Toyland Magazine - Septiembre 2010

TOYLAND nº 16 SEPTIEMBRE 2010

Novedad

PAOLA REINA

GINNY Muñecas MARÍN Tarta de Fresa SHIRLEY TEMPLE

Magazine

Candy Candy SPIROU

Caperucita Roja

Entrevista a Juan Albuerne

ÍNDICE

Yo he venido aquí para hablar de mi libro...

Rememorando aquella frase tristemente famosa que un escritor pronunció en un programa de televisión, me gustaría contaros una buena noticia. Está a punto de aparecer mi primer libro, titulado Chicas de Cómic, Cómic de la editorial Glénat, y os contaré un secretillo. Este libro surgió cuando estaba buscando información y anuncios para otro libro –que espero no tarde mucho en salir– relacionado con la muñeca española. Me encontraba yo comprando Lilys en el mercado de Sant Antoni en los que hubiese anuncios de Nancy, Lesly o Babie Mocosete y, a base de comprar tebeos y volverlos a leer, me fui aficionando al tema. Y una cosa llevó a otra... así que al cabo del tiempo me encontré con un montón de material interesante del cual nunca se había hablado. Lógicamente muchos de vosotros tenéis más fresca en la mente la época Bruguera, pero en el libro Chicas de Cómic veréis que se hace un repaso desde los lejanos años 40 con la aparición de Mis chicas o los cuadernillos como Rosas Blancas o Azucena, pasando por tebeos como Florita o Sissi.

Y, claro, es imposible olvidarse de Candy, modelo en apuros, Cristina y sus amigas en Landers School, La Familia Feliz, etc., personajes que han ido apareciendo en Toyland Magazine en la sección de Cómic y que nos gusta recordar con nostalgia y cierto cariño.

Sí, ya sé que he usado la columna de la editorial para hacerme publicidad, ja, ja, ja, pero si no lo hago yo... Espero que disfrutéis tanto como yo haciéndolo.

G uillem Med in a

6 News 8 Dolls Ginny 14 Storyland Caperucita Roja 26 Star Shirley Temple 40 Entrevista Juan Albuerne 48 Made in Spain Muñecas Marín Dolls 54 Tarta de Fresa 62 Barbie va a la ópera 70 Ellowyne Wilde 2 011 76 Evangeline Ghastly 2 011 82 Pullip Country Pullip 84 Cómic Candy Candy 90 Itzy World La vuelta al cole de Nancy 94 Dolls Gene: Colección final ·············>

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ÍNDICE 98 Novedad Furia de titanes 102 Coleccionable Charmmy Kitty 106 Cómic Spirou 118 Entrevista Lolita Butterfly 128 Cult TV La abeja Maya

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón Colaboradores: Sebas Martín, Enric Fontvila, Angel, Robert Ramos, Itzi Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Mego, Mattel, Sideshow Collectibles, Integrity Toys, Tonner Doll Company, Disney, Pullip, Norma Editorial, Glénat, Sanrio, Planeta Junior Portada: Paola Reina

http://necroticasmucopurulentas.blogspot.com

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NEWS

Nuevo libro «Chicas de Cómic» Esperamos que a finales de septiembre ya esté a la venta el libro Chicas de Cómic, un super interesante recorrido por el mundo del cómic femenino en España, repasando sus principales publicaciones (Mis chicas, Florita, Sissi, Lily, Pecosa...), personajes (Anita Diminuta, Esther y su mundo, Emma, Caty la chica gato, Candy Candy...) y autores (Purita Campos, Carme Barbarà, Trini Tinturé...). La iniciativa es de la editorial Glénat y el autor Guillem Medina, director también de Toyland Magazine.

Magazine Un libro que os llenará de memorables recuerdos y con el que pasaréis buenos momentos.

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NEWS

Desaparece «Haute Doll» La revista Haute Doll publicó su último número de julio-agosto antes de desaparecer definitivamente. Creada en enero de 2004, en estos seis años ha informado puntualmente de todas las novedades en el tema muñequil, haciendo especial incapié en la muñeca norteamericana y, últimamente, en las ball jointed dolls procedentes de Japón.

Nos hemos quedado un poco huérfanos de lectura y ahora tendremos que buscar otras alternativas: todavía nos quedan FDQ, Doll Reader, Dolls y, por supuesto, Toyland Magazine, Magazine que os informa mensualmente de las novedades del sector.

En portada Os adelantamos en primicia las nuevas muñecas Paola Reina de 2011, de las series Histórica y Étnica.

Revista «Foro Esther» Foro Esther es una publicación digital, iniciativa de Ruth Bernárdez, que seguro que muchos la conocéis de su blog Lo que dice Candela, dedicado al mundo del cómic. En Foro Esther (http://issuu.com/foroesther) http://issuu.com/foroesther encontraréis noticias relacionadas con el cómic, interesantes entrevistas a autores, secciones dedicadas a las recetas de cocina, a las manualidades... y, por supuesto, artículos relacionados con nuestra pecosa favorita. Esperamos en breve poder hacerle una entrevista a su directora, seguro que tendrá un montón de cosas interesantes que contarnos.

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GINNY

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Durante más de medio siglo Ginny ha sido una muñeca muy popular entre niños y coleccionistas en los Estados Unidos y, aunque durante su larga existencia ha sufrido diversas transformaciones, sigue siendo una muñeca muy querida, sobre todo la de los años 50. Esta es la historia de la regordeta Ginny.

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inny fue creada por Vogue Dolls, una empresa fundada por Jennie Graves a mediados de los años 20, aunque la muñeca que conocemos con el nombre de Ginny apareció tres décadas más tarde.

Previamente Vogue había realizado una muñeca de composición llamada Toddles que medía 8 pulgadas –20 cm– y tenía los ojos pintados, pero el nombre de Ginny como tal se usó por primera vez en 1950, nombre que a partir de entonces llevarían todas las muñecas de Vogue de 8 pulgadas. Para el nombre de la muñeca, la señora Graves se inspiró en su hija Virginia, quien más tarde participó en el negocio y tomó las riendas de la compañía junto con su esposo al retirarse su madre en 1960.

Más tarde, cuando Virginia también se retiró, fue su esposo, Edwin Nelson, quien continuó con la empresa hasta 1972, año en el que pasó a manos de Tonka Corporation. Pero eso lo veremos más adelante...

Entre 1950 y 1953 las muñecas se realizaban con plástico duro y tenían

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ojos durmientes y pestañas pintadas, pero desgraciadamente la pintura usada en las cejas y pestañas reaccionaba con el sol y muchos ejemplares se descolorían. Las muñecas llevaban peluca y estaban articuladas en cabeza, brazos y piernas, lo que las hacía perfectas para posar. En 1954 a Ginny se le añadió un mecanismo mediante el cual movía la cabeza de lado a lado cuando se le movían los brazos al mismo tiempo que andaba, y se le añadieron más vestidos a su ya rico vestuario. En 1955, para actualizarla, se le hicieron las pestañas moldeadas y se la dotó de un montón de accesorios y de mobiliario. En 1957 Ginny estrenó piernas que se podían doblar por la rodilla y le crearon una familia para que le hiciera compañía.

Como a principios de los años sesenta muchas de las niñas que jugaban con Ginny se estaban haciendo mujercitas, la empresa añadió varios elementos relacionados con el mundo de las teenagers y, aunque la popularidad

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de Ginny disminuyó a partir de la introducción de Barbie, se siguió manteniendo en producción durante los años sesenta, pasando a ser totalmente de vinilo y siendo temporalmente fabricada fuera de los Estados Unidos.

A lo largo de los años, Vogue fue una filial de diferentes compañías y, aunque Ginny se continuó fabricando, su apariencia y calidad variaron con cada nuevo propietario. Algunas de las empresas que la fabricaron fueron Tonka Corporation –de 1972 a 1977– y Lesney Products Corporation –de 1977 a 1982–, que le dio un cuerpo completamente nuevo, más estilizado, alejado de la apariencia de niña por la que Ginny se hizo célebre. Su mercado iba dirigido a las hijas de las mujeres que habían jugado con Ginny en la generación anterior, pero este nuevo estilo nunca alcanzó la popularidad deseada.

De 1984 a 1986 el siguiente propietario de la marca fue Meritus Industries, compañía que temporalmente le devolvió la imagen de niña, ya que eran los coleccionistas quienes estaban más interesados en las muñecas por razones sentimentales que las propias niñas. Desde 1986 hasta 1995 Ginny cambió de nuevo de manos y fue a parar a R. Dakin and Company, que estaban ansiosos por promocionar este pequeño tesoro y produjeron versiones en plástico duro y en vinilo.

Actualmente Ginny pertenece a la nueva Vogue Doll Company, que

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enfoca su trabajo hacia la calidad que hizo famosa a la empresa original, tanto en diseño como en vestuario.

El caso es que han devuelto la ilusión a los coleccionistas y a los niños con muñecas especiales y con un club dedicado a Ginny.

Todas las muñecas Ginny están marcadas en la cabeza y/o el cuerpo haciendo fácil su identificación, ya que había mucha competencia durante los años de popularidad de la muñeca, y si no está marcada como Vogue o como Ginny entonces no es una muñeca original. Casi todos los cientos de vestidos diseñados para la muñeca están marcados con una etiqueta de Vogue que fue cambiando durante los años, permitiendo a los coleccionistas una mayor exactitud para fecharlos.

Debido a la enorme popularidad de Ginny hay muchos libros de referencia publicados sobre ella, donde se detalla su historia y se resalta su fabuloso guardarropa. Incluso si algún vestido carece de etiqueta es fácil documentarlo con uno de estos libros.

Actualmente hay Ginnys para todos los gustos: la colección Vintage, con el molde antiguo de ojitos durmientes y que luce tanto modelitos de la época como trajes más actuales; la colección Modern, realizada con el molde actual regordete y mofletudo, y la colección Mini Ginny, que son muñequitas de 12,5 cm. Todas ellas se pueden comprar como muñecas vestidas o como muñecas básicas en ropa interior, con vestidos y accesorios aparte.

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DOLLS La familia de Ginny Como hemos comentado antes, a Ginny se le proporcionó una pequeña familia que incluía a su hermanita Ginnette, que fue introducida a mediados de los años 50. Ella también disponía de un montón de vestidos y accesorios y de su propia línea de mobiliario, y aunque era la hermana pequeña no estaba proporcionada por lo que respecta al tamaño, ya que las dos muñecas medían lo mismo.

A las niñas no parecía importarles esto, ya que era incluso mejor, al ser más manejables para jugar con ese tamaño.

Las primeras Ginnettes tenían los ojos pintados, bebían y hacían pipí. Tienen el nombre de Vogue marcado en la parte baja de la espalda.

Jill, de 10,5 pulgadas –25 cm–, es la hermana mayor de Ginny y la muñeca más popular de la línea teenager.

