Toyland Magazine

TOYLAND nº 8 DICIEMBRE 2009

2010

n oved ades ovedades

* Barbie * Tonner * Madame

Alexander

HEIDI

Gene Marshall

Magazine

NANCYS NEGRAS

Muñecas B.B.

Black Canary

Ava Gardner

WICKIE el vikingo

Entrevista a Antonio de Felipe

Colecci贸n Ana66

ÍNDICE

¿Los Reyes sólo traen juguetes a los niños?

Vuelven las fiestas navideñas, y con ello toda una serie de rituales que siempre repetimos año tras año: comprar lotería, la de Navidad y la del sorteo del Niño; comprar turrones que luego nunca nos comemos; asistir a cenas especiales y esperar que el regalo del amigo invisible al menos sea práctico; visitar las ferias de belenes sólo para ver y recordar como huele el musgo de verdad, y no el que venden en los chinos; enviar postales de Navidad a un montón de personas de las que no sabes nada desde hace un año; demostrar tus dotes de decorador creando un belén de fantasía sólo apto para Eurodisney; intentar comer las uvas en Nochevieja sin atragantarte mientras pides un deseo con cada grano; desear una blancas Navidades aunque luego con la nieve se colapse toda la ciudad; hacer una lista de buenos propósitos que luego olvidas a principios de enero, y, finalmente, esperar que alguien te regale alguna muñeca y no otro perfume o, peor aún, otro pijama de franela. La Navidad es todo eso y mucho más, pero sobre todo es la época en que volvemos a ser niños, a recordar más vivamente nuestro pasado, ya sea a través de nuestros hijos o bien cuando contemplamos nuestras muñecas de la infancia –los que todavía las conservan– y te traen recuerdos de cuando te la regalaron o cuando la compraste. A mí me pasa, cada una significa alguna ocasión especial en mi vida y casi todas tienen algo agradable para recordar. Así que, este año, ¿por qué no añadir un buen recuerdo y darnos ese gustazo? Ah: felices fiestas y venturoso 2010.

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón nsimon@toylandmagazine.com Colaboradores: Sebas Martín, Ana66, Enric Fontvila, Pilar Pérez, José Gracia Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Hasbro, Mattel, Sideshow Collectibles, McFarlane Toys, Tonner Doll Company, Muñecas B.B., SD Toys, Famosa, Tokidoki, Mimobot, Integrity Toys

News 4 Dolls Gene Marshall 8 Madra Lord 14 Trent Osborn 16 Violet Waters 18 Zita Charles 20 Ivy Jordan 22 Novedad Barbie 2 010 26 Tonner 2 010 34 Antoinette 36 Dee Anna Denton 38 Monica Merrill 40 Tyler Wenworth 42 Re-Imagination 44 Wizard of Oz 45 Madame Alexander 46 Star Ava Gardner 50 Storyland Heidi 62 Dolls Nancys negras 74 Made in Spain Muñecas B.B. 88 Core 92 Entrevista Antonio de Felipe 98 Novedad Las Pullip se ponen cursis 108 Cómic Black Canary 110 Novedad Wickie el vikingo 118 ·············>

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ÍNDICE

Novedad Fashion Royalty Convention 126 Coleccionable Dunnys 134 Cult Toy Madelman 140 Museo Museum of Childhood: Una lección de historia 148 Star Obama for president 154

C A R TA S D E LO S L E C TO R E S

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Gracias por tus palabras de ánimo.

Poco a poco iremos hablando de muñecas españolas más antiguas. Igualmente suponemos que conocerás los libros La España de Mariquita Pérez y ¿Jugamos a las muñecas?, ambos escritos por Consuelo Yubero y Javier Conde. El primero de El País Aguilar, y el segundo de Editorial Espasa. Creo que no son difíciles de encontrar, ¡y son geniales!

Colección Ana66

Hola, me gusta mucho vuestra revista, ya era hora que alguien se dedicase a escribir sobre muñecas y en castellano.

Soy coleccionista de Nancy, Mariquita Pérez, Sindy, Core... en general todo tipo de muñeca española. Se que escribisteis un artículo sobre Mariquita Pérez en el primer número, pero me gustaría, si es posible, que escribieseis sobre otras muñecas españolas antiguas, ¿será posible? Un saludo y seguid así, adelante.

Marta Castaño (Valencia)

Violet Waters

NEWS Karl Lagerfeld de «tamaño bolsillo» La empresa Tokidoki, de la cual hablamos en el número anterior, bajo la dirección de su creativa Simone Legno, siempre atenta a las tendencias de moda, ha lanzado al mercado Mini Karl, una reproducción de 25 centímetros del famoso diseñador de moda alemán. Anteriormente se había creado un oso de peluche con su imagen –o sea, estrechísimo traje negro, corbata, camisa blanca, cinturón con enorme hebilla un tanto macarra, guantes de cuero de motorista y las eternas gafas negras.

Esta nueva figura estará disponible en una edición limitada a 1.000 piezas y su precio será de 129 euros, todo un capricho para los amantes de la imagen del diseñador de Chanel, entre otras marcas.

Festival International de la Bande Dessinée – Angoulême 20 10

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Del 28 al 31 de enero se celebra el popular festival dedicado al cómic y a los dibujos animados en la tranquila localidad de Angoulême; bueno, tranquila hasta que llegan los miles de visitantes que compran y chafardean y que revolucionan la pacífica villa del Midi francés. Este año, en su 38ª edición, se dedicarán exposiciones a los dibujantes Blutch y Fabrice Neaud, a las tiras cómicas de Les Tuniques Bleues y Léonard, al dibujante Fabio y la divertida serie One Piece, y en esta ocasión el país invitado es Rusia, ese gran desconocido del cómic.

Pero no sólo habrá exposiciones y venta de cómic: también proyecciones de cine, como el documental dedicado a Enki Bilal, o una serie de conciertos musicales relacionados con el mundo del cómic. ¡Toda una nueva experiencia!

NEWS

International Toy Fair en Nuremberg Del 4 a 9 de febrero tendrá lugar la International Toy Fair de Nuremberg (Alemania), la mayor feria de juguetes de toda Europa, en la que se dan cita la increíble cifra de 2.700 exhibidores de 59 países, con más de 160.000 metros cuadrados para recorrer si lo pretendes ver todo, lo cual no te recomendamos si no quieres acabar con los tacones al rojo vivo. Así que, para facilitarte la visita y que vayas directo al grano, la feria está dividida en varios pabellones temáticos: juegos de construcción y hobbies; trenes y accesorios; juguetes técnicos, educativos y de acción; muñecas y peluches; juegos y libros de aprendizaje y multimedia; artículos de fiesta y carnaval; juguetes de madera y bricolage; artículos de bellas artes; artículos deportivos y aire libre, y artículos escolares. Y, aunque de todos estos apartados a nosotros realmente nos interesen dos o tres, vale la pena por la monstruosidad de la infraestructura.

Así que, si queréis ir a ver lo último en Alemania, ya podéis comprar vuestros billetes de avión y buscaros rápido un hotelito, pues al ser Nuremberg lugar habitual de ferias y congresos todos los locales se ponen hasta la bandera y tienes que ir a las localidades cercanas.

10º aniversario de Barbietúricos Barcelona El club de coleccionistas de Barbie de Barcelona cumplió diez años y lo celebró por todo lo alto el mes de noviembre. Un grupo que comenzó reuniendo a personas de diversa índole con una pasión común: el coleccionismo de Barbie y muñecas en general. Incluso hubo muñeca especial de la celebración: se trata de la Suite Retreat, gentilmente cedida por Mattel y customizada para la ocasión. Una muñeca de la que se ha hecho una edición muy limitada y es muy difícil de conseguir. Esperamos que esta iniciativa sirva de ejemplo para otros grupos de coleccionistas que sabemos que periódicamente se reúnen, ya sean fans de Pullip, de Fashion Royalty o de Nancy, la cuestión es compartir de forma sana una afición y poder hablar del tema con unos amigos que sabes que no te mirarán con cara de besugo. Ya sabéis, enviadnos fotos de vuestras quedadas y reuniones a: gmedina@toylandmagazine.com

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GENE MARSHALL Gene revolucionó el mercado de las fashion dolls cuando apareció en 1995 debido a su tamaño –25 centímetros–, cuando la mayoría eran de la estatura de Barbie. También introdujo un nuevo material, con textura parecida a la porcelana y un concepto novedoso: Gene era una estrella del Hollywood clásico y sus modelitos eran la representación de varios momentos de su carrera cinematográfica. La calidad era excelente, pero con el tiempo todo se abarató y Gene cayó en el olvido. Hasta que en 2006 llegó Jason Wu y su equipo para resucitarla y darle nuevas alas...

ene Marshall es la creación personal del artista estadounidense Mel Odom, un ilustrador de cierta fama en su país, que quería entrar en el mundo de las fashion dolls y no sabía cómo. Hasta que conoció a Michael Evert, el escultor con quien desarrollaron unos prototipos que mostraron a la empresa Ashton Drake, la cual se decidió a apostar por aquella muñeca, de gran tamaño para la época –la mayoría de fashion dolls eran del tamaño de Barbie–, con un concepto novedoso: Gene sería una estrella del Hollywood clásico de los años 30 al 50 y sus modelitos representarían los diversos momentos de su carrera, desde sus orígenes como usherette –acomodadora, para entendernos–, hasta su culminación como rutilante estrella de los estudios Monolithic.

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Otra virtud de la muñeca es que estaba realizada con un plástico diferente, más duro del convencional, con una textura y un acabado parecido a la porcelana mate. El rostro de Gene tenía el mismo aspecto que las ilustraciones de Odom, de grandes y abesugados ojos claros,

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Mel Odom

Odom, nacido en 1950, es un artista americano autor de portadas para numerosas novelas, particularmente para las de Guy Gavriel Kay, autor de libros fantásticos como la trilogía El tapiz de Fionavar, Tigana, Reino de luz y tinieblas y Los leones de Al-Rassan. Odom es también el diseñador de la muñeca de colección Gene Marshall.

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Odom nació en Richmond (Virginia) y creció en Ahoskie (Carolina del Norte), donde sus padres le animaron en su interés por el dibujo y las muñecas. Se especializó en ilustración de moda en la Virginia Commonwealth University y continuó sus estudios de graduado en Inglaterra antes de trasladarse a Nueva York en 1975.

Su característico estilo Art Déco no tardó en establecerlo como un artista comercial de éxito, primero a través de ilustraciones eróticas para revistas de temática sexual como Blueboy, Viva y Playboy, la última de las cuales lo nombró su «Ilustrador del año» en 1980. El mismo año realizó la portada de la novela Nocturnes for the King of Naples, de Edmund White, que le abrió el camino a un público más extenso.

Durante los años 80 su trabajo consiguió éxito en los medios publicitarios. Creó portadas de álbumes para CBS Records y portadas para otras novelas, normalmente de género fantástico, de misterio o de terror. Hizo ilustraciones para la revista de ciencia ficción OMNI y en 1989 una portada para la revista Time. También obtuvo el reconocimiento profesional por parte de sus coetáneos, recibiendo la medalla de oro de

la Society of Illustrators en 1982 (en la categoría Editorial) y la medalla de plata en 1987 (en la categoría Libro).

En 1990 diseñó un cosmético para Mdvanii, una muñeca de edición limitada de 25 centímetros. Aunque su diseño no fue usado para la producción final, la experiencia renovó su interés de la infancia por las muñecas y lo llevó a crear la suya propia, Gene Marshall. El aspecto de Gene, su vestuario y su elaborada historia están basados en el glamour de la época dorada de Hollywood, desde los años 20 hasta los 50. La muñeca hizo su debut comercial en la Toy Fair de 1995 y fue un éxito inmediato, creando un amplio mercado para muñecas maniquí más grandes y articuladas, en contraste con la más pequeña y menos flexible Barbie. Desde entonces Odom ha concentrado sus actividades profesionales en Gene Marshall, modificando regularmente su diseño para crear nuevas variaciones y crear compañeros parecidos a ella para compartir su mundo.

DOLL pequeña nariz respingona, labios gruesos en forma de corazón y cejas muy arqueadas de color gris. Su rostro podía recordar al de Marlene Dietrich, Gene Tierney o Liz Taylor...

Gene apareció en el mercado en 1995 con varias muñecas y algunos vestidos sueltos.

Su precio –unos 70 dólares por muñeca y unos 30 por vestido– y la alta calidad del producto hicieron que se convirtiera en un éxito de ventas inmediato. La crítica especializada la adoró desde el primer momento y Gene ocupó portadas de revistas, e incluso uno de sus modelos, Blue Goddess, fue nominada para los premios Dolls of Excellence y Doll of the Year de 1996.

Las perspectivas no podían ser más favorables, así que en la siguiente colección, y para dar más publicidad a la muñeca, se creó un concurso, el Young Designer of America, en el que el ganador podría diseñar un modelito para Gene que se comercializaría en la siguiente colección: el ganador de 1997 fue Shelley Rinker con el modelo Sparkling Seduction, el de 1998 Michelle Guiterrez con The King’s Daughter, el de 1999 Mark Esposito con Destiny, y así sucesivamente, año tras año.

En 1999 se ofreció una novedad que los coleccionistas estaban deseando desde hacía tiempo: una línea de Simply Genes, muñecas más baratas vestidas con un simple bañador de estilo retro y con una gran novedad: bendable legs, o sea piernas que se podían doblar y permitían sentar a Gene en una silla. Gracias a esta modificación se pusieron a la venta otros complementos que adornasen el entorno de Gene, como un set de sillas y mesa para el jardín, una chaise longue de madera estilo Art Déco, un vestidor, lámparas, tocador, incluso un baúl exquisitamente forrado de azul celeste con el logo de la estrella. Poco a poco el mundo de Gene se iba haciendo más y más grande y sus modelitos más y más numerosos. Pero Gene estaba sola y, a petición de los numerosos fans, Mel Odom decide diseñar en el año 2000 a Madra Lord, otra estrella de la época. Si Gene era la estrella cándida y dulce, Madra era la mala de la película, una diva insoportable mucho más sexy y agresiva que Gene, o sea más interesante. La colección del año 2000

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DOLL empezó a mostrar signos de cansancio: los fans estaban hartos de coleccionar decenas de Genes vestidas de fiesta o trajes sastre que comenzaban a ser una copia unos de otros.

Odom en 2001 decide contraatacar ofreciendo no uno sino dos personajes nuevos: por un lado Trent Osborn, el primer y único personaje masculino de la colección, y por otro Violet Waters, una muñeca negra que sería más bien cantante de jazz antes que actriz.

A pesar de la supuesta novedad y debido a que el mercado había cambiado en estos cinco años –aparecieron las Barbie Silkstone, que de hecho representaban la misma época pero a menor tamaño, y también las Fashion Royalty, que ofrecían la misma calidad en el vestuario aunque a precios mayores–, la línea de Gene fue bajando sus ventas, y como respuesta la empresa bajó la calidad del producto hasta límites vergonzosos: los peinados eran penosos y no se parecían a los de las fotos de promoción, los acabados de los vestidos eran mediocres...

