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Inside #67 06 | la hora del podcast Todo lo que hay saber del iPhone 7.
.................................................................... 12 | Flash Cortas y al pie.
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especial
la mezcla perfecta
14 | nacha pop
52 | rationale
Nostalgia del pop ibérico.
De Zimbawe al mainstream digital.
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Dirección General Freddy Morozovsky Andrés Rodríguez Dirección Editorial José Heinz Columnistas Dirty Ortíz Celina Morgan Martín Brizio Manuela del Sol Ghitta Martín Seisdedos Colaboración Especial Romina Viola Sofía Ferrero Marketing Luis María Aghem Lorena Savkiv Diseño Martín Seisdedos
40 | detrás de la barra
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Entrevista
juanse
El padre del “stone” argentino.
El desafío de afianzarse.
.................................................................... 50 | rationale
Guerrero low-profile
.................................................................... 52 | escuchá i see you El último de The XX
.................................................................... 58 | Mirá Aquarius
La última película de Sonia Braga.
.................................................................... 64 | amores pochocleros Grandes parejas del cine.
.................................................................... 24 | Especial rock sinfónico
El movimiento que lo cambió todo.
74 | para mirarte mejor Netflix vs. Televisión por cable.
.................................................................... 82 | la medida de las cosas El amor explicado en 35 mm.
........................................................................................................................................ 92 | nuevas fronteras
JBG da otro paso firme en su explansión internacional: Santiago de Chile. 4 THE GOOD NEWS #67
Distribución Johnny B. Good www.jbgood.com Comercial Av. Rafael Núñez 4790 Córdoba · ARG [+54 351] 4829415
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La hora deL
podcast
ROMINA VIOLA
Instalado desde hace unos años, el formato gana cada vez más adeptos. Una guía para empezar a consumir esta actualización de la radio y una lista de recomendados.
Columnista Especial
M
ientras me siento a escribir esto, escucho un podcast. El episodio de una serie que sigo regularmente: sin una periodicidad fija pero con la fidelidad a la que se sigue, por ejemplo, un programa de televisión. ¿Qué es un podcast? Para que una transmisión se considere podcast debe cumplir con ciertos
requisitos, de acuerdo a la Universidad de Texas en Austin. Debe ser un audio digital o un archivo de video que es episódico, descargable, que corre en algún programa, principalmente con un conductor o un tema, y debe transmitirse a través de un software conectado a la red. Dicho en pocas palabras, son series de audio o video que corresponden a un programa y pueden ser descargadas o escuchadas online, on demand.
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Representan un quiebre con la manera de escuchar radio tradicional. No solamente por ser “a la carta”, disponibles en cualquier horario y en varias plataformas. La radio en vivo tiene un formato predeterminado, con un discurso y una estructura que se adapta a las noticias del día, a los llamados de los oyentes, a las pautas publicitarias. Los podcast, en cambio, tienen otras cosas para ofrecer. Una programación entera, a disponibilidad del usuario, para que escuche uno, dos o diez episodios seguidos. La posibilidad de que cualquier persona con acceso a un micrófono y a una red pueda crear su propio programa. La exploración de una temática específica, analizando sus matices a fondo y abriendo el debate mediante el uso de redes sociales. El uso de recursos narrativos para contar una historia a lo largo de varios episodios. Las posibilidades son infinitas. Están en todos lados. El podcast no es un fenómeno aislado, sino una plataforma de comunicación que ya se encuentra instalada en el panorama de medios a nivel global. Y Argentina no es la excepción. 8 THE GOOD NEWS #67
La red podcastera argentina Para visitar el catálogo de podcasts nacionales, sólo basta con ingresar a Argentina Podcastera (www.argentinapodcastera. com.ar). Los creadores de la red de podcast Lunfa decidieron dejar de “ser muchos y conocerse poco”. Así comenzaron su completo catálogo de podcast hechos en Argentina (y en otros países también). La clasificación está hecha con etiquetas que abarcan temáticas como entrevistas, LBGT, Animé, Emprendedores y mucho más.
Posta
posta.fm Es una de las redes de podcast más populares a nivel nacional. Con formatos de programas de un promedio de una hora por episodio, sus series abarcan temáticas tan diversas como política internacional (Todos Potus), series de TV (Hodor Hodor Hodor) o los dramas de las relaciones interpersonales (Lo Fi). Recomendamos para empezar: Manteros (donde se discuten próximos estrenos
en cine y televisión), Es una trampa (para explorar a fondo el universo Star Wars) y Nunca ayudes a nadie (para aprender sobre productividad).
lunfa
lunfa.fm Otra de las principales redes argentinas, ofrece uno de los programas de cine más completos: Demasiado Cine. Para los fanáticos de la música y su detrás de escena, recomendamos Producido Por, un recorrido por los productores musicales más reconocidos.
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¿Cómo escuchar podcast? Lo más probable es que, aunque no la hayas usado, en tu teléfono ya tengas incorporada la aplicación para escuchar podcast. Sino, podés descargar una aplicación vos mismo. Una opción es Pocket Cast, una de las aplicaciones más completas para los amantes de los podcast, que se adapta perfectamente al uso móvil o en computadora. También podemos nombrar a iVoox. Su mejor característica es la organización en el catálogo de podcast. Esto ayuda a “reproducir, descargar y compartir au-
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dios de todo tipo de temáticas y géneros”. Hay muchos programas que ya se encuentran disponibles en Spotify, o que en cada uno de sus sitios provee un link de audioboom para acceder al contenido en línea. Lo importante es buscar, investigar lo que nos pueda interesar y aprovechar uno de los medios comunicacionales más democráticos y ricos en contenido que existen hoy en día. Y como dicen en el podcast Etcétera, hacer uso de una plataforma que es básicamente “Gratis, libre y feliz”.
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flash buenas nuevas La semana pasada, finalmente, Beck hizo el anuncio oficial: Hay nuevo disco. Con coproducción de Greg Kurstin, la nueva placa se titulará Colors, tendrá 10 temas y saldrá a la venta el 13 de octubre. Y, como adelanto, nos dejó el lyric video de Dear Life que ya rota en las redes y en JBG TV.
está de vuelta! En marzo del 2016 el líder de AC/DC, Brian Johnson, había anunciado que por órdenes médicas, no iba a volver a presentarse en vivo durante un tiempo debido a sus serios problemas de audición. Sin embrago, hizo su regreso triunfal en el festival de Reading invitado por Muse para tocar en vivo Back in Black. Podemos ilusionarnos.
interminable Tras una serie de adelantos Robert Plant anunció que Carry Fire, su segundo disco junto a los los Sensational Space Shifters, llegará en octubre. Como destacado, se sabe que habrá una colaboración especial de Crissie Hynde (The Pretenders) en el dúo Bluebirds Over The Mountain.
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el viejo billy Billy Corgan publicó Aeronaut, adelanto de Ogilala, su nuevo disco, que saldrá a la venta en octubre. Rick Rubin va a estar a cargo de la producción y llegará firmado con el nombre completo del artista: William Patrick Corgan. Va a ser su segundo disco solista, después de The Future Embrace (2005).
