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#67 - MULTIFACETED CREATIVITY
#67 - MULTIFACETED CREATIVITY Cover: Martin Margiela, Ribbon worn as rings, FW 1989-1990. Photo: Franรงoise Cochennec / Julien Vidal / Galliera / Roger-Viollet. Martin Margiela, Nastro indossato come un anello, FW 1989-1990. Foto: Franรงoise Cochennec / Julien Vidal / Galliera / Roger-Viollet.
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MANIFESTO The Moodboarders is a glance into the design world, capable of capturing, in all of its many facets, what is extraordinary in the everyday. It is a measure of the times. It is an antenna sensitive enough to pick up on budding trends, emerging talents, and overlooked aesthetics. It is an adventure towards discovering the most original creativity. It is a savoury mix of contemporary news acquired through persistent involvement in even in the farthest corners of the design world, as well as an occasional dive into fashion, seeing as the two go hand in hand.
The Moodboarders Magazine è un occhio spalancato sul mondo del progetto, in tutte le sue multiformi declinazioni, capace di cogliere, anche nel quotidiano, lo straordinario. È la misura della temperatura epocale. È l’antenna sensibile capace di captare le tendenze sul nascere, i talenti che sbocciano, le estetiche trascurate. È un viaggio avventuroso alla scoperta delle creatività più originali. È una miscela sapida di notizie contemporanee, recuperate grazie alla frequentazione assidua del mondo del design, conosciuto nelle sue più segrete pieghe e, saltuariamente, in quello della moda, poiché le due discipline si tengono per mano.
www.themoodboarders.com
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#67 - MULTIFACETED CREATIVITY
CONTRIBUTORS CRISTINA MOROZZI
DOMITILLA DARDI
MELODIE LEUNG
Journalist, critic and art-director on the border between art, fashion
As a historian and curator, I observe design by reading and visiting exhibitions.
Observing, wondering and creating in between of architecture, art and design.
Giornalista, critica e art director sul confine tra design, arte e moda.
Storica e curatrice, osservo e studio il design attraverso libri e mostre.
Tra architettura, arte e design: osservo, mi stupisco, creo.
FRANCESCA TAGLIABUE
LI JUN
Moving above the lines as much as needed, I would love to live in tree house designed by Mies van der Rohe
I’d be surrounded by the rich colors of this world, and continue to push the boundaries of design and art.
Sopra le righe quel poco che basta, vorrei abitare in una casa sull’albero progettata da Mies van der Rohe.
Vorrei essere circodata dal colore pieno di Memphis e continuare spingere i confini di arte e design.
GENNARO ESPOSITO It was 1991, and the only thing I knew for sure was that I would never do what other restaurants were doing. Era il 1991 e l’unica certezza che avevo era che non avrei fatto le stesse cose degli altri ristoranti.
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PETE BREWIS After over a decade of editing design magazines, I’ve taken to the road for a year, traversing the world in search of wonder Dopo un decennio trascorso scrivendo per riviste di design, mi sono messo in viaggio per un anno alla ricerca delle meraviglie del mondo.
EDITORIAL STAFF
CRISTINA MOROZZI Editor- in-Chief
MELISSA MARCHESE Translator
ERIKA MARTINO
LUCA MAZZA
GIULIA PACI
MASSIMO LUTTAZI
Founder and Managing Editor
Editorial Staff
Founder and Art Director
Web Content Editor
NOEMI PATRIARCA Graphic Designer
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CONT ENTS SOMMARIO
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DECONSTRUCTIVE AESTHETICS The Musée Galliera, known as Musée de la Mode de la Ville de Paris, hosted an ample retrospective dedicated to Belgian fashion designer, Martin... Il Musée Galliera, noto anche come Musée de la Mode de la Ville de Paris, ha dedicato (dal 3 marzo al 15 luglio 2018) un’ampia retrospettiva allo stilista belga...
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FAIRY TALE Joann Tan’s fairytale creations span from window displays to object design and installations. For years she was Moschino’s display designer, handcrafting... Joann Tan è una creativa fiabesca che spazia dall’allestimento di vetrine moda, al design di oggetti, alle installazioni. Per vari anni è stata l’artefice delle vetrine...
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OPENEYE | DOUBLE VISIONS American photographer Tom Vack unveiled a parallel project during the 2018 Milano Photofestival, held in June. Known for his suggestive still life shots of design... In occasione di Milano Photofestival, (giugno 2018) Tom Vack, fotografo americano, milanese d’adozione, noto per i suoi suggestivi still life di design ha rivelato...
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PRECIOUS MICRO-WORLDS The Dreamboule cabochon ring collection by jeweler Beniamino Crocco, presented during the last Salone del Mobile, is inspired by classic snow… La collezione di anelli cabochon Dreamboule, creata dal gioielliere Beniamino Crocco e presentata durante il Salone del Mobile di Milano, trae ispirazione...
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RON ARAD THE UNCOMMON Ron Arad makes things larger than life, unique things that cannot be assimilated by movements, trends or styles. A forerunner in his own right, he... Ron Arad è una figura che giganteggia, solitaria, non assimilabile a movimenti, tendenze, stili… Un anticipatore a sua maniera, non per essere speciale ma per....
