The Good News No. 42

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FLASH

#FF VAN POR TODO Foo Fighters fue nominado a seis premios Grammy entre los que se destacan álbum del año y mejor álbum de rock por Wasting Light, y mejor canción de rock por “Walk”. Con esta lista de nominaciones, FF encabezará claramente la entrega que será en Los Ángeles, el febrero del año que viene. Entre sus competidores (si es que tienen) a mejor álbum están Bruno Mars, Adelle, Rihanna y Lady Gaga. Creo que no hay duda, los muchachos ya pueden decir que hicieron el mejor disco del 2011 en el mundo.

FITO LE CANTA A LOS ALIENS Fito Páez lanzó oficialmente Canciones Para Aliens. Digamos que el rosarino sacó el disco en el momento adecuado porque hacía años que no se hablaba tanto de él (incluso la gente que le le da asco). El nuevo disco de Fito tiene varias versiones de clásicos de la música mundial. “Dancing in the streets” de Marvin Gaye, y “Somebody to love” de Queen, son algunos de los temas versionados.

Enr aC dis llam el 1 hom can Orf 6 • EDICIÓN NO. 4 2, 2011 •

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[FLASH]

TODOS POR LOS ROLLING Todavía no hay nada seguro, pero según fuentes cercanas a la banda Mick Jagger y Keith Richards, los RS dejarían de lado sus egos y se juntarían para arreglar la celebración del aniversario de los Stones. Ambos dijeron que “nada es imposible”, lo que queremos saber es si será efectivamente posible. Por ahora, las productoras más grandes del mundo (AEG Live y Live Nation) ya pelean por ver quién armará la gira mundial de los Stones en 2012.

ACDC IS BACK! Cuando AC/DC confirmó que iban a editar un DVD con imágenes de los shows en River, los fanáticos argentos gritaron de alegría aún más que en el show. Ahora tendrán otra excusa para ponerse contentos. En una entrevista a Brian Johnson en el programa That Metal Show (VH1 Classic’s) no sólo habló de su libro Rock and Rollers: A Full-Throttle Memoir, y contó que el disco que más le gusta de AC/DC es Powerage, sino que también aseguró estar aburrido y que por eso volverían al estudio para grabar nuevo material que llegaría en 2012.

DE FESTIVALES Y LINE UPS Una de las grandes sorpresas que tuvo el 2011 fue la realización del Lollapalooza en Chile. Bandas de todos los calibres pasaron por el Parque O’Higgins, como Janes Addiction, Deftones, The Killers y 30 Seconds To Mars. Bueno, para 2012 ya está confirmada la nueva edición del Lollapalooza en Chile y Brasil, y se dice que será casi el mismo line-up que tendremos en el Quilmes Rock 2012.

BUNBURY EN CÓRDOBA Enrique Bunbury vuelve a Córdoba. Sí, ¡Vuelve a Córdoba! La excusa es presentar su noveno disco por fuera de Héroes del Silencio; se llama Licenciado en Cantinas y sale a la venta el 13 de diciembre, y es –según Bunbury- “un homenaje al cancionero hispano-latinoamericano”. La ruta de Bunbury prevé un stop en el Orfeo para el 1º de marzo. Agendalo.

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LA PASIÓN DE FREDDIE Pasaron 20 años desde la muerte de Freddie Mercury, mi cantante y artista favorito. Pensé en recordarlo escribiendo su “pasión”. Sería “La pasión de Freddie según Kaled Pan”.

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[ESPECIAL: LA PASIÓN DE FREDDIE]

reddie Mercury sería un mito. Y él supo desde siempre que eso sucedería. Dijo una vez: “no voy a ser una estrella, ¡voy a ser una leyenda!”, y dedicó sus últimos años de vida a consolidar su historia.

Sabemos ahora que se enteró de su enfermedad en 1987, luego de la exitosa gira “Magic tour” en la que Queen presentaba A kind of magic (1986).

Dejar de tocar en vivo debe haber sido un golpe tremendo para alguien que se sentía sobre el escenario más cómodo que en ningún otro lugar.

Seguramente fue complicado de aceptarlo para ese encantador de masas, para ese rey indiscutido del espectáculo. Queen dejó de hacer shows con el pretexto de cambiar la rutina grabación/gira/grabación/gira.

Freddie fue trazando los últimos pasos de su carrera para escribir su legado, el de un artista para quien lo más importante era su obra.

Primero se convirtió en el primer cantante de rock en cantar con una artista lírica, nada menos que con la número uno, Montserrat Caballé. Cantar con ella fue un galardón increíble para Freddie como cantante. Y que ella, acostumbrada a cantar a Verdi, Rossini, Puccini, Mozart y Wagner, grabara todo un disco de canciones de él es otro galardón como compositor.

Los últimos de Queen fueron discos excelentes: The Miracle (1989) y finalmente, con la enfermedad muy avanzada, Innuendo (1991), cuyo título quiere decir “insinuación”, porque sugiere justamente que Freddie se nos iba. El álbum estuvo pensado para editarse en la Navidad de 1990 pero la enfermedad de Freddie demoró la grabación y salió en Febrero de 1991.

El arte del disco tiene ilustraciones del caricaturista francés J.J. Grandville, y cuando se lo menciona dice: “Ilustración de tapa por Grandville (1803-1847)”.

Las vocalizaciones de Mercury en el disco son increíbles, y las insinuaciones están por todo el álbum.

“These are the days of our lives”, recuerda melancólicamente los años de la niñez, mientras que “Delilah” es una canción para su gata, con los coros y la guitarra de May imitando maullidos. La tremenda “Show must go on”, por su parte, cierra el disco contando su sufrimiento y su deseo de perpetuarse en su obra.

Con esto, cada canción es un ejemplo de mensajes en el disco.

Pronto estaré doblando la esquina afuera está amanenciendo pero dentro, en la oscuridad estoy penando por ser libre.

El show debe continuar mi corazón se está rompiendo mi maquillaje se puede estar descascarando pero mi sonrisa aun se mantiene.

No lo entendimos. Confieso incluso que me resultó fuera de lugar, en la misma canción, la expresión “I can fly, my friends” que hoy me hace llorar.

Freddie se guardó en su casa en vez de internarse en un hospital, y se escondía de la prensa. Los últimos videos ocultaban su extremada delgadez con luces y maquillaje. Y en los días finales estuvo sumido en grandes dolores, no podía salir de la cama y había perdido la vista casi por completo.

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[ESPECIAL: LA PASIÓN DE FREDDIE]

La noche del 23 de Noviembre de 1991, justo un día antes de morir, dio un comunicado de prensa: “Siguiendo la enorme conjetura de la prensa de las últimas dos semanas, es mi deseo confirmar que padezco SIDA. Sentí que era correcto mantener esta información en privado hasta el día de la fecha para proteger la privacidad de los que me rodean. Sin embargo, ha llegado la hora de que mis amigos y seguidores conozcan la verdad y espero que todos se unan a mí y a mis médicos para combatir esta terrible enfermedad. Mi privacidad ha sido siempre muy importante para mí y soy famoso por prácticamente no dar entrevistas. Esta política continuará”.

Con el Greatest Hits II recién salido, Innuendo aún sonando en las radios, y habiendo dejado algunas pocas nuevas canciones para lanzar luego de que no estuviera, falleció.

El relato de Brian May en el documental Champions of the World de cómo grabaron las canciones del disco póstumo Made in Heaven (1995) es escalofriante. Las grabaron a comienzo de 1991, a pocos meses de que Freddie se fuera.

La banda estaba viviendo en el estudio y esperaban el llamado de él diciendo “puedo ir por un par de horas”. May cuenta que Freddie les había dicho “háganme cantar lo que sea, escríbanme lo que sea y yo se los voy a cantar, y les dejo todo el material que pueda dejarles”. Cuando los terribles dolores le permitían ir, iba y grababa hasta que no podía más. Así, entregando la vida por la música, grabó algunas canciones para el disco.

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El 24 de Noviembre fue un día muy triste para mucha gente. Y lo fue para mí.

Cuando un artista se entrega de esa forma se hace difícil olvidarlo.

Vino luego el homenaje en Wembley, que vendió todas las entradas en seis horas sin que se supiera quiénes participarían, y que dejó claro que nadie podría ocupar jamás su lugar. Como anécdota, Seal dijo en una entrevista que cuando quiso cantar “Who wants to live forever” pensó “¡Por Dios, este es el fin de mi carrera!”.

