The Good News No 66

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CHUCK BERRY 1926-2017

Una oldie que nunca dejará de sonar

l

a noticia llegó cuando esta edición de The Good News estaba a punto de entrar a imprenta: el padre de Johnny B Goode había muerto a los 90 años. Teníamos que hacer algunos cambios de último momento, porque el inspirador del nombre de esta cadena de restobares merecía nuestro homenaje. Que una de sus canciones se vuelva sinónimo de bar temático de rock en varias ciudades es una de las miles de resonancias culturales que tuvo el enorme Chuck Berry y no podíamos dejarlo pasar.

En un texto que publicó en su sitio oficial, Paul McCartney lo calificó como una de las grandes leyendas del rock and roll.

Sabía de lo que hablaba: para la época en la que los Beatles se formaron, a comienzos de la década de 1960, Berry ya era famoso por sus canciones, hechas de endemoniados riff de guitarra y letras sobre historias de gente común, que marcaron a fuego a la primera generación de aficionados al rock. Los Fab Four, de hecho, aprendieron el oficio tocando sus canciones, al igual que los Stones (la primera canción que los Beatles tocaron en vivo fue Roll Over Beethoven).

Si Elvis fue la primera estrella, el que con su aspecto y su manera de cantar sedujo a los adolescentes del mundo, Chuck Berry fue quien le dio al género sus cualidades artísticas: la guitarra eléctrica

en primer plano, letras pícaras y un ritmo que haría escuela, al acelerar el blues y dotar de mayor textura al country. Fue el género que marcó la segunda mitad del siglo XX, la que le dijo a los jóvenes que tenían una música para ellos, la que los diferenciaría de los adultos. El resto, como se dice, es historia. Y por fortuna, está bien documentada.

Puede parecer irónico que una revista llamada The Good News le dedique la tapa a una ausencia. Pero no es su muerte lo que se homenajea, sino su enorme legado: las canciones de Chuck Berry todavía están ahí, listas para volver a ellas o ser descubiertas por cualquiera, más al alcance que nunca.

Puede ser una lección de padres a hijos, al revés de lo que ocurrió cuando Marty McFly les interpretó a sus viejos una oldie que va a sonar hasta el fin de los tiempos.

Hasta siempre, Chuck. Y podés descansar en paz: Johnny nunca dejará de tocar la guitarra.

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Inside 06 | El Futuro es wireless

36 | Gorillaz: Vienen por más

Todo lo que hay saber del iPhone 7.

“Humanz” es sólo una parte del regreso.

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12 | Flash Cortas y al pie.

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Dirección General Freddy Morozovsky Andrés Rodríguez Dirección Editorial José Heinz Columnistas Dirty Ortíz Celina Morgan Martín Brizio Manuela del Sol Ghitta Martín Seisdedos Colaboración Especial Romina Viola Sofía Ferrero

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Entrevista

Lee Oskar

Cuando la armónica toma vida.

40 | Escuchá frank ocean Blonde, 2016.

46 | vintage Trouble Quizás el rock n’ roll no este muerto.

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50 | vidas instagram Celebrities viviendo en modo selfie.

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Marketing Luis María Aghem Lorena Savkiv Diseño Martín Seisdedos Distribución Johnny B. Good www.jbgood.com Comercial Av. Rafael Núñez 4790 Córdoba · ARG [+54 351] 4829415

56 | Mirá el ciudadano ilustre Mariano Cohn y Gastón Duprat, 2016.

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Entrevista

JOhn lydon Nunca hay que rendirse.

32 | zayn malik Creer o reventar.

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78 | martín piyoransky Antihéroe y galán.

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82 | Escuadrón suicida Por qué verla sabiendo que es mala.

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90 | La mujer en el cine arg...

Una potencia cinematográfica.

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90 | Imaginación y creatividad JBG Otra vez entre los mejores del país y Latinoamérica.

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No te pierdas de nada!

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La gran novedad de Apple en 2016 fue el esperado iPhone 7. ¿Vale la pena adquirirlo o es más de lo mismo?

ROMINA VIOLA Columnista Especial

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E

l keynote de Apple.

Evento trascendente para nerds y aficionados a la tecnología de todo el mundo. Como cada septiembre desde el año 2012, el mundo pone su mirada en el anuncio que viene desde Silicon Valley. ¿Qué hay de nuevo, qué cambió y cuáles fueron las repercusiones del lanzamiento del esperado iPhone 7?

No es ninguna sorpresa: Apple es la marca que con sus avances y cambios define el curso del futuro de los dispositivos personales. Es por esto que la gente espera con ansia los nuevos anuncios, aun cuando no planea comprar los productos de la manzana mordida.

¡Mirá mamá! Sin cables Hacía meses que los rumores lo anunciaban: el iPhone 7 no tiene Jack 3.5, la entrada para los conectores de audio clásicos. A partir de ahora, la conectividad se lleva a cabo vía bluetooth o mediante un adaptador que incluye cada teléfono. Este cambio ocupó titulares en todo el mundo, pero no es una sorpresa para los adeptos a la tecnología. Después de todo, Apple tiene fama de matar componentes electrónicos que antes parecían esenciales, como el reproductor de CD en las laptops o los botones externos en los teléfonos.

Los nuevos auriculares (o AirPods) tienen un diseño minimalista y una serie de comandos a distancia que permiten, por ejemplo, acceder a Siri tan solo tocando el auricular. Sin cables, su carga dura aproximadamente 5 horas y tienen sensores que controlan la música con el movimiento. Es algo que modelos como el Parrot Zik o el Bose QC 35 ya habían explorado, pero ninguna de estas marcas tiene el logo de la manzana detrás.

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lo esencial Aunque la mayoría de los cambios se dieron bajo la superficie, también hay novedades en el exterior de los dispositivos.

Así como el año pasado todo el mundo esperaba con ansias el color “Rose Gold”, este año la novedad pasó por otro tono: la figurita difícil es el “Jet Black”: un acabado brillante que se ve excelente... sólo en teoría. Con el contacto diario, la suciedad y grasitud de la mano humana hacen que se vea terrible: es un imán de huellas dactilares. Muchos ya se arrepienten de haber esperado este modelo con ansias, ya que sólo puede usarse con una funda que oculta la novedad.

Otro de los grandes cambios que saltan a la vista es la ausencia del botón de Home. Esto tiene una explicación sencilla: el nuevo iPhone 7 es, finalmente, resistente al agua. Si bien esto no significa que es completamente impermeable, a partir de este modelo es más probable que el teléfono sobreviva a un chapuzón accidental en un inodoro o una piscina. Según sus creadores, puede estar hasta 30 minutos sumergido en casi un metro de agua. Aún así, se recomienda que luego de mojarse, se lo seque bien antes de cargarlo.

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El acabado “Jet Black” se ve excelente pero con el contacto diario, la suciedad y grasitud se vuelve un imán de huellas dactilares.

Finalmente, el cambio que inclina la balanza: la cámara de fotos. No sólo incluye un nuevo estabilizador de imágenes para fotos más nítidas, aun en la oscuridad. Además, el iPhone 7 tiene 4 flashes en lugar de 2, y el modelo Plus tiene cámara dual para tomas increíbles en primer plano y haciendo zoom.

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dudar es humano Y no sólo hablamos de lentes y estabilizadores: el nuevo y más poderoso procesador A10 incluye un software de imágenes que llevará tus tomas al siguiente nivel. Junto a una batería de mayor capacidad, el procesador se convierte en la joya de la corona del nuevo iPhone 7.