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SPECIAL EDITION FELTRI
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VIKTOR&ROLF FASHION ARTISTS
During Design Miami/Basel, 100 Feltri armchairs designed by Gaetano Pesce for Cassina in 1987 were recovered in Amish quilting from the 19th and 20th... In occasione di Design Miami/Basel, 100 poltrone Feltri - disegnate da Gaetano Pesce per Cassina nel 1987 - sono state rivestite con trapunte provenienti dalla...
Rotterdam’s Kunsthal is hosting an exhibition dedicated to duo Viktor&Rolf in honor of their 25 year career turning fashion into art. Curated by... Il Kunsthal di Rotterdam dedica una mostra al duo Viktor&Rolf per festeggiarne i 25 anni di carriera artistica nella moda, a cura del canadese Thierry-Maxime...
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#67 - MULTIFACETED CREATIVITY
There used to be Art
with a capital A. Today designers and others artisans all fall under the wider term of artist. It
is essential to surprise and to find new ways to narrate, moving outside what was previously established
Prima c’era l’Arte con la A maiuscola.. Oggi quel che conta è saper sorprendere, anticipare, uscire dal seminato
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EDITORIAL by Cristina Morozzi
MULTIFACETED CREATIVITY Creativity has many faces and speaks in many languages. In the past hierarchies emerged. There was Art with a capital A, created by sculptors, painters, and poets, the fine craftsmanship of applied arts, and the expert handcrafted experience of seasoned artisans. Today designers, both fashion and display, as well as goldsmiths, photographers…all fall under the wider term of artist. The important thing is the ability to tell a story, use one’s imagination, and choose a personal language a priori that communicates with the largest possible audience. Beauty can be useful and futile; it is essential to surprise, to divulge, and to find new ways to narrate, moving outside what was previously established.
La creatività ha molte facce e si esprime con vari linguaggi. Un tempo si stabilivano delle gerarchie. C’è era l’Arte con la A maiuscola, praticata da scultori, pittori, poeti, l’arte applicata rappresentata dai manufatti di pregiata fattura; l’artigianato dedito a realizzazioni virtuose, affidate alla perizia delle mani e della pratica. Oggi rientrano nel novero dell’arte designer, stilisti, vetrinisti, orafi, fotografi… Quel che conta è saper raccontare, immaginare, prevedere scegliendo un proprio eloquio, capace di farsi intendere dal maggior numero di persone possibili. Il bello può esse utile e futile, quel che conta è sorprendere, anticipare, uscire dal seminato per trovare nuove modalità di narrazione.
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DECONSTRU aesthetics The Musée Galliera, known as Musée de la Mode de la Ville de Paris, hosted an ample retrospective dedicated to Belgian fashion designer, Martin Margiela, which ran from March 3 to July 15, 2018. Serving as artistic director, he was invited to trace his career from Spring 1989 to Spring 2009, when he decided to step back from fashion. Born in Belgium in 1957, he graduated from the Antwerp Academy in 1980, and after a brief stint as Jean Paul Gaultier’s assistant, founded his own brand, the only one belonging to an emerging Belgian designer in Paris at the time. His conceptual approach introduced a new deconstructivist aesthetic to the fashion world, conquering a host of followers that look for his white labels bearing four recognizable white dots.
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Il Musée Galliera, noto anche come Musée de la Mode de la Ville de Paris, ha dedicato (dal 3 marzo al 15 luglio 2018) un’ampia retrospettiva allo stilista belga Martin Margiela invitandolo come direttore artistico a tracciare la sua carriera dalla primavera 1989 sino alla primavera 2009, quando decise di uscire di scena. Nato in Belgio nel 1957, diplomato all’Accademia di Anversa nel 1980, dopo un breve periodo come assistente di Jean Paul Gaultier, fondò, unico tra gli stilisti emergenti belgi, la propria casa di moda a Parigi. Il suo approccio concettuale ha introdotto nel sistema moda una nuova estetica decostruttivista, che è riuscita a conquistare una schiera di adepti riconoscibili dai 4 punti bianchi ben in vista con i quali sono cucite le etichette dei suoi capi, totalmente candide.
UCTIVE
Martin Margiela, Tabi soles, Spring/Summer 1996. Black leather. Photo: Françoise Cochennec / Galliera / Roger-Violle. Sleeveless coat, wool and polyester, Martin Margiela 1990. Martin Margiela, suole Tabi, Primavera-estate 1996 pelle nera. Foto: Françoise Cochennec / Galliera / Roger-Violle. Cappotto smanicato fatto di lana e poliestere, dalla collezione Martin Margiela 1990.
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Martin Margiela, "Poster dress�, Palais Galliera. Photo: Palais Galliera. Martin Margiela, "Poster dress" in mostra al Palais Galliera. Foto: Palais Galliera.
