Voices of Fashion by uitgeverijdekunst

VOICES OF FASHION

BLACK COUTURE, BEAUTY & STYLES

6-9 BART

RUTTEN

VOICES OF FASHION

10-13 JANICE DEUL X NINKE BLOEMBERG X ANNE-KARLIJN VAN KESTEREN

14-22 TOGO YEYE 72-81 THE NEW ORIGINALS IN FESTAC

23-32 THEBE MAGUGU X ERICA DE GREEF 48-59 BETHANN HARDISON X JANICE DEUL 90-96 DARWIN WINKLAAR X ALMA MATHIJSEN 129-139 DARNELL-JAMAL LISBY X ELIZABETH WAY 146-155 AFAINA DE JONG X CARLIEN DE JONG-MACNACK

60-71 WAXOLOGY 82-89 THE EUROPEAN TEXTILE TRADE 140-145 ‘OTHER’ FASHION EXHIBITIONS ARE DISRUPTING FASHION’S NORMATIVITY, NOW LET’S DISRUPT FASHION! 33-47

97-128

AIRICH LESIBA MABITSELA STUDIO KALKIDAN HOEX HOSSELAER LIBAYA THE NEW ORIGINALS IKERE JONES XULY BËT DAILY PAPER OZWALD BOATENG AHLUWALIA PERCY IRAUSQUIN CHRISTOPHER JOHN ROGERS FILLING PIECES XHOSA

ASPHA

156-157 BIJNAAR

158 BIBLIOGRAPHY - D I S C L A I M E R EXHIBITIONS COLOPHON 159 160

COLOPHON

TABLE OF CONTENTS

PATTA WALKER WEAR SUNNY DOLAT SANSOVINO6 HANIFA MARGA WEIMANS FASHION HOUSE VIRGIL ABLOH

Foreword as word of thanks

VOICES OF FASHION

Bart Rutten, Artistic Director, Centraal Museum

The Centraal Museum, the first art museum in The Netherlands to do so, organises Voices of Fashion: Black Couture, Beauty & Styles, an extensive fashion exhibition which tells the stories of Black creators and models. The first ideas were discussed more than three years ago, with Ninke Bloemberg, our fashion curator and now project leader of the exhibition, during our Out of Fashion (2017) exhibition, which was built around our own collection. The realisation that we had a serious shortage of designers of Colour in our collection convinced us that we needed to make up for lost ground. We also knew that we could not do this alone. I am therefore delighted to see this extensive colophon as a foreword, a first word aimed at you, the reader, with these excerpts as words of thanks to everyone involved. In particular to co-curator Janice Deul, who has been active with her Diversity Rules platform for many years and who came to reinforce our team at an early stage. She helped us to achieve the versatility and comprehensiveness we were looking for in the selection of the designs and the stories from the models and the makers. The social developments which became more prominently expressed in our country and our city through the media coverage of the Black Lives Matter movement – in which critical questions were also aimed at museums as definers of image and culture within our society – propelled the aspirations of this exhibition but also those of our future policy, even further. They emphasised the urgency of exhibiting and acquiring art and design created by people of Colour. It therefore gives me pleasure to see that the exhibition reaches further than just fashion. The exhibition is deliberately multi-disciplinary: not only art and fashion but also film and photography are represented and together they express the spirit of our time. The addition of the many ‘voices’, from famous to unknown, from expert to layman, allows the story, or perhaps even better, the serious grounds of this exhibition to be really be taken into consideration. Once again we have taken our own collection as starting point, now regarded with new insight and replenished with interesting acquisitions: there were quite some designs purchased and/or donated to our museum. The production of the exhibition involved intensive contact with more than seventy art collectors in different parts of Africa, the United States, the Caribbean and Europe. Without their generosity in sharing their objects and their insights we could never have reached this richly varied result. The personal involvement of the creators gave us particular pleasure, they seemed to us to underline the urgency, the necessity and the recognition of this attempt to make up for lost ground. Special thanks go to the benefactors: Louis Vuitton by Virgil Abloh, Daily Paper, Moncler by Pierpaolo Piccoli: their work is impressively dominant in the campaign images for the exhibition, photographed by AiRich. Also many thanks to exhibition designer Afaina de Jong of AFARAI, whose personal affinity with the subject matter contributed so much more than just the design of the exhibition. This also applies to the graphic designers of the book: Serana Angelista, and Marline Bakker from Glamcult Studio. We would also like to thank the feedback groups who offered us a broader learning curve, their expertise reaches further than this exhibition. Thanks also to the African Fashion Research Institute for providing us with a broader outlook. I would also like to thank our own project team, under the inspiring leadership of Ninke Bloemberg and Marloes van Liere and temporarily enhanced by that of curator Anne-Karlijn van Kesteren. Final thanks go to the city of Utrecht, BankGiro Loterij, Creative Industries Fund NL, Fonds 21, VSBfonds, the Mondriaan Fund, Prince Bernhard Culture Fund, Prince Claus Fund, Het Nieuwe Instituut and the Dutch Costume Society, who made the exhibition and this publication possible.

