The Good News no. 54

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[SUMARIO]

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FLASH PIXIES Y ASADO Tras dejar vacante (otra vez) el puesto que original e históricamente le perteneció a Kim Deal, los Pixies anunciaron a su nueva bajista. Es mujer, argentina y bastante guapa.

Paz Lenchantín fue parte de bandas como A Perfect Circle, The Entrance Band y Zwan, nació en Mar del Plata, y ahora tiene giras internacionales a partir del 15 de enero.

VUELA VUELA Salió lo nuevo del Indio Solari, y Pablo Plotkin de Rolling Stone se tomó el “trabajo” de analizarlo.

En las primeras impresiones de los doce temas de Pajaritos, bravos muchachitos, cuarto disco solista del ex líder Redondo, el especialista sólo dijo: están “entre Twitter y los Redondos, entre la canción de amor y el rock dramático”. A escucharlo y tener nuestras propias impresiones.

¡SORPRESA! Sin previo aviso ni datos filtrados, Beyoncé lanzó un nuevo álbum en formato digital con catorce canciones. En un año donde un fan la atacó, un ventilador le tironeó el pelo, una foto la mostró con kilos de más y se cansó de llenar estadios, la bomba sexy del pop mundial publicó (vía iTunes) un LP homónimo con colaboraciones de Jay Z, Frank Ocean y Drake. Primer corte: “Drunk in love”.

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[FLASH]

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BIEN FIGHTERS Se tomaron un tiempo de descanso porque le venían metiendo duro a la banda. Silbando bajito y sin hacer demasiado ruido, Foo Fighters se presentó en México. El Foro Sol en un show multitudinario. Una parte emotiva de la noche fue cuando sonaron clásicos de los Beatles, Pink Floyd y Tom Petty.

DIEZ AÑOS NO ES NADA Peter Gabriel prepara un nuevo disco, el primero en diez años. “Tengo que dejar de hacer otras cosas y centrarme en mí mismo durante algún tiempo. Las canciones están pero ahora me gustaría rehacer algunas de ellas y también hay algunas cosas nuevas”, reconoció Gabriel.

CANCIONES NEGRAS Stevie Wonder se presentó por primera vez en la Argentina. El hacedor de "Superstition”, “Blowin’ in the Wind”, “Isn’t She Lovely” y “Songs in the Key of Life” dijo presente en el estadio de Vélez Sarsfield, y a sus jóvenes 63 años (23 discos de estudio y cuatro en vivo) disfrazó a la porteñada de soul, pop, R&B, funk y jazz.

CLICKS El reciente sencillo del rapero coreano, Psy, está primero dentro de los videos más vistos de 2013, por “Gentleman M/V”. En la lista que dio a conocer YouTube se encuentra segundo el videoclip sexy “Wrecking Ball” de la polémica Miley Cirus. En la lista, además, se mezclan videos con desnudos o imágenes sugestivas con clips de Rihanna, Pink, Avicii, Selena Gómez y Naughty Boy.

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NOMBRE: Los Monkys.

INTEGRANTES: Ezequiel Córdoba (guitarra y voz), Nicolás Robledo (groove y voz), Javier García (bajo), Sebastián Sosa (guitarra), Santiago García (batería), Markus (teclados).

AÑO DE FORMACIÓN: 2003.

GÉNERO MÚSICAL: Rock psicodélico y groovero.

DISCOS: Doestone (2003), Los Monkys (2010) y Es la que va (EP, 2013).

INFLUENCIAS MUSICALES: Stone Roses, Oasis, Rolling Stones, Ride, Ocean Color Scene, Black Rebel Motorcycle Club.

UNA RECOMENDACIÓN MUSICAL: Pimal Scream - More Light (2013)

UNA BANDA QUE NUNCA ESCUCHARÍAN: Onda Vaga UN ESCENARIO QUE QUIERAN PISAR: El monumental Sargento Cabral

UN SHOW MEMORABLE: Presentación de Es la que va (Abril de 2013) en el Club Belle Epoque.

PRÓX I SHO MO S Pres W e nta “D S

ción oest Soun one” en del vide o of d, fe el m ic Fies c a ta d ha y lu rco de ial de gar e dé l cimo a co a Baggy nfirm aniv Los 22 d monky ersario ar e de s di Plaz a La ciembre valle : B° Vice nte. San

CONTACTO Monkysrock contacto@losmonkys.com www.losmonkys.com

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[FICHERO MUSICAL: LOS MONKEYS]

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PH: Diego Ciccarelli

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[HOMENAJE: TITI RIVAROLA]

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MARTÍN BRIZIO Crítico de Música

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[ENTREVISTA: VERNON REID]

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Hablar de los ´90 es hablar de la última gran década en la que el rock aportó cosas realmente originales, perdurables en el tiempo: Rage Against the Machine, Faith No More y Red Hot Chili Peppers, por nombrar algunos.

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n esa generación sobresalía una agrupación que comenzó en la escena neoyorquina de mediados de los ´80, que combinaba una maestría instrumental inusual con onda, desfachatez y desparpajo. Fueron "descubiertos" por un tal Mick Jagger, quien se los cargó al hombro y les hizo grabar su primer disco, álbum que cumplió sus bodas de plata, aniversario que les dio motivo para una nueva gira.

"Nunca me imaginé que estando tan abajo del mundo iba a sentir tanto calor". Primeras palabras de Vernon Reid (guitarrista de Living Colour), antes de su tercer show en nuestra ciudad, y en un día climatológicamente atípico -el de los 40° en pleno invierno-.

[ENTREVISTA: VERNON REID]

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GN: ¿Vienen desde los EE UU o están en plena gira?

VR: Venimos de New York, acabamos de tocar en un festival en Brooklyn llamado Afro Punk.

GN: ¿Y qué se les dio por recrear el primer disco de la banda?

VR: Es como en los matrimonios, que festejan los cinco años, los diez, los quince; en este caso son las bodas de plata y quisimos celebrarlas.

GN: ¿Consideran además que es el mejor disco de la banda?

VR: Es el más popular, el más conocido en cuanto a alcance, pero no lo consideramos el mejor disco. ¡Igualmente lo amo! ¡Amo a Vivid!

GN: ¿Y cuánto tuvo que ver Mick Jagger en la concepción del álbum?

VR: En ese momento (y obviamente aún ahora) Mick es una de las figuras más famosas del rock, no era simplemente una estrella que trabajó con nosotros, trabajó mucho y muy comprometidamente con la banda, y ya desde los Stones que trabaja con gente muy interesante, fue muy bueno con nosotros, conmigo en particular, fue muy amable y ha sido muy importante para nuestra historia, le tenemos mucho aprecio.

GN: ¿Qué te acordás de aquella famosa gira junto a Guns n´ Roses teloneando a los Rolling Stones (la gira de Steel Wheels), un tour que hasta el día de hoy se recuerda?

VR: Recuerdo que nuestros managers trataban de tenernos a todos separados (risas).

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La vida más allá de Living Vernon Reid fundó en 1985 la Black Rock Coalition en New York.

La BRC es una ONG dedicada a promover la libertad creativa de los músicos de color y su objetivo es maximizar el desarrollo artístico, aceptación y la exposición de músicos negros.

