UnheimlicH Magazine N°3 by UnH Ediciones

3:4 .:. 2011

03 [CULTURA OSCURA]

• peter murphy ordo Rosarius Equilibrio aura noctis • igniis • ohgr • PAIL the march violets • o. children draconian • skold • TYING TIFFANY septicflesh y mucho más... clan of xymox

• Ernesto Sabato, la oscura alquimia del pincel • Androginia, antigua y sagrada ambigüedad • Erzébeth Bathóry según Santiago Caruso • Lovecraft vs. Derleth, simbiosis de ultratumba

+ de 70 reviews de CDs puntuados

Editorial

Últimamente vengo observando una tendencia que parece no revertirse por la actitud de algunos que levantan la bandera de la defensa y la difusión de la cultura oscura, pero que con sus actos sólo generan un severo impacto negativo. Me refiero al constante cierre de pequeños sellos discográficos independientes, principales impulsores de las nuevas bandas, a manos de un flagelo que no da tregua: la piratería. Me canso de ver cientos y cientos de blogs, de aquí y de allá, que postean flamantes álbumes para que cualquiera se los baje sin pagar nada. Compartir música es un verdadero placer y parte de un rito social, claro; pero distribuirla libremente por Internet sin la autorización pertinente por la sencilla razón de creer que se difunde es desconsiderado e irrespetuoso. Para eso existen los netlabels y los hay muy buenos. ¿Será el momento de pensar dos veces antes de hacer clic? .:. Fernando eFe PI

Índice .:. Blekotakra, sombras en la oscuridad

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.:. Wave Gotik Treffen 2011, la gran fiesta

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DIRECTOR EDITORIAL Fernando eFe PI .:. REDACCIÓN Gerardo Regos Abecasis | Febe Lound |

es una publicación de UnH Ediciones. Las opiniones y el contenido, incluso de las publicidades, son responsabilidad de sus respectivos autores o anunciantes y no representan necesariamente la opinión del editor. Prohibida la reproducción total o parcial del material contenido salvo autorización del editor.

Crónica y fotos exclusivas del XX aniversario del festival más importante de la escena oscura.

.:. La sombra fuera de Lovecraft

La joven italiana aborda en su obra la mordaz belleza que logra alterar la imagen del cuerpo humano.

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Un caso de estudio, la rara simbiosis de ultratumba entre H.P. Lovecraft y August Derleth.

.:. + Cultura Oscura 04_ 06_ 16_ 34_ 36_ 40_ 44_ 46_ 48_ 52_ 54_ 60_ 62_

Novedades desde el frente !Distain Peter Murphy Giallo, fatto in casa La Condesa Sangrienta Ordo Rosarious Equilibrio Tying Tiffany PAIL Sagrada ambigüedad O. Children Soy Leyenda: synthpop del futuro The March Violets Diedrich Diederichsen

Aura Noctis _70 Reviews de CD _72 Clan of Xymox _88 Game of Thrones _90 ohGr _93 Draconian _94 Gottfried Benn _96 Igniis _100 Las pinturas de Sabato _102 Arcana Acrobacia Teatral _108 SKOLD _114 Septicflesh _116 Última página _118

novedades lafarium cuartiquis volvió el prozine de culto sobre literatura oscura

A partir de junio de 2011, la habitación sin tiempo ni lugar vuelve a ocupar su sitio dentro de la cultura oscura. Lafarium Cuartiquis, el prozine de culto que supo ganar miles de adeptos en el mundo de habla hispana a fines de la década del 90, regresa de la mano de UnH Ediciones totalmente renovada, pero con el espíritu de siempre. Esta publicación literaria, en formato digital y asequible a todos aquellos espíritus revoltosos, busca generar un espacio para las almas inquietas que se dedican a narrar desde las sombras. Cada edición trabajará un tema particular, a modo de monográfico, construido con el aporte de autores de toda Hispanoamérica. El primer número está dedicado a quienes durante siglos han sido los guardianes de los arcanos: Las Sociedades Secretas. Desde la francmasonería, pasando por los rosacruces o los cátaros, hasta las modernas agrupaciones esotéricas que se hallan inmersas en la política y la economía mundial. Todo forma parte de una misión sagrada: proteger el conocimiento de aquellos que pretenden destruirlo. Lafarium Cuartiquis es una propuesta diferente, osada y clara en su premisa: traer a la luz aquello que permanece sumergido en el silencio. La podés leer online o descargarla en formato PDF de forma gratuita desde www.lafarium.unhediciones.com.ar.

desde el frente

ironclad correrá sangre

Enmarcada en el oscuro y brutal siglo XIII, pronto llegará a la pantalla grande una película medieval cruda y muy violenta dirigida por el británico Jonathan English. Se trata de Ironclad (Templario), un relato de honor y acción que retrata un momento crucial de la historia de Inglaterra, cuando tras la firma de la Carta Magna, un grupo de caballeros templarios liderados por Marshall (James Purefoy) luchó por defender su país del tiránico Juan I de Inglaterra (Juan Sin Tierra, interpretado por Paul Giamatti). ¡Imperdible!

El monstruo salió de su guarida

Cultor de un estilo propio, el realismo delirante, el escritor argentino Alberto Laiseca ha ido definiendo a lo largo de su obra un universo personal nutrido de saberes históricos, literarios, técnicos, astrológicos y esotéricos. Cuentos Completos, editado recientemente por Simurg, reúne la totalidad de su producción cuentística, extenso arco que va de “Mi mujer” (1971) a “La verdadera historia de la mujer de blanco” (2011). Los cuentos de Matando enanos a garrotazos, Gracias chanchúbelo y En sueños he llorado se suman aquí a los recogidos en diversas antologías y a quince inéditos que testimonian, en conjunto, el apasionado ejercicio del género por parte de uno de los escritores de horror más originales de la actualidad.

sol invictus, limitado y de colección

A modo de anticipo de la reedición en digipack de toda la discografía de la banda de Tony Wakeford, el sello alemán Prophecy Productions lanzó Collected Works, un box set especial que incluye 27 CD y 3 DVD, muchos de ellos con material raro e inédito, además de los arte de tapa remozados y unificados a modo de colección y una nota de agradecimiento manuscrita por el mismísimo líder de Sol Invictus. Muy limitada, esta pieza para fanáticos ya está disponible.

dead can dance modelo 2012

Aunque a principios de 2010 Brendan Perry ya habló de la posibilidad, ante medios búlgaros, de tocar de en vivo y grabar nuevo material junto a Lisa Gerrard en este 2011, no ha sido hasta hace unos días que, mediante Myspace y el foro oficial de la banda, se anunció que entrarán en el estudio de grabación a finales de este año para tener un nuevo disco listo para una extensa gira de dos meses en 2012 que los llevará por medio mundo. Así, ésta será la segunda reunión del dúo australiano tras la gira europea y norteamericana de 2005. Dead Can Dance desarrolló su obra entre 1981 y 1998, y llegó a lanzar siete discos a lo largo de ambas décadas. De ellos se destacan The Serpent’s Egg’ (1988), Aion (1990) e Into the Labyrinth (1993). Su bella música, de sonidos que oscilaban entre lo etéreo, lo tribal, lo misterioso y lo amenazante, los convirtió en uno de los actos más importantes del sello inglés 4AD y estandartes de la música oscura.

+ PLUS .:. !distain

Eter no sy nthpop

Lo que el nombre de esta banda sugiere no se condice con su estado actual: !Distain no destiñe, sigue teniendo la misma calidad musical de siempre. El dúo alemán, integrado por Alexander Braun y Manfred Thomaser, está a punto de cumplir dos décadas de carrera y álbum tras álbum ha logrado dar –cada vez– una vuelta de tuerca a su elegante y refinado synthpop, tan versátil como sus integrantes: ambos componen, cantan y tocan teclados, una combinación eficiente pocas veces vista por estos días. En el 2011, !Distain cae parado con un gran disco (On/Off), que ya lleva dos singles promocionales –Mein weg y Why? (Bootlicking Hypocrites)–, también algo muy poco frecuente por estos días. Es que este tándem creativo es atípico para su género ya que reúne muchas condiciones y atributos que recién ahora comienzan a ser puestos en valor por los amantes del estilo. Casi veinte años de trayectoria, seis discos, una decena de singles y un par de compilados de grandes éxitos y remixes. ¡Era hora de que se los reconociera tal como se lo merecen! .:. Javier Richarte 6

camera obscura .:. Blekotakra

SombraS

en la oscuridad La obra de la joven italiana Giorgia Napoletano (aka Blekotakra) aborda la mordaz y tenebrosa belleza que logra la alteración de la imagen que tenemos del cuerpo humano. .:. Por Gerardo Regos Abecasis Con tan solo 20 años, la fotógrafa italiana Giorgia Napoletano (que utiliza el seudónimo Blekotakra) supo armar un inquietante portfolio de fotocomposiciones conceptuales. Sus trabajos están divididos en dos series (Necroego y Egomeco) y tienen un hilo conductor: el autorretrato manipulado digitalmente. “Elegí este camino para expresarme porque siento que sólo yo puedo mostrar lo que siento: mi cuerpo desnudo es el contacto directo entre mi alma y mi cámara“. Es muy interesante la mirada y el manejo que tiene de la anatomía humana para poder ensamblar a la perfección cada parte del cuerpo y hacer un todo; una seria y precisa desconstrucción creativa muy bien planteada, que da como resultado imágenes oscuras, extrañas y hasta por momentos surrealistas. Sus particulares alteraciones del cuerpo tienen un respeto por la composición plástica que hacen la diferencia entre aquello que está muy bien hecho y lo que puede ser sólo una aventura adolescente de las tantas que uno se puede topar a diario en Internet; la distinción entre un artista y un aficionado. Estéticamente, tal como la temática que aborda lo impone (la muerte, los miedos y demás), el blanco y el negro predominan, pero hay que destacar que Giorgia maneja con una calidad admirable los tonos y los contrastes, ya sea en la producción como en el retoque posterior. Una joven talentosa que tiene un futuro enorme y que hay que seguir de cerca porque, seguramente, dará que hablar. .:. 9

“Mis obras son la expresión artística de situaciones de mi vida; sentimientos que almaceno en mi alma y fluyen a través de la imagen de mi cuerpo...”. 10

“Necroego (yo y la muerte) revela mi parte más profunda y secreta, mi lado oscuro... Mientras que Egomeco (yo y mis circunstancias) representa mi costado de luz, lo que está en la superficie, mi alma que se expresa y cuenta mis pensamientos y sentimientos...” 14

Peter Murphy

rimera ersona

Bauhaus+Solista

Soy impredecible, no me pongo límites ni conceptuales ni musicales a la hora de componer. Todo es muy simple e intuitivo y por eso puede cambiar todo de un momento a otro. Ninth es muy directo. Hay mucha arrogancia en las canciones y por esa actitud se puede llamar rock a lo que hago en este momento de mi vida. El último álbum con Bauhaus también tuvo esa dirección. Mis letras hablan de Peter Murphy y sus circunstancias. La mayoría de las líricas de Ninth, por ejemplo, están basadas en las experiencias que viví durante los últimos años en Estados Unidos, más precisamente en Nueva York –mi lugar de residencia desde hace un tiempo–, junto a Bauhaus y a mi actual productor y amigo David Baron. Hablan mucho sobre recuerdos y psicología; esta cuestión de dejar el pasado atrás completamente y mirar el ahora. I Spit Roses, por citar un ejemplo, está inspirada justamente en un incidente que tuve con mis ex compañeros al momento de grabar Go Away White en 2008, nuestra última reunión: en lugar de discutir en aquel entonces, decidí acumular pétalos de rosas en mi boca y hoy escupírselos; es un gesto amoroso, pero que no deja de ser un poco shockeante. Mi música no es muy diferente a la de Bauhaus. Si bien como artista intento progresar líricamente día a día, trabajo de la misma manera que lo hacía con mi banda de tantos años, aunque para Ninth dejé que la energía fluyera de otra manera. Después de toda la experimentación que representó Go Away White, quise volver a la sensación orgánica de los músicos. Por eso nos internamos durante unas semanas en un estudio –que supo ser una iglesia– ubicado en Woodstock, un lugar maravilloso que me permitió estar en contacto con la naturaleza, y grabamos todas las canciones. Siento que captamos el ambiente y capturamos algo muy fuerte. El futuro no existe. No hay nada más allá del hoy, sólo el ahora. Me volví un ferviente devoto de enviar un mensaje de paz a otro ser humano sin siquiera conocerlo. Esta idea de tomar esa noción religiosa sin ser practicante y desear que “Dios esté contigo” es realmente hermoso. Este concepto está plasmado en Ninth, pero en el lenguaje de la energía. Desde el momento en que me subí a un escenario supe que iba a hacer historia. Lo que hacíamos con Bauhaus era algo muy poderoso y de alguna manera sabía que eso sucedería. No me preguntes el porqué, sólo lo supe. Sin embargo, nunca me consideré un ícono de la escena gótica y me sorprende mucho cuando la gente lo dice. Me halaga, aunque siempre he creído que más bien formo parte del under más que de un movimiento en particular; además, ése es el contexto que más amo. Donde hay luz siempre tiene que haber oscuridad y viceversa. Me gusta pensar que lo misterioso no tiene porque estar siempre entre sombras por el simple hecho de ser desconocido. La luz también puede ser oscura. Me sentí muy a gusto con mi participación en la película Twilight, aunque generó polémicas entre los fans que dijeron que me había vendido al mainstream. Nada más lejos de eso. Fue una muy corta aparición, pero intensa. David Slade, el director, quería que hiciera una actuación especial que para él era como un guiño secreto para aquellos que me conocían y me habían visto cantar Bela Lugosi is Dead en The Hunger, el film vampírico de los tempranos ochentas protagonizado por Catherine Deneuve y David Bowie. La verdad es que espero poder tener otras oportunidades para actuar porque descubrí que, al igual que con la música, me siento cómodo. .:. .:. Fernando eFe PI 17

DIARIO DE VIAJE .:. Wave Gotik Treffen 2011

FiestA la gran

Durante cinco días vivimos un evento único, la máxima celebración de la escena gótica, el vigésimo aniversario del Wave Gotik Treffen. UnheimlicH estuvo allí. .:. Por Bárbara Bier y Juan A. Guisado

Hace un tiempo, un grupo de personas oriundas de Leipzig, ciudad alemana ubicada al noroeste del estado de Sajonia, tuvo una idea bastante particular: organizar un evento en el cual la gente con los mismos intereses se pudiera encontrar y disfrutar de la música oscura, pero también de toda la cultura que la rodea. En 1992 pudieron hacer realidad su sueño y lo llamaron Wave-Gotik-Treffen (WGT). Tuvo una convocatoria de no más de 2.000 visitantes y sólo un puñado de bandas. En aquel entonces, nadie se podía imaginar que esta reunión se convertiría dos décadas después en el festival gótico más grande e importante del mundo. Desde aquel momento, año tras año, las sombras toman posesión de Leipzig y hordas de seres oscuros de todas las latitudes del planeta la invaden para apreciar y disfrutar las actuaciones de artistas musicales y de otras disciplinas que se suceden por toda la ciudad en todo tipo de espacios y escenarios. Son más de treinta lugares (Agra, Felsenkeller, Parkbühne, Moritzbastei, Werk II, Halle 15, iglesias, teatros, salas, discos, pubs, parques y tantos otros) que están desperdigados a distancias no tan cercanas unos de otros. Es por eso que, para cualquiera de los asistentes, resulta imposible ver y participar de todo lo que tiene el WGT para ofrecer. Entre el 9 y el 13 de junio de 2011 se celebró su vigésimo aniversario y los organizadores tiraron la casa por la ventana: durante las cinco jornadas tocaron más de 200 bandas en vivo que cubrieron todos los estilos oscuros: del electro al gothic rock, del EBM al neofolk, del medieval al industrial; se realizaron cientos de actividades culturales de las más diversas, participaron más de 25.000 espectadores y 450 periodistas de más de 50 países, incluidos los del primer canal de la televisión alemana... La magnitud y el impacto que tuvo esta edición tan especial del WGT fueron increíbles y UnheimlicH estuvo allí. Desde la redacción, armamos un recorrido específico con la intención de presenciar un amplio espectro de conciertos que, por uno u otro motivo, resultaban más interesantes que otros. Claro está que muchos quedaron fuera de esta lista; sin embargo, las actuaciones de las que damos cuenta en esta crónica son bien representativas de lo que sucedió en este evento sin precedentes. 19

Jueves 9 de junio Pese a que los jueves de ediciones pasadas nunca hubo conciertos en el Agra, el escenario que más público puede albergar, este año los organizadores decidieron que fuera el punto de reunión de seis de las ocho bandas que tocaron en el primer festival a modo de festejo y apertura del vigésimo aniversario del WGT. Mientras esperábamos que comience el espectáculo, en la pantalla gigante del escenario se pudo leer un comunicado que decía: “Stefan Ackermann, cantante de Das Ich, está muy enfermo y no se va a recuperar en mucho tiempo. De todas formas, sus amigos harán el concierto en su honor”. Cuando salió al escenario Bruno Kramm, la otra mitad de la banda, y dio la bienvenida al público del Agra, que ya estaba bastante lleno, confirmó la situación de Stefan: “Luego de muchas operaciones, aún sigue en cuidados intensivos del hospital y su recuperación será larga. Lo visitamos y le preguntamos si estaba de acuerdo en que hagamos este concierto y nos respondió ‘spielt für mich’ (actúen para mí). Así que aquí estamos”. El histrionismo y la voz de Stefan se extrañaron; sin embargo, Vic Anselmo y Myk Jung de The Fair Sex suplieron muy bien ese hueco difícil de llenar. Los éxitos de todos los tiempos se fueron sucediendo y fueron muy bien recepcionados por la gente: Kain & Abel, Gottestod, Destillat... Luego fue el turno de los alemanes de Sweet William, que presentaron una mezcla de sonidos oscuros con bastantes temas de su último disco, Brighter than the Sun. Le siguió el simpático Oswald Henke al mando de Goethes Erben, uno de los pilares indiscutidos del movimiento Neue Deutsche Todeskunst (nuevo arte alemán de la muerte) y de la escena gótica alemana. Con el escenario lleno de velas y acompañado de guitarras y violines, ofreció un show en el que no faltaron los clásicos de la banda y algún que otro cover; todos interpretados de forma melodramática y teatral como le gusta hacerlo a Henke, un especialista en el tema. A esta altura, el Agra estaba completo y aún faltaban tres presentaciones más. La segunda mitad del show comenzó con Age of Heaven, un grupo de Leipzig, cultores del gothic rock con el bajo al frente, en línea con el estilo de Sisters of Mercy o Fields of 20

Al igual que hace 20 años, Dasi Ich volvió a abrir oficialmente el WGT. Su presentación provocó sentimientos encontrados, emociones que se debatían entre la noticia sobre Ackermann y la buena performance de la banda.

the Nephilim. Su concierto fue muy bueno y tocaron muchos de sus éxitos de hace dos décadas atrás, entre ellos The Providence o Red Roses, pero el público bastante joven no estaba muy al día con las celebrities goth que estaban arriba del escenario. La cosa cambió cuando aparecieron los Eternal Afflict: 40 minutos de intenso darkwave fusionado con electro y rock oscuro. La particular voz de Cyan y su emotividad para arengar a las masas hicieron de su presentación un momento memorable; ni hablar del final con su ya clásico San Diego. Nadie pudo dejar de corear el estribillo ni de saltar a su ritmo. Y el broche de oro no tardó en llegar: Love Like Blood, los legendarios guerreros del gothic rock alemán que volvieron a reunirse especialmente para la ocasión. Desde 1999 que no se presentaban en vivo y, como reza el dicho: “el zorro pierde el pelo, pero no las mañas”. Estaban intactos, como si el tiempo no hubiera pasado: melodías poderosas, llenas de sombras, Yorck Eysel sumamente activo, un concierto extraordinario. Así se cerró la primera jornada, pero el WGT recién daba comienzo.

Sweet Williams, íconos del gothic rock de los 90. Oswald Henke resucitó los viejos clásicos de Goethes Erben para esta noche especial.

Cyan, vocalista de Eternal Afflict, es un experto en arengar al público. El Agra se rindió a sus pies.

Jens-Uwe Helmstedt, alma máter de Age of Heaven.

Love Like Blood, comandada por Yorck Eysel, hizo un recorrido por lo mejor de su carrera. Desde 1999 no se presentaban en vivo.