Pero aun luego de nombrar todas las mejoras que tiene el último modelo del iPhone 7, cuesta concluir en si la compra vale la pena o no. Según los medios que cubrieron el evento o probaron el teléfono antes de su lanzamiecnto, el cambio sólo rinde si vas a pasar de un iPhone 5S o inferior al 7.

Junto a una batería de mayor capacidad, el nuevo procesador A10 se convierte en el punto fuerte del último modelo de iPhone.

En cambio, para los modelos 6 y 6S (tanto en común como el Plus) el nuevo dispositivo no representa una gran novedad sino una renovación. Igualmente, sabemos que a veces el hecho de contar con esta serie de ventajas respaldadas

por Apple es motivo suficiente para jalar el gatillo y hacer la compra.

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Después de todo, ya sabemos cuál es la puerta de entrada al futuro de la tecnología.

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flash sheeran benéfico a confirmar Si bien aun no hay confirmación oficial, Bono y Cía. podrían visitar la Argentina en el marco del Joshua Tree Tour del cual ya confirmaron fechas en Europa y Norteamérica.

Se estipula que podría ser sobre el final de 2017 y nada más y nada menos que con Noel Gallagher como telonero.

Es raro que a la canción más exitosa del planeta no le salgan parecidos, y antes de que llegue la sangre al río, decidieron actuar: Ahora Ed Sheeran y las TLC, autoras de la icónica No Scrubs, son también co-autores de Shape of You, el single principal del tercer álbum del colorado, probablemente el disco más vendido de todo 2017. Sheeran, además, ya compartía los créditos con los Snow Patrol.

CHUCK FOR EVER

Depeche en Argentina La banda confirmó que dará un concierto el día 24 de marzo de 2018 en el imponente Estadio Único de La Plata en el marco de su gira “Global Spirit Tour”. Aprovecharán la ocasión para presentar Spirit lo primero de los británicos desde Delta Machine (2013).

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Aún sin fecha definida de publicación, Chuck, será ya un álbum póstumo, aunque se había especificado que en cualquier caso éste sería el último del de Misouri. Chuck será el primer disco de Berry con canciones originales desde el lanzamiento de Rock it de 1979.

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entrevista

Cuando la armónica toma vida.

Uno de los máximos referentes mundiales del instrumento habla de su actualidad, su época con la banda War y qué se sentía ser blanco en un mundo de negros. martín brizio Crítico de Música

L

ee Oskar es un músico de origen danés nacido en 1948, radicado en California en el “Verano del amor” de los ‘60, miembro original de aquella big band de funk y soul llamada War, que tenía a Eric Burdon (ex cantante de Animals) como puntal y cara mas visible. War fue considerada siempre como una banda de culto, aunque en los últimos años pasó a estar nueva-

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mente en boca de todos gracias a su hit Low Rider, el ringtone característico de la compañía telefónica Personal.

Más allá de ser uno de los principales armonicistas del género, Oskar impuso su propia marca de armónicas, transformándola en una de las más vendidas del planeta. De visita por Argentina, aprovechamos para hablar con él.

GN– ¿Es tu primera vez en nuestro país?

LO– No, vine hace 14 años y conocí a León Gieco, quien es realmente fantástico.

GN– ¿Cuánto hace que te dedicas a esto?

Me refiero a dar clínicas, difundir el instrumento y promocionar tu marca.

LO– Hace 35 años que hago armónicas, es todo para mí, es una de las razones que hizo que me dedicara a promoverla.

Aunque, en realidad, la toco desde hace

más tiempo: a los seis años tuve mi primera armónica.

GN– ¿A quién tenés como máximo referente del instrumento?

LO– A mí (risas). Pero si necesitan que dé nombres, pues Ray Charles, Roland Kirk y Charles Miller, compañero de War. Yo toco como si fuera un cantante, me gusta expresarme como se expresaba Ray Charles cantando, pero a través de la armónica.

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Formación original de WAR, 1972.

muy común el tema de los clubes de ghettos negros, donde no se permite el ingreso de blancos.

LO– Nunca me sentí avergonzado al respecto, ni que fuera algo que hubiera que destacar, siempre fue como un cliché decir que uno era un “groso” por estar entre los negros, siempre me consideré uno más.

Cosa de negros GN– En la vieja formación de War, allá por 1972 o 1973, había sólo dos músicos blancos, Eric Burdon y vos. ¿Cómo fue eso de ser un músico blanco y terminar transformándote en exponente de un instrumento más asociado a los músicos negros?

LO– Mucha gente tiene esos estereotipos, pero para mí la música no tiene nada que ver el color de la piel, un género como el blues trasciende la raza. Recuerdo un festival de jazz, tocando con War, que me gritaban “¡Ese no es negro, ese no es negro!”. Una vez, con Eric Burdon viajamos desde Los Ángeles a Philadelphia, estábamos yendo en un auto típicamente rural, el baterista y yo nos sentamos arriba de unas valijas y equipos, porque no entrábamos, y alguien dijo un insulto racista contra los blancos. A través de eso me hicieron como parte de la tribu, en vez de enojarse (no me querían explicar qué me habían dicho), ya me habían incorporado a su grupo.

GN– En el mundo del blues o del jazz es 16 THE GOOD NEWS #66

GN– ¿Cómo está posicionada hoy la armónica? ¿Se vende más que antes, son más las personas que la estudian?

LO– Siempre consideré que la armónica tenía un nicho armado por la gente, un instrumento popular, de fogón, de folk, de blues. Con los cambios que estoy implementando, quiero hacerlas más intuitivas y accesibles al músico, que cualquiera pueda agarrarlas. La idea es que salga solo el sonido, va a salir música con los cambios que les estoy haciendo a mis armónicas.

war, escuela improvisada De la mano de Eric Burdon, War comenzó su periplo en 1970 y estuvo vigente hasta mediados de los ‘90.

En el medio sucedió absolutamente de todo, desde desaveniencias con el mánager, cambios masivos de integrantes y miembros que iban yéndose hasta llegar a la actualidad, que muestra en actividad a unos War que nada tienen que ver con los originales. Lee Oskar, en su rol de armonicista, asumía un lugar protagónico dentro de la estructura de la banda.

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Oskar en el escenario junto a WAR, circa 1974.

“Una de las características del sonido de War lo daba la armónica y el saxo, los vientos eran bien protagonistas, no estaban sólo para hacer arreglos. Fue un sueño para mí pasar a ser tan protagonista en la banda. Arranqué con Eric Burdon, en 1969, nos decepcionamos mucho con el mánager que teníamos, hubo mucho dinero que no vimos.

Inclusive hay otra banda que se llama War y están intentando recuperar esa marca, dicen ser ellos pero no lo son, hay cuatro que estamos vivos”.

GN–En 35 años de War, el estilo fue cambiando.

LO– Es que nunca seguimos un estilo, después nos impusieron un género.

GN– Estando en el grupo, a comienzos de los ‘80, comenzaste con tu carrera solista.