Al mismo tiempo promueve shows, grabaciones y la distribución equitativa de oportunidades.

GN: Los años en que Living Colour estuvo separado te dedicaste a varios proyectos solistas. Masque fue uno de ellos. ¿Qué quedó de todo eso? ¿Sigue en la actualidad?

VR: He continuado con Masque, he estado tocando en un festival en Brasil e inclusive a raíz de eso estoy involucrado con un DJ en un proyecto de música electrónica que aún no tiene nombre.

GN: Ah, qué bien… ¿y en qué está la Black Rock Coalition [ENTREVISTA: VERNON REID]

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Han aparecido muchas nuevas bandas a partir de este movimiento, y eso es lo más relevante" (Acerca de la Black Rock Coalition) (coalición de músicos negros de rock)?

VR: Sigue existiendo, ha evolucionado y está impulsado por el movimiento afro punk y otros movimientos más; estamos viendo de organizar un gran festival, pero por ahora es sólo un proyecto.

GN: ¿Crees que a partir de eso hubo un crecimiento y una mayor aceptación de los músicos de origen afro americanos por parte del establishment rockero?

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VR: Lo más importante para mí es que formó nuevas generaciones; han aparecido muchas nuevas bandas a partir de este movimiento y eso es lo más relevante.

Hay una nueva banda de chicos entre 11 y 12 años, muy buenos, y eso es de lo que más orgulloso me siento. Hay músicos como los TV on the Radio por ejemplo, no me encierro tanto si es de raza negra o no sino cómo se relacionan con la música de origen afroamericana.

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as rutas aéreas que transita la música muchas veces tienen superposiciones extraordinarias. Uno nunca pensaría que hay gente en el estado norteamericano de Maryland escuchando, por ejemplo, a Pappo. Pero una pequeña búsqueda en YouTube ofrecería una enorme prueba en contra: el cover de “Algo ha cambiado”, de Pappo’s Blues, grabado por los estadounidenses de Clutch.

Y dentro de la amplia gama del stoner, hay varias bandas cuya escucha arranca sensaciones familiares, ciertos toques bluseros que el oído relaciona directamente con el Carpo de la Paternal. Difícil es efectivamente saber si hubo algún tipo de roce directo, como en el caso de Clutch, o simplemente tanto Norberto Napolitano como esos grupos bebieron de las mismas fuentes. Lo cierto es que los que gusten de los sonidos sucios y desprolijos de la Gibson de Pappo seguramente encontrarán sumamente agradables a dos bandas nuevas de sonido metálico retro: Horisont (haciéndose oír desde Suecia), y Mount Carmel, formados en Columbus (Ohio, Estados Unidos).

DENSIDAD ESCANDINAVA ¿AÑORÁS EL INCONFUNDIBLE SONIDO DE LA GUITARRA DE PAPPO? AUNQUE NUNCA LO HAYAS PENSADO, QUIZÁS PUEDAS ENCONTRAR CONSUELO EN DOS JÓVENES BANDAS EXTRANJERAS. NATALIA TORRES Columnista especial

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El guitarrista Charles van Loo, el bajista Magnus del Borg y el baterista Pontus Jordan venían tocando juntos durante varios años, pero nunca se habían cruzado con el vocalista que cerrara la ecuación.

Hasta que apareció Axel Söderberg y todo fue magia.

En el 2004 comenzaron entonces a sonar como Horisont en la ciudad sueca de Göteborg y, con apenas un solo álbum editado, Yvå sidor av horisonten (2009), lograron llamar la atención de Lee Dorrian (ex cantante de Napalm Death y actual líder de Cathedral), quien les ofreció un contrato con su sello, Rise Above. Fue en la casa dirigida por Dorrian donde Horisont grabó Second assault, su segundo álbum (2012), y Time warriors, lanzado hace un par de meses.

[DE METAL: LOS ECOS...]

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Las canciones de Horisont nos recuerdan a Pappo y Spinetta.

Mount Carmel suena a “alcohol, a sexo, a whisky destilado ilegalmente”.

Intrínsecamente bluseras, las bases de las canciones de Horisont siguen dibujos rifferos densos que no sólo traen a la cabeza las aventuras de Pappo (y especialmente el álbum que grabó como frontman de Aeroblús), sino que también hacen remitir a otro prócer argentino: Luis Alberto Spinetta -más concretamente, su trabajo en Pescado Rabioso-. Varias de las canciones abandonan, en ciertos pasajes, la contundencia del golpe para sumergirse en la fluidez de lo psicodélico, acercándose a los cambios de clima típicos del rock progresivo.

“Nos encanta el sonido auténtico de las bandas de los ‘70”, supo contarle al webzine The Sleeping Shaman el guitarrista Charles van Loo. “Cuando las escuchás, es casi como si estuvieran tocando en tu living. No está sobreproducido ni manipulado como muchas cosas lo están hoy en día. Tiene mucha alma y sentimiento. Nos gustan las cosas más bluseras, como Fleetwood Mac y Savoy Brown, tanto como disfrutamos de cosas más pesadas como Scorpions, Thin Lizzy y Black Sabbath”.

[DE METAL: LOS ECOS...]

LOS CHICOS SE DIVIERTEN En el caso de Mount Carmel, la relación con Pappo tiene pocos grados de separación: las influencias de este grupo de la ciudad norteamericana de Columbus (Ohio) pasan por los mismos sonidos que Napolitano seguramente disfrutó en su exilio inglés de la década de los ’70 y, especialmente, por el blues-rock denso y colgado de Cream.

Formados por los hermanos Matt y Pat Reed (guitarra y bajo respectivamente), más el baterista James McCain, este power trío lanzó su autotitulado álbum debut en 2010, y su segundo disco, Real women, el año pasado. Y lo suyo huele a alcohol, a sexo, a whisky destilado ilegalmente, con guitarras serpenteantes que ladran a dioses negros del pasado (“Howlin’ Wolf”, sin dudas, anda mostrando sus dientes por ahí). Pero, por sobre todas las cosas, la música de Mount Carmel huele a autenticidad, a tres chicos que disfrutan genuinamente lo que hacen y que, eventualmente, hacen que su público absorba tanta frescura. Y no sólo su público, sino también sus “mayores”: teloneando a Down, los muchachos de Ohio se ganaron el respeto y los elogios de la banda encabezada por Phil Anselmo.

Actualmente, Mount Carmel continúa en pleno florecimiento preparando su nuevo álbum, Get pure, que planean editar antes de finales de 2013.

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MARTÍN BRIZIO Crítico de Música Gentileza de Gamba 106.3

LOS AUTÉNTICOS DECADENTES SON UNA FELIZ CONSECUENCIA DE UNA SUCESIÓN DE HECHOS Y ACONTECIMIENTOS RESULTANTES DE UNA ARGENTINIDAD PROFUNDA. INCLASIFICABLES POR NATURALEZA, FUSIONAN GÉNEROS Y ESTILOS PARA TRANSFORMARSE EN LA BANDA DE SONIDO OBLIGATORIA DE CUANTA FIESTA SE LLEVE A CABO EN FRONTERAS ARGENTINAS Y VARIOS MILES DE KILÓMETROS MÁS A LA REDONDA. [ 20 ] • E

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[ENTREVISTA: JORGE SERRANO - LOS AUTÉNTICOS DECADENTES]

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us canciones lograron amalgamar el ABC de la música popular con la vuelta de rosca justa, con un gancho que a primera vez oídas quedan tatuadas en nuestro inconsciente colectivo. El gran responsable de esto es Jorge “perro viejo” Serrano, guitarrista, cantante, y principal compositor de esta banda del pueblo.