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Nunca se ha profundizado mucho acerca de cuánto le debe el rock argentino de los 80 a esa movida española que celebró el final del franquismo. Entre sus referentes musicales sobresale el grupo de Nacho García Vega y Antonio Vega que, tras la muerte de este último en 2009, ha vuelto a publicar un disco. Dirty ortíz Crítico de Música
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urante los años más duros de la dictadura militar, el rock argentino quedó fijado en la etapa “progresiva” de la primera mitad de los años 70, que fluctuaba entre el virtuosismo instrumental y la balada folk. Mientras el mundo se sacudía ante la revuelta del punk y luego se distendía con la new wave, por aquí los rockeros sólo eran permeables al jazz rock y a los últimos estertores del rock sinfónico. Y como se consideraba a la música disco un estilo frívolo y apañado por los sellos discográficos, se sindicó al baile como una manifestación a la que no correspondía plegarse. Paradójicamente, durante esos mismos años se verificaba en España un progresivo despertar cultural, luego de la pesadilla de 40 años de franquismo. El arte ibérico entró en ebullición al expandirse una libertad de la que nunca antes se había gozado. Mientras en Argentina la música trasuntaba la tristeza de los años de plomo, en Espa-
ña floreció una movida que ponía a prueba los límites de la libertad de expresión en la naciente democracia. La península se abrió hacia adentro y se abrió hacia afuera, franqueando el paso a influencias del exterior, que antes habían caído bajo la censura del Generalísimo. Varios de los referentes del rock nacional recalaron por esos años en España, conscientes de que debían exiliarse para proteger su vida y su obra. Residieron temporalmente allí tres de los pioneros, como lo eran Moris, Miguel Abuelo y Miguel Cantilo, además de otros que luego iban a formar parte de Virus (Daniel Sbarra) y Suéter (Miguel Zavaleta). En Ibiza, Barcelona o Madrid, estos músicos vivieron ese apogeo del rocanrol y el pop hispano, lo que constituyó un problema cuando volvieron a la Argentina: Cantilo armó Punch, Moris vino a revolear caderas y Miguel Abuelo renovó Los Abuelos de la Nada. El público local, cuya perspectiva sonora se había congelado en 1976, no entendía nada.
Nunca se ha profundizado mucho acerca de cuánto le debe el rock argentino de los 80 a esa movida española. Pero baste decir que “Carolina”, el primer gran éxito de Virus, es una versión de “Carolina querida”, tema que el grupo ibérico Moncho Alpuente y los Kwai publicó en 1980. Y que el sonido de la nueva ola nacional tenía no pocos puntos de contacto con aquellos intentos españoles de acercarse a ritmos como el rockabilly y el ska, sobre los que se entonaban letras simples que mezclaban romanticismo y humor, y que se enorgullecían de ser un mero pasatiempo. Sin duda, entre los más renombrados en eso de ponerle música a la movida madrileña, asomó el grupo Nacha Pop, encabezado por los primos Antonio Vega y Nacho García Vega. Escuchar sus primeros discos es suficiente para entender que hay una conexión directa entre ese desestructurado cancionero europeo y el que empezaría a sonar por todas partes en la Argentina, sobre todo cuando los aires democráticos destronaron el gris panorama cultural de la dictadura. Desfachatados, con raros peinados nuevos, anteojos oscuros y solapas levantadas, su imagen estaba a la altura de los tiempos que corrían, en los que ya no cabían ni los pelos largos ni los morrales hippies.
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Arriba: Antonio Vega y Carlos Brooking. Abajo: Antonio junto Nacho García Vega. Valladolid, Sep. 1987.
“Chica de ayer” fue su primer gran hit, un himno de los jóvenes españoles al que tiempo después se sumaría “Grité una noche”. A su alrededor, florecían nombres desopilantes, como Alaska y Dinarama, Duncan Dhu, Radio Futura o Mecano, pero Nacha Pop se distinguía porque destilaba en dosis exactas la faz divertida de Nacho y la melancólica de Antonio, una combinación explosiva que los transformó en referencia obligada del rock en español. En 1988, cuando se encontraban en la cima de la popularidad, resolvieron separarse, una decisión que marcaba el fin de una época. Tras desandar escenarios junto a otras formaciones y en carácter de solistas, los primos volvieron a tocar juntos en 2007, no casualmente el mismo año en que se reunieron The Police (máximos exponentes de la new wave británica) y Soda Stéreo (íconos del rock argentino de los 80). La idea de este renacer de Nacha Pop, sin embargo, no era rendir culto al pasado, sino pelear por un lugar en el presente. Nuevas composiciones se sumaron al repertorio y el público 16 THE GOOD NEWS #67
saludó con entusiasmo la iniciativa, pero el destino les iba a jugar en contra: en 2009 fallecía Antonio Vega, víctima de un cáncer de pulmón, y el proyecto quedaba trunco otra vez. En 2012, por iniciativa de Nacho García Vega, el grupo retomó sus giras, aunque con una formación distinta. Y a partir de viejas cintas que quedaron archivadas tras la muerte de Antonio, Nacha Pop acaba de publicar un nuevo álbum, Efecto inmediato, como muestra de que aquel espíritu que los animó en sus comienzos, hace casi 40 años, tiene todavía motivos por los cuales batallar. Vale la pena recorrer los 12 tracks del disco para, entre otras cosas, encontrar el eslabón perdido de un pop criollo que trajo alegría en sus valijas, al regresar del exilio.
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entrevista
El músico reflexiona sobre “Ceremonia”, el disco en el que las nuevas generaciones reversionan su legado y el de Ratones Paranoicos.
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martín brizio Crítico de Música
l histórico líder de Los Ratones Paranoicos se explayó a gusto sobre Ceremonia, el tributo que el sello Geiser realizó a los padres del “stone” argentino con las bandas que conforman su catálogo, la mayoría representantes de la movida indie y de las nuevas corrientes de la música nacional. En la pasada edición del Cosquín Rock se montó la carpa Ceremonia Geiser, con la mayoría de las agrupaciones que están en el disco y con Juanse como eje central, en la que se ofreció un show cada jornada con sus temas solistas y los clásicos paranoicos. “Hay bandas muy buenas, destacadas, las emergentes me encantan, pero también hay versiones de artistas que ya tienen un nombre y que están buenísmas. Y a nivel internacional también, me sorprendió mucho la versión que hizo Julieta Vengas con Francisca y los Exploradores”, comienza.
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–Lo raro es que son bandas de corte muy indie, pop o de música electrónica. –Es muy bueno, porque ahí es donde te das cuenta de que la música es un idioma realmente universal, ahí te das cuenta que las estructuras populares de la composición se pueden aplicar a todos los estilos. Obvio que sería complicado hacer que un tema de Yes lo interprete Chuck Berry, pero la música es una sola, y esto se siente, no es una obligación. Vamos a ser realistas, se podría interpretar también como “estoy muerto, somos un grupo que estamos empezando, necesitamos difusión, a mí los Ratones mucho no me gustan pero me meto lo mismo”. Se nota que hay entusiasmo. Por ejemplo: hay una versión de Juan Ingaramo que hace Carol solo con el piano que es notable, porque está expresando una dinámica diferente de un estilo que él no conoció. Me acuerdo
de Hurricane Smith, un tipo que fue famoso sólo por un una canción que se llamó Tema para una película muda. Él instintivamente toma ese estilo, y tenés que tener un componente creativo alto para hacerlo. Tenés que tener talento para tomar a Carol, que es del año 1987, y recomponerla. Salvando las distancias, me hace acordar mucho a Mercedes Sosa, cuando agarraba una canción de Charly, de Fito o de Luis, y después nadie podía volver a cantarla, porque la cambiaba totalmente. –Son todas muy buenas versiones. –No me quiero olvidar de ninguno pero fue muy buena la idea, el proyecto, y tuvo una gran respuesta, sobre todo porque hizo que se hable de lo que está pasando ahora con lo que antes se denominaba “la industria”, que ya se transformó en otro elemento. Estamos hablando desde otro ángulo.
