Vicious Magazine nº 77

VICIOUS MAGAZINE nº77_ MARZO 2024

Marzo ya huele a primavera y después de ella ya se sabe lo que viene… ¡el verano o, lo que es lo mismo, una de las mejores épocas del año para disfrutar de la música electrónica! Pero antes, ya en este precioso mes, tenemos una propuesta de revista que te alegrará la vida y empezará a darte pistas de lo que se nos avecina en meses venideros… ¿preparado?

En nuestra portada tenemos a Blackworks que liderado por Dexphase -al que hemos hecho una extensa entrevista- se han convertido en una de las marcas de referencian lo que se refiere a eventos de hard-techno en todo el mundo. Además, os ofrecemos charlas apasionantes con dos tops de la electrónica internacional como son Fritz Kalkbrenner y D-Sturb.

También en las siguientes páginas vais a disfrutar de entrevistas con la top del hard-techno Joanna Coelho; con el director artístico Domenico D’ Aniello; con la artista urbana Wendy; con el misterioso dúo gallego Terrae; con el gran Anthony Pappa que nos abre las puertas de su colección privada y nos colamos en el estudio de Lopez House. Además, en la sección Stroberoom nos encontramos como Acid Thermal desde Imput Barcelona.

En Off the Records nos adentramos en el sellazo Toolroom; nos damos un garbeo por la Miami Music Week; viajamos a la siempre paradisiaca isla de Bali; nos aventuramos con el rafting más salvaje y en la sección de artistas emergentes descubrimos a S.Ø.K.A.R. Y, además, como todos los meses, os ofrecemos noticias, reseñas, críticas, agenda, tecnología, etc.

¡Dale volumen y a disfrutar de VICIOUS MAGAZINE número 77!

CONSEJO

Julia Salas Alonso

Carlos Rodríguez Minguez

JEFE DE REDACCIÓN

Fernando Fuentes Panadero

ARTE PORTADA Y CONTENIDOS

Rafa Pérez Sánchez

REDACCIÓN

Jonatan Gutiérrez

Israel Méndez

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DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN

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VIDEO

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Jonatan Gutiérrez, Israel Méndez, Iván Morales, Danny Lloyd, Iokhonda, Nuke, Juárez, Eduardo Carbonell, EKDK, Luis Vallespin, Fred Perro.

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MIXCELÁNEA

Renato Ratier monta un club de altos vuelos

Y lo hace en el fuselaje de un Boeing 727. La leyenda del DJ brasileño Renator Ratier abrirá en su país, este próximo verano, un nuevo super-club para al que llamará Jetset. Actualmente, el avión está siendo desmantelado en el aeropuerto de Curitiba y sometido a reformas, adaptaciones y un espectacular cromado. Luego será transportado al Surreal Park, sede de discotecas y festivales, en Camboriú. El primer embarque tendrá lugar en el estío de 2024, ¿nos vamos de viaje en el aviónclubazo de Ratier?

Space Ibiza abre discoteca en Italia

Pepe Roselló confirma que Space Ibiza lanzará su nueva discoteca en Riccione, Italia, este verano con una fiesta de apertura encabezada por Carl Cox. El opening se celebrará el domingo 2 de junio, iniciando la expansión global de la institución de discotecas Space en el país transalpino. Space Riccione adoptará el diseño de su predecesor ibicenco, habilitando cuatro grandes áreas: la Arena, el Jardín, la Terraza y el Salón, junto con espacios privados adicionales. ¡A bailar italianos!

Sónar Barcelona avanza su cartel para su 31º edición

La 31ª edición de Sónar afianzará al Festival de Música, Creatividad y Tecnología de Barcelona como radar e impulsor de los sonidos que están por venir, descubriendo talentos emergentes y apostando firmemente por estéticas radicales y disruptivas. En su avance de programación nos encontramos con Kaytranada, Jessie Ware, Ben Böhmer, Floating Points, Charlotte de Witte, Vince Staples y Folamour, entre otros. Los días 13, 14 y 15 de junio, Sónar volverá a convertir a Barcelona en la capital mundial de la cultura electrónica, ¡no te lo puedes perder!.

Se acerca la Cumbre Internacional de Música (IMS) 2024

Su quinta edición tendrá lugar del 24 al 26 de abril en los recién inaugurados hoteles Mondrian Ibiza y Hyde Ibiza en Cala Llonga. Es una cita organizada conjuntamente por los locutores de BBC Radio 1, Pete Tong MBE y Jaguar. IMS Ibiza reúne en la “isla blanca” a innovadores, creadores, visionarios y disruptores de todo el ecosistema de la música electrónica mundial en un solo lugar y ya ha confirmado la presencia de Mochakk, Aloki Batra, DJ Paulette, etc. ¡Vicious estará allí!. Juzgado por ganar un pastizal haciendo trampa con streaming

Un danés ha sido juzgado por fraude tras embolsarse 500.000 libras esterlinas a través de streaming musical. Está acusado de generar artificialmente reproducciones de música en las principales plataformas mundiales. Al parecer generó transmisiones “falsas” de 689 piezas musicales en Spotify y Apple Music. Los fiscales creen que el número de transmisiones para generar la suma no podría haberse realizado a través de usuarios reales, sino con “técnicas no autorizadas”. ¿Acabará en chirona?

fashion

Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!

Perfume: DIOR - SAUVAGE www.christiandior.com

Pantalón: Levi’s - Pantalones Levi’s 501 www.levi.com

Zapatilla: Nike - zapatillas Air Force 1 de Nike x Louis Vuitton www.nike.com

Reloj: TAG Heuer Carrera Calibre Heuer www.tagheuer.com

Sudadera con capucha: Dolce & Gabbana www.dolcegabbana.com

Bolso de hombro: Gucci - bolso de hombro www.gucci.com

Chaleco: Pedro Gomez - Diane Negro www.pedrogomezmadrid.com

Gorro: Gorro en algodón Moncler www.moncler.com

Gafas de Sol: Off-White - gafas de sol Virgil www.offwhite.com

ARTE URBANO

W E N D Y

La palabra ‘límites’ no existe en el vocabulario de esta artista madrileña que se ha ganado a pulso, talento y aerosol un destacado lugar entre los creadores urbanos de nuestro país. Patricia Borrás aka Wendy, además, ha trabajado para marcas top del clubbing electrónico como elRow, Privilege o Amnesia o Pachá entre otros, por lo que, además, es una de las nuestras, ¡bien!

Hola Patricia, dices “mis Manos son mi mejor herramienta, mi cerebro mi mejor aliado y mi corazón el alma de mi trabajo” … me llama la atención que “manos” lo pongas con mayúscula como queriéndolo resaltar sobre lo demás… ¿es así?

La verdad que ha sido un acto inconsciente, aunque es cierto que las manos ejercen un papel muy importante en la realización de las obras. También el cerebro es necesario y al final el conjunto de las manos, cerebro y corazón hacen un equipo perfecto.

Para lo que aún no te conozcan, ¿quién es Wendy y qué es Wendy Trip Colours?

Wendy es el nombre con el que empecé en el grafiti. La gente siempre me pregunta que si es por la amiga de Peter Pan; no es cierto, aunque no me importa, ya que me parece una historia preciosa. En las dos primeras piezas que hice en un muro puse Kin, después en mi barrio había un chico que firmaba como Kin y decidí cambiarlo por Wendy que es un mote que me pusieron en una de las aventuras de la vida.

Wendy Trip Colours digamos que es un salto evolutivo en mi trayectoria artística, viene a decir “Los colores del viaje de Wendy”. Me inspiró la psicodelia y comencé a crear decoraciones fantásticas para música electrónica PsyTrance con efecto de luz ultravioleta y con un papel muy importante de los colores. Los colores son muy importantes en la vida, no son solo colores, son emociones con las cuales puedes llegar al estado profundo del ser. Para mí la vida es un viaje de emociones y con los colores puedo expresar mis sentimientos.

“Cerebro y corazón hacen un equipo perfecto”.

Sabemos que empezaste pintando en las calles de Madrid, murales y grafitis, allá por los años 90, ¿qué recuerdas de aquella época?

Los 90 fue una época genial, pintaba mucha gente, las calles de mi barrio estaban llenas de grafitis, un espacio-tiempo de mi vida de mucha adrenalina (Risas), pintábamos trenes, quedábamos por las noches para ir a “bombardear” las calles y era muy divertido. Se respiraba más libertad. De igual modo la música electrónica formaba un papel importante. La noche madrileña estaba en pleno esplendor, había muchísimos clubs abiertos a todas horas y días de la semana.

Autor: Fernando Fuentes

Ahora, que ya te has recorrido medio mundo con tus sprays, ¿de qué obra estás más satisfecha de entre todo lo realizado?

Si no hablamos de grafiti y hablo de obras realizadas estoy muy contenta con una colección de cuadros ‘Totem Animal’ que es una serie que habla del significado de los animales, es realmente muy interesante.

Además de la disciplina de la pintura y el grafiti, te has adentrado en otras como la escultura, el tallado, la ilustración o la escenografía teatral, ¿dónde está el límite a tu imaginación e inquietud?

¿Límites? Esa palabra no existe en mi diccionario (Risas). La creatividad no tiene fronteras, es infinita. Me encanta aprender nuevas técnicas, usar diferentes materiales y tener la mente en constante aprendizaje.

Crear mundos fantásticos… ¿es tu principal objetivo a través de la sinergia de todas estas disciplinas artísticas antes referidas?

Lo bueno de tener varias disciplinas es poderlas fusionar para crear mundos completos, con personajes, escenarios e historias donde sumergirte en paisajes fantásticos. Conseguir que la gente disfrute de un viaje sensorial a través de los sentidos es magnífico y divertido. No sé si es mi principal objetivo, los objetivos pueden variar según el momento, lo que, si sé, es que me encanta lograr que las personas disfruten de una ambientación.

“¿Límites? Esa palabra no existe en mi diccionario”.

¿Sigues siendo un alma libre y autónoma, aunque eres requerida por muchas empresas y marcas importantes para aportarles tu arte?

Colaboro con muchas marcas y he trabajado mucho tiempo para algunas, pero como dice mi madre… “siempre has sido un alma libre”. Me adapto a todo tipo de proyectos, en el mundo de los clubs y también en otros escenarios.

¿Cuánta gente forma parte de tu equipo? ¿Sin ellos sería imposible desarrollar la gran cantidad de trabajo que sacáis adelante?

Mi equipo como dije antes, son mis manos, mi cerebro y mi corazón. Trabajo con equipos, porque ya sabemos que trabajé para diferentes eventos, marcas y clubs. Cuando sale un proyecto grande cuento con diferente personal, que por supuesto ayudan a que todo salga adelante.

“Como dice mi madre… siempre has sido un alma libre”. ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar para importantes promotoras de eventos de música electrónica como, por ejemplo, elRow?

Una gran experiencia, llena de recuerdos alegres, que en su momento también fueron de mucho estrés y donde mi ritmo de trabajo se desarrolló a gran velocidad y a contra reloj. Con el elRow trabajé muchos años, un gran equipo, con artistas muy buenos, con los que compartes mucha destreza. Es una fiesta muy divertida que con los años ha evolucionado en un impresionante show.

