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#66 - MISCELLANY Cover: Rachel Hayes colorful patchwork pieces compliment Missoni’s summer 2018 campaign in White Sands National Monument. I patchwork policromi di Rachel Hayes accompagnano la campagna Estate 2018 della moda Missoni, nello scenario suggestivo di White Sands National Monument.
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MANIFESTO The Moodboarders is a glance into the design world, capable of capturing, in all of its many facets, what is extraordinary in the everyday. It is a measure of the times. It is an antenna sensitive enough to pick up on budding trends, emerging talents, and overlooked aesthetics. It is an adventure towards discovering the most original creativity. It is a savoury mix of contemporary news acquired through persistent involvement in even in the farthest corners of the design world, as well as an occasional dive into fashion, seeing as the two go hand in hand.
The Moodboarders Magazine è un occhio spalancato sul mondo del progetto, in tutte le sue multiformi declinazioni, capace di cogliere, anche nel quotidiano, lo straordinario. È la misura della temperatura epocale. È l’antenna sensibile capace di captare le tendenze sul nascere, i talenti che sbocciano, le estetiche trascurate. È un viaggio avventuroso alla scoperta delle creatività più originali. È una miscela sapida di notizie contemporanee, recuperate grazie alla frequentazione assidua del mondo del design, conosciuto nelle sue più segrete pieghe e, saltuariamente, in quello della moda, poiché le due discipline si tengono per mano.
www.themoodboarders.com
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CONTRIBUTORS CRISTINA MOROZZI
DOMITILLA DARDI
MELODIE LEUNG
Journalist, critic and art-director on the border between art, fashion
As a historian and curator, I observe design by reading and visiting exhibitions.
Observing, wondering and creating in between of architecture, art and design.
Giornalista, critica e art director sul confine tra design, arte e moda.
Storica e curatrice, osservo e studio il design attraverso libri e mostre.
Tra architettura, arte e design: osservo, mi stupisco, creo.
FRANCESCA TAGLIABUE
LI JUN
Moving above the lines as much as needed, I would love to live in tree house designed by Mies van der Rohe
I’d be surrounded by the rich colors of this world, and continue to push the boundaries of design and art.
Sopra le righe quel poco che basta, vorrei abitare in una casa sull’albero progettata da Mies van der Rohe.
Vorrei essere circodata dal colore pieno di Memphis e continuare spingere i confini di arte e design.
GENNARO ESPOSITO It was 1991, and the only thing I knew for sure was that I would never do what other restaurants were doing. Era il 1991 e l’unica certezza che avevo era che non avrei fatto le stesse cose degli altri ristoranti.
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PETE BREWIS After over a decade of editing design magazines, I’ve taken to the road for a year, traversing the world in search of wonder Dopo un decennio trascorso scrivendo per riviste di design, mi sono messo in viaggio per un anno alla ricerca delle meraviglie del mondo.
EDITORIAL STAFF
CRISTINA MOROZZI Editor- in-Chief
MELISSA MARCHESE Translator
ERIKA MARTINO
LUCA MAZZA
GIULIA PACI
MASSIMO LUTTAZI
Founder and Managing Editor
Editorial Staff
Founder and Art Director
Web Content Editor
NOEMI PATRIARCA Graphic Designer
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CONT ENTS SOMMARIO
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BODYS ISEK KINGELEZ New York’s MoMA is hosting the City Dreams exhibition, running from May 26, 2018 to January, 2019; the exhibition, designed by artist Carsten Höller... Il MoMA di New York dedica la mostra City Dreams - dal 26 maggio 2018 all’1 gennaio 2019 - con allestimento dell’artista Carsten Höller, allo scultore/artista...
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ARTIGIANATO E PALAZZO In May, as the roses bloom, Princess Giorgiana Corsini opens the doors to her villa, her gardens and greenhouses that harbor lemon trees throughout... A maggio, quando fioriscono le rose, la principessa Giorgiana Corsini apre il suo palazzo, il giardino con le serre, dove in inverno sono ricoverate le conche...
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FONDAZIONE CARRIERO Milan is a secretive city that shrewdly reveals what it has to offer. Fondazione Carriero, on via Cino del Duca next to Palazzo Visconti, hosts a number of... Milano è una città segreta, che svela i suoi tesori con oculatezza. In via Cino del Duca, confinante con il noto Palazzo Visconti, c’è la fondazione Carriero, che ospita...
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AZZEDINE ALAÏA: THE COUTURIER The Azzedine Alaïa: The Couturier exhibition in London’s Design Museum, on from May 10th to October 7, 2018, was curated by Mark Wilson and the... La mostra Azzedine Alaïa: The Couturier, presso il Design Museum di Londra (10 maggio - 7 ottobre 2018), è stata curata da Mark Wilson e dal condirettore del...
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OSVALDO BORSANI Milan’s La Triennale will be dedicating a vast retrospective and corresponding catalogue to the design and business owner, Osvaldo Borsani, until September... La Triennale di Milano dedica fino al 16 settembre 2018 un’ampia retrospettiva, accompagnata da un corposo libro-catalogo, a Osvaldo Borsani, progettista....
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RACHEL HAYES American artist Rachel Hayes showed for the first time in Milan, in Missoni Home, during the Salone del Mobile. Missoni sought her out to design the set... L’artista americana Rachel Hayes, durante il Salone del Mobile ha esposto per la prima volta a Milano nello showroom di Missoni Home, chiamata da Angela...
SANLORENZO Nautical atelier Sanlorenzo celebrates their 60th birthday in 2018. They are one of the leading yacht and super yacht manufacturers in the world, set... Sanlorenzo, Atelier della nautica, festeggia nel 2018 il suo 60esimo compleanno. È uno dei principali cantieri al mondo nella produzione di yacht e super yatch...