Al repasar el listado uno por uno de los artistas y las canciones reversionadas, Juanse va asintiendo una por una, y en casos como Banda de Turistas, espeta un “estuvo muy bueno”. Al llegar a Chucky de Ipola, se detiene: “Esa es otra versión increíble. Chucky trabajó conmigo, fue tecladista de Los Ratones, de Los Piojos, trabajó con Andres (Ciro), pero lo que hizo… Hace mucho que no surge un tecladista de primer nivel, como Fito cuando tocaba con Charly. Él es un artista que hizo una versión de “Reflejos” excepcional, muy bien lograda, me pareció excelente. Me gustó todo, obviamente que no voy a decir qué no me gusta, pero independientemente de eso el disco está muy bueno, tiene de dónde agarrarse desde el contenido, mas allá de si a uno le gustan los Ratones o no. Es incuestionable desde ese lugar. Podés cuestionarle los distintos espíritus que mueven a las bandas para hacer las versiones, pero eso es natural, que cada uno se acerque a las canciones desde su lugar. De lo contrario, serían covers”. 22 THE GOOD NEWS #67
Ceremonia
(2017/Geiser Discos)
Tracklist 1- Mona lisa (Viva Elástico) 2- Sucia estrella (Diosque) 3- Isabel (Indios) 4- La avispa (UN) 5- Tomo y obligo (Hembro) 6- Para siempre (Francisca y Los Exploradores FT. Julieta Venegas) 7- Sigue girando (Ibiza Pareo) 8- La nave (Banda De Turistas) 9- Carol (Juan Ingaramo) 10- Colocado voy (Placer) 11- Enlace (Cállate Mark) 12- Cowboy (Fetzet FT. Juanse) 13- Lo que doy (Los Nuevos Monstruos) 14- Juana de Arco (Mauro Conforti & La Vida Marciana FT. Kike Passo) 15- El reflejo (Chucky De Ipola) Escuchar en Spotify
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una que sepamos todos martín brizio Crítico de Música
El rock progresivo marcó una época para la música popular. Sin embargo, sólo hoy sólo quedan recuerdos y bandas muy puntuales que representan el estilo. THE GOOD NEWS #67 25
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ara finales de la década de 1960 y comienzos de 1970 surgió en Inglaterra un género que llevaría el rock a niveles no conocidos hasta ese entonces. El virtuosismo, el anclaje con la música clásica, las óperas rock, los álbumes conceptuales, las canciones de 15, 20 y hasta 40 minutos se hacían presentes para dominar el mercado y llevar (casi) todo a ese lugar. Desde puertas que habían abierto los Beatles con discos como Magical Mistery Tour, Revolver y el Sgt. Pepper..., y los Beach Boys con Pet Sounds, una generación completa comenzó a experimentar y dejar que la música y la poesía fluyera sin límites, desafiando lo convenientemente estipulado para que las canciones rotaran en la radio y los discos se vendieran como pan caliente.
El año 1969 fue fundamental para su desarrollo y crecimiento. Los Beatles estaban a punto de separarse en medio de tensiones e inestabilidad interna. Ese año editan Abbey Road. Deep Purple marcó la huella de la fusión entre el incipiente hard rock con la música clásica al editar el Concierto para grupo y orquesta, creación del genial tecladista Jon Lord. Jethro Tull sacó su segundo disco, Stand Up (su gran momento llegaría dos años después con Aqualung), David Bowie apareció con Space Oddity, Pink Floyd con Ummaguma, The Who editó su primera ópera rock con Tommy y, principalmente, hicieron su debut tres agrupaciones que iban a ser determinantes: King Crimson, que de la mano del enorme guitarrista Robert Fripp y contando en sus filas con Greg Lake en bajo editaron In the court of the Crimson King; Genesis, con Peter Gabriel a la cabeza, debutaron con From Genesis to Revelation; y nada menos que Yes, con Jon Anderson, Chris Squire y Bill Bruford.
Los Beatles y los Beach Boys fueron la punta de la lanza de una revolución que cambiaría para siempre el rock como se lo conocía.
Para 1970 iba a aparecer la banda que definitivamente llevó todo esto a su máxima expresión. Ya tenía cierto nombre The Nice, más que nada por su tecladista Keith Emerson; Greg Lake era una figura importante por estar en King Crimson, y desde los Atomic Rooster llegaba el baterista Carl Palmer. Emerson, Lake & Palmer se transformó en el gran monstruo del rock sinfónico/progresivo por sus composiciones, sus faraónicos shows en vivo y por sus ventas, que terminaron por superar los 35 millones de álbumes. En el ‘73, Pink Floyd editó The Dark side of the Moon y ya nada volvería a ser igual. Ese disco logró que la banda se despegara puntualmente del concepto específico de “rock sinfónico y progresivo”, pasando a ser una de las bandas más populares y grandes de Inglaterra y del mundo. Todo era pomposo, todo era grandilocuente, Inglaterra sacaba bandas de este estilo hasta de abajo de las piedras, e incluso un nombre gigante como el de Led Zeppelin dejaba un poco su impronta de “blues blanco” y se metía en el mundo de las hadas, los castillos y la fantasía medieval con canciones de más de 10 minutos.
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En 1975, una agrupación de rock clásico tenía elementos sinfónicos y progresivos e iba a sacar un disco (A night at the opera) que contenía una canción que rompería todos los moldes: Bohemian Rhapsody de Queen era el primer hit que llegaba a los primeros puestos de todos los charts, superando los 6 minutos de duración, con su mezcla de balada, hard rock furioso, y principalmente una aria operística que le dio la trascendencia definitiva. Freddie Mercury entraba en el olimpo definitivo al escribir la que muchos consideran “la mejor canción de rock de todos los tiempos”.
El desmoronamiento Tanta ambición, hedonismo, demostración de poderes casi sobrenaturales y elevación a categoría de deidades para con sus protagonistas, previsiblemente, iba a tener su colapso. Y esa respuesta, que el mismo rock se encargó de ofrecer desde sus propios anticuerpos, se llamó punk. El rock se había transformado en algo para elegidos, para músicos millonarios que nada tenían que ver a esa altura con esos chicos callejeros que alguna vez fueron: multinacionales que facturaban millones, discos conceptuales ultra complejos y shows en vivo con puestas de altísimo presupuesto, comenzaban a alejar al público del consumo de semejante mercado. El punk llegó en el ‘76 para bajar a tierra todo eso que se había ido por las nubes, y para devolver a la calle el sentido de pertenencia de la música rock. Nacía el “hazlo tú mismo” de la mano del apocalíptico no future. 28 THE GOOD NEWS #67
El rock sinfónico empezó a sentir los efectos contraproducentes de haberse transformado en esa “música para músicos”, de intrincadas escalas y complejas armonías, teniendo que aggiornarse y reinventarse para subsistir, aunque para los puristas el tiro de gracia definitivo llegó con el boom del pop de los ‘80. Genesis perdió a Peter Gabriel en 1975 y un tal Phil Collins tomó la batuta. Es en el año ‘81, con el disco Abacab, cuando el giro del grupo fue definitivamente hacia nuevas aguas mucho más comerciales. Con Yes sucedió algo similar: a principios de esa década y después de lanzar el álbum Drama, el guitarrista Steve Howe se alejó y fue reemplazado por Trevor Rabin, con quien editaron, en 1983, el álbum 90125, que incluía el hit ultra radiable Owner of a lonely heart. Y por el lado de Pink Floyd, luego del gran suceso que había significado The Wall en el ‘79, las desavenencias entre sus líderes Waters y Gilmour hicieron que la banda colapse y, tras feroces disputas legales, el nombre quedó para Gilmour. El renacimiento fue en 1987 con Momentary lapse of reason, también con un sonido mucho más pop para adecuarse a la era de las FM y MTV.
