGRO Lenny Kravitz vuelve a la carga con su noveno álbum, un disco que según él mismo es el disco más diverso de su carrera, lleno de influencias de funk, soul, música africana y de jazz, mezclados con rock and roll. Black and White America, será su nueva producción y llega el 22 de agosto.

El primer adelanto del disco ya suena en la web y se llama "Stand", cuyo video es un lyric, una animación que va al ritmo de la canción y que muestra la letra El próximo 30 de agosto, en diversas tipografías y colores. llegará I´m With You, el décimo álbum de los Red Hot Chili Pepper, que traerá 14 temas. El ábum contará nuevamente con la producción de Rick Rubin y con Josh Klinghoffer -reemplazando a John Frusciante- en la guitarra.

El primer single será "The Adventures Of Rain Dance Maggie" y se podrá escuchar a partir del 18 de julio.

Además, se confirmó que RHCP tocará en nuestro país el 18 de setiembre pero no llegarán a nuestra ciudad.

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RAPERO RÉCORD A más de un año de la publicación de Recovery, Eminem ya es el primer artista en vender un millón de discos digitales en EE.UU a las que habría que sumarle las casi tres millones de copias físicas. El dato es impresionante, no por el número de copias vendidas sino porque los números indican que una de cada cuatro copias vendidas fueron en su formato digital.

Finalmente las discográficas empiezan a entender lo que los usuarios llevan años intentando explicarles: la forma de vender más es generar mayor valor agregado.

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Foto: Damian Benetucci

La primera vez que vi a Christian Basso en un escenario fue a principios de la década del ’80 en un pub de la calle Sucre, en el barrio de Belgrano de la Capital Federal. Tocaba el bajo en una banda en la que un amigo de mi infancia era uno de los guitarristas. La banda se llamada Clap, hoy por muchos olvidada, pero central a la hora de pensar y recapitular una suerte de vanguardia secreta que estaba presente, aunque difusa, en el universo del pop de la naciente democracia.

Roger Koza Crítico de Cine

Serú Girán dominaba el imaginario musical y Soda Stereo empezaba a constituir otro paradigma sonoro y rítmico. Clap constituía, en verdad, una tercera vía que no prosperó en su momento: recién ahora vemos hacia dónde evolucionaría discretamente esa posibilidad culta del pop incipiente. El Sexteto Irreal, las carreras musicales de Axel Krygier, Alejandro Terán, Adi Azicri y el propio Basso tienen su genealogía en aquella banda, casi fantasmal, que fue Clap.

Basso, hijo del gran contrabajista Héctor Basso, después de Clap pasó por varios proyectos musicales: el más conocido, sin duda, fue La Portuaria, banda que fundó con Frenkel. Desde el cambio de siglo, Basso viene desarrollando una carrera solista excepcional. Su música siempre ha tenido una dimensión visual, de allí que resulte lógico que sea uno de los músicos más requeridos a la hora de hacer música para cine.

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GN: ¿Cómo llegaste a interesarte en hacer música de películas? Tus discos solistas, en especial el segundo, La pentalpha, tienen una dimensión casi cinematográfica.

CB: De adolescente comenzó a gustarme mucho el cine e iba a esos ciclos en la Sala Lugones del Teatro San Martín en Buenos Aires, donde veía todas las películas de un director por semana (Kurosawa, Bergman, Fellini, Godard, etc.).

También veía un programa que se llamaba Función Privada; ahí comencé a despertar mi oído a las bandas sonoras de las películas, sobre todo las de Fellini y alguna de Saura con música de Erik Satie. Me gustaba cómo se infiltraban los ritmos populares (de eso me di cuenta más tarde). A esas bandas de sonido las grababa en un tape recorder y las solía escuchar fuera de la película.

Y me daba cuenta de la esencia de esa música, ya modificada por el efecto visual de la película.

En cuanto a mis discos solistas, es una manera de decir, ya que no soy un solista, sino un compositor de música para distintos ensambles, son algo así como “música para películas posibles”, como dijo algún crítico, al que agradezco haberme simplificado las cosas así.

GN: La música pertenece a un universo invisible pero tangible, mientras que el cine se constituye en un orden de visibilidad y luz. ¿Cómo se trabaja y se compone la música de un film?

CB: Es cierto, la música es invisible; es la prueba de la existencia de una inteligencia suprema, también el imán. Por eso el que inventó los derechos de autor ¡es un genio! (risas). El criterio para poner la música en películas es variado, depende mucho de lo que busque el director. Ya no corren los tiempos de Rota o Morricone, salvo el caso de Tarantino: casi nadie busca que la música sea un

“Secret Sunshine fue un hito, fue el primer largo que hice y terminó con un premio en Cannes” trabajar con ese tipo de directores. El tema de la manipulación a través de la música se da en general en el cine “dependiente”. Es lindo manipular al público, pero casi nunca me dejan (risas).

