Toyland 17 - Octubre

TOYLAND Magazine

Nยบ 17 OCTUBRE 2010

NANCY TRABAJA

PATSY

Baby Mocosete

A z a fat a s JACKIE KENNEDY

MADAME CHOCOLAT

Rapunzel

Mazinger Z

Entrevista a Artist Creations

FLORITA

ÍNDICE Excusas El otro día una amiga me comentaba que se había comprado el gift set de Nancy Azafata a un precio carísimo –no pondré la cantidad porque me parece casi indecente–, pero debido a los remordimientos que sentía y al sentimiento de culpabilidad me dijo que, como había sido recientemente su santo, se lo había autorregalado y se había quedado tan feliz. Bueno, también se había comprado algún que otro capricho, pero con la excusa que era su santo... o su cumpleaños, o porque es Navidad, o los Reyes Magos, o porque estabas deprimido una semana y lo has superado... Cualquier excusa es buena para darse un capricho, y si encima es muy caro e irracional, más todavía. Ha llegado un momento en el que buscamos excusas que justifiquen nuestros gastos, a veces irracionales, a veces fuera de nuestros presupuestos. Esta pasada semana compré cuatro Barbies de golpe con la excusa de que las cuatro juntas eran muy baratas. ¿Las necesitaba las cuatro? Quizá no, pero un aparente precio tentador puede hacernos caer cuando ya hemos sobrepasado el límite que nos ponemos de gasto cada mes. Quizás en tiempos de crisis algunos se estrechan el cinturón y compran lo indispensable, quizás otros hacen oídos sordos y siguen adquiriendo al mismo ritmo. Es que es tan difícil desengancharse... ¿Habrá clínicas especializadas en el tratamiento de los compradores compulsivos de muñecas?

Si no, creo que estoy dando una buena idea a todo aquel que quiera poner un negocio. Si algún absurdo cree en las terapias para curar la homosexualidad, ¿por qué no instaurar otras terapias igual de absurdas?

6 News 8 Dolls Patsy 14 Storyland Rapunzel 26 Star Jackie Kennedy 40 Made in Spain Baby Mocosete Dolls 46 Las profesiones de Nancy 56 Azafatas 66 Entrevista Madame Chocolat 76 Itzy World Cuatro Mileuros 80 Cómic Florita 86 Pullip Lunatic Alice 90 Cult TV Mazinger Z

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ÍNDICE 100 Entrevista Artist Creations 116 Dolls Concurso Paola Reina 120 Entrevista Kiko Alcázar 128 Cult Music Enrique y Ana

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón Colaboradores: Sebas Martín, Enric Fontvila, Angel, Robert Ramos, Itzi Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Mattel, Paola Reina, Famosa, Berjusa, Integrity Toys, Tonner Doll Company, Disney, Pullip, Glénat, Norma Editorial, Planeta Junior, Todocolección

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NEWS

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Primera convención de muñecas en Italia

Ya está a la venta el tercer volumen de «Papel y plástico»

La Italian Doll Convention tendrá lugar los días 28 y 29 de mayo de 2011 y la ciudad escogida es Milán, la cuna de la moda. Entre las secciones habrá un concurso en el que puede participar todo el mundo; el tema: United Dolls of Italy. Habrá además una cena de gala y la muñeca especial de la Convención, y el domingo será el día de las compras. Las últimas convenciones en París fueron muy aburridas: ¡ya era hora de cambiar de país!

Para los que no conozcáis estos libros de Óscar Lombana, deciros que son un genial paseo por el recuerdo, no sólo con imágenes de los juguetes que todos tuvimos; también los álbumes de cromos, los pastelitos que nos comíamos para merendar, las series de TV que veíamos los sábados por la tarde, los cantantes que más nos gustaban y un montón de sorpresas más. El éxito de los dos volúmenes anteriores hacían necesario este libro.

Esperamos que salgan más libros de juguetes de la editorial Astiberri.

NEWS

«Doll Reader» sacará la revista «Haute Doll» El pasado mes de septiembre salía el último número de la revista Haute Doll: las editoras se han jubilado y han vendido la revista a otra publicación, Doll Reader, que ahora editará un especial dedicado a las fashion dolls, al menos hasta final de año y para satisfacer a los suscriptores que se han quedado sin Haute Doll. Tenemos ganas de ver cómo quedará definitivamente el experimento, pero lamentamos que otra revista que habla de nuestro tema favorito cierre.

Vuelve Papá Noel al Musée de la Poupée de París Del 9 de octubre de 2010 al 9 de enero de 2011 se podrá ver en este museo parisino una exposición con figuras procedentes del taller Two Sisters Studios de Canadá. Las figuras están moldeadas a partir de unos originales alemanes creados en los años 1870 -1920.

No sólo se puede ver la figura de Santa Claus, sino también sus ayudantes, niños que esperan impacientes los regalos... Será una buena forma de ir pensando en la Navidad que, sin darnos cuenta, ya la tenemos a la vuelta de la esquina.

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Patsy

DOLLS

Effanbee es una de las más antiguas empresas de los Estados Unidos.

Creada en 1910 por Bernard E. Fleischaker y Hugo Baum, aun hoy produce muñecas de gran calidad; entre las cuales, las más queridas y valoradas son las de composición y, por supuesto, la más popular de todas es Patsy.

P

atsy fue diseñada por Bernard Lipfert y promocionada en 1928, aunque en 1927 la publicidad de la compañía la anunciaba ya con el nombre de Mimi.

Patsy estaba hecha de composición –pasta de madera encolada–, con una junta en el cuello que le permitía posar y sujetarse sola. Representaba ser una niña de tres años, de pelo corto rojizo moldeado y pintado, ojos de mirada lateral y el brazo derecho doblado; llevaba un sencillo vestidito sujeto con un imperdible y una pulsera en forma de corazón. Fue una de las primeras muñecas en tener un guardarropa creado sólo para ella, aunque otros fabricantes vendían no sólo accesorios sino también ropa para la muñeca.

Patsy era tan popular que pronto tuvo varias hermanas, que iban desde las 5 ¾ pulgadas –14,5 cm– hasta las 29 pulgadas –74 cm–, muchas variaciones en la fabricación e incluso un novio, Skippy.

Skippy Effanbee hizo la promoción de Patsy a través de un periódico para niñas, The Patsytown News, y como complemento se creó un club de Patsy

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que regalaba pins de membresía a los niños que escribían o que compraban una muñeca. Effanbee ligó su línea de muñecas a eventos populares y, así, vistió a sus muñecas como Martha y George Washington en el bicentenario del nacimiento del presidente de los Estados Unidos.

Durante los años de guerra también se confeccionaron uniformes militares para Skippy y vistieron a muñecas con trajes étnicos como el holandés, o de personajes de cuentos como Alicia en el país de las maravillas.

La muerte de Hugo Baum en 1940, y la pérdida de ingresos durante la etapa bélica, llevaron a Effanbee al declive.

En 1946, Effanbee fue vendida a Noma Electric, que relanzó una nueva Patsy y, más adelante, una nueva Patsy Joan de 17 pulgadas –43 cm–. Desde entonces la empresa cambió varias veces de manos y durante un tiempo tuvo a Stanley Wahlberg como presidente y a Irene Wahlberg como diseñadora. Durante los años 70 se hicieron ediciones limitadas de Patsy

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DOLLS Ann y Skippy, y en los 80 Patsy reapareció en vinilo. Effanbee relanzó a Patsy Joan en 1995, y continuó con nuevo grupo de muñecas Patsy, Skippy y Wee Patsy en vinilo, pintadas de modo que se parecieran a las antiguas de composición.

En 2002, la compañía de Robert Tonner rescató a Effanbee de la bancarrota. Tonner, talentoso diseñador, ya se había hecho un nombre por sí mismo con las creaciones de Betsy McCall y muñecas maniquí como Tyler, Esme y Sydney. En 2003, y aprovechando el 75 aniversario de Patsy, Tonner creó su primera colección con una muñeca básica y cuatro vestidas, además de un par de vestidos sueltos. La Patsy de Tonner medía 13 pulgadas –33 cm– y la línea para ese año estaba limitada a 1.000

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ejemplares. En la colección de mediados de año se realizó un nuevo molde que recreaba las proporciones exactas que la hicieran famosa en 1928, dotado de una mirada nueva, algo más dulce.

Además de la Patsy de 13 pulgadas se crearon otras de 14 pulgadas –35 cm–, con pelo implantado, el mismo estilo de peinado y en tres tonos. En 2004 todas las muñecas fueron de 14 pulgadas y la básica se podía encontrar con el pelo moldeado o bien implantado, pero el resto de muñecas de la línea son todas de pelo implantado, algunas con estilos diferentes al de la original Patsy. Todas las muñecas y los vestidos sueltos estaban limitados a 1.000 ejemplares.

Desde 2006 hasta la fecha no ha habido más Patsys, pero este año, en la conmemoración del centenario de Effanbee, se ha creado una muñeca especial llamada Centennial Rose

DOLLS Patsy que ha merecido el premio de la industria a la mejor muñeca en los premios DOTY –Doll of the Year– de 2010. Esperemos que esta no sea la última Patsy que veamos.

La familia de Patsy Patsyette, Patsyette la hermana pequeña de Patsy de 9 pulgadas –23 cm–, se lanzó en 1931 como respuesta a la demanda de un público ansioso de novedades.

Fue un éxito inmediato y ha estado casi en producción continua durante los últimos 60 años. La primera colección diseñada por Robert Tonner está esculpida como la muñeca vintage y está disponible en dos versiones: con pelo moldeado pintado en el color cobrizo tradicional, o bien con el pelo implantado, en rubio, castaño o en tonalidades rojizas. En 2003, año de

su reedición, se hizo una muñeca básica y siete vestidas, cuyos vestidos podían también adquirirse por separado.

Igual que su famosa hermana, en 2004 la muñeca se podía comprar con pelo moldeado o implantado, y en 2005 pasó a fabricarse como muñeca de 10 pulgadas –25 cm– y ojos durmientes.

También desapareció del panorama muñequil durante tres años para reaparecer en el centenario de Effanbee con el nombre de Centennial Rose Patsyette, Patsyette vestida exactamente igual que su famosa hermana.

Patsy Babyette fue esculpido por Bernard Lipfert para su lanzamiento en 1933. Fue creado como un bebé con la medida justa para que las niñas lo pudieran coger con facilidad.

El Babyette de Tonner, que mide 9 pulgadas, está recreado a partir

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DOLLS de la escultura vintage, con ojos durmientes, un nuevo acabado de plástico mate y pelo moldeado y pintado.

El muñeco debutó en 2003 y hasta la fecha no se ha vuelto a saber de él.

La hermana más pequeña de Patsy hizo su debut en 1935 con el nombre de Fairy Princess, Princess aunque su marca de molde fue y sigue siendo Wee Patsy.

La primera versión de Tonner de 2003 mide 5 pulgadas –12 cm–, es de vinilo y mantiene las marcas del molde original, pelo moldeado y calcetines y zapatos Merceditas moldeados y pintados.

En 2006 Tonner le dio un nuevo aire a la pequeña Patsy y la hizo articulada, de ojos pintados, pelo implantado y zapatos y calcetines de quita y pon.

Ese mismo año la vistió a la manera de algunos personajes de cuentos, como Caperucita, Alicia o Cenicienta. Ese fue el último año que vimos a Wee Patsy.

Patsy Ann fue esculpida por Bernard Lipfert para venderse en 1929. Hecha de composición, tenía el pelo moldeado y pintado, o bien su pelo moldeado se dejaba sin pintar y se cubría con una peluca de pelo humano o de mohair.

Sus ojos durmientes eran de estaño o de cristal, y se ofrecían en tonos marrón, verde o azul. Los cincuenta marcaron un cambio en la fabricación de la muñeca, ya que la composición se remplazó por vinilo y plástico duro.

Patsy Ann fue reintroducida como una muñeca de vinilo con pelo implantado en 1959, y fue vestida con el traje oficial de Girl Scout. La Patsy Ann de Tonner debutó en 2003, mide 18 pulgadas

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DOLLS –45 cm–, está hecha de vinilo acabado en mate, tiene ojos durmientes y el pelo moldeado y pintado, con reminiscencias de la muñeca de composición de 1929, realzada con detalles pintados a mano.

