The Good News No. 40

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FLASH

AL CINE CON PEARL JAM Antes de la inminente llegada de Pearl Jam a nuestro país, a partir del 20 de setiembre podremos disfrutar de Pearl Jam Twenty, un rockumental dirigido por el actor, director y crítico de música Cameron Crowe que cuenta la historia de la banda de Seattle en los tiempos previos a su formación.

El film está basado en unas 1200 horas de imágenes inéditas, y 24 horas de entrevistas y grabaciones en vivo. En paralelo se lanzará el CD con la banda sonora de la película.

PRIMAL SCREAM VUELVE EN 2012 Bobby Gillespie, líder de Primal Scream, anunció que en 2012 llegará el décimo trabajo de la banda. Además, adelantó que ya tienen varias canciones escritas pero aún nada concreto. La banda escocesa viene de un largo tour con el aniversario de Screamadelica y planean seguir trabajando hasta fines de octubre en el sucesor de Beautiful Future (2008) y comenzar a grabar durante el invierno boreal.

MADONNA: DETALLES DEL NUEVO DISCO La reina del pop ya está en pleno proceso creativo de grabación del sucesor de Hard Candy (2009) , y lo está haciendo a la par del productor y compositor Jean Baptiste (Black Eyed Peas, Rihanna, Kid Cudi, Jennifer Lopez). El nuevo trabajo de Madonna llegaría en algún momento del 2012, aunque los más optimistas esperan un adelanto para enero o febrero.

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MYLO XYLOTO, LO NUEVO DE COLDPLAY Se hace rogar la llegada del nuevo trabajo de Coldplay que ya cuenta con varios adelantos y con un nombre de lo más extraño: Mylo Xyloto.

El sucesor de Viva la Vida… traerá 14 temas y llegará el 24 de octubre.

Este nuevo trabajo de los británicos contará con la participación de Rihanna en el tema “Princesa of China”.

MUSE AL ESTUDIO La última vez que estuvieron en nuestro país llegaron opacados por la parafernalia audiovisual del 360º Tour de U2. Sin embargo, Muse es una de las bandas más importantes de los últimos años. Por eso nos alegra anunciar que la banda de Matt Bellamy se encuentra nuevamente en el estudio preparando el sucesor de The Resistance (2009), álbum que seguramente podría traerlos por estas latitudes en una muy probable gira de presentación.

MICK LE DICE NO A KEITH En 2012 se celebra el 50° aniversario del primer show de los Rolling Stones y, en una reciente entrevista, Mick Jagger declaró que sería mejor celebrarlo con unas placas conmemorativas que salir nuevamente de gira. Al mismo tiempo dijo que Keith Richards no podrá ser parte de los festejos (por la conocida polémica que generó la publicación de la biografía del guitarrista donde acusa a Jagger de convertirse en “una persona insoportable” a partir de los 80´s y revela que Mick tiene un pene muy pequeño).

METALLICA & LOU REED Lulu es el nombre del disco que grabarán estas dos instituciones del rock. Según los músicos el álbum narra las vivencias de una joven bailarina abusada, sus posteriores relaciones sentimentales y los avatares de una vida llena de altibajos. Por otra parte, Kirk Hammet, guitarrista de Metallica, aseguró que el disco suena muy distinto a lo habitual, que “suena a una nueva banda”, por lo que tendremos que esperar para ver qué se traen entre manos estos dos monstruos.

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[RELATOS URBANOS]

MIRÁ EL

REGALITO QUE TE TRAJE

Aquel verano de 1995, con media Argentina de vacaciones en el exterior gracias al embustero 1 a 1 con que el menemismo se aferró al poder, la FM Rock & Pop cumplía sus primeros diez años y decidió festejarlo nada menos que trayendo a los Rolling Stones.

Todo un país estaba revolucionado por la visita de la banda de rock más grande del mundo, según el speech de la campaña publicitaria, que tenía a una marca de helados como uno de sus principales sponsors.

CARLOS RIVAROLA Director Artístico Rock & Pop Cba. / Good News Radio

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n Córdoba funcionaba la única filial que por entones la radio tenía en el interior, y a mí me tocó estar en el lugar y en el momento indicado.

Invitado por mis jefes porteños, partí hacia Capital Federal para presenciar el primero de los cinco recitales que los Stones darían en la cancha de River.

Ni bien llegado, me sumé a la troupe local y me 8

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zambullí en el estadio con una bonita credencial colgando de mi cuello, mucho antes de la hora estipulada para el comienzo del show.

Después de recorrer varios pasillos y de sortear controles sin problemas, fui a parar directo al césped.

El Oso, un directivo de la

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[RELATOS URBANOS] radio (y amigote) que ya había visto el recital en otros países y conocía bien los detalles, me llevó hasta el centro del campo justo en el instante en que se dio puerta al público.

Ahí, paradito, me emocioné viendo cómo un malón ingresaba eufórico y le daba el puntapié inicial al espectáculo.

Luego subimos al sector de prensa para mezclarnos en la previa con una jauría de periodistas e invitados, y para participar de la trasmisión en vivo en la que trabajaba un enorme equipo encabezado por Mario Pergolini.

Alguien me regaló una remera con un 10 en la espalda; comenzaban a sonar las bandas soporte, la adrenalina crecía, el monumental estaba en llamas.

Antes que tocaran los Ratones Paranoicos, Bobby Flores subió para presentarlos mientras todos en aquella cabina lo arengaban a los gritos; tanto compañerismo me puso la piel de gallina.

Lo que siguió fue una gira por el backstage que me llevó hasta la puerta del mismísimo camarín de los ingleses, al que obviamente no accedí pero al que nunca -ni en la más perra borrachera- soñé con tener tan cerca.

Sentado en una butaca de la platea baja, que estaba a la misma altura y a pocos metros del escenario, me preparé para ver en acción a la banda de rock más grande del mundo, que puntualmente a las 21 salió a escena y desató la locura de esa multitud que los había esperado toda una vida.

Aquellos cuatro jovatos impecables, acompañados por tres coristas y por dos cámaras que lo filmaban todo para las pantallas gigantes, se comieron la luna llena de Núñez una noche de febrero que entró en los libros y se detuvo en la eternidad.

El Oso manejaba la hoja de ruta y yo lo seguía: “vamos para allá que viene Jagger”; “preparate porque se viene el solo de Richards”; “ahora vas a ver cómo se emociona Charlie Watts cuando la gente empiece con el Ole Ole Ole Charlie Charlie”…

Todo salía como estaba planeado. El Voodoo Lounge Tour era mágico y perfecto.

Los Rolling Stones al fin habían llegado a la Argentina.

Después de los bises todos brindamos con cerveza. Felices.

La radio de la que siempre fui fanático cumplía diez años y lo estaba festejando a lo grande.

Ya de regreso y analizando más en tibio el periplo, terminé de entender el mensaje de uno de los slogan fetiche en aquella época de la emisora que hablaba de la “familia Rock & Pop”, y que remataba diciendo: “Pertenecer tiene sus privilegios”.