Además, la política de ventas era terrible: Mel Odom no permitía por contrato que sus productos se ofrecieran en rebajas, y muchos vendedores acabaron perdiendo o dejando la licencia. Como resultado la línea por poco acaba desapareciendo, hasta que en 2006 Ashton Drake rescinde el contrato y aparece el diseñador Jason Wu y su equipo para salvar a Gene de la quiebra total. Wu había sido el creador de las Fashion Royalty, el negocio más descaradamente caro del mercado, pero la gente picaba, así que decidieron darle otra oportunidad a Gene.

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La primera medida fue crear menos muñecas y a penas vestidos, cambiarle el maquillaje fantasmal y abaratar el tipo de plástico con el que está realizada. Además se han introducido nuevos personajes en la línea como Zita Charles, actriz del cine mudo, e Ivy Jordan, otra nueva compañera de Gene. De momento el producto se vende bien, aunque ya quedan muy lejos los años dorados en que Gene vendía y agotaba sus ediciones. Veremos en los próximos años como sigue el mercado de las fashion dolls.

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MADRA LORD

Aparecida en el año 2000, Madra es la antítesis de Gene. La drama queen explosiva, sexy pero envidiosa, tempestuosa pero muy profesional. Según Mel Odom, un cruce entre Joan Crawford, Bette Davis y Lucille Ball. Madra tiene un nuevo molde de rostro, más anguloso, y le distingue un lunar junto a la ceja. Las primeras Madras eran pelirrojas, para luego cambiar el color a todas las tonalidades posibles. Su vestuario siempre ha sido mas excéntrico, con un toque sexy, en contraposición a la mojigata de Gene, que siempre interpreta papeles angelicales y cándidos. En las últimas colecciones Madra tiene una menor importancia que Gene.

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TRENT OSBORN

Aparecido en la linea de 2001, Trent es el único personaje masculino de esta colección y no creemos que se haga ningún otro. Según malas lenguas, Trent es la imagen de Mel Odom cuando era joven, y así como Gene tiene un cierto encanto, Trent es muy envarado y rígido.

Los primeros modelos de Trent eran morenos con bigotito, estilo Clark Gable o Robert Taylor. En las siguientes líneas lo hicieron sin bigote, rubio ¡y hasta pelirrojo! Sus trajes son de calidad, y tiene todo un guardarropía que va desde el smoking hasta el traje sastre, pasando por ropa más deportiva, y con la recreación de algunos de sus papeles más destacados.

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VIOLET WATERS

Muchos coleccionistas estaban deseando que apareciese un personaje negro en la línea, y en 2001 hizo su debut Violet.

Aunque en los años 30 y 40 las artistas negras se limitaban a ser cantantes de jazz o actrices secundarias, Mel Odom decició darle un extra de glamour y que pudiera competir con Gene en igualdad de condiciones. Su molde es diferente, aunque no tiene unos rasgos «afro» muy marcados. En su vestuario predominan los tonos intensos: rojos, azules eléctricos, naranjas o amarillos. En la segunda etapa, Jason Wu incluso la ha puesto rubia y con peinado estilo años 60. Es nuestro personaje favorito de la línea y esperamos que se le saque mucho más partido.

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ZITA CHARLES

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Zita es uno de los primeros personajes creados expresamente en la segunda etapa de Jason Wu. Apareció en 2007 y representa una actriz de los años 20 tipo flapper, por eso en los primeros modelos luce peinado corto de ondas al agua y un maquillaje típico de labios muy pequeños en forma de corazón y cejas muy depiladas y arqueadas.

Zita tiene un nuevo molde de rostro, ligeramente redondo en los mofletes, y ya hay versiones en todos los tonos posibles de cabello, incluso existe una versión con moño alto y mecha estilo Lily Munster. Preferiríamos que su vestuario de ciñese como mucho a los años 20 y poco más, creando una auténtica diva del cine mudo tipo Pola Negri, Theda Bara o Gloria Swanson.

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IVY JORDAN

La verdad es que no entendemos muy bien el sentido de crear una muñeca como Ivy Jordan, muy parecida a Madra tanto en el físico como el vestuario.

Personalmente nos gustaría que se hiciesen más vestidos sueltos y menos muñecas; pero, como siempre, la opinión de los coleccionistas nunca cuenta demasiado. Ivy apareció también en 2007 y su vestuario sigue recreando el de la star de los años 30-40. En general luce moño alto o recogidos bajos, ojos rasgados, labios anchos y rostro anguloso. Al final todas acabarán pareciéndose entre sí y el coleccionista no sabrá ya ni distinguir. Ivy podría recordar a Greer Garson, Norma Shearer o Deborah Kerr, grandes damas de la pantalla.

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NOVEDADES

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Para la colección del año 2010 de momento hemos podido ver muy pocas piezas, aunque la mayor novedad es que se han realizado tres reproducciones de las primeras muñecas Gene a tamaño Barbie, pertenecientes a la línea Hollywood Royalty de Fashion Royalty. Así, nos encontramos con que la Gene Red Venus de 1995 se ha transformado en Red Desire, la Gene Blue Goddess de 1996 se convierte en Blue Caprice y la Gene Pin-Up de 1996 también se convierte en Midnight Lace. En realidad son recreaciones de los originales con un nuevo molde de rostro y todas las ventajas de las Fashion Royalty. Las tres son ediciones limitadas, como ya es habitual, y su precio es de 150 dólares.

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En cuanto al resto de la colección, poco podemos adelantaros: suponemos que se reservan la mayoría de novedades para la Toy Fair de febrero. De momento hay una versión excusiva de Blue Parasol en rojo, llamada Red Parasol (¡originales que son!). También una nueva Ivy Jordan vestida con traje estilo Chanel en rosa; su nombre es Pearls and Pink y nos gusta mucho, menos la especie de sombrero-casquete que le han puesto, que queda un poco forzado con el peinado que lleva. Es una edición limitada a 200 ejemplares y su precio es de 119 dólares. La otra novedad es la Heat Wave de Violet Waters, con un peinado un poco imposible, de altísimo tupé y larga melena en ondas. Su vestido se compone de bolero y falda larga muy al estilo Rita Hayworth en Gilda cuando cantaba Amado mío. También es una edición limitada a 200 ejemplares y el precio es de 119 dólares.

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BARBIE

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NOVEDAD

Las novedades de Mattel siempre nos llegan con cuentagotas, a veces gracias a los foros de los fans, que vete tú a saber cómo consiguen las fotos antes que nadie, y otras gracias a los chismorreos de algunos dealers, pero nunca por su página oficial, la cual renuevan al mismo ritmo lento que un elefante. De momento, vemos que habrá muchas reproducciones vintage, alguna penosa Doll of the World y poco más, pero estamos seguro que, de cara a la Toy Fair, nos van a llegar grandes novedades que a más de uno dejarán con la boca abierta. Sólo es cuestión de paciencia y de que Mattel no sea la última en enseñar sus ases bajo la manga.

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arece que Mattel ha decidido para este primer semestre del año echar mano de sus bazas seguras y no arriesgarse en lo más mínimo. Así, nos encontramos que la fórmula aplicada el pasado año bajo el nombre de My Favourite Barbie, mostrando un ejemplo representativo de cada década, se alarga este año con tres incorporaciones más: Swirl Ponitail, con bañador rojo y vestido de cuadros vichy añadido; Peaches and Cream, representativa de la época post-Superstar, y Favourite Black, con molde Steffie, pelo afro y dos modelitos de fiesta, uno en rojo y el otro un traje chaqueta blanco y dorado). Otra serie que siempre les ha funcionado han sido las profesiones, y esta vez en versión vintage nos presentan una enfermera, una azafata, una profesora y una astronauta –la única quizás un tanto diferente, pero algo simplona. Otra serie que naufraga a cada nueva entrega es Dolls of the World, este año repitiendo Rusia e Italia, aunque bien podrían representar a cualquier otro país. La serie Lucille Ball da muestras de cansancio, ¿no podrían matarla ya?

De momento se alarga con Shellys marcianas, ¡el colmo! También con Shellys se han recreado los tres Ángeles de Charlie: no sabemos si sonreir o llorar de pena. Y para acabar Athena, tan kitsch que resulta imprescindible.

NOVEDAD Pan American Airways Stewardess Réplica del modelo de los años 60, aunque el original era en azul y este es gris. El modelito es sobrio, un tanto soviético; nos encanta el detalle de los guantes, el bolsito y el casquete.

Sólo apta para forofas de las azafatas y vintage en general.

Miss Astronaut 1965 / Nurse La primera sigue la moda Courrèges con un traje poco práctico para ir por la luna. Sobra la banderita USA. La segunda es perfecta, sobria y clásica.

Sólo apta para adictas a Anatomía de Grey y House.

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NOVEDAD

Dolls of the World: Rusia e Italia La primera es ya la cuarta versión de la representante rusa (las anteriores eran de 1989, 1997 y 2005). El modelito tanto podría ser ruso como un Yves Saint-Laurent de la temporada otoño-invierno. ¡Poca imaginación!

Aunque peor es la versión italiana, con una maggiorata tipo Penélope Cruz vestida con blusa blanca y falda estampada en blanco y negro (hay dos versiones de 1980 y 1993 que ya eran penosas, pero no tanto como ésta)...

Señores creativos de Mattel, ¡les recordamos que existen más países en el mundo!

Barbie Athena

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Tercera en la serie dedicada a... ¿diosas de la antiguedad? Nos encanta porque es original, agresiva y aporta un poco de frescura a las aburridas novedades del año 2010.

NOVEDAD

Las Shelly en Charlie’s Angels nos parecen muy simpáticas, pero con los peinados un poco excesivos; esperamos ver pronto la versión adulta. My Favourite Barbie Peaches and Cream es una reproducción de la aparecida en 1984.

Las pequeñajas de abajo pertenecen a la serie Lucille Ball, en el espisodio Women from Mars: Mars nos parecen tan terribles que sólo son aptas para fans de la cómica americana.

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NOVEDAD

Barbie Christian Louboutin Siguiendo con la serie dedicada a diseñadores de moda aparece esta Barbie drag-queen dedicada al ilustre zapatero.

Luce molde de rostro nuevo, melena roja y ceñido vestido de ladrona de joyas.

Barbie Hard Rock Café 7 También original es la séptima entrega dedicada al Hard Rock Café, todo un homenaje encubierto a Amy Winehouse, con su mismo peinado, su mismo estilo de topa y sus tatuajes en el brazo. ¿Casualidad? No, hijos: saber inspirarse en un icono de moda.

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NOVEDAD Convention Barbie En la última convención de Barbie pusieron a la venta varias muñecas exclusivas: una fue la Golden Gala, con molde Silkstone y precio carísimo; el Tribute Gifset (fotos inferiores), con dos modelos vintage estilo años 50, y la Barbie Voyage in Vintage, más sencillita.

Bob Mackie Golden Legacy Algún día intentaremos descubrir las claves del sorprendente éxito de un diseñador tan hortera como Mackie. De momento, os dejamos con su última creación, tan ridícula, aparatosa y absurda como muchas de las anteriores. Esta especie de alegoría del capitalismo compulsivo o algo por el estilo luce una creación exclusiva en dorados y negro, una laaaarga cola de caballo rubia platino y una «práctica» corona de laurel dorada en la espalda.

Esperamos que sea el punto final a toda una vida de «graaandes» creaciones.

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Ladies of the

NOVEDAD

Por fin una colección adulta dedicada a los fans nostálgicos de la música de los 80.

Las tres novedades son una Cindy Lauper de la primera época, cuando cantaba Girls Just Wanna Have Fun; una Joan Jett rockera, mucho más bella que la original, y una Debbie Harry vestida de vinilo fucsia, cuando cantaba con el grupo Blondie. Muchos fans entusiasmados están esperando ya que salga también una Madonna o una Donna Summer.

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80’

Palm Beach Silkstones

NOVEDAD

Este aĂąo las Silkstones se van de vacaciones a Palm Beach y para ello han sacado sus mejores trapitos sixties de alegre colorido. Coral es el nombre de la pelirroja, con vestido y tĂşnica en tonos rojos. Caftan es la elegante morena que nos recuerda a Marisa Berenson en su ĂŠpoca de top model. Swimsuit es la primera Silkstone en bikini y con mechas, y Wellow luce larga melena rubia platino y traje amarillo, con perrito incluido.

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TONNER

NOVEDAD

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obert Tonner aburre! Este sería el gran titular que resume básicamente las supuestas novedades para el primer semestre de 2010. De hecho, la línea más excéntrica os la ofrecimos en el número anterior, Sinister Circus; el resto se limita a ser una sucesión de modelos, top models y aburridos maniquíes con vestidos cada vez más elaborados y caros, pero en eso se quedan: en modelitos de alta costura de 40 cm de altura. Sigue la línea Antoinette, que a principios de año veíamos con cierta ilusión, pero que ahora ya parece «domesticada» hacia la costura más convencional; también Dee Anna Denton, con modelitos años 50 que repiten esquemas, complementos e incluso telas, y Tyler Wenworth, que sigue siendo la fashion doll más aburrida y sosa del mundo, aunque se vista con los modelitos más exclusivos del mercado. Tonner confundió en algún momento, la imaginación con el despilfarro, algo parecido a lo que hace Paris Hilton con su vida. La supuesta novedad es la línea Monica Merrill, una jovencita vestida estilo años... ni se sabe: igual en algun modelo parece sixtie, y en otro flapper. El desatino ha alcanzado a líneas veteranas de la casa como Agnes Dreary, que este año cambian de look radicalmente; Wizard of Oz, que cambian de cara; Gone with the Wind, donde a Scarlett le ponen un tutú de bailarina, y, así, vueltas y rodeos a la falta de imaginación.

Watching the Garden Die

Tonner acostumbra –como la mayoría de empresas jugueteras que se precien– a mostrar sus novedades dos veces al año. El pobre tiene tanta confianza en el mercado y tantas ganas de ofrecer siempre productos nuevos que continuamente es una fuente de novedades, y eso, a nosotros, nos encanta, aunque dudamos que en época de crisis la gente gaste tan alegremente. Igualmente, como veréis, Tonner no se ha reprimido y pone a nuestra disposición un buen puñado de series nuevas, pone al día las antiguas y sigue manteniendo un cierto prestigio.

Horrific Hopscotch

Belle Blue Dress

Evil Queen

Beauty and the Beast

NOVEDAD

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Striking

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Exceptional

NOVEDAD

Antoinette

Pure

Extravagant

Evocative

NOVEDAD

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38 Favorite to Win

Basic Dee Anna

NOVEDAD

Dee Anna Denton

Va Va Voom Brunette

Sweet & Haughty

More Than You Can Chew

NOVEDAD

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Sweet Nothings

40 Girl Friday

Jazz Baby

NOVEDAD

MONICA MERRILL

Jonquil Sass

SoHo a Go-go!

Taking a Letter

NOVEDAD

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Corporate Couture

42 Convertible Cocktail

Dancing with Carlos

NOVEDAD

Tyler Wenworth

Guilty Pleasure

Night to Remember

Decadent Dalliance

NOVEDAD

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Insatiable Sweet Tooth

Glutton for Gingerbread

Forest Frolic

This Dish Is Too Hot

NOVEDAD

Re-Imagination

Coroner

Flowerpot

Glinda Billy Burke Face

Witch Margaret Hamilton Face

Wizard of OZ NOVEDAD

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Madame Alexander NOVEDAD

ada año antes de Navidad Madame Alexander presenta un pequeño adelanto de lo que será su colección para la siguiente temporada. Este año lo que nos ha llegado ha sido bastante paupérrimo y la gran novedad ha consistido en la línea Favorite Friends, una serie de muñecas bastante desafortunadas, con el cuerpo deforme y la cabeza gigante.