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His dresses reveal the secrets of couture, unveiling what is typically hidden. He eliminated hemlines, cutting the cloth and leaving it to fray, and exaggerated proportions, creating oversize clothing. He used scans of sparkling dresses as patterns printed on fabric. He created footwear inspired by traditional Japanese “tabi”, with the large toe separated from the others. With his artisan collections, he posed questions concerning “obsolete” fashion, redesigning vintage clothing with descriptive tags explaining the original year of creation. In his Parisian atelier, everyone worked in white collared shirts, in his stores, white dominated the flooring, sofas, and armchairs. He never went out in public, and only his collaborators know his face. He chose unconventional places for his runway shows, limiting access. And despite it all, he became a myth, bringing his style to the street. I suoi abiti svelano i segreti della couture, rivelando quanto solitamente è nascosto. Ha eliminato gli orli, tagliando al vivo il tessuto, destinato a sfrangiarsi; ha enfatizzato le proporzioni, proponendo una serie di capi volutamente oversize. Ha usato come motivi figurativi le scansioni dei vestiti di paillettes. Ha introdotto delle calzature ispirate alle tradizionali tabi giapponesi con il pollice separato dalle altre dita. Con la collezione artigianale si è interrogato sull’obsolescenza della moda, creando repliche di capi vintage, dotati di etichetta descrittiva con anno di origine. Nel suo atelier parigino tutti lavoravano in camice bianco; nei suoi negozi monomarca il pavimento era verniciato di bianco, divani e poltroncine erano ricoperti di tela bianca. Non si è mai fatto vedere in pubblico, conoscono il suo volto solo quanti hanno collaborato con lui e per le sue sfilate ha sempre scelto sedi anticonvenzionali, difficili da raggiungere. Eppure è riuscito a diventare un mito e a vestire anche la “strada”.
Martin Margiela, Ribbon worn as rings, FW 1989-1990. Photo: Françoise Cochennec / Julien Vidal / Galliera / Roger-Viollet. Martin Margiela, Nastro indossato come un anello, FW 1989-1990. Foto: Françoise Cochennec / Julien Vidal / Galliera / Roger-Viollet.
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A view of the “Margiela/Galliera 1989-2009” exhibition. Palais Galliera, Parigi, 2018. Photo: Pierre Antoine. Vista della mostra “Margiela/Galliera 1989-2009” Palais Galliera, Parigi, 2018. Foto: Pierre Antoine.
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Martin Margiela’s conceptual approach introduced a new deconstructivist aesthetic to the fashion world, conquering a host of followers that look for his white clothing labels bearing four, recognizable white dots
Top, Incognito glasses, Spring/Summer collection 2008, black plastic; bottom, collar, Martin Margiela 2003 collection. In alto, occhiali Incognito, collezione primavera estate 2008, in plastica nera; in basso, colletto di camicia, collezione 2003, Martin Margiela.
L’approccio concettuale di Martin Margiela ha introdotto nel sistema moda una nuova estetica decostruttivista, che è riuscita a conquistare una schiera di adepti riconoscibili dai 4 punti bianchi ben in vista con i quali sono cucite le etichette dei suoi capi
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Wig capes, Spring 2008 collection. Photo: Pierre Antoine. Mantelli di parrucche, dalla collezione primavera 2008/09. Foto: Pierre Antoine.
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The Margiela collection that broke the mold. Margiela / Galliera, 1989-2009. Photo: Pierre Antoine. Collezione di Martin Margiela che presenta la rottura di stile rispetto alle creazioni precedenti. Margiela / Galliera, 1989-2009. Foto: Pierre Antoine.
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Margiela, boots, 1991. Photo: Pierre Antoine. Margiela, stivali, 1991. Foto: Pierre Antoine.
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Outfits, hats and earmuffs, Fall 1997. Photo: Pierre Antoine. Vestiti, cappelli e paraorecchie, autunno 1997. Foto: Pierre Antoine.
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A trio of Maison Margiela outfits, Spring/Summer 1992. Photo: Pierre Antoine. Un trio di outfit di Maison Margiela, primavera/estate 1992. Foto: Pierre Antoine.
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Margiela’s pieces from his first ten collections, created from 1989 to 1994. Abiti creati da Margiela nel suo primo periodo di lavoro, che copre le prime 10 collezioni create tra il 1989 e 1994.
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He eliminated hemlines, cutting the cloth and leaving it to fray, and exaggerated proportions, creating oversize clothing. He created footwear inspired by traditional Japanese tabi, with the large toe separated from the others
Margiela ha eliminato gli orli, tagliando al vivo il tessuto; ha enfatizzato le proporzioni, proponendo una serie di capi oversize; ha introdotto calzature ispirate alle tradizionali tabi giapponesi con il pollice separato dalle altre dita
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HIGHLIGHTS PRODUCT
OVERSIZED STRIPED JUMPSUIT Oversized, belted, striped jumpsuit; viscose. Lateral pockets. Tuta a righe oversize in viscosa. La tuta presenta due ampie tasche sul davanti e ha una cintura in vita. Price - Prezzo: € 790
SHOP AT:
www.maisonmargiela.com 25
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A view inside Joann Tan’s Milan-based studio; close-up of her imaginative creations. Foto dell’interno dello studio a Milano di Joann Tan, particolare di una sua fantasiosa realizzazione.