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[ENTREVISTA: GERMÁN DAFFUNCHIO]

MARTÍN BRIZIO Crítico de Música

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ermán Daffunchio nos visitó en Good News Radio (FM 90.3) un día antes del show de Las Pelotas en Orfeo. En el preciso momento en que se prendía la luz de “aire”, para dar inicio a la nota, llegaba la triste noticia del fallecimiento de Bam Bam Miranda, alguien demasiado cercano a la escena del rock cordobés como para no generar impacto.

GN: No es el mejor clima para empezar la charla…

GD: Te voy a decir algo: si vos le preguntás a un músico cómo quisiera morir, te va a decir que tocando, asique Bam Bam murió en su ley, que esté en paz. Nosotros tuvimos la oportunidad de tocar con él, en el Captain Blue. Siempre estará en nuestros corazones. ¿Pero sabés una cosa?: ¿Qué sabés qué hay después de la muerte? ¿Quién carajo lo sabe?

Todo el mundo se preocupa y se pone mal, y quizás la gente que parte dice “que suerte que partí”. La ignorancia de la vida te lleva a tener miedo, a la tristeza; la tristeza es para los que se quedan, no para los que se van.

GN: Bueno, llegaron al Orfeo. ¿Significa algo en especial?

GD: Después de haber decidió tocar ahí, nos llamaban periodistas de Buenos Aires y nos preguntaban eso, y nosotros nos mirábamos y decíamos "¿qué?". No sabíamos que era tan trascendente en Córdoba tocar en el Orfeo, es lo mismo que nos pasó con el Luna Park en Buenos Aires: es el único lugar con esa capacidad para tocar, a la “mística” la tenía Monzón y los demás.

Estamos felices.

GN: Es raro esto de presentar un disco en vivo, pero es así.

GD: Lo raro es buscar una excusa para tocar, los discos en vivo no se presentan. De alguna manera en el Orfeo vamos a hacer un disco en vivo

[ENTREVISTA: GERMÁN DAFFUNCHIO] distinto al que hicimos en el Luna.

GN: Es tercer disco en vivo de la banda ¿no?

GD: Sí, uno va a aprendiendo. Al primer disco en vivo lo grabamos muy rudimentariamente, con una grabadora de 16 canales, fue muy complicado hacerlo, muchísimo trabajo. El segundo fue una recopilación de shows.

GN: Fue rara esa edición, la de “Show”.

GD: Fue extraño porque dijimos “vamos a grabar los shows”, y en un momento habíamos grabamos un millón y medio de recitales, y dijimos “saquemos un disco”. Y lo curioso es que como estábamos presentando Esperando el milagro, casi todo el show es ese disco, asíque no nos servía demasiado. Éste último, además de grabado, fue filmado, y ese fue un desafío muy grosso. Realmente está muy bueno, a mí me gusta mucho, porque lo importante que tiene es que la presencia del público es importante, porque es como una trilogía, faltaba esa parte para que sea perfecto.

GN: Y la carga emotiva que siginifica verlo en el escenario a Tavo (Kupinski, ex integrante de Los Piojos, guitarrista invitado de Las Pelotas fallecido en enero de este año en un accidente de auto)…

GD: Nosotros habíamos dejado el material prácticamente listo a fines del año pasado, y cuando lo abrimos de nuevo, y lo vimos, fue muy fuerte; y lo loco es que es el último show del Tavo y está súper pelotero. Se había integrado tanto, estaba tan feliz con nosotros que se nota y es un orgullo.

GN: Aplicando la famosa frase “lo que no te mata te fortalece”, en el caso de ustedes que tuvieron dos golpes terribles, ¿Cómo están hoy como banda, internamente?

GD: Estamos muy fuertes. Eso que decís es la vida misma, son esas cosas que uno no quisiera que sucedan, y suceden; y el aprendizaje es poner el pecho y seguir adelante más allá de todo.

“... La ignorancia de la vida te lleva a tener miedo, a la tristeza; la tristeza es para los que se quedan, no para los que se van...”

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[ENTREVISTA: GERMÁN DAFFUNCHIO] De eso se trata el grupo, Las Pelotas es un gran grupo de mucha gente. Y el espíritu está, y el pensamiento de que están con vos también.

Esta última muerte fue muy fuerte, nos costó volver a arrancar, por la tristeza, porque fue muy fuerte: la hija, la mujer… Y el pensamiento es qué hubiese querido él, y él hubiese querido que sigamos tocando. Lo mismo con Ale (Alejandro Sokol, ex cantante de la banda), yo sé más que nada que Alejandro está bailando con nosotros mas allá de todo.

Me pasa con los músicos que voy conociendo, que me cuesta tirarles buenas esperanzas, conociendo lo que es la profesión, y con el convencimiento que, al final del camino, si lo fuiste es porque lo eras. Y Fernando es un tipo completamente auténtico, sigue siendo el mismo que conocí aquella vez.

GN: ¿Estás más moderado de carácter o seguís siendo el mismo cabrón de siempre?

GD: Estoy más viejo, y por ahí aprendés a absor-

“Estoy más viejo, y por ahí aprendés a absorber todo lo que te dio la vida y te volvés más sabio.”

GN: Uno de los invitados que tiene el disco es Fernando Ruíz Díaz, a esta altura un gran amigo tuyo. ¿A partir de qué momento pegaron tanta onda y se hicieron tan “cumpas”?

GD: Creo que a través de las desgracias, las tragedias de la vida, no sólo los accidentes o pérdidas sino también de los corazones rotos. Esa historia más de bar, de vida. Nos conocimos con los Catupecu en Miramar, compartimos escenario y me encantó cuando vi el show, increíble.

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ber todo lo que te dio la vida y te volvés más sabio. Te proponés una mejor vida y no la vida de mierda que uno vivió cuando era joven. Creo que es eso. De todas maneras, las ganas innatas de asesinar las tengo (risas); bueno, no de asesinar, pero sí de armar un comando de exterminio (más risas). Estoy harto y recontra podrido de los garcas y de tanta boludez, no es que me sienta Superman, para nada, pero me da mucha tristeza lo que pasa.

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[OPINIÓN]

INCORRECTAMENTE POLÍTICOS

HACE POCO, INTENTANDO EXPLICARLE A UN SUB 20 EL SIGNIFICADO QUE TUVIERON LAS DÉCADAS PASADAS PARA EL ROCK ARGENTINO, ME AVENTURÉ EN UN REPASO QUE NO ENTRA EN UNA SOLA NOTA PERO QUE ME DEJÓ UN PROLÍFICO PRIMER SALDO. CARLOS RIVAROLA Director Artístico Rock & Pop / Good News Radio

Es regla destacar a los ´60 y los ´70 como los años en que el arte levantó la voz y salió a pelear por una identidad propia, con los ideales al gobierno y con el rock al poder.