Su vestuario tampoco es nada del otro mundo, así que quizá tenga algún interés para el público infantil, pero para los coleccionistas es una absoluta pérdida de tiempo.

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Como viene siendo habitual, lo mejor son las diferentes representaciones de la muñeca Wendy, ya sea ataviada para Halloween, Navidad o practicando deportes. Os recordamos, a los que sois de Barcelona, que en la tienda Barruguet se pueden encontrar Wendys; tienen muy pocas y su precio es bastante elevado, pero al menos las podéis ver en persona y juzgar. Como siempre, lo mejor es comprarlas por Ebay, más baratas y con mucha más variedad donde elegir. Así que, hasta que no llegue febrero y se presente el resto de la colección –con algo más interesante, esperamos–, podéis adornar vuestra casa con estos motivos tan navideños.

Christmas Dinner Scarlett O’Hara

La empresa Madame Alexander se amolda a los tiempos de crisis con gran facilidad: que la gente tiene poco para gastar, pues ofrecen tan sólo media docena de novedades y se quedan tan anchos. De hecho, en los últimos años ya han reducido considerablemente su oferta y el tamaño de su catálogo, que, dentro de poco, parecerá una hoja parroquial. Así, hasta que no llegue febrero, nos tenemos que contentar con cuatro Wendys navideñas, una Scarlett repetitiva y la novedad de las Favorite Friends, que no nos ha gustado nada.

Dorothy and Me

Candy Cane Bizzazz

Yuletide Shopper

Precious Angel Tree Topper

NOVEDAD

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Spring Fling Dance

Party Perfect

Oh So Groovy

NOVEDAD

Favorite Friends

Wendy Plays Soccer

Little Clouds of Joy Angel

Sassy Irish Lassy

Holiday Parade Ballerina

NOVEDAD

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AVA GARDNER

STAR

Ava Lavinia Gardner fue una de las actrices del cine clásico estadounidense más bellas de la historia. Nominada varias veces a los Oscar, aunque sin conseguir ninguno, fue considerada una de las grandes estrellas del siglo XX y uno de los mitos del séptimo arte. Conocida por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue «el animal más bello del mundo». Tuvo temperamento y cuando se cansó de estar en el escaparate de Hollywood se vino a España, donde cada día para ella fue una alegre juerga rodeada de bailaores, toreros y todo aquel que, como ella, quisiera vivir la vida al límite. va Gardner nació en 1922 en la pequeña comunidad rural de Brogden, en el estado de Carolina del Norte. Creció en el ambiente rústico del campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la menor. Su madre, Molly, era una mujer baptista de orígenes irlandoescoceses e ingleses, y su padre, Jonas Bailey Gardner, un católico de ascendencia irlandoamericana e indoamericana. Cuando los hermanos aún eran pequeños, la familia Gardner perdió la propiedad que tenía en Brogden y Jonas se vio obligado a trabajar como aserradero y su madre, Molly, como cocinera y ama de llaves en el colegio mayor de Brogden.

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Al cumplir Ava trece años, toda la familia se trasladó a Newport News, en el estado de Virginia, esperando mejorar su suerte.

Pero, en poco tiempo, ante las dificultades de encontrar empleo, tuvieron que volver a mudarse a Rock Ridge, un suburbio de Wilson (Carolina del Norte). El año 1935 su padre, Jonas, murió de bronquitis y Ava y algunos de sus hermanos decidieron acudir a la escuela de Rock Ridge con el fin de graduarse.

De esta forma, Ava pudo ir posteriormente a clases de secretariado en el Atlantic City Christian College.

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STAR Inicios en el séptimo arte Con dieciocho años, Ava se había convertido en una bella joven de ojos verdes y una preciosa melena de color castaño. Así, en 1941, mientras estaba visitando a su hermana Beatrice en Nueva York, el marido de ésta, que era fotógrafo, le pidió si le podía hacer algunas fotos y, satisfecho con el resultado, decidió colgarlas en el escaparate de su estudio fotográfico de la Quinta Avenida. Dio la casualidad de que, mientras sus fotografías estaban expuestas en el establecimiento de su cuñado, Barney Duhan, un cazatalentos de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer, las vio y decidió ponerse en contacto con ella. Duhan entró en la tienda y pidió su número de teléfono, pero no consiguió que nadie se lo diera. Terminó yéndose de allí mientras comentaba que «alguien tenía que enviar información de ella a la MGM» y su hermana lo hizo inmediatamente. En poco tiempo, Ava viajó de nuevo a Nueva York para entrevistarse con los directivos que la MGM tenía en las oficinas de la ciudad y aquel mismo año se le ofreció un contrato de siete años con la compañía. En 1941 dejó la escuela para ir a Hollywood con su hermana Beatrice y lo primero que hizo fue asistir a clases de arte dramático y de dicción, ya que su acento de Carolina del Norte era prácticamente incomprensible.

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Fue en el año 1942 cuando comenzó a intervenir como protagonista en películas, y en los siguientes años actuó en numerosas producciones de modesto presupuesto como La casa encantada (1943), una comedia de terror que pertenece a la etapa de decadencia del gran Béla Lugosi, o Three Men in White de 1944, una comedia de médicos en la que intervenían también Van Johnson y Lionel Barrymore. Su gran oportunidad llegó en 1946 con dos títulos: el thriller Whistle Stop, en el que tiene un papel principal junto al mítico George Raft; y el drama negro basado en una historia de Ernest Hemingway, Forajidos, donde se lucía junto a un también jovencísimo Burt Lancaster y al siempre excelente Edmond O’Brien. Esta última

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película será la que la hará salir en el mapa de la industria de Hollywood.

En los siguientes años despunta en The Hucksters (1947), junto a Clark Gable; Venus era mujer (1948), comedia más bien bobalicona pero simpática, y Soborno (1949), estupendo thriller dramático donde actúa maravillosamente junto a Robert Taylor, según la leyenda otra de sus conquistas amorosas. A partir de aquí, empieza su reinado como estrella encadenando producciones de gran presupuesto para los grandes estudios, en las que la estrella realiza unas interpretacionesmemorables. De este período sobresalen los films El gran pecador (1949), drama moral con grandes actuaciones de Gregory Peck y Ethel Barrymore y un guión impecable, donde Ava está bellísima; Mundos opuestos (1949), donde la actriz encaja perfectamente en la pantalla junto a los siempre magníficos James Mason, Barbara Stanwyck y Van Heflin, y Pandora y el holandés errante

(1951), fascinante drama onírico vanguardista, donde Ava actuaba con James Mason. También para la MGM rodó Magnolia (1951), remake de un legendario musical de Broadway, donde actuó con convicción y buen hacer, aunque finalmente los productores decidieran que no utilizase su propia voz en las partes cantadas.

Trabajó con Howard Keel y Agnes Moorehead.

Luego actuó en Odio y orgullo junto a Robert Mitchum (1951), con quien mantuvo otro de sus romances.

Siguieron las películas Las nieves del Kilimanjaro (1952), su segunda obra de Hemingway, en África y junto a Gregory Peck y Susan Hayward, y Mogambo (1953), film de inusitada popularidad dirigido por John Ford y donde Ava se «merendaba» a la bella Grace Kelly –interpretativamente hablando– y brillaba con maestría –fue justamente nominada al Oscar– al lado de un imponente Clark Gable.

Tras Los caballeros del rey Arturo (1953),

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STAR clásico del cine de aventuras medievales, con Robert Taylor y Mel Ferrer en lujosa producción de la Metro, Ava comienza a atravesar algunos problemas personales y de salud. Todavía brilla en La condesa descalza (1954), en un papel inspirado en la vida de Rita Hayworth, donde da lo mejor de sí misma y logra una de sus mejores caracterizaciones –si no la mejor–, acompañada nada menos que por Humphrey Bogart, y también de Edmond O’Brien, Rossano Brazzi y Valentina Cortese.

Luego llegan films de menor éxito y/o entidad, pero en los que se disfruta con la presencia de la actriz: el drama romántico de aventuras Cruce de destinos (1956), junto a Stewart Granger; la comedia de origen teatral La cabaña (1957), junto a David Niven; su tercer Hemingway, Fiesta (1957), al lado de Tyrone Power en una de sus últimas interpretaciones; la «biografía» de la duquesa de Alba en La maja desnuda (1959), y el drama La hora final (1959), sobre las consecuencias de la explosión de una bomba nuclear, donde, bajo la dirección de Stanley Kramer, Ava realizó una de sus mejores composiciones al lado de Gregory Peck y Fred Astaire. Durante todo este tiempo, la actriz fue encasillada como estrella de gran atractivo físico, calificada por la publicidad de su estudio como «el animal más bello del mundo», eslogan que Ava odiaba.

Los años de la decadencia

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Los años 60 van a cambiar la situación, tanto porque la actriz va envejeciendo como porque cambian los gustos del público. En 1960 actúa en El ángel vestía de rojo junto a su amigo Dirk Bogarde, película que tuvo que ser rodada en Italia, pese a estar ambientada durante la Guerra Civil española. En esa época Ava tiene dificultades a la hora de encontrar papeles de altura, o al desechar títulos memorables como Dulce pájaro de juventud, La Pantera Rosa o El graduado, entre otros. No obstante, tres películas sobresalen de esta etapa: en 55 días en Pekín (1963), realiza una memorable encarnación de una condesa arruinada en medio de una revolución anticolonial, con

STAR Charlton Heston y David Niven a su lado. Siete días de mayo (1963) es casi la mejor película norteamericana de trasfondo político de la década, y una de las mejores de su director, John Frankenheimer, donde Ava compartía cartel con Burt Lancaster, Kirk Douglas y Fredric March. Por último, en 1964 protagonizó La noche de la iguana, dirigida por John Huston y basada en la obra teatral de Tennessee Williams, donde se destaca junto a Richard Burton y Deborah Kerr. Sin embargo, merecen recordarse también sus apariciones en films que no tuvieron tanta fortuna comercial o artística: La Biblia (1966), superproducción dirigida por John Huston, y Mayerling (1968), en la que trabajó con Omar Sharif y Catherine Deneuve.

A partir de 1969 Gardner se instaló en Londres, donde vivió parcialmente retirada. En este año actúa bajo las órdenes del actor y director Roddy McDowall en el filme La balada de Tam Lin, donde McDowall le rinde un homenaje a su

belleza. Esta película fue reeditada y lanzada en 1972 bajo el título de La viuda del diablo.

En los años 70 vio reducida su actividad profesional, en parte tras rodar un par de títulos que fueron verdaderos fracasos en taquilla, y entonces entró en un franco declive, debiendo aceptar papeles de menor relieve en cualquier película o serie de televisión donde la llamasen y le pagasen bien, para sobrevivir. En su día, dos películas de esta década, El juez de la horca (1972) y Terremoto (1974), no fueron grandes éxitos, pese a ser cintas dignas y bastante apreciables y a pesar de las buenas interpretaciones de Ava y su espléndida madurez física. También destaca en un entretenido thriller británico de 1975 donde la actriz compartía protagonismo con el inolvidable Dirk Bogarde y con Timothy Dalton: El hombre que decidía la muerte. Por último, Ava Gardner descollaba en la fantasía de estrepitoso fracaso comercial El pájaro azul (1976), junto a Elizabeth Taylor, Jane Fonda y Cicely Tyson, primera coproducción en plena

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STAR guerra fría entre los Estados Unidos y la Unión Soviética. Posteriormente intervino en el film de género catastrófico El puente de Cassandra (1976), junto a Sophia Loren, Burt Lancaster, Richard Harris, Martin Sheen y O.J. Simpson; en la interesante cinta de terror La centinela (1976), al lado de Christina Raines y Chris Sarandon; en Emergencia (1979), y en un drama de intriga donde ya realizaba un papel muy secundario pero todavía jugoso: El secuestro del presidente (1980), donde el susodicho era el notable Hal Holbrook. Actuó también en el film biográfico del escritor D.H. Lawrence, El sacerdote del amor (1981), junto a Ian McKellen.

Su último trabajo para el cine fue en 1982 en Regina, junto a Anthony Quinn, rodada íntegramente en Cinecittà, donde componía a una mamma posesiva y tirana. Esta película no fue estrenada en la gran pantalla y se comercializó a través de VHS. Intervino más tarde en varias producciones para la televisión, como Harem, junto a Omar Sharif, y Knots Landing. También participaría en la serie Anno Domini, donde interpreta a Agripina, la poco escrupulosa madre del emperador Nerón, y en una nueva versión de El largo y cálido verano, junto a Jason Robards, Don Johnson y Cybil Shepperd. Su última labor actoral la realizó en el piloto de una serie televisiva junto a Stefanie Powers, titulada Maggie, que no llegó a estrenarse.

Ava Gardner estuvo pretendida obsesivamente por el excéntrico millonario Howard Hughes, a quien rechazó su propuesta matrimonial varias veces. Estuvo casada en tres ocasiones, todas ellas con actores conocidos. Su primer matrimonio fue con Mickey Rooney, que duró menos de un año. El segundo, con el mítico músico Artie Shaw, fue igual de breve. Su tercer marido fue el legendario cantante y actor Frank Sinatra, con el que estuvo casada seis tomentosos años entre 1951 y 1957.

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Sufrió de cáncer uterino y se sometió a una intervención donde le practicaron histerectomía.

Murió en Londres de una pulmonía a los 67 años de edad, el 25 de enero de 1990.