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fairy tales Joann Tan’s fairytale creations span from window displays to object design and installations. For years she was Moschino’s display designer, handcrafting imaginary beasts and animals, including luminous screech owls, mice, cardboards dogs, velvet cats, and copper, budding branches all setting the scene for the brand’s clothing and accessories. Her hands are golden, expertly shaping her creatures and objects from a wide range of materials. While still working for Moschino, she also worked with design companies; she created the Arlecchino collection for Altreforme. Today, rows of her fairytale creations sit atop shelves in her personal studio. During the 2018 Salone del Mobile, she designed Premiata’s window displays (Via Sant’Andrea, Milan), arranging the fall/winter footwear collection like seeds within a gigantic slice of watermelon. She has also added new, luminous creations to her 2018 repertoire: an insect with wiry antennae with black-and-white patterned wings, a slumbering full moon, eyes closed, and a black cat lamp with a long tail and lampshade as a head.
Joann Tan è una creativa fiabesca che spazia dall’allestimento di vetrine moda, al design di oggetti, alle installazioni. Per vari anni è stata l’artefice delle vetrine di Moschino, realizzando personalmente creature fantasiose, animali per lo più, civette luminose, topi, cani di cartoncino e gatti di velluto, ma anche rami fioriti per mettere in scena abiti e accessori del marchio. Possiede mani d’oro e modella con esattezza le sue creature e i suoi oggetti, in vari materiali. Quando ancora lavorava per Moschino ha collaborato con aziende di design, come Altreforme, creando la collezione Arlecchino. Attualmente ha un proprio studio dove sugli scaffali sono allineati alcuni dei suoi fiabeschi personaggi.Per Il Salone del Mobile 2018 ha realizzato le vetrine di Premiata in Via Sant’Andrea a Milano, disponendo le calzature all’interno di una gigantesca fetta di cocomero, come fossero semi. Tre le novità 2018 ci sono anche degli oggetti luminosi: un insetto con zampe e antenne filiformi e grandi ali lucenti, decorate da un motivo in bianco e nero; una luna piena sognante, a occhi chiusi, con orecchini pendenti e una lampada a forma di gatto nero dalla lunga coda con testa-paralume.
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Left, Esther blanket. This page, Ombretta applique. Design Joann Tan Studio. A sinistra, coperta Esther. In questa pagina, lampada applique Ombretta. Design Joann Tan Studio.
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Joann Tan’s Milan studio hosts a series of her fairytale characters; pictured, several examples. Sugli scaffali dello studio di Joann Tan a Milano sono disposti alcuni dei suoi fiabeschi personaggi: nelle foto, degli esempi.
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Lucia, the Cat-Lamp, originally designed for Hermes’ Swiss storefront. Lampada-gatto Lucia, realizzato per la prima volta per le vetrine di Hermes in Svezia.
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fairytale creations span from window displays to object Joann Tan’s
design and installations. For years she was Moschino’s display designer, handcrafting
imaginary beasts and animals
Joann Tan è una creativa fiabesca che spazia dall’allestimento di vetrine moda, al design di oggetti, alle installazioni. Per vari anni è stata l’artefice delle vetrine di Moschino, realizzando personalmente creature fantasiose, animali per lo più
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Footwear as seeds inside a massive slice of watermelon; Joann Tan for Premiata, Salone del Mobile 2018. Le calzature sono dei semi all’interno della grande fetta di cocomero realizzata da Joann Tan per Premiata in occasione del Salone del Mobile 2018.
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Pictured, two views of the Nordiska Kompaniet display, Fall 2014. Nelle due foto in questa pagina, due realizzazioni per la vetrina di Nordiska Kompaniet, Autunno 2014.
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Joann Tan; display installation for Hermes, Stokholm. Installazione di Joann Tan per la vetrina di Hermes a Stoccolma.
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OPenEYe DOUBLE VISIONS American photographer Tom Vack unveiled a parallel project during the 2018 Milano Photofestival, held in June. Known for his suggestive still life shots of design, the Milanese adoptee has passed years in the studio capturing design aesthetics and manufacturing. He has changed lenses, widening his take on his surroundings and discovering a new sort of beauty through digital technology. Moroso’s showroom hosted the images of people, places and things, creatively superimposed. Geographic stratifications of varying landscapes from around the world give way to a new sort of representation. Not collages, but a fusion of views caught through the lens, resembling painterly graphics possessing individual composite units. Only when taking a closer look, one can make out the skylines and buildings fused and details confused amongst one another, making for purely imaginative depictions.
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In occasione di Milano Photofestival, (giugno 2018) Tom Vack, fotografo americano, milanese d’adozione, noto per i suoi suggestivi still life di design ha rivelato un suo percorso parallelo. Dopo anni trascorsi in sala posa a valorizzare l’estetica e la lavorazione dei manufatti di design, ha allargato il suo sguardo alla realtà circostante per scoprire un altro genere di bellezza, interpretandola alla sua maniera, grazie alla tecnologia digitale. Le immagini, in mostra nello Showroom Moroso, sono il risultato della sovrapposizione creativa di scatti di luoghi, di persone e di oggetti. Sono stratificazioni geografiche di paesaggi, fotografati in giro per il mondo, che inaugurano un nuovo genere di rappresentazione. Non si tratta di collage, piuttosto di una sorta di originale fusione di visioni catturate dall’obiettivo che producono l’effetto di grafiche pittoriche dotate di una propria unità compositiva. Solo osservandole con cura si colgono dettagli di paesaggi e di architetture fusi e confusi in una raffigurazione che pare di pura fantasia.