Viernes 10 de junio Tras dar una vuelta por el centro y ver cómo los ciudadanos de Leipzig sacan sus cámaras para fotografiar a los seres oscuros que los visitan cada año, marchamos hacia el Clara-Zetkin Park donde se celebró el picnic victoriano. El tiempo nos acompañó y nos encontramos con muchísima gente lookeada con diferentes estilos (barroco, rococó, steampunk, lolita...) con sus mantas en el suelo, vino tinto, champagne, frutas, tartas caseras... Buen ambiente junto al lago. Luego emprendimos camino hacia el Felsenkeller, un antiguo salón de baile en el que tocaron cinco bandas. Abrió la jornada Lotus Feed, un grupo alemán procedente de Colonia, que deleitó a los pocos que había en ese momento con su prolija propuesta new wave, aunque un tanto monótona. A continuación, desde Portugal llegó Uni_Form para presentar Mirrors, su único álbum hasta el momento: una lección de post punk vintage increíble... muy a lo Joy Division. Para muchos fue una sorpresa agradable su actuación y los CD que trajeron para vender se agotaron al instante. Sin mucha espera, subieron al escenario los franceses de Soror Dolorosa, a quienes no conocíamos, y su propuesta nos resultó maravillosa. La estética de su cantante Christophe Guenot, casi un clon de un joven Andrew Eldritch (Sisters of Mercy), parecía la carta de presentación de lo que sonaría más tarde. Aunque, por suerte, el “homenaje” sólo tuvo que ver con la imagen; los sonidos oscuros estaban más en línea con el darkwave, bien triste y melancólico, y por algunos instantes nos hicieron recordar a la mejor época de sus compatriotas de Corpus Delicti. La sonrisa en nuestros rostros –y en el de todos los autoconvocados en Felsenkeller– ya se había instalado. Hubo felicidad, se notó. Pero aún faltaba... Las luces volvieron a apagarse y entró en escena Merciful Nuns, la tercera reencarnación del señor Artaud Seth tras Garden of Delight y Lutherion. Ante los primeros acordes, la gente explotó de emoción: pure gothic rock, el de los ochentas pero remozado; ese que hizo que muchos de nosotros comenzáramos en esta andadura por terrenos oscuros. Impecables y sobrios en cuanto a su puesta, resumieron magistralmente su breve pero contundente discografía. El cierre de esta velada estuvo en manos de los antológicos The March Violets que, lamentablemente, no tuvieron una gran performance ya que les falló todo.

El Clara-Zetkin Park se convierte en una gran pasarela fashion por la que desfilan personajes de lo más variopinto con sus ropas de época.

Cada vez son más las familias que asisten con sus hijos al WGT.

Los riffs de los portugueses de Uni_Form hechizaron a todo el Felsenkeller con sus ritmos post punk. Fue la gran sorpresa de la velada.

Lotus Feed sonó prolijo; el bajo al frente de Lars Tellmann marcó el compás de todas las canciones de los darkrockers de Colonia. Coherencia estilística, aunque por momentos la propuesta se tornó un tanto repetitiva.

Christophe Guenot, el vocalista de Soror Dolorosa, tiene una gran personalidad y un buen manejo del escenario. La propuesta de estos franceses oriundos de Toulouse es simple y contundente: darkwave oscurĂsimo con pinceladas de gothic rock.

El eterno Artaud Seth y sus Merciful Nuns demostraron que el gothic rock old school estรก mรกs vivo que nunca.

Sábado 11 de junio Leipzig amaneció gris, así que toda la mañana la pasamos en el Agra Hall donde se encuentran todas las tiendas de ropa, venta de CD, merchandising, piercings... Una especie de zoco oscuro en el que, si uno no controla sus impulsos, es muy fácil quedarse sin dinero. Allí compramos las t-shirts oficiales de esta edición del WGT. ¡Por fin hicieron una de color negro y buen diseño! Con las energías renovadas, tras almorzar en uno de los tantos puestos de comida del predio, marchamos hacia el Parkbühne, el único escenario grande al aire libre. El clima no ayudó a que la convocatoria fuera masiva en el comienzo de la jornada de conciertos. La lluvia copiosa hizo que muchos –nosotros incluidos– llegaran en la mitad del espectáculo de The Hiram Key, una banda británica, clon de The Cure, que no deslumbró, pero tampoco desagradó a los presentes. Por suerte, las nubes se disiparon y algunos rayos de sol recibieron a los australianos de Ikon; ellos también estaban de festejo: dos décadas de carrera. Fue un gran concierto, con un sonido impecable y la particular e inalterable voz de Chris McCarter entonando clásicos de todos los tiempos: I Never Wanted You, Echoes of Silence, Garden of the Lost, Rome, A Line on a Dark Day, Psychic Vampire... Luego le tocó el turno a otros actos (incluido Lacrimas Profundere) que pasaron sin pena ni gloria, no por sus performances, muy correctas por cierto, sino por la ansiedad del público por ver el grand finale: Girls Under Glass. El trío de Hamburgo (Volker Zacharias, Hauke Harms y Axel Ermes) celebró su vigésimo quinto aniversario en el WGT con un repertorio que incluyó temas propios de todas las épocas y un sinfín de covers con invitados especiales, un combinado de estrellas de la escena: Peter Spilles (Project Pitchfork), Sven Friedrich (Zeraphine-Solar Fake), Oswald Henke (Goetes Erben), Myk Jung (The Fair Sex), Rascal (Rotersand), Rodney Orpheus (The Cassandra Complex), Jay Smith (Deviant UK), Eric Burton (Catastrophe Ballet), Carsten Klatte (Lacasa del Cid)... Cada uno compartió cartel e hizo su aporte para que el concierto, que empezó de día y terminó de noche, fuera maravilloso, de lo mejor de la jornada. El cierre fue apoteósico: todos se sumaron a cantar Timekiller de Project Pichfork. Sin palabras. Girls Under Glass demostró el porqué de su vigencia.

Los aussies de Ikon festejaron 20 años con la música oscura a puro darkwave. The Hiran Key, una suerte de homenaje a The Cure con personalidad.

Volker Zacharias de Girls Under Glass. La banda alemana festej贸 su cuarto de siglo de vida con muchos amigos sobre el escenario.

A medida que pasaban los minutos, se sumaban los invitados y sorprendĂan al pĂşblico con temas de Girls Under Glass y covers memorables: Rascal de Rotersand (Frozen de Madonna), Sven Friedrich de Zeraphine (Temple of Love de Sisters of Mercy), Peter Spilles de Project Pitchfork (Timekiller) y Jay Smith de Deviant UK (Cars de Gary Numan).

Domingo 12 de junio Comenzamos el día disfrutando del ambiente en la villa pagana montada especialmente para la ocasión (Heidnisches Dorf) y que se encuentra cerca del Agra. Este espacio, reservado para los amantes del medioevo, alberga espectáculos y actividades de las más diversas: se pueden apreciar torneos, peleas entre caballeros, bárbaros y vikingos con escudos y espadas, subastas de vírgenes, comprar cuernos para llenarlos de hidromiel, comer carne asada o disfrutar de los muchos conciertos de artistas consagrados de la escena medieval/folk que allí se realizaron, como los casos de Tony Wakeford, Faun o The Moon and the Nightspirit, entre muchos otros. Por la tarde, volvimos expresamente al Parkbühne para ver a los malagueños Culture Kultür que presentaron Spirit, su último trabajo que hizo bailar a todo el público presente. A su término, apuntamos nuestro GPS interno hacia el Agra nuevamente. No queríamos perdernos uno de los conciertos que más expectativas habían generado en los días previos: los míticos Killing Joke. Llegamos para la muy buena actuación de Megaherz, banda germana pionera en la ejecución de sonidos crossover: guitarras potentes y electrónica. Antes se había presentado Nosferatu, que no dio el mejor show de su vida por problemas técnicos. Y por fin subieron al escenario, el histriónico y demencial Jaz Coleman y su troupe. ¡Qué concierto! Comenzó con Requiem –nuestro tema preferido– y siguió con Love Like Blood, This World Hell, Wardance, Ess, Madness, Primitive, Great Cull, Dept Charge, Asteroid, The Wait, Psyche y Pandemonium. En todo momento supo conquistar a la audiencia y meterse el Agra en el bolsillo. Chapó para una de las bandas míticas de los tempranos ochentas.

Y el broche final de esta primera noche la pusieron los legendarios Love Like Blood, Doomsday, Johannesbourg,

Los españoles de Culture Kultür hicieron bailar a todo el Parkbühne.

Heidnisches Dorf, el lugar para los amantes del Medioevo.

El intenso crossover de Megaherz no defraudó en el Agra.

Con tan sólo 17 años, a finales de los 70, Jeremy “Jaz” Coleman formó KIlling Joke, una de las bandas más innovadoras e influyentes de los últimos tiempos. Hoy, tres décadas después, sigue arriba del escenario poniendo voz, cuerpo y alma a esos sonidos hipnóticos que gustan como antaño.

Lunes 13 de junio Y llegó el último día del WGT. Mucha gente recogió sus petates y emprendió la vuelta a casa. Nosotros, en cambio, porque el deber obliga y el placer también, nos dirigimos de nuevo al Agra Hall para hacer las últimas compras y luego cubrir los conciertos planificados. Este mercado es una perdición, aunque no hubo las ofertas que supimos encontrar otros años. De todas formas, obnubila, el fetichismo manda y uno puede pasarse allí un buen rato. De hecho, ni cuenta nos dimos de la hora y casi tuvimos que salir corriendo para llegar a tiempo al concierto de The Beauty of Gemina, que tocó en el Parkbühne. Esta banda suiza, formada en el 2004 en Zurich, hace una perfecta fusión entre la electrónica más asequible y el gothic rock más clásico, que junto a la gran voz de Michael Sele, resulta en canciones de gran calidad. La multitud que se dio cita aplaudió la muy buena performance que ofrecieron. Luego fue el turno de Tying Tiffany, la bella italiana que está dando que hablar con su propuesta de post punk-electroclash. Sus discos de estudio son agradables y han sabido captar la atención de muchos, pero su presentación en vivo dejó mucho que desear. Sin gracia ni carisma, gritó en vez de cantar, las bases electrónicas dominaron la escena por sobre las guitarras... Sonidos sucios sin intención, un desastre, el peor concierto que nos tocó ver en esta edición del festival. Y como despedida y para sacar el amargo sabor de boca que nos había dejado Tying Tiffany, presenciamos la actuación de los legendarios Mephisto Waltz, puro death-gothic rock, que presentaron IIIrd Incarnation, el flamante trabajo de la agrupación fundada por Bary Galvin aka Bari-Bari y que hoy tiene nueva cantante: Sara Reid en lugar de Christianna. Sonó increíble, prolijo, con una correcta y equilibrada setlist que recorrió la historia musical de la banda sin dejar de lado el presente. Por momentos, Sara intentó llegar a aquellos registros vocales a los que nos tenía acostumbrados Christianna, pero no lo consiguió. No obstante, nuestra nostalgia no impidió catalogar a este show de grandioso. Y todo concluye. Ya estamos contando los días que quedan para la próxima edición del evento más importante de la escena oscura mundial: el Wave-Gotik-Treffen. El hotel ya está reservado y nosotros y UnheimlicH vamos a estar ahí para volver a contárselos. .:. 32

Michael Sele, frontman de The Beauty of Gemina, puso de muy buen humor el ambiente del Parkbühne en el que durante su show no cabía ni un alfiler.

Los años pasan, pero la mística sigue intacta. Bari-Bari de Mephisto Waltz dio un concierto prolijo a puro death-gothic rock.

La joven Sara Reid se sum贸 al acto de culto Mephisto Waltz, que volvi贸 a los escenarios luego de un largo tiempo de inactividad.

camera obscura .:. TOP Ten Films giallo italiano

Fatto in cas A El giallo es un subgénero cinematográfico de origen italiano, derivado del thriller de terror. Durante la década del 70, las pantallas se plagaron de enigmáticos títulos, protagonizados por brutales asesinos –enmascarados y con guantes de cuero– y bellas mujeres que se movían compulsivamente en tramas retorcidas. .:. Por Fernando Pérez Asinari

El Pájaro de las Plumas de Cristal (Italia .:. 1970 .:. Dario Argento)

Bahía de Sangre (Italia .:. 1971 .:. Mario Bava)

Torso (Italia .:. 1973 .:. Sergio Martino)

La Tarántula del Vientre Negro (Italia .:. 1971 .:. Paolo Cavara)

La Muerte Camina con Tacón Alto (Italia .:. 1971 .:. Luciano Ercoli)

Ópera prima del hoy afamado director en la cual los personajes retorcidos son protagonistas. El argumento es complejo con sucesos en apariencia desconectados, pero que con el correr de los minutos se entrecruzan y arman un todo indisoluble. Además de la trama, el clima lo aporta la genial música de Ennio Morricone. Uno de los íconos del género, con licencias extremas por doquier y que muestra en su más puro estado todo lo que giallo representa. Bellas señoritas sin siliconas que gritan en todo momento frente al peligro inminente del asesino misterioso. Sus sangrientas escenas han sido “homenajeadas” en más de una oportunidad. Impecable. Un film visualmente atractivo, lleno de suspenso (sobre todo en el final), alta dosis de desnudos de bonitas niñas, insinuaciones sexuales y un psicópata violentísimo que tiñe cada fotograma de rojo sangre. Sus vuelcos argumentales mantienen la atención desde el primer minuto. Gran exponente del giallo. Toda la historia está narrada con el ritmo y el suspenso que hizo del giallo un género posteriormente imitado, pero jamás igualado. Imprevistas situaciones e insospechados golpes de efecto hacen de esta obra del arquitecto devenido en cineasta una película por demás entretenida para los que gustan de la sangre. Si no apareciera un asesino con saco, sombrero, máscara y guantes de cuero negro, este giallo podría pasar por un thriller policial de horror. Pero como el psicópata está y el director es italiano, cuadra dentro del género y se destaca sobre otras. La protagonista –la española Nieves Navarro (Susan Scott)– se lleva todos los aplausos.

La Corta Noche de la Muñeca de Cristal (Italia .:. 1971 .:. Aldo Lado)

La Casa de las Ventanas que Ríen (Italia .:. 1976 .:. Pupi Avati)

Angustia de Silencio (Italia .:. 1972 .:. Lucio Fulci)

Rojo Oscuro (Italia .:. 1975 .:. Dario Argento)

Inquietante giallo, que coquetea con el thriller y el terror, en el que no faltan los extraños e insanos ritos que caracterizan al género. El bajo presupuesto hace que se vea aún más interesante ya que los recursos creativos suplen con creces todo aquello que podía haber subvencionado el dinero. La muerte es sólo un estado de la conciencia. Interesante película que sorprende desde el título. Con algunos guiños al terror psicológico, atrapa gracias a la atmósfera inquietante que crea la trama (una pesadilla que parece no tener fin), los asesinatos, las búsquedas intrigantes y el augurio de un desenlace inimaginable, impensado, pero que finalmente sucede. Iniciática. Con un guión que logra sorprender y una ambientación muy lograda, Fulci pone de manifiesto toda su creatividad no sólo para palear el ínfimo presupuesto que contó para hacer la película –que por cierto ni se nota–, sino también para atemorizar y dejar con la boca abierta hasta al más valiente. Imprescindible. Es la mejor película de Argento, pese a ser de las menos sangrientas. Geniales atmósferas matizadas con una perfecta música hacen que cualquiera de los brutales crímenes se vea como una obra de arte sin hacer apología, sólo belleza macabra. Un detalle no menor: crea una insoportable ansiedad por descubrir quién es el asesino.

La Muchacha que Sabía Demasiado (Italia .:. 1963 .:. Mario Bava)

Clásico influido por el cine de Hitchcock, esta película filmada íntegramente en blanco y negro establece una suerte de códex de lo que el giallo debe ser. Está considerada la iniciadora del género. Las escenas terroríficas se suavizan por el constante recurso al humor y la subtrama romántica. Imperdible. 35

desde el abismo .:. Santiago Caruso

sang

El joven artista argentino una gran puesta visual en su flamante obra: La único relato en prosa de Pizarnik, que está basado Bathóry, la aristócrata hú asesinó y torturó a más d de la belleza eterna. Es la de este texto oscuro, mac

ojO

gre

o Santiago Caruso realiz贸 cargada de simbolismos a condesa sangrienta, el la genial poeta Alejandra en la historia de Erz茅beth 煤ngara del siglo XVI que de 650 doncellas en busca primera versi贸n ilustrada cabro y perturbador. .:. Por Fernando eFe PI

“Vivimos llenos de preguntas y el arte tiene mil respuestas para cada una de ellas. Mi obra intenta retratar el sacrificio y el egoísmo arraigado en el miedo, lo divino y lo perverso. El horror en mis ilustraciones también se debe a mi gusto por lo decadente, por los relatos sobrenaturales, para reflexionar sobre el mundo imperfecto del hombre desde una óptica que admite lo imposible y lo mágico”. Así define sus trabajos el joven artista argentino Santiago Caruso, quien ilustró La condesa sangrienta, de Alejandra Pizarnik, el único relato en prosa de la genial poeta basado en la historia de Erzébeth Bathóry, la aristócrata húngara que asesinó y torturó a más de 650 doncellas. Lanzado recientemente al mercado por Libros del Zorro Rojo, editora con sede en la ciudad de Barcelona, España, el libro incluye veintiséis estampas realizadas especialmente por Santiago que expresan esta leyenda con una belleza gótica y turbulenta sin igual: “Leí el texto en mi adolescencia y fue muy perturbador. No se podrían entender las acciones de la condesa Báthory si no se reparase en el

profundo temor que le generaba el paso del tiempo y, por ende, la muerte. Pizarnik escribe que ‘nunca nadie no quiso de tal modo envejecer, esto es: morir’. Quizás ese temor es el que me iguala al personaje; uno es enemigo del final de la vida y lucha con todas sus fuerzas desde el amor y el pensamiento, aunque tal vez aquí encarné a esa muerte para mostrar lo terrible y patético que puede ser el hombre cuando goza de un poder perverso y sin límites”. Pizarnik, figura clave de la literatura de habla hispana del siglo XX y con una aureola de poeta de culto acrecentada por su suicido a los 36 años, en 1972, publicó este relato justo un año antes de su desaparición física. Aunque al principio iba a ser una crítica de la obra homónima de la escritora francesa Valentine Penrose, acabó siendo una sus composiciones más importantes y con la que creyó que había encontrado su estilo definitivo. Casi cuatro décadas después, Santiago Caruso pone en imágenes de manera magistral y con una técnica increíble esos momentos macabros de la vida de Bathóry, llenos de sadismo, locura y muerte. .:.

Ordo Rosarious Equilibrio

rimera

Tomas Pettersson

ersona

El placer es mi pecado capital, una aspiración individual que todos buscamos, pero ninguno de nosotros sabe dónde encontrarlo... sin embargo, persistimos. El sexo es el denominador universal. Define quiénes somos. Hablamos sobre él, lo buscamos, deseamos por él, lo sentimos, lo soñamos… y así sucesivamente. El sexo es la respuesta, pero ¿cuál es la pregunta? ¿Quién es usted? Adoro el acto y la imagen de la masturbación, tanto de hombres como de mujeres. Todo el mundo lo hace, pero nadie habla de eso. ¿Por qué? ¿Será que el onanismo es el tabú final? Tengo una fascinación desvergonzada por las piernas de la mujer. Admiro sus líneas y la forma sin esfuerzo de un tobillo en un par de tacones. Mi fectiche sin más. Rose-Marie Larsen es mi musa de la decadencia. Ella es la que está sentada desnuda en el sofá con su MacBook Pro; la que lleva zapatos de taco alto y un vaso de vino tinto en la mano. Es la madre de nuestro hijo, que hoy se ve obligado a escuchar mi confesión. Uno es por la libertad; dos es compañía; tres es una orgía; cuatro es para siempre... y cinco… cuantos más sean, mucho mejor. Las tres cosas más importantes en mi vida son Julio (mi pequeño hijo), mi musa de la decadencia Rose-Marie y mi banda Ordo Rosarius Equilibrio La misantropía es una actitud saludable para la vida y para la gente en general. Es algo así como nadar en un pozo negro lleno de imbéciles. Mi equilibrio es un viaje eterno que aún no ha llegado al final. Estamos concebidos como una consecuencia del sexo y, a veces, también del amor. Lo que buscamos al mismo tiempo en que vivimos es el cumplimiento de los deseos a través del sexo y, a veces, también del amor. Pero sufrimos una guerra perpetua entre la vida y la muerte. La vida es guerra. El amor es guerra. Estar vivo es la lucha permanente de estar en guerra. Cuando nacemos, comenzamos a morir. Uno no subsiste sin la existencia del otro. Vida y muerte, dolor y buen gusto, todo crea un equilibrio. Creamos patrones de seguridad y confort: nacimiento, escuela, trabajo, jubilación y muerte; es un ciclo calculado, una perspectiva y un calendario para medir la vida. Un ritual... Magia. La vida es un ritual y nuestras acciones son rituales. En consecuencia, la magia es la proyección de la voluntad. ¿Creer en Dios? ¿En un lugar para el justo y el casto? ¿Un cielo divino donde los ángeles cantan? ¿Un paraíso en la tierra donde uno de los virtuosos se pronunciará y heredará la gracia divina? ¿O en un infierno? ¿Un sitio para los pecadores e inmorales? ¿Un espacio donde aquellos impuros se quemarán por toda la eternidad en el fuego abrasador de la condena eterna? Gracias, pero no. La religión es la respuesta a todas las preguntas y eso le da significado a la recompensa de la salvación. Es por eso que no debe extrañarnos que sea una creencia extremadamente popular. En el momento en que nacemos, comenzamos a morir. Así que la muerte es siempre la sucesión de los pasos. Cuando muera no habrá ninguna lápida con mi nombre, tal vez un monumento con una inscripción que diga: “El infierno es donde está el corazón”. .:. .:. Dolores Pal 41

videoclip

wysiwyg .:. Piroth | Hurt Little Birds

Banda_ Piroth TĂtulo_ Hurt Little Birds (Popnoname Remix) Sello_ Oma Gusti Records Director_ Dolores Pal + Trasluz Producciones

+ plus .:. Tying Tiffany

de suicide girl a revelación goth La misteriosa y joven italiana Tying Tiffany ha desandado muchos senderos artísticos antes de subirse a un escenario y hacer su música, su verdadera pasión: ha participado en películas experimentales y en obras de teatro alternativo, fue DJ en distintos antros y miembro de las siempre bellas suicide girls hasta tomar la decisión y comenzar su carrera. Hasta ahora, editó tres álbumes (Undercover, Brain for Breakfast y Peoples Temple) que parten de un sonido creado a través de diversas influencias, básicamente un crossover entre la electrónica y el rock oscuro ochentoso, pero también con pinceladas de EBM y punk. Su ascenso en la escena fue bastante vertiginoso y se convirtió en un ícono de la generación del Myspace gracias a su propuesta que, como un virus, se desperdigó por los lugares más remotos del planeta captando oídos que buscaban algo diferente. Este fenómeno llamó la atención del sello alemán Trisol con el cual lanzó su último disco y hará lo propio con el próximo, que ya está encaminado y que se prevé que saldrá hacia fines de 2011. Tying Tiffany representa uno de esos casos que amas u odias, pero que bajo ningún concepto ignoras. Un poco de aire fresco ante tanta monotonía. .:. Salvador Arzak

pail .:. Manix S.