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STAR FILMOGRAFÍA

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• Harem (1986, Billy Hale) • El sacerdote del amor (1981, Christopher Miles) • El secuestro del presidente (1980, G. Mendeluk) • Emergencia (1979, Alvin Rakoff) • La centinela (1976, Michael Winner) • El puente de Cassandra (1976, G. Pancosmatos) • El pájaro azul (1976, George Cukor) • El hombre que decidía la muerte (1975, C. Franke) • Terremoto (1974, Mark Robson) • El juez de la horca (1972, John Huston) • La balada de Tam Lin (1969, Roddy McDowall) • Mayerling (1968, Terence Young) • La Biblia (1966, John Huston) • La noche de la iguana (1964, John Huston) • Siete días de mayo (1964, John Frankenheimer) • 55 días en Pekín (1963, Nicholas Ray) • El ángel vestía de rojo (1960, Nunnally Johnson) • La hora final (1959, Stanley Kramer) • La maja desnuda (1959, Henry Koster) • Fiesta (1957, Henry King) • La cabaña (1957, Mark Robson) • Cruce de destinos (1956, George Cukor) • La condesa descalza (1954, J.L. Mankiewicz) • Los caballeros del rey Arturo (1953, R. Thorpe) • Mogambo (1953, John Ford) • Una vida por otra (1953, John Farrow) • Las nieves del Kilimanjaro (1952, Henry King) • Estrella del destino (1952, Vincent Sherman) • Magnolia (1951, George Sidney) • Odio y orgullo (1951, Robert Stevenson) • Pandora y el holandés errante (1951, A. Lewin) • Mundos opuestos (1949, Mervyn LeRoy) • El gran pecador (1949, Robert Siodmak) • Soborno (1949, Robert Z. Leonard) • Venus era mujer (1948, William A. Seiter) • Una vida y un amor (1947, John Brahm) • The Hucksters (1947, Jack Conway) • Forajidos (1946, Robert Siodmak) • Whistle Stop (1946, Leonide Moguy) • She Went to the Races (1945, Willis Goldbeck) • Maisie Goes to Reno (1944, Harry Beaumont) • Three Men in White (1944, Willis Goldbeck) • La casa encantada (1943, William Beaudine) • Mighty Lak a Goat (1942, Herbert Glazer) • Joe Smith, American (1942, Richard Thorpe)

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Juan Albuerne Custom

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Red Baroness

Dinner with Hold Blue Eyes

Dancing with Stars

Tonner Collection STAR

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Heidi

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Si hay una serie que marcó a todos los niños y niñas de mi generación esa fue Heidi, el primer producto Made in Japan con trasfondo europeo que, semana tras semana, nos llevaba del llanto a la carcajada, de la sorpresa a la ilusión. En una época en la que sólo existían dos cadenas de televisión, Heidi reinaba en la sobremesa de los sábados, y cuando oíamos las primeras notas de la sintonía original, con ligero sabor tirolés, nos poníamos delante del televisor para seguir las peripecias de esa niña a la que, a pesar de su buen humor, siempre le pasaban grandes tragedias. Heidi gustó tanto que teníamos su álbum de cromos, sus muñecas e, incluso, su disfraz. No es raro que ahora muchos quieran volver a recuperar aquellos tiempos en los que los problemas parecían tan lejanos como Frankfurt lo está de las montañas suizas.

eidi es el nombre de un libro infantil de 1880 de la escritora suiza Johanna Spyri.

Recibe el nombre del personaje protagonista de la historia, la pequeña Heidi, que vive en los Alpes suizos cercanos a la frontera con Austria.

H

Heidi le dio fama internacional a Spyri, y es uno de los libros más leídos de la literatura suiza en todo el mundo. Es un libro lleno de inocencia, donde se resaltan los valores humanos y el amor hacia la naturaleza. Originalmente Spyri creó la obra en dos partes: Heidi, en 1880, y De nuevo Heidi, en 1881. A partir de 1885 las siguientes ediciones unieron las dos novelas en un solo tomo, y es así como se conoce la historia universalmente, ya que las traducciones se basaron en la novela unificada.

La trama

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Heidi es una niña que, huérfana desde muy pequeña –y cuyo nombre verdadero es igual al de su madre, Adelaida–, queda al cuidado de su joven tía Dete. Apenas la mujer encuentra una buena oportunidad de trabajo, lleva a la niña a vivir a la aldea de Dörfli con su abuelo, a quien no conocía, y que era conocido entre los habitantes de la región como El viejo de los Alpes, por ser casi un ermitaño. Heidi se

STORYLAND siente cautivada por la vida en las montañas, donde tiene contacto directo con la naturaleza.

Ahí conoce a Pedro, un chico que se encarga de pastorear a las cabras de los aldeanos, quien se convertirá en el mejor amigo de la pequeña y en su compañero de aventuras.

Heidi vive feliz, pero alejada de la sociedad, pues su abuelo se niega a que acuda al colegio.

La pequeña entabla, sin embargo, una gran amistad con la abuela y la madre de Pedro.

Un año después de terminada la primera novela, apareció la segunda parte, De nuevo Heidi, que narraba las aventuras de la niña, alejada de las montañas por su tía, quien la había hecho contratar para hacer de damita de compañía de una niña inválida, Clara Sesemann. Clara forma parte de una de las familias más importantes de Frankfurt y pasa la vida recluída en casa en una silla de ruedas, únicamente acompañada de la servidumbre y de la Señorita Rottenmeier, que le hace de tutora, ya que tanto el padre como la abuela de Clara permanecen poco tiempo en la ciudad por motivos de negocios. El encierro y la rigidez en la educación terminan por deprimir a Heidi, que a pesar de todo crea fuertes lazos de amistad con Clara y su familia. El padre de Clara, consciente de la depresión de Heidi, decide enviarla de regreso a las montañas.

Heidi, por su parte, cambiará la vida de la familia de Clara. Poco tiempo después de la partida de su amiga, Clara es enviada a visitarla a los Alpes, donde, en medio de los bellos paisajes y rodeada por el cariño del abuelo, de Pedro y de Heidi, se esfuerza por lograr caminar. Y lo consigue, pero no del todo.

Pero cuando vuelve a Frankfurt, con la ayuda de su médico, consigue caminar del todo.

Versiones basadas en el libro La historia ha tenido adaptaciones en películas y series de televisión, incluyendo cerca de 20 producciones. En cine, existen 10 películas, principalmente de producción estadounidense o de países de lengua alemana. En Hollywood se realizó una famosa película en 1937, donde la protagonista es interpretada por Shirley

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STORYLAND

También existen obras teatrales y un drama musical. Varias colecciones de historietas y series televisivas completan la larga lista de obras basadas en el libro de Johanna Spyri.

es un destino turístico promocionado en la Confederación Helvética, donde el visitante puede recorrer los paisajes en los que se desarrolla la ficticia historia de Heidi. La región se sitúa en plenos Alpes, cerca de la frontera con Liechtenstein y Austria, e incluye Maienfeld, la ciudad más cercana al lugar donde vivía Heidi. En la actualidad es un destino muy visitado por el turismo japonés. En Maienfeld se encuentra la Casa de Heidi, una recreación de la cabaña del abuelo.

Otras historias de Heidi

La paradoja

Años después, el traductor de la novela al inglés, Charles Tritten, escribió dos nuevas historias, Heidi y Pedro –también conocida como Heidi crece–, en la que se cuentan las experiencias de Heidi como maestra de escuela, y Los hijos de Heidi, donde Heidi deja de ser la protagonista.

En la introducción de la serie de anime –dibujos animados– de 1974 podemos ver a Heidi bailando alegremente con su amigo Pedro. En el fondo se puede observar a un grupo de aldeanos sosteniendo una bandera amarilla que tiene dibujada una cabra negra: esa bandera pertenece al cantón de Schaffhausen, al norte de Suiza, en la frontera con Alemania. Lo curioso es que la historia, de acuerdo con el libro, se desarrolla en el cantón de los Grisones, en la frontera con Austria y Liechtenstein.

Temple. La primera versión en dibujos animados fue la serie japonesa de televisión Heidi, de 1974, y ha sido la de mayor difusión, fama y aceptación. En gran parte a raíz de su éxito, se crearon otras películas de dibujos animados.

Heidiland 64

La región de Heidiland, en el distrito de Landquart, en el cantón suizo de los Grisones,

STORYLAND Johanna Spyri Nacida en Hirzel el 12 de junio de 1827, fue una escritora suiza. Su nombre de soltera era Johanna Louise Heusser. Es conocida mundialmente por su cuento de Heidi.

Johanna fue la cuarta hija del matrimonio formado por el doctor Johann Heusser y la poetisa Meta Sebweizer. Su casa blanca, que aún se conserva, está ubicada en las afueras de Hirzel, justo cuando el terreno comienza a ascender por la verde colina.

Johanna fue una niña sensible, con una gran pasión por la música, las aves y las flores de los campos alpinos y de los bosques cercanos a su hogar. A los 14 años, Johanna fue a vivir a Zúrich a la casa de una tía, y allí asistió durante dos períodos lectivos a clases de idiomas extranjeros contemporáneos, al mismo tiempo que tomó lecciones de piano. Durante siete años, entre 1845 y 1852, Johanna se convertirá en maestra de sus hermanas menores, aprovechando el tiempo libre para hacer lecturas que irán enriqueciendo su capital intelectual y espiritual. Es durante esta época que Johanna comienza a escribir con intensidad, con el objeto de recaudar fondos para la Cruz Roja Internacional, y su primer libro, Una hoja en la tumba de Vrony, ve la luz en 1871, firmada sólo con las iniciales J.S. En 1870, cuando Johanna tenía 43 años, mientras Europa padecía la guerra franco-prusiana, con la intención de hacerle pasar momentos gratos a su hijo, su pluma abordó con pasión los propios recuerdos infantiles, que fueron plasmándose con maestría infinita en la vida de la niña huérfana que va a vivir a las montañas con su abuelo. Había nacido Heidi, que se publicaría diez años más tarde, en 1880. A partir de 1879 empieza el período más productivo en la narrativa de Johanna Spyri, que escribirá veinte libros en cinco años, etapa que corresponde a la publicación de Heidi. La autora falleció en Zúrich, el 7 de julio de 1901.

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STORYLAND Los personajes • Heidi. La protagonista es una niña huérfana desde pequeña, que se ve obligada a vivir con su abuelo en una cabaña de los Alpes. Allí es muy feliz, quiere mucho a su abuelo y a Pedro, Niebla –el perro– y las cabritas. Un día su tía Dete la va a buscar para que se vaya a vivir a Frankfurt a hacerle compañía a Clara.

Tiene buen corazón pero es muy chillona.

• El abuelo. El abuelito de Heidi es conocido en el pueblo de Dörfli como «el Viejo de los Alpes». Su verdadero nombre es Hessen. Tiene fama de hombre huraño y solitario, pero quiere mucho a su nieta Heidi.

Su especialidad: el queso y la marquetería.

• Pedro. Pedro el Cabrero es un pastorcillo que se dedica cada día a llevar a las cabras de todos los aldeanos de Dörfli a las praderas. Es el mejor amigo de Heidi y vive con su madre y con su abuela. Todo simpatía, es un personaje completamente analfabeto.

• Clara. La hija de los Sesemann es una niña inválida que vive en Frankfurt. Se hace amiga de Heidi cuando ésta se va a vivir a su casa. Acostumbrada a que siempre la estén cuidando, cuando vaya a las montañas aprenderá a valerse por sí misma. Va siempre vestida de azul con un gran lazo en la cabeza.

• La abuela de Pedro. Esta anciana ciega vive con su hija Brígida y su nieto Pedro. Suele estar hilando todo el día y las visitas de Heidi la llenan de alegría. Es adicta a los panecillos de pan blanco y a escuchar la Biblia de voz de Heidi.

• La señorita Rottenmeier. La institutriz de Clara es el personaje que se hace cargo de la casa cuando el señor Sesemann no está en Frankfurt. Es muy severa y continuamente regaña a Heidi, gritándole «¡Adelaida!» cuando hace algo que no está acostumbrada a ver.

Más tiesa que un palo, no sonríe en toda la serie ni una sola vez.

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• Brígida. La madre de Pedro se quedó viuda desde que el niño era muy pequeño. Cuida de su madre y de Pedro, que es quien trabaja para traer dinero a la casa. Es un personaje un tanto secundario, tratado sin gran profundidad.

STORYLAND • El señor Sesemann. El padre de Clara es un hombre muy rico y viudo, que quiere mucho a su hija, pero tiene que estar continuamente de viaje debido a su trabajo. La verdad es que tiene poco protagonismo en la serie, pero es quien lo paga todo.

• Sebastián. El mayordomo de la casa del señor Sesemann es un hombre muy tranquilo que congenia mucho con las niñas, sobre todo con Heidi. No soporta a la señorita Rottemeier. Se pasa el día cotilleando junto a Tinette, la doncella, y el cochero.

• El doctor Klassen. El médico que ha tratado a Clara desde que era pequeña es un buen amigo del señor Sesemann. Cuando Heidi se pone enferma, es él quien decide que debe volver a las montañas, y más adelante él viaja a los Alpes para comprobar si es un lugar adecuado para que Clara pase un tiempo allí.

• La señora Sessemann. La abuela de Clara es una señora muy alegre que hace que, durante los días que va de visita a la casa, Heidi se sienta mejor. Siempre contraria a los métodos educativos de la señorita Rottenmeier, intenta hacerles la vida más agradable a las niñas.

• Tinette. La sirvienta en casa de los Sesemann es tan severa y fría como la señorita Rottenmeier. Aunque también es una cotilla cuando le interesa...

...y los animales

• Niebla. El perro del abuelo y de Heidi es un San Bernardo cuyas mayores aficiones son dormir, comer –los caracoles son su comida favorita– y jugar con Heidi.

En algunas ocasiones ayuda a Pedro y a Heidi a cuidar del rebaño.

• Blanquita y Diana. Son las cabras del abuelo de Heidi.

Al poco tiempo de regresar Heidi de Frankfurt, Blanquita tiene un cabritillo, a quien Heidi le pone de nombre Bonita.

• Copo de Nieve. La cabra de Heidi preferida entre todas las que tiene Pedro en el rebaño es la más pequeña y su dueño está a punto de sacrificarla porque no da leche y no crece. Pedro y Heidi consiguen solucionar el problema dándole una hierba olorosa y finalmente no la matan. Al regresar Heidi de Frankfurt, la cabrita ya ha crecido.

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Heidi: los films

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Heidi ha sido objeto de numerosas adaptaciones al cine, quizá la más conocida sería la protagonizada en el año 1937 por Shirley Temple. Fue todo un éxito que propició, además, la aparición de numerosas muñecas con la imagen de la niña de los tirabuzones de oro vestida de tirolesa. Aunque el abuelo del film daba auténtica grima de verlo... La novela también se ha adaptado al teatro y al cómic. Precisamente la editorial Glénat reedita la versión que hizo del cuento Purita Campos en los años ochenta con su particular estilo. La historia se adaptó en dos partes que en aquel momento publicó Bruguera dentro de la serie Joyas literarias y que ahora se ofrecen en este volumen único de lujo junto a algún material más. Una buena forma de hacer más corta la espera mientras nos llegan nuevas entregas de las aventuras de Esther y su mundo.

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Heidi: las mu単ecas

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STORYLAND Mi Heidi , por Núria Simón Heidi, Pedro, Clara, el abuelo, la señorita Rottenmeier, Niebla, son algunos de los personajes de la serie de dibujos animados de los años setenta que todos los que crecimos en esa época recordamos con mucho cariño. La serie relataba la vida de una pequeña niña huérfana, basada en el personaje principal de la novela homónima de Johanna Spyri. Heidi enseguida se hizo un hueco en todos los hogares por su dulzura y su candor, y no sólo gustaba a los pequeños de la casa sino también a los mayores. Hoy en día puede parecer cursi a los niños que han crecido con los dibujos de Dragon Ball y otros todavía más heavies, pero la pequeña niña suiza marcó una época y una moda, ya que no sólo se trataba de unos dibujos animados sino que de Heidi se hicieron infinidad de productos. Muchos fabricantes de muñecas crearon su propia versión, como Famosa, que también creó a Pedro, su inseparable amiguito; Vicma también hizo su versión, lo mismo que Famaca, Falca, Muñecas B.B. y otras más. También se hicieron barajas infantiles, chapitas, llaveros, rompecabezas, cuentos, recortables e infinidad de cosas más que hoy son muy apreciadas por algunos coleccionistas.

Hace poco repusieron la serie en TV y recuerdo haberme quedado enganchada igual que cuando era niña, y no me avergüenza reconocer que lloré viendo los dibujos, porque algo tan tierno es difícil que no toque la fibra sensible.