Igual que Ginny y Ginnette, también tenía su propio y extenso guardarropa, accesorios y mobiliario. Jill debutó en 1957 y su amiga Jan la siguió un año más tarde, y ya en 1958 debutó Jeff, como el amigo de Jill y Jan o como el hermano mayor de Ginny, eso iba a gusto del consumidor, ya que Vogue pensó que era mejor que el comprador decidiera cuál de los dos papeles prefería darle al muñeco. No tenemos noticia de Jan y Jeff, pero Jill sigue estando en producción con un molde nuevo y luciendo tanto vestidos clásicos como otros más de acorde con los tiempos actuales.

Texto: N ú r i a S i m ó n

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El nuevo rostro de Ginny

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Caperucita ROJA STORYLAND

«Abuelita, abuelita, ¡qué dientes más grandes tienes!» «¡¡¡Son para comerte mejor!!!» Todo el mundo conoce estas terribles palabras pronunciadas por el malvado lobo que sustituyó a la abuelita para poderse comer a Caperucita, el famoso personaje de cuento que popularizaron los hermanos Grimm.

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l cuento de Caperucita Roja es una narración de tradición oral europea de la que existen varias versiones, entre ellas la de Perrault y la de los hermanos Grimm. La historia nos habla de una niña muy inocente y buena que quería mucho a su abuelita, que vivía al otro lado del bosque y a quien solía llevar la comida cuando estaba malita. Cada vez que la niña iba a casa de la abuela su mamá le recomendaba que tuviera mucho cuidado al pasar por el bosque, sobre todo por el terrible lobo que vivía en él. Uno de esos días en los que la niña fue a casa de la abuela, Caperucita, desoyendo las instrucciones de su mamá, se entretuvo en el bosque cogiendo flores y es así como el lobo, aprovechando su despiste, se fue corriendo a casa de la abuela para sustituirla y así poderse comer a la niña en cuanto ésta llegara a la casa.

De modo que, cuando por fin llegó Caperucita y llamó a la puerta, la niña

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oyó la voz del lobo pretendiendo ser la abuelita que la animaba a pasar a la casa, sin que ella sospechara nada.

Cuando entró no reconoció al lobo, ya que éste se había disfrazado de abuela y estaba esperándola en la cama.

Cuando la niña contempló a la supuesta anciana la vio rara y empezó a proferir las ya clásicas exclamaciones: «Abuelita, ¡qué ojos más grandes tienes!» «Son para verte mejor...»

«Abuelita, ¡qué orejas más grandes tienes!» «Son para oírte mejor...»

«Abuelita, ¡qué dientes más grandes tienes!» «¡¡Son para comerte mejor!!»

Y a partir de aquí es cuando se producen las diferentes versiones.

Según Perrault, el lobo se abalanzó sobre la niña y la devoró, con moraleja incluida que avisaba de que las niñas no debían fiarse de nadie. Perrault incluyó el relato en su libro Contes de ma mère l’Oye de 1697 y lo tituló Le Petit Chaperon Rouge. Los hermanos

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STORYLAND Grimm, sin embargo, le dieron un final más feliz en el que la valerosa abuelita salva a su nieta y a sí misma del malvado lobo, y sería precisamente esta versión la que daría a conocer a Caperucita universalmente.

Icono popular De Caperucita Roja se han hecho muchas películas, entre ellas obras de terror e incluso pornográficas –algo que no debería haber sucedido nunca... También se han escrito libros y cientos de cuentos de diversos ilustradores como Maria Pascual, Gallarda, Constanza, Mercè Llimona, etc. Curiosamente la factoría Disney no hizo ningún largometraje a pesar de la popularidad del personaje, sin embargo realizó un corto en blanco y negro fechado en 1922.

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STORYLAND Muñecas Son muchas las muñecas que se han realizado con este personaje como protagonista, y es que Caperucita Roja es realmente un personaje muy jugoso para cualquier fabricante de muñecas.

Empezaremos por la que seguramente ha hecho más muñecas Caperucitas en la historia, Madame Alexander, que a lo largo de sus 87 años de existencia ha creado diversas versiones de la muñeca, en todos los tamaños, desde las pequeñísimas de 5 pulgadas –13 cm– hasta las de 14 pulgadas –35,5 cm–, todas ellas encantadoras, como no podía ser de otra manera.

Robert Tonner también ha caído en la tentación y recientemente ha reinventado el personaje dentro de la línea Re-Imagination con una recreación de Caperucita llamada Forest Frolic que de inocente tiene más bien poco, y con otra muñeca, Vasilisa, que tiene aspecto de mojigata. Sin embargo también ha realizado muñecas más dulces como una que luce el cuerpo de Marley Wentworth y el molde de Alicia pero en moreno; una encantadora Betsy McCall de 14 pulgadas o bien la de 29 pulgadas –73,5 cm– que más bien se parece a la abuelita; una dulce muñeca de la colección Kripplebush Kids y una cabezona de los Kickits, entre otras.

Bajo el nombre de Effanbee, propiedad también de Tonner, se han

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creado muñecas como Toni, Wee Patsy o la que lleva por nombre What Big Eyes You Have, en clara alusión a los enormes ojos del «lobo-abuela».

Mattel también ha creado sus propias Caperucitas como el giftset Little Red Riding Hood and the Wolf (2002) de la colección Storybook Favourites, con la pequeña Shelly como protagonista luciendo su famosa capa roja y acompañada de un gracioso lobo de peluche que luce el gorrito y las gafas de la abuelita que supuestamente se ha tragado.

Hay otra versión más reciente llamada también Little Red Riding Hood and the Wolf Giftset (2008) perteneciente a la colección Pop Culture, con una Caperucita algo atrevida luciendo minifalda, medias de rejilla y tacones, y que, en su cestita, además de pan y queso, ¡¡lleva una revista!!

El lobo, que se relame, viste chaleco, capa y botas al más puro estilo del Gato con Botas. No es la primera vez que Mattel saca a relucir el tema, puesto que en 1964, dentro la serie 800 Fashions, ya creó un traje para Barbie, aunque esta vez no había lobo a la vista.

Otras firmas que han recreado este personaje son Ashton Drake, Marie Osmond, Precious Moments, The Music Box Company, Ruth Trefeisen, Adora Dolls, Vogue y un largo etcétera.

Texto: N ú r i a S i m ó n

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Mattel Collection

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Madame Alexander Collection

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Robert Tonner Collection

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Efanbee Collection

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SHIRLEY TEMPLE

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hirley Jane Temple es una antigua actriz infantil y ex-diplomática estadounidense, nacida el 23 de abril de 1928. Protagonizó más de 40 películas durante los años 30.

Nadie sabe cuándo comenzó a hacer películas Shirley Temple, ya que los estudios Fox le hicieron un certificado de nacimiento falso. Entre finales de 1931 y 1933 apareció en dos series de cortos para Educational Pictures.

Su primera serie, Baby Burlesks, satirizaba las películas y la política de la época. Esta serie fue considerada polémica por algunos telespectadores por su representación de niños pequeños en situaciones adultas.

Su segunda serie en Educational, llamada Frolics of Youth, fue un poco más aceptable; allí interpretó el papel de una irritante hermana menor en una familia suburbial contemporánea.

Mientras trabajaba para Educational Pictures, Temple también interpretó muchos papeles de figurante en diferentes películas. Finalmente firmó con 20th Century Fox a finales de 1933 después de aparecer en Seamos optimistas con James Dunn.

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Más tarde, hizo pareja en el cine con Dunn en varias películas. Shirley Temple estaría con Fox hasta 1940, convirtiéndose en la actriz más lucrativa para el estudio. Su contrato fue corregido varias veces entre 1933 y 1935, y fue prestada a Paramount para dos exitosas películas en 1934.

Durante cuatro sólidos años, figuró como la estrella más taquillera de los Estados Unidos. Para mantenerla en su infancia, el certificado de nacimiento de Shirley había sido alterado. Sólo en su duodécimo cumpleños se dio cuenta de que tenía, de hecho, trece años. Su popularidad le canjeó tanto la adulación pública como la aprobación de sus colegas. Incluso con cinco años, el sello de sus actuaciones era su profesionalismo: siempre tenía sus frases memorizadas y sus pasos de baile preparados cuando comenzaba el rodaje. Fue la primera ganadora del Oscar especial al Intérprete Juvenil en 1935. Setenta años más tarde, Temple es aún la intérprete más joven de toda la historia del cine en recibir este honor. Es también la actriz más joven en añadir las huellas de pies y manos en el exterior del Grauman’s

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STAR Chinese Theatre de Hollywood.

Temple también hizo películas con Carole Lombard, Gary Cooper, Adolphe Menjou y muchos otros.

La capacidad de Shirley Temple como bailarina –y especialmente como bailarina de claqué– es bien conocida y célebre. Incluso en sus primeras películas bailó, y era capaz de hacer coreografías complejas de claqué con sólo cinco años. Fue emparejada con el famoso bailarín Bill «Bojangles» Robinson en La pequeña coronela, Rebelde, Rebecca of Sunnybrook Farm y Just Around the Corner.

Robinson también preparó y desarrolló la coreografía de la niña para muchas de sus otras películas. Como Robinson era afroamericano, sus escenas cogiendo las manos de Shirley tuvieron que ser suprimidas en muchas ciudades del Sur. Aparte de las películas, hubo muchos productos promocionales de Shirley Temple durante la década de 1930.

En esos años se vendieron numerosas muñecas de Shirley, vestidas con los trajes de sus películas. Otros artículos exitosos de Temple incluían una línea de vestidos de chica y lazos para el cabello. Varias canciones de sus películas, incluyendo On the Good Ship Lollipop –de Ojos cariñosos, 1934–, Animal Crackers in My Soup –de La simpática huerfanita, 1935– y Goodnight My Love –de Stowaway, 1936– fueron populares éxitos de radio.

Frecuentemente prestó su imagen y talento para promocionar varias causas sociales, incluyendo la Cruz Roja.

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STAR El papel de Dorothy en El Mago de Oz fue originalmente pensado para Judy Garland. Sin embargo, los ejecutivos de MGM dudaban del éxito taquillero de Garland, por lo que Temple fue considerada para el papel: no obstante, no pudo aparecer en la película al no ponerse de acuerdo la Fox y MGM. También se rumoreó que la niña fue la inspiración para Bonnie Blue Butler en Lo que el viento se llevó y que fue una de las primeras competidoras para el papel en el film, pero ya era demasiado mayor cuando comenzó a producirse la película.

La pequeña estrella crece En 1940, Shirley Temple dejó la Fox. Combinó las clases en la Westlake School for Girls con películas para varios estudios, incluyendo MGM y Paramount. Sus películas más exitosas del momento fueron Desde que te fuiste con Claudette Colbert, El solterón y la menor con Cary Grant y Fort Apache con John Wayne. Se retiró del cine en 1949.

En las décadas de 1950 y 1960, hizo un breve retorno al mundo del espectáculo con dos series de televisión. Shirley Temple’s Storybook se estrenó en la NBC el 12 de enero de 1958 y su última emisión fue el 21 de diciembre de 1958.