Voorwoord als dankwoord Bart Rutten, Artistiek directeur, Centraal Museum

Voor de realisatie van de tentoonstelling is er intensief contact geweest met ruim zeventig bruikleengevers uit verschillende delen van Afrika, de Verenigde Staten, het Caribisch gebied en Europa. Zonder hun generositeit in het delen van zowel hun objecten als hun inzichten hadden we dit rijkgeschakeerde resultaat niet kunnen bereiken. De persoonlijke betrokkenheid van vooral de makers deed ons bijzonder veel goed, zij onderschreven naar ons idee de urgentie en de noodzaak van deze inhaalslag en de erkenning. Bijzonder veel dank gaat uit naar de schenkers: Louis Vuitton by Virgil Abloh, Daily Paper, Moncler by Pierpaolo Piccioli; hun werken zijn indrukwekkend aanwezig in de campagnebeelden voor deze tentoonstelling, gefotografeerd door AiRich. Veel dank ook voor tentoonstellingsvormgever Afaina de Jong van AFARAI, die vanuit haar persoonlijke affiniteit met dit onderwerp zoveel meer bijdroeg aan de expositie dan alleen de vormgeving. Hetzelfde geldt voor de grafisch ontwerpers van dit boek Serana Angelista, en Marline Bakker van Glamcult Studio. Verder danken we de klankbordgroepen die ons een grote leercurve boden, hun feedback gaat verder dan deze tentoonstelling. Ook danken we het African Fashion Research Institute voor de verstrekking van blikverruimende inzichten. Dan wil ik ons eigen projectteam onder de bezielende leiding van Ninke Bloemberg en Marloes van Liere en tijdelijk uitgebreid met curator