GN: Llama la atención el respeto que se ganaron en el ambiente cuartetero, tanto por los intérpretes como por el público, y eso que no es justamente un género tolerante para con los foráneos ¿Lo sentís así?

JS: Es un orgullo, es un ida y vuelta porque nosotros de alguna manera hicimos como un especie de crossover. No porque hagamos cuarteto, somos muy respetuosos de los géneros y no lo sabemos hacer, pero cuando intentamos hacerlo nos sale como una especie de homenaje. Y la gente entiende que es sincero y que es como un puente entre distintos estilos.

[ENTREVISTA: JORGE SERRANO - LOS AUTÉNTICOS DECADENTES]

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GN: Realmente lo de ustedes es un fenómeno único, es la marca "Decadentes" ¿no?

JS: Lo sentimos como un logro. Es algo que nace desde nuestras limitaciones al no ser músicos.

Hicimos un rejunte de cada estilo y lo tratamos de hacer como nos salía. Eso terminó en este estilo personal.

GN: Venían de la escuela del underground porteño de los ´80, del punk, del ska…

JS: Salimos del under porteño viniendo del ambiente del punk, del ska, del reggae, que era una generación de músicos no profesionales, era más eso de salir a tocar aunque no supiéra-

que logra generar una ceremonia y generar una comunión entre el público y el músico.

GN: Pero sos uno de los mejores compositores de música popular en Argentina. ¿Cuáles son los temas que más satisfacción te han dado?

JS: En un principio era el único que componía en la banda, ahora está un poco más repartido. Hay muchas canciones que la gente considera hits y que no las compuse yo, como “Los piratas”, o “El murguero”; pero es lo que más me gusta: la parte autoral. Dentro de los temas que más disfruto tocar hay algunos que no son míos, pero de los míos, de los que más orgulloso me sien-

mos tocar muy bien, lo importante era transmitir algo y fueron quedando los que tenían algo para decir. Si vos no tenés virtuosismo técnico, buscás otras formas de expresarte. De las debilidades hicimos una fortaleza. Me hubiera encantado tener la disciplina para tocar mi instrumento como un músico clásico, admiro mucho a los músicos que tocan bien. No me considero un músico que toque bien, me considero un autor, un cantante, una persona que logra expresar sus sentimientos y que logra empatía con la gente, esa es mi virtud.

to, te puedo nombrar “La guitarra”, “Loco tu forma de ser”, y “Un osito de peluche de Taiwán”, son como mis favoritos.

De alguna manera el rock siempre tuvo ese espíritu que vino después del jazz, por ejemplo, que eran músicos recontra cultivados, y Chuck Berry precisamente no era un John Coltrane, era una música más rudimentaria donde lo importante era el mensaje y la empatía con el público porque de alguna manera uno es un transmisor de emociones y un entretenedor, una persona

GN: Particularmente “La Guitarra”, que muchos que lo consideramos un himno generacional, ¿cómo te surgió?

JS: Estaba embarazada mi mujer y yo pensaba cómo iba a ser de padre; pensaba en ese conflicto generacional que me había sucedido como hijo y que ahora me iba a pasar como padre. Pensaba “si mis hijos me salen como

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Salimos del under porteño viniendo del ambiente del punk, del ska, del reggae, que era una generación de músicos no profesionales

[ENTREVISTA: JORGE SERRANO - LOS AUTÉNTICOS DECADENTES]

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yo me voy a agarrar la cabeza” (risas). Entonces le di un poquito de guión, exagerando la figura del padre porque mi viejo fue un tipo buenísimo que siempre me apoyó y nada que ver con el personaje de Nimo en el video, pero el papel requería algo así, una cosa medio grotesca.

GN: ¿Y el último y más reciente hit se puede considerar que es “No me importa el dinero”? (corte con Julieta Venegas como invitada, del disco en vivo Hecho en México).

JS: Fue espectacular, una producción enorme; llevamos 26 cámaras, faraónico realmente, y afortunadamente la cosa salió muy bien.

Serrano junto Julieta Venegas durante la filmación del video de "No me importa el dinero", uno de sus grandes éxitos extraído de Hecho en México: En vivo en el Palacio de los Deportes (2012) un CD/DVD que registra los shows del festejo de los 25 años de la banda.

En ese tema, por ejemplo, Julieta iba a venir a cantarlo en estudio y ahí íbamos a grabar, y a último momento avisó que no podía, porque no sé qué problema tenía, pero dice “pero voy seguro el sábado” (al show). Y yo decía “ay, mamita querida”, no lo habíamos ensayado ni

una vez y venía directamente al show. Vino a la prueba, lo pasamos dos veces y la tercera fue al video, sin retoques, nada, una genia, lo hizo todo bien, no se equivocó en la letra y salió todo espontáneo. Yo estaba recontra nervioso pero todo salió perfecto.

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PH: Jay Carreras

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[ENTREVISTA: TINCHO SIBOLDI - PROCESO A RICUTTI]

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[ENTREVISTA: TINCHO SIBOLDI - PROCESO A RICUTTI]

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MARTÍN BRIZIO Crítico de Música AGRADECIMIENTO ESPECIAL Vorterix Rock, FM 90.3

UNO DE LOS INTOCABLES DE LA HISTORIA DEL ROCK NACIONAL, UNA FIGURA QUE NO TAMBALEA AL LADO DE LOS PRÓCERES COMO CHARLY, SPINETTA, CERATI O PAPPO. UNO DE LOS INTEGRANTES DE ESE OLIMPO SAGRADO. ANDRÉS CALAMARO CON NUEVA BANDA Y DISCO (BOHEMIO) VISITÓ CÓRDOBA PARA DAR UNO DE LOS MEJORES SHOWS DEL AÑO. UN DÍA ANTES DE ESO, HABLAMOS CON ÉL./////////////////

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[ENTREVISTA: ANDRÉS CALAMARO]

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GN: ¿Cómo vas con la nueva banda? Estas compartiendo guitarrista (Baltasar Comotto) con un amigo tuyo como es el Indio Solari ¿Cómo la llevan?

AC: Con la banda venimos de México y estamos haciendo una gira increíble. Con Baltasar nos conocimos en los ensayos para aquellos shows del Indio en el Estado Único de La Plata. A mí me gusta mucho cómo escribe el Indio, aparte de ser una excelente persona. Nos volvimos a encontrar con Baltasar hace un año, cuando armamos esta banda, y tiene un carisma extraordinario, es muy torero en el escenario y remata las canciones como corresponde. Todos lo adoramos, es una banda donde todos son especialistas.

[ENTREVISTA: ANDRÉS CALAMARO]

GN: Vos tenés muchos formatos de shows: has hecho conciertos acústicos, otros más hiteros, otros rockeros ¿Cómo estas estructurando los shows, más allá de Bohemio?