La lista de artistas que participaron en el homenaje es increíble, y no sólo habla de Freddie como músico sino también como persona. Metallica, Robert Plant (Led Zeppelin), George Michael, Guns n’ Roses, Toni Iommi (Black Sabath), Liza Minelli, Extreme, Def Leppard, David Bowie, Elton John, Annie Lennox, Lisa Stansfield, Seal, y Roger Daltrey (The Who), entre otros. Músicos de muy diferentes estilos, todos grandes estrellas, celebraban su vida y su música.

Pero ha sido muy gratificante ver cómo el tiempo ha ido acomodando a Freddie en su lugar. Casi nadie duda en ponerlo en el trono de los cantantes.

Han pasado 20 años desde aquella mañana triste en que supe que Freddie ya no estaría. Y a veces me pregunto: “¿no está?”. Algunos de los más

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[ESPECIAL: LA PASIÓN DE FREDDIE]

Queen, una banda fundamental influyentes músicos de la actualidad reconocen a Freddie y a Queen como su máxima influencia aunque por su edad no pudieron verlo en vida. Lady Gaga se llama así por “Radio Gaga”, una canción compuesta por Roger Taylor dos años antes de que ella naciera, y tenía cinco cuando Freddie se fue. Katty Perry tenía siete años cuando Freddie fallecía, Matt Bellamy (cantante de Muse) 11 y MIKA 9. Todos ellos reconocen su máxima influencia en Mercury. ¿Será que no está? Sí que está. Convertido en lo que quería ser: una leyenda.

Queen está hoy cuarto en la lista de máximos vendedores de discos de todos los tiempos, detrás de los Beatles, Elvis Presley y Michael Jackson, compartiendo posición con Led Zeppelin.

Entre sus múltiples logros figuran el haber sido la primer gran banda en hacer un tour sudamericano, la primera en tener un videoclip (“Bohemian Rhapsody”) y en elegir el sencillo (hasta ese entonces los elegía la compañía).

Fue la primera en tener cuatro álbumes en simultaneo en el top 20 de Inglaterra; la primera en lanzar una colección de video clips; la primera en mezclar rock con ópera y en tener un cantante haciendo dúo con una cantante lírica.

También fue la primera banda en tener un tema en la primera posición de los rankings en dos años distintos (“Bohemian Rhapsody” en 1976 y 1991); y sumando todos los hits es la banda que más tiempo ha tenido un #1 en Inglaterra, dejando segundos a The Beatles. El álbum Greatest Hits es el disco más vendido en Inglaterra de todos los tiempos. Como si esto no alcanzara, “Bohemian Rhapsody” fue elegida la canción del milenio.

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[ENTREVISTA: DON AIREY/DEEP PURPLE] MARTÍN BRIZIO Crítico de Música

Agradecemos a Invento Argentino, programa de Good News Radio.

Traducción: Josefina Rodriguez.

“LO IMPORTANTE ES LA CANCIÓN” DEEP PURPLE ES UN NOMBRE PROPIO DEMASIADO FUERTE EN EL MUNDO DEL ROCK COMO PARA PASAR DESAPERCIBIDO. OCUPA UN LUGAR DE PRIVILEGIO EN LA GALERÍA DE LOS MONSTRUOS SAGRADOS, SÓLO COMPARABLE CON LED ZEPPELIN, BLACK SABBATH, THE WHO Y NO MUCHOS MÁS. ESTÁ CLARO TAMBIÉN QUE ESTE PURPLE DISTA MUCHO DE AQUEL PURPLE, AUNQUE MANTENGA A TRES DE LOS INTEGRANTES HISTÓRICOS (GILLAN, PAICE Y GLOVER) Y QUE MUESTRE AQUELLO QUE TIENE QUE VER CON EL PASADO GLORIOSO MÁS QUE CON ESTE TÍMIDO PRESENTE. 12 • E D I C I Ó N N O . 4 2 , 2 0 1 1 •

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[ENTREVISTA: DON AIREY/DEEP PURPLE] En una tercera visita a nuestra ciudad (contando la presencia en el Cosquín Rock) y antes de la presentación en el Orfeo, el azar nos mandó a Don Airey (el más nuevo de la banda) para la correspondiente nota promocional.

Para hablar de semejante leyenda (Deep Purple, aclarando) tal vez no haya sido la elección más apropiada, pero el nombre y el reconocimiento de Don Airey en el ámbito del rock duro lo hace por demás interesante. Un currículum que deja de cara al más pintado: Ozzy Osbourne, Rainbow, Whitesnake, el G3 (mega proyecto liderado por Joe Satriani y Steve Vai), Gary Moore y un largo etcétera, contaron con los servicios en las teclas de este agradable inglés de 63 años, conocedor de la música de Astor Piazzola, a quien tributa en su momento del show con un fragmento de “Adiós Nonino”.

GN: La última presentación de la banda en Córdoba fue en Cosquín Rock 2009, donde sinceramente no quedó una buena imagen, suponemos que por los problemas de voz que tuvo Ian Gillan esa noche.

DA: Nos acordamos de ese show y no lo vivimos como uno de los mejores de la banda porque justamente Ian estaba enfermo, pero él ahora está en perfecto estado y la banda está en un gran momento, ahora estamos mucho mejor.

GN: Fuiste el último integrante en entrar a la banda, reemplazando a uno de los históricos como Jon Lord ¿Qué significó para vos reemplazar a semejante celebridad?

DA: Me sorprendió muchísimo que me eligieran cuando Jon enfermó. Me puse muy contento y fue muy gratificante estar en lugar de semejante músico.

GN: Al margen de Deep Purple, tenés una carrera muy rica, que muy pocos músicos en el mundo pueden igualar, sobre todo en la década del ´80 cuando grabaste discos emblemáticos para la historia del hard rock como Blizzard of Ozz (primer disco solista de Ozzy) o 1987, el álbum más vendido de Whitesnake. ¿Qué significó para vos haber grabado esas placas? ¿Te

imaginaste en ese momento que esos trabajos iban a llegar a ser lo que fueron?

DA: Fueron situaciones muy extrañas de grabar. Eran momentos muy complicados y conflictivos para los integrantes de esas bandas, tanto para Ozzy como para Coverdale (cantante de Whitesnake); pero a medida que iba tocando en esos momentos sí sentía que era algo especial, que iban a ser discos importantes en la historia del rock. Grabar con Randy Rhoads, con John Sykes era importante.

GN: Justamente hablando de los grandes músicos con los que grabaste, estuviste con tres de los más grandes cantantes de todos los tiempos (Ozzy Osbourne, David Coverdale y Ian GIllan). ¿Cómo es tocar con cada uno de ellos?

DA: Es muy fuerte grabar con gente de esa talla, que su forma de cantar es tan importante, pero lo más importante es la canción: uno está tocando y grabando para producir una canción, y como músico no puedo perder ese norte a la hora de tocar; pero sí, es muy excitante y estimulante trabajar con esa clase de cantantes.

GN: Y lo mismo aplicado a los guitarristas, tocaste con los mejores, con Ritchie Blackmore en Rainbow, con Joe Satriani y Steve Vai en el G3, recién decías lo de Randy, de John Sykes, con Gary Moore también.

DA: Son guitarristas muy diferentes, son todas experiencias muy ricas y muy interesantes.

Siempre me resultaron muy atractivos los ensayos que tuve con esa gente. Desde el comienzo apunté a desarrollar una base para que el guitarrista se pueda sentir cómodo y se desarrolle de la mejor manera, brindarle ese ámbito.

GN: ¿Cómo lo recordás a Gary Moore, quien falleció el año pasado?

DA: Gary fue una persona genial, como músico, como guitarrista y como cantante. Lo recuerdo con mucha alegría porque era una persona muy divertida, muy graciosa, y al mismo tiempo lo consideraba un genio dentro de la música. Fue devastador el hecho que haya fallecido, pero lo atesoro con mucho cariño y alegría.

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[ENTREVISTA: DON AIREY/DEEP PURPLE]

LOS 40 AÑOS DE HUMO SOBRE EL AGUA

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El año que viene se van a cumplir 40 años de un trabajo que marcó un antes y un después en la música: Machine Head, el disco con mayúsculas de Deep Purple, donde aparecen algunas de las gemas más trascendentes de la banda como “Smoke on the water” (¿quizá el tema más famoso de la historia del

rock ‘n roll?), “Highway star” o “Space truckin”. Al respecto, no se vislumbra una conmemoración especial, por lo menos de la boca de su tecladista. En palabras del propio integrante de la banda: “festejar aniversarios no es algo que le interese a Deep Purple, no está dentro de la política de la banda”.