FOREWORD

Het Centraal Museum organiseert met Voices of Fashion: Black Couture, Beauty & Styles als eerste kunstmuseum in Nederland een omvangrijke modetentoonstelling waarin de verhalen van Zwarte makers en modellen worden verteld. Meer dan drie jaar geleden, tijdens de tentoonstelling Uit de mode (2017), waarin onze eigen collectie centraal stond, vond het eerste gesprek over dit onderwerp plaats met Ninke Bloemberg, onze conservator mode en nu ook projectleider van deze tentoonstelling. Door het besef van het schrijnende tekort aan ontwerpers van Kleur in onze collectie waren we ervan overtuigd geraakt dat hier een inhaalslag gemaakt moest worden. Maar we wisten ook direct dat we dat niet alleen zouden kunnen. Graag zie ik dan ook het omvangrijke colofon als een voorwoord, een eerste woord gericht tot u, de lezer, en deze passages als een dankwoord aan alle betrokkenen. Want zonder hun steun hadden we deze tentoonstelling niet kunnen maken. Met name co-curator Janice Deul, al vele jaren actief met haar Diversity Rules Platform, kwam ons team al in een vroeg stadium versterken en hielp ons de gewenste veelzijdigheid en veelomvattendheid te bereiken in de selectie van de ontwerpen en de verhalen van de modellen en de makers. De maatschappelijke ontwikkelingen die door de Black Lives Matter beweging via de media nog nadrukkelijker tot uiting kwamen in ons land en in onze stad, – waarbij ook kritische vragen werden gesteld aan de musea als beeld- en cultuurbepalende instituten binnen onze maatschappij – stuwden de aspiraties van deze tentoonstelling, maar ook die van ons toekomstige artistieke beleid, nog verder op. Ze onderstreepten de urgentie van het tonen en verwerven van kunst en vormgeving gemaakt door mensen van Kleur. Het doet me dan ook deugd dat de tentoonstelling verder reikt dan alleen de mode. De tentoonstelling is nadrukkelijk multidisciplinair: zowel beeldende kunst en kledingstukken als film en fotografie komen aan bod en geven gezamenlijk uitdrukking aan de tijdgeest. De toevoeging van de ‘voices’ van velen, van beroemd tot onbekend en van expert tot liefhebber, laat het verhaal, of misschien beter, het meerstemmige betoog van deze tentoonstelling nog nadrukkelijker beluisteren. Met ook nu weer onze eigen collectie als uitgangspunt, bekeken met nieuwe inzichten en kritische blikken en aangevuld met belangwekkende aanwinsten: want uit de tentoonstelling zijn inmiddels heel wat stukken aangekocht en geschonken.

Cover of Vogue US, Hope, A Special Issue, September 2020. © Kerry James Marshall

VOICES OF FASHION

I would like to end these words of thanks with a personal memory. In the autumn of 2016 I was lucky enough to be able to visit the exhibition, Kerry James Marshall: Mastry, an amazing retrospective of his oeuvre. This was one of the most beautiful, most moving exhibitions I have ever seen. It therefore gives me great pleasure that one of the paintings I saw there is able to be a part of our exhibition. It beautifully and profoundly conveys the essence of Voices of Fashion. This was also highlighted by the September 2020 issue of American Vogue, for which the artist was asked to design one of the two covers; the result was a striking cover created by his characteristic vision of the beauty of the deep, black colour of the model's skin.

Anne-Karlijn van Kesteren bedanken. Ten slotte gaat onze dank uit naar de Gemeente Utrecht, BankGiro Loterij, Stimuleringsfonds van de Creatieve Industrie, Fonds 21, VSBfonds, Mondriaan Fonds, Prins Bernhard Cultuurfonds, Prins Claus Fonds, Het Nieuwe Instituut en De Nederlandse Kostuumvereniging, die de tentoonstelling en publicatie mogelijk maakten. Graag eindig ik dit dankwoord met een persoonlijke herinnering. In het najaar van 2016 had ik het geluk om in New York de tentoonstelling Kerry James Marshall: Mastry te kunnen bezoeken, een duizelingwekkend overzicht van zijn oeuvre. Deze tentoonstelling was voor mij een van de mooiste en ook aangrijpendste exposities die ik ooit heb gezien. Het doet me dan ook deugd dat een schilderij dat daar te zien was onderdeel is van onze tentoonstelling, omdat het op een prachtige en diepzinnige wijze de thematiek van Voices of Fashion weergeeft. Dit werd nog eens onderstreept door het september 2020-nummer van de Amerikaanse Vogue, waarvoor de kunstenaar gevraagd was om een van de twee omslagen vorm te geven; het leverde een stralende cover op door zijn blik op de schoonheid van de voor hem zo kenmerkende, diep zwarte huidskleur van het model.