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En la actualidad, muchas de aquellas “bestias sagradas” se mantienen en actividad. Algunos casos son David Gilmour y Roger Waters, Ian Anderson de Jethro Tull, alguna reunión de Yes o los proyectos aislados de los ex Genesis y ex King Crimson. Pero más vinculado al rock progresivo en sí, casi colindando con lo que se llama “metal progresivo”, los canadienses de Rush siguen teniendo el mango del sartén, habiendo irrumpido allá por los ‘70 y explotado en la década siguiente, época dorada del heavy metal. El camino que marcaron siguió teniendo muchos adeptos, y es tal vez la fabulosa banda Dream Theater la que mejor siguió sus pasos.
Carl Palmer, el último sobreviviente En la pasada edición del Cosquín Rock, un nombre propio sobresalía por sobre el resto. Carl Palmer, uno de los grandes bateristas de la historia, llegaba a las sierras cordobesas para dar un concierto a plena luz del día, tocando muy temprano y para (muy) poca gente que se acercó a ver lo que proponía este auténtico prócer. El contexto no pudo ser más desfavorable. Sin embargo, el hombre puso todo de sí y mostró el por qué de su fama, revalidando sus pergaminos aunque haya acaparado una mínima atención de una audiencia a la que, evidentemente, poco le importaba su inmenso talento. Palmer llegó a la provincia de Córdoba a dos meses del fallecimiento de Greg Lake, su histórico compañero del célebre trío. La tercera parte del grupo, Keith Emerson, se había ido también hacía poco (marzo 2016). Palmer es el último sobreviviente de una banda y de una era: otra de las razones que hicieron de su show algo histórico.
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lifestyle
Las mezclas perfectas Gustavo Brizuela y Joaquín Malki, dos bartenders de Johnny B Good, reflexionan sobre el boom de la coctelería que comenzó en nuestro país hace algunos años.
josé heinz Periodista · Editor TGN
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stán entre nosotros desde hace un buen tiempo, pero nunca con la fuerza de estos últimos años. Se los asocia con la buena vida y la sofisticación, con recetas antiguas aggiornadas para la actualidad y el ocio bien entendido, el que nos permite una experiencia placentera y enriquecedora. Todo lo anterior podría hacer referencia a los bartenders o los cócteles, y en realidad es en esa complementariedad donde radica su éxito: el boom de la coctelería es la mezcla entre el autor y su creación, el hombre y el trago, el hechicero y su truco de magia.
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experimentar en una barra. “El boom de la coctelería empezó en Europa y Estados Unidos y se trasladó con algo de delay a esta parte del mundo. Primero fue en Buenos Aires y después en el interior del país”, explica Malki. “Esta tendencia de bares y bartenders tiene una generación nueva, con mucho interés y potencial para la coctelería. Con lo poco que tenían para explotar, supieron trabajar bien y eso hizo que las marcas apoyaran más”.
Pero nada sería posible sin el eso lo anima a ir a lugares con aval y la complicidad de los fama de buena coctelería”, desclientes, que son los que en de- taca Brizuela. finitiva le dan vida a este buen momento en nuestro país: ba- Y luego agrega un factor clave, el del maestro de res especializados, acciones de marcas, la barra que educa paladares cada “... Por el amistosamente vez más sofisa sus clientes: problema que hay ticados. ¿Qué “El bartender con las importancosas son las ha aportado que explican ciones de bebidas, los su granito de el éxito? Gusbartenders estaban obli- arena para tavo Brizueel clienla y Joaquín gados a ser creativos tequetenga un Malki, dos de para poder hacer los paladar más los responsaamplio, una excocktails...” bles de las barras pectativa mayor de de Johnny B Good, lo que es la coctelería”. se reunieron con The Good News para repasar alguNo hay una única razón que nas ideas sobre el asunto. explique el fenómeno, desde “En estos últimos años hubo un luego, pero sí varias acciones gran incremento de la cocte- concretas que marcan pautas: lería. Los clientes se volcaron la llegada de nuevas marcas más a la barra, tienen conoci- en un mercado competitivo, la miento. Te preguntan sobre tra- profesionalización del oficio del gos, marcas”, apunta Malki. “Se bartender y un mayor conocihan expandido mucho no sólo miento de los clientes hacen a las propuestas, sino la deman- una situación que habla de un da. El cliente es más exigente, y argentino más predispuesto a 34 THE GOOD NEWS #67
Brizuela también sostiene que el lado creativo de la gente que trabaja en barra ha sido fundamental para este buen momento. “La marca apuesta a que el bartender haga un trabajo original, a partir de viajes o experiencias para su desarrollo en el oficio”, dice. Malki asiente: “El lado creativo es muy importante por el problema que hay con las importanciones de bebidas. Eso obligó a los bartenders a ser creativos para poder hacer los cocktails. Y eso influyó mucho en la creatividad”.
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Una coctelería desafiante “En JBG tratamos de despegarnos del concepto inicial americano con el que surgió la marca, e intentamos apuntar al servicio de la coctelería con fundamentos detrás de barra, plantear algo desafiante”, explica Gustavo. “En el cambio anual en la carta, tratamos de avanzar en cuanto a lo que se ve en la tendencia nacional e internacional, buscamos un equilibrio entre lo que la gente más consume y algo más elaborado. No es lo mismo visitar un bar muy pequeño, que puede dedicarle un buen tiempo a un trago, que un local mucho más grande”. ¿Cómo es el gusto argentino al momento de pedir un cocktail? Probablemente no hay un patrón que se repite siempre, pero sí ciertas características en común. Malki: “El paladar argentino es un poco dulce y cítrico. Por ejemplo, la gente aceptó bien el Negroni. La mayoría del público busca algo más frutado”.
“...Hay algunos que todavía relacionan el Daikirí con licuadora y frutas, cuando el clásico lleva ron blanco, almíbar y jugo de limón...” Luego se suma Brizuela: “En estos últimos años se ha visto un crecimiento súper potenciado de la coctelería clásica, de la vieja escuela, con versiones actualizadas. Hay algunos que todavía relacionan el Daikirí con licuadora y frutas, cuando el clásico lleva ron blanco, almíbar y jugo de limón, y se sirve en una copa que se enfría previamente. La gente está aprendiendo”. Cuando les toca estar del otro lado de la barra, como clientes, tanto Gustavo como Joaquín se inclinan por los tragos tradicionales, porque saben que son éstos los que definen la calidad de una barra. Más allá de las bienvenidas experimentaciones y los cócteles de autor, un clásico alcanza esa condición por la fuerza de su encanto. Y en eso no hay tendencia que pueda superarlo. 36 THE GOOD NEWS #67
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on tour
{ } Todo indica que el boom de la cocktelería se instaló definitivamente en buena parte de Argentina. Como todo fenómeno, el desafío pasa por convertirlo en una tradición y no sólo en algo pasajero. Manuela ghitta Colaboradora Especial
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os expertos coinciden, el boom de la coctelería en Argentina es un hecho. Hay incluso quienes hablan de Buenos Aires como la capital latinoamericana de este fenómeno. La ciudad, dicen, tiene la mejor escena de bares de América latina y una comunidad de bartenders que, entre creatividad y diversidad, la rompe. Pero la explosión tiene fundamento: “Hay una tradición de más de 100 años que avala a la nuestra como la capital coctelera”, se atreve Martín Auzmendi, periodista especializado, embajador de aperitivos del Grupo Campari, socio fundador de Buenos Aires Coctail y co-creador de Muza5K. Además autor del libro Cocteles en camino, quien hoy elige entre sus tragos favoritos un clásico Negroni o un Boulevardier.
