Toyland Magazine 18

TOYLAND Nº 18 NOVIEMBRE 2010

BRUJAS FANTASMAS MONSTRUOS...

Amer ic an

GIRL

Mujercitas

BILD LILLI BARBRA STREISAND

Magazine

Parchís

PIN y PON El perro de FLANDES

MARISOL

Entrevista a Aidamaris Román

ÍNDICE

Revival En los últimos años han salido muchos libros analizando el cine de los años setenta y ochenta, la música de esa época, las muñecas, los programas de televisión, la moda, etc. ¿A qué se debe ese brote de nostalgia que nos ha invadido recientemente? ¿Fueron tiempos mejores? ¿Todavía creíamos en la inocencia antes de hacernos mayores y ver que el mundo no es de color rosa, ni azul, ni amarillo? Supongo que intentando atrapar esos fragmentos del pasado nos aferramos a los juguetes de antaño y volvemos a recuperarlos, porque aunque no volvamos a jugar con ellos como entonces –es lógico– nos traen recuerdos dulces, algo necesario en estos tiempos en los que tenemos 500 amigos de Facebook, pero muy pocos de verdad, con los que compartir buenos momentos.

Los niños de los setenta son los adultos que ahora tienen trabajo –los que tienen suerte– y dinero para recuperar su pasado. Hoy en día todo está al alcance de la mano. Que quieres ver otra vez Heidi: sólo hace falta un click en el ordenador y te la descargas. Que quieres recuperar el álbum de cromos de Danone de la Abeja Maya, un click y lo compras en Todocolección. Que quieres volver a comerte un Tigretón, te vas al súper y te lo compras –seguro que no tiene el mismo gusto que recordabas, pero casi...

Lo que antes nos costaba conseguir ahora es inmediato, está disponible y lo devoramos en lugar de deleitarnos lentamente. Ahora lo tenemos todo –o podemos tenerlo– pero no apreciamos nada, o al menos no como lo hacíamos antes.

Guillem Medina

6 News 8 Dolls American Girl 14 Storyland Mujercitas 32 Star Barbra Streisand 50 Made in Spain Pin y Pon 56 Dolls Bild Lilli 66 Pullip Pullip en otoño 70 Entrevista Aidamaris Román 80 Cómic Green Lantern 90 Cult TV El perro de Flandes 96 Barbie ¡Bruja, más que bruja!

102 Itzi World Días de abrigo 106 Dolls Monster High ·············>

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ÍNDICE 110 Cult Music Parchís 116 Cómic Mundo Juvenil 122 Barbie ¡Que vienen los rusos!

126 Evento 40 aniversario de Diset

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón Colaboradores: Sebas Martín, Enric Fontvila, Angel, Itzi, Juan González, Robert Ramos, Damárys Mercado Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Mattel, Paola Reina, Famosa, Berjusa, Integrity Toys, Tonner Doll Company, Disney, Pullip, Glénat, Bruguera, Planeta Junior, Diset, Todocolección

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NEWS Novedades del Salón del Manga de Barcelona Os recordamos que del 29 de octubre al 1 de noviembre se celebra el XVI Salón del Manga de Barcelona. El lugar, como siempre, es La Farga de L’Hospitalet, y por supuesto allí estaremos para ver las novedades, los stands, las muñecas –pocas, pocas– que se puedan ver y los artistas, a ver si conseguimos nuevas entrevistas. Os recomendamos que no os lo perdáis, sobre todo el sábado, que habrá concurso de disfraces y puede ser genial ver la gran imaginación que le pone la gente. De momento os dejamos las portadas de algunos de los cómics que serán novedad de este salón. ¡Nos vemos!

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NEWS

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American Girl DOLLS

Si hay una muñeca que en estos momentos represente el espíritu norteamericano como ninguna otra, esta es sin duda American Girl, una muñeca de 46 cm a la que sus propietarias pueden vestir como ellas y que disfruta de la simpatía de las niñas de todas las edades, desde las más pequeñas hasta las preadolescentes. ¿Qué tiene esta muñeca que no tengan las demás? Seguid leyendo y lo comprenderéis...

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merican Girl es una línea de muñecas, libros y accesorios basados en personajes preadolescentes que originalmente estuvieron enfocados a diversos periodos de la historia de América desde el punto de vista de las chicas y que ahora se ha diversificado a otras muñecas e historias sobre chicas contemporáneas. Sus productos originalmente se vendían por correo solamente. En la tienda que la empresa tiene en la Quinta Avenida no sólo se venden muñecas y demás accesorios, sino que las niñas pueden vestirse a imagen y semejanza de sus queridas muñecas, algo parecido a lo que pasó aquí con Mariquita Pérez en los años cuarenta. En 1984 el educador, escritor y empresario Pleasant T. Rowland buscaba muñecas para regalar a sus nietas por Navidad, pero sólo hallaba bebés o muñecas maniquí adultas

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y ninguna de ellas representaba a chiquillas de nueve a doce años. Esto, junto con una visita a Williamsburg, le inspiró para crear una línea de libros y muñecas de tipo histórico. En 1986 se fundaría American Girl con el nombre de Pleasant Company y aparecerían las primeras muñecas que representaban a un personaje: Samantha Parkington, Kirsten Larson y Molly McIntire. Junto con las muñecas se vendían libros, vestidos de época y accesorios. Las muñecas fueron diseñadas por la firma alemana Götz y desde entonces se han ido añadiendo personajes históricos al mismo tiempo que han desparecido algunos más antiguos. La compañía fue adquirida por Mattel en 1998 y pasó a llamarse American Girl.

En 1992 la empresa lanzó también la revista American Girl, una publicación

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DOLLS diseñada para afirmar la autoestima, celebrar los logros y fomentar la creatividad de las niñas de hoy en día. Con casi 600.000 suscriptoras, la revista se encuentra entre las diez publicaciones para niños más leídas del país y es la mayor revista dedicada exclusivamente a las niñas. En 1995, estimulada por el éxito de la revista, la compañía lanzó una línea de muñecas contemporáneas de 18 pulgadas –46 cm– con sus accesorios, llamadas Just Like You, que representaban la individualidad y diversidad de las chicas americanas de la actualidad.

Para celebrar la variedad de los estilos de vida e intereses de las niñas de hoy también se realizaron libros, juguetes y ropa. Una línea que tiene mucho éxito es la serie de personajes históricos que cobran vida a través

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de extraordinarios libros, muñecas de 18 pulgadas y accesorios.

Los personajes históricos • Kaya (1764). Es una jovencita nez percé, una tribu de nativos americanos que vivía en la región del Pacífico. Sus libros hablan de liderazgo, compasión, valor y amistad.

Cronológicamente las aventuras de Kaya son las primeras de los diez personajes históricos. Kaya es la única nativa americana y tiene un molde diferente al de las otras muñecas.

• Felicity Merriman (1774). Esta chica pelirroja adora a los caballos y vive en Williamsburg (Virginia). Los temas de su libro incluyen la lealtad y

DOLLS el mantenerse firme a unos ideales.

Felicity apareció en 1991 y fue retirada a principio de 2000, pero dado el éxito que tuvo una adaptación de sus libros para la TV se introdujeron nuevos productos en su colección. En agosto de 2010 American Girls anunció que la colección de Felicity sería, sin embargo, archivada de forma definitiva.

• Addy Walker (1864). Fue la quinta muñeca de la línea histórica y es el único personaje afroamericano. Su papel es el de una esclava fugitiva que se escapa con su madre de una plantación en Carolina del Sur durante la guerra civil americana. Las historias de Addy exploran temas sobre la libertad, el amor familiar, los prejuicios y el racismo.

• Josefina Montoya (1824). Es una jovencita mexicana que vive en Nuevo México con su familia. Ella y su familia se tienen que adaptar a la llegada de la tía Dolores a la casa después de la muerte de su madre. Entre los temas se incluye la adaptación obligada que sigue a la pérdida de un ser querido, el día a día de la vida de los mexicanos y los cambios culturales y sociales.

• Rebecca Rubin (1914). Rebecca debutó en 2009 como una niña de nueve años, judía de descendencia rusa, cuyos abuelos maternos y padres emigraron a Nueva York. Rebecca está fascinada por la industria del cine y aspira a convertirse en actriz a pesar de la desaprobación de su familia. Sus libros hablan de la adaptación de los emigrantes al estilo de vida americano

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DOLLS mientras intentan mantener sus tradiciones familiares, religiosas y culturales.

• Molly McIntire (1944). La joven Molly vive en Jefferson durante los últimos años de la segunda guerra mundial. Su padre es enviado a Inglaterra como médico encargado de los soldados heridos y ella debe hacer frente a los cambios que conlleva la guerra. La serie de Molly está enfocada hacia el patriotismo y las vicisitudes del tiempo de guerra. Molly fue una de las tres muñecas originales ofrecidas por Pleasant Company y es la única de todas que lleva gafas.

• Julie Albright (1974). Esta jovencita vive en San Francisco en la década de los setenta. Sus libros tratan de los cambios y la agitación social de la sociedad americana en esa época: el divorcio, el feminismo, la igualdad de género, etc. Julie debutó en 2007 y es el primer personaje que pertenece a una familia divorciada.

Texto: Núria Simón

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Mujercitas

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Meg, Jo, Beth y Amy son las cuatro hermanas protagonistas de «Mujercitas», la inolvidable novela de Louise May Alcott que han leído generaciones de jovencitas y no tan jovencitas, y que ha resistido maravillosamente al paso del tiempo. Aunque no es un cuento exactamente, no podíamos olvidarnos de esta maravillosa historia.

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ouise May Alcott (1832-1888) escribió su novela más famosa en su casa familiar, Orchard House, en Concord (Massachusetts).

Little Women (Mujercitas) se publicó en dos volúmenes en 1868 y 1869 y sigue la vida de cuatro hermanas, Meg, Jo, Beth y Amy March, basada ligeramente en las experiencias infantiles de la autora con sus tres hermanas. El primer volumen fue de inmediato un éxito comercial y de crítica, siguiéndole al poco tiempo el segundo volumen titulado Good Wives (Buenas esposas), que fue también un éxito.