AC: Casi todo lo que tocamos es de Los Rodríguez en adelante, cambiamos de lista en todos los conciertos y lo interesante es que me entero de lo que tengo que cantar en la prueba de sonido: nuestro pianista hace las listas. Estamos haciendo tres temas de Bohemio, incluido "Cuando no estás". Venimos metiendo mucho material de Los Rodriguez: "A los ojos", "Mi enfermedad", "Para no olvidar", y rotamos las canciones nuevas del disco.

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"La responsabilidad de tocar bien y de cantar bien es la misma para 10 canciones, para 20 o para 30”

DE SALMÓN A BOHEMIO GN: Metiéndonos en Bohemio: ¿Cómo fue grabar de nuevo con Cachorro López? (compañero desde las épocas de Los Abuelos de la Nada).

AC: Nos queremos mucho, Cachorro es muy exigente pero muy divertido; aparte tocó el bajo en casi todo el disco. Un productor tiene que tener muy en claro el disco que quiere grabar y grabarlo con mucho corazón. Hay discos que los grabé en forma muy caótica, discos como

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Honestidad brutal o El salmón, fueron grabaciones psicodélicas, interminables.

GN: Y ahora parecería que estuviste muy encorsetado. ¿Te sentiste restringido al tener que grabar sólo diez canciones?

AC: Los temas de Bohemio corresponden a mi última cosecha, además de las colgadas en Soundcloud.com. Estas son mis canciones más nuevas y sentimos que estuvimos haciendo [ENTREVISTA: ANDRÉS CALAMARO]

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un long play. Dura 40 minutos, es un disco que puede partirse en dos caras y lo hicimos a conciencia. La responsabilidad de tocar bien y de cantar bien es la misma para diez canciones, para veinte o para treinta. Si lo pensás, un disco de cuarenta o cien canciones es imposible, y la música que grabo, y no entra en el disco, es música también. Bohemio está gustando y entusiasmando a la gente. Muchos me comentan que es como una vuelta al pasado, y es algo metafísico: es imposible volver al pasado, sería como la máquina del tiempo.

GN: Con respecto al clip de "Cuando no estás", que lo dirigió Leo Damario: ¿Fue idea tuya o todo de Leo? AC: Leo es un cineasta, hablamos mucho de cine y otras cosas, y me encantan las ideas que tuvimos y que seguimos teniendo. Es interesante porque tiene condimentos biográficos pero no soy yo el protagonista sino una muchacha.

No es el típico video promocional donde se hace

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fonomímica de la canción. Además, quisimos hacer la versión femenina al Bob Dylan de "I'm not there", donde Dylan muere y lo que conocemos como Bob Dylan son seis fantasmas interpretados por seis actores, y a la versión del Dylan de "Blonde on Blonde", la hace una actriz.

Después también Leo me propuso saludar al cine erótico de Bertolucci en El último tango en París (1972). Y quisimos recordar el video clip de “Flaca”, de Diego Kaplan. Hay proporciones vaginales, un rol más uterino.

[ENTREVISTA: ANDRÉS CALAMARO]

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"Muchos me comentan que es como una vuelta al pasado, y es algo metafísico, es imposible volver al pasado" (sobre Bohemio).

2005 GN: En el 2005 reinventaste tu carrera con lo que fue El Regreso junto a Bersuit Vergarabat como tu banda de apoyo. ¿Creés que ahí se inició una nueva etapa?

AC: Ese año, adoptado por Bersuit, fue coyuntural. No son trenes que pasen muy frecuentemente en la vida, encontrarse con un grupo, porque con los chicos no éramos íntimos amigos ni nada pero ocurrió espontáneamente, ellos me recibieron en su casa y me dieron todo para volver a cantar y estuvimos un año juntos.

Comenzamos en Mendoza, estuvimos juntos el verano, cantábamos algunos temas, "Mi caramelo", "Estadio azteca", y me propusieron ser mi banda. Una idea que tuvo el pelado (Gustavo Cordera), que se despojó de su propia banda y los tipos tocaron conmigo. Es algo que siempre les voy a agradecer, escuché sonar mis canciones, retomé contacto con el público. Antes de eso, cinco años atrás, fue que conocí a los grosos del flamenco como El Cigala, escuché mucho jazz latino, venía del encierro del laboratorio musical de El Salmón, y a mitad de la década volvía a tocar después de cinco años.

[ENTREVISTA: ANDRÉS CALAMARO]

Después de eso costó armar una banda independiente. Al año siguiente nos reunimos con Ariel (Roth) y también estuve un mes cantando las canciones de El Cantante y Tinta Roja, con "El niño" Josele y otro de los músicos de Paco de Lucía. Grabamos un disco con Lito Nebbia, toqué con Fito & Fitipaldis (una celebridad rockera en España) y armamos un show impresionante de cuatro horas. Eso, y ya en 2008 armé mi propia banda.

GN: Y después de todo lo que contás, ¿Cómo administrás tus sentimientos entre Argentina y España?

AC: A mí me encanta Madrid, Barcelona, Bilbao, San Sebastián; me gustan las cosas buenas de España, y hay flamenco y corridas de toros que me encantan. Es más que tradición, es enciclopédico; hay mucho que aprender, un músico de rock frente al flamenco y a la tauromaquia tiene mucho que aprender, es como descubrir la astronomía. De hecho, lo que más lamento de no estar en España es no ver las corridas y no escuchar flamenco. Y Argentina es mi casa.

Estoy acá.

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PH: Diego Ciccarelli

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YO VI ANDRÉS CALAMARO EN ORFEO

CUANDO LA CANCIÓN EMBISTE

“

Vamos a acompañar esta canción con imágenes; todos en calma vamos a disfrutar sin sangre… sólo de la belleza”. Ese fue el preámbulo que precedió a “Días distintos”.

A esa altura (mitad del concierto), Orfeo ya parecía una plaza de toros, con un público manso e hipnotizado, rendido a los pies del torero.

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CARLOS RIVAROLA Director Artístico 95.5 Rock & Pop / 90.3 Vorterix

Liberado de ese velo amarillento que lo alejó de la música, Andrés Calamaro vino a Córdoba para presentar oficialmente Bohemio, el disco que lo devolvió a los escenarios tras un breve retiro en el que intentó conquistar nuevos territorios para el amor camuflado como sapo de otro pozo.

Y fuimos unos cuantos miles los testigos de otra prueba superada por el Salmón.

[YO VI: ANDRÉS CALAMARO EN ORFEO]

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Habían dado las diez cuando arrancó con “Loco”, erguido y con la frente bien alta, exhibiendo con orgullo su desaliñado estilo rockero y apoyado en una banda a la que no le cabe otro apelativo más que el de “tremenda”.

Echando mano a una lista de canciones repleta de sorpresas y vacía de golpes bajos, durante casi dos horas, Andrés se dedicó a hacer lo que mejor le sale: emocionar.