The Shirley Temple Show se estrenó en la NBC el 18 de septiembre de 1960 y su última emisión fue el 16 de julio de 1961. Ambos programas mostraban adaptaciones de cuentos de hadas y

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otros cuentos orientados a la familia.

Shirley Temple fue la presentadora y esporádica narradora/actriz en ambas series. Años más tarde, en 1965, protagonizaría también The Shirley Temple Theatre.

La niña se mete a política Con 17 años, Temple se casó con el soldado convertido en actor John Agar (1921-2002) el 19 de septiembre de 1945. Tuvieron una hija, Linda Susan Agar –más tarde conocida como Susan Black–, el 20 de enero de 1948. Shirley presentó una demanda de divorcio a finales de 1949, siendo efectivo el divorcio el 5 de diciembre de 1950. A principios de 1950, mientras estaba de vacaciones en Hawaii, Shirley conoció al hombre de negocios californiano Charles Alden Black

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(1919-2005), con quien se casó el 16 de diciembre de 1950. Juntos tuvieron dos hijos: Charles Alden Black Jr., nacidos el 29 de abril de 1952, y Lori Black, el 9 de abril de 1954. Estuvieron casados hasta la muerte de él a los 86 años, el 4 de agosto de 2005, a causa de un síndrome mielodisplásico.

Shirley posteriormente se involucraría en la política de la mano del Partido Republicano, entrando sin éxito en la carrera congresual de 1967 en una plataforma pro-guerra. Sin embargo, conseguió varios puestos diplomáticos, sirviendo como delegada de Estados Unidos en muchas conferencias y cumbres internacionales. Fue nombrada delegada de las Naciones Unidas por el presidente Richard Nixon en 1969.

También la nombraron embajadora estadounidense en Ghana (1974-1976).

En 1976, se convirtió en la primera

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mujer Jefa de Protocolo de Estados Unidos, quien se encargó de todas las ceremonias, las visitas y los regalos del Departamento de Estado a líderes extranjeros y de la coordinación de los temas de protocolo con las embajadas y consulados de Estados Unidos.

Fue embajadora en Checoslovaquia (1989-1992), donde fue testigo de la Revolución de Terciopelo, a raíz de la cual comentó: «Ese fue el mejor trabajo que tuve en toda mi vida».

En 1997 fue nombrada la primera funcionaria honoraria del servicio extranjero en la historia de los Estados Unidos, por parte del Secretario de Estado de aquel entonces, George Schultz.

Shirley apareció en la portada de la revista People en 1999 con el título «Picture Perfect» y más tarde ese mismo año como parte de su informe especial, «Sobreviviendo al cáncer de mama». Apareció en los Oscar 1997 y también en ese mismo año recibió un Premio Kennedy. En 2001, sirvió como asesora para la producción de la cadena televisiva ABC Child Star: The Shirley Temple Story, basada en la primera parte de su autobiografía.

En 2004, se unió con Legend Films para restaurar, colorear y publicar sus primeras películas en blanco y negro, así como episodios de sus series de televisión de 1960, en The Shirley Temple Storybook Collection. El Sindicato de Actores (SAG) anunciaba, el 12 de septiembre de 2005, que Shirley Temple iba a recibir el honor más prestigioso de la institución, el Lifetime Achievement Award.

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STAR F IL M O GR AF ÍA • A Kiss for Corliss (1949) • A rienda suelta (1949) • Adventure in Baltimore (1949) • Mr. Belvedere estudiante (1949) • Fort Apache (1948) • That Hagen Girl (1947) • El solterón y la menor (1947) • Honeymoon (1947) • Kiss and Tell (1945) • Te volveré a ver (1944) • Desde que te fuiste (1944) • Quiero ser mujer (1942) • Kathleen (1941) • Young People (1940) • The Blue Bird (1940) • Susannah of the Mounties (1939) • The Little Princess (1939) • Just Around the Corner (1938) • Little Miss Broadway (1938) • Rebecca of Sunnybrook Farm (1938) • Heidi (1937) • Wee Willie Winkie (1937) • Stowaway (1936) • Dimples (1936) • La pobre niña rica (1936) • La pequeña vigía (1936) • Rebelde (1935) • La simpática huerfanita (1935) • Nuestra hijita (1935) • La pequeña coronela (1935) • Ojos cariñosos (1934) • Ahora y siempre (1934) • Gracia y simpatía (1934) • Dejada en prenda (1934) • Seamos optimistas (1934) • Mandalay (1934) • Carolina (1934) • Perdonen mis cachorritos (1933) • Más difícil todavía (1933) • Su primer amor (1933) • The Red-Haired Alibi (1932)

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Juan Albuerne ENTREVISTA

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ace ya tiempo que nos conocemos. Todavía recuerdo en los inicios cuando me mostrabas los bustos de guerreros que creabas y pintabas con tan buen gusto. ¿Sigues todavía con aquella afición, o las muñecas ocupan ahora toda tu vida?

Esa etapa pasó. Llegué a un punto en el que sentía que ya había alcanzado un techo, y que no iba a conseguir nada mejor que lo que ya había hecho. Eso hizo que perdiera interés y decidí que tenía que pasar página. El modelismo estático fue una etapa muy importante en mi labor como creador, y me sirvió mucho para la parte escultórica de mis trabajos posteriores con las muñecas ¿Recuerdas cuál fue la primera muñeca que maquillaste y customizaste? ¿Cómo fue el proceso? Has mejorado la técnica en estos años: ¿qué es lo más importante que has aprendido a la hora de customizarlas?

Sí, lo recuerdo perfectamente. Fue una Joan Crawford, que hice sobre una muñeca Charice, que acababa de

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descubrir. Estaba hojeando un libro de fotos de actores y de pronto vi una foto de la Crawford y se me pareció a la muñeca. Pensé si podría intentar conseguir un parecido mayor pintándola, y así empezó todo. Tuve que informarme y recabar ayuda acerca de los procesos y materiales que tenía que seguir para trabajar la pintura sobre el plástico y el pelo, eso fue lo primero. Luego lo llevé a cabo, me pareció que el resultado no estaba del todo mal y decidí seguir intentándolo con otras actrices. Evidentemente, desde que empecé con esto en el año 2000, mi técnica ha mejorado porque la práctica siempre hace que las cosas salgan mejor. Con mis últimos trabajos con las muñecas Pullip la técnica es completamente diferente y se parece muy poco a lo que hacía con las muñecas de 30 cm como Charice, Candi, Barbie y posteriormente las Fashion Royalty, así que es como si hubiera partido de cero de nuevo.

Lo más importante que he aprendido es que con la muñeca apropiada se puede hacer un retrato de cualquiera, y eso me ha dado mucha libertad de creación.

Juan Albuerne

ENTREVISTA

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ENTREVISTA

Johnny Depp

Angelina Jolie

El tema del cine siempre ha sido una inspiración importante en tus creaciones... De todos modos, ¿cuál ha sido el personaje del que estás más orgulloso? ¿Le has podido entregar tu creación a alguna estrella? ¿Cómo ha reaccionado?

Hay varias muñecas de las que me siento satisfecho. Mi primera Barbra Streisand, Glenn Close y Aretha Franklin están entre mis favoritas.

De las Pullip, estoy muy orgulloso sobre todo de Mick Jagger, Meryl Streep y Angelina Jolie. No sé si algún famoso habrá visto mis muñecas, pero sé que alguno de sus representantes sí lo ha hecho.

Se puso en contacto conmigo, hace mucho tiempo, un modisto y amigo de Glenn Close, el representante de la cantante Toni Braxton y el director de cine John Waters. Por una u otra razón, nunca llegaron a adquirir las muñecas por las que se interesaban, así que ningún famoso, que yo sepa, tiene una creación mía, salvo que alguno de mis clientes se la haya regalado sin yo saberlo. A Glenn Close sé que le gustó mucho mi creación de ella en Las amistades peligrosas, y que encontraba muy superior a la que hizo de ella Mattel para su personaje de 101 dálmatas.

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Creo que tu estilo fue muy bien acogido: entrevistas, apariciones en televisión, y pedidos, sobre todo del público norteamericano, de donde te llovieron un montón de encargos, pero acabaste un poco saturado. ¿Que pasó?

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Liza Minnelli

Actualmente trabajas con Pullips, que ya de por sí pienso que tienen una base un poco difícil –formas redondas, ojos enormes– para crear un personaje sin que parezca una caricatura. ¿Por qué decidiste customizar este tipo de muñecas?

Fue una casualidad. Cuando dejé de coleccionar las muñecas Fashion Royalty, de las que acabé saturado, sentí que necesitaba algo muy diferente, algo que fuera fácil de conseguir, a un precio razonable y con variedad. Me enseñaron por aquellos días unas Pullip y me gustó su aspecto, así que empecé a comprarlas, y al ir recibiéndolas me fueron enganchando. Que empezara a repintarlas fue simplemente cuestión de tiempo. Hay en mí una deformación profesional, como pintor y caricaturista, que me lleva a imaginarme siempre cómo sería una muñeca determinada después de repintarla. Como las Pullip tienen la cabeza sobredimensionada, igual que las caricaturas que yo hago, me pareció que podrían ser una buena base para hacer una caricatura en tres dimensiones, que es lo que en realidad estoy haciendo. O sea, no pretendo que no sea una caricatura, sino lo contrario.

Naomi Rapace

Lo que suele pasar en estos casos.

Quieres abarcar más de lo que el tiempo te permite: acepté todos los encargos, sin más, y luego me di cuenta que tenía tanto pendiente que me llegaba a agobiar el hecho de que mis clientes pensaran que tardaba demasiado en hacer los encargos, así que terminé dejándolo.

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Mick Jagger

Eduardo Manostijeras

ENTREVISTA

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La customización de Pullips está más relacionada con tu afición por la caricatura: ¿sigues practicándola? ¿Ha sido básica a la hora de saber captar los rasgos más distintivos en un personaje?

Sí, sigo haciendo caricaturas, y esa base ha sido la que me ha servido para conseguir los parecidos en las muñecas, efectivamente. ¿Cuál es el proceso para una creación tipo Mick Jagger, por ejemplo? ¿Qué pasos sigues? ¿Qué materiales utilizas? ¿Son fáciles de encontrar aquí o tienes que pedirlos fuera? ¿Cómo consigues los ojos, las pelucas o el vestuario?

Con las Pullip hay que conseguir cuatro cosas: el muñeco que sirva de base, la ropa, la peluca y los ojos.

El trabajo sobre el muñeco pasa por varias fases. Primero quito material con una cuchilla, luego añado lo que haga falta con pasta de modelar, luego lo lijo todo, y por último viene el trabajo de pintura. Las Pullip las consigo a través de distintos vendedores; las pelucas, igual. Los ojos suelo pedirlos siempre al mismo proveedor, así como las pestañas. La ropa proviene de diferentes sitios, dado que los cuerpos que utilizo para ellas, Obitsu, son de proporciones similares a los de Barbie u otras muñecas de 30 cm que ya hay en el mercado. ¿Estás recibiendo también encargos para customizar Pullips? ¿Cómo te estás tomando esta nueva etapa? ¿Qué personaje te piden más a menudo? ¿Cuánto nos puede costar

¿Tienes lista de espera?