Alcott hizo dos secuelas más de la novela con los March como protagonistas: Little Men (Hombrecitos), en 1871, y Jo’s Boys (Los muchachos de Jo) en 1886. Mujercitas ha sido adaptada como obra teatral y musical, y en ópera, película y dibujos animados. La novela se desarrolla principalmente durante la guerra civil de los Estados Unidos y narra la vida y peripecias de la familia March entre 1861 y 1865, y en especial la evolución de niñas a mujeres de las cuatro hermanas. Aunque la familia vivió

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tiempos mejores, son muchas las dificultades económicas que pasan y muchos los sacrificios que las hermanas tienen que hacer; aun así dedican parte de su tiempo a ayudar a otras familias más desfavorecidas que ellas, por lo que las hermanas demuestran su gran bondad.

Los personajes

• Josephine March («Jo») Protagonista de la novela, es la segunda hija de la familia y al principio de la historia tiene quince años. Siente pasión por la escritura y su mal genio la lleva a meterse a menudo en líos. Está muy unida a su hermana pequeña, Beth, y cuando esta cae enferma y la familia está necesitada de dinero no duda en cortarse su larga melena castaña para conseguir algo de dinero. Al principio del libro Jo trabaja para su tía March como acompañante, pero más adelante se muda a Nueva York para realizar su sueño de convertirse en escritora y allí conoce al doctor Bhaer, de quien se enamora.

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• Margaret March («Meg») Con dieciséis años, es la mayor de las cuatro hermanas y la más sensata de todas. Está considerada la belleza de la familia y tiene muy buenos modales, lo que a veces la hace parecer vanidosa.

Ella se queda al cargo del hogar cuando su madre se ausenta y siempre defiende a Amy de los ataques de Jo. Meg está empleada como gobernanta para la familia King y, dado su estatus social, asiste habitualmente a fiestas. Está enamorada de John Brooke, el tutor de Laurie, con el cual se casará y con quien tendrá tres hijos.

• Elizabeth March («Beth») Cuando la novela empieza tiene trece años. Beth es una jovencita tranquila y cariñosa y una buena pianista a quien le gusta jugar a muñecas y pasar tiempo con sus gatos. Dócil y vergonzosa, prefiere dar clases en casa que asistir a la escuela y evita cualquier actividad pública. Tiene una relación muy estrecha con Jo a pesar de su diferencia de personalidades y con el Sr. Laurence, el abuelo de Laurie, quien le regala un piano que perteneció a una nieta muerta hace tiempo.

Beth ayuda a su madre en las obras de beneficencia, ya que es una niña muy buena y caritativa. En una de sus visitas a una familia pobre enfermará de escarlatina, de la que se recuperará para recaer más tarde y morir, protagonizando el episodio más lacrimógeno de la novela.

• Amy March. Es la hermana pequeña y tiene doce años cuando empieza la historia. Amy está interesada en el arte,

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para el que tiene un gran talento, pero es muy presumida y está insatisfecha con la forma de su nariz, por lo que por las noches duerme con una pinza en ella. Es fría, reservada y mundana, lo que a veces le acarrea problemas, sobre todo en la escuela. Más adelante se convierte en acompañante de la tía March durante un viaje a Europa, durante el cual se reencuentra con su amigo Laurie, con quien se casa.

• Margaret March («Marmee») La madre de las chicas y la cabeza de familia mientras su marido está luchando en la guerra. Está involucrada en obras de caridad y trata de guiar a sus hijas en la vida y de perfilar sus caracteres.

• Robin March («Papá») Anteriormente rico, es el eterno ausente de la novela ya que está luchando en la guerra, donde ejerce de capellán para el Ejército unionista.

• Hannah. Es la doncella de los March y un miembro más de la familia.

• Tía Josephine March. La tía March es una rica viuda temperamental y de mal carácter que no aprueba las obras de caridad que realiza la familia.

Durante un tiempo emplea a Jo como acompañante y más adelante contrata a Amy para su viaje a Europa. A pesar de su mal genio estará dispuesta a ayudar cuando se la necesite.

• Theodore Laurence («Laurie») Es el joven vecino de los March que vive sobreprotegido por su rico abuelo,

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ya que el muchacho quedó huérfano a temprana edad. Es un chico atractivo y encantador que se enamora de Jo, aunque es rechazado por ésta. Al final del libro Laurie se casa con Amy durante un viaje a Europa donde ambos coinciden.

• Sr. James Laurence. El vecino millonario de los March y el abuelo de Laurie. Es un hombre solitario que se convierte en benefactor de la familia March y protege a las hermanas, sobre todo a Beth, a quien coge gran cariño porque le recuerda a su nieta fallecida.

• John Brooke. Es el tutor del joven Laurie y el pretendiente de Meg, con quien se casará al final del primer libro.

Brooke servirá en el Ejército unionista durante un año.

• Professor Friedrich Bhaer («Fritz»). Es un humilde emigrante alemán que vive en una pensión de Nueva York donde da clases a los hijos de la dueña y donde coincide con Jo. Ambos se hacen grandes amigos y es él quien anima a Jo a convertirse en una escritora seria. Más tarde se enamoran y se casan, criando a los sobrinos huérfanos de Bhaer y a sus propios hijos.

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Las películas Como hemos comentado antes, Mujercitas ha sido llevada a la pantalla, y las tres veces fue un éxito.

La primera versión, titulada en España Las hermanitas, hermanitas data de 1933 y está dirigida por el gran director de mujeres George Cukor. En los papeles protagonistas encontramos a Katherine Hepburn como Jo, Joan Bennett como Amy, Paul Lukas como el profesor Bhaer, Edna May Oliver como la tía March, Jean Parker como Beth, Frances Dee como Meg y Spring Byington como Marmee, entre otros. Ganó un Oscar al mejor guión y fue nominada a la mejor película y al mejor director.

La segunda versión, y quizás la más recordada, Mujercitas, Mujercitas es de 1949. Dirigida por Mervyn LeRoy, tiene como protagonistas a Janet Leigh como Meg, June Allyson como Jo, Margaret O’Brien como Beth y una rubia Elizabeth Taylor como Amy. Mary Astor interpretaba el papel de Marmee, Peter Lawford el de Laurie y Rossano Brazzi el de Bhaer. Ganó un Oscar a la mejor dirección artística.

La última versión hasta la fecha, también llamada Mujercitas, Mujercitas data de 1994 y en sus papeles protagonistas se hallan Winona Ryder como Jo, Susan Sarandon como Marmee, Trini Alvarado como Meg, la veterana Mary Wickes como la tía March y una jovencita Kirsten Dunst como Amy. Estuvo nominada a tres Oscar: a la mejor actriz para Winona Ryder, al mejor diseño de vestuario y a la mejor partitura musical original.

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Las muñecas Y, como no podía ser de otra manera, también tenía que haber muñecas dedicadas al tema. De nuevo es Madame Alexander quien tiene el honor de haber producido gran cantidad de muñecas de las cuatro hermanitas, ya que desde la creación de la firma hasta la fecha cada año se hacen nuevos modelos. Las han hecho en todos los tamaños, desde las Very Little Women de 5 pulgadas –13 cm– hasta las de Little Women Journals de 16 –41 cm–, para las que se hicieron toda una serie de complementos como vestidos, mobiliario o accesorios según las aficiones de cada una. Últimamente se han editado cuatro muñecas de 10 pulgadas –25,5 cm– con baúles con ropa y complementos para cada uno de los personajes, como los de Jo Goes to NY, Meg’s Wedding, Amy Goes to Paris o el Beth’s Trunk.

La casa Alexander también ha sacado una muñeca de la autora, Louisa May Alcott, además de otros personajes

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como Marmee, la tía March, Laurie, John Brooke e incluso el Sr. Laurence.

En 1949, coincidiendo con el estreno de la película de Mervyn LeRoy, se editaron cinco muñecas inspiradas en las actrices protagonistas.

Mattel creó en 2001 una Jo de 8 pulgadas –20,5 cm– dentro de la colección When I Read, I Dream inspirada en personajes de la literatura infantil, lo que nos hizo pensar en la posibilidad de una colección de muñecas representantes de la novela, pero como es costumbre en la casa nos quedamos con las ganas, ya que sólo sacaron una.

Curiosamente, porque a estas alturas creo que ha hecho de todo, Tonner no ha creado ninguna línea de la novela, algo que sería muy interesante de ver.

La empresa Franklin Mint realizó muñecas de porcelana, y otras firmas que han creado algunas muñecas son Precious Moments o Lawton Doll Company para Ahston Drake.

Drake Texto: Núria Simón

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Barbra Streisand STAR

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preciada sobre todo por su poderosa y excepcional voz, Barbra Streisand es una de las cantantes femeninas que más discos ha vendido en los Estados Unidos y es ampliamente reconocida a nivel mundial. Ganadora de dos premios Oscar, cuatro Emmy, ocho Grammy, cuatro Golden Globe y un Tony, entre otros muchos reconocimientos ha recibido el premio del American Film Institute a toda una carrera, la Medalla Nacional de las Artes estadounidense y la Legión de Honor francesa. En diciembre de 2008 fue la primera directora en recibir el prestigioso premio honorífico del Kennedy Center.

Nacida el 24 de abril de 1942 en el seno de una familia judía en Williamsburg (Nueva York), su padre, Emanuel Streisand, profesor de gramática y literatura, murió a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía apenas 15 meses. Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario, y una hermanastra, Roslyn Kind, también cantante, fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que

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nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía suficientemente atractiva. Entre 1959 y 1961 tomó parte en varias producciones teatrales independientes del off-off-Broadway y del off-Broadway como The Insect Comedy, The Boyfriend y Another Evening with Harry Stoones. Asistió simultáneamente a varias clases de actuación en Manhattan. Aunque siempre quiso ser actriz, su éxito fue arrollador como cantante desde el momento en el que se presentó a un concurso de nuevos talentos organizado por The Lion. Ahí empezó su periplo por clubes nocturnos neoyorkinos tan famosos como el Bon Soir y el Blue Angel, intercalando sus actuaciones en estos locales con numerosas apariciones en televisión, tanto de cantante como de divertida y excéntrica tertuliana.

