The Good News No. 19

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THE GOOD NEWS • ABRIL, 2009

Staff DIRECCIÓN GENERAL Freddy Morozovsky Andrés Rodríguez DIRECCIÓN EDITORIAL Yanina Enrici COLUMNISTAS Pablo Candi Miguel Peirotti Luciano Le Bihan Mónica Ferreyra Fabio Mas Diego Espeche COLABORACIÓN PERIODÍSTICA Martín Brizio Marina Litvinoff Romina Edelman “Gato” Fernández CORRECCIÓN Romina Edelman

DEMASIADA

DIRECCIÓN DE ARTE Mariana Berna

PINTURA

DISEÑO Martín Seisdedos

PAUL STANLEY, ARTISTA INAGOTABLE

Desde la década del ´70, la pasión de Paul Stanley, cantante y fundador de Kiss, por las artes musicales y las visuales han sido quizás la clave del fenómeno mundial conocido como Kiss. La banda superó su trigésimo aniversario y, con más de 70 millones de discos vendidos, sigue de pie como el grupo norteamericano con mayor cantidad de álbumes de oro. Además de ser cantante y compositor de Kiss, aportó también desde lo visual en los diseños de tapas de álbumes de la banda y en la indumentaria dándole una identidad visual y un sello estético único.

Algunas obras de Stanley: Starting Over Autorretrato Scream

Todo comenzó cuando a principios de esta década, Paul estaba por cumplir 50 años y atravesaba un divorcio y se encontró buscando otra forma de canalizar sus sentimientos que no fuera la música.

El mismo Stanley comenta a una conocida cadena de noticias estadounidense (Associated Press): "Un amigo que me conoce muy bien me dijo, ‘Deberías pintar’", recuerda. "Sin tener idea de lo que iba a hacer y sin ninguna capacitación en eso, fui a una tienda, compré lienzos, pinturas, espátulas y pinceles, regresé a casa y me puse a pintar. Con la primer pieza que colgué en casa, todo el mundo se acercaba y me preguntaba, ‘¿Quién hizo esto?’".

Stanley también comenta que nunca pensó en vender nada hasta que le comentó a Michael O’Mahoney, (presidente de Wentworth Gallery) sobre su nuevo hobby. O’Mahoney le pidió ver sus obras y quedó impresionado. Desde entonces el frontman de Kiss ha organizado cerca de medio centenar de muestras presentadas por él mismo. Aunque el estilo de Stanley está más asociado con el expresionismo abstracto de mediados del siglo pasado, también cuenta con autorretratos y retratos representativos, incluyendo uno de su padre, de 87 años que según comenta, sus amigos dicen que es tan realista "que si se publicara en el boletín de personas buscadas por la policía, a mi

padre lo apresarían en cinco minutos”.

Las obras originales se cotizan hasta en 70 mil dólares, una cifra que el artista confirma con un toque de orgullo y un poco de vergüenza. Aunque por otro lado, lo considera como prueba de que los coleccionistas realmente han aceptado su trabajo.

Desde principios de 2009, debió dejar de lado temporalmente sus tareas de padre, debido a la gira de Kiss por Sudamérica y Canadá y a la producción de un nuevo trabajo discográfico de la banda.

Con todo esto, es probable que la pintura también quede en stand by por primera vez en años, aunque dice que espera recibir mucha inspiración de todo lo que experimente en la gira.

Finalmente, lo que empezó como un gusto personal y un cable a tierra se ha transformado también en un excelente negocio con el que lleva recaudado cerca 2 millones de dólares por la venta de sus obras… aunque nunca pensó en vender nada.

PRODUCCIÓN DE MODA Mariana Bianchini Mauricio Gómez FOTOGRAFÍA Guido Martínez COMERCIALIZACIÓN Sebastián Gullo ADMIN. Y FINANZAS Jimena Borelli MARKETING Freddy Morozovsky Andrés Rodríguez Sebastián Gullo DISTRIBUCIÓN Locales Johnny B. Good THE GOOD NEWS Oncativo 954 - Bº Gral. Paz Córdoba - ARG Tel: 54 351 4260015 / Int.3 sebastian@jbgood.com www.jbgood.com IMPRESIÓN Rotagraf S.A Bv. Los Alemanes 3226 Córdoba - ARG Tel: 0351-4750646/50

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Uno que viene con todo

Sony Ericsson W995

El Sony Ericsson W995 se presenta como un producto insignia de la compañía con unas muy buenas características y una destacable cámara de 8 megapíxeles. Como todo teléfono móvil de última generación (o que se digne de tal designación) cuenta con conectividad HSDPA y WiFi con soporte para DLNA. Por otra parte, también nos deleita con una pantalla de 2,6 pulgadas, GPS y tarjeta de memoria Memory Stick Micro de 8 GB para almacenar todo el contenido multimedia; y siendo de la gama Walkman no podían faltar unos altavoces stereo incorporados. Está previsto que se ponga a la venta a mediados de año con la posibilidad de adquirirlo en color negro, rojo y plateado.

Aunque la pantalla no es táctil, el W995 incluye la función de autorrotación de la pantalla, gracias a la presencia de un acelerómetro. Además, aprovecha para incluir la ya clásica función Shake Control, que permite pasar de una canción MP3 a otra con sólo agitar el teléfono. En la autonomía del W995, el fabricante habla de marcas como 20 horas de reproducción musical ó 5 de reproducción continua de vídeo que aunque no baten récords lo ponen muy a la altura de las circunstancias.

Tele por todos lados

Philips 21:9

El W995 de Sony Ericsson cuenta con acelerometro que permite la rotación automática de la pantalla para poder visualizar videos en formato widescreen en su excelente display de 2,6 pulgadas.

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Hace meses que Philips viene avanzando en diferentes sitios de Internet, detalles sobre las maravillas de su nuevo televisor ultrapanorámico, el Philips Cinema 21:9. El aparato, hace gala de un panel LCD de 56 pulgadas y una relación de aspecto 2.39:1, la que se usa en los cines para proyectar las películas. En cuanto a la resolución, estamos hablando de una pantalla que lanzará una imagen de 2.560 x 1.080 píxeles directo a nuestras retinas. Simplemente impresionante.

El formato ultrapanorámico tiene dos ventajas: La más importante es que esta relación de aspecto, es de las más cercanas a la que tiene nuestra visión, por lo que, situados a la distancia correcta, la imagen del televisor inundaría todo nuestro campo visual, incluida visión periférica. La segunda ventaja es que, en muchas películas actuales, que han dejado atrás el formato panorámico 16:9, las molestas bandas negras que se colocan por encima y debajo de la imagen para no deformar la imagen serán muy pequeñas o, directamente, no se mostrarán. En cuanto al precio y la disponibilidad, Philips acaba de anunciar que el 21:9 podrá ser adquirido a partir de junio en el viejo mundo por un importe que rondaría los 4 mil euros.

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El Mazinger Z de los mini-componentes

Philips DC570

El Philips DC570 es un sistema de sonido que cuenta con un subwoofer integrado y nos ofrece una potencia 100 Watts. El equipo es grande, sobre todo en altura (un metro), sin embargo, es estilizado y de excelente acabado y diseño, lo que lo hace perfecto para tener en una esquina.

El Philips DC570 viene con control remoto que puede controlar también el iPod que coloquemos en la base. El sistema es compatible con los modelos iPod Touch, Classic, Nano y Mini.

Si queremos, también podemos reproducir MP3 o WMA que llevemos en un pen drive vía USB para lo que dispone de un puerto justo al lado del conector para los iPod´s, además de una entrada auxiliar de 3.5 mm.

Manejar el DC570 no tiene secretos, los controles son claros y además disponemos de una pequeña pantalla como apoyo para poder realizar algunos ajustes.

Los botones físicos nos dejan controlar las funciones básicas del iPod cuando lo conectamos a la base y además se encarga de recargarlo. Otra cosa que suma es que esta base de Philips incluya un FM con presintonías supliendo la falencia del dispositivo de Apple.

A ponerse la pila

Ecosol Powerstick USB Charger

Parece ser que para el mundo civilizado e inmerso en la tecnología, no existe otra amenaza mayor que la de quedarse sin pilas. Pilas en su sentido más literal, pues la cantidad de baterías portables que se comercializan actualmente han superado todos los récords.

Presentamos el Ecosol Powerstick USB Powered Universal Portable Charger. Un nombre demasiado largo, algo así como el equivalente tecnológico a un miembro de la monarquía y en realidad no encierra otra cosa más que una batería con forma de pendrive que se recarga conectándolo a cualquier computadora vía USB. En 90 minutos alcanza su carga máxima y asegura duplicar el tiempo de conversación de nuestro celular.

Podremos saber en todo momento la carga disponible a través de una pantalla LCD en uno de sus laterales.

Totalmente compatible con productos de las marcas Sony Ericsson, LG, Nokia, Motorola, Samsung, Blackberry, además de iPod e iPhone y todo tipo dispositivos que cuenten con Mini-USB. Se encuentra disponible en varios sitios de ecommerce a partir de los u$s 60, una ganga teniendo en cuenta la solución que puede resultar.

Resumen: Punto para la inventiva sobre los rebusques tecnológicos exclusivos para geeks del primer mundo.

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LIVE! LA MUERTE EN VIVO (BILL GUTTENTAG - 2007) Los medios de comunicación sangran a chorros por las heridas abiertas ante el público. Es lo que constata la protagonista de Live! La muerte en vivo (Live!, 2007), una ambiciosa ejecutiva de televisión que desarrolla un programa de origen polémico que, por esa misma razón, podría resultar el más revolucionario y popular de todos los tiempos, el reality show, Live!, donde los concursantes juegan a la Ruleta Rusa con un arma cargada por un buen fajo de dinero.

Mientras ella lucha para superar los obstáculos ante la Comisión Federal de Comunicaciones (el COMFER de allá, digamos), su equipo y los publicistas del show filman cada minuto de su glamorosa vida para hacer un documental sobre ella y los concursantes: un joven escritor que busca reconoci-

BOLIVIA De: Adrián Caetano.

Con: Enrique Liporace y Freddy Flores.

Bolivia es algo así como la película de culto de Israel Adrián Caetano, uno de los autores más personales de la generación que fuera encumbrada por la prensa como Nuevo Cine Argentino. Si Pizza, Birra, Faso (1998) es su clásico, Un Oso Rojo (2002) su película más popular y Crónica de una Fuga (2006) su desembarco internacional, Bolivia es la hermana menor que esperaba su reivindicación digital en la estantería oxidada del VHS. Se salda una deuda con una filmografía guiada por la coherencia.

CREPÚSCULO De: Catherine Hardwicke.

Con: Kristen Stewart y Robert Pattinson.

miento, una estrella de los deportes extremos, un campesino que trata de salvar la granja familiar, una hermosa aspirante a actriz, una supermodelo convertida en artista de performances y un joven inmigrante decidido a ayudar a su familia.

El director Bill Guttentag, un documentalista que en 2003 ganó su segundo Oscar al mejor cortometraje en esa misma categoría por un trabajo sobre bomberos durante el salvamento entre las ruinas de las Torres Gemelas (por tales antecedentes, no es casual que haya escrito y dirigido esta película, que parodia de alguna manera los documentales efectistas basados en celebridades efímeras), reunió en esta ficción a un elenco cuyos líderes son de la minoría latina en ascenso mayoritario en Hollywood, como la bomba sexual Eva Mendes (Ghost Rider) y Jay Hernández, visto en Hostel de Eli Roth y Las torres gemelas de Oliver Stone.

La película llega con dos años de retraso, pero el destiempo no le quita un ápice de actualidad: sigue vivo el recuerdo de la malograda Jade Goody, la ex participante de la versión inglesa de Gran Hermano que murió en público tras vender los derechos de la transmisión en vivo de su fallecimiento por un cáncer terminal para salvar el futuro de sus dos hijos.

Ficha Técnica

Una adolescente estadounidense de 17 años se enamora de un chico más pálido de lo acostumbrado pero ni su mejor corazonada le avisa que el pibe pertenece a un largo y antiguo linaje de chupasangres. Cuando ya está definitivamente enganchada con él, resulta demasiado tarde. El amor siempre es más fuerte que todo, pero raras veces deja de ser ciego también. Y allá va ella, con peligro de ser mordida por los familiares de su nueva y atípica pareja. La secuela de este fenómeno de boleterías se estrena en 2010.

Nombre: Live!

Dirección: Bill Guttentag Protagonistas: Eva Mendes, David Krumholtz, Eric Lively y Katie Cassidy.

Música: Phil Marshall Nacionalidad: Estados Unidos Año: 2007 Género: Comedia/Dramática Duración: 96 minutos

JULIA ROBERTS

Duplicity desde el 23 de abril en las salas cordobesas.

Haga lo que haga Julia Roberts, siempre será noticia global. Es la más grande estrella cinematográfica femenina del mundo (y una de las tres más importantes fuera de todo género sexual, junto a Will Smith y Tom Hanks) y a pesar de que ahora puede darse el lujo de no actuar todos los años (ni siquiera año de por medio, si así lo quiere) porque es madre, esposa, empresaria independiente y amada como diosa pagana, cada vez que retorna en una película se paran las rotativas. O se congelan los programas, como sea. La cosa es que Julia Roberts ha vuelto y ni Angelina Jolie (que solamente le gana en carnalidad labial) puede parar el ímpetu natural de su popularidad. La ganadora del Oscar por Erin Brockovich en 2001 vuelve en el thriller de espionaje Duplicidad junto a su amigo

en la vida real Clive Owen (hicieron las mejores migas durante el rodaje en 2004 de Closer, llevados por el deseo).

Ellos interpretan a dos espías encubiertos que se hacen pasar por empleados de una corporación envueltos en un romance clandestino. La situación de ambos empeora y sus vidas peligran cuando les encomiendan una misión de las más riesgosas y luego descubren que la verdadera dificultad del trabajo no es esquivar balas o que no te descubran sino decidir cuánto se puede confiar en el ser amado, en tu pareja, más allá del dinero y las consecuencias. Dirige el autor de Michael Clayton, Tony Gilroy, ganador de siete premios Oscar. Paul Giamatti y Tom Wilkinson aportan talento de reparto. A tener en cuenta.