No tengo lista de espera, porque no quiero caer en el error que cometí con las muñecas anteriores, así que me he planteado que, hasta que no termine con un encargo, no aceptaré

Édith Piaf

una customización completa con peluca, ojos y vestuario? ¿Cuánto sueles tardar en hacer una customización?

He tenido solamente dos encargos de Pullips. He entregado ya el primero, que ha gustado mucho, y estoy ahora mismo trabajando en el segundo. En un caso, un retrato de un artista local que encargaron unos amigos para regalárselo en su cumpleaños. En el segundo caso, se trata de un cantante poco conocido que quiere un retrato de sí mismo. Lo primero que hay que estudiar son fotos del personaje para ver si se pueden conseguir los materiales necesarios. En caso afirmativo, hay que ver qué tipo de ropa ha de llevar: si hay que encargar su confección o puede llevar cosas que ya existan en el mercado. Por todas esas cosas, los precios varían, pero oscilan entre 600 y 800 euros. Incluye la muñeca completa, vestida, con peluca, ojos, pestañas y soporte. No hay un período de tiempo determinado a la hora de hacer un retrato. A veces sale a la primera y otras veces cuesta más o hay que retomarlo después de un tiempo. Si todo va sin novedad y se consigue el parecido desde el principio, mi trabajo con la muñeca puede oscilar entre 24 y 48 horas de trabajo efectivo.

Luego, lo que se tarde en conseguir ojos, peluca y ropa.

Penélope Cruz

ENTREVISTA

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ENTREVISTA

el siguiente. Todo es cuestión de dosificar.

Viggo Mortensen

Audrey Hepburn

¿Cuál es el próximo personaje que tienes en mente para customizar?

Tengo una lista con varios personajes para hacer. Suelo empezar con aquél para el que me sea más fácil conseguir ropa y peluca, para no tener luego la muñeca incompleta durante un tiempo. La próxima será seguramente una Sophia Loren.

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¿Has probado también otro tipo de muñecas para ver los resultados, tipo Blythe? Recomiéndame otros artistas de los que te guste especialmente su trabajo...

No, no he probado. En principio, Blythe tiene la cabeza aún más grande que Pullip y me gusta más la proporción de estas últimas, así que de momento seguiré con las Pullip.

Además, hace poco que trabajo con ellas, así que no siento necesidad de cambiar, de momento... Retratistas en muñecas hay muy pocos, y solamente conozco a uno que trabaje realmente bien: Noel Cruz. En cuanto a repintadores de muñecas no retratistas, hay muchos muy buenos, pero mis favoritos son el americano Jon Copeland, el tailandés Chewin Malipunte y la española Vanessa Cordero (Sheryl Designs).

Gracias por el tiempo dedicado y buena suerte con tus nuevos proyectos.

Texto: Guillem Medina Fotos: Juan Albuerne

Russell Crowe

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Muñecas

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MARÍN

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a empresa Marín fue fundada en 1928 por Don José Marín y se dedicó principalmente a la venta de artículos de souvenir y regalo, siendo su producto principal las muñecas regionales, sobre todo las andaluzas o flamencas. Las muñecas de la casa siempre han sido fabricadas artesanalmente y, aunque algunas de ellas no sean en realidad muy agraciadas, los trajes en sí están muy bien hechos. En un principio había muñecas que representaban a todas las regiones españolas, con predominio de bailaoras, bailaores y toreros, ya que eran un producto principalmente enfocado al turista. Entre las muñecas flamencas destacaban algunas que representaban a artistas como Lola Flores, Micaela o Lucero Tena, o a bailaores como Antonio Aracena o Rafaelete.

También se realizaron muñecas «manolas» e incluso guardias civiles, todo ello muy «Typical Spanish».

Las muñecas regionales tenían representación de todas las provincias y venían por parejas, aunque hoy en día, desgraciadamente, han dejado de

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fabricarse y las primigenias muñecas Marín han pasado a ser consideradas un artículo de coleccionista. Sin embargo, Marín continúa haciendo unas muñecas regionales más bajitas y rellenitas, nada que ver con las esbeltas muñecas de los años sesenta y setenta, y otras de porcelana muy bien acabadas. También realizan algunos trajes regionales sueltos para muñecas de 30 centímetros, usto los que mide Barbie.

Aparte de las antes mencionadas, Marín creó una serie de muñecas históricas con nombres como La Distinguida, Versalles –en clara alusión a María Antonieta–, Eugenia, Señora de Alcocer, Dama Ilustre –vestida como la reina Isabel I del Reino Unido–, Alicia o Cortesana, e incluso personajes reales como el rey Enrique VIII de Inglaterra. Hoy en día la empresa comercializa una gran variedad de artículos para regalo y souvenir, con diseños propios y exclusivos, entre los que podemos encontrar abanicos, tarjeteros, bolígrafos, delantales y un sinfín de cachivaches destinados al turista.

MADE IN SPAIN

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La empresa ha conseguido multitud de galardones, entre ellos el premio mundial de muñequería y la concesión de la medalla al mérito al trabajo a su fundador, José Marín. Desde 1997 existe un museo instalado en la misma fábrica donde se recoge la historia de la empresa desde el año de su fundación. Pasaos por su web, www.marindolls.com, www.marindolls.com y veréis...

Texto: N ú r i a S i m ó n

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Versalles

Señora de Alcocer

Eugenia

Dama Ilustre

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Muñecas de época

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Talavera

Valencia

Vizcaya

Madrid

Mu単ecas regionales

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Valle de Pas

Canarias

Canarias

Ibiza

ﾃ」ila

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Tarta de

FRESA

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trawberry Shortcake es un popular personaje infantil de origen estadounidense, dirigido especialmente a las niñas. Es conocida en México como Rosita Fresita, en Argentina y Chile como Frutillitas, en Venezuela, Perú y Colombia como Fresita y en España como Tarta de Fresa.

Originariamente era el personaje de una tarjeta postal creada por la empresa American Greetings, la cual alcanzó tanta popularidad que acabó convirtiéndose en muñeca y, más tarde, en personaje de dibujos animados. La muñeca tiene la forma de una niña cuyo pelo es de color rojo fresa y ha sido perfumada para oler a esta fruta. También incluye una línea de juguetes de los amigos y mascotas del personaje. Para rematar, lleva un gorro con una fresa en lo alto. Este personaje ha sido muy popular entre niñas pequeñas y ahora entre los coleccionistas. Las muñecas se produjeron por primera vez en 1979 y posteriormente fueron relanzadas

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en 1991 y 2002. El diseño original de Strawberry Shortcake y de su mascota Custard fue realizado en 1977 por Muriel Fahrion durante el tiempo en el que fue ilustradora en el departamento de postales juveniles y de humor en American Greetings.

Cindy Moyer Patton y Janet Jones diseñaron el resto de personajes de la línea clásica de Strawberry Shortcake que acompañarían a la niña afrutada.

Lyn Edwards fue la editora de esta serie, quien, junto con un grupo de creativos, desarrolló los perfiles de los personajes, la línea argumental y la «filosofía» de la serie.

La primera muñeca, hecha de trapo, fue diseñada por Muriel Fahrion y creada por Susan Trentel, la hermana de Muriel, así que todo queda en familia. La línea de los inicios de los años ochenta consistía en una serie de muñecas con nombres y temáticas de postres frutales y pelo coloreado y con esencias a juego: en cuanto acercabas la nariz a la caja te venía un olorcillo intenso que vagamente recordaba a la

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fruta que se intentaba representar; la esencia era tan intensa que hoy en día, veinte años más tarde, ¡todavía huelen!

Asimismo, cada muñeca venía con una mascota. Los personajes vivían y jugaban en un mundo mágico conocido entre nosotros como Fresilandia.

En Fresilandia crecían las frutas más grandes y jugosas durante todo el año. Los niños fresilandeses eran muy felices y se ayudaban unos a otros. De todas formas, había un villano, ¡cómo no!, el Pastelero Púrpura, llamado también Pastelero Bigotón o el Señor Panadero (en origen The Peculiar Purple Pieman of Porcupine Peak), que pensaba que la mejor manera de obtener fresas era robárselas a Tarta de Fresa. Y una villana, Vinagreta o Uva Agria (Sour Grapes), que odiaba todo lo que fuera bueno y gozoso.

El frenesí por Strawberry Shortcake en los años 80 llevó a la producción de miles de productos, incluyendo muñecas, videojuegos, álbumes de cromos, ropa, etc. Varios vídeos fueron protagonizados por Tarta de Fresa y sus amigos, al igual que un programa de televisión en Chile donde los personajes eran personificados por actores. Respondiendo a la demanda de las nuevas generaciones, American Greetings y DiC Entertainment relanzaron a Strawberry Shortcake en el año 2002 con una nueva imagen para las niñas actuales, vestida con tejanos y camisetas a rayas. En 2010 sigue siendo un éxito y su grupo de fans continúa en auge constante.

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Personajes principales • S t r a w b e r r y S h o r t c a k e (Tarta de Fresa) es la protagonista principal. Es la princesa de Fresilandia, y usa a menudo un sombrero rosado con fresas impresas en él. Vive en una fresa grande, compartiendo su casa con su pequeña hermana, su gata Flancita y su perro Muffin. Pasa el tiempo visitando a sus amigos y viajando por todos los rincones de Fresilandia.

Strawberry es siempre alegre y está lista para ayudar a sus amigos en cualquier momento.

• G i n g e r S n a p (Galletita) aparece por primera vez en 2003. De larga melena morena, sus colores habituales son el rosa y el violeta. Ginger es una inventora experta y proveedora de toda clase de galletas, aunque está especializada en el pan de jengibre. Su mascota es la ardilla Chocolate Chipmunk (Chocolatilla).

• A n g e l C a k e (Ani Vainilla) apareció por primera vez en los años 80 y posteriormente fue reintroducida pero con un aspecto muy diferente.

Incluso tiene un animal doméstico, una oveja llamada Vanilla Icing (Vainilla Delicia).

Ani Vainilla es rubia y posee un enorme talento para la decoración de tartas. Es conocida también por su perfeccionismo y puede llegar a tener algo de mal genio si las cosas no van a su manera.

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DOLLS • H u c k l e b e r r y P i e (Tony Mermelada) con su rana Shoofly (Saltarín) es uno de los amigos de Tarta de Fresa, el único protagonista masculino de la serie. La inspiración obvia para el personaje era Mark Twain y su famosa creación Huckleberry Finn. Actualmente, un Huck muy moderno vive dentro de una fortaleza en un lugar llamado Huckleberry Briar, lleno de rampas y desniveles, pues Huck es un amante del skate.