¿Y para templos del mejor clubbing mundial como son Space, Privilege, Pachá, Amnesia…?

Tengo muy buenos recuerdos de trabajar en Privilege con Supermartxé y en los principios del elRow, que luego pasó a Space y actualmente a Amnesia. También Pachá con Flower Power. Todos los clubs tuvieron sus ventajas y desventajas, pero, en general, fue duro y divertido a la vez.

¿Para qué marca o artista del sector de la música electrónica te gustaría trabajar y aún no lo has hecho?

Si nos referimos a música electrónica, tal vez con el festival Tomorrowland, que tiene una super producción en decorados. Otro festival en el cual tengo muchas ganas de participar es en Burning Man y crear un vehículo espectacular. Una artista con la que

me gustaría trabajar es con Björk, seria genial. También admiro mucho a un pionero de la música electrónica, Jean-Michel Jarre, que tuve la suerte de asistir al concierto que hizo en las pirámides de Egipto en el cambio de 1999 a 2000. Sus espectáculos son una maravilla y trabajar para él sería un sueño. No solo me gusta trabajar con lo relativo a la música electrónica, también me fascinan el cine, el teatro…

“Una artista con la que me gustaría trabajar es con Björk, seria genial…”.

¿Es la electrónica tu sonido favorito para disfrutar, trabajando y cuando estás de ocio?

Tuvo mucha presencia en mi vida. En general me gusta la música buena, sea electrónica o de cualquier tipo. Por ejemplo, Pink Floyd que

siempre me encantó u Ozric Tentacles que ademas de acústico fusiona la electrónica. Adoro la música clásica y el sonido de piano, un compositor que quiero resaltar es a Ludovico Einaudi. Ahora se ha popularizado la música trap y la verdad que también me interesa.

Para terminar Patricia, ¿en qué proyectos estás inmersa en este 2024?

Anteriormente comenté sobre una colección de cuadros, ‘Totem Animal’ con los que se van a hacer diferentes productos con su digitalización. Y un proyecto del cual no puedo hablar de momento y que no tiene nada que ver con los clubs, más bien con salas de juegos para niños o adolescentes. Igualmente, con hacer crecer Wendy’s Work Shop; mi preciado taller.

BALI

UN PARAÍSO DE ENSUEÑO LLAMADO BALI

¿Por qué acuden a Bali tantos viajeros de todo el mundo? Bueno, la lista de cosas que hacer en Bali puede resumirse en tres palabras: tropical, cultural y asequible. Tanto si es un aficionado a la cultura, un surfista sediento, un amante de las cascadas, un hipster de isla en isla, un cazador de fiestas o un habitante de la playa en busca de sol, encontrará la perfección tropical de las palmeras en cada rincón: lo mejor de Bali.

Autor: Jonatan Gutiérrez

Hay un lugar que visitar en Bali para cada tipo de viajero, y lo que más nos gusta es que es mucho más asequible para el bolsillo que otros destinos insulares como Mauricio y Maldivas.

Desde los templos de visita obligada hasta pasear por las exuberantes terrazas de arroz esmeralda, la lista de cosas que hacer en Bali es una colección de momentos que constituyen las mejores cosas que hacer en Bali, Indonesia.

Afortunadamente, Bali es uno de los destinos más fáciles de explorar, aunque su tamaño -la isla abarca 5.776 km2- implica que los viajeros deben tomarse su tiempo para pensar qué quieren ver y hacer con relativa antelación. Por ejemplo, lugares como Seminyak, con sus clubes de playa y hoteles de cinco estrellas, tienden a abarrotarse durante la temporada alta, mientras que destinos más rurales, como Ubud, pueden requerir un viaje en taxi más largo, pero merecen absolutamente la pena, sobre todo para quienes deseen evitar las multitudes.

También hay que tener en cuenta que Bali es uno de los destinos más seguros de Asia. Como en cualquier otro lugar de vacaciones, siempre hay cosas que se pueden hacer para garantizar la seguridad durante el viaje, pero las medidas enérgicas contra los pequeños robos y el mal comportamiento han contribuido a transformar la isla en un maravilloso destino familiar.

VIDA NOCTURNA Y DISCOTECAS EN BALI

La puesta de sol suele marcar el comienzo de la vida nocturna en Bali, y una vez que empieza, la fiesta nunca se detiene. Incluso puede empezar antes, ya que muchos bares y pubs ofrecen happy hours. A menudo, los bañistas ya están tumbados en las sillas de los vendedores de la playa con una cerveza Bintang barata y helada, esperando a ver cómo el sol se hunde en el mar..

Bali es desde hace mucho tiempo el lugar preferido para salir de marcha y disfrutar de la vida nocturna; establecimientos como bares y discotecas situados en hoteles de 5 estrellas son también bastante populares. Hace casi medio siglo, la isla era una parada popular para hippies y surfistas, y su cultura relajada y tolerante ha permitido que en la última década crezca una próspera escena fiestera. Su proximidad a otros países asiáticos y a Australia

ha convertido a Bali en un destino mundial de fiesta y vida nocturna.

Actualmente, Bali está experimentando una transición hacia una escena de fiesta más “madura” con el desarrollo de nuevos e increíbles clubes. Especialmente los fines de semana, los destinos nocturnos más populares, como La Favela, ShiShi y Mirror, se llenan de fiesteros. Mientras tanto, el epicentro de la vida nocturna de Bali sigue estando en las zonas de los alrededores, como Kuta, Seminyak, Canggu, e incluso más al sur, en la península de Bukit, como Uluwatu y Ungasan.

Si quiere bailar toda la noche pero no sabe adónde ir, no se preocupe: aquí tiene nuestra selección de las mejores discotecas de Bali.

SAVAYA BALI

El Savaya Cube de Savaya Bali, situado en unos acantilados de piedra caliza que se elevan sobre el océano Índico a más de 90 metros de altura, es la pieza central de su vibrante programa musical. Los servicios de lujo, la comida y el alojamiento exclusivo han contribuido a que Savaya Bali se convierta en uno de los principales destinos de ocio del mundo, además de ofrecer una música increíble. La constelación de estrellas que visitan su cabina es innumerable y en estos últimos meses sus visitantes han podido disfrutar de artistas como Ben Böhmer, Artbat, Argy, Bedouin, Guy Gerber, AMÉMÉ, Carlita, Chris Lake, DJ Tennis, James Hype, Jamie Jones, Kölsch, Paco Osuna, un DJ set de RÜFÜS DU SOL, y muchos más.

MIRROR LOUNGE & CLUB

Otro de los favoritos de nuestra lista de los mejores clubes de Bali es Mirror Lounge & Club. Inspirado en el emblemático Limelight Club de Nueva York y con elementos arquitectónicos góticos, este opulento local cuenta con un techo de cristal, vidrieras, arcos y esculturas de piedra. Prepárese para disfrutar de una amplia variedad de canciones, como EDM, R&B, trance y house latino. Reúne a tu equipo y prepárate para una noche salvaje.

VAULT

Vault se ha ganado sin duda un puesto en esta lista. Con invitados internacionales cada semana pinchando house, techno, hip-hop, R’n’B y música en directo, la fiesta no tiene fin. No deje de visitar The Bunker, una joya oculta de coctelería que prepara exquisitas bebidas perfectas para una noche de aventuras clandestinas o sofisticadas reuniones con amigos. Vault ofrece una vibrante pista de baile con DJ y una relajada zona lounge para desconectar.

STROBE ROOM

BY: ELIMAGINARIO

ACID THERMAL

Uno de sus logros más satisfactorios es ser uno de los VJs residentes de Input Barcelona y coordinador del departamento de visuales e iluminación del club. Y es que Acid Thermal tiene claro que para ser un gran visualista es clave la perseverancia y, por otro lado, la disciplina y la organización. Este artista venezolano, residente en Barcelona, es uno de los tops desde un estilo disruptivo que sinergia potencia con armonía.

¿Qué te atrajo inicialmente hacia el mundo del arte visual y cómo has evolucionado en tu carrera como VJ?

El 2014 fue un año de muchos cambios, me vine a vivir a Barcelona desde Caracas, Venezuela y lo que viví ese año fue una experiencia increíble. Aquí, tuve mi primer contacto con la música electrónica y con los visuales en directo, fue amor a primera vista, tuve la dicha de asistir al Sónar por primera vez y fue como viajar al futuro del mundo audiovisual, en serio; ahí empezó todo.

Barcelona ha sido una ciudad ideal para crecer como artista, como VJ y en una comunidad muy activa, en los 10 años que tengo de carrera he pasado por muchas salas, eventos y festivales que me han permitido experimentar, aprender y disfrutar mucho del oficio, todo ha sumado a mi evolución personal y profesional.

Tu estilo visual se ha caracterizado por un enfoque de brutalismo visual. ¿Qué te inspira para crear este tipo de estética?

El brutalismo fue un término con el que pude definir mi estética, porque para mí significaba brutalidad; pero un tiempo después descubrí que el brutalismo era un término utilizado en la arquitectura y que no tenía nada que ver con lo que expresaba mi trabajo; que era una línea visual muy agresiva. Así que hoy en día utilizo más el término disruptivo.

El sonido con el que trabajo siempre ha estado cargado de oscuridad, distorsión y locura, pero también de serenidad y calma, así que siempre he buscado de expresar ese sonido con imágenes muy potentes, que exploren el caos pero que también expresen la armonía y la tranquilidad.

“Me gusta utilizar el término disruptivo para definir mi estilo”.

¿Qué influencias artísticas o visuales han contribuido a desarrollar tu estilo único como VJ?

Crecí muy apegado a la cultura de los 90s y la música siempre ha sido parte de mi vida y de mi trabajo, creo que el sonido y la representación visual del nu metal y metal alternativo han influido mucho mi estilo; al igual que lo ha sido el cine y el teatro.

Actualmente esta era digital en la que vivimos me ha conectado con diversas formas de arte, como el generativo y la inteligencia artificial, ahí he podido encontrar inspiración proveniente de una gran variedad de artistas

¿Cómo describirías la atmósfera y la escena visual en Input Barcelona y festivales de hard techno?

Input siempre ha estado en constante evolución, es una sala que cuenta con un diseño de pantallas muy inmersivo, el cual te permite desarrollar experiencias únicas; así que la atmósfera que se genera en cada evento es muy especial; dado a que tienes al público completamente rodeado de pantallas y lo que haces tiene mucho impacto y protagonismo, es sin duda muy gratificante para uno como VJ y muy impresionante para los asistentes.

Los festivales de hard techno han abierto una ventana a mundo nuevo de posibilidades, el año pasado junto a Unlocked Barcelona tuve la oportunidad de hacer visuales para su showcase en las dos ediciones del Duro Festival en Montmeló y luego en el Tramunfest en Girona y nos

Josu Gonzalez Live / Duro Festival II / Acid Thermal 2023

hemos encontrado con un gran despliegue técnico que no te los encuentras en otros festivales de música electrónica. Escenarios inmensos con una gran cantidad de pantallas y una gran variedad de efectos especiales, así que uno se lo pasa bien.

