Toyland Magazine by Lucas Wainer

TOYLAND Nยบ 18 DICIEMBRE 2010

Magazine

ESPECIAL NAVIDAD

Cissy Kitty Collier

Cascanueces JAMES DEAN

Entrevista a JAN

Linda Pirula Lucky Luke Banner y Flappy Los Payasos de la Tele

ÍNDICE

Héroes Por lo general no confío mucho en los films que hablan de lo idílica que se supone que fue nuestra infancia, así como recelo un poco de montajes teatrales que se basan en entrometerse en nuestro pasado, hablando de los dibujos que veíamos, los juguetes que tuvimos o los pastelitos que nos comíamos. Pienso que a veces van directos a la lágrima fácil, a hurgar donde más duele: cualquier tiempo pasado fue mejor... Y con esos prejuicios entré a ver la película Héroes dirigida por Pau Freixas, pensando que sería una especie de Verano Azul. ¡Menudo error el mío! Dejando de lado a los actores adultos principales, que hacen una horrible imitación de La fiera de mi niña, la historia que nos cuenta de los chavales es tan real y sabe dar tan bien en el clavo que cada uno se podrá sentir identificado profundamente con algún hecho de la película, y es entonces cuando llega el momento llanto, no por la tragedia que hay dentro de la historia, sino por la tragedia personal cuando te das cuenta que aquella época pasó y que sí... que hubo quien no tenía amigos, que había quien tuvo un amor no correspondido, o constatar cómo veíamos con envidia a los mayores en sus motos mientras nosotros pedaleábamos en una bici múltiples veces remendada. Pero eso es bonito que haya pasado y... eso sí que es una tragedia... Así que os recomendamos muchísimo que la veáis y os dejéis llevar por los recuerdos. Una buena opción para estas fiestas navideñas en las que se supone que seguimos en crisis, aunque los precios no bajen: España es uno de los países más caros en comparación, y encima a veces parece que estemos en el tercer mundo, o el cuarto. Anyway, ¡¡¡Felices Fiestas!!!

6 News

8 Dolls Kitty Collier

18 Storyland Cascanueces

28 Dolls Exclusiva Cissy

38 Star James Dean

52 Made in Spain Linda Pirula 60 Entrevista Jan

70 Pullip Escuela de ninjas 76 Dolls Barbie en Navidad 86 Cult TV Banner y Flappy

90 Dolls Madame Alexander en Navidad 96 Artista Paul Crees y Peter Coe

·············>

ÍNDICE 102 Itzi World Canción de Navidad

106 Artista Gallarda

112 Cómic Lucky Luke

122 Cult Music Los Payasos de la Tele 128 Evento Salón del Manga

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón Colaboradores: Sebas Martín, Enric Fontvila, Angel, Robert Ramos, Itzi Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Mattel, Paola Reina, Famosa, Berjusa, Integrity Toys, Tonner Doll Company, Disney, Pullip, Glénat, Norma Editorial, Planeta Junior, Todocolección

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NEWS Novedades en DVD para estas Navidades Para estas fechas se prevé un aluvión de novedades en DVD dirigidas a todos los públicos, aunque teniendo muy en cuenta al público infantil, que es quien más consume. Desde los clásicos de Disney como La Bella y la Bestia o Tiana, a los nuevos héroes como Astroboy o Shrek. También los personajes de televisión tienen cada vez más importancia, como Manny Manitas o Dora. Asimismo, los juguetes se convierten en personajes de animación, como los Lego o Barbie, y una propuesta divertida aparecida en TV e internet, Arròs covat, minicortos para no parar de reir.

NEWS

DOLLS

Kitty Collier

«En un tiempo imaginario, y en un lugar de fantasía, Kitty abre su propia boutique que presume de tener los vestidos y accesorios más bonitos y elegantes. Kitty es su propia modelo y luce su exquisita moda con un aire muy femenino.» Así se presentó Kitty Collier en el año 2000, en pleno auge de las muñecas maniquí, y, aunque hoy en día ya es historia, sigue siendo recordada por su buen gusto y elegancia.

itty Collier fue creada por Robert Tonner en el año 2000 como una muñeca articulada de vinilo de 18 pulgadas –unos 46 cm–, pelo implantado y ojos acrílicos insertados. De marcado estilo vintage, los vestidos y accesorios de Kitty eran exquisitos, muy femeninos, y estaban muy bien confeccionados. Aunque en el mercado ya había muñecas como Gene o como Tyler, Kitty era diferente, no sólo por su estilo sino por su gran calidad, algo que muy pocas muñecas hasta la fecha han conseguido.

Los primeros modelos que se pusieron a la venta eran muñecas básicas vestidas en ropa interior con el pelo rubio, castaño o pelirrojo. El maquillaje de Kitty en aquella época era muy delicado, con apenas una sombra en los ojos y los labios de un rojo subido. Ese año se crearon dos muñecas

vestidas y cuatro vestidos sueltos: uno de ellos, Cocktails at Five, también se podía encontrar en muñeca. Al año siguiente Kitty continuó con la misma imagen y vistiendo la misma ropa interior en las muñecas básicas, que continuaban con los mismos tonos de pelo. Ese año se añadieron cuatro conjuntos nuevos, todos de corte clásico y exquisitamente confeccionados, como el colorista Patio Party o el folklórico Down Mexico Way; el resto eran muñecas vestidas. En el año 2002 Kitty sufre un ligero cambio de look que se nota en un maquillaje algo más subido de tono en los ojos, mientras que los labios lucen distintas tonalidades aparte del rojo original, como el rosa o el naranja. La muñeca básica luce ahora un conjunto de sujetador y fajita muy completito que la hace más esbelta.

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Para este año se crean cuatro modelitos nuevos, entre ellos el fabuloso traje chaqueta Lunch with the Ladies o el romántico Parfait Promenade, y siete muñecas vestidas, entre las que destacamos First Class, con su blusa reversible; American Beauty, una belleza en blanco y negro; o Lilac Cotillion, que ganó uno de los premios DOTY del año 2002; sin olvidarnos de la magnífica Year of the Dragon, de inspiración oriental. También se le crean una serie de accesorios como zapatos y peanas que pueden comprarse aparte; las peanas, complicadísimas, nunca han acabado de funcionar bien. En el catálogo de finales de año se editó una maravillosa Kitty llamada Serenade dentro de la serie Kitty Couture, junto

con la muñeca Fifth Avenue y un kit de zapatos. En 2003 a Kitty se la dotó de articulación en rodillas, cintura y caderas, lo que la hacía más posable, y volvió a lucir un body como en los primeros años. Ese año se creó un baúl para guardar sus vestidos y accesorios, además de añadirle tres vestidos más a su ya extenso guardarropa. También se crearon muñecas como la elegante Park Avenue, con una estola de pieles que parecía real, o My Special Evening, que lucía un deslumbrante vestido de noche en rojo y fucsia. Ese mismo año debutó la versión mini de Kitty, Tiny Kitty Collier, de quien hablaremos más adelante. En 2004, la muñeca básica fue la misma del año anterior y vimos pocas novedades, a excepción

DOLLS del vestido de cóctel Touch of Class o de dos maravillas como la Empress Kitty y Kitty XVI, las primeras muñecas históricas de la colección. A finales de año se editaron dos trajes más: English Breakfast, con versión idéntica para Tiny Kitty, y el estiloso Avenue Shopping. La muñeca vestida Golden Ambiance le daba el toque final a la colección de ese año. En 2005 Kitty celebraba sus primeros cinco años y, para conmemorarlos, se le cambió el maquillaje y el peinado a la muñeca básica, que este año luciría un sujetador y una media combinación. Se le hicieron sólo dos vestidos, pero a cambio se crearon tres magnificas muñecas, entre ellas Nobility & Nuances y la maravillosa Lady Kitty,

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que lucía un esplendido traje morado de principios del siglo XX con un gran sombrero y sombrilla a juego: un encanto de muñeca. En el catálogo de otoño se presentaba una maravillosa Kitty llamada Sunshine & Daisies, con un espectacular vestido blanco con toques de amarillo y unas margaritas adornando el vestido y el tocado. En 2006 la muñeca básica ya no lucía ropa interior, sino que llevaba un bañador retro estampado, con cinta en el pelo a juego. Su peinado y el maquillaje eran distintos y los modelitos que se hicieron aquel año fueron algo escasos; y es que, aunque seguía siendo una muñeca elegante, cada vez se le confeccionaban menos vestidos y este año solo tuvo dos: el resto fueron muñecas vestidas. Sin embargo, la colección nos premió con un magnífico traje como es Shophisticaton. En 2007 ya no se hizo muñeca básica, pero sí dos vestidos y una muñeca vestida con un traje de finales del siglo XIX llamada Miss Kitty’s Stroll. Este fue el último año que supimos de ella, dejando a sus fans huérfanos de muñecas de calidad con estilo y trajes de ensueño. La colección histórica prometía mucho, pero desgraciadamente se quedó en unas cuantas muñecas. Hoy en día seguimos echando de menos la calidad y la elegancia de Kitty.

Tiny Kitty Collier

Como ya hemos comentado antes, en el año 2003 nació la versión mini de Kitty: la pequeña de 10 pulgadas –o lo que es lo mismo, unos 25,5 cm– Tiny

DOLLS Kitty Collier, una muñeca también de plástico duro, articulada en rodillas, cintura y caderas, con pelo implantado; pero, a diferencia de su hermana mayor, con los ojos pintados. La primera muñeca básica venía ataviada con un body rosa pálido y se podía encontrar con tres tonos de pelo: castaño, pelirrojo o rubio. Ese año se le hicieron seis vestidos aparte, camisón incluido, y también se realizaron tres muñecas vestidas, una de las cuales era una reproducción exacta del traje de su hermana mayor, Peaches & Cream, algo que sería habitual en la línea. También tuvo su pequeño baúl y un gift set llamado Bridal Bliss Hat Box Set, en el cual iba vestida de novia, con un trousseau de camisón y ropa interior. Para Navidad de aquel mismo año se creó un gift set llamado Christmas, con una Kitty vestida en rojo y negro y un vestido extra en dorado. En 2004 Tiny Kitty cambió un poco el look de su peinado y del maquillaje, igual que el de la ropa que llevaba la muñeca básica, que era un conjunto de sujetador y braguita a juego con una négligée de color rosa. Los tonos de pelo de las muñecas seguían siendo los mismos del año anterior. Para ese mismo año se diseñaron cuatro vestidos además de las muñecas vestidas, que fueron seis; entre ellas Touch of Class, que volvía a copiar el traje de su hermana mayor, o Charity Luncheon, que fue la primera de la colección en lucir el pelo platino. Otro complemento para Tiny Kitty fue una camita en blanco inmaculado, con dosel y cojines incluidos. Como ya venía siendo costumbre, se le hizo

DOLLS un gift set con caja en forma de corazón para celebrar San Valentín y una Kitty rubia vestida de rojo llamada Valentine Hearts. En 2005 la Kitty básica llevaba lingerie de color azul cielo y sólo se hizo en rubia y pelirroja. Se le confeccionaron cuatro vestidos y tuvo un montón de accesorios, entre ellos un tocador, un juego de zapatos variados e incluso un baúl-boutique. Las muñecas vestidas fueron seis, algunas de las cuales con copias de vestidos que ya lucía la Kitty de 18 pulgadas, como ya venía siendo costumbre. En el catálogo de otoño se presentaron nuevas muñecas básicas, un vestido y unos packs de zapatos. También debutó la amiga afroamericana de Kitty, Dottie, con el conjunto Crimson Glamour Dottie.