Ficha Personal Nombre: Julia Fiona Roberts Fecha de Nacimiento: 28 de octubre de 1967 Lugar de Nacimiento: Georgia (EE.UU.) Tip: Durante el rodaje de La Mexicana (Gore Verbinski, 2001) se enamoró de uno de los camarógrafos del set, Danny Moder, con quien se casaría pocos meses después y tendría a Phinnaeus, Hazel (gemelos) y el pequeño Henry, sus tres únicos hijos.

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UNA NOTA PARA LEER CONECTADO A INTERNET, EN BUSCA DEL FUTURO DE LA MÚSICA En julio de 1995, Karlheinz Brandenburg etiquetó el primer archivo de audio con la extensión mp3 y tal vez sin imaginarlo se colocaba en el Olimpo de los nombres más importantes de la industria musical, junto a Mozart, Lennon, Presley. El término MP3 cumplirá en 2010, 15 años, demasiado tiempo para una denominación que aun es sinónimo de tecnología y vanguardia, ¿no? Mientras tanto, su familia de derivados sigue creciendo, Codecs, Emule, Napster, Itunes, Sample rate, Ogg, Bitrate…y una interminable lista de etc.

Podemos señalar a este alemán de apellido casi impronunciable como el principal, pero no único, culpable de la modificación de costumbres de toda una generación, la generación del MP3. Los fabricantes de computadoras cada vez más chicas y con mayores prestaciones, el avance de Internet en todos los aspectos de nuestra vida, la evolución de los medios de comunicación, los celulares y la creciente posibilidad

Hacia fines de los ´90, la tecnología ya tenía las herramientas necesarias para acercar al usuario de PC y Playstation una nueva experiencia: hacer música.

Programas primarios con sonidos midi o con bases pregrabadas, comenzaban a aparecer en el mundo de los juegos de video, tal vez el más recordado sea el MTV Music Generator, programa que permitía trabajar en “capas” las baterías, bajos, guitarras y arreglos de cada canción, instrumentos que al sonar conjuntamente daban como resultado una canción de calidad respetable.

Luego vendrían, entre otros, el Fruity Loops, más amigo del sector electrónico de la música; Band in a box, programa que nos permitía ser, sin conocimiento previo, ser un prometedor compositor de rock; el Acústica; Magix Music Maker; Cubase; o el complicado, pero genial Reason.

Este año, la firma Ableton volvió a maravillar al mundo. Su serie Ableton Live llegó a su octava etapa de desarrollo, y con un aspecto bastante intuitivo mas una simple lectura de su manual, nos capacita para hacer rock, hip hop, electrónica o reggae, con sonidos pregrabados o tomados de sus múltiples bancos de audio, más la posibilidad de tomar segmentos de canciones, agregar alguno de su amplio espectro de efectos y utilizar alguno de sus múltiples plug-ins (programas que se “suman”) para generar climas,

de producir música en tu habitación, son partes de un rompecabezas basado en tecnología y futurología con un resultado borroso… ¿Cómo será la música del futuro? ¿Cómo llegaremos a esa música? ¿Habrá talento tras esas canciones? Aquí algunas pistas y links para que nos asomemos a esta bola de cristal.

percusiones o arpegios y obtener un MP3 de excelente calidad, sin salir de casa. Un proceso que involucraba una banda, un productor, un ingeniero de estudio y el masterizado de una canción, se reduce con la tecnología actual a un par de días de interés, ganas de leer un manual y, depende del resultado, talento. ¡Ah! y si nos interesa obtener la partitura, el Finale, puede procesar tu “composición” y llevarla a un pentagrama.

Mención aparte para el Beaterator, compositor on-line (no hace falta instalar nada) con sonidos producidos por varios de los mejores djs del mundo y apadrinado por el productor del momento, Timbaland (responsable del último de Madonna, Justin Timberlake y Durán Durán).

El circuito tradicional de la música indicaba que los miembros de una banda se conocían en la secundaria, ensayaban, debutaban en la fiesta de fin de año del colegio y entraban al circuito de pubs de su ciudad, inmediatamente comenzaba su peregrinación por los medios con el primer demo, era imperativo para el éxito de la banda sonar en la radio del momento… ¿Cómo sería el debút de esta banda de una sola persona que luego de una semana frente a su computadora tiene los 10 temas de su primer disco? Para esto falta… pero no tanto como creemos. En los últimos años, muchos de los nuevos artistas alcanzaron popularidad basándose en nuevas formas de difundir su música. La chica revelación del 2007, Lilly Allen, firmó con EMI luego de ser la “nena mimada” de ese año en Myspace, Artic Mokeys, Paramore, 30 Seconds to Mars, The Ting Tings y muchas de las nuevas grandes bandas toman como base de difusión las redes sociales. Muchas de estas bandas de un solo artista, probablemente lleguen a ser famosos, antes de pisar su primer escenario, colgando su éxito en Facebook, o en MySpace, al tiempo que lo remixa alguno de sus amigos.

Mientras la industria discográfica tradicional durmió una interminable siesta con la explosión de los programas de intercambio de MP3, llegó tarde a la explosión mundial del Ipod y hoy corre atrás (muy atrás) de las nuevas tendencias; por otro lado las compañías de celulares ven la chance de convertir ese aparato que usted tiene en su mano en una sucursal de Musimundo, según la tendencia mundial cada aparato celular va a tener conexión total, directa e ilimitada a Internet en un lapso menor a cinco años, entonces qué mejor vía para conseguir esa canción que no podés parar de cantar, y si además el artista es promovido por el proveedor del servicio de celulares, cerramos fácilmente la ecuación.

Desde hace cinco años la industria de los shows sólo se supera a sí misma, tanto a nivel mundial como local los records de convocatoria y recaudación se superan año a año, basados en grandes regresos como Kiss, The Police, Soda Stereo, Queen, Los Fabulosos Cadillacs y otros consagrados que apuntan a la nostalgia del rockero que hoy supera los treinta y tiene poder económico, además de contar con una amplia lista de éxitos para

tocar en vivo. ¿Cuál es el futuro de estos shows cuando estos consagrados no estén más? Las condiciones actuales de cara a las nuevas tendencias son una oportunidad para las bandas que ya cuentan con un nombre, trayectoria y una carga de éxitos para tocar en vivo, pero y ¿los nuevos? ¿Este sistema no perjudica a los nuevos solitas o bandas que deben afrontar su carrera con nuevas reglas de juego?

Si nos aventuramos a decir que cada persona en un futuro cercano podrá hacer, de la mano

Un ejemplo de esto es “Sello Movistar”, el nuevo departamento que la empresa impulsa en cada país que está presente y que para fin de año coronará a un artista por región con un contrato de full rights.

Por su parte la globalización de Internet y el acceso a ella a través de celulares, redes wi-fi o car stereos con servicio 3G, modificará el panorama de los medios y hará posible sintonizar en todo momento y lugar cualquier estación de radio y televisión del mundo, o tal vez la radio online de “la banda de un solo integrante”, además de acceder a su canal de Youtube para ver sus videos, backstages o su propio reality en vivo y en directo. Esta tendencia de subirse a Internet o a las empresas de telefonía no es sólo una oportunidad para los debutantes; U2 firmó su alianza con Blackberry para su gira 360 que los traerá a Argentina en 2010 y Babasónicos editó Mucho su último disco quince días antes a través de celulares de Personal, logrando el primer disco de Oro virtual.

La irrupción del exitosísimo Guitar Hero o el Rock Band como unos de los juegos más vendidos de PlayStation (el jugador toca con una guitarra conectada a la consola, las canciones más conocidas del rock) acercó a las bandas consagradas a nuevos potenciales consumidores. De repente bandas como Metallica que siempre fueron reacias al uso de sus canciones aceptaron alegremente participar (previo paso por la caja,obvio); la estrategia de Radiohead de poner a disposición de sus fans su disco vía Internet y dejar a su criterio el valor del mismo, disparó una nueva forma de difusión/venta, las bandas saltean a las compañías discográficas que los convirtieron en estrellas, difunden nuevas canciones y, cada vez más, llenan estadios. Pero… ¿Como harán su fama las nuevas bandas sin el soporte de marketing y difusión de una empresa multinacional de la música?

de la tecnología, sus propias canciones, y que tendrá también la chance de difundirla o promoverla y de lograr generar un cúmulo grande o pequeño de seguidores de acuerdo a la imagen, talento o estilo… nos encaminamos a un futuro con una sobreoferta de música y bandas, con acceso instantáneo a sus canciones y videos. Los temas de moda serán reemplazados en breve por otros, y la volátil popularidad será una constante… ¿más predicciones? En dos años evaluamos todo de nuevo.

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Mucho pelado, poca Bersuit Ya suena en las radios Me la juego a morir, el anticipo de trabajo solista del cantante de la Bersuit. Descartando rumores de separación o fracturas dentro de la banda, Cordera y los demás miembros de la agrupación dejaron claro que solo se trata de un nuevo paso dentro de la historia de Bersuit y de la carrera profesional de cada uno de los músicos. Con tintes funky y melodía divertida, con Me la juego a morir el pelado deja claro que Gustavo Cordera no es sólo el nombre del disco, sino también "la chapa patente".

Vuelven The Doors La formación de The Doors Riders on the Storm, integrada por Robby Krieger y Ray Manzarek, fundadores de The Doors, se presentará el 25 de abril en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas del Club Argentinos Juniors en el marco de la gira por el 40 aniversarios de la creación de The Doors. El show hará un repaso de los éxitos de la mítica banda encabezada en sus principios por Jim Morrison.

R.O.S. está integrada por Robby Krieger en guitarra y Ray Manzarek en teclados, con Brett Scallions como vocalista, Phil Chen y Ty Denis. Scallions, fue seleccionado en 2007 como cantante luego de haber sido vocalista de Fuel y bajista de la banda norteamericana The Xs.

Más vivo que nunca El guitarrista beatle, George Harrison, tendrá un nuevo disco que llegará bajo el título de Let It Roll: Songs by George Harrison, el cual no es nada más y nada menos que un repaso histórico por sus grandes éxitos.

El tracklist recorre mayormente su carrera como solista con temas como Isn't It a Pity, All Those Years Ago y Got My Mind Set On You; además contará con material en vivo extraído de Concert For Bangladesh concierto brindado por Harrison en 1971. Aunque también incluye temas de los Fab Four. Let It Roll: Songs by George Harrison llegará a las bateas argentinas recién a mediados de año.

En Let It Roll..., no podían faltar canciones de Los Beatles, hablamos de temas como “Something“, “While My Guitar Gently Weeps” y “Here Comes The Sun“.

En breve se anunciará el tracklist completo

Por otra parte, el pasado 14 de abril, Harrison fue introducido en el Paseo de la Fama de Hollywood. Al emotivo acto de colocación de la mentada estrella, asistieron su familia y grandes amigos como Paul McCartney, Tom Hanks y Tom Petty.

Nah... ¿en serio? ¡Parece que vuelve Roxette! Así lo afirmó recientemente Perl Gessle en una entrevista donde dijo que piensa que es muy probable una reunión, quizás no con una gira pero sí con un nuevo trabajo discográfico, todo dependería del estado de salud de Marie Fredrikson, quien había abandonado la banda debido a que le diagnosticaron un tumor cerebral en el año 2002. No obstante, la última reunión de los suecos en un escenario fue en 2004 para conmemorar los 25 años de la banda.

De esta manera, a través de las palabras de Per Gessle, los creadores del exitoso Joyride estarían anunciando su vuelta al mundillo pop, sin fecha pero con buena vibra.

Lujo lejano ¿Es posible imaginarse a Joaquín Sabina, Andrés Calamaro y Enrique Bunbury juntos en un mismo escenario? Dificil, pero parece que es lo que sucederá en el Festival Internacional por la Libertad de Expresión a realizarse del 30 de abril al 3 de mayo en el recinto del muelle pesquero y bajo la ciudad de Cádiz, España.

Aunque todavía no se confirmó la participación de los tres artistas al mismo tiempo sobre el escenario, el festival contará también con exposiciones de fotografía de periodistas perseguidos, conferencias y debates, teatro, etc. El festival está organizado por la Asociación de la Prensa de Cádiz y se realiza con la excusa de celebrar el Bicentenario de la Constitución de la ciudad.

El Rock and Roll no nació con Elvis Presley. Mucho antes del 5 de julio de 1954, fecha oficial del surgimiento del género, músicos como Fats Domino o Bob Diddley ya tocaban este tipo de música, pero en las radios lo llamaban Rhythm & Blues o Boogie-Woogie. En los años ‘50 el racismo en Estados Unidos era sólo comparable con el del apartheid sudafricano. A los afroamericanos no se les permitía acceder a los medios masivos de comunicación y las posibilidades de grabar y divulgar su música eran muy limitadas.

Chuck Berry escribió Johnny B. Goode en 1955 que es considerada como una de las primeras canciones de rock and roll. Esta célebre versión del “sueño americano”, y casi autobiográfica de Berry, encabeza la lista de Las 100 canciones de guitarra más grandes de todos los tiempos. En JBG nos parecieron suficientes motivos para rendirle homenaje.

Esa exclusión social y cultural lleva a los afroamericanos a crear sus propios medios de expresión, su propio lenguaje. Es justamente de ese lenguaje de donde surge el término “Rock and Roll”, con el que los negros hacían alusión picaresca al acto sexual. Aunque la expresión ya era usada antiguamente para referirse a un movimiento de los botes o barcos, es en el Gospel donde se comienza a usar la palabra “Rocking” para referirse al ritmo poderoso con que acompañaban ciertas experiencias religiosas. En 1951, el disc jockey Alan Freed arma una programación musical enteramente negra para su audiencia blanca en una radio de Cleveland, Ohio. Freed comienza a llamar "Rock and Roll" al Rhythm and Blues que hacía sonar en su radio. El término comenzó a popularizarse y el ritmo más acelerado de los blues de Wynonie Harris y Roy Brown comenzaron a tener gran número de seguidores entre el público blanco. Pero este público no podía tener a negros como sus ídolos musicales por lo que

la industria discográfica fomenta a músicos blancos como Bill Haley y Elvis Presley y difunde sus grabaciones por radio y por la naciente televisión. Así fue como el Rock and Roll fue “robado” a sus creadores originales, los afroamericanos, que habían creado ya tantísimos otros géneros como el Gospel, el Blues, el Soul, el Jazz, el R&B, etc.