En formato de pequeños homenajes a las distintas etapas de su carrera, aquella noche tubo buenas dosis de Los Rodríguez (con “Canal 69”, “Para no olvidar”, Sin documentos” y “Todavía una canción de amor”), de reversiones de artistas fundamentales en su formación como los Rolling Stones, Curtis Mayfield o James Brown, de recuerdos para los amigos que se fueron (Pappo, Spinetta, Miguel Abuelo, Adrián Otero, Julián Infante, Rodrigo, Goyeneche, Piazzolla y Luca), y también un recorrido certero en el que se destacaron “Me arde”, “Te quiero igual”, “Tuyo siempre”, “Estadio azteca”, “Flaca” y “Paloma”, entre muchas otras glorias de sus anteriores trabajos solistas.

Sólo tres muestras de su flamante disco (“Rehenes”, “Tantas veces” y el “Cuando no estás”), dejaron en claro que el estreno de [YO VI: ANDRÉS CALAMARO EN ORFEO]

Bohemio era sólo una excusa para el reencuentro con sus fieles.

Un párrafo aparte se merecen el exquisito funk con el que presentó a los músicos (Sergio Verdinelli en batería, Mariano Domínguez en bajo, German Wiederner en teclados y Julián Kanevsky en guitarra) y el cierre con “De música ligera” de Soda Stereo, con un potente solo a cargo del fundamentalista Baltasar Comotto, la otra guitarra con la que se completa la banda.

De regreso, pero afortunadamente no de vuelta, el gran torero del rock argentino salió al ruedo cordobés dispuesto a desafiar a los fantasmas del tiempo.

Unos cuantos dimos fe que la magia sigue intacta.

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CRÍTICA

Para analizar la obra de un artista consagrado sin caer en el facilismo de sentenciar que todo lo último es casi igual a lo anterior, será mejor también analizar sus circunstancias.

CARLOS RIVAROLA Director Artístico 95.5 Rock & Pop / 90.3 Vorterix

ohemio quizás no sea la obra cumbre de Andrés Calamaro si la comparamos con picos altos de su carrera como Alta suciedad u Honestidad brutal, pero si lo ubicamos dentro de esa especie de segunda etapa solista que empieza con el álbum El regreso (después del exilio y las drogas duras), quizás estemos en presencia de un más que digno trabajo, superior incluso a La lengua popular.

nariz y garganta) y de “Nacimos para correr” (Sé que estoy en el medio de ningún lugar, que todavía tengo mucho que perder. Y vivir ya no va a ser tan fácil, porque nacimos para correr) quizás se resuman esas huellas que nos lleven hasta el viejo Andrés, ese que siempre esperamos encontrarnos.

Los condimentos que precedieron a la creación de este disco (la relación con Micaela Breque, su aparición fantasma en el programa de Tinelli y su incontinencia virtual) hicieron prever lo peor. Pero contra la mayoría de los pronósticos, Andrés se formateó como músico, armó una banda de la hostia y logró facturar un disco de bellas (aunque, okey, previsibles) canciones.

“Dentro de una canción”, “Bohemio” y “Tantas veces” se suman al haber de una obra que nos devuelve a un artista íntegro y visceral, del que siempre se espera un poco más, y al que nunca se le perdona un poco menos.

B

Entre los versos de “Plástico fino” (Buen día problemas que me van a separar del mundo, buen día extraños asuntos de

Bohemio (2013), Andrés Calamaro Warner Music Spain

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[CRÍTICA: BOHEMIO/ANDRÉS CALAMARO]

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[ESCUCHÁ: BE/BEADY EYE]

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AUNQUE YA DESDE SU ETAPA INICIÁTICA CON FRICCIÓN SE CARACTERIZÓ POR SER UN TIPO MUY INQUIETO, FUE RECIÉN MUCHOS AÑOS DESPUÉS -CUANDO SE DECIDIÓ A ENCARAR SU CARRERA SOLISTA- QUE RICHARD COLEMAN SE CONVIRTIÓ EN UN ARTISTA PROLÍFICO. uego de mucho batallar al frente de los 7 Delfines, y como guitarrista estrella de Gustavo Cerati, Richard se dio el gusto de exorcizar todos sus fantasmas personales en Siberia Country Club, de cumplir cada uno de sus caprichos musicales con A Song is a Song, y ahora, a menos de dos años de su debut en solitario, edita su tercer álbum casi al hilo.

L

Sin llegar a ser un álbum conceptual, en Incandescente, Coleman logra facturarle al mundo otro puñado de bellas canciones plagadas de climas diversos pero donde siempre se termina imponiendo la penumbra sobre la claridad.

Desde el tema homónimo que abre el disco

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hasta el epílogo con “A ciegas”, una vez más todas esas huellas musicales que develan su tranco de crooner, más toda la poesía maldita desparramada en cada historia narrada por su voz inconfundible, confirman un presente lo suficientemente inspirado como para transformar en mágico lo predecible.

Producido por Alejandro Vázquez, Incandescente no sólo cuenta con el plus de una cada vez más ajustada banda de apoyo liderada por el guitarrista Gonzalo Córdoba, sino además con invitados como Alejandro Lerner, que se luce con su Hammond en “Caja de fotos”, y Skay Beillinson que desparrama su guitarra encantadora por “Corre la voz”, poniéndole la cereza a una obra que, si sos del palo del rock, no te deberías privar de disfrutar. Te lo recomiendo.

[ESCUCHÁ: INCENDESCENTE/RICHARD COLEMAN]

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“En eso se fue convirtiendo mi pretencioso proyecto, la idea original; componer una docena de canciones simples sin computadora; no lo logré, pero intentándolo hice una cantidad de canciones que reflejan, sin ser explícito, lo difícil que es negar el “sistema” en el cual se desarrollan nuestras vidas, y lo enamorado que se puede vivir igual. Espero que les guste”.

[ESCUCHÁ: INCENDESCENTE/RICHARD COLEMAN]

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PH: Diego Ciccarelli

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CHICAS, ARMAS Y UN PAR DE TIPS

P

asé de preguntarme “¿Qué le ven a Sandra Bullock de especial, si tiene cara de nada?” a gritar “¿Por qué la gente no se rinde ante esta película con Sandra Bullock?”. No, no es bipolaridad, más bien creo que es el paso del tiempo, o eso que pasa mientras vivimos, que nos va haciendo comprender algunas cosas. Y ella, tan carismática, tan graciosa, tan con su cara de nada al servicio de un humor inteligente y sagaz. ¿Qué decir de “la gorda Hollywood del momento”? Melissa McCarthy, siempre al pie de papeles grotescos, salvo cuando es Paul Feig quien la dirige.

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Chicas armadas y peligrosas, una traducción vomitiva, los afiches publicitarios ni te cuento; la Bullock y la Mc Carthy en ángulo de 45° cargando un par de armas más grandes que sus propios cuerpos. ¿Qué se puede pensar de ese shock del mal gusto? Sí, eso, que vamos a ser víctimas de otra comedia yanqui boba y escatológica. Lo cierto es que no es así, se trata de la unión de dos potencias (literalmente) con dos formas diametralmente opuestas de llevar adelante el uniforme. Sandra Bullock es la agente Ashburn: prolija, meticulosa, ultra inteligente pero incapaz emocionalmente de generar vínculos (no te digo normales, pero si parecidos a eso).