Debutó en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical I Can Get It For You Wholesale, en el papel de la secretaria Miss Marmelstein; consiguiendo prácticamente cada noche hacer detener la función a causa del fervor desatado entre el público.

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STAR En la primavera de ese año, Barbra entró por primera vez en un estudio profesional de grabación para registrar las canciones de I Can Get It For You Wholesale, donde, además de a la cómica Miss Marmelstein, también interpretaba el espectacular tema What Are They Doing To Us Now?; aparte de colaborar en un par de números más junto con compañeros de reparto.

El disco solamente llegó a la posición 125 del Billboard pero le dio la oportunidad –gracias a la insistencia del compositor de la obra, Harold Rome– de participar, un par de meses más tarde, en un disco homenaje por el 25 aniversario de la exitosa obra Pins and Needles, donde intrepretó cinco solos y un cuarteto.

En cuanto firmó su primer contrato con Columbia Records, se empezaron a hacer planes para su primer álbum; de hecho, en noviembre de 1962, se grabaron tres de sus actuaciones en el Bon Soir con el fin de editar un disco, pero no contentos con el resultado prefirieron meterse en el estudio de grabación con el arreglista Peter Matz y un reducido número de músicos, ya que el presupuesto era bastante bajo. El resultado fue su primer álbum, The Barbra Streisand Album, básicamente compuesto por las grabaciones en estudio de su repertorio de los clubes. Pronto se convirtió en el disco más vendido por una vocalista femenina en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 8 del Billboard y obteniendo 3 premios Grammy, entre ellos el de Mejor Vocalista Femenina y Mejor Álbum.

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STAR El disco se mantuvo durante 101 semanas en la lista de los más vendidos. En junio de 1963 grabó The Second Barbra Streisand Album, que llegó al número 2 del Billboard.

Continuó con la fórmula de grabar principalmente temas del repertorio de sus actuaciones en directo. En enero de 1964, ya metida de lleno en los ensayos de Funny Girl, grabó The Third Album, en el que mezclaba temas de su repertorio con otros de musicales americanos. Es un trabajo menos ecléctico, más relajado y reflexivo que los anteriores, que se situó en el número 5 del Billboard.

Funny Girl de Jule Styne, el musical de Broadway en el que Streisand interpretaba a Fanny Brice, fue un éxito rotundo desde el momento de su estreno el 26 de marzo de 1964. Para hacerse una idea del alcance de su éxito, Barbra llegó a ser portada de las revistas Time y Life. Volvió a ser nominada para un premio Tony, esta vez como actriz principal. La obra se mantuvo en cartel con Barbra como protagonista hasta el 26 de diciembre de 1965. Entre abril y julio de 1966 la representó en Londres. El álbum con las canciones de Funny Girl llegó al número 2 del Billboard. Desde entonces, Barbra no ha vuelto a actuar en ninguna otra obra de teatro.

En octubre de 1964 se editó People.

El album fue su primer número 1 en USA, desbancando a los Beatles y manteniéndose en esa posición durante 5 semanas. Durante una semana de ese mes, los cinco últimos

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STAR discos de Streisand figuraban en la lista Top200 del Billboard. People octuvo 3 premios Grammy, entre ellos el de Mejor Interpretación Femenina.

Barbra había aparecido innumerables ocasiones en programas de televisión entre 1961 y 1963, a veces como cantante y otras como excéntrica tertuliana. La última vez que apareció como cantante fue en octubre de 1963 en The Judy Garland Show. Unas interpretaciones y unas colaboraciones con Judy que dejaron huella en el medio televisivo. Sorprendentemente, y por primera vez en la historia, una artista invitada fue nominada al Emmy por la Mejor Interpretación de Variedades.Su primer especial de televisión para la CBS fue My Name Is Barbra en 1965; programa que catapultó su éxito a escala nacional, dándola a conocer como cantante y actriz y proporcionándole más reconocimiento por parte de la crítica.

En noviembre de 1965 se publica My Name Is Barbra 2 con temas nuevos y el divertido popurri Second Hand Rose del espectáculo televisivo.

También alcanzó el número 2 de las listas.

En marzo de 1966 se emite Color Me, Barbra, siguiendo la fórmula del One Woman Show, alcanzando un éxito igual al de su predecesor. El álbum llegó al número 3 de las listas de éxitos. En noviembre de 1966 publica Je m'appelle Barbra, primera colaboración con Michel Legrand con temas cantados en francés e inglés. El disco contiene la primera composición de Barbra Ma première

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chanson. En noviembre de 1967, Barbra publica dos álbumes: Simply Streisand, colección de standards y de temas de musicales americanos que alcanzó el numero 12 de las listas, y A Christmas Album, disco que mezclaba temas navideños y religiosos.

Cabe destacar la desenfrenada Gingle Bells?, Silent Night y el Ave María de Gounod. El disco llegó al número 1 de los discos de la temporada navideña.

En junio de 1967, ya inmersa en el rodaje de Funny Girl, cantó para una multitud de 135.000 personas, que es la mayor audiencia de la historia congregada para ver a un artista en solitario. Éste se convertiría en su cuarto especial para la televisión, A Happening in Central Park.

El evento se convirtió en un gran éxito para Barbra, afianzando su leyenda de la cantante americana más celebrada con apenas 25 años. El disco llegó a la posición 30 del Billboard.

Actriz de Hollywood Su primera película fue un revival de su éxito en Broadway, Funny Girl (1968), por el que ganó el Oscar a la Mejor Actriz en el mismo año, compartido con Katharine Hepburn por El león en invierno, la primera vez en la historia en la que se producía un empate en esta categoría de los premios. La banda sonora alcanzó el puesto número 12 de las listas de éxitos. Sus siguientes dos películas, superproducciones basadas también en musicales, fueron Hello, Dolly!

(1969), a partir de un guión de Jerry Herman y dirigida por Gene Kelly,

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y Vuelve a mi lado (1970), de Alan Jay Lerner y Burton Lane y dirigida por Vincente Minnelli. Las bandas sonoras de ambos films alcanzaron los lugares 49 y 108 respectivamente en el Billboard.

A finales de los años 60, Barbra, presionada por la Columbia, empieza a cantar temas de compositores jóvenes, haciendo sus primeros pinitos en el mundo del pop y del rock. Su primer y fallido intento fue con What About Today, editado en 1969, que sólo llegó a la posición 31. Ese mismo año funda, junto a Paul Newman y Sidney Poitier, la productora First Artists, con el objeto de garantizar la realización de proyectos que los grandes estudios hubieran rechazado.

En 1971 se les unió Steve McQueen y en 1976, Dustin Hoffman.

En febrero de 1970 se editó Barbra Streisand’s Greatest Hits, que sólo alcanzó el puesto número 32.

Los gustos musicales habían cambiado drásticamente y Barbra ya no estaba vendiendo discos, aunque estaba trabajando en su transformación...

Su cuarto film, El búho y la gatita (1970), fue su primer papel «contemporáneo» y no musical en el cine. Esta divertida película está basada en la obra teatral homónima de Broadway, fue dirigida por Herbert Ross y descubrió a una actriz atrevida cuya metamorfosis y cuyo paso a un cine moderno dejó perplejos a los más duros críticos. La película se situó entre las más taquilleras del año.

En 1972 protagoniza junto a Ryan O’Neal la alocada comedia ¿Qué me

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pasa, doctor?, dirigida por de Peter Bogdanovich, que se ha convertido en un clásico de las comedias americanas. Obtuvo un enorme éxito de crítica y público... aumentando su legión de fans.

Su trabajo en 1973 en el drama romántico Tal como éramos junto a Robert Redford, dirigido por Sydney Pollack, le proporcionó un gran éxito de crítica y una segunda nominación al Oscar. La estupenda banda sonora de Marvin Hamlish alcanzó el número 20 de las listas y el álbum publicado en febrero de 1974 con el mismo título, The Way We Were, y con temas de Stevie Wonder, Carole King, Paul Simon, Michel Legrand, etc., catapultó a Streisand nuevamente hasta el número 1. En 1974 rueda ¿Qué diablos pasa aquí?, dirigida por Peter Yates.

Una comedia de enredo de bastante éxito en el verano de ese año.

En 1975 presenta Funny Lady –secuela de Funny Girl– junto a James Caan, dirigida por Herbert Ross y producida por Ray Stark.

La película también fue un éxito, y la banda sonora llegó hasta el número 6. En noviembre de ese año se edita Lazy Afternoon, uno de los discos más aclamados de la artista en los años 70, y primera colaboración con Rupert Holmes. Llegó a la posición 12 del Billboard. En febrero de 1976, y ya inmersa en el rodaje de la nueva version de Ha nacido una estrella, se publica Classical Barbra, una colección de musica clásica cantada por Barbra Streisand que dejó boquiabiertos a los

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críticos más duros de este campo musical, que llegaron a compararla con Victoria de los Ángeles. El disco clásico llegó a una increíble posición 46 entre los 200 discos de pop y rock del Billboard. Barbra obtuvo una nominación al Grammy como Mejor Cantante Clásica. Ha nacido una estrella se convirtió en la película más taquillera en la carrera de Barbra Streisand como protagonista. Fue la segunda película en el Box Office de ese año, después de Rocky. El film mostraba a una Streisand sexy y moderna, además de tener un control sin precedentes detrás de la cámara como productora ejecutiva. Barbra recibe su segundo Oscar, esta vez como compositora de Evergreen como Mejor Canción Original, convirtiéndose

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en la primera mujer en la historia en recibir este premio. El disco con las canciones de la película resultó ser un bombazo, alcanzando el número 1 del Billboard, además de ser la banda sonora más vendida de la historia hasta ese momento.

En junio de 1977 se presenta Streisand Superman, uno de los álbumes más roqueros de Barbra, donde también se incluían dos temas no utilizados en Ha nacido una estrella. Otro éxito que se situó en el número 3 de las listas. En mayo de 1978 se edita Songbird, donde además de la canción que da título al álbum destacan una estimulante versión de Tomorrow y la brillante versión en solitario de You Don’t Bring

STAR Me Flowers. En 1979 se rodó y se estrenó Combate de fondo, una comedia protagonizada junto a Ryan O’Neal y dirigida por Howard Zieff.

