Revista di Art

ART NOUVEAU

Por: Karla P. González García

ARACTERÍSTICA S DEL ART NOUVEAU

Inspiración en la naturaleza Dominio de la línea ondulante

Asimetría y dinamismo Eclecticismo

Riqueza ornamental Gusto por lo elegante, lo lujoso y lo exótico Materiales y técnicas de la era industrial

ARQUITECTURA Y ARTES APLICADAS EN EL ART NOUVEAU

Escultura del art nouveau

ARTISTAS DEL ART NOUVEAU

Por: Karla P. González García

Por: Karla P. González García

Alphonse Mucha. El gran car telista del Ar t Nouveau

Diseñador de marcas y joyas

Aubrey Vincent Beardsley

Gustav Klimt

Víctor Hor ta y su fantástica arquitectura

Antoni Gaudí. Un genio “diferente”

Por: Citlali C. Sandoval Montero

CONOCE IMPRESIONISMO

Por: Citlali C. Sandoval Montero

Por: Citlali C. Sandoval Montero

MAYO 2023

MÉXICO

diart.com.mx revista@diart.com.mx

DISEÑO GRÁFICO

IMPRESIONISMO DISEÑADOR GRÁFICO Citlali Celic Sandoval Montero/ lalimonterosan12@gmail.com

ART NOUVEAU DISEÑADOR GRÁFICO Karla Paola González García/ kalispaola12@gmail.com

diart en español, Año 1, No.01, mayo 2023, es una publicación única editada distribuida y publicada por Universidad Gestalt de Diseño, con domicilio Av. 1o. de Mayo 113, Obrero Campesina, 91020 Xalapa-Enríquez, Ver. Diseñadores responsables: Citlali Celic Sandoval Montero y Karla Paola González García. Este número de terminó de imprimir el 26 de mayo de 2023. El contenido y las opiniones expresadas en los artículos de la publicación son responsabilidad exclusiva de los diseñadores, por lo

que no necesariamente reflejan la opinión de los autores. El contenido y alcance de la publicidad de la publicación son responsabilidad exclusiva de sus anunciantes. Todos los derechos reservados. Se encuentra totalmente prohibida la reproducción total o parcial por cualquier medio de esta publicación sin previa autorización de la UGD. Todos los materiales publicados por la edición de diart. Todos los derechos reservados.

El art nouveau, arte modernista o modernismo fue un movimiento artístico y decorativo internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El ‘arte nuevo’, como su nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil y moderno. Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas. Los antecedentes del art nouveau pueden encontrarse en el movimiento inglés Arts & Crafts (‘artes y oficios’), fundado por William morris en 1861, el cual revalorizaba la artesanía tradicional y la naturaleza en contra de la creciente industrialización. El art nouveau también valoró las artes aplicadas y la naturaleza, pero a diferencia del Arts ands Crafts, aprovechó los materiales y técnicas disponibles en la era industrial para crear un estilo moderno.

La importancia de este movimiento reside en que fue el último en abocarse a la observación de la naturaleza y el primero en abrir un vínculo con la era industrial. Gracias a esto, no solo cerró el siglo xix y abrió el xx, sino que preparó la transición entre dos eras artísticas totalmente distintas. Conozcamos sus características, representantes y obras a continuación.

El arte académico del siglo xix estaba dominado por el historicismo, particularmente en arquitectura (neoclásico, neorrománico, neogótico, neobizantino, etc.). El art nouveau reaccionó contra eso y propuso un estilo moderno y propio para la época. Procuraba liberarse de la imitación y apostaba por un estilo urbano que se irradiara en todas las artes. De este modo, acompañó los intereses y gustos de la burguesía. De allí surgió un deseo profundo de originalidad y libertad que definió las características del movimiento.

CARACTERÍSTICAS DEL INSPIRACIÓN EN LA NATURALEZA

Los artistas del art nouveau se inspiraron en las formas de la naturaleza. No se trataba simplemente de retratar animales o plantas. Los modernistas no imitaban la naturaleza. La observaban, la estudiaban y usaban sus principios formales para buscar nuevas ideas. Por ello, estudiaron los tallos, las raíces, las formaciones rocosas, las osamentas, los caparazones y toda clase de elementos. De allí tomaron las líneas y formas geométricas que le dieron originalidad y belleza al nuevo estilo.

DOMINIO DE LA LÍNEA ONDULANTE

Ya que en la naturaleza la línea recta no existe, el art nouveau adoptó la línea ondulante como rasgo distintivo, tanto en las artes aplicadas como en las bellas artes. Se manifestó en dos vertientes, frecuentemente superpuestas: una de inspiración vegetal, con líneas asimétricas, sinuosas y entramadas, y otra basada en la geometría.

Jules Lavirotte: detalle del pórtico del Edificio Lavirotte, París.

ASIMETRÍA Y DINAMISMO

La asimetría fue otro rasgos común en el art nouveau. Esta característica permitía acentuar la sensación de dinamismo y ligereza con la que se interpretaban los tiempos modernos.

ECLECTICISMO

El arte modernista se caracterizó también por la variedad y la mezcla de estilos. En lugar de una estética uniforme, favoreció diversas soluciones formales por la influencia de distintas corrientes estéticas, como el arte japonés, el arte de la India, el simbolismo, etc.

René Binet: Gran entrada de la Exposición Universal de 1900, París, Francia.

GUSTO POR LO ELEGANTE, LO LUJOSO Y LO EXÓTICO

Ya que en la naturaleza la línea recta no existe, el art nouveau adoptó la línea ondulante como rasgo distintivo, tanto en las artes aplicadas como en las bellas artes. Se manifestó en dos vertientes, frecuentemente superpuestas: una de inspiración vegetal, con líneas asimétricas, sinuosas y entramadas, y otra basada en la geometría.

MATERIALES Y TÉCNICAS DE LA ERA INDUSTRIAL

Los artistas y diseñadores del art nouveau valoraron las técnicas disponibles en la época industrial. Por ejemplo, la reproducción mecánica, la xilografía y el cartelismo

Asimismo, aprovecharon los materiales nuevos o le dieron nuevo uso a los ya conocidos. Algunos materiales comunes en el art nouveau fueron el hierro, la cerámica, el vidrio, los cristales, la madera, entre otros..

