ESPECTADOR
TODO SOBRE EL MINIMALISMO Henry wolf David Ray Carson Herb Lubalin Zuzana Licko Adrian Frutiger Andre Gutler
SUMARIO
Henry Wolf............................4 David Ray Carson.....................6 Herb Lubalin...........................7 Zuzana Licko..........................8 Adrian Frutiger........................9 Andre Gutler..........................10 El Minimalismo.......................11 La Historia............................12 Minimalismo.........................14 menos es mas Director General: Alejandro Gomez Pineda Director Editorial: Alejandro Torreto Pineda Av. Revoluci贸n 528, 7o. piso, Col. San Pedro de los Pinos, 03800 M茅xico, D.F. Tels. 52.77.99.29, 52.73.77.17, 52.73.78.88 Fax 52.73.78.66 brasil_5cam@hotmail.com
HENRY Un Gran Disenador
Henry Wolf (Viena, Austria, 23 de mayo de 1925 - Nueva York, Estados Unidos, 14 de febrero de 2005) fue un gran fotógrafo, diseñador gráfico y magnífico director de arte de tres grandes revistas: Esquire, Harper's Bazaar y Show en las décadas de 1950 y 1960. Considerado una figura clave dentro del diseño gráfico del siglo XX, fue un referente del diseño de revistas y de empresas editoriales de Estados Unidos. Fue reconocido por su trabajo elegante y sofisticado, de claras formas y contenidos literarios, e integrando valores del pasado con la búsqueda de lo nuevo. Además, desarrolló una carrera exitosa como fotógrafo al crear imágenes que han perdurado a través del tiempo hasta nuestros días. Su obra se caracteriza por su simplicidad y el uso de tipografia expresiva, fotografías surrealistas e ilutraciones conceptuales. En vez de ocuparse exclusivamente del diseño y la maquetación existente, colaboró con editores para definir la personalidad de la publicación. Henry Wolf seleccionó tipografias, comisionó a fotógrafos e ilustradores, reconocidos, o no y decidió qué representar en las portadas. Sus primeros añosHenry Wolf nació en Viena en 1925, donde vivía gran parte de su familia, en una casa construida en la decada de 1860. Hasta que Henry tuvo 13 años su infancia fue normal y segura. Pero todo esto cambió en 1938, cuando la Alemania nazi se anexionó a Austria. Su familia
WOLF
era judía, por lo que tuvo que emigrar. Pasaron tres años de odisea por Francia, donde él pudo asistir a algunas clases de arte ,y luego tuvieron que marchar al Norte de África. Esto hizo que Henry tuviera que cambiar a menudo de escuela. Después de ser arrestados por los alemanes y vivir en dos campos de internamiento en Marruecos, consiguieron evadir a los nazis gracias a la intervención de un tío suyo en Nueva York. A finales de 1941 llegaron a la ciudad de Nueva York, donde Wolf asistió a clases en la School of Industrial Arts de la calle 40 Oeste. También trabajó en pequeños estudios de diseño y talleres de tipografía e impresión. En 1943, cumplidos los 18 años, se alistó en el Ejército norteamericano durante la II Guerra Mundial. Destinado a Asia, participó en el desembarco en Filipinas y llegó a Japón después del bombardeo de Hiroshima. Sirvió en una unidad de inteligencia en el Pacífico hasta 1946, año en que entró a trabajar en una pequeña agencia de publicidad. Su vida profesionalTrabajos para revistas.