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I think we should look beyond the Salone del Mobile, keeping in
line with The
Moodboarders’ multidisciplinary approach, to not only design, but artisan craftsmanship, art and fashion
Credo convenga guardare anche al di là della Settimana del Salone del Mobile per privilegiare la vocazione alla multidisciplinarietà di The Moodboarders, raccontando non solo il design ma anche l’artigianato, la moda e l’arte
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EDITORIAL by Cristina Morozzi
MISCELLANY Milan’s 2018 Salone del Mobile was held this past April (17th to 22th). The crowds and events have never been so numerous, and the design week catalyzed our attention, caught our eyes with images and inspiration, and filled our minds with thoughts and reflections. I think it is wise to de-cork, decant and get a good taste before indigestion sets in. The Moodboarders, being multidisciplinary, is shifting its gaze from design to artisan craftsmanship, art and fashion, all on display during Milan’s Miart this past April (13th to 15th). A miscellany-filled edition that travels from Milan, Florence and La Spezia to New York and London. The inclusion of Azzedine Alaïa was no accident. London’s Design Museum has dedicated an exhibition to him, solidifying his place as a one-ofa-kind within the contemporary fashion panorama. It shows how fashion, along with design and architecture, sits in the front row of the Parnassus.
Durante la Settimana del Salone del Mobile 2018 (17-22 aprile), Milano, mai così affollata di eventi e visitatori, ha catalizzato l’attenzione, riempito gli occhi d’immagini e di suggestioni, la mente di pensieri e riflessioni. Credo convenga decantare per assaporare meglio, altrimenti si rischia l’indigestione, volgendo lo sguardo anche altrove per privilegiare la vocazione alla multidisciplinarietà di The Moodboarders, raccontando non solo il design ma anche l’artigianato, la moda e l’arte, che ha avuto la sua vetrina a Milano durante il Miart (13-15 aprile). Ecco dunque un numero-miscellanea che spazia tra Milano, Firenze, La Spezia, New York e Londra. Raccontare di nuovo Azzedine Alaïa è una scelta precisa. La mostra in corso al Design Museum di Londra restituisce allo stilista la statura di un creatore unico nel panorama della moda contemporanea. L’esposizione dimostra come la moda sia un’arte che nel Parnaso siede in prima fila assieme a design e architettura.
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#66 - MISCELLANY MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Close-up of Ville de Sète 3009. Paper, cardboard, plastic and other materials. 80 × 300 × 210 cm. Next page: City Dreams. Untitled, 1980. Paper, cardboard and other materials. 83.6 × 37.8 × 24.5 cm. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Dettaglio di Ville de Sète 3009. Miniatura realizzata nel 2000 con carta, cartoncino, plastica, e altri materiali. 80 × 300 × 210 cm. Pagina successiva: City Dreams. Untitled, realizzato nel 1980 con carta, cartoncino e altri materiali. 83.6 × 37.8 × 24.5 cm.
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BODYS ISEK KINGELEZ New York’s MoMA is hosting the City Dreams exhibition, running from May 26, 2018 to January, 2019; the exhibition, designed by artist Carsten Höller, features Congolese sculptor Bodys Isek Kingelez’s miniature, ideal cities ocut from paper and cardboard. Bodys lent his obsessive attention to detail to create colorful cities made up skyscrapers, museums, fountains, squares, towers, and obelisks. The cities were already on display in the Fondation Cartier in 1995, and today, continue to evoke a sense of utopia, inviting one to imagine a peaceful metropolitan existence. “My cities are peaceful, lawful and free places, where police and military forces will never be needed”, stated the artist. Despite being imaginary places, the cities draw inspiration from Belgian decò architecture and Chinese pagoda design commissioned by Mobutu Sese Seko when he came into power in 1965. His positive message has more bitter undertones concerning the failure of colonial politics. Bodys’ exuberant, multi-colored ideal cityscapes, like most African art, reveal the continent’s contradictions with dazzling immediacy.
Il MoMA di New York dedica la mostra City Dreams - dal 26 maggio 2018 all’1 gennaio 2019 - con allestimento dell’artista Carsten Höller, allo scultore/artista congolese Bodys Isek Kingelez, che costruisce città ideali in miniatura in carta e cartone, ossessive nei dettagli. Le città di Bodys hanno grattacieli, musei, monumenti, fontane, piazze, torri, obelischi e sono coloratissime. Erano già state esposte alla Fondation Cartier nel 1995 e ritornano oggi utopiche, come invito a immaginare una vita metropolitana felice. “Le mie città” dichiara l’artista “sono un luogo di pace, giustizia e libertà universale e non avranno mai bisogno né di poliziotti né di un esercito”. Sono città di fantasia, ma hanno la loro fonte d’ispirazione nei frammenti di architettura decò belga e nelle pagode costruite da progettisti cinesi invitati da Mobutu Sese Seko, quando prese il potere nel 1965. Il messaggio positivo contiene in filigrana l’amarezza per il fallimento della politicala coloniale. Le policrome, esuberanti città ideali di Bodys, come molta dell’arte africana, rivelano le contraddizioni di questo grande continente con folgorante immediatezza.
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MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Close-up of Kimbembele Ihunga, 1994. Paper, cardboard, plastic and other materials. 130 × 185 × 320 cm. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Dettaglio di Kimbembele Ihunga. Miniatura realizzata nel 1994 con carta, cartoncino, plastica, e altri materiali. 130 × 185 × 320 cm.