Kerry James Marshall, (Untitled) Beauty Queen, 2014, Defares Collection. © Kerry James Marshall & David Zwirner, London

VOORWOORD 9

Left page—Design by House of Tayo (Rwanda), 2019, © Sunny Dolat

Bottom:—Photo: Design by Kepha Maina (Kenya), 2016, © Sunny Dolat

Design by Gloria Wavamuno (Uganda), 2019, © Sunny Dolat

THE VOICE OF SUNNY DOLAT “How do we have a single textile (wax print) representing a continent of 55 countries? This feeds into the narrative that Africa is a country.” —Sunny Dolat, Voices of Fashion, 2020 S u n n y D o l a t (Nairobi, Kenya, 1988) is a fashion stylist, creative director and curator. His practice centres on questioning the common assumption that there is a single African aesthetic or identity. In 2012, he co-founded The Nest Collective, a multidisciplinary Kenyan squad working with film, fashion, visual arts and music, which explores the intersections between poetry, feminism and queer theory, design and technology. Dolat was the creative director of the 2017 publication Not African Enough, which presented a collection of words and images from a selection of emerging Kenyan designers who are contributing to the country’s shifting aesthetic. In 2019, Dolat staged a critically acclaimed fashion performance at the N’Golà Biennial of Arts and Culture in São Tomé. The show, In Their Finest Robes, The Children Shall Return, honoured the expansiveness of the continent by featuring outfits by 56 African designers, one from each country and an additional one to symbolise the African diaspora.

‘Hoe kan het dat er maar één textielsoort is (waxprint) dat een continent van 55 landen representeert? Hierdoor lijkt het alsof Afrika één land is.’ —Sunny Dolat, Voices of Fashion, 2020 S u n n y D o l a t (Nairobi, Kenia, 1988) is stylist, creatief directeur en curator. In zijn projecten bevraagt hij de veelal heersende aanname dat er één Afrikaanse esthetiek of identiteit is. In 2012 richt hij met anderen The Nest Initiative op, een multidisciplinair initiatief uit Kenia dat werkt met film, mode, beeldende kunst en muziek. Ze zoeken naar verbindingen tussen poëzie, feministische- en queer-theorieën, design en technologie. Dolat is in 2017 het creatieve brein achter Not African Enough, een boek met een verzameling woorden en afbeeldingen van opkomende Keniaanse ontwerpers, die bijdragen aan de veranderende esthetiek van het land. Ook cureerde Dolat in 2019 een indrukwekkende performance tijdens de N’Golà Biënnale of Arts and Culture in São Tomé. Het veelzijdige talent laat met de modeperformance In Their Finest Robes, The Children Shall Return de rijkdom en de veelzijdigheid van het Afrikaanse continent zien middels 56 outfits: voor ieder Afrikaans land en voor de diaspora. @sunnydolat @thisisthenest

TOGO Togo Yeye, which translates as ‘a new Togo’ in Ewe, is an ongoing project by fashion activist Malaika Nabillah and art director Delali Ayivi celebrating the Togolese artists who are pushing boundaries in Lomé’s fashion industry. 'Our aim is to strengthen our creative community and bridge the gap between the Togolese diaspora and people at home. We received mentorship from Nataal to develop the series, which has become a conceptual book and digital platform that dreams of a fantastic future for our country’s cultural identity.' Togo Yeye, wat zich vertaalt als ‘een nieuw Togo’ in het Ewe, is een doorlopend project van mode-activist Malaika Nabillah en art director Delali Ayivi ter ere van de Togolese artiesten, die grenzen verleggen in de mode-industrie van Lomé. 'Ons doel is om onze creatieve gemeenschap te versterken en de kloof tussen de Togolese diaspora en mensen thuis te over bruggen. Onder mentorschap van Nataal konden we deze serie ontwikkelen, wat resulteerde in een conceptueel boek en digitaal platform, dat de droom van een mooie toekomst voor de culturele identiteit van ons land vangt.' @togoyeye

YEYE

Left page—Sam wears trousers by H e d z r a n a w o e, hair and make-up by L a e t i t i a A d j i