La entrada de Henry Wolf en el mundo del diseño editorial fue muy precoz. En 1951 empezó trabajando para el Departamento de Estado, diseñando publicaciones y posters gubernamentales para su distribución en el extranjero. Su carrera profesional propiamente dicha comenzó en 1952 cuando entró como diseñador en la revista Esquire. A pesar de pequeñas disputas con Arnold Gingrich, editor de Esquire, por el contenido editorial, consiguió darle un estilo renovado, sofisticado e innovador a la revista en un ambiente creativo con fotógrafos, ilustradres. Desarrolló una narrativa con un diseño conceptual que se utilizaba el collage, la ilustración y los titulares. Wolf tuvo como maestro en el diseño y la fotografía al ruso Alexey Brodovich, otra leyenda de las revistas y uno de los pioneros en introducir el modernismo europeo en Estados Unidos. Con este destacado mentor, ya en 1953, a los 26 años es nombrado director de arte y se convierte en uno de los más jovénes directores de arte de grandes revistas nacionales. Rediseñó el formato de Esquire con gran énfasis en el uso del espacio 4
en blanco y grandes y sofisticadas fotografías. Desarrolló diversos elementos de su sensibilidad pictórica, en la que influyeron también las clases recibidas por el cubista norteamericano Stuart Davis, llevando a las portadas una lúdica mezcla de surrealismo, irreverencia y elegancia. Seis años después, cuando su maestro Brodovich se retiró en 1958, Wolf lo sustituyó como director artístico de la revista Harper's Bazaar, la célebre publicación de moda. Trabajó junto con los fotógrafos Richard Avedon, Man Ray, Art Kane y Saul Leitner. Dio a conocer a fotógrafos de moda como el jovencísimo, Melvin Sokolsky, que sólo tenía 21 años entonces. Creó el diseño y ayudó a desarrollar el concepto de una nueva revista de artes como icono de estilo del diseño editorial. Su objetivo era hacer hermosas visualmente las revistas que diseñaba, experimentando con la tipografía y utilizando imágenes simples pero exquisitas, incluso sofisticadas, en las numerosas portadas, que hoy son verdaderas obras de arte. La visión de Wolf de la portada de la revista fue una imagen simple que comunicaba la idea visual. En sus portadas es posible reconocer citas a Magritte y Dali, entre otros. La sofisticación y creatividad de la fotografía de Harper's Bazaar durante su dirección fueron extraordinarias y significó un cambio definitivo con respecto al modo en que las publicaciones presentaban un objeto, ropa, o una modelo. En 1961 Wolf dejó Harper's Bazaar para diseñar la nueva revista de espectáculos Show para A&P Heir Huntington Hartford. Fue una publicación de corta duración, que exploró durante
tres años un nuevo territorio de diseño innovador, como resultado de la creativa dirección artística de Wolf. Henry Wolf decidió dejar la profesión de director de revistas editoriales porque la impresión se desvalorizó frente a la televisión y los editores se centraron más en ganar dinero con la publicidad que en la comunicación visual. Él mismo llegó a afirmar que dejó Harper’s Bazaar cuando no pudo conseguir, como director de arte, treinta páginas consecutivas de la revista para diseñar libremente. Trabajos para agencias publicitarias Después de diez años de trabajos para revistas, su atención se desvió hacia la publicidad y la fotografía. Ante todo Wolf fue un fotógrafo: su faceta de diseñador vino impulsada por la fotografía. La fotografía fue la fuente del arte de Wolf, quien no dejó de utilizar las cámaras en sus actividades. La fotografía de Wolf fue realizada para la comunicación visual de la sociedad como elemento productivo de diseño periódistico y de obras de arte fotográficas. Wolf convirtió la palabra en imagen, la idea en reproducción, el concepto en obra fotográfica.
son en 1965, donde experimentó con nuevos enfoques publicitarios. Dirigió importantes campañas publicitarias y proyectos para Alka Seltzer, Buick, Geigy, Gilette, Coca Cola y Philip Morris. Abandonó la compañía cuando Wells, Greene, y Rich dejaron de colaborar. Después se unió a la agencia pionera de publicidad de Jane Trahey y crearon conjuntamente Trahey/Wolf en 1966. Wolf era el vicepresidente ejecutivo y director creativo, a cargo de la dirección de arte y la fotografía. En los cinco años siguientes trabajó en numerosas campañas publicitarias de renombre para Saks Fith Avenue, I. Margin, Xerox, IBM, Revlon, Backgama Mink, Charles of the Ritz, Elizabeth Arden, Union Carbide y otas grandes empresas.