RIQUEZA ORNAMENTAL

En el art nouveau proliferan los elementos decorativos u ornamentales, a través de los cuales se procuran composiciones rítmicas y armoniosas. Los artistas aplicaron la línea en círculos concéntricos y, especialmente, el efecto coup de fouet1 Este consiste en la ondulación de una larga línea que recuerda el golpe de un látigo.

Alfons Mucha. De izquierda a derecha: Los momentos del día, 1899, medidas 103 x 54 cm cada panel. Colección privada.

Alfons Mucha. Zodíaco, 1896. Litografía.

y en el

ARTES ART NOUVEAU APLICADAS

La arquitectura modernista tuvo como punto de partida el diseño y la ejecución de la casa de Víctor Horta , arquitecto belga que revitalizó el diseño de finales del siglo XIX. La casa destacó por su vitalidad y libertad estética. Los arquitectos de este período volvieron la atención sobre las formas geométricas presentes en la naturaleza, como las figuras hiperboloides, helicoides y paraboloides, entre otras. Por ejemplo, las espirales de un caracol tienen forma helicoide; los huesos de las piernas tienen forma hiperboloide y la hoja de un árbol (o una hojuela de papa frita) tienen forma paraboloide.

Junto a esto, los arquitectos aligeraron los muros y dejaron la herrería al descubierto. Así, se valieron de un uso innovador del hierro. También dieron nuevo uso a otros materiales como el vidrio, la cerámica, la loza y la madera, y reintegraron la escultura a la arquitectura de forma innovadora.

El art nouveau destacó particularmente en las artes aplicadas. Se habla de artes aplicadas cuando se imprimen valores artísticos en el diseño y confección de objetos utilitarios. Abarcan disciplinas como la cerámica, el arte del vidrio, la ebanistería, la orfebrería y el diseño gráfico (carteles, empaques de productos, tipografías y otros).

Los artistas usaron motivos inspirados en el reino vegetal para embellecer los objetos. Favorecieron también la línea curva sobre la línea recta, aunque siempre a partir del estudio geométrico.

ESCULTURAS DEL ART NOUVEAU

En el arte modernista, la escultura casi siempre estuvo integrada a la arquitectura, ya que esta alianza era la que permitía, justamente, renovar la estética del siglo xix. En este aspecto, el art nouveau nos recuerda al arte medieval.

Sin embargo, sí hubo expresiones de escultura modernista exenta (es decir, independiente), a pesar de no haber sido el interés fundamental del movimiento. Al igual que el resto de las artes, se destacó por la línea ondulante y sinuosa, en función de crear un efecto dinámico. También se aprecia la asimetría, el gusto por elementos exóticos, el eclecticismo y la sensualidad.

Alfons Mucha: La natura, 1900, bronce (busto), malaquita (pendiente y tiara), mármol (base), 70 cm (pedestal), 121 cm

Víctor Horta. Museo Horta. 1898. Bruselas, Bélgica

ALPHONSE MUCHA

El gran cartelista del art

París, Navidad de 1894. En la imprenta, Alphonse Mucha se encontraba corrigiendo unas impresiones cuando de pronto entró en el local una figura vestida de blanco. Alphonse la reconoció de inmediato; no necesitaba presentación: se trataba de la gran actriz S arah B ernhardt A la “Divina Sarah” no le gustaban los carteles promocionales de Gismonda, su última obra teatral, y estaba buscando a un artista que diseñara otros a su gusto. Y al parecer ese artista iba a ser él. Alphonse evidentemente aceptó el encargo, no sin cierto nerviosismo. Pero salió victorioso de ese trance: Mucha diseñó para la actriz un cartel innovador y completamente rompedor que esperaba que fuera del agrado de la diva. Y, en efecto, así fue. Cuando lo vio, Bernhardt quedó absolutamente entusiasmada. El cartel le gustó tanto que contrató al artista para los siguientes seis años. De este modo, Mucha pasaría del anonimato a encargarse del diseño de vestuario y de la escenografía de la compañía de Sarah Bernhardt en un abrir y cerrar de ojos.

El 1 de enero de 1895, aquel cartel era ya una preciada pieza de coleccionista que todo el mundo quería tener en su casa. No era extraño ver por la noche a la gente recorrer las calles para arrancarlos de las paredes, e incluso la propia imprenta vendía ejemplares a escondidas, hasta que la diva lo descubrió y puso fin al “negocio”. El estilo del artista checo no se parecía en nada al de otro famoso artista de carteles como toulouSe-lautrec, y el cartel que Mucha hizo para Sarah Bernhardt, pintado en colores pastel, convertía a la actriz en una especie de diosa: la elevaba sobre un pedestal y la disponía bajo un arco. A partir de entonces, la cartelería de Mucha se convertiría en una auténtica obsesión para los parisinos. “Gustó tanto porque era muy fresco visualmente, utilizaba los colores de una manera distinta y alargaba la figura que, además, quedaba dignificada, muy bella”, explica al respecto la artista japonesa Tomoko Sato, conservadora de la Fundación Mucha desde 2007 y especialista en su obra.

Estuche de cigarrillos Alphonse Mucha 100s.

DISEÑADOR DE MARCAS Y JOYAS

Mientras que Mucha retrató a S arah B ernhardt sobre un pedestal, las mujeres que el artista acostumbra a representar en su obra se caracterizan por la gran femineidad de sus gestos, el cabello suelto, una ropa muy ornamentada, sus sinuosos movimientos en medio de la naturaleza...

La especialista en el arte de Mucha Tomoko Sako también cree que el artista checo “rompió las barreras entre el arte comercial y el arte elevado”. Muy pronto empresas de todo tipo se rifarían los servicios del gran cartelista, que diseñó envoltorios para la famosa marca de chocolates Nestlé, carteles publicitarios para la prestigiosa marca de champán Moët-Chandon y también para promocionar la cerveza Bières de la Meuse, originaria de una zona a pocos kilómetros de la Abadía de Orval. Todos ellos, carteles promocionales que se hicieron famosos en toda Europa. Sabedor de la fama que estaba adquiriendo su obra, Alphonse Mucha publicó un manual en el que plasmó el proceso de creación de setenta y dos de sus litografías.