LO– Éramos muy leales los unos a los otros en materia de creatividad, y todo lo que creaba la banda era improvisado, espontáneo, y nunca nadie le decía al otro qué tenía que tocar, nos peleábamos si eso pasaba. Un día llegué al estudio con una composición terminada, para que los otros la interpretaran, y no se sintió correcto, porque ellos querían aportar lo suyo. Mi ambición era que formemos parte de esa nave madre 18 THE GOOD NEWS #66

llamada War, y que cada uno saque sus discos solistas para que se viera qué quería hacer cada uno por separado, y mostrar qué generábamos todos juntos. En mi primer álbum, quería demostrar que no me estaba yendo de War, pero sí mostrar mi material propio, dándole créditos a mis colegas, compañeros de banda.

Bob marley y War La relación de War con el reggae era casi carnal. Uno de sus máximos hits, Why Can’t We Be Friends, es tambien un clásico del género. Lee Oskar comenta el respeto y la admiración mutua que tenían con el máximo referente del reggae.

“Eramos fanáticos de Bob Marley. En la época de Woodstock, estábamos de gira con Eric Burdon en Europa y compartimos fechas con Bob, él tocaba temas de War antes de hacerse popular. No lo podíamos creer, porque estábamos mutuamente enamorados”.

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Jo 22 THE GOOD NEWS #66

ohn Lydon “Nunca hay que rendirse” el hombre que le gritó al mundo que no había futuro, sigue en pie con su grupo P.I.L y también mantiene su espíritu inalterable. “Cuando sos joven y de clase baja no esperás mucho de la vida”, asegura el gran ícono del punk rock. martín brizio Crítico de Música Traducción: Josefina Rodríguez

u

n prócer. Un monumento histórico. Un pedazo muy grande de la historia del rock, casi podríamos decir de la cultura occidental del siglo 20. El hombre que fue la cara del movimiento contracultural más revulsivo que se dio en las últimas décadas. Su nombre está prácticamente a la misma altura que el de Lennon, Marley, Dylan, Morrison, Jagger.

En el año 1976, explotó en Londres esa bomba llamada “punk rock”, que iba a cambiar para

siempre los estándares culturales como los conocíamos hasta ese momento. Si bien los primeros palotes se habían garabateado del otro lado del Atlántico, en la New York del CBGB y de los Ramones y Television, fue en Inglaterra donde la explosión se hizo sentir con más fuerza, y sus esquirlas se esparcieron por todo el planeta.

La mecha de esa bomba fueron los Sex Pistols, y la cara principal era un muchachito que gritaba por el micrófono que no había futuro, que era el

anticristo y que la política, la religión y la monarquía apestaban. Su nombre: John Lydon, pero se lo conocía como Johnny Rotten (“Juancito Podrido”, por el color de sus dientes).

Hoy es un hombre entrado en años, que con sus muchas idas y vueltas está al frente de su banda P.I.L. (Public Imagine Limited) desde hace casi cuatro décadas. Nos atiende desde Los Ángeles con un grito desgarrador que automáticamente marca territorio y muestra su sello de fábrica. “Helooooooo!”, dice, aturdiéndonos.

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GN– Sos como nos imaginábamos: muy intenso, exacerbado.

JL– Estoy realmente vivo… ¡muy vivo! –remata en el mismo tono.

Los tópicos a tratar son muchos: su presente, su historia, los 40 años del punk rock, el Brexit inglés y varios etcéteras más. En un inglés claro, con voz fuerte pero pausada, no esquiva el bulto y confirma aquello de que la religión y la política siempre fueron los enemigos a vencer.

GN– Antes que nada, queríamos hablar de tu último disco, “What the world needs now”. ¿Cómo llegás a este trabajo y en qué lo diferenciás de los anteriores?

JL– En los últimos años estuve buscando experimentar mucho con la música. Voy hacia lados experimentales y trato de estirarlos lo más que puedo. Quiero desarrollar eso y no hacer simplemente (pone voz sarcástica y burlona) “canciones y baladas de amor”.

GN– ¿Qué recuerdos tenes de nuestro país desde la última vez que estuviste?

JL– Hace mucho tiempo que no voy, pasaron ya 20 años, y se me ha hecho muy difícil en los últimos tiempos ir a esa parte del mundo. Te explico por qué: estaba en guerra con mi compañía discográfica, y me vi obligado a alejarme de la música por un tiempo. Y en ese lapso de tiempo, hice mucho debate por Internet y muchas campañas para recaudar fondos para distintas organizaciones de caridad. También experimenté en el maravilloso mundo de la publicidad. De esa manera pude ganar dinero, salirme del circuito de las discográficas, y armar mi propia compañía, Public Limited Office. Estoy mucho mejor y contento de haberlo hecho, soy completamente independiente e hice los dos mejores álbumes de mi carrera.

El mayor mensaje que aprendí es que nunca hay que rendirse, y si haces lo que realmente crees, lo correcto, lo mejor para uno, tarde o temprano vas a llegar. Y tener paciencia en la vida. Si pensás así, hasta tu equipo de fútbol va a ganar alguna vez... (risas).

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“Somos la iglesia de la humanidad sin sacerdotes”

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GN– Tomando en cuenta que la vida útil de los Sex Pistols fue muy breve, apenas un par de años, ¿te imaginabas que P.I.L. iba a durar tanto?

Son casi 40 años…

JL– No me imaginaba que yo iba a durar tanto tiempo… (risas). Cuando sos joven y vivís en las clases más bajas no esperás mucho de la vida.

Descubrí que mis “armas” no eran la violencia ni

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las armas en sí, sino la honestidad.

GN– O sea que aquel grito de guerra de “No future” era real, siempre creíste en eso.

JL– ¡Sí!, completamente, era en lo que creíamos.

Y tiene empatía con lo que es el hombre en la tierra, el ser “finito”. Lo único que trata de separarnos como humanos es la política y la religión.

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40 años de punk rock y resistencia En los ‘70, con la irrupción de los Sex Pistols y el destape del punk rock, se convirtieron en los verdaderos anticristos. Cuestionaban al poder político y a la monarquía, eran censurados, se los consideraba los máximos rebeldes. En la actualidad, es el mismo Estado inglés que reconoce en el punk rock “aportes culturales significativos”, haciendo homenajes y tributos a esa cultura.

GN– ¿Crees que ganaron la batalla o en verdad te cagás en todo eso?

JL– A mí nunca me invitaron. Están celebrando los 40 años del punk rock inglés sin que yo esté involucrado, o sea que siguen siendo los mismos enemigos públicos de siempre. Diría que es la política de siempre, no incluirnos, por eso mi visión de siempre de la política es negativa. Y debido a eso, lo más político que puedo hacer es estar en contra de eso, y de esa manera jamás resolverán ningún problema.

GN– A propósito de política, ¿cómo viste y viviste el Brexit, la salida de Inglaterra de la Unión Europea?

JL– El Brexit son británicos decidiendo no a ser manejados por caraduras de otros países. En lo que tiene que ver con las leyes de la Unión Europea, los británicos no tienen ninguna clase de incidencia, no pueden hablar, muchos lo toman como una dictadura. Considero que es uno de los problemas que enfrenta el mundo: una dictadura sin rostro, no se sabe quién es el que nos está dominando, pero sin embargo ejerce esa denominación. Y los únicos que generan problemas entre los hombres son los gobiernos y la religión.

La verdadera revolución comenzará cuando todos nos demos cuenta de esa situación, de ver cómo somos la mayoría de los seres humanos, y vivir en un solo mundo. Esa es mi visión, un solo mundo.

GN– Se te nota muy coherente con respecto al Johnny Rotten joven, aquel de los anárquicos años ‘70. Hay una línea de pensamiento que continúa desde ese grito salvaje del ‘76.