A finales de 1961, se unió a Jack Tinker and Partners, asociada de las compañias Interpublic Group y McCann Erickson. Esta fue una empresa que se creó para desarrollar marketing con innovación y creativas campañas publicitarias experimentales. El equipo compuesto por algunos de los grandes talentos del mundo de la publicidad de la década de 1960: Bob Wilvers, Mary Wells, Dick Rico y Stu Greene. Su trabajo incluye algunas campañas memorables. Fue director de arte de la agencia de publicidad McCann Erick5
RAY
El Texano David Ray Carson, sociologo que un buen día comenzó a hacer diseño gráfico, nacido en Texas, Estados Unidos en 1956. Carson siempre estaba usando un 5 de cabeza en lugar de una S, usaba un 3 como E, por lo que sus artículos eran díficiles de leer. Esta actitud y sus diseños ha sido muy criticados, pero a Carson parece no importarle y a sus clientes, tampoco. Sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992), Raygun, los primeros treinta números (1992). In 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun M. En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre sus clientes se incluyen; Burton Snowboards, GameNet Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, CocaCola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft. Considerado un genio por los diseñadores jóvenes y un hereje por los
diseñadores más ortodoxos, Carson, es por convicción, un radical del diseño, trata de ser siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”. Se afirma que sus diseños son más obras de arte y no de diseño cuya función primordial es comunicar. Carson refuta esta idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un diseñador no puede permanecer pasivo ante diseño, y ser totalmente objetivo. Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que su trabajo se basa en la intuición más que en el pensamiento puramente racional. Algunos dicen de que sus diseños son ilegibles y que no tienen estructura, otros afirman que sus diseños llegan a la emoción de la gente y que comunican más que texto solo. En sus trabajos, suele combinar distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra.
CARSON
DAVID
Nada ejemplifica mejor su desenfado que su propia presentación extraída de su sitio web: “Photography and graphic, web, letterpress, and Flash design are what we do.People come first. our designs bear this out.We find speaking in the third person makes us sound damned important.”
Ha publicado dos libros sobre diseño, The End of Print y 2nd Sight. 6
HERB LUBALIN Fotografo Americano
Diseñador Gráfico y Fotógrafo Americano, nacido en New York y graduado en la Cooper Union en 1939. Difícilmente podemos encontrar alguien mejor conocido y mayormente premiado en este negocio. «El altísimo valor artístico de las obras de Herb Lubalin se reconocerá todavía durante muchos años en el futuro… probablemente ha sido el mejor diseñador gráfico de todos los tiempos». Estas palabras pertenecen al elogio póstumo pronunciado en 1981 por Lou Dorfsman (destacado diseñador gráfico estadounidense) con motivo del fallecimiento de este gran maestro. A menudo, semejantes elogios son retóricos, pero en este caso el texto responde ciertamente a la verdad: en efecto, durante más de cuarenta años, Herb Lubalin contribuyó a impulsar los sectores en los que trabajó, demostrando muchas veces ser un genial innovador; por otra parte, sus trabajos han sido expuestos en los museos de todo el mundo, desde Tokio a París, de Barcelona a Sao Paulo, de Estocolmo a Frankfurt. Su primera pasión fue la tipografía. El trabajo de Lubalin te lleva rápidamente al corazón de un gran tema: la teoría del significado y cómo el significado es comunicado… Cómo una idea es movida, entera y resonante, de una mente a otra… No muchos han sido capaces de hacer esto mejor que Lubalin.
La tipografía es la clave. Sin embargo, “tipografía” no es la palabra idónea que él aplicaría a su trabajo. “Lo que yo hago no es realmente tipografía, lo cual considero una manera esencialmente mecánica de poner caracteres en una página. Es diseñar con letras. Aaron Burns lo llamó “tipográfico” y desde que uno tiene que ponerle nombre a las cosas para hacerlas memorables, “tipográfico” es un buen nombre para lo que yo hago.” Lubalin fue un brillante e iconoclasta director de arte publicitario –en los 40’s con Reiss Advertising y luego en Sudler & Hennessey durante 20 años (desde 1945), una agencia especializada en publicidad de productos farmacéuticos. Este fue el escenario en el que Lubalin afinó tanto sus dotes artísticas como ejecutivas. Supo crear a su alrededor un equipo muy competente de jóvenes diseñadores (entre los que destacaba, por ejemplo, Seymour Chwast), que muy pronto
se convirtieron en seguidores de su director: incansable trabajador, sabía sin lugar a dudas transmitir estímulos y pasiones a todos ellos. Sus colaboradores sabían que siempre daba lo mejor de sí mismo y que esperaba lo mejor de los demás, y, por tanto, trabajaban en consecuencia, ayudados por su cordialidad.