Pero fue en los ´80, quizás con la recuperación de la democracia, cuando los astros se alinearon para armonizar una movida con el sustento y la rebeldía suficientes como para cambiar el rumbo de la historia.

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[OPINIÓN]

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ientras Charly García y el flaco Spinetta dejaban atrás grupos fundamentales como Serú Girán o Pescado Rabioso, y comenzaban a moldear en solitario sus momentos dorados con la música, aparecían en escena Sumo, Soda Stereo, los Redondos, Virus, Fricción, Fito Paez, Los Abuelos… entre otros nombres de peso que serían trascendentales.

Había delirio, frescura, libertad, pero también había un compromiso artístico dispuesto a exorcizar el odio y el dolor de las épocas mas recientes.

En los ´90 una nueva generación asomó en la escena, aportando aires de renovación.

Babasónicos, Attaque 77, Todos tus muertos, Los Brujos, Ikv, Los Visitantes, Los Caballeros de la Quema (y muchos más) se sumaban a los sobrevivientes (ahora ya consagrados) de la década anterior.

A esa época también se la recuerda por el “1 a 1”, la pizza con champán, y por la invasión de grupos extranjeros que llegaban como efecto de un mercado que crecía gracias a las marcas que se probaban el traje de sponsors, y al veranito financiero que se alentaba desde Anillaco y la Casa Rosada.

Ya con una democracia joven pero más curtida, el discurso bajó los decibeles; la herida de la dictadura comenzó a suturar.

Nacidas también en los ´90, bandas como Los Piojos, La Renga, Bersuit, y los ex Sumo Divididos y Las Pelotas, forjaron una obra que incluyó los últimos intentos contestatarios y que trascendió la frontera del siglo XX para lograr su punto máximo de madurez y de popularidad en estos flamantes 2000, tan empalagados de tecnología como famélicos de originalidad.

Y ahí se produjo el quiebre…

En el rock de hoy se habla poco y se dice menos.

Las bandas hoy se obsesionan por la profesionalización y no por las utopías. Ni siquiera la desgracia de Cromagnon logró una anarquía que movilice hacia un cambio real.

El caos parece estar guionado, y aquella rebeldía que hizo del rock una trinchera desde donde apuntarle al talón de Aquiles del sistema, hoy se reduce a un acting perpetrado por una multinacional para vender más teléfonos celulares.

Nos queda hurgar en la memoria y reivindicar un tiempo donde la revolución parecía un sueño y no una pose.

Quizás allí (si todavía a alguien le interesa) esté el impulso que nos haga retomar un camino cuya meta final sea nuevamente volver a nuestros principios.

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[ENTREVISTA: ADRIÁN DÁRGELOS] Agradecemos a “Invento Argentino” de Good News Radio 90.3 FM por parte del material de esta entrevista.

GN: Se presentaron en Orfeo, y más allá de lo musical, la puesta fue lo que más impactó a todos.

AD: Es que me traje todo el staff con el que hago los shows más grandes. Las luces son distintas, el show fue de casi dos horas (para nosotros es largo porque nuestros espectáculos son muy intensos), y toca-

mos temas que hace años no tocamos.

GN: ¿Se puede decir que fueron una de las pocas bandas que instalaron la idea de “dar un show” más allá de tocar música?

AD: Creo que sí. Yo siento mucho placer de tener la fortuna de mostrar mi música y encima darle la envergadura de un espectáculo donde manipulás finamente la emoción de la gente (porque es impactante). Es una impronta. Es algo que va más allá de la música. Para nosotros es un logro traer a Córdoba el mismo show que hacemos en Buenos Aires porque estimamos mucho al público de acá. He tocado en una enormidad de lugares en Córdoba, empezando por Varsovia, que fue uno de mis grandes lugares pero ni sé si lo recuerdan

GN: ¿Te gusta el nuevo lugar de Cosquín Rock?

AD: Toqué en los tres lugares en donde estuvo, y creo que el de ahora es el mejor. Cosquín Rock es uno de mis festivales favoritos (junto al Vive Latino de México). Me gusta que la gente viaje y que sea en el centro del país.

GN: ¿Recordás cuando presentaron “Infame” en la Laguna Azul?

AD: Sí, en un escenario flotante… ¡El frío que hacía esa noche! Perdón, pero a mí no se me ocurrió (risas). Igual, esas son noches memorables.

GN: Después de tantas presentaciones y discos, ¿la crítica y el público ven a la banda como vos querés que la vean?

AD: Me gusta pensar que lo que te persigue, que es la definición y el estereotipo, nunca te alcance. Creo que cada disco es diferente y con cada uno logramos un prisma para que tengas siempre una cara más de lo que es Babasónicos.

Quizá Babasónicos es una cosa en formación que tiene muchas caras, donde cada disco es un episodio que va representando una de ella. Me gustaría pensar que todavía faltan perfiles.

GN: ¿En El Mariscal tocaron?

AD: Sí. Hemos hecho tres o cuatro shows ahí. Un lugar emblemático.

El disco nuevo (A propósito) es un disco donde las melodías se entrelazan para hacerte recorrer claroscuros.

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[ENTREVISTA: ADRIÁN DÁRGELOS] GN: Hablando de A propósito: cuando Mario (Pergolini) presenta en la Rock and Pop el disco, inmediatamente comienzan a llover mensajes a través de las redes sociales; entre ellos, un tweett decía “es la banda más twittera de todas, cualquier frase puede ser un gran twitt”.

AD: Sí, lo recuerdo. Cuando salió el primer video (“Des-horas”) extractaron de ahí una frase que es “te haré firmar un comodato de pasión” y fue re-contra twitteada. Yo no sé porque no tengo twitter personal (la banda sí tiene uno), pero sé que se usan

GN: Pero ustedes son una de las bandas más fotografiadas de la historia reciente…

AD: Es que hemos dado mucho de qué hablar estéticamente. Y te sorprendería porque hasta estoy en fotos de libros de rock editados en el extranjero.

muchas frases nuestras y son top topic. Recuerdo también una frase que retwitteó Calamaro: “paguemos algo que todavía no rompimos”. Inclusive los periodistas de la revista Rolling Stone me contaron que se mandaban entre ellos frases nuestras por twitter. A mí me pone muy contento porque son de una artesanía mental compleja.

Nunca imagino que algo que pienso en silencio y la oscuridad vaya a ser repetido o amplificado.

y rock and roll, nombrando los personajes más erotizantes de Argentina y estabas en el segundo puesto (después de Gustavo Ceratti).

AD: Bueno, Ceratti es más lindo que yo (risas).

GN: ¿Es como ser interesante en 140 caracteres?

AD: Yo soy interesante en muchos menos caracteres. En realidad nunca dimensiono el tema de los caracteres porque no uso computadora. Y no sólo nunca uso computadora (porque escribo a mano) sino que nunca tuve cámara de fotos.