Aunque mal recibida por la crítica, se situó entre las 10 películas más taquilleras del año. La banda sonora alcanzó el número 20 de la lista.

El single llegó al número 3, y el maxi-single de más de 11 minutos fue un éxito en las pistas de baile.

En octubre de 1979 se edita Wet, un álbum conceptual con temas referentes al agua. El disco llegó al número 7 y fue un gran éxito por la colaboración de Donna Summer en el tema No More Tears (Enough Is Enough), sencillo y maxi-single que llegó al numero 1 y que se convirtió en todo un clásico de la música disco.

En septiembre de 1980 publicó un álbum de estudio titulado Guilty.

El disco fue un extraordinario éxito musical y de crítica, que alcanzó casi instantáneamente el número 1 en Estados Unidos y en todos los países en donde fue lanzado, incluidos los mercados del Reino Unido, Francia, Nueva Zelanda, Austria, Canadá, Italia, España, Suecia, Holanda, Noruega y Australia. A principios de 1981 se presentó Noche de pesadilla, una comedia dirigida por Jean-Claude Tramont e interpretada por Gene Hackman. Streisand fue contratada para hacer un papel secundario por el que cobró la increíble cantidad de 4 millones de dólares ¡por tres semanas de trabajo!: algo inusitado en 1980.

La película resultó ser un fracaso estrepitoso pero Barbra recibió algunas

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STAR estupendas críticas de su inusual papel. Desde 1980, Streisand estaba inmersa en la preproducción de Yentl.

El año siguiente no tenía tiempo de grabar ningún disco. Mientras estaba en Londres preparando su debut detrás de la cámara, grabó la canción Memory, del famoso musical Cats, y Comin’ in and out of Your Life.

Ambos temas sólo llegaron hasta el número 18 de las listas, pero Memory se ha convertido con el tiempo en un clásico de Barbra, aunque ha sido interpretado por multitud de cantantes.

El álbum recopilatorio que incluía estos dos nuevos temas, titulado Memories, se situó en el número 10 del Billboard obteniendo, al igual que su antecesor, 5 discos de platino en EEUU, lo que demostraba que los fans comprarían cualquier cosa con tal de que hubiera una o dos canciones nuevas.

Directora de cine En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó Yentl, experiencia que posteriormente repetiría en El príncipe de las mareas (1991) y El amor tiene dos caras (1996). El afamado director Steven Spielberg calificó Yentl de obra maestra –dijo que se trataba de «uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el Ciudadano Kane de Welles»– y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Oscar más importantes, ya que fue nominada a 5 premios menores, ganando solamente el correspondiente a la Mejor Banda Sonora.

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En septiembre de 1993, Streisand fue el centro de las noticias en el mundo al anunciar su primera gira en 27 años.

Las entradas para este tour limitado se vendieron en sólo una hora, por lo que Barbra Streisand fue portada de las publicaciones más conocidas. La revista Time llegó a calificarlo como «el evento musical del siglo». La gira fue una de las más rentables en la historia del mundo del espectáculo.

Los precios oscilaron entre los 50 y los 1.500 dólares, convirtiendo a Barbra en la intérprete mejor pagada de la historia. Barbra Streisand: The Concert consiguió 5 premios Emmy y el Peabody; la grabación del concierto ofrecido por la cadena HBO es, hasta hoy, el concierto más visto en los 30 años de historia de esta cadena.

En septiembre de 2000, Streisand anunció que se retiraba de los conciertos dando cuatro últimos espectáculos, dos en Los Ángeles y dos en Nueva York. Su última interpretación de People fue retransmitida en internet vía America Online. En 2004, Barbra reapareció en la gran pantalla coprotagonizando la comedia Los padres de él, con Dustin Hoffman, Ben Stiller y Robert De Niro entre otros, película que tuvo un gran éxito comercial y proporcionó a la actriz críticas positivas. En febrero de 2006, grabó la canción Smile junto a Tony Bennett en el estudio de grabación que la artista tiene en su casa de Malibú. La canción formó parte del álbum en motivo del 80 aniversario de Bennett. En septiembre grabaron nuevamente la canción para el especial

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STAR de televisión dirigido por Rob Marshall y titulado Tony Bennett: An American Classic. El dúo con Streisand abrió el especial. En septiembre de 2009 publica Love Is the Answer, un álbum producido por Diana Krall y en el que recoge grandes clásicos del jazz. Este disco alcanza el número 1 en el Reino Unido y en el Billboard estadounidense, siendo la primera artista que logra encabezar dicha lista durante 5 décadas consecutivas.

Barbra estuvo casada con el actor Elliott Gould de 1963 a 1971, con quien tuvo su único hijo, Jason Gould (que hace el papel de su hijo también en El príncipe de las mareas).

Streisand también es conocida por haber mantenido sonoros romances

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con Ryan O’Neal, Tom Smothers, Warren Beatty, Jon Voight, Pierre Trudeau –primer ministro de Canadá–, Omar Sharif, Don Johnson, Steve McQueen, Kris Kristofferson, Peter Jennings, Elvis Presley y Richard Baskin, entre otros. Mantuvo también una larga relación (1974-1982) con el peluquero convertido luego en productor de cine Jon Peters. No obstante, se le han atribuido numerosos falsos romances, siendo el del tenista André Agassi el más sonado, a pesar de que nunca fue confirmado y siempre fue negado por ambos. Desde el 1 de julio de 1998 está casada con el actor y también director James Brolin.

Curiosamente los dos maridos de Barbracoincidieron en 1970 en la famosa película Capricornio Uno.

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STAR FILMOGRAFIA • Funny Girl (1968) • Hello Dolly! (1969) • Vuelve a mi lado (1970) • El búho y la gatita (1970) • ¿Qué me pasa, doctor? (1972) • En el fondo de un cajón de arena (1972) • Tal como éramos (1973) • ¿Qué diablos pasa aquí? (1974) • Funny Lady (1975) • Ha nacido una estrella (1976) • Combate de fondo (1979) • Noche de pesadilla (1981) • Yentl (1983) • Loca (1987) • El príncipe de las mareas (1991) • El amor tiene dos caras (1996) • Los padres de él (2004)

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Pin y POn

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in y Pon, Pon Pin y Pon, pequeñitos... Pin y Pon, tu diversión... Y es que, rozando casi los juguetes de preescolar, Pin –era el niño– y Pon –la niña–, de la empresa Famosa, fueron los juguetes más pequeños del momento –a penas 5 cm–, pero no por ello no disfrutaban de todo un universo a su medida pese a sus limitadas capacidades, pues los muñecos tenían el cuerpo compacto de una sola pieza y de un solo color.

Así, al no tener brazos articulados les practicaron unos orificios gracias a los cuales pudiesen agarrar los complementos –de una forma un tanto ortopédica, todo sea dicho... Pin no se diferenciaba mucho de Pon, ni en el cuerpo ni en la cara –una pequeña naricilla y dos puntos negros como ojos se supone que les otorgaban la personalidad–, tan sólo en que llevaban una peluca aparatosa de colores extremos a cual más imposible, que ya querría para sí Priscilla, reina del desierto: del azul eléctrico al rosa chicle.

A mediados de los ochenta Famosa decide cambiarles completamente la fisonomía: ya no son la misma parejita

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en sus múltiples variantes, sino que se transforman según la edad, el sexo, la raza, etc. Los nuevos Pin y Pon han crecido un centímetro y tienen ahora articulados los brazos, las piernas y la cabeza, y les han cambiado el rostro modificándoles los ojos y añadiéndoles una boca sonriente. Por su parte, el pelo ahora ostenta múltiples peinados y colores más naturales; incluso hay algunos modelos con pelo sintético de muñeca y otros con barba. También lucen un vestuario más complejo.

Son especialmente interesantes la serie medieval, con castillo incluido; la de Navidad, con todas las figuras del belén; la de cuentos infantiles; la de razas del mundo junto a un animal típico de la zona, etc. El cambio fue una mejora considerable y permitió mayores posibilidades de juego.

Pero en la última década, siguiendo la política de cambio radical que últimamente ha llevado a cabo Famosa en casi todos sus productos –menos en Nenuco: un bebé siempre será un bebe–, y con resultados a menudo desastrosos, también los Pin y Pon ahora tienen nuevo rostro acorde con los tiempos que corren, en los

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que todos los muñecos han de parecer como salidos de un tebeo manga.

Les han crecido unos ojos brillantes, vuelven a tener el pelo multicolor y en cada blíster se añaden complementos para aderezarlos: lacitos, flores, joyas, etc. No se pueden considerar unas fashion dolls, porque no se les puede cambiar la ropa, pero casi. También se ha aumentado su universo con la Flower House y un maletín para poder transportarlos.

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Bild Lilli DOLLS

Para aquellos de nosotros que somos coleccionistas de Barbie «vintage» la historia de sus orígenes inspirados en Bild Lilli es bien conocida. Creo interesante e imperativo revisar y entender el pasado de Barbie porque no sólo revela la tragedia personal de un hombre sino que explica el controvertido pasado de Mattel en lo referente a la célebre muñeca.

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ue en 1952 cuando nació Lilli en su primera encarnación, como un personaje de dibujos del diario alemán Bild Zeitung. El editor había encargado al dibujante Reinhold Beuthin que dibujara algo para llenar el espacio vacío dejado por una historia que se había suprimido.

Beuthin originalmente dibujó un querubín, pero esa idea fue rechazada por el editor, argumentando que los lectores no querían ver niños.

Manteniendo la inocencia de la cara del querubín, Beuthin volvió al trabajo y en una hora ideó a Lilli, una belleza rubia subida de tono y con curvas.

Y la muñeca fue apodada Lilli porque fue el primer nombre que se le ocurrió.

Se suponía que Lilli sería maravilla de un día, pero en 1955 era tan popular que Beuthin sugirió que se hiciera una muñeca para los visitantes del periódico. Fue a doce fabricantes, pidiendo a cada uno que intentaran convertir el personaje en una muñeca:

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todos fallaron en el cometido, y cuando Reinhold Beuthin estaba al borde de la desesperación le hablaron de Rolf Hausser.