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assacre lo hizo de nuevo. Como para corroborar que el éxito de El Mamut no fue casualidad, la banda de Wallas sacó otro disco antológico. En este caso se trata de Ringo, una obra que toma al hombre oriundo de Parque Patricio, el hincha de Huracán más famoso, Oscar Natalio Bonavena, boxeador de peso pesado que en la década del ´60 se las vio cara a cara con los mejores de todos los tiempos, como Joe Frazier o el mismísimo Mohamed Alí (Cassius Marcellus Clay), el más grande de todos.

Un placer, una delicia, eso es lo que siempre nos produce entrevistar a un tipo como “el gordo Wallas”, quien debe tener el título de ser el mejor músico para reportear de la escena nacional. Antes de presentar Ringo, el 12º disco de su vasta carrera, en nuestra ciudad, hablamos largo y tendido.

MARTÍN BRIZIO Crítico de Música

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[ENTREVISTA: WALAS/MASSACRE]

GN: ¿Cómo se deja de lado a El Mamut para arrancar una nueva etapa?

W: Lo que estamos haciendo ahora es seguir El Mamut y entrar en la era de Ringo, nuestro nuevo álbum, que lo estuvimos armando durante algunos meses, y es un disco que nos está dando grandes satisfacciones; el disco tiene excelentes críticas y muy buenas ventas, estamos contentísimos de lo que está pasando, la verdad es que venimos goleando.

CRÉDITOS: Fragmentos de notas realizadas en Good News Radio y Gamba 106.3.

FOTOS: Massacre

GN: Y hace rato que se venía pidiendo merca nueva, ¿no? El Mamut ya estaba esquilado…

W: Y la verdad que sí, El Mamut salió en el 2008, y tuvo cuatro cortes de difusión, tres videos clips, muchos premios y demás, y la gente ya estaba esperando al sucesor, tanto para escucharlo y apreciarlo, como para saber si podía estar a la altura del anterior. Nosotros estábamos con bastante miedo porque no tenemos un juicio de valor demasiado objetivo, estamos compenetrados con la obra; entonces cuando empiezan a aparecer las críticas y empiezan a decirnos “estuvieron a la altura, superaron a El Mamut” es cuando nos viene el alma al cuerpo y nos ponemos contentos y orgullosos, y empezamos a transitarlo.

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[ENTREVISTA: WALAS/MASSACRE] GN: Después de haber sacado un disco tan fuerte ¿Sentís la presión de por lo menos igualar lo que se hizo con el anterior, o en realidad trabajan con mucha libertad artística y no le dan bola a esas cosas?

W: Nosotros siempre trabajamos con libertad artística e hicimos las cosas como nos pareció, independientemente de lo que piensen los demás. Eso de chicos. Pero ahora ya de grandes, adultos, que estamos más insertos dentro del sistema, del juego social, entonces sí nos influye

argentinos. Como Ringo, contradictorios, hijos de italianos algunos, hijos de gallegos otros. Somos unos cambalaches, unos barriletes ideológicos. Un menjunje afectivo e ideológico, somos divinos, cálidos, cools, brutos…

Para homenajear un poco cómo es Buenos Aires, cómo es la Argentina, y cómo es nuestra idiosincrasia, se nos ocurrió ponerle una cara, buscar un símbolo, y apareció la figura de Ringo Bonavena. Se nos ocurrió ese personaje más allá de lo boxístico.

“Ahora ya de grandes sí nos influye la crítica; yo estoy más pendiente y dependiente de la mirada de los otros, sobre todo después de tener un éxito”

la crítica; yo estoy más pendiente y dependiente de la mirada de los otros, sobre todo después de tener un éxito. Siempre fuimos de culto, para pocos, pero con El Mamut, con el éxito que tuvo, dejá de ser tuyo para pasar a ser un poco patrimonio de los otros, para el público, para la crítica, para el que compra el disco, del que llena un Luna Park. La verdad es que sí, que era una presión.

El Mamut fue elegido “disco del año” en la encuesta de Página 12 de 2008. Este año vamos a estar de nuevo en el podio y vamos a estar orgullosos, y sin dudas Ringo va a ser uno de los discos elegidos del año. Es obvio que se genera presión sobre los hombros, pero al disco lo sacamos a la cancha, tiramos ese as que teníamos en la manga; ahora es escucharlo y disfrutarlo.

GN: ¿Y cómo se les dio por abordar la figura de “Ringo” Bonavena? Uno de los grandes fetiches de la historia del deporte argentino.

W: Nos gustó para homenajear cómo somos los

GN: Sí, y un tipo muy polémico, de una ideología media facha, defensor del régimen de Onganía por ejemplo.

W: Mirá, ahora que lo homenajeamos a Ringo, nos llega información. Me regalaron una biografía de él, y la verdad que estoy en desacuerdo 100% con todo lo ideológico que tiró Ringo. Pero él representa al argentino medio de esa época y de todas las épocas. Tampoco le podemos pedir peras al olmo, al intelectual hay que pedirle intelectualidad y al deportista hay que pedirle desde su habilidad y destreza, y listo. También está el tema de lo que los argentinos les exigimos a nuestros ídolos, como a Diego (Maradona), es el tipo que más alegría nos dio en nuestra historia y le pedimos que sea buen padre, un ejemplo.

Lo que tenemos los argentinos es que somos “autofagocitantes”, nos matamos a nosotros mismos, somos suicidas, matamos a nuestros propios ídolos. Matamos a nuestras gallinas de los huevos de oro.

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[ENTREVISTA: WALAS/MASSACRE]

NUESTRA SEÑORA DEL KNOCKOUT W: Nosotros en el disco creamos una divinidad pagana que es “la Virgen del knockout”, que es uno de los temas del disco con el cual le hemos dado a los boxeadores (un gremio que no tenía santos patronos) “la Virgen del knockout”, y ya la empezaron a abrazar. Me han contado de varios gimnasios de boxeadores que se la han tatuado, como el Patón Basile por ejemplo, que es un boxeador que está todo tatuado, un grandote temible, que lo conocí el día que fui a conocer a la viuda de Ringo. Me lo presentaron y me dijo “me voy a tatuar la Virgen del knockout”.

GN: Y en ese tema está el audio original de la pelea de Ringo con Mohamed Alí, el gran momento deportivo de Bonavena.

W: Exactamente, si escuchás bien la canción, en una parte muy épica, se escucha de fondo la pelea con Alí, la transmisión en inglés y en español, y antes del tema una periodista mujer habla sobre Ringo. Es un relato genial.

MASSACRE: CON PEDIDO DE CAPTURA GN: Otros de los temas importantes del disco es “Tengo captura”, donde aparece una frase muy curiosa que es la que reza “él mató a un policía motorizado”, nombre de una banda platense muy en auge en los últimos tiempos.

W: Yo al rock platense le tengo mucho cariño y respeto desde siempre, es una ciudad con una movida cultural propia muy fuerte, y siempre me gustó todo lo que salía de ahí, desde Virus, Bochatón, hasta Los Redondos. Ahora hay una nueva generación, un semillero nuevo del rock argentino desde La Plata, y la punta de lanza de toda esa movida son los El mató a un policía motorizado, entonces los meto ahí y genero una polémica para ver si los estoy bardeando.

GN: ¿Seguís usando la calza fucsia en los shows?

W: (Risas) Mirá, le cuento a la gente que no me conoce que yo soy un chabón que salgo al escenario con cosas así, medias absurdas, bordeando el límite con el riesgo (de lo ético, no de lo físico), entonces me pongo calzas de mujer, digo barbaridades entre tema y tema, que en algunos casos son absurdas y en otros cosas profundas, pero en ésta nueva etapa no estoy usando ese tipo de vestuario.

GN: Pero eso tiene que ver con ese glitter rock de los ´70 que tanto te gusta, al estilo Bowie e Iggy Pop. 20 • E D I C I Ó N N O . 4 2 , 2 0 1 1 •

W: Sí, está claro que es en tono de parodia porque no soy ni Bowie ni Iggy Pop, soy un gordo medio ambiguo (risas).

GN: Sos una montaña de amor, Wallas, te queremos como sos.

W: (Risas) Los adoro, loco, vengan a ver a la banda que va a salvar al rock mundial ¡Se llama Massacre!

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[OPINIÓN]

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[OPINIÓN]

Happy Birthday

CON SÓLO DECIR “SMELL LIKE TEEN SPIRIT”, “JEREMY”, “GIVE IT AWAY”, “YESTERDAYS”, “ENTER SANDMAN” O “THE FLY” SABEMOS QUE ESTAMOS HACIENDO REFERENCIA A SEIS DE LOS PRINCIPALES HIMNOS, DE OTROS TANTOS DISCOS CLAVES, EN LA HISTORIA DEL ROCK CONTEMPORÁNEO.