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MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Kinshasa la Belle, 1991. Paper, cardboard, and other materials. 63 × 55 × 80 cm. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Kinshasa la Belle. Miniatura realizzata nel 1991 con carta, cartoncino e altri materiali. 63 × 55 × 80 cm.
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#66 - MISCELLANY MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Ville de Sète 3009. Paper, cardboard, plastic and other materials. 80 × 300 × 210 cm. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Ville de Sète 3009. Miniatura realizzata nel 2000 con carta, cartoncino, plastica, e altri materiali. 80 × 300 × 210 cm.
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MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Close-up of Kinshasa la Belle, 1991. Paper, cardboard, and other materials. 63 × 55 × 80 cm. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Dettaglio di Kinshasa la Belle. Miniatura realizzata nel 1991 con carta, cartoncino e altri materiali. 63 × 55 × 80 cm.
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My cities are peaceful, lawful and free places,
where police and military forces will never be needed
MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Sports Internationaux, 1997. Paper, plastic and other materials. 90 × 85 × 25 cm, irregular. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Sports Internationaux. Realizzato nel 1997 con carta, plastica e altri materiali. 90 × 85 × 25 cm, irregolare.
Le mie città – dichiara Bodys Isek Kingelez a cui il MoMA dedica la mostra City Dreams – sono un luogo di pace, giustizia e libertà universale e non avranno mail bisogno né di poliziotti né di un esercito
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MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Close-up of Kimbembele Ihunga, 1994. Paper, cardboard, plastic and other materials. 130 × 185 × 320 cm. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. Kimbembele Ihunga. Miniatura realizzata nel 1994 con carta, cartoncino, plastica, e altri materiali. 130 × 185 × 320 cm.
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MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. U.N., 1995. Paper, cardboard, and other materials. 91 × 74 × 53 cm, irregular. MoMA, Bodys Isek Kingelez: City Dreams. U.N. Miniatura realizzata nel 1995 con carta, cartoncino e altri materiali. 91 × 74 × 53 cm, irregolare.
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MoMA, Body Isek Kingelez, photographed in front of Étoile Rouge Congolaise, 1990. Paper, cardboard and other materials. 85 × 92 × 50 cm. MoMA, Body Isek Kingelez fotografato davanti a un particolare della sua miniatura Étoile Rouge Congolaise, realizzata nel 1990. In carta, cartoncino e altri materiali. Dimensioni: 85 × 92 × 50 cm.
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The artisan stars of Artigianato e Palazzo, demonstrating how to handcraft various products. Pictured, Duccio Banchi, who forges bronze objects in Florence. Protagonisti di Artigianato e Palazzo, i processi di lavorazione dei diversi prodotti. Nella foto, Duccio Banchi, bronzista a Firenze.
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artigianato E PALAZZO In May, as the roses bloom, Princess Giorgiana Corsini opens the doors to her villa, her gardens and greenhouses that harbor lemon trees throughout the winter, to host “Artigianato e Palazzo”. The yearly event, organized in collaboration with Neri Torrigiani, is dedicated to Italian craftsmanship. This year saw fundraising to reopen the Museo di Doccia (Sesto Fiorentino), a rundown building where original ceramics, including those of Gio Ponti, are housed. After years of abandon, the museum was recently purchased by the Ministero dei Beni Culturali, but requires immediate restoration due to water damage that threatens the patrimony that lies within. Artist Duccio Maria Gambi is taking part in the fundraising, having created twenty unique pieces for Doccia, each a mix of cement and fine porcelain. All the proceeds go directly to the museum’s restoration. For the first time, the “Artigianato e Palazzo” exhibition hosted Manifattura Richard Ginori, who set up a laboratory to reveal the secrets of porcelain manufacturing.
A maggio, quando fioriscono le rose, la principessa Giorgiana Corsini apre il suo palazzo, il giardino con le serre, dove in inverno sono ricoverate le conche di limoni, per ospitare “Artigianato e Palazzo”, l’annuale manifestazione organizzata in collaborazione con Neri Torrigiani e dedicata all’artigianato d’eccellenza italiano. Quest’anno la rassegna ha promosso anche una raccolta fondi per la riapertura del Museo di Doccia a Sesto Fiorentino, struttura fatiscente che ospita capolavori di porcellana tra i quali inediti pezzi di Gio Ponti. Dopo anni d’abbandono il museo è stato recentemente acquisito dal Ministero dei Beni Culturali ma necessita di restauri urgenti affinché il patrimonio che custodisce non si danneggi definitivamente per le infiltrazioni d’acqua. Alla raccolta fondi collabora anche l’artista Duccio Maria Gambi, che ha realizzato per Doccia venti oggetti unici in cemento che inglobano pregiati pezzi di porcellana. I proventi della vendita saranno devoluti al restauro del Museo di Doccia. Tra i partecipanti a Artigianato e Palazzo per la prima volta anche la Manifattura Richard Ginori, che ha allestito un laboratorio per far conoscere i segreti dell’arte della porcellana.
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JHA Porcelain, fully handcrafted by ceramic artist Jacqueline Harberink, pictured as she works. JHA Porcelain, creazioni realizzate interamente a mano dall’artista e ceramista Jacqueline Harberink. Nella foto, il processo di lavorazione.
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A portrait of Duccio Maria Gambi, interior and furnishing designer based in Florence. Ritratto di Duccio Maria Gambi, designer di mobili e di interior, con base a Firenze.
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The Museo Richard-Ginori facade, Manifattura di Doccia, Sesto Fiorentino, credits Amici di Doccia-Arrigo Coppitz. La facciata del Museo Richard-Ginori della Manifattura di Doccia, Sesto Fiorentino, credits Amici di Doccia-Arrigo Coppitz.