GN: Sin duda, lo intuyo, la experiencia más insólita fue tu participación en Secret Sunshine, el visceral e intransigente film del coreano Lee Chang-dong, un cineasta que, por cierto, no suele utilizar música en sus películas. ¿Cómo se contactó Lee con vos?

CB: Lee fue jurado en el BAFICI, y Eugenia Varas (una artista con la que yo había trabajado y era el “ángel” de Lee durante el festival) le regaló un disco mío. Después de dos años me escribieron un mail cuyo asunto era “Greetings from Korea”, que casi borro pensando que se trataba de un spam, en donde me proponían ser el director musical de Secret Sunshine.

“Hay directores que emparchan las debilidades del film con música” protagónico en un film. Los asiáticos han hecho punta con esto: la música como contrapunto.

GN: La función de la música en el cine es siempre problemática. La música anticipa situaciones, manipula y dirige sentimientos, embellece situaciones, dinamiza la velocidad narrativa de un film ¿Cómo lo ves?

CB: Hay directores que emparchan las debilidades del film con música: por suerte no me ha tocado 38 • E D I C I Ó N N O . 3 8 , 2 0 1 1 •

GN: ¿Cómo fue trabajar con él?

CB: Fue increíble la experiencia. A él le gustó mucho un tema de mi disco Profania que se llamaba “Criollo”, que hice junto con Diego Chemes, un artista plástico y amigo.

Lo raro es que ese tema estaba en un ritmo que ellos reconocían como propio del folklore coreano; le decían “punchak”. Yo, la verdad, no tenía ni idea. Pero estaban todos locos con ese tema, lo cantaban en el set.

GN: ¿Viste la totalidad del film y luego empezaste a componer? ¿Qué te pedía?

CB: Me mandaron un off-line, y empecé a escribir cosas; grabamos mucho material con Alejandro Terán, Guadalupe Tobarías, Santi Zambonini, Pepo Onetto, Pablo Chinen. La frase que sintetiza nuestra relación artística fue: “Christian, usá toda tu sensibilidad en hacer algo que no sea expresivo”. Ahí aprendí el oficio.

GN: Trabajaste también con Santiago Loza.

CB: Me gusta mucho su trabajo; lamentablemente, por una cuestión de tiempo, no pudimos trabajar mucho en conjunto en el concepto musical para su película. Él tenía bastante digerido el tema cuando me llamó, y lo que hice fue proponerle cambios y variaciones para tejer la música en la película.

“la música es invisible; es la prueba de la existencia de una inteligencia suprema”

TR3S POR TR3S GN: ¿De todos tus trabajos para cine, cuál es tu preferido?

CB: La verdad es que cada proyecto me ha aportado algo distinto y novedoso. Sí te podría decir que Secret Sunshine fue un hito, fue el primer largo que hice y terminó con un premio en Cannes. Fue un gran estímulo para empezar un nuevo camino. La película de Sabrina Farji, Eva & Lola, donde hice algunas canciones para Emme y

Celeste Cid, también fue muy estimulante, ya que fue mi primer trabajo en Argentina.

GN: ¿Qué compositores de música para películas te gustan?

CB: Rota, Morricone, Mancini, Preisner, que me tuvo que gustar porque les gusta a todos los directores (risas), Bregovic, Peer Raben, etc.

GN: ¿Cuál es la secuencia musical que más recordás en una película?

CB: La escena final en Miracolo a Milano de De Sica (1951).

DEL 1 AL 1O / EL CINE QUE SE VE Y EL CINE QUE NO VEMOS ROGER KOZA Crítico de Cine

UN DRAMA TEOLÓGICO EXCEPCIONAL Y UN DRAMA FAMILIAR INTELIGENTE RELUCEN EN LA CARTELERA DE NUESTRA CIUDAD.

DE DIOSES Y HOMBRES Xavier Beauvois, Francia, 2010 (10)

DADDY LONLEGS Joshua y Ben Safdie, EE.UU., 2009 (7)

EL CINE QUE NO SE VE

La religión es invencible. Más allá del espiritualismo light propagado por Hollywood año tras año, cada tanto el cine vuelve sobre un tema que no le es ajeno: lo religioso. El catolicismo, por otra parte, al menos en Occidente, parece estar en consonancia con el cine. De Bazin a Bresson, pasando por Tarkovski y Pialat, la sensibilidad religiosa parece ser connatural o contigua al refinamiento estético.

Planos y plegarias, luz natural y luz sobrenatural: el cine comparte con la religión una secreta esperanza por lo inmortal.

Para Beauvois, los monjes son, primero que todo, hombres...