Florence wears a dress by L i g h t F a k a m b i

Co-founder: Malaika Nabillah @nabillahtou, Co-founder/Photography: Delali Ayivi @delaliayivi. Thank you: Tendance Modelling Agency, Eamod Ayanick Lomé, FAALT Lomé, Helen Jennings. Togo Yeye was first published in Nataal Magazine

Afez Diaz

Right page—Roberta wears a dress by A g n e s K ' d o

Left page-Roberta wears a dress by S a r a h S o d j i

Rachida wears trousers, belt and top from H e d z r a n a w o e, hair & make-up by L a e t i t i a A d j i

Alice wears a dress by D i a n e P a t i e n c e E c h i t e y

Right page—Asap le Togoricain styled by himself

THE VOICE OF FANA RICHTERS “The potency of Black identity is a recurring theme in my portraits, for which I mix elements of contemporary (pop) culture with those of African histories, fusing these worlds to produce images that blend surrealism, fantasy, science fiction and Afro-futurism. I largely depict Black otherworldly superbeings who, from their galactic vantage point, have a clear vision of the past, present and, in particular, future of Black identity, Africa and its diaspora.” —AiRich for Voices of Fashion, 2020 A i R i c h, or F a n a R i c h t e r s (Amsterdam, 1991), is a visual artist and stylist. She creates portraits that blend fashion, music and spiritual mythology, based on the recurring theme of the rediscovery and redefinition of the power of Black identity. A distinctive feature of her work is her exclusive use of Black models, who are not traditionally seen as fitting the model of beauty prized in Western photography. In 2020, AiRich was named one of the NRC newspaper’s “101 New Talents”. She also created the campaign image for Voices of Fashion.

‘In mijn portretten is de kracht van Zwarte identiteit een terugkerend onderwerp. Hiervoor combineer ik hedendaagse (pop)culturen met elementen uit de Afrikaanse geschiedenissen. Mijn foto’s zijn vaak surreëel, extreem, raken aan sciencefiction en het Afrofuturisme. Ik beeld vaak Zwarte buitenaardse wezens uit, die vanuit andere perspectieven op heden, verleden en vooral de toekomst van de Zwarte identiteit, Afrika en de Diaspora kijken.’ —AiRich, Voices of Fashion, 2020 A i R i c h, of F a n a R i c h t e r s (Amsterdam, 1991), is een beeldend kunstenaar en stylist. In haar portretten is herontdekken en herdefiniëren van de kracht van Zwarte identiteit een terugkerend onderwerp. Hiervoor laat ze mode, muziek en de spirituele mythologieën samensmelten. Een kenmerkend aspect van AiRich’s werk is dat ze alleen gebruikmaakt van Zwarte modellen die in eerste instantie niet voldoen aan de westerse schoonheidsidealen binnen fotografie. In 2020 werd ze door de NRC uitgeroepen tot één van de 101 Nieuwe Talenten. AiRich maakte ook het campagnebeeld van Voices of Fashion.

@airich_

THE VOICE OF LESIBA MABITSELA “Everything I do stems from a single question: ‘What if we hadn’t been colonised?’ This has informed a design process birthed many years ago whilst poring over biographies of the most influential European designers of the 20th century. As a young student of fashion design, I began to wonder why no one who looked like me was included in fashion history.” —Lesiba Mabitsela, Voices of Fashion 2020

Lesiba Mabitsela Studio, ReInstitute collection, 2019, model: Mariah McKenzie, hair & make-up: Valerie Ekgebo, © Mandla Shonhiwa

L e s i b a M a b i t s e l a (Pretoria, South Africa, 1987) is an interdisciplinary designer whose practice incorporates fashion design, video, photography and performance theory. Mabitsela is particularly interested in the construction and use of clothing as a tool for political resistance. The interdisciplinary intervention {Re}Institute, for instance, is a response to the Western-originated pinstripe 3-piece suit, which European colonisers “introduced” to South Africa. {Re}Institute offers alternatives inspired by African architecture, handicrafts and typography. The draped figures that constitute the work stand in sharp contrast to the fitted look of the West. Clothes in Mabitsela’s practice are an extension of the wearer’s lineage, communicating their history, culture and aspirations.