Melissa Mc Carthy es Shannon Mullins: arrogante, instintiva, amante de su comunidad, su fami[MIRÁ: CHICAS ARMADAS Y PELIGROSAS (2013)]

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my Melissa McCarthy viene de ganar un Gram y Moll & Mike e seri la en a por romperl de (Warner) y de ganar un Oscar por La Boda . nada mi mejor Amiga. Casi

lia y daría la vida por defender sus pertenencias.

Una persigue un ascenso, la otra erradicar el crimen de su barrio. Ambas comprometidas a full con la fuerza policial. Y allí es donde todo está armado para el chiste fácil: dos mujeres, una gorda, la otra neurótica, un espacio plagado de cuerpos masculinos, el mundo del hampa, el machismo y un sinfín de etcéteras.

La película pareciera hacernos todo el tiempo un “oooooooooooso”, por ahí no va, y se despacha con sutilezas tales como “el problema no es la misoginia, eso ya es demodé, el problema que tienen ustedes, ciertos hombres, es la falta de inteligencia”. No te digo que es una obra maestra, pero que la vas a pasar bien, te lo firmo acá abajo.

[MIRÁ: CHICAS ARMADAS Y PELIGROSAS (2013)]

momen000) está en su mejor La ex Miss Simpatía (2Gravedad (2013), película que, to y lo demuestra en ía el Oscar a Mejor Actriz. aseguran, le valdr

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Séptimo, la segunda película dirigida y el cuarto guión escrito por el catalán Patxi Amezcua.

MARCELLA MAUGUERI Prensa de espectáculos

JUEGOS PELIGROSOS Podríamos hablar de un joven artista y que Séptimo fue un ensayo sobre una película que va a venir, pero no. Es una película terminada, distribuida y protagonizada por uno de los actores más cotizados, símbolo de taquilla: Ricardo Darín.

U

n padre y sus dos hijos juegan una carrera. El padre baja por el ascensor, los niños lo hacen por la escalera. El padre llega, los niños no. ¿Dónde están? ¿Qué pasó? Sobre esta situación ronda toda la película. Un edificio que se impone como un protagonista más, un padre desesperado, una madre demasiado tranquila y un desfile de personajes secundarios le dan forma a este conflicto.

Ante un comienzo encantador, y que rápidamente se vuelve dramático, es muy difícil sostener el suspenso y la tensión a lo largo de todo el film; hay respiraciones necesarias pero que no se justifican desde el relato y esta falta de ritmo deviene en aburrimiento. Ante la peor pesadilla de cualquier padre de perder de vista a sus hijos se fundamenta este thriller argentino-español que intenta

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(sólo intenta) mantener la tensión de sus espectadores.

Título: Séptimo Género: Thriller Director: Patxi Amezcua Intérpretes: Ricardo Darín, Belén Rueda, Jorge D’elia, Luis Ziembrowski Duración: 88 min.

Origen: Argentina-España Año: 2013

Darín, cual guerrero, defiende y sostiene desde su protagónico esta película que se desvanece por muchos flancos.

Una actuación que se impone ante la carencia de otros recursos en la historia. Un desenlace con un giro inesperado hace de ese final un motivo de intercambio de pareceres a la salida de la sala.

Muchos elementos inverosímiles en la historia, varios huecos en el guión, un protagónico absoluto y los grandes secundarios de la mano de Osvalo Santoro, Luis Ziembrowski y Jorge D´elia, hacen de esta película una excusa para pasar una hora y media sin mucho para recordar y bastante para discutir.

[CINE: SÉPTIMO/2013]

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ELISA GAGLIANO D

e bisabuelo italiano y ojo de vidrio. De bisabuela santafecina sin piernas. De abuelo aviador y doctor. De abuela judía convertida. De nono ingeniero y poeta. De nona abogada y nómade. De padre médico y agropecuario (de juguete). De madre geógrafa y bailarina. De hermano mayor que dibuja cucos hasta en la sopa. De hermana silenciosa que recuerda cada cosa de este mundo. De ahí.

Soy Elisa Gagliano.

Crecí en una mini granja en Villa Allende.

Andaba a caballo, jugaba con vacas, vendía choclos. Jugar a la farmacéutica era lo preferido para mí, por los frasquitos. Tengo un fetiche con lo pequeño. Mi casa se situaba a extraños cuarenta minutos del epicentro de la ciudad de Córdoba. Hay algo ahí, no sé qué es.

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Hay algo en esa distancia absurda entre ordeñar una vaca y el Patio Olmos en el mismo día que me hace ser no sé qué.

Teatro desde siempre, hasta terminar la carrera en la Universidad Nacional de Córdoba.

Estudié historia también. Fui a un colegio semipúblico y laico. Era horrible, pero era semipúblico y laico. Dos grandes ventajas.

Como actriz trabajé en cine, teatro (actuando y dirigiendo), y en tevé. También escribo poemas, cuentos, ensayos, editoriales para la radio, cartas, rutinas cómicas, guiones. Me gusta. Monas Petit Hotel es nuestro programa de radio. Es nuestro patio. Nuestra radio pelopincho.

Un día empecé escribir para hacerme reír.

Después me animé a interpretar esos textos; para probar. Allí comenzó esto de hacer Stand Up y posteriormente de dar clases de Stand Up. Estoy obnubilada. Es adictivo estar ahí arriba. Dar clases también. Que la gente aprenda a reírse de sí misma.

Stand Up significa “pararse”. El que se para es alguien que deja de estar sentado (todo un gesto, ¿no?). El que deja de estar sentado es un disidente. En Estados Unidos el stand up surge y perdura como un género contracultural. Nos podrán sacar todo, pero tengo mi cabeza, mi palabra y un micrófono. Me gustaría que lo entendiéramos de esta forma (vaya capricho).

Si vas a decir algo, que no sean palabras sin punta. Que sean balas y después la risa.

Siempre la risa.

[HI!: ELISA GAGLIANO]

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[CINE: BLUE JASMINE]

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[35MM: LOS AMANTES PASAJEROS]

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[35MM: LOS AMANTES PASAJEROS]

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CELINA LÓPEZ SECO Crítica de Cine

GRAVEDAD ALFONSO CUARON (EE.UU, 2013) BLUE JASMINE WOODY ALLEN (EE.UU, 2013)

UN 2X1 AL PLACER E

s extraño encontrarse en una misma semana con dos estrenos cinematográficos que reverencien el cine. Que lo honren y hablen su idioma de manera libre y singular. Uno acostumbra a recibir lo que llega a las salas comerciales de la mano de distribuidores más adeptos a los números y esquemas de recepción, que de programadores apasiona-

dos por el séptimo arte.

Casi como un ritual voy haciendo oídos sordos a lo que vendrá, a los trailers, a los avances publicitarios de los noticieros o los diarios de ocasión.

Y aunque cada día es más difícil mantenerse al margen de la vorágine informativa, intento seguir yendo al cine sin fanatizarme demasiado sobre lo que sucede alrededor de la película en cuestión.