Entonces nunca me saqué fotos. Me han regalado fotos de shows y las tengo guardadas. Lo que pasa es que tengo una cara de loco que hace que me asuste cuando veo fotos mías (risas).

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Parece que somos una banda muy fotogénica; yo no lo sé porque no tengo cámara (risas). Para mí la vida es para vivir la foto, no para recordarla. No tengo ese fetiche.

GN: Hablando de fetiches: Much Music presentó un informe sobre sexo

GN: ¿Pero tenés esa intención de seducir?

AD: Yo trato de no hablar mucho porque no quiero que mis amigos que comparten el escenario conmigo me odien. De hecho no presento las canciones. Y por suerte no vi ese documental de Much Music porque me hubiera atemorizado (risas). Igualmente, las personas que tienen ese magnetismo no lo hacen conscientemente. Yo hago todo lo que me da vergüenza.

De hecho, si me miro al espejo me doy risa.

Creo que el mundo no es de los que quieren hacer, es de los que los demás eligen. Yo no es que quería ser un cantante de rock, los demás me pusieron; y puesto en esa circunstancia, exacerbé mi vergüenza. Hago todo de la forma más inmoral y lo que los demás verían como homosexual y denigrante. Salgo hasta desnudo.

GN: Con la desnudez tenés un tema…

AD: Yo salgo en zunga porque con short sale hasta Marcelo Tinelli, no puedo competir con la moda. Siempre quiero ser lo peor (risas).

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[YO VI: BABASÓNICOS]

Catsuit azul, cornamenta caprina, y cien por ciento de actitud para enfrentar a un Orfeo casi colmado. Así se presentó Adrián Dárgelos ante miles de hermosas y gritonas mujeres, y algún que otro rockero camuflado.

CAIO LAMBERTI Cond. Invento Argentino Good News Radio

Faltaban sólo cinco minutos para las 22 cuando las luces del estadio se apagaron y con un sutil fade in empezó a sonar “Flora y Fauno”, primer tema de A Propósito, último disco de la banda. Seis estructuras colmadas de luces LED daban la sensación, en perspectiva, de edificios entre los que apareció el mejor frontman del rock argentino.

La presentación del disco no fue la única excusa: también lo fueron los 20 años de la 22 • E D I C I Ó N N O . 4 0 , 2 0 1 1 •

banda, como sobrado motivo para hacer una recorrida por casi todos sus discos. Desde Trance Zomba, pasando por Babasónica, Miami hasta desembocar en los hitteros de Jessico e Infame. Luego de “Cuello Rojo“, “Sin mi diablo” y “Los Calientes” llegó “Des-horas”, primer corte difusión del último disco.

El rock es provocación… concepto que Dárgelos maneja a la perfección y lo hizo saber con “Pobre Duende” y la metáfora, con forma de reproche, del Cisne que secuestra al Duende. Guiño al “Rock Chabón” (Dárgelos dixit).

El Orfeo se convirtió en una pista dance para recibir a “Deléctrico” y vibrar con los casi nueve minutos de la seguidilla “Muñeco de Haití/El Sultán/Jaula”.

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[YO VI: BABASONICOS] Cuando todo parecía caer en escenario. un “Valle de Valium”, aparePara el final hubo tiempo ció la inconfundible combipara algunos clásicos como nación en la batería de Diego “¿Y qué?”, una versión remi“Panza” Castellano para dar xada de “Egocripta”, y el flapaso a “Irresponsables” y al mante “Fiesta Popular” (para enardecido coro de la platea mí el mejor corte del disco). femenina.

Y el cierre definitivo estuvo a Más tarde, los clásicos cargo de una de las mejores “Pijamas” y “Putita” para canciones del rock de los desembocar en una de las ´90, “Demonomanía”. canciones con más power de la banda, la que para muchos Fueron dos horas de rock y justificó la dosis de rock del pop en dosis altamente show: reef de guitarra disequilibradas. Veinte años de torsionada y “…sátiro, sátiro, historia en poco menos de sátiro, sátiro, sátiro…”

120 minutos, y una lista con La pista “poguera” se convirmás de treinta canciones “Fueron dos horas de tió nuevamente en un bolipara coronar un gran show. che ante los primeros acor¿Algún reproche? Sí, tal vez rock y pop en dosis des de “Microdancing”. se abusaron un poco de las altamente equilibradas” Adrián le cedió el lugar a su baladas románticas con hermano, Diego Rodríguez, “aire bajón”. Pero nada irrequien se encargó de demostrar que no es sólo un montable: supieron levantar la platea con el ofibuen guitarrista y sacó a relucir sus dotes de bai- cio que sólo una banda con dos décadas de escelarín con una impecable “moonwalker” por todo el nario lo puede hacer.

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[COSA DE NEGROS: NICKI MINAJ]

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[COSA DE NEGROS: NICKI MINAJ]

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ra quien tomaba el control en sus años en la Elizabeth Blackwell Middle School, donde aprendía a tocar el clarinete, y el que tiempo después, en sus años de secundario en La Guardia (una escuela especializada en música y artes visuales y escénicas) la hacía destacarse en el programa de drama. Onika dejaba que Nicki Minaj tomara el control, era más sensual y lograba más aceptación en todos los ámbitos de su vida, inclusive en el restaurante Red Lobster en el Bronx, donde trabajaba.

Histriónica, de generosas curvas y con una belleza poco común, producto de sus orígenes, mezcla entre africano y nativo trinitense, Nicki armó un Myspace muy atractivo dentro de las pocas posibilidades que el sitio ofrece, y no pasó desapercibida. La gente del sello Dirty Money la descubrió y le ofreció su primer contrato que, luego de varias grabaciones de singles y participaciones en trabajos de otros artistas, se transformó, en 2010, en Pink Friday, su álbum debut.

El disco no es tan bueno como ella, no representa todo su potencial, está medida su creatividad y su desafiante manera de rapear y cantar. Los productores quisieron asegurarse el éxito y fue-

ron demasiado medidos, llenaron el disco de melodías pop que suenan a más de lo mismo, y las participaciones no están dadas por la afinidad con Nicki sino por los lugares que los artistas seleccionados ocupan en los principales charts.

Aún así Pink Friday se ubicó rápidamente en el número dos del Billboard 200, posicionando a Nicki como la artista femenina de hip hop de mayores ventas en una semana, detrás de aquel mítico primer disco solista de Lauryn Hill, por lo que sus productores pueden darse por satisfechos económicamente.

Musicalmente, su éxito tiene más que ver con la síntesis de su personalidad y la singularidad melódica expresada en esos pocos minutos que dura una participación (featuring) en algún tema de otro artista, que en su propio disco.

Además, las estrellas del pop hace rato que no brillan tan sólo por su música: su estética marca tendencias y la cara de Nicki aparece en revistas y programas de TV. Bien asesorada, o producto de la personalidad avasallante del personaje Nicki Minaj, esta artista logró mantenerse en boca de todos.

Inició una polémica con la legendaria rapera Lil’ Kim y luego continuó con la siempre vendible “falta de definición sexual”.