Texto: Núria Simón

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Rapunzel

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Rapunzel es un relato de los hermanos Grimm que narra una bonita historia de amor donde el bien vence al mal. Si alguna vez os habéis preguntado de donde viene el nombre de Rapunzel, seguid leyendo y lo averiguaréis...

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rase una vez un matrimonio que vivía en una modesta casita desde donde se podía ver un maravilloso jardín amurallado, con todo tipo de flores, plantas y árboles frutales, perteneciente a una bruja llamada Gothel. La pareja hacía tiempo que ansiaba tener un hijo, así que el embarazo de la mujer fue motivo de gran alegría, pero debido al mismo la esposa empezó a tener antojos y se encaprichó de las manzanas del jardín «prohibido». Era tal su deseo que, como no podía conseguirlas, empezó a enfermar y le rogó a su marido que fuera en busca de ellas, así que el pobre hombre, asustado por el estado de la mujer, se arriesgó y una noche entró en el jardín para robar las manzanas. Tanto le gustaron a su esposa que siguió pidiendo otras más, pero el riesgo era demasiado elevado; aun así, el marido volvió a arriesgarse y entro de nuevo en el jardín, esta vez con tan mala suerte que se dio de

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narices con la malvada bruja. Ella lo reprendió y le dijo que se podía llevar las manzanas a cambio de que le diera a su hijo cuando naciera: el hombre estaba tan asustado que accedió de inmediato y se fue con las manzanas.

Cuando llegó el momento, nació una preciosa niña a quien pusieron de nombre Rapunzel, y la bruja, cumpliendo su amenaza, apareció de improviso y se la llevó consigo. La niña creció y se convirtió en una joven muy hermosa de largos cabellos dorados, pero cuando cumplió los doce años la bruja la encerró en lo alto de una torre, de la cual no podía escapar pues no tenía puertas. Para acceder hasta ella, la bruja trepaba por la larga trenza de Rapunzel al tiempo que gritaba: «Rapunzel, ¡lanza tu trenza de oro!»

Un día, un príncipe pasaba por allí y, oyendo el armonioso cantar de Rapunzel, se acercó a la torre y buscó

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STORYLAND una puerta para entrar, pero después de mucho buscar no encontró nada y desistió del intento. Sin embargo ya se había enamorado de la armoniosa voz y volvía cada día para ver cómo podía llegar hasta la bella joven. En una de esas visitas el príncipe vio a la bruja y se escondió en el bosque, de modo que pudo ver como la vieja Gothel accedía a ella trepando por la larga trenza; así que, cuando la bruja se fue, aprovechó y se acercó a la torre gritando: «Rapunzel, ¡lanza tu trenza de oro!»

La joven, pensando que era la bruja, le lanzó la larga melena y de esta manera el príncipe accedió hasta ella y en cuanto la vio quedó prendado y la pidió en matrimonio. La joven accedió de inmediato, pues el príncipe no sólo era joven y guapo sino que era su tabla de salvación, así que idearon un plan para escapar de la torre. Como el príncipe la visitaba de noche y la bruja de día nunca coincidían, pero he aquí que Rapunzel cometió un grave error y le dijo a la bruja: «¿Por qué me tiras del pelo para subir, mientras que el príncipe lo hace delicadamente?»

Al descubrir el engaño, la bruja le cortó el pelo y la abandonó en el bosque a su suerte. Cuando el príncipe llegó por la noche, la bruja le lanzó la trenza de Rapunzel; éste, al subir y verla allí, se quedó tan sorprendido y asustado que se cayó por la ventana sobre unos zarzales, con tan mala suerte que se quedó ciego. El pobre príncipe huyó al bosque y, triste por la pérdida de su amada, vagó por allí durante años

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STORYLAND hasta que un día oyó una melodiosa y conocida voz, que reconoció como la de Rapunzel. Cuando ella le abrazó y empezó a llorar, sus lágrimas le devolvieron la vista al príncipe. Por supuesto, el príncipe y Rapunzel se casaron y vivieron felices para siempre.

El verdadero significado de Rapunzel En realidad el nombre de Rapunzel está mal traducido, lo que lleva a deformar el relato original. En el cuento de los hermanos Grimm la mujer tiene antojo de «rapunceles», que en castellano son conocidos como rapónchigos o, más familiarmente, canónigos, una planta con flores azules en forma de campana que se suele encontrar en las montañas.

Pero en la traducción se cambiaron los rapunceles por manzanas, lo que quita sentido al nombre de la niña, que viene del antojo que tiene su madre durante el embarazo.

«Tangled», o la Rapunzel de Disney Hasta la fecha la factoría Disney no había realizado ninguna película dedicada a la heroína de los cabellos de oro, pero la larga espera ya ha terminado, pues en estos momentos se encuentran en plena campaña publicitaria de la película, que se estrenará en los cines estadounidenses a finales de noviembre, y a principios de diciembre en España. La película se titulará curiosamente Tangled en vez de Rapunzel, y la explicación que ha

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dado Disney para este cambio es que, al parecer, las películas que llevan nombre de chica no tienen tanto éxito entre los niños, aunque sí entre las niñas, según un estudio de mercado realizado por la compañía. Tangled significa ‘enredada’ (por el pelo, claro).

La historia, como era de esperar, tiene un estilo más moderno, como lo que viene haciendo últimamente Disney con todos sus films, con mucha aventura cargada de humor y un poco de romanticismo, sin el tono almibarado de las antiguas películas de la casa con chicas como protagonistas, como Blancanieves, La Cenicienta o La Bella Durmiente. Por el tráiler que se puede ver en internet nos podemos hacer una idea de cómo será la nueva producción, muy del estilo de las últimas historias Disney. La cinta está dirigida por Byron Howard y Nathan Greno y narra la historia de Rapunzel con un toque diferente y dibujos de excelente factura, pero con la historia algo cambiada ya que aquí el príncipe no es tal sino un ladrón que va a refugiarse en lo alto de la torre donde está encerrada Rapunzel, así que todo esto le quitará un montón de romanticismo a la película.

Probablemente será del agrado de los niños, acostumbrados como están a este tipo de historias, pero para los que nos quedamos en la época de La Bella Durmiente no creo que tenga demasiado interés. Aparte de la de Disney se han hecho otras películas de dibujos animados, como la de 2002 creada por Mattel Entertainment y protagonizada por Barbie.

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STORYLAND Muñecas Rapunzel Como este es un tema que da para mucho, son varias las casas de muñecas que han recreado el personaje, y entre ellas no podía faltar Madame Alexander, que es seguramente quien más variaciones del personaje ha realizado. Desde las muñecas más pequeñas de 12 cm hasta las de 35 cm, todas tienen su encanto.

Mattel, con Barbie de protagonista, también ha sido muy prolífica con este tema: desde muñecas de jugar hasta las de colección, el personaje de Rapunzel ha estado siempre presente.

Otros artistas que han creado muñecas Rapunzel con mayor o menor éxito son Robert Tonner y su encantadora Betsy McCall, Ashton Drake, Effanbee, Vogue con Ginny como protagonista, Mary Osmond, Precious Moments, The Music Box, American Girl y, claro, la factoría Disney para promocionar la película de próxima aparición. Existen otras muchas muñecas de artistas no tan conocidos, pero no por eso menos bonitas.

Texto: Núria Simón

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Mattel Collection

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Madame Alexander Collection

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Otras mu単ecas...

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Jackie Kennedy

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acqueline Lee Bouvier Kennedy Onassis (Southampton, Nueva York, 28 de julio de 1929 – ciudad de Nueva York, 19 de mayo de 1994) fue la esposa del presidente John F. Kennedy de 1953 a 1963. Fue la Primera Dama de los Estados Unidos desde 1961 hasta el asesinato de su esposo en 1963. A partir de 1968 y hasta la muerte de él, en 1975, estuvo casada con Aristoteles Onassis y fue conocida como Jacqueline Onassis, Jackie Onassis o, más informalmente, como Jackie O. Jacqueline Lee Bouvier, llamada «Jackie», nació en una familia de la alta sociedad neoyorquina. Era la hija mayor de John Vernou Bouvier III (1891-1957), un seductor corredor de bolsa de ascendencia francesa, y de su esposa, Janet Norton Lee (1907-1989), hija de un presidente de banco. O sea, que tenían dinero para vivir la mar de bien. La hermana pequeña de Jacqueline, Caroline Lee Bouvier, nació el 3 de marzo de 1933; su nombre actual es Lee Radziwill.

Los padres de Jacqueline se divorciaron en 1940. Su madre volvió a casarse con Hugh D. Auchincloss, que había

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estado casado con anterioridad con la madre del novelista Gore Vidal.

Desde niña, Jackie Bouvier fue una buena amazona y amante de los caballos. Ganó diversos trofeos y medallas en competiciones ecuestres.

Le gustaba leer y escribir poesías y, aparentemente, adoraba a su padre.

De su madre se decía que era muy estricta y que inculcó a sus hijas la etiqueta, los modales, la vestimenta y las costumbres de la clase alta, preparándola ya para buscar un buen marido, como era habitual entre las jovencitas de buena casa. Tras ser nombrada Debutante del Año, asistió a la escuela de Miss Porter (1944-1947), al Instituto Vassar (1947-1948) y a la Universidad George Washington, en la que se graduó en Arte en 1951. En 1949, pasó algún tiempo estudiando en la Sorbona de París. Jacqueline hablaba francés y español con fluidez. Tras graduarse, empezó a trabajar como fotógrafa para el Washington Times Herald. Gracias a este empleo conoció a numerosos políticos, entre ellos al que sería su primer esposo. Si bien estaba prometida con el corredor de bolsa John Husted Jr. –tendrían que haberse casado en

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junio de 1952–, terminó esa relación por la presión de su manipuladora y avispada madre, partidaria de que se uniera a un político de futuro muy prometedor: el senador John Fitzgerald Kennedy, una de las estrellas del Partido Demócrata, con quien se casaría el 12 de septiembre de 1953 en Newport (Rhode Island).

La atracción fue mutua y pronto establecieron un romance. La suntuosa boda fue un acontecimiento muy glamuroso de la alta sociedad norteamericana.

El matrimonio tuvo cuatro hijos: Arabella, que falleció antes de nacer, (1956); Caroline Bouvier Kennedy (1957); John Fitzgerald Kennedy Jr. (1960-1999), y Patrick Bouvier Kennedy, que nació y murió en agosto de 1963. Su matrimonió pasó por dificultades ya que se acusaba a su esposo de ser un mujeriego y de tener una mala salud. Mantuvo una estrecha relación con su suegro, que vio en ella a la perfecta Primera Dama. Jacqueline mantuvo también buenas relaciones con su cuñado Robert. Sin embargo, no tenía el carácter competitivo, deportivo y, a veces, abrasivo del clan Kennedy. Era mucho más tranquila y reservada. Su estilo fue copiado por la mayoría de las mujeres de su época.

John F. Kennedy venció a Richard Nixon en las elecciones de 1960 y se convirtió en el 35º presidente de los Estados Unidos de América en 1961.

Una vez fallecido su esposo, Jackie se desvincularía rápidamente del clan.

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STAR Primera Dama de los Estados Unidos Jackie Kennedy se convirtió en la más joven de las primeras damas de la historia. De todos modos nunca le gustó el título de Primera Dama, ya que decía que parecía el nombre de un caballo. Con la llegada de su marido a la Casa Blanca, la vida privada de Jackie se convirtió en centro de atención del público. Le gustaba vestirse con trajes de diseñadores franceses, lo que algunos diseñadores americanos consideraron un símbolo de deslealtad.

Durante su período como primera dama, Jacqueline llegaría a ser un icono de la moda, tanto a escala local como internacional.

El 14 de febrero de 1962, realizó una visita guiada por la Casa Blanca para la televisión norteamericana.

El primer gran proyecto de Jacqueline fue redecorar la casa presidencial.

Consideraba que la decoración anterior estaba vacía de contenido histórico.

Como amante de la historia, Jackie pensaba que la mansión debía representar plenamente a su país.

Trabajó duro para encontrar muebles antiguos auténticos y obras de arte que encajaran con el diseño de la Casa Blanca. Encontró retratos originales de personajes como Thomas Jefferson y Benjamin Franklin.