¿Puedes compartir alguna experiencia destacada o desafiante que hayas enfrentado trabajando en?

Sin duda alguna, y hasta la fecha, el Duro Festival. El año pasado hice el cierre de las dos ediciones con el showcase de Unlocked y fue una experiencia completamente surrealista, tomar control del stage y hacer visuales para 12.000 personas fue todo un desafío, además debo decir que este fue mi primer gran festival. Muchos nervios, pero al final todo salió muy bien. Este año volvemos una vez más.

¿Cómo colaboras con los artistas y el equipo de producción para crear una experiencia visual única en los eventos?

Algo que desde un principio ha caracterizado mi trabajo es el filmar mi propio contenido, así que he tenido la oportunidad de colaborar con una gran variedad de artistas visuales, actores, performers, camarógrafos, directores y en cada proyecto cada uno aporta lo que sabe, aprende del otro y el resultado siempre es fascinante; pero eso sí, mucha disciplina y respeto.

“Actualmente esta era digital en la que vivimos me ha conectado con diversas formas de arte, como el generativo y la inteligencia artificial”.

Has colaborado con el artista LAVIDAESCOCO en varios proyectos. ¿Cómo describirías tu relación y cómo influye en tu trabajo como VJ?

Frankie aka LAVIDAESCOCO aparte de ser uno de mis mejores amigos, fue mi compañero de cabina en Input durante casi 5 años, siendo el, el iluminador y yo el visualista. Ese tiempo nos vino bien para desarrollar un trabajo en equipo de primera, al punto de que la comunicación ya era muy intuitiva, estábamos muy bien complementamos y nos entendíamos de maravilla, fue una muy buena época.

¿Qué tecnología y equipo utilizas para realizar tus actuaciones como VJ?

Mi setup podría decir que es bastante simple, consiste en un portátil en el que tengo Resolume Arena 7 / TouchDesigner, tengo dos controladores midi y una tarjeta de sonido en la cual recibo el audio tiempo real y hago la magia

¿Hay algún software o dispositivo en particular que consideres fundamental para tu trabajo?

Si, definitivamente Resolume Arena es un software que considero fundamental para mi trabajo. Lo uso desde hace 9 años, prácticamente cada día y ya desde hace muchos años dejó de ser una herramienta para reproducir o mezclar visuales, sino que pasó ser una herramienta de producción y de experimentación audiovisual

¿Cuáles son algunos de los mayores desafíos que has enfrentado como VJ y cómo los has superado?

La noche. Definitivamente es uno de los desafíos más difíciles de controlar y de superar, es un ambiente muy bueno pero muy peligroso y a mi particularmente me tocó encontrar el balance, sí o sí, porque te das cuenta de que, si quieres ser productivo y llegar lejos, necesitas tener un control, una vez que lo logras, ves que es lo mejor que has podido haber hecho

¿Qué logros profesionales te enorgullecen más en tu carrera como VJ?

Sin duda, uno de los logros más significativos para mi es ser uno de los VJs residentes de Input Barcelona y ser el coordinador del departamento de visuales e iluminación del club.

Por otro lado también diría que participar y colaborar en festivales como el Mutek, haber realizado un show audiovisual en vivo e improvisado con Mathew Jonson (Mutek 2022), ser uno de los cofundadores del proyecto ‘Hex Transmission’, un video podcast pionero que se transmitió en línea durante 4 años y que contó con más de 90 episodios en los que se mezclaban visuales junto con la música de diversos artistas de la escena del techno mundial, también haber colaborado con artistas como SLAM y SNTS. Y por último diría que estoy sumamente orgulloso de poder viajar activamente como VJ y llevar mi trabajo a diferentes partes del mundo

¿Cómo describirías la importancia y el impacto del arte visual en el clubbing y en la escena de los festivales?

En los últimos años la producción visual en el clubbing y en los festivales se ha incrementado de forma impresionante, creo que son un complemento vital para la escena; cada vez vemos más clubes apostando por la parte visual; festivales con diseños de stage increíbles y ya no solo es un VJ el que va a hacer visuales, sino que tienes una compañía o un estudio con instalaciones visuales alucinantes que sin duda hacen que la experiencia sea simplemente brutal y esto nos viene bien a todos, tanto para el visualista que quiere trabajar, como para el público que quiere disfrutar y por supuesto para la innovación tecnológica.

“Uno de los logros más significativos para mi es ser uno de los VJs residentes de Input Barcelona”.

¿Qué significa para ti personalmente ser parte de esta comunidad creativa y cómo te ha moldeado como artista?

A lo largo de este camino he conocido mucha gente buena y he forjado buenas amistades en el sector. Así que cada año procuro asistir a los eventos audiovisuales en mi ciudad y poder compartir con los artistas, técnicos y productores. Se aprende mucho y para mí es algo que me llena a nivel personal y profesional

¿Hay algún proyecto futuro en el que estés emocionado por trabajar o alguna meta que te gustaría alcanzar como VJ?

Actualmente estoy trabajando en dos proyectos audiovisuales que significan muchísimo para mí, ambos con energías y técnicas muy diferentes; musicalmente opuestos y con dos artistas muy talentosos que admiro mucho. Espero que uno vea la luz a finales de este año y el otro en 2025.

¿Cómo visualizas tu papel en la evolución de la escena visual en la música electrónica y los festivales en el futuro?

Justo ahora estoy viviendo un momento muy particular y exigente en mi carrera, que me está permitiendo producir y desarrollar proyectos más complejos y ambiciosos para diferentes festivales audiovisuales y de música electrónica, así que lo veo como una gran oportunidad para traer algo especial a los escenarios y aportar un grano de arena a la escena.

“Actualmente estoy trabajando en dos proyectos audiovisuales que significan muchísimo para mí”.

¿Qué consejos o recomendaciones darías a aquellos que aspiran a seguir tus pasos como VJs en la escena de la cultura electrónica y los festivales?

Les diría que está bueno involucrarse y apoyar los festivales audiovisuales, ya que son los mejores lugares para disfrutar, aprender y conectar con la comunidad.

¿Cuáles son las habilidades y cualidades clave que crees que son importantes para tener éxito como VJ en este entorno?

Diría que la perseverancia y por otro lado la disciplina y la organización.

¿Hay algo más que te gustaría compartir sobre tu experiencia como VJ y tu contribución a la escena visual en Input Barcelona y más allá?

En los últimos dos años he visto cómo ha crecido el interés de los jóvenes por las artes visuales, en especial por el VJING y me parece que hay que seguir apoyando la escena y fomentando la educación a través de los festivales, fundaciones, instituciones e incluso a través de nosotros mismos… los artistas.

Input Barcelona ha sido un pequeño nido donde se han ido formando un gran número de artistas en el campo de la iluminación y de los visuales y que poco a poco han ido haciendo su aparición escena local e internacional; esto sin duda es algo que nos hace sentir muy orgullosos como club y a mí personalmente me resulta algo muy gratificante, debido a que año a año soy testigo del progreso y sacrificio de cada uno.

Laia Flynn / Neiland - “Nothing Less” / Acid Thermal 2020

ANTHONY PAPPA

En esta ocasión nos colamos en la colección privada de discos del maestro Anthony Pappa. Su tesoro sonoro consta de unos 35.000 vinilos y los cuida como si fueran sus hijos. Es un amante absoluto del formato analógico y en esta entrevista desvela qué joyas disfruta a diario para envidia sana, o no tanto, de todos… ¡Pon la aguja sobre el surco, Anthony!

Autor: Vicious Magazine

¿Cuál es tu primer disco comprado? ¿Lo recuerdas? ¿Recuerdas la tienda?

El primer álbum que compré fue la banda sonora de la película ‘Beat Street’. Fue en 1984 y yo tenía once años en ese momento. Lo compré en una tienda de discos local en Melbourne, llamada Brashes.

¿A cuántos vinilos asciende tu colección?

No los he contado todos, pero son aproximadamente entre 30.000 y 35.000.

¿Cómo organizas tu colección de discos?

Toda mi colección está organizada por BPM y por la clave musical del track. He ordenado mis discos por BPM, del más lento al más rápido.

“No los he contado todos, pero son aproximadamente entre 30.000 y 35.000 vinilos”.

Si pudieras elegir, ¿cuál sería tu disco preferido?

Leftfield – ‘Leftism’.

¿De qué disco no te desprenderías nunca? ¿Por qué?

Massive Attack – ‘Unfinished Sympathy’, porque es mi tema favorito y es una canción hermosa.

¿Originales o remasters? Justifica tu respuesta…

Ambos. Es genial tener el vinilo original de una canción. Me encanta su art-work, la portada, la información que contiene y el sonido analógico. También es bueno escuchar la versión digital remasterizada. La tecnología es mucho más avanzada hoy en día que hace 30 años y también es agradable y conveniente tener una versión WAV o MP3 para no tener que llevar el vinilo a los bolos.

¿Has sufrido la pérdida o rotura de algún disco que te haya dolido especialmente?

No, en absoluto. Todos los vinilos que tengo están contabilizados y todos están en excelentes condiciones.

“Es genial tener el vinilo original de una canción”.

¿Qué disco dejaste y nunca te devolvieron? Puedes mencionar al/a culpable…

Nunca le he prestado un disco a nadie, por eso nunca lo he perdido. Mi colección es demasiado valiosa y cuido mucho mis vinilos.

¿De qué disco tienes más copias repetidas? ¿Cuántas? ¿Por qué?

Hay muchos discos de los que tengo 3 copias (o al menos 2 copias). Uno que me viene a la mente es Eric B. & Rakim – ‘Paid In Full’ (Seven Minutes Of Madness The Coldcut Remix). Solía practicar mis habilidades como DJ tocando hip-hop y cortando entre dos copias de una pista (estilo DMC). Compraría tres y usaría dos copias para cortar y luego guardaría la tercera como una copia limpia. La razón por la que hice esto es porque al cortar y rayar el vinilo se empiezan a desgastar las ranuras.

Otro ejemplo en el que tengo tres copias de una pista es cuando un sello me envía varias. Primero enviarían un acetato, que es una forma de reproducir la pista antes de imprimirla en vinilo. Significaba que tenías la pista desde muy temprano y podías reproducirla seis meses o más antes de su lanzamiento. Después de eso, el sello me enviaría una prueba de impresión, que es la primera tirada de vinilo donde puedes reproducirlo y probar que suena bien. Luego, después de la prueba, se te enviará la promoción. Por lo tanto, tengo muchas pistas de las que tengo tres copias en forma de acetato, impresión de prueba y copia promocional.

¿De qué sello crees que tienes más referencias?

Stress Records. Esto es porque fue el primer sello con el que firmé, que era mi tema con Alan Bremner bajo el nombre de Freefall, el tema se llamaba ‘Skydive’. También trabajé en el sello a mediados y finales de los 90, por lo que fue un momento y una experiencia especial para mí estar involucrado con ese sello.

“Cuido muy bien mi vinilo”.

¿Qué disco es el que más ilusión te ha hecho regalar a alguien? ¿Por qué?