E CARLOS RIVAROLA Director Artístico Rock & Pop / Good News Radio

l detalle no menor es que todos fueron editados en 1991, y que por ende hoy, en pleno 2011, están cumpliendo sus primeros 20 años.

Nevermind, Ten, Blood Sugar Sex Magic, Use for illusion I y II, Black Album y Achtung baby, respectivamente, no sólo fueron (y son) hitos que marcarían un antes y un después en las carreras de las bandas que los engendraron, sino también grandes obras que ayudarían para consolidar los promisorios presentes de un puñado de géneros, y para garantizar con implacable popularidad su definitiva trascendencia.

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[OPINIÓN] Iniciemos un repaso caprichoso con Nirvana: un trío de jóvenes proletarios oriundos de Seattle, quienes no del todo satisfechos con su debut en la industria (Bleach), se mandaron con un segundo disco que colmaría con creces las expectativas (propias y ajenas).

En Nevermind conviven canciones de inspiración setentosa (“Come as you are”, “Breed”, “Something in the way”, “In bloom”, “Polly”, “Smell”) entonadas con actitud punk y encanto apocalíptico por Kurt Cobain, y un cúmulo de guiños generacionales (mensajes de apatía, pantalones rotos, camisas cuadriculadas) cuyo resumen dio origen a un movimiento que la prensa especializada inmortalizó como “grunge”.

Se impone seguir con sus vecinos Pearl Jam: otro grupo de jóvenes voluntades comandadas por la garganta sensible de Eddie Vedder y la guitarra de Stone Gossard, quienes se despacharon con Ten, un álbum sublime que le aportó al olimpo rockero canciones como “Alive”, “Even flow”, “Black”, “Garden”, la mencionada “Jeremy”, y que con igual furia e ingenuidad le agregaron al grunge esa dosis de escepticismo que necesitaba para volverse invencible.

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Saltamos a la costa oeste para encontrarnos con otro de los homenajeados: Red Hot Chilli Peppers, la verdadera aplanadora del rock alternativo, que luego de una década macerando el golpe perfecto, al fin lo logró con Blood sugar sex magic, un álbum diseñado para que el bajo de Flea se

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[OPINIÓN] “glam rock” sobre varios candidatos en carrera por el cetro.

Argumentos no le faltaban: tener a Slash y Axl Rose es correr con ventaja.

bata a duelo con el fraseo de Antony Kiedis, hasta armar un lío descomunal del que nadie saldría ileso.

“Funky monks”, “Apache rose peackok”, “Blood sugar sex magic”, y “Under the bridge”, entre otros trompazos a la mandíbula, hacen de este trabajo todo lo significativo que ya sabemos que fue, con el plus de la varita de un productor (Rick Rubin) quien supo fusionar a las tribus en perfecta armonía, sentando las bases de lo que luego se conocería como “funk rock”.

Por allí también nos topamos con los Guns n` Roses, la banda que con Use Your Illusion I y II cautivó a las grandes ligas con su coctel explosivo de historias de belleza disfuncional y adrenalina al límite, y decretó por varios cuerpos la victoria del

Cerramos el capítulo americano con Metallica y su disco homónimo más conocido como Black Album, que vio la luz justo en el momento en el que el heavy buscaba una nueva identidad entre las penumbras del fin del siglo, y que gracias al carisma de “Enter Sandman” y “Nothing Else Matters” pudieron separarse del rebaño pesado, y configurar una nueva velocidad en la manera de expresar el espíritu metalero, generando un movimiento bautizado como “trash”.

Y para terminar el repaso nos tomamos un avión hacia Europa, y recalamos en la gris Irlanda, donde los U2 ese mismo año 1991 editaban la que quizás fuera su obra cumbre, Achtung Baby, una síntesis perfecta entre armonía y anarquía sonora, con canciones como “One”, “Misterious Ways” o “Zoo Station”, que conquistaron al mundo con su modernidad y provocaron el primer flechazo entre el hombre y la máquina, iniciando un fructífero romance que culminaría en un matrimonio denominado “electrorock”.

Me voy al centro a comprar un regalo.

Unos amigos cumplen 20 años.

La vanguardia rockera está de festejo.

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[RELATO: ATCHUNG BABY/U2]

CARLOS RIVAROLA Director Artístico Rock & Pop / Good News Radio

VOLVER AL FUTURO

Colgado del caño de un 31 de la empresa Coniferal atestado de gente en hora pico, y relojeando la tapa del diario que leía un tipo que estaba sentado al frente mío (al que en cada giro brusco le metía sin querer un rodillazo) donde se repetían con abundancia las palabras crisis, hiperinflación y saqueos, fue que decidí tomarme el palo.

C

on los trámites de ciudadanía a medio terminar y con un pasaje de una compañía aérea rusa comprado por una hermana que me había ganado de mano, me fui a buscar un futuro (o quizás un presente) más alentador a otra parte. La Italia de mis antepasados fue el destino elegido.

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En menos de 24 horas, y con una escala surrealista en Moscú, el frío seco del invierno europeo me recibió en el aeropuerto Fiumiccino de Roma, dejando atrás aquel diciembre sofocante que me despidió en Ezeiza, y una realidad en baja pero bien predispuesta a recuperar el vértigo del otro lado del charco.

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[RELATO: ATCHUNG BABY/U2]

Me llevó unos pocos días recorrer la zona y armar el ranking de mis refugios preferidos, muchos menos que encontrar trabajo y aprender lo básico del idioma.

Sobre la avenida principal armé la grilla de mi cotidianeidad en aquel lugar pequeño pero muy pintoresco asentado sobre el mar adriático, plagado de fábricas, restoranes, turistas, africanos ilegales, y sudamericanos en autoexilio.

Ahí estaban el bar perfecto, la pizzería, el teléfono pinchado, la librería amigable, un par de locales de zapatillas y una disquería increíble, donde una agradable tardecita de otoño, algunos meses después de mi llegada (y cuando lo más difícil ya había pasado), me topé con

ways”, “So cruel”, o “Ultraviolet”, Achtung Baby rebalsaba de modernidad y brillaba en lo más alto del firmamento de una década que prometía mucho con la irrupción del grunge, del funk rock, y de toda la movida que provenía de los suburbios de Manchester.

Mis pasos se hacían cada vez más firmes; la montañita de liras que ligaba cada principio de mes a cambio de trabajo insalubre, alcanzaba para financiar viajes, whiskys caros, remeras Benetton, perfumes franceses, pavos rellenos en navidad y deliciosos bacanales con prosciutto, pasta al dente y tiramisú para la cena, siempre a las ocho en punto.

Pero la distancia nunca fue una tarea fácil. La nostalgia era un examen que se rendía a diario, y la soledad un souvenir que no se envuelve ni se compra.

Los titulares de la prensa hablaban de la gestación de un plan que unificaría las economías

“Hacía ya un buen tiempo que estos irlandeses me caían simpáticos, pero este disco era lo más.”

Achtung Baby, el disco de U2 recién salido del horno con un llamativo diseño de tapa que era toda una novedad para aquella época de principios del disco compacto.

Excitado, arrebaté el primer ejemplar que traía un librito de regalo con todas las letras en italiano y me encerré a escucharlo durante varios días con sus noches incluidas.

Hacía ya un buen tiempo que estos irlandeses me caían simpáticos, pero este disco era lo más.

Desde el arranque, con “Zoo Station”, se intuía que aquel sonido revolucionario provocaría tal volantazo en la maquinaria del rock que obligaría a repensar el camino antes de entrar en la recta final hacia el nuevo siglo. Mientras, las radios se hacían un festín con “The Fly” (primer sencillo del álbum) y “One” (quizás la balada más bella de la historia). En canciones como “Until the end of the world”, “Misterious

de los países de Europa, de las Olimpiadas que pronto se llevarían a cabo en Barcelona, y anunciaban la monumental gira en la que U2 presentaría un disco que yo ya me sabía de memoria.

Sentado en un banco de la plaza principal, iluminado por un sol, que de a poco iba derritiendo la nieve de la noche anterior, y cayendo en la cuenta de haber encontrado al fin la estabilidad, fue que decidí pegar la vuelta.

Rápidamente comencé a preparar el epílogo perfecto…

Las valijas quedaron tan llenas, que tuve que pagar por exceso de recuerdos. En el bolso de mano sólo cargué un libro y el discman. La azafata me preguntó si quería café, gaseosa o vodka. La voz de Bono empezó a levantar vuelo.