2006 es un año importante en la vida de Tiny Kitty, pues la muñeca básica vuelve a cambiar el look y se viste con un body negro y cola de caballo. Otras de las muñecas básicas son una pelirroja de pelo corto con un body a cuadritos Vichy, y Dottie, con un body blanco. Hay cuatro vestidos y cinco muñecas vestidas, entre ellas tres históricas: Parasol Promenade, que nos recuerda a la Park Avenue en azul; Kitty at Court, una versión en plata y negro de Kitty XVI, y Little Empress, que es la versión en miniatura de Empress Kitty. En el año 2007 las muñecas básicas presentaban la novedad de que las manos también estaban articuladas, lo que las proveía de más realismo en las posturas. Se hicieron diez vestidos a lo largo del año, sin embargo sólo sacaon tres muñecas

DOLLS vestidas. Parecía que Tiny Kitty iba a seguir los pasos de su hermana mayor, porque éste fue el último año que dejó de fabricarse por Tonner para pasar a la filial Effanbee, donde estuvo en activo sólo dos años más. La colección de 2008 no salió hasta finales de año, con unas muñecas básicas con pelo rubio y castaño, tres vestidos que se vendían aparte y dos muñecas vestidas, y la colección de 2009 fue exactamente igual, sin ninguna novedad, y ese fue el último año que pudimos ver a Tiny Kitty. A todas estas muñecas, tanto las de 10” como las de 18”, hay que añadir las exclusivas de tiendas, convenciones u otros eventos, como la estupenda Kitty Scarlett O’Hara –limitada a 300 unidades–, algunas Kittys exclusivas del festival de París o el fabuloso trunk de FAO, sin olvidarnos de alguna que otra muy limitada center piece. Como ya viene siendo habitual en Tonner, lo más probable es que no volvamos a ver a esta maravillosa muñeca, que fue única por la calidad y excelencia de sus trajes y por su particular belleza. Como hemos lamentado muchas veces, es una pena que se discontinúen líneas como la de Kitty o la de Brenda Starr en su momento, que han sido de lo mejorcito que ha hecho la casa Tonner. Pero el mundo muñequil es así, y lo que ayer estaba de moda hoy está desfasado y no es fácil que las líneas duren más allá de unos diez años. Texto: Núria Simón

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Cascanueces

STORYLAND

«El Cascanueces y el rey de los ratones» –originariamente «Nussknacker und Mausekönig»– es un cuento del escritor alemán E.T.A. Hoffman escrito en 1816. En 1892 Chaikovski lo convirtió en ballet, llegando a ser una de sus composiciones más famosas y uno de los ballets más populares de todos los tiempos.

l cuento narra la peripecia de Marie y de un cascanueces de madera que le regalan en el día de Navidad. Después de que su hermano Fritz lo rompa, Marie se hace cargo de él como si de un muñeco se tratara, así que le hace sitio en su vitrina de juguetes al lado de su muñeca favorita, Clara. Es entonces cuando la cara del muñeco parece cobrar vida y una serie de ratones, encabezados por el Rey de las Siete Cabezas, empiezan a salir de todas partes. Los soldaditos de Fritz toman vida y el Cascanueces se pone al mando de ellos para luchar contra el malvado rey ratón. Después de una dura batalla los juguetes son derrotados y Marie se hiere en el brazo cuando accidentalmente se rompe la vitrina de los juguetes. Cuando Marie se despierta al día siguiente, y trata de explicarles a sus padres la historia, nadie la creerá, pensando que todo es debido a la fiebre que le ha causado la herida en el brazo. Entonces, mientras guarda reposo en cama, su padrino

Drosselmeyer acude a visitarla y le cuenta la historia de la princesa Pirlipat y la Reina de los Ratones, que explica la procedencia del Cascanueces: la princesa Pirlipat es víctima de una maldición por parte de la reina de los roedores y, a pesar de que nació como una niña preciosa, a causa de la maldición su cara se transforma en la de un grotesco cascanueces de madera. La única cura que encuentran para la princesa es que un joven que nunca se haya afeitado y que nunca haya calzado botas rompa una nuez y se la ofrezca a la princesa mientras da siete pasos hacia atrás sin tropezar. Después de mucho buscar, y de que varios jóvenes se rompieran los dientes tratando de cascar la nuez, encontraron al joven adecuado, pero cuando dio los siete pasos tropezó y la maldición cayó sobre él, ya que quedó convertido en un cascanueces. Como el Cascanueces era tan feo la princesa Pirlipat rechazó casarse con él, aunque su padre el rey

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había prometido la mano de su hija a quien deshiciera el hechizo... Mientras, Marie sigue recuperándose, y una noche viene a visitarla el Rey de los Ratones, quien le dice que si quiere que deje en paz al Cascanueces le tendrá que dar todos sus dulces y juguetes, a lo que Marie accede. Entonces el Cascanueces le pide una espada a Marie para ir a luchar contra el rey ratón y más tarde vuelve victorioso con las siete coronas y se lleva a Marie con él al país de los juguetes, donde la niña ve cosas maravillosas. Marie se queda dormida en el palacio del Cascanueces y, cuando despierta, está de nuevo en su habitación y trata de explicarles a sus padres lo sucedido, pero de nuevo siguen sin creer en la niña y le prohíben que hable más de sus «sueños».

Un día, mientras Marie está delante de su vitrina de juguetes, ya no puede callar más y le dice al Cascanueces que ella nunca se comportaría como la princesa Pirlipat y que lo querría siempre, fuera cual fuera su aspecto. En ese momento aparece el sobrino de su padrino Drosselmeyer, que no es otro que el cascanueces encantado, quien le dice a Marie que al decir estas palabras ha roto el hechizo y él vuelve a ser un joven apuesto. Le pide que se case con él, ella acepta, y un año más tarde vuelve a por ella y la lleva al país de los juguetes –en la versión inglesa Toyland, un homenaje a nuestra revista, jejeje–, donde es coronada reina.

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El ballet

En 1892 el compositor ruso Piotr Chaikovski compuso un ballet basado en la historia de Hoffman, aunque ésta se desarrolla en el San Petersburgo del siglo XIX, mientras que el cuento sucede en la Alemania de principios de siglo. El coreógrafo Marius Petipa se encargó de la puesta en escena. En el ballet, Marie cambia su nombre por el de Clara, como la muñeca en el cuento, y la acción se desarrolla en dos actos. En el primero se narra la escena del día de Navidad y de la batalla entre ratones y juguetes, pero con la variación de que al final de la batalla los ratones huyen y el Cascanueces se transforma en un apuesto príncipe que invita a clara al País de los Dulces. En el segundo acto entra en escena el Hada de Azúcar, que es la reina de ese país, y se desarrollan una serie de danzas como la española, la árabe o la china. Otras danzas son el Baile de los Mirlitones –un dulce francés en forma de flauta–, la Danza de la Madre Cigüeña y las Marionetas, el Vals de las Flores, la Danza del Hada de Azúcar y otras más que culminan el ballet.

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Las muñecas de «El Cascanueces» Con un argumento así era casi imposible que las diferentes casas de muñecas no sacaran sus propias versiones, tanto del cuento como del ballet. Sin ir más lejos, Mattel le ha dedicado muchos esfuerzos a este tema, tanto en muñecas para jugar como en Barbie de colección. Así, tenemos la Classic Ballet Series, con muñecas como Barbie as the Sugar Plum Fairy de 1997, Barbie as Marzipan de 1999, Barbie as Snowflake de 2000, Barbie as Flower Ballerina de 2001 y Peppermint Candy Cane Barbie de 2003. La hermanita de Barbie, Shelly, y sus amiguitos también tuvieron protagonismo con una serie de muñequitos enmarcados en la línea de jugar, con nombres como Peppermint Girl o Snow Fairy. De Barbie también se hizo una película donde ella era la absoluta protagonista, como no podía ser de otra manera…

Otra línea que ha dedicado tiempo y muñecas al cuento es la de Robert Tonner, donde caben todo tipo de muñecas, desde las más clásicas hasta las más extravagantes. Algunas están inspiradas directamente en el cuento y otras están dentro de la colección New York City Ballet. Entre estas últimas tenemos fantasías como Spanish Hot Chocolate, Candy Cane, Dance of the Lady o Arabian Coffee, y otras más clásicas como Snowflake, Marie, Sugar Plum Fairy, Marie’s

STORYLAND Special Gift, con un Cascanueces incluido, Marzipan y Off to the Land of Sweets, con una Marie en camisón.

Madame Alexander también ha creado muchas muñecas inspiradas tanto en el cuento como en el ballet, con muñecas que van desde los 13 cm hasta los 41 cm. Pero son tantas que no tendríamos espacio para hablar de todas ellas; aunque, eso sí, todas tienen la gracia y la elegancia habituales en las muñecas de la casa. Precious Moments o Marie Osmond son otras firmas que también tienen sus propias creaciones al respecto. Texto: Núria Simón

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Tonner Collection

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Madame Alexander Collection

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Exclusiva Cissy

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Si la muñeca Cissy ya es exclusiva de por sí, todavía puede serlo más si hablamos de las muñecas de convención, «center pieces» u OOAK, que están limitadísimas. Aunque estas muñecas no sean fáciles de conseguir, podemos disfrutar de ellas a través de la fabulosa colección particular de Roberto.

s quiero hablar de una de las colecciones más fabulosas que he visto nunca, perteneciente a mi amigo Roberto, quien a lo largo de siete años ha conseguido reunir un buen número de muñecas de la firma americana Madame Alexander, como Cissy, Cissette y Wendy, entre otras. Pero la muñeca que más destaca en su colección, por su belleza y exclusividad, es la fabulosa Cissy, de las que tiene unas 35, un número que podría parecer pequeño a cualquier coleccionista, pero que tratándose de Cissy os puedo asegurar que es muy elevado. Y aunque él insista en que ya no añadirá ninguna más a su colección, quienes lo conocemos sabemos que eso es casi imposible… En este artículo os vamos a mostrar algunas de sus muñecas, en concreto las exclusivas de festivales, convenciones y otros eventos. Estoy segura de que cuando hayáis leído el reportaje quedareis prendados...