BT – ‘Ima’ fue un álbum muy inspirador. Lo que Brian estaba haciendo a mediados de los 90 fue un punto de inflexión en el sonido house progresivo de donde era la música en ese momento. Fue el comienzo del sonido house épico que inspiró a muchos artistas que comenzaron a producir ese estilo de música en el futuro.

¿Qué disco has puesto tantas veces que ya no suena?

No hay ningún disco que tenga completamente desgastado que ya no suene. Como he mencionado, cuido muy bien mi vinilo.

¿Cuál es el vinilo por el que más has pagado?

Muchos de los vinilos que compré en Australia eran importados. El precio de un vinilo importado de doce pulgadas en aquellos días rondaba entre los 15 y los 20 dólares australianos. Eso equivale a unos 12 euros o 10 libras esterlinas. Eso es mucho dinero hoy en día y más aun hace 35 años, especialmente para un joven adolescente que estaba tratando de construir una colección con solo dinero de bolsillo para gastar.

¿Y el que menos te costó?

He tenido la suerte de estar en las listas de correo de muchos sellos y así me enviaron el vinilo como copia promocional de forma gratuita.

¿Qué disco compraste por “obligación”?

Compré muchos álbumes como DJ móvil porque sabía que tenía que reproducir canciones que me habían pedido y que no me gustaban, pero tenía que tener una copia para reproducirlas. Por ejemplo, tengo muchos álbumes de rock como Def Leppard que se reprodujeron en algunas fiestas mientras hacía de DJ móvil.

¿Cuál ha sido el último disco que has comprado?

Van Anh Nguyen – ‘Peaceful Piano Essentials’. Van Anh es una querida amiga mía e increíble concertista de piano. Ella nos invitó a mí y a mi familia a verla actuar en concierto y después de ese concierto compré su álbum.

“No se me ocurre ningún vinilo que desee tener y que aún no tenga”.

¿Cómo está la lista de deseos? ¿A cuántos discos asciende?

No se me ocurre ningún vinilo que desee tener y que aún no tenga. Con la cantidad de vinilos que tengo en mi colección, prácticamente tengo todo lo que siempre he querido.

¿Tienda de vinilos, internet o feria de discos?

Todo lo anterior. La tienda de vinilos para los recuerdos nostálgicos de ir, hojear y escuchar discos. Internet es la forma en que recibo música, hoy en día, de muchos sellos. Escucho aproximadamente 3.000 pistas por mes. La feria de discos es una buena forma de encontrar una ganga cuando hayas una joya antigua que sabes que vale mucho dinero.

OFF THE RECORDS

Toolroom Records ha recorrido un largo camino en los últimos 20 años: desde el cobertizo del jardín de Mark Knight hasta el éxito internacional. Pero es el desarrollo de nuevos talentos lo que distingue al sello.

Redacción: Ivan Morales

La música, donde quiera que termine, siempre comienza en un lugar. A lo largo de todo el siglo XX, Estados Unidos fue responsable de generar muchos de los movimientos más significativos de la música moderna. El rock & roll, antes de llegar a Inglaterra, comenzó con Elvis Presley y Chuck Berry en el Medio Oeste. Poco después, Nueva York se convirtió en un caldo de cultivo para el minimalismo a través de las obras de compositores como Steve Reich y Philip Glass. Pero, ¿y en cuanto al techno? Obviamente, el techno vino de Detroit.

En este caso, la historia de fondo está bien documentada: cuando la próspera industria automotriz cayó en declive a finales de los años 80, la nueva tecnología que apareció en ese momento ayudó a inspirar a toda una nueva generación de músicos. Varias décadas después, todavía hay una cantidad incalculable por la que estamos en deuda con ellos.

Del extenso elenco de artistas del techno de Detroit, el colectivo Underground Resistance es uno de los más trascendentales. Dos palabras tan icónicas como la música editada en el sello del mismo nombre. Desde sus inicios en 1989 hasta los últimos lanzamientos, UR siempre ha sido más que un sello: es un movimiento que lucha por la justicia social. Pero, ¿qué es lo que hace que UR sea tan especial?

Usando cajas de ritmos como armasprincipales y máscaras negras para ocultar sus rostros, sus identidades, porque para UR su música es y será lo mas importante, es su manera de comunicarse y revolucionar el sistema. Fomentando la cultura underground propiamente dicha, fue esta actitud y este mensaje el que hizo que el famoso dúo Daft Punk decidiera ocultar sus identidades tras los cascos y hacer que la música fuera su única palabra. Han pasado más de 30 años desde que se f ormaron, pero el grupo sigue activo: entre sus proyectos más destacados, se encuentra ‘Depth Charge’, el espectáculo en vivo realizado por Mike Banks y Mark Flash, D3 incorporando al teclista Jon Dixon y Timeline con De Sean Jones al saxo formando un live lleno de pasión.

UNA VISIÓN GLOBAL

Toolroom Records es conocida internacionalmente como una de las marcas más innovadoras de la música dance. Después de más de 20 años en la industria de la música, Toolroom Records es reconocido por su pasión por la música house de calidad y su estrecha conexión con su comunidad internacional de fans.

A lo largo de los años, el sello ha fichado, e incluso descubierto, a algunos artistas legendarios. Además, ha liderado el camino en una industria en constante cambio y evolución, desarrollando artistas e incluso evolucionando como sello.

SUS INICIOS

En 2003, el sello discográfico fue lanzado por el productor Mark Knight y su hermano Stuart. Recibió su nombre por el espacio que ocupaba su oficina: un cobertizo de herramientas (‘toolroom’ se puede traducir al castellano como ‘cuarto de herramientas’), en el patio de la casa en su Maidstone natal, a 90 minutos al sureste de Londres. Desde este humilde entorno, la pareja comenzó a lanzar discos de house, en gran parte de Mark, quien entonces también estaba fusionando house y techno en un nuevo sonido.

Hoy en día, más de 20 años después, el género en el que Toolroom ayudó a crear su nombre, el tech-house, es uno de los sonidos más populares dentro de la escena electrónica mundial. Esto ha permitido que Toolroom se haya convertido no sólo en un sello respetado que produce discos relevantes, sino en una compañía que ha evolucionado sus ofertas y fuentes de ingresos en cada época de su existencia.

COMIENZOS DIFÍCILES

De hecho, con Mark como líder creativo y Stuart al frente del negocio, Toolroom se lanzó en un momento precario, dos años después de la llegada del iPod y en un momento en el que las ventas físicas estaban disminuyendo a pasos agigantados.

Sin embargo, el acceso de los clientes se amplió significativamente en 2004 con el lanzamiento de Beatport, la tienda de descargas digitales para DJs. Toolroom fue uno de los primeros sellos en poner su música a la venta en la plataforma, que entonces tenía su sede en Denver.

Durante los años siguientes, el 70% de la música de Toolroom a través de Beatport fue comprada por clientes de los Estados Unidos. En 2014, Mark Knight se convertiría en el artista más vendido de Beatport, sólo por detrás de deadmau5. Ahora, se ubica en el número 7 de artistas house de todos los tiempos en la plataforma, con Toolroom como el sello house número 2.

Alrededor de 2007, Mark estaba de gira por los Estados Unidos capitalizando el crecimiento del sello y haciendo propaganda de su fusión house/techno, aún clandestina. Los éxitos de esta época incluyeron ‘Man With The Red Face’, de Knight y Funkagenda, y el remix de Knight de

‘You’ve Got the Love’, de Florence + The Machine. Mientras tanto, Toolroom también estaba lanzando tracks de grandes artistas, como Fatboy Slim, Underworld, Armand van Helden y un conjunto de estrellas en ascenso.

Con el boom del EDM, Toolroom se vio, en parte, arrastrado por este fenómeno, pero sintiendo que era necesario corregir el rumbo, el sello lanzó la campaña #RESET en 2014, durante la cual redujo su lista de artistas, lanzó una nueva serie de álbumes y reconfiguró sus eventos en vivo, en un esfuerzo por volver a estar en línea con la visión original de los hermanos Knight.

Hoy en día, Toolroom Records ha pasado de ser un sello discográfico a ser una compañía discográfica. Dos décadas después, cuenta con una plantilla de 22 personas y una oficina acorde a los nuevos tiempos. Y como veremos a continuación, el programa de Mark, Toolroom Radio, atrae a 16 millones de oyentes semanales. Además, en 2018 el sello lanzó su iniciativa ‘We Are Listening’ para identificar lanzamientos de diferentes productoras. Son muchos logros para un sello que siempre ha estado un paso por delante dentro de la escena.

TOOLROOM RADIO LLEGA A 16 MILLONES DE OYENTES

Toolroom Radio es una gran oportunidad de exponer el calendario de lanzamientos durante un período más largo, así como una ocasión para destacar a los talentos emergentes de la música house. En todo ese trabajo, plasmado durante casi 700 episodios, semana tras semana, radica la razón de su éxito, además de suponer una ventana a la marca y las personalidades detrás de ella. Cuando tuvieron noticias de que habían alcanzado la marca de los 16 millones de oyentes, fue un momento para darse cuenta de lo lejos que ha llegado el programa y del impacto que tiene en todo el mundo.

TOOLROOM ACADEMY

La academia fue algo que se le ocurrió a Stuart Knight a raíz de la cantidad de demos que recibían, que en un momento dado eran alrededor de 500 a 600 por semana. Simplemente no es posible escucharlas todas, pero siempre pensó que se podrían estar perdiendo algunas joyas, así que quiso encontrar una manera de canalizar esas demos en algo manejable. Lanzaron la Academia para ayudar a los productores a convertirse en el tipo de artistas que están buscando, y para que salieran de ella con una comprensión clara de hacia dónde van y, con suerte, puedan tener una carrera en la música dance.

EL LANZAMIENTO DE AMPLIFIED

Lou Cooper, Jefe de Servicios del sello discográfico, nos cuenta lo que es Amplified: “Amplified es la división de Servicios de Sellos de Toolroom, e impulsa a algunos de los sellos más grandes de la industria, incluidos ‘Saves’, de Nic Fanciulli, ‘Nothing Else Matters’, de Danny Howard, y ‘Etiquette’, de Hannah Wants. Después de haber trabajado en Toolroom durante 10 años, aproveché la oportunidad de dirigir esta nueva área del negocio y trabajar más de cerca con algunos de mis artistas y sellos favoritos. Amplified es la culminación de todas las cosas que hemos aprendido en Toolroom, en términos de dirigir un sello discográfico exitoso en el panorama actual. Podemos conectarnos con el extenso equipo en el sello, lo que significa que cada marca y artista tiene las herramientas y el conocimiento necesarios para lanzar con éxito su música directamente a los fans, ofreciendo una red de experiencia, ayuda y asesoramiento sobre las mejores prácticas en todas las áreas de la industria musical”.

UNA MARCA GLOBAL ELEGANTE Y EXITOSA

Así pues, desde que los hermanos Mark y Stuart Knight lanzaron por primera vez Toolroom en 2003 como un proyecto que salió del cobertizo de sus padres, el sello se ha convertido en una marca global elegante y exitosa, definiendo una línea particular de música house finamente perfeccionada y dirigida a la pista de baile. A lo largo de los años, se ha diversificado en eventos, radio, paquetes de muestras y plug-ins, además de llevar a cabo iniciativas realmente útiles como ‘We Are Listening’ y desarrollar nuevos talentos a través de Toolroom Academy.