JL– Son los valores que mi familia siempre tuvo, son los valores que sostengo y que refuerzo con los años.

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Dirty ortíz Crítico de Música

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El cantante que la jugaba de introvertido en OneDirection, se muestra ahora como sex symbol en los primeros pasos de su carrera solista. Tal vez su inmersión en el hip hop requería de una transformación que lo dotase de las características que rodean a las figuras del género, como la autosuficiencia y el erotismo explícito.

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a verdad y la mentira sostienen un vínculo que puede no ser lineal. Hay situaciones en las que la mentira se vuelve imperiosa, como ocurre en una puesta teatral: sabemos que nos están mintiendo, que son actores representando diálogos ficticios. Pero en eso consiste precisamente el truco del arte, tanto en pensar que lo que pasa sobre el escenario es real, como en creer que la fotografía es lo fotografiado y que la historia narrada en el cine es verídica. Y si bien la carga moral condena al mentiroso, en el caso del arte suele ser elogiado quien “miente” mejor.

Hollywood, en su apogeo, consideró necesario prolongar esa mentira más allá de los sets de filmación y fue entonces cuando las estrellas de la pantalla

grande se vieron obligadas a llevar vidas cinematográficas. El lujo y la ostentación se volvieron requisitos indispensables para la mayoría de los actores y actrices, que tal vez no eran de verdad tan felices como se mostraban en las fotografías, pero que debían comportarse con pompa y circunstancia para alimentar la fascinación que ejercían sobre el público. Los fotógrafos y la prensa de la farándula se encargaban de exponer públicamente el supuesto fasto que rodeaba a las figuras.

Parece insólito que ese ritual, que data de principios del siglo pasado, haya sobrevivido hasta el presente. Y, sin embargo, aún hoy nos sorprendemos cuando se revela que el amor de ciertas parejas hollywoodenses no era eterno.

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O que la sexualidad de un artista no se ajustaba a la imagen que se tenía de él. Es decir, aunque sabemos que esas biografías responden a guiones que pueden ser tan falsos como los de un largometraje cualquiera, lo mismo compramos ese relato porque forma parte de las convenciones sobre las que se construyó un imperio de fantasía.

Idéntico mecanismo rige para un formato relativamente reciente, como los reality shows. Somos conscientes de que no todo lo que pasa con los concursantes ante cámaras es espontáneo. Pero de igual forma nos entusiasmamos con lo que les ocurre, nos identificamos con alguno de ellos y estamos atentos a las instancias competitivas para enterarnos de cómo le va a nuestro favorito. Por más que se trasluzcan los hilos de quienes manipulan a esas marionetas que vemos en la TV, pecamos de ingenuos para poder seguir el juego, porque en este tipo de programas la credulidad es una condición indispensable para el televidente.

Con OneDirection (Ago., 2013) y en solitario (Sep., 2016) el cambio radical de imagen de Malik se hace evidente no sólo en su música,

En el año 2010, del certamen televisivo insino también en su imagen. glés X Factor participaron cinco jovencitos a los que individualmente no les fue del todo bien. A instancias del jurado, sus voces se primeros pasos como solista: el hip hop. unieron en un conjunto al que se conoció luego como OneDirection. Y el mundo cayó rendido a Un año después de su apartamiento de la nave sus pies, sobre todo las adolescentes que, con his- madre, en marzo de 2016, publicó su primer áltéricos chillidos, expresaron de allí en más una bum en solitario, Mind of Mine, que estuvo pasión desenfrenada hacia el quinteto. Bien asu- acorde a las expectativas que había despertado. midos los roles de cada uno de los integrantes, al Zayn exhibía allí letras procaces, que se corresque le tocó el papel de misterioso/tímido/talen- pondían con la estética de sus videoclips y que, toso (al estilo de George Harrison en los Beatles) como es lógico, acompañaban el paso de la adofue a Zayn Malik. lescencia a la juventud, por parte de las seguidoras que lo admiraban desde sus comienzos en Poco importa entonces si Zayn es verdadera- One Direction. La estrategia surtió efecto, aunmente así de introvertido. Para las fanáticas de que jamás podremos comprobar si Malik era el One Direction, él asumió ese carácter y con eso más apocado de la boy band o si, en cambio, es es suficiente. Después, en 2015, cuando dejase in- ese sex symbol que representa hoy. Tal vez amtempestivamente la formación de One Direction, bas faces son reales y se trata simplemente de él iniciaría un proceso complejo a través del cual una evolución personal. O quizás estemos ante se desprendió de esa pátina que lo había recu- un producto cien por ciento manufacturado, que bierto cuando formaba parte del quinteto. E in- es representativo de un tiempo en el que las recorporó componentes ajenos a su anterior perfil, des sociales nos convierten a todos en celebridacomo la autosuficiencia y la sexualidad explícita, des. Y, como tales, también nos vemos tentados que caracterizan a los exponentes del género al de inventarnos una vida glamorosa que nunca que Zayn Malik iba a adscribir este año en sus hemos tenido.

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good newz

Gorillaz viene por más Curiosos y fanáticos están de parabienes con el anuncio: Gorillaz vuelve. Y no sólo vuelve, sino que vuelve con disco nuevo, adelantos y un festival organizado por la banda para presentarlos en vivo.

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umanz, título del nuevo trabajo la banda de Damon Albarn, contará con un total de 14 temas que incluyen participaciones de Grace Jones, Kali Uchis y De La Soul. Y, para mitigar la ansiedad, no dejan cuatro adelantos muy interesantes que se suman a Hallelujah Money, que había llegado a principios de 2017.

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Como si esto fuera poco, al tiempo que anunciaron (también) la reedición de Demon Days (2005) los Gorillaz presentarán Humanz en el Demon Dayz, un festival organizado por ellos mismos. Si bien el line up aún no está confirmado, sí se sabe que será el próximo 10 de junio en el condado inglés de Kent y que los 15 mil tickets que se pusieron a la venta duraron apenas 10 minutos.

Póster oficial del Demon Days Festival

Te dejamos el acceso a Andromeda, uno de los adelantos de Humanz.

(Escanealo con tu celular)

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escuchá Por Dirty Ortíz

Si en los años ‘80 alguien se hubiese propuesto imaginar la música del futuro, ese sonido se hubiera parecido bastante al del álbum Blonde, de Frank Ocean.

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Y es que, en un mar de canciones como el actual, donde casi todo lo que se escucha podría haber sido concebido 30 años atrás, la propuesta de este músico estadounidense es una de las pocas en las que lo retro no está en primer plano. Eso que insinuó en su debut discográfico de 2012, se concreta aquí de una manera completamente distinta a la que todos presagiaban.

Su capacidad para desorientar, para sorprender, es una de sus características en común con los artistas que hoy veneramos como clásicos de todos los tiempos.

Y si algo distingue a Frank Ocean de sus contemporáneos es, precisamente, que sabe hacia dónde avanzar para despistar a todos y para, al mismo tiempo, envolverlos con un estilo que puede ser experimental y convencional al mismo tiempo. Lo que se escucha en Blonde contiene elementos que se hallan presentes en muchos de los intérpretes del rap moderno.

Pero la manera en que Frank Ocean los procesa, los vuelve algo completamente nuevo e impar.

Blonde es uno de los álbumes más esperados del pop de este siglo.