Convención de Madame Alexander (MACD )

Desde 1983, Madame Alexander celebra una convención anual en diferentes lugares de los Estados Unidos, donde se reúnen los coleccionistas de esta fabulosa firma para compartir su afición por Cissy. Cada año se crean diversas muñecas de convención entre Cissy, Cissette o Wendy, por hablar de las más importantes, pero no es necesario asistir a estas reuniones para conseguir estos preciados tesoros, ya que en sitios como eBay o tiendas especializadas de internet se pueden encontrar; eso sí, a precios a veces prohibitivos... Roberto ha conseguido sus exclusivas Cissys de convención a través de estos medios, aunque uno de sus sueños sería asistir en persona a alguna de las convenciones, algo que estoy segura

Governorâ&#x20AC;&#x2122;s Ball

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Lady of the Lake

que logrará... Durante las convenciones se celebran diversos eventos –entre cenas, comidas o conferencias–, y en los ágapes siempre hay una muñeca como centro de mesa: las llamadas en la jerga muñequil Center Pieces, que son piezas de edición muy limitada. Roberto tiene el hábito de customizar a todas sus muñecas con algún pequeño detalle que las hace aun más exclusivas. • Lady of the Lake es la Cissy exclusiva de la convención celebrada en Williamsburg (Virginia) en 2006. Roberto la convirtió en Isolda, la heroína de la ópera de Richard Wagner Tristan und Isolde, añadiéndole unos pequeños detalles. • Governor’s Ball Cissy es la center piece de la misma convención y está limitada a sólo 35 muñecas. La muñeca, inspirada en la corte de Versalles, luce un exquisito sombrerito con adorno de pajarito incluido.

Cecelia

• Cecelia Cissy es la exclusiva de la MADC de 2007 celebrada en Nueva Orleáns, que nos recuerda a la cantante de color Lena Horne.

• Sweet Rose es la muñeca perteneciente a la convención de Harrisburg (Pennsylvania) de 2009. De esta muñeca tan sólo se hicieron 65 ejemplares y Roberto es el feliz dueño de una de ellas, a quien convirtió en una flapper de los años 20 con cierto parecido a la actriz Janet Gaynor, solamente con el añadido de un largo collar de perlas y un pañuelo a modo de tocado.

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Pin Up Bowl

• Cissy Pin Up Bowl es la última muñeca de convención hasta el momento, de la que se hicieron sólo 80 ejemplares y que está claramente inspirada en la actriz norteamericana Betty Grable. La convención se celebró este pasado verano en Saint Louis (Missouri).

Otros eventos

• Beitane Festival Cissy es una center piece de 2009 de la Premiere Celtic Mist of May. La muñeca está customizada como Julieta con el añadido de un sencillo tocado, una cruz a modo de colgante y una franja de perlas en el vestido.

• Strolling Beneath the Stars Cissy es una center piece de la convención de 2007 de UFDC celebrada en Las Vegas y está limitada a 35 muñecas, aunque para Roberto es una réplica perfecta de Virginia Woolf en miniatura. • Faithfully Yours Cissy es una exclusiva de la convención de Collector’s United de marzo de 2003. La edición afroamericana está limitada a 20 ejemplares y a Roberto le recuerda a la protagonista de la zarzuela cubana Cecilia Valdés.

Coca-Cola

• Coca-Cola Cissy es una exclusiva de la convención Collector’s United Gathering, celebrada en Atlanta en 2003 y de las que se hicieron 160 ejemplares. Siguiendo su costumbre, Roberto la customizó como Musetta de la ópera La Bohème de Puccini.

Faithfully Yours

Beitane Festival

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Festival de París Cada año se celebra en París el festival de la muñeca maniquí. Aunque la protagonista empezó siendo Barbie, con el paso de los años se han ido añadiendo otras muñecas como Tyler, Gene, Kitty Collier y, últimamente, las Dollfies y las Sybarites, y, aunque las muñecas de Madame Alexander no están muy presentes en el festival, la casa Alexander sí suele colaborar con muñecas exclusivas. Desde hace unos años lo viene haciendo con Cissy, de las que ya ha sacado varias ediciones, convirtiéndose en el único evento celebrado fuera de los Estados Unidos en tener su propia Cissy exclusiva. Estas muñecas son muy muy exclusivas, ya que están limitadas a 20 piezas por edición, y hasta la fecha se han hecho sólo cuatro. • Royal Splendor Cissy es la segunda exclusiva del festival de París de 2007 y está limitada a 20 ejemplares. Para Roberto la muñeca es la doble perfecta de la emperatriz Eugenia de Montijo, a la que añadió unos pendientes, pulsera y abanico. • Imperial Weekend Cissy, Cissy de 2008, está limitada a 20 ejemplares y es perfecta para representar a una dama de 1880 como Métella, personaje de la ópera La vie parisienne de Offenbach. El anillo, la bolsita y el sombrero son creaciones de Roberto.

• Cocktail à Paris Cissy, Cissy de 2010, es la última muñeca del festival hasta el momento. Limitada a 20 piezas, esta

Cocktail Ă Paris

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Titanic

DOLLS muñeca va elegantemente vestida con un vestido de cóctel azul noche que nos recuerda a la exquisita actriz Deborah Kerr. Los broches de amatista del vestido son un añadido de Roberto que le dan el toque perfecto.

OOAK

My Fair Lady

Las OOAK (One of a Kind) son muñecas muy limitadas: a un ejemplar en concreto. Hay alguna Cissy OOAK creada por Madame Alexander, pero obviamente estas muñecas son carísimas e imposibles de conseguir. Hay muchos artistas que transforman las muñecas y las convierten en únicas y esto es lo que hace nuestro coleccionista en cierta manera, ya que ha creado unas cuantas con algunos pequeños toques personales.

Una de ellas es una OOAK de Jane Austen. Austen La muñeca es On the A-List Cissy, la peluca pertenece a la Sitting Pretty Yardley Cissy y el vestido está hecho a mano. Otra de sus OOAK es una muñeca que representa ser una Dama de 1870, 870 basada en la protagonista de la obra de Edith Wharton La edad de la inocencia. Para crear esta muñeca Roberto escogió a Irrestitible Cissy y le puso el vestido de Object of Desire con algunos arreglos personales. Otra de sus OOAK es la Cissy Titanic, Titanic para lo que eligió a la muñeca Society Stroll Cissy y la vistió con un traje hecho también a mano. Los zapatos, el paraguas y los guantes son obra de Roberto. También destacaremos otra exclusiva como My Fair Lady Cissy, Cissy

que luce el traje de las carreras que lució Audrey Hepburn en la famosa película, para lo que escogió a la Blue Danube Cissy, siendo el sombrero una creación de Roberto. Y, para terminar, tenemos también otra recreación de Roberto: nada más y nada menos que la Princesa de Éboli, Éboli que no es otra que Cissy Pocahontas a la que Roberto le añadió un parche en el ojo, collares y la cruz de dama de honor de la reina Isabel de Valois.

Royal Splendor

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Y ésta es parte de la fabulosa colección de Roberto, quien tiene otras joyas más. Supongo que con este reportaje muchos de vosotros habréis quedado prendados de esta fantástica muñeca que es Cissy.

Princesa de Éboli

Texto: Núria Simón Fotos: Guillem Medina Colección: Roberto

Imperial Weekend

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Jane Austen

James Dean

STAR

ames Dean es la imagen de la rebeldía, de la juventud incomprendida, de una forma de vivir rápido y morir joven. Su imagen reproducida infinidad de veces es un mito que, años después de su muerte, sigue todavía vivo. Nacido como James Byron Dean en Marion el 8 de febrero de 1931, en el estado de Indiana, sus padres fueron Mildred Winslow y Winton Dean. Cuando Dean tenía 5 años se trasladaron a Los Ángeles, pero al morir su madre, su padre le envió a la granja de sus tíos Marcus y Ortense Winslow en Indiana para que se hiciesen cargo de él. En esta granja pasó toda su infancia.

A Dean siempre le gustó practicar deportes. A pesar de su miopía destacó en varios de ellos, como el baloncesto y el béisbol. También amaba el teatro, y comenzó a estudiarlo y a practicarlo desde muy joven. Antes de salir de su pueblo ya había representado varias obras. A los 18 años viajó a Los Ángeles, donde cursó sus estudios en la Universidad de California (UCLA).

En diciembre de 1950 empezó a conseguir pequeños papeles en cine y televisión, y también hizo un famoso anuncio de Pepsi: ese día conoció a su representante Isabelle Dreasemer. Pronto se trasladó a Nueva York para estudiar interpretación en el famoso Actor’s Studio. Antes de viajar a Nueva York, en 1951 consiguió un papel en la película A bayoneta calada; también hizo otros dos pequeños papeles en las películas ¡Vaya par de marinos! y Has Anybody Seen My Gal?, ambas en 1952. Después de acudir a numerosas agencias de actores trabajó en una obra de teatro: le ofrecieron en 1952 intervenir en See the Jaguar, en la que interpretó a un adolescente que había estado encerrado en una jaula la mayor parte de su vida. También hizo varias apariciones en televisión, que sin embargo no trascendieron. En 1953 le dieron otro papel en Broadway, The Immoralist, que tuvo una acogida muy positiva por parte de la crítica; ese año también tuvo otro papel en el film Un conflicto en cada esquina. Finalmente, Jimmy, como se le conocería, consiguió

STAR

convertirse en actor de cine, cuando en 1954 el director Elia Kazan, que había rodado Un tranvía llamado deseo con Marlon Brando, le ofreció el papel principal de Cal Trask en Al este del Edén. El director eligió a Dean por su similitud con el personaje, introvertido, tosco, melancólico y apasionado. Dean y Kazan volaron juntos desde Nueva York a Los Ángeles el 8 de marzo. Dean se mudó a un piso en el plató de la Warner con Richard Davalos, que haría de Aaron, hermano de Cal. El rodaje empezó el 27 de mayo. Durante su estancia en Hollywood, Dean salió con muchas mujeres, pero el amor de su vida fue la actriz Pier Angeli, a quien conoció durante el rodaje de Al este del Edén. A pesar de que la madre de Angeli se opuso a ese romance, estuvieron juntos un tiempo hasta que Angeli le comunicó que iba a casarse con el cantante Vic Damone. Dean no aceptó su decisión y, según algunos biógrafos, la golpeó. Durante la ceremonia de la boda de Angeli, se situó con su moto delante de la puerta de la iglesia y mantuvo acelerado el motor para hacer ruido. El matrimonio de Angeli duró poco tiempo. Ella murió en 1971. El rodaje del film acabó el 9 de agosto.