Tom Vack - Grand Canyon Credits: Tom Vack Photographer
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Tom Vack - Chicago Mix - Credits: Tom Vack Photographer
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Tom Vack - Chicago Mix Credits: Tom Vack Photographer
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Tom Vack, OPenEYe | Double Vision exhibition. Tom Vack, Mostra OPenEYe | Double Vision..
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Tom Vack, OPenEYe | Double Vision exhibition. Tom Vack, Mostra OPenEYe | Double Vision.
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Tom Vack’s recent photography, presented at Milano Photofestival, are
images of people,
places
and things, creatively
superimposed to create a
painterly, graphic effect. Only when taking a closer look, the fused and confused details come into focus
Le foto di Tom Vack, mostrate al recente Milano Photofestival, sono il risultato della sovrapposizione creativa di scatti di luoghi, di persone e di oggetti che producono l’effetto di grafiche pittoriche. Solo osservandole con cura si colgono dettagli fusi e confusi
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As in all complicated works of art, every Dreamboule ring requires 18 different steps, a total of 240 hours of artisanal expert treatment. Pictured, materials and tools needed to create the rings. Come una vera opera d’arte, creare un anello Dreamboule richiede 18 diverse procedure, che richiedono un minuzioso lavoro artigianale di 240 ore. Nella foto, gli strumenti e le parti che servono per la realizzazione degli anelli.
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PRECIOUS M I C R O - W O R L D S The Dreamboule cabochon ring collection by jeweler Beniamino Crocco, presented during the last Salone del Mobile, are inspired by classic snow globes. Inside every gold-mounted, scratch-resistant sapphire crystal sphere, Ben created an imaginary world, brought to life with the precision of a Swiss watch. Every ring is a micro-story told through unpolished stones, multi-colored natural sapphires, and diamonds, covered in fluttering 24karat gold dust, much like the snow in globes. Watchmaking and jewelry making meet for the Dreamboule collection, creating tiny, luxurious landscapes in the eponymous lab on Milan’s Via Landolfo in the Brera design district. Every cabochon has a star character at its center. A threatening frog on outspread feet, a butterfly bathed in rubies, the owl with open wings, the skull with ruby eyes… Thematic cabochon also abound: Love, handwritten with precious stones, and cursive Rock and Roll accompanied by the outline of an electric guitar. The collection of Dreamboule rings are not only valuable, expertly-crafted objects, but representations of myth, emotions, and symbols.
La collezione di anelli cabochon Dreamboule, creata dal gioielliere Beniamino Crocco e presentata durante il Salone del Mobile di Milano, trae ispirazione dalle classiche boule de neige. All’interno di sfere di vetro zaffiro antigraffio, montate in oro, Ben ha creato mondi immaginifici, cesellati con la precisione dall’alta orologeria svizzera. Ogni anello è una microstoria narrata da pietre preziose al grezzo, zaffiri naturali, multi colore, diamanti e polvere d’oro 24 carati per riprodurre l’effetto di pioggia di pulviscolo delle boule de neige. Nella creazione degli anelli della collezione Dreamboule oreficeria e orologeria s’incontrano per creare micro paesaggi preziosi, elaborati nel Dreamboule lab di via Landolfo, in zona Brera. Ogni cabochon ha al centro della scena un protagonista. C’è la rana minacciosa, piantata su grandi zampe palmate; la farfalla tempestata di rubini; il gufo ad ali spiegate; il teschio con occhi di rubino… Non mancano i cabochon tematici: quello dedicato all’amore che racchiude la scritta Love in lettere stampatello, punteggiate di pietre preziose; quello dedicato al rock and roll, che esibisce la scritta in corsivo Rock and Roll, accompagnata dalla sagoma di una chitarra elettrica. Gli anelli della collezione Dreamboule non parlano solo di valore e di perizia orafa, ma raffigurano miti, sentimenti e simbologie.
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This page, a ring from the Dreamboule Suberb Collection, 18k gold studded with diamonds. Next page, Beniamino Crocco. In questa pagina, un anello della Superb Collection Dreamboule, caratterizzata da una ghiera d’oro di 18k tempestata con diamanti. Nella pagina accanto, Beniamino Crocco.
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The Dreamboule rings are not only valuable, expertly-crafted objects, but
representations of myth, emotions, and symbols Gli anelli della collezione Dreamboule non parlano solo di valore e di perizia orafa, ma raffigurano miti, sentimenti e simbologie
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Every Dreamboule ring has a story to tell, told through the scrupulous selection of precious stones. Pictured, four examples of these micro-stories. Il contesto di ciascuna storia degli anelli Dreamboule è messo in risalto dalla selezione scrupolosa di ciascuna pietra preziosa. Nell’immagine, quattro esempi di micro-storia.