Soy de la opinión que los dibujos de hoy en día no son constructivos y que si los niños vieran dibujos como Heidi no serían tan violentos ni materialistas, así que doy las gracias por haber vivido una época en la que los niños éramos niños, jugábamos, no necesitábamos playstations ni nada parecido, éramos educados, obedecíamos a nuestros padres y veíamos series de televisión como Heidi, todo un referente para una generación entera.

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SD TOYS – Set A (Abuelo, Heidi y Pedro)

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SD TOYS – Heidi Antiestrés

SD TOYS – Set B (Srta. Rottenmeier, Heidi y Clara)

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NANCYS

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negras

La versión negra de la famosa Nancy vio la luz por primera vez en 1972 como Nancy mulata, y en su momento fue la preferida de las niñas por su entonces exótico color.

Hoy en día sigue manteniendo intacta su popularidad, pues es la preferida de todos los coleccionistas. No sé qué tendrá esta muñeca, pero el caso es que conseguir una a buenos precios es tarea imposible: incluso la nueva reproducción de la Nancy Jeans ha desatado la locura en toda España.

a Nancy negra o mulata debutó en 1972 con la referencia 6939 o 86939, aunque este número sólo le sirvió para ese año, pues en 1973 la misma muñeca se comercializó con la referencia 86981, que no perdería durante el resto de su vida. Al igual que su hermana blanca medía 45 centímetros, aunque el plástico utilizado para su fabricación era más duro y a resultas de ello la muñeca era más reducida en volumen, ya que los vestidos y zapatos le solían venir grandes. La primera versión tenía el pelo negro recogido en un gracioso moñito y los ojos eran de un gris verdoso. Iba vestida con un top y una faldita en amarillo o rojo con topos de colores y en el pelo llevaba una cinta verde con un aro simulando un pendiente. Venía presentada en caja rosa estrecha, igual que el resto de Nancys.

L

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Para 1973 se creó una Nancy negra con distinto atuendo y peinado. El traje consistía en el modelo Deportivo, en tonos rojos o mostaza; su peinado era igual al de sus hermanas blancas, es decir, largo hasta la cintura, liso y con raya en medio, sólo que de color negro.

Los ojos no variaban. Al año siguiente, en 1974,

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DOLLS Nancy continuó con la misma melena pero cambió su conjunto, pasando a lucir el famoso modelo Jardín en tonos rojos, sin cinta en el pelo y sin tijeras de podar. Este modelo es uno de los más deseados por los coleccionistas.

En 1975 Nancy volvió a cambiar de atuendo para lucir el conjunto Blue Jeans, consistente en una sencilla camiseta amarilla con el logo de Nancy y unos tejanos. Nancy volvía a presentar el moñito de los primeros años, pero en 1976, con el cambio sufrido en el cuerpo de Nancy, también hubo cambios para la mulata, ya que, aparte de ser articulada en el cuello y la cintura como las otras, también aumentó ligeramente de volumen y su peinado pasó a ser estilo afro. Los ojos también cambiaron ligeramente de tonalidad. En 1978 la melena vuelve a ser lisa y larga hasta 1981, año en que volvió a lucir el peinado afro. Desde entonces Nancy fue alternando la melena larga o corta lisa con el pelo corto y rizado y se la llamó indistintamente negra o mulata, manteniendo siempre la misma referencia.

La Nancy mulata dejó de fabricarse en 1992, pero con la serie de colección creada en el año 2000 volvieron a reaparecer algunos modelos de negras o mulatas, empezando por la colección del mundo, donde Nancy representó al continente africano y donde volvía a lucir su larga melena negra y unos bonitos ojos castaños. Dentro de esta colección se harían también dos muñecas mulatas, una para representar al Caribe en la serie del mundo y otra llamada Sport Jeans. El molde utilizado para estas muñecas era el nuevo de colección.

Lesly in black

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Y como la hermanita de Nancy no podía ser menos, también se creó una edición negra de esta muñeca en 1977, un año después de su debut. La muñeca emulaba a su hermana con el pelo estilo afro y los ojos azules. El primer modelo se realizó con el conjunto Black Jeans y más tarde pasó a lucir el modelo Olímpica.

La Lesly negra sólo estuvo cuatro años en producción, lo que hace que sea una muñeca

DOLLS muy apreciada por los coleccionistas, pero a pesar de su popularidad, en la reedición de colección de cuatro Leslys, no hubo ninguna de ese color.

Reproducción de la Nancy Jeans Desde que Famosa dejó de fabricar la serie de colección, los coleccionistas no hemos parado de reclamar más muñecas, pues tuvieron una gran acogida y nos quedamos con ganas de más. Es por esto que, con motivo del 40 aniversario de Nancy, Famosa creó un concurso en su página web para que pudiéramos votar entre unas cuantas muñecas la que nos gustaría ver reproducida. Se trataba de una difícil elección, pero al final la negra ganó por mayoría y es por eso que Famosa ha recreado una versión de la Nancy Jeans de los años 70 con el mismo traje y el mismo pelo, pero con el molde de colección nuevo.

Una cosa muy interesante ha sido el embalaje, que es igual al que se creó para ella en la década de los 70. Esta muñeca está creando tanta expectación que en algunos comercios donde se ha puesto a la venta ya han agotado todos los ejemplares y algunas se están revendiendo en Ebay a precios astronómicos comparado con el precio original de la muñeca, que es muy correcto.

El caso es que ha sido tan espectacular el éxito de la original convocatoria de Famosa de votar a la muñeca favorita que, al parecer, sacarán dos o más al año en vez de una, como habían comentado en su momento, y esto los coleccionistas lo agradecemos profundamente.

La Nancy negra sigue siendo una favorita entre los coleccionistas y es, de largo, la muñeca más valorada por ellos. Debe de ser que en aquella época las personas de color nos parecían exóticas, porque también pasaba lo mismo con el rey Baltasar, que siempre era el preferido de todos los niños…

Texto: Núria Simón

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Colecci贸n de Ana66

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Colecci贸n de Pilar P茅rez

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Muñecas

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B.B.

«Queremos muñecas B.B.» era el eslogan utilizado por esta firma de muñecas surgida también de Famosa y cuyo logotipo era un bebé mago con chupete. Suyas son creaciones como los entrañables Pitirolos o los Pitipeques, originales creaciones que fueron muy imitadas en su momento. También fueron los creadores de Alina y de Core, muy apreciada por los coleccionistas de muñecas maniquí de hoy en día.

icente Berenguer, de la firma Vicente Berenguer y Cía., junto con sus familiares –entre los que se encontraba su hermano Pepe–, desertó de Famosa en 1959 para asociarse con Tortosa y Yáñez para formar la empresa Tiber, que también se disolvió al poco tiempo, como ya comentamos en el artículo dedicado a Toyse. Después de esta disolución se creó la empresa Berenguer Hermanos, que fueron los creadores de las Muñecas B.B., muy famosas en los años setenta y que han dejado muchas creaciones para el recuerdo.

La empresa cesó sus actividades por dificultades económicas en marzo de 1988 y sus naves fueron adquiridas por Falca, otra importante empresa juguetera.

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Muñecas B.B. fue la creadora de unas muñecas únicas en su momento y que gozaron de un gran éxito entre las niñas de la década de los 70. Graciosos, divertidos, originales, los Pitirolos fueron toda una novedad y un gran acierto de la empresa. Los Pitorolos y las Pitirolas eran muñecas con el cuerpo de trapo y la cabeza y las extremidades de plástico, y originariamente con el cabello pelirrojo. Los muñecos podían adoptar muchas personalidades, como payasos, brujitas, etc.

La misma empresa sacó un muñeco parecido, aunque realizado todo él de plástico, llamado

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Pitipeque, de unos 45 centímetros de altura, que también tenía una cara muy graciosa y diferente de todo lo que se había visto hasta entonces. Y una tercera muñeca vino a unirse a esta familia de originales personajes, Tinuca, una muñeca que no era guapa precisamente, de manos y pies desproporcionados, nariz de cerdito, pelo de mazorca y grandes orejas.

Yo tuve una Tinuca vestida de colegiala y la recuerdo con mucho cariño.

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Muñecas B.B. también se distinguió por el hecho de sacar al mercado el primer muñeco sexado, en versión niño y niña. Aunque lo he visto en varias subastas con nombres diferentes, el que yo tuve se llamaba Batistet y su hermanita, María Jesús. Ambos muñecos tenían la misma carita de grandes ojos redondos pero llevaban diferentes colores para poder distinguirlos: azul para el niño y rosa para la

niña. También disponían de un pequeño ajuar de trajecitos de punto en blanco y amarillo.

Otra muñeca importante de la firma fue Alina, «la muñeca que camina», que era una pequeña muñequita de apenas 20 centímetros que se movía sin mecanismos y sin pilas cuando le tirabas de los bracitos. Alina se vendió en diferentes modelos, colores y razas y fue, y sigue siendo, una muñeca muy querida.

Entre los bebés tenemos a Lavadito, un muñeco que también tuvo mucho éxito en su época. Era un pequeñín que lloraba si le lavabas la carita y tenía complementos de ropa y accesorios varios. Otros fueron Lontín, que lloraba si le sacabas el chupete; Mi Bebé, el cual lloraba y sacaba moquitos si le apretabas la barriguita, o también Pachucho, «el muñeco

MADE IN SPAIN enfermito», que cuando se le colocaba el termómetro se volvía coloradito y lloraba al ponerle una inyección.

Y como todas las empresas de la época, Muñecas B.B. también hizo su propia versión de Pippi Calzaslargas, aunque en este caso se llamaba Pippina, una pequeña y graciosa muñequita de 26 centímetros.

Otros muñecos de B.B. fueron Baberín, un pequeño muñeco que movía la cabeza al tocarle el brazo izquierdo; Candelita, que apaga la velita de su pastel de cumpleaños; Cuchi, una muñeca andadora que se podía sentar, hacía babitas y moquitos y tenía muchos vestiditos, y además tenía su propia historieta publicada en los tebeos para niñas de la época, como Lily; Elke, que andaba y movía la cabeza sin necesidad de pilas; Pitirrisa, Chitón, Rim-Rim, Cacholi y un sinfín de muñecos más.

Texto: Núria Simón

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Core

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a empresa B.B. también creó su propia muñeca maniquí, una muñeca de pequeñas dimensiones, articulada y de facciones aniñadas, Core. La muñeca podía ser rubia o morena, de pelo liso o rizado, corto o largo. Como toda muñeca maniquí que se preciara, gozaba de un gran vestuario al que no le faltaba de nada: trajes de amazona, de esquí, de gitana, de bailarina clásica, de enfermera, de azafata de Iberia –luciendo el mismo uniforme de Elio Bernhayer que llevó Nancy–, de tenis, de novia, de primera comunión e, incluso, de reina. También disfrutaba de muchos complementos, como un apartamento con sus muebles –que se vendían aparte–, un tocador, un pupitre, una cama, un armario, un salón o una cocina, y no podía faltar tampoco un jardín con piscina.

Core Acción era una serie de muñecas que representaban distintas actividades de acción, como su propio nombre indica: Socorrista, Agente Secreto, Alpinista, Safari, Submarinista, Esquiadora, Misión Polar, Olímpica, todas ellas perfectamente ataviadas y con los complementos adecuados a cada actividad.

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Core’s Boy era el amiguito o novio de Core, y la verdad es que no se parecía en nada a ella en lo referente a forma y tamaño; más bien tenía aspecto de Madelman… También se editó una serie de muñecas de época llamadas Core Fru Fru que lucían modelos de principios del siglo XX. Supongo que nos dejaremos muchas muñecas en el tintero pues la producción de muñecas en los años 60-70 era inmensa por parte de todas las empresas, pero seguro que entre las citadas habrá alguna que os traerá muy buenos recuerdos; al menos ese es nuestro deseo.

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Italia: Lisa Jean

Portugal: Tucha

Brazil: Sissy

Versiones autóctonas, imitadoras y otros “familiares” de Core...

Foto: Colección Noemí Sapiña

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Antonio de Felipe

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Antonio de Felipe es el artista español en ejercicio que más ha influido en el Pop Art de los últimos años. Sus imágenes llenas de logotipos, referencias cinematográicas y elementos del arte clásico nos transportan a un mundo de fantasía, divertido, siempre buscando el guiño cómplice con el espectador. Por eso hemos querido saber algo más de él y que nos hable de su última serie «Popsport», donde bajo su particular e ingeniosa visión se hace un recorrido por las principales manifestaciones deportivas.

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ntes de nada, felicitarte por tu trayectoria artística. Nos apasiona la unión que realizas entre símbolos publicitarios, referentes cinematográficos y elementos típicos del arte español, todo bajo un prisma muy pop. ¡Muchas gracias!

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Tu primera serie, «Logotipos», estaba muy influenciada por el mundo de la publicidad, el mundo del cual provienes. Muchos crecimos con aquello de «las muñecas de Famosa se dirigen al portal…», pero ¿qué anuncios te marcaron a ti de pequeño? ¿Cómo ha de ser un logo para que sea reconocible y permanezca durante el paso de los años en la memoria de la gente?

Uf… Recuerdo que competía con mis hermanos a ver quién era capaz de adivinar antes las marcas de los anuncios que pasaban por televisión; el que primero lo acertaba, ganaba. Cuando yo era pequeño sólo existían dos canales, y no podíamos hacer zapping, por lo que los anuncios tenían un gran poder sobre todos nosotros. Recuerdo los de Cola Cao, los de Coca Cola (con aquella canción y estética hippie, la de «la chispa de la vida»). Creo que

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lo más importante para que un logo o una marca permanezcan en la memoria de la gente es su singularidad, su originalidad, y la continuidad de la misma en el mercado permite ver su evolución. Lo mismo ocurre con los artistas: es fundamental que tengas un lenguaje personal y reconocible al primer golpe de vista, que te defina e identifique.

¿Actualmente coleccionas algo? ¿Juguetes? ¿Muñecos?

Pues no de una forma intencionada, pero sí voy coleccionando pequeños muñecos, objetos y souvenirs. Mis últimas adquisiciones han sido una pequeña réplica del Discóbolo de Mirón comprada en el British Museum de Londres y una Barbie Marilyn Monroe.

¿Qué juguetes, muñecos… recuerdas de tu infancia? ¿Has conservado alguno de aquella época? ¡Sin duda mis favoritos eran los Madelman!

Pero también me gustaban los Geyperman, aunque para mí eran demasiado grandes.

De muñecas recuerdo a la Nancy, que era la versión patria de la Barbie de ahora; Nenuco, Barriguitas… y me quedé con las ganas de tener un Exin Castillos, un Scalextric, un Ibertren, etc. He conservado algún Madelman, afortunadamente.

Al contemplar tu obra parece que domines, por lo menos visualmente, la amplia pinacoteca universal, junto con los símbolos publicitarios que nos han marcado. ¿Cómo surge la idea de unir una pintura clásica con un símbolo publicitario? ¿Tienes un método especial, vas siempre con la libreta encima para anotar nuevas ideas?