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Si de gustos-tendencia se trata, aperitivos y amargos son ahora los más buscados, tanto en cócteles simples como en mezclas más complejas. Es que “en el país en el que el vino es la bebida nacional y no tenemos una espirituosa de raíz, la cultura inmigrante mediterránea determinó mucho y marcó una impronta que llega también a la coctelería”. Según explica Auzmendi, éste, el de los cócteles, es un boom que se ve tanto en la cantidad de bares que hay en la ciudad, como en la llegada de los bartenders y cócteles a la televisión, las revistas y las redes sociales, la presencia de barras de calidad en todos los eventos de marca, publicación de libros y reconocimiento internacional. Realidad que se encuadra dentro de un proceso más amplio de renovación de la cultura gastronómica en Buenos Aires “que hace que mucha más gente se interese por lo que come, lo que bebe, por lograr una experiencia más profunda y placentera”.
“... la renovación de la cultura gastronómica que hace que mucha más gente se interese por lo que come, lo que bebe...” Martín Auzmendi
Lucio Esquivo Bur, Jefe de barra de Darsena y fan de la familia de los Bloody Mary, supone que si bien hay lugares que pueden marcar una línea, en general “se va haciendo lo que la gente demanda”. Así, más allá de que “los clásicos nunca mueren” y que hace tiempo la noche porteña gira alrededor de los aperitivos, “en un año donde la tendencia en cuanto a bares fue la apertura de cervecerías, estamos armando tragos con cerveza, jugando mucho con eso. El Black Velvet, por ejemplo, es a base de cerveza negra y espumante. La movida va por ahí”. Y así como aparecen tendencias, desaparecen otras: el de paladar femenino versus masculino, por ejemplo. “Hace diez años, cuando empecé a trabajar, no veía muchas mujeres tomando whisky y en los últimos cuatro años eso cambió un 42 THE GOOD NEWS #67
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montón. Al mismo tiempo, ahora hay hombres que toman tragos que se consideraban propios de la coctelería femenina, como el Cosmopolitan o Daiquiri frozen. Ya no hay bebidas ideales para sexo determinado, hoy no hay diferenciación”, asegura Esquivo Bur.
“... Ya no hay bebidas ideales para un sexo determinado, hoy no hay diferenciación...” Lucio Esquivo Bur
Es que, como todo boom, retoma Auzmendi, es complejo. “El trabajo más importante es lograr que ésta no sea sólo una moda pasajera, sino una construcción de la coctelería como parte fundamental de la gastronomía y de los atractivos de Buenos Aires y otras ciudades del país. Como es imprescindible también tender puentes con toda Latinoamérica para construir una comunidad y una escena de bares y bartenders cada vez más fuerte, profesional y atractiva para el resto del mundo”.
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a revista Bar & Drinks, único medio especializado de toda América latina en bares y coctelería, anunció los ganadores de la décimo sexta entrega de los premios “Bar and Drinks Awards” con el soporte del grupo Pernod Ricard. Estos galardones, que se entregan desde 2001, otorga la máxima distinción a profesionales del bar y de la Industria de bebidas en el país. Los “Bar and Drinks Awards”, según su categoría, son entregados a bares y bartenders de todo el país y no sólo destacan los desempeños sobresalientes, sino que intentan marcar el pulso de las tendencias al tiempo que pretenden servir de plataforma para impulsar la carrera de los más jóvenes. Para la coronación la publicación organizó un evento especial en el que Brizuela presentó tres de sus creaciones de la mano de Jim Beam.
Go, champ! El pasado 7 de julio, la revista Bar & Drinks hizo entrega del premio a Mejor Barmanager 2016 de Argentina a Gustavo Brizuela, Bartender ejecutivo de Johnny B. Good. 46 THE GOOD NEWS #67
Es un orgullo para todos los que formamos parte de Johnny B. Good ver que el esfuerzo y la dedicación que, Gustavo nuestro barmanager, pone en cada una de las diecisiete barras de Johnny B. Good rinde fruto y continúa ganando reconocimiento.
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r at iona le I n d i e + R & B + p o p + s o u l Que sea indie-soul y vayamos directo al grano.
martĂn seisdedos Colaborador Especial
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xtremadamente tímido y bajo perfil, este zimbabwense nació hace 33 años bajo el nombre Tinashé Fazakerley. A sus nueve años, se mudó a Inglaterra donde al poco tiempo dio sus primeros pasos aprendiendo a tocar la guitarra y escribiendo algunas canciones. Un camino de ida.
Hizo escuela bajo el ala de Mark Crew (productor de Bastille, Rag n Bone Man y The Wombats) y cansado de fumarse el backstage, en 2010 -usando su propio nombre- decidió editar Saved, una placa con escasa repercusión pero con la intención de romper sus propias fronteras. No obstante, como buen soldado, entendió que esa no era su batalla, por lo que volvió a la trinchera y se recluyó detrás de las consolas y la composición esperando su mejor tiro. En 2015 con sigilo y la mira calibrada, pero con la seguridad de quien sabe esperar, mutó a Rationale y nos regaló Fast Lane y Something for Nothing. Dos temazos que llegaron a través de Spotify y Soundcloud y que, junto a Fuel to the Fire y Re.Up, prendieron los charts de la red. Y por eso fue que terminó ganándose el favor y los halagos de pesos pesados como Pharrell Williams, Justin Timberlake y del mismísimo Elton John. Otros que lo recibieron con loas fueron los Bastille que no
durmieron y lo reclutaron para su flamante sello, Best Laid Plans. Según él mismo, la metamorfosis de Tinashé a Rationale es como la de Bruce Wayne en Batman: Se volvió más oscuro, serio, muscular. Sin embargo, desde entonces, sólo publicó una decena de canciones en las plataformas de streaming y su Día D es el 6 de octubre cuando finalmente publique su primer disco, Rationale. Tinashé Fazakerley es casi un enigma, un artista del que muy poca info hay dando vueltas y tiene pocas canciones publicadas que avalen esta recomendación. Entonces, ¿por qué escucharlo? ¿Por qué interrumpir una de esas interminables y previsibles playlist de Spotify para darle la chance? Porque, a pesar de sus limitaciones, ese tipo la peleó desde abajo y con -mucha- actitud logró su objetivo y va por todo. Y, ojo, quizás no lo llegue lejos, pero pelearla y, en el peor de los casos, caer en su propia ley es donde reside el honor de todo buen guerrero. Respect.
Escuchar
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XX Por Dirty Ortíz
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I SEE you, 2017
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esde hace muchos años, el rock gira mordiéndose la cola sin avanzar un ápice. Es como un regodeo del género con sus propios logros anteriores, que vuelven a la palestra traídos por las jóvenes generaciones. La posibilidad que existe hoy de acceder a un infinito archivo virtual de álbumes e intérpretes, les facilita a los aspirantes la tarea de buscar en el pasado algo que, con algunos retoques, pueda sonar actual. El procedimiento no garantiza un resultado exitoso, pero le evita, a quien arranca, la angustia de empezar de cero. Difícil resistirse a retomar ese camino por el que otros han llegado a concretar sus sueños.