De Gravedad leí al pasar declaraciones de Sandra Bullock donde decía que “estaba en el mejor momento de su carrera” y yo la acababa de ver en Chicas armadas y peligrosas compartiendo cartel con Melissa McCarthy (relato descomunal con destino trágico incorporado). Una comedia inscripta en la tradición del Saturday Night Live, dirigida por Paul Feig (Damas en guerra), de trama ligera, hiper inteligente, que por suerte le da una vuelta de tuerca hermosa y lúcida al feminismo y termina siendo más eficaz en la ironía que miles de tratados anti-machistas. En fin, me dije sonriendo: “mira vos la Bullock, que año tan prolífico”... Hasta que vi Gravedad y ya nada volvió a ser lo mismo.

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[EN35MM: GRAVITY+BLUE JASMINE]

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somos homo sapiens: la postura vertical. Es un riesgo narrativo y estético llevado hasta el extremo más profundo que termina convirtiendo la película en una toma de postura filosófica casi como si de un juego se tratara.

Título: Gravity Género: Thriller Director: Alfonso Cuaron Intérpretes: Sandra Bullock, George Clooney y Ed Harris Duración: 91 min.

Origen: Estados Unidos Año: 2013

Una película sin eje, una película en el espacio La Dra. Stone (Sandra) en su primera misión y el astronauta Kowalsky (Clooney) en su último viaje, deberán encontrar el modo de regresar a la tierra luego de que un desperfecto técnico, producto del azar y otras intervenciones humanas, destroce la nave en la que viajaban.

En las casi dos horas que dura la película veremos a los personajes gravitar por el espacio, manipular el entorno desprovisto de aquello que nos define como seres humanos desde que [35MM: GRAVITY+BLUE JASMINE]

Desde ciertas corrientes de pensamiento, coinciden en que una de las características más importantes de la modernidad es justamente la ausencia del eje vertical; la falta de una división tajante entre derecha e izquierda, arriba y abajo.

Deleuze en su libro Cine II, los signos del movimiento y el tiempo, lo menciona cuando habla de la danza, de ciertos deportes, de la pintura, y lo profundiza cuando menciona el estado gaseoso de algunos planos cinematográficos. Dice algo así como que el estado natural de nuestra percepción es el estado sólido pero que de acuerdo a ciertas variables, como un calentamiento por ejemplo, ciertas imágenes se tornan líquidas o gaseosas, esto entendido en los parámetros del movimiento y sus velocidades.

Gravedad es una película, todo el tiempo, en estado gaseoso. Una apuesta al movimiento no signado por las coordenadas que comúnmente lo determinan. Gravedad es una apuesta por lo nuevo, por un pensamiento nuevo. Los ítems narrativos son clásicos, se presenta la situación, se describen los personajes, se los pone en relación y a partir de allí, ellos perseguirán un objetivo final. Sin embargo, la presencia del entorno es tan crucial que el verdadero protagonismo del filme se debate entre el “yo” de los humanos y la inmensidad del espacio, transformando así el dictamen antropocéntrico de las ciencias sociales, donde por supuesto se incluyen las teorías cinematográficas.

Gravedad es una bomba de orfebrería, una lúdica concepción cinematográfica que homenajea a grandes películas que supieron poner en tensión la relación del hombre y el universo. Pero también propone una refundación humilde de esa humanidad descreída y apocalíptica en la que nos vamos transformando. Sandra Bullock es Ray -extraño nombre para una mujer- quien llevará adelante con gesto sólido las desavenencias de una existencia a tono con los misterios de un universo que no se cansa de repetirnos que somos sólo eso: una fuerza material en estado de lucha permanente.

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Ya me daba por satisfecha. Feliz. Semana cubierta.

Ver Blue Jasmine de Woddy Allen se transformaba en un trámite, había un placer de espectador que estaba resuelto.

Y sin embargo.

Cate Blanchet es la heroína más tristemente conmovedora de los últimos tiempos. Con el rostro agrietado, no por los años sino por la tristeza de no pertenecer más a ese lugar que le dio amparo y razón de ser, ese espacio sagrado que nos hace creer que somos lo que tenemos.

Woody Allen, el eterno creador de situaciones, de mujeres bien vestidas y rubias sensuales, esta vez se lanzó con una críti-

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Título: Blue Jasmine Género: Comedia/Drama Director: Woody Allen Intérpretes: Cate Blanchett, Alec Baldwin y Peter Sarsgaard Duración: 98 min.

Origen: Estados Unidos Año: 2013

ca social a su pesar. Si bien describiendo las relaciones sociales, deseos reprimidos, disrupciones temperamentales Woody siempre fue brillante, en Blue Jasmine hay algo en el modo de mostrar el descenso de una señora bien, tan intensamente íntimo que da miedo. Es como si Allen hubiera concentrado el oficio y la intuición con el mejor y más expresivo primer plano de Cate Blanchet logrando una de sus películas más desgarradoramente universales.

Blue Jasmine es triste, arrojada, irónica y cruel.

Y nosotros, de este lado, viendo Blue Jasmine, viendo Gravedad, volvemos a creer que no siempre todo está perdido.

[EN35MM: GRAVITY+BLUE JASMINE]

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[JBG: VANGUARDIA GASTRONÓMICA]

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BLUE JASMINE · WOODY ALLEN

HABLEMOS MÁS J

asmine (Cate Blanchett) parece haber tenido una vida completamente aterciopelada tras las delicadas manos de su marido, quien la supo rodear de riquezas incuestionables, eventos sociales encantadores y un hijo.

Interpretado por Alec Baldwin, su marido parece ser la raíz de todos sus males presentes. Jasmin vive un ahora desbastador, ha perdido todo: sus posesiones, su amor y su hijo.

MARCELLA MAUGUERI Prensa de espectáculos

BLUE JASMINE ES EL NOMBRE DE LA PELÍCULA NÚMERO 48 DEL PROLÍFICO DIRECTOR NEOYORKINO WOODY ALLEN, QUIÉN LUEGO DE DAR UN GRAN VIAJE IMPRIMIENDO CELULOIDE POR EUROPA REGRESA A ESTADOS UNIDOS PARA MOSTRARNOS UN AGUDO DRAMA SIN DEJAR DE USAR, POR SUPUESTO, SU HUMOR CRUEL Y SARCÁSTICO.

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Ella vive adolesciendo lo que tuvo y, entre tanta depresión y pánico por este presente que la atormenta, regresa con su única familia: su hermana adoptiva. Intenta recuperarse a tientas, tanto como el alcohol y los tranquilizantes la dejen.

[CINE: BLUE JASMINE]

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Woody Allen critica a la alta sociedad compuesta por oportunistas e hipócritas que hicieron su fortuna de manera no muy le(g)al.

En Jasmine está puesto todo el foco de la película, el peso específico de la hora y media que dura. Todo pasa por ella, un personaje construido por un gran realizador y guionista que conoce muy bien el universo femenino y una actriz que supo encarnar en su piel y en sus huesos a una depresiva, patética y derrotada mujer.

Siempre se siente desubicada, al borde del desequilibrio. La locura la acecha, la limita y la presiona; la locura parece estar con ella y ella sólo parece estar acompañada por la locura.

El arte y la fotografía de la obra supieron acompañar cada cuadro, cada escena, para mostrar lo brillante burguesa que supo ser, y la pálida, gris y enfermiza que hoy es.