Ha sido, por lo tanto, todo un logro crecer, desde un principio, hasta convertirse en uno de los sellos independientes más grandes, prolíficos y de mayor alcance de la industria. Con una fuerte visión musical y una lista de artistas de calidad, éste sigue siendo el comienzo de un apasionante viaje para Toolroom Records.

deportes extremos

El rafting y el descenso de aguas bravas son actividades de ocio al aire libre en las que se utiliza una embarcación o una balsa insumergible. Tiene distintos niveles de dificultad según la corriente del agua en la que se practique el deporte. Puede practicarse en solitario, pero es más habitual hacerlo en grupo y requiere un buen trabajo en equipo para manejarse en el agua. El rafting, el piragüismo y el rafting en aguas bravas son los estilos preferidos de este deporte.

Autor: Redacción Vicious Magazine

A lo largo de la historia de la humanidad se ha practicado rafting en ríos para viajar o pescar. Se sabe que esta actividad deportiva de aventura se practica desde 1811 y la versión moderna se popularizó alrededor de la década de 1950. El primer intento conocido de practicar este deporte extremo tuvo lugar en el río Snake, sin el equipo de rafting actual. El río recibe el nombre de Mad River debido a su peligroso recorrido...

Este deporte se solía hacer con una persona remando con balsas de 3 a 4,3 metros con remos de doble cara. El rafting y el descenso de aguas bravas modernos se realizan con balsas para varias personas y remos unilaterales. La embarcación es propulsada por un equipo sobre ella. El equipo es guiado por un guía de balsa profesional en la popa de la embarcación, que controla la navegación y la velocidad de la embarcación dirigiendo al equipo.

No te fíes, el rafting puede ser mortal en algunos ríos, hoy en día lo practica mucha gente y es una actividad deportiva al aire libre segura en las zonas comerciales. Este deporte también cuenta con torneos y una Federación Internacional de Rafting. La mayoría de las rutas comerciales son adecuadas para principiantes y puede encontrar fácilmente

excursiones diarias de rafting, excursiones de rafting en camping y rafting en aguas bravas según su nivel de experiencia.

El rafting en aguas bravas tiene más acción que el rafting tradicional. Conquistar el río con trabajo en equipo y vencer el miedo a las peligrosas aguas bravas hace que este deporte sea muy emocionante. Lo mejor del rafting en aguas bravas, lo que lo diferencia de los demás deportes de acción, es la posibilidad de compartir la alegría de la acción con los seres queridos. Es una actividad con 200 años de antigüedad y comparte una historia común con el rafting. Al igual que el rafting, se practica con un equipo de 8 a 12 personas y un guía de rafting

Se trata de un deporte que depende de la ocupación estacional de los ríos y del caudal de agua. A partir de la primavera, el agua baja de las montañas y llena los cauces de los ríos. Así que puede practicarse de marzo a octubre, pero suele hacerse en verano. Puede elegir cualquier mes en función de la afluencia de público. Si quiere probar este deporte sin aglomeraciones, puede hacerlo en marzo, abril y mayo, ya que el turismo de rafting alcanza su punto álgido en verano.

MIAMI MUSIC WEEK 2024

Miami volverá a convertirse en el epicentro de la música electrónica a nivel mundial con una nueva edición de la Miami Music Week. Cientos de eventos, artistas y miles de personas se darán cita en la ciudad para dar la bienvenida a la temporada que acabará con el siempre espectacular Ultra Music Festival.

Texto: Israel Méndez

La Miami Music Week, o MMW, volverá desde el 19 al 24 de marzo para reunir a personas de todo el globo con el único objetivo de disfrutar de los mejores eventos de música electrónica en una de las ciudades más icónicas del mundo. Si no sabes lo que es, la MMW es uno de los eventos de música electrónica más reconocidos a nivel mundial en el que se dan cita cientos de miles de personas en lo que se llama “el paraíso de la música dance”. Este año además están de enhorabuena, porque soplarán su décimo aniversario y lo harán con cientos de eventos y los mejores artistas de música electrónica del mundo que se repartirán en distintos clubes de toda la ciudad.

Este año habrá más de 150 eventos de música entre los que elegir, ya sean fiestas en clubs, pool parties, yates, barcos o en el colofón final del que ya te hablaremos más adelante. Sin duda una oda a la diversión que nadie se quiere perder y que hace que la ciudad norteamericana se paralice durante una semana para hacer bailar más que nunca a todos los allí presentes.

Cualquier género o subgénero de música electrónica tiene cabida en estos eventos. Si nos ponemos a escribir sobre todos quizá necesitaríamos más de una revista completa pero para que te hagas una idea podemos disfrutar desde la música de Josh Wink en Paraiso Estereo, hasta un b2b entre Hernan Cattaneo con Nick Warren en un Yate, pasando por la fiesta Masquerade de

Claptone en Hyde Beach o Afterlife de Tale of Us, y sets de DJ Pierre, Black Coffee, Kaskade, Gorgon City, Green Velvet, Vini Vici, Oliver Heldens, Tchami x Malaa, deadmau5, Cosmic Gate, Hot Since 82 y un muy muy largo etcétera de artistas en decenas de emplazamientos. Y eso no es ni un 2% de todo lo que hay.

Una fiesta que nos hace especial ilusión es la del legendario sello Toolroom Records de Mark Knight que se celebrará el domingo 24. En ella el cartel contará con el dj y productor español Crusy que volverá a la MMW para dejar de nuevo el pabellón nacional bien alto, esta vez en un b2b junto con Tony Romera por primera vez. Por supuesto estará Mark Knight y otros grandes artistas como Solardo.

Desde el punto de vista del visitante, el objetivo es disfrutar, pero desde el punto de vista artista, esta semana es mucho más que eso. Es un punto de reunión en el que se puede hacer mucho: desde mostrar tu música a un público al que quizá no llegarías, cerrar colaboraciones con otros artistas de cualquier parte del mundo o incluso cerrar acuerdos con marcas. Es un momento muy especial que se puede utilizar para crear, forjar y afianzar relaciones a futuro en las que todos pueden salir ganando. Es una semana en la que artistas pueden reforzar y encauzar su carrera. También para promotores o marcas es un evento anual muy importante para networking.

Ultra Music Festival, el evento principal

Hablar de Ultra Music Festival es hablar sin duda de uno de los mejores festivales del mundo y es el encargado de poner punto y final a esta frenética semana. Será su edición número 24 y no tenemos miedo a decir que cuenta con uno de los mejores carteles, sino el mejor, que ha tenido nunca. El Ultra Music Festival, que a partir de ahora llamaremos UMF o Ultra, es el colofón final a una semana cargada de música en una de las ciudades más especiales y con mejor ambiente del mundo. Solo en el UMF se reúnen 165,000 fans de más de 90 nacionalidades distintas.

El Ultra se llevará a cabo en el emblemático Bayfront Park durante los días 22, 23 y 24 de marzo y recibirá a miles de personas llegadas de distintos rincones del mundo, como siempre. Muchos artistas, sobre todo más mainstream, lo consideran como el festival que da inicio a la temporada por lo que lo utilizan a método escaparate para presentar mucha música nueva en la que han estado trabajando durante todo el invierno.

El UMF también es un festival que ha lanzado al estrellato a muchos artistas que ahora están en lo más alto, tales como Hardwell, Nicky Romero o a Swedish House Mafia como agrupación. Ahora todos son ya prácticamente leyendas. Y, como te decimos, ha sido punto de presentación de cosas nuevas que nadie esperaba, como el debut del espectacular artista que todos echamos de menos: Avicii. Fue en el mainstage donde presentó el concepto que muchos catalogaban de “Country house” e incluso muchos se rieron, pero el tiempo lo hizo crecer aún mucho más y contar con millones y millones de fans.

Contará con más de 10 escenarios entre los que se pueden destacar es el Ultra Main Stage, RESISTANCE, A State of Trance, Dirty Workz y la icónica Megastructure. El cartel lo forman más de una centena de artistas de todo tipo y cuenta con muchas sorpresas entre las que destacan:

-La vuelta de Calvin Harris: El dj y productor escocés lleva unos años en lo más alto sacando temazo tras temazo y este año volverá a Ultra satisfaciendo la necesidad de fans que lo llevan pidiendo muchos años.

-Dirty Workz: El escenario puramente de hardstyle volverá al Ultra con un cartel espectacular liderado por el capo del sello: Coone. Artistas como Sub Zero Project, Warface, Radical Redemption o Ran-D estarán por allí con los ritmos más potentes de la escena hard actual probando, una vez más, el género está creciendo tanto en la escena estadounidense.

-Fisher x Chris Lake: Presentado en el Live Stage de Coachella, UNDER CONSTRUCTION, el show de estos dos fenómenos, llegará al UMF para hacer bailar a todos los asistentes con ritmos de lo más pegadizos. Sin duda un highlight que nadie se puede perder.

-Hardwell: Aunque esté a más de 7000 kilómetros de los Países Bajos, podemos decir que Hardwell en Ultra está como en casa. Siempre nos deja un gran set y este año no va a ser menos.

-Armin van Buuren: Además de pinchar en el escenario principal, un clásico del Ultra siempre es el escenario de A State of Trance. En cada edición, el holandés realiza un episodio especial del emblemático programa de radio desde allí además de pinchar un set de puro trance que siempre queda en la memoria de los asistentes.

Te preguntarás: ¿pero qué pasa con artistas de techno, dónde están? Esa es la otra gran sorpresa, pero pensamos que merecía un apartado aparte, así que allá vamos.

RESISTANCE, para los más underground

La marca RESISTANCE del Ultra Music Festival, creada para dar cabida a los sonidos más underground del espectro de la electrónica, contará también con un cartel que quita el hipo que se repartirá a lo largo de dos escenarios: Megastructure y The Cove. Esta marca se presentó en 2015 y ha tenido tanto éxito desde entonces que no solo es parte fundamental de este gran evento, sino que ya ha viajado por todo el mundo e incluso cuenta con una residencia en el Club M2 Miami.

Este año el cartel presenta una gran serie de interesantes debuts de b2bs en este evento tales como el de Dubfire con Ilario Alicante, HI-LO con Eli Brown, Joris Voorn con Kölsch y también debuts en solitario de grandes estrellas como Peggy Gou, Patrick Mason o Artbat. Por supuesto también incluye clásicos como Amelie Lens, Adam Beyer, Adriatique, Eric Prydz o Nina Kraviz.

Mención más que especial es a la cantidad de artistas españoles que nos representarán en RESISTANCE. La lista es más amplia que nunca e incluye los debuts de Wade, el b2b entre Cuartero y el británico wAFF y el retorno de Rafa Barrios. Sin duda una gran representación que, estamos seguros, hará disfrutar a miles de personas durante sus actuaciones en el Ultra.