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[COSA DE NEGROS: NICKI MINAJ] De esta manera los medios especializados o los meramente “cholulos” se mantuvieron al tanto de sus movimientos con notas y fotos llamativas.

La industria musical no tardó en premiar el juego que Nicki supo jugar desde un principio. De esta manera Minaj se convirtió en la primera artista en tener siete canciones en el Billboard Hot 100 al mismo tiempo, en octubre de 2010. Nominada para casi todas las premiaciones musicales en su género, ganando la mayoría de ellas, Nicki fue escalando posiciones. Influenciada por la indiscutida “madre del hip hop”, la gran Missy Elliot, con ingredientes de Lil’ Kim y Foxy Brown, sumados a características propias como ese acento ingléscaribeño y una manera muy actoral de presentarse, Minaj se convirtió en la artista favorita a la hora de incluirla en participaciones de temas de famosos músicos como Mariah Carey, David Guetta, Ludacris, Usher, Sean Garrett, Lil’ Wayne, Christina Aguilera, Sean Kingston o Britney Spears, entre muchos otros.

El desafío a futuro para Nicki será conseguir, tal vez ya en su próximo disco, esa ansiada combinación de éxito económico y originalidad musical, consolidando su estilo, único e irrepetible, con un mensaje que esté a la altura de su forma de expresarlo.

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CENTRAL

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Foto: Susana Pérez

[HI!: JENNY NAGER]

Vengo de una familia de artistas y músicos, hija de Antunes, nieta de Leminski y amiga de algunos electroacústicos y concretos.

Antes que mi boca está mi oído que encuentra la emoción y el deseo que viaja en el lenguaje.

Antes de mi lengua y la saliva está el oído que reconoce de dónde y de quién.

Antes de los labios, el oído que sabe del mundo invisible de las frecuencias.

Antes del iDioma, las V(b)OcAles y consonantes, los ruidos, los gestos y los dibujos.

Antes de mí, lo demás y las cosas que dicen cosas.

Y cada letra sola en ese bicho del alfabeto

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es cierta desde el sonido y el dibujo que realiza en el aire, en la tierra y en el agua.

He cruzado este río de aguas heladas, he mojado mis pies, los peces se han escapado... han quedado el movimiento y el recuerdo de peces que ya no están aunque a veces regresen.

Me he metido en el río, el agua ha llegado a la cintura, se ha enfriado mi panza como rana, he temido que se me detenga el corazón, tratando de pescar alguna palabra.

El río ha crecido trayendo aluviones de letras sueltas, cardúmenes de palabras en portugués y hasta un swordfish. Algunas

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[HI!: JENNY NAGER]

pirañas con veneno me mordieron las piernas y de a ratos tuve que abandonar la pesca porque tenía los tobillos hinchados.

Increíblemente he encontrado peces de mar en el río, una vez encontré una aleta extranjera y la cola de un caballito de mar.

Hoy, sin confianza suficiente, sigo bañándome y al agua la llevo hasta el cuello, con las olas me trago restos de reptiles viajeros, latas de cerveza que algún Homero desechó y variedades de frases crustáceas que son difíciles de tragar, y sobre todo de masticar, por su tegumento rígido y áspero, sin hablar de las vértebras y espinas que pueden quedar atravesadas en la garganta.

Muchas veces, y porque soy muy juguetona, me olvido de la pesca y meto las manos hasta el fondo, mezclo todo, revuelvo, saco el primer sonido resbaladizo como quien saca el número ganador y muero de la risa.

Desde donde estoy oigo una orilla, un dialecto de tribu, algunos instrumentos de cuerda, tambores y un cuerno que llama a todos porque es la hora de la comida... como perrito (en la Isla Crisol persiguiendo un pato) nado para acercarme aunque sé que allí las cosas ya tienen nombre.

Son extrañas mis preferencias, pero prefiero que el mundo ingrese por mi oído, desde el sonido de lo que quieras decirme.

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FLASH CONFIRMADO: VUELVE ILLYA KURYAKI A dos décadas de su gran debut Fabrico Cuero, Emmanuel Horvilleur y Dante Spinetta improvisaron una reunión en el cumpleaños de Lisa Cerati, hija del ex Soda Stereo, donde parece que la idea terminó de prender.

La vuelta de los IKV tendrá su primer episodio el próximo 13 de octubre en el marco del Movistar Free Music. Todavía no más novedades pero ya confirmaron que para 2012 habrá nuevo disco y una gira por Latinoamérica.

VUELVE LA RENGA La bande de Chizzo Nápoli, que no tocaba desde aquel fatídico el 30 de abril en el Autódromo Roberto Mouras de La Plata, vuelven a la carga el 15 de octubre para retomar la gira de Algún Rayo (2011). El punto de reencuentro con “los mismos de siempre” será el mítico Anfiteatro José Hernández de Jesús María. Luego de ésto la gira se reprogramará.

DANCING MOOD POR 3 La banda liderada por el trompetista Hugo Lobo vuelve luego de On the sunny side of the street (2009) con un disco triple homenajeando a la música jamaiquina y sus variantes, llegando al jazz y la cumbia. En el booklet de Non Stop, la Orquesta Deluxe congrega (como autores e invitados) a grandes de la talla de Bob Marley, Charlie Parker, Miles Davis, Duke Ellington, John Coltrane y Jimmy Cliff. Y por el lado local convoca a Flavio Cianciarulo, Pablo Lescano y Maikel (Kapanga).

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[RECOMENDADO]

Sería una obviedad decir que Arctic Monkeys es una de las mejores bandas de la actualidad, salvo si analizamos que perteneciendo a un género (algo así como “retrorock”) que se repite cada vez más peligrosamente, ellos, sin demasiado, no sólo no aburren sino que aún nos siguen sorprendiendo gratamente.

En Suck It And See, su nuevo trabajo, podemos remarcar la evolución del concepto y el sonido que los caracteriza desde que aparecieron como la punta de lanza de toda esta nueva movida, y que llega como consecuencia de la lógica madurez que se fue logrando en los kilómetros recorridos; pero es más simple 34 • E D I C I Ó N N O . 4 0 , 2 0 1 1 •

dejarse atrapar por esa magia que los hace reconocibles en la primera escucha, y que aunque no pretenda cambiar el mundo, sigue intacta en cada una de sus canciones.

Los de Sheffield, Inglaterra, volvieron con un cuarto disco de doce tracks donde se destacan “All my own stunts, Piledriver Waltz”, “Don`t sit down cause i`ve moved your chair”, “The hellcat spangled shalalala”, pero donde ninguno desentona.

No siempre el riesgo pasa por dar vuelta la última página y cerrar el libro pensando que el próximo será distinto y mejor.

A veces también son buenas las segundas lecturas.

Recomiendo Suck it and see de los Artic Monkeys. Apretá play y disfrutalo.

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[RECOMENDADO]

Película tardía e inobjetablemente libre.