Viva la revolucióN

La mente maestra de este acto procedente del País Vasco, un trabajador incansable dentro de la escena oscura hispanohablante, reflexiona sobre los ejes temáticos que cruzan su nueva producción: Faith in a Void, un álbum con letras contestatarias y exquisita electrónica. .:. Por Salvador Arzak “La sociedad actual tiene una confianza ciega en una forma preestablecida de entender los aspectos más importantes de nuestra vida y que nos forman como personas; me refiero a las religiones, al modelo económico global, al acceso y recepción de la información, a las referencias sociales basadas en el éxito y el consumo... Esta ‘fe’ que profesamos nos impide ejercer una actividad sana de librepensamiento y nos aliena por completo… De esto se trata Faith in a Void. Musicalmente lo encasillo dentro de la electronic body music, pero es tan grande el espectro que abarca hoy en día este estilo que me gusta decir que mi trabajo podría considerarse como 90’s EBM”, asegura Manix S. desde su bunker en Vitoria-Gasteiz, capital de Álava y sede de las instituciones comunes de la comunidad autónoma del País Vasco, a propósito de su tercer álbum de estudio, un compendio de sonidos y texturas electro-industriales que nos remontan a los dorados noventa y letras con mensajes nihilistas y de pura rebeldía contra el sistema imperante. Esa fe en el vacío que describes desde el título parece extractada de la actualidad de España, ¿cuánto influye la realidad que te rodea a la hora de componer? Mucho, la actualidad es la que me motiva para escribir. Sin embargo, no suelo centrarme sólo en lo que pasa en España, sino que las letras están trabajadas desde un punto de vista más abarcativo. Lo que ha sucedido en esta tierra 46

y otras de Europa es una consecuencia de las acciones provocadas por oscuros poderes económicos que no entienden de fronteras… Me preocupa más el hoy global que el local. ¿Cómo fue la experiencia de haber mezclado y masterizado el álbum con el veterano Greg Reely en los estudios The Green Jacket de Canadá? Siempre he seguido de cerca la trayectoria de Greg Reely, uno de los mejores ingenieros de sonido de la actualidad, que puso su arte en gran parte de los álbumes de FLA, Delerium y Skynny Puppy, por citar algunas de las grandes bandas con las que ha colaborado. La oportunidad de trabajar con él ha sido la concreción de un sueño para mí y no puedo estar más contento con el resultado final. ¿Se puede seguir siendo original dentro de la escena oscura electrónica? Sí, claro. No todo está inventado en lo que a música electro se refiere, pero la gran mayoría de los trabajos que se escuchan en esta época suelen ser muy monótonos en cuanto a estructuras y sonidos; como si todas las bandas hicieran su música con los mismos presets y plugins de los softsynths… Lamentablemente existe una tendencia –preocupante, por cierto– hacia la hiperestandarización estilística. Yo trato de romper con todos esos paradigmas, pero será el público quien diga si lo logro o no. .:.

desde el abismo .:. Androginia

sagrada ambig端edad

Complementación, totalidad de concepto, el todo genérico resumido en un solo ser... La androginia puede tener muchas explicaciones: históricas, antropológicas, filosóficas, pero todas ellas envueltas en un oscuro manto rodeado de misticismo. .:. Por Marie Celeste Según Platón relata en su obra El banquete, hace miles de años el mundo estaba poblado por andróginos, seres que tenían una conformación física muy particular. Además de los dos sexos, en un solo cuerpo poseían cuatro brazos, cuatro piernas y una cabeza con dos rostros: uno femenino y otro masculino. Debido a su conformación, eran extremadamente fuertes. Un día, sintiéndose animados por esto, decidieron invadir el monte Olimpo para combatir a los dioses. Zeus, furioso por tal muestra de arrogancia, les lanzó un rayo que los dividió en dos. Así fue como estos seres tomaron la forma humana conocida. Se dice que desde entonces, los humanos buscan por el mundo su otra mitad para volver a sentirse nuevamente completos. Platón agrega un detalle más: algunos varones buscan una mitad femenina, así como ciertas mujeres su mitad masculina, pero hay hombres que igualmente necesitan hallar su parte varonil y mujeres que se sienten atraídas a encontrar un par femenino. Para algunos, ésta sería –a través del uso del mito– una explicación de la génesis de la pulsión erótica (¡bienvenido Freud!). Para otros, es simplemente la justificación de la idea de naturaleza perfecta: dos géneros en uno, dos energías que se suman, un ying-yang indiscutible. Esta historia se relaciona de gran ma-

nera con el mito del Rebis alquímico mencionado en el Tratado de Azoth, de Basilio Valentín, del año 1659. Rebis significa res bina, o sea, cosa doble. Esta figura fue el símbolo de la duali-

dad absoluta: hombre y mujer –ambos coronados– que representan la materia en estado puro y que poseían en su cuerpo partes de león y águila, animales alegóricos para la alquimia. Posiblemente debido a la presión ejer49

cida por la Iglesia, la historia del mito de Platón se repite, pero esta vez no es Zeus sino Dios quien crea al Rebis antes que a Adán y a Eva, pero al hacerlo perfecto, se arrepintió de su obra y lo dividió en dos sexos. Adán y Eva (el Rebis dividido) buscaron ser uno nuevamente, situación que enfureció a Dios y por ello los expulsó del Paraíso. En la India, el mismo Shiva es una deidad que representa al Uno, en cuanto unidad de géneros: es mitad hombre y mitad mujer y de sus costados nace el género humano: los hombres del derecho y las mujeres del izquierdo. Esta idea se repite en otros lugares de Oriente: Tara es una diosa tibetana nacida como princesa, cuya elevación era tan grande que los monjes le aconsejaron orar para poder reencarnar en un cuerpo masculino. Frente a esa recomendación, ella respondió que en la realidad final no existen ni hombre ni mujer, y que la concepción de género es producto de mentes ignorantes. Según la Qabbaláh, el término Shejiná o Shekinah se refiere a Dios en su manifestación receptiva, una cualidad esencialmente femenina; es la forma en la que Dios se interrelaciona con el mundo humano describiendo modos por medio de los cuales actúa en la creación: puede ser un juez implacable, un padre preocupado por sus hijos, un hombre amoroso y, en último

caso, una madre creadora. Esta identificación con lo ambiguo ocurre porque en su mayor parte, las fuerzas de la creación y de orden son femeninas y otras veces recaen en dioses masculinos con rasgos propios del género opuesto, pues engendran vida y dan a luz a sus hijos como si se tratara de una mujer. Según reza el diccionario de la Real Academia Española, andrógino es aquel ser cuyos rasgos no se corresponden definidamente con los propios de su sexo. La palabra está conformada por los sustantivos andrós (hombre) y gyné (mujer), y así como se relacionó el término con lo divino y con su creación, muchos reyes lo tomaron como un símbolo estético que los ligaba directamente al plano divino. Por ejemplo, el faraón de la dinastía XVIII de Egipto, Neferjeperura Amenhotep, más conocido como Akhenatón, fue duramente cuestionado durante su reinado por su ambigüedad: en casi todas las imágenes (esculturas y pinturas) que lo representan aparece con características físicas más cercanas a las de una mujer que a un hombre... Sobre este tema se ha escrito mucho, incluso desde la óptica de una rama de la medicina que, a través de las representaciones, investiga las diferentes patologías: desórdenes de nivel glandular, síndrome de Marfan –rara enfermedad que se caracteriza por un aumento inusual de la longitud de los miembros–, intersexualidad o parafilias como el transvestismo. Por otro lado, hay una vertiente teórica que justifica la acentuación femenina de sus rasgos a la intención de acercar 50

su reino a una idea de unidad religiosa de tipo monoteísta: Atón, dios solar, padre y madre, hombre y mujer. Los círculos esotéricos han tenido un especial interés por la androginia, a tal punto de tomar el tópico de la dualidad sexual de los dioses como un tema de estudio, tanto literario como artístico. El místico y teósofo luterano Jakob Böhme, por ejemplo, unió su interés por las prácticas de Paracelso con su preocupación sobre la androginia adámica y su relación con la cuestión sexual divina, que parten de los escritos herméticos, como el caso de El discurso perfecto de Hermes Trimegisto: “Dios no tiene nombre, o mejor dicho, los tiene todos, puesto que es conjuntamente uno y todo”; a lo que Asclepio responde: “¿Pretendes decir, oh Trimegisto, que Dios posee los dos sexos?”. “Sí, y no sólo Dios, sino todos los seres animados y vegetales”. En la Alemania del siglo XVII, los rosacruces retomaron en sus estudios el tópico de la dualidad de Adán, que lleva a Eva dentro de sí. La literatura no quedó ajena a este tema y el ser andrógino cobró un sentido especial en los trabajos del arqueólogo e historiador del arte alemán Johann Joachim Winckelmann, del poeta y pintor inglés William Blake, del científico, teólogo y filósofo sueco Emanuel Swedenborg y del escritor Oscar Wilde, entre muchos otros. Con la llegada de los estudios de Sigmund Freud y Karl Jung se dio un paso fundamental: Jung en su obra Psicología y Alquimia explica que el ser andrógino busca a través de su aspecto resolver sus conflictos cotidianos. Lo iniciático y sagrado que antiguamente se veneraba se transformó en una proyección de tipo estético. Freud, sin embargo, se remonta a estados previos del sujeto. En la actualidad, el aspecto andrógino es una opción puramente estética. La connotación mística ha quedado absolutamente de lado. Nadie se asombra hoy de la confusa belleza de artistas como Cat Casino (Deathstars), Sean Brennan (London After Midnight), Antony Hegarty (Antony and the Johnsons) o Brian Molko (Placebo). Miles de jóvenes anónimos adoptan por gusto y comodidad un aspecto particularmente confuso. Quizás de saberlo, los antiguos se alegrarían por este nuevo intento de reencuentro con el ser primigenio del comienzo de los tiempos. .:.

+ PLUS .:. O. CHILDREN

LondoN calling

Esta agrupación poco conocida por estas latitudes se ha convertido rápidamente en una de las favoritas de Inglaterra porque su música es una perfecta combinación de esos sonidos londinenses que supieron conmover al mundo oscuro en los ochenta con pinceladas de modernidad y frescura. Nacidos en 2005 como Bono Must Die, nombre que tuvieron que cambiar por O.Children unos años más tarde a raíz de obvios problemas con el vocalista de U2, la banda está formada por el cantante y compositor Tobi O’Kandi, un personaje con una voz dramática poco usual, más de dos metros de estatura y apenas 20 años; Gauthier en la guitarra, Harry en el bajo y Sleath en la batería. Hasta el momento tienen un sólo álbum (O.Children), tres singles (Dead, Heels y Ruins) y un disco de remezclas (O.Children Remixed). A fines del 2011 se van a meter nuevamente en el estudio; en tanto, pisan diferentes escenarios ingleses y demuestran con sus duros y fríos ritmos, sus riffs que crean atmósferas apocalípticas y ese salvaje tono de voz que no todo tiempo pasado fue mejor. Una nueva banda para seguir de cerca. .:. Fernando eFe PI 52

+ PLUS .:. Signos de los tiempos

Soy Leyenda Son diversos y numerosos los factores que necesita reunir una banda para llegar a convertirse en una leyenda dentro de su género. De hecho, son muy pocas las que logran ese estatus. Nos anticipamos al futuro y presentamos una decena de agrupaciones que tienen muchas chances de perpetuarse en el Hall of Fame del Synthpop. .:. Por Javier Richarte

En la actualidad, las leyendas del synthpop son tres: Mesh, De/Vision e Iris, bandas que justamente integraron la reciente gira Legends of Synthpop por las veinte principales ciudades de Estados Unidos. Estas formaciones tienen una trayectoria de casi quince años (más de veinte en el caso del dueto conformado por Steffen Keth y Thomas Adam) y ubicaciones estratégicas para el desarrollo artístico en un ámbito como lo es la música pop hecha con sintetizadores (como el Reino Unido, Alemania y Estados Unidos), además del talento necesario y la constancia al generar continuamente buenos discos y presentarse en vivo. Sin embargo, este genero tan digerible, por momentos muy luminoso y por otros extremadamente oscuro, no termina con ellas: existe una gran constelación de diversas opciones con las mismas chances de convertirse en los principales referentes dentro de algún tiempo. Muchas de ellas, pese a sus éxitos, no lograron encumbrarse y convertirse en parte de la mitología. Elegant Machinery y Apoptygma Berzerk son claros ejemplos ya que sus carreras se vieron opacadas por una separación transitoria pero prolongada y por un cambio de estilo demasiado brusco, respectivamente. Otros casos de las que casi logran estar en el podio –y es una verdadera pena que no lo hayan logrado– son Merge, Rupesh Cartel, Faith Assembly, Wolfsheim o Michigan, entre otras. No obstante, hay un puñado de bandas alrededor del mundo con muchas chances de convertirse en las principales referentes del género dentro de algún tiempo. Aquí les presento diez de ellas, la mayoría muy poco conocidas, incluso dentro de su propio estilo que, de continuar con la calidad del material que han demostrado hasta ahora, pueden ser los próximos íconos del synthpop.

Babylonia

Moon.74

Este dúo italiano lanzó en 2005 su primer álbum, Later Tonight, que contó con cinco singles (algo muy poco habitual para el synthpop) y que ya tuvo dos ree-diciones. Su segundo disco, llamado Motel La Solitude (2010), lleva tres singles, cada uno de ellos con videoclips producidos con una calidad poco vista dentro del género (uno de ellos es a bordo de un De Lorean DMC-12, el mismo modelo de automóvil usado en la trilogía Back to the Future). La perfección de la voz de Massimo, sumada a las bien logradas composiciones y la esmerada producción de Robbie Rox (fallecido recientemente), generó canciones de pop electrónico muy elegantes, pegadizas y, en ocasiones, bailables. El verdadero boom de Babylonia se produjo el año pasado, cuando telonearon la presentación de Pet Shop Boys en Italia y pudieron demostrar su creatividad a miles de personas afines al mismo estilo musical.

A juzgar por el look de Dominic Hein, único integrante de este proyecto alemán, cualquiera podría pensar que lleva adelante una banda de metal. Muy alejado de eso, Moon.74 sorprende con su synthpop melódico desde su único disco (Newborn | 2010) que está cargado de baladas y tracks downtempo orientados a cautivar más a los puristas melómanos que a los enérgicos dancers. Into my Arms y The Day You Disappear son claros ejemplos de synth elegante y bien producido.

Soy Leyenda Please Mathias, Daniel, Andreas y David forman esta banda alemana que en 2010 lanzó su tercer álbum, llamado Please, del cual se cortaron dos singles promocionales. Sus dos primeros discos son realmente muy buenos; de hecho, el himno synthpop My Universe fue el single promocional de Sensefiction, su segundo álbum, recientemente reeditado con tracks extra. Su álbum Please, además de ser un excelente disco, cuenta con dos factores muy favorables para Minerve: la distribución que brinda un sello como Sony Music y la producción de Olaf Wollfschläger (quien también produjo material de Melotron y de In Strict Confidence).

Blume

Minerve Otra agrupación italiana, formada en 2008, que editó su primer y único álbum un año después. Dejando de lado las evidentes similitudes que podemos encontrar entre su disco Rise from Grey y algunos tracks clásicos de Minerve o de Depeche Mode, Blume concibe atractivos paisajes sonoros que invitan a escuchar el siguiente tema. Sus pistas se componen de una cantidad mínima e indispensable de capas: base rítmica, línea de bajo, colchón de cuerdas y una guitarra sutil, para nada agresiva, que termina siendo bienvenida por los synthpopers más puristas. ¿Cómo logran llenar el mismo espacio en comparación con otras bandas que utilizan decenas de canales simultáneos? Sin dudas, lo consiguen en la instancia de mezcla utilizando sabiamente reverbs para abarcar mucho con pocos elementos. Impecable.

Si lo que buscamos es synthpop para tirarnos en el sillón a disfrutar y relajarnos, encontraremos pocas bandas del estilo que pueda cumplir ese objetivo. Una de ellas es el dúo sueco This Vision, que con sólo un álbum (editado en 2010) y otro en camino, merecen llegar al tan preciado podio de las leyendas. Su sonido se ubica a mitad de camino entre las cálidas melodías

Decades Oriunda de Alemania (pero con letras cantadas íntegramente en inglés), esta banda

this

Vision de De/Vision y las elegantes atmósferas lisérgicas de los daneses Intricated. editó dos álbumes y un EP , una modesta discografía que encierra increíbles melodías y una voz asombrosa. Lamentablemente, vaya uno a saber el porqué, es una de las agrupaciones synth más infravaloradas de la escena. Aunque desde hace tres años está inactiva (sin ninguna confirmación de disolución definitiva), tiene todo para estar en esta nómina. Deluxe.

Agrupación noruega que, además de sintetizadores, utiliza guitarras y batería. Ese combo no produce el típico sonido synthpop al que estamos acostumbrados, pero no sólo no defrauda, sino que su único álbum (Caught in a Life | 2009) es adictivo. Melodías jugosas, impecables líneas vocales, constantes reminiscencias ochentosas, pero a la vez cargadas de aire fresco. Aparece en escena al mismo tiempo que Hurts y, quizás por su excesiva alegría, fueron los británicos los que se llevaron los laureles.

Donkeyboy

MR idnight esistance Proyecto de origen alemán con un discazo en su prontuario: Remote. Su líder, Nicolay Frank (ex Reactivate), fusiona synthpop melódico con electro. ¿El resultado? Una efectiva invitación a las pistas. El segundo disco de Midnight Resistance (The Mirror Cage) cuenta con el apoyo de Sony Music, aspecto con su costado negativo (como las habituales presiones hacia una faceta más comercial), pero también con uno positivo, que puede desembocar en un salto importante no sólo en ventas, sino también en promoción y difusión en varios continentes.

Soy Leyenda

Lakeside X

Polytune

Esta veterana banda de la República Checa, antes conocida como Lakeside Church, ya lleva más de una década de carrera, decenas de shows (algunos junto a IAMX o Bullerbyne) y una frondosa discografía que no sólo reúne canciones synthpop, sino también abarca géneros linderos, como el indiepop y el electroindie. Es asombrosa la variedad de estilos que se pueden encontrar a lo largo de sus canciones (incluso dentro de un mismo álbum): desde tracks tan ácidos, oscuros y depresivos como Spiral hasta gemas musicales como 17 ¡Atentos los fans de Placebo! Su particular estilo no es bailable, ni pegadizo, ni muy fácil de digerir, pero no decepciona en ningún momento. Su profesionalidad se hace notar desde el packaging de sus discos hasta los más sutiles arreglos de sus temas.