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Ron Arad the uncommon
Ron Arad makes things larger than life, unique things that cannot be assimilated by movements, trends or styles. A forerunner in his own right, he does what he does not to be special, but consistent. He has never tried to please clients or critics, and has always gone beyond disciplinary boundaries to speak his own anti-conventional language. Born in Tel Aviv in 1951, he moved to London to study at the Architectural Association, and established his home base there. “Rover Chair and Sofa”, his first exhibition in Milan, was organized by Zeus in their previous space on Via Vigevano 8. A year later during the Salone del Mobile in the same space, he presented his iconic cement stereo. Zeus’ current owner and Arad’s mentor, Maurizio Peregalli, has established a solid friendship despite the artist’s international recognition. Under his rude guise, which he loves to emphasize, beats a tender heart that ties Ron to his initial friendships. Vitra Design Museum is hosting the personal exhibition, Ron Arad: Yes to the Uncommon, from June 8 to October 14. The spectacular 1987 Sticks&Stones, a monster vehicle nurtured by chairs and metal objects, regurgitating them in pressed, square shapes. Sticks&Stones stands for a decisive stance on his method: a metaphorical criticism of the consumerist society, and a question mark regarding design’s role in it. The angry machine in front of the museum is a perfect example of a monster, gone out of control.
Ron Arad è una figura che giganteggia, solitaria, non assimilabile a movimenti, tendenze, stili… Un anticipatore a sua maniera, non per essere speciale, ma per coerenza. Non si è mai preoccupato di compiacere né i clienti né gli utenti ma ha sempre cercato di varcare i confini disciplinari per trovare un proprio linguaggio anticonvenzionale. Nato a Tel Aviv nel 1951, si è trasferito a Londra per studiare all’Architectural Association e lì ha fatto base. La sua prima esposizione milanese “Rover Chair and Sofa” fu organizzata da Zeus nel 1985, nella propria sede, allora in Via Vigevano 8. L’anno successivo, sempre nello spazio di Zeus, durante il Salone del Mobile presentò il suo famoso stereo in cemento. Con Maurizio Peregalli, titolare di Zeus e suo primo mentore italiano, resiste una solida amicizia, nonostante Ron sia considerato uno dei nomi di riferimento a livello internazionale. Sotto la sua scorza rude, che si compiace di enfatizzare, batte un cuore sentimentale che lega Ron alle amicizie degli esordi. Dall’8 giugno al 14 ottobre 2018 il Vitra Design Museum gli dedica una personale, Ron Arad: Yes to the Uncommon, che ha il valore di una consacrazione segnalata dalla spettacolare macchina Sticks&Stones del 1987, una sorta di mostro che si ciba di sedie e oggetti metallici rigurgitandoli in forma di cubi pressati. Sticks&Stones rappresenta una puntuale dichiarazione di metodo: una metaforica critica alla società dei consumi e un interrogativo sul ruolo del design. La macchina-mostro sul prato di fronte al museo sintetizza la temperatura di una mostra fuori dal comune.
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#67 - MULTIFACETED CREATIVITY
This page: Ron Arad with the Tom Vac chair, 1997. Photo: Christian Coigny. Next page, Tom Vac chair. In questa pagina: Ron Arad posa con la sedia Tom Vac,1997. Foto: Christian Coigny. Nella pagina accanto, sedia Tom Vac.
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#67 - MULTIFACETED CREATIVITY Ron Arad, Tinker Chair, 1988. Courtesy Ron Arad Associates. Photo: Howard Kingsnorth. Ron Arad, Tinker Chair, 1988. Courtesy Ron Arad Associates. Foto: Howard Kingsnorth.
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Vitra Design Museum is hosting a personal exhibition for Ron Arad, running from June to October 14, 2018, consecrated by the spectacular 1987 Sticks&Stones Compactor
Dall’8 giugno al 14 ottobre 2018 il Vitra Design Museum dedica una personale a Ron Arad che ha il valore di una consacrazione segnalata dalla spettacolare macchina Sticks&Stones del 1987
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#67 - MULTIFACETED CREATIVITY
Ron Arad, Little Heavy (1989) © Vitra Design Museum, photo: Jürgen Hans
Ron Arad, Rover Chair, 198, © Vitra Design Museum. Photo: Jürgen Hans.
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Ron Arad, Small Bookworm, 1993, © Vitra Design Museum. Foto: Jürgen HANS.
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Studio One Off, Ron Arad, Covent Garden, London, 1983-91. Courtesy Ron Arad Associates.tchwork.
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This page, Metal Compactor Sticks and Stones, 1987, Vitra Design Museum archives. Photo: Roland Engerisser. Left, Concrete Stereo, 1983, Courtesy Ron Arad Associates. In questa pagina Metal Compactor Sticks and Stones, 1987, Archivio Vitra Design Museum, foto: Roland Engerisser. A sinistra Concrete Stereo, 1983, Courtesy Ron Arad Associates.