En esta comedia secretamente f ilosóf ica en donde se enfrentan dialécticamente una cosmovisión mecanicista y una cosmovisión animista, Renoir, hijo del famoso pintor impresionista y uno de los mayores maestros del séptimo arte, demuestra que liviandad no es sinónimo de banalidad y fruslería.

Un científico partidario de la inseminación artificial y gran candidato para dirigir políticamente a Europa, en una gira por una zona rural, cambiará de perspectiva tras una tormenta de viento ocasionada por un flautista y una misteriosa cabra.

La comitiva y un grupo de jóvenes que están acampando experimentan una suerte de trance cuya consecuencia inmediata es un shock libidi36 • E D I C I Ó N N O . 4 0 , 2 0 1 1 •

noso colectivo y el enamoramiento repentino del científico de una campesina progresista, admiradora de este hombre de ciencia y estrella televisiva, capaz de convencer por el tono de su voz. Más cercano a Manet que a la pintura impresionista de su padre, Renoir filma la naturaleza como una fuerza inmanente que traspasa todos los órdenes.

Los árboles y las pasturas parecen interpretar un papel secundario, y el modo en el que Renoir captura en cierto momento el movimiento de las plantas, para denotar la experiencia sexual de sus dos protagonistas, es eróticamente admirable.

Algunas líneas son geniales, como cuando un cura discute y argumenta contra el científico y su mundo diciendo que por lo menos el incienso no contamina.

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[ENTREVISTA: JORGE JELLINEK]

NACE UNA

ESTRELLA ¿Nace una estrella? Jorge Jellinek es un reconocido crítico uruguayo y programador del Festival de Cine de Punta del Este. Sin embargo, desde hace poco, su vida de crítico ha sido perturbada por un cambio insólito e inesperado: ahora, además de crítico, es actor. O algo así.

A

diferencia de los jóvenes críticos de Cahiers du cinema, u otros casos similares de críticos que devienen en cineastas, Jellinek pasó al otro lado de la pantalla pero no detrás de cámara sino delante de ella. Quienes lo vieron en La vida útil saben que su papel en ese film (un programador de una Cinemateca que en un momento clave de la institución empieza a vivir su propia vida como una película) define algo esencial en el segundo film de Veiroj. Resulta casi imposible pensar esta película sin esa presencia amorosa, enigmática y misteriosamente libre, llamada Jellinek. Puede bailar, enamorarse, recitar un monólogo, masticar una galletita como si fuera un chiste ante la desgracia y experimentar un devenir Jerry Lewis.

GN: Si tuvieras que hacer una crítica del film, ¿qué dirías de La vida útil?

JJ: Resulta difícil hacer una crítica de una película en la que estoy tan involucrado. Quizás cuando pase el tiempo y tome más distancia pueda elaborar una reflexión más objetiva. No tengo problemas en decir que como espectador la propuesta que hizo Federico Veiroj me resulta muy atractiva y original. Es una película hecha desde un lugar de absoluta libertad, sin condicionamientos ni concesiones, pero que a la vez se acerca al espectador con una mirada sensible que apela a nuestra memoria cinéfila más profunda.

GN: Muchos críticos de cine han pasado a la dirección, pero muy pocos se han convertido en

actores. ¿Cómo viviste ese paso? ¿Alguna vez te había interesado tener un papel en un film?

JJ: Nunca había pensado en la actuación ni siquiera como una posibilidad.

Cuando Federico me lo planteó fue una sorpresa y me generó muchas dudas, pero también me sedujo el hecho de visitar un territorio desconocido y pasar “al otro lado de la pantalla”.

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[ENTREVISTA: JORGE JELLINEK] La experiencia fue disfrutable e intensa y lo más reconfortante fue la reacción del público y de muchos colegas. Recibir esa devolución tan entusiasta resulta algo único y que me quedará para toda la vida.

GN: Una inquietud que provoca el film es saber si en la composición de tu personaje existen elementos autobiográficos. ¿Has construido un personaje que nada tiene que ver contigo o has buscado variaciones y modificaciones sobre algunos elementos de tu vida personal?

JJ: Siempre aclaro que el personaje es una construcción y que yo personalmente soy muy diferente, soy menos formal y tengo mucho humor, aunque me pueda sentir identificado con su pasión por el cine.

Es claro que Federico me eligió por ciertas características físicas y de comportamiento, y esas están en el personaje. Pero también tengo diferencias, empezando porque yo, salvo por un período muy breve, nunca trabajé en la Cinemateca.

GN: Una interpretación posible de La vida útil es que la película transmite un tiempo del cine, un estadio en el que la experiencia vive su crepúsculo mientras que nacen otras modalidades de ver y vivir el cine. ¿Cómo ves eso?

JJ: La película es decididamente atemporal. No hay elementos de la tecnología digital. Diría que está anclada en un tiempo analógico, cuando el cine sólo era posible verlo en una sala con una gran pantalla.

“Más allá de los cambios impuestos por la tecnología, el cine va a seguir existiendo mientras haya personas que quieran hacer películas contándonos historias y otras personas que estén dispuestas a sentarse en una butaca durante dos horas para recibirlas.”

GN: ¿Cuál es la escena que más te gusta?

JJ: Hay varias que me divirtieron mucho hacer durante el rodaje. Pero, si tuviera que elegir alguna, sería la que tengo con Gonzalo Delgado cuando viene a presentar su película en la Cinemateca y también la de la radio con Martínez. Ambas son actividades que suelo hacer en la vida real y fue interesante encararlas desde otro lugar.

GN: Hay pasajes notables y muy emocionantes, como cuando mirás los peces después del monólogo o tu momento de musical. ¿Fueron escenas improvisadas? ¿Aportabas ideas?

JJ: No hubo nada improvisado en la película, pero Federico me dio un gran margen de libertad para sugerirle cosas, hacer pruebas y aportar mucho a la elaboración de cada escena. Él hacía indicacio40 • E D I C I Ó N N O . 4 0 , 2 0 1 1 •

nes muy precisas y lo íbamos definiendo juntos.

Fue así como hicimos la ya famosa escena en la escalera. Queríamos que ocurriera algo especial con el personaje allí, pero la idea de que fuera un baile y la forma de hacerlo no estaban en el guión y en principio fue mía.

Esto es lo que quizás le da mayor universalidad.

Pero si bien el tono puede ser melancólico también hay una decisión del personaje de reinventarse y salir adelante sin perder su esencia, y en ese aspecto es optimista. Hoy muchos se preguntan por el futuro del cine y en realidad eso me parece inútil.

Más allá de los cambios impuestos por la tecnología, el cine va a seguir existiendo mientras haya personas que quieran hacer películas contándonos historias y otras personas que estén dispuestas a sentarse en una butaca durante dos horas para recibirlas. Creo que lejos de terminarse esto es algo que está en expansión.