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EL CINE QUE NO SE VE Basada en un caso real, acontecido en Argelia en 1996 (siete monjes trapenses fueron secuestrados y asesinados en medio de una escalada de violencia política en esta región del norte de África), De dioses y hombres, de Xavier Beauvois (El pequeño soldado), es un ensayo teológico y político admirable y por momentos conmovedor.

Misteriosamente, “De dioses y hombres” funciona como destilación de la mirada...

El film sugiere una razón política y estratégica: la vida de los monjes por la liberación de varios presos políticos. Es un contexto que no será revelado del todo, aunque queda claro que se trata de grupos armados vinculados con el fundamentalismo islámico. Pero Beauvois jamás sataniza al Islam: el abad, interpretado magistralmente por Lambert Wilson, puede citar tanto la Biblia como el Corán; Dios habla muchos idiomas, y un buen religioso no puede dejar de reconocerlo.

De dioses y hombres poco tiene que ver con las encíclicas de Benedicto XVI, la decadencia institucional y los miles de denuncias de pederastia.

Es antes que nada una reconstrucción preciosa y precisa de un estilo de vida, una invención singular y perversa de la especie humana, admirable y sospechosa, anacrónica y reparadora: la vida monástica. Estos monjes trapenses, que rezan, leen, trabajan la tierra, limpian, cocinan y cantan transfiguran sus acciones cotidianas en una contemplación en acción. Cada gesto, acto o palabra está orientado al creador.

Para Beauvois, los monjes son, primero que

todo, hombres. Sin duda son contemplativos, pero también son hombres de acción. Uno de los hermanos, Luc (otra gran interpretación de Michael Lonsdale), es el médico de la abadía, pero el ejercicio de la medicina no se circunscribe a sus compañeros de fe: es el médico de la zona, con quien se atiende la mayor parte de la población. No están allí para convertir y conquistar fieles, aunque el intendente de la ciudad, que está preocupado por la seguridad de los religiosos, no deja de recordarles que la presencia francesa es en última instancia un resabio de colonialismo.

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EL CINE QUE NO SE VE La tensión política crece paulatinamente. La primera irrupción en el monasterio fracasa ante la fuerza del abad y su conocimiento del Islam.

Los rebeldes quieren medicamentos, y en alguna ocasión el médico atenderá a un militar herido. No obstante, si de avasallamiento se trata, hay una secuencia que no necesita explicación: un helicóptero sobrevuela la abadía y los monjes perciben el peligro que proviene del cielo.

Esto precipitará una batalla sonora entre el sonido de una máquina de guerra y la unión de los monjes entonando cantos gregorianos. Es una tensión dialéctica, resuelta en un montaje paralelo muy pertinente.

Finalmente, vencerá el mal, pero un poco antes Beauvois habrá de filmar una epifanía, un verdadero acontecimiento en la pantalla. Como si se tratara de una fumata prohibida, Luc prenderá

una casetera y se empezarán a escuchar algunos movimientos de El lago de los cisnes, de Tchaikovsky. Unos bellísimos primeros planos sobre los rostros de los monjes revelan una

especie de orgía suprasensible. Sin duda, escuchar música clásica y beber un buen vino no está prescripto en las reglas de San Benito. Pero Beauvois sugiere que quizás sí esté implícito en el espíritu de las reglas, si esto produce comunión y hermandad, lo que no es sólo una metáfora simpática de la vida monacal. Beauvois captura una extraña versión miniaturizada del cuerpo de Cristo: en ese placer sonoro y sensorial los monjes son verdaderamente uno.

Después vendrá el secuestro y la muerte, lo primero frente a los ojos, lo segundo en elegante fuera de campo. Unos planos generales del bosque nevado y el monasterio, acompañados por una voz en off y una misiva, que ante todo es una defensa irrestricta de la fe, cerrarán el film.

Quizás Dios no exista, pero estos hombres fueron en aquel entonces semblantes reales o imaginarios de una posibilidad humana superior.

Misteriosamente, De dioses y hombres funciona como destilación de la mirada. Lleno o libre de dioses, el mundo podría ser un lugar bello.

N o m b re : De dioses y hombres (Des hommes et des dieux) G é n e ro : Drama D i re c t o r : Xavier Beauvois I n t é r p re t e s : Lambert Wilson (Christian), Michael Lonsdale (Luc), Jacques Herlin (Amédée), Philippe Laudenbach (Célestin), Xavier Maly (Michel), Loïc Pichon (Jean-Pierre), Olivier Rabourdin (Christophe), Jean-Marie Frin (Paul), Olivier Perrier (Bruno) D u r a c i ó n : 120 min.