La crítica también alimenta ese circuito, premiando con su aval a quienes se encolumnan en la conspicua tradición rockera. Y eso es lo que le ocurrió al grupo londinense The xx, que en 2009, cuando sus integrantes todavía transitaban la adolescencia, fue saludado con elogios gracias a un debut discográfico que se sumergía en las aguas del más rancio afterpunk, para extraer de allí climas oscuros, a los que coloreaba con el pincel de nuevas tendencias. En 2012, reincidieron con el disco Coexist, en el que le imprimieron a su estilo un guiño hacia el brillo del pop, enfocando su referencia retro hacia New Order o Eurythmics.
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Cinco años se tomaron Romy Madley Croft, Oliver Sim y Jamie Smith para sintetizar todas esas influencias hasta que decantasen en una obra como I See You, que aspira a colocarse a la vanguardia, sin perder ese blend nostálgico que caracteriza al trío. Aquellos teenagers sorprendidos por su repentina celebridad han madurado artísticamente y depositan en este nuevo álbum toda la experiencia que han recogido en la última década. Tal vez la aventura solista de Jamie Smith (también cotizado como productor) haya sido el disparador de este crecimiento que los recupera como un actor de peso en la escena de la música actual.
Romy Madley Croft al frente, Oliver Sim en el bajo y Jamie xx en los teclados y percusiรณn.
Escuchar en Spotify
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The XX aspira a colocarse a la vanguardia, sin perder ese blend nostálgico que los caracteriza.
On Hold, el primer single extraído de I See You, monta las voces sobre el sample de un clásico de Hall & Oates, I Can’t Go for That (No Can Do), de 1981, que se acopla a esta nueva pieza mediante un mecanismo sublime. Say Something Loving, el segundo single, remite todavía más lejos en el tiempo y recupera una parte de Do You Feel It, un barroco tema del primer disco de Alessi Brothers, de 1976. Con extraordinario buen gusto, en I See You The xx lleva su propuesta al punto donde más luce. Y nos provee de una obra representativa de los tiempos que corren: en procura de avanzar, gana el que mejor retrocede.
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película hecha de de cuerpo puesto ámar
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mirá Por Celina Morgan
de Kleber Mendonça Filho, 2016.
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De qué esta hecha una mujer? Esa pregunta podría responderse con tan sólo un nombre: del papel que interpreta Sonia Braga en Aquarius. Si no salimos de la costilla de un hombre, o si en todo caso eso ya no importa, Jean-Luc Godard en 1961 también intentó responderlo con una película, Una mujer es una mujer, y Anna Karina hizo lo suyo sólo siendo una mujer.
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De la fuerza, de la tenacidad, del amor, de los hijos, de los no hijos, de toda la potencia que el movimiento femenino es capaz de ofrecer con tan sólo dejarse ser; ser una persona. Aquarius es la historia de Clara, quien vive en un edificio frente al mar en una zona tomada por los mercaderes inmobiliarios dispuestos a sacar provecho de las posibilidades que ofrece la renta turística. Pero Clara no quiere irse de su hogar, es la única de los habitantes del lugar que no firmó para que el edificio pueda ser demolido. Aquarius es una película hecha de huesos y sangre, de cuerpo puesto al servicio de la cámara para componer una danza de la resistencia, de la fortaleza y de la frescura de alguien que se sabe vivo y se asume frágil para poder dar batalla. La batalla de quien ha vivido pero que usa ese saber y esos años para fortalecer el deseo de una juventud que la sigue habitando. 60
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Aquarius es una película hecha de huesos y sangre, de cuerpo puesto al servicio de la cámara. Una película que a través de cada imagen construye relaciones entre los objetos, la historia, las pasiones y desencuentros de una vida absolutamente integrada al contexto, un relato de amor, de agua y de una mirada política que permanentemente abre preguntas, invitando al espectador a que elija y configure su propia percepción dentro de un paisaje pintado sin trazo grueso.
T.O.: Aquarius (Doña Clara) Género: Drama. Director: Kleber Mendonça Filho. Intérpretes: Sônia Braga, Humberto Carrão y Maeve Jinkings. Duración: 140 min. Origen: Brasil/Francia. Año: 2016.
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lovin’ couples
AMOREs POCHOCLEROS Un repaso por las parejas más emblemáticas del cine de los últimos años.
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Manuela ghitta
Colaboradora Especial
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eth y Scarlett en Lo que el viento se llevó. Rick e Illsa en Casablanca. Danny y Sandy bailando en Grease. Harry y Sally, obvio. Edward y Vivian en Mujer bonita. Celine y Jesse hablando, hablando y hablando más en Antes del amanecer. Jack y Rose peleándose por un pedacito de tabla en Titanic. Anna y William en Notting Hill. Incluso Mickey & Mallory Knox en Asesinos por naturaleza o Fiona y Shrek serían, sin lugar a dudas, protagonistas de cualquier lista sobre parejas inolvidables del cine que, entre butacas y pochoclos o entre sábanas y chocolates, enamoraron al público. Sí, también a aquellos que creen que el ‘para toda la vida’ de las películas es mucho. Hoy, si un ranking recopilara las parejas más románticas de la pantalla grande desde el año 2000 para acá, casi seguramente Ryan Gosling y Emma Stone –dos bombas– ocuparían el podio por sus interpretaciones de Sebastian Wilder y Mia Dolan en Lalaland. Esta historia de amor contemporáneo gira en torno a dos soñadores de Los Angeles que tratan de hacer realidad su fantasía. Así, entre canciones como City of stars o A lovely night, coreografías multicolores, las pecas de Emma en primer plano y las manos de Ryan sobre el piano, el público volvió a fanatizarse con ellos dos, como sucedió en 2011 cuando protagonizaron Loco y estúpido amor. Pero, claro, no serían la única pareja de este top 10.
Joaquin Phoenix + Scarlett Johansson Theodore Twombly y Samantha Her, 2013. Un amor futurista, no por eso menos real. La del hombre que se enamora del sistema operativo, ajá. Es que, aunque la relación emocional entre hombres y maquinas ya había sido explorada, tal vez nunca lo había sido de un modo tan e n t r a - ñable. THE GOOD NEWS #67 65
Joseph Gordon-Levitt + Zooey Deschanel
Bradley Cooper + Jennifer Lawrence
Tom Hansen y Summer Finn 500 días con ella, 2009.
Pat y Tiffany El lado luminoso de la vida, 2013. No importa que Cooper haya aclarado una y mil veces que jamás mantendría una relación con Lawrence, tampoco que Jennifer haya hablado más de una vez sobre cómo sudaba su compañero en los ensayos del film, para el público son y serán aquel héroe y aquella heroína con trastornos de conducta –¡pero súper atractivos! – que deciden participar de competencia de baile.
Chris Noth + Sarah Jessica Parker Carrie Bradshaw y Mr. Big Sex and the city, 2008. Fueron y volvieron. Él se casó con otra mujer, se divorció y tuvo miles de aventuras. Después de años de desencuentros buscó a Carrie en París y le declaró su amor. Por supuesto, Big fue siempre “el indicado”. La otra gran pareja de esta película: Carrie y Nueva York. 66 THE GOOD NEWS #67
Románticos y no románticos supieron amar a esta ‘pareja’, como también celebrar que, finalmente, Tom decidiera terminar de una vez por todas su tormentosa relación con Summer Finn que él –sólo él– consideró un romance idílico.