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[CINE: INTRO]

EL CINE EN EL MES DE SETIEMBRE

DEL 1 AL 1O / EL CINE QUE SE VE Y EL CINE QUE NO VEMOS UN THRILLER POLÍTICO, UN THRILLER MORAL Y UNA COMEDIA TEOLÓGICA LEVANTAN LA CARTELERA SIEMPRE AMENAZADA POR SUPERHÉROES DE TODO TIPO. ROGER KOZA Crítico de Cine

HABEMUS PAPAM: EL PSICOANALISTA DEL PAPA

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Nanni Moretti, Italia, 2011

[9*] LA VIDA NUEVA Santiago Palavecino, Argentina, 2011 [8*] EL ESTUDIANTE

Santiago Mitre, Argentina, 2011

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[CINE: QUE NO VEMOS]

HABEMUS PAPAM: EL PSICOANALISTA DEL PAPA

No hay duda de que Habemus Papam está entre lo mejor de la obra de Nanni Moretti, después de su única y verdadera gran película: Querido diario (1993). Como se sabe, causó un poco de escándalo en el momento de su estreno en Italia y posteriormente en su paso por el festival de Cannes: el tema es la decepción paulatina de los fieles respecto del Papa elegido.

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xtraña parodia democrática la elección de un Papa: el voto individual de los prelados, en esencia, más que representar una convicción, es la canalización directa de una voluntad de otro orden que dicta y confirma a su representante en la tierra.

Moretti no es un gran organizador del espacio cinematográfico. Filma como puede y a veces acierta en sus elecciones formales. El plano generalísimo parece su favorito. El registro de los fieles y el Vaticano es notable.

Sin duda, el film se beneficia de su Papa. Michel Piccoli ofrece un trabajo extraordinario como un Papa que una vez elegido sufre un ataque de pánico que luego será esclarecido a través de un acto de desobediencia institucional y de obediencia personal. Cuando desde el Vaticano llamen al 44 • E D I C I Ó N N O . 4 0 , 2 0 1 1 •

psicoanalista interpretado por Moretti, éste pregunta sobre qué puede y no puede preguntar y llega a pronunciar el obstáculo fundamental, el centro de todo conflicto: todo religioso, tarde o temprano, habrá de resolver su relación con su propio deseo. Y aquí, el deseo del Papa elegido consiste en retomar una vieja y postergada pasión por el teatro. No lo expresa de ese modo, pero terminará viendo una obra en un teatro y representando luego un papel al que su deseo le impone una lógica fuera de la obra en la que ha sido elegido como estrella canónica y única.

Hay en Habemus Papam una operación sagaz que hace añicos el núcleo de la creencia religiosa: Moretti destituye sigilosa y piadosamente el concepto de mediación. Que el Papa elegido finalmente renuncie a su puesto y se resista a su predestinación es un acto que en otro tiempo histórico hubiera encendido los fuegos de la hoguera.

Quizás por esto el retrato de los feligreses y de los religiosos es demasiado respetuoso, casi al borde de la sospecha. ¿Puede ser que entre todos los candidatos a convertirse en Papa no escuchemos miserias ni ambiciones inconfesables? Los cardenales son amorosos; los fieles en la plaza del Vaticano rebosan de simpatía. Moretti, a diferencia de Bellocchio, otro director italiano y ateo que va de

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[CINE: QUE NO VEMOS]

frente e impugna el accionar de la feligresía, apuesta a un retrato piadoso y acrítico de la institución, mientras impone una agenda secreta que hiere el fundamento de la fe.

un tema de Mercedes Sosa.

Pero el cierre del film, con la sugerente “Miserere” de Arvo Pärt, es una de las secuencias más extraordinarias de la carrera de Moretti. La explosión ante nuestros ojos de la orfandad teológica de una muchedumbre desconsolada resignifica la totalidad de la película. El misterioso adagio cristiano, “Padre, ¿por qué me has abandonado?”, regresa como un relámpago destinado a iluminar la vulnerabilidad de los hombres.

“ ...el film se beneficia de su Papa. Michel Piccoli ofrece un trabajo extraordinario...”

La excesiva presencia de Moretti, por ejemplo en el campeonato de vóley en el Vaticano entre curas latinos, europeos y africanos, pertenece a otra película, como también el pasaje, forzado y ligeramente demagógico, en el que se escucha

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[CINE: QUE SE VE]

Después de un gran comienzo en el BAFICI y un premio destacado en el último festival de Locarno (a la mejor dirección), este film de Santiago Mitre, que pronto será parte de la selección oficial del festival de Nueva York, constituye un posible punto de inflexión en el llamado Nuevo Cine Argentino.

En primer lugar, es un relato maximavlista y fluido: su voluntad de narrar y encontrar un modelo para hacerlo es ostensible. Un joven, que llega del interior, empieza a estudiar Ciencias Políticas en la UBA, aunque con el transcurso del tiempo más que estudiar hará directamente política (universitaria), sobre todo cuando se transforme en la mano derecha de un profesor con aspiraciones a llegar a la dirección del rectorado (y en el novio de una de sus profesoras). Mitre registra el aprendizaje, los efectos sobre la conducta del personaje, lo que incluye su vestimenta y su lenguaje corporal.

En segundo lugar, El estudiante elige el camino menos transitado por una generación de cineastas jóvenes: la política. En ese sentido, el film es político no por su discurso directo: que se hable de Marx y Rousseau, del socialismo y la revolución, o que se cite una traición pretérita en el seno de la UCR de fines del siglo XIX y se discuta el capitalismo como un sistema responsable de los males del mundo, no es estrictamente su dis46 • E D I C I Ó N N O . 4 0 , 2 0 1 1 •

curso político. El gran acierto de Mitre es filmar el poder, no como sustancia sino como un sistema de relaciones que constituye todos los órdenes de intercambio en una institución de conocimiento.

Santiago Mitre, director

Nombre: El Estudiante Género: Thriller político Director: Santiago Mitre Intérpretes: Esteban Lamothe, Romina Paula y Ricardo Félix.

Duración: 124 min.

Origen: Argentina Año: 2011.

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[CINE: QUE SE VE]

Santiago Palavecino, director

Este heterodoxo thriller moral y drama romántico estóico transcurre en un pueblo en el que Laura, pianista y profesora de música, junto con su marido, Juan, veterinario solitario y lacónico, no sólo deben tomar decisiones sobre la continuidad de su vínculo amoroso, quizás moribundo y sin posibilidad de reconstrucción, sino que también deben dilucidar la continuidad o no de un embarazo.

Juan será testigo de una pelea juvenil nocturna, situación que sugiere una experiencia de juventud característica de zonas rurales y periféricas, que dejará un herido, sobrino de un viejo amor de Laura, que regresará debido a la situación. Lo que ve, lo que dirá y lo que callará tendrá consecuencias jurídicas y éticas.