• B l u e b e r r y M u f f i n (Tarta de Arándanos) es amiga de Tarta de Fresa desde el inicio de la serie. Vive en una cabaña en forma de madalena en Valle del Arándano. Su pelo también fue alterado a un inusual tono de marrón, pero retomó su color azul de la marca registrada en 2007. Tiene una simpática mascota, el ratón Cheesecake (Quesito).

Alm ond T ea

C af é Ol é

C r e pe Su z e tt e

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BARBIE

va a la ópera L

a ópera es llamada el arte total, porque en su concepción participan todas las musas. La ópera es música, canto, teatro, danza… y, por supuesto, trajes maravillosos e impresionantes. Y cuando hablamos de trajes y vestidos lujosos también nos estamos refiriendo a nuestras muñecas...

Muchas de las muñecas que han fabricado y fabrican –aunque hay que decir, en honor a la verdad, que cada vez con menos frecuencia– las marcas de muñecas americanas pueden perfectamente, por sus vestidos de distintos periodos históricos, ejemplificar a las más famosas heroínas operísticas. Para no alargar mucho el reportaje empezaremos nuestro pequeño recorrido con Mozart, aunque, evidentemente, cuando el genio de Salzburgo triunfaba, la ópera llevaba ya siglos de recorrido. Pero como sus argumentos estaban, en general, más centrados en la mitología clásica, podemos decir que la identificación con nuestras muñecas es menos variada.

Wolfgang Amadeus Mozart es conocido sobre todo por sus 3 óperas con libreto de Lorenzo Daponte. De

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Las bodas de Fígaro destacaremos a la Condesa Rosina, que vestiría exactamente igual que la Barbie Duchess Emma, y de Don Giovanni a Doña Elvira, que tendría su equivalencia en Barbie Sentimental Valentine, exclusiva de Hallmark.

De Rossini, Rossini la Rosina de El barbero de Sevilla sería otra Barbie de Hallmark, Fair Valentine, y de La Cenerentola sería una Angelina ideal la Barbie Secret of the Three Teardrops.

Vincenzo Bellini fue un gran autor de ópera a pesar de su breve vida, pues murió a los 34 años. De este autor destacamos Norma, que tendría su equivalencia en la Barbie Goddess of Beauty; o Elvira, de Los puritanos, que vestiría igual que la Princesa holandesa.

Gaetano Donizetti, Donizetti contemporáneo de Bellini, fue más prolífico que éste y destacó por sus ópera de ambiente histórico. Destacamos a la reina Isabel I de la ópera Roberto Devereux, de la cual tenemos a la Barbie de la colección Women in Royalty y a la Alex de Madame Alexander de la colección History of Fashion. De esta

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DOLLS misma colección podemos tomar a otra protagonista de una ópera de Donizetti, Anna Bolena. Pero la ópera más famosa de Donizetti es Lucia di Lammermoor, la cual podría ser perfectamente la Barbie Princesa del Imperio Portugués.

Llegamos a Verdi, Verdi el autor más popular de ópera italiana y uno de los compositores que más contribuyó a la renovación del género. De este compositor destacaremos el personaje de la princesa Amneris de Aida, que nos la imaginamos vestida igual que la Barbie Princesa del Nilo; a Lady Macbeth, que vestiría igual que la Barbie Medieval Lady o la Cissy Morgan Le Fay; o Violetta de La Traviata, de la que tenemos varios ejemplos: Barbie Southern Belle,

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Cissy English Waltz o Cissy Royal Splendor de la Convención de París de 2007. También de Verdi podríamos citar a Desdémona de Otello, que encarnaría perfectamente la Barbie Princesa del Renacimiento; Alzira, que podría ser la Princesa del antiguo México, y, de la ópera Don Carlo, citar a la Princesa de Éboli, que es una de mis costumizaciones y tiene como base a Cissy Pocahontas.

Tan popular como Verdi es Giacomo Puccini.

Puccini De sus óperas tenemos muchas muñecas; comenzamos con Madame Butterfly, de la cual Madame Alexander tiene una Cissy con ese nombre; así mismo, como la protagonista ha sido geisha, la Barbie Maiko le va como anillo al dedo. De la princesa Turandot tenemos dos

DOLLS Barbies, la Emperatriz y la Princesa de China. Como Tosca tenemos a la French Court Lady o la Cissy y Cissette Empress Josephine, y como Manon Lescaut ponemos a la Cissy Governor’s Ball de la convención de Williamsburg, una maravilla de muñeca. Finalmente citar a Mimí de La Bohème y la muñeca que creó Madame Alexander de ese personaje.

Dejando la ópera italiana y entrando en la lengua francesa, destacamos algunos grandes autores: Charles Gounod, Gounod famoso por ser el compositor de la ópera Fausto pero también compuso otras óperas célebres; destacamos Romeo y Julieta porque tenemos a la pareja de Mattel.

De La Juive de Halévy, Halévy la cristiana princesa Eudoxia, rival de la judía Raquel, iría vestida igual que la Barbie Princesa de la corte francesa.

Así mismo destacamos la muñeca Coco vestida de Carmen y la de 14 pulgadas de los años 80 que Madame Alexander dedicó a la ópera de Bizet; Bizet también de este autor y de la ópera Los pescadores de perlas, la sacerdotisa Leila estaría muy bien representada por la Princesa de Camboya.

Del compositor Léo Delibes y de su exótica ópera Lakmé tenemos un buen ejemplo con la Princesa de la India de la serie de Princesas del mundo.

Texto: Robert Ramos Fotos: Guillem Medina

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Ellowyne Wilde

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llowyne Wilde regresa este año sin apartarse demasiado de su estilo habitual: vestidos con un toque gótico –aunque cada vez menos–, gran variedad de modelitos para vestir adecuadamente en todas las ocasiones y estaciones del año –vestidos que comparte con su amiguita Prudence– y poco más. Y es que, a estas alturas, los seguidores de Ellowyne no le piden más a la empresa, tan sólo renovar el vestuario y de vez en cuando comprar alguna muñeca nueva –incluso hay la novedad de la Ellowyne calva a la que cambiar la peluca, y otras con los ojos de cristal en lugar de pintados– y, los que todavía no han picado, la miran con escepticismo, pues su gran tamaño y, sobre todo, sus altos precios acaban haciendo desistir al más pintado. Núria, nuestra redactora jefa, compró una en la feria de París –después de aconsejarla e insistir los que la acompañábamos–, pero ahora está pensando en vendérsela. Y es que, a Ellowyne, o la quieres o te agobia. No hay término medio.

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Evangeline Ghastly

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2011

uelve la pálida y delgaducha Evangeline –con nombre de cantante neogótica–, aunque «en persona» gana ligeramente, pero vaya, que no creo que destaque precisamente por su belleza. Para la nueva temporada Evangeline luce toda una colección de modelitos a cuál más imposible, seguramente inspirados en los bocetos del diseñador de Lily Munster, con abundancia de gasas, drapeados y demás telas que harían las delicias de la prima transilvana de Mae West. Y es que Evangeline se inspira en vampiras, zombies o bailarinas de burlesque para completar su ajuar. A destacar las Evangelines calvas –por Dios, ¡qué horror!– y todo el surtido de pelucas (im)posibles para cambiarle el peinado, desde la pelirroja modosita a la rubia platino tipo sueca de las que veraneaban en Benidorm en los 70. Aunque para las más modernas hay una de pelo largo negro con flequillo violeta... ¡si Alaska la pillase!

Como siempre, os recomendamos visitar su web para más fotos e información, donde comprobaréis los «económicos» precios de la niña.

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Country Pullip PULLIP

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s lo que tiene: si cada mes lanzas una minicolección de Pullip, al final se te acaban las ideas.

Y las novedades de septiembre no son precisamente para lanzar cohetes.

La Pullip Ddalgi, Ddalgi con aspecto pastoril, lleva larga melena negra y vestido patchwork en tonos rojos, medias a juego y bolso a cuadros vichy.

La Dal Dotori –no Dorothy– parece salida de un cuento tirolés; con aspecto centroeuropeo, luce vestido, capita y gorrito con florecillas y motivos campestres, como si de una pequeña Caperucita se tratase. Taeyang Wayne –con apellido de otro insigne pistolero cinematográfico, John Wayne– sigue la moda steampunk, en la que se mezclan elementos de los viajeros de la época victoriana con otros más modernos de tribus urbanas –incluso en la última convención Tonner iban todos así vestidos, o al menos lo intentaban... Seguro que los fans de los complementos quedarán entusiasmados con él... En cuanto a las versiones mini, se han inspirado en trajes típicos coreanos: Mini Dal Ximing a modo de pequeño sacerdote y Mini Dal Sona con un encantador traje festivo.

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CANDY CANDY

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andy Cand y fue, sin saberlo, la primera vez que leímos manga japonés algunos de nosotros, sin conocer todavía qué significaba aquella palabreja. De hecho, habíamos leído historietas que eran adaptaciones de Bruguera realizadas a partir de los personajes populares de series de televisión como Heidi, Marco, El perro de Flandes, etc. Pero no eran mangas originales, sino adaptaciones realizadas por dibujantes españoles, la mayoría hechas por Jan, autor más tarde del popular Superlópez. Cuando a principios de 1984 vimos en las páginas de Lily las aventuras de Candy, aquello era totalmente diferente: el dibujo tenía encanto, fuerza, recursos visuales que potenciaban las emociones... Candy Candy, dibujada por Yumiko Igarashi y con guiones de Kyoko Izuki, se mantuvo unos números como serie estrella de Lily hasta que Bruguera decide publicarla en cuadernillos semanales de 32 páginas, con traducción de Montse Vives. Llegaron a aparecer hasta 26 volúmenes, dejando la serie inconclusa y a los

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lectores buscando como locos en internet para saber cómo continuaban las desdichas de la pobre Candy.

Algunos de los cuadernos de Bruguera llevaban un póster en la parte central, pero ese fue el único merchandising disponible en aquel momento.

Posteriormente la editorial publicaría cuatro tomos recopilatorios de 154 páginas. Otra editorial, ERSA, lanzaría otra publicación, Mini Candy Candy, con historias ligeramente inspiradas en el original, y en 1985, coincidiendo con la emisión por televisión de la serie –infinitamente de menor calidad–, aparece una serie de cómics con el título de Las nuevas aventuras de Candy, también realizada por dibujantes españoles.

Pero, ¿qué tenía esta serie para interesar a varias generaciones de lectores? Pues, para empezar, que era larguísima y contenía muchísimos personajes, entre principales y secundarios. Y eso, quieras que no, acaba enganchándote. El argumento de una huérfana que se pasa casi toda la serie buscando sus orígenes no era nuevo; la propia autora ya explotaba

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el filón en Georgie, otro de sus dramas interminables, esta vez ambientado en Australia y Londres. Candy, además, crecía a lo largo de la historia: pasaba de estudiante en un internado a enfermera titualada, con el trasfondo de la Primera Guerra Mundial, o sea todo un dramón épico al estilo de Lo que el viento se llevó. Lógicamente, el paso de la niñez a la adolescencia en Candy llevaba a la aparición de amores, de celos por parte de Neal e Iriza –los pesadísimos villanos de la película–, de secretos ocultos que tardan tropecientos mil episodios en ser desvelados...