Y aunque en el desarrollo del Rock and Roll los aportes de músicos negros de la talla de Ike Turner, Little Richard y Chuck Berry fueron determinantes, el género pasó gradualmente a manos de los blancos, de las decisiones de una industria discográfica que crecía y se hacía cada vez más poderosa.

Hoy, lejos de los orígenes del género, al hablar de Rock, los nombres que primero nos vienen a la mente son los de Elvis, los Beatles, los Who, Led Zeppelin, Rolling Stones… y tal vez, entre medio de sus pálidas caras, la oscura, irreverente y genial imagen de Jimi Hendrix.

En los ´90 hubo algunas bandas que revindicaron los orígenes del Rock así como Jimi Hendrix lo hizo en los ‘60.

Living Colour fue un claro exponente de ello pero también lo fueron bandas como los potentes Fishbone, o los duros Body Count.

En la actualidad las históricas bandas de Rock and Roll se repiten sistemáticamente y las nuevas no presentan mayores innovaciones. El género sufre un estancamiento creativo que lo ha llevado a caer notablemente en las preferencias del público masivo.

El Hip Hop, un género que nació y se mantiene negro, ha tomado la fuerza que el Rock perdió. Para comprobarlo basta ver los primeros lugares de los principales charts de música del mundo y notar las influencias culturales de los elementos que lo componen, como el graffiti por ejemplo.

Así, después de casi un siglo de postergaciones, los negros han ocupado el lugar que les corresponde en la historia de la música contemporánea, el primer lugar.

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Luciano Le Bihan

Kraftwerk El pasado 24 de marzo en el marco del Quilmes Rock y como teloneros de Radiohead, el vanguardista grupo alemán Kraftwerk se presentó por tercera vez en la Argentina dejando más que satisfecho a un público curioso y lleno de incertidumbre luego de la reciente partida del miembro co-fundador Florián Schneider.

La noticia se publicó en el sitio oficial de la banda, a fines del 2008 antes de que comenzara la gira mundial; pero pocos eran los datos difundidos sobre las razones y sobre el nuevo formato e integrante. Sin embrago Kraftwerk se mostró mas sólido que nunca, brindando un increíble espectáculo como si nada hubiese ocurrido.

El nombre hace referencia a una central eléctrica y son considerados los padres de la música electrónica. Formado originalmente por Ralf Hutter y Florián Schneider en 1970, luego se incorporarían sus miembros restantes, Wolfgang Flur y Karl Bartos. Esta formación fue tan importante para la

música electrónica que tranquilamente podría compararse con los Beatles.

Las técnicas musicales y los instrumentos fabricados por ellos mismos fueron realmente innovadores en su tiempo.

Crearon su propio estudio Kling Klang donde dieron lugar a sus experimentaciones y constituyeron la base sobre la que luego se desarrollaría un género, por lo que son considerados los pioneros en tocar música basada íntegramente en la utilización de instrumentos electrónicos.

Tras sus primeros discos experimentales, en 1974 se hicieron famosos en todo el mundo con Autobahn cuya canción de veintidós minutos demostró su confianza con los sintetizadores. Después siguieron álbumes muy influyentes para la música: Radioactivity (1975), The Man Machine (1978), Computer World (1981), Electric Café (1986), Expo 2000 (2000), Tour de France Soudtracks (2003), Aerodinamik (2004) y Minimum Maximum (2004).

Sounds of the Universe Así se titula el nuevo trabajo de la legendaria banda de synth pop inglesa Depeche Mode que se lanzará el 20 de abril; aunque para los piratas ya está disponible desde hace algunos meses.

Este álbum es el número 12 y (luego de que la banda renovara su contrato) saldrá por Mute/EMI. Con un sonido revitalizado y 13 tracks envueltos en arreglos retro-futuristas, volviendo a las raíces de la agrupación, mediante la utilización de cajas de ritmos, synthes y demás instrumentos analógicos que los consagraran hace más de dos décadas atrás. La gira denominada Tour Of The Universe, dará comienzo el 10 de mayo en Tel Aviv, Israel (ya que la última gira de Depeche Mode que fue en apoyo de su álbum del 2006 Playing the Angel, debía finalizar en Tel Aviv, pero en esa oportunidad el show se debió cancelar por razones de seguridad) y continuará por Europa con 28 presentaciones confirmadas hasta el momento. Todavía no se anunciaron las fechas del Norte y de Sudamérica (aunque sí se sabe que visitarán Brasil y Argentina a finales de 2009).

Remixes - Wrong Igual que cada vez que Depeche Mode saca un nuevo single, los remixes, están a cargo de estrellas de la escena electrónica, entre los que encontramos al francés Jaques LuCont, que bajo su pseudónimo Thin White Duke, confecciona una versión con un aire de techno rock melódico y digital. También aporta una segunda remezcla, en la que juega con el estribillo del tema, distorsionándolo y minimizándolo llevando el track hacia terrenos más houseros.

Otro encargado de remixar el corte es el dj y productor, Frankie quien lleva el tema hacía el electro house, lleno de efectos lisérgicos y melodías pegadizas. Otro de los remixes es producido por dos de los proyectos más importantes del new rave: D.I.M. y Boys Noize. Fieles a su sonido, ofrecen una revisión groovera y ravera del tema, con alusiones a clásicos de la electrónica.

También Magda, la princesa de Minus, lleva el track a los terrenos del minimal con toques divertidos y una multitud de loops y efectos.

El siguiente mix, de la mano del británico Caspa, gira hacia el dubstep que tanto está de moda en Europa, ofreciendo una oscura revisión llena de sonidos afilados y oscuras atmósferas. El último productor es Trentemoller, que en esta ocasión decide retroceder a los viejos tiempos de la banda, época de synth pop oscuro, con destellos de electro más actual. También hace una versión dub, en la que sigue la línea del anterior remix, pero cambiando algún que otro detalle, además de la minimización de la parte vocal, incrementando las atmósferas electrónicas, mostrando un lado post industrial, fiel al sonido DM.

The Prodigy

Miss Kittin & The Hacker

Después de cinco años desde su último álbum llega el nuevo disco de los ingleses The Prodigy.

Esta nueva entrega se titula Invaders Must Die y en esta ocasión vuelven los tres místicos, Liam Howlett, Keith Flint y Maxim, algo que no ocurría desde el legendario The Fat Of The Land en 1997. Recordemos que el álbum Always Outnumbered, Never Outgunned no contó con la participación directa de Flint ni Maxim.

Este nuevo trabajo es una maravillosa combinación de jungle y punk-rock en dosis de altas velocidades mostrando un marcado regreso a los ´90. Invaders Must Die saldrá a la venta en diferentes ediciones, destacando la edición boxset: seis vinilos singles de 7 pulgadas, CD/DVD del álbum, póster exclusivo, dos plantillas exclusivas, pegatina y un disco bonus. El resto de las ediciones serán las clásicas CD álbum, CD+DVD, Double vinilo y Digital. La gira por el Reino Unido comenzó en Cardiff el 5 de abril y finalizó en Londres el 17 en el Wembley Arena.

Están de vuelta con un trabajo explosivo, había pasado mucho tiempo desde el lanzamiento de su álbum titulado First, que significó la catapulta de sus carreras además de ser epicentro de una moda que arrasó las pistas de baile: el “Electroclash”.

Himnos de entonces como Frank Sinatra ó 1982 hicieron danzar a todo el mundo. La pareja gala no sólo ha forjado un nuevo camino con este material, sino que también, transformó y remodeló muchas de sus influencias musicales, consiguiendo un electro pop europeo que no pierde la esencia del club.

Esta nueva colección se llama Two y posee un beat sexy y andrógino, brillante y oscilante, logrando el glamour justo y la sencillez en las bases. Sorprende incluso encontrar una revisión del clásico Suspicious Mind del rey Elvis Presley (http://es.spinner.com/tag/ElvisPresley).

Miss Kittin (Caroline Hervé) y The Hacker (Michel Amato), demuestran un trabajo bien modelado y más maduro tras una década y unos flojos álbumes en solitario de por medio.

Bob Dylan - Together Throug Life

Bob, El inmortal El próximo 28 de abril en Estados Unidos (27 en UK) verá la luz el nuevo trabajo del gran Bob que se titulará Together Through Life.

Dylan dijo en una entrevista que el álbum comenzó a gestarse con la canción Life Is Hard, compuesta para formar parte del soundtrack de My Own Love Song (Olivier Dahan's, 2009), protagonizada por Renée Zellweger y Forest Whitaker.

El nuevo trabajo de Dylan, al igual que varios de los anteriores, ha sido producido por él mismo bajo el seudónimo Jack Frost, pero se dice que esta vez recibió aportes del multipremiado productor Rick Rubin, conocido por ser el responsable de la legendaria fusión Run DMC-Aerosmith para el tema Walk this way y por haber sido el DJ original de los Beastie Boys entre otros muchos éxitos discográficos de bandas que van desde Red Hot Chili Pepper a Shakira.

El sucesor de Modern Times (2006) saldrá a la venta en dos ediciones: una standard (10 temas) y otra deluxe (2 CD + DVD). La versión de lujo del nuevo álbum incluirá un bonus CD llamado Friends & Neighbors más un DVD con un documental titulado Roy Silver – The Lost Interview.

Green Day - 21st. Century Breakdown

Otro día verde Ya está listo el nuevo trabajo de los californianos liderados por Billie Joe Armstrong y se titulará 21st Century Breakdown que contará con Butch Vig, ex Garbage y responsable del sonido de Nevermind (1991) de Nirvana en la producción. Al igual que su antecesor (American Idiot, 1995) la temática estará centrada en las problemáticas socio-políticas aunque también hará foco en cuestiones personales de los integrantes. La preventa del disco se encuentra disponible desde mediados de marzo en el sitio oficial de la banda y entre el tracklist se contarán 21st Century Breakdown, Viva La Gloria, Last Night On Earth y March Of The Dog. Por lo pronto, el lanzamiento de 21st Century Breakdown está previsto para mediados de mayo y como elemento extra marketinero contará con su propio musical en el centro Berkeley Repertory de California y estará dividido en tres actos: Heroes and Cons, Charlatans and Saints y Horseshoes and Hand Grenades.

Entre otras rarezas, vienen grabando desde hace tiempo bajo el seudónimo The Foxboro Hot Tubs y tiene previsto, para pocos días después del lanzamiento de 21st..., la salida al mercado de Stop Drop and Roll, el primer trabajo bajo esta denominación paralela que se espera que tenga un sonido diferente la banda original.

Andrés Calamaro - Obras Incompletas

Calamarazo Aunque no entendemos bien por qué (o mejor dicho no queremos) el 7 de abril el Salmón sacó a la venta Obras Incompletas que es como se llama su nuevo y ultra abultado trabajo que está compuesto por seis discos y dos DVD. Este impresionante box set constaría de tres CD´s con temas editados desde Palabras más Palabras menos (1995) hasta La Lengua Popular (2007) y otros tres que incluyen un CD de versiones (desde Beatles a Pink Floyd pasando por Sabina); otro con música instrumental y experimental (de la etapa conocida como post-Salmón); y un tercer CD con canciones recopiladas de discos tributo y sesiones perdidas de Deep Camboya, estudio casero y bunker creativo de A. C. Por otra parte Antihéroes e Imágenes Paganas, el doble DVD, contienen la mayoría de sus videos, presentaciones para TV, conciertos en Bs. As y Madrid e imágenes de backstage.

En tanto que en la tierra de Los Rodríguez ya se presentó, por estos pagos deberemos esperar hasta el 30 y 31 de mayo para que sea presentado en vivo en el Luna Park evento que será grabado para su posterior lanzamiento en CD+DVD.

Jewel - Lullaby

La voz más dulce La cantante, actriz y filántropa estadounidense Jewel Kilcher, más conocida como Jewel, se unió con la fábrica de juguetes Fisher-Price y Sommerset Ent. para lanzar Lullaby, el nuevo trabajo de la estadounidense. El sucesor de Perfectly Clear (2008) fue producido por la propia Jewel y grabado en su estudio de Stephenville, Texas convirtiéndose en su primer trabajo como artista independiente.

La autora de Hands y Foolish Games definió este nuevo disco como una pieza ideal para descansar tras una larga jornada laboral ya que con Lullaby vuelve a sus raices rítmicas suaves y delicadas.

El tracklist contiene 10 temas inéditos y 5 covers entre los que se cuentan Somewhere Over The Rainbow y Twinkle Twinkle Little Star.

Este nuevo disco trae un sonido acústico que nos remite al exitoso Pieces of You (1995) y que según la propia artista es ideal para los niños aunque lo compuso pensando en adultos.

La fecha de lanzamiento para Lullaby es el 5 de mayo, pero ya puede adquirirse online en la site oficial de la artista jeweljk.com o vía iTunes.

KISS regresó a la República Argentina por cuarta vez en su carrera. La primera había sido en septiembre del año 1994, cuando la banda transitaba la etapa "a cara limpia", sin maquillaje, sin los trajes y sin toda la parafernalia característica, sumándose al boom del glam metal americano que inundó la década del ochenta. Era "solamente" un grupo de rock. La formación que en aquel entonces tocó en River y cuatro veces en Obras era la misma que había grabado el álbum "Revenge" y el "Alive III”. La segunda fue en el marco del regreso de la formación original, con todas las pompas, en marzo del '97, con Ace Frehley y Peter Criss sumándose nuevamente a los históricos Simmons y Stanley. En el ´99 nuevamente el Monumetal los recibió con la misma formación, presentando "Psycho Circus" (último disco de estudio hasta el momento) y montando el primer show "3 D" de la historia. [ Por Martín Brizio ]

THE GOOD NEWS • ABRIL, 2009

Martín Brizio

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KISSMANIA - Carapintadas: En los shows de la banda es un ritual muy habitual por parte de los fans más acérrimos llegar al estadio con la cara pintada del Kiss favorito. Numerosos puestos cercanos al Estadio de River ofrecían el "make up" por una módica suma, variable entre los $10 y los $20.