RESISTANCE estará presente durante los 3 días del festival, es decir 22, 23 y 24 de marzo y es algo que hay que vivir porque no solo la música y el sonido es espectacular, sino que la puesta en escena también está a otro nivel así que si tienes la oportunidad de ir, no lo dudes ni un momento.

El Ultra Music Festival de Miami es un festival de esos que hay que ir, al menos, una vez en la vida si te gusta la música electrónica y no solo por el siempre espectacular cartel que muestran en el que rara vez falta alguien, sino porque el ambiente y la localización hacen que sea un evento que quede siempre en tu memoria como uno de los mejores momentos de tu vida… ¿Hacemos las maletas?

Si lo deseas, puedes tener más información de:

Ultra Music Festival: www.ultramusicfestival.com

Miami Music Week: www.miamimusicweek.com

JOANNA COELHO

Se trata de una de las artistas que más están dando que hablar, y bailar, en el panorama mundial del mejor hard-techno, estilo tan en boga entre el público emergente de la electrónica en todo el planeta. Esta brasileña, europeizada, es una apuesta segura y su nuevo hibrid-set será uno de los más solicitados del año… Amor a la música y constancia, ¡así es Joanna Coelho!

Autor: Vicious Magazine

Hola Joanna, ¿cómo una chica nacida en Curitiba consigue convertirse en una referencia mundial del hard-techno?

Yo pienso que lo más importante es el amor a la música y la persistencia. No desistir nunca aunque te digan que no vas a lograr nada o que no puedes llegar donde quieres. No te creas las tonterías que dicen sobre tu futuro y sigue adelante con lo tuyo, porque lo construyes tú.

Sabemos que tu formación es académica, pero imaginamos que también hay mucho de autodidacta en tu forma de pinchar y producir, ¿estamos en lo cierto?

Las dos perspectivas son importantes porque a la vez la teoría es necesaria para comprender lo más básico que hay que saber sobre procesamiento de audio. Es muy importante hacer tus deberes de casa con práctica constante, estudiar manuales técnicos y tutoriales de los equipamientos y también los aportes de amigos y compañeros de profesión que tengan gusto en compartir sus técnicas y conocimiento.

“No te creas las tonterías que dicen sobre tu futuro y sigue adelante con lo tuyo”.

Tu salto desde Brasil a Europa seguro que ayudó mucho a que tu carrera como DJ y productora sufriera un avance exponencial, ¿verdad? ¿Por qué elegiste precisamente Holanda para ello?

Yo elegí Holanda porque era uno de los países en los cuales estaba el máster en el que quería inscribirme, pero también habían opciones en UK y Australia; lo que hubiera cambiado mucho el desarrollo de toda mi historia. Resulta que fuí aprobada en Leiden Universitat en Holanda, donde tuve la suerte de empezar mi carrera internacional en la música hard en 2013 y conocer las más duras referencias musicales de la industria.

Me gusta mucho cómo vinculas el concepto de libertad a la música, ¿es la mejor forma de sentirse fuera de una forma de vida, y sistema, que no nos satisface?

La música me ha hecho sentirme libre en mi vida. No solo en definitiva, de poder ser quien soy y finalmente vivir de ello, sino también de sacarme de una situación de introspección excesiva, ansiedad y depresión. La música me permite entender quién soy realmente, a qué vine y a dar un sentido a mi existencia desde pequeña.

¿Podemos esperar alguna novedad este año en tus performances?

Este año quiero incorporar elementos en directo en mis performances. Hacer un set híbrido es una ilusión que tengo hace muchos años y me gustaría hacerlo posible en 2024 con vocales en directo. Creo que, si hay éxito e interés del público, esto puede ser el principio de una gran aventura.

“La música me ha hecho sentirme libre en mi vida”.

¿Podemos esperar alguna novedad este año en tus performances?

Este año quiero incorporar elementos en directo en mis performances. Hacer un set híbrido es una ilusión que tengo hace muchos años y me gustaría hacerlo posible en 2024 con vocales en directo. Creo que, si hay éxito e interés del público, esto puede ser el principio de una gran aventura.

“La música me ha hecho sentirme libre en mi vida”.

¿Esos vocales los aportarás tú?

Sí, ¡exactamente! Ya tengo algunos EPs de cara al lanzamiento que cuentan con vocales grabadas por mi donde puedes escucharme con mi voz normal como en el track ‘Muy Loca’ o en versión masculina, robot o baby como en ‘Teknogirl’.

¿Qué set-up utilizarás en ese set-live que anuncias para este 2024?

Yo diría que es un hybrid set, con tres decks y vocales en directo hechos por mí, con procesadores vocales Roland y TC Helicon. También pienso en colaborar con otros artistas en set-ups similares con más decks y/o otros instrumentos en directo.

¿Cómo adaptas tus sets para atender los gustos y energías específicos de cada público en distintos países?

Es importante tener un poco de conocimiento sobre la escena musical local para poder comunicarse con el público, siempre respetando mi estilo propio, pero aún aportando referencias reconocibles a ese público específico en la estructura del set.

“Hacer un set híbrido es una ilusión que tengo hace muchos años”.

-Por ejemplo, cuando actúas en España, ¿de qué manera utilizas estos guiños musicales, en tus sets,para meterte al público en el bolsillo?

Estos 9 años viviendo y pinchando por España han sido una masterclass musical en el sentido que, voy aprendiendo que cada zona tiene sus influencias musicales distintas mismo dentro de una esfera de la música hard, visto que en algunas provincias les gusta al público más el industrial, otras más makina, hardstyle, hard psy, new rave, schranz u otros estilos. O sea, siempre manteniendo tu firma, pero hacer que en el set puedan destacar algunas texturas y subgéneros de acuerdo con el público. Hay también que tener en cuenta los bootlegs y edits que pueden funcionar muy bien en una ciudad o país, pero en otros ya no.

¿Qué desafíos o ventajas ves en la creación de remix de temas de otras personas?

Cada remix es un mundo y es increíble como no paras de aprender cuando entiendes el workflow de otros artistas. Nadie hace todo exactamente igual que el resto aunque sea dentro del mismo estilo así que hay mucho que aprender en cada proceso creativo. Aparte, es una ilusión ver un remix tener éxito y saber que tu aporte fué importante en el proyecto como fue el caso de mi remix de ‘Rolling Hard’ a MAIK(Es) que salió el pasado mes en DSR Digital.

¿Y cuál es el mejor remix que han hecho sobre un tema tuyo, hasta el momento?

Creo que por demanda popular el mejor tiene que ser ‘Work My Body’ en la remezcla de Schiere que tuvo mucho éxito entre los djs y el público.

¿Cómo te mantienes en forma física y emocionalmente cuando estás de gira o tienes performances muy frecuentes?

Para mí pinchar es un ritual. Hay que estar bien con uno mismo para transmitir la energía correcta. Aunque tengas problemas personales hay que superarlos, aunque sea únicamente en el momento de la performance. Para ello, hay que tener control de uno mismo. Para mí, personalmente, eso significa descansar previamente, buscar equilibrio emocional y no consumir alcohol. Claro que esto ya es una decisión personal, cada uno tiene su manera…

“Para mí pinchar es un ritual”.

¿Hay algún evento, fiesta o festival en el que sueñas tocar?

Felizmente, en el último año, y espero también en este 2024, tuve la oportunidad de realizar muchos sueños pinchando en festivales que yo tenía la ilusión de ir aunque fuera como público y estoy muy agradecida por ello. Sin embargo, si yo tuviera que elegir algunos de los eventos, en que más tendría la ilusión y honor de pinchar, serían por ejemplo Verknipt, DURO, Monegros, Brunch y Tomorrowland, entre otros.

-Para terminar Joanna, ¿por qué piensas que el hard-techno ha logrado tanta popularidad en los últimos años?

Esta es una reflexión personal que hice muchas veces desde la pandemia y entiendo que podéis no estar de acuerdo con ello, pero es algo en que pienso mucho desde el renacimiento del estilo . Me parece que la sensación distópica que trajo el año de 2020 cambió el chip de una juventud que hacía muchos planes para el futuro con una seguridad que en nuestro subconsciente ya no existe. Hemos presenciado una situación extrema que nos ha hecho repensar la vida y querer vivirla con la máxima intensidad, aún más que antes. Ahí es donde entra la música electrónica, una música caracterizada por la abstracción, la libertad y en el caso de hard techno, también por la intensidad, justamente lo que los jóvenes parecen estar buscando en este momento histórico.

FRITZ KALKBRENNER

Su electrónica, definitivamente, abraza al pop desde una visión soulera que le pilla todo el beat. Hace mucho que Fritz Kalkbrenner dejó de ser el “hermanísimo” para protagonizar una carrera que, por méritos propios, lo ha llevado al éxito, a la popularidad y a disfrutar de un estatus de top, nunca imaginado ni por él mismo. Durante este mes marzo volverá a livear en Madrid, en la sala Lula Club. Sería un delito perdértelo, tanto como no leer esta entrevista…

Autor: Fernando Fuentes

Hola, han pasado ya más de 20 años desde que 2003 pusieras voz al tema ‘Forms & Shapes’ de tu amigo de la infancia Sascha Funke, ¿qué balance haces de estas más de dos décadas de carrera como músico?

Absolutamente, cuesta creer que ya hayan pasado 20 años. En aquel entonces, nunca imaginé que esta sería mi carrera que abarcaría más de dos décadas. Ahora que lo reflexionamos, el viaje ha sido bastante diferente de lo que es hoy. Al principio, lo movía más la pasión, lo hacía sin pensarlo dos veces, pero a medida que evolucionó hasta convertirse en una profesión, tuve que hacer ajustes. Se volvió esencial conectarme con la realidad y gestionar la transición de la pura pasión a una carrera sostenible. Mirando hacia atrás, no habría predicho que este se convertiría en mi trabajo durante las últimas dos décadas.

El soul como nexo de unión, y vehículo conductor, entre tus estilos musicales favoritos, como son el hip-hop, el techno y el house… ¿en ese equilibrio entre el corazón y la máquina está el secreto del éxito?

Siempre me he esforzado en mantener estas dos facetas separadas. Ambos tienen una importante influencia musical para mí a nivel personal e inevitablemente dan forma a lo que produzco. No es un intento deliberado de fusionarlos, sino que el profundo impacto de ambos aspectos se manifiesta naturalmente en mi trabajo.

¿Te gusta que se defina tu sonido como electrónica que abraza al pop? ¿O al contrario?

Sí, puedo identificarme con ese sentimiento. Las discusiones sobre lo que constituye lo convencional, lo underground y todo lo intermedio pueden ser bastante extensas.

Personalmente, a los 42 años, siento que he superado la necesidad de tales distinciones.

Al final, me siento cómodo con el término “la electrónica abraza el pop”.

“Al final, me siento cómodo con el término ‘la electrónica abraza el pop’”.

¿Dónde está para ti la delgada línea que separa el pop del mainstream?

Creo que lo que es muy importante es el enfoque, especialmente a la hora de crear pistas orientadas a los clubes. Es difícil para mí responder esa pregunta, pero en última instancia, el enfoque sigue siendo clave en tu proceso creativo.