Antes de perderme en los laberintos del tiempo, me pregunté si aquello era algo que se estaba terminando, o si en realidad recién comenzaba. Por el vidrio apenas se divisaba la silueta de un mundo viejo. Cerré los ojos y me entregué nuevamente al caos.

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INVENTO ARGENTINO ES UN RADIO SHOW DE ACTUALIDAD ARGENTINA, Y UNO DE LOS ÚLTIMOS BASTIONES DE LA RESISTENCIA DEL CONTENIDO EN LAS FM DE CÓRDOBA. Con superávit de rebeldía y déficit de complacencia, los integrantes de la mesa (a veces cuatro, a veces tres, a veces dos, siempre más de uno) se pasean por la kermesse de la realidad con la elegancia de los inmortales, buscando sacarle ventaja a la oferta del día que siempre está servida en bandeja.

Con humor, con ironía, con realismo, y con ficción, ese par de horas que el programa le roba a la siesta se ha ido constituyendo en el refugio de los que descubrieron que el mejor camino hacia la revolución, paradójicamente, es volver a las fuentes.

Con un plus de opinólogos espontáneos, columnistas especializados, y música de autor, sin duda

que la propuesta es una tentación para el escucha, que todos los días -de lunes a viernes, y desde hace cuatro años- suma su protagonismo y atesoró el producto como un lugar de pertenencia.

Natalia Costamagna y Caio Lamberti a la cabeza de un equipo amplio y noble de animales de radio, renuevan capítulo a capítulo, palabra tras palabra, y canción tras canción, el desafío de entrar en la historia de los medios sin morir en el intento.

Escuchanos de Lunes a Viernes por Good News Radio 90.3 FM y www.goodnews.com.ar INVENTO ARGENTINO Conducción: Natalia Costamagna – Caio Lamberti Columnistas: Roger Koza (Cine) / Agustín F. Quiroz (Reggae y otras hierbas) / Juan M. Ramia (Agenda cultural) Operación técnica y puesta al Aire: Damián Reynoso Dirección: Carlos Rivarola / Producción: Gregorio Tatián • EDICIÓN NO. 4 2, 2011 •

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[HI!: JENNY NAGER]

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[HI!: JENNY NAGER]

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[COSA DE NEGROS: THE FOREIGN EXCHANGE]

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NTES, LAS BANDAS SE FORMABAN EN LOS PUBS, LOS COLEGIOS, EN LOS ENSAYOS DE GARAJE DE ALGUNA CASA ENTRE AMIGOS DEL BARRIO. PERO LAS COSAS CAMBIAN, Y EL CAMBIO NOS FAVORECE.

PABLO CANDI Dj Residente JBG Cerro

Con internet se han derribado muchos límites, entre ellos la distancia. Así el rapper y cantante estadounidense Phonte Coleman conoció al productor holandés Nicolay. Chateando en okayplayer.com intercambiaron música, grabaciones, remixes. Poco tiempo después formaron el grupo, sin conocerse personalmente. Por eso el nombre: The Foreing Exchange (algo así como “La moneda extranjera”).

Conectados a la red todo el día, Nicolay y Phonte, fueron creando juntos su álbum debut, lanzado por el sello BBE Records en 2004 y llamado Connected, claro. Un disco de puro hip hop, más cercano al rapero de Carolina del Norte, ex Little Brother, Phonte Coleman, que a la sutileza del productor holandés de Nicolay & Kay. Pero esos porcentajes de influencias fueron cambiando y Nicolay y sus cinematográficas bases fueron creando climas cada vez más notorios en los discos posteriores.

En 2008, con Leave It All Behind, el rap va dejando lugar al más fino R&B, y Phonte demuestra que, además de rapear, canta y muy bien. En 2010, con Authenticity, ese fino R&B se profundiza en un soul delicado, de una calidad admirable, superlativa.

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Este año, 2011, decidieron dejar todo atrás y celebrar esa conexión tan auténtica con el disco Dear Friends: An evening with The Foreign Exchange. Un trabajo acústico e intimista, hecho entre amigos. Para esta ocasión tomaron aviones, caminaron pasillos de aeropuertos, miraron la ciudad del otro como propia mientras se trasladaban en taxis hasta ese abrazo en el estudio de grabación, no sin alguna duda, porque en las fotos todos nos vemos bien.

Es un disco donde reproducen algunas de sus mejores canciones, en especial las del álbum anterior, Authenticity, que es, de

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[COSA DE NEGROS: THE FOREIGN EXCHANGE] sus trabajos, el más suave y armonioso ideal para grabarlo en vivo. Se destaca el tema “Laughing at your plans” que cuenta con la colaboración de Sy Smith y Jeanne Jolly La música de Phonte y Nicolay se puede escuchar toda junta, armando un playlist con cada uno de los temas de sus cuatro maravillosos discos; discos que llegaron a mí gracias a otro de los muros que internet derribó: el acceso a la música. Porque aún con la polémica de los derechos de autor, gracias a internet uno tiene acceso a trabajos que antes ni siquiera llegaban a las disquerías locales, perdiéndose así una infinita cantidad de excelentes propuestas, sólo por no ser enteramente comerciales.

También cambió definitivamente la manera en que los músicos ganan

su dinero. Las bandas han tenido que volver a tocar, hacer shows, giras, darle nueva vida a los festivales, y visitar lejanos países como el nuestro. Así se han vuelto a unir bandas disueltas hace muchos años, y sus músicos (ya gordos y viejos) han vuelto a reproducir en el escenario aquellos temas que nos marcaron.

Así, las nuevas bandas como The Foreign Exchange, creadas con las nuevas reglas de juego, llegan, en vivo o en MP3, para que puedas disfrutarlas.

Como bien dijo en un capítulo de Los Simpson aquel personaje gay que salvó a Homero de la furia de unos renos: “internet es un milagro”. Los cambios que produce tienden a perjudicar en alguna medida ciertos intereses comerciales de particulares y empresas; pero, en compensación, beneficia enormemente a la mayoría.

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[FICHERO MUSICAL]

CONTACTATE: Marcela Maugeri | Cel. (0351) 156 420707 [Prensa] Web: www.cyroylaligapremier.com.ar MySpace: cyroylaligapremier Facebook: Cyro-La-Liga-Premier Twitter: @CyroLigaPremier

PRÓXIMOS SHOWS: 15 de diciembre en Centro Cultural España Buenos Aires 34 • E D I C I Ó N N O . 4 2 , 2 0 1 1 •

INTEGRANTES: Lucas Sebastián Camilo (batería), Cyro Verone (voz y guitarra), Matías Mahiques (teclados, sintes y coros), Guillermo Barrionuevo (bajo y coros), Agustín Lozada (guitarra), Matías Moreira (guitarra).

AÑO DE FORMACIÓN: 2003 GÉNERO MUSICAL: Rock, pop y beat de los años ´60 y ´80 mezclando los sintetizadores actuales.

DISCOS: Profundo (2003) - Cyro & La Liga Premier (2008) - Pura Violencia (2011) INFLUENCIAS MUSICALES: El género beat de los años ´60 argentino/británico y el rock pop y electrónica de los años ´80 y ´90 británicos.

UNA RECOMENDACIÓN MUSICAL: Cats on Fire, Gene, Elvira Pop, The Smiths, Los Bichos.

UNA BANDA QUE NUNCA ESCUCHARÍAN: Las Pastillas del abuelo y Callejeros.

ESCENARIOS QUE QUIERAN PISAR: Reading Festival, Personal Fest y Tops of the Pops UN SHOW MEMORABLE: El último que dimos en Ciudad de las Artes

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FLASH

DEMORADOS Cuando todo parecía salirles bien, como por arte del destino, Calle 13 termina el año con algunas malas. Los portorriqueños llegaron tarde (muy tarde) a un show programado en Perú. El avión que los llevaba de Venezuela a Lima se demoró y el show terminó arrancando tres horas tarde. La gente (obviamente) se enojó, y cuando René y los suyos salieron a escena, los abuchearon y les tiraron todo lo que estaba a mano. El dúo, a pesar de eso, tocó 19 canciones. Una noche complicada.

GHETTA A LA ESTACIÓN Se podría decir que David Ghetta es uno de los dj´s más importantes del mundo (fruto del marketing, del talento o de lo que fuera).