Dean no acudió al estreno de Al este del Edén el 9 de marzo de 1955. Nada menos que Marilyn Monroe y Marlene Dietrich trabajaron en esa ocasión como acomodadoras. Días después, Dean vio su película pasando desapercibido en las filas del cine, como un espectador más. Por su actuación en dicha película tuvo su

STAR primera nominación al Oscar, convirtiéndose en el primer actor en ser nominado póstumamente en la historia de la academia. Al poco tiempo, Nicholas Ray le contrató para el papel de Jim Stark en Rebelde sin causa, coprotagonizada por Natalie Wood. Cuando llegó a Hollywood para trabajar en la película se compró su primer Porsche, un Speedster 356 descapotable blanco. El 26 de marzo corrió su primera y su segunda carreras, donde fue el primero en una y el segundo en otra. La película empezó a rodarse el 28 de marzo de 1955 en blanco y negro, pero al ver el éxito de Al este del Edén volvieron a empezar en color; se terminó a los dos meses, y la postproducción unos meses más tarde. El 1 de mayo corrió en su tercera carrera, donde quedó tercero. Durante este tiempo Dean rodó Gigante –Dean se unió al rodaje más tarde, ya que estaba terminando Rebelde sin causa–, de George Stevens, junto a Rock Hudson y a Elizabeth Taylor. Su personaje, Jett Rink, tenía también rasgos de Dean, ya que ambos eran personas solitarias. En su cuarta y última carrera, mientras iba cuarto, un pistón del Speedster estalló y se tuvo que retirar. También en esta película se le prohibió participar en carreras de coches mientras durara la filmación. La película se rodó cerca de la frontera con México. Durante los descansos del rodaje Dean grababa la película entre bastidores con su Bolex de 16 mm. Por esta película obtuvo su segunda nominación póstuma al Oscar y

STAR también su compañero de reparto Rock Hudson obtuvo otra nominación en la misma categoría que Dean. Ambos fueron derrotados por Yul Brynner por la película El rey y yo.

Mientras trabajaba en Gigante, Dean se compró un Porsche Spyder 550, al que bautizó The Little Bastard (‘El pequeño bastardo’). El 17 de septiembre –días antes de su muerte– hizo un anuncio publicitario en el que advertía a los jóvenes de conducir con prudencia. Tan pronto como terminó el rodaje de la película, Dean fue a competir en una carrera de automóviles en Salinas, cerca de San Francisco. La noche anterior dejó su gato a Elizabeth Taylor para que lo cuidase, ya que temía que algo le sucediese.

El 30 de septiembre de 1955 enganchó el Porsche en su ranchera para llevarlo a Competition Motors para una puesta a punto. Allí se reunió con el fotógrafo Sanford Roth y su amigo el actor Bill Hickman; su mecánico Rolf Wütherich pasó tres horas poniendo a punto el motor de alto rendimiento y un cinturón de seguridad en el asiento del conductor. Antes de ir a Salinas, Dean paró en una gasolinera a 6 manzanas de su casa para repostar; en ese momento decidió conducir el Porsche subiéndolo por la costa para hacerle unos kilómetros, ya que originalmente iba a llevar el Porsche en el remolque de su ranchera. Mientras Dean conducía su Porsche a una velocidad moderada por la carretera, acompañado por su mecánico, se le acercó en el cruce 41- 466 en la

STAR localidad de Cholame (California) un Ford a gran velocidad, conducido por un estudiante. Dean trató de esquivarlo, pero no pudo. Se incrustó contra el Ford frontalmente por la izquierda, donde se rompió el cuello, además de otras graves heridas en el choque, y perdió la vida de forma instantánea el 30 de septiembre de 1955, a la edad de 24 años. El conductor del Ford –que se rompió la nariz y se lastimó un hombro, y murió de cáncer en 1995– y el mecánico de Dean –que salió despedido del coche y al caer se destrozó una pierna y se rompió la mandíbula, y murió en un accidente de coche en Alemania en 1981– se salvaron.

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Filmografía

• A bayoneta calada (Fixed Bayonets!)

de Samuel Fuller, 1951 • ¡Vaya par de marinos! (Sailor Beware)

de Hal Walker, 1952 • ¿Alguien ha visto a mi chica?

(Has Anybody Seen My Gal?)

de Douglas Sirk, 1952 • Un conflicto en cada esquina (Trouble Along the Way) de Michael Curtiz, 1953 • Al este del Edén (East of Eden) de Elia Kazan, 1955 • Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause) de Nicholas Ray, 1955 • Gigante (Giant) de George Stevens, 1956

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Linda Pirula

MADE IN SPAIN

Esta graciosa muñequita de curioso nombre y ojos oscilantes es una de las pocas que han resistido bien el paso del tiempo. Creada en los años 50, todavía se pueden encontrar algunas en su caja y en muy buen estado. Linda Pirula fue y sigue siendo una muñeca muy popular.

inda Pirula fue creada en Valencia por los hermanos De Alba, allá por la década de 1950; en algunas cajas se puede leer Carlos H. de Alba y Gómez. Como ocurre con todas las muñecas antiguas españolas, Linda Pirula no iba a ser menos, y apenas hay información sobre ella. No hay constancia escrita, ni catálogos, por lo que resulta dificilísimo escribir sobre estos temas. Hay que recurrir a los coleccionistas para obtener algún tipo de información, y eso es lo que hemos hecho consultando con Ana María Briz, una buena amiga valenciana que tiene una estupenda colección de estas muñecas. Ana recuerda que, cuando era niña, había una tienda situada en la calle Convento de Santa Clara esquina Ruzafa –hoy en día calle Colón–, de Valencia, una calle típica de compras en los años 60. La exposición de venta al por mayor estaba situada en el interior de la

tienda que los hermanos tenían en la ciudad: las muñecas se exponían en estanterías y el comprador elegía las que más le gustaban. A Ana no se le olvida el escaparate adornado primorosamente para cada ocasión. Cada temporada era diferente: en Fallas, y más en Valencia, iban vestidas de falleras, y algunas iban ataviadas para la ofrenda de flores a la Virgen, con sus ramitas y su mantilla blanca; en mayo se vestían de comunión, y en Navidad con los temas típicos de la época. Ana recuerda que siempre se quedaba fascinada mirándolas. Linda Pirula medía 25 centímetros y las primeras muñecas estaban hechas de caucho, que a menudo es confundido con el celuloide, pero que es un material más duro y pesado. En los años 50 se comenzó a utilizar el caucho en la elaboración de muñecas, lo que supuso una enorme ventaja para

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las niñas, pues podían lavar a sus muñecas sin miedo a que se deshicieran. Muchas niñas de la época que tenían peponas de cartón recuerdan que, si por descuido se las dejaban olvidadas en el exterior y llovía, al día siguiente se las encontraban totalmente destruídas, lo que causaba no pocos dramas; además, en aquella época las peponas de cartón eran las únicas muñecas que muchas niñas se podían permitir. El tacto del caucho es más basto que el del celuloide, que es mucho más delicado, y su color es más oscuro en comparación con el celuloide, que es más anaranjado.

Las primeras muñecas Linda Pirula tenían el pelo natural y los ojos flirting –oscilantes–, con pestañas de pelo muy pobladas. El mecanismo de los ojos era una parte muy importante en esta muñeca, pues es lo que hacía que fuera diferente de las demás. Las fabricadas en los años 50 y 60 tenían un mecanismo de excelente calidad, así como sus pestañas, mucho más pobladas y suaves que las de sus descendientes, que tuvieron las pestañas acrílicas. Asimismo, las últimas muñecas pasaron de tener el pelo natural a sintético. Los brazos y las piernas siempre fueron rígidos. Su extenso vestuario tenía una calidad extraordinaria y no le faltaba detalle. En invierno, sus abrigos con gorritos a juego; en verano, graciosos vestidos con puntillas y tira bordada con bolsitos a juego. Con el tiempo, como ocurre con todo, su calidad pasó a ser inferior, pero no por eso perdieron su encanto.

MADE IN SPAIN Linda Pirula se estuvo fabricando hasta entrados los años 90, en los que aún se podían encontrar en las tiendas. A partir de mediados de esa década ya no se veían en ninguna tienda y pasaron a encontrarse en anticuarios, mercadillos y ferias de juguetes. En la actualidad son muñecas cotizadas: su precio oscila desde los 40 ó 50 euros hasta 150 ó 180 euros, según el estado de conservación y la antigüedad. Su tamaño las hacía ideales para coleccionarlas y para llevarlas como recuerdo de los viajes. En cualquier tienda de recuerdos –ahora souvenirs– que se preciara, había una flamenquita o un torerito, algo muy Typical Spanish. Normalmente vestían trajes regionales, que eran las más numerosas, pero se podían encontrar de todo tipo: vestidas de comunión, de azafata, de niñera o de Heidi, y hasta lamparitas con forma de angelitos o de vírgenes. También se hicieron muñecas en forma de bomboneras con caramelos o cajitas de música. Linda Pirula tenía una hermana mayor llamada Linda Carla, de unos 46 centímetros, que se podía encontrar en versión chico y chica. También vestía trajes regionales y sus vestidos eran de gran calidad. Igual que su hermanita las había vestidas de distinta manera, pero la negrita hawaiana era la más popular. Sus ojos eran también del tipo flirting y, a diferencia de su hermana, estaba hecha de celuloide, también con pelo natural. La mayor parte de las regionales tenían su parejita en chico, que también vestía ricamente. Como

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todas las muñecas de éxito, tanto Linda Pirula como Linda Carla fueron copiadas por otros fabricantes y existían, como ocurre con casi todas sus coetáneas, muñecas muy parecidas. Había una muñeca superior en tamaño, de unos 28 centímetros aproximadamente, de carita casi igual, también vestida con trajes regionales. En Francia, la casa Bella tenía una muñeca prácticamente igual en tamaño y cuerpo, pero sus ojos no oscilaban y estaba realizada con celuloide. También hay que mencionar a las muñecas Bombón, de gran parecido, aunque más toscas y hechas de cartón piedra. Creo que su sede estaba en Madrid, pero no hay constancia del fabricante. Son también apreciadas por los coleccionistas. Si ponéis en Google muñecas Bombón o Linda Pirula, os podéis llevar alguna sorpresa... La verdad es que Linda Pirula era y es sencillamente preciosa. Es una de las muñecas preferidas de Ana, de las que tiene aproximadamente unas 80 en su colección, algunas conservadas dentro de su caja original. Son «lindísimas», como su propio nombre indica, y Ana les tiene un gran cariño pues la transportan a su infancia, un factor que las hace aún más entrañables en el mundo del coleccionismo.

Texto: Núria Simón Datos proporcionados por Ana María Bri z , propietaria de la colección y autora de las fotografías.

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JAN

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estas alturas, alturas Jan –Juan López Fernández, nacido en Toral de los Vados (León) en 1939– no necesita presentación. Sus personajes, Superlópez o Pulgarcito, Pulgarcito le han dado la fama a nivel nacional, y su estilo es apreciado y fácilmente reconocible. Es por eso que teníamos ganas hace tiempo de tener una charla con el genial dibujante, momento que ya, por fin, ha llegado. La primera pregunta es obvia: después de tantos años dibujando, ¿de dónde sale la inspiración y el entusiasmo para seguir haciendo un dibujo tan fresco y actual? Fresco no sé yo si lo es, pero siempre intento hacerlo mejor... y obviamente me gusta mi trabajo. Me dedica muchas horas, es lógico que procure no perder las ganas. Afortunadamente yo decido libremente lo que quiero hacer y eso me permite variar los temas para conseguir no cansarme.