Pero Mucha no solo pretendía realizar carteles publicitarios. Entre sus numerosos intereses artísticos se encontraba también un tipo de arte muy particular: la joyería. En 1899, Mucha (que en 1898 se había unido a la logia masónica del Gran Oriente de Francia) colaboró con el famoso joyero francés GeorGeS Fouquet para diseñar una pulsera en forma de serpiente, hecha de oro y esmalte, para la actriz Sarah Bernhardt (su pasión por los diseños de joyería quedaría plasmada en un libro que publicó en 1902 titulado Documents decoratifs, en cuyas páginas se sucedían las láminas que reproducían elaborados broches con incrustaciones de piedras de colores). En 1900, Fouquet hizo un importante encargo a Mucha: le pidió que decorara el interior de la nueva joyería que iba a inaugurar en el número 6 de la rue Royale de la capital francesa. El resultado final puede considerarse el súmmum de la belleza decorativa del art noveau. Pero la tienda insignia de Fouquet abrió justo cuando las tendencias artísticas y decorativas empezaban a cambiar, por lo que el local al final fue desmontado tal cual y poco después remodelado en busca de un estilo decorativo más tradicional. Por fortuna la decoración

original se conservó y hoy en día puede contemplarse en el Museo Carnavalet de París.

En 1909, en el momento culminante de su carrera, Mucha decidió trasladarse a Praga, y en 1918 fue testigo de cómo su Checoslovaquia natal se convertía en un país independiente. Mucha se implicaría entonces en el diseño de los primeros billetes y sellos del nuevo país. Pero todo terminaría unos años después, cuando las tropas nazis invadieron Checoslovaquia el 15 de marzo de 1939. Los vehementes y agresivos discursos de Hitler amenazando a la población convencieron al artista, que creía firmemente que el arte era un vehículo que servía para unir y no para separar, de retomar los pinceles y empezar a pintar un tríptico dedicado a la humanidad, obra que nunca llegó a terminar. Mucha fue detenido por la Gestapo, encarcelado y torturado, aunque finalmente fue puesto en libertad. Pero pocos días después, el 14 de julio de 1939, el gran genio de los carteles moriría de una neumonía.

Colaboración de Mucha para el orfebre parisino GeorGeS Fouquet en la pulsera de serpiente brillante.

AUBREY VINCENT BEARDSLEY

Fue uno de los artistas más interesantes de la época victoriana en el Reino Unido. El hijo perfecto del fin-de-siècle. Muerto a la tierna edad de 25 años, tuvo tiempo de escandalizar, fascinar e influir en los artistas de la época. Su estilo modernista, mezclado con su humor crítico e incisivo, dio lugar a una obra artística satírica, estética, moderna, hipnótica… maravillosa.

Beardsley destacó muy pronto como «niño prodigio» en la música y más tarde en otros campos creativos. Tenía pinta de que iba a ser arquitecto, pero las artes plásticas entraron en su vida y todo se fue al garete. Ingresó en la Escuela de arte de Westminster y ahí empezó su aventura.

Sus ilustraciones empezaron a tener fama por su estilo innovador. Libros y revistas quisieron ilustrarse con su arte. Por supuesto también ilustró la obra de su amigo Oscar Wilde.

Beardsley tenía un estilo modernista, basado en la naturaleza, con formas orgánicas y un gran decorativismo. Salvando las distancias, era un Alfons Mucha más joven y radical. Usó mucho la tinta blanco y negro en su obra se aprecia una gran influencia del grabado japonés.

Tocó variadas temáticas: religiosa, mitológica, histórica, caricatura… Y en todas ellas hay una carga de erotismo (destaquemos sus escandalosas ilustraciones para Lisístrata y Salomé).

En su vida, era un dandy. Un decadente como Wilde, un excéntrico, un Tristram Shandy.

La tuberculosis, enfermedad de lo más romántica, acabó con él con sólo 25 años de edad.

«Sólo tengo un objetivo – lo grotesco. Si no soy grotesco no soy nada»

Ilustración del libro erótico Lysistrata, 1896.

Gustav Klimt, el más célebre artista austriaco de esos tiempos (la fama de Schiele sería póstuma) y a la vez el más refinado, complejo y hermético. Eran años en los que Viena estaba empezando su decadencia como capital artística mundial, pero Klimt brilló por su estilo entre el Simbolismo y el Art Nouveau.

Sus obras, cargadas de sensualidad, tienen un estilo pictórico absolutamente ecléctico y cada vez están más cargadas de abstracción y plásticas innovadoras como sus extraños puntos de vista, cortes poco habituales y un valor expresivo de la línea que anuncia el expresionismo posterior.

Nació en la época dorada del Imperio austrohúngaro (la edad de oro de la seguridad burguesa), que cuidaba ante todo a sus artistas. Se formó en Viena, muy interesada en la promoción de las artes decorativas, y se codeó con artistas, arquitectos y artesanos.

Antes de cumplir los 30, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena pero a finales de siglo entra en la Secesión (el modernismo vienés) muy interesada en todas las disciplinas creativas europeas y muy hostil con el arte académico oficial. Por ello perdería cierta seguridad económica.

Nunca se casó, pero tuvo bastantes hijos (al menos 14). Las mujeres (preferiblemente pelirrojas) eran musas, amantes y catalizadores del simbolismo de Klimt. Símbolos de la vida y de la muerte; amenazantes y seductoras al mismo tiempo (las conocidas como femmes fatales). En este sentido su obra se calificó de «pornográfica» por su lenguaje abiertamente sexual. Por esa época, por cierto, andaba el Dr. Freud por Viena.

Abunda el oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.

En su vida privada vestía con sandalias y túnica. Se obsesionaba artísticamente con las mujeres que posaban para él y acabaría teniendo aventuras con muchas de ellas, desde damas de la alta sociedad a prostitutas. Tras su muerte por neumonía hubo 14 demandas de pensiones alimenticias.

Su pintura es extremadamente ornamental

Retrato de adele Bloch Bauer i, 1907, óleo y oro sobre tela, 138 ×138 cm, Neue Galerie, Nueva York.