Un personaje al borde del colapso que nos hace reflexionar sobre las personas que fundan y justifican su vida por lo que tienen, por lo que poseen, sin cultivar su alma, su intelecto, su personalidad. Un personaje que nos hace pensar en aquellos que quedan desnudos al mundo e indefensos cuando han perdido su vestido más caro. Una historia que nos acerca a aquellos que se paralizan sin saber qué hacer porque ya no tienen su súper auto, y quedan descorazonados cuando no tienen el amor perfecto.

Cuando todo parece admirable, cuando todo parece estar sobre terciopelo azul, el desamor y el despecho lo pueden todo, y lo transforman en una rugosa e incolora realidad.

[CINE: BLUE JASMINE]

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JUAN SIENRA Cheff ejecutivo - JBG

DURANTE TODO EL AÑO HEMOS VENIDO SUGIRÍENDOTE PLATOS EXCLUSIVOS Y PLATOS DE DISEÑO AL TIEMPO QUE TE DÁBAMOS ALGUNOS TIPS Y TE CONTÁBAMOS UN POCO DE SU HISTORIA, DE CÓMO LOS PREPARAMOS AQUÍ, EN JOHNNY B. GOOD.

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n este número de The Good News te contamos que, como cada año, estamos preparando la gran cena de Año Nuevo en donde, además ofrecerte el mejor servicio y ambientación, tendremos unas propuestas de menú imperdibles para toda la familia que incluyen bebida, mesa dulce y el brindis, para que el 2014 arranque con todo!

RECEPCIÓN Aperitivos y brusccetas (mouse de salmón, tapenade, escabeches) ENTRADA PRINCIPAL POSTRE OPCIÓN 1 Ensaladita Capresse (Rodajas de bococcinis de búfala en texturas de tomates, aceite de albahaca, reducción de aceto coronado con rúcula y aceite extra vírgen).

OPCIÓN 1 Pechuguitas de pollo en croûte de frutos secos, aceite de paprika, verduras al dente con crema de jamón crudo, puré de calabaza especiado y queso gruyere.

OPCIÓN 2 Cubos de salmón confitados en aceite perfumado con coliandro, eneldo, pimientas, cascaritas de limón y naranja, sobre colchón de verdes, naranjas, limones, pomelos a vivo, queso camembert y vinagreta de maracuyá.

OPCIÓN 2 Tournedos de lomo sobre polvo de 3 pimientas en reducción de Malamado malbec y ciruelas acompañado de ensalada de papines andinos, rúcula, alcaparras, tomatitos cherrys, crema agria y vegetales grillados.

MENÚ INFANTIL ENTRADA: Nachos con quesos PRINCIPAL Opción 1: Hamburguesas con queso cheddar y papas fritas.

Opcion 2: Mostacholes con salsa crema gratinados.

POSTRE: Bocha de helado con topping de confites.

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OPCIÓN 1 Macedonia de frutas frescas, sorbete de limón, sabayón al champagne y crocante.

OPCIÓN 2 Copa de helado de chocolate, mouse de limón, pastelera de mango, frambuesas, frescas, granita de naranja y crocante de cacao.

BEBIDAS Gaseosas línea Coca Cola, agua mineral con o sin gas Villavicencio.

Varietales de vinos Terrazas de Los Andes.

Brindis con Chandon 187.

+ MESA DULCE [JBG: CENA DE AÑO NUEVO]

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LA PASIÓN POR EL BAR El origen de la palabra cocktail GUSTAVO BRIZUELA Bartender ejecutivo - JBG

NADIE SABE CON CERTEZA CUÁL ES EL ORIGEN DE LA PALABRA CÓCTEL, AUNQUE MUCHOS TIENEN SU PROPIA TEORÍA.

U

na de ellas asegura que el nombre proviene de una bebida llamada "coquetel" que se servía a los oficiales franceses en los estados del sur durante la guerra por la independencia de los Estados Unidos (1775/83).

CÓCTEL RECOMENDANDO

TASTY APRICOT • Gin Beefeater • Apricot Brandy • Shweppes Tónica • Syrup de jengibre

Otra teoría postula que el "cocktail" surgió como resultado de la Ley Seca norteamericana, pero sabemos que esto no es exacto ya que los cócteles se mencionaron por primera vez en 1806.

Los británicos afirman que el origen procede de la forma en que llamaban al fondo de los barriles que contenían bebidas alcohólicas, denominando "cock-tailing" (cola de gallo).

Otra versión (mi favorita) es que fueron inventados por una taberna americana de origen irlandés, Betsy Flanagan, que un día decidió decorar sus bebidas con plumas de gallos de pelea alegremente pintadas. Al parecer un cliente francés le gustó tanto la idea que alzó un vaso brindó mientras pronunciaba "Vive le coq tail".

Probalo en JBG. Todos los días de 19 a 21 hs. en nuestro Happy Hour.

Sea cuál fuere la verdadera, el cóctel alcanzó su esplendor durante la década del ‘20, en plena época de la Ley Seca, cuyo inicio marcó el comienzo de la prohibición absoluta de vender bebidas alcohólicas en los EE.UU.

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[JBG: LA PASIÓN POR EL BAR]

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COPA PERSONAL

UNA DESPEDIDA INOLVIDABLE PARA EL REY DAVID FRENTE AL # 1 DEL MUNDO, RAFAEL NADAL.

CON UN DOBLES HISTÓRICO QUE UNIÓ A RAFAEL NADAL Y NOVAK DJOKOVIC, Y LA DEFINICIÓN DE LA COPA PERSONAL FRENTE AL ESPAÑOL, DAVID NALBANDIAN SE DESPIDIÓ DEL TENIS PROFESIONAL LUEGO DE DOS DESAFÍOS EN CÓRDOBA Y BUENOS AIRES TRAS TRECE AÑOS DE CARRERA.

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n dos partidos que quedarán en la historia del tenis argentino, David Nalbandian se despidió del tenis frente a más de 25 mil personas que disfrutaron del mejor tenis del

mundo.

Tras los partidos, David expresó su agradecimiento: “Para mí es un día sumamente importante, [...] Lo mejor que le puede pasar a un tenista es sentir el aliento de la gente por lo que quiero agradecerles por el apoyo de siempre.

También quiero agradecerles a Rafa, Novak y Pico por compartir este momento conmigo. Sus calendarios son muy complicados y tener al #1 y #2 del mundo en mi despedida es un honor”.

Rafa Nadal tuvo palabras muy emotivas para con

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Nalbandian: “Le deseo lo mejor en lo que viene, su retiro es una gran pérdida para el tenis argentino”. Y se refirió a la despedida en Argentina: “Jugar frente al que sin dudas es el mejor público del mundo es una alegría inmensa, es algo que no voy a olvidar jamás”.

Por su parte Novak Djokovic expresó: “es un gran placer estar por primera vez en Argentina en el último partido de David. Cuando inicié mi carrera, David formaba parte del Top 10 y siempre fue muy bueno conmigo.” Frente a la ovación del público afirmó que “si siguen cantando así, no me voy a ir nunca de la Argentina”.

[PUBLINOTA: COPA PERSONAL]

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