Candy Candy ha tenido un enorme éxito en todos los países adonde se ha exportado, lo que ha permitido a Yumiko Igarashi dar a conocer el resto de su producción: Georgie, de la cual hablábamos antes; Mayme Angel, ambientanda en los años de la conquista del Oeste; Croque-Pockle, una obra menor en la que una estudiante quiere montar una tienda de objetos de arte, y Anne, una obra de los principios de su carrera.

De hecho, el estilo de la autora es muy reconocible y sus protagonistas a veces pueden confundirse con facilidad. Una vez finalizada la edición de Candy Candy, tardaríamos unos años en volver a ver publicado manga japonés en nuestro país: sería con el fenómeno Dragon Ball, Sailor Moon y Ranma 1/2 cuando volvería a resurgir esta tendencia editorial, gracias a la cual muchas chicas se convirtieron en ávidas lectoras de cómic.

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con esto y un bizcocho... se pone punto final a la vida de Gene Marshall, la muñeca aparecida en 1995, obra del artista Mel Odom.

Han sido 15 años en los que han ido apareciendo nuevos personajes: la villana Madra Lord, el galán Trent Osborn, la cantante de jazz Violet Waters y, posteriormente, Ivy Jordan, Zita Charles y Oona; han lucido todo tipo de modelitos, especialmente de fiesta, han tenido un magnífico mobiliario a su medida y, ahora, en la última convención, se ha anunciado la retirada definitiva. Suponemos que las bajas ventas han precipitado este final, y eso que en su momento Gene revolucionó el mundo de las fashion dolls, primero por su tamaño inusual, mucho mayor de lo habitual, y segundo por la alta calidad de su vestuario y los complementos. Calidad que posteriormente fue disminuyendo, aunque no los precios... Los que tenemos alguna Gene seguiremos guardándola con cariño, porque nos hace soñar con el Hollywood dorado de los años 30, 40 o 50. Cuando todavía existía el glamour...

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Gene

Ivy Jordan

Fringe Festival

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Madra Lord

Violet Waters

Ivy Jordan

Gene Marshall

Fireworks

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Zita Charles

Gene Marshall Trent Osborn Madra Lord

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FURIA DE TITANES

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ay remakes innecesarios, y el de Furia de titanes –film originario de 1981 dirigido por Desmond Davis, que contaba con los deliciosos efectos especiales de Ray Harryhausen– no es la excepción. La nueva versión, dirigida por Louis Leterrier, ha seguido el original bastante al pie de la letra, contando con los increíbles efectos digitales de nuestros días, donde todo es posible, menos lo de darle un mínimo de expresividad al aburrido rostro del protagonista principal Sam Worthington, un cachas australiano con menos registros interpretativos que su figura en vinilo. Pero bueno, a lo que nos interesa: si el film ha tenido una acogida tibia, a pesar de contar con el 3D, su merchandising es más suculento, con action figures, deformeds y réplicas de complementos, como la espada del protagonista. También se pueden encontrar los bustos de los monstruos del film originario, ente ellos la Medusa, ¡una chica con una mirada que te deja de piedra!

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CHARMMY KITTY

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harmmy Kitty es la gatita mascota que el padre de Hello Kitty le regaló a ésta por su cumpleaños. O sea que es el gato mascota de otro gato, en fin... más vale no buscarle otra explicación. Nacida el 31 de octubre –¡qué manía tienen los japoneses de ponerles fecha de nacimiento a absolutamente todas sus mascotas ficticias!–, Charmmy Kitty se vuelve loca por todo lo brillante como si fuese una urraca, ya sean collares, broches o joyas variadas.

Generalmente lleva colgado del cuello un collar con una llave: esa llave abre en teoría el joyero de Hello Kitty, o sea que es más o menos una guardiana del tesoro, o algo parecido.

Charmmy Kitty acostubra a ir acompañada siempre de otro animalillo más pequeño que ella, no sabemos si es una rata o algo parecido. Su imagen ha aparecido en todo tipo de productos, desde carteras, ropa de cama, peluches, etc. Es otra fuente de ingresos de la compañía nipona Sanrio, los creadores también de Hello Kitty.

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Spirou

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uatro son los grandes pilares en los que se apoya la popularidad –y, no lo vamos a negar, la maestría– del cómic franco-belga: Tíntín, de Hergé, quizás el más conocido, que no el mejor desarrollado, a mi parecer; Los Pitufos de Peyo, que entraron en nuestro país como cómic infantil y se ganaron el respeto de los mayores; Astérix, de Uderzo y Goscinny, de cuya indiscutible genialidad ya hablaremos en otra ocasión, y Spirou, del maestro Franquin.

Sí, no es que haya olvidado a Lucky Luke y su recreación cómica del western, o el psicodélico mundo futurista de Valérian. Pero recordemos que he dicho «los más populares», no los únicos ni los mejores. Bien, dejémonos de preámbulos y entremos en materia. La primera curiosidad es que Spirou –traducido al principio en castellano como Espirú– no fue creado por el polifacético Franquin, que fue quien lo entronó entre los grandes personajes del cómic europeo, sino por Rob-Vel –seudónimo de Robert Velter– en 1938, para dar nombre a la revista del mismo título.

Otro caso curioso es que los derechos del popular aventurero no pertenecen

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a su autor sino a la editorial Dupuis, que compró el personaje a su creador en 1943. El nombre de Spirou es un derivado de una palabra valona que significaardilla y, por añadidura, es como se llama a los chicos listos y avispados. Por eso, también, su mascota es la ardilla Spip, que, aunque no pronunciaba palabra alguna, nos obsequiaba con algunos pensamientos dignos de la peor mala leche belga.

El uniforme rojo del protagonista se debe a que, en un principio, su profesión era la de botones del hotel Moustic.

Pero eso pasó a la historia y ya hace muchos años que la verdadera ocupación del chico de rojo es todo un misterio, aunque el uniforme ha dado pie a crear a toda una familia de botones y ordenanzas en esa malévola a la par que deliciosa precuela que son las aventuras de El pequeño Spirou.

Pero no nos salgamos del camino trazado. Una vez en manos de la editorial, el primero en dibujar al chico avispado fue Joseph Gillain, más conocido como Jijé. A él debemos la creación en 1944 del personaje de Fanstasio, que le da a la serie esa mezcla de pragmatismo y locura desaforada, que caracteriza su ritmo.

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En un principio, Las aventuras de Spirou y Fantasio eran las típicas historietas cortas llenas de equívocos y trancazos y dedicadas al público infantil. Pero en 1946 aparecería en la editorial un joven autor, de nombre André Franquin, a quien Jijé pasaría el encargo de continuar con las aventuras del botones –para él irse, primero, a dibujar una serie sobre los Santos Evangelios que no gustó ni a los curas, y luego a Nueva York a probar fortuna– a la mitad de la elaboración de La casa prefabricada.

Franquin supo sopesar el éxito de Tintín y decidió que Spirou iba a ser el encargado de hacerle sombra al reportero adolescente –y reaccionario, que todo hay que decirlo... A él no sólo le debemos el paso de historias cortas a largas y los complicados argumentos, sino la creación de toda una horda de secundarios a cuál mejor, entre los que se cuentan el estudioso Conde de Champiñac, el científico loco Zorglub, el primo de Fantasio y aspirante a dictador Zantafio –que acabaría perdido en la selva– y la periodista Seccotine, uno de los raros personajes femeninos de los cómics belgas de la época –sí, señores, sí: a diferencia de otros personajes coetáneos, Spirou parece tener sexualidad... y ¡sexualidad heterosexual! Pero el mejor secundario de toda la serie ha sido ese curioso personajillo, mezcla de mono araña, leopardo y canguro que es el Marsupilami. Tanto que ha merecido protagonizar uno de los más sonados spin-offs de la historieta, eclipsando en muchos casos al personaje que lo

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dio a la luz. El Marsupilami aparece por primera vez en 1952 en Spirou y los herederos. Aquí, el curioso e irascible personajillo es adoptado por los protagonistas hasta que, en 1957, su autor crea El nido del Marsupilami, una suerte de falso documental donde se muestra al bicho en su hábitat natural, en Palombia, un ficticio país de la América amazónica.

Tal éxito adquirieron los personajes que Franquin creó equipo con el guionista Greg y el fondista Jidéhem.

En 1969, Franquin se cansó del botones. Tenía ganas de desarrollar otro de su personajes, Gastón el Gafe, y la perita en dulce de seguir con las aventuras del botones recayó en Jean-Claude Fournier –nada que ver con Heraclio, el vasco creador de naipes... Durante esta etapa, las historias de Spirou se volvieron más políticamente comprometidas a la par que oscuras, aunque desapareció de sus páginas el simpático Marsupilami.

Al contrario del resto de personajes, Franquin se había hecho con los derechos de éste y no lo veríamos hasta 1988, pero esta vez con serie propia.

Más tarde se encargarían de desarrollar las aventuras del botones el tándem Nic Broca –dibujo– y Raoul Cauvin –guión–, Yves Chaland y el equipo de Philippe Tome y Janry que le dieron un tono vanguardista, añadiendo temas como la biotecnología y la robótica. A ellos también se debe la anteriormente mencionada serie sobre la infancia

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de Spirou. Actualmente, José Luis Munuera ha dado un tono algo más manga a la serie, acompañado del guionista Jean-David Morvan.

A partir de 2006 se ha desarrollado un proyecto en el que diferentes autores dan su visión del botones y su histérico amigo. ¿Qué más decir de este personaje?

Por lo que respecta a la puesta en escena, Spirou y Fantasio se han movido por casi todo el mundo, como su compatriota Tintín, pero de una manera más naturalista a la vez que menos colonial. Por ello sus mascotas y amigos son más heterogéneos, a la par que… peculiares. ¡Ah! Y los

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complementos, verdadera delicia de la serie. Desde el corsé helicóptero inventado por Fantasio, al Turbo, ese impresionante descapotable, muy al estilo de los años 60, creado especialmente para la serie y que ya es un icono en sí mismo, revalorizado, en estos tiempos que nos ha tocado vivir, por la moda del vintage.

Y ya para acabar, incluso Ibáñez se atrevió con una serie castiza emulando a Spirou. Se trata de El botones Sacarino; pero aquí, como en toda la obra del prolífico autor, la sal gorda y el humor de zarzuela de tercera sustituye al espíritu aventurero y la sutilidad del original.

CÓMIC Ni se te ocur ra per dér telos. ..

• Quatre aventures de Spirou et Fantasio (Cuatro aventuras de Spirou y Fantasio), que incluye Spirou et les plans du robot (Spirou y los planos del robot, 1948), Spirou sur le ring (Spirou sube al ring, 1948), Spirou fait du cheval (Spirou monta un caballo, 1949) y Spirou chez les Pygmées (Spirou y los pigmeos, 1949). Tienen toda la frescura de ser las primeras aventuras de Spirou y, claro, no hay que perdérselas.