Sabía que sus hijos estaban bajo la mirada del público pero decidió que les protegería de la prensa y que intentaría darles una infancia normal. Junto a su marido, planificó numerosos actos

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sociales que les llevaron a ser protagonistas de la vida cultural. No fueron como las anteriores parejas presidenciales; apreciaban el arte, la música y la cultura. Invitaron a artistas y músicos a cenas y fiestas; celebraron actos especiales en honor de los ganadores del Nobel; y transformaron por completo las cenas de estado que se celebraban en la Casa Blanca.

Jackie Kennedy estaba sentada al lado del Presidente cuando éste recibió el disparo que le mató el 22 de noviembre de 1963 en Dallas (Texas). La señora Kennedy testificó ante la Comisión Warren haber visto como saltaban trozos de la cabeza de su esposo, a pesar de que, según el film que registró el magnicidio, la posición de la primera dama no le permitía ver la cabeza de su esposo al menos hasta un segundo después de recibir el disparo. Presidió

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el funeral por el presidente, llevando a sus dos hijos de la mano, caminando tras el ataúd desde la Casa Blanca hasta la catedral de Saint Matthew, en la que se celebró un funeral masivo.

Jackie fue la encargada de encender la llama en la tumba de su esposo en el Cementerio de Arlington. El periódico londinense The London Evening Standard dijo de ella: «Jacqueline Kennedy ha dado al pueblo americano una cosa que siempre habían deseado: majestuosidad».

El 20 de octubre de 1968 se casó con el armador griego Aristoteles Onassis. Cuando su cuñado Robert F. Kennedy había sido asesinado meses antes, Jacqueline creyó que los Kennedy sufrían una persecución y que tanto ella como sus hijos debían abandonar los Estados Unidos.

El matrimonio con Onassis cobraba

STAR sentido: él tenía el dinero y el poder suficientes para darle el nivel de vida y la protección que buscaba; ella tenía el estatus social que él necesitaba.

Onassis finalizó un soñado romance con la diva Maria Callas para poder casarse con Jackie. La boda se celebró en la isla privada de Skorpios.

El matrimonio no fue por amor. Las relaciones con los hijos de Onassis fueron tortuosas y Jackie, al poco tiempo de casada, dio rienda suelta a una serie de gustos extravagantes que su afligido marido tenía que satisfacer a costa de grandes sumas de dinero en recursos malgastados y dedicación extra de sus empleados. La pareja pasaba poco tiempo juntos. Mientras Onassis viajaba con Caroline y John –el hijo de Onassis, Alexander, había introducido a John en el mundo de la aviación–, a Jackie se la vio rara vez en compañía de su hijastra Christina Onassis, que finalmente terminó rechazándola. Al cabo de unos años la relación se deterioró completamente y Onassis, ya hastiado, decidió que era tiempo de desembarazarse de su costosa esposa, que pasaba la mayor parte de su tiempo viajando y comprando, y empezó a tramitar su divorcio mientras intentaba reconquistar nuevamente a Maria Callas. Mientras estaban tramitando aún el divorcio, Onassis murió el 15 de marzo de 1975, dejando una gran herencia a Jackie y desencadenando un litigio con Christina Onassis.

Jacqueline pasó los últimos años de su vida junto a Maurice Tempelsman, un industrial belga, comerciante de

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STAR diamantes. En 1994 se le diagnosticó un linfoma, un tipo de cáncer que estaba en avanzado estado de desarrollo. Murió en su apartamento de la Quinta Avenida de Nueva York, el 19 de mayo de ese mismo año, a la edad de 64. En su memoria, la gran reserva de agua del Central Park fue nombrada Jacqueline Kennedy Reservoir.

Su funeral fue televisado en todos los Estados Unidos. Jacqueline está enterrada junto a su primer esposo, el presidente Kennedy. La ceremonia, aunque tenía carácter privado, contó con intervenciones de personalidades como el presidente Bill Clinton.

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BABY MOCOSETE MADE IN SPAIN

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aby Mocosete, Mocosete «un muñeco que es un solete», como decía la publicidad, fue uno de los más famosos de su época, a la altura de Nenuco de Famosa, y sin duda alguna el muñeco más emblemático de Toyse.

Nació en 1976 como un bebé de meses, de unos 33 cm de estatura, que hacía pipí y moquitos «de verdad» cuando le apretabas una pierna. Era un enorme bebé rubio de ojos azules para el que se crearon infinidad de conjuntos y accesorios. Baby Mocosete tenía trajecitos para cada ocasión, con nombres como Toallitas, Pañalitos, Baberín, Piquitos, Bautizar, Dormir; atuendos para salir a pasear, como Jesusito, Paseo, Primavera, Tejano, Playa, Invierno Rosa, Invierno Sport, Abrigo, Buzo o Nieve, entre otros más. También tenía infinidad de complementos, como patucos, botitas, calcetines, toquillas, juegos de sábanas para la cunita o el moisés, e incluso un chándal con bolsa de deporte incluida... De hecho, era el muñeco perfecto para todas las niñas que querían sentirse mamás y tener la

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responsabilidad de cuidar un bebé.

Entre sus accesorios encontramos un armario, una silla de paseo, un columpio, una canastilla de aseo –con su talco, su jabón y su colonia–, una canastilla bañera, una cuna nido, un moisés, un conjunto de cepillo y peine, un juego de comiditas con plato y cuchara, termómetro para la bañera, juguetes como llaveros y muñequitos, un orinal, un sonajero, un biberón, un juego de playa con su cubo, pala y rastrillo... desde luego, a Mocosete no le faltaba detalle. Como curiosidad cabe añadir que con los conjuntos se incluían unos recortables del muñeco en forma de babero, con modelitos de su vestuario.

De Baby Mocosete se hizo una versión en negro –bastante escaso y muy difícil de conseguir hoy en día–, un Doctor Mocosete con su fonendoscopio electrónico –un anacronismo, ya que a pesar de tener las mismas medidas que el bebé original simulaba tener una edad mucho mayor– y, más adelante, hubo incluso una Mocoseta –a imitación de Nenuca, que en lo único que variaba era en el peinado

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MADE IN SPAIN y el color de algunas prendas de ropa.

También se realizó la versión mini del muñeco, el Baby Mocosín, mucho más pequeño, tamaño Barriguitas, que podías llevar a todas partes cómodamente. Hoy en día es fácil encontrar muñecos todavía nuevos en sus cajas, lo mismo que sus trajes y accesorios.

Baby Mocosete sigue siendo, sin duda alguna, un muñeco muy buscado y querido por los que tuvieron la suerte de jugar con él de pequeños, o incluso por los que nunca lo tuvieron y ahora lo descubren.

Texto: Núria Simón

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Las profesiones de

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erá por su edad o simplemente por su poca decisión, pero Nancy nunca se caracterizó precisamente por ser muy trabajadora, por eso a la hora de plantearnos este artículo tuvimos que agradecer la gran imaginación que le han puesto nuestras lectoras al enviarnos fotografías de las «profesiones» de Nancy.

Si buscamos en el baúl de los recuerdos veremos que una de las primeras aficiones de Nancy –no sabemos si sólo como hobby o remunerada– fue la de Pintora, Pintora un vestido muy buscado hoy en día en sus dos o tres variantes, con paleta y pinceles incluidos. El vestido de Colegiala no tengo muy claro que sea una profesión –al menos, a nadie le pagan por ir al colegio–, pero sí que es durante un buen tiempo de nuestra vida una obligación a la que dedicamos mas de ocho horas al día. Ballet ha sido otra de las aficiones que Nancy practicó podríamos decir que desde el principio de su creación: con su tutú almidonado y sus deliciosas zapatillas rosas se limitó a subir los bracitos y las

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piernas; con poca flexibilidad, todo sea dicho... Si hubo en los 70 una profesión que todas las niñas querían estudiar, esa era la de Enfermera, Enfermera con su uniforme implecable, sus medias blancas, su cofia y su capa –el uniforme creo que era más propio de las enfermeras británicas, pero bueno...– y, sobre todo, Azafata.

Azafata Que se sepa, Nancy al menos se puso el uniforme de azafata en dos ocasiones, uno en tonos azul marino y otro en marrón: la chica fue modernizándose con los años...

Nancy también jugó al Tenis en los primeros años; con su minifaldita impecable y su raqueta devolvía reveses con gracia y simpatía. Y no podemos olvidarnos del completísimo conjunto de Sky [sic], lista para emular a Blanca Fernández Ochoa con el dorsal número 5, sus esquíes amarillos y sus gafas azules. Y, para acabar, el consabido y virginal vestido de Novia, Novia que algunas se lo han tomado como una profesión y repiten y repiten a la búsqueda del hombre perfecto o de la cartera repleta...

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Lugaia

Anamami

Anamami

Cathy bella

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Melicadiz

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Itzi

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Carmen20

Lugaia

Remedietes

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Rosguti

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Romera

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Xiroi

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Itzi

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Romera

Itzi

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Remedietes

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AZAFATAS DOLLS

Una de las profesiones favoritas de las niñas es la de azafata de vuelo, que, al contrario de lo que mucha gente piensa, no es un oficio nada fácil. No sólo tienes que estar perfecta físicamente sino que debes tener conocimientos de varios idiomas y de primeros auxilios, entre otras cosas. Aun así sigue siendo una de las profesiones más apasionantes y glamurosas, aunque el glamur haya ido a menos con los años. Y el mundo muñequil no podía estar ajeno a esta profesión, así que a continuación os ofrecemos una pequeña representación de algunas de ellas.

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n España, España la principal compañía aérea, Iberia, Iberia ha contado siempre con grandes diseñadores, desde Pedro Rodríguez hasta Adolfo Domínguez pasando por el gran Elio Berhanyer y el no menos grande Pertegaz, que diseñaron, para mi gusto, los mejores uniformes de la compañía. Y la única muñeca que podía lucir dichos modelitos no podía ser otra que Nancy, la muñeca maniquí española por excelencia. Así es como Nancy, en 1974, lució el primer uniforme diseñado por Elio Berhanyer que se convirtió en todo un hito, siendo uno de los más queridos por las azafatas que los llevaron. En 1979 la muñeca volvió a lucir otro modelito de Berhanyer que es hoy en día muy buscado y apreciado por los coleccionistas. Por desgracia dejaron de hacerse uniformes para ella, aunque últimamente nos ha llegado la noticia de la próxima edición de un pack especial con una Nancy de

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colección luciendo el primer modelo de Berhanyer junto con una Nancy nueva ataviada con el último uniforme de la compañía firmado por Adolfo Domínguez, con el pantalón como protagonista.

Tendremos que esperar al otoño para ver cómo le sienta el nuevo uniforme a nuestra muñeca favorita. Aparte de Nancy hay otra muñeca española, Rosita Real, vestida con el uniforme de Pertegaz del mismo nombre.

Air France ha contado siempre con grandes diseñadores como Dior, Balenciaga, Féraud o Lacroix, quienes han realizado elegantes uniformes.

La firma Norev ha creado tres muñecas que lucen algunos de estos uniformes, entre ellos el que vestían en exclusiva las azafatas del desaparecido Concorde y el diseñado por Balenciaga en 1969. Estas muñecas miden 29 centímetros y sólo se venden en la tienda del museo de Air France

Licca ANA

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Jenny Asiana

Air France Balenciaga

en París. El último uniforme de la compañía, diseñado por Christian Lacroix, también se ve representado en una muñeca de 29 centímetros.

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La línea aérea alemana Lufthansa tiene su propia muñeca en la conocida Steffi Love de Simba, que luce el último uniforme de la aerolínea hasta la fecha, aunque la muñeca es poco agraciada físicamente y el vestido no está muy bien hecho. La línea germana en 1960 también hizo una edición especial de una muñeca de 29 cm de la firma Marx con el uniforme de la época, muñeca imposible de encontrar hoy en día. Más fácil de conseguir es sin embargo la muñeca representante de la compañía holandesa KLM: KLM se trata de una muñeca de 27 cm de Edor Benelux que luce el uniforme del año 2000. Otras muñecas europeas son la de Austrian Airlines de 1990, que es otra Steffi Love, y Alitanya, en clara alusión al uniforme de Alitalia, Alitalia la compañía italiana.

El Reino Unido es un capítulo aparte, ya que es uno de los países más prolíficos en lo que a muñecas azafatas se refiere. La firma Rexard Doll Company ha editado infinidad de ellas, entre otras para las aerolíneas Caledonian Airways, Airways Monarch Airlines, Airlines Novair, Novair British Airtours, Airtours Britannia, Britannia BIA o British Airways.