Hay una clara evolución en las historietas de Superlópez, que van del superhéroe más o menos clásico al reivindicador de injusticias de la vida cotidiana. ¿Te sientes

más cómodo con este tipo de argumentos que inventando luchas de fantasía? No estoy seguro que exista esa división: siempre he trabajado con variedad de temas y lo importante para mí no es que Superlópez reivindique nada ni resuelva injusticias, lo que me interesa es el sentido de las historias, que va más bien incrustado en el fondo... Me gusta que los lectores piensen; si no lo consigo, ¡paciencia! No voy a lograr siempre lo que busco... En los últimos «Superlópez», están los que se basan en obras clásicas de la literatura como «Viaje al centro de la Tierra» de Verne o los que se inspiran en realidad social actual. ¿Con cuál de los dos argumentos te sientes más cómodo? Pues el del Viaje al centro de la Tierra es de 1987... Ambas temáticas me interesan y voy de una cosa a otra... No busco mucho estar cómodo sino hacer un buen trabajo; sin embargo, algunas historias pueden ser más complejas de hacer que otras, cosa que no me importa. La esperpéntica realidad social española, ¿es siempre fuente

ENTREVISTA

ENTREVISTA de inspiración para nuevos argumentos? Naturalmente, muchas de mis ideas salieron del diario que leo cada mañana. No hay nada más apasionante que la vida misma. ¿Cuánto tardas en crear una nueva aventura, desde que te pones a escribir el guión hasta que entregas el dibujo definitivo? Normalmente le dedico cuatro meses a cada historia: uno para escribir el guión y documentarme y tres para dibujarlo... Esto puede variar, pero por regla general suelo hacer tres al año. ¿Cómo surge en Bruguera un personaje como Superlópez –que en el fondo es un superhéroe más o menos clásico– en medio de los monigotes habituales de la casa? ¿Te costó mucho que los de Bruguera lo aceptasen? Lo que me costó bastante es que al final me dejasen hacerlo a mi manera y sin interferencias. Los primeros Superlópez tuve que hacerlos según la línea de la casa Bruguera y eran de una sola página, con historias tan estúpidas que pedí que otros me hicieran los guiones. Uno de los guionistas que tuve fue Conti, que no quería firmar, así que le puse Guiones Pepe y tan contentos.

¿Cómo era trabajar para Bruguera en los 70? ¿Estaban abiertos a nuevas propuestas? Cuando llegué eran muy anticuados, no eran nada abiertos a modernizarse. Eso cambió al irse jubilando los

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directores de la vieja escuela, como Rafael González. Al final pude hacer lo que quería, pero sobre todo cuando Superlópez pasó a Ediciones B...

¿Cuáles eran tus dibujantes favoritos de esa época? ¿En cuáles te inspirabas? Y, actualmente, ¿hay alguno que te guste y me puedas recomendar? Tendría que recomendar una legión, ya que tenemos actualmente muchos y muy buenos autores de cómic, aunque bastantes tienen que irse a trabajar para el extranjero. Pero yo no me he inspirado en ninguno que me influenciara. Me he formado haciendo dibujos animados...

Pienso que tus dibujos han sido fuente de inspiración –y a veces de descarado plagio– para otros autores, con un estilo que ha variado poco con los años. ¿Es el estilo con el que te sientes más cómodo? ¿Probaste otros estilos? Naturalmente, yo empecé en los dibujos animados para publicidad y eso requería ser capaz de crear estilos apropiados a cada caso, pero no puedo cambiar el estilo de Superlópez, por eso continúo con el mismo. El plagio no me importa demasiado si el plagiador aprende con ello... Nunca lo haría mejor que yo, y si lo consigue será con su propio estilo. ¡No hace falta copiar!

ENTREVISTA Según tu página web, al principio en Bruguera estabas un poco de machaca haciendo todos los trabajos que te diesen, teniendo que adaptarte al trabajo que te mandasen; pero precisamente por muchas de esas obras algunos comenzamos a conocerte, como los cuentos infantiles de «Lluvia de Estrellas», o los libros de Heidi y Marco. ¿Era un trabajo tan a destajo y tan desagradecido para ti como autor? No necesariamente: de esas cosas se aprende, se coge oficio. Pero era el trabajo con el que me coloqué en Bruguera recién llegado de Cuba, no se me conocía. Tenía que abrirme camino poco a poco y mientras mantener a la familia, ¿no...? También dibujé troquelados de Mortadelo y Filemón, Astérix y Obélix y muchos otros... Junto a Superlópez, Pulgarcito fue otro de tus personajes favoritos… ¿O fue también una imposición de Bruguera? Nada de imposición: me lo propusieron junto a otros dos: Ibáñez y Raf. Les gustó más mi proyecto y así comenzó... Por cierto, ¿Bruguera también se quedó los originales de aquella época? ¿Intentaste recuperarlos? Los recuperé todos los de Superlópez y parte de los de Pulgarcito... Es verdad que en aquellos tiempos los editores creían que al pagar por un dibujo éste quedaba de su propiedad, pero no es así. Actualmente nadie lo hace, que yo sepa...

ENTREVISTA También has trabajado durante un tiempo en el campo de la animación. De hecho, pienso que tu estilo de dibujo es perfecto para el mundo animado. ¿Por qué no has insistido más en ese campo, no sólo en España sino en el extranjero? ¡Si era mi verdadera vocación! Trabajé en unos estudios de animación para publicidad para los cines, en Barcelona, desde los 17 años hasta que me fui a Cuba a los 20, y allí llegué a dirigir un departamento de animación en la tele cubana; también allí trabajé en el ICAIC (Instituto del Cine). Pero mi sordera total me dificultaba mucho dirigir equipos humanos, por lo que un día renuncié y me dediqué al cómic. Hice bien... Después también volví a hacer animación para Estudios Equip durante un año, en la serie Mofli, el koala, que me convenció definitivamente de que estaba más cómodo con los cómics. ¿Ha habido más propuestas en este campo? A veces, pero poco a poco se han ido olvidando de que era técnico en animación y ya no... Creo que ya me he quedado desfasado.

Es curioso que te formases como animador en Cuba, donde precisamente esa industria no es muy destacada actualmente; pero Cuba en los sesenta era bastante diferente a la actual... ¿Por qué fue el traslado a Cuba? No me formé en Cuba, sino en Barcelona, en los Estudios Macián... En Cuba adquirí más experiencia, pero había pocos medios debido

ENTREVISTA

ENTREVISTA al bloqueo. A Cuba me fui con la familia porque mi padre estaba cansado de franquismo, y como había nacido en La Habana... Pero yo me desengañé al cabo de diez años de la política de allí y decidí volver... Pienso que el cuento infantil siempre ha estado presente en tu trayectoria, desde los de «Lluvia de Estrellas» a «Pulgarcito». Y en algún lado ha leído que te gustan «Los viajes de Gulliver» o «Alicia en el País de las Maravillas». ¿Podrían ser futuros temas para próximos cómics? Ya lo fueron, los utilicé con Pulgarcito. Lo que me gusta en general es el género de surrealismo literario, en el cual entra tanto Gulliver como Alicia en el País de las Maravillas o La espuma de los días de Boris Vian... Por cierto, ¿qué leías cuando eras pequeño? Cuentos de Calleja, supongo. A los doce años recibí mi primer libro y me entusiasmó: El Quijote. Todavía me gusta releerlo de vez en cuando... Tebeos pocos, soy más de libros, pero me gustaba mucho el Cuto de Jesús Blasco, Prince Valiant de Raymond, etcétera.

Esta es una revista de juguetes: ¿se pensó alguna vez en hacer muñecos de goma y otro tipo de merchandising de Superlópez? Yo de merchandising no me ocupo: a veces me han hecho propuestas y algo se hizo, pero poco. Supongo que no hay demanda de eso...

¿Con qué jugabas de pequeño? Bien poco jugaba yo, que era sordo desde los seis años y me costaba hacer amigos. Más bien pasaba horas haciendo cosas como copiar mapas, recortables o fabricar proyectores con cajas de zapatos y una bombilla... Volviendo a la actualidad, ¿te ha costado adaptarte a los nuevos materiales técnicos a la hora de escanear, pintar, etc.? Por cierto, ¿con qué disfrutas más: creando la historia, creando los diálogos, dibujando, entintado, dando color? Para mí todo eso es parte de la creación de un cómic, soy de una generación que no teme el trabajo y no reparo en medios para mejorarlo si se tercia. En realidad dibujo como siempre: lápiz, tinta... y coloreo con ordenador. Disfruto con el trabajo terminado, claro. No deja de ser eso, un trabajo, y puedes llegar a aburrirte bastante, lo que no impide que me guste... Otro personaje inspirado en un héroe popular es Tadeo Jones. Explícame de dónde sale este personaje y qué has aportado tú en tu versión en cómic... A Tadeo Jones lo creó Enrique Gato, y le pertenece a él. Yo solamente acepté el encargo de pasarlo a cómic; ellos trabajan ahora en un largometraje de animación en 3D, y como se tarda tres años en terminar una cosa así, querían publicitarlo con los cómics... No sé si haré más... Suponemos que en tus nuevos proyectos se incluye otro nuevo

ENTREVISTA «Superlópez» (¡cómo no…!). ¿Te deja tiempo el personaje para hacer algún proyecto más, aunque sea por satisfacción personal? Actualmente estoy en medio de una nueva historia de Superlópez, naturalmente. A mí Superlópez ya me da todas las satisfacciones que necesito, ya que, si te fijas, todas o casi todas sus historias son diferentes... Y para cualquier proyecto necesito editor. Por cierto, ¿ha llegado ya el momento en que «Superlópez» te pueda retirar, económicamente hablando –je, je, je– o sigues en

esto del cómic por deformación profesional? Pues no, este trabajo no me ha hecho rico, y no me conviene nada jubilarme, ni me interesa eso de pasarme los días tomando el sol. Necesito y quiero seguir mientras tenga el pulso firme. Muchas gracias por el tiempo dedicado, ¡un saludo grande!