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Robert Pattinson + Kristen Stewart Bella Swan y Edward Cullen Crepúsculo, 2008. Él, un vampiro algo sexy y ella una humana poco adaptada a su entorno, encuentran la manera de estar juntos. Fueron pareja también en la vida real hasta que, hace no mucho, Kristen Stewart declaró que su relación con Pattinson había sido “sólo un producto”. Ups.
Ryan Gosling + Rachel McAdams Allie Hamilton y Noah Calhoun Diario de una pasión, 2004. Una de las películas románticas por excelencia. La clásica historia de un hombre pobre que se enamora de una joven de clase alta demostrando que, al menos en las películas, cuando dos personas quieren estar juntas vencen todos los obstáculos.
Brad Pitt + Angelina Jolie John y Jane Smith Sr. y Sra Smith, 2005. Marido y mujer, dos asesinos que trabajan para diferentes empresas, ocultando sus verdaderas profesiones. El rodaje de Sr. y Sra. Smith cambió para siempre la vida de los actores y se convirtió en el comienzo de una historia de amor que, 12 años más tarde, terminó en medio de acusaciones por maltrato. 68 THE GOOD NEWS #67
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Jack Nicholson + Diane Keaton
Rupert Grint Emma Watson
Erica Barry y Harry Sanborn Alguien tiene que ceder, 2003.
Hermione Granger y Ron Weasley Harry Potter, 2001.
mposible no adorar esta historia de amor y desamor entre dos personas que, ya grandes, no planeaban encontrarse. Aunque, perdón, es imposible pensar en Jack Nicholson sin recordar su pareja con Helen Hunt en Mejor… imposible, como también es difícil hablar de Diane Keaton sin nombrar al gran Woody Allen.
La autora JK Rowling declaró que Hermione debería haberse casado con Harry Potter, sin embargo, entre libros y películas, chicos y grandes supieron amar ésta historia entre el pelirrojo y la súper aplicada Hermione.
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Para mirarte mejor Sofía ferrero Columnista Especial
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Con contenidos cada vez más personalizados, Netflix le viene ganando la pulseada a la televisión por cable. ¿Llegó para quedarse definitivamente?
maginen un libro que sólo pueden leer los lunes y miércoles de 21 a 22. Ridículo, ¿no? Pues hasta hace no tanto acomodábamos nuestras vidas para poder ver lo que queríamos y no al revés.
En los últimos años, Netflix pareciera ser una manifestación divina de todo lo que siempre soñamos (e incluso de lo que aún no sabíamos que deseábamos): ver lo que queremos, cuando queremos e incluso con la posiblidad de bajar episodios y películas en diferentes dispositivos para tener accesos a ellos aun sin conexión a internet. Y todo eso, por una suma bastante modesta de dinero por mes. Además, podemos compartir la cuenta y transformarnos en una especie de Papá Noel del siglo 21. Por todo lo dicho, merece la pena tomarse el tiempo para evaluar esta plataforma y las nuevas maneras de ver televisión. 74 THE GOOD NEWS #67
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La pregunta es la siguiente: ¿remplazará Netflix a la televisión por cable? La respuesta que se apresura es un gran sí. Razones: un servicio de cable cuesta entre 800 y 1500 pesos en nuestro país. Netflix sale poco más de 100 pesos (además de la conexión a internet). Netflix no sólo da una sensación de libertad al tener acceso ilimitado a los contenidos, sino que hasta nos da placer pagarlo. Hay una cierta satisfacción al encender la televisión y saber exactamente qué ver, sin las molestias de bajar episodios, encontrar subtítulos y esperar a que todo eso salga bien. Además, no tenemos que perder el promedio de 130 horas al año viendo publicidad (tiempo estipulado de acuerdo a una estadística reciente sobre el incremento de la publicidad en horario central en canales de televisión).
Netflix funciona con un algoritmo un tanto torpe aun, pero que se irá delineando a medida que aumente la oferta. La mayor apuesta de Netflix es la creación de contenido, y para el 2017 la empresa anunció una inversión de dos billones de dólares en material propio. Esto incluye producciones de varios países, lo que le da a la plataforma una heterogeneidad que la hace apta para un público cada vez más amplio. Netflix funciona con un algoritmo un tanto torpe aun, pero que se irá delineando a medida que aumente la oferta en Argentina (cada país tiene acceso a contenido diferente por licencias con restricciones geográficas). Este algoritmo nos sugiere qué ver de acuerdo a lo que ya hemos visto. Es decir que se ahorran la costosa e imprecisa medición del rating por una herramienta 76 THE GOOD NEWS #67
que, al triangular los gustos por geografías, por ejemplo, tiene la infalible receta para hacer productos muy cercanos al gusto de sus usuarios. Por supuesto que el desarrollo de esta plataforma está íntimamente ligado al de las tecnologías: aparatos portátiles como tabletas y teléfonos con capacidad de streaming, posibilidad de usar sistemas operativos tan variados como Microsoft, Android, iSo, Smart TV y X-Box, junto con la mejora del ancho de banda y conexión a internet; etc.; esos mismos cambios han modificado nuestra forma de relacionarnos con los productos audiovisuales. En este sentido, hay que tener en cuenta que el contenido hecho para internet ha cambiado la manera de narrar te-
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levisivamente y es notable la rapidez con la que nos aburrimos. Prueben sentarse a ver un capítulo en la tele y cuenten cuántas veces chequean sus celulares durante el visionado. Con esto podríamos inferir que parte del éxito de la plataforma es la incapacidad de las empresas de cable para adaptarse a las nuevas demandas, a las nuevas maneras de ver y a los nuevos precios que internet ha impuesto (de gratis a 1000 pesos hay una gran diferencia). A no ser que sea tv satelital con acceso a contenido grabado, sin ataduras a la grilla de los canales, la tv por cable, tal como la conocemos, está en alta decadencia. Podríamos decir que Netflix no sólo ha remplazado a la televisión por cable, sino también al libro o al juego que llevábamos con nosotros para esperar el turno del dentista, soportar los viajes en colectivo y palear los tiempos muertos de la vida cotidiana. El futuro ya llegó y el que pueda interpretarlo será el que haga de eso algo que nos sirva a todos. Y el que no, pues será comido por el vertiginoso siglo 21 y sólo lo entenderá cuando le haya pasado por encima.
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Vivian Leigh y Clark Gable en Lo que el viento se llevó (1940).
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LA MEDIDA DE LAS COSAS CELINA MORGAN Crítica de Cine
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El cine se ha encargado de mostrar el amor por fuera de los prejuicios y las convenciones. Y así nos dice que hay muchas formas posibles de experimentarlo.