También se podría afirmar que La Estación tiene buenas propuestas para el verano. Ok. Unamos las oraciones para completar la noticia que volará la peluca de más de un electrofan: Ghetta va a tocar el sábado 14 de enero en La Estación. En el marco de su gira por Sudamérica, el francés tocará suelo cordobés presentando Nothing but the Beat, su último disco.

CHOQUE DE PLANETAS Un Beatle y un Stone, juntos. Sí, parece que entre ellos nunca existió la rivalidad y por eso han compartido escenario en varias ocasiones. Resulta que Paul McCartney invitó a Ron Wood a tocar “Get back”, en un show que dio en el O2 Arena de Londres, en el marco del On The Run Tour. Y claro, parece que la idea gustó y mucho. Quizá Ronnie Wood tampoco tenía cosas más importantes que hacer que tocar con McCartney, quién sabe.

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[SECCIÓN: //]

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[RECOMENDADO]

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uego de aquel auspicioso debut con un álbum homónimo, estos oriundos de Leicestershire editaron dos discos más, con los que redondearon una carrera que les alcanzó para un tibio suceso de cabotaje pero a la que siempre pareció faltarle algo. Ese “algo” llegó a su fin en 2011, y se llama Velociraptor!.

Aquí los Kasabian dejaron de insinuar sus buenas intenciones y plasmaron una obra muy inspirada, que quizás no los coloque a la altura de

los grandes popes británicos pero que seguramente les legitimará un atractivo vuelo propio.

Velociraptor! no tiene desperdicio. Desde el suspensivo arranque con “Lets roll just like we used” hasta el delicado cierre con “Neon noon”, los once tracks que lo componen (sobre todo el primer corte de difusión, “Days are forgotten”) logran saltar las fronteras con un sonido de elegancia universal, y nos proponen un viaje sin altibajos de calidad por el mejor rock inglés que hoy se pueda encontrar en cualquier punto del planeta.

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[RECOMENDADO]

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n su excepcional libro El fantasma material, Gilberto Pérez dice sobre el film de Renoir: “La tragedia es tradicionalmente la expresión formal del individuo, la comedia la expresión formal de la comunidad. Las reglas del juego es una tragedia de comunidad. Su fatalidad no reside en un individuo singular, en un héroe que tiene defectos –sus personajes poseen defectos que pertenecen a una humanidad común– sino en un orden social que ejerce violencia sobre la naturaleza humana, una sociedad que fracasa en acomodar a sus individuos en una comunidad sustentable”.

La descripción es filosóficamente perfecta, pero quizás no es del todo justa a la hora de describir una de las películas más importantes de la historia del cine, cuya ligereza y argumento pueden distraer de su perfección formal y sus derivaciones temáticas.

Un aviador, un millonario, un amigo en común, una enigmática mujer australiana, sirvientes, 40 • E D I C I Ó N N O . 4 2 , 2 0 1 1 •

miembros de la alta sociedad comparten un fin de semana en un castillo en donde las principales actividades son la caza y el teatro, aunque los amoríos furtivos están a la orden del día en la mansión.

Se ha dicho que el trabajo sobre la profundidad de campo es magistral. Sin duda, el espacio de la mansión y el modo en el que Renoir lo registra sugiere no sólo una división topológica de clases sino un sistema de interacción entre éstas.

Divertida y siniestra, Las reglas del juego postula un mundo en el que todos están al acecho. Matar un conejo o a un ser humano puede llegar a ser lo mismo, al menos si en las reglas del juego la caza define algo más que un deporte o una necesidad pretérita y primitiva de conseguir alimento.

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[CINE:INTRO]

UNA PELÍCULA EXTRAORDINARIA, UN ENSAYO SOBRE LA PERCEPCIÓN EN EL CINE Y UNA COMEDIA SOCIOLÓGICA LLEGAN PRONTO A NUESTRA CARTELERA, QUE EN BREVE SERÁ INVADIDA POR FILMES NAVIDEÑOS EN SINTONÍA CON LA HISTERIA DE LAS FIESTAS. ROGER KOZA vCrítico de Cine

POESÍA PARA EL ALMA [10*] Lee Chang-dong, Corea del sur, 2010

[8*] [7*]

HACHAZOS Andrés Di Tella, Argentina, 2011

LA MUJER SIN PIANO Javier Rebollo, España, 2010

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[CINE: POESÍA]

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[CINE: QUE SE VE]

POESÍA PARA EL ALMA

LA QUINTA PELÍCULA DE LEE CHANG-DONG EXCEDE EL SIGNIFICADO UNÍVOCO DE SU TÍTULO. NO SE TRATA SOLAMENTE DE UN FILM SOBRE POESÍA O INCLUSO DE UN FILM POÉTICO, SINO DE UNA MEDITACIÓN PRECISA Y FILOSÓFICA SOBRE CÓMO EL LENGUAJE DEFINE LA IDENTIDAD HUMANA.

A

los 66 años, Mija, debe lidiar con el inicio de su Alzheimer. Las primeras palabras que afecta el olvido no son gratuitas y sugieren, incluso, una perspectiva política. Mientras su hija vive en Seúl, su nieto permanece bajo su custodia. Habrá un hecho desgraciado, anunciado desde el inicio a través de un plano perfecto que tal vez involucre a su nieto.

La situación financiera de Mija no es la ideal, y es por eso que cada tanto trabaja como ayudante de un discapacitado de su edad, lo que no le impide asistir a un taller literario orientado a la poesía.

Título: Poetry / Shi Género: Drama Director: Lee Changdong Intérpretes: Jeonghie Yun, Hira Kim, Naesang Ahn y Da-wit Lee Duración: 139 min.

Origen: Corea del Sur Año: 2010.

En algún momento, su profesor dirá: “Para escribir poesía hay que ver bien”, una indicación válida también para hacer (y ver) cine. Y es precisamente aquí donde la lección de Lee es magistral.

En Poesía no se leerán poemas de Whitman o Basho, y la didáctica explícita para componer un poema flirtea con lo humorístico (y ridículo). Es que aquí lo poético no se dice sino se

muestra; surge literalmente de los planos del film, planos que devienen en versos.

Es lógico que Lee renuncie a la música, pues interrumpiría la métrica sonora de sus imágenes. El sonido de un río, la mirada de un fantasma y una poesía en su nombre constituyen algunas de las mejores secuencias que se verán en el año en una sala cinematográfica.

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[CINE: HACHAZOS]

Hachazos LA SÉPTIMA PELÍCULA DE ANDRÉS DI TELLA ES MUCHAS COSAS: UN RETRATO AMOROSO DE UN ARTISTA, UNA MEDITACIÓN SOBRE LA CONTINGENCIA DE LA IDENTIDAD, UNA ESPECULACIÓN SOBRE LOS EFECTOS INVISIBLES DE LA HISTORIA EN LA INTIMIDAD DE LOS HOMBRES, UN INTENTO DISCRETO PERO EFECTIVO DE HACER JUSTICIA (Y POR LO TANTO DARLE VISIBILIDAD) A LA DESCONOCIDA HISTORIA DEL CINE EXPERIMENTAL ARGENTINO.

S

in embargo, esta película sobre Claudio Caldini, un cineasta mítico y figura central del fantasmal género experimental que tuvo su “apogeo” en la década del ´70, no es otra cosa que una película sobre la percepción, o cómo la cámara

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Título: Hachazos Género: Documental Director: Andrés Di Tella Intérpretes: Claudio Caldini y Andrés Di Tella.

Duración: 80 min.

Origen: Argentina Año: 2011.

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[CINE: HACHAZOS] cinematográfica constituye una suerte de reinvención de la mirada o extensión mecánica del ojo humano que libera el lugar común de la mirada.

Basta ver una película sobre margaritas que Caldini filmó tras su regreso de la India, tras una larga estadía (en parte en el ashram de Sri Aurobindo), o algunos planos relámpago sobre bosques, vías de trenes y fuegos, para corroborar el talento de Caldini como cineasta, con una sensibilidad extrema que lo llevó lejos del país cuando no pudo asimilar “el poder por la violencia”.

Di Tella esboza una biografía y para ello adopta

un tono contemplativo y poco invasivo, coherente con el ascetismo ontológico de Caldini. Los planos fijos de Di Tella, las remakes dentro del film de algunos films de Caldini, la inserción de fragmentos de fotos y viejas películas de las que sólo existen las copias que viajan en la valija del cineasta son algunos de los materiales genuinos de este film emocionante. “Vivir como se filma, filmar como se vive” y, después de ver Hachazos, mirar como se vive.