- Llegada de los músicos: alrededor de las 18 hs. arribaron al Estadio los integrantes de la banda en tres camionetas contratadas por la producción. Una para su majestad Gene Simmons, en otra Paul Stanley y la tercera para los dos miembros restantes, Thayer y Singer.

Pasaron diez años y la excusa ahora fue el Tour 35 Aniversario, que los trajo recreando los viejos shows de los setenta con el diseño de los trajes de la gira de Destroyer (año '76) y haciendo hincapié en el set list de las viejas glorias de esa época. Aunque los maquillajes y los trajes recrearan fielmente la época original, los ocupantes no son los mismos. Obviamente, los dueños de la pelota, los inmortales Gene "Demon" Simmons y Paul "Star Child" Stanley se mantienen inamovibles, pero el guitarrista Ace Frahely fue reemplazado por Tommy Thayer (ex integrante de una banda de segunda línea llamada Black 'n Blue, producida por Simmons) y el baterista Peter Criss dejó su felino maquillaje y su lugar lo ocupó Eric Singer, un ex integrante de la banda que había venido a nuestro país en la primera gira, y que inclusive visitó Córdoba con el grupo de Gilby Clarke (ex Guns 'n Roses) en el Teatro Comedia.

Lo que Kiss aportó a la historia del rock en los dorados ´70 es, ni más ni menos, que la fundación del concepto "espectáculo integral", el "gran circo del rock n roll", donde sus integrantes son los principales actores de un show único, en el que se combinan trucos circenses, explosiones a granel, rock n´ roll toda la noche y fiesta todos los días. Y a su vez una gran banda, porque los discos que la agrupación neoyorquina editó principalmente por aquellos años, son indiscutibles gemas de la más acabada expresión rockera de pura cepa. Dressed

To Kill, Rock n Roll Over, Destroyer, los tremendos discos en directo Alive! y Alive II, o el guiño a la música disco de Dynasty (que desató la fiebre mundial), son algunos de los muchos ejemplos de canciones demoledoras convertidas en grandes clásicos que perduraron y trascendieron por más de 30 años. Lo que puntualmente Kiss trajo a nuestro país es un "más de lo mismo" para los que lo venimos siguiendo desde siempre, con todos los previsibles y esperados trucos como el

- Sin aire: La radio Rock n´ Pop, emisora oficial del evento, no pudo transmitir el show en vivo y en directo. La producción de Kiss no autorizó la emisión sin filtro previo. El motivo fue el no correr el riesgo de que algo no saliera en forma correcta y que después circulen versiones de temas con audio inapropiado. Se autorizó a grabar el concierto, pero para pasarlo una vez que el correspondiente chequeo del material dé el “Ok”.

rra en medio de una lluvia de papelitos por parte del "Chico Estrella" en Rock n Roll All Night; la clásica pirotecnia despedida por el instrumento del primer violero Thayer (que históricamente hacía Frheley); la batería que trepa por los aires en el medio del solo en una nube de humo y explosiones; y el (esta vez fallido) vuelo del vampiro (se quedó a la mitad y tuvo que apelar a un aterrizaje forzoso) del - Público: La organización dio la cifra de 54 mil asistentes... A bajista Simmnos decir verdad, el número real no debe haber superado las 40 mil que tenía como fin personas. Estaba ocupado poco más de la mitad del Estadio. cantar I love it loud desde el techo del uno de los mejores showmans de la historia, aunescenario y que tuvo que interpretarse que recurra a los más obvios y gastados clichés desde el tablado. Lo de siempre, pero que puedan existir (está bien Paul, somos "el ansiosamente esperado y festejado, porpúblico número UNO del mundo", mentinos que que un show de Kiss sin esos elementos, nos gusta). Dos horas y cuarto del mayor circo no sería un show de Kiss como las leyes ambulante que la historia del rock atesore, mandan. donde no faltó nada y todos salimos con los ojos y los oídos llenos, enceguecidos por la tremenda Musical y sonoramente la banda transita descarga de fuegos artificiales y aturdidos por unos de sus mejores momentos, el aporte de los los atronadores acordes que escupieron la "nuevos" (Thayer y Singer) es más que destacable, y Paul Stanley sigue demostrando por qué es columnas de sonido.

“ Dos horas y cuarto del mayor circo ambulante que la historia del rock atesore...” lanza-llamas y el vómito de sangre de Simmons; el vuelo con arnés de Stanley para cantar Love Gun desde la torre de sonido; la rotura de guita-

Un pedazo de historia Kiss es la mayor expresión de la cultura americana (léase yanqui) plasmada en el formato del "show business", la dualidad "música-imagen" llevada a la máxima expresión, y también una indiscutible gran banda de rock. El combo es perfecto y el por qué de su éxito a través de tantos años radica en la forma empresarialmente perfecta en que siempre se manejaron, eso de "mucho más que una banda de rock"; y el llevar la marca Kiss a ser la mayor corporación que el rock tenga memoria tiene principalmente a un solo gran responsable: Chaim Witz, más conocido como Gene Simmons. Inmigrante israelí que llegó a la ciudad de New York con su familia a la edad de 8 años, que hizo realidad el verdadero "sueño americano", y que junto con su eterno socio Stanley Eisen, conocido como Paul Stanley, conformaron una de las sociedades más indestructibles en la historia del rock.

"Yo vine de Israel, escuché hablar del sueño americano y vi que era real.

Crecí acá, conseguí trabajo, formé una banda, monté una empresa y hoy formo parte de la banda de rock más grande de la Tierra". Las cosas siempre estuvieron claras, al escenario lo maneja Paul y a la empresa Gene, siendo el principal ideólogo de los 3 mil productos Kiss que hay en el mercado, desde cepillos de dientes hasta ataúdes, pasando por preservativos, muñecos, abrelatas, autos y todo lo que se te pueda ocurrir. Lo que en el camino amague a transformarse en un escollo para conseguir el objetivo (léase: dólar) debe ser apartado: "Soy un trabajador, y no me gustan los parásitos que esperan que las cosas lleguen solas sin mover el culo de la cama. Sin trabajo no podés tener dinero, ni comida, ni podés comprar drogas. ¿Querés tener todo eso?

Trabajá. Si no, salí de mi vista". Simmons auténtico. Tanto que el motivo del alejamiento de los históricos Ace Frehley y Peter Criss (las dos veces que fueron rajados, a principios de

los ochentas y en esta última era, después del regreso) fue la falta de control de ambos sobre sus adicciones al alcohol y a las drogas, de las cuales Simmons se declara absolutamente enemigo: "Fijate en la historia de Kiss y verás lo que hicieron la drogas y el alcohol con Peter y Ace, chicos que amo y que están completamente equivocados. Las drogas son una estupidez, son caras, sus usuarios quedan imbéciles y nunca podés escaparte de ellas". Increíble, pero real, sus únicas adicciones (siempre lo dijo) han sido el sexo y el dinero, que nunca es suficiente. "Nuestro lema ´You want the best, you got the best´(Querés lo mejor, tenés lo mejor) es impracticable con un borracho en la batería y un adicto en la guitarra" Lapidario, 100% Simmons. El padre de la criatura, o de "las" criaturas, el demonio que mete miedo desde el escenario y el exitoso hombre de negocios que tiene hasta su propio reality show junto a su pareja (la ex conejita Shannon Tweed) y sus hijos.

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THE GOOD NEWS • ABRIL, 2009

Martín Brizio

- GN: Vos fuiste uno de los primeros dentro de la cultura rock en hacer cosas con músicos o bandas de cumbia, caso puntual Pablo Lescano, y hoy es un tipo que ya es aceptado o parte de la industria, con su última participación con los Cadillacs (en la versión 2008 del tema Padre Nuesto), con Dante también hizo algo. ¿Cómo ves hoy que la cultura rock acepte e incorpore a un tipo como Lescano, ya que vos fuiste uno de los primeros en acercártele?

- F: Tenés razón. cuando yo lo hice fue en el año 2000, hace casi nueve años, y en ese momento si bien hubo gente que le gustó, (a los que estaban alrededor mío me daba cuenta que sí les gustaba), había muchos que todavía no lo entendían, que decían "¡eh!, vos ¡estás haciendo cualquier cosa!" no me lo decían a mí, pero yo escuchaba por ahí que decían eso de "cómo vas a mezclar el reggae con una cumbia, ¡no tiene nada que ver!" Mucha gente rechazaba esa música por diferentes motivos, y hoy a esas mismas personas ¡les encanta!, y a Pablo lo tienen como un ídolo (risas) A mí me ha pasado varias veces eso, que cuando hago algo no gusta, y seis o siete años después viene alguien y te dice "¡eso fue lo máximo!". Cuando a mí se me ocurre algo, como esa cumbia con Pablo Lescano, no pienso "esto va a ser un éxito comercial", o como me dicen algunos "no hagas eso que tu propio público se te va a tirar en contra", no pienso en nada de eso, lo hago y listo.

Fidel, así, sin el apellido Nadal, como quiere que lo llamen, parece haberla pegado en serio con su último trabajo en estudio, “International Love” y con el tema homónimo, para muchos “el” tema del verano. Las tres nominaciones para los próximos premios Carlos Gardel como Mejor Álbum Artista Rock, Mejor Viedo Clip y Canción del Año, certifican el gran momento del ex cantante de Todos Tus Muertos y Lumumba, agrupaciones que dejó en el año 2000 para encarar su etapa solista.

- GN: Disco nuevo… ¿Número?

- F: Quince, quince discos…

- GN: Claro, hay años en que sacaste dos discos en el mismo año, ¿no?

- F: Sí, hay años de dos y un par de años de tres discos…

- GN: ¿Y a qué se debía esa cosa tan prolífica de no parar de crear y la necesidad de editar todo lo que ibas haciendo?

- F: Más o menos vivía en el estudio, (risas), todos los días hacía un tema y después los juntaba y los ponía en los discos. En estos tres últimos años ya el promedio fue de uno por año, y darle tiempo al disco a que se escuche un poquito más, a que tenga tiempo de difundirse, para que lo pasen en las radios, para que la gente lo conozca en los shows, exprimir un poco más la naranja.

En un año tenés más tiempo para hacer la promoción, tocar en todos lados, enfocarte en un solo disco. Cuando sacas tres por año no tenés tiempo, sacás el disco y es "ah, sacaste el disco, qué lindo..." sí, pero ya hay otro , y otro... Cada cosa tiene su parte buena.

- GN: Por eso lo común, generalmente para las bandas que trabajan periódicamente, es un disco cada dos años, tres por año suena casi a "ciencia ficción".

- F: (Risas) - GN: Este "International Love" ¿en qué se diferencia de los demás?

- F: La verdad… (risas) no sé, desde este lugar no sé... (más risas).

- GN: Comparándolo con "Trabajo de Hormiga", por ejemplo, ¿en qué lo diferenciás?

- F: Bueno, Trabajo de Hormiga no es tan "reggae canción", si no que la música de ese disco es más tirando al "reggae-dance" y al hip - hop, en la parte musical. Y las letras son largas, rapeadas,

CUMBIA VILLERA Y REGGAE, EXTREMOS QUE SE TOCAN

- GN: ¿Y vos crees que está reivindicada la figura de Lescano, que ahora se lo ve como un "combativo social" y en esa época que laburó con vos, año 2000, Damas Gratis era palabra prohibida?

- F: Exacto, para la cumbia era un Dios, y afuera de la cumbia era palabra prohibida. Y hoy por hoy todo el mundo quiere estar con él, o lo entendieron o les gustó, algo por ahí es.

eso es lo que lo caracteriza. En cambio International Love tiene temas más de "reggae canción", con más "roots".

- GN: ¿Con este disco volviste más al reggae tradicional, más “radiable” por decirlo de alguna manera?

- F: Sí, puede ser.

za, alegría, que eso te transmita la canción, que te toque, que te llegue, que las letras digan algo.

Difícil que cante una letra que esté en contra de lo que yo pienso, ¿no? En cierta forma sí, ahí expongo mis ideas, pero no con la intención de bajar línea. Y tampoco esta planeado, onda "bueno, hay tres canciones de esto, ahora hay que hablar de esto otro". Van saliendo las canciones hasta que es necesario, ahí adentro del estu-

dio haciéndolas a último momento. Y eso hace que las temáticas sean diferentes, se puede saltar de un tema de amor como Internacional Love a Noticia Noticia, que es una letra más social, más de protesta, o No se apaga la llama, que dice "los políticos siguen con sus transas por eso la gente no se llena la panza"… o ecológica, como No aceleres el tiempo, sobre alejarse de la ciudad, descansar un poco con la naturaleza.

- GN: ¿Y se dió en forma espontánea?

- F: Sí, yo venía en la línea de Trabajo de Hormiga con ese disco y con el anterior, Cosas Buenas, y cuando salió Emocionado (el penúltimo disco de estudio) dije "bueno, ya hice discos así, ahora quiero bajar un par de cambios, y hacer un disco un poquito más “roots". Esa fue la premisa para hacer Emocionado, y salió ese disco. Y me gustó el resultado, la respuesta de la gente, todo. Entonces me habían quedado en el tintero varias ideas, y la plasmé en Internacional Love, que no es un disco igual al anterior pero sí va para el mismo lado, los ritmos, las melodías.

Fidel es uno de los artistas que más ha proclamado y difundido la "verdadera cultura rastafari", desde lo ideológico y desde lo religioso. Sobre la forma en que lo plasma en sus canciones y acerca de algunos de los temas más sobresalientes de su International Love se explaya a gusto: "No creo mucho en las bajadas de línea, creo que las ideas son de cada persona, todos tenemos ideas, cada uno tiene ideas. No me pongo a "bajar línea", sí quiero que la canciones lleguen, que transmitan algo, y por supuesto que a través de la música me gusta transmitir algo bueno, positivo, algo que te sume, que te de fuer-

FIDEL A SECAS - GN: Hace ya un tiempo que sos Fidel, el apellido Nadal lo estás dejando de lado, ¿a qué se debe eso?

- F: Nadal es un apellido que fue puesto a mi familia, no es el apellido que originalmente teníamos, por eso no lo uso. Somos descendientes del África,

y yo soy ya la quinta generación, se lo cambiaron al padre de mi tatarabuelo.

- GN: ¿Y fue una decisión de ahora, o ya lo venís tomando hace un tiempo?