‘Aan de basis van al mijn werk ligt de vraag: wat als we niet waren gekoloniseerd? Het beïnvloedt mijn ontwerpproces, vanaf het moment dat ik als modestudent alleen maar biografieën van grote Europese modeontwerpers voorgeschoteld kreeg. Ik ben me af gaan vragen waarom er niemand die er uitziet zoals ik deel uitmaakt van de modegeschiedenis.’ —Lesiba Mabitsela, Voices of Fashion 2020 L e s i b a M a b i t s e l a (Pretoria, ZuidAfrika, 1987) is een multidisciplinaire ontwerper en verbindt mode, video, fotografie en uitvoerende kunst in zijn collecties. Binnen mode heeft Mabitsela specifieke belangstelling voor kleding als politiek middel van verzet. Zo reageert Mabitsela in zijn interdisciplinaire project {Re}Institute op het driedelige krijtstreeppak, kenmerkend voor het Westen en door de kolonisten ‘geïntroduceerd’ in Zuid-Afrika. Geïnspireerd op Afrikaanse architectuur, ambachten en typografie komt hij met een alternatief, dat door de draperieën en losse belijning in groot contrast staat met het strenge maatpak. Zijn kleren vormen een verlengstuk van de af komst van de drager en een middel om persoonlijke geschiedenis, cultuur en ambities naar de buitenwereld te communiceren. @lesibamabitselastudio

101

Kalkidan Hoex, TheNEWtribe, 2020, model: Kalkidan Hoex, © Furial Purgatorio Bottom: Kalkidan Hoex, TheNEWtribe, 2020, models: @mimi_afro and @iamjoyjulius, Joy Julius, © Furial Purgatorio Left page—Kalkidan Hoex, TheNEWtribe, 2020, model: @80asDope, © Furial Purgatorio

THE VOICE OF KALKIDAN HOEX “Literature provides me meaning and fuels my drive to make art. I refer particularly to works like Cultural Representations and Signifying Practices by Stuart Hall, Hybridity by Homi K. Bhabha and Gentrification: Colonialism in the Modern Era by Jonathan L. Wharton. These texts shape my vision and motivate me to create meaningful work that reflects, resonates with and educates the public. I’m also inspired by artists such as Lina Iris Viktor and Jean-Michael Basquiat, by the way Basquiat draws, his use of colour and the way he layers the stories in his paintings.” —Kalkidan Hoex, Voices of Fashion, 2020 K a l k i d a n H o e x (Addis Ababa, Ethiopia, 1993) pursues a multi-disciplinary practice that explores the feeling of living between two worlds. The jewellery maker and visual artist, Hoex grew up in the Netherlands but says her heart will forever belong to Ethiopia, the country of her birth, from which she was adopted at a young age. In her collections, Hoex uses a range of techniques and materials to find connections and relations between Western and African cultures. TheNEWtribe collection, for instance, is informed by the representational practice of Black culture and explores the meaning of identity as signalled through current trends and style. The work speaks directly to those with whom Hoex identifies: young people of mixed descent who were adopted from their country of birth or had to flee their birthplace with their families, and who as a result are similarly preoccupied with the subject of identity. Hoex uses comics and stand-alone illustrations to further reinforce the symbolic meaning of her jewellery.