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ZUZANA LICKO La Disenadora Zuzana Licko (1961, en Bratislava, República Eslovaca) es una diseñadora gráfica. Se trasladó a los Estados Unidos a los siete años. Su padre, un biomatemático, le da acceso a las computadoras y la oportunidad diseñar su primera tipografía, un alfabeto griego, para su uso personal. Entró an la Universidad de California en Berkeley en 1981 como estudiante. Originalmente había planeado estudiar arquitectura, pero cambió a los estudios de diseño y representación visual. Siendo zurda, odiaba su clase de caligrafía, donde la forzaron a escribir con su mano derecha. Se casó con el diseñador gráfico y editor Rudy VanderLans, de origen holandés, en 1983. En 1984 fundan Emigre, desde donde publican una revista homónima y diseñan tipografías. Vanderlans fue editor de la revista, mientras Licko se encargaba de la tipografía, la cual llegó a ser muy aclamada. A mediados de la década de 1990, Licko trabajó en dos diseños notables: Mrs Eaves , basado en Baskerville y Filosofía , basada en Bodoni .
Ambas eran interpretaciones personales de los modelos anteriores. En una entrevista publicada en la revista Eye, Licko describió su relación creativa con su esposo: “Nos conocimos en la Universidad de California en Berkley, donde yo era estudiante en el College of Environmental Design y Rudy era estudiante de fotografía. Esto fue en 1982-83. Después de la universidad, ambos hicimos todo tipo de trabajos relacionados al diseño. No teníamos una orientación específica. Después, cuando en 1984 fue lanzada Macintosh, compramos una y todo empezó a caer en su lugar. Ambos, cada uno en su estilo, realmente disfrutamos esa máquina. Nos forzó a cuestionar todo lo que habíamos aprendido acerca del diseño. También disfrutamos el proceso de exploración, de ver hasta donde podíamos rebasar los límites. Rudy es más intuitivo, yo soy más metódica. Es como el Ying-Yang. Aparentemente funcionó, y sigue funcionando.”
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El Tipografo Adrian Frutiger (n. Unterseen (Suiza), 24 de marzo de 1928) es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. Con dieciséis años entró a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. Fue el diseñador de las tipografías Univers y Frutiger a mediados de siglo XX. Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen (Suiza). En su juventud se sentía atraído por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo expresó en los diseños de sus tipos. Entra a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acude a la Escuela de Artes y Oficios de Zurcí. En ésta última se enfoca en el estudio y diseño de la caligrafía. En 1951 realiza un estudio sobre la escritura occidental que merece un premio del Ministerio del Interior. Su trabajo llega a oídos de Charles Peignot, presidente de la fundición francesa Deberny & Peignot, quien sorprendido por su trabajo preciso y detallista ofrece a Frutiger un puesto en su empresa. Frutiger trabaja en esta fundición durante
nueve años, siendo su primer trabajo el diseño del tipo President. Durante los años 50 Frutiger supervisa la adaptación de muchos de los tipos clásicos de Deberny & Peignot (Garamond, Baskerville, Bodoni, etc) para el sistema de fotocomposición Lumitype (conocido como "Photon" en USA) y en el año 1955 diseña el tipo Meridien para este sistema. Abandona Deberny & Peignot en 1960 para abrir su propio estudio cerca de París (este estudio todavía existe y está ocupado por su socio Bruno Pfäffli). El mayor logro de Frutiger en el campo del diseño tipográfico fue la creación del tipo Univers. Este tipo fue introducido en el año 1957 para fotocomposición y composición en metal. Frutiger anunció que este tipo se transformaría en el modelo para todas las siguientes creaciones de los tipos sin serifa. Luego en los 70s se le pide a Frutiger que diseñara las señalizaciones del Metro de París, para el cual utiliza una variación de la Univers especializada para utilizarse en blanco sobre fondos oscuros en condiciones de poca luz. Frutiger también diseña un ingenioso sistema de numeración
FRUTIGER
ADRIAN
para poder diferenciar sus 21 pesos y anchuras de la Univers, que significó un hito para la denominación y catalogación de tipos. Luego este sistema se utilizó para la Frutiger, Avenir, Helvetica Neue y otras más. En 1976 Adrian Frutiger recibe un encargo para diseñar un sistema de señalización acorde con la arquitectura del nuevo aeropuerto de Charles de Gaulles en las afueras de París.
