L’orientalisme digital.

L’orientalisme digital.

Par Ahmed JEBRANE

L’orientalisme digital.

Au cours de la dernière décennie, les institutions du patrimoine culturel du monde entier se sont lancées dans le domaine numérique en utilisant la technologie multimédia dans leurs galeries et en réévaluant l'importance de leur présence en ligne. Cependant, la fermeture des portes des musées pendant la majeure partie de 2020 a obligé à prendre en compte le virtuel dans un monde où des publics isolés ne pouvaient se connecter aux autres qu'à travers leurs écrans.

Dans ce nouveau scénario, les conservateurs et les éducateurs ont relevé le défi et ont développé de nombreuses offres innovantes pour le public COVID. Tirant parti de l'interactivité d'Internet, les expositions ont été adaptées pour être médiatisées par des ordinateurs, des tablettes et des téléphones portables. Les professionnels des musées ont également commencé à repenser les récits de collection et à modifier les pratiques de conservation traditionnelles, en s'appuyant plutôt sur certaines forces de la culture numérique telles que la transparence, la diversité, l'accès et la communication. Les plus grandes institutions ayant les moyens de financer des projets plus impliqués, comme le Metropolitan Museum of Art de New York, ont exploité la technologie d'imagerie sphérique à 360 ° pour inviter le public à explorer le musée d'une manière qui n'était pas possible auparavant.

Parmi ceux qui ont adopté le numérique dans leurs espaces virtuels et physiques, il y a le Musée national de Corée (NMK). Actuellement, plusieurs expositions de réalité virtuelle de spectacles passés sont disponibles sur le site Web de NMK ainsi qu'une chaîne YouTube volumineuse avec des vidéos de conférences, des conférences et du matériel promotionnel datant de 2013. Bien que leur engagement avec le numérique ait commencé bien avant la pandémie , le grand public n'a jamais été aussi attentif à leur présence en ligne qu'aujourd'hui.

La nature flexible et accessible de l'expérience d'exposition en ligne est un avantage certain pour les musées qui cherchent à élargir leur public et à rendre leurs collections pertinentes. Mais que se passe-t-il lorsque nos rencontres avec la culture et l'art sont filtrées à travers du code et des chiffres?

Présenter tout ce qui était censé être engagé en personne dans un format numérique sera intrinsèquement difficile. Voir un objet réel est sans ambiguïté , vous avez une idée de l'échelle, de la texture et de sa relation à l'espace par rapport à votre propre vision incarnée. Voir un objet sur un écran déforme inévitablement ces qualités et,, il manque «l'aura» de la chose phénoménologique. Pour ce que nous perdons de la rencontre viscérale, nous sommes compensés par la possibilité de passer plus de temps avec chaque image, d'explorer en profondeur de petits détails qui ne sont pas visibles dans des décors d'exposition obscurs et de voir des facettes d'objets qui sont cachés lorsqu'ils sont placés dans affichages statiques.

Dans un monde où Internet a redéfini le comportement humain grâce à des algorithmes, à l'accessibilité et à l'échelle, les expositions tant physiques que virtuelles doivent répondre aux nouvelles attentes de leurs divers publics. Dans un effort pour attirer les visiteurs contemporains, le musée a créé un contenu qui embrasse l'interactivité et l'accessibilité, mais il a également décontextualisé certains des objets les plus importants dont il a la garde. Les chercheurs, conservateurs et éducateurs travaillant dans des espaces numériques avec des objets du patrimoine culturel doivent être attentifs non seulement aux opportunités de numérisation, mais aussi à ce qui se perd lorsque notre engagement avec nos objets d'étude est médiatisé par un écran.

Dans la relation entre l'homme et la machine, l'homme perd souvent, la plupart du temps sans même s'en rendre compte. Considérez tous les musiciens pop des années 1980 qui se sont engagés avec tant

d'enthousiasme avec la technologie. Moins d'une génération plus tard, leur musique est perçue comme une vitrine comique de synthés huit bits redondants et de sons de batterie à deux bits , un rappel hideux de la rapidité avec laquelle le meilleur se transforme en pourriture.

C'était, dans le passé, le son du futur, quand une pléthore d'artistes compensait leur manque d'idées avec des technologies de studio: coups d'orchestre échantillonnés, syndrums, breakbeats, effets numériques et vocodeurs. Ce qui distingue le bien du mal, c'est un élément d'intérêt narratif ou discursif qui nous conduit au-delà du désir d'exotiser ou d'orientaliser la technologie et les nouvelles techniques.