Intento hacer pintura de mi tiempo sin perder la herencia clásica. La idea de unir logos publicitarios y grandes clásicos del arte surge

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de una manera natural. Trabajé unos años como creativo publicitario al mismo tiempo que estudiaba Bellas Artes, y de alguna forma lo que hice fue unir los dos mundos en los que estaba inmerso. Supongo que la mejor fuente para beber e inspirarse es lo más próximo, lo más cercano.

Creo, sin ánimo de ser pelota, que en algunos temas has sido un visionario: después de tu serie «Vacas» se han llenado de vacas las tiendas, y especialmente con

la colección «Cow Parade». ¿Qué tienen las vacas para que fascinen a tanta gente?

La historia de la «vacamanía» es muy curiosa.

Yo tenía que preparar una exposición para el Centro Cultural Casa de Vacas del Retiro de Madrid, y, puesto que dicho centro había sido la antigua Vaquería Real, me pareció una buena idea crear una serie de cuadros y esculturas con la vaca como eje principal, para que de alguna manera las vacas volvieran a su antiguo hogar. Sin lugar a dudas, esta exposición marcó un antes y un después en

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ENTREVISTA mi trayectoria como artista. Fue un gran éxito, tanto, que unos fabricantes de plásticos suizos compraron algunas de mis vacas, copiaron la idea y empezaron a montar las Cow Parades, pero, ¡reivindico la paternidad de la idea!

Disney es una referencia continua en tu obra. ¿Qué personaje era tu favorito? ¿Qué película te marcó en tu infancia? ¿Sigues la evolución de la animación hacia el 3D? ¿Crees que es la evolución lógica?

La galería de personajes entrañables de Disney es fabulosa, pero sin duda mi personaje favorito era Bambi. De niño me pasaba horas dibujándolo; de hecho, lo incluí en uno de mis escasos autorretratos, Al niño le gusta pintar Bambis, en el que aparezco yo de niño junto a este personaje en una caja de lápices de colores Alpino, cuadro que pertenece a los fondos del IVAM (Institut Valencià d’Art Modern). Me gustan mucho las películas de animación, mis dos últimas favoritas son Ratatouille y Up. Supongo que la evolución lógica es el 3D, pero reconozco que me marea un poco y me molestan las gafas que hay que ponerse… aunque quizás termine por acostumbrarme.

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«Cinemaspop» fue el primer catálogo que tuve de tu obra, y también el primer póster que compré para colgar en casa (el de Catwoman). Pero entre todas las maravillas que había, creo que las dos obras que te han dado la inmortalidad son los retratos de Audrey Hepburn (una de nuestras actrices favoritas) y Marilyn Monroe. ¿Llegó a agobiarte que se viesen tantas Audreys por todos lados? ¿O es la finalidad última del arte pop? La popularización…

Así como antes he reivindicado la paternidad de la vaca como icono artístico y pop, ahora hago lo propio con la figura de Audrey Hepburn.

Desde luego que fue Warhol el que convirtió a Marilyn en un icono pop, pero sí, el que desencadenó la «Audreymanía» actual fui yo.

El hecho de llevar tu arte a la mayor cantidad de gente posible y democratizarlo es muy interesante; de hecho esa es una de las más interesantes premisas del arte pop,

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pero todo tiene su medida, y creo que tanto de la imagen de las vacas como de la de Audrey se ha abusado sobremanera, y la saturación puede llegar a cansar. En mi defensa diré que son básicamente la legión de imitadores que me han salido los que han saturado el mercado, no yo.

Evidentemente, gracias a las fotografías hoy en día podrías retratar a quien quieras, pero ¿a quién te hubiese gustado conocer en persona? ¡A tanta gente interesante! De Platón a Audrey Hepburn, pasando por Leonardo da Vinci, Velázquez, Goya, Mozart, Warhol, Tamara de Lempicka, Lorca, etc., etc., etc.

Me sorprendió ver un disco de Manolo Escobar con un retrato tuyo en la portada. ¿Qué crees que busca la gente cuando te pide un retrato? ¿Que la idealices? ¿Tener una obra tuya pero con su cara? ¿Aceptas todo tipo de encargos?

Cuando alguien me pide un retrato quiere la percepción que yo tengo de esa persona a través de mis pinceles. Un retrato es uno de los ejercicios más difíciles para un artista, puesto que tienes que ser capaz de transmitir quién es esa persona, cómo es, y desde luego es un ejercicio absolutamente subjetivo. En esta vida nada es objetivo, ni siquiera una foto, que dependiendo de la luz, el encuadre o el ángulo captará o transmitirá una imagen de nosotros u otra. De todas formas, si pinto retratos es porque desde siempre he sentido fascinación por el rostro humano: de pequeño me recuerdo dibujando ojos, bocas, a mis compañeros de clase en los márgenes de los libros, a los pasajeros anónimos cuando viajaba en el autobús… Acepto un encargo si lo veo factible dentro de mi estilo, si hay química con el retratado y, por supuesto, si me dan libertad para poder crear libremente.

Te has atrevido también con la escultura siguiendo la línea propuesta de «crossing»

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entre dos conceptos. ¿Va a ir por ahí tu obra futura o sólo son trabajos esporádicos?

Me encanta la escultura; sin embargo me considero más pintor que escultor. Lo que ocurre es que, como artista inquieto que soy, no me gusta renunciar a ninguna posibilidad dentro de la creación, y la escultura es un complemento extraordinario en mis exposiciones.

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Me gusta que en la serie «Popsport» se vea, creo que por primera vez en tu obra, el uso de un juguete tan español como el Geyperman y el Madelman (ya sé que en «Cinemaspop» usabas Barbies para Viridiana y King Kong). Pero, ¿para cuándo

los Playmobils, Airgamboys, Nancy de Famosa, etc.?

Ya te comentaba al principio de esta entrevista que mi juguete favorito era el Madelman, así que es muy probable que siga utilizándolos en mis obras. Quizá es una manera de no permitir que lo que queda de niño en mí (a mis 43 años) se muera. ¿Porqué después del cine te has decantado por el mundo del deporte? ¿Es un gusto personal? ¿Lo pedían tus clientes? ¿No crees que el deporte y la figura de los deportistas se idolatran ya en exceso?

Después de una exposición con tanto éxito como lo fue «Cinemaspop» me apetecía un

ENTREVISTA cambio radical en la temática de mi obra.

Tomar el deporte como excusa supuso un gran reto personal. La mezcla arte-deporte no es muy habitual; eso, y que de una manera u otra el deporte es, querámoslo o no, un fenómeno de masas y está presente en nuestra vida cotidiana, me parecieron suficientes argumentos para crear una nueva serie. Eso sí, como habrás podido ver, he llevado el deporte a mi terreno, a mi mundo. El ser humano siempre necesita ídolos en los que mirarse, a través de los que realizarse, siempre ha existido la fascinación por el «héroe», y los héroes modernos son los deportistas, jóvenes, guapos, ricos y famosos.

Tengo la sensación que en cada nueva serie te metes a fondo en el tema y lo exprimes al máximo en todos los sentidos. ¿No llegas a agobiarte? ¿No te dan ganas de dejarlo de lado un tiempo y volver quizá más adelante?

Tienes razón. El proceso de creación de cada nueva serie implica mucho tiempo, dedicación, esfuerzo y concentración. La búsqueda de información, la elaboración de los bocetos previos, pintar los cuadros… Además, yo concibo mis series como un conjunto, como un todo, independientemente de que cada obra sea única, y eso, lógicamente, añade mayor complejidad al proceso de creación, pero a mí me gustan los retos. Evidentemente en todo ese proceso creativo pasas por muchas fases: la excitación, la alegría, la incertidumbre, la pereza, el agobio, la emoción, la pasión, la impotencia, la euforia…Y por supuesto, yo trabajo con varias obras al mismo tiempo, y dependiendo de mi estado de ánimo trabajo en una o en otra, pero es cierto que a veces, cuando un cuadro se queda en punto muerto, es necesario dejarlo reposar un tiempo, para retomarlo más adelante… ¿En qué país consideras que valoran mejor tu obra? ¿Existen buenos coleccionistas de arte en España?

Tengo la inmensa suerte de ser querido y valorado en muchos sitios, entre otros Francia, Alemania, Corea, Suecia y… España, donde después de veinte años de trayectoria profesional he logrado hacerme un hueco

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ENTRVISTA y ser considerado uno de los referentes principales del pop en nuestro país. Y también tengo la inmensa suerte de que mi obra esté tanto en grandes como en pequeñas colecciones, eso para mí es un gran orgullo. ¿En algún momento has sentido que la gente no te tomaba en serio por el tipo de obras que hacías, por su estilo más cercano al dibujo animado? ¿Que te consideraban muy infantil o poco serio?

Cuando estaba empezando y presentaba mis obras a concursos, no me las seleccionaban porque desentonaban con el resto. Esto, lejos de desanimarme, me ayudó a darme cuenta de que estaba en el camino acertado. Hay alguna gente que piensa que el Pop Art es frívolo, fácil, superficial…Yo pienso que no hay nada de malo en todo esto si, además, es inteligente, lúdico, serio y se hace con rigor y honestidad.

Lo más importante es que tu arte sea una proyección de lo que eres, de quien eres, de lo que sientes, de lo que te identifica…Y yo siempre he pintado lo que sentía, sin dejarme arrastrar por modas ni opiniones. Alguna vez han dicho de mí que pintaba para gustar, y en cierta manera es cierto, pero… ¡para gustarme a mí mismo! ¿En qué nuevo proyecto estás ahora? ¿Nos puedes dar alguna pista de tu nueva serie?

En estos momentos estoy pintando algunos cuadros completando mi última serie «Popsport», ya que tengo sendas exposiciones en Barcelona y Malmö (Suecia) el próximo mes de noviembre, pero puedo adelantaros que ya he comenzado a hacer bocetos de lo que será mi nueva serie y que espero esté lista dentro de dos años. Hasta entonces tendréis que aguardar, pero... ¡espero que guste tanto como las anteriores!

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Muchas gracias por tu tiempo.

Evidentemente seguiremos tu trayectoria a través de tus exposiciones, esperando algún día ahorrar suficiente para tener un original, je, je, je.

De nada, ha sido un placer. Ah, por cierto: quizás no sepáis que dispongo de serigrafías

originales a un precio muy asequible, así que lo mismo no tenéis que ahorrar tanto como pensabais para poder tener una obra mía.

Las podéis ver en mi nueva web, www.antoniodefelipe.es Texto: Guillem Medina

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Las Pullip

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se ponen cursis s lo que pasa cuando cada mes ofreces novedades: que algunas son mejores y otras, francamente horteras.

Y este mes las Pullip no han estado muy acertadas. Para empezar tenemos a la Pullip Aya, vestida en tonos malva y esmeralda, con pelucón rubio y joyas horterillas, como salida del concurso de Little Miss Sunshine. No le va mucho mejor a Dal Sakura, vestida como un merengue en tonos rosas con abundancia de lazos, encajes y gasas. Nos recordaría un poco a una Alicia un tanto empachada de batido de fresa. Incluso la Byul Maya es excesiva: en el vestuario, en el pelucón rubio –que ya querría para sí misma la «discretísima» Dolly Parton– y todo el resto de lazos, pedrería y perlas que la adornan, dándole un aspecto de Choni Poligonera en la boda de su prima del pueblo.

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Este mes queda interrumpida la serie de las Mini Horóscopo, todo para ofrecernos dos «genialidades» como Little Pullip Aquel, que es la versión mini, comprimida, de la Pullip Aquel de hace ya unos añitos. La otra es la Little Dal Coral, también con falda estlo mesa camilla o paracaídas, ideal para ponerla sobre la televisión junto al tapete de ganchillo y las figuritas de los bazares chinos de escayola pintada. El mes que viene prometemos ser buenos y tratar mejor a las Pullip.

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BLACK CANARY

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Black Canary es quizás la superheroína más sexy y apta sólo para adultos del universo DC, ya sea porque viste bodys de cuero y corre con estiletes de tacón de aguja con toda naturalidad, o porque sus armas son sencillamente perversas. Pero como no podía ser una heroína liberal y autosuficiente, en los últimos años se la ha emparejado a otro superhéroe un tanto de capa caída, Green Arrow. Veremos si la unión de la flecha verde y el canario cantarín da buenos resultados.

on un nombre tan exótico, DC sólo podía crear un personaje tan truculento como éste. La heroína en cuestión es Dinah Drake, hija de un policía de Gotham City, la ciudad con más delincuentes chiflados por metro cuadrado del universo. Ella quería seguir la saga familiar y jugar con la porra y las esposas, pero fue rechazada al intentar ingresar en la academia.

Poco ojo tendrían los jueces del tribunal de acceso, ya que tras el rechazo se convirtió en Canario Negro, dispuesta a combatir el crimen por su cuenta y riesgo, ocultando su identidad de superheroína bajo el aspecto de una florista al estilo de Sara Montiel en La violetera. Como era más buena que el pan de centeno, en un principio se dedicaba a robar a los ricos para dárselo a los pobres. ¡Y los ricos, unas risas…!

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Esta rubia de pelucón creada por Robert Kanigher y Carmine Infantino apareció por primera vez en Flash Comics nº 86 (agosto de 1947) como secundaria en las aventuras de Johnny Thunder, quien estaba enamorado de ella. Sin embargo Dinah estaba colada por el policía Larry Lance. Vamos, que más que un cómic, aquello parecía un culebrón venezolano.

Johnny finalmente desapareció de la historia y Canario Negro se convirtió en el personaje

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CÓMIC estelar. Tras un cierto período desaparecida, en los 60 la volvimos a ver, viajando entre los universos paralelos de Tierra 1 y Tierra 2 a los que nos acostumbró por aquel entonces DC, creados para dar algún sentido a las diferentes aventuras y líneas que habían seguido sus personajes. Más adelante, la justiciera de negro se unió a la Sociedad de la Justicia de América (SJA), donde, siguiendo la pauta endogámica de los superhéroes, se enamoró del rubiales Flecha Verde, aunque en esta relación hubiese gritos y arrumacos a partes iguales. En sus viajes entre universos y tras una batalla con el villano Aquarius –una batalla muy isotónica, suponemos–, adquirió su primer superpoder: un chillido ultrasónico que aturde a sus enemigos y que se bautizó como «el grito del canario».

Tras ese galimatías cósmico, más difícil de entender que Ana y los lobos de Saura, y al que se llamó Crisis en Tierras Infinitas, Canario Negro fue unos de los personajes que sufrió más cambios. Mientras en Tierra 2 era la hija de la Canario original, muerta en batalla contra Aquarius, en Tierra 1 era fundadora de la Liga de la Justicia de América (LJA). Se mudó a Seattle junto a Flecha Verde, para recibir más palos que una estera, pues fue secuestrada, torturada y violada. Bueno, luego la rescató el arquero.

Años más tarde Dinah conoció a Oráculo, y formaron una girls band llamada Birds of Prey (‘Aves de Presa’). En una de las aventuras con este grupo, fue sumergida en el pozo de Lázaro, donde su ADN metahumano fue revitalizado y recuperó tanto sus superpoderes como su fertilidad.

No te los puedes perder

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• All-Star Comics nº 38 (octubre 1947 – enero 1948). En esta aventura Canario Negro no es la protagonista, pero se une a la SJA para derrotar villanos y otras gentes de mal vivir.