O r i g e n : Francia A ñ o : 2010 44 • E D I C I Ó N N O . 3 8 , 2 0 1 1 •

EL CINE QUE SE VE

addy Long Legs (también conocida como “Go Get Some Rosemary”) es la última película de Joshua y Ben Safdie, que dos años consecutivos estuvieron en la Quincena de los Realizadores en Cannes.

Esta meditación intuitiva sobre el debilitamiento de la función paterna en una generación específica y una sociedad identificable puede remitir un poco al cine de John Cassavetes y Lodge Kerrigan. Hay una búsqueda ostensible de capturar la fluidez cotidiana y el carácter no narrativo de los eventos diarios.

D

N o m b re : Daddy Long Legs G é n e ro : Comedia dramática D i re c t o r : Joshua y Ben Safdie I n t é r p re t e s : Ronald Bronstein, Sage Ranaldo, Frey Ranaldo, Eleonore Hendricks, Leah Singe D u r a c i ó n : 100 min.

O r i g e n : EE.UU. A ñ o : 2009.

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EL CINE QUE SE VE

Aquí, un padre divorciado intenta cuidar a sus dos hijos pequeños y mantener su trabajo como proyectorista en un cine que exhibe clásicos.

La película está construida por situaciones: un viaje, una discusión con el rector de la escuela, una noche en una cárcel, una mudanza, una visita al Museo de Historia Natural de Nueva York, etc. Hay un momento límite que involucra a los niños, y los Safdie consiguen evitar tanto el

“Es una película muy triste, actual y universal, pues padres que no ejercen la función paterna pululan en las sociedades permisivas” golpe bajo como la tragedia orientada a maximizar un diagnóstico. Es una resolución difícil y de un suspenso sostenido por el que la manipulación funciona, eventualmente, como prueba moral para el espectador. Esa es la virtud del film: no juzgar al personaje jamás (sin tampoco justificarlo) y al mismo tiempo enfrentar a ese sujeto que bien representa a una generación de padres que jamás llegan a ser adultos del todo con el propio juicio de quien mira.

The Safdie Brothers, Benny (23) y Josh (25)

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Por momentos, los Safdie mueven la cámara al compás del Parkinson, y si esto implica denotar el desorden perceptivo del personaje habrá que contarlo como un logro. Es una película muy triste, actual y universal, pues padres que no ejercen la función paterna pululan en las sociedades permisivas.

Los breves titulares de los “Asuntos” en la Bandeja de Entrada, o los “SMS”, pueden convertirse en los nuevos poemas de la primera y ya segunda década de este milenio.

Me gustaría hacer una película, una comedia romántica…

Quizás empiece: …Te conocí un veinte de Junio, sábado… ENVIAR …Dimos unas vueltas en el auto mostrándote lugares para que lleves a tu padre a comer …Quizás fuera la noche más maravillosa que pude haber pasado …No podía dormirme …Y fue tan pleno subirme al auto temprano y que estuviera tu perfume …Hoy estoy en una emoción donde todo es mejor …Primero de Julio y te volví a ver …No sé qué pueda pasar, pero estoy dispuesto a todo…

Historias.

Siempre la que viene es la más importante, la extrema.

Extremista, cineasta, sensible, nadador, de Virgo, así me declaro. Creo que el agua me define, ahí me encuentro, discurseando solo, aturdido, escuchando poco el exterior y viviendo fantasías con antiparras que distorsionan todo, pero avanzo sin tocar tierra, transpirando, agitado, poderoso de a ratos, muy chiquito en otros momentos, cuando estoy fuera del agua mirando el mar, ahí me siento fuera de todo lugar.

Las lágrimas, la lluvia, los diferentes ciclos de la respiración, tan variables, tan cambiantes, según cada aventura, esto me detalla, me especifica. Me defino con mis amigos, mi familia, mi novia, con ellos lo tengo todo y a veces sin ellos siento que no tengo nada.

Me gusta la ingenuidad de no entender, no comprendo la música y me embriaga, así me pasa con todo, vivo para conmoverme, para admirar al prójimo, para juntar retazos y hacer con ellos una BIO - TEODORO "TEO" CIAMPAGNA creación de la que seguraNació el 12 de septiembre de 1978 en Capital Federal mente me sentiré insatispero residió toda su vida en Córdoba. Su tarea está centrada en la dirección pero alterna con la producción, asistencia de dirección, fecho.

Una película...

O tu suavidad, vos y mi remera.

fotografía y cámara en cortos y largometrajes.

Su highlight indiscutido es la reciente Hipólito 1935, un film que narra los acontecimientos históricos durante los comicios de 1935, bisagra en la denominada "década infame", a través de la vida Hipólito, un niño huérfano de 10 años. El cast está formado por Tomás Gianola, Pablo Tolosa, Analía Juan y Lucas Gamarra como Hipólito. Participan Luis Brandoni y Daniel Valenzuela.

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