Rolf Hausser y su hermano Kurt poseían O&M Hausser, una de las empresas jugueteras más respetadas de Alemania. La compañía fue fundada por su padre, Otto Hausser, quien más tarde sería reconocido por haber inventado el elastolín, un material usado por multitud de fabricantes de juguetes durante los años 40 y 50 para hacer maquetas, como soldados de juguete.

Hausser estaba fascinado con la idea de hacer una muñeca con la forma de una mujer adulta y accedió a poner a su ingeniero jefe, Max Weisssbrodt, en ello. La muñeca Lilli salió al mercado el 12 de agosto de 1955 y se convirtió en un éxito de la noche a la mañana. A diferencia de otras muñecas de su tiempo, no era un bebé sino una

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mujer adulta moderna, y se hizo muy popular en la Europa occidental y también se vendió en Estados Unidos e Inglaterra, aunque en menores cantidades.

Su envase consistía en un tubo oval transparente con Lilli sobre una peana redonda como base y una tapa también de plástico transparente; la muñeca no estaba marcada. En unas semanas hubo tantas demandas que O&M Hausser no podía cubrirlas todas.

Lilli tenía 100 vestidos diferentes, todos hechos por Martha Maar, la suegra de Rolf y la propietaria de la empresa de vestidos de muñecas MMM. Lilli tenía ropa de playa y de esquí y vestidos de etiqueta; también tuvo minifaldas años antes de que se pusieran de moda.

La cara de Lilli estaba pintada con la mirada lateral y el iris blanco, altas y estrechas cejas en forma de uve y uñas y labios rojos. Se produjo tanto en tamaño de 30 cm como de 18 cm, y venía presentada como muñeca vestida con modelos que se vendían aparte.

En 1956 Elliot y Ruth Handler eran los cofundadores y directores de Mattel, una gran industria juguetera de los Estados Unidos. Durante unas vacaciones familiares en Suiza, un día mientras estaban de compras, la hija de Ruth, Barbara, entonces de 15 años, señaló una muñeca Lilli que estaba expuesta en un escaparate vestida con ropa de esquí. La señora Handler estaba intrigada, ya que eso era exactamente lo que había estado pensando en producir. Nunca antes

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había visto una muñeca que tuviera figura de mujer adulta y enseguida vio el potencial para el mercado americano. Compró tres muñecas: le dio una a su hija y se llevo las otras dos a casa en su maleta para sus diseñadores de Mattel. De vuelta a los Estados Unidos, la señora Handler envió a dos de sus empleados a Japón con instrucciones de encontrar un fabricante que pudiera hacer una muñeca similar. En 1959 la muñeca se había perfeccionado y se la renombró como Barbie, por la hija de Ruth. El día 9 de marzo de 1959, Barbie hizo su debut en la feria de Nueva York y el resto, como dicen, es historia.

Rolf Hausser no tenía ni idea de que una versión de su Lilli, con ropa americana y un nuevo nombre, estaba subiendo en el top chart de juguetes de los Estados Unidos: la primera vez que supo sobre Barbie fue cuando visitó una tienda de juguetes de Nuremberg en 1963. Al año siguiente, en 1964, en la feria de juguetes anual de Nuremberg, vio en el stand de Mattel una larga selección de muñecas Barbie. Comprensiblemente, Hausser estaba disgustado y furioso por lo que consideraba un robo de su muñeca Lilli y decidió que tenía que demandar a Mattel en todos los países europeos donde se vendía Barbie. No entendiendo la popularidad de Barbie en USA, y el fenómeno en el que se iba a convertir, estaba desesperado por salvar su propio rincón en el mercado juguetero europeo. Su hermano Kurt, consciente de la influencia del gigantesco rival juguetero, le persuadió de que llevar

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a Mattel a juicio podría suponer la ruina financiera para la pequeña compañía alemana. En su lugar, sugirió que O&M Hausser vendiera la patente de la muñeca, probablemente la peor cosa que la compañía pudo haber hecho.

Al final Rolf Hausser vendió los derechos mundiales de su muñeca por 69.500 marcos, menos de 18.000 dólares según el cambio de la época.

Aunque no estaba considerada una mala cifra en 1964, fue una mínima fracción de lo que Hausser podría haber ganado si Mattel hubiera aceptado el porcentaje del 1% que le había propuesto en negociaciones previas. Las consecuencias de firmar un acuerdo semejante fueron nefastas

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y O&M Hausser pronto se arruinó. Sin Lilli, que había sido su principal sostén, la compañía sufrió enormes pérdidas y enseguida se vio endeudada; el pago de Mattel no fue suficiente para salvar la compañía. La empresa alemana cerró justo unos meses después de haber cerrado el trato con Mattel y Rolf Hausser se declaró en bancarrota.

Afirmó que le costó veinte años pagar todas sus deudas.

En resumen, si Rolf Hausser nunca hubiera creado a Lilli, no habría existido arbie, y no sé vosotros, ¡pero yo no puedo imaginarme un mundo sin Barbie!

Texto: Damárys Mercado

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Pullip

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en otoño

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ste mes las Pullip se visten con los colores del otoño, que es una forma poética de decir que predominan los naranjas, los verdes y los marrones. Como se puede ver en la Pullip Amarri –ya no hago comentarios sobre estos nombres tan absurdillos–, que viste como de La casa de la pradera, y si mi memoria no me falla –que también podría ser– creo que es la primera que tiene el pelo en trenzas de lana. O sea que las posibilidades de hacerle peinados son bastante limitadas: recogerlo en coletas, en moño o suelto. Aunque sé que muchos de los coleccionistas ni las tocan: van de las cajas a la vitrina.

Mucho más agresiva llega la Byul Rihanon, Rihanon que era la última que faltaba en la serie Steam Punky. Como las anteriores, combina el look Mad Max de prendas de cuero con otras con reminiscencias victorianas, ¡incluso lleva una especie de máscara de gas!

Más romántica está Dal Risa, Risa que viene en dos versiones: Sweet Girl, con vestido ad-lib superromántico recargado de puntillas, muy estilo

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hippie ibizenco, y Rock Vintage, más urbana, como salida de Flashdance, con camiseta sport, minifalda tejana, medias grises y botas tejanas. Se complementa con abrigo de ante color camel y enorme gorrito de lana con pompones colgando, muy del estilo de las japonesas de hoy en día.

Dos opciones para dos carácteres diferentes.

En cuanto a las versiones mini, como siempre son dispersas: por un lado está la Mini Pullip Noir, Noir más o menos igualita a su versión en grande, vestida en estilo gótico, con enorme pelucón en rubio oscuro. Mini Dal Rot-Chan es una especie de Caperucita Roja moderna, con camiseta, minifaldita con volantes y el detalle de la enorme caperuza, aunque más bien tiendo a pensar que no tiene nada que ver con el personaje del cuento infantil. En cuanto a la J-Doll de este mes, nos ha sorprendido el tema escogido, Carrer de Montcada, Montcada la popular calle del Barrio Gótico de Barcelona, donde está entre otros el Museo Picasso: ¡gracias por el homenaje!

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Aidamaris Román ENTREVISTA

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i d a m a r i s R o m á n fue una de esas grandes artistas que conocimos por casualidad gracias a internet. Y la verdad es que su obra nos gustó tanto que decidimos entrevistarla porque queríamos saber algo más sobre ella y sobre su arte.

Antes de nada gracias por tu tiempo y por la belleza de tus creaciones. Me gustaría saber cuándo empezaste a crear tus primeras muñecas. ¿Qué experiencias tenías previamente?

Llevo toda mi vida como artista. Desde muy pequeña me encantaba dibujar y pintar. Tengo un talento dado por Dios, pues nunca he tomado clases de arte.

Me encanta pintar al óleo. Mi trabajo ha salido en revistas y televisión localmente en Puerto Rico. Además de pintar, hace unos años comencé a hacer muñecas. Llevo más de diez años haciendo muñecas. Comencé como artesana haciendo muñecas de trapo, las cuales vendía en ferias de artesanía, y poco a poco mi pasión por las muñecas fue creciendo y

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evolucionando. Siete años atrás comencé a esculpir. Empecé por esculpir hadas y sirenas, las cuales gustaban mucho. Pero hace algunos meses quise comenzar a hacer muñecas en porcelana. ¿Eras coleccionista de muñecas? ¿De qué tipo te gustan?

Actualmente no colecciono muñecas.

Me encanta hacerlas. Me considero artista y no coleccionista. A pesar de que me apasionan las muñecas, me encanta hacerlas para que otros las disfruten. ¿Recuerdas cuáles eran las muñecas de tu infancia? ¿Sigues conservándolas?

Definitivamente Barbie, ¡me encantaban! Y tenía muchísimas más: Strawberry Shortcake, Rose Petal, Huggabunch y Rainbow Brite eran mis favoritas. Aunque hubiese sido muy lindo, no las conservo. ¿Por qué te decidiste a trabajar con muñecas de porcelana y no otro material?

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ENTREVISTA He trabajado con distintos materiales: resina, arcilla polimérica, tela, entre otros. Pero me apasiona la porcelana: su textura, su color... Aunque es un material difícil de trabajar es inmensamente bello. Poder crear muñecas en porcelana es como un sueño. ¿Qué ventajas tiene la porcelana frente a otros materiales?

La porcelana le da un toque magistral a las muñecas, el cual no se puede conseguir usando otro material.

Puede durar muchísimo tiempo sin desmerecer su calidad. La pintura dura toda la vida. Es una inversion que dura toda la vida.

Pienso que la fragilidad de la porcelana es un inconveniente: personalmente siempre me ha dado miedo de que se me rompan. ¿No preferirías crear muñecas más vivas, que se puedan vestir, peinar, jugar con ellas…?

En cierto grado sí, la porcelana es frágil. Pero si se tratan con cuidado puedes jugar con ellas, peinarlas y vestirlas sin ningún inconveniente. Mis amigos cuando me visitan juegan con ellas, las peinan, las visten, las posan.

Es irresistible no jugar con ellas.

A pesar de que son de porcelana, son muy duraderas.

Explícame el proceso de creación, desde que tienes una idea, el boceto, etc.

El proceso comienza con una idea, la cual plasmo en papel. Cuidadosamente y meticulosamente medida. Dibujo un

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boceto con medidas exactas .Esculpo el prototipo usando arcilla polimérica.