Airways Estas eran muñequitas de 18 cm muy rudimentarias y de poca calidad; algunas de ellas incluso tenían las medias y los zapatos pintados. Pero la muñeca estrella en Inglaterra es Sindy y es a ella a quien le correspondía el honor de lucir las mejores galas, así

Cambiando de continente nos vamos a Japón, país muy prolífico también en muñecas azafatas. JAL (Japan Airlines) Airlines ha creado diversas muñecas a lo largo de su historia, como es el caso de una muñequita de 29 cm de 1967 llamada Scarlet que lucía el uniforme de la época. Jenny de Takara vistió en 1990 el uniforme de la compañía y ya en 1997 Mattel Japan hizo una Barbie que se vendía exclusivamente a bordo de los aviones y estaba limitada a 30.000 ejemplares. La segunda compañía japonesa en importancia es ANA (All Nippon Airways), Airways que ha sido la aerolínea más representada en cuanto a muñecas se refiere. La muñeca encargada de tal honor ha sido siempre la pequeña Licca de Takara, que con sus 22 cm de estatura no tiene nada que envidiar a muñecas de mayor tamaño. No tenemos constancia de muñecas anteriores, pero desde 1997 hasta 2005 se hicieron cuatro distintas luciendo los uniformes correspondientes a dichas fechas. Y no sólo eso: en 2002, con motivo del 50 aniversario de la compañía se creó un pack especial de ocho muñequitas Licca, vistiendo todos los uniformes de la compañía, desde 1955 hasta la actualidad. JAS, JAS

Blythe

que desde un principio vistió los uniformes de las principales líneas aéreas del país, desde la desparecida BOAC hasta las actuales líneas de bajo coste, pasando por British Airways y Virgin Atlantic.

Atlantic Últimamente se ha editado una colección de muñecas Sindy con molde vintage luciendo algunos de los uniformes más emblemáticos del Reino Unido, entre ellos los de BEA y BOAC. BOAC

Blythe

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DOLLS que era la tercera compañía en importancia del país antes de ser absorbida por JAL, realizó en 1998 una muñeca con el molde de Jenny de Takara que lucía tanto el uniforme de invierno como el de verano. En 2001 se hizo otra Jenny para conmemorar el 30 aniversario de la compañía, y ambas muñecas venían acompañadas de delantales y accesorios para el servicio a bordo.

Cathay Pacific, Pacific la línea aérea de Taiwán, hizo en 2006 una serie de muñecas de 30 cm para conmemorar el 60 aniversario de la compañía con todos los uniformes lucidos hasta la fecha, con el rojo como color predominante. Son unas muñecas muy interesantes, ya que están bastante bien realizadas, con los uniformes bien confeccionados. La aerolínea de Corea del Sur, Asiana, Asiana también tiene sus representantes muñequiles: una es Mimi de Mimi World, que luce el uniforme de los años noventa, y la

Annz

Singapore Airlines contrató a Mattel en los años noventa para hacer dos versiones de Barbie; la primera data de 1992 y viene presentada en una caja marrón y usa el logo de SIA (Singapore Airlines). La muñeca fue vendida exclusivamente a bordo de los aviones y es difícil de conseguir.

La segunda versión, del año 1994, se presenta en una caja rosa más estrecha y es más fácil de encontrar. Vestidas con el uniforme que Pierre Balmain realizó para las «Singapore Girls»,

Barbie luce el molde asiático con melena corta. En 2001 Barbie dejó de producirse para la compañía y dio paso a Kristie, the Singapore Girl, de la firma Daron, que venía empaquetada en una especie de mochila. Esta muñeca iba con varios accesorios y también se vendía un pack aparte con el vestido de la muñeca y los complementos correspondientes.

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Y volvemos a saltar de continente: esta vez nos vamos a Estados Unidos donde también hay gran cantidad de muñecas azafatas. Barbie ha lucido dos de los uniformes más destacados del país: el de American Airlines de 1961 y el de PanAm de 1966. Más adelante también vistió los coloridos uniformes de 1973 de United Airlines.

Airlines La empresa Marx realizó en 1966 un pack de una muñeca y los uniformes diseñados por Pucci para Brannif que le iban perfectamente a Barbie y que en subasta han alcanzado precios desorbitados. La desaparecida TWA ha estado representada por unos muñequitos de International Souvenirs Industries, lo mismo que otras compañías como Northwest o Delta Airlines.

Airlines La compañía juguetera Daron ha creado muñecas de casi todas las líneas aéreas estadounidenses, representadas en muñecas del tipo de Barbie, aunque no tan agraciadas físicamente.

Y ya dejando las muñecas de compañías aéreas reales tenemos las muñecas azafatas que han hecho diseñadores como Tonner, quien en 2005 realizó una estupenda Brenda Starr con un uniforme inspirado en los años cuarenta. Mel Odom también creó una Gene vestida de azafata en tres versiones distintas, todas ellas muy caras y difíciles de conseguir.

Jason Wu hizo su propia interpretación

Gene

otra es Jenny de Takara, que viste el último modelo de la compañía.

Otra muñeca azafata asiática es la representante de Malaysia Airlines.

Airlines

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de azafatas en la serie Monsieur Z con tres muñecas: First Class, Super Fly y Fly Girl. Otras muñecas como Annz, Blythe o Pullip también se han vestido de azafatas.

Texto: Núria Simón

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Barbie Singapore Airlines

Barbie PanAm

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Sindy British Airways

Jenny JAS Sindy BEA

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Gene

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Barbie American Airlines

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Barbie Delta Airlines

Barbie y Ken PanAm

Pullip

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Madame Chocolat

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adame Chocolat es una tienda que abrió sus puertas hace relativamente poco en Barcelona (Passeig de Sant Joan, 5).

Es una de las pocas que se dedica a la venta de ropa dedicada a «lolitas», «gothics» y un montón de tendencias, junto a sus diversos complementos.

Pero mejor que nos expliquen sus dos propietarias qué es lo que se puede encontrar allí...

La primera pregunta es obvia: me gustaría que os presentarais para nuestros lectores y me dijeseis de qué os encargáis cada una en la empresa.

Bueno, en realidad se trata de una pequeña empresa familiar, aunque básicamente somos dos hermanas –Madeleine y Blanca– las que nos encargamos de hacer los pedidos, de atender en la tienda, etc. ¿Cómo surgió el nombre de Madame Chocolat?

Pues hace tiempo que habíamos pensado en crear una marca Lolita amateur y nos hacía mucha gracia ponerle Madeleine de Chocolat –sería algo así como «madalena de

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chocolate», jeje–, pero a la hora de ponerle nombre a la tienda nos pareció muy largo y lo reducimos a Madame Chocolat, que nos pareció un nombre muy lolita y muy dulce...

Me gustaría saber cómo se os ocurrió embarcaros en esta aventura empresarial... ¿Es la primera tienda de estas características que se abre en España? ¿Había algún precedente? ¡Jejeje! ¡Pues la verdad es que la idea se le ocurrió a nuestro padre! Un día va y nos dice: «¿Y si montamos una tienda Lolita...?» Veníamos pensando desde hacía tiempo en montar algún tipo de negocio, y cuando se nos planteó esta idea nos pareció muy interesante, ya que había bastante demanda y ninguna tienda especializada en moda de este tipo.

Antes de abrir la tienda, ¿dónde comprabais la ropa?

Internet, todo por internet... Subastas, tiendas online... E incluso en tiendas «normales» para luego customizarlo. ¿Cuántas tendencias de moda diferentes podemos encontrar

ENTREVISTA

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ENTREVISTA

en la tienda (Lolita, Gothic, Visual, Steampunk...)? ¿Podéis explicarme en qué se caracterizan cada una?

En la tienda se puede encontrar básicamente: Lolita: Estilo japonés que recupera la esencia de las niñas de la antigüedad.

Con faldas hasta las rodillas y calcetines altos, zapatos redondos y cofias en la cabeza. Su temática va de los dulces, los lazos y todo aquello que se pueda considerar «mono».

Gothic: Movimiento nacido en Inglaterra durante los 80 que se caracteriza por el color negro, las hebillas, las cruces, los corsés y un look, por lo general, siniestro.

Visual: Versión japonesa glamurosa del punk inglés. Suele combinar color negro con escocés, cadenas y estampados que simulen manchas en la ropa. Su característica en general son los cabellos cardados y teñidos a partes de distintos colores.

Steampunk: Este estilo, nacido básicamente en Estados Unidos, surgió más bien como un género de ciencia ficción –en novelas, películas...

Se autodenomina como un estilo retrofuturista, es decir que, mediante una línea de estilos y colores muy a lo Inglaterra victoriana, crea looks futuristas.

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Harajuku style/decora: Estilo japonés que consiste en recargarse de accesorios monos: anillos, pinzas y clips en el cabello, collares, medias, etc. A veces incluso sin combinar demasiado los colores. ¿Qué tendencia fue la primera en aparecer en Japón? ¿Siguen vigentes todas actualmente o hay alguna que destaque especialmente?

Casi todos los estilos japoneses son de la misma época. En general todos ellos nacieron a fines de los 70 y han ido evolucionando con el tiempo.

Me gusta la relación que existe entre vuestra moda y el cómic, pero ¿qué tebeos leíais vosotras de pequeñas?

Bueno, creo que, como gran parte de las personas a las que les gusta el producto japonés –tanto hablando de manga, como de moda o gastronomía incluso–, nos interesamos por ese país al conocer mangas como Dragon Ball, Sakura, Sailor Moon, etc.

De hecho, en nuestro país hemos conocido Japón gracias al manga; sin embargo, lo único que tiene que ver este tipo de vestimenta con el manga es el país del que procede, y en España el público que lee manga y el que viste de esta forma suele ser el mismo, aunque no es siempre así.

ENTREVISTA ¿Con qué muñecas os gustaba jugar? ¿Coleccionáis algún tipo de muñeca actualmente?

Madeleine colecciona muñecas de porcelana, les pone nombre e incluso habla con ellas, jeje; aunque nuestros estilos se identifican mucho con las muñecas Dollfie, Blythe y Pullip, a las que usualmente las lolitas hacen vestidos acorde con los suyos. ¿Estaréis presentes en el Salón del Manga? ¿Sirven para aumentar las ventas o para daros a conocer, estos salones?

Sí. Al ser el primer año en el que estaremos, nuestras intenciones no van mucho más allá de que la gente nos conozca...

Para los que no sean seguidores de esta moda y quieran empezar, ¿qué consejos les daríais? ¿Cualquier tipo de moda es válida para cualquier tipo de persona?

Por supuesto en moda no hay nada escrito y en estos estilos la principal filosofía que existe es «si te gusta, póntelo».

Pero los inicios siempre son complicados y lo más importante es tener las prendas básicas, que, como mínimo en una Lolita serían unos zapatos, una camisa, el petticoat –que da volumen a la falda–, los calcetines por debajo de la rodilla y luego el resto del look como se desee.

ENTREVISTA ¿Qué es más pesado que os pregunten: si vais disfrazadas o que siempre estén diciendo que no es una moda normal?

La sociedad esta muy mal acostumbrada, jeje. En moda siempre se dice que hay un 100 % de libertad para los diseñadores. Esa, como mínimo, es la mentalidad «oficial» de la sociedad. Pero para nada la real. Habrá mucha libertad en pasarela, y si preguntas a alguien por la calle, probablemente te responda que por supuesto acepta a quien viste distinto; pero, a la hora de la verdad, en la calle un calcetín de rayas ya es raro y recibe críticas y miradas incluso de la misma persona que había asegurado aceptar la vestimenta poco convencional.

Madame Chocolat para nosotras no es sólo un negocio. Es también una ilusión: que la idea de libertad estilística sea real, y que nuestra sociedad pueda parecerse un poco más a la japonesa en aspectos en los que, sinceramente, está más atrasada que el país nipón.

Personalmente me parece una moda muy divertida y original, pero pienso que no puedes ir todo el año con el mismo vestido... ¿Sale muy caro vestir así? ¿Sobre qué precios están los vestidos?

Por supuesto, los estilos de minorías son más difíciles de obtener. Se fabrican menos y se hacen a mano en pequeños talleres. Las marcas japonesas suelen tener una calidad impresionante: suelen fabricar exclusivamente para cada vestido un tipo de tela, de puntilla, botones, etc., y eso se nota en el precio final, que

ENTREVISTA ronda normalmente los 20.000-25.000 yenes (190 -230 euros). Pero claro que hay marcas de otros países que los fabrican más económicos (60-80 euros).