De acotada trayectoria, el cuarteto alemán Polytune trajo al mundo dos excelentes álbums: Bytes and Items (de 2005) y Quadrophonic (de 2010), más un single de este último, editado en 2009. Canciones a lo Melotron, como Leave It All Behind generan ganas de volver a escucharlas. Polytune es una nueva vuelta de rosca al synthpop melódico y a la vez bailable, dotada de una muy bien lograda voz, melodías que atrapan y sonidos frescos.

+ PLUS .:. the March violets

escuela de gothic rock

Mientras aguardamos el lanzamiento inminente de su nuevo álbum y luego de una larga espera (les diría que ha pasado casi una generación entre sus tres producciones anteriores: Natural History, Electric Shades y Botanic Verses), la banda inglesa de Leeds, liderada por Simon Denbigh, Rosie Garland y Tom Ashton, nos regalan Love Will Kill You. Se trata de un EP anticipo, limitadísimo y que se vende sólo en sus shows o se obsequia a los medios, que demuestra que el zorro sabe más por viejo que por zorro. Es que, pese al transcurrir del tiempo, los legendarios The March Violets, que supieron grabar en Merciful Release, casa de The Sisters of Mercy, siguen tan vigentes como en los 80. Claro que aggiornando la propuesta, pero con el espíritu de los sonidos de Snake Dance o Walk into the Sun. Ya lo habían demostrado en 2007 con Trinity, un CD-R que sirvió no sólo para justificar su primera reunión luego de la disolución de la banda, sino para evidenciar que las raíces estaban intactas. Love Will Kill You consta de cuatro canciones –Road of Bones, London’s Drowning, A Little Punk Thing y We Are All Gods II– que respetan la vieja y oscura fórmula (golpes sincrónicos de su “drum machine”, penetrantes líneas de bajo –hoy en manos de Jo Violet–, riffs histéricos y voces poderosas y equilibradas en contrapunto) y uno raro –Dandelion King–, atípico, con batería real y guitarras rasgueadas, pero no por eso conmovedor. La vuelta promete, aún no hay fecha de salida, pero ya se hace esperar. .:. Febe Lound

pensamientos estrangulados .:. Diedrich Diederichsen

una mirada en perspectiva de la

contracultura El ensayista y crítico alemán Diedrich Diederichsen acaba de sacar una edición en español de su nuevo libro, Psicodelia y ready-made, en el que renueva su compromiso de pensar los fenómenos de la cultura de masas desde un lugar oblicuo. En su paso por Buenos Aires, conversamos con él acerca del movimiento punk, la música industrial y el futuro de los sonidos electrónicos oscuros. .:. 4DV3N43 Diedrich Diederichsen nació en Hamburgo, Alemania, hace 54 años. Es uno de los críticos y periodistas culturales más influyentes del mundo. Con su pensamiento recorre espacios aparentemente inconciliables, como el periodismo de rock y la academia. Fue fundador de la revista de música Spex y colaboró regularmente en periódicos y publicaciones como Spiegel, Konkret, Texte zur Kunst, Artforum, Theater Heute, Die Zeit, Tagesspiegel y Jungle World, entre otras. Desde 1992 ha sido profesor en la Merz Academy de Stuttgart y en Passadena, Weimar, Bremen y Munich. Actualmente es profesor del Instituto de Arte Contemporáneo de la Academia de Bellas Artes de Viena. En los últimos años ha escrito ensayos y artículos sobre teoría de la música pop, el arte sonoro, la psicodelia, el minimalismo... En 2005 publicó en español Personas en loop y recientemente Psicodelia y ready-made, obra que lo

trajo nuevamente a Buenos Aires. Ambos trabajos tienen algo en común: el pensamiento de Diederichsen, que opera en diagonales: no es ni horizontal ni vertical, una mirada en perspectiva. La gran noticia de su regreso me motivó a presenciar una interesante confe-

rencia en la cual expuso los lineamientos básicos de su flamante libro. Luego de la presentación pude intercambiar en exclusiva algunas palabras con él sobre las cuestiones que aborda en las 222 páginas de Psicodelia y readymade, en especial lo que tiene que ver con la música industrial, los sonidos electrónicos oscuros y hasta del movimiento punk. Psicodelia y ready-made es un texto que posee una densidad analítica que escasea en los medios especializados en la cultura moderna. Aunque no es un libro específicamente de arte musical, funciona como una enorme fuente de recursos para poder comprender y analizar gran parte del mundo de la contracultura occidental de las últimas cinco décadas desde una mirada en perspectiva. La premisa inicial aparece en su título y alude a dos cuestiones: por un lado, los trabajos realizados en el inicio del siglo XX por el excéntrico

artista francés Marcel Duchamp: el ready-made, una forma de arte en la cual una de sus principales características es la descontextualización del objeto representado. Pero, por otro, el primer término que se menciona es la psicodelia; es decir, un modo de experimentación que altera la psicopercepción de la realidad, que también es otra forma de descontextualización y resignificación de la aprehensión de los objetos de la realidad. La psicodelia (que apareció en la creatividad artística en los 60 con el uso de los ácidos) y el ready-made vendrían a ser dos prácticas que rompen con el arte tradicional, con el academicismo y la temporalidad. Son dos conceptos articulados en el contexto de la producción artística moderna de la denominada Era del Fordismo y su posterior desestructuración desde mediados de los 70 hasta la actualidad. Aunque es cierto que muchas de las reseñas sobre Psicodelia y ready-made descartan que la dialéctica sea uno de los ejes sobre los cuales se desarrollan las ideas de Diederichsen porque filosóficamente conllevaría a la noción de evolución temporal y determinismo y para él, el opt art, el surrealismo, la literatura de la generación beat y el loop electrónico suspenden esa temporalidad lineal del arte. Sin

embargo, sí utiliza elementos del materialismo dialéctico como soporte introductorio a dos cuestiones fundamentes de su argumento: por un lado, la relación entre los actores sociales y la noción de alieneación; por el otro, la relación entre la teoría del valor de las mercancías, su fetichismo y la circulación de los bienes culturales, como por ejemplo los álbumes musicales. Aunque se puede entrever alguna posición ideológica, Diederichsen no toma una postura determinada, algo así como el buen etnólogo que busca observar su objeto de estudio con la mayor distancia posible y exponer los hechos dados para que sus lectores puedan sacar sus propias conclusiones. Esta distancia crítica es justamente uno de los grandes aciertos del libro. En 12 capítulos, Diederichsen analiza la cultura y la contracultura, descompone minuciosamente la cultura pop y su relación con el minimalismo, con la música, la plástica, la literatura y la arquitectura. Plantea cuestiones ligadas a la cultura moderna desde mediados del siglo XX hasta la actualidad, desde un punto

de vista histórico, económico y social en el que todas las manifestaciones contraculturales pueden ir de un extremo ideológico a otro o terminar siendo, en muchos casos, algo netamente artístico. Algunas de las más intensas discusiones, Diederichsen las plantea entre las diversas teorías críticas, que van desde las que observan en la cultura pop la falsa unión entre la alta cultura y la de la masa, pero que sólo resulta ser el ocultamiento de las ganancias para el mercado, opuesto al arte minimalista supuestamente despegado del valor mer-

cancía (fetichismo). O, por el contrario, introduce la teoría sobre el minimalismo y su “solución inteligente”, pero que paradójicamente sólo se concreta a través de lo pop. Así pues, en última instancia, terminará siendo otra manifestación del poder de mercado, representado en la decoración moderna zen y en los edificios corporativos que ocultan en su interior el verdadero saber. Unida a todas estas ideas, pero a un nivel más artístico, se encuentra la música experimental de John Cage y Edgar Varèse, en la que aparece el ready-made, la resignificación

y la descontextualización del sonido, del tiempo y de la realidad, la creatividad fuera de las normas tradicionales que impone la academia. Al respecto hay un interesantísimo documental sobre Kraftwerk en el cual Diederichsen vuelca algunas de estas cuestiones relacionadas con el ready-made. Volviendo al texto, la contracultura tiene una nueva mirada de los objetos culturales y los despoja de ese valor social que implica el mercado. En este sentido, también entre arte pop y minimalista, Diederichsen ofrece una aguda mirada interpretativa de la industria discográfica a partir del concepto minimalista que representa un vinilo y su opuesto, el paquete con su portada pop que hace al envoltorio de un álbum. Psicodelia y ready-made como texto de 66

investigación se desarrolla a la manera de la tradición clásica de la Escuela de los Annales, con elementos de historia social y de las mentalidades, pero también tiene fuertes contactos con la económica política y discute las ideas del filósofo Wolfgang Fritz Haug. Crítica de la estética de mercancías, Diederichsen indaga la temática del fetichismo, la diferencia entre el valor de uso y valor de cambio de la economía clásica y su aplicación en estrategias de publicidad y consumo. Pone en tela de juicio la cuestión de la promesa de placer del envoltorio de lo que un artista pop ofrece, y como contrapartida aparece un objeto plástico bidimensional y minimalista que contiene los registros sonoros. En esta instancia, la ironía de Andy Warhol es primordial.

Otra arista interesante de Psicodelia y ready-made tiene que ver con la experimentación con las drogas, la literatura de William Burroughs y Aldous Huxley, todo esto relacionado con la cuestión central de la percepción sensorial de la psicodelia y la creación. Diederichsen afirma que Burroughs fue rescatado a mediados de la década del 70 por una generación absolutamente distinta a la beat, que representó lo más cercano a lo contracultural y que, tal vez, haya sido su última manifestación: el movimiento punk. Este suceso implicó una ruptura con lo que venía desarrollándose desde la era de la psicodelia y el hippismo, fue una patada a una anquilosada forma de sociabilidad juvenil: “El punk rock amaba la acción… porque era lo único que podía revelar por completo el sinsentido”, me cuenta Diederichsen. El punk no buscó ser un movimiento, ni siquiera ser una respuesta a los problemas sociales y culturales que los jóvenes se plantearon desde 1968 en adelante. Fue una manifestación del pesimismo nihilista, de una generación nueva desilusionada, pero que también devino en forma artística. Y es aquí cuando entra en juego nuevamente la idea de la descontextualización, aunque en una dirección distinta a la pensada una década atrás: las calles eran el ámbito de sociabilidad juvenil, de encuentro, de ganar un espacio, de grupos, el lugar de diversión, pero también de intercambio de ideas. A partir de los 70, ese lugar sería resignificando por otro grupo de jóvenes que buscaban la acción.

Las experiencias situacionistas de Malcolm McLaren dieron sus frutos y los Sex Pistols perturbaron el Támesis, los escenarios, la televisión, la música y las calles bajo un nuevo lema: Anarquía. A diferencia de las opiniones que ven en McLaren y sus Sex Pistols el fin del punk, transformado en una mercancía, para Diederichsen, Johnny Rotten es su figura destacada, diferenciada del “cool” de Sid Vicious y de los norteamericanos Richard Hell y Tom Verlaine. Este punk británico representó el antisistema, la anarquía, y el no Estado. Esta idea tiene su correlato en la explicación de la diferencia entre la cultura (académica) y la contracultura, analizada perfectamente por Pierre Bourdieu en El sentido social del gusto.

La contracultura busca desacralizar el arte y sus templos y así lo hizo Duchamp. Pero, además, son las instituciones del Estado las que deben ser combatidas por ser, en última instancia, las garantes del orden y del arte genuino, incluso cuando existan instituciones artísticas privadas con un mensaje opositor; para ser aceptadas, sus ideas siempre deberán lograr el aval del Estado, salvo que deje de existir. Pero para Diederichsen, el no-hay-futuro y la anarquía desaparecerán rápidamente. Lo que siguió hasta el día de hoy fueron momentos de manifestaciones subculturales que lejos quedaron de una verdadera contracultura. Es interesante que el tan mentado movimiento grunge de los 90 ni siquiera aparece mencionado en el libro, salvo por las creaciones artísticas de la única banda relevante y antecesora de aquella moda: Sonic Youth. Diederichsen encuentra que hubo algunos intentos creativos en la era del post punk en los 80 con la incorporación del porno indie, pero que lo fue sólo esporádicamente desde lo artístico y experimental cuando las connotaciones políticas se abandonaron por completo. La novedad provino de las performances del acto francés Die Form y las pin ups de Throbbing Gristle. Aunque el Psicodelia y ready-made abarca desde Duchamp hasta la década del 70, Diederichsen releva lo que sucedió en las postrimerías de aquellas experiencias contraculturales, tales como las variantes de la música electrónica, el drone, el techno y el ambient.

Crítica a la razón pura: mano a mano con Diedrich Diederichsen Una de las cosas que mayor interés me despertó Psicodelia y ready made es el hecho de la alusión a artistas de la escena oscura, algo poco frecuente de encontrar en cualquier publicación o medio de difusión enfocado en el arte alternativo, joven, moderno o como quieran llamarle, en los que por lo general el rock, el dance y hasta el hip hop son los actores preponderantes. El encuentro con Diedrich Diederichsen fue agradable y relajado. Mis mayores temores eran básicamente dos: el humor del crítico alemán y las dificultades idiomáticas, pero por suerte ambos se disiparon rápidamente. Vestido con un saco sport oscuro y una camisa y portando unos enormes lentes, Diederichsen mostró sencillez, cordialidad y muy buena predisposición para responder, en un español de “erres arrastradas” y un fluido inglés, a las inquietudes relacionadas con el papel de la música industrial en la contracultura. Al respecto, Diederichsen considera que hubo momentos de creatividad artística originales, de un hacer-algodiferente en la era post punk porque en Europa el rock ya no ofrecía nada. Kraftwerk y Einstürzende Neubauten son claros ejemplos para él. Sin embargo, todo esto se terminaría pronto, a más tardar entre 1987 y 1988. Diederichsen cree que lo que sucedió desde aquel entonces con la música electrónica en general es que se transformó en algo que se repite a sí mismo. “Hoy en día ya no hay ningún tipo de

conflicto, ni ideológico ni artístico, todo ese torbellino de ideas innovadoras terminó convirtiéndose en música dance enjaulada entre las paredes de una disco. Tal vez algunos atisbos de creatividad aún se puedan encontrar en los sonidos extremos del techno japonés y en alguna que otra excepción”.

Con una frialdad envidiable, Diederichsen apunta y da en el blanco: critica con criterio, analiza con precisión y demuestra su interés por comprender la problemática del arte actual y de una escena de la que somos parte al abrirnos una infinidad de puertas para nuevas interpretaciones. Nada más y nada menos. .:.

Aura Noctis

rimera ersona

Olga + Pilar

La música representa lo que las palabras no pueden describir. Desahogo, aire y vida, amor y dolor. Es un sueño y, a la vez, una filosofía de vida. Como decía el pensador alemán Arthur Schopenhauer: “En la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad”. Aura Noctis significa “el aura de la noche” y creemos que representa bien nuestro joven proyecto, que tiene poco más de doce meses, porque integra términos aparentemente opuestos, como lo son la oscuridad y la armonía. Aura Noctis, en un sentido mucho más poético, es una suave brisa en la noche... En Itineris I están plasmados todos nuestros anhelos. Nuestro primer trabajo es un gran viaje a través de las emociones, en el que la imaginación juega un papel muy importante. Tanto las melodías como las composiciones dan lugar a una mezcla de sensaciones, dolor, nostalgia… Ya desde el arte de tapa, un diseño del talentoso equipo de Phlegeton Art Studio, damos una pista de lo que queremops transmitir. Las diez canciones que lo componen han sido masterizadas por [S] de Kazeria y es una producción en conjunto entre los sellos GH Records y Twilight Records. Estamos muy contentas con el resultado. El piano y el violonchelo son dos instrumentos asombrosos y expresivos. Cada uno con su filosofía, si bien diferentes entre sí, ambos tienen la maravillosa particularidad de reflejar muy bien el estado de ánimo de quien los ejecuta. Nuestra formación clásica ha hecho que, de alguna manera, amemos estos instrumentos. La lectura ha influido en nuestra vida artística. Son muchos los autores a los cuales admiramos y que nos han marcado a lo largo de nuestra existencia: desde Gustavo Adolfo Bécquer hasta J.R.R. Tolkien o H.P. Lovecraft. La lectura de sus obras es una fuente fundamental a la hora de escribir historias y poemas que se convertirán en canciones. Uno de los que más nos gusta es Miguel de Unamuno ya que nos marcó el hecho de que, mientras los demás filósofos habían sido fríos pensadores, él tuvo la valentía de expresar su “sentimiento trágico de la vida”; un pensador muy auténtico que reconoció que las emociones están detrás de las ideas y no al revés. Para tener en cuenta, más hoy y en el mundo que nos tocó vivir. La muerte es lo que le arrebata el sentido a la vida. Siempre ha existido una cierta tendencia a negarla o al menos transformarla mediante creencias como la inmortalidad del alma o la reencarnación. Desde el principio de los tiempos ha sido algo difícil de asumir para el ser humano; se ha tratado de ocultar; sin embargo, siempre ha estado presente en la cultura y en las manifestaciones artísticas porque, indudablemente, forma parte de la vida. La religión es el alivio al que han recurrido todas las culturas para soportar el dolor. Quizás en la actualidad es un escape al materialismo y al consumismo imperantes en nuestra sociedad, aunque la religión no es la única forma de espiritualidad y en ese sentido la música tiene mucho para aportar como expresión intangible de las más profundas pasiones humanas. Un día perfecto para ambas sería poder ensayar en medio de la montaña, en medio de la naturaleza, siendo parte de ella, escuchando el rugido del correr del agua del río mientras el arco se desliza sobre las cuerdas del violonchelo y las teclas del piano acompañan su movimiento. .:. .:. Fernando eFe PI 71

Discos

Reviews Como era de esperarse para esta época del año, a modo de preludio de los grandes festivales de la escena oscura, muchas bandas decidieron subirse al escenario con nuevos álbumes. Les presentamos un compendio de esas producciones y algunas perlitas más. El staff de reseñó y puntuó más de setenta producciones, una guía que te servirá para que puedas formar tu propia opinión.

taff

Gabriel Carbone

Javier Richarte

F. Pérez Asinari Lord Onkingthorn

Andrés Latorre

4DV3N43

Fernando eFe PI

El staff de utiliza una escala sobre 100 puntos para calificar cada una de las producciones. El puntaje sólo expresa una opinión crítica e independiente sobre su calidad. Las demás variables (gustos personales, precio de los discos, disponibilidad y un largo etcétera) no se contemplan en el momento de otorgar puntos, pero sí se expresan claramente, cuando corresponda, en la descripción. Los discos están ordenados de forma decreciente según el puntaje otorgado.