Blonde, después de tantos años de expectativas no satisfechas, es uno de los álbumes más esperados de la música pop del siglo 21. Ocean se encargó personalmente de alimentar la ansiedad de sus seguidores y de los críticos (dos categorías que en este caso se confunden), hasta que por fin los 17 tracks del disco fueron subidos a las plataformas de streaming en agosto. Cambios de sello discográfico, de laderos y de perfil artístico se sucedieron a lo largo de este extenso hiato entre su primer 42 THE GOOD NEWS #66

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álbum y el segundo, lo que contribuyó a que creciera el mito y, en simultáneo, la exigencia tácita de que debía ser una obra maestra.

Como respuesta, Frank Ocean les pintó la cara. Desde una ciudad tan emblemática para el rhythm and blues como New Orleans, con Blonde traza un nuevo horizonte para esa vertiente afroamericana que ha predominado en la música internacional de la última centuria. Le adosa un toque psicodélico, la climatiza con teclados melancólicos y entrega su alma al presente perfecto, a ese que muchos jóvenes creadores rechazan para refugiarse en el pasado. Otra vez, Frank Ocean consigue traer todo el bagaje de 60 años de cultura pop, para depositarlo en el aquí y ahora. Aunque el último tema del disco, no por casualidad titulado Futura Free, cierre con un guiño al Revolution 9 de los Beatles.

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Ty Taylor al frente y Nalle Colt en la guitarra. En la toma faltan Rick Dill en el bajo y Richard Danielson a cargo de la baterĂ­a.

NEW-RETRO

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Son cuatro, son de California y suenan a todo lo que nos gusta pero junto. Vintage Trouble llegó no hace mucho tiempo, pero esperAmos que se queden. martín seisdedos Colaborador Especial

D

icen (dijeron, dirán) y muchos repiten: rock n’ roll is dead y sigue muriendo con sus ídolos cada vez que uno deja este plano. Aferrados a la nostalgia y al sentimiento de desarraigo que muchas veces eso provoca, nos negamos a creerlo y preferimos pensar que, como toda gran bestia que pisó este mundo, el género se encuentra (¿sólo?) en serio peligro de extinción.

El rock n’ roll que encontró auge y éxito a nivel místico allá por los 60 y 70’s, que luego en los 80’s encontraría la manera de transformar la melena y el spray en negocios multimillonarios tocó su punto culmine en los 90’s y lentamente emprendió la caída.

El negocio ya no era tanto, las latas de spray ya no llenaban todos los bolsillos que así lo pedían, la división en infinidad de sub géneros dividía al público y los artistas se olvidaban su papel de artífices de lo fundamental aburguesándose y convirtiéndose en deidades inalcanzables.

Desde entonces, el rock fue mutando, adaptándose, fusionándose, mimetizándose entre los fuelles de otros estilos para -quizás- pasar la tormenta y renacer. Por eso es que, cada vez que aparecen nuevas bandas, se reaviva la esperanza y Chuck Berry dibuja una sonrisa al ver que todavía la llama sigue viva.

Vintage Trouble es un poco de todo eso, de fusión, de mutación, adaptación y sobretodo de esperanza.

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Taylor participó en Rockstar: INXS el concurso, para encontrar al sucesor de Michael Hutchence.

The Bomb…, The Swing House Acoustic Sessions (2014) y 1 Hopeful Rd. (2015) son la tríada con la que la banda apuesta a difundir su mal catalogado retro-rock. Y armas la verdad es que no le faltan.

Despuntaba la primera década de este siglo y nacía en Venice Beach, este cuarteto californiano comandado por el súper carismático Ty Taylor que, junto a tres amigos, armaba un estudio improvisado para grabar The Bomb Shelter Sessions (2011) y al muy poco tiempo salía a rodar.

A cuestas llevaron su bandera, una que suena a Led Zeppelin y Joe Bonamassa en jam session con James Brown con toques de folk, country y algunos destellos de rockabilly.

Los VT tienen tres discos en su haber y su música los hizo brillar muy pronto, tanto así que en 2015 ya teloneaban a AC/DC y los Rolling Stones al tiempo que empezarían a tocar en grandes festivales como Glastonbury y Lollapalooza.

En el estudio supieron mantener la mira en lo que querían hacer, en cómo querían sonar y al mismo tiempo, también acertaron al rodearse de los productores correctos. Así fue que su mejor trabajo, The Bomb Shelter Sessions, fue grabado en muy pocas tomas y en sólo tres días usando tecnología analógica porque “así lo hacían nuestros héroes”, asegura Taylor.

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En vivo, su frontman es un espectáculo aparte, Taylor que nació para cantar en clave blues, con sus casi 50 años, se mueve y baila en el escenario como nadie, contorsiona, salta, realmente la rompe. Y la banda lo sigue ciega, sabiendo que sin duda van a buen puerto.

En el lado oscuro de la balanza está el miedo de ver una banda que, como novio nuevo, tanto promete en tan poco tiempo. Sin embargo, del otro, hay una agrupación que suena tremendo, que visualmente impacta y que, sin lugar a dudas, es otra chispa que mantiene viva la llama de nuestros deseos: Ese que dice que rock n’ roll no está muerto, señores.

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Vidas instagram

Una nueva generación de celebridades aprovecha la red social de la imagen por excelencia para mostrar su costado más glamoroso y publicitario.

Manuela ghitta Colaboradora Especial

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on las ocho de la mañana. Suena la alarma del celular la primera vez.

Posponer. Diez minutos después vuelve a sonar y, ahora sí, “Cancelar”. Cualquiera diría que es hora de levantarse pero no, aún no. Entre párpados todavía hinchados, ojeras, lagañas y pelos revueltos, antes que nada hay que revisar Instagram. Selena Gómez de pool party con amigas; Taylor Swift festejando Halloween; Kendal Jenner siendo sexy una y otra vez: portadas de Vogue y noches cinco estrellas; Kim Kardashian, todo el cuerpo de Kim Kardashian. Selfies, belfies y likes, miles de corazoncitos.

Así es, parece ser, el mundo de las celebrities que, además de mostrarse en TV, películas, pasarelas y revistas, ahora invitan, todos los 50 THE GOOD NEWS #66

días y en todo momento, a conocer el behind the scene de sus vidas.

Se trata de una nueva generación de insta-modelos. Tan ingenuas y supuestamente espontáneas como sensuales, a veces con un recuerdo de la infancia y otras con imágenes patrocinadas por alguna marca o de un look muy alfombra roja, las famosas rompen una y otra vez el record de likes. Y no, no importa si sitios como TMZ han demostrado una y otra vez que las celebridades tienen looks desacertados o celulitis, tampoco saber que lo más probable es que la imagen de cada una de ellas no sea una autofoto improvisada, sino una suerte de producción totalmente orquestada: ellas en Instagram insisten en hacer sentir mal a esas stalkers de cama o, un rato más tarde, de papeles, malas caras y oficina.

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@selenagomez La ex estrella de Disney y ex novia de Justin Bieber tiene más de 102 millones de seguidores y es hoy la poseedora de la foto con más likes y la cuenta de Instagram con mayor crecimiento por día: entre alfombras rojas, conciertos, portadas de revistas y viajes, cenas y polaroids con amigas, suma 90 mil seguidores diarios.

@taylorswift Subiendo una foto en pleno show, oficializando su ya ex relación con Tomm Hiddleston o disfrazada de Deadpool, la compositora y cantante estadounidense que pudo darse (entre tantos) el lujo de retirar todo su catálogo de Spotify, llega a más de 92,7 millones de seguidores. Sin embargo, las verdaderas protagonistas de su cuenta son sus gatas, Olivia y Meredith.