Hago moldes y entonces comienza la produccion de muñecas en porcelana. ¿Dónde encuentras los materiales para la ropa y los complementos?

Es muy curioso dónde encuentro mis materiales. Le doy gracias a Dios por tener a mi abuela viviendo muy cerca de mí, pues ella es costurera profesional. A cada rato voy a su casa a buscar pedacitos de tela para mis muñecas. Encuentro materiales para los vestidos en todas partes: me encanta usar telas antiguas, botones antiguos... Todo el tiempo me lo paso buscando en los telares y bazares cositas curiosas y guardando para hacer vestidos y accesorios. ¿Dónde encuentras las pelucas?

Las pelucas son hechas por mí. Uso diversos tipos de pelo natural. Casi todos de oveja. ¿Cuáles son tus motivos de inspiración: libros, películas, pinturas, etc.?

Mi inspiración proviene de muchos lugares. Me encantan las películas de fantasía, como El Señor de los Anillos o Narnia, y especialmente las películas de Tim Burton. Me encanta el estilo gótico. Busco inspiración en revistas y por internet.

Me parece que hay un gran desconocimiento sobre los creadores de muñecas actuales.

Hablando de artistas de Hispanoamérica, ¿conoces

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ENTREVISTA algunos que nos puedas recomendar?

Actualmente no conozco otros artistas hispanoamericanos con la excepción de mis estudiantes, las cuales hoy día están comenzando sus negocios como artistas. ¿En qué países tienes más clientes?

Mis clientes mayormente provienen de Europa (Francia, Holanda...), Australia y Estados Unidos. Irónicamente, no tengo clientes de mi país, el cual es Puerto Rico. ¿Has ido a convenciones de muñecas, o tienes pensado hacerlo? ¿Crees que son útiles a la hora de vender y darse a conocer?

Todavía no he asistido a ninguna convención, pero sí está en mis planes futuros. Sí, creo que sería bien útil darme a conocer en este tipo de actividad. Me encantaría poder conocer a mis clientes en persona y tener una relación más personal con los coleccionistas.

Explícame la muñeca de nuestra portada: cómo la hiciste, por qué…

La muñeca de la portada, Ghost Bride, está inspirada en la película de Tim Burton La novia cadáver. Me apasiona este estilo. Ella es una novia al estilo un poco gótico. Ojos tristes, con una mirada que dice mucho, como todas mis muñecas Forgotten Hearts.

Su vestido está hecho completamente a mano, teñido en colores blanco y

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ENTREVISTA gris. Con un estilo gótico victoriano. Con diferentes tipos de telas, rasgados para darle el toque de fantasma. El velo es también hecho a mano, en colores blanco y negro. ¿Cuáles son tus planes de futuro?

Muchísimos. Con la ayuda de Dios quiero llegar hasta donde Él me permita llegar. Quiero hacer exposiciones con mis muñecas. Tengo en mis planes futuros hacer mi línea de muñecas más completa y añadir a la colección sirenas, hombres y niños. Quiero expandir mi línea de vestidos y accesorios y aumentar mi produccion de muñecas.

Gracias por tus respuestas, te deseamos muchos éxitos .

Entrevista: Guillem Medina

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Green Lantern

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ntes de que Izquierda Unida tomara este color como distintivo, mucho antes de que el lema «Piensa en verde» nos referenciara a una conocida cerveza, la factoría DC ya lo había hecho suyo, aplicándolo a varios de sus héroes, siendo el que nos ocupa el más característico y curioso, sobre todo por la fuente de la que obtiene sus superpoderes.

Pero vayamos por partes. Linterna Verde –así es como fue bautizado en los países de habla hispana– vio la luz por vez primera en las páginas del número 16 de All-American Comics.

Creado por el dibujante Martin Nodell, apoyado por el guionista Bill Finger y el editor Sheldon Mayer, se inspiraba en Aladino y su lámpara maravillosa, substituyendo la lámpara, en este caso, por una curiosa linterna de procedencia extraterrestre. Buenta parte de su éxito de debe, además, a contar en sus inicios con guiones del entonces principiante Alfred Bester, ahora consumado novelista de éxito.

Para entender la idiosincrasia del personaje, tenemos que hablar, antes

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que nada, de qué es el Green Lantern Corps. Se trata de un cuerpo de justicieros, más o menos enmascarados, creados hace más de tres mil años por los Guardianes del Universo y que tienen como misión, aparte de mantener viva la industria interplanetaria de confección con lycra, reducir la difusión del mal por el universo. Sus fundadores dividieron el cosmos en 3.600 sectores conocidos y formaron el Corps con individuos carentes del sentido del ridículo, a la vista de los uniformes que lucen, y armados con anillos tallados específicamente. Estas joyitas recargan sus poderes a través de las linternas de poder cósmico, personales e intransferibles, que posee cada uno de los miembros de la panda y que deben su energía al Starheart, un orbe en el que están atrapadas las energías mágicas de todo el universo conocido y del cual poseen un fragmento.

Por otra parte, y como se trata de un empleo –más que, como en el caso de la mayoría de los superhéroes, por vocación de buenazo–, Green Lantern ha tenido numerosos físicos y caras.

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Bueno, lo de los físicos es relativo.

Todos han estado de un mazas que tira de espaldas...

El primero fue Alan Scott, que era hermoso y rubio como la cerveza.

También su anillo era el único que funcionaba contra los objetos de color amarillo –que, de todos es sabido, traen suerte nefasta a los artistas–, pero era inútil contra la madera. Curiosidades de la joyería intergaláctica... A Scott se le atribuye la fundación de la Sociedad de la Justicia de América durante la Segunda Guerra Mundial.

Tomó el relevo Hal Jordan, que para no ser menos que su antecesor fundó la Liga de la Justicia de América, junto con Flash y Aquaman. Tamaña panda de pájaros combatió a un Green Lantern caído –¡siempre hay uno, cielos!–, que lucía el original apelativo de Sinestro. Y es que, con ese nombre, bueno no se puede ser. Aunque Jordan no se quedaría corto, ya que cuando el cyborg Superman destruyó su hogar, Coast City, éste intentó recuperarlo con el poder del anillo –¿esto no suena como muy… tolkieniano?–, cosa que los Guardianes no le permitieron. Loco de dolor, Jordan destruyó, en venganza, a los Guardianes y sus Corps y se cambió el nombre por el de Parallax, que quedaba como más exótico.

A continuación, ocupó la vacante Guy Gardner, que había quedado segundo en las oposiciones de linternero que ganó Jordan. Y pronto se supo por qué, ya que, aunque el uniforme le quedaba divinamente, el chico era un poquito

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lerdo y pendenciero, por lo que perdió la plaza en menos que canta un gallo. Luego nos enteraríamos de que era un guerrero vuldariano alterado genéticamente. Y es que ya se sabe: de los vuldarianos, líbranos Señor.

John Stewart fue el encargado de substituir a un Guy Gardner comatoso.

Este cachas de color –negro– más que impresionante se ha convertido, en opinión de los entendidos y de mi cuñada Mari Nieves, en uno de los mejores portadores del anillo. Bueno, algún que otro fallo tuvo el chico, ya que destruyó accidentalmente el planeta Xanshi –no se podía haber conformado con romper una figurita de Lladró, ¡no!– y luego perdió a su esposa Katma Tui a manos de Star Sapphire, cosa que entendemos, porque es que, con un nombre así, la señora lo estaba pidiendo a gritos. Más tarde, como el chico era un poco gafe, se quedó paralítico de cintura para abajo –suerte que su esposa ya había muerto, que si no, ¡pobre señora!– pero Hal Jordan / Parallax le devolvió, pasado un tiempo, el uso de sus piernas y... de todo lo demás. Al final se retiró del mundanal ruido y se dedicó a su vocación de toda la vida, la arquitectura.

Kyle Rayner es reclutado por Ganthet, el último Guardián del Universo, y hasta ahora –si este artículo no tarda mucho en salir– es el Green Lantern titular.

Morenazo bastante aparente y dibujante de historietas de profesión, para afianzar su posición como justiciero verde se lió con Jade, la hija de Alan Scott, el primero de la lista de los anilleros.

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Su trabajo de artista, aparte de pagar las facturas –lo de Green Lantern es como hacer de voluntario en una ONG– , le ha servido para crear con su anillo cualquier cosa que sepa hacer con los lápices. También resucitó a los Guardianes, que muy muertos no debían de estar, y ayudó a crear un nuevo Corps. Este trabajo lo mantuvo ocupado una larga temporada, tiempo que su novia dedicó a confeccionarle una bonita y robusta cornamenta.

Y resulta que en una de sus refriegas el muchacho la palmó a principios de 2010, pero lo resucitaron a la siguiente entrega. Cosas de superhéroes...

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No te los puedes perder • All-American Comics nº 16 (julio de 1940): La primera aparición con Alan Scott. Todo mucho más ingenuo y sencillo y el uniforme verde y rojo en lugar de verde y negro.

• Showcase nº 22 (octubre de 1959): Se calza las mallas y el anillo Hal Jordan. Lo guioniza John Broome y el genial Gil Kane lo dibuja.

• Green Lantern II nº 59 (marzo de 1968): A escena Guy Gadner, el más rebelde e indomable Linterna Verde.

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• Green Lantern II nº 76 (abril de 1970): Hal Jordan y Oliver Queen, Linterna Verde y Flecha Verde respectivamente, llenan de verde las páginas del cómic y el mundo de la amistad entre superhéroes. Amistad... nada más. Sea como fuere, la idea se les ocurrió a Dennis O’Neil y Neal Adams.

• Green Lantern II nº 87 (enero de 1972): El arquitecto y megacachas John Stewart empieza sus aventuras con el anillo.

• Green Lantern III nº 48-50 (enero-marzo de 1994): Kyle Rayner, el rey de los lápices, se convierte en Green Lantern y nos obsequia con la deliciosa saga Crepúsculo Esmeralda, con Hal Jordan ya como el malo maloso Parallax.

• Green Lantern III nº 162- 164 (junio-agosto de 2003): Flecha Verde también hace buenas migas con Rayner y se meten a detectives intergalácticos.

Suponemos que el cómic lo dibujó a posteriori el mismísimo Rayner.