El beso, 1907-08, óleo con laminillas de oro y estaño sobre lienzo de 180x180cm

VÍCTOR HORTA Y su fantástica arquitectura

Víctor Horta nació el 6 de enero de 1861 en Gante, Bélgica. Tocaba el violín desde muy joven, después de graduarse de la escuela ingresó en el Real Conservatorio de Gante, pero fue desterrado de la disciplina y estudió allí solo durante un año.

Aparentemente, el padre de Víctor se cansó de las acciones de su hijo, como castigo, a la edad de 16 años, fue enviado a trabajar en un sitio de construcción con su tío. Allí, como recordó Víctor más tarde, tuvo una idea. Allí vio de un vistazo toda su vida abierta ante él.

Víctor Horta estudió arquitectura en la Academia de Artes de Gante.

En 1878, el arquitecto Víctor Horta estudió en el extranjero en París, pero dos años

más tarde regresó a Gante en relación con la muerte de su padre.

En 1881 se trasladó a Bruselas y se matriculó en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde su profesor fue el arquitecto Alphonse Barra, quien Víctor Horta tuvo un gran respeto por su maestro durante toda su vida.

Después de los primeros años de arduo trabajo, comenzó la carrera de Horta. En 1888, el arquitecto se convirtió en miembro de la logia masónica «Les Amis Philanthropes», donde conoció a emile taSSel, quien le encargó un pequeño «hfteldemaotre».

Después de la finalización de este proyecto, la obra maestra de Art Nouveau «Hotel Tassel» se elevó a su punto máximo

Las principales mansiones diseñadas por él fueron catalogadas como Patrimonio de la Humanidad en el 2000.

de popularidad, fue en el 1893 que el arquitecto Víctor Horta se convirtió en miembro de la logia masónica.

Los años posteriores fueron de mucho trabajo, diseñó La Casa Solvay, La casa Horta, La casa Frizon, La casa Ortrick, el Palacio de Bellas artes, entre muchas otras más.

Las mansiones incluyen la mansión y la casa Tassel, el arquitecto fue el primero en el mundo en diseñar en estilo Art Nouveau en 1893.

En la época en que las casas pesadas de piedra eran la corriente principal, el estilo Art Nouveau, que utiliza curvas con motivos vegetales, nuevos materiales como el vidrio y el hierro en ese momento, llamó la atención.

El arquitecto Víctor Horta murió el 9 de septiembre de 1947 en Bruselas, Bélgica.

Casa Van Etoveld. Es un edificio donde se puede ver el proceso de cambio y desarrollo gradual del estilo arquitectónico de Horta.

Casa Hotel Slovay. Horta en la casa utiliza materiales como piedra, madera, hierro esto para la decoración de sus paredes.

A ntoni G A udí i C ornet fue un arquitecto catalán que ha sido reconocido internacionalmente como uno de los expertos más prodigiosos de su disciplina, además de uno de los máximos exponentes del modernismo. Su genialidad excepcionalmente rompedora fue artífice de un lenguaje arquitectónico único, personal e incomparable dificil de etiquetar.

ANTONI GAUDÍ Un genio “diferente”

Antoni Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en Reus según unas biografías y en Riudoms según otras, una pequeña población cerca de Reus donde su familia veraneaba. Provenía de una familia de caldereros, hecho que le permitió al joven Antoni Gaudí adquirir una especial habilidad para tratar el espacio y el volumen mientras ayudaba a su padre y a su abuelo en el taller familiar.

Su facilidad a la hora de concebir los espacios y la transformación de materiales prosperó hasta convertirse en el genio de la creación en tres dimensiones que posteriormente demostraría ser.

En el año 1870 se trasladó a Barcelona para cursar sus estudios de arquitectura a la vez que se ocupaba con diversos empleos que le permitían pagarse los estudios. Fue un estudiante irregular, pero que ya manifestaba algunos indicios de genialidad que le abrieron las puertas para colaborar con algunos de sus profesores. Cuando en 1878 culminó sus estudios en la Escuela de Arquitectura, el director, Elies Rogent, declaraba: «No sé si hemos dado el título a un loco o a un genio, el tiempo lo dirá.» Era innegable que las ideas de aquel joven no eran una mera repetición de lo que se había hecho hasta el momento ni dejarían a nadie indiferente.

Una vez obtenido el título, Antoni Gaudí se estableció por su cuenta en su despacho de la calle del Call en Barcelona desde donde, con gran entrega, inició el inconfundible legado arquitectónico, gran parte del cual es considerado Patrimonio de la Humanidad. Pero el encuentro, que resultó en una de las relaciones de amistad y mecenazgo más productivas de la historia, se produjo a mediados de 1878, cuando la casualidad quiso que el artista y Eusebi Güell, un impulsor de la industria nacional con un acentuado gusto por las artes, cruzaran caminos.

La relación que se inició desde aquel momento no fue únicamente la de cliente-arquitecto, sino que resultó en un vínculo de admiración mutua y aficiones compartidas, tejiendo una amistad que dio al arquitecto la oportunidad de iniciar una trayectoria profesional plena donde poder desarrollar todas sus cualidades artísticas.

Durante su etapa de madurez, las obras maestras se fueron sucediendo las unas a las otras: la Torre Bellesguard, el Park Güell, la restauración de la Catedral de Mallorca, la iglesia de la Colonia Güell, la Casa Batlló, La Pedrera y, finalmente, la Sagrada Familia.

Curiosamente, el esplendor de la arquitectura gaudiniana coincidió, en una decisión personal del arquitecto, con un progresivo retraimiento de su figura. Gaudí, que en su juventud había frecuentado teatros, conciertos y tertulias, pasó de parecer un joven dandi con gustos de gourmet a descuidar su aspecto personal, comer con frugalidad y alejarse de la vida social a la vez que se entregaba con más fervor a un sentimiento místico y religioso.