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El Maya Mexicano
ANDRE GURTLER -André Gürtler: Quien diseñó anteriormente la tipografía oficial del idioma maya en México, trabajará con profesionales chilenos en un proyecto que busca resolver los problemas fonéticos con signos lingüísticos apropiados para esa lengua. Diseñador y tipógrafo de la Universidad de Diseño y Arte de Basilea, Suiza, una de las escuelas más importantes en el desarrollo del diseño moderno durante el siglo XX, André Gürtler, considera que este proyecto es el segundo más importante de su carrera. Anteriormente trabajó con la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM, para el desarrollo de la tipografía de texto que unificara todas las lenguas mayas. El resultado de ese trabajo en el que participaron lingüistas, sociólogos, diseñadores gráficos y tipógrafos fue la tipografía mayatán, "que resolvió los problemas fonéticos que tiene esta lengua", señala Gürtler.
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N I M
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LA HIS INTRODUCCION En el presente informe se presenta de forma general las características y concepciones más importante s del minimalismo, así como las influencias que desembocaron en este movimiento, sus orígenes, precursores y demás. El contenido complementario de este informe esta constituido por el análisis de tres proyectos minimalistas, desde el enfoque general del movimiento. Y desde el punto de vista ideológico de los arquitectos que los desarrollaron. Se discuten de manera practica y general a tres arquitectos importantes en nuestra época: a Alberto Campo Baeza de España, a John Pawson de I nglaterra y Tadao Ando de Japón; de cada uno de ellos se tomo un edificio emblemático para analizar sus características, tendencias y filosofía arquitectónica, esto con el fin de ampliar la perspectiva de lo que realmente representa el minimalismo actual. ORIGEN DEL MOVIMENTO MINIMALISTA El minimalismo es una tendencia cuyo origen está en la música, pero que influyó fuertemente alinteriorismo y a laarq u i t ect ura. Surge en EE.UU. durante la década de los años 60 del siglo XX, pero su explosión vendría en los 70, reaccionando contra la catarata cromática del pop art,
invitando a un estilo más reposado en el que prevalecen los espacios amplios y los tonos suaves. Wollheim fue el primero que utilizó el término, sin embargo, es la frase 'menos es más', popularmente atribuida a M i es van der Rohe, la que aparece como lema de esta corriente. Debido a segunda guerra mundial Van Der Rohe emigro a Estados Unidos para más tarde nacionalizarse estadounidense. A fines de los años treinta Van Der Rohe ejerció la dirección de la escuela Arte y diseño de la Bauhaus, en Alemania en donde se materializaron sus primeras ideas respecto a la pureza de formas y al uso del concepto artístico para dotar al diseño industrial de personalidad. La reducción de las formas a lo elemental, así como la predilección por emocionar a través de la mínima expresión, fueron los principales criter ios que eligieron los primeros minimalistas de la pintura y la escultura. Dentro de la arquitectura, el orden, la sobriedad y el alto influjo delr aci on al i smo precedente, marcan la edificación en su conjunto. En la decoración, priman las l í n eas r ect as, la ausencia de ornamentos y florituras, losmuebles sencillos y funcionales, la disposición ordenada y los acabados finos. "El minimalismo es una tendencia de la arquitectura caracterizada por la extrema simplicidad de sus
formas que surgió en Nueva York a finales de los años sesenta." La idea del minimalismo en Arquitectura tiene antecedentes que van desde el Bauhaus (y la idea del Funcionalismo) o incluso antes. Dentro del concepto de "Minimalismo" se entiende que la Arquitectura solo contenga lo que necesita para que sea "funcional", para llegar a su esencia y sea sencilla. Cualquier ornamento es totalmente innecesario, cualquier "acabado" es totalmente incesarlo. La idea de incluir algo en la composición arquitectónica por su simple belleza queda tot almente rechazada.El minimalismo rechaza la "belleza" como una función, lo bello no es útil. . Colocar algo en una composición por fortalecer su belleza es inaceptable Dentro de este funcionalismo extremo se pierde mucho el lado artístico de la arquitectura. La extinción de las formas asimétricas y sin una geometría determinada y la ausencia de la cerámica en acabados por el simple hecho de que "no tienen una función". La falta de color y vanos por ser innecesarios... generan espacios llenos de vidrio, totalmente blancos y sin ningún carácter en lo mas mínimo... tanto como para llegar al punto de hacer "cubos" o "cilindros" blancos llenos de vidrio y llamarlos