- F: Mi primer disco solista ya salió como FIDEL.

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un bálsamo de frescura, Un oasis en el medio del desierto, transparencia es lo creatividad, onda, originalidad y ssacre en el medio de que transmite una banda como Ma centajes en el interior de la aridez que reina a grandes por an al rock nacional los límites geopolíticos que circund un producto "al paso", nuestro de cada día. Lejos de ser vienen peleando desde estos viejos gladiadores unders la de casi mediados de los hace bocha, pero lunga, lunga, des Palestina y después el ochentas, cuando eran Massacre Massacre. nombre devino simplemente en como protagonistas y les dio cierEl "Nuevo Rock Argentino" los tuvo entas. Nunca dejaron de ser consito reconocimiento allá por los nov se esto como un grupo de rock derada "banda de culto", entendiéndo a por periodistas (que no grad inte que gusta a una selecta minoría n entrada), o público muy especípagan entrada) colegas (que no paga integrado históricamente bandas fico (secos), lote que también han , condenados de por vida a vivir en como Pez o LosNatas. En resumen de trescientas personas y apareel profundo under, no tocar para más vales en escenarios secundarios en cer (con suerte) en los grandes festi masivo. Pero el destino les tenía horarios ignorados por el público sión del rock argentino. Y llegó divi era reservado un lugar en la prim o de estudio, editado en el 2007, de la mano de El Mamut, último disc carismático y freak cantante Wallas que les dio el gran espaldarazo. El rse en el Cosquín Rock 2009, enta habló con nosotros antes de pres el escenario principal y ofrecieron donde por primera vez tocaron en omances de todo el festival. una de las mejores (por lejos) perf e uno de los pocos "milagros" que Bienvenidos al mundo de Massacr nuestros días. puede ofrecer la escena nacional en

carrera de la banda?

- GN: ¿Es el mejor momento de la a la gente, convocatoria, da llega de l nive a os - W: Por lo men y a nivel venta de discos y reconocimiento, premios, mimos, entradas sí, la verdad que sí. r en la categoría de "banda - GN: ¿Sienten que dejaron de esta de culto"? motivos por los cuales esta- W: Mirá, yo pienso que uno de los es el llevar nuestro espíritu mos teniendo éxito o repercusión, vales, es como que segui"under" o de culto a los grandes festi esa conducta nuestra a ndo lleva mos siendo eso mismo pero a escenarios de festivales re nuevas generaciones y a más gente, o que venimos trayendo grosos, y sacar todo ese costumbrism sacarlo del sótano, de los , ´90 los de desde los ´80 y principios o estudiosa de la cultura rock ghettos de gente más conocedora todo público". oscura, y llevarlo más al "apto para o y banda under porque es cult de Vamos a seguir siendo banda y nuestra fórmula. el motor nuestro, es nuestro atractivo para los premios Gardel - GN: Cuando fueron nominados el Gardel de Oro, ¿que les para e usiv como disco del año e incl otra etapa de la banda era pasó en ese momento? porque en algo realmente impensado. ensado. Cuando nos nomina- W: La verdad que sí, inaudito, imp la banda de sonido de la ron y cuando ganamos el Gardel por que yo hacía era ese, algo inaupelícula Cara de Queso, el chiste cterísticas, con nuestra procara dito. Una banda con nuestras éramos chicos, contraculque e desd os puesta, que la planteam tural, contra la corriente. nos premian al lado de Y de repente vernos en un lugar que

do. Pero lo recibimos con Calamaro, de Santaolalla, era impensa alegría. llegan al mainstream sin - GN: Eso llama la atención, que un centímetro el rumbo que haber resignado nada, sin torcer traían. el divino fenómeno cultural - W: Exactamente. ¿Sabés cuál fue siendo los mismos, y los que que pasó? Que nosotros seguimos ó 15 años en una radio yo 10 cambiaron fueron los otros… Hace entendía nadie. Me preme no y te" "ska decía "hardcore", o decía a "Joey Division, una banda guntaban por mis influencias y decí o "Geniol", un tipo que tocaba inglesa…" o "Velvet Underground", Y ahora sí. ¡Entonces lo que ie. nad con Sumo, y no me entendía cambió fue el mundo! hablando en chino, y nos es Nosotros estuvimos muchos años os a hablar en español para ezam que ahora nos avivamos y emp mundo aprendió chino! el y te gen ¡la !, que nos entiendan. ¡No (risas) idad le das al “Mamut” de - GN: ¿Qué porcentaje de culpabil todo esto? o mejor mostrado, mejor - W: Es el gran responsable, es el disc tramos nosotros los mos llo distribuido, que con más orgu os una banda que antes no Som ipo. equ stro Massacre y todo nue en Buenos Aires y en un par salíamos de gira a tocar, tocábamos a se nota que estamos ahor bio de lados más, nada más. En cam por todos lados, por eso ut Mam El ndo orgullosos de andar lleva en toda nuestra carrera que ahora hacemos algo que no hicimos la palabra tour, o gira da son "tours", nunca existió en la ban (risas).

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"Vernos en este lugar era impensado"

GN: Hablás del entorno de la banda y hay alguien que tuvo mucho que ver con este presente, que se llama Juanchi Baleirón (líder de Los Pericos, productor del Mamut). Hace poco hablábamos con él y nos decía que sentía un orgullo especial por lo que había logrado con Massacre y con “El Mamut”.

- W: La verdad que sí, tiene un gran, gran, grado de responsabilidad. Nosotros lo convertimos y el se convirtió con muy buen agrado en el sexto Massacre. Él viene del rock, digamos, más "liviano", o pop, y dijo que quería aceptar el desafío de trabajar con una banda que tiene guitarras experimentales, distorsionadas, que tiene armonías y estructuras no convencionales… Se subió al proyecto, y para nosotros que durante tantos años siempre fuimos muy cerrados, al principio no sabíamos cómo nos iba a ir, el convivir con una persona ajena a nosotros cinco que somos bastante jodidos, bastante personajes todos (risas). Y fue un placer, y la convivencia fue bastante larga.

-GN: Él dice que lo que más lo llenó fue justamente haber influido en la banda y agregarle cosas que le van a quedar para siempre, haber incidido realmente en la estructura interna del grupo.

- W: Juanchi en el último período produjo a los Estelares y a Massacre. Pasa generalmente que cuando una banda elige a un productor artístico empiezan las pulseadas, las cosas en las que uno se encuentra y en las que no está de acuerdo. Entonces comienzan los tironeos artísticos. Como sabe que somos jodidos, fue absolutamente respetuoso. Ponía al ser vivo del Mamut lo que sabía que iba a quedar bien, pero siempre respetando nuestras decisiones, sin volvernos locos ninguna de las partes, sin pe-learnos ni nada. Es jodido el tema de los productores, porque vos

podés ser un intérprete que cantás bien y nada más, entonces viene el productor y te arma todo, o un tipo que viene y te cambia todo lo que vos querés, o nosotros siendo unos pendejos soberbios que no queremos que nos invadan y nos terminamos peleando con el productor. En cambio fue todo un año de laburo re tranquilo. Todo el 2007, él laburó con todo su equipo, y la verdad que fue un placer grabar de manera colectiva y grabar en forma individual, cuando cada uno grababa sus partes por separado. Son años, tiene cancha, tiene manejo psicológico, tiene manejo artístico obviamente, es un genio, tenemos un amigo nuevo y lo consideramos el sexto Massacre.

- GN: ¿De ahora en más qué? “El Mamut” es un disco que ya entró, ¿y ahora qué viene?¿superarlo?

- W: Nosotros llegamos a Obras, que fue todo un hito, una cosa re grosa, lo llenamos, con convocatoria record y demás. A partir de ahí, salimos con El Mamut Power Tour, mostrándolo por todos lados, en cada provincia, después vino el Pepsi con Babasónicos y El Otro Yo y después comienzan a aparecer las cosas que no nos habían pasado antes que pasan gracias al Mamut, que es que nos inviten a eventos prestigiosísimos que suceden en New York o en México D.F., o que aparezca la marca Gibson y nos

ofrezcan regalarnos violas o bajos del modelo que usamos, que son cosas que antes veíamos que les pasaban a los Catupecu, o a los Attaque, o a Rata Blanca y nos daba envidia. Ahora nos pasan esas cosas. O que nos inviten a tocar en campeonatos mundiales de surf en México, o de skate, un montón de cosas que nos pasan gracias al disco.

- GN: Un placer Wallas, y una alegría enorme verlos en este momento, por ahí los que los venimos siguiendo desde las primeras épocas, o desde que eran Massacre Paletina, y verlos entreverados en las primeras ligas a uno le provoca mucha alegría, sobre todo porque son una banda que nunca se traicionaron y que siempre fueron fieles a ustedes mismos.

- W: Y nosotros ahora mostramos el agradecimiento a la gente que nos apoyó desde siempre, porque ahora empiezan a aparecer los que nos piden notas y que nos conocen hace 15 minutos, entonces yo estoy muy agradecido con los amigos, los periodistas y los colegas que nos bancan desde que tocábamos en un sótano. Gracias a ustedes.

"Nosotros estuvimos muchos años hablando en chino y ¡la gente y el mundo aprendió chino!"

+ info Si querés saber más sobre Massacre podés ingresar en: · www.massacre.com.ar · Myspace.com/massacrepalestina

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Mariano Barbieri

Un sueño que despierta

ENTREVISTA A DARÍO ALTURRIA FRONTMAN DE KAMELEBA Se definen como una banda federal de Villa Mercedes, San Luis. Sin embargo, se sabe que ser un grupo reggae “del interior-del-interior” es algo así como estar en el centro de una mamushka de obstáculos. Con esa mochila a cuestas, Kameleba lleva editados dos discos, una gira nacional acompañando a Israel Vibration y son una de las voces más originales del reggae criollo. Despidieron en Córdoba su último disco “Sueño Que Va”.

Como género, el reggae argentino siempre tuvo un lugar muy identificado con el underground, con el misticismo de algunos pocos rastafaris y con espacios muy reducidos de difusión. Hoy, las dimensiones son distintas: el reggae también puede ser masivo. Y entre tanto movimiento, la banda mercedina tiene un lugar de privilegio basado en la combinación de melodías alegres y textos muy bien cuidados. Hablamos con Darío Alturria, voz de Kameleba, sobre sus opciones estéticas y políticas.

+ info Si querés saber más sobre Kameleba podés ingresar en: · MySpace.com/kameleba · www.fotolog.com/kameleba_roots

GN- En sus letras retoman muchos de los temas del reggae más profético y menos playero. Una forma de vivir en comunidad, la búsqueda interna de la sabiduría, el respeto por la naturaleza y cierta distancia de la intelectualidad. ¿Cuán fieles son a estas búsquedas?

DA- Vivimos a nuestro modo, respetando nuestro propio tiempo, tomando decisiones respecto de nuestro destino. Militamos canalizando al ciento por ciento nuestra energía en un modo de vida que nos construye, que realmente nos llena. No somos “hombres en serie” a los que el televisor les dice lo que desean. Todos los días, nos revolucionamos en un destino colectivo. Con lo que cuesta hoy en día construir relaciones, construir respeto, confianza y tolerancia.

Aguantamos unidos la adversidad. Tuvimos fe en nosotros mismos. Hacemos lo que amamos, somos lo que hacemos. Y lo tratamos de hacer de la mejor manera posible.

Con pasión. Así le estamos haciendo bien a todos los demás. Además de tocar, traemos al proyecto toda la educación de la que nos hemos provisto en nuestras vidas. Dentro de la banda hay gente que tiene estudios muy disímiles, de los cuales no se desperdicia nada, lo que nos ha hecho una verdadera experiencia de gestión cultural que nos tiene como protagonistas. No se delegan cosas en manos ajenas: estética, producción artística y ejecutiva a la kameleba. Somos nuestros productores, nadie nos puso en este lugar. Trabajamos con generosidad de manera cooperativa en un proyecto autosustentable. Nueve años embarcados en un ejemplo que le da crédito a los sueños, a la voluntad. Militamos pasando el boca en boca de que “sí se puede”.

GN- Le cantan a una Babilonia identificada con el consumo, con el mercado y todas sus tentaciones. Entonces dicen: “no existe en el mercado lo que has soñado”. ¿Dónde encuentran ustedes ese lugar dónde depositar sus sueños?

DA- En el trabajo. Cuando el trabajo no es alienante dignifica al hombre. El mercado es un mecanismo de distribución, no es ni bueno ni malo. Son los hombres los que nos encargamos de desvirtuar los mecanismos de reproducción de la vida, el capital y la cultura. Es el hombre el que explota al hombre. Hoy tengo 31 años y a mis quince compré en una disquería el disco Confrontation de Bob Marley, y aunque estaba editado por una compañía trasnacional, sirvió de mecanismo emancipador de mis sentidos. ¿Qué le digo al mercado? ¿Qué me hizo bien o me hizo un mal al mostrarme a Bob Marley? Yo creo que hizo su trabajo. Luego yo hice el mío. Me emancipé de mi esclavitud mental y puse mi placa años más tarde para continuar con esa cadena de despertares que no tiene fin.

Esa chispa que existe desde antes del mercado, desde siempre. Nuestros sueños están depositados en nuestro trabajo y se “desensueñan” en los resultados de una obra que puede estar puesta en una góndola, pero que está cocinada al fuego de una revolución grupal, en la que cada uno de los que la integran se sienten identificados.

Estamos hablando de identidad.

GN- Se debate legalizar la tenencia de marihuana para consumo personal. La planta y el reggae tienen una relación histórica que de a ratos se frivoliza y pierde toda su fuerza crítica. Pareciera que cada banda reggae debiera rendirle un culto al cannabis para salir a escena. Sin

GN- En “Sueño Que Va”, su último disco, sueltan los deseos de un proyecto que funciona a base de amistad y “Nuestros sueños están depositados en piden: “no me despierten ahora” nuestro trabajo y se “desensueñan” en ¿Pueden todavía sortear esa amenaza los resultados de una obra que puede del ego, nueve años después del estar puesta en una góndola, comienzo? pero que está cocinada al fuego DA- Somos muchos, cada uno con su de una revolución grupal” personalidad. Pasamos mucho tiempo juntos. Ensayamos, producimos, giramos. Le damos pelea a las mezquindades embargo, en “La Ganja” le dan sin perder el amor propio que hace falta una vuelta de rosca al clásico legalize it. para salir al ruedo todos los días. Pero estar ¿Por qué reivindican ustedes al auto cultibatallando contra el ego es un obstáculo de vo? tipo cualitativo. Si lo derrotamos sosteneDA- Reivindicamos el auto cultivo por mos nuestra utopía. Vale la pena crecer. muchas razones. Somos defensores de la libertad de conciencia. La ganja es una

especie vegetal que es parte de la biodiversidad del planeta, y como la naturaleza es sabia, por algo está. Es parte de la ritualidad, de la metafísica de la humanidad.