@kimkardashian Tal vez sea por sus fotos semi-desnuda con Kanye West, los retratos de su hija North o las fiestas con sus hermanas, pero con más de 86,3 millones de seguidores y un promedio de 1 millón y medio de likes por foto, su nombre es, prácticamente, sinónimo de selfie. Tanto que, en 2015, publicó un libro recopilatorio de sus fotos titulado Selfish con trucos y técnicas.

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We (L) Barber

@kendalljenner Con más de 67,9 millones de seguidores, en 2015, la hermanastra de Kourtney Kardashian, Kim Kardashian y Khloe Kardashian, rompió el record de la foto con más likes de Instagram. Dicen que cobra entre 150 mil y 300 mil dólares por subir una foto a la red.

@Celestebarber @gigihadid Aunque más de una vez admitió que la presión que ejercen las redes sociales la afecta, tiene más de 24,7 millones de seguidores en Instagram y muestra, no solo sus campañas para Victoria’s Secret y Tommy Hilfiger o sus salidas con Taylor, Selena y Rihanna, sino también fotos muy hot de su novio Zayn Malik.

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Ella, una comediante australiana, se atrevió a imitar a las fotos que las celebrities suben a sus perfiles de Instagram, consiguiendo 1,3 millones de seguidores. ‘Copia’, con humor, las mejores fotos de Miranda Kerr, Beyoncé, Kim Kardashian, Miley Cyrus. Así, con el hashtag #celestechallengeaccepted, lleva varios meses burlándose de muchos famosos. “Quería demostrar lo ridículo que puede llegar a resultar para una persona ‘normal’ recrear algunas de estas fotos. Pretendía hacer reír a la gente y demostrarles que la mayoría de las imágenes que vemos de nuestros ídolos son una mentira”, dice.

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mirá Por Celina Morgan

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i hay algo característico de Gastón Duprat y Mariano Cohn es su preocupación por revelar las contradicciones y miserias de la propia clase a la que pertenecen.

Oscar Martínez fue el elegido para representar de manera impecable este rol. Es un escritor galardonado con el premio mayor de la literatura, ese que Dylan y su rupturismo estético recibió en 2016 y, de alguna manera, rechazó. El paralelismo entre ficción y realidad es justamente para dejar en evidencia que tanto el músico en la vida real como el personaje de escritor en El ciudadano ilustre encuentran en el rechazo al establishment su razón de ser.

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“El vagabundo que tocaba antes tu puerta ahora tiene la ropa que tú solías vestir” “It´s all over now, baby blue” (Bringing It All Back Home, 1965) Bob Dylan

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Los vaivenes del relato desdibujan un final que pudo tener otro sabor

La película de los directores de El hombre de al lado y El artista comienza con un extenso parlamento de “no agradecimiento” por parte del personaje (Daniel Mantovani) a la institución encargada de otorgar el premio Nobel. Ese plano dura aproximadamente diez minutos. Martínez lo sostiene con entereza y declara que a partir de dicho reconocimiento comienza su muerte como artista, ya que desde el momento en que los gestores culturales validan su trabajo, éste deja de contener el germen de cualquier obra de arte: la resistencia y el carácter cuestionador a la hegemonía cultural.

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T.O.: El Ciudadano Ilustre Género: Comedia Dramática.

Director: Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Intérpretes: Oscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne.

Duración: 118 min.

Origen: Argentina.

Año: 2016.

En una segunda parte del relato, el escritor, radicado en Barcelona, vuelve después de más de veinte años a su pueblo natal en Buenos Aires. Allí la historia toma una consistencia y densidad muy interesantes. Sin embargo, esa necesidad de los autores de dejar expuestos los clichés de cada uno de los integrantes de ese lugar, incluidos los del escritor, termina por decolorar el punto justo en donde la película se aproximaba a un borde tragicómico que quizás hubiera hecho posible una mirada menos moralista y más cinematográfica.

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MARTÍN P

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Hiperactivo y a la vez de bajo perfil, cultor de un humor particular, el director y actor se perfila como uno de los mejores retratistas de su generación.

N

ació el 3 de marzo de 1986. Treinta años, piscis.

De chico jugaba durante horas a ser el maniquí del local de ropa familiar y se perdía entre películas de Woody Allen y Jim Carrey. Sin embargo, dice que no buscó ser actor, que siempre se pensó arquitecto o psicólogo hasta que su mamá –idishe mame– lo mandó a estudiar teatro.

PIROYANSKY Antihéroe y galán Manuela ghitta Colaboradora Especial

En 1995 debutó en Magazine for fai y, en 2006, llegó a la pantalla grande con Sofacama y Cara de queso. En 2016 fue protagonista junto a Lali Espósito de Permitidos, una de las grandes comedias del año pasado. Pero además de participar de una veintena de películas y otra de series televisivas, Martín Piroyansky dirigió cortos furor en la web como No me ama y dos largometrajes: Abril en Nueva York (2013) y Voley (2015), films en los que las referencias autobiográficas son parte y el humor y el amor centro absoluto de la historia. Es que, como admitió en más de una entrevista, “encuentro material en el día a día, en mí, en lo que me va pasando y lo transformo en algo interesante, intenso, caótico. Me gusta hacer reír y me gusta hablar de amor: no le tengo ningún miedo a ser cursi”.

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Permitidos (2016), compartiendo el protagónico con Laly Espósito.

El humor es, para él, la salvación. Y aunque reconoce que en la vida real no es para nada gracioso, entiende la risa como sinónimo de inteligencia.

“Es algo hermoso trabajar cómo descular un chiste y hacer que funcione. El trabajo de reflexión es darle vueltas y vueltas a una cosa hasta agotar sus posibilidades. Hay mucha vagancia en la actuación y para mí la clave es trabajar mucho”, dijo en más de una oportunidad.

Fan de Buenos Aires, las fiestas y los bares, súper psicoanalizado y de familia “judía, hilarante, sarcástica y tragicómica”, Piroyansky está constantemente entre la actuación y la dirección.

“Cuando soy actor en el set tengo una energía que no puedo usar. Necesito volver a mi casa y seguir pensando, poder contar otras cosas. Me encanta actuar en los proyectos de otros, lo voy a seguir haciendo. Pero tengo la cabeza en dirigir”.

A Martín le cuesta mucho el tiempo libre. Su mejor pasatiempo es pensar qué proyecto nuevo puede encarar. Los últimos: Piconautas (TBS), El galán de Venecia y Parecidos, su próxima serie para la UN3 “que me financia estos caprichos, locuras que no podría hacer de otra manera. Puedo probar cosas, es una especie de laboratorio para próximas películas”.

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Además de filmar, a Piroyansky le gusta también ver de todo. No discrimina porque, al final, las cosas que más lo nutren son las inesperadas, asegura. Desde el cine mainstream yankee hasta alguna película japonesa, Lynch y Kubric y de acá Szifrón, Anna Katz, Rodrigo Moreno. Ahí está, para él, la desconexión. También en dibujar cómics, chistes, humor gráfico: incluso fantasea con publicar una suerte de diario íntimo dibujado.