Antoni Gaudí murió el 10 de junio de 1926 atropellado por un tranvía mientras se encaminaba, como cada anochecer, hacia la Sagrada Familia desde la iglesia de Sant Felip Neri. Después del golpe, perdió la consciencia y nadie sospechó que aquél anciano indocumentado y de aspecto descuidado era el célebre arquitecto, y fue trasladado al Hospital de la Santa Cruz, donde posteriormente sería reconocido por el cura de la Sagrada Familia. El entierro tuvo lugar dos días después en la Sagrada Familia después de un multitudinario funeral: buena parte de los barceloneses salieron a la calle para dar el último adiós a Gaudí, el arquitecto más universal que la ciudad había visto.

Bodegas Güell, funcionarían en la fabricación de vino de la familia Güell. El diseño, con algo de inspiración de fortín militar, cuenta con torres, pasillos exteriores y campanario.

CONOCE EL IMPRESIO

IMPRESIO N ISMO

Se conoce como impresionismo a uno de los principales movimientos artísticos del siglo XIX, especialmente en el género de la pintura, que aspiraba a reproducir en sus obras la “impresión” vital del mundo a su alrededor, es decir, intentaba pintar la luz en el momento exacto en que observaban el mundo. En esto rompió con sus predecesores, que favorecían las figuras plenas e identificables y fue un movimiento clave en el desarrollo de las artes en Europa –y sobre todo en Francia- y sentó las bases para movimientos posteriores como el postimpresionismo y las vanguardias.

El nombre de impresionista se empleó también para otras artes, como la música o la literatura, o también la escultura y arquitectura, a pesar de que sus rasgos definitorios son bastante particulares de la pintura. Esto es posible debido a que la filosofía del impresionismo podía interpretarse como un afán por imitar la realidad y, en todo caso, por concebir el arte como fruto de un proceso racional, algo que iba de la mano del positivismo, doctrina de pensamiento que imperaba en la sociedad burguesa del siglo XIX.

Los preceptos del impresionismo fueron objeto de oposición por parte del expresionismo, nacido a finales del siglo XIX como una reacción a favor de la subjetividad artística y las necesidades expresivas interiores del ser humano.

Autorretrato Edouard Manet

El término se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy, quien lo habría empleado de manera despectiva, frente a un cuadro de Monet

HISTORIA

El término “impresionista” se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy, quien lo habría empleado de manera despectiva, frente a un cuadro de Monet llamado Impresión, sol naciente (1873), expuesto junto a los cuadros de otros artistas jóvenes en el Salón de Artistas Independientes de París entre abril y mayo de 1874. Jugando con el título del cuadro, Leroy arremetió en la prensa contra los treinta y nueve “pintores impresionistas” expuestos, dándole nombre sin saberlo al movimiento.

Sin embargo, el impresionismo gozó de aceptación en los circuitos artísticos europeos de la época. La París de la época era lugar de peregrinación artística para Europa toda, y allí tuvieron lugar numerosas exposiciones universales, por lo que el movimiento nació en el mero centro del arte del momento.

Tuvo como precursores a los paisajistas ingleses románticos de inicios del siglo XIX, para los que eran frecuentes las escenas que trascendieran la forma, tales como J. M. William Turner y John Constable. Sin embargo,

será Édouard Manet quien siente propiamente las bases para el surgimiento del impresionismo.

Otro de los avances del impresionismo fue la creación de nuevos pigmentos para obtener colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear muchas leyes cromáticas de la época, entendiendo el color en relación a sus acompañantes y al contraste que con ellos generan. Por eso los impresionistas hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del claroscuro, en favor de sombras hechas con colores complementarios que dotaban de mayor profundidad a la obra.

De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un segundo plano, prefiriendo explorar en cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para sus métodos pictóricos.

Claude Monet, “Impresión, sol naciente”, 1872

Camile Pissarro. Boulevard Montmartre de noche. 1897. Óleo. 53.3x64.8cm. Galería Nacional de Londres.

NI TAS PRINCIPALES

EDGAR DEGAS

Edgar Degas nació en París en 19 de julio de 1834. Su padre, Augustin De Gas, era un banquero francés acomodado, mientras que su madre, Célestine Musson, era una criolla americana de ascendencia francesa procedentev de Luisiana. La familia de Edgar era bastante rica, pero a pesar de ello no era fácil medrar en la aburguesada sociedad parisina. Así que sus padres lo animaron para que estudiara arte y música e ingresara en el taller del pintor Félix-Joseph Barrias en 1853. En 1855, tras conocer a Ingres, Edgar se matriculó en la Escuela de Bellas Artes donde recibió las enseñanzas del artista académico Louis Lamothe. Degas era un joven tímido, muy sensible y algo retraído, lo que a menudo dificultaba sus relaciones con los demás, tal como puede observarse en una serie de autorretratos que pintó entre los años 1854 y 1858. En julio de 1856, Degas viajó a Italia, donde viviría los siguientes tres años y pintaría su primera obra: La familia Bellelli (1858), también conocida como Retrato familiar, que surge tras su primera estancia en Florencia y en la que retrata a su tía Laura, a sus dos primas y a su tío Gennaro.

Tras su experiencia italiana, Degas regresó a París, donde descubrió el fascinante mundo de la escena que tanto influiría sobre su obra. Cuadros como Mademoiselle Fiocre en el ballet La Source (1867-1868), expuesto en el Salón de París, supone la presentación del pintor en el panorama artístico parisino. Otro de sus cuadros, títulado Orquesta de la ópera (1868-1869), también conocido como Los músicos de la orquesta, es un retrato del fagotista Désiré Dihau que muestra a su alrededor al resto de músicos en el interior del foso, sumidos en la penumbra. En el escenario se aprecian las figuras de las bailarinas vestidas con sus vaporosos tutús e iluminadas por una luz fría.

Tímido, muy sensible y algo retraído [...] dificultaba sus relaciones con los demás

La cantante con guantes (1878), Pastel. 53,2 x 41 cm. Museo de Arte de Harvard, EE.UU.

Clase de danza (1874). 85,5 x 75cm. Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Las planchadoras (1884-1886), óleo sobre tela. 76x81 cm

Los efectos artísticos de Degas

Aunque tal vez una de las obra más destacables de Degas en ese período sea El padre de Degas escuchando a Lorenzo Pagans (1869), un cuadro que recrea una de las veladas musicales que organizaba el padre del artista. En él, Degas plasma con gran minuciosidad el gesto del músico Lorenzo Pagans, que aparece con la boca abierta y la mirada al frente, sobre todo el movimiento de las manos mientras ejecuta una pieza de guitarra. Al fondo, el padre de Degas, permanece ensimismado escuchando la música, con la mirada perdida.