No recomendable

Aceptable

Bueno

Muy bueno

70 72

Excelente

Sobresaliente

100

Banda_ Decree Título_ Fateless Sello_ Artoffact Records

Banda_ Peter Murphy Título_ Ninth Sello_ Nettwerk

Banda_ Corde Oblique Título_ A Hail of Bitter Almonds Sello_ Prikosnovenie

Al escuchar este disco, recuerdo cuando FLA fue muy criticado por los cambios sonoros que Chris Peterson propuso en Flavour of The Weak en 1997. El tiempo demostró que este personaje, líder de Decree, es uno de los artistas más innovadores dentro de la música electro. Su regreso es demoledor, no hay nada que haya escuchado en estos tiempos que suene tan oscuro y bárbaro. Sus nueve temas son una vorágine de climas apocalípticos con voces al límite del grito, percusión infernal, guitarras y distorsiones que condensan la esencia del industrial. Lo más perturbador es el tono macabro del tema Night and Fog, cercano al drone metal, y el estado embriagador que provoca Arrogance con las notas de ese decadente violonchelo. .:. 4DV3N43

Vitalidad es lo que transmite Peter Murphy a través de su noveno álbum de estudio luego de siete años sin grabar nada bajo su nombre. Un disco maravilloso, lleno de luces, pero bien oscuras, con canciones pegadizas impregnadas de un accesible darkpop y otras más crípticas, matizadas por esa encantadora e inconfundible voz. La belleza de las melodías, más la infinidad de arreglos de cada una de ellas, son para destacar. Ninth es como una barca en alta mar que se mece al compás de las olas: por momentos está lleno de energía y por otros, de una inquietante calma. Las generaciones pasan y el gran ícono de la escena gótica, con la misma gloria de los viejos tiempos, sigue tan vigente como antaño. ¡Salve! .:. Fernando eFe PI

Pieza magistral del eximio guitarrista y compositor italiano Riccardo Prencipe y su Corde Oblique, compuesto en esta oportunidad por músicos procedentes de Ashram y Argine, más la participación de artistas invitados y tres vocalistas femeninas. Sonido extremadamente puro y de gran calidad. En estos tiempos es un alivio escuchar a una banda que se toma el trabajo de no parecerse a nada ni apelar a simbologías, tendencias políticas o reminiscencias históricas, sólo música, bella música. En total son quince canciones, entre las que se encuentra una versión acústica de Jigsaw Falling de Radiohead. A Hail of Bitter Almonds encanta y con sólo escucharlo una vez te fanatiza. Simplemente genial. .:. Gabriel Carbone

Banda_ Necro Facility

Título_ Wintermute

Sello_ Artoffact Records

Tercer trabajo del dúo sueco, editado justo después de haber colaborado en el último single de sus compatriotas de Covenant. Su fórmula funciona a la perfección: sonidos duros y voces ásperas durante los versos que desembocan en armoniosos y pegadizos estribillos. Es muy valorable ese contraste entre el EBM-industrial y el synthpop-electro, ya que es difícil lograrlo sin derrapar. Se destacan Do You Feel the Same?, Fall Apart y, para cerrar el disco, una impecable balada como lo es All That You Take. .:. Javier Richarte

Banda_ Clan of Xymox

Título_ Darkest Hour

Sello_ Trisol

¡Qué disco! Uno de los mejores de la banda de Ronny Moorings y compañía de la última década; un excelente manual práctico para las próximas generaciones sobre “cómo hacer darkwave en el siglo XXI y no caer en clichés en el intento”. Dosis justa de electrónica, guitarras lánguidas y mortecinas que no aburren, bajos profundos que perforan tímpanos y una voz icónica de ese pasado tan presente... Así es Darkest Hour, un viaje lisérgico a la década musical de los 80, pero con sonido más que actual. .:. Fernando eFe PI

Banda_ Obscura

Título_ Omnivium

Sello_ Relapse Records

Brillante placa de este combo alemán que lleva el death metal técnico un paso más allá con la incorporación de elementos distintivos dentro del género. Se trata de una producción muy cuidada desde el punto de vista de la composición como así también en la ejecución de los instrumentos. Se nota la evolución que ha tenido la banda respecto de sus álbumes anteriores. Omnivium es oscuro de principio a fin y lo más impactante es que con cada tema sorprende. .:. Lord Onkingthorn

Banda_ Within Temptation

Título_ The Unforgiving

Sello_ Sony Music

Quinto disco de estudio de esta gran banda de gothic metal que decidió dar un golpe de timón a su música: dejó atrás las voces guturales, las orquestaciones sinfónicas y su lado más oscuro para echar un poco de luz con guitarras poderosas al frente, estribillos pegadizos y un perfil más rock-pop. Sin dudas, la versatilidad del registro vocal de Sharon den Adel les permite a los holandeses ir para el lado que más les guste sin perder potencia. Un excelente disco que, seguro, despertará polémicas en los fans acérrimos. .:. Andrés Latorre

Banda_ SKOLD

Título_ Anomie

Sello_ Metropolis Records

Skold editó su primer álbum en 1996 cuando el metal industrial estaba en ascenso. Luego de 15 años de clonación y hastío, Anomie vuelve a despertar el placer de escuchar distorsión vocal, máquinas infernales y violentas percusiones y guitarras. Las canciones que acumuló en todo este tiempo oscilan entre el rock oscuro y el rock semiacústico. Masterizado por el genial Shaun Thingvold, Anomie es un álbum de impecable sonido que nos advierte que hemos estado muertos un buen rato. .:. 4DV3N43

Banda_ Les Fleurs Du Mal

Título_ I

Sello_ Echozone

Bajo un título tan simple, se esconden cinco canciones del EP debut de este dúo sueco conformado por Axel y August Grim que sólo demuestran el gran potencial que tiene. Melodic gothic rock, con algunos guiños a los pioneros de los ochenta y un sonido tan pulido y limpio que, no bien termina, es imposible no volver a escucharlo. Composiciones oscuras y una voz que recuerda, por momentos, los primeros pasos de Ian Curtis en Joy Division. Enhorabuena que sigan saliendo a la luz este tipo de propuestas. .:. Fernando eFe PI 74

Banda_ PAIL

Título_ Faith in the Void

Sello_ Caustic Records

Vuelta triunfal, luego de seis años, de uno de los actos con más potencial de la madre patria. El proyecto de Manix S., único integrante de esta banda de electrónica elaborada, nos subleva contra el orden preestablecido con las diez piezas de este álbum vibrante y lleno de matices que trasciende las fronteras estilísticas. Más allá de la calidad musical, el plus lo aporta la masterización y mezcla en el prestigioso estudio canadiense The Green Jacket, bajo la batuta de Greg Reely (FLA, Delerium y Skynny Puppy). Magnífico. .:. Fernando Pérez Asinari Banda_ Mephisto Walz

Título_ IIIrd Incarnation

Sello_ Black Lagoon Music

Si tuviera que llevarme por las apariencias, más precisamente por el arte de tapa, no hay dudas de que este disco estaría al final de nuestra guía; sencillamente porque es espantoso, hasta poco profesional, diría. Sin embargo, aquí no evaluamos sólo la imagen, sino que es la música la que manda y el dúo conformado por el veterano oscuro Bari-Bari y la joven Sara Reid lanzó un discazo con todas las letras que reafirma que aún el death rock, valga la paradoja, no está muerto. Y eso no es poca cosa. .:. Fernando eFe PI Banda_ L’Effet C’Est Moi

Título_ Genius Loci

Sello_ SkullLine

Esta banda italiana que ha grabado todos sus álbumes anteriores en distintos sellos, ahora ha elegido a SkullLine para dejar a la posteridad su mejor trabajo hasta el momento. Con un estilo marcial único, lleno de atmósferas épicas y muy buen gusto a la hora de componer, L’Effet C’Est Moi demuestra que todavía no está todo dicho dentro de este género que estaba algo anquilosado y repetitivo, aún queda mucho por explorar y explotar. Salve la creatividad. .:. Gabriel Carbone

Banda_ Faith Assembly

Título_ Dreams from Arcadia

Sello_ A Different Drum

Primer recopilatorio de estos pioneros del synthpop estadounidense. Esta producción reúne lo mejor de sus cuatro álbumes de estudio, un track inédito (Narcotic) y, al final, prácticamente la reedición del EP Reflections in the Window de 1996. Dreams from Arcadia es una formidable excusa para conocer de un tirón las dos décadas de carrera de esta formidable banda. Temas como Redemption, Denial y Captive son considerados himnos synthpop. ¡A no dejar pasar esta gema! .:. Javier Richarte

Banda_ 1000 Funerals

Título_ Butterfly Decadence

Sello_ Satanarsa Records

Delicadeza, arte, belleza... todas palabras que describen bien el debut discográfico de estos dioses oscuros provenientes de Irán. Tan sólo cinco tracks que te dejan sin aliento más un cover de Shape of Dispair que calza perfecto para finalizar una obra maravillosa. Pasajes cadenciosos, delicadas ambientaciones, guitarras que acompañan sin tomar gran protagonismo, orquestaciones lúgubres y frías, voces susurradas y guturales y un piano que te lleva a recorrer la desolación de tu propia alma. ¡Esto es doom! .:. Andrés Latorre

Banda_ Aythis

Título_ The New Earth

Sello_ Twilight Records

Luego del brillante Glacia, editado en el 2009 por el sello francés Prikosnovenie, el proyecto solista de la talentosa Carline Van Roos, quien también es miembro de las bandas Lethian Dreams y Remembrance, cambia de casa y lanza este encantador y muy deleitable tercer álbum. Se trata de una obra plagada de atmósferas gélidas que combina arreglos orquestales, voces susurrantes y los sonidos de ensueño de la naturaleza, la verdadera musa del trabajo. Puro ambient neoclassical. .:. Fernando eFe PI

Banda_ Arditi

Título_ Leading the Iron Resistance

Sello_ Equilibrium Music

El regreso de “la bestia marcial” tras su muy buen Omne Ensis Impera. El dúo sueco de Henry Möller y Mårten Björkman despunta en esta nueva producción su lado más industrial: climas opresivos, texturas sonoras de tinte militar creadas con vientos, percusiones rimbombantes, poderosas orquestaciones y coros heroicos. Al escuchar los temas se abre un portal imaginario en el tiempo que nos permite espiar una Europa de principios de siglo XX en pie de guerra. Inquietante, 100% Arditi. .:. Gabriel Carbone

Banda_ Draconian

Título_ A Rose for the Apocalypse

Sello_ Napalm Records

Después de tres años de total hermetismo, sin siquiera saber si la banda seguía activa o no, rompen el prolongado silencio y vuelven a la escena los dioses de la oscuridad con una producción impecable que les devuelve el trono del imperio del gothic-doom. Es su quinto trabajo en estudio que refleja una gran madurez a través de sonidos y atmósferas oscuras muy bien logradas y letras que dejan un mensaje cuasi misantrópico para reflexionar. Diez temas llenos de melancolía; bien épico y exquisitamente sombrío. .:. Andrés Latorre

Banda_ Huminoida

Título_ Whiter Album

Sello_ Out of Range Records

El ex vocalista de Neuroactive, Kimmo Karjalainen, presenta su proyecto solista en sociedad. El resultado es un elaborado álbum electro que mezcla pop y tecno con dark, ambient y krautkrock. Once canciones bajo la influencia de más de cuatro décadas de música moderna y experimental. Superlativo Bygone Wars/ Whiter Noise cuya introducción a la manera de la vieja escuela del tecno industrial deviene en una impresionante balada que, en palabras de Kimmo, remite a la totalidad de los álbumes grabados con título White. .:. 4DV3N43 76

Banda_ Mesh Título_ An Alternative Solution

Sello_ Metropolis Records

Doble CD de remixes que, al igual que Fragmente 2.0, contiene nuevas versiones, lados B y material relativo a su obra nodriza que –en este caso– es The Perfect Solution de 2009. Algunos temas ya habían sido editados en los singles o en ediciones especiales del álbum, pero la mayoría es de producción inédita y especial para la ocasión. Las remezclas están a cargo de artistas consagrados (Iris, Assemblage23, Informatik y Zeromancer, entre otros). Está plagado de buenas reinterpretaciones alejadas de las remezclas house. .:. Javier Richarte Banda_ Andreas Gross Título_ Autumn Inventors

Sello_ Echozone

Cuánta belleza encerrada en esta nueva producción del acto alemán liderado por el talentoso Andreas Gross que, hasta el momento, nunca ha dado un paso en falso. Darkwave de lujo, con voces angelicales, teclados que enaltecen el alma y alguna que otra base electrónica que crea esas atmósferas en las que la presencia de la ausencia se apersona y tiñe todo de un melancólico gris... Una maravilla, sin más. Para escuchar un día de lluvia mirando un álbum de fotos de la infancia. .:. Fernando eFe PI Banda_ Moonsorrow

Título_ Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa

Sello_ Spinefarm Records

Una muy grata sorpresa es el sexto álbum de la banda finlandesa; una producción llena de magia y misticismo en la que se destacan los excelentes arreglos de guitarras, cuerdas y violines. Sus siete composiciones, un tanto más intimistas de lo que nos tenían acostumbrados, no se encasillan en un solo género, sino que contienen elementos de diferentes estilos (pagan metal, folk, viking y black), lo que hace que suene distinto al resto. Una apuesta interesante. .:. Andrés Latorre Banda_ ohGr

Título_ unDeveloped

Sello_ Metropolis Records

Por fin nos enteramos que el dueño absoluto de la piedra filosofal es el veterano Nivek Ogre –fundador y vocalista de Skinny Puppy– porque con los años logró transmutar todo lo que se propuso en oro puro; un alquimista de la electrónica más inquietante. unDeveloped, cuarta producción con el proyecto paralelo a su banda nodriza, despunta su costado más tenebrosos mixeado con melodías para las pistas. Hay algunos guiños a los ochenta, aunque con un sonido del futuro. De todas formas, es oscurísimo. .:. Fernando eFe PI Banda_ Aura Noctis

Título_ Itineris I

Sello_ GH Records + Twilight Records

Dulces y bellas melodías dentro de un estilo neoclassical darkwave es la propuesta de este joven dúo español que con sólo un piano, un violonchelo y un impecable contrapunto de voces etéreas nos transporta hacia un mundo de ensueño; un viaje en etapas que saca a la luz sueños escondidos y pasiones secretas desde lo más profundo del alma. La producción es impecable: diez temas en los que los instrumentos hablan... Chapó por el trabajo en conjunto de estos dos sellos que lograron una gran sinergia. .:. Fernando Pérez Asinari Banda_ The Haunted

Título_ Unseen

Sello_ Century Media

A tres años del lanzamiento de Versus, los suecos cultores del más progresivo trash metal dan un giro de 360° en esta flamante producción; un cambio radical en su estilo. Ahora presentan un metal moderno, melódico y con muchos pasajes alternativos que sorprenden por tener una personalidad muy particular. Los fanáticos creerán que “ablandaron” su sonido; sin embargo, se puede tener una mirada mucho más abarcativa y decir que lo evolucionaron y que decidieron tomar otro rumbo. Gran disco. .:. Lord Onkingthorn 77

Banda_ Tyske Ludder

Título_ Diaspora

Sello_ Black Rain

El legendario acto alemán creado por Ølåf Reimers y Claus Ålbers ha regresado con un proverbial álbum de EBM y electro industrial que evita aburrir rápidamente, más allá de los consabidos límites del estilo. Por su calidad sonora, sus poderosos beats, sus inconfundibles distorsiones vocales y su árida atmósfera, Diaspora genera una arrebatadora descarga adrenalínica. Tomando a la diáspora hebrea como punto de partida, Tyske Ludder reflexiona nuevamente sobre la infinita violencia humana. .:. 4DV3N43

Banda_ Merciful Nuns

Título_ Ancient Astronauts

Sello_ Solar Lodge

Artaud Seth está feliz con su nueva reencarnación. Y eso se nota porque no puede darles respiro a su creatividad, ni a sus fans. Al poco tiempo de la salida del maravilloso Hypogeum II, se le ocurrió lanzar este EP de sólo cuatro temas que contiene tanta magia y misticismo que se convierte inmediatamente en un imprescindible. La línea musical es la misma: pure gothic rock old school, sonidos densos y atmósferas ominosas. Dedicado a los antiguos viajeros del principio de los tiempos. ¡Qué más se puede pedir! .:. Fernando eFe PI

Banda_ Felix Marc

Título_ Parallel Worlds

Sello_ Infacted Recordings

Gran segundo paso de Felix Marc (Diorama y Frozen Plasma) en su corta pero efectiva carrera solista, que demuestra nuevamente su habilidad y talento para hacer electropop elaborado e innovador. Canciones pegadizas con melodías más cercanas al synthpop que a los beats acelerados y danceables del futurepop que agradan a la primera escucha. Buen cover de Mistify de INXS y el invalorable aporte de dos voces femeninas (MyLucina y Lis van den Akkerm) hacen de esta obra una perlita. ¡Impecable! .:. Fernando Pérez Asinari

Banda_ Shino Título_ Transition

Sello_ AFmusic

¡Qué bueno fue descubrir a Shino al revisar las muy buenas bandas que edita el netlabel alemán AFmusic! Me topé de casualidad con este trovador gótico quien tan sólo con su voz grave y profunda (una mezcla entre Johnny Cash y Andrew Eldritch) y el acompañamiento de una guitarra acústica conmueve. Su música oscura unplugged es original y muy honesta, tanto que pareciera que en cada verso pone su alma. Sin parafernalias de ningún tipo, este artista destila melancolía. Recomendadísimo. .:. Andrés Latorre

Banda_ Zynic

Título_ Fire Walk With Me

Sello_ Conzoom Records

“La experiencia de la vida real me convirtió más y más en un cínico”. Así define H.P. Siemandel su proyecto synthpop creado en 2008. Su álbum debut, fruto de casi tres años de trabajo, sobresale por sus melodías, sus climas y sus ritmos, y se transforma en irresistible apenas se escucha su timbre de voz que nos remonta a la clásica escena del pop de los 80 y los 90. Bellísimas canciones con reminiscencias a Anything Box y asombrosos remixes de Assemblage 23 e Iris. Además, el álbum esta producido por Olaf Wollschläger. .:. 4DV3N43

Banda_ Sopor Aeternus

Título_ Have You Seen This Ghost?

Sello_ Apocalyptic Vision

Flamante álbum de Anna-Varney Cantodea y su banda de músicos invisibles, el ensamble de las sombras. Hablar de su música a esta altura es redundante, pues ya todos saben de qué va la cosa. Pero sí se puede hacer una valoración de su calidad: espléndida, con todas las letras. Al margen del énfasis y la energía que pone en su estética, Sopor Aeternus demuestra que hay un algo más detrás de todo eso. Un trabajo sobrio y exquisito que no deja cabos sueltos. .:. Gabriel Carbone 78

Banda_ Saints of Ruin

Título_ Glampyre

Sello_ Echozone

¿Metal, gothic rock, gothic metal, metal rock? A quién le importa encasillar al cuarteto estadounidense compuesto por Ruby Ruin, Tommy Dark, Kat Downs y Michael Broadus si cuando suenan destilan oscuridad en cada nota. Glampyre es su segunda producción de estudio y si hay un calificativo acertado para describirlo es desfachatado, una mezcla de todo un poco que termina siendo más que original. Esta banda despierta pasión y sentimientos: la amas o la odias, sin vueltas. .:. Fernando Pérez Asinari Banda_ Mick Harvey

Título_ Sketches from the Book of the Dead

Sello_ Mute Records

Debut discográfico en solitario de este gran guitarrista australiano, pero también multi-instrumentista, que supo desandar los caminos musicales del genial Nick Cave, primero en The Birthday Party y luego con sus Bad Seeds. El tono que prevalece a lo largo del álbum es bien sombrío salpicado con pequeñas gotas de luz. Las canciones son un homenaje a los seres queridos de Harvey que ya fallecieron. Hermosas melodías y gran coherencia a la hora de crear climas que, sin más, estrujan el corazón. .:. Andrés Latorre Banda_ Vendemmian

Título_ One in a Million

Sello_ Echozone

Nuevo trabajo de uno de los grupos basales de la segunda oleada del movimiento de gothic rock británico y de aclamado reconocimiento en los noventa. One in a Million es el segundo álbum tras su vuelta a la escena en 2008; un disco que no se sale de los cánones tradicionales de aquellos sonidos emotivos y melódicos: líneas de bajo pegadizas y el característico sonido de las guitarras, sin olvidar la voz tan particular de Mark Douglas. .:. Fernando eFe PI

Banda_ The Wyrm

Título_ The Wyrm

Sello_ GH Records

Místico, ocultista y ritual resulta el primer trabajo editado en CD de este enigmático proyecto madrileño que a través de melodías dark folk con toques marciales profesa la recuperación de las tradiciones y la identidad cultural de España. Parlamentos, discursos, voces susurrantes y diálogos intimistas en español junto a una instrumentación minimalista, en la que no faltan los sonidos de una gaita heroica, hacen de este álbum de 25 temas una referencia a tener muy en cuenta. .:. Gabriel Carbone

Banda_ Mina Harker

Título_ Bittersüß

Sello_ Out of Line

Esperado segundo álbum de este grupo formado por Mina Harker y Alexander Gorodezki que, en muy poco tiempo, supo impactar positivamente en la escena oscura. En comparación con Tiefer, su debut discográfico, Bittersüß luce un sonido mucho más maduro, con arreglos electrónicos interesantes, pero sin perder ese gothic touch que hace tan genuina su propuesta, más un excelente trabajo vocal que alterna voces de corte infantil e inocente con entonaciones lascivas y seductoras. Para tener en la colección. .:. Fernando Pérez Asinari

Banda_ Igniis

Título_ ... Nosotros Entonces ...