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Gio Ponti for Richard Ginori. Left: an urn and inkwell. Conversazione Classica, 1924-1927. Plumed vase and sculpture by Geminiano Cibau based on Gio Ponti’s designs; in the middle double-necked vase (1925), inkwell (1924) and paperweight (1925); Conversazione Classica collection. Small vase (1923), Le Attività gentili collection, jewelry box and salt shaker (1924), a pavimento collection. Right: three bowls and a vase (19241927), Monte Santo collection. Vase (1927), Straccione, and mustard container (1929), Castelli o Archi e paesi collection. Visione d’insieme di porcellane di Gio Ponti per la Richard-Ginori. Da sinistra un'urna ed un calamaio dalla serie della Conversazione classica, 19241927, un vaso piumato e una scultura realizzata da Geminiano Cibau su disegno di Gio Ponti; al centro un vasetto a doppio collo, 1925 e un calamaio, 1924, un’erma come fermacarte, 1925, un vasetto dalla serie Le Attività gentili, 1923, un portagioie o saliera a pavimento, 1924. A destra tre boli ed un vasetto dalla serie del Monte Santo, 1924-1927, un vaso con lo Straccione, 1927, una senapiera o veliera dalla serie a Castelli o Archi e paesi, 1929.
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This year’s
Artigianato a Palazzo exhibition
promoted fundraising to reopen the Museo di Doccia (Sesto Fiorentino), home to porcelain
masterpieces
Il grande evento della Settimana del Design è stato l’inaugurazione della Torre, il nuovo edificio della Fondazione Prada. In sintesi il massimo della qualità sin nei minimi dettagli, che da sempre distingue le realizzazioni promosse da Prada.
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Several sketches by Duccio Maria Gambi, part of Gio Ponti’s archives. The artist created beautiful art deco pieces for Richard Ginori. Gli schizzi di Duccio Maria Gambi (in queste foto, due esempi), sono parte dell’archivio di Gio Ponti: il designer ha creato alcuni bellissimi pezzi Art-Deco per Richard Ginori.
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Clockwise, from top: Lastrucci mosaics; Luca Crevenna restores an antique typewriter in his Brianzabased workshop; feathers by Mazzanti (photo by Dario Garafalo); leather by Bussetto Firenze; furs by Maria Paola Pedetta; shoes by Piedaterre (photo by Dario Garafalo). Dall’alto, in senso orario: mosaici Lastrucci; Luca Crevenna mentre restaura un antico modello di macchina da scrivere nel suo laboratorio in Brianza; Mazzanti piume, ph Dario Garofalo; il Bussetto Firenze cuoio; Maria Paola Pedetta pellicce; Piedaterre scarpe furlane ph Dario Garofalo.
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cabaret In the presence of 1.500 participants, the Czech company Lasvit, based in Novy Bor, won the 2018 Milano Design Award. The Teatro Gerolamo in Piazza Beccaria, recently renovated after 30 years of disuse, and certainly restored to its previous architectural splendor, hosted Lasvit’s “Monster Cabaret”, curated by Maxim Velcovsky. It is thanks to Stephen Hamel, director of communications from 2007, when the company was founded by Leon Jakimic, that their glass creations have gained international fame. The small theatre welcomed 108 Neverending Glory lamps, and a burlesque performance. On the third floor, a collection of polychrome bohemian glass monsters, fruit of the imagination of international designers including Alessandro Mendini, Fernando and Humberto Campana, Nendo, Fabio Novembre, Daniel Libeskind, Marteen Baas, Moritz Valdemayer, Maurizio Galante…the provocative collection of monsters represented, as Leon Jakimic put it, “a real challenge for the artists”.
Cecilia Falciai specializes in Florentine mosaics, marble works and hard stone-work. She is pictured handcrafting a piece. Cecilia Falciai, specializzata nella tecnica del mosaico a commesso fiorentino e nell’arte della scagliola in pietre dure e marmi. Nella foto, mentre lavora il materiale a mano.
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In May, as the roses bloom, Princess Giorgiana Corsini opens the doors to her villa to host Artigianato e Palazzo, a yearly event
dedicated to Italian craftsmanship
A sketch by Duccio Maria Gambi. Uno schizzo di Duccio Maria Gambi.
A maggio, quando fioriscono le rose, la principessa Giorgiana Corsini apre il suo palazzo per ospitare Artigianato e Palazzo, l’annuale manifestazione dedicata all’artigianato d’eccellenza italiano
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FONDAZIONE CARRIERO Milan is a secretive city that shrewdly reveals what it has to offer. Fondazione Carriero, on via Cino del Duca next to Palazzo Visconti, hosts a number of international exhibitions. This year, in concomitance with Miart (April 13-15), they inaugurated “Between the Lines”, an exhibition by Sol LeWitt, curated by Francesco Stocchi and Rem Koolhaas, who has stepped outside his role of architect for the first time. Art enthusiast Giorgio Carriero and Ennio Brion, president of the scientific committee, created the Fondazione Carriero with the goal of promoting and divulging contemporary art and culture. The foundation is located in Casa Parravicini, one of Milan’s few private residences dating back to the fifteenth century; the facade is covered in brick, a precious material and a Lombardian tradition. The adjoining Palazzo Visconti lies in stark contrast; the third floor interior is decorated with frescoes. Gae Aulenti restructured Casa Parravicini’s interior after it was purchased and used as a private bank. The “Between the Lines” exhibition looks at Sol LeWitt’s works with the ambitious objective of overcoming the fracture between art and architecture, thanks to the visual dialogue created between Rem Koolhaas and Francesco Stocchi.