Degas y las mujeres

En 1877, se celebró en París la tercera exposición de arte impresionista. En ella, Degas, influenciado por la obra literaria de Emile Zola y por las tertulias a las que asistía en la cafetería Guerbois, presentó pinturas con una clara orientación social entre las que destacaron Las planchadoras (1886) y La absenta (1873), donde los protagonistas son un mendigo y una prostituta. A pesar de su evolución, la obra de Degas ha pasado a la historia por sus efectos de movimiento, que son magistralmente representados sobre todo en sus cuadros de bailarinas (de hecho, la figura femenina siempre estuvo muy vinculada a su obra, y a su vida privada), entre los que destaca la pintura titulada Bailarina con un ramo de flores (1876-1877 ), también conocida como Estrella del ballet.

En cuanto a su vida privada, Degas nunca se casó y tampoco se le conoce ninguna relación amorosa. Lo cierto es que Degas mantuvo unas relaciones muy complejas con las mujeres, que influyeron de manera determinante en su obra. De hecho, su curiosidad por la figura femenina se manifiesta en muchas de sus pinturas en las que aparecen mujeres en actitudes que parecen haber sido “robadas” de su intimidad: Clase de baile (1872), Bailarina sentada frotándose el tobillo izquierdo (1881-1883), Bailarinas entre bastidores (1890), Mujer peinándose (1887-1890) o Mujer secándose el pelo al aire libre (1903).

Degas murió el 27 de septiembre de 1917 a causa de un aneurisma cerebrovascular y fue enterrado en el cementerio de Montmartre. Pasaría a la historia como un gran dibujante, un innovador de la luz y un maestro de la tensión psicológica, elementos todos ellos que impregnan su obra.

Esperando. 1880-1882. Pastel sobre papel. 95 x 75 cm. Museo de Orsay, París.

CLAUDE MONET

Nacido en París el 14 de noviembre de 1840, Claude Monet está considerado uno de los pilares y pieza clave del impresionismo. Monet fue un pintor sumamente prolífico que supo plasmar sobre el lienzo sus percepciones personales sobre la naturaleza y los paisajes, experimentando con los diversos matices que la luz puede aportar a una escena. Rechazado y admirado a partes iguales por sus contemporáneos, el artista francés fue un innovador que se adelantó a su tiempo en el estudio del color.

La familia Monet se trasladó de la capital francesa a Le Havre, en Normandía, cuando Claude contaba apenas cinco años. En aquella ciudad portuaria, su padre, Claude Adolphe, que regentaba un negocio de comestibles propiedad del marido de su hermana, Jacques Lecadre, intentó por todos los medios, aunque sin éxito, que el joven Claude se interesara en él. Pero lo que en realidad quería el joven Claude era ser artista. En 1851, el muchacho ingresó en la escuela secundaria de artes de Le Havre donde se hizo famoso por sus caricaturas al carbón y por sus paisajes y marinas, que vendía por diez y por veinte francos. En aquella época, Claude recibió sus primeras lecciones de dibujo del artista francés Jacques-François Ochard y conoció a Eugène Boudin (considerado el primer

paisajista francés en pintar al aire libre), que a la postre se convertiría en su mentor. El 28 de enero de 1857, moría Louise Justine, la madre de Monet. Tras aquella desgracia, el joven decidió irse a vivir con su tía, MarieJeanne Lecadre, una pintora aficionada que mantenía una excelente relación con Armand Gautier, un pintor y litógrafo conocido como “el pintor de las Hermanas de la Caridad”, por sus pinturas de religiosas. Tras la muerte de Jacques, el esposo de su tía, el padre de Claude pasó a hacerse cargo del negocio familiar y Claude decidió definitivamente convertirse en pintor. Su padre al principio le apoyó e incluso llegó a formular una petición para que le fuera concedida una beca, pero la solicitud fue rechazada. Entonces, Monet viajó a París para visitar la exposición del Salón de París, donde conoció a artistas de la talla de Constant Troyon o Armand Gautier, y trabajó también en el taller del pintor Charles Monginot, un viejo amigo de Eugène Boudin. Monet se matriculó entonces en la Academia Suiza, una escuela de arte privada, en contra de la opinión de su progenitor, que quería que su hijo estudiase en la Academia de Bellas Artes de París. Contrariado, su padre le negó entonces su ayuda financiera.

La amapolas. 1873. Óleo. 50x65cm. Museo d Orsay, París

Entre finales de 1864 y principios de 1865, Monet y su amigo, el también pintor Fréderic Bazille, se establecieron en un taller propio en París, y aquel mismo año Monet pudo exponer dos marinas en el Salón de París que fueron muy bien recibidas por la crítica. Aquel primer éxito animó a Monet a proyectar su monumental obra El desayuno para la exposición del Salón del año 1866. Su pintura quería imitar a la de Edouard Manet Almuerzo en la hierba (1863), una obra que causó un gran escándalo al mostrar a una mujer desnuda. Pero a diferencia del de Manet, el cuadro de Monet era de corte más conservador, mucho más ajustado al gusto de la época. Aunque por desgracia no llegó a tiempo para la exposición. Mientras estaba ocupado trabajando en su cuadro conoció a la modelo Camille Doncieux, con quien entablaría una relación amorosa. Perdidamente enamorado, Monet pintó a su amada en la obra Camille con vestido verde en tan solo cuatro días, una pintura que fue aclamada por la crítica.

para visitar la cercana Ámsterdam. Una vez en Francia, Monet se estableció en Argenteuil, un pueblo no muy lejos de París.