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[CINE: LA MUJER SIN PIANO]

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[CINE: LA MUJER SIN PIANO]

LA MUJER SIN PIANO, SEGUNDA PELÍCULA DE JAVIER REBOLLO, ES UNA FANTASÍA FILOSÓFICA SOBRE LA IDENTIDAD Y SU CARÁCTER CONTINGENTE.

Título: La Mujer sin Piano Género: Drama Director: Javier Rebollo Intérpretes: Carmen Machi, Jan Budar y Pep Ricart Duración: 94 min.

Origen: España Año: 2010.

La referencia aquí ya no es Bresson, como sucedía en su primera película Lo que sé de Lola, a pesar de que el trabajo sobre las simetrías y el grado cero de expresión en las interpretaciones pueden remitir al universo del maestro de Mouchette.

Ahora es citado Jacques Tati (y quizás Iosseliani), en esta comedia sobre la alienación ciudadana en la que una mujer de unos cincuenta años se calza una peluca y en medio de la noche se va a caminar mientras su marido sigue durmiendo en su departamento. Así, el azar la lleva a una estación. Quizás viaje a Polonia con un ciudadano de ese país, un tipo

más joven que conoce en la estación, un hombre preocupado y solitario que encuentra sosiego cuando puede reparar cosas, porque así, aparentemente, su cerebro sintoniza sentido y orden.

El humor es minimalista como la puesta en escena. Un oportuno travelling de la mujer caminando rumbo a la estación demuestra el control de Rebollo sobre cada bloque de tiempo de su película. Una exégesis de un cuadro en la pared de la casa cifra la película, aunque el inicial fundido en negro mientras se escucha un fragmento musical sinfónico es todavía más misterioso y quizás esencial en el desarrollo de la historia. Si bien el polaco está interpretado por el compositor checo Jan Budar, la banda de sonido no es otra cosa que Madrid y sus sonidos.

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[EN 35 MM: ¡NO ME CIERREN EL BAR!]

CELINA LÓPEZ SECO Crítica de Cine

SALTÉ DEL TREN SIN QUE ME IMPORTE NADA PORQUE NO DABA MÁS: 20 HORAS DE VIAJE SÓLO POR PROBAR EL TREN EN CLASE TURISTA. LO ÚNICO INTERESANTE HABÍA SIDO LA NOCHE EN EL BAR, DESPUÉS DE UNA COMIDA FATAL Y UN CAMARERO COPADO, CUANDO ME VI RIENDO ENTRE UN GRUPO DE ESTUDIANTES SECUNDARIOS QUE VIAJABAN A TECNÓPOLÍS. POR UN INSTANTE SENTÍ QUE HABÍA SALVADO LA NOCHE HASTA QUE LLEGÓ EL MOMENTO FATAL DE LA PREGUNTA: “¿A QUÉ TE DEDICAS?”.

¿

Por qué tendremos los cordobeses esa horrible costumbre de preguntarle al otro “qué hace”?.

Una amiga en Barcelona me decía que la única raza de argentinos a los que les importaba la profesión y el apellido del interlocutor éramos los cordobeses, que decimos: “¿Conocés a la Caro, la abogada?”. Entre dientes les dije: “soy crítica de cine”. Repitieron mis palabras a coro, no sé si encantados o desilusionados.

“Bueno –dije-, entre otras cosas”. “¿Qué cosas?”, insistieron. “Eh… investigo sobre cine, estudio el cine, pienso el cine, hago un doctorado”… y antes de que terminara la frase pensé “¡Qué cagada! Debería haberme hecho la dealer, • EDICIÓN NO. 4 2, 2011 •

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[EN 35 MM: ¡NO ME CIERREN EL BAR!] o inventar algo que causara más emoción”.

Pero ya era tarde, casi sin hablar había aburrido al insomne público adolescente. Sin embargo, de atrás casi sin asomarse, con una coca cola zero en las manos, uno de ellos preguntó: “¿Y qué hace un crítico de cine?”. Me arremangué la camisa, terminé mi cerveza, pedí otra por las dudas, y empecé: “¿Qué hay en cartelera ahora? Bien, hay tres películas argentinas, ¿qué saben de ellas?”. La respuesta fue: “Nada”.

Ah, pensé: “¿No ven cine argentino, no van al cine? ¿Renuncio a esto? Un esfuerzo más, me dije, si se van estas criaturas cierra el bar del tren y te vas a pasar la noche en ese asiento tan estático como Alan Pauls en La Vida nueva”.

Entonces empecé mi relato: “¿Vieron que ustedes ahora van a una feria? Bien, supongan que en uno de los salones hay un espacio dedicado a las últimas producciones de cine argentino independiente. Imaginen que yo me disfrazo de guía y les voy contando que desde los orígenes el cine argentino se debate entre ser un arte o transformarse en una industria, como la de Hollywood por ejemplo. Pero no le sale, o le sale por momentos pero con una clara dependencia a los países dominantes.

Imaginen que vamos observando imágenes, las primeras imágenes de nuestro cine, había necesidad de definir quiénes éramos. ¿El campo o la ciudad? ¿Cuáles eran los verdaderos portavoces de un país que estaba empezando? ¿Quiénes eran los indígenas, qué derechos tenían? ¿Y esos inmigrantes?, miren la pantalla, un conventillo plagado de gente, cada uno en lo suyo, venían de lejos, se instalaban juntos. Y después de la guerra en Europa, el cine en el mundo se distancia del modelo feliz que se proponía desde Hollywood, se filma en blanco y negro, los cineastas salen a la calle (sonido directo y luz ambiente). Sí, no quedaban estudios de cine en pie, habían bombardeado las ciudades más importantes de Europa. Nace el neorrealismo. Y acá, en Argentina, también teníamos una especie de realismo social, lo teníamos al Negro Ferreyra, después a Mario Soffici con Kilometro 111. Bueno, ya, no los aburro con nombres”.

De repente salta uno rompiendo el hechizo de mi cuento y grita: “¡Y qué tiene que ver eso con las películas de ahora en el cine!”

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Leonardo Favio miró al pueblo sin temores, no lo representó, no habló en su nombre, no lo filmó con complacencia ni con distancia.

“Que pareciera que al cine argentino todavía hay cosas que le cuestan”, respondo. “¿Cómo qué?”, re-pregunta. “Como hacerse cargo de la mirada por ejemplo” (“La mirada, ¿cómo salgo de esto?”, pensé).

Pero vamos por parte (respiro hondo, tomo un trago de esa cerveza casi sin espuma y retomo el relato). -“Decíamos que después de la segunda guerra mundial el modo de filmar, el modo de

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[EN 35 MM: ¡NO ME CIERREN EL BAR!] que no había nada nuevo bajo el sol. Llinás explotó un modo narrativo que incluía la palabra como acción del relato, no como su significado. Hizo una película increíble, de más de cuatro horas con un presupuesto de tan sólo 30 mil dólares. Un genio. Pero parece que después fue difícil para los realizadores argentinos independientes (por ahora digamos que relativamente independientes al dinero del instituto de cine) sostener la relación entre arte y público, fíjense que las películas argentinas cada vez duran menos en cartelera. Las salas de los shopping sólo se bancan los grandes tanques que vienen con garantía de recuperación en mano. Sin ir más lejos, ustedes me dicen que no ven cine argentino como si fuera un orgullo”.

mirar el mundo ya no fue el mismo casi para nadie. En nuestro país hubo un cineasta, que primero fue actor, que se formó con otro grande, Leopoldo Torres Nilson, que pudo eludir esa barrera, algunas veces falsa, que hay entre la industria y el arte. Por qué, ¿qué se esconde, qué hay detrás del temor a lo masivo? Ese cineasta es Leonardo Favio. Favio miró al pueblo sin temores, no lo representó, no habló en su nombre, no lo filmó con complacencia ni con distancia. Favio es un artista popular. ¿Cómo hacer cine para el gran público, o para el público sin caer en la banalización? La verdad, ni idea chicos, es el eterno debate”.