La calidad no es lo mismo, por supuesto.

En efecto, no es un estilo barato, y hay quien opta por ponerse a coser.

Si además me quiero comprar unos zapatos, medias, bolsito, complementos... ¿por cuánto me puede salir un look completo?

Si eres una persona hábil a la hora de combinar puedes apañártelo con poco dinero y ropa customizada de tiendas «normales». Pero, en el caso de que quieras un look de marca Lolita de renombre, superaría seguramente los 500 euros. De todos modos en la tienda tenemos marcas más económicas y un look completo estaría ente 150 y 200 euros, aunque un vestido lo puedes conseguir por 60 euros, ya que nos estamos esforzando al máximo para conseguir el precio más asequible posible. ¿Crees que es una moda sólo para los jóvenes, que cuando se hacen más mayores abandonan, o se puede mantener más tiempo?

La cuestión es que el estilo es tan reciente en nuestro país, que los jóvenes que ahora lo visten aun no se han hecho muy mayores. Quién sabe lo que pasará o cómo evolucionará el estilo. Lo que sí estamos viendo es que muchas lolitas, que ya llevan unos años en el estilo, lo adaptan de una forma más casual y elegante e incluso se pasan a vestir al estilo vintage.

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¿Cómo es la tendencia para la próxima temporada de otoño-invierno?

Pues hasta ahora, estaba muy de moda el estilo caracterizado por la marca Angelic Pretty, con colores pastel –rosa, azul, amarillo, menta, lila...– y estampados de pasteles muy recargados; también se llevaban las pelucas de esos colores a juego con los detalles del estampado.

Sin embargo ahora parece que se volverá a llevar el estilo más clásico: colores oscuros –rojo vino, marrón oscuro– y un aspecto de muñeca de porcelana viviente. Eso como mínimo en el Lolita. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro?

Crecer. Como en la mayoría de empresas, supongo, jeje. Pero en un futuro próximo –suponemos que de cara a invierno– nos gustaría empezar con la venta online. ¡Muchas gracias por el tiempo que nos habéis dedicado y muchos éxitos!

Texto y fotos: Guillem Medina

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Florita

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uvieron que pasar unos años, después de la creación de Mis Chicas (1942), para volver a encontrar una revista de cómic para niñas tal y como hoy la entendemos.

Florita, de Ediciones Cliper, llegó a los kioscos en 1949 y presentaba un aspecto inmejorable: formato vertical, portada y contraportada a todo color, aceptable calidad del papel y una selección de dibujantes impresionante, encabezados por el valenciano Vicente Roso, que se encargaría de dar vida al personaje que da nombre a la revista.

Florita era un personaje que apareció inicialmente en la publicación El Coyote (1947) y tuvo tanto éxito que los lectores pidieron que tuviese su propia publicación. La chica era una pijita de buenísima familia con un nivel adquisitivo alto, algo que la mayoría de sus lectoras no se podían permitir ni en sueños. Florita practica la equitación, dispone de doncella, asiste a conciertos y fiestas elegantes y realiza viajes turísticos al extranjero; incluso en un número vimos que tenía televisor, algo insólito en la España del momento.

Sus aventurillas siempre destilan un humor elegante, ya que Florita es una muchacha refinada, con un parecido

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más que razonable a Lois Lane, la eterna novia de Supermán. Florita, además, tenía una página en el interior en la que daba consejos de belleza o sobre qué deportes practicar y las buenas maneras, pero siempre recalcando que la belleza que importa no es la exterior sino la que repercute de las buenas acciones.

En la misma línea que Florita encontramos otros personajes como Marcela, dibujada por Jesús Blasco, una jovencita amante de los animales; Pilili, de Salvador Mestres; Maritina, Rita ya lo sabía y Elvirita, tres series dibujadas por Ripoll; Rosy, la niña terrible de las trenzas y la faldita microscópica que todo lo quiere saber, dibujada por Julio Riera; Mª Ángeles es así, una bebé que, a pesar de su corta edad y estatura, daba mucha guerra, dibujada por Sabatés; Luisa y sus despreocupados amigos, de Carme Barbarà; Jane, heroína del oeste, obra de Jordi Buxadé; Babalú, una negrita diminuta y divertidísima, de Schmidt; Berta y Bruno, pareja de hoy, de Tanet Vila; Cositas de ellas, de Raf; Desventuras de la bruja Traganiños, de Pedro García y José Cubero; Pirulina, Dolly... Todas ellas

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CÓMIC convivían de forma armónica junto a otras series de importación como Mopsy, la flapper tontuela que se pirra por la moda, dibujada por Gladys Parker; Cuquita la mecanógrafa, de Bob Gustafson; Ketty, jovencita seguidora del American way of life, de Paul Robinson; o las gemelas Dalia y Doria, obra de Dirk Brooks, entre otras muchas. En la contraportada solían estar siempre las historietas de Lalita, deliciosa creación de Pili Blasco: una niña soñadora siempre en las nubes, con algunas aventuras un tanto surrealistas, en la línea de Anita Diminuta. Con el tiempo, Lalita sería sustituida en dicha página por Rosy.

Otras secciones que acababan de configurar la revista fueron Balbuceos, con fotos suponemos que enviadas por madres recientes, con un pequeño texto cómico alusivo a cada bebé; Vidas ejemplares, con relatos casi místicos de hombres y mujeres que habían destacado por su genialidad y, algunos, por su enfervorecida religiosidad; Florita aconseja, donde se explicaba, entre más lindeces, cómo hacer una tortilla esponjosa, cómo eliminar el sudor de las manos, cómo combatir la carcoma de los muebles o cómo pedir que nos pasen los alimentos en la mesa, consejos que toda jovencita que se preciara debía saber al dedillo; Recetas de Florita, con el desarrollo, paso a paso en viñetas, de un plato sencillo; o Labores de Florita, con creaciones de mantelería, toallas, pañuelos y el ajuar que toda niña debía confeccionarse mientras no

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CÓMIC encontraba al hombre de su vida.

Con el tiempo se incluyó también un consultorio denominado A tu gusto, que firmaba Tiíta Inés, y que de igual modo que la Tía Catalina en Mis Chicas aceptaba sobrinillas de todas partes que querían mantener correspondencia o que se atrevían a plantearle esas dudas que las corroían internamente y no osaban preguntar a sus progenitores.

A partir de 1956 desaparece la historieta de la portada de Florita para ser sustituida por un dibujo a toda página de la protagonista, obra de Vicente Roso. Un año más tarde el personaje principal se entrometería también en las aventuras de Gildita, obra de Ripoll. Por aquel entonces Roso decide dejar el mundo del cómic para dedicarse únicamente a la ilustración, así que en 1958 el dibujante Pérez Fajardo recibe el encargo de continuar la serie; para aquel entonces el personaje de Florita ya se había convertido en la narradora de historias sentimentales y acabaría siendo incluso desplazada de la portada por otros personajes nuevos, como Susi, de Jorge Gin. Florita llegaría a tener 490 números ordinarios y 9 extraordinarios. A partir de 1958 se encargaría de editar la revista Hispano Americana Ediciones, dándole un cambio total, empezando por la portada, en la que al principio se pone el rostro dibujado de una joven en un estilo más realista y, posteriormente, se sustituye por la foto de una modelo.

Sería el inicio de la decadencia hasta la desaparición total.

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Lunatic Alice

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ste mes de octubre las Pullip vuelven a vestirse de los personajes del cuento Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll, y es normal: en plena fiebre de «Alicitis» las Pullip no podían perder el carro.

Y eso que ya hubo un par de intentos anteriormente: la primera Pullip fue Fantastic Alice del 2004, que vestía a la manera tradicional, o sea vestido azul celeste, delantal, medias blancas y zapatos negros a juego con la cinta del pelo, y llevaba un conejo y una baraja de naipes como complementos.

La segunda vez que vimos una Pullip convertida en Alicia fue en el año 2007, en la serie Another Alice, Alice en la que todos los miembros de la familia Pullip se convertían en personajes del cuento; eso sí, un poco bronceaditos...

La nueva serie se llama Lunatic Alice y se compone de una Pullip Lunatic Queen vestida en tonos negros de forma muy barroca, peluca malva con dos moñitos y una pequeña coronita negra. Dal, por su parte, es quien se convierte en Lunatic Alice, Alice el personaje que da nombre a la serie, de larguísima melena azul y ojo tuerto estilo pirata del

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Caribe (!!!). El vestido es clásico, con delantal y medias a rayas incluidas. En cuanto a la pequeña Byul representa a Lunatic Humpty Dumpty, Dumpty ese personaje con aspecto de huevo que no para de reirse mientras está subido a un muro, con el consiguiente peligro de caerse y romperse en mil y un pedazos; de hecho, Byul luce un cascarón de huevo como sombrero...

Quizás el personaje más interesante sea Tae Yang, que se reencarna en Lunatic White Rabbit, Rabbit con traje, chistera y reloj incluidos. De hecho, ¡toda la serie nos encanta!

En cuanto a las versiones mini, tenemos una Mini Pullip Hippopo con aspecto de dulce hipopótamo y a Mini Dal Penpen como un pingüino rosa. Recordaros que la misma empresa cada mes pone a la venta una pequeña muñeca Ai y una elegante J-Doll. La Ai de este mes es Phylica, Phylica una simpática conejita con vestido estampado en motivos vegetales, y la J-Doll Sunset Boulevard viste de fiesta ataviada cual sirena en tonos pastel; en las primeras páginas de nuestra revista encontraréis la foto...

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Mazinger M

azinger Z es un manga y anime creado por Go Nagai sobre un robot gigante que lucha contra las fuerzas malignas de su enemigo, el Doctor Infierno.

El manga Mazinger Z pertenece al género mecha por estar dedicado a un personaje mecánico («mecha» es el diminutivo de mechanical en inglés).

El manga se publicó por primera vez el 12 de septiembre de 1972 en el número 42 del semanario Shonen Jump editado por Shueisha, editándose semana tras semana hasta el número 35 del año 1973.

Tras publicarse el último número, Mazinger Z fue publicado en la revista TV Magazine de la editorial Kodansha.

Fue entonces cuando se decidió que las aventuras de Mazinger Z fueran publicadas en 3 tomos separados –tankobon– de alrededor de 300 páginas, ya que el manga completo consta de 1.021 páginas en total.

La serie de televisión Mazinger Z se estrenó en el canal Fuji TV el 3 de diciembre de 1972. Mazinger Z se reeditó en un nuevo manga que incluía muchas novedades en la historia,

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creado por el tándem de dibujantes Go Nagai y Ota, publicado en la revista Boken O de la editorial Akita Shoten.

Esta edición contó con la colaboración de 6 dibujantes es sus dos últimos números, que aportaron su personal visión del personaje, entre los que cabe mencionar a Ippongi Bang y Hiroshi Yakumo.

Historia de Mazinger Z El doctor Infierno –Dr. Hell en la versión original– y el doctor Kabuto, en plena expedición arqueológica, encuentran en la isla de Rodas restos de una gran civilización, capaz de construir robots gigantes. El doctor Infierno cree que con robots de ese tipo podrá gobernar el mundo y, movido por su ambición de poder, trata de convencer a Kabuto para que se una a él y juntos dominar el planeta. Kabuto no está de acuerdo y se convierte en enemigo de su ex colega. Entonces, el doctor Infierno mata a todos los miembros de la expedición, pero afortunadamente Kabuto logra escapar y encuentra en la falda del monte Fuji un nuevo material al que da el nombre

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CULT TV de aleación Z, con el cual construye al robot Mazinger Z, que utilizará para detener los planes del doctor Infierno.

El barón Ashler, aliado del doctor Infierno, asesina al doctor Kabuto, pero éste antes de morir consigue contar a su nieto Koji Kabuto los malvados planes de Infierno y le da a conocer a Mazinger Z. En lo sucesivo, el doctor Infierno acechará constantemente con sus creaciones a la humanidad, pero ahí estará siempre Mazinger Z para enfrentarse a sus planes, cual caballero medieval. Nuevos robots y nuevas armas salen de las fábricas ocultas y secretas del doctor Infierno, lo que supone un reto de actualización continuo para el doctor Yumi, asistente del doctor Kabuto, que atiende y supervisa la ingeniería de Mazinger Z. Yumi también construyó un mecha femenino de nombre Afrodita A, que era pilotado por su hija, Sayaka Yumi.