Monet se uniría en la década de 1870 a un grupo de artistas que se hacían llamar los “independientes”, y hacia 1872 o 1873 pintó su famoso cuadro Impresión: soleil levant (Impresión: amanecer), pintura que en 1874 pudo exponer en el estudio del fotógrafo Nadar, en París (hoy en día el cuadro puede verse en el Musée Marmottan-Monet). A partir del titulo de su cuadro, el crítico de arte Louis Leroy acuñaría el término “impresionismo”, una palabra con tintes peyorativos, pero que al final fue adoptada por los artistas seguidores de aquel estilo artístico para definirlo. De hecho, el impresionismo había nacido para quedarse. En 1876, Paul Durand-Ruel organizó en su propia galería una segunda muestra impresionista en la que Monet expuso 18 pinturas.

En 1908, Monet empezó a manifestar los primeros síntomas de una enfermedad ocular, que empeoró en 1912, un año después de la muerte de su segunda esposa, Alice. Monet sufría de cataratas y fue intervenido dos veces en 1923. Su obra de aquella época, mientras la cataratas afectaban su visión, mostraba una tonalidad rojiza, propia de los afectados por esta enfermedad. Al recuperar la visión, Monet se dedicó de nuevo a pintar grandes cuadros cuyos protagonistas indiscutibles volvieron a ser los nenúfares del estanque de su finca.

En sus últimos años de vida, el artista francés destruyó varias de sus pinturas ya que no quería que sus obras inacabadas, bocetos y borradores, fueran expuestos y vendidos, como al final sucedió tras su muerte, el 5 de diciembre de 1926, a causa de un cáncer pulmonar. Los restos del gran pintor impresionista descansan en el cementerio de Giverny, su refugio y lugar de inspiración.

Con el estallido de la guerra franco-prusiana en julio de 1870, Monet abandonó Francia para instalarse en Londres y de este modo evitar ser reclutado. Durante su estancia en la capital británica, Monet estudió las obras de John Constable y Joseph Mallord, y conoció al marchante de arte Paul Durand-Ruel. También se vio fuertemente influenciado por las obras de William Turner, cuyos paisajes le servirían de gran inspiración. Pero en la primavera de 1871, la Royal Academy de Londres, siguiendo la estela del Salón de París, negó el permiso a Monet para exponer sus obras. Ese mismo verano murió su padre, que le dejó una pequeña herencia. Tras el final de la contienda, Monet decidió regresar a su país. El pintor hizo el viaje de vuelta deteniéndose, en otoño de 1871, en los Países Bajos. Allí, en la ciudad de Zaandam, pintaría 25 cuadros, y aprovechó la estancia La mujer con sombrilla. 1875

PIERRE-AUGUSTE RENOIR

Pierre-Auguste Renoir nació en Limoges el 25 de febrero de 1841. Era el cuarto hijo de Léonard, un humilde sastre, y Marquerite Merlet, que también trabajaba en el sector textil. Entre los familiares, circulaba el rumor de una supuesta ascendencia noble, pero el director Jean Renoir, hijo del pintor, afirmó en un libro biográfico sobre su padre que la cuestión nunca fue demostrada. En 1845, Léonard trasladó la familia a París y en 1848 Pierre-Auguste ingresó en una escuela dirigida por la congregación de los Hermanos de las Escuelas Cristianas, donde descubrió que tenía excelentes habilidades para el canto. Sin embargo, su mayor pasión desde que era pequeño era el dibujo.

Cuando tenía casi tres años, sus profesores propusieron a su familia que el pequeño asistiera al coro de la iglesia de Saint-Suplice, pero sus padres prefirieron que su hijo se formara en el taller de Lèvy, dedicado a la decoración de porcelana. Posiblemente esperaban que Pierre-Auguste se especializara en este oficio que en aquella época estaba muy bien remunerado. En poco tiempo, Renoir destacó por sus trabajos en decoraciones florales sencillas, y después en proyectos cada vez más complejos, como un retrato de María Antonieta. En 1858, el negocio de Lèvy entró en fallida y Renoir trató de montar su propio negocio. Durante este periodo, entre otras cosas, decoró las paredes de un café de la Rue Dauphine. El siguiente año empezó a colaborar con Gilbert, un artista especializado en imágenes sacras: gracias a estos trabajos pudo costearse un curso nocturno de dibujo.

Jeanne Samary con vestido escotado, 1877, Museo Puskin, Moscú.

Los paraguas, 1881-1886, óleo sobre lienzo, 180 × 115 cm, National Gallery, Londres.

La Grenouillère, 1869, óleo sobre tela, 66×81 cm, Museo Nacional de Estocolmo.

EL ENCUENTRO CON LOS IMPRESIONISTAS

En 1862, entró en la escuela de Bellas Artes y asistió a las clases del pintor de origen suizo Marc Charles Gabriel Gleyre, perfeccionando así aspectos técnicos de su formación. Fue aquí donde conoció a Bazille, Monet y Sisley, con quien compartió sus primeras experiencias al aire libre y frecuentaron el Café Guerbois, conocido lugar de encuentro de artistas e intelectuales. Pronto, sintiendo “claustrofobia” de las técnicas academicistas, los cuatro amigos empezaron a pintar en espacios abiertos, a menudo en el bosque de Fontainebleau o en pueblo de Marlotte. Renoir tenía una relación muy estrecha con Monet. Sucedía que ambos colocaban sus caballetes uno al lado del otro y pintaban así, como cuando inmortalizaron en dos cuadros distintos el célebre conjunto balneario de la Grenouillère. A diferencia de sus amigos, no despreciaban los salones oficiales y asistían a algunos de ellos. De la misma manera, en el 1873 participó en la fundación de la Sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que el 15 de abril de 1874 organizó la famosa primera exposición en el local del fotógrafo Nadar. En esta época participó en algunas muestras junto a pintores impresionistas.

En 1881 viajó a Italia acompañado de Aline Charigot, su futura mujer, visitando entre otras ciudades, Roma, Nápoles y Palermo. A principios del siglo XX era un pintor consolidado, pero hacía poco que le habían descubierto una artritis reumatoide. Con el paso del tiempo, la enfermedad se fue agravando. Durante los últimos años de su vida sus manos estaban tan deformadas que apenas podía moverlas, y para poder seguir pintando se ataba los pinceles a las muñecas. En esta época de su vida descubrió su interés por la escultura y empezó a colaborar con Richard Giuno, un joven escultor que ejecutó al detalle quince esculturas bajo su dirección. Murió a causa de un infarto la noche del 2 de diciembre de 1919, tras haber completado Las bañistas.