• JLA, año I, números 1-12 (enero-diciembre de 1998). Aquí el equipo de la LJA combate a la organización Locus y a los appellaxianos.

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• Black Canary / Oracle: Birds of Prey (1996). La primera misión de las fundadoras de las Aves de Presa.

Canarios flauta en la pequeña pantalla Black Canary no ha sido un personaje estelar digno de aparecer en las salas de proyección.

En la serie de animación Liga de la Justicia Ilimitada aparece como pareja de Flecha Verde. Y no es que esté a partir un piñón con la Cazadora; vamos, que siempre está a la greña con ella, mientras se entrenan en boxeo y las artes marciales con Wildcat.

Rachel Skarsten le puso rostro en la serie Birds of Prey, que recreaba el mundo y las aventuras de este grupo de superheroínas de

puño y pluma. También aparece en la serie televisiva Smallville, en el episodio 11 de la séptima temporada (Sirena) y en los episodios 1 y 22 de la octava (Odisea y Juicio Final, respectivamente), donde fue interpretada por la actriz Alaina Huffman.

En plástico Aún no siendo uno de los personajes más populares del universo DC, Mattel la consideró suficientemente interesante para sacar al mercado una Barbie de colección con su cara y aspecto. También hay una muñeca de acción con cabeza intercambiable, comercializada por DC Direct. Y no podía faltar la figura de resina, en este caso creada por Jack Mathews.

Texto: Sebas Mar tín

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Tonner Collection

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Wickie el vikingo

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«Wickie el Vikingo» fue una de esas series que, si bien resultaba simpática y la veíamos sin problemas –qué remedio, no había nada mejor por las tardes–, no caló lo bastante en los que hoy tenemos entre 30 y 40 años. Ni siquiera su sintonía era suficientemente pegadiza. Las posteriores reposiciones, el merchandising que poco a poco va surgiendo y el nuevo film que se ha estrenado este año seguro que vuelven a poner en el candelero a este jovencito de pequeño tamaño pero grandes ideas.

ickie el vikingo fue una serie de animación germano-japonesa realizada en 1974, producida por la compañía japonesa Nippon Animation y emitida en España alrededor del año siguiente, que se hizo bastante popular entre los pequeños y adultos.

Mostraba, entre otras cosas, cómo eran los vikingos –de manera superficial, aunque lo suficiente para saber sobre su cultura–, sus barcos y sus aldeas y, sobre todo, destacaba la importancia que tiene utilizar la inteligencia antes que la fuerza bruta en cualquier situación.

Se basaban en el personaje creado por el escritor sueco Runer Jonsson. Se alejaba bastante de las anteriormente emitidas Heidi y Marco, desarrolladas más bien en un ambiente melodramático.

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El desarrollo de las aventuras de Wickie transcurre en parte en una pequeña aldea vikinga llamada Flake, donde conviven el joven Wickie, hijo del jefe Halvar; Ylvi, la amiguita íntima de Wickie; Ylva, la madre del protagonista, y otros personajes de la tribu.

El resto de aventuras transcurre durante los

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viajes que Wickie realiza con su padre y los otros hombres de la aldea, donde se encuentra con enemigos como el terrible Sven, enemigo declarado de Halvar. Más o menos igual que las aventuras de Astérix el galo, con el que tenía más de una semejanza.

en su mayoría por actores alemanes, que aquí, la verdad, no conocemos ni por asomo, entre ellos Jonas Hämmerle, que interpreta al pequeñuelo pelirrojo, Waldemar Kobus, Nic Romm, Christian A. Koch y Olaf Krätke, entre muchos otros.

Cada capítulo contaba una historia de lo más variopinta, sobre todo de conquistas, metiéndose los adultos siempre en problemas y saliendo del apuro siempre con la ayuda del pequeño Wickie, que con sus geniales ideas –evidenciándose con su particular rasca-rasca de nariz, señal de que se le había iluminado la bombilla– a todo encuentra solución.

El film, llamado en España Vicky el vikingo, está realizado con mucho cariño y nostalgia, pero dificílmente entusiasmará a las nuevas generaciones, a las que eso de los vikingos les suena a chino o a figuritas de los Playmobil como mucho. Un considerable presupuesto ha ayudado a recrear la aldea de Flake, el barco pirata y las múltiples localizaciones. Propongo que todo ello después lo reciclen y monten un parque temático y así sacarían un rendimiento económico al margen de lo que dé la taquilla, al igual como hicieron con el Parque Astérix, visita que os recomendamos si todavía no habéis ido, ya que está cerca de París y no está tan saturado de gente como Eurodisney.

Vicky el vikingo: La película

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Este año ha llegado a nuestras pantallas la adaptación con actores de carne y hueso de la popular teleserie de los años 70. Dirigida por Michael Bully Herbig, el reparto está integrado

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NOVEDAD Los personajes Halvar , con un parche en el ojo,

es el jefe de los vikingos del poblado de Flake y el padre de Wickie.

Ylva , esposa del jefe y madre de Wickie. Es una gran cocinera.

Wickie , el único hijo de Halvar e Ylva. Aunque es pequeño, tiene grandes ideas.

Ylvi , la amiga

íntima de Wickie.

Tjure , alto y siempre enfadado,

peleándose constantemente con Snorre.

Snorre , bajito de estatura, siempre está peleándose con Tjure.

Urobe , el más anciano

de la aldea.

Gorm , conocido por

su peculiar «¡Estoy entusiasma-do!»

Ulme , el poeta, siempre con su lira.

Faxe , el glotón, muy alto, siempre encargado de la vigilancia desde el barco.

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SD TOYS – Set A (Tjure, Halvar y Snorre)

SD TOYS – Set A (Wickie, Faxe y Gorm)

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El merchandising de Wickie el vikingo en nuestro país siempre fue bastante escaso, a pesar del gran éxito conseguido con la serie de televisión en los años setenta. A penas algún álbum de cromos, algunos cómics y unos pequeños muñequitos monocolores que regalaban con los chicles Dunkin.

Y eso que la figura de Wickie y toda la tropa de variopintos guerreros se prestaba a crear divertidos monigotes con los que jugar, e incluso las niñas se podían sentir más o menos identificadas con la pequeña Ylvi y el resto de valquirias. Tendríamos que esperar que SD Toys decidiera, hace un par de años, recuperar los personajes de nuestra infancia y crease dos sets de figuritas con los principales protagonistas. La cosa ha funcionado tan bien que este año añaden a la colección una figurita de Wickie antiestrés, ya sabéis, esas de goma blandita para estrujar con la mano. También una serie de libretas y objetos de papelería. Y seguro que la cosa no queda aquí, pues el pequeño Wickie todavía puede dar mucho juego.

Así que, de momento, ¡todos a ver los DVD de la serie!

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el 1 al 3 de octubre tuvo lugar en Chicago la sexta edición de The Jason Wu Event, la mayor y principal convención de coleccionistas de Fashion Royalty, que este año celebraban el décimo aniversario de la creación de la marca bajo el título Iconic: Celebrating a Decade of Style. Y evidentemente fue una celebración, no sólo por la cantidad de actos y festejos que se llevaron a cabo, sino por la cantidad de muñecas y complementos exclusivos que se podía adquirir.

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Vanessa Perrin Lush Life es la versión de este modelo, esta vez morena con flequillo y recogido; viste traje de fiesta en tonos rosa. También de fiesta viste Agnes Von Weiss Poésie Enchantée, y Dania Zarr Optic Clash. Hubo dos versiones lingerie de nuevos personajes: Giselle Diefendorf Morning Dew y Dominique Makéda Evening Glow. Como siempre, se ofreció un lujoso gift set con muñeca y tres modelitos, era el Natalia Fatalé Power Game. Y dos muñecas vestidas elegantemente de calle: Eugenia Perrin Frost Diamond Society y Elise Jolie Blue Blood, un nuevo personaje a añadir a la larga lista, con maleta trolley incluida. Se ofrecieron dos nuevas entregas de la serie Poppie Parker: la pelirroja Endless Summer y la rubia The Center of Attention, así como una nueva versión de las ITBE, ya sabéis, la línea económica de Integrity Toys. Y por si los fans no tenían suficiente se ofrecieron packs de vestidos, Successful Ascension y una versión mini de LiveWire Clone AvantGuard a un precio nada económico, por supuesto, pues las Fashion Royalty nunca fueron ni sencillas ni modestas.

AvantGuard Vanishing Point

Fashion Royalty Convention

Dania Zarr Optic Clash

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Agnes Von Weiss Silver Zinger

Dominique MakĂŠda Evening Glow

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Giselle Diefendorf Morning Dew

Eugenia P. Frost Diamond Society

NOVEDAD

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Poppie Parker Endless Summer

Agnes Von Weiss Poésie Enchantée

NOVEDAD

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Elise Jolie Blue Blood

Vanessa Perrin Lush Life

NOVEDAD

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Natalia FatalĂŠ Power Game

FR Monogram Curiosity

NOVEDAD

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Poppie Parker The Center of Attention

Successful Ascension

LiveWire Clone AvantGuard

ITBE Chic

NOVEDAD

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Dunnys

COLECCIONABLE

Los Dunnys pertenecen a la categoría de «designer toys», esos juguetes, en general de vinilo, de formas sencillas y muy fáciles de customizar. Juguetes dedicados a coleccionistas adultos con ganas de probar sus aptitudes artísticas. Por eso los Dunnys, los Munnys y otros muñecos de este tipo han tenido tanto éxito. Sus versiones simples son fáciles de encontrar a buen precio, pero los customizados pueden llegar a costar más de mil euros, ¡y estamos hablando de un muñeco de unos siete centímetros de altura! Toda una locura que cada vez pega con más fuerza.

os Dunnys son unos juguetes de diseño creados por Paul Budnitz y Tristan Eaton en 2004 y comercializados por la empresa Kidrobot. Su forma nos recuerda a un conejo de largas y redondeadas orejas, de ahí su nombre, combinación de Devil Bunny (‘conejo diabólico’). Se presentan en tres tamaños, de 3, 8 y 20 pulgadas –unos 8, 20 y 50 cm respectivamente–, y tienen tres puntos de articulación, en la cabeza –que gira 360º– y los brazos.

L

Los Dunnys se comercializan por series –Mist, Tattoo o Mad son algunos de los nombres de éstas– y en cada una nos encontramos con unos seis modelos diferentes. A pesar de su aspecto sencillo, los Dunnys han sido la base ideal para que numerosos astistas hagan su particular versión, como la empresa Tokidoki. También se comercializan Dunnys blancos ideales para customizar; de hecho, algunos de los modelos que os ofrecemos en estas fotografías están realizados por los fans y a veces tienen tanta calidad e imaginación que parecen mucho mejor que los orginales.

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Los precios pueden variar desde los 8 o 15 € en las versiones sencillas a los 300 o más de 1.000 por un One of a Kind customizado por artistas consagrados.

COLECCIONABLE

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COLECCIONABLE

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COLECCIONABLE

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Los

CULT TOY

Madelman

lo pueden todo

Lo podían todo desde que heredaron el patrimonio «juguetil» que hasta ese momento tenían las muñecas. Definitivamente, un Madelman es, en sí, una figura de acción y la unión de una muñeca (inicialmente estaban destinadas al público femenino) por un lado y, por el otro, un muñeco estático (indios y vaqueros). La evolución del plástico en el siglo XX revolucionó el mundo del juguete, mejorando día a día la creación de más puntos de articulación y gadgets a los muñecos. Los americanos fueron los primeros en reconvertir e invadir su mercado de este concepto, que en principio estaba destinado al público femenino, e incorporó las primeras «action figures» vestidas y articuladas. ras una visita a los Estados Unidos, los industriales Arnau –hijo del fundador de Exín– y Campos pudieron corroborar el éxito que este tipo de muñecos tenían allí.

Estamos hablando del famoso G.I. Joe, que bajo diferentes denominaciones ha perdurado hasta nuestros días. A partir de aquel momento, comenzó una aventura que culminaría en este revolucionario juguete autóctono que todos conocemos, y digo revolucionario por las originales soluciones que dieron a todos los problemas planteados, tanto en la fabricación del muñeco y su particular tamaño, como en la de sus complementos.

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Los orígenes de un mito

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De la mano de Alfonso Díaz, escultor de tallas de madera, y con la ayuda de elementos cotidianos como las cuentas de rosario, se crearon los primeros prototipos inicialmente en madera y posteriormente en resina, que exploraron las posibilidades de tamaño

CULT TOY

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CULT TOY y movimiento. El resultado fue una figura de 17cm –el tamaño más pequeño en el que las costureras podían coser las mangas de la ropa– compuesta por un esqueleto con rótulas de nylon autoengrasado que dotaban al muñeco de la mayoría de los movimientos humanos manteniendo su rigidez, jugabilidad y durabilidad.

1998. Un día, en un programa de televisión de Cataluña titulado Los inventos del siglo XX y que era por capítulos, al llegar al año 1968 salió el muñeco articulado Madelman, en su momento un evento y un gran descubrimiento que dio la vuelta al mundo cautivando a mayores y pequeños; mientras se emitía el programa, hacia el final dijeron que Madel patentó el muñeco pero que el inventor de la articulación no se sabía quién era, que era anónimo. ¡Qué fácil es quitarse el muerto y no informarse donde se tiene que informar uno!

El taller familiar donde se engendraron tantas obras sufrió un desgraciado accidente en el que se perdieron muchísimos dibujos hechos por el autor, entre los cuales se hallaban las pruebas gráficas de la articulación del muñeco –planos, busto–, así como un gran número de libros de su colección, libros de cuentas y maquinaria muy valiosa. Sólo se rescató una caja oxidada de galletas en la que se hallan los primeros prototipos de la articulación del muñeco Madel que Alfonso Díaz hizo el verano del 68. Es lo único que nos queda de aquel fatídico día y esperamos os sea prueba suficiente de que Alfonso Díaz Alarcón fue el artíficedel muñeco español más increíble de la historia.

Los padres de la «criatura» • Jaume Villa es, sin duda alguna, uno de los modelistas de Exín más populares dentro del mundo Madelman, sobre todo por la cantidad de información –fotográfica y narrativa– que ha transmitido a los coleccionistas. Gracias a él conocemos los prototipos de los paracaidistas, del hombre rana con tres botellas de oxígeno,

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del legionario... y de la EVA Pod de la película 2001: Una odisea del espacio que hace años editaron los de Madelmaniac.

Jaume Villa sólo trabajó hasta principios de los años 70 de la pasada década y a él se atribuyen los dioramas que se realizaban para las ferias nacionales e internacionales del juguete. También se le atribuye la adaptación del Jeep.

• Joaquim Serra fue el export manager de Exín; en definitiva, el responsable de que Madelman se comercializara en otros países del mundo, como por ejemplo Italia, Francia, Alemania, Holanda, Bélgica, Austria, el Reino Unido y los Estados Unidos.

• Tirso Delgado y Eduard Borsó eran los socios y dueños creadores de Industrias Plásticas Madel, de aquí el acrónimo MADEL (Manufacturas Delgado), por el apellido del primero. Esta empresa se dedicaba a la fabricación de todo tipo de objetos realizados en plástico: juguetes, menaje para el hogar, objetos religiosos...; incluso fabricaron una cámara fotográfica.