Sello_ Quartier 23

Qué orgullo que exista una banda de neofolk en la Argentina como Igniis, una de las pocas que sobresale en toda Latinoamérica por la calidad de sus composiciones. Nosotros Entonces es su álbum debut, un primer paso muy firme y sólido, lleno de nostalgia, candor, luz y oscuridad, belleza y ambigüedad... Los temas están cantados en español lo que le otorga una personalidad muy particular a cada composición. Impecable en todo sentido. Un gran trabajo. .:. Gabriel Carbone

Banda_ !Distain

Título_ On/Off

Sello_ Echozone

Con dos décadas de trayectoria que lo avalan, llega el sexto álbum de este dúo alemán, una producción que rebosa en su mayor parte de synthpop cuidado y elegante, con matices de futurepop en algunos de sus tracks para no perder presencia en las pistas de baile. La mayoría de sus canciones están cantadas en inglés, salvo dos entonadas en su lengua nativa. Además de los dos singles (Mein Weg y Why), se destacan Mediaeval Presence, Together, Monokulture y 100%. ¡Eterno synthpop! .:. Javier Richarte

Banda_ Crimfall

Título_ The Writ of Sword

Sello_ Spinefarm Records

Luego de su fabuloso álbum debut (As the Path Unfolds...), los finlandeses de muy buen gusto en el momento de componer vuelven a la carga con The Writ of Sword. Con sólo nueve temas cargados de altas dosis de power metal sinfónico fusionado con folk ancestral, esta joven banda de templarios demuestra que aún no está todo dicho dentro de estos géneros. Es para destacar el contrapunto que producen la encantadora voz de Helena Haaparanta y la de su líder Mikko Häkkinen. Gran sonido épico. .:. Andrés Latorre

Banda_ Leichenwetter

Título_ Zeitmaschine

Sello_ Echozone

Con seguridad, fuera del circuito under alemán, es bastante desconocida esta muy buena banda con años en la escena y adscripta a los sonidos del gothic metal. El sello Echozone recopiló lo mejor de sus trabajos de 2003 a la fecha y como resultado lanzó recientemente este álbum que está lleno de sorpresas. Además de la voz de su líder Numen, lo más característico de Leichenwetter son sus letras, todas basadas en las obras de poetas y escritores germanos. Interesante para los que buscan algo distinto. .:. Fernando Pérez Asinari 80

Banda_ Der Klinke

Título_ Square Moon

Sello_ Echozone

¡Qué raro, pero interesante, es el álbum debut de este quinteto belga! Parece como si hubieran tenido la máquina del tiempo y hubieran viajado tres décadas atrás para grabar estas once composiciones que suenan a coldwave ochentoso y las hubieran mezclado anteayer con todos los avances de la tecnología. Sumamente interesante el contrapunto de voces y esas sombrías melodías retroelectro con synthes vintage. Una banda que trae al presente toda la historia musical de su país. .:. Fernando eFe PI Banda_ Autumn’s Grey Solace

Título_ Eifelian

Sello_ Projekt Records

Luego de tres años de silencio, vuelve al ruedo esta banda estadounidense que nunca se ha apartado del camino que antaño habían emprendido los padres del estilo: Cocteau Twins. Con personalidad, pero con marcadas influencias, Eifelien es un álbum de una gran factura, muy directo, con composiciones enmarcadas dentro del darkwave y el ethereal más sombrío. Sobresale el trabajo hipnótico de las voces y las ricas melodías apacibles, pero a la vez cargadas de sentimiento. .:. Gabriel Carbone Banda_ Incúbico + Fluor

Título_ Trilogía Incúbica + Ciclo de Thule

Sello_ GH Records

Mágia, rito, estética y esoterismo en pleno siglo XXI. Así se puede describir este excelente trabajo del movimiento artístico Incúbico, fundado en Buenos Aires por Diego Arandojo –parte del staff de UnheimlicH– y Sebastián Zurutuza, que busca con su obra recuperar símbolos, tabúes y corrientes culturales que no encuentran eco oficial. Se trata de un DVD que recopila tres producciones audiovisuales (Ciclo de Thule, El Panóptico del Íncubo y Opus 23) más el áspero y experimental álbum de Fluor. Iniciático. .:. Gabriel Carbone Banda_ Kirlian Camera

Título_ Ghlóir Ar An Oíchen

Sello_ Out of Line

La grandiosa banda de culto italiana, que sigue bajo la batuta de Angelo Bergamini y la hermosa Elena Alice Fossi, despertó de su letargo de dos años y nos presenta una pequeña muestra de lo que será su próximo álbum de estudio. Son sólo cuatro temas (dos versiones de Nightglory, After Winter MMXI, y I’ll Give You Wings, I`ll Give You Death), bien pegadizos y con la impronta de KC, que demuestran su vigencia dentro de la escena oscura. Un appetizer perfecto a la espera de lo que será una cena de lujo. .:. Fernando Pérez Asinari Banda_ Belphegor Título_ Blood Magik Necromancer

Sello_ Nuclear Blast

Vuelve esta banda austríaca, emblema del blackened death metal, con ocho temas nuevos y algunos cambios bajo el brazo en cuanto al sonido. Hay mucha más potencia que en trabajos anteriores, con bases más pesadas y un gran trabajo vocal (brutal y profundo). La velocidad en el arranque de los temas sigue siendo una constante, aunque ahora hay muchos más quiebres en la estructura que dejan pasajes llenos de atmósferas densas tan oscuras que provocan terror de sólo escucharlas. .:. Lord Onkingthorn Banda_ Ava Inferi

Título_ Onyx

Sello_ Napalm Records

Luego de dos años de silencio, la gran banda portuguesa de doom-gothic regresa a las primeras planas con este muy buen álbum, el cuarto de su carrera, en el cual siguen demostrando su impronta: sonidos sepulcrales, etéreos y oscuros. Carmen Susana Simões, la cantante, merece una mención especial porque su aporte en esta producción es invalorable; un registro vocal que penetra y traspasa el alma. Muy buen disco perfectamente apto para oídos sensibles. .:. Andrés Latorre 81

Banda_ Hidden Place

Título_ Weather Station

Sello_ Twilight Records

Es imposible no recordar a Kirlian Camera en el momento de escuchar este álbum que recoge los primeros trabajos de Hidden Place. Electrónica fría y sonidos minimalistas que fueron recopilados y remasterizados para esta edición pro que acaba de lanzar el sello argentino Twilight Records (se había editado home-made en forma independiente y en formato CD-R en 2006). Entretenidas melodías, interesantes voces y ese clima que sólo las bandas italianas de este estilo saben lograr. .:. Fernando eFe PI

Banda_ Serpentary

Título_ Odi Ergo Sum

Sello_ Iron Ltd.

Aunque este trabajo se encuadra dentro del género del death metal, llama la atención el agregado de bases electrónicas en la mayoría de los temas, lo que les otorga un perfil mucho más moderno y, a la vez, caótico. Por momentos, se alinea con los primeros trabajos de Crematory, pero con un sonido enérgico más actual; quizás un tanto brutal por el gran trabajo vocal desarrollado. En líneas generales, no decepcionará a los talibanes del estilo porque el espíritu se mantiene inalterable. .:. Lord Onkingthorn

Banda_ The Echoing Green

Título_ In Scarlet and Vile

Sello_ A Different Drum

El esperadísimo séptimo álbum de una de las bandas estadounidenses con más historia dentro del electropop llega después de cuatro años desde su single adelanto Suffer. Son 14 pistas de enérgico synthpop, acompañado por power-guitars, melodías deliciosas y alto contenido cristiano. Entre excelentes canciones como Flame, Revenge y Heaven, resaltan dos covers: uno –como no podía ser de otra manera– de Depeche Mode (Here is the House) y el clásico Voices Carry de los one-hit-wonder ‘Til Tuesday. .:. Javier Richarte

Banda_ Seventh Harmonic

Título_ Garden of Dilmun

Sello_ Out of Line

Aplauso cerrado para este conocido sello alemán que, en los últimos meses, decidió abrir la puerta a bandas que no están directamente relacionadas con el electro, la especialidad de la casa. Ya lo había hecho con Ordo Rosarius Equilibrio y ahora le tocó el turno a este ensamble de voces femeninas y músicos talentosos que ya tiene una docena de años de carrera. Los trece temas que componen esta nueva producción desandan el camino del heavenly voices con percusiones bombásticas, bien oscuro. Maravilloso. .:. Fernando eFe PI

Banda_ Ikon

Título_ In the Shadows of the Angel + Flowers for the Gathering

Sello_ Echozone

El sello alemán Echozone está haciendo un muy buen trabajo en los últimos meses reeditando mucho material difícil de conseguir de grandes agrupaciones de la escena. Eso sí, cada uno con un plus más que interesante para los melómanos oscuros. Muchos de estos discos ya están descatalogados o, por tratarse de ediciones de sellos desaparecidos, ni siquiera se encuentran disponibles en eBay o alguna tienda online de usados. El caso de los australianos de Ikon, que ya cumplieron dos décadas de carrera musical, es uno de los más emblemáticos. In the Shadows of the Angel, de 1994, fue el primer trabajo de la banda y con el que empezaron a ser reconocidos fronteras afuera de su país. Flowers for the Gathering, de 1996, por su parte, es la producción que le siguió cronológicamente y que reafirmó el estilo y el potencial de Ikon. Mucho tiempo después, Echozone rescata estas dos perlas en sendos dobles CD que contienen, además de los temas originales remasterizados, un compilado de versiones raras y temas que nunca vieron la luz. A esta altura hablar, de lo que hace Ikon es redundante, pero para aquellos que no la conocen, hay que decir que se encontrarán con un darkwave-darkgothic exquisito, muy pulido, que combina guitarras glamorosas y sombrías con algunos elementos electrónicos y la voz única de Chris McCarter. Gran lanzamiento de una gran agrupación. .:. Fernando eFe PI 82

Banda_ Iammynewt

Título_ Boom Operator

Sello_ Aphoticaudio

Encomiable trabajo del estadounidense Chris Cozot (aka Iammynewt). Un álbum debut que, además de ofrecer pura música electrónica en la línea del drum & bass, el ambient, el breakbeat y el IDM más tradicional, deja espacio para la experimentación. Sobresalen los temas Irish, 2 Steps, Boom Operator y la impresionante Cram. Una agradable sorpresa que recupera los sonidos de la mejor época de Phothek, Autechre y el inolvidable Aphex Twin. .:. 4DV3N43 Banda_ The Moon and the Nightspirit

Título_ Mohalepte

Sello_ Self Released

Luego de tres discos en el sello portugués Equilibrium Music y de una relación que parecía idílica, nos encontramos con la sorpresa de que este dúo húngaro ha abandonado su viejo hogar para editar y trabajar de forma independiente, pero sin dejar de lado su esencia: bellas melodías neofolk que salen de la profundidad de un bosque mágico en el que abundan hadas, elfos y bestias acechantes. Un álbum preciosista de sonido muy pulido y muy prolijo. Sencillamente genial. .:. Gabriel Carbone Banda_ Ixion

Título_ To the Void

Sello_ Avantgarde Music

Brillante debut de esta banda francesa, que ya desde su demo auguraba un final feliz. Su música está en la misma línea que la de sus compatriotas de Remembrance: doom atmosférico y bien oscuro. Con melodías lentas extraídas de los teclados que, sin ser protagonistas, acompañan muy bien los riffs de esas guitarras que parecen llorar, nos sorprenden con composiciones de corte orquestal. Voces guturales y limpias terminan de redondear este auspicioso primer paso discográfico. .:. Andrés Latorre

Banda_ Demian Clav

Título_ Wisteria Lodge

Sello_ Prikosnovenie

Segundo trabajo de los franceses cultores de un post-rock sinfónico, que deja con la boca abierta a quien lo escucha por su calidad musical. Atmósferas más lúgubres que celestiales, más orquestales que frágiles y ensoñadoras son las claves de Wisteria Lodge. Es uno de los discos más entretenidos para elegir a la hora de escuchar algo nuevo porque no aburre ni empalaga, sino que crea climas impredecibles llenos de matices distintos y absolutamente cuidados. Altamente recomendado. .:. Gabriel Carbone

Banda_ Deicide

Título_ To Hell with God

Sello_ Century Media

Si hay una banda de renombre dentro del death metal clásico es Deicide. En este nuevo material no hay cambios notables ni en lo musical ni en lo conceptual: los liderados por el bajista y cantante Glen Benton mantienen el estilo con el que se los conoce desde 1989. No obstante, el sonido de esta producción es mucho más poderoso y mejor logrado que en los últimos trabajos, lo que no significa que los temas hayan perdido la brutalidad y la rapidez típica que caracteriza a estos yanquis extremos. .:. Lord Onkingthorn

Banda_ Midnattsol

Título_ The Metamorphosis Melody

Sello_ Napalm Records

Es asombrosa la cantidad de bandas que practican este estilo denominado gothic metal. En el caso de Midnattsol, con éste su tercer trabajo, tratan de abrirse un poco del estilo quizás aportando un sonido más folk al álbum, obviamente sin dejar de lado los coros y la grandilocuencia sinfónica. Sin embargo, los arreglos de sus guitarras marcan un poco la diferencia con otras bandas del estilo. Un buen trabajo de una de banda que busca superarse con cada lanzamiento. .:. Andrés Latorre

Banda_ KMFDM

Título_ WTF?!

Sello_ Dependent

Es difícil decir cuál es el mejor álbum de KMFDM. Creo que Blitz todavía representa uno de sus mejores trabajos en años. Sin embargo, con el reciente lanzamiento de WTF?!, el acto del ultra-heavy-beat germano sigue manteniendo su magnetismo. En este nuevo registro, a pesar de tener clichés, hay lugar para canciones de áspero y potente sonido electrónico e industrial. Un álbum correcto, con la participación especial de Sebastian Komor, que vuelve a abordar los temas de la actual política mundial. .:. 4DV3N43

Banda_ Current 93

Título_ HoneySuckle Æons

Sello_ Coptic Cat

Casi tres décadas de carrera, más de 50 álbumes en todos los formatos que se les ocurran y decenas de singles avalan la trayectoria del genial David Tibet, el hombre y espíritu libre al frente de esta banda de culto. Su voz, un piano y un theremin son más que suficientes en este HoneySuckle Æons, su última producción, aunque hay mucho más que eso: canciones preciosas que nos llevan a ese mundo de pequeñas cosas, a la infancia a la que Tibet tanto trata de regresar. Para disfrutar con los ojos cerrados. Gabriel Carbone

Banda_ Amon Amarth

Título_ Surtur Rising

Sello_ Metal Blade Records

En tributo a Surtur, líder de los gigantes de fuego de Muspelheim y el ser más viejo de los nueve mundos de la mitología de Norse, la banda sueca presenta diez composiciones contenidas dentro del género que cultivan desde su nacimiento: death metal melódico. En líneas generales, musicalmente es bastante más lineal que sus trabajos anteriores, con un correcto balance entre las canciones enérgicas y las cadenciosas, pero con un denominador común: las atmósferas más oscuras que nunca. .:. Lord Onkingthorn 84

Banda_ Krypteria

Título_ All Beauty Must Die

Sello_ Liberatio Music

Nuevo trabajo del cuarteto alemán-coreano comandado por la sensual Ji-In Cho, que se aleja un tanto de las atmósferas góticas que solían mostrar para sacar a relucir su costado más metalero. Este quinto disco de estudio es muy ecléctico: las doce composiciones van y vienen dentro del estilo, pero sin rigidez; por el contrario, muestran gran versatilidad. Este paso al frente que ha dado Krypteria los saca de la misma bolsa de las front-woman bands de la escena. .:. Andrés Latorre Banda_ The Human League

Título_ Credo

Sello_ Wall of Sound

Noveno álbum de esta banda inglesa que no requiere presentación después de sus 34 años de carrera. Credo es una producción sumamente comercial, contiene pop electrónico demasiado repetitivo, motivo por el cual repele al principio, pero misteriosamente termina gustando luego de varias escuchas. Lo más rescatable es que la banda conserva su sonido clásico, con matices modernos, lo cual no defrauda a sus seguidores y captura nuevos. .:. Javier Richarte Banda_ :Wumpscut:

Título_ Schrekk & Grauss

Sello_ Beton Kopf Media

Para Rudy Ratzinger el principal interés de su nuevo álbum es la ironía a través del susto y el horror. Si escuchamos Patient A, Jiddish is a Zwillink, la oscura Alles Aus o la polémica Rudolf Wolzek, basada en la historia de un testigo de los juicios de Nuremberg, cuya existencia no ha sido comprobada, podemos decir que logra su cometido. Pero grabar un álbum por año durante tanto tiempo puede llevar al agotamiento y Scherkk & Grauss, sin ser un mal trabajo, musicalmente lo acusa. .:. 4DV3N43 Banda_ Posionblack

Título_ Drive

Sello_ Hype Records

Quinto trabajo de estos fineses, que tiene la particularidad de no alejarse demasiado de su estilo tan personal, que no es otro que el que cultivara Sentenced: guitarras bien al frente, el bajo grave que acompaña y toques góticos a través de la voz profunda de Ville Laihiala. Tal vez este álbum es algo más rocker y, hasta por momentos, rayano con el stoner metal. Drive es muy entrador, fácil de escuchar y totalmente accesible para los que gustan de estos estilos bien rockeros. .:. Andrés Latorre Banda_ Dekad Título_ Monophonic

Sello_ BOREDOMproduct

Luego de un primer álbum que pasó desapercibido y de un segundo discazo como lo fue Confidential Tears, llega el tercer trabajo de este proyecto con base en París, Francia. Musicalmente es un disco muy parejo y bien logrado desde la selección de sonidos hasta la complejidad de algunos arreglos y pasajes, pero es notorio el salto cualitativo entre su single adelanto So Sorry y el resto de los tracks, que no disgustan ni aburren, aunque no logran sorprender o enganchar tanto como el primer corte. .:. Javier Richarte Banda_ First Aid 4 Souls

Título_ Deathstep

Sello_ Electro Arc

Detrás de First Aid 4 Souls está el músico húngaro István Gazdag. Este segundo álbum de la banda, que por sus climas tortuosos, sonidos corrosivos y ritmos frenéticos se ubica casi en las antípodas de su antecesor Brutpop, no aporta nada nuevo dentro del género, pero tampoco defrauda a los seguidores más fervientes del electro industrial. Tiene buenos temas como You are in a Box, No More Smile y la demencial The End of Culture, más una cuidada producción. Correcto. .:. 4DV3N43

Banda_ The Very End

Título_ Mercy & Misery

Sello_ Steamhammer Records

Esta banda alemana presenta su nuevo trabajo en el cual se pueden encontrar matices musicales muy variados que, en ciertos temas, nos recordarán a bandas como Soilwork y Mnemic, pero también contiene composiciones de metal clásico, aunque con riffs pesados y progresivos, acompañados de un trabajo vocal melódico. Sonido moderno, simple y directo, que no innova, pero tampoco defrauda. En su conjunto, es un álbum correcto con una muy buena producción. .:. Lord Onkingthorn

Banda_ Section 37 Título_ The Kudos of Serial Killing

Sello_ Aesthetic Death

La mezcla de muchos estilos de música electrónica en un álbum puede terminar siendo un híbrido y desorientar al oyente. The Kudos of Serial Killing es la excepción. Todos los temas de Section 37, inspirados en asesinos seriales, ofrecen buenos momentos gracias a las diversas variantes del sonido industrial y electrodark, incorporando además elementos del hip hop y clásicos samplers, como la batería del tema When the Levee Breaks de Led Zeppelin. Las pistas originalmente grabadas 8 años atrás, suenan más que actuales. .:. 4DV3N43

Banda_ Malevolent Creation

Título_ Invidious Dominion

Sello_ Nuclear Blast

Desde el regreso de su antiguo vocalista, Bret Hoffmman, la banda ha vuelto a incursionar en el estilo con el que se siente más cómoda: death metal clásico, sin vueltas. Son once temas bien enérgicos en los que la velocidad de las interpretaciones se convierten en una constante. Mucho de este nuevo material evoca a sus primeras andanzas discográficas de principios de los noventa (The Ten Commandments, Retribution y Stillborn), pero con un sonido totalmente renovado. .:. Lord Onkingthorn

Banda_ Minerve

Título_ Hold Me Tight

Sello_ Echozone

Segundo corte promocional del excepcional álbum Please, que incluye seis temas orientados principalmente a las pistas. Sobresale la versión club mix remezclada por el productor del álbum (Olaf Wollschläger) y la versión demo, del año 2007 (que puede resultar incluso mejor que el single por su mayor dinámica). Este release no incluye b-sides, salvo por una remezcla de Life is an Illusion, track incluido en el mismo álbum que Hold Me Tight. Vale la pena mencionar el arte de tapa, de muy lograda producción. .:. Javier Richarte

Banda_ Blame

Título_ Convergent Fields

Sello_ Ionium Records

Segundo trabajo discográfico de esta agrupación de origen serbio. Se trata de una sutil mezcla entre EBM y synthpop que por momentos resulta admirable y de a ratos demasiado monótona. Sin dudas, este disco les agradará a aquellos que sean seguidores de Seabound o Edge of Dawn; no se encontrarán defraudados, pero tampoco sorprendidos ni extasiados. Como aliciente, It’s Colder than Before –seudobalada o, al menos, un tema downtempo– calma los excesos de repetición. .:. Javier Richarte

Banda_ Mira Título_ The Echo Lingers On Sello_ Projekt Records Para festejar los primeros once años de vida de Mira, el sello estadounidense Projekt Records, comandado por el multifacético Sam Rosenthal (Black Tape For a Blue Girl), lanzó este bello compilado de la banda, que reúne demos, versiones raras y temas en vivo. Esta suerte de compendio de su historia musical se pasea entre los estilos darkwave y ethereal, con algo de shoegaze. Todo es corrección; no hay sorpresas, pero tampoco altibajos. Un remanso para los oídos saturados de escuchar más-de-lo-mismo. .:. Gabriel Carbone 86