• Le dictateur et le champignon (El dictador y el champiñón, 1953) raya en el más absoluto absurdo. Toda una delicia.

• Le nid des marsupilamis (El nido de los marsupilamis, 1957).

La puesta de largo del bichejo. Todo lo que deberías saber pero nunca te has atrevido a preguntar sobre el mismo...

• Le voyageur du mésozoïque (El viajero del mesozoico, 1957). ¿Lo mejor? Ese abanico de científicos, a cuál más peculiar y despistado, y una manera sutil de exponer lo que André Franquin piensa de la carrera nuclear.

• Spirou et les hommes-bulles (Spirou y los hombres burbuja, 1959). Es ya un pequeño clásico.

La aventura por la aventura, tal como debería seguir siendo.

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CÓMIC • Le prisonnier du Bouddha (El prisionero de los 7 budas, 1959), con Greg en el guión y Jidéhem dibujando los fondos. Transcurre en la China continental y tiene claras referencias a la guerra fría.

• QRN sur Bretzelburg (QRN en Bretzelburg, 1963). Curiosa historia que sucede en un país imaginario muy parecido a la Alemania anterior a la unificación. Una versión extendida y limitada se publicó en 1987.

• Du glucose pour Noémie (Glucosa para Noemí, 1971). Donde desaparece el Marsupilami de la serie.

• La jeunesse de Spirou (La infancia de Spirou, 1987). Que consta de Cuidado con el cliché, El botones del presidente, La infancia de Spirou, El infame falsario y El increíble Burp.

Pistoletazo de salida de Las aventuras del pequeño Spirou.

• Machine qui rêve (La máquina que sueña, 1998). Donde Tome y Janry intentaron de nuevo renovar la serie

CÓMIC con un argumento más adulto –un héroe herido, relaciones amorosas, etc.– junto a un estilo gráfico más realista. Este repentino cambio a un tono más oscuro, aunque las semillas pueden ya verse en los álbumes anteriores así como en otras obras de los mismos autores (Soda, Balada asesina) commocionó a muchos lectores. Mientras muchos consideraron el cambio de tono algo valiente y loable, hubo cierta preocupación por el hecho de que Spirou hubiese perdido su identidad al convertirse en un personaje «realista». Fuera como fuese, la controversia hizo que Tome y Janry se concentraran en El pequeño Spirou.

• Spirou à Moscou (Spirou en Moscú, 1990). Spirou y Fantasio visitan la URSS todo justito antes de que se disuelva.

• Spirou à Tokyo (Spirou en Tokyo, 2006). Una verdadera excusa para que

José Luis Munuera desarrolle su estilo cercano al manga.

Otros tiempos, otros formatos...

A la espera de que cuajen algunos de los proyectos de llevar al cine con personajes reales al botones y a toda su familia de amigos y enemigos –Radio Macuto hace años que va llena de rumores–, un par de series de animación han llevado tanto a Spirou como al popular Marsupilami a la pequeña pantalla, pero se trata de trabajos totalmente carentes de interés y dedicados a un público, más que infantil, corto de entendederas. Sus animaciones son demasiado sencillas, por no hablar de las tramas y los guiones, que pecan de una puerilidad digna de mención. Quién no las conozca, la verdad es que tampoco se pierde gran cosa...

Texto: Sebas Martín

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Lolita Butterfly ENTREVISTA

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etrás de l personaje de Lolita Butterfly está Idoia Iribertegui, Iribertegui dibujante, esposa, madre y adicta a las últimas tendencias de moda... casi, casi como su personaje.

Una pregunta muy original: ¿cómo se te ocurrió crear el personaje de Lolita Butterfly? ¿Cuánto hay de biográfico y cuánto de inventado? ¿Por qué nunca se le ve la cara a la protagonista? ¿Cuánta ropa tiene en el armario? ¿Quién le paga los modelitos de marcas caríiiisimas?

El personaje de Lolita Butterfly se me apareció un poco por casualidad. Allá por el año 2002 yo me ganaba la vida como diseñadora gráfica en agencias de publicidad, y echaba de menos el dibujo... así que en mis ratos libres le daba al lápiz y hacía pequeños dibujos.

Alguien me dijo que debería hacer camisetas y otros objetos con ellos.

Y se me ocurrió crear una marca bajo la cual se harían estos productos.

Por cierto pudor artístico, no quería poner mi nombre... y porque es un poco impronunciable con tantas íes.

Así que diseñé un logo con la imagen

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de una diseñadora ficticia. La imagen era una chica joven con un sombrero que tenía un lazo que me salió como con forma de mariposa. «¡Pum! –dije–, ¡Miss Butterfly!» Empecé a imaginarme su carácter, cómo decidió convertirse en diseñadora, un poco por juego. Y acabé dibujándola cuando era pequeña con el mismo sombrero y con las ropas de su madre, que le venían grandes.

Pensé: «Es una pequeña Lolita», y uní nombre y apellido. Luego, poco a poco, se me iban ocurriendo escenas y situaciones y empezaron las tiras...

De biográfico poco, yo nunca fui fashion victim porque en un pueblo de Navarra en los años 80, no sabíamos lo que era eso. Siempre fui presumida, eso sí, y me gustaba vestir cosas diferentes, en eso nos parecemos.

Yo también sufrí un uniforme escolar, que me parece la peor condena para una trend setter. Y en mi casa se comentaban los trapitos de las revistas porque somos muchas mujeres en mi familia... y hasta aquí lo biográfico.

Lolita es mucho más atrevida, impertinente y resuelta de lo que yo fui nunca. No se le ve la cara porque quiere mantener un halo de misterio a su persona. Esto salió por casualidad al colocarle el sombrero tres tallas

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ENTREVISTA mayor, pero instantaneamente vi que era fantástico que no se le viera nunca la cara y así lo dejé. Sobre cuánta ropa tiene en el armario, ella misma te contestaría que «nunca la suficiente».

Pero tiene un ropero muy bien provisto.

Lolita no compra su ropa, no tiene dinero: ella roba, actualiza y customiza la ropa de su mamá, las camisas le sirven de vestido, los pañuelos de top y conjunta lo propio con lo ajeno. Es su mami la que, por trabajo, tiene prendas de grandes marcas que ve estropeadas sin remedio cada dos por tres por culpa de nuestra heroína. ¿Se puede ser una «fashion victim» con la paga semanal que te dan los papis? ¿Se puede ser una «fashion victim» siendo

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mileurista? Por cierto, ¿qué es una «fashion victim»? ¿Por qué una chica tan feúcha como Sarah Jessica Parker es una «fashion victim», un modelo a seguir para tantas mujeres?

No se puede comprar nada decente con la paga que te dan los padres.

Justamente le llega para su adicción a los chicles de fresa ácida y gracias.

Pero como te he contado, ella se las ingenia para a veces ahorrar y comprar algún «must have» o, directamente, «tomarlo prestado». Se puede, sí se puede ser una fashion victim mileurista: está el mundo lleno de gente muy loquísima que prefiere tener el último bolso de Hermès que irse de vacaciones, por ejemplo.

Yo, personalmente, lo encuentro

ENTREVISTA superesclavo, pero allá cada cual...

Una fashion victim, como su nombre indica, es una persona que es víctima de los dictados de la moda. En cuanto sabe lo que se va a llevar esa temporada TIENE que tenerlo, sí o sí.

No se para mucho a pensar si le gusta o no: se lleva y punto. En este sentido creo que es mejor ser trendy; de hecho, diría que Lolita es más trendy que fashion victim. Esto es seguir las tendencias, pero adaptándolas a tu forma de vestir y creando un estilo propio dentro de la moda que se lleva o incluso adelantándote a lo que se llevará... Sarah Jessica Parker es una liberación para mucha gente. En este mundo tan de surgery demuestra que se puede ser poco agraciada, pero resultar muy atractiva sólo con un buen

estilismo, y en esto incluimos peluquería y maquillaje. No tiene vergüenza en ponerse mezclas arriesgadas, o bien elementos chocantes –aunque últimamente está muy comedida– y los lleva con naturalidad. Creo que en eso están las claves de su éxito.

Idoia, ¿eras la mejor vestida de tu clase? Si es que no, cosa que dudo, dime quién lo era y por qué. ¿Sentías un poco de envidia? (vamos, ¿que la hubieses empujado por las escaleras?). Cuando ves las fotos de cómo ibas vestida en aquella época, si es que no las has quemado, ¿qué sientes?

Como te he dicho, en mi cole sólo podías destacar por bien vestida en

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la medida de la falda o la elección de abrigo y calzado. Todas íbamos con nuestra faldita de cuadros escoceses (nunca he podido volver a ponerme una sin sentirme colegiala). Los fines de semana intentaba compensar y cambiarme de modelo dos o tres veces al día, dependiendo del plan.

No sé si era la mejor vestida, pero yo lo intentaba al menos... Había en mi pueblo dos o tres chicas que destacaban por su style. Y sí, daban como rabia y les cogíamos manía.

Pobres, su único pecado era ser monas e ir bien vestidas... Cuando veo las fotos de aquella época me dan ganas de echar a correr, porque a una le daba por experimentar con la ropa y sobre todo con el maquillaje y el peinado y el resultado era fatal.

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Tengo una foto con el pelo frito, los labios de blanco y un lazo de tul al estilo Madonna en Like a Virgin para el olvido...

Si cada década ha tenido una tendencia característica, ¿por qué tendencia se recordará la de los primeros 2000? ¿Eras de las que pensaban que en el año 2000 iríamos vestidos de papel de aluminio con antenas en la cabeza? ¿Te deprime que no sea así?

De hecho lo que me decepciona es que no volvamos a vestir como en la década de los 50 y primeros 60, con vestidos acampanados, esos abriguitos primaverales, las faldas lápiz, el taconazo para toda ocasión, esos

ENTREVISTA peinados, el rouge de labios... Los años 2000, seguro que se recordarán como aquella época en la que los hombres enseñaban el slip y las mujeres el tanga, algo imperdonable, pero así estamos...

Ya sé que es difícil, pero dime algunos diseñadores que te gusten… y por qué.

El fallecido Alexander McQueen, el amigo Karl –Lagerfeld–, Vivienne Westwood, Yves Saint-Laurent, Valentino, Nina Ricci, Carolina Herrera... buf, ¡es que hay un montón!

Cada uno me gusta por una cosa diferente: McQueen por lo rompedor y transgresor, Karl por su sencillez de formas, Vivienne por lo macarra, Yves Saint-Laurent por su trayectoria...