Viene a balancear la tensión que ejerce el apego, la temporalidad, la razón. No es un invento de los hombres, como cualquier otra síntesis. Es voluntad del arquitecto de la creación. Hay que alejarla del narcotráfico, blanquear la situación. Se fuma cannabis desde que el hombre es hombre. Antes era usado por ciertas vanguardias encargadas de encausar los ritos y hoy por hoy está a mano de todos, porque es de la tierra, porque la tierra no hace distinciones, sólo se brinda. Le regala sus frutos día a día a una humanidad que la pisa con desprecio. Que la maltrata por ambición y por confort.

Hace falta información, porque es la base de la protección. Por la televisión y la radio promocionan todo tipo de consumo y jamás te advierten acerca de los perjuicios y adicciones que generan en una sociedad adicta. Te venden de todo… anfetaminas, ansiolíticos, pastillas parar dormir, siliconas, apariencia, alimentos transgenicos, sexo… de todo… y sin embargo nadie va preso por ser un adicto al consumo superfluo. Hay que respetar al consumidor responsable.

GN- Siempre vuelven a Córdoba, una y otra vez vienen a nuestra ciudad. ¿Qué cosas son las que los trae por acá?

DA- Muchas cosas. Nuestro debút como banda lo hicimos en Córdoba. Nos ve crecer, nos perfiló a nivel nacional. Es una plaza muy importante, culturalmente muy potente. Hoy tocamos en todo el país y nos va muy bien, pero nosotros salimos de Casa Babylon. Tenemos muchos amigos acá, gente que nos banca con calidez, que nos abre la puerta de sus casas, que valora nuestro trabajo. Cuando una ciudad te trata así querés que te llamen siempre para tocar. En Córdoba ponemos a prueba temas nuevos, hemos estrenado muchas canciones que nos han gratificado mucho. Por eso, queremos seguir con la cábala, y vamos a tocar las canciones de nuestro próximo disco ahí. Ese es nuestro regalo para con el público de Córdoba al que le debemos gran parte del presente que vive Kameleba.

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bio Bruce Weber nació, en 1946 en Pennsylvania. Estudió música y pintura y es considerado una figura inminente, significativa y dinámica del mundo de la moda y el retrato.

Trabajó para las mejores revistas de moda, como GQ, Vanitiy Fair, W, entre otras.

Bruce, es el responsable de la tendencia de introducir y mostrar la belleza del cuerpo masculino en publicidades contemporáneas, en los mismos términos de objetos de deseo y consumo, al igual que el cuerpo femenino.

carrera legado A través de los años, Weber se relacionó con marcas tales como: Calvin Klein, Pirelli, Abercrombie & Fitch, Revlon, Gianni Versace y Ralph Lauren. Su salto a la fama se produjo a fines de los años ´80 y a principios de los ´90 con las campañas publicitarias para Calvin Klein. La imagen de un hombre y una mujer de pie en un columpio, sus cuerpos desnudos y enfrentados, fueron los ingredientes necesarios para generar el resultado publicitario deseado. Otras fotos que se hicieron memorables fueron las de atletas en ropa interior blanca apoyados contra muros blancos.

Trabajó para la revista Interview, en la que aparecieron muchos de los retratos de celebridades. Sus fotografías raramente son en colores, por lo general son en blanco y negro o monocromáticas.

Weber también es considerado un buen cineasta. Produjo siete cortos, dos de los cuales ganaron el premio al Mejor Documental otorgado por la International Documentary Association. Además, dirigió los videos musicales de importantes figuras de la música, como Chris Isaak y Pet Shop Boys.

Bruce Weber ha publicado 16 libros y su trabajo fotográfico ha estado expuesto en más de 60 galerías y museos alrededor del mundo.

coolhunting En la producción de Abril 09 lo tomamos como referencia y ponemos como protagonista al modelo masculino, y para enfatizar este punto convocamos esta vez a dos modelos. Así intentamos sumarle más importancia a sus figuras, mos-

trándolos tan seductores como una modelo femenina. Captando la esencia de Weber, se provocan imágenes más jugadas y sensuales al mismo tiempo, utilizando el blanco y negro como recurso estético en algunas fotos para esta producción.

Mariana Bianchini & Mauricio Gómez

MODELSPROFILE

Idea & dirección - estilismo: Mariana Bianchini & Mauricio Gómez Photo: Mariana Bianchini

PROMESAS DEL MUNDO DE LA MODA Tres jóvenes prometedores con proyección nacional e internacional nos cuentan sus gustos y preferencias, permitiéndonos asomarnos a una profesión desconocida por la mayoría…

Nombre completo: Facundo Sala Marca que más te gusta: Bolivia.

Tu primer trabajo: gráfica para Levi´s Diseñador preferido: ninguno en particular. ¿Qué esperás de esta profesión? En lo posible viajar, conocer gente interesante. ¿A quién admirás? Del medio a nadie. ¿Cuáles son tus objetos indispensables cuando viajás? Zapas deportivas, me gusta correr. ¿Qué es lo mejor del invierno? El café y el cigarrillo acompañando. ¿Qué está de moda? No sé. ¿Tu fotógrafo preferido? G. Dimario. ¿Zapatillas, marca? Nike, Airborn. ¿Banda o grupo de música que más te gusta? Devendra banhart, Mishka. Cerati, Soda, Massacre.

Nombre Completo: Maria Florencia Carignano Marca que más te gusta: Muchas... Wanama, Kosiuko, Sarkani, Las Pepas, Vitamina, Maria Vázquez, etc.

Diseñador preferido: Giorgio Armani, Valentino, Dolce & Gabbana, Cristian Lacroix, John Galliano. ¿Qué esperas de esta profesión? Tomarla con seriedad como todo lo que hago en mi vida y llegar hasta donde pueda. ¿Cuáles son tus objetos indispensables cuando viajás?

Muchos. Pero fundamental el celular. ¿Tu fotógrafo preferido? de Argentina Urko Suaya e internacional Steven Maisel Modelo preferida: Kate Moss, Naomi Campbell. ¿Estudias? Estudio teatro ¿Perfume? Code de G. Armani ¿Banda o grupo de música que más te gusta? Los Cafres, Nonpalidece, Bersuit, Los Piojos, me gusta la música en general.

Nuestro especial agradecimiento a la Agencia Mannequins por el aporte a la sección.

Nombre Completo: Facundo Corazza Marca que más te gusta: Ona Saez Tu primer trabajo: Delivery en una casa de fotografía Diseñador preferido: ninguno en particular. ¿Qué esperás de esta profesión? Conocer gente, lugares… en fin sacarle provecho a una oportunidad no muy convencional ¿A quién admirás? A quienes de la NADA pueden llegar a hacer un TODO ¿Qué o quién te inspira? La energía, el optimismo, el entusiasmo. ¿Cuales son tus objetos indispensables cuando viajás?

Anteojos de sol y Mp4 ¿Qué está de moda? Camperas de cuero ¿Tu fotógrafo preferido? Musin Yohan ¿Zapatillas, marca? Fiorucci, Goya, Nike. ¿Perfume? Nasa Índigo ¿Banda o grupo de música que más te gusta? Black Eyed Peas

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ruiditos

ruidos y

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Marina Litvinoff

¿Son música los ruidos? ¿Todos los ruidos son música? Hoy, la apertura que tenemos en cuanto a la forma de hacer música es gigante, ya sea que hablemos de formas o elementos con que la producimos. El Siglo XX fue testigo de cambios profundos que se produjeron en ámbitos como la ciencia y la tecnología provocando a su vez, transformaciones en la sociedad. El ámbito de la música no estuvo ajeno a todos estos cambios, es así como recibe importantes aportes de conocimientos científicos más específicamente relacionados con el sonido y su percepción. Al mismo tiempo, se multiplican los medios para generar el sonido y los soportes que permiten su reproducción.

Debussy, Schoenberg y Webern son sólo algunos de los nombres que inician la progresiva exploración de nuevos dominios sonoros. Sin embargo, existe una característica común a todas las escuelas y estilos de esta época, y es que estuvieron centradas en un tema común: el sonido.

Una investigación significante es la que lleva adelante Pierre Schaeffer, un ingeniero francés iniciador de la “música concreta” quien clasifica el sonido a través de la noción de objeto sonoro, analizando el sonido mismo y no el objeto con el que se lo produce. Éste y otros trabajos introducen una nueva visión del fenómeno sonoro, desterrando un viejo antagonismo entre el sonido musical y el ruido, es decir lo musical vs. lo no musical.

La incorporación del ruido como un sonido genera una importante amplitud de conceptos ya que es una posibilidad más al momento de hacer música.

Qué es sonido y qué es un ruido se distingue fácilmente si nos referimos al ámbito de la física. En donde la diferencia esta dada entre las ondas regulares o irregulares que lo producen. Sin embrago, en el ámbito de la música no es tan simple de distinguir, en donde estamos habituados a hablar sólo de sonidos si nos referimos a los “sonidos musicales”. Los nuevos recursos sonoros que se comenzaron a usar, crearon a su vez, la forma de la evolución de la música actual formando el estilo, la sonoridad hasta el carácter y duración de una obra. Jerarquizado el ruido como parte del fenómeno sonoro, así como también los instrumentos que la producen, se amplía de manera significativa el ámbito de acción de la música.

Actualmente, las posibilidades y recursos son innumerables. El hecho de poder incorporar al ruido como una de las expresiones musicales implica que la cotidianeidad de los sonidos es tomada por la música y su creación.

ENTREVISTA A JORGE CASTRO ARTISTA DIGITAL

A partir de abril y durante todos los segundos jueves de cada mes se desarrollará el ciclo de ruido y nuevas tendencias dando la posibilidad a distintos artistas locales de demostrar en qué momento se encuentra syu producción.

Las actividades que se desarrollarán se relacionarán con las nuevas tendencias e investigaciones sonoras, y los laboratorios para artistas locales y nacionales, todas estas teniendo en cuenta el arte sonoro experimental.

Para conocer un poco más sobre esta tendencia de incorporar al ruido como parte de la música, The Good News dialogó con Jorge Castro artista digital reconocido en la ciudad de Córdoba. Castro, también es el encargado de la coordinación entre el Chateau Centro de Arte Contemporáneo y el Teatro Real (sitios en donde transcurre el ciclo), al mismo

En 1949 Pierre Schaeffer y Pierre Henry fundaron el Groupe de Recherche de Musique Concrète, lo que supuso el reconocimiento definitivo del ruido como realidad musical. Un año más tarde firmarían “Symphonie Pour Un Homme Seul”, obra seminal de la música concreta compuesta a partir de ruidos, voces desfiguradas y efectos de toda clase.

tiempo que fue el responsable de su programación.

GN- Dentro de lo que es el ruidismo, ¿considerás que existe algún límite para su producción?

JC- Sí claro, no es cuestión de dar rienda suelta al delirio, detrás de ese perfil hay mucha pero mucha gente trabajando en nuevas propuestas estéticas y sonoras y también con actitud, algo muy perdido en nuestros tiempos de capitalismo tardío.

GN- ¿Qué elementos toma el ruidismo de la vida contemporánea?

JC- Depende de cada artista pero no hay nada delimitado.

GN- ¿Te parece que al ruidismo se lo podría considerar como una nueva tendencia sonora en Córdoba?

JC- Se lo puede considerar como una tendencia pero no es nada nuevo... solo que quizás no se le prestaba atención a eso o quizás era más hermético, de algunas elites de músicos.

GN- ¿Existe un circuito nacional e internacional que busca estas nuevas tendencias?

JC- Muy poco. Son los productores que apuntan a esto, todo está muy mainstreem, pocas ideas nuevas, muy mucha pereza de producir cosas nuevas... es más, estamos entre los pioneros aquí en Córdoba.

GN- ¿Qué características te parece que tiene?

JC- Solidaridad y apoyo en red, muy importante... además, que la cultura oficial apoye estas tendencias es muy bueno, estuvieron dormidas durante años.

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Marina Litvinoff

+info

GN- ¿A qué público está dirigido el ciclo?

JC- Preferentemente a gente joven.

GN- ¿Cómo fue la selección de los artistas que participan?

JC- La idea fue proponer a los artistas que no han podido venir nunca a Córdoba a tocar por ser de carácter experimental y a los locales por no tener espacios que los convoquen.

GN- ¿Se tuvo algún criterio en particular?

JC- Ruido experimental, performance, investigación del sonido.

GN- ¿En qué consistirán los laboratorios para artistas locales y nacionales?

JC- Workshop en la línea del “do it your self, hágalo usted mismo”.

Criadero en seres durante su presentación en Santo Noise en la primera fecha del ciclo.

Si querés conocer más sobre los artistas que se presentaron el 9 de abril en la sala Azucena Carmona del Teatro Real entrá en:

GMC Myspace.com/gmcnoofficial

Eye Myspace.com/eyenoiseproject

Sonia Myspace.com/ponsonia

Crepuscular www.crepuscularweb.com.ar Myspace.com/crepuscularmusick

Criadero en seres criaderoenseres.com.ar/web Myspace.com/criaderoenseres

O+ YN www.omasin.com.ar Myspace.com/copadeunarbol

SEGUNDA FECHA El próximo show, se presentará nuevamente en la sala Azucena Carmona del Teatro Real el 14 de mayo donde tocarán: Juan Silva (Córdoba) y Onofri (Mendoza).