Y así lo dejamos, enfrascado en la nueva aventura de «Superlópez», que muy pronto podremos disfrutar... Entrevista: Guillem Medina

Escuela de ninjas

PULLIP

upongo que mucha gente a estas alturas conoce más el folclore japonés que el de su propio país: es lo que tiene que estemos tan influenciados por las modas extranjeras. Así que las Pullip esta vez se visten como los peligrosos guerreros ninjas, armados hasta los dientes. Y comenzamos con la Pullip Akoya, Akoya de cabello violeta con mechas, ataviada con un sencillo vestidito estampado, y sus medias, manguitos, zapatos y una katana, elemento indispensable de todo buen samurai; en la cabeza, una especie de corona con velo negro. En cuanto a TaeYang Arashi, Arashi luce peluca pelirroja con flequillo supermoderno y traje negro con símbolos nipones en blanco. Como todo guerrero que se precie, lleva protecciones acolchadas, cadenas y unas botas perfectas para la acción, además de dos lanzas. Al quitarle la ropa descubrimos que tiene el pecho tatuado con un dragón. Dal Katoya es la mas fashion: lleva el pelo en dos tonos, con una banda en la frente y los ojos rojos (!). Su vestuario es bastante

poco creíble como ninja, aunque lleva un miniarco y flechas; pero bueno, nunca puede uno fiarse de este tipo de muñecas... En cuanto a las versiones mini, parece que haya llegado la primavera por lo floridas que se nos presentan. Mini Pullip Princess Rose, Rose como su propio nombre indica, es la favorita del jardín, con vestido verde y detalles de rosas rojas en la cabeza y en el cinturón; lleva una larga melena en grandes tirabuzones de color caoba. Mini Dal Princess Tulip luce peluca de color verde esmeralda recogida en dos trenzas, al estilo molinera. El vestido, de color salmón, tiene forma de corola de tulipán y en la cabeza lleva otro enorme tulipán coronado por unas pequeñas perlas. La última de la familia es la J-Doll, J-Doll esta vez dedicada a la calle Saint Sauveur, Sauveur luciendo un vestido típicamente Lolita, romántico, con abundancia de lacitos, perlas y encajes. En la cabeza, una especie de gorrito / caja de regalos bastante coquetón pero poco práctico.

PULLIP

Barbie en Navidad

DOLLS

n este número especial de Navidad, nada mejor que repasar todas las Happy Holidays con las que Mattel nos ha deleitado durante todos estos años. Lo cierto es que la serie fue una de las primeras en la categoría de Barbies de colección y se mantuvo bastante fiel y constante hasta 1998 cuando apareció la última, y, tras una transición de dos años, otra serie sustituyó a ésta, las Holiday Celebration, Celebration algo muy parecido pero con diferente nombre, y por fin las Holiday Barbie, Barbie los mismos perros con distintos collares, como se dice popularmente. Pero vayamos a los inicios de la historia, o sea a la Happy Holidays de 1988: recordad que los ochenta fueron una época de excesos; baste decir que triunfaba el look Madonna y Cindy Lauper en lo musical, y que Kristel y Alexis, personajes de Dinastía, marcaban el supuesto buen gusto de las clases altas. Los ochenta fueron unos años dañinos, en los que se agotaron las reservas de lamé dorado y plateado, la purpurina invadió las calles y los párpados, y la laca creó una capa permanente sobre las peluquerías de Beverly Hills. Ahora ya podéis empezar el viaje al pasado...

1988 Vestida con un modelito de chiffon rojo intenso salpicado de purpurina plateada y con un gran lazo en la cintura en el mismo tono argénteo, la primera Happy Holidays apareció con la alegre cara del molde Superstar y el pelo platino suelto. Aunque actualmente es una de las más caras –750 $–, la verdad es que es también una de las más feas.

DOLLS 1989 Más de lo mismo, o sea, el

molde Superstar, la melena platino suelta y el vestido, en lugar de rojo, pues blanco, que siempre da un toque muy navideño, sobre todo si en tu país la nieve es abundante. El vestido combina el chiffon y la gasa con los ribetes de piel blanca. La caja está adornada con dibujos de copos de nieve y su precio sigue siendo caro en la actualidad.

1990 La tercera de la serie

vuelve al estilo recargado y hortera de sus antecesoras; esta vez el tono del vestido era fucsia, magenta o púrpura, según el fabricante, cuajado de brillantes y estrellas plateadas. Una Barbie ideal para colgarla del árbol de Navidad... ¡pero del cuello! Su precio actual, ya considerablemente rebajado, es de 140 $. Perfectamente olvidable.

19 91 Cuando ya habíamos perdido las esperanzas de que Mattel recuperase la cordura aparece esta Happy Holidays que abandona el chiffon y la purpurina barata para ofrecer un vestido en terciopelo verde; eso sí, con pedrería a granel. Los tonos, en rojo, blanco y verde, o sea, los colores de la Navidad por antonomasia. Luce un bolsito a juego donde guardar los turrones.

DOLLS 1992 Mattel ofreció este año

otra Happy Holidays con todos los complementos y abalorios dignos de una lámpara barroca de veinte brazos y doscientas bombillas. Combinando el plata y el tul, apareció esta rubia platino de melena al viento y maquillaje acorde para la ocasión. Esta Barbie yo la encontré en el mercadillo de Els Encants en Barcelona por 300 pesetas. Claro que le faltaba la caja original...

1993 La verdad es que a veces

cuesta mucho no hacer comentarios malignos sobre algunas muñecas, pero... ¡ya me diréis qué aporta ésta al panorama de las Barbies mundiales! Nada, ni el vestido ni la caja ni la muñeca en sí, estimularían al coleccionista más forofo. Su cotización en el mercado actual es bastante paupérrima –90 $– y no me extraña para nada.

1994 Ésta sí que tengo constancia

de haberla visto en los escaparates españoles a un precio más o menos normal para tratarse de una Barbie de colección. El modelo no aporta cambios drásticos a la serie y combina el vestido en tono dorado con un ribete de piel blanca y falda de imitación brocado en blanco y dorado. No podían faltar los dos ramitos de acebo como detalle.

DOLLS 1995 Como veis, la idea de

Mattel es jugar eternamente con los mismos elementos que configuran la Navidad entendida de la forma más típica y tradicional, o sea, el abeto, los copos de nieve, las bolas y detalles que adornan el árbol y el acebo, que se supone que trae suerte. Y esta Barbie debió de traer mucha suerte a sus propietarios si nos ceñimos a la cantidad de acebo que lleva cosido...

1996 Cuando Mattel España

llevaba unos años ofreciendo la serie Happy Holidays, de repente paró la colección y nos quedamos sin poder ver in person esta maravilla. Me tenéis que perdonar, pero soy un incondicional del terciopelo, por encima de lamés, purpurinas y chiffons brillantes. Y este modelo era bastante correcto, aunque le sobren dorados...

1997 ¡Dios mío! ¡Mattel decide

sacar una Happy Holidays con el cabello brunette! Increíble, casi no podía ni creérmelo, aunque claro, al cabo de nada sacó la versión rubia platino, para que no desentonase en las vitrinas de algunos. El vestido alude a los lazos con los que se envuelven los regalos de Navidad, y así Barbie va envuelta en metros y metros de lazo en rojo y dorado.

DOLLS 1998 La última Happy Holidays es,

para mí, una de las mejores, porque entiendo esta colección no como una forma de vestir a Barbie de árbol de Navidad, de regalo hortera o de muérdago viviente, sino como lo que debería ser un vestido ideal para estas celebraciones. De lujo, claro, pero decente y ponible, en terciopelo negro, con detalles plateados y gran estola en fucsia, que si querías se la podías sacar sin ningún problema.

1999 Millenium Princess Barbie

anunciaba el nuevo milenio y dispuso también de una versión afro y una hispana con molde Teresa, exclusiva de las jugueterías Toys’R’Us. Lucía vestido estilo princesa en terciopelo azul real con detalles de purpurina plateada, y estaba tan metida en el papel de princesa que incluso llevaba corona y una bola para colgar en el árbol de Navidad.

2000 Con Celebration Barbie volvemos otra vez a los dorados, cual Burbuja Freixenet adicta a los brillantes. ¡Uf!, ya cansa la enorme falda cuajada de purpurina que se te pringan los dedos al tocarla, el corpiño del todo a cien y las joyas compradas en los chinos. Luce una estolilla de piel de conejo falso y otra bola –¡venga purpurina!– para colgar en el abeto.

DOLLS 20 01 La Holiday Celebration

Barbie de este año le daba un merecido descanso, que ya tocaba, a los dorados y a la purpurina para pasar a llevar un casi discreto vestido de fiesta en tonos plateados. Incluso parece que las joyas y la estola –ribeteada en rojo burdeos– tengan un cierto recato. La larga melena rubia está recogida en los laterales, dejando caer los románticos bucles por la espalda.

2002 A la contención anterior le sigue el despropósito de este año, otra Holiday Celebration vestida en tonos malvas con más purpurina de lo normal y un peinado terrible con una enorme coleta que ni Brigitte Bardot en sus mejores años de pin-up. La versión afro marca sus rasgos étnicos en el rostro, de labios hinchados y la nariz más ancha de lo habitual.

2003 ¿Es Barbie vestida para

las fiestas de Navidad o la Reina de las Nieves? Esta vez Mattel nos sorprende con una Holiday Visions casi austera, ataviada con un vestido sencillo, un abrigo y un recojido palaciego. Casi diríamos que nos gusta: el molde Mackie es perfecto y el maquillaje le da un toque de sofisticación a juego con las joyas, en tono plata antiguo.

DOLLS 2004 La primera Holiday Barbie, que inaugura una nueva serie, vuelve a las andadas y se pone un vestido verde botella digno de la madrastra de Blancanieves, con corpiño de purpurina y falda medieval en terciopelo. El modelito se acompaña de un práctico bolsito bombonera. Por cierto, hubo una carísima versión exclusiva de Sears con el vestido granate...

2005 Y hablando de purpurinas, brillantes y lentejuelas, no podíamos olvidar al rey del exceso, o sea Bob Mackie. Aquí, con su mal gusto particular, crea un vestido a lo Sissi nórdica, estilo debutante en la opereta vienesa. Lo peor: el peinado, los enormes joyones y el lunar junto a la boca. También hay una versión exclusiva de Sears en color verde.

2006 El diseñador Bob Mackie

repite, y esta vez se inspira en los trajes imperiales rusos, con un vestido negro con falda en forma de campana, adornada con barrocos bordados y pedrería gigantesca de colorines. Lo peor de todo, esa estolilla de piel blanca y el trenzón que ni la Pantoja en sus mejores tiempos. Los pendientes tampoco tienen desperdicio...

DOLLS 2007 Después de probar todos los colores y tejidos, Barbie cae en la cuenta de que nunca se ha disfrazado de Mamá Noel y se hace un vestido con las cortinas rojas de casa. Lo adorna con guantes blancos y joyas discretas, ¡menos mal! Una Holiday Barbie con un vestido que, si bien es un poco típico de estas épocas, resulta sencillo a la par que elegante.

2008 La Holiday Barbie de ese

año se convierte en el fastasma pálido de las Navidades futuras, con un vestido de color desvaído, un pelo platino y una piel enfermiza. Todo un paso atrás en la escala del glamour y el estilo. Lo peor: el recogido ochentero lateral y esa falda plisada en varias capas que si la viese Mariano Fortuny se volvía a la tumba ipso facto.