Y ahora, ¿de españoles? No hace falta que sean célebres, si recientemente has conocido un joven diseñador prometedor también sirve –pero no sirve tu vecina Mari Pili que cose con la Singer y se hace unos estilismos que no veas…

Huy, ¿por qué no sirve mi vecina?... ¡Mi peluquera Adriana hace unos tocados de la death! Vale, venga: en España me gustan mucho Miriam Ocáriz, Amaya Arzuaga, Teresa Helbig, Josep Font, Miguel Palacio, por supuesto Balenciaga, y a John Galliano nunca sé ponerlo como nacional o extranjero, pero me rechifla. Y acabo de descubrir a Jandro Villa y me encanta lo que hace. Podría seguir, pero la lista es interminable. De todas formas la mejor

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ENTREVISTA diseñadora de modas del mundo es mi madre, que con una cazadora de cuero trasnochada te hacía un chaleco, una diadema y una pulsera ultrafashion. ¿Ha cambiado tu vida desde que publicaste el libro de Lolita? ¿Tienes más fans? ¿Más amigas envidriosas –que tienen envidia y te clavarían un vidrio roto en la cara?

No me ha cambiado la vida, sí soy muy feliz de por fin ver algo de Lolita hecho realidad. Los fans van aumentado a un ritmo discreto pero constante –venga, lectores, poneos en el facebook de fanes ¡pero ya!– y el libro gusta y se vende bien. Así que, yo, contentísima. ¿Amigas envidiosas?

Mis amigas no son envidiosas, son diosas, sin el «envi». Me han apoyado y me apoyan muchísimo... Si hay alguna envidiosa no debe de ser muy amiga, ¿no?

Lolita tiene 8 años: pienso que ya es un poco mayorcita para estos menesteres, cuando otras como Suri Cruise ya son unas auténticas «createndencias» desde los 4 años. ¿Qué opinas de los niños con tendencias?

–no amanerados, claro...

Creo firmemente que Suri Cruise va a tener grandes problemas de columna como no se baje de los tacones ya.

Además, la «createndencias» en este caso sería Katie Holmes, no la niña, que no creo que tenga mucho criterio.

En cualquier caso, Lolita es una «createndencias» mucho más divertida y menos asustante, porque es de

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ENTREVISTA mentira. A los niños «createndencias» de carne y hueso –tipo Tavi o Suri– creo que les va a pasar como a los niños prodigio de décadas pasadas: más de uno acabará rollo juguete roto.

Todas las que caen en mis manos, pero en especial Elle, Vogue y, en otro estilo, Cuore. También leo revistas de diseño –gráfico, se entiende– y los periódicos, sección cultura, always.

Nombra, según tu personalísima opinión, 10 personas que sean «cool», «chic», «in»...

«In»: Olivia Palermo, Kate Moss, Catherine Deneuve, Sienna Miller, Sophia Loren, Audrey Hepburn, Miuccia Prada, Dita Von Teese, Charlotte Gainsbourg, Marion Cotillard... ¿no puedo poner más?

¿Te gusta entrar en las tiendas «megamarcas» como Chanel, Gucci… aunque no compres nada, sólo para ver y tocar? ¿Te gusta que te sigan los dependientes y te pregunten cada cinco minutos si te pueden ayudar?

Cuando era pequeña me gustaba ir con mi tía de boutiques carísimas.

Nunca comprábamos nada, pero nos lo probábamos todo, diciendo que era para una boda. Ahora me da corte entrar en según qué tiendas y ni soñando molesto a la gente para luego no comprar, pero sí me gusta pasearme y ver el género, mirar las etiquetas como si pudiera comprármelo y todo... Por otro lado, así como yo no molesto a los dependientes, no me gusta que me persigan ni me hagan la pelota. Y mucho menos aquella frase tan de dependienta: «Este vestido es

Y al revés: 10 personas totalmente «out», cuyo estilo da pena .

Belén Esteban, Ana Obregón, Amy Winehouse, Britney Spears, Paris Hilton, Victoria Beckham, Misha Barton, Paz Vega, Raquel Mosquera, Yola Berrocal, Jennifer Lopez, Mariah Carey, Beyoncé... podría seguir pero me has dicho 10. Lo siento, no puedo quitar a ninguna. ¿Qué revistas te lees para estar al dia?

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ENTREVISTA divino, yo me lo he quedado igual y me lo pongo un montón». Me gusta ir libre por los pasillos y coger prendas para el probador sin tener unos ojos clavados en la nuca... ¿Qué cómics leías cuando eras pequeña? ¿Qué personajes te gustaban más? Y ahora, a tu edad, ¿sigues comprando cómics?

Leía Esther y su mundo, el Lily, Mortadelo y Filemón, Astérix... lo que había en la época. Me gustaba mucho Esther, me sentía identificada con el personaje. Ahora sigo comprando cómics, aunque no muy a menudo, y me gustan otro tipo de historias.

Esta revista habla de muñecas, como bien se ve en la portada:

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¿con cuáles jugabas de pequeña? ¿Las has conservado? Y ahora, ¿coleccionas de algún tipo?

Jugaba con Nancy, Barbie y Nenuco, básicamente. Pero una vez pedí a los Reyes una muñeca que se llamaba Rosaura y andaba y era de tamaño natural. Como era tan alta como yo, me resultaba difícil manejarla y la dejé apartada en un rincón, pobre, con la tabarra que di para conseguirla...

Las Nancys, murieron mutiladas y trasquiladas; mi madre acabó por tirar la última, que ya le faltaba una pierna.

Qué pena, ahora me encantaría tenerla y lavarla y ponerle un vestidito y colocarla en una estantería...

Conservamos en la familia algunas Barbies de mi hermana pequeña. Hace poco estuvimos peinándolas toda una

ENTREVISTA tarde. Fue una actividad de lo más relajante. No pienso tirarlas ni muerta.

Es lo único que nos queda de aquella infancia. Bueno, y la casa de Pin y Pon, qué chula que es. La antigua, claro: he intentado volvérmela a comprar para tenerla nueva y resulta que han cambiado hasta los muñecos, no me gustan nada.Tendré que visitar al Sr. eBay. Como ves, soy una pésima coleccionista de cualquier cosa...

Como seguramente sabrás, hay muñecas super «fashion» que incluso imponen su moda.

No hablo de Barbie, que viste viejuna, sino de las Fashion Royalty, las Pullips, las Misaki y muchas otras: ¿las conoces?

Las conozco, pero de oídas: no me he metido en ese mundo, porque me conozco y tengo peligro de arruinarme. ¿Cuáles son tus planes de futuro?

Necesitamos más consejos de Lolita... Mientras, supongo que nos tenemos que conformar con el blog chupiguay...

Mis planes de futuro serían hacer otro libro de tiras, me encantaría poder publicar para una revista de moda con el personaje, hacer merchandising variado y abrirme al mercado internacional con Lolita. Pero, claro, esos son mis planes, que lo mismo no coinciden con los de las editoriales, las publicaciones de moda y el mercado «merchandístico». En ello estoy.

Y ya está todo por hoy. Besito.

Texto y foto: Guillem M edina

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La abeja MAYA

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a s a v e n t u r as de la abeja Maya es una serie animada de televisión japonesa producida por Nippon Animation Company en 1975, que recrea las aventuras de una abeja basándose libremente en el libro del escritor alemán Waldemar Bonsels, publicado en 1912.

La serie, realizada en colaboración con la compañía alemana Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF) y la austriaca Österreichischer Rundfunk (ORF), cuenta con 55 episodios y fue emitida por primera vez en Japón entre abril de 1975 y abril de 1976 por la cadena TV Asahi. En 1979 se realizó una segunda tanda de otros 52 episodios bajo el título de Las nuevas aventuras de la abeja Maya, emitida en Japón entre octubre de 1982 y septiembre de 1983. La sintonía de la serie fue compuesta por el checo Karel Svoboda, aunque en nuestro país pudimos disfrutar de una versión cantada en castellano.

En España la serie fue doblada en los estudios Magna de Madrid y la estrenó en 1978 Radiotelevisión Española. Posteriormente ha sido repuesta por Antena 3 en 1995; la

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FORTA la emitió desde 2003, en TV3, Canal Sur 2, IB3 y otras cadenas autonómicas. En 2008 y hasta la actualidad, la serie ha vuelto a su canal original, RTVE, donde se emite en La 2 y en el canal de TDT Clan TV todos los días de 8 a 9 de la mañana.

Cabe destacar que Planeta Junior ha sacado en DVD las dos temporadas, ya que es la empresa propietaria de los derechos de autor en España, motivo por el cual ha llegado a un acuerdo para que sea la mascota del parque temático de Benidorm Terra Mítica.

Lo cierto es que, con sus travesuras, Maya cada semana nos explicaba algún dato didáctico del mundo de los insectos: la fuerza de las hormigas, la transformación de una oruga en mariposa, la diligencia del escarabajo pelotero siempre haciendo bolas de estiércol, los peligros del fuego en el bosque, como se vive en el bosque un día de lluvia... Y cada tarde del sábado nos sentábamos delante de la tele y reíamos con sus aventuras. En su momento, de la serie se realizaron muñecos, camisetas y cassettes con sus diversas sintonías. ¿Recordáis la célebre: «En un país multicolor, nació una abeja bajo el sol...»?

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Personajes principales La abeja Maya Eternamente atolondrada, es única para meterse en problemas: menos mal que siempre está cerca el saltamontes Flipp que la sacará de más de un embrollo.

Con su pelo rubio rizado pre-Bisbal, Maya impuso una verdadera moda de peinado entre las adolescentes de la década de los años 70 del pasado siglo.

Willy Con esa vocecilla ronca y cara de no haber dormido en una semana, Willy era la conciencia de Maya, pero por mucho que lo intentara ésta siempre conseguía escaparse de la colmena y campar a sus anchas. Como es vago y lento de reflejos, siempre se meterá en mil y un líos.

El saltamontes Flipp Si Pinocho tenía a Pepito Grillo, Maya tiene a Flipp, un bicho saltarín, vestido con chistera y narrador de las aventuras.

No se por qué, pero incluso me recuerda a Maurice Chevalier; y es que a Flipp, aunque no es francés –al menos que sepamos–, le gusta cantar su canción: «Yo soy Flipp, el gran Flipp...»

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CULT TV La señorita Cassandra La pobre no gana para disgustos, y es que con las travesuras de Maya no sé cómo no acabó rellena de ansiolíticos.

Con su moño alto y su eterno mal genio, era una especie de Rottenmeier en miniatura. En el fondo aprecia a Maya, aunque la haga gritar a todas horas.

La mosca Puck Puck no ayudó a mejorar la mala imagen que tienen las moscas entre nosotros: eternamente adicta a chupar las porquerías, enseñará a Maya a desconfiar de los humanos, pasando más de un susto juntos. Luce siempre gafas de José Feliciano y unos guantes de Micky Mouse.

La araña Tecla El mayor enemigo de los insectos son las arañas, aunque Tecla, con su pañuelo al estilo Doña Rogelia y su violín, atrae a pocas víctimas. Que se sepa, nunca consiguió comerse a ningún inocente y la pobre acabará sus días a base de papillas de polen.

Las hormigas Vestidas como eficientes soldados, las hormigas parecen Conguitos con dientes de vampirillo. Hay cientos y no se distingue entre ellas, ni falta que hace. Siguen las órdenes del general, que es el único que tiene algo de seso.

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