Milano è una città segreta, che svela i suoi tesori con oculatezza. In via Cino del Duca, confinante con il noto Palazzo Visconti, c’è la Fondazione Carriero, che ospita mostre di alto livello internazionale. Quest’anno in concomitanza con il Miart (1315 aprile) ha inaugurato la mostra di Sol LeWitt “Between the Lines” a cura di Francesco Stocchi e Rem Koolhaas, per la prima volta in veste di curatore e non di architetto. La Fondazione Carriero nasce dalla grande passione per l’arte del suo fondatore Giorgio Carriero, con la collaborazione di Ennio Brion, presidente del comitato scientifico, con l’obiettivo di promuovere e divulgare l’arte e la cultura contemporanea. La Fondazione ha sede all’interno di Casa Parravicini, uno dei pochi edifici privati di Milano risalenti al quattrocento, caratterizzato dalla facciata con i mattoni a vista - materiale privilegiato della tradizione lombarda. Il terzo piano che si trova all’interno dell’adiacente Palazzo Visconti contrasta con i precedenti per le pareti e i soffitti decorati con affreschi. Gli interni furono riadattati da Gae Aulenti quando Casa Parravicini ospitò la sede di una banca privata. La mostra “Between the Lines”, grazie alla curatela di Rem Koolhaas in dialogo con Francesco Stocchi, l’altro curatore, affronta l’opera di Sol LeWitt con l’ambizioso obiettivo di superare la frattura che separa l’architettura dall’arte.
Sol LeWitt, wall drawing #1104: four-direction line combinations, 2003. Marker on mirror. Sol LeWitt, wall drawing #1104: tutte le combinazioni di line nelle 4 direzioni, 2003. Pennarello nero su specchio.
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Fire, enameled aluminum, 207,01 x 45,72 x 45,72 cm. Julie e Edward J. Minskoff collection. Initial design, Toon Verhoef; initial installation Edams Museum, Edam, NL, September 2003. A view of the Sol LeWitt installation, Between the Lines, Fondazione Carriero, Milan. Photo: Agostino Osio. Alluminio smaltato a forno 207,01 x 45,72 x 45,72 cm. Collezione di Julie e Edward J. Minskoff. Pennarello nero su specchio; disegnato la prima volta da Toon Verhoef; prima installazione: Edams Museum, Edam, NL, settembre 2003. Gentile concessione di Sol LeWitt. Vista dell’installazione di Sol LeWitt, Between the Lines, presso Fondazione Carriero, Milano. Foto: Agostino Osio.
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View of Sol LeWitt’s Between the lines installation, Fondazione Carriero, Milan, 2018. Photo: Agostino Osio, Julie e Edward J. Minskoff collection. Vista di Sol LeWitt, Between the Lines, presso la Fondazione Carriero, Milano, 2018. Foto: Agostino Osio; collezione Julie e Edward J. Minskoff.
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Sol LeWitt, Autobiography, 1980. With permission, Sol LeWitt. Sol LeWitt, Autobiography, 1980. Gentile concessione di Sol LeWitt.
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This page: Sol Le Witt, Inverted Spiraling Tower, 1988. Next page: Sol LeWitt, Complex Form #34, 1990. With permission, Franz West. In questa pagina: Sol LeWitt, Inverted Spiraling Tower, 1988. Pagina successiva: Sol LeWitt, Complex Form #34, 1990. Gentile concessione di Franz West.
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Art enthusiast and founder Giorgio Carriero created the Fondazione Carriero with the goal of promoting
and divulging contemporary art and culture
La Fondazione Carriero nasce dalla grande passione per l’arte di Giorgio Carriero, suo fondatore, con l’obiettivo di promuovere e divulgare l’arte e la cultura contemporanea
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AZZEDINE ALAÏA: THE COUTURIER The Azzedine Alaïa: The Couturier exhibition in London’s Design Museum, on from May 10th to October 7, 2018, was curated by Mark Wilson and the museum’s co-director Alice Black in collaboration with Azzedine before his death in November, 2017, along with Carla Sozzani. An installation of monumental panels in various metals accompany 60 creations; the panels mimic the texture of the pieces, and include Marc Newson’s anodized aluminum that resembles embossed fabric and Konstantin Grcic’s mirrored aluminum, manufactured by Ronchetti. These panel designs were created with Alaïa’s sculptural garments in mind. The exhibition not only featured Newson and Grcic, but collaborative works by designers Ronan & Erwan Bouroullec and Kris Ruhs, friends of Azzedine (he was a collector of their pieces as well). The installation is based around the panels’ material qualities, much like Alaïa’s obsession with the textiles that give shape to his creations. He often used specially-made thick jersey, or leather sculpted into thick braids and perforations. The exceptional, clear choreography highlights Alaïa’s creations’ timelessness, lying outside passing fashion trends. In the fashion designer’s words, written in large print at the exhibition’s entrance, “my obsession is to make women beautiful; when you create with that in mind, things can’t go out of fashion”.