2009 ¿Esto es un vestido de

Navidad? Pues porque lo pone en la caja y lo venden en diciembre, que, si no, podría ser la reencarnación de la sobrina pastelosa de Barbara Cartland. ¡Por Dios, cuánto rosa!: en el propio vestido, en el lazo cinturón, en el maquillaje las joyas... Es como un batido de fresa king size que acaba empachándote hasta hacerte vomitar.

DOLLS

2 010 Y acabamos el repasillo

con la nueva Holiday Barbie para este año, que dentro de su estilo nos parece bastante correcta. La combinación de blanco y rojo siempre resulta elegante, y el corpiño bordado es una pura maravilla. El peinado, aunque luzca melena al viento, es correcto, y las joyas, si bien un poco grandes, son discretas. Ahora volved hacia atrás y comparad las primeras Barbies con esta: notaréis la gran diferencia y lo horteras que fueron los últimos años ochenta. Han tenido que pasar más de 20 años para darnos cuenta...

Banner y Flappy CULT TV

anner y Flappy –llamada en japonés Seton Dōbutsuki Risu no Bannā– es una serie de dibujos animados germano-japonesa basada en las narraciones de Ernest Thompson Seton, producida por las compañías ZDF y Nippon Animation y estrenada el 7 de abril de 1979. Fue dirigida por Yoshihiro Kuroda.

La serie narra la difícil adaptación de la joven ardilla gris Banner a la vida en el bosque, después de haber sido criado por una gata casera. En su reencuentro con la naturaleza, tendrá que aprender cómo vive una ardilla en el bosque, cómo alimentarse, cómo buscar un sitio donde dormir, cómo volar de un árbol a otro, etc. Además, se integrará en una familia de ardillas a la que pertenece la coqueta Flappy, junto a su abuelo Senior, la chafardera Señora Lori, su hijo Clay, etc. Juntos vivirán innumerables aventuras. En la serie, además de las ardillas, también aparecía el Abuelito Búho, los despistados ratones Nen y Non, el impertinente Coatí o la parlanchina Señora Pájaro Carpintero.

Banner y Flappy se emitió por Televisión Española en 1980 las tardes de los viernes. La serie constaba de 26 capítulos en cada uno de los cuales Banner aprendía algo útil para sobrevivir en el bosque. En aquella época se hizo realmente poca publicidad de la serie y casi todo su merchandising se limitó a unos tebeos de la editorial Fher, en los que se pretendía ilustrar los diversos episodios, pero no eran fotogramas de la serie sino dibujos hechos por ilustradores de aquí. En el cambio, el nombre de Flappy se cambió al más castizo Flapi. También se vendían una especie de Kalkitos de nombre Pegakitos con los diversos personajes en diferentes escenarios del bosque. Hubo asimismo un juego de cartas y poco más. Lo cierto es que en los ochenta las series de más éxito eran las de la sobremesa del sábado y el domingo, y el resto eran un poco como de segunda clase. Lo cual no quita que se la recuerde con cariño, así como su sintonía, que cantaba Enrique del Pozo. Ya sabéis, aquello de «Banner y Flappy van a buscar nueces maduras para merendar»...

CULT TV

Personajes principales Banner La ardilla protagonista, fue criado por una gata, así que pasa su vida con cierta confusión, queriendo comer ratones, beber leche y, lo peor de todo, creyendo que dispone de siete vidas. Tendrá un affaire amoroso con Flappy, con la que acabará formando una familia como Dios manda. ¡Quién se lo iba a decir!

Flappy Es la coquetuela ardilla que engatusará a Banner. Siempre con una eterna flor en la oreja, como si de una folclórica cualquiera se tratara. Tiene dotes de pitonisa y tendrá que enseñar a Banner la ley del bosque, cómo alimentarse, cómo volar de un árbol a otro... ¡Uf, qué pesadez! El abuelo Senior Es el abuelo de Flappy, sin que se diga en ningún momento dónde están sus padres. De hecho es el jefe del grupo de ardillas del bosque, o sea la voz de la experiencia: siempre tiene a punto un buen consejo o la forma correcta de hacerlo todo. Aunque los más jóvenes a veces no le hacen mucho caso...

CULT TV Abuelito Búho Aunque tradicionalmente los búhos se comen a las ardillas y a los ratones, aquí el personaje es una especie de anciano consejero al que todos hacen caso, pues es más viejo, incluso, que Senior, que ya es decir. Es sabio pero un poco perezoso, y nunca sale de día.

La señora Lori Es la madre del pequeño Clay, pero es tan mandamás que parece la madre de todas las ardillas: ¡menos mal que no siempre le hacen caso! Además es marujona y muy cotilla. Seguro que si hay un chafardeo en el bosque, ella es la primera en enterarse y le falta tiempo para contárselo a todos. Clay Pequeñuelo y travieso, a la más mínima que puede desobedece a su madre y se larga por su cuenta. Se ha fugado de casa más de una vez, lo cual ha provocado un disgusto a su la señora Lori y la lógica alteración de todo el grupo de ardillas. Lador Es el típico celoso que hay en todo grupo, celoso de Banner y de su relación con Flappy, así que más de una vez le pondrá problemas al protagonista. Por su camiseta a rayas y sus bigotitos lo distinguiréis del resto de ardillas.

Madame Alexander en Navidad DOLLS

ada año por estas fechas la empresa Madame Alexander pone en el mercado una serie de muñecas alegóricas de la Navidad. Así, la colección de invierno se llena de ángeles, vírgenes, muñecos de nieve, renos y, sobre todo, la pequeña Wendy, que se viste con sus mejores galas para pasar estas fiestas. De hecho, se ponen a la venta multitud de Wendys combinadas con elementos como los delicados copos de nieve, la corona de Adviento, el árbol de Navidad o las coloristas ramitas de muérdago. Es por eso que los colores tradicionales de estas fechas son el verde, el rojo y el dorado, y a partir de ahí todas sus múltiples combinaciones. En los años ochenta, Madame Alexander incluso sacó una línea de personajes bíblicos y hasta ha reproducido las figuras del Nacimiento, con los Reyes Magos incluidos. Aunque para quedar bien con otras culturas también sacó alguna Wendy celebrando el Año Nuevo chino.

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Paul Crees y

Peter Coe

a tradición de las figuras de cera se remonta a la antigüedad; ya los egipcios y romanos crearon bellas muñecas con este material dúctil, fácil de moldear y con un tacto suave. Claro que tiene un inconveniente: el exceso de calor puede deshacerla fácilmente. Paul Crees y Peter Coe son una pareja de artistas británicos que decidieron unir su talento para crear deliciosas figuras de cera a tamaño miniatura. Sus principales temas de inspiracion son las grandes divs del cine como Marlene Dietrich, Elizabeth Taylor, Greta Garbo, etc., pero poco a poco fueron ampliando el repertorio, incluyendo figuras masculinas. El detalle y la minuciosidad con los que cuidan el vestuario y los peinados hacen que sus fashion dolls sean auténticas obras de arte en ediciones muy limitadas y, por lo tanto, con precios bastante elevados. En e-Bay todavía se pueden encontrar algunas piezas, pero no bajan de los mil dólares habitualmente. Y aunque sus rostros son poco variados –muchas veces usan el mismo molde–, el resto

compensa de sobras el producto final. A mediados de los años noventa decidieron, probar nuevas técnicas, darle color a la cera o hacer el mismo tipo de figuras pero en vinilo o en porcelana y, a partir de ahí, llegó el declive de la empresa, ya que las producciones se abarataron –aunque tampoco penséis que estaban al alcance de todos los bolsillos: más o menos costaban unos 400 dólares–, pero también dejaron de ser exclusivas, especialmente una serie que dedicaron a los personajes principales de la película Entrevista con el vampiro, que incluso se pudieron ver en algunas tiendas de Barcelona. Crees y Coes también se han dedicado a dar clases, conferencias y seminarios acerca del maraviloso mundo de la creación de figuras de cera. En la actualidad han parado drásticamente la producción de figuras por causas que desconocemos, pero siempre nos quedarán las inmortales obras de su legado. Os dejamos una pequeña muestra para que disfrutéis con estas auténticas obras de arte.

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98 Guinevere

Margot Fontayn

Catherine the Great

Bette Davis

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Elizabeth I

Mayerling Julieta

Dalilah

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100 Silvana Mangano

Lady Hamilton

Golden Infanta

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Madame Du Barry

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Gallarda

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Los que fuimos niños en los años setenta recordamos con cariño los dibujos de esa genial ilustradora que fue Francisca Gallarda, quien nos dejó magníficas ilustraciones para el recuerdo a través de postales navideñas, recordatorios de comunión, recortables o libros de cuentos.

rancisca Gallarda Garós fue una ilustradora catalana que, junto con Maria Pascual, Constanza, Helenita, Magda, Arnalot o Ferràndiz, forman parte de una irrepetible generación de dibujantes de los años sesenta y setenta. Gallarda trabajó para algunas de las principales editoriales de la época, como Bruguera, Roma, Eurocromo o Edicromo, donde desarrolló principalmente su carrera durante la década de los sesenta, que es cuando podemos encontrar la mayor parte de su producción. Desgraciadamente Gallarda nos dejó demasiado pronto, pero sus dibujos han pasado para siempre a la posteridad.