• La empresa fue comprada a mediados de los 60 por Francisco Luis Andrés Pascual, etapa en la cual, gracias a su relación con Josep Maria Arnau, se creó el proyecto Madelman.

• Lluís Bargalló, por su parte, a los 17 años inició su trayectoria profesional en Gráficas Manén, junto al señor Gil, reconocido dibujante publicitario de la época. Con 20 años, ya formaba parte del taller de la Cúpula del Gran Teatro del Liceo, colaborando con el gran pintor y escenógrafo Mestres Cabanes.

Trabajó seis años en la agencia de publicidad Climax. Posteriormente se trasladó a Paris, donde trabajó como ilustrador free-lance durante dos años, colaborando con las agencias publicitarias más importantes del momento, como Elvinger, Publicis o Dupuis, entre otras.

De nuevo en Barcelona, fue contratado como director de arte por la agencia Reclamo, Marketing y Publicidad, al frente de 34 diseñadores gráficos. Pasados doce años, en 1974, decide establecerse por su cuenta para dedicarse a su verdadera vocación: la ilustración y la pintura artística, realizando trabajos para las agencias más prestigiosas

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de Barcelona y Madrid. Él fue el ilustrador de las cajas de Scalextric, Ibertren, Madelman y Tente durante más de 20 años, las cuales se han convertido en la actualidad en piezas de coleccionista.

• Don Levine, de alguna manera, es el padre de todas las figuras de acción. Levine es quien desarrolló en 1964 el conocidísimo G.I. Joe para la norteamericana Hasbro. Se inspiró en Ken, el compañero de Barbie, que se comercializó en 1961 con el número de referencia 782 de la casa Mattel. La idea fue hacer un muñeco de acción con ropa de tela para niños; esta era la novedad, pues hasta el momento los muñecos sólo eran para niñas.

Personajes míticos

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Así, en 1968 se lanzó al mercado el primer muñeco, de una larga serie que duraría hasta el 1983. Hasta ese año se crearon cientos de modelos, que fueron evolucionando con la incorporación de nuevas caras, razas y la primera muñeca no destinada de forma directa

al público femenino. En este año salen a la luz los primeros Madelman, tras una campaña televisiva previa a las Navidades, en cajas prismáticas estrechas, con el frontal y parte de los laterales transparentes, que presentaban al muñeco con todo su equipo.

Los primeros modelos fueron el esquiador, el marinero, el cazador, el porteador negro y el comando. Las cajas eran de color rojo sin ilustraciones, impresas a tres tintas, además del modelo astronauta 2001, inspirado en la película de Stanley Kubrick, con la caja en color azul. Tras esta breve historia, la intención de este artículo no es hacer saber cuántas referencias de Madelman hubo en el mercado, ni tampoco cuántas variaciones y lavados de cara tuvo este personaje desde 1968 hasta 1983. Más bien la intención principal es presentar al público un pedazo de plástico que fue, ha sido y es un mito en el mercado del juguete español.

Madelman fue un señorito de 17 cm de altura con 14 puntos de articulación que poseía un

CULT TOY extenso guardarropa. Curiosamente este fue uno de los problemas que hizo que Madelman desapareciera del mercado, ya que a las mujeres del taller de Pozuelo de Alarcón que confeccionaban los ropajes les era dificultoso que cada ropa fuera exacta y perfecta por su pequeño tamaño. Es difícil pensar que si los comparamos aun hoy en día con la calidad de las confecciones de empresas americanas, que además fabrican casi el 95 % de sus productos en Asia –como podría ser el caso de Dragon, Sideshow u otras del mismo estilo, que trabajan con figuras de 12 pulgadas (29 cm aproximadamente) o más–, Madelman es sin duda una obra de arte que las supera, sólo por ser muchísimo más pequeño, y por lo tanto más dificultoso en lo que respecta a su realización.

En internet conviven infinidad de webs y blogs que detallan a la perfección todas las interioridades de este aclamado muñeco, así que a mí me queda la obligación de ofreceros la información de la que casi no se cuenta nada.

Una de las curiosidades de Madelman es que sólo tiene dos referencias con franquicia americana: la primera y más famosa es la del astronauta de la etapa originaria –cuya caja, como hemos comentado antes, era azul en vez de roja–, porque además lleva el logo de 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubrick, licencia de Metro Goldwin Mayer, y que, curiosamente, es dificilísimo de conseguir.

La segunda es el mítico superhéroe de DC Comics y la Warner, Superman, ya en el final de su carrera, construido a partir de partes superiores masculinas y partes inferiores femeninas, suponemos que para que las mallas se ajustaran a la perfección. Esta idea también se utilizaría más adelante para los hombres del espacio y los futbolistas y alguna pieza más de última generación.

Lo curioso es que, para Madel, Superman perdía los poderes de vez en cuando, ¡jejeje!, porque también le fabricaron un bugui y hasta un helicóptero –¿acaso Superman no podía

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CULT TOY volar? En resumidas cuentas, las dos piezas quedaron resultonas aunque anacrónicas.

Se ha especulado muchas veces que existió una Lois Lane aprovechando ropas y objetos de otros Madelman y reciclando el mismo enbalaje de Superman, pero estos chismorreos nunca quedan del todo aclarados hasta que aparece algún ejemplar o, simplemente, alguna foto de catálogo o de prototipo. Existen fotos de algún Madelman que jamás se produjo, de la línea Safari o Pirata, y que muchos creíamos que sí se habían vendido en las jugueterías.

Al final todo va saliendo...

Otras dos piezas bastante buscadas son el Arquero Rojo y el Enmascarado o «Zorro». Este último fue fabricado por la filial de Madel en México exclusivamente para ese mercado. Lo más curioso es que cuando Altaya edita en 2003 su famosa colección de fascículos, fabrica algunos de los modelos que sólo eran prototipos o que no se comercializaron en el mercado español, como el anteriormente mencionado Enmascarado.

Para terminar –y saltándome la última etapa de Madel con los Madelman 2050, que en realidad era una línea de extraterrestres y viajeros del espacio, del mismo tamaño que los pequeños G. I. Joe y con las mismas articulaciones; y los poco glamurosos Madelman de Popular de Juguetes–, aplaudo el intento de Altaya de revivir este mito, que fue todo un acierto, apuntando, sobre todo, que la calidad no está clavada al milímetro en lo que se refiere a la figura, que cuesta de articular, pero en cambio se merece un sí rotundo la reproducción de las ropas, que casi mejoran a las originales.

Yo tuve todos los Madelman cuando era pequeño –hasta los más raros– y jugué mucho con ellos, pero la vida da muchas vueltas y, ahora como coleccionista, con los cuarenta Madelman de Altaya y un Superman en caja sin abrir de la época, he revivido mi infancia de nuevo buceando en el océano, subiendo al Aconcagua y viajando a Marte.

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Texto: José Gracia

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MUSEO

MUSEUM OF CHILDHOOD U N A L E C C I Ó N D E H I ST O R I A egreso a la infancia cada vez que visito museos o la casa de mis amigos coleccionistas, supongo que porque veo y admiro cosas que desconocía o piezas que no tengo y siempre he buscado, o las que tuve cuando niño. La visita al Museo de la Infancia del Victoria & Albert Museum, bastante cerca de la zona de Whitechapel, donde ocurrieron los asesinatos de Jack el Destripador, me «teletransporta» a un lugar fantástico donde conviven muñecas hechas por indígenas africanos con los famosos superhéroes Mego de la década de los 70, trajes de boy scout y juegos de mesa tan famosos como el Mastermind, y ahora con mucho cariño desglosaré de una forma no muy espesa qué es lo que hay en este País de las Maravillas.

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El Museum of Childhood es un anexo del Victoria & Albert Museum –familiarmente, el V&A– que alberga la colección nacional del Reino Unido relacionada con los objetos de la infancia. Uno de los mejores del mundo en su género, abarca gran parte de la historia de la humanidad y su colección ofrece juguetes, muñecas, casas de muñecas, juegos, títeres, guardería infantil, ropa para niños y muebles.

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El museo posee una colección extraordinaria y variada de más de 8.000 muñecas y muñecos,

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que van desde los más antiguos, una muñeca de madera que data del 1300 antes de Cristo, hasta los más contemporáneos, un muñeco punk de los Bratz Boyz de la serie de 2005.

Las figuras representan a hombres, mujeres y niños de todo el mundo, junto a personajes del mundo de la fantasía y de los cuentos de hadas.

También están hechas de una amplia gama de materiales: desde los más usuales como la madera, la tela, la cerámica, la cera y el plástico, hasta los más inusitados, como frutos secos, huesos de cordero y cabellos.

Juguetes

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El museo también tiene una amplia colección de juguetes, elementos que han sido, y siguen siendo, fundamentales para la experiencia de la niñez. En el pasado, la mayoría de los niños han tenido juguetes caseros, fabricados con materiales comúnmente presentes en todos los hogares. En tiempos antiguos, los pequeños griegos y romanos se sabe que jugaban con canicas, trompos y muñecas de barro. No sería hasta los siglos XIX y XX que los juguetes se producirían en serie.

Juegos La historia de los juegos se remonta a miles de años. El más antiguo que se expone en la colección del museo data del siglo XVI. Los juegos tienen sus reglas y el objetivo principal de cualquier juego es ganar, sobre todo si es jugado por individuos o equipos. A su vez, algunos juegos son también diseñados para ser utilizados como herramientas de aprendizaje.

El cuidado de los niños La colección del museo tiene un apartado para los objetos dedicados al cuidado de los niños, a partir de 1600 y hasta la actualidad, y muestra la variedad de equipos que han sido diseñados y fabricados específicamente para los niños y sus cuidadores. Lo más importante de este grupo de elementos es la colección de muebles para niños, algunos de los cuales han estado en el museo desde hace más de cien años, y que van desde una cuna de 1641 hasta una silla de IKEA del año 2001. Se exponen cochecillos, enseres para la alimentación,

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sonajeros y orinales, junto con otros muchos útiles para la higiene y la movilidad.

Ropa infantil El museo tiene la colección pública más grande de ropa infantil del Reino Unido, con sus más de 6.000 artículos. Desde las pequeñas prendas para recién nacidos hasta los clásicos uniformes escolares, incluye accesorios, ropa interior, pijamas y camisones, disfraces, uniformes y ropa para el bautismo y de luto, así como prendas como vestidos, zapatos, chaquetas y pantalones. El objeto expuesto más antiguo son unos pañales de bebé de 1575-1600, y el más reciente una camisa de niño y unos pantalones vaqueros de 2003.

«Teddy bears» y peluches El osito de peluche es un recién llegado, a pesar de ser el juguete posiblemente más popular del mundo. A principios del siglo XX, Richard Steiff quería hacer muñecos de peluche más realistas, dándoles movimiento en las articulaciones. Uno de sus primeros

experimentos con esta técnica fue un oso que presentó en la Feria del Juguete de Leipzig (Alemania) en marzo de 1903. El oso de peluche es llamado Teddy en inglés por Theodore Roosevelt, presidente de los Estados Unidos de 1901 a 1909.

Casas de muñecas Las casas de muñecas del museo componen la mayor colección pública del Reino Unido. La casa más antigua es de Nuremberg de 1673, que se considera uno de los mayores tesoros del museo. También hay un pequeño grupo de casas del siglo XVIII, incluyendo la magnífica Tate Baby House de alrededor de 1760, y una explotación de algodón del siglo XIX. Algunas de estas pequeñas mansiones fueron hechas por carpinteros, mientras que otras, como la casa donada al museo en 1921 por la reina María, están ligadas con la realeza.

Fabricantes de juguetes La historia de la fabricación de juguetes es un tema complejo en todo el mundo, y más en la

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actualidad. Las empresas a menudo compran los derechos y las licencias para fabricar las distintas gamas de juguetes. Los procesos y los materiales de fabricación han evolucionado durante la historia, desde los juguetes de madera hechos a mano hasta los producidos en masa, de plástico y electrónicos. La gran mayoría de empresas del mundo suelen tener fábricas o acuerdos de colaboración con fabricantes de los países asiáticos para abaratar costes. La geografía de la industria también ha cambiado mucho: un número considerable de fábricas se han trasladado al extranjero, han cerrado o han sido adquiridas por empresas mayores y su presencia en los mercados tradicionales se ha reducido.

Preser vando el patrimonio

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La empresa juguetera británica Tri-ang, establecida en Merton (Londres) en 1950, gracias a una beca del Heritage Lottery Fund (el Fondo de la Lotería para el Patrimonio), actualmente está trabajando con el Museo de la Infancia en un proyecto que durará sobre los tres años y medio, para documentar y digitalizar los archivos de los cuatro principales fabricantes

de juguetes británicos del siglo XX. Así, en la actualidad están depositados en el museo los archivos de estas importantes empresas jugueteras –Lines, Abbatt, Palitoy y Mettoy–, así como una gran cantidad de material para la fabricación de juguetes.

Este interesante proyecto constituye una fuente de información muy valiosa para el estudio de la fabricación y el diseño de juguetes en el Reino Unido y en un futuro será accesible para los interesados y el público en general.

Dream Toys Cada año, la asociación británica de vendedores de juguetes elige su Top 12 de los Juguetes de Ensueño, seleccionados de entre una serie de categorías: para niños, para niñas, técnicos, creativos, para preescolar y juegos.

Texto: J o s é G r a c i a

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Museum of Childhood Cambridge Heath Road Londres E2 9PA Abierto todos los dĂ­as, de 10 a 17.45 h (cerrado del 24 al 26 de diciembre y el 1 de enero).

Entrada gratuita.

Se pueden tomar fotos sin flash. www.vam.ac.uk/moc/

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OBAMA

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for President Desde que fuera elegido como 44º Presidente de los Estados Unidos –e incluso antes, en la campaña para la elección–, Barack Obama se ha convertido en una «celebrity» y, por consiguiente, en un personaje público susceptible de crear merchandising. A raíz de su definitiva elección se han disparado las ventas de muñecos con su efigie. Los hay divertidos, caricaturescos, otros más serios y otros definitivamente vergonzosos, pero no podemos negar que Barack, su mujer Michelle o sus hijas Malia y Sasha han pasado a la posteridad.

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esde que empezó la campaña electoral Obama apareció como paper doll recortable, bobblehead de gran cabeza movible, figurita de porcelana, de vinilo, de goma...siempre con su eterna sonrisa y su elegante traje oscuro. Incluso fue noticia al aparecer como personaje en un cómic de Spiderman –posteriormente ha aparecido en una docena de cómics más, e incluso tiene su propia serie, como cualquier superhéroe.

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Su mujer Michelle no ha escapado de esta fiebre de reproducirlos a tamaño mini, y la hemos visto en porcelana, en versión de luxe, vestida con el traje del baile inaugural, y en las versiones más caricaturescas o incluso como muñeca recortable, como si de una modelo o una actriz de Hollywood se tratara. También hay quien se ha apresurado a customizar una Silkstone y no le ha quedado nada mal. En cuanto a las hijas, las hemos visto en muñecas de trapo y alguna más, pero todavía no son tan populares como sus papás o como su perro Bo, que ya tiene una serie de cómics con su nombre, y es que en los Estados Unidos cualquier celebridad es susceptible de generar abundante merchandising ¡y los Obama no iban a ser menos!

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