La mostra Azzedine Alaïa: The Couturier, presso il Design Museum di Londra (10 maggio - 7 ottobre 2018), è stata curata da Mark Wilson e dal condirettore del museo Alice Black con la collaborazione di Azzedine - prima della sua morte nel novembre 2017 - e di Carla Sozzani. La mostra accoglie 60 creazioni all’interno di una coreografia creata da una serie di pannelli monumentali in vari materiali, tra i quali uno simile a un tessuto a rilievo in alluminio anodizzato disegnato da Marc Newson e uno in acciaio specchiato di Konstantin Grcic realizzato da Ronchetti, entrambi pensati per sottolineare le qualità scultoree degli abiti di Alaïa. Alla mostra, oltre Newson e Grcic, sono stati invitati a collaborare i designer Ronan & Erwan Bouroullec e Kris Ruhs con i quali Azzedine aveva un rapporto di amicizia e dei quali era collezionista. L’installazione, basata sul fascino delle qualità materiche dei pannelli, corrisponde all’ossessione di Alaïa per i materiali, capaci di dare corpo ai suoi abiti, come i tessuti in spesso jersey che sovente faceva realizzare appositamente o come la pelle che scolpiva, creando complessi intrecci e trafori.La speciale e nitida coreografia sottolinea l’atemporalità delle creazioni di Alaïa, indipendenti dalle tendenze passeggere della moda, pensate per rendere attraenti le donne, come sottolinea una dichiarazione dello stilista, scritta a caratteri cubitali all’ingresso della mostra: “la mia ossessione è rendere belle le donne; quando crei con questa idea in mente, le cose possono andare oltre la moda”.
The Azzedine Alaïa: The Couturier exhibition is an exceptional tribute to the famous designer. Photo. mark Blower. La mostra Azzedine Alaïa: The Couturier è un bellissimo tributo al celebre couturier. Foto Mark Blower.
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Azzedine Alaïa: The Couturier is a never-before-seen showing of the designer’s work, from his first sketches to finalized pieces. Photo: Mark Blower. Azzedine Alaïa: The Couturier propone un racconto inedito del lavoro del grande stilista, che va da quello che era l’inizio del suo processo creativo (schizzi) allo sviluppo vero e proprio (abiti sui manichini). Foto Mark Blower.
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In the fashion designer’s words, written in large font at the exhibition’s entrance, “my obsession is with making women beautiful; when you create with that in mind, things can’t go out of fashion”. Photo: Mark Blower. All’ingresso della mostra, a caratteri cubitali la dichiarazione dello stilista: “La mia ossessione è rendere belle le donne; quando crei con questa idea in mente, le cose possono andare oltre la moda”. Foto Mark Blower.
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#66 - MISCELLANY Photos by Mark Blower, permission thanks to London’s Design Museum. Foto di Mark Blower per gentile concessione del Design Museum, Londra.
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Fashion designer Azzedine Alaïa’s words, written in large print at the exhibition’s entrance, were: my obsession is to make women beautiful; when you create with that
in mind, things can’t go out of fashion
All’ingresso della mostra è scritta a caratteri cubitali una dichiarazione dell’artista, Azzedine Alaïa: La mia ossessione è rendere belle le donne; quando crei con questa idea in mente, le cose possono andare oltre la moda
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Sketches and technical experiments are testimony to the expert designer’s talents. Schizzi e realizzazioni di tecniche sperimentali illustrano la creatività del celebre couturier.
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Azzedine Alaïa’s work is on display, highlighting the artist’s expertise through monumental displays in varying materials perfectly choreographed with his dresses, as seen above. Photo: Mark Blower. L’esibizione include numerose opere d’arte La mostra presenta il lavoro di Azzedine Alaïa sottolineando la valenza artistica dei suoi abiti, grazie a interessanti coreografie create da pannelli monumentali in vari materiali, come nelle immagini sopra. Foto Mark Blower. collezione della Fondazione. In alto, un’opera di Jeff Koons.
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Azzedine Alaïa: The Couturier, in London’s Design Museum, curated by Mark Wilson, shows the exquisite elegance of the designer’s clothing. Photo: Mark Blower. La squisita eleganza degli abiti di Azzedine Alaïa in mostra a Azzedine Alaïa: The Couturier, Design Museum di Londra, curata da Mark Wilson. Foto Mark Blower.
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60 dresses, selected by the designer himself while collaborating with the museum, are the stars of the Azzedine Alaïa: The Couturier exhibition, Design Museum London. Pictured, two examples of Azzendine’s attention to detail. 60 abiti, scelti dal designer stesso durante un lavoro di scambio con il museo, sono i protagonisti della mostra Azzedine Alaïa: The Couturier, Design Museum di Londra. Nelle foto, due immagini che rivelano l’attenzione ai dettagli di Azzedine.
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Iconic examples of Azzedine Alaïa’s sensational creations; the zippered dress, the corset belt, the elastic sheath dress, and his various creations in perforated leather. In mostra, abiti iconici e di grande significato che comprendono le più originali e sensazionali creazioni di Azzedine Alaïa come l'abito con la zip, il vestito a fascia, la cintura-corsetto, il tubino elasticizzato o le creazioni in pelle e cuoio traforato.
A perforated leather dress created by Azzedine AlaĂŻa. Un abito in pelle e cuoio traforato, originale creazione di Azzedine AlaĂŻa.