Los criterios que se utilizan para evaluar el fenómeno estilístico internacional, llamado Impresionismo, es la proximidad o el alejamiento respecto a la pintura francesa de este periodo. Esto es válido también para otros países

ALEMANIA

Muchos pintores impresionistas alemanes tuvieron estadías más o menos prolongadas en París, que había desplazado a Roma como meca de la peregrinación. Este desplazamiento fue fuertemente impulsado por el surgimiento de academias, escuelas privadas de arte y por las exposiciones universales que se organizaron en París desde 1855.

Entre muchos otros pintores alemanes considerados impresionistas destacan: Lovis Corinth (1858-1925), Max Liebermann (1874-1935), y Max Slevogt (1868-1932).

ESPAÑA

La pintura española aportó una fuerte contribución al impresionismo francés. La entonación grisácea y terrosa predominante en algunas obras de Velázquez (1599-1660), Murillo (1618-1682), Francisco de Zurbarán (1598-1664) y Francisco de Goya (1746-1828), despertaron gran interés entre los impresionistas franceses, especialmente en Manet, que manifestó una gran admiración por la “Edad dorada” de la pintura española, y visitó España en 1865 una única vez, aunque su admiración por este país es anterior a este viaje, y le llegó a través de un amigo de su padre, el crítico de arte Charles Blanc.

El impacto de la revolución del impresionismo en los pintores españoles no es algo muy claro. Obviamente, se conocían las innovaciones técnicas y estéticas, pero su aplicación no fue ni inmediata ni total. El uso de la pincelada suelta no tiene por qué ser una influencia impresionista por sí, y estaba presente con anterioridad en la pintura española. El plenairismo en la pintura de paisaje se venía empleando también. Los efectos luminosos y cromáticos son las verdaderas novedades. No obstante, hay una genérica consideración como “impresionistas” o “preimpresionistas” de muchos pintores del último tercio del siglo XIX. Muchos de ellos evolucionaron hacia el impresionismo a partir del realismo (denominación también muy problemática). También se utiliza la etiqueta “luminista” (no menos ambigua), especialmente para los pintores valencianos (luminismo valenciano) de entre los que destacan Joaquín Sorolla o Teodoro Andreu. Otros nombres que se suelen asociar al impresionismo español son Darío de Regoyos, Ignacio Pinazo, o Aureliano Beruete. Avanzado el final del siglo, especialmente en Cataluña, cambian los presupuestos estilísticos de la pintura de vanguardia, que se redefine como modernismo (modernismo catalán, Santiago Rusiñol, Ramón Casas)

Lovis Corinth. En el jardín de Max Halbe, 1899, Óleo sobre lienzo 75x100 cm

Ignacio Pinazo Camarlench. Carnaval en la Alameda, 1898, Óleo sobre lienzo

Max Liebermann. Mujer con cabras, 1890, Óleo sobre lienzo. 127x172 cm

PAÍSES BAJOS

La pintura neerlandesa del siglo XVII tuvo una gran influencia en los pintores impresionistas franceses de la Escuela de Barbizon, quienes encontraban en los paisajes de Salomon van Ruysdael (1600-1670), por ejemplo, una concepción de la naturaleza moderna que correspondía a sus propias aspiraciones. Los impresionistas franceses también reconocieron esas cualidades y en la década de los sesenta, los pintores Frans Hals (1585-1666) y Jan Vermeer (1632-1675) despertaron profundo interés de aquellos artistas. En la obra de Hals apreciaban especialmente la pincelada ancha y libre, mientras que en Vermeer admiraban la virtuosa coloración.

Los pintores franceses de la época impresionista conocieron estos pintores, no solo a través de los cuadros expuestos en el Museo del Louvre, sino que también a través de los artículos del crítico de arte francés Théophile Thoré (1824-1869), y a través de numerosos contactos personales. Monet, por ejemplo consideraba al neerlandés Johan Barthold Jongkind (1819-1869) como su maestro más importante, junto a Boudin. En Jongkind se pone de evidencia, en forma muy especial la acción recíproca que se dio entre los pintores neerlandeses y franceses, que resultaron más tarde muy importantes para el impresionismo.

En esta línea tuvo importancia, en las décadas de los setenta y ochenta, la llamada Escuela de la Haya.

Lázló Páal. Camino en el bosque de Fontainebleau 1876, óleo sobre tela, 91,5×63 cm, Magyar Nemzeti Galéria, Budapest. Niño en las rocas, de Sorolla (1905).

HUNGRÍA

La autoestima de los húngaros resultó profundamente dañada a raíz del fracaso de su sublevación contra los Habsburgo en 1848/49. El país, caracterizado por una producción agropecuaria basada en el latifundio, se encontraba significativamente retrasado respecto a los países de Europa Occidental. Este hecho ha influenciado también el desarrollo de las artes en este período. Las principales motivaciones para los artistas húngaros de este período se encontraban la representación de la propia historia nacional, y los festejos en torno a las celebraciones del “milenio” de la conquista del país por parte de los jinetes magiares, y el descubrimiento y valoración de las particularidades de la vida popular y de las particularidades del paisaje.

Mihály Munkácsy (1844-1900) contemporáneo de Monet y Liebermann, adquirió buena reputación internacional

en Düsseldorf y en París, donde permaneció entre 1872 y 1896. Su fama se basó en su vigoroso realismo, pero manteniendo simultáneamente una eficaz “pintura de salón”, utilizando una amplia gama de temas que fueron desde las escenas de la alta sociedad y lujosas decoraciones hasta obras en torno a dramas sociales y las cruentas luchas de liberación. La luz y el color, en las obras de Munkácsy no fueron influenciadas por la pintura al aire libre, siendo que solamente sus estudios tenían esa frescura e impulsiva espontaneidad.

László Páal (1846-1879), amigo de Munkácsy, vivió sus pocos años creativos en una situación muy difícil en París y Fontainebleau. Después de estudiar en Múnich, fue quien introdujo los principios de la Escuela de Barbizon en la pintura húngara.