+ PLUS .:. Clan of Xymox

volver al pasado

Si hay algo que nadie puede negar de la banda liderada por Ronny Moorings es su habilidad para estar siempre en boca de todos al lanzar un nuevo álbum. Darkest Hour, su decimotercera producción en estudio, no es la excepción. ¿El secreto? La versatilidad a la hora de componer sin encasillarse dentro de una sola frontera estilística y la capacidad de mantener su clásico sonido; ese que los hizo trascender dentro de la escena oscura. Darkest Hour es un viaje apasionante a los sonidos del pasado, pero con las innovaciones del presente. En esencia, es darkwave modelo 2011: electrónica bien aplicada, brumosos acordes de guitarra, lisérgicas líneas de bajo y esa voz solemne y enigmática... “Darkest Hour es la evolución natural de nuestro sonido. Para mí, cada producción es diferente, representa un momento de mi vida, el final de una etapa y el comienzo de otra“, asegura Ronny. .:. Nina Göut

VHF + UHF .:. Game of Thrones

Se acerca el invierno… esta frase que se repite continuamente en la adaptación televisiva de la saga del escritor George R. R. Martin, que captó la atención de más de tres millones de espectadores en Estados Unidos y Latinoamérica, no sólo anuncia la llegada de una estación del año, sino también de una época difícil, tenebrosa, llena de incertidumbres... .:. Por Dolores Pal George R. R. Martin, el autor de la saga A Song of Ice and Fire, bien podría ser una mezcla de J.R.R. Tolkien y J.K. Rowling; de uno tiene la habilidad para crear impecables relatos épicos, situados en mundos oníricos; y de la otra, la capacidad de vender millones de libros y crear una especie de culto. La serie de best sellers de Martin fue objeto de deseo entre muchas productoras de cine y cadenas de televisión, pero el autor nunca había aceptado sus propuestas. Hasta que un buen día, HBO le propuso adaptar Game of Thrones –título de la primera novela de A Song of Ice and Fire– en una temporada de 10 episodios. ¿Por qué Martin dijo que sí? Según él, porque es el único canal

serio que podía captar la esencia de la obra y transformarla en una historia de fantasía para adultos. Al igual que en El Señor de los Anillos, de Tolkien, en la cual la fuerza de las ideas, los matices del lenguaje y la exaltación de las descripciones se esconden en los párrafos que narran el viaje de Frodo Bolsón y de la Comunidad del Anillo, del cual Peter Jackson hizo una adaptación cinematográfica muy solvente, en Game of Thrones, la realización posee una visión tremendamente respetuosa, aunque con las omisiones y aceleraciones argumentales esperadas en su salto al formato televisivo. Es que adaptar una obra literaria a una serie semanal no consiste en trasladar pági-

nas y páginas a la pantalla chica, sino en rescatar el espíritu de la obra y plasmarlo en un lenguaje visual tal que los textos se reflejen en cada imagen. La historia, tan apasionante como absorbente, llena de intrigas, luchas y complots, transcurre en un mundo fantástico, dividido en varios continentes. Gran parte de los acontecimientos suceden en la tierra del Poniente (Westeros), que está compuesta por siete reinos y un área virgen separada del resto del territorio por la Gran Muralla de Hielo (The Wall). Según cuenta la leyenda, fue construida hace 8 mil años para proteger a los habitantes de las amenazas de invasión de las tribus salvajes del este (wildings) y de las criaturas y abominaciones sobrenaturales.

El trono de hierro ha sido motivo de asesinatos, peleas familiares, traiciones y guerras entre los hombres, que son sólo peones en los diferentes juegos y estrategias por el poder. Previo al primer capítulo, el trono estaba en manos del tirano rey Aerys Targaryen, perteneciente a una noble familia por cuyas venas corre sangre de dragón, quien fue asesinado en una rebelión. Lo sucedió Robert Baratheon, esposo de Cercei Lannister, descendiente de una de las casas más ricas de Poniente. Todo comienza cuando Robert le pide a lord Ned Stark de Invernalia (Winterfell) que sea su mano derecha porque todos a su alrededor están a punto de traicionarlo, empezando por su familia política, los Lannister. Además, los hijos de Targaryen (Viserys y Daenerys), que viven en el exilio, harán todo para recobrar el trono. Algo interesante para rescatar de la adaptación es el manejo de temas tabú, como la lujuria y el desenfreno sexual de algunos de los personajes (en especial el del pequeño Tyron Lannister) y la proliferación de prostíbulos, lo que deja muy en claro que se trata de entreteniemiento para adultos. La primera temporada terminó y gracias a los millones de televidentes que la siguieron religiosamente en Estados Unidos y en Latinoamérica, A Clash of Kings, segundo libro de A Song of Ice and Fire, se empezará a rodar el 25 de julio para salir al aire en el otoño de 2012. Serán 10 nuevos episodios llenos de aventuras, protagonistas memorables, antihéroes entrañables, villanos déspotas y deplorables, batallas homéricas y un sinfín de emociones intimistas... y por fin el invierno llegará. .:.

+ PLUS .:. ohGr

macabro

No es sorpresa para nadie que ohGr, el proyecto paralelo del legendario Nivek Ogre –fundador y vocalista de Skinny Puppy–, deslumbre con sus composiciones electrónicas inquietantes. Pero con unDeveloped, cuarta producción en su haber, demuestra que esos sonidos sórdidos y tenebrosos con beats pisteros a los que nos tenía acostumbrados se pueden oscurecer aún más. Pese a las atmósferas creadas con sintetizadores vintage y esas pinceladas ochentosas que sobresalen en cada canción, por debajo de esa capa amigable emerge el verdadero Ogre, el menos asequible, el corrosivo, el macabro... Imposible que deje indiferente al que lo escucha.. .:. Fernando eFe PI

+ PLUS .:. draconian

esperando

el apocalipsis Tras una larga espera que duró algo más de tres años y sin saber nada sobre su actividad en ese tiempo porque mantuvieron en sigilo todo tipo de movimientos, volver a hablar de una de las agrupaciones más emblemáticas del doom-gothic metal es muy grato. Los suecos de Draconian, dioses primigenios de la oscuridad, están de vuelta en la escena con una producción maravillosa que los consolida definitivamente como una referencia indiscutida del género. A Rose for the Apocalypse, su quinto trabajo en estudio, es un compendio maravilloso de sonidos y atmósferas lúgubres con letras con mensajes para reflexionar: “Intentamos centrarnos en el gran dilema que estamos enfrentando como especie, en los horrores y contradicciones que creamos, en el colapso de esa estructura provocada por seres humanos irracionales... No creo que sea un disco conceptual, pero la mayoría de las canciones que lo componen hablan sobre el mismo tema”, asegura Anders Jacobsson, vocalista y líder de la banda. Letra y música amalgamadas por la oscuridad. ¡Bienvenidos a las sombras! .:. Andrés Latorre 94

pensamientos estrangulados .:. Gottfried Benn

versos para

diseccionar el alma 96

Los versos de este médico-poeta, que brilló en la belicosa Alemania del siglo pasado, fueron precisas puñaladas al corazón de la sociedad de su época; palabras certeras que traducen visiones brutales, que dejan entrever un exquisito gusto por lo macabro y que, sin más, hacen que la reflexión sea una constante. .:. Por Herbstlicheaugen Gottfried Benn nació el 2 de mayo de 1886 en un pueblo del nordeste de Prusia. De familia campesina y eclesiástica, pasó su infancia en una casa dominada por la severidad luterana de su padre. A los 17 años aprobó sus exámenes de bachillerato, estudió lenguas clásicas, historia, alemán y matemáticas. En 1903 se matriculó en la Facultad de Teología, pero desertó a los dos años. Por esos días, Benn ingresó al ejército imperial y se graduó como médico militar. A partir de 1912 ejerció durante cuarenta años la medicina en la ciudad de Berlín. Se dedicó a la patología, la dermatología y la medicina preventiva. Al tiempo que ejercía su profesión, afloró en él otra pasión, la de escribir. A los 26 años se dio a conocer en el pequeño mundo literario expresionista alemán con su primer libro de poemas, Morgue und andere Gedichte (Morgue y otros poemas), que causó un escándalo tan violento como pocos en la historia de la literatura. La primera edición de 500 ejemplares se agotó en una semana y fue prohibida y confiscada a posteriori en 1916. Morgue und andere Gedichte significó sobre todo una ruptura radical con los parámetros literarios vigentes. Para algunos marcó el final de toda poesía, para otros abrió las puertas de la modernidad poética. Para el lector contemporáneo, las escabrosas y grotescas imágenes revelan, sin embargo, mucho más que el escándalo inicial. La destrucción y recombinación de los elementos líricos, la relación de lo horrible con lo bello, de lo perverso con lo sublime, y el rechazo visceral a la visión burguesa y tradicional del mundo, han hecho del poemario de Benn uno de los libros más importantes de la lírica alemana del siglo XX. Lo atractivo muchas veces se encuentra en lo morboso y grotesco; escribir es una manera de cortar las fibras humanas para mostrar su desnudez.

En este sentido, Benn supo indagar con la frialdad de un médico en esos lugares donde el ser humano pierde su condición de tal y pasa a ser un simple objeto de estudio. Su alma de poeta logró crear un enjambre de palabras oscuras que incluso ha servido de inspiración para músicos de nuestros tiempos, como el caso de Das Ich, pioneros del movimiento Neue Deutsche Todeskunst (Nuevo Arte Alemán de la Muerte), que en 1998 editó Morgue, una producción basada íntegramente en el opúsculo de Benn. En las 14 composiciones del álbum, Stefan Ackermann entrega su insana teatralidad y recita los versos de esas poesías de manera susurrada y agresiva, a la vez que Bruno Kramm propone atmósferas densas cargadas de una buena dosis de electrónica oscura. Morgue es la banda de sonido ideal para lograr un estado mental adecuado y así disfrutar de Mann und Frau gehen durch die Krebsbaracke (Hombre y Mujer deambulan por el Pabellón de los Cancerosos), una de las más alabadas producciones de Benn, quien en aquellos años, en medio del caos reinante, declaró haber escrito este poemario luego de un curso de disección. Ésa fue su fuente de inspiración; su proceso creativo, un modo de diseccionar el alma. 97

“El hombre: / acá, esta hilera, son los regazos descompuestos y esta hilera es el pecho / descompuesto. / Las camas apestan a cama. / Las enfermeras cambian cada hora. / Ven, levanta tranquila esta manta. / Mira este grumo de grasa y de jugos podridos que un día fue importante para algún hombre / y significó también embriaguez y patria. / Ven, mira esta cicatriz en el pecho / ¿Sientes el rosario de nudos blandos? / Siente, tranquila, la carne es blanda y no duele. / Ésta de acá sangra como treinta cuerpos. Nadie tiene tanta sangre. / A ésta de acá le sacaron recién un niño de su vientre canceroso. / Se los deja dormir. Día y noche. / A los nuevos se les dice: acá se sana durmiendo. / Sólo los domingos se los deja despertar para la visita. / La dieta es poco consumida. / Las espaldas están desolladas. Tú ves las moscas. / A veces los lava la enfermera. Como se lavan los bancos. / Acá ya se hincha el campo en cada cama. La carne se allana para la tierra. / El ardor va deshaciéndose. / La energía se dispone a fluir. La tierra llama”. Al leer estos versos se entiende a la perfección el porqué de tanto revuelo... En su ensayo La carrera de un intelectual, Benn expresó: “Cuando escribí Morgue und andere Gedichte era de noche, vivía en el noreste de Berlín y tomaba un curso de medicina forense en el hospital de Moabit. Es un ciclo de seis poemas largos que surgieron en la misma hora, que brotaron de golpe. El profesor impartía el curso en el depósito de cadáveres, yo estaba vacío, hambriento...”. Buen lugar para escribir poesía, rodeado por la muerte… La Primera Guerra Mundial había estallado. Benn, al tiempo que ejerció la medicina en el campo de batalla, jamás dejó la pluma. En 1917 editó Fleisch (Carne), un libro de poemas cruel y duro, en el que está “Oh, noche”: “¡Oh, noche! Ya aspiré cocaína / y comienza a mezclarse con la sangre. / El pelo encanece, los años vuelan, / y debo, debo otra vez en el delirio, / florecer ante el destino. / ¡Oh, noche! No quiero demasiado. / Un pequeño fragmento de condensación, / 98

la niebla de un atardecer, una agitación / de espacios, de sensación del yo. / Cuerpecillo táctil, borde de células rojas, / un ir y venir con olores; / desgarramiento de palabras, quebrantamiento / de nubes / demasiado hondo en el cerebro, demasiado frágil / en el sueño. / Tus piedras le dan alas a la tierra, / el pescado atrapa pequeñas sombras, / sólo astuto por la cosa que llegar a ser / se tambalea en el cráneo plumero. / ¡Oh, noche!, apenas puedo retenerte, / sólo un pequeño trozo, un fragmento / de sensación del yo en el delirio / de florecer otra vez ante el destino. / ¡Oh, noche! ¡Préstame la frente y el pelo, / derrámate sobre el día, marchítate! / Serás quien del mito de los nervios / me des la vida del cáliz y la corona. / ¡Oh, silencio!, siento un pequeño golpe: / me convierto en estrella, no es burla: / Mi cara, yo: Dios solitario, / que enorme se reúne bajo un trueno”. A partir de 1920, Benn alternará la poesía con los ensayos teóricos sobre el arte lírico y la relación del escritor con el poder, lo que lo hará acercarse al nazismo al inicio de la siguiente década, aunque se declaró abiertamente apolítico, a diferencia de muchos de sus contemporáneos. Una vez que el nazismo estableció su Estado, y con él la censura, a Benn le fue imposible dedicarse a la literatura y decidió emigrar a la Wehrmacht. En 1937 fue expulsado de la Cámara Nacional de Escritores y un año después recibió la prohibición de escribir. En 1939 apareció su último libro bajo el régimen, una recopilación de su obra en prosa, que sería censurado. Aislado de la vida pública, escribió algunos de sus mejores poemas. De esta etapa, la más fructífera de su carrera creativa, rescatamos “En una noche”: “En una noche que nadie conoce, / sustancia de niebla, humedad y lluvia, / en un lugar casi sin nombre, / tan ignoto, pequeño y alejado, / vi la locura de sufrir y amar, / o transido de afán y de finales, / lo teatral de todos lados, / lo que Dios nunca apoya de las manos / que te acarician cálidas y sucias, / que quieren retenerte, mas no saben / cómo hay que retener al

otro, / en qué mallas hay que zurcir que no se rasguen / –ay esta niebla, estos fríos, / esta ruina de todo lo que dura, / de todo enlace y de toda fe, / de todo apoyo y toda intimidad, / ay Dios– ¡los dioses! ¡Humedad y espanto!”. Y también “Despedida”: “Me colmas como la sangre en la herida fresca / derramándote en su oscura huella, / te extiendes como la noche en esa hora / en que el prado se tiñe de sombras, / floreces como rosas en todos los jardines, / tú, soledad de pérdida y vejez, / que sobrevives al morir los sueños, / después de tanto dolor y demasiado saber. / Ajeno desde joven a la ilusión de la realidad / negándose a un mundo fácilmente otorgado, / cansado del engaño de los detalles / porque ninguno acompaña al Yo profundo; / ahora, desde el fondo mismo, inconmovible, / ningún vocablo

o signo te revela / a quién le ocurrirá, será mejor que olvide / y no toque más las horas idas. / Un último día: un fuego postrero, un vasto espacio, / un agua te conduce a un lejano fin, / una alta luz que baña a los vetustos árboles / creando entre las sombras su contrario, / un día sin frutos y sin espigas / y sin preguntar por la cosecha: / él juega su juego, siente su luz / y sin memoria la humilla. Todo se ha consumado”. Vale mencionar también la faceta de ensayista de Benn que queda bien plasmada en, por ejemplo, El yo moderno y otros ensayos en el cual cita a poetas como Paul Valéry, T. S. Eliot, Ezra Pound, Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé y Edgar Allan Poe. Aunque lo primordial es que Benn pertenece a una tradición ensayística propiamente alemana que se remonta a Goethe, Schiller, Novalis,

Schlegel, Heine, Nietzsche y culmina en figuras como Hofmannsthal, Musil, los hermanos Mann o los Jünger. En su último libro de poemas, Aprèslude, de 1955, aparecen estos versos que son un excelente cierre, no sólo de su trayectoria, sino también de este rescate de su obra: “Me he preguntado con frecuencia, sin encontrar respuesta, de dónde provienen el bien y la dulzura, ni siquiera hoy lo sé, ahora que debo marcharme”. Gottfried Benn murió en Berlín, su ciudad amada, el 7 de julio de 1956. .:.

made in latam .:. Igniis

nosotros

EntonceS

Son contados los proyectos de neofolk latinoamericanos, pero los pocos que hay siempre dan que hablar por su calidad musical. Igniis es uno de los indiscutidos. .:. Por Fernando eFe PI Igniis nace de la experimentación y de la necesidad interior de expresarse que tiene su alma máter: el muy argentino GrM Mateo, quien acaba de lanzar su primer álbum Nosotros Entonces a través del sello alemán Quartier 23. Esta producción es un exquisito compendio de canciones que levantan la bandera del neofolk clásico, pero con un toque personal que marca la diferencia: “El concepto musical de este disco se sustenta en los climas de cada composición; atmósferas diferentes entre sí que transportan a los que las escuchan por distintas sensaciones, ya sea de la más apacible tranquilidad onírica (Sólo Sueños) al más abrumador sentimiento de desprecio por la raza humana, las miserias de la vida rutinaria y el conformismo fatal (Un Nuevo Proverbio). En cuanto a los mensajes, versa sobre algunos temas controversiales y antagónicos que me divierte mezclar con toda impunidad, ideas y discursos que solemos escuchar por separado, pero no juntos, como por ejemplo el Jesús mártir y el obrero peronista (Cristo Descamisado), la mascota que se nos fue y el entendimiento de la muerte con la supuesta vida astral (Ojos Celestes y Linga Sarira); o bien gritar a viva voz contra la mierda de la sociedad de consumo de hoy en día (La Música o Tu Amigo)”. Nosotros Entonces cuenta, además, con la participación de artistas de la talla de Kristian Giorgini, Akampita Steiner y The Joy of Nature, ya sea con sus instrumentos o en la coautoría de las letras. ¿El futuro de Igniis? “Seguir haciendo música, sin límites ni presiones, sacando de adentro todo lo que tengo y que aún queda mucho”. ¡Enhorabuena! .:.