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OSVALDOBORSANI Milan’s La Triennale will be dedicating a vast retrospective and corresponding catalogue to the design and business owner, Osvaldo Borsani, until September 16, 2018. The founder of Tecno, an excellent example of made in Italy, is certainly known more for his business sense, but Osvaldo has followed a design path that swings from handcrafting to manufacturing, from pencil sketches to digital illustration, from woodworking to mechanical production, from modular furnishing to singular pieces; the exhibition reveals this path, and an original talent in interior design. Borsani’s archives bear witness to the complex design role he has undertaken; 8.813 of the over 30,000 designs are part of the exhibition, giving a very clear idea of his varying activities. Most think of Tecno, the office furnishing company, when they hear Osvaldo Borsani’s name, and their jaws drop when exploring the exhibition’s variety, especially that in the first section. The impression conveyed is of Italian design that lies far outside of rigid, orthodox discipline, instead filled with intentional decorative touches and surprising, original silhouettes that invite visitors to reflect on its diversified grammar. La Triennale di Milano dedica fino al 16 settembre 2018 un’ampia retrospettiva, accompagnata da un corposo libro-catalogo, a Osvaldo Borsani, progettista e imprenditore. Forse più conosciuto come imprenditore, fondatore dell’azienda Tecno, eccellenza del Made in Italy, Osvaldo Borsani, che ha interpretato il percorso del design italiano dall’artigianato all’industria, dal disegno a matita a quello digitale, dall’ebanisteria alla serialità meccanica, dall’arredamento coordinato al mobile singolo, rivela in questa mostra un originale talento come architetto d’interni. La complessità della sua figura di progettista è testimoniata dall’archivio Borsani, costituito da oltre trentamila disegni relativi a ben 8.813 progetti che costituiscono la base di questa mostra, che restituisce un’ampia visione della sua multiforme attività. Abituati a collegare la figura di Osvaldo Borsani alla Tecno, azienda di riferimento nel settore dei mobili da ufficio, si resta stupiti, soprattutto nella prima parte dell’esposizione, della varietà degli interventi. Emerge un’immagine del design italiano lontana dalla rigidità dell’ortodossia disciplinare, resa lieve da meditati interventi decorativi e originale da sagome impreviste, che invita a riflettere sulla varietà del suo linguaggio.
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The left and right sides of the space have been set up to connect and flow. Patchwork dell’artista Rachel Hayes.
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Osvaldo Borsani’s archives bear witness to the complex design role he has undertaken; 8.813 of the over 30,000 designs are part of the exhibition being held in his honor
La complessità della figura di progettista di Osvaldo Borsani è testimoniata dall’archivio Borsani, costituito da oltre trentamila disegni relativi a ben 8.813 progetti che costituiscono la base della mostra in suo onore.
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Rachel Hayes, White Sand, January 2015, 330 x 228 cm. Vinyl, fur, nylon, silk, polyester. Rachel Hayes, White Sand, gennaio 2015, 330 x 228 cm, variabile. Medium: vinile, pelliccia, nylon, seta, poliestere.
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RACHEL HAYES
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American artist Rachel Hayes showed for the first time in Milan, in Missoni Home, during the Salone del Mobile. Missoni sought her out to design the set for 2018 Summer runway show, celebrating Angela’s 20th anniversary as the brand’s creative designer. The “Blowing in the Wind” installation, curated by Mariuccia Casadio, consisted of three large, metal, cylindrical cages containing multicolored, plastic gelatin polygons. The suspended shapes were illuminated by mobile projectors and set into movement by fans; as they fluttered, they cast colorful plays of light throughout the space. The artist created a suspended patchwork cover made of semitransparent fabric to greet people as the entered. The installations, created specifically for Missoni Home, are an example of Rachel’s found talent of textile treatment and her use of textures and composition in her extraordinary land art. “Blowing in the Wind”, as well as Rachel’s work in general, is based on the original use of fabric and colors, and goes hand in hand with Missoni’s unmistakable, distinctive lined patterns and palettes.
External view of the Blowing in the Wind installation. A cover of semitransparent patchwork flags cast playful colors over guests at the entrance to Missoni’s showroom. Veduta esterna dell’installazione Blowing in the Wind: una lunga pensilina sospesa formata da bande patchwork semitrasparente accompagnano con giocosi riflessi il visitatore all’interno dello showroom Missoni.
L’artista americana Rachel Hayes, durante il Salone del Mobile ha esposto per la prima volta a Milano nello showroom di Missoni Home, chiamata da Angela Missoni che l’aveva voluta per allestire la sfilata estate 2018 in occasione del suo ventesimo anniversario alla direzione creativa del marchio. L’installazione, “Blowing in the wind”, curata da Mariuccia Casadio, era costituita da tre grandi gabbie cilindriche in metallo alle quali erano sospesi moduli poligonali, policromi, di gelatina plastica che mossi da ventilatori e illuminati da proiettori mobili diffondevano riflessi e giochi colorati di luce nello spazio. All’esterno, come invito alla sua mostra, l’artista aveva costruito una pensilina sospesa, realizzata con bande patchwork di tessuto semitrasparente. Le installazioni, create in esclusiva per lo spazio Missoni Home, rappresentano un saggio esemplare del lavoro di Rachel che nel tessuto, utilizzato nelle sue varie composizioni e consistenze, ha individuato la materia per le sue straordinarie opere di land art. “Blowing in the wind” e, più in generale, il lavoro di Rachel, basato su un utilizzo inedito del tessile e delle cromie, rivela notevoli sinergie con la moda di Missoni, che nei pattern rigati e nella policromia ha il suo inequivocabile segno distintivo.
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Rachel Hayes colorful patchwork pieces compliment Missoni’s summer 2018 campaign in White Sands National Monument. I patchwork policromi di Rachel Hayes accompagnano la campagna Estate 2018 della moda Missoni, nello scenario suggestivo di White Sands National Monument.
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A binding of art, handcrafted textiles and refractions; light and color define both Missoni and Rachel Hayes’s creative languages, resulting in the artist’s patchwork that complimented Missoni’s Summer 2018 campaign. Il legame tra arte e artigianalità, tessuto e giochi di riflessi, luce e colore accomunano i linguaggi di Missoni con quelli di Rachel Hayes e rendono i patchwork dell’artista una cornice perfetta del mondo Missoni che li ha scelti per la campagna Estate 2018.
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#66 - MISCELLANY A binding of art, handcrafted textiles and refractions; light and color define both Missoni and Rachel Hayes’s creative languages, resulting in the artist’s patchwork that complimented Missoni’s Summer 2018 campaign. Il legame tra arte e artigianalità, tessuto e giochi di riflessi, luce e colore accomunano i linguaggi di Missoni con quelli di Rachel Hayes e rendono i patchwork dell’artista una cornice perfetta del mondo Missoni che li ha scelti per la campagna Estate 2018.