A lo largo de la serie, surgirá un amor ambiguo entre Koji Kabuto y Sayaka.

Desgarrado continuamente por las fechorías del doctor Infierno y por la sed de venganza que Koji Kabuto siente por dentro, así como las personalidades de ambos –Koji es orgulloso y machista, y Sayaka celosa y de carácter fuerte–, parece que ese amor nunca llegará a cuajar.

También está presente el humor que rezuman otros simpáticos personajes, compañeros y amigos de Koji y Sayaka. La evolución de los artefactos robóticos va marcando el guión a lo largo de la serie. Desde el planeador

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CULT TV –Spilder– que se acopla en la cabeza de Mazinger Z hasta las armas que llevainstaladas, pasando por el Jet Scrander, un artefacto con alas que le permite volar, o incluso la capacidad de poder sumergirse en el agua, ya que al principio no puede hacerlo. Además aparecen otros robots como el ya mencionado Afrodita A, que ayuda a Mazinger Z cuando éste se encuentra en apuros, o el robot de Boss, un destartalado artefacto que construyen los científicos del laboratorio para él y sus compañeros como respuesta cómica y emocional al heroísmo inexistente en sus vidas, comparadas con la de su amigo Koji.

Por otra parte, la evolución en los robots del doctor Infierno también es notable. En cada capítulo ve la luz un nuevo robot, con capacidades extraordinarias, pero que siempre adolece de un punto débil que aprovecha Mazinger Z. Igualmente, el guión se ve reforzado por los cabecillas de mando del doctor Infierno, el ya mencionado barón Ashler –o Ashura–, un hermafrodita mitad hombre mitad mujer a partes iguales, y, capítulos más tarde, el conde Brocken, cuyo personaje muestra como característica tener la cabeza separada del tronco y llevarla habitualmente como un casco bajo el brazo. Ambos se esfuerzan en sus cometidos y ambos padecen la ira del doctor Infierno cuando fracasan, aunque, lógicamente, como la serie tenía un montón de episodios estos ineptos eran siempre perdonados y tenían una nueva oportunidad para destruir a Mazinger Z.

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CULT TV En el penúltimo capítulo, Mazinger Z acaba finalmente con el doctor Infierno.

Lamentablemente eso no sería todo, porque un secuaz de éste que tenía cuerpo de tigre, el duque Gordon, se une al vizconde Cerdo. En el último capítulo el nuevo personaje envía dos robots muy poderosos para destruir a Mazinger... y lo logran, pero en ese momento aparece el padre de Koji –al que siempre se creyó muerto–, que envía en su ayuda su creación: Gran Mazinger, un robot más moderno y poderoso que no tiene problemas en acabar con los monstruos mecánicos.

Así termina el capítulo 92 de esta serie.

Mazinger Z fue una serie que marcó a los niños de los 70, pues cada sábado nos descubría unos dibujos animados diferentes –y más después de haber visto a Heidi, su precedente... En aquel momento Mazinger, con su sintonía cantanda en castellano –según las malas lenguas, por alguien que imitaba a Raphael–, nos hacía soñar. No tardaría en aparecer el merchandising relacionado con la serie: cómics, álbumes de cromos, muñecos del robot que lanzaban sus puños, caretas, etc.

Incluso se publicaron unos curiosos tebeos de una editorial valenciana que, aunque se llamaran Nuevas Aventuras de Mazinger Z, poco tenían que ver con el original, ni en el diseño de los robots ni en el de los personajes, pero durante un tiempo se vendieron muy bien. Mazinger Z volvió años más tarde a emitirse con los capítulos que faltaban en Tele5, en horarios totalmente intempestivos.

Sólo los muy fans lo siguieron...

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Personajes principales

Koji Kabuto Piloto de Mazinger Z, al principio no sabía ni controlarlo, pues su abuelo no alcanzó a explicarle a nadie cómo funcionaba el robot. Sin embargo, gracias a la ayuda del asistente de su abuelo, el doctor Yumi, aprenderá a manejar al robot. De carácter arisco y machista, tiene una historia de amor con Sayaka.

Sayaka Yumi Es la joven y bella hija del profesor Yumi, y el interés amoroso de Koji; coprotagoniza la serie y pilota el robot femenino Afrodita A. Sayaka es celosa y tiene unos arranques de ira que no la puede parar ni uno de los brutos mecánicos del doctor Infierno.

El doctor Yumi Es una pieza clave a la hora de dar a conocer el proyecto secreto del doctor Kabuto y ayudará a Koji en la lucha contra el mal. Asimismo él también construyó un robot gigante llamado Afrodita A que era manejado por su hija Sayaka. Su papel de mentor poco a poco irá perdiendo importancia.

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CULT TV El doctor Infierno Con su piel violeta, su peinado imposible, sus ojos maquilladísimos y sus mallas ajustadas, es el mayor enemigo de Mazinger. Quería conquistar al mundo con sus brutos mecánicos, los que uno a uno eran destruídos por el robot de Koji. Obviamente, al final la espichó.

El barón Ashler Es uno de los secuaces más perversos del doctor Infierno. Mitad hombre, mitad mujer, por lo que tenía una voz doble. Le hubiera gustado ser el líder pero no era tan poderoso como el malvado doctor. Muere hacia la mitad de la serie dejando paso a otros esbirros igual de malignos.

Shiro Kabuto Hermano menor de Koji, con su cara de personaje de cómic y su peinado divertido es el personaje graciosillo de la serie, aunque a veces se meta en problemas y su hermano, ídolo al que siempre quiere imitar, tenga que venir en su ayuda.

El conde Brocken Se trata de un oficial alemán cyborg, que tiene su cabeza separada del cuerpo y actúa como rival del barón Ashler, tratando de destruir a Mazinger por su cuenta para ganar el favor del doctor Infierno.

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Artist Creations

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lessandro y G i u s e p p e son los dos diseñadores italianos que están detrás de la marca Artist Creations, Creations una de las principales a la hora de hablar de artistas customizadores de fashion dolls. dolls La lista de famosas de Italia a las que le han hecho su propia muñeca resultaría interminable, por lo que se han convertido en unas celebridades en su propio país. Con esta detallada entrevista descubriremos algo más sobre su trabajo.

Empezasteis a diseñar muñecas en 1996 de modo profesional, pero ¿ya habíais hecho antes algo parecido?

Durante las fiestas navideñas de 1996-97 un prestigioso negocio de coleccionismo de Roma, que conocía nuestro trabajo como escenógrafos y diseñadores de vestuario, nos propuso realizar una colección de 20 muñecas One of a Kind –OOAK– para inaugurar un escaparate especial dedicado íntegramente a nosotros y nuestras creaciones. Con estas muñecas nos enfrentamos por primera vez a la tarea de producir una minicolección de vestidos de moda, aunque en este caso se trataba de «moda en miniatura». Se

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vendieron todas en un mes, con gran sorpresa y placer nuestro y de quien nos hizo el encargo. Esta fue nuestra primera experiencia con las fashion dolls, que se iría repitiendo en los meses venideros, siempre con óptimos resultados, tanto es así que gozamos de un espacio permanente dentro de la tienda durante todo el año, con «colecciones» realizadas a propósito para las grandes ocasiones. ¿Qué muñecas os gustaba coleccionar? ¿Guardáis alguna de cuando erais pequeños?

Para empezar tenemos que aclarar que nacimos coleccionistas de fashion dolls antes que diseñadores de muñecas. Desde niños adorábamos las muñecas, y en especial Barbie, con quien jugábamos cuando íbamos a casa de nuestras amigas, que nos las dejaban mientras ellas se dedicaban a los Ken o Big Jim que les traíamos nosotros como alter ego masculino de sus muñecas, los cuales les despertaban un gran interés porque no tenían muñecos de ese tipo y así podían jugar con ellos, algo parecido a lo que nos pasaba a nosotros con las muñecas. De pequeños, sólo uno de nosotros –Alessandro– tenía una,

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Enchanted Touch

High Class

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que se la regaló mamá a los 8 años –la Barbie bailarina– y aun hoy la conserva, y ya le creaba vestiditos y alhajas porque desde su más tierna infancia le apasionaba la moda.

La llama de Barbie se avivó para los dos ya de mayores, cuando al regreso de un mercado de segunda mano en Roma nos vimos con una bolsa llena de Barbies que compramos por pocas liras en la que, por pura casualidad, estaban todas aquellas con las que jugamos de pequeños. Esto nos hizo despertar el interés por obtener todas estas Barbies en su caja –Pink Box– para coleccionarlas, ahora sí, «en serio». Así, desde 1997 hasta hoy hemos acumulado una colección de más de 1.500 piezas, entre Barbies vintage –desde los años 70 hasta 1985 como máximo– y modernas –Collectible Series–, que está destinada a aumentar con el tiempo. ¿Es difícil ser coleccionista en Italia? ¿Hay tiendas donde poder comprar o siempre se hace todo a través de Ebay?

En Italia hay una pequeña comunidad que se divide entre los que coleccionan muñecas vintage y muñecas de colección, y los sitios donde pueden adquirirse no abundan. El mejor momento fueron los años 90, cuando algunas jugueterías, las pioneras, se dedicaron a importar Barbies de colección de los Estados Unidos o de Inglaterra, con un solo problema: los precios. En general, Barbie no ha sido nunca objeto de consumo masivo, ya que siempre fue muy cara y no estaba al alcance de todos los bolsillos, y más

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cuando Mattel lanzó esta prestigiosa y lujosa serie al mercado: entonces las pocas tiendas de Italia que las traían del extranjero las vendían a precios muy altos.

Aun así, un pequeño grupo de personas se las podía permitir, hasta que llegó Ebay y cambiaron radicalmente las cosas.

¿Pensáis que ya pasó la época de Barbie, a favor de otras muñecas como las Fashion Royalties?

Son ya más de 50 años con Barbie en la cresta de la ola, y su éxito, excepto algún comprensible altibajo, no parece que vaya a desfallecer. Pero sería absurdo pensar que las fashion dolls se limitan sólo a Ella; en realidad, actualmente el panorama de estas muñecas es vastísimo y, casi a diario, nace una nueva o una que intenta superar a las otras en belleza, modernidad, puntos de articulación o guardarropa. Algunos de

Madonna Give to Me

¿Ha habido alguna «fashion doll» hecha en Italia? ¿Cómo era? ¡Sí! También Italia ha producido sus correspondientes fashion dolls o algo parecido, pues nuestro país es deudor de una larga historia de creaciones de marca, que han sido famosas en todo el mundo. Así, realizaron primero muñecas bebé, y luego paulatinamente fashion dolls –aprovechando el tirón de Barbie– de varios tamaños y materiales, desde las míticas Lenci hasta las aun más célebres muñecas Furga, que cambiaron la tradicional relación entre la niña y la muñeca ya que no se basaban en el papel obsoleto de madre e hija sino que se trataba de una figura más real, semejante a ellas, o más bien una señorita ya madura y formada. Así nacieron las Lisa Jean, Tammy y otras «criaturas» con un éxito más o menos duradero.

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Purple Breath

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estos ejemplos son admirables y, a veces, llegan a superar a su ilustre antepasada, pero, al menos para nosotros, el atractivo de Barbie es único y tan fuerte que puede superar todos los desafíos, el primero de todos el del tiempo, ya que a pesar de su edad, ya algo madurita, se mantiene en los primeros peldaños de una larga escalinata de competidoras dispuestas a arrebatarle el cetro.

Señorita

¿Qué tamaño preferís a la hora de customizar, el de Barbie o el de las muñecas Tonner?

Barbie tiene un tamaño perfecto donde poder plasmar toda nuestra creatividad de la mejor manera, pero en nuestra actividad de diseñadores de fashion dolls nos encontramos a menudo con desafíos relativos a la costumización de muñecas de medidas más prominentes. Quizá, en estos casos, la ventaja es que en las escalas mayores se pueden notar mejor los detalles que en la miniatura ligada, por ejemplo, a Barbie, donde podrían no ser tan evidentes. Lo que, en consecuencia, supone prestar una mayor atención a los acabados y los pequeños detalles, que siempre tienen que ser perfectos y proporcionados. Esto es un doble reto, que hace que nuestro trabajo sea aun más especial y atractivo.