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Novelle Vague: Catherine Deneuve en Belle de Jour (1967)
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i hay algo que la modernidad cinematográfica nos enseñó, en consonancia con los revolucionarios años ‘60, es que las historias de amor no siempre terminan bien. Aquello del final feliz con los enamorados juntos eternamente y sellando ese sentimiento con un hijo, una casa, o alguna moraleja que tranquilizara la incertidumbre de los espectadores, se hizo trizas en el aire después de la Segunda Guerra Mundial. El movimiento socio cultural y político del mundo dejó de acompañar la fórmula del éxito hollywoodense. Las nuevas olas como la novelle vague en Francia, el cinema novo en Brasil, el new american cinema en Norteamérica, el free cinema en Inglaterra o el mismo nuevo cine argentino, pusieron de manifiesto el complejo entramado que envuelve la felicidad de una pareja. Algunos cineastas lo hicieron enrolándose en el existencialismo como modo de cuestionar las estructuras familiares, morales y conservadoras que sujetaban la libertad de los hombres. Otros, en cambio, se dedi84 THE GOOD NEWS #67
New Cinema: Jeff Bridges y Cybill Shepherd en The Last Picture Show.
caron a mirar y mostrar una Latinoamérica efervescente por revolucionar los modos de distribución de la riqueza, tiempos en los que el debate se planteaba en términos de capitalismo versus comunismo. Hoy, que hasta la palabra “capitalismo” pasó de moda porque naturalizamos su ordenamiento como si hubiéramos nacido con él, la tecnología tomó la posta de las reflexiones contemporáneas. Conocemos personas de nuestro gusto, talla y edad sin necesidad de prometer más tiempo que el del deseo, sólo con un click o un desliz táctil eliminamos o seleccionamos aventuras o amores. Y los moralistas de siempre empiezan a hablar de la falta de compromiso, de la pérdida de valores, del desmoronamiento de la relaciones verdaderas…
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se acompañan en sus sueños, y que de a poco van materializando eso que por momentos parecía tan lejano.
Siempre nos quedarán las imágenes
Un musical, dos pasiones, un amor y puntos suspensivos para el final de La La land. Mucho se escribió sobre lo efímero de los amores contemporáneos, como si lo efímero no formara parte del tiempo o como si el tiempo fuera el único indicador de cuánto vale un amor.
Chris Marker, un cineasta francés, eterno enamorado de la diferencia, se preguntaba en Sin Sol (1993) cómo se armaría un relato del mundo después de la Biblia y, acto seguido, una voz en off decía: “¡Ah! Ya sé, por suerte tenemos el cine”. El cine: ese enorme dispositivo con el que cada ser humano podrá armar un álbum fotográfico a la medida de sus recuerdos. En Her (2014), de Spike Jonze, Joaquin Phoenix, un hombre solitario que habita un mundo de gente que sólo se vincula a través de la tecnología, se enamora de una computadora. Y es una de las relaciones más eróticas que ha mostrado el cine a través de la voz (la voz de Scarlett Johanson, un dato no menor) como recurso visual.
Voy a empezar por el subtítulo: Una historia de amor. La La land (2016), el musical de Damien Chazelle que puso en escena no sólo un género propio del cine clásico, sino a dos de los actores más cool del momento. Ella es Mia (Emma Stone), de voz ronca, ojos enormes y cara de animé. Él es Sebastian (Ryan Goslyng), el carilindo de mirada nostálgica, medio loser pero encantador. Cada uno apasionado por lo que hace o por lo que quiere llegar a ser: Mia una actriz reconocida y Sebastian, un pianista, defensor y amante del jazz, surfeando para no ser absorbido por la industria del pop. Dos idealistas que 86 THE GOOD NEWS #67
En Once (2006), Jonh Carney nos muestra el encuentro de dos jóvenes músicos que de una manera bastante precaria intentan sobrevivir en un mundo que pareciera no tan hospitalario. Ella es inmigrante, con un hijo; él, un músico callejero que vuelve a la casa paterna para tratar de repensar cómo volver a Londres y recuperar su pareja. Lo cierto es que
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ambos se conectan y construyen una relación no demandada por la palabra amor. Y es amor lo que vemos. Los efímeros, esos amores que parecen quedar colgados o pendientes. Amores que son un pasaje, una mirada, una posibilidad, amores que son un encuentro. Ellos merecen un apartado especial en la historia del cine, en las autobiografías que hacemos de nosotros mismos y en un álbum que componga el retrato de esta época. ¿Quién nos enseñó que sólo lo que dura es lo que cuenta? ¿Quién nos enseño a medir el tiempo? El cine, justamente, puede captar la intensidad de aquello que afecta, de lo que enlaza, una mirada con otra, un gesto amoroso, un dolor, la vida misma sin necesidad de hacer ensayos vacíos que saquen conclusiones de cómo una vida debería ser vivida para que merezca ser contada. ¿Quién se atrevería a medir el valor de un amor para certificarlo como “un amor”?
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Con una propuesta enfocada al entretenimiento, en la que se destacan la ambientación y la gastronomía, Johnny B. Good ofrece todo lo necesario para lograr una experiencia memorable.
Johnny llega a Santiago La reconocida cadena de Bar-Restaurant Temáticos Musicales más grande de Argentina abrirá un local en la capital chilena. 92
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Ubicado en el shopping Alto Los Condes, resalta por su decorado escenográfico con imágenes cuyo eje central es el espíritu musical, y por una vista privilegiada, ya que se encuentra en el Mirador del Alto que posee el shopping. Se trata de 847 metros cuadrados con doble altura, que permiten generar diferentes ámbito y climas, significando una capacidad para 320 comensales. El local además cuenta con cabinas de DJ tanto interna como externa y un escenario, donde se podrán disfrutar de shows en vivo. El concepto musical se vive en todos sus aspectos, desde la gastronomía hasta la propuesta de iluminación, mobiliario y audiovisual. Ofreciendo una amplia gama de productos, que van desde una completa cafetería con desayunos abundantes hasta una selecta variedad de cocteles, Johnny B. Good tiene como misión superar las expectativas de los consumidores en todas las franjas horarias, durante todos los días del año. Uno de los principales protagonistas de la propuesta es el “Restaurant”, donde junto al After Office y After Hour, lo convierten en la mejor alternativa para el consumo y el esparcimiento, en un cálido y exclusivo ambiente de “bar”.
Para la primera mitad del 2018, Johnny B. Good tiene planificado la apertura de nuevos locales en Buenos Aires, Argentina. Además, seguirá expandiendo su crecimiento en Paraguay, seguido de una búsqueda de nuevos horizontes en Uruguay.
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Viajar hace bien, te lo aseguramos. ¿Playa, montaña o ciudad? Independientemente de cuál sea el destino, viajar suele ser una de las actividades preferidas de la mayoría de las personas. Incluso para algunos ha llegado a convertirse en una filosofía de vida, ya que aprovechan cada día libre para aventurarse en diversos destinos que les permitan generar nuevas experiencias y conocer diferentes escenarios. Por este motivo, Sancor Seguros y Prevención Salud desarrollaron una alianza estratégica con Aerolíneas Argentinas con el objetivo de premiar la contratación de nuevas coberturas. En virtud de ello, los beneficiarios sumarán Millas que luego, alcanzado determinado monto, podrán canjear por pasajes.
¡Adherirse al Programa es muy fácil! Para sumar Millas con Sancor Seguros debés contratar una nueva póliza de los productos seleccionados para el programa, solicitar una cuenta en Aerolíneas PLUS y registrarte en Mis Seguros Online, la plataforma virtual desde la que podés realizar diversas gestiones. Además, entre los beneficios que ofrece el Programa, accedés a sorteos de Millas. También podés sumar Millas con Prevención Salud. Tenés que afiliarte a cualquiera de los planes que participan en el Programa (A3, A4, A5, A6 y Plan Joven), solicitar una cuenta en Aerolíneas PLUS y registrarte al Sitio de Autogestión de Prevención Salud.
Para acceder a más información sobre el programa podés consultar en: Sancor Seguros: www.sancorseguros.com.ar/programademillas Prevención Salud: www.prevencionsalud.com.ar/programademillas
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