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American artist Rachel
Hayes’ Blowing
in the
wind installation consisted of three large, metal, cylindrical cages containing
multicolored polygons that cast colorful plays of light throughout the space
L’installazione dell’artista americana Rachel Hayes, Blowing in the wind, era costituita da tre grandi gabbie cilindriche in metallo alle quali erano sospesi moduli poligonali che diffondevano riflessi e giochi colorati di luce nello spazio
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SunSails, 2018. Steel cables, nylon, D rings, PVC tubes and strips. 14 separate veils. Installation commissioned by Harvester Arts, Wichita, KS. Exhibited near the Arkansas river for two weeks during Riverfest. SunSails, 2018. Cavi di acciaio, nylon, fascette, anelli a D, tubi di PVC. 14 vele separate. Installazione commissionata da Harvester Arts a Wichita, KS, posta vicino al fiume Arkansas per 2 settimane durante il Riverfest.
The Blowing in the Wind work is both inside and outside Missoni’s showroom in Milan. Inside, three large scale cylindrical, multi-colored elements that move thanks to installed fans, creating magical plays of light. L’opera ambientale Blowing in the Wind si articola all’interno e all’esterno dello showroom Missoni a Milano: internamente sono presenti tre macro elementi cilindrici composti da moduli policromi che, azionati da ventilatori, restituiscono magici giochi di luci e rifrazioni. 79
#66 - MISCELLANY Rachel Hayes’ Patchwork. Patchwork dell’artista Rachel Hayes.
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The exhibition includes a Sanlorenzo’s SX72 Crossover Yacht, currently under construction, will be presented during the Cannes Yachting Festival, September 2018. of the foundations artwork. Sanlorenzo SX72 Crossover Yacht, attualmente in costruzione, verrà presentato allo Yachting Festival di Cannes a settembre 2018.
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Nautical atelier Sanlorenzo celebrates their 60th birthday in 2018. They are one of the leading yacht and super yacht manufacturers in the world, set apart by their collaborations with designers and artists, including the likes of Dordoni Architetti, Antonio Citterio, Patricia Viel e Piero Lissoni, recently nominated at the company’s Art Director. As interior design partner with Sanlorenzo, Sergio Buttiglieri brings the best of Italian design icons to grace the yachts’ interiors, creating an image far from standard. The symbolic Italian designs are complimented by discrete, elegant atmospheres, different from the ostentatious ones that normally define luxury spaces. The very special birthday was celebrated in a construction yard where an unfinished super yacht was on display, dressed for the occasion to host gastronomic delights and excellent music provided by Andrea Bocelli. The boats under construction and the workers dressed in impeccabile blue jumpsuits looking on all proved how Sanlorenzo pays attention to the smallest details in their design and approach to quality.
Sanlorenzo, Atelier della nautica, festeggia nel 2018 il suo 60esimo compleanno. È uno dei principali cantieri al mondo nella produzione di yacht e superyacht e si distingue per aver avviato collaborazioni con il mondo del design e dell’arte, coinvolgendo artisti e designer del calibro di Dordoni Architetti, Antonio Citterio, Patricia Viel e Piero Lissoni, fresco di nomina come Art Director dell’azienda. Grazie a Sergio Buttiglieri il design di alta qualità diventa partner della Sanlorenzo, che arreda gli interni dei propri yatch utilizzando pezzi icona del design italiano con la sapiente regia di noti designer, costruendo un’immagine distante dagli standard, basata sulla scelta di pezzi simbolici del design italiano e su atmosfere di eleganza discreta, lontane dall’ostentazione – caratteristica del mercato del lusso. L’importante compleanno è stato festeggiato da una serata speciale allestita nel cantiere di un super yacht, ancora in costruzione, all’insegna della gastronomia e del bel canto, grazie alla partecipazione di Andrea Bocelli. Le barche in rada, quelle ancora in costruzione, il cantiere con gli operai affaccendati tutti in impeccabile tuta blu, rivelano come l’attenzione al disegno e alla qualità, anche nei mini dettagli, siano il segno distintivo della Sanlorenzo.
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Deloitte voted San Lorenzo as one of the Best Managed Companies. Photo. Guillaume Plisson. Sanlorenzo tra le Best Managed Companies per Deloitte (foto Guillaume Plisson).
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Sanlorenzo Super yacht Cantieri Division. 60 years of innovation and design. Sanlorenzo Superyacht Cantieri Division. 60 anni di innovazione e design.
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Sanlorenzo is one of the leading yacht and super yacht manufacturers in the world, set apart by their collaborations with designers and artists
Sanlorenzo è uno dei principali cantieri al mondo nella produzione di yacht e superyacht e si distingue per aver avviato collaborazioni con il mondo del design e dell’arte.
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Sanlorenzo, SL102. Total length, 31 mt; width: 7,10 mt; full-weight immersion: 2 mt; engines: 2 x MTU 16V2000 M86 – 2216 HP; maximum speed: 28 knots. Sanlorenzo, SL102. Lunghezza totale 31 mt; larghezza: 7,10 mt; immersione a pieno carico: 2 mt; motori: 2 x MTU 16V2000 M86 – 2216 HP; velocità massima: 28 nodi.
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Two different views of the SL102 yacht. Due foto che raffigurano lo yacht SL102 da due diverse prospettive.
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The open space of Sanlorenzo’s SD112 yacht. Open space dello yacht Sanlorenzo SD112.
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