En 2008 publicaste ‘Sky and Sand’ junto a tu hermano Paul Kalkbrenner en Bpicht Control, ¿Te gusta que se te siga recordando por aquello y por ser parte de la banda sonora de la famosa peli ‘Berlin Calling’?

Para mí, como artista, es importante ser recordado por la totalidad de mi trabajo, y no solo por un único tema. Cada álbum representa una faceta diferente de mi expresión artística, y centrarme únicamente en una canción significaría perderme una parte importante de mi viaje creativo.

En tu disco ‘Gran Départ’ de 2016 se notó un agradable salto cualitativo, compositivo y lírico en tu carrera. En temas como ‘Don’t you say’, ‘In this game’, ‘Inside’ o ‘Hearts & hands’ mostrabas una preclara madurez -analógica vs. sintética- que venía dada por una mayor complejidad y profundidad a la hora de idear, cantar y sustanciar sus temas, ¿fue un punto de inflexión en tu carrera?

Cuando miro hacia atrás y comparo mi cuarto álbum con los anteriores, veo una clara progresión hacia una mayor complejidad en mi música. ‘Gran Départ’ fue un punto de inflexión para mí porque quería traer músicos en vivo y experimentar con cuerdas en vivo. Realmente disfruté haciendo ese álbum, pero después me sentí un poco estancado creativamente. Entonces, para cambiar las cosas, decidí ir en una dirección completamente diferente con el siguiente álbum, que era todo electrónica instrumental. Era mi manera de salir de esa rutina creativa.

Personalmente creo que ese álbum supuso el hito final para que ya se te reconociera internacionalmente más allá de ser el hermano de Paul, creo que para muchos fue cuando dejaste de ser el “hermanísimo” … ¿lo ves así?

Parece que este tipo de discusiones eran más frecuentes hace 20 o 15 años, pero no tanto ahora. A mi edad ya no es la década para ese tipo de conversaciones. Sin embargo, si alguien todavía elige verme bajo esa luz sin considerar quién soy realmente ahora, esa es su decisión y, sinceramente, no podría importarme menos.

Por cierto, y para zanjar la cuestión familiar, ¿os habéis planteado volver a producir o livear juntos desde aquella última vez de 2014? ¿Existe alguna posibilidad o es un no rotundo?

Sí, Paul y yo colaboramos en una canción, y él remezcló uno de mis sencillos de mi primer álbum, mientras que yo le devolví el favor remezclando una pista de su álbum de remezclas. Sin embargo, de cara al futuro, no veo que volvamos a colaborar pronto. Ambos estamos bastante ocupados con nuestros propios proyectos y ambos tenemos nuestros propios enfoques de producción, donde tendemos a manejar todo nosotros mismos hasta cierto punto. Si bien Paul podría disfrutar la idea de trabajar juntos nuevamente, también podría tener dificultades para aceptar ideas que no son las suyas y eso es lo mismo conmigo. Entonces, por ahora, no veo otra colaboración en el horizonte. Pero como dicen, nunca digas nunca.

“Por ahora, no veo otra colaboración en el horizonte con Paul. Pero como dicen, nunca digas nunca”.

Uno de tus mejores virtudes como productor es que utilizas con destreza elementos propios del pop y del soul a los que aportas unos ritmos, texturas y líneas de bajo muy al estilo de la electrónica alemana… ¿es, precisamente, esta paradoja la que hace diferente a tu sonido?

Es posible que algunas personas la clasifiquen como una forma de música electrónica alemana, aunque no estoy del todo seguro. Si bien puede haber similitudes en sonido o estilo, no es algo por lo que me esfuerzo intencionalmente.

En algunas críticas he leído que cuando te sales de tu zona de confort musical -deep-house-tech-soul- para adentrarte en espacios más tech-clubs, pierdes algo de interés… ¿qué les contestas?

Reconectar con ese tipo de interés es un desafío que enfrentan muchos artistas después de estar en la industria durante 20 años, y yo no soy la excepción. Es natural que estos sentimientos vayan y vengan en oleadas; Hay momentos en los que estás completamente comprometido y lleno de energía, y otros momentos en los que te sientes un poco aburrido porque todo empieza a parecer repetitivo. Es esencial trabajar activamente para mantener su interés y pasión. Por ejemplo, de 2008 a 2014, estuvimos explorando una vibra deep house-tech-soul, pero eventualmente, sentimos como si estuviéramos recorriendo un camino muy trillado sin nada realmente nuevo o emocionante que ofrecer. Es por eso por lo que actualmente estoy enfocado en redescubrir cosas viejas de maneras nuevas, inyectando energía fresca y creatividad en mi trabajo.

¿Qué opinión te merece la actual música electrónica que se produce en tu país?

Es increíble ver la diversa gama de expresiones artísticas que ocurren en la escena de la música electrónica de Berlín. El heavy techno es definitivamente una tendencia en este momento, con artistas emergentes como DJ Heartstring revisando sonidos que tienen raíces que se remontan a 30 años. Estas tendencias a menudo vienen en oleadas, pasando por diferentes estilos e influencias a lo largo del tiempo. A pesar de estos cambios, estoy agradecido de que Alemania, y Berlín en particular, continúen siendo un centro próspero para la música electrónica, consolidando su lugar como uno de los principales actores en el escenario global.

“El heavy techno es definitivamente una tendencia en este momento…”.

¿Qué pasó con aquel sello Suol, en el que tantos temas publicaste en la primera década del 2000?

Dejé el sello hace unos años y parece que el sello se ha quedado en silencio. John y Chi-Thien han cambiado su enfoque a la producción de televisión y, aunque todavía tengo noticias de los muchachos de vez en cuando, desearía que pudiéramos mantenernos más en contacto. Sin embargo, como todo el mundo tiene más de 40 años y lleva vidas ocupadas, encontrar tiempo para reconectarse puede ser un desafío. Parece que pasar el rato con el equipo todo el tiempo es más una cosa de gente más joven.

Con los años tu sonido se ha vuelto más houssie, cálido y suave… ¿es una cuestión de madurez compositiva?

Supongo que sí. Cuando escucho mi música anterior, noto que tiene una vibra más apresurada e intensa, con grandes sintetizadores y líneas de bajo. Es interesante cómo nuestros gustos evolucionan y maduran con el tiempo.

En una vieja entrevista me dijiste que ‘para tu primer disco tienes toda una vida, pero para el segundo, solo tienes un año’. Ya hace más de tres años que no has publicado un LP… ¿Habrá un séptimo? ¿Para cuándo?

Lo dije, de hecho. Es importante reconocer que los álbumes ya no generan tanta publicidad como antes. Entonces, hubo un período en el que me concentré más en lanzar sencillos. Actualmente paso mucho tiempo en el estudio reuniendo materiales. Quizás 2024 sea el año de un nuevo álbum, pero no quiero hacer ninguna promesa todavía.

En el pasado 2023 publicaste tres releases, dos de ellas en tu sello Nasua Music, ¿mejor en casa que en otro ningún lado? ¿Qué proyectos tienes para tu label para este 2024?

Ya terminé algunos trabajos prometedores en el estudio. Ahora viene la parte de planificar cómo lanzarlo y promocionarlo. Pero todavía nada está escrito en piedra.

Entre las mismas destaca ‘Hert on Hold’ que firmas junto a Oliver Koletzki en su sello Still Vor Talent, ¿cómo surgió esta colaboración entre viejos amigos?

Es un viejo amigo mío y nos conocemos desde hace más de 20 años. En aquel entonces teníamos estudios en el mismo piso de Suol Studios. Para su último álbum, estaba trabajando cerca de Kreuzberg y me contactó para colaborar. Sus ideas me intrigaron, por lo que fue una decisión fácil decir que sí y sumergirme en la colaboración. Sabemos que eres de los que cuando estás produciendo te puedes tirar 10 horas al día encerrado durante muchos meses, ¿es la única forma de sacar un trabajo en tiempo y forma?

Ya no paso tanto tiempo en el estudio como antes. Ese es un cambio que muchos artistas experimentan a medida que maduran. Cuando era más joven y luchaba por encontrar inspiración, pasaba horas en el estudio, esperando encontrar una chispa de creatividad con solo mirar el equipo. Hoy en día abordo el tiempo en el estudio de otra manera. Sólo entro cuando tengo una idea clara que quiero darle vida. Es un enfoque más eficiente y productivo para mí. Si no tengo ninguna idea en mente, no veo el sentido de forzarla sentándome en el estudio.

“Sólo entro al estudio cuando tengo una idea clara que quiero darle vida…”.

¿Qué release te ha costado más tiempo y trabajo y por qué?

Mientras trabajaba en mi último álbum ‘True Colors’ hubo ciertas pistas que terminaron siendo muy complejas. De algunos de ellos tengo alrededor de 20 versiones diferentes en casa. Definitivamente fue el álbum en el que he trabajado más tiempo, pero al final el esfuerzo valió la pena.

¿Te gusta que también se te considere cantante o prefieres que se te ubique solo como productor?

Digamos que soy un productor que canta, no un cantante que produce. La producción siempre es lo primero para mí.

Tu voz sigue sonando natural, sin ser manipulada, en un estado casi puro… ¿es para que no pierda autenticidad? ¿Es para ti la voz un instrumento más? ¿O el más importante?

La voz es ciertamente un instrumento, pero no necesariamente el más crucial. En mi enfoque, la producción tiene prioridad, sentando las bases de la música. Luego, la voz y la letra complementan y elevan la producción, llevando potencialmente la música a otro nivel. Ese es el escenario ideal de lo que una voz puede lograr en mi trabajo.

“Soy un productor que canta, no un cantante que produce”.

Fritz, ¿has cumplido con tus propias expectativas hasta el momento? ¿Es prestar la máxima atención posible a tu trabajo diario lo que te permite ser cada vez mejor?

Decidí bajar mis expectativas. Reducir tus expectativas te permite sorprenderte gratamente cuando las cosas salen mejor de lo previsto. Si bien siempre me esfuerzo por mejorar y crecer, encuentro útil y saludable establecer metas realistas en lugar de alcanzar algo que puede estar fuera de mi alcance.

En tu live te muestras muy feliz, expresivo y dinámico, alejado de esa presunta frialdad teutona… ¿los mitos están para romperlos?

Es importante ser auténtico, y si así es como parezco, entonces es fiel a quien soy. Como cualquiera, puedo ser sencillo y directo, lo que algunos pueden percibir como frío o grosero, pero es simplemente un rasgo cultural alemán.

En tu directo no solo suenan tus temas más recientes, también hay sitio para tus viejas producciones… ¿lo enfocas como un repaso a toda tu carrera? ¿La gente lo sabe agradecer?

Al seleccionar un setlist que abarca desde mi primer álbum hasta el último, incluido material inédito, puedo crear un arco que muestra la evolución de mi sonido. Esto permite una actuación fluida y vibrante que mantiene al público interesado y les proporciona una experiencia integral de mi viaje musical.

“Reducir tus expectativas te permite sorprenderte gratamente cuando las cosas salen mejor de lo previsto”.

Para aquellos que no han tenido aún la oportunidad de verte en directo, ¿qué equipo sueles usar habitualmente sobre un escenario?