Para más información sobre el ciclo u otras actividades del Chateau CAC ingresá en: chateau-cac.blogspot.com o escribí a: informacion.cac@gmail.com

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Romina Edelman

Ópera Contemporánea:

H

ENTREVISTA A

VALERIA URIGU Regisseur, Directora de Teatro y Ópera ace cinco siglos que la ópera existe y se desarrolla en los escenarios de Europa y el mundo, con su glamour, puesta en escena y estética característicos. Hoy, ya en el Siglo XXI, la ópera sigue vigente, aunque aggiornada a nuevos lenguajes y estéticas, entre los que se cuentan también las nuevas tecnologías.

A continuación, nos asomamos a este fantástico mundo, abriendo el telón de la mano de Valeria Urigu, una de las referentes a nivel nacional e internacional de estas nuevas manifestaciones de un género considerado clásico y que se recrea constantemente al ritmo del arte independiente.

GN- ¿Qué es la Ópera Contemporánea? ¿Qué diferencias tiene respecto a la Ópera Clásica? ¿Qué influencias de otras artes presenta?

VU- La ópera sigue siendo la misma que hace 400 años atrás. Cambian ciertos medios, recursos estilísticos y temáticas que, generalmente, corresponden a inquietudes actuales. La diferencia concreta radica no en ella misma sino en las búsquedas expresivas de sus creadores, a quienes les es más cercano hablar por medio de pantallas en lugar de telones, música procesada en lugar de un violín, criticar el medio en lugar de escribir/componer a merced de un rey. De todas maneras creo que todo esto es un cambio en el arte en general y la ópera como arte multidisciplinario donde convergen lo musical, lo escénico y lo plástico casi en un mismo nivel de importancia, es lógico que se tienda a la impregnancia de estos avances. Pero, y esto es casi un cotilleo de pasillo porque nunca leí nada al respecto que lo legitime como un pensamiento bien formado, todos lo hablamos: la Ópera es también un arte de elite por su historia, por su grandilocuencia, por su dificultad y la Ópera Contemporánea lucha en contra de ese estigma a veces buscando romper con estas convenciones.

GN- Siempre se consideró a la Ópera como un género perteneciente a otros períodos ¿Hay composito-

res contemporáneos que escriban ópera hoy?

VU- ¡Claro que existen! Pero este es un tema muy debatido... me asombra la reticencia que hay a la ópera de compositores nuevos, muchos dicen: "Compositores eran los de antes" ó "Hay que ver si en 100 años estos compositores siguen dando que hablar".

Es muy difícil componer ópera y no todo lo contemporáneo es bueno, eso es cierto, pero también me arriesgo a decir que dentro del negocio de la ópera no conviene disgustar al público.

Córdoba tiene una plaza de compositores emergentes y otros ya legitimados, sumamente reconocidos, premiados y con cantidades de obras que estrenar... pero que no tienen cómo mostrar sus obras si no es a través de una pági-

na web o un blog.

GN- ¿Desde cuándo te dedicás a este rubro? ¿Por qué te empezó a interesar?

VU- Hace seis años que estoy trabajando en torno a la ópera, primero empecé ayudando en vestuarios, en escenografía y luego asistiendo hasta que empecé a lanzarme con la puesta en escena hace tres años. La primera vez que me acerqué a un ensayo en el teatro San Martín me di cuenta que todo lo que había estudiado durante mi vida encajaba perfectamente con la puesta en escena de la ópera ¡yo podía hacer eso que hacía un regisseur! y me sentí como pez en el agua. La ópera para mí fue como un mar.

GN- ¿En qué espectáculos participaste?

VU- En muchos, realmente muchos, cerca de 50. Hace poco me presenté a una beca que pedía promedio anual de espectáculos estrenados de manera profesional y el total fue 5 obras por año entre teatro, danza, ópera y afines.

Pero eso no es ejemplar, ahora estoy en una etapa crítica donde ya no quiero cantidad sino calidad. Y de ese porcentaje el mínimo es ópera, eso da cuenta la dificultad que tiene llevar a cabo un proyecto de estas características.

“La Ópera es un arte de elite por su historia, por su grandilocuencia, por su dificultad; y la Ópera Contemporánea lucha en contra de ese estigma buscando romper con estas convenciones”

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Romina Edelman

Valeria Urigu

“En este momento hay un brote interesante de ópera independiente, artistas con muchas ganas de afrontar riesgos, de hacer cosas nuevas, de mostrar sus trabajos de manera under”.

Lírica autogestionada

Algunas obras en las que participó

Como la mayoría de las manifestaciones artísticas independientes, la ópera contemporánea, tanto en nuestra ciudad como en el resto del mundo, no cuenta con presupuestos ni recursos materiales suficientes para llevarse a cabo. Por suerte los recursos humanos interesados en seguir aventurándose en este tipo de espectáculos sobran y están dispuestos a trabajar duro para autogestionarse y llevar a los escenarios sus productos.

En este sentido, Valeria explica: “En realidad no existe un circuito definido. No hay salas, ni compañías que sean exclusivas a este movimiento. Pero sí hay en este momento un brote interesante de ópera independiente, artistas con muchas ganas de afrontar riesgos, de hacer cosas nuevas, de mostrar sus trabajos de manera "under", que apuntan a la autogestión de sus espectáculos y están abiertos a compositores nuevos. Cuando uno quiere montar una ópera contemporánea hay que autogestionarse y reclutar a los artistas.

GN- ¿Esta movida se da también los en otros países que planteen una vanguardia respecto al concepto clásico de la ópera?

VU- Sin irnos tan lejos, en Bs. As. la Ópera Contemporánea tiene un pequeño circuito que nace en el mismo Teatro Colón. Así todo también es acotado y su lugar es peleado. En mi último viaje por estudios a Europa me dediqué a buscar justamente personas con intereses similares a los míos en cuanto a la producción y creación de ópera. Y los resultados no son muy diferentes en escala. Hay mucho deseo de hacer y poco hecho. La ópera del siglo XX ya es poco representada en el mundo con sus compositores destacados, eso da una idea de que a los compositores del siglo XXI les toca pelear mucho más para hacerse escuchar, otro siglo quizá. Ese tiempo de atraso en cuanto a las aceptaciones artísticas es angustiante.

GN- En los últimos años se pusieron de moda los musicales, la ópera rock, etc. ¿Esta nueva interpretación de la ópera puede abrir el interés de los jóvenes u otros tipos de públicos en este género?

VU- Son cosas diferentes. La ópera tiene por empezar la voz lírica y sigue una serie de elementos musicales y escénicos que los distinguen de la comedia musical, la ópera rock, el teatro musical alemán, etc.

GN- ¿En qué espectáculos estás trabajando ahora?

VU- Actualmente estoy montando en el Aula Magna de la Facultad de Ciencias Exactas una ópera barroca (exactamente lo más polar que

Actriz y directora, desde hace seis años comenzó a incursionar en el terreno de la Ópera, formándose como Regisseur (*), tomando cursos en la escuela GiArte, y en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. A partir de allí, su trabajo y formación no frenaron, obteniendo numerosas becas, distinciones y subsidios para estudiar en el país y en el exterior (viajó a España, Francia, Cuba e India entre otros lugares).

puede existir a la contemporánea) Dido y Eneas. Me gusta hacer ópera en general, es una manera de aprender más y acercarme a la contemporánea.

Pero también estoy trabajando hace varios meses en un proyecto con José Luis Arce, maravilloso dramaturgo cordobés y Mario Rossi como compositor.

Estamos investigando hace un año un caso policial cordobés (*)El Regisseur es el director de escena,la persona que muy reciente de viorealmente “escenifica”la obra, instruye a los cantantes en lencia de género que sus movimientos, discute con ellos las acciones y actituvale la pena llevar a des que tienen que tener y desarrollar escena y con la riqueza del lenguaje opePersonalmente cada vez que estreno una rístico podría ser una obra maravillosa. A mí ópera voy hasta las aulas de la facultad de personalmente me parece que esa clase de música y teatro e invito personalmente a los problemáticas con compromiso social son alumnos, quizá donde está la gente que se necesarias darlas a conocer a través del arte. interese como espectador de novedades en Pero estamos ahora mismo tramitando recureste campo. Y cada vez sumamos un poco sos para subirla a escena, lo de siempre, espemás. Como ejemplo tomo el caso de un remos que no quede en un cajón. ensamble de música de vanguardia, Suono Mobile, que empezó haciendo cosas maraviGN- ¿Cómo ves el panorama de la Ópera llosas pero con espectadores contados y, Contemporánea en nuestra ciudad? luego de un tiempo de mucho esfuerzo, ya VU- Crece sin prisa pero sin pausa. Así como traen consigo un creciente público devoto en hay un brote de ópera independiente, tamel cual me incluyo. Se puede, está en nosotros bién hay gente interesada en consumir esta permitírnoslo. clase de ópera y que se anima a más.

· Dido & Eneas (Vestuarista, Escenógrafa, Regie) · Il Trucco (Puesta en escena) · Trompetahhhh (Directora) · Griegos (Vestuarista) · El huésped del sevillano (Directora de arte escénico) · Visita en Casa del Padre (Actriz) · Orfeo (Escenógrafa, Regie) · La Historia del Soldado (Vestuarista, Escenógrafa, Puesta en escena) · Máquina (Vestuarista) Más info en: www.alternativateatral.com

+info Si querés saber más sobre Valeria Urigu podés ingresar en: · valeurigu.spaces.live.com · Youtube.com/user/ValeriaUrigu

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BUDAPEST

Son dos ciudades y una sola capital. Vanguardia de Occidente y puerta de entrada al Este, la ciudad a orillas del Danubio vive entre dos mundos.

La primera impresión que da Budapest es la enormidad. Aquí todo parece monumental: las avenidas, los edificios y los puentes sobre el ancho río Danubio que une y separa al mismo tiempo las ciudades que alguna vez fueron tres y hoy forman una única capital. Buda y Obuda, en la orilla derecha, se unificaron en 1873 con Pest, en la orilla izquierda, y más de un siglo después siguen manteniendo caracteres que las identifican.

Pero eso todavía tardaremos en aprenderlo.

P

Textos: Pierre Dumas.

or ahora, apenas llegados al centro, comprendemos que comunicarse no será tan fácil. Es cierto que los jóvenes en general hablan inglés y tienen mejor disponibilidad hacia el extranjero, pero a veces las cosas se ponen lingüísticamente difíciles. Así, nos proponemos agudizar los sentidos, desplegar bien los mapas y multiplicar nuestro sentido de la orientación ayudados por un mini manual de conversación que, en el mejor de los casos, nos permite preguntar, pero jamás comprender la respuesta.

Si los nombres extraños nos hacen sentir perdidos, la geografía de la ciudad ubicada en torno a ambos márgenes del río – y cuyo mapa nos recuerda al de París atravesada por el Sena (de hecho, Budapest se conoce como “la París del Este”) - ayuda a saber siempre dónde estamos.

Lo más raro es pensar que no hace tanto Budapest fue la vanguardia de Occidente para los europeos del Este y, para los occidentales, la puerta de entrada al cerrado mundo oriental. Actualmente, Hungría es miembro de la Unión Europea y la “cortina de hierro” resulta un capítulo del pasado que sus habitantes se esfuerzan en olvidar apoyándose en la rica historia húngara. De algún modo, hoy los 250 kilómetros entre Budapest y Viena son más cortos que nunca.

La capital termal

Antes de llegar no teníamos en la cabeza muchas imágenes de Budapest, pero sí había una que queríamos convertir en nuestro primer recuerdo y experiencia de la ciudad: la visita a los Baños Géllert, los más famosos de una capital que de por sí es célebre por su abundancia de aguas minerales (alrededor de 400 fuentes) y termales (unas 123). Nos habían comentado muchas opciones, ya que no hay visita a Budapest sin el paso por una piscina o spa termal (incluso hay en funcionamiento baños de la época turca). Sin embargo, la monumentalidad de los Baños Géllert no tiene comparación: sumergirse aquí es como nadar en una catedral rodeada de imponentes columnas, mayólica, vitrales y estatuas de mármol. Por precaución, habiendo escuchado la experiencia de otros viajeros, llevamos nuestras propias toallas y fuimos bien temprano: valió la pena, ya que a medida que avanza el día la invasión turística se va acentuando y le quita un poco de gracia al lugar (sumado a que el trato aquí, como en tantas otras partes de Budapest, no siempre es tan cordial). Lo bueno es que, a diferencia de otros lugares, las entradas a las termas y los spa son accesibles. Más tarde, seguimos otra reco-

mendación y nos subimos a la línea 2 del tranvía (no confundir con la 2A) que recorre la orilla del Danubio (no tan azul, aunque lo diga el vals) y pasa por el tramo de Buda que la UNESCO declaró Gellert Spa Hotel es el más famoso spa termal de Budapest. Fue construPatrimonio de la ído en 1918 y su refinada decoración en Art Noveau cuenta con estatuas Humanidad, y columnas ornamentadas dentro de los baños y del spa.Se ha convertientre el puente do en un símbolo característico local de visita obligatoria. de las Cadenas y visión general de Budapest: y si nos había el puente de Isabel, cuyo nombre homeparecido monumental apenas llegamos, najea a Sissi, emperatriz de Austria y reina de Hungría. Son 21 minutos de reco- ahora nos lo parece más todavía después de haber pasado frente al gigantesco edirrido, que pueden realizarse desde la ficio del Parlamento, de más de 260 madrugada hasta casi la medianoche. metros de largo, la plaza Kossuth, el puenIncluso, después de haber hecho el paseo de día, las iluminaciones nocturnas de los te de las Cadenas, el paseo del Corso y la edificios merecen repetir el tramo. Luego, plaza 15 de Marzo, desde donde se ve el monte Géllert con su fortaleza. Budapest a la altura del puente de la Isla Margarita puede gustar o no, pero nadie puede cruzamos y emprendemos el recorrido negar que tiene un emplazamiento especpor la otra orilla, con el tranvía 19. tacular.

Ambos tramos son ideales para tener una

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La perla del Danubio El Parlamento, cuya fachada principal mira al Danubio pero tiene entrada por la plaza Kossuth, del lado de Pest, merece sin duda una visita detallada. De un estilo ecléctico que en el exterior recuerda al neogótico (y al Parlamento inglés), en el interior se inspira en el renacimiento y el barroco; llevó años de construcción y requirió más de 40 millones de ladrillos. Hay que recorrerlo en visitas guiadas, y en verdad es conveniente para no perderse en los meandros de la trabajosa historia húngara, que pasó de los jefes magiares a los príncipes de Transilvania y los Habsburgo.