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¿Qué os cuesta más: los vestidos, el peinado, el maquillaje?

Realizar la costumización completa de una fashion doll no es cosa fácil y requiere su tiempo, que varía según la particularidad o complejidad del proyecto. Así, cada apartado necesita

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un tiempo determinado que es muy difícil de cuantificar; en general podríamos decir que, quizá más que la fabricación del vestido, lo que requiere un gran esfuerzo, concentración y meticulosidad es el maquillaje, porque éste, más que el resto de componentes del proyecto, imprime un determinado carácter a la muñeca y le otorga también una marca de estilo.

¿Os han ofrecido también hacer vestidos para personas a tamaño real? ¡Por supuesto! Y muy a menudo, porque este es precisamente nuestro trabajo principal. Somos diseñadores de vestuario y trabajamos para el cine, el teatro y la televisión italiana, donde realizamos vestidos para películas y espectáculos; pero también nos dedicamos al mundo de la moda como creadores de nuestra línea de accesorios de alta costura llamada

Madonna Hung Up

¿Cómo os repartís el trabajo?

Normalmente trabajamos en equipo, al cincuenta por ciento, pero dentro del equipo intentamos valorar y hacer despuntar las excelencias de cada uno en particular. Así, a Giuseppe le encanta dedicarse a la confección de vestidos, al maquillaje del rostro y a los peinados, mientras que Alessandro se ha especializado en pequeños detalles como los bordados y la creación de joyas y accesorios, y también en la realización de los bocetos y maquetas, considerados por los coleccionistas seguidores de la marca Artist Creations un signo distintivo de clase y profesionalidad.

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ENTREVISTA Artist Creations Couture, así como al estilismo personal para vips y celebridades locales que confían en nuestro gusto y profesionalidad para renovar su guardarropa o garantizarse una aparición especial sobre la alfombra roja luciendo como divas maravillosas.

Creo que actualmente vuestros maquillajes son mejores, más perfeccionados que los que hacíais al principio; pero, ¿es cierto que siempre es difícil lograr que una muñeca se parezca realmente al original?

Sin duda los años de trabajo y la experiencia acumulada desempeñan una parte fundamental en el proceso creativo, por lo que, igual que en los vestidos y los peinados, también en los maquillajes se puede notar una enorme diferencia entre los realizados hace años y los más recientes, que son fruto de una intensa búsqueda de la perfección a toda costa. En lo que respecta a las celebridades el trabajo es mucho más complicado porque, al contrario de con las otras creaciones, es necesario esforzarse en recrear lo que nos gusta definir como «la sugerencia de la similitud». Decimos esto porque reconocer en una muñeca la semejanza más o menos acentuada con un personaje famoso es una cuestión totalmente personal, ya que cada uno de nosotros da a las cosas una clave y una interpretación subjetiva que le hace ver a uno algo que se le escapará a otro. Por nuestra parte siempre ponemos todo el cuidado y esmero en nuestro trabajo, con una atención obsesiva en los detalles que marcan la diferencia.

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¿Cuándo fue la primera vez que fuisteis a una convención en los Estados Unidos?

Contadme la experiencia…

Asistir a una de estas convenciones siempre fue una de nuestras metas desde que vimos los reportajes publicados en internet de los coleccionistas que, desde todo el globo, acudían a estos lugares de culto para pasar una semana bajo la enseña de Barbie y de su magnífico mundo encantado. Por desgracia nuestros compromisos de trabajo no nos permitieron tomar parte en ellas hasta 2004, año de nuestra National Barbie Convention de Chicago. Aunque hemos vuelto a ir siempre los años siguientes, nos es imposible olvidar esta primera experiencia por muchas razones. En primer lugar por la bellísima y cálida acogida que nos depararon los coleccionistas americanos, que nos felicitaron ardientemente por nuestras creaciones, que ya conocían y que deseaban ver por fin en vivo. En el transcurso de los años hemos podido afirmar y mantener esta posición privilegiada gracias también a importantes colaboraciones con diseñadores de fashion dolls americanos e internacionales y a ilustres participaciones en subastas benéficas con resultados admirables; a modo de ejemplo, nuestra última creación, donada para la Barbie Convention 2010 de Cleveland, se vendió en subasta por 9.500 dólares.

O la reciente colaboración con Mattel América para el lanzamiento de la nueva línea de Barbies Basic que se presentó en la Toy Fair neoyorquina

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Raffaella Carrà

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para la cual hemos realizado, en el marco de un proyecto llamado The Little Black Dress, una sesión fotográfica con una modelo de excepción, Barbie, que hemos vestido con diferentes looks e interpretado según nuestro estilo personalísimo.

Pienso que, aunque la mayoría de coleccionistas de muñecas son mujeres, los hombres que las coleccionan son más «artistas» y saben sacarles más provecho. ¿Pensáis eso también, y por qué?

Hay una tendencia general a pensar que, tratándose de muñecas, la mayor parte de los coleccionistas son mujeres, pero esto es un grave error que choca cada día con la realidad. De hecho el conjunto de los coleccionistas está formado por una gran parte de hombres que ven en este mundo la posibilidad de sublimar sus sueños, sus deseos, sus aspiraciones.

Nosotros conocemos a muchísimos y podemos decir que, por el momento, son los hombres precisamente los que constituyen una gran parte de nuestra clientela, en especial la relacionada con los personajes famosos, que siempre tienen mucho predicamento entre los fans de todo el mundo, sobre todo los varones. No creemos en absoluto que los artistas masculinos lo hagan tan sólo para sacar un beneficio económico; para algunos posiblemente sea así, pero al menos por lo que respecta a nosotros y a las experiencias que hemos vivido a menudo junto a otros diseñadores, podemos afirmar que la razón principal de esta elección no es el dinero sino la pasión.

Los numerosos premios que os han concedido han hecho que seáis conocidos por todo el mundo. ¿Tenéis clientes en todas partes? ¿De dónde os llegan más pedidos?

En estos 15 años de dilatada carrera hemos recibido muchas satisfacciones y otros tantos premios y honores que nos han concedido en todas partes del mundo, de Italia a Europa pasando por los Estados Unidos hasta Asia. Lo cual es para nosotros motivo de gran satisfacción y orgullo, pero sobre todo es un gran estímulo para seguir avanzando con el impulso de siempre, sin sentirnos que ya «hemos llegado» sino siempre en crecimiento y con un gran deseo de mejorar y, por qué no, de superarnos a nosotros mismos. Esta gran notoriedad nos ha permitido ser muy conocidos y apreciados en todo el mundo y, al mismo tiempo, conocer a muchos apasionados de este universo de las fashion dolls, entre otros. Cada día nos llegan pedidos de los lugares más inesperados, pero sobre todo de personas que están fascinadas por esta magia y que se acercan al mundo de las muñecas One of a Kind con la firma de Artist Creations por primera vez y que quedan realmente impresionados.

Así, los compradores, preferentemente a través de nuestra web, nos llegan de todo el mundo, que es el «país» que a todos nos gustaría habitar o explorar al menos una vez en la vida. Gracias a las fashion dolls, para nosotros este sueño se ha convertido en realidad.

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ENTREVISTA ¿Cuánto puede llegar a costar una de vuestras creaciones?

El coste de nuestras creaciones depende mucho del proyecto que abordemos. Cuando hablamos de «objetos» como estos es indispensable tener en cuenta que se trata de piezas únicas, íntegramente realizadas a mano hasta el mínimo detalle, por lo que no se pueden comparar a otras muñecas que, aunque sean de colección y de tirada limitada, se distribuyen por miles de ejemplares en todo el mundo. Nuestras creaciones han sido definidas como «objetos artísticos» precisamente porque a menudo figuran en sitios excepcionales como galerías de arte o museos y, por lo tanto, tienen un valor y en consecuencia un coste que se diferencia mucho de lo que se puede hallar en el mercado. Así, es importante distinguir el esfuerzo, el tiempo dedicado y el coste de los materiales de cada proyecto en particular, para poder determinar el precio «justo» de modo que se pueda vender y no sea algo fuera del alcance de los mortales.

Creo que vuestra musa particular es Madonna: ¿es ideal porque continuamente está cambiando su «look»? ¿Por qué os gusta? ¿No existen nuevas cantantes como Lady Gaga, Rihanna o Beyoncé que puedan desbancarla de su puesto privilegiado?

Nuestra pasión por Madonna nace en la adolescencia, cuando, aficionados los dos a la música, nos acercamos por primera vez a esta cantante que, al principio de los años 80, daba tanto

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que hablar. Fue un amor a primera vista que no ha ido disminuyendo, sino que ha crecido con el tiempo.

Desde los 12 años empezamos a coleccionarlo todo sobre ella: discos de vinilo –de 45 y 33 rpm–, calendarios, libros, revistas, postales, carteles y cualquier mínimo objecto que tuviese impresa su imagen. Así, hemos acumulado, primero por separado y luego uniendo fuerzas, una inmensa colección que se enriquece a diario con nuevos ejemplares adquiridos en todo el mundo y también con objetos «únicos» pertenecientes realmente a la cantante, como un bellísimo sombrero que Madonna lanzó a los brazos de Giuseppe en agosto de 2008 durante la etapa romana de su afortunada gira mundial, el Sticky & Sweet Tour. Ya os podéis imaginar el deseo que teníamos de crear muñecas a su imagen y semejanza, algo que empezamos a hacer el año 2000 con la realización de nuestra primera muñeca Madonna –Who’s That Girl Tour 1987–, un tema muy querido por nosotros ya que de esta imagen icónica guardamos un bonito recuerdo puesto que la vimos actuar en vivo ese mismo 1987 en Turín y Florencia. A partir de entonces le hemos dedicado muchísimas otras muñecas OOAK, de modo que somos conocidos como «los chicos de las muñecas Madonna» –The guys of the Madonna dolls– por parte de la comunidad mundial de fans de la diva, que aman y aprecian nuestro trabajo con estas muñecas icono únicas y exclusivas. Nuestras muñecas de Madonna són famosas en todo el mundo y la gran mayoría de ellas ha traspasado los límites de Italia

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Julia Roberts

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para recabar en los hogares de coleccionistas, fans y admiradores de todas partes del globo. Y lo sentimos, pero la Reina del Pop no tiene rival: todas las demás son excelentes artistas aunque ella ocupa el único puesto de icono musical y de estilo.

Ahora bien, no sólo Madonna es objeto de nuestras portrait dolls: son muchísimos los personajes famosos que hemos transformado en muñecas y que poseen una o más a imagen y semejanza suya. Por poner algunos ejemplos ilustres: Sophia Loren, Julia Roberts, Raffaella Carrà, Laura Pausini y un sinfín de cantantes, actrices y presentadoras menos conocidas del gran público pero que son personalidades importantes del show business italiano. ¿Cuáles son vuestros próximos proyectos?

La lista de nuestros proyectos futuros es muy larga porque cada día trabajamos para encontrar otros nuevos y para intentar difundir al máximo la cultura de las fashion dolls, especialmente las One of a Kind que tanto nos gustan. 2011 será para nosotros un año muy importante porque es el del aniversario de nuestros 15 años de carrera como diseñadores de fashion dolls –1996-2011–, y para celebrar dignamente la efeméride tenemos programados una serie de eventos especiales y fiestas exclusivas que tendrán lugar durante todo el año en ocasión de las distintas convenciones nacionales e internacionales y que culminarán el mes de julio en la

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Sophia Loren

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Mina

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National Barbie Collectors Convention de Fort Lauderdale (Florida), para la cual estamos preparando una gran fiesta que involucrará a todo el conjunto de coleccionistas americanos, que podrán admirar la nueva colección de muñecas OOAK creada a propósito para ellos, junto a otras simpáticas sorpresas. Además, como es habitual desde hace años, todos los coleccionistas nos pueden encontrar, como expositores o visitantes de excepción, en los eventos nacionales e internacionales más célebres, como París –en marzo–, Rímini –en septiembre– o Roma –en abril–, y desde mayo de 2011 en un novísimo acontecimiento que celebra su primera edición, la Italian Doll Convention ( www.italiandollconvention.i t ) de cuya organización somos parte integrante, junto a un imponente grupo de personas escogidas por su profesionalidad y competencia en el campo de la organización de eventos de ámbito internacional, algo a lo que aspira esta convención. Sólo nos queda dar cita a todos nuestros amigos para dentro de un año, en espera de multitud de sorpresas y de unas fashion dolls siempre especiales y únicas.