arte degeneraci贸n .:. Ernesto Sabato

la oscura

alquimia

del pi ncel La obra literaria del Ernesto Sabato, iniciada en 1945 y concluida en 2004, se vio entretejida por otro arte bien expresivo que venía postergando desde niño: la pintura. .:. Por Diego Arandojo Un hombre despierta. Se encuentra desnudo dentro de una tumba cavada en la tierra. El cielo anuncia un próximo amanecer. El hombre tiembla a causa del frío. Intenta levantarse, pero sus piernas están lastimadas con rasguños y cortes. La violencia del clima es tal que no puede preguntarse cómo llegó hasta allí. La única acción que está presente en su mente es escapar. Corre por una zona boscosa. Se pierde entre los árboles y la densa vegetación. El amanecer se dilata. La noche parece ganarle espacio. El hombre se desespera. Carece de fuerzas para continuar. Se deja vencer, trastabilla y se desploma cerca de un claro. Antes de cerrar los ojos, descubre algo que le llama la atención. A unos pocos metros hay una fuente. Su mármol pulcro, de tono gris, posee un aire fantasmagórico. En la parte superior se aprecia la figura de una ninfa rodeada por el agua que brota constantemente. El hombre siente una opresión terrible. Como si el terror se le metiera en el cuerpo sin aviso. La ninfa tiene la boca cercenada, destruida, casi borrada. Su mirada es triste. Quiere

llorar, pero no tiene espacio para las lágrimas. El hombre que mira se deshace; todo se deforma, se dilata, y se vuelve tinta. Sólo queda una mancha negra. Impertérrita. Las manos se separan de la máquina de escribir. Escuchamos una respiración acelerada. Un par de anteojos se apoyan a un costado. Las palabras escritas en la hoja de papel se asemejan a clavos en una cruz, sucios, oxidados. Ernesto Sabato, autor de las novelas El Túnel (1948), Sobre héroes y tumbas (1961) y Abaddón el exterminador (1974), fue ante todo científico. Cursó estudios superiores de física en la Universidad de La Plata. Más tarde supo renunciar a ese mundo de extremo orden, de silencio, de 103

pausas algebraicas. Lo cautivó (o lo enamoró) la escritura literaria; nadó en sus profundidades hasta que se hartó y regresó a la superficie de la mal llamada realidad. Una realidad que criticó junto con el materialismo y el capitalismo (monstruo bicéfalo

que se alimenta de la humanidad) y que no dudó en atacar sistemáticamente: “El capitalismo moderno y la ciencia positiva son las dos caras de una misma realidad desposeída de atributos concretos, de una abstracta fantasmagoría de la que también 104

forma parte el hombre, pero no ya el hombre concreto e individual, sino el hombre-masa, ese extraño ser con aspecto todavía humano, con ojos y llanto, voz y emociones, pero en verdad engranaje de una gigantesca maquinaria anónima”. Desde su casa de Santos Lugares contó las historias que consideró necesarias. El fuego, la destrucción, el caos (fuerza contraria a aquella que antes necesitó: el equilibrio) le dijeron que su narrativa debía morir. Sabato acató la orden. Tal como nos cuenta en El escritor y sus fantasmas (1963): “Soy muy autodestructivo y la mayor parte de los bocetos y proyectos quedan finalmente en los cajones o van a parar al canasto, quizá con toda razón”. Así perecieron La fuente muda (iniciada en 1938 y con unos fragmentos publicados en la revista Sur hacia 1947), un libro sobre Leonardo Da Vinci (publicada una parte en Apologías y rechazos, 1979), Memorias de un Desconocido y otras que nunca conoceremos. Pero la espada cruzó el fuego abriendo un lugar para la esperanza. Esa espada fue su esposa, Matilde Kusminsky-Richter, a quien debemos agradecer la supervivencia de los textos sabatianos. El tiempo anduvo sobre este artista de la pluma, sobre este viajero de la noche; ya no la noche externa, la que todos sufrimos a diario, sino la noche amarga que se lleva en las venas. Nocturnidad que se practica en las plazas, en las grandes casonas de Buenos Aires, en los túneles subterráneos construidos bajo la urbe o en pueblos semihabitados. En todos es-

tos lugares hay ojos. Son las miradas expectantes de criaturas y criados. Un cuadro. Una pintura que retrata a una dama que, desde una ventana, observa el mar. Bocas en las olas. Serpientes en las aguas. La obra literaria de Sabato, iniciada en 1945 y concluida en 2004, se vio entretejida por distintos conflictos que la convirtieron en entregas irregulares. La ceguera (mal que lo aquejó hasta su desaparición física en abril de este año) lo condujo a dejar la escritura manual, para dedicarse a un arte que venía postergando desde niño: la pintura. Un desafío ya no de papel, franqueable gracias a la pericia del escribiente, sino de lienzo. Textura blanca que gritaba y que demandaba colores, formas, sensaciones... Aunque Sabato no fue un artista plástico de escuela (en el sentido más académico de la palabra, a pesar de haberse relacionado con los surrealistas en París y de haber realizado distintos dibujos aleatorios durante su trabajo en el Laboratorio Curie), poseía el atributo esencial de todo aquel que desea dedicarse al pincel: tener algo para decir, para transmitir. En esta nueva etapa, produjo una serie de pinturas en las que la oscuridad, la pesadez, el rostro oblicuo del mundo y de sus habitantes (algunos felices, otros ya condenados a la depresión) están presentes en dos dimensiones (la tercera, a mi entender, la aporta el espectador). Ya en sus primigenias caricaturas (o ilustraciones), como las que realizó sobre Joliot-Curie en 1938, o la del físico George Gamow en 1941, des-

cubrimos un trazo definido, estético y puntual. No son garabatos, sino dibujos de un profesional que, aunque apartado durante años por la ciencia y la literatura, regresó a los pinceles. Como él mismo expresó (“Arrastrado por mis amigos”), en 1989 se decidió 105

a realizar una exposición de algunos de sus cuadros en el petit foyer del Centre Pompidou de París, Francia. Su gesto tímido escondía aquel anhelo del fuego, de la expiración de su propia obra, similar al cabello del ángel negro que contiene restos del apoca-

lipsis, pero que seduce. Sabato pintaba dramas; sombras con sonrisas malditas. A esta primera muestra se le sumó una segunda en 1992, en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, España. Allí desplegó una veintena de cuadros realizados entre 1981 y 1990. Según el periodista español Antonio Astorga: “Sabato presenta una reflexión sobre la condición humana a través de sus creaciones pictóricas, con su peculiar cosmovisión de escritores como Baudelaire, Woolf, Dostoievsky, Kafka, Nietzsche, Hesse o Sartre”. Un visitante anónimo detalló: “El de sus pinceladas es un mundo furioso y crepuscular, una alegoría de nuestro mundo subterráneo. 106

Sus cuadros son la dimensión de todo un símbolo. Sabato, desde la memoria metafísica, nos ofrece sus pinturas que nos han obsesionado a través de sus libros. El Sabato pintor ilustra las visiones del Sabato narrador”. Convertido, ahora como artista plástico, en una suerte de ilustrador de la pesadilla de la existencia humana, Sabato era criticado a diestra y siniestra porque, claro está, muchos creían que se trataba de una nueva etapa del celebrado autor argentino. Aunque no era para nada nueva. El propio Sabato lo explicó en 1992: “En ratos libres hice un par de naturalezas muertas y una copia del autorretrato de Van Gogh con la oreja vendada que regalé a unos amigos y que, vanamente, muchos años después pedí que me las de volvieran para quemarlas. No quisieron y lamento en el alma que anden por ahí”. Estigmatizado o glorificado, ya sea por su perspicaz literatura o por sus enrarecidas obras, próximas a las pinturas negras de Francisco de Goya o las de Edvard Munch, Sabato trabajaba. La ceguera era su motor de producción, la presencia que le infundía la fuerza para continuar vivo. Según él: “Hay en estos cuadros la belleza del horror que sólo los no-videntes pueden vislumbrar”. Su vinculación con los surrealistas también lo conectó con el esoterismo, aquellos conocimientos entregados de mano en mano, de silencio a silencio, de maestros a discípulos en reuniones privadas desde hace siglos. En la biblioteca sabatiana no faltaban volúmenes dedicados a la magia y por sobre todo a la alquimia, aquel arte de quienes buscaban la Gran Obra, la Piedra Filosofal, ya no la que puede convertir el metal mundano en oro, sino la Verdadera, la que purifica el espíritu magro haciéndolo brillar en el cosmos. La presencia de la alquimia en sus libros se constata en títulos como Antes del fin, Sobre héroes y tumbas y Abaddón el exterminador (con mención especial del gran Fulcanelli, autor de Le mystère des cathédrales). Esta cuestión del arte mágico está también expresada en la obra pictórica. En la serie de cuadros Alquimista, Sabato traza con maestría el calvario de aquel hombre que busca la eternidad, tanto en la carne como en el alma, pues el proceso para conquistar el secreto de los cuatro elementos es un sendero entre la muerte y el lado más oscuro de la vida. Un

atanor sin huevo filosofal. Rostros difusos, empantanados en colores apagados. Amalgama de dolor y frustración. Átomos muertos que se disgregan sobre el gesto de una figura esquelética en ¿Por qué gritará?, una pintura oscura y por demás desoladora. Expresionismo porteño del más alto vuelo. Comida dispuesta para comensales un poco agrios, un poco taciturnos. Lo que distingue a Ernesto Sabato como pintor es una sencillez magnífica. El hombre que salió de la tumba de la ciencia y la literatura, que corrió por los bosques de la exposición pública, de la prensa oral y escrita, cayó rendido ante la fuente de agua. La ninfa de mármol le sonrió y, aunque no podía hablar, le señaló la ruta de los sueños. El camino de la pintura, sin más, fue, es y será el exorcismo de uno mismo. .:.

perdida

inocencia

+ PLUS .:. Arcana Acrobacia Teatral

Arcana es una compañía de acrobacia teatral creada en Buenos Aires en el año 2003 por Natalia Villanueva y Alejandra Reyes, dos bellas mujeres formadas en las artes circenses, que imponen una fuerte impronta oscura en cada uno de los espectáculos que montan. Recientemente estrenaron Dolls: Niñas sin Corazón, una obra original que nos sumerge dentro de una estética onírica y surrealista que evoca los antiguos relatos gótico-medievales. Se trata de una historia plagada de alegorías que transmiten la sensación de la infancia como un etapa de grandes alegrías, pero también de suma vulnerabilidad y de intensos temores. “Es una metáfora del robo de la inocencia, pero mostrado de una manera muy cuidada y poética. En Dolls ponemos énfasis en lo emocional y tratamos de ir hasta lo más profundo del alma de cada uno los espectadores“, aseguran las autoras. Desde el aire y también sobre las tablas, el elenco cautiva con la puesta en escena y nos hace transitar por un sinnúmero de emociones y reflexiones. Originalidad, belleza, histrionismo, buena música y talento están presentes en esta excelente propuesta que no decepciona en ningún momento. ¡Chapó! .:. Febe Lound 108

mentes siniestras .:. H. P. Lovecraft & August Derleth

sombra fuera de

lovecraft

Existió una rara simbiosis de ultratumba entre ambos escritores; tan extraña que August Derleth llegó a publicar con la firma de ambos una historia extremadamente parecida a una que Howard Phillips Lovecraft había escrito hacía más de dos décadas. “La Sombra Fuera del Espacio” es una variante casi plagiada de “La Sombra Fuera del Tiempo”. .:. Por Claudio García

Una sombra es aquella zona oscura donde la luz es obstaculizada, sinónimo de misterio. Esta nota trata sobre sombras: la de un cuento, la de un escritor y, entre ellas, la existencia de un abismo en el tiempo. Estoy hablando de The Shadow Out of Time (La Sombra Fuera del Tiempo LSFdT) y The Shadow Out of Space (La Sombra Fuera del Espacio - LSFdE), de los geniales escritores Howard Phillips Lovecraft y August Derleth, respectivamente. Lovecraft, creador de la corriente de terror cósmico materialista, escribió The Shadow Out of Time entre noviembre de 1934 y marzo de1935, publicado en el número 4 de la revista literaria Astounding Stories en junio de 1936. Se trata de una novela corta estructurada en ocho capítulos, con sorprendentes e innovadoras ideas sobre los conceptos de espacio-tiempo. En algunas traducciones figura como La Sombra Surgida del Tiempo, La Sombra Fuera del Tiempo, En el Abismo del Tiempo o En la Noche de los Tiempos. Por su parte, August Derleth, escritor estadounidense perteneciente al llamado Círculo de Lovecraft, fue su corresponsal entre 1926 y 1937 y más tarde su editor. Controló toda la actividad concerniente a la obra de Lovecraft desde 1937 hasta 1971 a través de la editorial Arkham House fundada junto a Donald Wandrei. Aunque nadie niega la importancia de Derleth en la difusión y reconocimiento literario de Lovecraft suele reprochársele un carácter puramente editorial y económico, además de distorsionar o reinterpretar aspectos de la cosmogonía originalmente concebida por el maestro de Providence; de hecho, el famoso término Mitos de Cthulhu y el maniqueísmo impuesto entre Dioses Arquetípicos y Primigenios es un invento suyo. No es un dato menor que Derleth escribiese dieciséis colaboraciones póstumas sobre ideas y manuscritos inconclusos de Lovecraft. Pero hay un hecho curioso, un acto

de ignominia literaria, un suceso sombrío que oscurece y enrarece la obra de Lovecraft. En 1957, veintiún años después de la publicación de The Shadow Out of Time, August Derleth publicó en Arkham House un cuento corto llamado The Shadow Out of Space, cuyo origen se remite a textos inconclusos de Lovecraft que el mismo Derleth se encargó de terminar. El resultado es una variante de la misma idea, muchísimo menos desarrollada, en la que sólo cambian algunas circunstancias y personajes. El tiempo y la distancia entre uno y otro (más de dos décadas), y la necesaria participación de Derleth en la terminación y publicación del segundo relato, nos hacen plantear una duda existencial: ¿qué necesidad tuvo Derleth de completar una historia inconclusa cuya temática ya había sido inmortalizada de manera magistral por el propio Lovecraft y que no aporta nada nuevo, ni desde lo conceptual ni desde lo literario? Precisemos un poco entonces los elementos principales de cada relato para detectar semejanzas y diferencias, y así tratar de responder esta inquietud, si es que existe una respuesta. El nudo central de la historia versa sobre la existencia de un linaje de extraños seres alienígenos, llamado la Gran Raza de Yith, que tiene la capacidad de hacer viajar su mente por el tiempo y el espacio ocupando cualquier cuerpo para recopilar el conocimiento de cuantas civilizaciones hayan existido y existirán en el universo. Intercambian mentes habitando los cuerpos de aquellos elegidos para obtener la información, mientras la mente del elegido es trasladada provisionalmente al mundo de la Gran Raza. En ambos casos, el protagonista se llama Nathaniel (Wingate Peaslee –LSFdT– y Corey –LSFdE–) y es profesional recibido en la Universidad de Miskatonic. Hay viajes al extranjero y en especial al desierto arábigo. Las dos historias se centran en la amnesia y en el cambio de personalidad de los persona111

jes principales. Y, por supuesto, la trama en ambos relatos se basa en la existencia de los seres de la Gran Raza. Las descripciones de los seres no son parecidas... ¡Son idénticas! A las pruebas me remito... Este es un extracto de LSFdT de Lovecraft: “Los miembros de la Gran Raza eran inmensos conos rugosos de unos tres metros de altura, con la cabeza y otros órganos dispuestos en los extremos de una serie de miembros extensibles, de unos treinta centímetros de grosor, que se extendían a partir de sus cimas. Hablaban chasqueando o arañando sus enormes zarpas o garras, articuladas al final de dos de sus cuatro miembros, y caminaban por la expansión y contracción de una capa viscosa situada en la parte inferior de sus bases, que a su vez tenían un diámetro de casi tres metros”. Y éste de LSFdE de August Derleth: “Aparentaban grandes conos de material rugoso, como la estructura de un vegetal; median mas de diez pies de alto; su cabeza, así como sus manos, en forma de garras, estaban unidas a unas anchas extremidades que salían del vértice del cono. Caminaban merced a la expansión y contracción de la capa viscosa que formaba su base, y aunque no hablaban un lenguaje reconocible, podía entender los sonidos que emitían... No hablaban, sino con una extraña combinación de silbidos y golpes y rasguños de las grandes garras con que finalizaban sus cuatro extremidades enraizadas en lo que supuestamente podían ser sus cuellos, aunque esa parte de sus cuerpos no se veía”.

Sorprendente, ¿verdad? Entonces, cabe preguntarse cuáles fueron las oscuras razones que llevaron a Derleth a perpetrar este increíble autoplagio. ¿Existió realmente ese segundo manuscrito inconcluso de Lovecraft? ¿Se trataba de una variante de la misma historia o los borradores de esa primera idea original? ¿Fue retomada y terminada sólo con el afán de aumentar la bibliografía relacionada con los Mitos de Cthulhu y poder compartir la autoría de otra obra con su célebre amigo? Hasta el momento no he podido encontrar las respuestas, pero dejo planteadas las hipótesis que deberán abordarse a la hora de intentar encontrar una explicación a esta situación por demás peculiar, como es la del plagio de un autor a sí mismo. Todos somos capaces de proyectar nuestra propia sombra, pero no confundirnos con ella. Ahora, “una increíble y sarcástica sombra, procedente de más allá del tiempo” perturba y oscurece mi mente en este momento. Quizás también el propio Howard Phillips Lovecraft haya sido presa de ese intercambio de razas en el tiempo; quizás su mente también ocupó el cuerpo de aquellos aberrantes conos rugosos; quizás él también, como el profesor Nathaniel Wingate Peaslee, tembló al reconocer su propia caligrafía en ese manuscrito hallado por August Derleth en un extraño estuche de metal y que prefirió dejar inconcluso… .:.

el juego de las diferencias

the shadow out of time

the shadow out of space

.:. El protagonista se llama Nathaniel Wingate Peaslee. .:. Es profesor de Economía en la Universidad de Miskatonic. .:. Sus padres se llaman Jonathan y Hannah Peaslee (apellido soltera Wingate). .:. Su hijo se llama Wingate y es profesor de Psicología en Miskatonic. .:. Nathaniel sufre amnesia entre 1908 y 1913. .:. Durante ese período realiza un viaje por los desiertos de Arabia en 1911. .:. Realiza descubrimientos en Australia Occidental entre el 17 y el 18 de julio de 1935.

.:. El protagonista se llama Nathaniel Corey. .:. Es psiquiatra recibido en la Universidad de Miskatonic. .:. Nathaniel relata las vivencias de Amos Piper. .:. Realiza viajes al desierto arábigo, las islas de la Polinesia y a Perú. .:. Visita el Museo Británico de Londres y la Biblioteca Nacional de París. .:. Amos Piper se une a la expedición al desierto arábigo durante la cual desparece misteriosamente. .:. Nathaniel termina internado en un instituto para enfermos mentales producto de un fuerte cambio de personalidad.

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+ PLUS .:. SKOLD

guitarras del averno Anomie (que significa ausencia de ley en español) es un título más que adecuado para el segundo álbum en solitario de Tim Skold por todo lo que implica su significado: “Es una palabra hermosa que describe mi música y lo que puedo hacer con ella. El conflicto de los sonidos, la lucha entre la técnica y la emoción, la melodía contra la cacofonía...”. Se trata de un trabajo enmarcado en el más demencial y caótico industrial rock, que llega después de quince años de su antecesor y que no pudo ver la luz con anterioridad debido a la agitada vida de su mastermind al lado de artistas de la talla de Marilyn Manson, KMFDM, ohGr o Doctor Midnight & The Mercy Cult. “Por mucho que me gusta colaborar con otras bandas, hacer música por placer y sin limitaciones de ningún tipo es genial. En Anomie soy yo, en estado puro, y no tengo a nadie a quien culpar por los errores o felicitar por los aciertos sino a mí mismo”. Lejos de las modas, Skold –siempre portador de raros peinados nuevos– volvió con todo su talento y según asegura: “Quedaron muchas canciones afuera de Anomie así que pronto tendré más novedades”. .:. Nina Göut

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+ PLUS .:. Septicflesh

Sinfonía extremA Con composiciones grandilocuentes dotadas de magia y misticismo, la innovadora banda griega rompe paradigmas e invade de sombras y virtuosismo el planeta. .:. Por Lord Onkingthorn Poco más de dos décadas atrás, en Atenas, capital de Grecia y cuna de la civilización occidental, Sotiris Vayenas (guitarra), Spiros Antoniou (bajo y voz) y Christos Antoniou (guitarra) for-

maron esta innovadora banda que hoy ha alcanzado uno de los puntos más altos de su carrera con su última producción en estudio: The Great Mass. A lo largo de los años, Septicflesh ha pasado por muchos estados y estilos 116

antes de consolidar un sonido propio e inconfundible como el actual. De hecho, en sus dos primeros álbumes –Mystic Places of Dawn (1994) y Esoptron (1995)– su música se caracterizaba por contar con muchos elementos

del death metal y los climas oscuros del doom, aunque siempre con un perfil muy atípico. Este toque personal hizo que acopiara de a poco muchos seguidores en todo el planeta. Pero es con su tercer trabajo, The Ophidian Wheel (1997), que se consagra y conquista al público; un disco con bases bien pesadas y voces guturales profundas que se fusionan con pasajes sinfónicos, los cuales cobran un sentido místico y caótico gracias al aporte de la soprano Natalie Rassoulis, que se incorporó al staff de la banda por esos tiempos. A Fallen Temple (1998) continuó la misma línea, aunque musicalmente las orquestaciones estaban en primer plano y luego venía el metal extremo. Al año siguiente, con Revolution DNA, sus miembros entraron en una etapa de transición y se notó en cada una de las composiciones que nada tenían que ver con todo lo anterior: sonaban más modernas, más pulidas y hasta por momentos experimentales. Luego de este paso –para muchos desacertado–, sus integrantes decidieron tomarse un respiro y embarcarse en otros proyectos en busca de nuevos horizontes. El break duró cuatro largos inviernos hasta que en 2003 los tres fundadores volvieron a reunirse y lanzaron Sumerian Daemons y cinco años después Communion. Ambos tienen un mismo hilo conductor: es death metal, pero diferente... Hay energía y una enjundia prodigiosa que se hace más abismal por la dosis justa de perversa oscuridad que aportan los arreglos con instrumentos no convencionales para el género. Pero esto no era lo máximo que tenía Septicflesh para ofrecer en este nuevo siglo... En 2011, luego de un arduo trabajo no sólo en cuanto a la parte creativa, sino también respecto a la temática a abordar, sorprende con la obra maestra The Great Mass: una producción elaboradísima que reúne todos los elementos que hicieron grande a la banda más un exquisito y cuidado trabajo instrumental a cargo de 150 músicos pertenecientes a la Filarmónica de Praga. Cada uno de los temas, diez en total, realza de manera excepcional el concepto musical, como así también su temática apocalíptica. The Great Mass, sin ningún tipo de pruritos, avasalla las fronteras estilísticas, las derrumba y conquista otros oídos. Misión cumplida. .:.

última página .:. Florencia García Lester

What will follow if tomorrow’s blind?

Florencia García Lester Artista visual .:. Ilustradora (Argentina)