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Ron Arad has never tried to please clients or critics, and has always gone beyond disciplinary boundaries to speak his own anti-
conventional language
Ron Arad non si è mai preoccupato di compiacere né i clienti né gli utenti ma ha sempre cercato di varcare i confini disciplinari per trovare un proprio linguaggio anticonvenzionale
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HIGHLIGHTS PRODUCT
SOFT HEART ARMCHAIR Soft Heart Armchair by Ron Arad in Felt or Wool Fabric for Moroso Poltrona Soft Heart by Ron Arad in feltro o lana, disegnata per Moroso Price - Prezzo: € 3.494
SHOP AT:
www.moroso.it 67
#67 - MULTIFACETED CREATIVITY
SPECIAL EDI
Re-release of Cassina’s Feltri armchairs with Calvin Klein. Photo: Stefano De Monte. Riedizione delle sedie Feltri di Cassina e Calvin Klein. Foto: Stefano De Monte.
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ITION FELTRI
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During Design Miami/Basel, 100 Feltri armchairs designed by Gaetano Pesce for Cassina in 1987 were recovered in Amish quilting from the 19th and 20th centuries, selected by Calvin Klein’s Art Director, Raf Simons. A series of 50 numbered armchairs were available for purchase within Calvin Klein’s installation during the exhibition. The other fifty are on-sale in Cassina’s showroom. The Feltri armchairs are Italian design icons, made of thick, soft and welcoming felt set in a resin base, recovered yet remaining true to the original while taking on a younger feel; here the clothes do indeed make the man. The artistic experiment combines the past and present, exposing boundless creativity immune to geographic borders or time periods; a dose of heritage can renew contemporary design. In occasione di Design Miami/Basel, 100 poltrone Feltri - disegnate da Gaetano Pesce per Cassina nel 1987 - sono state rivestite con trapunte provenienti dalla comunità Amish americana del XIX e XX secolo, selezionate dallo stilista Raf Simons, Art Director del marchio Calvin Klein. Una serie di poltrone, numerate da 1 a 50, sono state esibite nell’ambito di una installazione di grandi dimensioni targata Calvin Klein, acquistabili nei giorni della fiera. Le altre cinquanta saranno poste in vendita negli showroom Cassina. La poltrona Feltri, icona del design italiano, realizzata in spesso feltro, morbida e avvolgente con parte inferiore resa resistente da un bagno di resina è stata vestita di nuovo senza tradire la sua originale sembianza; acquista così un’immagine più giovanile, dimostrando come, anche nel design, l’abito possa fare il monaco. L’esperimento artistico, che coniuga modernità con tradizione, rivela come la creatività non conosca confini né geografici né temporali e come una “operazione heritage” possa rinnovare anche il design contemporaneo.
For Basel Miami Design, Cassina presented a special edition of Gaetano Pesce’s armchair. Pictured, a view of the exhibition. Photo: Delfino Sisto Legnani. Cassina presenta a Design Miami/Basel un’edizione speciale della classica poltrona Gaetano Pesce. Nella foto, un’immagine della mostra. Foto: Delfino Sisto Legnani.
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The artistic experiment exposes
boundless creativity
immune to geographic borders or time periods; a dose of heritage can renew contemporary design
L’esperimento artistico rivela come la creatività non conosca confini né geografici né temporali e come un’operazione heritage possa rinnovare anche il design contemporaneo
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This page, a view of the Miami Basel exhibition. Photo: Delfino Sisto Legnani. Previous page, a close-up of the Feltri armchair. In questa pagina, un’immagine della mostra in occasione di Miami/Basel, foto: Delfino Sisto Legnani. Nella pagina precedente dettaglio della riedizione della poltrona Feltri.
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During Design Miami/Basel,
100 Feltri armchairs designed by Gaetano Pesce for Cassina in 1987 were recovered in Amish quilting from
the 19th and 20th centuries, selected by Calvin Klein’s Art Director, Raf Simons
In occasione di Design Miami/Basel, 100 poltrone Feltri disegnate da Gaetano Pesce per Cassina nel 1987 sono state rivestite con trapunte Amish selezionate dallo stilista Raf Simons, Art Director del marchio Calvin Klein.
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FELTRI ARMCHAIRS Created by Gaetano Pesce in 1987, the Feltri are armchairs that combine experimentation, hints of the avantgarde and regality. Felt frame set in resin. Cushions covered in quilting, with polyester filler. Creata da Gaetano Pesce nel 1987, I Feltri allude con ironia alle sedie regali e combina sperimentazione, cenni d'avanguardia e maestositĂ . Struttura in feltro impregnato di resina termoindurente Materassino in tessuto trapuntato, accoppiato con ovatta di poliestere Price run from - Prezzo indicativo: â‚Ź 2.000 / 5.000
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VIKTOR
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R&ROLF fashion artists
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Viktor&Rolf con Tori Amos, Paris, 2005, American Vogue, Photo Uli Weber.i’s s Viktor&Rolf con Tori Amos ParigiParis2005, American Vogue, foto Uli Weber.