La basílica de San Esteban, con sus 96 metros de altura, es la única que puede rivalizar con

Buda y el barrio del castillo

la maciza cúpula del Parlamento: y si en éste se encuentra la corona real, en la basílica hay otra reliquia, la mano derecha del rey San Esteban, fundador de Hungría. Tanto se tardó en construirla que dio origen a un dicho popular: “Cuando los pollos tengan dientes...” la versión budapestina de las calendas griegas. Monumentos aparte, Pest es el corazón de la animación, y tiene calles bohemias que hacen pensar en Montmartre, como en torno a la plaza Vörösmarty y sus cafés, en especial el Art Café y el Gerbeaud. Al percibir la rica vida cultural que se vuelca en las calles y se traduce también en el cine, la literatura y la música, no se puede dejar de pensar en Sándor Márai, un escritor húngaro muy popu-

Tips y curiosidades

Sobre la colina más alta de Buda, fue construido antiguamente un castillo defensivo que el tiempo fue transformando en un palacio gótico primero y en una residencia renacentista después. El asedio turco del siglo XVII le dejó daños que ocasionaron su reconstrucción, esta vez en estilo barroco. El barrio budapestino que creció en torno al castillo tiene enorme valor arqueológico (las exploraciones siguen todavía) y arquitectónico; en especial, se destaca en Imperdible: navegar por el Danubio para ver la ciudad desde sus orillas. el centro la Iglesia de Matthias, donde se coronaban a los reyes húngaros. Y, sobre los muros del castillo medieval, se tarde sobre el Danubio, bajamos para terminar la visita en el Spoon Café, levanta el Bastión de los Pescadores, un gran mirador con siete torres un barco anclado al pie del puente de las Cadenas que tiene un complejo construido a fines del siglo XIX que representa a las siete tribus magiares de bares y restaurantes, un jardín de invierno y una terraza panorámica. fundadoras de Hungría y recuerda en el nombre a los pescadores que Pero sobre todo, cuenta con una vista espectacular. Todo un lujo para defendieron el lugar en tiempos medievales. Desde aquí, cuando ya cae la decirle adiós a Budapest bien a lo grande, a su medida.

Traslados: el teleférico, que funciona entre Zugliget y Jánoshegy; el tren infantil Gyermekvasút (también para grandes), que sale de Hıvösvölgy hacia el monte Széchenyi; y el funicular que sube 95 metros desde la plaza Clark hasta el castillo de Buda.

Hungría tiene el mismo horario que Europa central, GMT + 1. Sin embargo, de marzo hasta fines de octubre el horario de verano es GMT +2. En cuanto a clima, en pleno invierno puede tocar los –15°C y en verano llega a los 30°C. Tener precaución con las pertenencias en estaciones de tren, buses y lugares muy concurridos.Es ilegal y peligroso cambiar dinero en la calle. Desconfiar de falsos policías (el agente auténtico siempre lleva identificación con número y foto).

Hoja de viajero

Pasajes

Desde 1.600 dólares (idavuelta desde Buenos Aires) más tasas.

Precio promedio, según empresas que vuelan a ese destino (Iberia, Lufthansa, Air France-Alitalia)

La mejor época

La primavera, para evitar el frío del invierno y disfrutar igualmente los excelentes baños termales de la ciudad.

Requisitos migratorios: Pasaporte vigente.

Alojamiento

Hotel cuatro estrellas: A partir de 80 euros la habitación single; 110 euros la habitación DBL. Hotel cinco estrellas: a partir de 180 euros la SNGL; 200 euros la doble.

Contactos

Códigos de área telefónicos: Hungría: 36. Budapest: 1.

Hospital de Urgencias: Falck SOS Hungary. Tel: 200-0100.

Ambulancias: 104.

Policía: Calle Teve, Nº 6, Distrito 13. Tel: 443-5259.

Internet: www.budapestinfo.hu

Gastronomía

Para comer: Algo estándar en un restaurante de Budapest ronda los 30 euros; conviene pedir primero recomendación para encontrar un buen lugar. La cocina húngara no es precisamente liviana, pero sí muy sabrosa: hay que probar el goulash con páprika picante (el condimento nacional), la sopa de pescado, el pollo con páprika y pasta húngara. Para beber: vinos húngaros (Villány, Szekszárd, Mátraalja), el fuerte aguardiente pálinka, el licor de hierbas Unicum y las cervezas, buenas y accesibles, para sorpresa y placer del turista.

lar en los años ´30.

En plan de museos, pasamos por el Museo de Bellas Artes (de nombre impronunciable pero magníficas colecciones) y el Museo Nacional Húngaro, que traza la historia local: importante en sí mismo como representante del clasicismo húngaro, conserva la santa corona y las joyas de la coronación. El otro lugar para no perderse es la Ópera, sobre la elegante avenida Andrássy, una importante arteria que lleva el nombre de uno de los héroes nacionales húngaros. De estilo renacentista italiano, espectacular en sus salas interiores, el edificio recuerda el alto valor de la música y su enorme apreciación popular en pueblos del centro-este de Europa.

AGRADECIMIENTO El castillo real de Gödöllö , una muestra del mejor estilo barroco húngaro del siglo XVIII. Cuenta con 13.500 metros2 de parque.

Compras

Paseos

Páprika auténtica, en el Mercado Central de Budapest. Vino de Tokaj y el licor de hierbas Unicum, dos productos tradicionales del país. También la porcelana de Herend y ropa de los diseñadores húngaros que se puede conseguir en los negocios Retrock. Se suman las famosas cremas Helia D, únicas y excelentes, conocidas en toda Europa.

Hacia el sur, el castillo real de Gödöllö, el palacio preferido de la emperatriz austriaca y reina de Hungría Sissi.

El Recodo del Danubio, en las afueras de Budapest, donde numerosos pueblos pequeños ofrecen lugares encantadores para pasear, mucha historia por conocer y laderas para caminatas entre un paisaje de gran belleza.

The Good News hace un especial agradecimiento por el material aportado para la sección Turismo a Revista El Galeón Un viaje al Turismo y las Curiosidades del Mundo

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Secretos para preparar un buen trago Desde sus inicios la coctelería, al igual que la gastronomía tradicional, ha tenido sus secretos y sus correspondientes procedimientos que la han llevado a convertirse en materia de investigación y fascinación.

La amalgama de sabores siempre es importante y los pasos a seguir son tan

Mojito Ingredientes: Ron blanco Bacardi Superior Soda 12 hojas de menta fresca Jugo de limón Azúcar.

significativos como los ingredientes que incluye cada trago. Por eso en este número, además de regalarte la receta de dos tragos clásicos para que disfrutes con la mejor compañía, te dejamos un par de tips para que conozcas algo más sobre los procesos que incluye la preparación de un buen cóctel.

Agregar primero el hielo al vaso, vaso mezclador o coctelera, esto produce al añadir la bebida base (gin, pisco, ron, tequila, whisky, cognac, etc.) un descenso de la temperatura que puede llegar hasta los 21 grados centígrados. Poner el hielo necesario, tamaño mediano, para que enfríe rápidamente sin aguar el cóctel.

En coctelera nunca poner bebidas con gas (se agregan cuando el trago está en el vaso) para completar la preparación.

El orden para servir las bebidas en el vaso, vaso mezclador o coctelera, es de acuerdo a su graduación alcohólica, poniendo las demás en primer lugar (bebidas base).

No mezclar bebidas base en un cóctel.

Bebidas equilibrantes (vermouth dulce o seco, vino jeréz y otros vermouth o vinos de menor graduación con aroma propio), pueden mezclarse entre sí y luego agregarse a las usadas como base.

No mezclar bebidas estimulantes entre sí(bitter rojo, bitter oscuro en general y estimulantes). Usar en dosis mínimas.

Margarita Ingredientes: 50 cc Tequila José Cuervo Gold 30 cc Triple Sec Cusenier 30 cc Jugo de Limón

En Johnny B. Good, el barman innova y prepara una versión helada llamada Frozen Margarita. La diferencia radica en que se realiza toda la preparación en una juguera con hielo picado y se sirve sin colar directamente a la copa.

El jugo de limón puede reempplazarse por el de otras frutas como frutillas, frambuesas, ananá, etc.

Tomar 3/4 de limón y frotar el borde de la copa con éste.

Inmediatamente después, pasar los bordes de la copa (que ya están impregnados con el limón) por sal fina, que debe estar puesta en un plato (una capa de un par de milímetros de espesor). Dejar reposar unos minutos antes de verter el trago en su interior.

Antes de empezar la preparación, tomar la copa (ideal-

Colocar en un vaso largo las hojas de menta y el limón. Añadir 1/2 parte de azúcar y dejar macerar para que se mezclen los sabores.

Colocar hielo la mitad del vaso para que quede espaci opara poder remover la preparación.

Añadir 1 parte de ron blanco Bacardi y mezcla todo bien con una cuchara larga de forma que la menta y la lima quede bien repartida por el vaso.

Rellenar el vaso con hielo y echar tres partes de soda. Removemos bien y ya podemos servir.

En la carta de JBG se puede disfrutar también con jugo de maracuyá suplantando al limón y un especial de nuestro bartender, el Mojito J&B que combina los elementos del mojito suplantando el Ron Bacardi por whisky J&B. Enjoy!

mente copa de margarita, de lo contrario usar una copa de champagne ancha, o en su defecto, de Martini) y poner sal en el borde. Poner todos los ingredientes (excepto la sal, que sólo es para la operación anterior) en una coctelera con hielo.

Batir y servir en la copa, que debe estar con sal en su borde. Decorar con una rodaja de limón en el borde.

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Recetas con calamar

Las rabas, un platillo clásico de varios restaurantes y bares, pero único en Johnny B. Good.

Lo que lo convierte en uno de los platos estrella de la casa. La materia prima de estas rabas, como todos saben, es el tubo de calamar con el que se pueden preparar exquisitos platos especiales.

Hoy les voy a dar una receta de ensalada que cuenta entre sus ingredientes con calamar.

Para empezar es importante elegir un buen tubo de calamar. La calidad de

Super Johnny Rabas Aros de calamar empanizados y fritos, acompañados con salsa pisco y gajos de limón.

Tip Probalas también en nuestro exquisito American Mix , combinadas con Onion Rings, Hell´s Chicken y Potato Skins acompañadas con cazuelas de salsa pisco y BBQ Jack Daniel´s. Ideal para compartir.

este producto se reconoce teniendo en cuenta su textura que tiene que ser consistente, húmeda y desprender un suave olor a mar. Además, para saber si es fresco, hay que observar su color: cuanto más viva e intensa sea su coloración mayor tranquilidad tendremos sobre su calidad. Por último la carne debe ser blanca. Cuando estamos seguros de que en nuestro poder tenemos materia prima seleccionada y en condiciones óptimas, procedemos a utilizar uno de mis consejos.

Para que se luzcan en una noche romántica en una cena con amigos ó simplemente un almuerzo al mediodía.

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Ensalada de hojas verdes, morrones y calamares.

Ingredientes Calamares chicos, 4 Rúcula, 2 atados (se puede reemplazar por una planta de lechuga) Ají morrón rojo, 2 Aceite de oliva, jugo de limón y sal, cantidad necesaria Procedimiento

- Limpiar el calamar - Poner a hervir el calamar tres minutos (sólo para expertos) o bastante tiempo hasta que queden tiernos (más de 20 minutos).

- Cortar el cuerpo en anillas y separar los tentáculos.

- Untar los ajíes con aceite.

- Poner los ajíes en horno moderado hasta que la piel se arrugue y se desprenda de la pulpa (media hora aproximadamente), girándolos de vez en cuando.

Esperando que mis consejos les sir- Sacar los ajíes del horno. van, los invito si se encuentran cerca - Pelar los ajíes, abrirlos al medio y desde un Johnny B. Good, a probar el echar las semillas. plato estrella de la casa: las Super - Lavar la rúcula y escurrirla bien.

Johnny Rabas.

- Condimentar los morrones con sal, al igual que los calamares y la rúcula con Hasta el próximo número. sal, aceite y limón.

- Presentar en una fuente o en platos individuales, medio morrón cubierto Diego Espeche de calamar y sobre este y a los costaEncargado de Cocina Johnny B. Good dos, ensalada de rúcula.

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JBG, presenta su nuevo uniforme Una vez más, y como todos los años, el jueves 23, Johnny B. Good presentó con el apoyo de Vitnik en el Fashion Music Fest, su uniforme Temporada Fall-Winter 09.

En esta oportunidad el diseño está relacionado, como nunca, con nuestra esencia original. Ilustraciones que representan a diferentes artistas, personajes o íconos de la historia de la música que por su talento y pasión supieron marcar hitos que hoy encontramos como fuente de inspiración. Desde Chuck Berry hasta Bono, pasando por Jimi Hendrix hasta Kurt Cobain, todos ellos se han transformado en leyendas que nos animan a vivir esta experiencia, la experiencia musical.

WELCOME TO THE MUSIC HOUSE!

ARTIS Galería Muestra de Pinturas · PABLO SCHEINBENGRAF

“LO QUE QUIERO”

Entonces ¿Quién? Pablo Scheinbengraf ¿Qué? Exposición Lo que Quiero

ARTIS Galería tiene el agrado de invitar a la Muestra de Pinturas sobre gouche del artista Pablo Sheinbengraf que se realizará desde el viernes 24 de abril y hasta el 15 de mayo de 2009.

El artista inaugura el año de ARTIS con la Exposición Lo Que Quiero, una invitación a realizar un recorrido a mundos desconocidos que estallan entre el color, la armonía, lo sutil y la fuerza que emana de sus obras, un recorrido entre el tiempo y el espacio sin límites, gritos de libertad para imaginar, pensar y sentir libremente.

¿Cuándo? Inauguración: 24 de abril a las 20 hs. y cierre el 15 de mayo. ¿Dónde? ARTIS Galería, Lima 909, Bº General Paz, Córdoba.

Tel +54-351-4290750 Mail: artisgaleria@yahoo.com.ar ¿Cuánto? El ingreso a la muestra es libre y gratuito.