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CÓMIC Destellos verdes en la gran pantalla Llevar el personaje al celuloide era una idea que corría por los mentideros de Hollywood desde hacía ya mucho tiempo...

En 2007, Greg Berlanti había firmado para dirigir y coescribir un guión para una película sobre Green Lantern con personajes reales, junto con Marc Guggenheim y Michael Green, teniendo a Hal Jordan, el segundo en calzarse las mallas verdosas, como el personaje principal. Pero la idea ya venía de lejos, ya que en 1997 la Warner había propuesto a Kevin Smith, director de cine y guionista de cómic por añadidura, realizar un film sobre el personaje. Proyecto que por diferentes razones no llegó a buen puerto...

El caso es que el proyecto de 2007 cambió más de guionistas y equipo que Carrie Bradshaw de zapatos y, entre unas cosas y otras, parece que desde enero de 2010 la cosa va en serio.

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Con un equipo de ganadores de Oscar entre los que destacan la fotografía de Dion Beebe –Memorias de una geisha, Chicago–, el diseñador de producción Grant Major, la diseñadora de vestuario Ngila Dickson –El Señor de los Añillos– y el director de arte François Audouy –Avatar, Soy leyenda, Watchmen, Transformers–, entre otros. La batuta de la dirección recae en Martin Campbell –Casino Royale, Goldeneye– y el reparto, cómo no, también está compuesto por astros y estrellas de la pantalla, a saber: Ryan Reynolds, uno de los actores del momento y que hace humedecer a medio planeta, que dará vida a Hal Jordan (Linterna Verde).

Blake Libely sería Carol Ferris, la novia del prota, pero parece que aún podría haber cambios. Y como malvados se cuenta con Peter Sarsgaard como Hector Hammond y Mark Strong como Sinestro, entre otros actores. Si no pasa nada y el tiempo acompaña, se prevé que llegará a los cines en junio de 2011.

Texto: Sebas Martín

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El perro de Flandes

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l perro de Flandes es una serie de anime basada en la novela A Dog of Flanders de Marie Louise de la Ramée. La serie fue emitida originalmente en Japón en el año 1975, como parte del programa infantil Sekai Meisaku Gekijo (‘El Teatro de las Obras Maestras del Mundo’), de Nippon Animation. En este mismo programa se había emitido anteriormente una gran variedad de series de animación basadas en diferentes obras literarias infantiles, entre las cuales Heidi (1974) y Marco (1976). En España, la serie fue emitida varias veces a través de diferentes canales, entre ellos Televisión Española, Antena 3 y Tele 5. Planeta Junior se ha encargado de recuperar la serie en DVD.

Argumento El pequeño Nicolás es un alegre muchacho de una familia pobre. Sus padres habían muerto y por esa razón ahora trabaja vendiendo leche con su abuelo. El abuelo no goza de buena salud y por eso se preocupa él solo de llevar a cabo la labor, con lo que

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el anciano puede descansar. Un día su mejor amiga, la dulce Marta, le pide a Nicolás que le traiga algunos caramelos de fresa del mercado que se celebra en el pueblo y es así como Nicolás se encuentra con el desdichado perro Patrash, víctima de los abusos de su cruel amo. Nicolás se compadece del perro y se lo lleva consigo; ahí empieza una gran amistad entre el muchacho y el perro. Además, Patrash le está muy agradecido a Nicolás por su compasión y se asegura de poder servirle con su ayuda en el trabajo tirando del carro de la leche.

Los problemas vienen más adelante, cuando el dinero empieza a hacer más falta; Nicolás ha de pensar en su futuro y en cómo cuidar de su abuelo. Así descubre su gran talento por el arte y la pintura; sueña con ser pintor, pero desgraciadamente no hay muchos que estén de acuerdo en que eso es un porvenir. La Navidad se acerca y Nicolás participa en un concurso de dibujo esperando ganar, pero no lo logra. Además, su abuelo muere y lo culpan de causar un incendio, aunque todo son calumnias. Sin lugar adonde

CULT TV ir, Nicolás y Patrash deciden ver un cuadro de Rubens pero no los dejan entrar porque no tiene con qué pagar.

Pero consiguen colarse por la noche y a la mañana siguiente encuentran a Nicolás y Patrash muertos por el frío junto a la pintura de Rubens.

Curiosidades El primer doblaje al español, grabado en Barcelona y emitido por Televisión Española en 1978, conserva el nombre del protagonista, Nello, según la versión original en japonés, sin embargo el nombre de su compañera Alois es alterado como Aroa.

En el segundo doblaje, grabado en Madrid y basado en el doblaje al alemán, el protagonista se llama Nicolás –traducido de Niklass–, mientras que a su compañera la llaman Marta, donde en dicho doblaje alemán se llama Aneka.

En el único doblaje realizado para la versión cinematográfica estrenada en el año 1997 se conservan ambos nombres originales. Por otra parte, los últimos minutos de esta versión fueron alterados, sugiriendo que el trágico final de la historia se tratase simplemente de un sueño del cual los personajes despertarían posteriormente.

Dos de los componentes del grupo de rock japonés L’Arc-en-Ciel compusieron su single Snow Drop después de ver el anime y basándose en los sentimientos del protagonista.

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¡Bruja, BARBIE

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más que bruja!

or estas fechas es ya habitual que Barbie se vista de bruja y otros estilos similares para celebrar Halloween, así que hemos hecho una recopilación de todas las brujas que hemos podido, ya sean muñecas oficiales creadas por Mattel especialmente para esta celebración u otras en la categoría one of a kind, creaciones de artistas, a veces a la venta y otras sólo como simple obra de arte. Como veis, las Barbies de Mattel tampoco son nada del otro mundo: abundan los tonos naranjas y negros, y también los encajes, la purpurina y las estrellitas plateadas. En cuanto a los sombreros, pues deciros que el plástico se lleva mucho –más que nada porque no se deforma y siempre mantiene la forma de cucurucho puntiagudo–, y lo que vemos es que la mayoría no llevan escoba, o sea que las dejan sin medio de locomoción.

Me parecen mucho más interesantes Kelly y Tommy –los pequeñuelos de Mattel–, que aprovechan para vestirse de monstruítos, de vampiros, de brujitas divertidas o de calabazas.

Sea como sea, aprovechad y salid de fiesta, ¡es hora de disfrazarse!

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Monster High

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onster High es la nueva propuesta para estas Navidades de la empresa Mattel.

Las muñecas, siguiendo un estilo que estaría entre las My Scene y las Bratz, propone en cambio algo totalmente novedoso: son adolescentes modernas, de edad estudiantil, pero tienen pinta de monstruítas. En la primera serie las componentes son: Claudeen Wolf, Wolf la hija del hombre-lobo, con su larguísima melena pelirroja, o Frankie Stein, Stein la hija del monstruo de Frankenstein, con la piel verde pálido, el pelo con mechas blancas y negras y el cuerpo lleno de cicatrices y costurones. Draculaura es la hija del Conde Drácula, de piel rosadita, quien luce melena negra con mechas fucsia a juego con la ropa, y unos pequeños colmillitos. Cleo de Nile es la hija de la momia, superpija, y combina el estilo Alto Imperio con la moda más chic del momento; además, es la novia de Deuce Gorgon, Gorgon el hijo de la Gorgona, claro que él lleva el peinado de serpientes con una cresta punky modernísima. Y por fin tenemos también a Lagoona Blue, Blue la hija del monstruo de la laguna, con la piel azul llena de escamas y larga melena rubia.

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Parchís CULT MUSIC

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n los años setenta hubo muchos adultos que se dedicaron a cantar a los niños –digo yo que se podían haber dedicado a otros menesteres y dejarnos en paz–, como el diminuto Torrebruno o la risueña Teresa Rabal. Pero, en el fondo, los niños lo que queríamos eran chavales de nuestra edad que nos cantasen temas modernos, sin tanta mermelada y sonrisa Profidén: por eso nos volvimos majaras cuando apareció el grupo Parchís, cinco niños como nosotros, cada uno vestido del color de la ficha que representaban: Tino (la ficha roja), Yolanda (la ficha amarilla), Gemma (la ficha verde), David (el dado, que vestía de blanco) y Óscar (la ficha azul, el más pequeño de todos, que rápidamente sería sustituido por Frank). En los últimos años del grupo aún habría dos cambios más: el de Tino y David por Chus y Michel, hermanos que al crecer formarían el grupo Platón.

Parchís debutó en 1979 reversionando temas «adultos» de éxito internacional, como In the Navy de los Village People o Gloria de Umberto Tozzi.

Pero adquirirían mayor gloria cuando cantaron el tema principal de la teleserie La batalla de los planetas

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(«…Comando G… Comando G... siempre alerta está…») y al realizar su primer film, La guerra de los niños, al que seguirían seis películas más, algunas de ellas realizadas en Sudamérica, donde el grupo literalmente arrasó en todas las listas de éxitos.

Recordemos aquella colección que sacó Bruguera junto a Discos Belter llamada Oye, Mira dedicada a varios grupos infantiles: el de Parchís fue uno de los más vendidos.

La mala gestión económica de Belter, su casa discográfica, hizo que la formación se disolviera definitivamente en 1985, convirtiéndose a partir de entonces en grupo de culto del que continuamente se hacen nuevas versiones y cuyos miembros han salido en infinidad de programas contando su vida posterior. De hecho, aunque Tino fue el único que probó una carrera musical en solitario, la que siguió en el mundo de la farándula fue Yolanda, hija del trompetista Rudy Ventura, que encontró en México el filón adonde redirigir su carrera, convirtiéndose en una popular actriz de culebrones.

Gemma trabajó como puericultora, David es publicitario en los Estados Unidos, Óscar está en un grupo editorial y Frank se ha dedicado al rock.

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Mundo Juvenil

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undo Juvenil, Juvenil también titulada Revista de los Amigos de Marisol, era simplemente una publicación a mayor gloria de la niña cantarina, que informaba de todas las actividades que ésta llevaba a cabo en su vida artística y, de paso, colocaban alguna página de cómic, de relleno.

Creada en 1963 por la editorial Bruguera, llegó a tener 57 números, más o menos los que diera de sí el mito, que por aquel entonces ya era demasiado mayorcita para ser un ídolo sólo apto para el público infantil.