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Rotterdam’s Kunsthal is hosting an exhibition dedicated to duo Viktor&Rolf in honor of their 25 year career turning fashion into art. Curated by Canadian Thierry-Maxime Loriot, the exhibition began May 27, ending this coming September. Viktor Horsting and Rolf Snoeren, both class of 1969, are considered a Dutch national treasure for their “wearable art”: they could be twins, despite having no familial relations. Critics celebrate the two for their cerebral and ironic approach towards fashion. The exhibition displays 60 haute couture dresses, costumes made for the ballet and operas and sketches from their archives and museum collections. In the “Dolls” section, a series of antique dolls have been dressed in their most iconic looks, including Madonna’s dress from the 2016 Miami Art Basel benefit concert. The Rotterdam exhibition, based on Melbourne’s National Gallery’s 2017 exhibition, also curated by Loriot, brings Europeans a panorama of the Dutch duo’s exploration of the borders between art and fashion. The surprises are endless, beginning with the manifesto, then moving to “frame” dresses, those made of carpet, grain, pastel ceramics…in short, the exhibition is a runway through surreal and provocative imaginings, nurtured by a profound knowledge of the contemporary art movement.
Il Kunsthal di Rotterdam dedica una mostra al duo Viktor&Rolf per festeggiarne i 25 anni di carriera artistica nella moda, a cura del canadese Thierry-Maxime Loriot, dal 27 maggio fino a settembre 2018. I due sono considerati un tesoro nazionale olandese per aver creato “arte indossabile”. Viktor Horsting e Rolf Snoeren, entrambi classe 1969, simili come due gocce d’acqua pur non essendo parenti, godono del consenso della critica internazionale per il loro approccio cerebrale e ironico alla moda. La mostra comprende 60 abiti di alta moda, costumi di scena creati per balletti e opere liriche assieme a numerosi disegni e schizzi provenienti dal loro archivio e da varie collezioni museali. Nella sezione “Dolls” una serie di bambole antiche sono abbigliate con le loro creazioni più iconiche, come l’abito realizzato per Madonna nel 2016 in occasione della concerto per la raccolta fondi a Miami Art Basel. L’esposizione di Rotterdam, che offre in Europa una panoramica aggiornata dell’originale lavoro creativo del duo olandese, dedicato all’esplorazione del confine tra arte e moda, si basa sulla mostra alla National Gallery di Melbourne del 2017 anch’essa curata da Thierry-Maxime Loriot. Le sorprese iniziano dal manifesto per proseguire con gli abiti cornice, con quelli realizzati in tessuto per moquette, o decorati con mazzi di spighe di grano maturo, quindi con quelli in tulle nei colori pastello ricamati con frammenti di ceramica… In sintesi la mostra propone una passerella di fantasie surreali e provocatorie, nutrita da una profonda conoscenza dei movimenti artistici contemporanei.
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Viktor&Rolf, Surreal Satin SS18 collection. Photo Team Peter Stigter. Viktor&Rolf, collezione Surreal Satin SS18. Foto Team Peter Stigter.
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Viktor&Rolf, Boulevard of Broken Dreams runway collection, haute couture, SS2017. Photo team Peter Stigter. Viktor&Rolf, sfilata per la collezione Boulevard of Broken Dreams, collezione haute couture, SS2017. Foto team Peter Stigter.
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Viktor&Rolf, the Van Gogh girls, haute couture SS15 collection. Photo: team Peter Stigter. Viktor&Rolf, ragazze Van Gogh, collezione haute couture SS15. Foto team Peter Stigter.
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Viktor&Rolf: Fashion Artists, a view of the exhibition, National Gallery of Victoria. Photo: Wayne Taylor Vista dell’installazione Viktor&Rolf: Fashion Artists alla National Gallery of Victoria. Foto: Wayne Taylor
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Viktor&Rolf, Performance of Sculptures haute couture SS16 collection. A view of the Viktor&Rolf Fashion Artists exhibition, National Gallery of Victoria, Melbourne. Photo Wayne Taylor. Viktor&Rolf, Performance of Sculptures collezione haute couture SS16. Vista dell’installazione di Viktor&Rolf Fashion Artists alla National Gallery of Victoria, Melbourne. Foto Wayne Taylor.
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Viktor&Rolf, Performance of Sculptures SS16. Photo: Team Peter Stigter. Viktor&Rolf, Performance of Sculptures SS16. Foto: Team Peter Stigter.
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This page, Viktor&Rolf, Hana, bedtime story collection, AW2005. Next page, Viktor&Rolf, Flowerbomb, SS05. Photo: Team Peter Stigter. In questa pagina, Viktor&Rolf, Hana, collezione bedtime story, AW2005. Nella pagina accanto, Viktor&Rolf, Flowerbomb, SS05. Foto: Team Peter Stigter.
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Viktor&Rolf are considered a Dutch national treasure for their wearable art; critics celebrate the two for their cerebral and ironic approach towards fashion
Il duo Viktor&Rolf è considerato un tesoro nazionale olandese per aver creato arte indossabile e godono del consenso della critica internazionale per il loro approccio cerebrale e ironico alla moda
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HIGHLIGHTS PRODUCT
BOW VOLANT MINI Draped bow volant and an open back with wide crossover straps. Crafted out of sculptural Japanese bonded satin, the dress is fitted around the bust and flares out in a flirtatious volume. Vestito e scarpe con volant e fiocchi di raso, che si ispirano alla cultura giapponese. Price - Prezzo: â‚Ź 2.700
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www.viktor-rolf.com
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