Palavecino organiza sus escenas desmarcándose de una lógica dramática ascendente en la que el relato solicita una explosión y una resolución; de esto se predica un ordenamiento de sus pla-

nos en dispersión: las elecciones cromáticas, la interacción entre paisajes y estado de ánimo, algunas escenas misteriosas, como el pasaje en el que Laura se encuentra con unos animales sueltos en su casa, constituyen un gran argumento (y sentimiento) que atraviesa toda la película.

El desenfoque del plano final insinúa un estado de conciencia, más bien desprovisto de lucidez y en evidente confrontación con la incertidumbre, desde el cual se elige, y en varios sentidos, una vida nueva.

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[2EN1]

Felices juntos MARCELA MAUGUERI Prensa de espectáculos

El cine y la música se presentan juntos como si hubiesen nacido del mismo vientre. Y aunque no fue así (la música lleva la delantera claramente) hoy podemos decir que uno en el otro se fundamentan como un solo existir. Un diálogo constante, acalorado, denso y húmedo que nos permite conocer lo que hay de uno y otro lado.

Una ventana amplia, amorosa, luminosa y profunda que nos acerca a la vida de grandes músicos, a la historia de los géneros, de los movimientos y los fenómenos musicales en el mundo.

Una dupla inseparable, un matrimonio ineludible.

El cine y la música. Un hijo rebelde, con causa, sin causa, el rock, que nace desde el más precioso amor, del costado más contaminado y de la necesidad de mostrar una realidad.

Kurt Cubain, Sid Vicius, Jim Morrison, Janis Joplin, Jimmy Hendrix, hasta la última Amy Winehouse; todos rockstars víctimas de sustancias prohibidas.

Cada uno de estos nombre, y cada historia, fueron el punto de partida de películas que decidieron contar el contexto, el antes y el después de la vida de estas estrellas y de su música.

Last Day, La Mugre y La Furia, Sid y Nancy, The Doors, La Rosa, y La Fiesta Interminable, entre centenares más de películas, hablan de estos héroes cargados de rock, atormentados por la vida y acobijados por las drogas, iniciadores de movimientos artísticos, creadores de estilos, héroes anónimos y con nombre, referentes

sociales, accionistas políticos, enamorados, abandonados, odiados y amados.

La música, el cine, y la vida rockstar. El rock, las películas, y la vida misma.

Nuestros sentires, nuestras miradas y lo que somos (junto con lo que dejamos de ser).

“El cine y la música” es el punto de partida para dictar un playlist interminable de filmes donde el eje principal pasa por la música. Podríamos nombrar también una lista infinita de canciones que hablan de películas, como de melómanos cineastas, de rockeros cinéfilos, de amantes del cine que saben de música por las películas, de enfermos por la música que saben de cine por las canciones.

Esta nota intenta refugiar pensamientos y sentires que hacen referencia a las dos disciplinas, al amor y la pasión que despierta una imagen que termina de ser elocuente con una nota musical.

A partir de ahora un bunker donde intercambiar emociones subrayadas por ese arte. El cine y la música duermen juntos en el mismo muelle, en el mismo vuelo y en la misma cama.

La sangre fluye, las palpitaciones se aceleran, las pupilas se dilatan, el cuerpo se estremece, la emoción más alta y luego un silencio (el espacio justo para comprender). Entonces, las imágenes se caen, la música se desvanece, la película termina.

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[EN 35 MM: SUPER 8]

CELINA LÓPEZ SECO

SUPER 8 Crítica de Cine

El increíble viaje de regreso a un lugar donde no había estado

No vi cine de chica. Me hice cinéfila cuando los de mi generación ya llevaban una tradición de películas encima. Además, empecé al revés: lo más complejo y aburrido primero. Pero no fue por moda, ni por derivas intelectuales, simplemente había algo en ese cine -ese que al público en general no le gusta- que a mí me fascinaba.

E

ntonces creía que Hollywood era sinónimo de mala palabra. Deben haber habido infinidad de cosas en el medio que ni recuerdo, lo cierto es que pasaron muchos festivales, cine de todo el mundo, películas estrafalarias, películas hermosas que consistían en un solo y eterno plano.

Pero yo no había visto ET, ni Los Goonies, ni La Historia sin fin. No sabía nada de “cine e infancia”. Hasta que me pasaron Laberinto. A partir

de ahí fui otra. Otra espectadora, otra lectora, otra persona. En Laberinto, como en Super 8, hay transformación, hay un pasaje que atraviesa ese momento en el que ya no volveremos a ser los mismos.

Un realizador, crítico, y ensayista francés, Alain Bergalá, escribió un libro muy lindo titulado La hipótesis del cine en la escuela. Más que la escuela lo que me interesa de ese tratado es el lugar que le da a la mirada de la infancia.

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[EN 35 MM: SUPER 8] Bergalá dice que hay un lote de películas que nos acompañan durante toda la vida, y que algunas de ellas, vistas a una edad temprana, se anticipan al misterio, a lo que como niños aún no estamos en condiciones de entender. Y por eso, porque formaron parte de un primer asombro hacia el mundo, nos escoltan como un preciado tesoro. Películas cuyos protagonistas son niños, personajes que se exponen al peligro del inconmensurable afuera, pero mientras tanto nos permiten sentirnos parte de la aventura.

Creo que Super 8 me fascinó

creen que el cine puede recuperar ciertos momentos de fe en el hombre. Un hombre que se deja guiar por la aventura de experimentar eternamente la niñez.

Y cuando pienso en la infancia no lo hago desde una noción cronológica sino desde el lugar de

Nombre: Super 8 Género: C. Ficción Director: J.J. Abrams Director: Steven Spielberg Intérpretes: Kyle Chandler, Elle Fanning, Amanda Michalka, Joel Courtneyn.

Duración: 112 min.

Origen: EE. UU. Año: 2011.

Súper 8 te invita a dejarte llevar por la enorme simpleza de lo desconocido por todo eso. Por dejarme volver a un lugar en el que nunca había estado, sin pasaporte de entrada, sin citas cinéfilas expulsivas. Por ser una película de alto vuelo y de enorme corazón. Por hacer foco en la mirada del niño y no en el acontecimiento. Niños que miran, que se miran y que juegan mientras lo están descubriendo todo. JJ Abrahms filmó el gesto infantil de un estado de gracia, de ese tiempo en el que el asombro es más importante que el sentido.

Toda mi devoción y gratitud para aquellos que 54 • E D I C I Ó N N O . 4 0 , 2 0 1 1 •

apertura para mirar sin necesidad de interpretar, sin tener todas las respuestas.

Escuché y leí varias críticas de Super 8 que decían que es una película imperfecta, que su primera parte es sublime pero que después se pierde.

Yo creo que la película te pide que entres sin reservas, que no midas la aventura ni el riesgo en términos de lo verosímil.

Súper 8 te invita a dejarte llevar por la enorme simpleza de lo desconocido, porque ahí, en la aceptación de lo increíble, eso que respira aventura en el cine, te devuelve la experiencia de habitar uno de los mejores estados posibles: la mirada de la primera vez.

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• EDICIÓN NO. 40, 2011 •

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