El rostro sonriente de Marisol aparecía en la portada de todos los ejemplares, aunque a partir del número 28 empezó a alternar con fotos de guapitos oficiales del momento: Troy Donahue, Sal Mineo o Bob Conrad fueron algunos de los que «estaban a la altura» de la niña que comenzaba a ser mujercita y, por tanto, a interesarse por los chicos. De hecho, la propia Marisol fue en la revista personaje de cómic, dibujado por Marcel Guillamon: era una chica estudiante, educada y responsable, como se supone que debía de ser la actriz a su edad;

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la líder de la clase a la que todas las demás compañeras pedían consejo, pues Marisol, como una Mary Poppins en miniatura que a veces se arrancaba por seguidillas, era nauseabundamente perfecta en todo.

Para saber por dónde iba la ideología de la revista, ya en el primer número Marisol se dirigía directamente a los lectores en una carta manuscrita: «Muchas veces he tenido que escribir cartas para deciros lo difícil que resultaba mantener correspondencia con todos los niños y niñas que me escribían. Hasta hoy no podía dar una solución, pero ahora, y gracias a Mundo Juvenil, tanto vosotros como yo podremos tener un contacto, imposible de lograr de otra manera»; y continuaba: «tendremos nuestros distintivos, nuestros banderines y, sobre todo, haremos lo que podamos por los asilos, los pobres y cuantos necesiten de nosotros». El recurso de la bondad y la caridad para llegar a cuantos más lectores mejor...

Siguiendo con la parte gráfica, otros personajes de cómic que podíamos encontrar eran Lulú, estrella precoz, obra de los inicios de Íñigo; Landers

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School, pensionado para señoritas, de Cuyàs; La alegre pandilla, de Segura; Una historieta Riera-Marsá, que no era más que publicidad de la gelatina de fruta Royal encubierta bajo una simpática tira cómica; o Eloy, chico de hoy, también de Íñigo, una especie de Polvorilla o Piluca, niña moderna en versión masculina.

Y poquito más...

Pero Mundo Juvenil era básicamente Marisol y sus circunstancias: grandes reportajes fotográficos donde se ilustra la visita de la chica a alguna ciudad o país exótico, con fotos de los fans que la recibían y que se contaban por centenares; Marisol recuerda, un articulito rememorando una anécdota del pasado; reportajes a los «supuestos» novios de Marisol, o sea sus partenaires en los films; sección de moda para las amigas de la actriz... También hubo un apartado con la relación de los grupos de Amigos de Marisol formados en las diferentes localidades, con el nombre de su presidente y los miembros que lo formaban, a veces con la foto incluída. A cambio, la revista les enviaba un carnet coquetón, aparte de insignias, escudos y banderines... Me gustaría saber qué fue de todos estos grupos cuando la revista se extinguió al cabo de pocos años. Porque la publicación, vista hoy en día, es de un agobiante culto a la estrellita a la que no quedaba ni una sola hora al día que no estuviera perfectamente explicada.

No es de extrañar, pues, que la propia Pepa Flores acabase harta de Marisol.

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¡Que vienen los rusos!

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ara la nueva colección 2011 Barbie vuelve a vestirse de rusa en la línea Silkstone, con tres modelitos: Darya –vestida de gala en tonos rojo y dorado–, Mila –con traje folclórico–, Verushka –más moderna, de negro– y Ken vestido como soldado de la guardia. Pero Barbie ya se había vestido de rusa en otras ocasiones, concretamente en la serie Dolls of the World. La primera de ellas fue en 1989, cuando lucía el terrible vestido color fucsia que podéis ver aquí al lado. Lo remataba con hombreras y gorrito de «piel» negra. El siguiente intento fue en 1997, con un traje más folclórico y «realista» aunque la calidad de las telas era mínima y el molde usado para la muñeca –con sonrisa Profidén– fuese nefasto. La siguiente Barbie rusa sería para la Princess Collection de 2005, con un tocado de lujo y un vestido sencillito. La última de la lista apareció precisamente el pasado año también en la serie Dolls of the World, con un sencillo y austero abrigo azul marino, botas altas y sombrero de piel. Esperamos que este país siga siendo una fuente de inspiración.

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40 aniversario de DISET EVENTO

Este año la empresa juguetera Diset ha cumplido 40 años de actividad.

Todo un récord si consideramos cuántas empresas de la época siguen en activo y compitiendo con sus productos. Para celebrarlo, Diset organizó un evento en el que se hizo un recorrido por su historia y, de paso, nos presentó un estudio sobre los hábitos de juego de los niños españoles.

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ue en 1970 cuando tres diseñadores gráficos de Barcelona tuvieron la idea de poner en marcha un proyecto común, con el objetivo de llevar su experiencia profesional a un nuevo nivel, ofreciendo a los niños la posibilidad de aprender con un juego de mesa que, desde principios del siglo XX, fue un entretenimiento exclusivo de los adultos: el puzzle.

El siguiente paso fue la adquisición de Diset por MR De Monchy, para empezar sus exportaciones a Europa y los Estados Unidos. La compañía creció y amplió sus productos. Crearon nuevos juegos y empezaron a destacar en juguetes educativos, que, a día de hoy, le dan una posición de liderazgo dentro del sector. En años posteriores Diset presentó dos productos que revolucionarían el mercado de juguetes

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en España. El primero fue Naturín, unos puzzles progresivos, de 4 a 12 piezas, con fotos e ilustraciones de animales que ayudan a identificarlos en su entorno. Aparecieron en el mercado en 1975, y aun hoy, 35 años después, están a la venta con el mismo nombre e idéntico concepto de juego.

El segundo producto fue un juego de construcción llamado Bambino, que sigue en la memoria de todos por su revolucionario packaging parecido a un tambor de detergente. Años más tarde, en 1982, la compañía introdujo una serie de juegos que hoy en día son considerados míticos; entre otros, el juego de estrategia Stratego.

Nueve años después, la compañía desarrolló un juego educativo que además incorporaba elementos tecnológicos que permitían al niño o a la niña interactuar con el producto

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como nunca antes lo habían podido hacer: Lectrón, un divertido juego educativo que se ha sofisticado año tras año y que actualmente es uno de los más reconocidos.

En 1992 Diset introdujo en España el juego de construcción Meccano y lanzó al mercado Party & Co., un completo juego creado por la empresa para el público adulto que agrupaba lo mejor de cada juego: dibujo, mímica, preguntas de cultura general, palabras prohibidas… Convertido en uno de los más vendidos en España y parte de Europa, es el actual buque insignia de Diset. Con el paso del tiempo, se han desarrollado diferentes versiones para todas las edades a lo largo de los diez años siguientes, entre las cuales

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Junior y Extreme 2.0. En 1993, Diset consiguió el reconocimiento Guinness con la construcción del puzzle más grande del mundo, en el estadio olímpico Lluís Companys de Barcelona y cuya última pieza fue colocada por Pasqual Maragall, ex presidente de la Generalitat de Catalunya y alcalde de la ciudad por aquel entonces.

Años más tarde la empresa, ya madura y con un gran catálogo de exitosos juegos de mesa y educativos, se fusiona con la holandesa Jumbo, creando Jumbo Diset BV, una transacción que acabó abriendo nuevas oportunidades internacionales para la compañía. En 1998, y sin apartarse de su filosofía de juegos

EVENTO educativos, Diset lanza la serie de juegos A Comer Sano para que los más pequeños de la casa tuvieran consciencia de la importancia de mantener una correcta alimentación.

Celebrando el 40 aniversario Cuarenta años después, Diset sigue siendo esa empresa comprometida con un negocio sostenible en el segmento de los juegos de mesa y educativos.

Desde 1970 colaboran en el desarrollo de los más pequeños aportando juegos que estimulan su desarrollo personal, especialmente en esas edades tempranas y hasta llegar a la edad adulta.

Diset ha presentado este año un estudio sobre los hábitos de juego de los niños españoles de 3 a 14 años, en un evento organizado con motivo de su 40 aniversario. El acto ha tenido lugar en el espacio Baby Dell de Madrid, donde se han presentado los resultados sobre su estudio de la mano de una psicóloga infantil y la cantante Gisela.

El sentido solidario de Diset se demostró cuando Gilsela hizo entrega –en nombre de todos los trabajadores de la empresa– de treinta mil euros en juguetes a los tres centros hospitalarios con unidad infantil de Madrid. Esta donación ayudará a más de 700 niños hospitalizados.

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EVENTO El estudio Se llevó a cabo durante el pasado mes de agosto, mediante entrevistas on line sobre un universo de padres con hijos entre los 3 y los 14 años residentes en España.

A la pregunta de «¿Qué entendemos por jugar?», el 94% de padres con hijos de entre 3 a 6 años cree que jugar se traduce en aprender y el 94% de padres con hijos de entre 7 a 14 opina que jugar es divertirse. Otro punto significativo es que el 85% de los padres encuestados también opina que jugar es compartir. «Compartir es un hecho con el que nos encontramos en nuestra vida diaria. Transmitir a los niños este valor es fundamental para que asimilen unas normas de juego, de negociación y, por supuesto, de aceptación por parte del grupo que participa en el juego que le serán muy útiles en el futuro», nos comenta Silvia Álava, psicóloga coordinadora del estudio realizado para Diset.

La principal conclusión que se desprende del estudio realizado es que un 94% de los niños entre 3 y 6 años tienen por costumbre jugar con juguetes tradicionales, mientras que los niños de 7 a 14 años dedican más de la mitad de su tiempo de juego a las videoconsolas. Sobre este punto, Silvia nos advierte: «No podemos eludir la importancia que tienen los juegos tradicionales en el desarrollo de los pequeños, y sería bueno favorecer que los niños no empleen todo su

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tiempo en juegos electrónicos».

En la mayoría de los casos, los niños tienen por costumbre jugar al salir de clase antes que realizar actividades de repaso escolar. Los juguetes denominados «educativos» colaboran para que los niños, a la vez que juegan, aprendan y puedan desarrollar sus conocimientos. De esta forma, el juego es un aprendizaje ameno y divertido que se convierte en una alternativa de repaso educativo.

Texto: Juan González

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