Pero a pesar de las referencias continuas a su vida personal, Martín expone hasta donde quiere porque, como alguna vez confesó, entra en el arquetipo de “pibe sensible” y siempre le dio miedo eso de la fama. “Me encanta viajar en colectivo, decido caminar distancias larguísimas porque me gusta andar por la calle. Y me angustia pensar que puedo llegar a perder esa libertad. Todo el tiempo estoy en una relación de coqueteo con la exposición. De pronto estreno algo, estoy en los programas, me ven. Al día siguiente se olvidan y no me preocupa. Al contrario, me pongo nervioso cuando me empiezan a señalar.

Me gusta mucho no resaltar”.

Arriba: Abril en Nueva York (2010), ópera prima de Piroyansky protagonizada por Carla Quevedo y Abril Sosa.

Abajo: Voley (2015), escrita, actuada y dirigida por Martín Piroyansky con la participación de Violeta Urtizberea, Inés Efrón, Chino Darín y Vera Spinetta.

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crítica

Los malos en acción “El escuadrón suicida” hizo que espectadores y críticos coincidieran en que es mala. ¿Por qué vamos a verla si sabemos que no está a la altura de las expectativas?

Sofía ferrero Columnista Especial

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e

l Escuadrón Suicida (David Ayer, 2016) tiene un comienzo potente. Una voz en off nos explica que el mundo cambió cuando Superman cruzó el cielo volando y volvió a cambiar cuando éste desapareció. Y así se nos sitúa en el mundo en el que se desarrollará la acción: un mundo que ya no cuenta con Superman, aquel que huyó de Krypton,

su planeta natal, segundos antes de que explotara; aquel que nace de una pérdida: la de su patria; aquel que es criado por una pareja humilde de la Norteamérica profunda bajo estrictos valores morales, y aquel que elige ser periodista, profesión que se define por la defensa de la verdad. Es decir: la desaparición de Superman es, también, la desaparición de un tipo de superhéroe reivindicador y salvador de los oprimidos, enmendador de las injusticias que han caído sobre ciudadanos comunes.

Segundos después entendemos que la voz en off que nos posiciona en este mundo proviene de Amanda Waller, la implacable agente de gobierno que está a cargo de crear

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“

Suicide Squad alardea de un talentoso elenco y un poco más de humor que el resto del Universo DC, pero sus esfuerzos no alcanzan para salvar el decepcionante resultado de una trama enredada, personajes tibios y una dirección errática.

4.7/10 Rotten Tomatoes

un equipo clandestino para llevar a cabo misiones altamente peligrosas y políticamente delicadas en las que el gobierno de Estados Unidos no puede involucrarse oficialmente.

Debido a que estas misiones tienen una alta probabilidad de fallar, el nombre extra oficial que se le da al equipo es el de “Escuadrón suicida”, que está compuesto por criminales metahumanos, condenados y en prisiones de alta seguridad. El lugar del superhéroe ha sido ocupado por los supervillanos: asesinos de mujeres y niños, sádicos mafiosos, asesinos a sueldo y pirómanos.

Entonces, ¿en manos de quiénes estamos?

De un gobierno que no cuenta con los “buenos” para defender a los inocentes, sino que convoca a villanos para que combatan, bajo constante amenaza de muerte, a villanos peores. Un singular grupo de personas para las cuales el libre albedrío dejó de ser una opción cuando a varios de ellos los atrapa Batman y los envía a prisión. Precisamente Batman, el oscuro aristócrata millonario que no ha superado el asesinato de sus padres; aquel criado por Alfred, el mayordomo, bajo los valores conservadores de una clase media sirviente de la aristocracia.

Para cuando el Escuadrón Suicida es formado, Amanda Waller presenta su éxito con estas palabras: “Ya está.

Lo he logrado.

He reunido lo peor de lo peor”.

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El Joker de Jared Leto prometía mucho más de lo que entregó :(

Así fue como, en agosto de 2016 y después de casi un año y medio de noticias, rumores y primeras imágenes, finalmente se estrenó El Escuadrón suicida y la crítica y los fans, esta vez, coincidieron en q ue la película es mala. Con ese adjetivo: mala.

También parecen acordar en que lo único que salva el film es Margot Robbin, Harley Quinn en la ficción, cuyo cabello tricolor nos hemos cansado de ver desde que se hicieron públicas las primeras imágenes, allá por abril de 2015, exactamente 16 meses antes de su estreno, tiempo suficiente para sentir que hemos visto la película aún antes de su estreno.

Fueron los primero trailers los que llevaron a la opinión generalizada sobre la baja calidad de este producto, que costó 185 millones de dólares.

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Sin embargo, y a pesar de las bajísimas expectativas que ella misma generó, Escuadrón Suicida fue récord de recaudación en todo el mundo y significó una sorpresa hasta para sus productores.

Nosotros fuimos y la vimos, como no hemos hecho con tantas otras películas. Basta leer o escuchar que es “mala” para no darle ni la posibilidad de la duda. Sin embargo, fuimos a ver Escuadrón suicida. A pesar de haber escuchado muchas, variadas veces que es mala “pero que lo mejor es la actriz”. ¿Será que no queremos quedarnos afuera de lo que todo el mundo ha visto, consume y comenta? ¿O será, tal vez, una especie de reivindicación de la libertad que reside en la elección de ir a ver algo que de antemano sabemos que no es de buena calidad pero que, sin embargo, consideramos que vale la experiencia y la inversión económica de la entrada, el pochoclo, la gaseosa y las dos horas reloj que dura el film?

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womens power

Una potencia cinematog Cómo es el cuerpo de la mujer en el cine argentino.

CELINA MORGAN Crítica de Cine

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alejado de lo que los burgueses llamamos civilización y que, en términos de la pedagogía sarmientiniana, necesita ser “educado” para poder progresar.

El cine argentino se destaca por darle a la mujer roles fuertes y contundentes.

La Patota fue galardonada a nivel internacional en los festivales de San Sebastián, Cannes, Chicago y Biarritz entre otros.

A la izquierda, la Paulina de Tinayre (Mirtha Legrand) y la de Santiago Mitre, Dolores Fonzi.

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gráfica h

ace casi dos años se presentó la remake de La Patota (Sanitago Mitre, 2015), película originalmente dirigida por Daniel Tinayre cuyo título era Paulina (1960). El leit motiv argumental de aquella obra original no cambia mucho: una mujer recientemente recibida de abogada, con una prominente carrera como investigadora en Ciencias del Derecho (y un padre juez bien posicionado en el campo, capaz de solventarle a su hija un crecimiento profesional más rápido que cualquier estudiante sin herencia), escapa de Buenos Aires y se suma al proyecto de un colega con la intención de alfabetizar o “ponerse al servicio” del otro. Aquel otro que no tuvo acceso a la universidad, que vive

La Paulina de Mitre, quizás, al igual que la Legrand de Tinayre, asume un compromiso donde su cuerpo pasa a ser parte fundamental de una puesta en escena cruzada por posiciones ideológicas (muy marcadas en la versión de Santiago Mitre) y conflictivas narrativamente en ambas.

Si hay algo en lo que el cine argentino se destaca, a diferencia del más visto por una oferta avasallante de productos norteamericanos, es que suele darle a la mujer roles fuertes y contundentes. Dolores Fonzi no sólo encarna a una abogada joven e ilusionada, sino que pone su cuerpo en permanente estado de transformación. Paulina se enfrenta a un terreno hostil para sus parámetros de niña rica blanca y rubia, y frente a cada obstáculo se desafía a sí misma reforzando la premisa de que sólo la experiencia sobre la propia piel nos autoriza, en caso de tener el coraje de hacerlo, a desafiar los mandatos culturales.