‘Literatuur geeft me betekenis en een grotere drive om kunst te creëren. Boeken van Stuart Hall (Cultural Representations and Signifying Practices), Homi K. Bhabha (Hybridity) en Jonathan L. Wharton (Gentrification: Colonialism in the Modern Era) bijvoorbeeld. Deze teksten vormen mijn visie en motiveren me om zinvol werk te maken, dat het publiek vertegenwoordigt, verbeeldt en opvoedt. Ik raak ook geïnspireerd door kunstenaars zoals Lina Iris Viktor en Jean-Michael Basquiat. De manier waarop Basquiat tekent, de kleuren die hij gebruikt en de gelaagdheid van zijn schilderijen.’ —Kalkidan Hoex, Voices of Fashion, 2020 K a l k i d a n H o e x (Addis Adeba, Ethiopië, 1993) onderzoekt met haar multidisciplinaire werk het leven tussen twee werelden. De sieradenmaker en beeldend kunstenaar groeit op in Nederland, maar haar hart ligt in het land waar ze op jonge leeftijd uit geadopteerd wordt, Ethiopië. In haar collecties gebruikt Hoex verschillende technieken en materialen om het Westerse en het Afrikaanse, met elkaar te verbinden. In de collectie theNEWtribe onderzoekt ze de betekenis van identiteit binnen trends en stijl. Hiermee spreekt ze een groep jongeren aan met wie ze zich identificeert: jongeren met eenzelfde zoektocht door het hebben van een gemengde af komst, die geadopteerd zijn of hun geboorteplaats hebben moeten ontvluchten. Hoex voegt symbolische waarde toe aan haar werken via illustraties en striptekeningen. @_____k.t.h._____

103

Hosselaer, model: Ilaisa, 2009

THE VOICE OF FARIDA SEDOC “The history of hip-hop, particularly the role played by women in the scene in the 90s, informed my life from an early age. I was hugely influenced by the way these women presented themselves, and this not only shaped my identity but also what I do creatively.” —Farida Sedoc, Voices of Fashion, 2020 F a r i d a S e d o c (Ermelo, 1980) studied at the Sandberg Institute in Amsterdam. She is an artist and entrepreneur, and the founder of the brand and textile studio H O S S E L A E R. “Hosselen” is Surinamese-Dutch for “hustle”. Sedoc works in various media, such as screen printing, graphic design, collage and textiles, and her work is closely connected to the ideology of street culture, a nexus of cities and their inhabitants. Her works, often site-specific, explore political and social themes, particularly that of social justice, and contain multi-layered stories and messages relating to these. In 2020, Sedoc’s No Justice No Peace poster became the centrepiece of a special Black Lives Matter T-shirt designed in collaboration with Daily Paper, The New Originals, Filling Pieces, Smib and Patta. For Voices of Fashion, Sedoc created a new installation with a selection of T-shirts from her personal archive.

‘De rijke geschiedenis van met name de vrouwelijke aanwezigheid in hiphop uit de jaren 90 speelt een belangrijke rol in mijn leven. De wijze waarop zij zich presenteerden heeft me sterk beïnvloed toen ik opgroeide: het heeft niet alleen mijzelf gevormd, maar ook wat ik doe op creatief vlak.’ —Farida Sedoc, Voices of Fashion, 2020 F a r i d a S e d o c (Ermelo, 1980) studeerde aan het Sandberg Instituut in Amsterdam. Ze is kunstenaar, ondernemer en oprichter van haar merk H O S S E L A E R. ‘Hosselen’ is Surinaams Nederlands voor ‘doen wat je moet om rond te komen’. Haar werk is nauw verbonden met de ideologie van de straatcultuur, de stad als ontmoetingsplek van bewoners. Vaak is textiel de drager van haar boodschap, dikwijls politiek of maatschappelijk geëngageerd en van sociale rechtvaardigheid. Sedoc kiest voor verschillende media, zoals zeefdruk, grafisch ontwerp, collage, prentkunst en textiel om meerlagige verhalen en site-specifieke werken te creëren. In 2020 ontwierp ze met HOSSELAER het Black Lives Matter T-shirt in samenwerking met Daily Paper, The New Original, Filling Pieces, SMIB en Patta. Speciaal voor Voices of Fashion maakte ze een installatie met een selectie T-shirts uit haar privéarchief. @farida_sedoc

105