“Es como preguntarse ¿Desde qué lugar creamos algo? Hoy hay muchas escuelas de cine, pocas públicas, la mayoría privadas. Una de las que dio excelentes rendimientos fue la Fundación Universidad del Cine de Buenos Aires, la FUC; de ahí salió Mariano Llinás y su buenísima Historias Extraordinarias. Una película innovadora en un momento donde parecía

-¿De qué van las películas argentinas que están en cartel ahora?. -Bueno, es lo que estoy tratando de decir; hasta donde sé, están Medianeras que es de Gustavo Taretto, La nueva vida de Santiago Palavecino y Un mundo misterioso de Rodrigo Moreno. Cada una merecería un apartado especial, van de lo suyo, lo único que puedo decir es que creo que las tres cayeron en la trampa del miedo. Miedo a no ser exagerados, miedo al desborde dramático de mucho cine argentino precedente. Pero, en un intento de eludir un modo afectado de contar algo, terminan siendo lo que temen: un modo afectado de contar algo. No debe ser fácil encontrar el tono propio, particular de decir algo cuando la herencia es tan buena (pensemos en Lucrecia Martel, Adrián Caetano, Lisandro Alonso, Pablo Trapero, Mariano Llinás). Y pareciera que cierto cine argentino contemporáneo está más atento al manual del cineasta independiente, ese que dice: ¡Cuidado con la emoción, no vaya a ser cosa que te parezcas a Darín en El hijo de la novia”.

-“¿Qué qué? ¿Qué si no me gusta el cine argentino?”. “Todo lo contrario, quiero un cine argentino. Igual me parece que están pasando cosas muy interesantes fuera de la metrópolis, miren Córdoba sino” (y ahí se venía la segunda bolilla: Cine y federalismo).

La verdad es que ya todo daba igual, habían cerrado el bar en medio del relato, nos fuimos a fumar al pasillo. Nadie iba a dormir, más de 20 horas en el tren, había que hacer otra historia.

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[TURISMO: VALLE DE TRASLASIERRA]

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[TURISMO: VALLE DE TRASLASIERRA]

VALLE DE TRASLASIERRA

Un viaje inolvidable a un paraíso natural

TOMÁS TURRADO Colaborador especial

POCO MÁS DE 100 KILÓMETROS ES LO QUE SEPARA LA CIUDAD DE CÓRDOBA DEL VALLE DE TRASLASIERRA, ACCEDIENDO POR RUTA 20. LUEGO, PARA DISFRUTAR DE UNA ESTADÍA EN UNA PINTORESCA LOCALIDAD HABRÁ QUE RECORRER LA RUTA 14.

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l tiempo para recorrer el camino de las Altas Cumbres dependerá del objetivo y del tipo de paseo; lejos de ser lineal, el camino cruza de este a oeste las Sierras Grandes, lo cual permite el disfrute de paisajes únicos. Las imágenes de vertientes, ríos, acantilados, flora y fauna que se observan, mientras se realiza el recorrido hasta el destino elegido, vuelven indispensable una cámara de fotos para retratar esos cuadros naturales.

El Valle de Traslasierra tiene el encanto que le otorga el complemento entre el paisaje virgen y el espíritu serrano. La amabilidad de sus pobladores, una excelente gastronomía criolla, alojamiento de alto nivel y el aroma a hierbas serranas, hacen de este valle un destino turístico ideal.

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[TURISMO: VALLE DE CALAMUCHITA]

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[TURISMO: VALLE DE TRASLASIERRA] Allí se ubican tres embalses, un imponente cordón montañoso, volcanes extinguidos, palmares, bosques y ciudades con un adecuado nivel de equipamiento e infraestructura. Las localidades más desarrolladas urbanísticamente son Mina Clavero, Villa Dolores, Cura Brochero y Nono; pero, además, emergen perlas como Yacanto y San Javier.

Para los fanáticos del ecoturismo, existen dos lugares únicos: el Parque Nacional Quebrada del Condorito y la reserva hídrica de Pampa de Achala, apropiados para realizar actividades en contacto con la naturaleza.

LA PROPUESTA: UN TOUR DIA 1 Lo ideal es comenzar el itinerario bien temprano con destino a Loma Bola (pasando Yacanto y San Javier, ubicada a 236 kilómetros de la ciudad de Córdoba).

Alrededor de las 13:00 se impone el almuerzo que puede ser la cocina casera que ofrece Il Germano, el restaurante del Hotel Loma Bola. Luego, alrededor de las 14:30 resulta saludable una visita a La Población, Yacanto y San Javier, combinando la opción de río y cultura. Resulta que allí, en el marco de la construcción del ferrocarril que llega a la ciudad de Villa Dolores, las comunidades inglesas encargadas del tendido de vías eligieron a San Javier y Yacanto como los sitios indicados para disfrutar del descanso. Es así como, desde finales del siglo XIX, la serranía que servía de marco a estas localidades se fue poblando de casonas de estilo inglés que se instalaron bajo la mirada de un inmenso cerro. Hoy, con su magnífico balneario, sus hosterías y un hotel que cuenta con campo de golf propio, estas dos localidades constituyen uno de los principales puntos de partida para el turismo de aventura. Desde estas tierras nacen las excursiones que buscan el ascenso al Champaquí, el cerro más alto del territorio provincial.

A las 18:00 proponemos tomar el té en Villa Dora Casa de té. Una hora después, el tour puede continuar con una visita guiada por el Museo del Libro, fundado en 1998 por Luis Berraulte, donde se exhiben ejemplares del siglo XVI al XIX (como el Decretum del Emperador Graciano, realizado en papel trapo). Lo más pintoresco es una guía turística para conocer Roma en diez días, que data de 1707, y hurgar acerca de leyendas sobre los indios Comechingones, imágenes de conquistas, y lugares turísticos. A las 21:00 La Morita tienta con un menú que incluye risotto con hongos, spaghetti con salmón ahumado, supremas agridulces, cordero, trucha mediterránea, y fondue de chocolate como postre.

DIA 2 Si el desayuno se toma a las 9:00, una hora después se podrá visitar Finca Corralito; se trata de una pequeña fábrica de aceite de oliva donde se elabora el aceite extra virgen Abra de los Olivos, premiado internacionalmente. Rodeada de un bosque autóctono increíble, hábitat natural de animales como corzuelas, zorros, pumas, y una enorme variedad de aves, así como nogales, paltas, robles eucaliptos y cipreses.

A las 13:00 el almuerzo es recomendado en el Parador del Lago, del Dique La Viña. En este lugar, además, se puede aprovechar un paseo en piragua: el dique forma un enorme espejo de agua donde se practican diferentes actividades deportivas, como pesca, vela y kayak. Con un sabor bien natural, es hora de emprender el regreso, atravesando nuevamente las Altas Cumbres, que regalan una inolvidable luz violácea al atardecer.

DATOS ÚTILES La Morita: (La Población, localidad ubicada entre La Paz y San Javier) Calle Ricardo Silva S/N - Tel: (03544) 482352 Villa Dora Casa de Té: (Loma Bola) Tel:(03544) 496073 o Bake Leku.

Museo del Libro: al lado de Bake Leku.

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[PING PONG: MIGUEL REP]

EMILIANA FELIZZIA Periodista

No cree en los nacionalismos, se desconoce como artista y se define como un tipo “nacido para molestar”. Ese es Miguel Rep. Con respuestas cortas, cara apática y pocas ganas de hablar de sí mismo, impone una especie de ping pong para retratase. Seguimos sus instintos, y jugamos con sus reglas.

do. Es la Satiricón del ´72, pero era muy chico.

GN- Publicaste tus primeros dibujos a los 14 años ¿Qué diferencias hay entre el Miguel Rep de aquellos años y el actual?

REP- Muchas. Tantas que no recuerdo. Habría que preguntarle a aquel Miguel a ver si él sí.

GN- ¿Qué técnica es la que preferís?

REP- La que traduzca mi amor.

GN- ¿Qué creación tuya recordás como especial?

REP- El Don Quijote.

GN - Te definen como el transgresor, el artista, el humorista, el “chico raro” ¿Cómo te definís vos?

REP- Un rebelde de mí mismo, un nacido para molestar.

GN-¿Qué publicaciones fueron las que te sirvieron de escuela?

REP- Me sirvieron las revistitas de la infancia, y luego la satiración y las revistas europeas.

GN- ¿En qué publicaciones (en las que no dibujaste) te hubiera gustado estar?

REP- En la Tía Vicenta del ´57, pero no había naci-

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GN- Te animaste a la creación de sensaciones fuera del papel, tela o elemento visual.

Sobre eso, ¿qué mundo te abrió la radio?

REP- La radio es una expresión distinta. Yo todo el tiempo busco expresiones distintas por eso me animé a hacerlo.

GN- Siempre es difícil elegir entre opciones tan distantes, pero… ¿qué te da más placer desarrollar: un libro, un personaje, una historieta, un programa de TV o de radio, o un mural u obra conceptual?

REP- Quizás, un libro.

GN- ¿Qué premio o devolución recibiste y sentiste que era un momento bisagra en tu carrera como artista?

REP- Varios. Pero es historia pasada y hoy no me da por la melancolía.

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