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TORIA arquitectura, cuando luego vemos al pasado y vemos todos esos hermosos edificios, no hablando únicamente de los grandes y costosos, sino también de las casas habitacionales clásicas muy bien detalladas. Ahora todo eso es sustituido por casas cuadradas, blancas, frías, todas iguales... El Minimalismo comenzó como algo bueno, una idea de arquitect ura "limpia", sin embargo, en tiempos modernos, esa idea se ha llevado al extremo y ahora parece que encontramos un ausencia de arquitectura... Los arquitectos no parecen hacer falta realmente... ¿Minimalismo? Cualquier ingeniero te lo puede hacer... con el respeto queb éstos se merecen... ¿Para qué contratar un Arquitecto? CARACTERÍSTICAS Y GENERALIDADES DEL MINIMALISMO: El minimalismo centra su atención en los diseños donde prevalece lap u r eza, dando una gran importancia a la amplitud d e l os espacios. Recordemos que hay que tratar de conseguir efectos satisfactorios con el menor número de componentes. En este sentido, esta corriente entendida como estética es la favorita de personas con un gran sentido del orden que no soporten la acumulación de objetos innecesarios que perturben su visión. El uso del color es muy importante, ya que el estilo en su versión más dogmática requiere de una mon ocromía absoluta en suelos, techos y
paredes, complementándose con los muebles. Es decir, el contraste lo aportan algunos detalles ornamentales de los que, en ningún caso, hay que abusar. En una decoración influida por el minimalismo el contraste blanco-negro es el rey absoluto. No hay que olvidar que el blanco es un color con una amplia gama de variaciones tonales capaces de multiplicar sobremanera la luminosidad. La coordinación textil es otro de los grandes fines que debemos perseguir. Cortinas, cojines y tapizados en general han de obedecer al equilibrio. De esta forma, los estampados quedan desterrados en los ambientes más esenciales, rindiéndose a la austeridad de los lisos. Las atmósferas de cada una de las habi taciones, desligadas de lo superfluo, inauguran una renovadafrescura y nos invitan a la relajación. Hay que recordar que minimalismo no es sinónimo de insustancial y que el gran éxito del mismo está precisamente en sugerir significados sin caer en lo anodino. Preceptos del minimalismo: Conceptos como reducción, síntesis, depuración, austeridad, orden, repetición, desnudez ornamental o pureza material parecen haber dejado de llamarse racionalistas, para ser definitivamente identificadas como minimalistas.
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MINIMALISMO Menos es Mas
Minimalismo: Menos es más El minimalismo es una tendencia de la arquitectura caracterizada por la extrema simplicidad de sus formas que surgió en Nueva York a finales de los años sesenta. Los orígenes de esta corriente están en Europa y se encuentran en el manifiesto titulado ¿Menos es más¿ del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los más importantes de este siglo. Debido a la segunda guerra mundial Van Der Rohe emigró a Estados Unidos para más tarde nacionalizarse estadounidense. A fines de los años treinta Van Der Rohe ejerció la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania en donde se materializaron sus primeas ideas respecto a la pureza de las formas y al uso del concepto artístico para dotar al diseño industrial de la personalidad. Los preceptos básicos del minimalismo son: utilizar colores puros, asignarle importancia al todo sobre las partes, utilizar formas simples y geométricas realizadas con precisión mecánica, trabajar con materiales industriales de la manera más neutral posible y diseñar sobre superficies inmaculadas. El resul-
tado que define este estilo en un concepto es la palabra ¿limpieza¿. El minimalismo le da gran importancia al espacio y a los materiales ecológicos. Centra su atención en las formas puras y simples. Otro de los aspectos que definen esta corriente es su tendencia a la monocromía absoluta en los suelos, techos y paredes. Al final son los accesorios los que le dan un toque de color al espacio. En un planteamiento minimalista destaca el color blanco y todas los matices que nos da su espectro. No hay que olvidar que el blanco tiene una amplia gama de subtonos.
“Sera” El sentido de la unidad para el minimalismo todos los elementos deben combinar y formar una unidad. Esto se resume en el precepto minimalista de que ¿todo es parte de todo". Con el tiempo el minimalismo nacido a finales de los sesenta alcanzó su madurez en los años ochenta a tal punto que ejerció influencia no sólo en la arquitectura y el diseño sino también en la pintura, la moda y la música.
LOS ELEMENTOS Uno de los cambios producidos por el minimalismo en la decoración fue el uso de elementos como el cemento pulido, el vidrio, los alambres de acero. ESOS COLORES En cuanto a los accesorios el minimalismo no utiliza telas estampadas en los sillones ni en los cojines. Todos son colores puros, lo cual proyecta una sensación más contemporánea en contraposición al estilo barroco del siglo XIX.
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