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Los dibujos de Gallarda son, como los de Maria Pascual, fácilmente reconocibles, ya que todos llevan su sello personal. Niños de grandes ojos azules con caritas redondas y sonrientes ilustraban postales,

recordatorios de comunión o de bautizo, cuentos, recortables o tarjetas de Navidad. Viendo sus dibujos, con la perspectiva que dan los años, realmente nos damos cuenta de la maestría que demostró la dibujante catalana en todo momento. En muchos de estos cuentos sus dibujos tan sólo ilustraban las portadas, que se convertían en un reclamo perfecto, como era el caso de la colección Heidi de 1962. Los temas de los cuentos eran los clásicos de toda la vida, aunque también dibujó algunos con títulos como Mi primera comunión o Angelita la bailarina. También ilustró las portadas de cuadernos para pintar. Como la mayoría de los dibujantes de su época, Gallarda hizo gala de sus dotes de ilustradora en recordatorios de bautizo o de primera comunión y también en libros de recuerdo de la primera comunión, con la habitual dulzura con la que representaba a sus

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personajes. También ilustró infinidad de postales protagonizadas por niños, como una serie que representaba los trajes típicos españoles, algunos de ellos con los vestidos en tela, algo que los que ya pasamos de los cuarenta recordamos como si fuera ayer. Otra faceta de Gallarda fue la de ilustradora de muñecas recortables. Sus muñecas son sencillamente sublimes y totalmente irrepetibles. Son innumerables los recortables que realizó para la Editorial Roma, como las series Verde, Azul o Rosa, las series Mari-Pepa, Chiqui o Victoria, o las series Astro y Cometa, todas ellas editadas a lo largo de los años sesenta y reeditadas infinidad de veces, incluso años después de su muerte. Todos estos recortables venían presentados en una lámina de papel con la muñeca y los vestidos. Más adelante se

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reeditaron tanto en papel como en bolsitas con la muñeca troquelada y los vestidos en papel para recortar, a través de series con nombres como Pop, Hippy, Chic, etc. Muchos de vosotros también recordaréis las hojitas con muñequitas recortables que regalaban con los chicles Fiesta, algunas de las cuales fueron también obra de Gallarda. No sabemos mucho de la vida de esta fabulosa ilustradora, pero sí sabemos que falleció en 1971, seguramente estando todavía en activo. Una pérdida irreparable para el mundo de la ilustración española. Sus dibujos han pasado a la historia por su enorme dulzura y belleza, algo en lo que Francisca Gallarda era sin duda alguna una gran maestra. Texto: Núria Simón

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Lucky Luke

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esde que Tom Mix apareciera lanzando tiros por primera vez en la pantalla de la sala oscura, muchos, muchísimos han sido los vaqueros que han inundado tanto el celuloide como las páginas de la literatura y el cómic. Pero, ¡alto!: parecía que la figura del cowboy, ya fuera héroe o villano, pionero o crepuscular, era intocablemente seria, característica y representante de unos ciertos valores vetustamente masculinos y conservadores: la chica, el rancho... Y hablo en pasado, porque los últimos tiempos nos han mostrado nuevas formas de ver lo que les pasa a los vaqueros cuando se quedan solos con el ganado, aparte de cuando conducen una caravana de mujeres –impagable Robert Taylor: él era más mujer que cualquiera de las señoras de la caravana...

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Pero volvamos al tema, que ya estoy divagando... En 1946, a un dibujante belga se le ocurriría dar un enfoque cómico de este personaje tan emblemático de las praderas

norteamericanas y así nació Lucky Luke. Morris lo hizo aparecer por primera vez en la revista Almanach Spirou del año en curso y llevaba por título Arizona 1880.

Lucky era un chico desgarbado, tal vez demasiado flacucho, quizás para que pudiera montar sin problemas a su caballo, de nombre Jolly Jumper, filósofo impenitente y comentarista de las aventuras de su amo: una especie de Thelma Ritter en Eva al desnudo, pero en versión equina. Lucky, además de tranquilo, lacónico y con un sentido de la justicia más galo que americano, es el único vaquero que dispara más rápido que su sombra. Otro de los rasgos que caracterizaban al personaje era un sempiterno cigarrillo pendiendo de su labio inferior, complemento que fue sustituido, a partir de 1983, por una pajita, simple elemento gráfico que le valió un premio de la Organización Mundial de la Salud. En sus inicios, el vaquero flacucho no es que fuera muy políticamente

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CÓMIC correcto. Incluso utilizaba medios de lo más expeditivos, llegando a matar, si era preciso, para impartir su versión de la justicia. Pero a raíz de su introducción en el mercado norteamericano, se suavizaron sus métodos. Fue, trabajando en este mercado, donde Morris conoció a René Goscinny, verdadero peso pesado de los guiones de las bandes dessinées francesas y padre de los diálogos, entre otros personajes, del galo Astérix o el taimado visir Iznogoud. Por desgracia, Goscinny murió a los 51 años, en plena era dorada del cómic para adultos europeo, pérdida que obligó a Morris a sustituirlo por otras plumas –de escritura, no de locazas–, entre las que cuentan las de Bob de Groot, Patrick Nordmann, X. Fauche o Jean Léturgie.

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Las historias de Lucky, parodiando a otros solitarios justicieros de la América profunda, en especial al Llanero Solitario, acaban siempre cabalgando hacia el crepúsculo –¡qué aburrida la película!– y entonando la balada I’m a poor lonesome cowboy, and a long way from home (‘Soy un pobre vaquero solitario, y estoy lejos de mi hogar’). De tal suerte que el equino Jolly Jumper ya le ha soltado en alguna ocasión: «Encuentro que ya va siendo hora de que cambies de repertorio, cowboy». Otros clásicos de la serie son los Hermanos Dalton, familia de bandidos de aspecto clónico y estatura menguante –o creciente, según se mire–, con la matriarca, Mamá Dalton, construida a imagen y semejanza de la Mamá Sangrienta interpretada en el cine por Shelley Winters.

CÓMIC Ran Tan Plan es otro secundario recurrente, pero que aparece por primera vez en las versiones animadas de la serie. Se trata de un chucho policía, de profesión vigilante del penal donde cumplen condena los Dalton, con menos luces que el Pasaje del Terror del Tibidabo. No es de extrañar que Jolly Jumper lo considere un error de la naturaleza... Uno de los encantos de la serie es encontrar en algunos episodios a personajes reales del Lejano Oeste, como Calamity Jane, Billy el Niño, el juez Roy Bean o la banda de Jesse James. Es más, nuestro personaje se permite el lujo de participar en hechos reales de la historia de los Estados Unidos, como la constitución del Pony Express, la colonización de Oklahoma o la unión por telégrafo de ambas costas del país de las barras y las estrellas. Otra de las curiosidades está en el tratamiento que se les da a los indios, que va desde la defensa de los pueblos oprimidos hasta presentarlos como retrasados mentales, en el más genuino estilo Sarkozy con los gitanos, dependiendo del guionista y de la época.

Yo de ti no me los perdería, forastero... La colección del vaquero consta de 31 números editados por la belga Dupuis y, a partir de 1968, otros 41 títulos editados por Dargaud. A partir de 2002, Lucky Luke Comics se ha encargado de seguir con la edición y ha sacado dos títulos más.

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• La diligencia (1968). Si John Ford levantara la cabeza… seguro que se le desencajaría la mandíbula de la risa. Una ensalada de tópicos, muy bien utilizados. Y cualquiera del resto de títulos…

Un peculiar cowboy en la pantalla

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Uno de los problemas de la adaptación a la gran y a la pequeña pantalla de las aventuras de Lucky Luke ha sido la ridícula intención de convertirlas en algo excesivamente familiar y pulcramente

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correcto, perdiendo, en gran medida, ese sentido del sarcasmo franco-belga que otorga frescura al personaje. Vamos, que la «americanización» de sus largometrajes y series dirigidos a los grandes mercados le han hecho un flaco favor. Hasta el momento, el vaquero y su caballo han sido llevados a la gran pantalla en cuatro ocasiones con otros tantos largometrajes de animación: Daisy Town (1971), La balada de los Dalton (1978), La fuga de los Dalton (1983) y Todos al Oeste (2007).

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Paralela suerte han sufrido las adaptaciones a la pequeña pantalla, desde Lucky Luke (1984), serie de animación producida por Hanna Barbera –26 episodios de 26 minutos–, con diferencia la más gazmoña de todas, hasta las siguientes Lucky Luke (1991), serie de animación producida por IDDH –26 episodios de 26 minutos–

y Las aventuras de Lucky Luke (1993), serie dirigida y protagonizada por Terence Hill, con 8 episodios. También el cine con personajes reales se ha aventurado, con más pena que gloria, a dar su versión del cowboy: Los Dalton contra Lucky Luke (2004), dirigida por Philippe Haïm, y Lucky Luke (2009), de James Huth. Caso aparte es la satírica y auténtica petardada Lucky Luke (1990), dirigida y protagonizada por Terence Hill. Autentico cutre luxe que bebe del más genuino Spaghetti western Trinidad. Tanto es así que generó una serie televisiva, la antes mencionada: Las aventuras de Lucky Luke (1993), dirigida y protagonizada de nuevo por el italiano de seudónimo yanqui Terence Hill. Texto: Sebas Martín

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Los Payasos de la Tele CULT MUSIC

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n el año 1974 apareció por primera vez en la televisión un programa especialmente dedicado a los niños: Las aventuras de Gaby, Fofó y Miliki entretenían cada sábado a las seis y media de la tarde a niños y adultos que querían pasar un buen rato riendo y cantando.

similar y contaba con actuaciones, pequeñas aventuras cómicas y las consabidas canciones, desde la inicial «Había una vez un circo» hasta las archipopulares «Susanita tiene un ratón», «Hola don Pepito», «La gallina Turuleca», «Los días de la semana» o «Chinito de amor», entre muchas otras.

De hecho, sus canciones se hicieron tan populares que uno de los primeros discos que los niños de los setenta pedían a sus padres era el de los hits de Los Payasos de la Tele, o lo que es lo mismo: Gaby, Fofó y Miliki, a los que posteriormente se les unirían Fofito, Milikito y Rody. La familia Aragón, que era el apellido de todos ellos, tenía una larguísima tradición en el mundo circense y ya en 1939 debutaban en Madrid en el Circo Price. Años más tarde decidirían hacer las Américas, consiguiendo un gran éxito en la televisión argentina, algo que no pasó desapercibido a los directivos de TVE, que les crearían un programa a su medida: El Gran Circo de TVE, rodado íntegramente en plató con niños gritones de público. La estructura de cada episodio era

La muerte de Fofó en 1976 conmocionó al país, pero The show must go on y entró en escena Milikito, también conocido como Emilio Aragón, de efímera carrera musical pero clamoroso éxito en los programas televisivos VIP Noche o Médico de familia. El circo fue tirando a trancas y barrancas hasta que en 1983 TVE decide anular el programa El loco mundo de los payasos, arriar la carpa y, a partir de ahí, los supervivientes de la familia de payasos salen de gira por los pueblos y ciudades de España aprovechando el éxito cosechado. En la actualidad sólo Miliki ha seguido rentabilizando las añejas canciones que les dieron la fama, primero junto a su hija Rita Irasema, y posteriormente en solitario, sacando discos revival de aquellos lejanos tiempos.

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Salón del Manga

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na vez más Barcelona o, más concretamente, el recinto de La Farga de L’Hospitalet, se llenó durante cuatro días de seguidores del género nipón que arrasa allá por donde pasa. Fueron cuatro días intensos de actividades variadas, de compras, de visionado de películas, de jugar con los últimos videogames aparecidos en el mercado, de hacer colas interminables para conseguir la firma de tu autor favorito, de ver y ser visto con tu cosplay recién cosido, de participar

en talleres o asistir al concierto de una celebrity nipona cantarina. En definitiva, que cada vez que vamos sabemos que será una fiesta muy divertida donde todos van a lucir sus mejores galas y se dejan fotografíar y posan como profesionales. Un salón como este hace augurar larga vida al manga: al menos las editoriales se han volcado en numerosas novedades; ahora sólo falta que el público responda y siga consumiendo este tipo de producto. Aunque echamos de menos más productos vintage, los que crecimos con Heidi, Mazinger Z o La abeja Maya estamos huérfanos de merchandising o libros que traten el tema. A ver si alguien se da por aludido...

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