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Érica Rivas en Luz Incidente.

sostener Otro de los casos emblemáticos en donde el cuerpo es puesto en tensión y de este modo, a discusión, es el de Erika Rivas, quien, además de ser popularmente conocida por su rol en Casado y con hijos, protagonizó una película de corte más bien independiente, Luz Incidente (2016, de Ariel Rotter). Allí, la actriz redobla cualquier apuesta cinematográfica y hace de sí misma un culto a la desazón y la tristeza. Un papel delicado, al borde del dramatismo, pero que esquiva con maestría cualquier rótulo. Algo similar sucedía en la película de Anahí Berneri, Por tu culpa (2010), donde Erika Rivas también ponía el foco en la composición de una mujer con el cuerpo golpeado por la posición de una cultura que, sin estigmatizar como machista, nos inocula una modalidad de mirada masculina de la que de tanto en tanto, y muy de apoco, vamos logrando salir.

Por tu culpa (Anahí Berneri, 2010) de Anahí Berneri.

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temblar En Por tu culpa, la directora se juega desde el mismo título y nos muestra a una madre casi al borde del abismo (entre el trabajo, dos niños pequeños, una separación en puertas y poco clara) quien, luego de un accidente doméstico sufrido por uno de sus pequeños, deberá enfrentarse al juicio de una institución hospitalaria. Todo el personal, desde las secretarias, médicos residentes, hasta el mismo jefe de guardia, la observan y condenan, hasta el punto de generar una instancia judicial, por poner en escena la absoluta fragilidad que la comandaba en dicha situación.

Cuerpo, gestos, primero planos, respiraciones entre cortadas. Erikva Rivas nutre, sin caer jamás en la parodia, uno de los personajes femeninos más vulnerables de la historia del cine argentino. El título de la película juega justamente con esa ambigüedad: el “por tu culpa” es aquello que debemos exorcizar para poder seguir respirando en una sociedad en la que los cuerpos estallan de tanto señalamiento.

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la luz en el errar Otro caso fundamental del nuevo cine argentino y el protagonismo de un cuerpo femenino como soporte de la conflictividad, no sólo singular sino social, son los relatos de Ana Katz. Con Mi amiga del parque (2015), Katz hacía pasar la maternidad como una construcción, desajustando todos los clichés culturales a los que las mujeres somos expuestas cuando damos a luz. Ya en La novia errante (2007), película protagonizada por ella misma, nos hablaba de una mujer embestida por contradicciones que la excedían pero nunca más allá de su propia decisión.

Lo interesante de la película, además de la maestría en la construcción del delgado trazo que Katz maneja entre el drama y la comedia, es que esa errancia a la que alude el título, es la errancia del no saber: de un cuerpo que corre, llora, grita, se ofusca y se ríe con la intensidad y la incerteza. Esa incertidumbre de la vida sin manual que sólo los cuerpos poderosos son capaces de sostener.

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Imaginación y creatividad Los concursos de coctelería cada vez son más, porque cada vez son más los bartenders que apuestan a esta profesión. En 2016 llegó por primera vez a la Argentina TheMostImaginative bartender, la competencia más prestigiosa de Latinoamérica, presentada por Bombay Sapphire, que va en busca del coctel más creativo y original.

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éxico, Puerto Rico, República Dominicana, Panamá, Colombia, Chile, Argentina y Brasil son los 8 países que participan de este concurso, de los cuales sólo ganará aquel artista de la barra que pueda generar, a partir de su imaginación, un coctel diferente utilizando Bombay Sapphire. Cada ganador representará a su país en la gran final de Latinoamérica que se llevó a cabo el 2 de febrero de 2017 en la Ciudad de México.

En Argentina, la primera instancia estuvo a cargo de un jurado especializado, responsable

cóctel”, indicó Mafer Tejeda, Brand Ambassador de Bombay para Latinoamérica.

Legendario, el trago diseñado por Gustavo Brizuela, bartender ejecutivo de Johnny B. Good, fue seleccionado para representar a la Argentina en la gran final del MostImaginativeBartender para Latinoamérica.

de hacer el primer filtro e identificar aquellas recetas que cumplieran con las características necesarias: cantidades correctas, ingredientes, técnicas de preparación y otros factores relacionados a la presentación e inspiración artística del trago.

“A través de la lectura de una receta y del conocimiento de la suma de sabores que se pueden alcanzar con las mezclas de ingredientes, podemos identificar si el cóctel presentado cumple con balances de sabor, aroma y textura, pero adicionalmente veremos qué tanta creatividad e imaginación se ha colocado en la preparación del

Posteriormente, se realizó la visita a los bares o restaurantes de aquellos bartenders que cumplieron con las variables necesarias en el primer filtro. El mismo jurado fue quien los visitó y probó sus cocteles, para así seleccionar al grupo que participó de la final local.

A partir de la deliberación del jurado, se conocieron los tres finalistas del concurso: Nicolás Olmos, bartender de Belushi, Gustavo Brizuela, de Johnny B. Good, y Cristóbal Carrera, de Las de Barco. Y aunque cada trago fue original, con imaginación y creatividad, solo uno se llevó el primer lugar en nuestro país: el cordobés Brizuela representará a Argentina en la final de Latinoamérica con su trago “Legendario”.

Gustavo Brizuela, el bartender más imaginativo Gustavo Brizuela, de 32 años y bartender de Johnny B. Good (Buenos Aires), se consagró como ganador de TheMostImaginative Bartender porque fue quien supo destacarse y demostrar todo su profesionalismo ante un exigente jurado. Con su coctel “Legendario”, será quien represente al paísen la gran final de Latinoamérica.

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“Elegí TheMostImaginative Bartender porque despertó en mí la necesidad de crear sin límites, permitiéndome expresar en una receta, aspectos y emociones de mi vida. Investigar nuevos elementos que confieran las notas más novedosas a mi receta. No es sólo una competencia, es la búsqueda de nuevos conocimientos que trasmitan inspiración y creatividad”, asegura Brizuela.

Receta

Legendario b 50 ml. Gin Bombay Sapphire b 80 grs. carbón vegetal activado b 90 ml. infusión de Melissa Officinalis b 33 grs. azúcar orgánica b 1 vaina de Vainilla

En este sentido y con el sueño de generar nuevos lazos con otros colegas, conectarse con nuevas experiencias y posibilidades de crecimiento personal y profesional, Brizuela apuesta a elevar su trago al máximo galardón en México. Para eso, pone a la imaginación en el lugar más importante a la hora de preparar un coctel: imagina la copa, dónde estará presentado, quégarnish o ingrediente lo va a acompañar para terminar de coronar esa elaboración.

Para el bartender ganador, la coctelería se convirtió en un gran campo de expre100 THE GOOD NEWS #66

sión y disfrute, en el que se deja llevar por cualquier factor, ya sea una bebida, un tema musical o un aspecto de su vida, para inspirarse y así elaborar nuevas creaciones.Asegura que: “Para que un trago sorprenda y al mismo tiempo sea replicable basta con reinventar un sabor e imponer una tendencia con tan sólo cuatro ingredientes”.

Hoy más que nunca, el detrás de la barra es su lugar en el Mundo porque sabe que es parte de esa elite que se postula como el bartender más imaginativo de Latinoamérica.

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