Besos a todos, Alessandro & Giuseppe www.artistcreations.it www.madonnadolls.com Entrevista: Guillem Medina

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Patty Pravo

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Concurso

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Paola Reina

a empresa P a o l a R e i n a organizó un concurso entre sus clientes de Rusia, país con un alto nivel de aceptación de este tipo de muñecas. El ganador recibirá un viaje a Alicante para dos personas durante siete días con todos los gastos pagados y visita incluida a las instalaciones de la empresa. Una genial iniciativa que tuvo un gran eco entre los coleccionistas, que enviaron decenas de propuestas.

Al final la ganadora es la bonita Paola oriental de la página de al lado, vestida con un traje moderno pero con detalles románticos.

El resto de finalistas podéis verlas en esta página y las siguientes.

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Como se puede constatar, no sólo las pequeñas amigas de Paola tienen éxito en Rusia, sino también la muñeca Leonor, a la cual no han dudado en cambiar el peinado y vestirla de todas las formas posibles. De hecho, iniciativas como esta ayudan a consolidar una marca, al margen de la alta calidad de sus productos, algo que parecen haber olvidado algunas empresas españolas vendiendo productos altamente defectuosos.

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Kiko Alcázar

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ntes de nada la primera pregunta es obvia: ¿desde cuándo te dedicas a esto de la fotografía y cómo se te ocurrió meterte en este mundo con tanto glamur, pero donde se cobra tan poco?

Empecé a dedicarme en serio en el 2007, y la verdad es que cuando te metes en el mundo de la fotografía no lo haces ni por el glamur ni por el dinero, es más una necesidad artística y de poder expresar ciertas cosas que sólo se pueden hacer con la fotografía.

De la parte económica te das cuenta cuando ya quieres vivir de ella: por desgracia en España no se valoran ciertos trabajos y no se los considera arte, y creo que por suerte tenemos a grandísimos fotografos, pero los que podrían darles voz y presencia no se fijan en ellos. ¿Cómo llegaste a tu estilo actual tan personalísimo que tienes? ¿Por qué otros estilos pasaste antes?

Mi estilo viene de la necesidad de plasmar mis fantasías e ideas en las fotos, de hacer que la gente se vea diferente. Tardé varios años en

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perfeccionarlo, cosa que aun sigo y seguiré haciendo. Mi chico me introdujo en el mundo del photoshop y quedé maravillado, y a base de muchísimo trabajo fui creando mi forma y mi sello. Cuando estudié fotografía, muy poco tiempo, empecé como todos, probando el blanco y negro, saturando mucho el color... creo que son caminos básicos hasta llegar a encontrar el tuyo propio. ¿Te da miedo que la gente piense que estás estancado en un estilo concreto, o igual un día de estos nos das una sorpresa y cambias totalmente de registro?

No me preocupa pensar que me encasillen, me preocuparía más no tener mi estilo, como te explicaba antes: hoy en día que puedan reconocer una foto tuya sin ver el nombre es muy complicado, y muchas veces me dicen que mis fotos se reconocen al momento. Creo que dentro de mi estilo me muevo por registros muy diferentes, no todas las fotos son iguales: unas son más oscuras, otras más saturadas; creo haber encontrado una forma que

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ENTREVISTA a mi manera no me haga perder la personalidad de las fotos e intentar que sean diferentes. ¿Qué fotógrafos, ilustradores, cantantes, actores... crees que te han influenciado?

Creo que, por suerte, me he dejado influenciar por muchísimas cosas: las influencias acaban siendo el resultado de uno mismo, mi chico me ha influenciado, Pierre et Gilles obviamente, Steven Meisel, Madonna, la iconografía de los 80 y 90...actuales… ¡sería imposible enumerar todas las influencias! ¿Cómo surgen las ideas cuando te planteas trabajar con un nuevo artista? ¿Según el físico, su personalidad...?

Cada persona te sugiere algo, ytambién se busca un poco en el mundo particular de cada personaje.

Hay ideas que se llevan muy claras y otras salen directamente de la foto, cuando ya estoy delante del ordenador: ves una pose, una mirada, ¡ese algo especial que te sugiere algo y que en un principio no tenía planeado!

Ya puestos, ¿cuál fue tu primer famoso con el que trabajaste? ¿Qué tipo de trabajo se trataba?

Pues fueron Luis Miguélez y Juan Tormento. Juan se puso en contacto conmigo por Myspace y empezamos a hablar: le gustaba lo que hacía y al poco tiempo coincidió que tocaban en Tarragona y allí les hice las primeras fotos. Más tarde les hicimos la portada del disco Beautiful & Nasty de su

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ENTREVISTA grupo Glitter Klinik., Mi pareja, Pep Sanabra (Grooph), hizo el diseño del CD. Me gusta el toque kitsch que le das a tus fotos, sobre todo el trabajo de fondos, complementos y todos esos detalles. Y eso se nota, sobre todo cuando trabajas con gente como Diossa & Malyzzia o Paco Clavel. ¿Con ellos tienes libertad total para hacer lo que quieras?

Normalmente tengo bastante libertad: ¡cuando me piden una foto ya saben dónde se meten! Jajajaja. Luego es lo que te decía, que cada persona te sugiere algo, su mundo se mezcla con el mío y salen trabajos distintos. Con Paco, él que es el creador de tantos conceptos en España, es muy divertido trabajar, ¡y sugiere mil cosas! ¿Te has encontrado famosos a los que les cueste alejarse de la imagen que tienen?

No, ellos no son los que se tienen que alejar de su imagen, ¡yo los alejo!

Pueden estar o ponerse como quieran, ¡luego yo los descontextualizo! Y eso me divierte mucho, el hecho de coger a alguien y ponerlo en una situación o mundo diferente al que normalmente se encuentran...

Ya puestos, si te diesen a escoger entre todos los famosos mundiales para fotografiar, ¿a quién elegirías? ¿Por qué? ¡Esa es la pregunta del millón! Sin duda alguna Madonna: como fan y como fotógrafo, creo que fotografiar a Madonna puede ser la cima de esta

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ENTREVISTA carrera, ¡además esto te abre millones de puertas! Y si no pudiera ser Madonna, hay muchos actores, cantantes, etc. a los que admiro y sería increíble poder retratar, desde estrellas que empiezan a las consagradas, ¡no hay que ponerse límites!

Y lo mismo, ¿a qué famoso te gustaría cambiarle la imagen totalmente? ¿Cómo le harías la foto? ¡Hay varios que me gustaría cambiarles la imagen! Me imagino que a alguien alejado de mi mundo y de mi visión, ¡sería divertido ver a Mickey Rourke en una de mis fotos! Me tendría que encontrar en la situación y ponerlo con mucho rosa, ¡con cara de bueno! ¡Eso sería difícil! Jajajaja.

En tu caso, ¿qué se tarda más: el tiempo en pensar y hacer una foto o el tiempo de postproducción, retoques digitales, etc.?

Todo el proceso tiene su tiempo, pero en mi caso la postproducción es muy laboriosa: no son sólo los retoques que se le hacen al personaje, sino crear todo el paisaje, todos los fondos, con todos sus detalles, sus luces, todo ha de encajar a la perfección.

Soy extremadamente perfeccionista, y hay momentos en que tengo que dejar la foto ¡porque nunca acabaría!

Si alguien quiere que le haga una foto Kiko Alcázar, ¿qué tiene que hacer?

Me pueden escribir un e-mail a través de mi página web: http://www.kikoalcazar.com, http://www.kikoalcazar.com escribirme un e-mail directamente a:

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ENTREVISTA kikoalcazarphoto@gmail.com, kikoalcazarphoto@gmail.com o llamarme por teléfono al 687 680 344.

344 Les comentaré los precios y las condiciones, ¡es así de fácil! ¿Cómo era tu vida antes de existir el ordenador? Jejeje... ¿¿¿Hubo una vida sin ordenador??? ¡Jajajaja! Pues dibujaba muchísimo, me pasaba el día dibujando, haciendo cómics. ¡Siempre fui el artista de la familia! Siempre he tenido inquietudes por el arte, yo creía que acabaría dedicándome a la pintura o al dibujo...

Y yendo un poco más atrás, nos gustaría que nos hablases de los muñecos con los que jugabas de pequeño –recuerda que esta es, aunque no lo parezca, una revista de juguetes, jejeje... ¡Pues era mucho de hacerme yo mismo los juguetes! ¡Con el interior de los rollos de papel higiénico!

O recortando lo que dibujaba. ¡Luego tenía mi Super Cinexin que me encantaba! Tenía Virkikis, algún peluche y la Rosaura de mi hermana, ¡que la tenía destrozada! Jajajaja. ¿Guardas todavía algún juguete de aquella época?

Sí, los tengo todos empaquetados, me cuesta deshacerme de las cosas de niño: son pequeños trozos de mí.

Eso si, ¡hace años que no los veo ni los abro! ¿Coleccionas alguno actualmente?

Pues yo no, pero mi chico colecciona toys y a parte hace papertoys, ¡en mi casa siempre hay juguetes!

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ENTREVISTA Yo tengo alguno, como Bob Esponja... ¡del que soy fan!

Para acabar, volviendo al tema de las fotos... viendo lo bien que te desenvuelves en la capital, ¿es imprescindible irse a Madrid o trabajar allí para triunfar en esta profesión?

Creo que puede dar un empujón a mi carrera si me voy a Madrid: actualmente vivo en Tarragona, ¡y tenemos pensado irnos el año que viene a Madrid! Creo que Madrid es la ciudad perfecta para un fotógrafo, sobre todo si quieres retratar a gente del mundo artístico. También te digo que con el AVE, hoy en día estamos

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más cerca y tal vez no sea tan necesario como antes, ¡pues en dos horas puedes estar allí! ¿Cuáles son tus planes de futuro profesional?

Tengo algunas portadas para discos, cartelería para documentales y cortos, varios proyectos y encargos, exposiciones... y también abrirme al mercado europeo y americano, donde ya se empiezan a interesar por mi trabajo...

Gracias de nuevo y te deseamos muchos éxitos…

Entrevista: Guillem Medina

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Enrique y Ana

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acer canciones dedicadas exclusivamente a los más pequeños tiene sus reglas y, muchas veces, sus riesgos: o se trata de cantantes infantiles que se dirigen a su público de tú a tú o bien hablamos de cantantes adultos que, a la mínima que se descuiden, corren el riesgo de caer en el más espantoso de los ridículos. Por eso la línea que hay entre el cantante entrañable y el vejestorio momificado de turno es muy, muy fina.

Pero si hay un caso digno de estudio ese sería el de Enrique y Ana, Ana que también podríamos llamar como el adulto cursi y la menor gritona. De hecho, Enrique del Pozo (Madrid, 1957), antes de ser popular por sus canciones, había hecho teatro clásico tanto en España como en Italia, pero fue una noche en un programa del popular mostachudo José María Iñigo cuando lo descubrimos la mayoría de niños, mientras cantaba rodeado de personajes Disney. En aquel momento se convirtió instantáneamente en el príncipe azul, el amiguito de toda criaturita, y podría haber acabado como un Richard Clayderman

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cualquiera si no llegan a emparejarlo con Ana Anguita (Madrid, 1969), una niña rechoncha de ocho años con voz hiriente con la que estuvieron nueve años taladrando a los niños con mega-hits como La gallina Co-co-ua, La Yenka, Baila con el hula-hoop, Super disco chino o Mi amigo Félix. Además, alguien se ingenió que con cada nueva canción se podía sacar a la venta un juguete relacionado; así, durante un tiempo todos estuvimos dándole al hula-hoop o intentando hacer girar los discos chinos como si hiciésemos oposiciones para el Cirque du Soleil.

Incluso llegaron a realizar un film, Las aventuras de Enrique y Ana, Ana perpetrado por Tito Fernández, con Amparo Baró y Luis Escobar haciendo de perfectos secundarios.

Enrique y Ana se separaron en 1983 y Ana volvió al más absoluto anonimato, se casó y nunca más se supo de ella, mientras que Enrique intentó prolongar su carrera musical en solitario unos años, pero al no lograrlo se reconvirtió en tertuliano polemizador televisivo y ahí sigue aferrado al famoseo con uñas y dientes, hasta que le dejen...

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