Para grandes espectáculos en vivo con canto en vivo, Ableton Live es absolutamente crucial: es el corazón y el alma de la actuación, actualmente en la versión 10. He estado usando Ableton Live desde su primera versión, que se lanzó hace 20 años. Durante estas actuaciones, hay una configuración de micrófono dedicada con equipo externo y viajo con un equipo completo, incluido un ingeniero de sonido. Todas las bases del estudio y las pistas individuales se enrutan a través de un controlador, lo que me permite manipularlas en tiempo real durante la interpretación. Esta configuración me da la flexibilidad de darle forma a la música exactamente como quiero que suene en el escenario.

Terminando Fritz, vuelves a España, a Madrid, el próximo 15 de marzo al Lula Club. ¿Qué podemos esperar de dicha cita? Vamos a por el sold-out, ¿verdad?

Intentaré actuar lo mejor que pueda con el mejor espectáculo posible, para que la gente esté emocionada y esperando con las mismas ansias que yo.

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DOMENICO D'ANIELLO

Empezó siendo uno de los RRPP más conocidos de Ibiza hasta convertirse en una figura icónica en el clubbing de la isla blanca, dirigiendo -desde lo artístico- clubs como Privilege y Heart Ibiza. Ahora es el director del Club Chinois que abrirá sus puertas, y temporada 2024, el próximo 28 de marzo. ¡Al habla con Domenico D’Aniello!

Autor: Jonatan Gutiérrez

Hola Domenico, ¿cómo comenzó tu romance con Ibiza? ¿Llegaste como un turista más o desde el primer momento venías a trabajar en la isla?

Todo empezó por una corazonada, había algo dentro de mí que me decía de ir a Ibiza, aunque no la conocía por nada. Vine a trabajar desde el principio, con poco dinero en el bolsillo y mucha determinación.

Has sido testigo del gran cambio que ha sufrido Ibiza, ¿qué diferencias encuentras entre tu primer año en la isla y la actualidad?

Lo primero es que no pienso que hoy en día se pueda repetir fácilmente lo que pasó a mí. O sea, es difícil pensar ahora en venir a la isla con poco dinero y ningún plan preciso y salir adelante. Vivir en Ibiza es caro. Antes no tanto.

“Había algo dentro de mí que me decía de ir a Ibiza”.

¿Nos puedes hacer un resumen de tu trayectoria laboral en Ibiza?

Empecé en 2006 como RRPP para Privilege Ibiza, y año tras año en el club más grande del mundo, he tenido la posibilidad de aprender las diferentes tareas para que una discoteca en Ibiza funcione. En 2016 llegué a ser el director artístico de Privilege. Mi trayectoria profesional en el Club de San Rafael duró 12 años. En 2018 empecé en Heart Ibiza llevando la programación musical, fue una experiencia mágica. Y en 2022 comenzó mi trabajo actual en Club Chinois Ibiza.

“¡Gracias Privilege por tan buena escuela!”.

Fuiste director de uno de los clubs más importantes de la historia de la isla, Privilege. ¿Cómo fue esa experiencia?

Yo estaba muy feliz, había deseado cubrir este cargo desde mi primera entrevista como RRPP 10 años antes. No fue fácil, pero lo que aprendí es la base de mi confianza para los retos profesionales actuales y futuros. ¡Gracias Privilege por tan buena escuela!

En estos momentos eres el director de Club Chinois, ¿cómo llegaste a este club?

Trabajaba en Heart Ibiza y, después de la pandemia, el club fue adquirido por un nuevo empresario, mi jefe actual, que confió en varios de los trabajadores de Heart. Y así nació Club Chinois.

¿Cuáles son las características más destacadas de Chinois y cuál es su filosofía?

Pienso que por tecnología (sonido, visuales, luces…), servicio, calidad y ambiente, Club Chinois es uno de los mejores clubes de Ibiza. La experiencia inmersiva que propone es única. Detrás de los eventos hay mucho trabajo y una fuerte voluntad de mejorar siempre en todos los aspectos para ser una referencia internacional de calidad entre los clubes.

“Club Chinois es uno de los mejores clubes de Ibiza”.

¿Nos puedes adelantar alguna de las fiestas que vais a tener en la temporada 2024?

¡Puedo adelantar que habrá muchas sorpresas! Estoy muy emocionado para esta temporada. Empezaremos muy pronto, nos vemos el 28 de marzo con Trip y un super line up.

Como director de un club, ¿qué es lo más gratificante y lo más desagradable de tu trabajo?

Es muy gratificante tener el club lleno y a los clubbers bailando como si no hubiera mañana… Lo contrario es lo más decepcionante…

“Es muy gratificante tener el club lleno y a los clubbers bailando como si no hubiera mañana”.

¿Cómo definirías la situación actual de Ibiza?

Complicada. Es un destino top y hay que trabajar para mantener un equilibrio, entre el éxito y todo lo que esto conlleva, y los recursos de la isla.

Finalmente, para Domenico Ibiza es…

Vida

VICIOUS CHART

BY KARLOS MOLINA

Andhim Nice to Meet You SUPERFRIENDS RECORDS

Ashee Poison LIFE & DEATH

Dead Tones & Of The Moon Forever Is Over (Original Mix)

SCI+TEC

Henry Saiz & Imalgi Kickboxer BALANCE MUSIC

IDOS Everybody Dancing BAU_HAUS

Dubfire Swerve (Mathimidori´s Fukai Chikara Remix) TEC9S4

Guy Gerber Rainchecks in Montreal (Roy Rosenfeld Remix) RUMORS

¡Apóyanos! No descargues música ilegalmente

Kölsch & Tiga Hand In Hand (Jonathan Kaspar Remix) TURBO RECORDINGS

Solique Fakes SUM OVER HISTORIES

TWiiNS ft. Samet Gunal Debold EASTERN STANDARD

Encuentra todos los tracks de Vicious Chart en las siguientes tiendas digitales: www.beatport.com / www.spotify.com / www.itunes.com / www.junodownload.com / wwww.traxsource.com

DEXPHASE LA CONTRA

RAVE IS NOT A CRIME

Su marca Blackworks es sinónimo de uno los eventos musicales de referencia de tecnología y hard-techno a nivel mundial, con presencia en países como Alemania, Bélgica, Canadá, Colombia, Escocia, Estados Unidos, Países Bajos, Italia, Francia, etc. Y es que Dexphase en todo lo que hace exhala pasión, ilusión y una visión estratégica clara y meridiana que lo ubica en el top del estilo electrónico más en boga en este 2024.

Autor: Fernando Fuentes

Hola Dexphase, tu proyecto Blackworks es uno de los eventos musicales de referencia de tecnología y hard-techno en todo el mundo, ¿cómo lo has conseguido?

Blackworks es un movimiento de techno y hardtechno referente en la escena. Alrededor de la marca se ha creado una comunidad de personas de todo el mundo que son amantes de este estilo musical y que se sienten identificadas con el proyecto. Hemos conseguido crear una experiencia inmersiva, no sólo una fiesta, dónde la tecnología está muy presente.

¿Cómo fueron los inicios del proyecto Blackworks en Madrid?

Los inicios no fueron fáciles… Tuvimos mucho que demostrar a las salas y a las agencias de artistas, que tenían sus principales promotores fijos desde hace años. Cuando un chico de 21 años pide una fecha a una sala para hacer fiestas con una marca aún sin rodar, es normal que haya dudas. No es fácil apostar por ello cuando no hay ningún tipo de experiencia previa. En ese momento, yo tenía varios grupos de relaciones públicas y páginas promocionales en redes sociales, lo que me ayudaba mucho a entender lo que quería el público y conseguir llegar a él. Pero había que demostrar que éramos una marca seria y que íbamos a ofrecerles calidad.

Las primeras fiestas fueron bastante duras, hacíamos los domingos y asistían entre 100 y 150 personas. Por suerte, en el tercer mes, conseguí un domingo víspera de festivo e hicimos sold-out con la primera vez de Nico Moreno en España.

“Hemos conseguido crear una experiencia inmersiva, no sólo una fiesta, dónde la tecnología está muy presente”.

¿Contar con una importante y fiel comunidad es algo imprescindible para consolidar algo como Blackworks? ¿Cómo se fue sumando gente a esta llamada hard-techno?

Cuando comencé con el proyecto, tenía la sensación de que no había suficientes opciones para el público, todo era un poco repetitivo, los mismo de siempre. Nuestra filosofía ha sido apostar por artistas emergentes, de hecho, me atrevo a decir que hemos invitado por primera vez a España a más de un centenar de artistas. No había una marca “itinerante” como la nuestra que fuese un movimiento, una comunidad, y no simplemente un club fijo o un lugar concreto. Todo esto sumado a que el público siempre ha sido parte del proyecto, haciéndoles partícipes, escuchándolos y respetándoles, ha sido la clave para conseguir la comunidad tan espectacular que tenemos. Quiero aclarar que, aunque estamos bien marcados con el hard-techno, no nos encasillamos, podéis echar un vistazo al cartel de nuestro festival de Granada.

En 2021 fue cuando diste el paso definitivo para que Blackworks fuera una realidad y, además, fue en un momento muy complicado post-covid, ¿fue un punto de inflexión en la historia de la marca?

El verano de 2021 fue claramente cuando empezamos a crear la comunidad que somos hoy en día, éramos el meeting point y sitio de desahogo de muchas personas. Aún había mucha incertidumbre y muchas normativas por la pandemia. Me lancé y programé varias semanas seguidas en formato open air con artistas de primer nivel. A pesar de que el aforo era muy reducido, conseguimos llenar todos los eventos y que viniese gente de todos los puntos de España a conocernos, incluso de Europa. Después de ese verano, todos los artistas y agencias querían trabajar con nosotros. Además, nos ganamos el cariño y fidelidad de muchísimo público.

“Nuestra filosofía ha sido apostar por artistas emergentes”.

Todos recordamos vuestro primer festival en 2022 en la Cubierta de Leganés… ¿dicho gran hito fue lo que os animó para imaginar que Blackworks sería hoy lo que es?

Sin duda el gran punto de inflexión fue lanzarnos a hacer el primer festival en La Cubierta de Leganés en marzo de 2022. Algo que me parecía imposible, lo hicimos posible consiguiendo prácticamente llenar el evento., recibíamos mensajes de todos los artistas, agencias y ravers, alucinaban con el contenido de vídeos y fotos. Claramente este festival me dio una confianza brutal en el proyecto y me animo a empezar a expandir la marca por toda España y Europa, además tras el éxito de este evento todo el mundo nos tomó mucho más en serio.

¿Por qué crees que el hard-techno ha pasado, en solo unos años, de ser un estilo de nicho en España a convertirse en uno de los géneros electrónicos más seguidos y de moda?

El éxito tiene mucho que ver a que dentro de la música underground, es un estilo bastante abierto dónde puedes escuchar muchos géneros, desde techno, trance, acid, hasta hardcore… incluso muchos edit y remix de temas conocidos. También creo que se debe al boom de las redes sociales, a todo el contenido que se crea a su alrededor, y, sobre todo, al buen ambiente que se crea en estas fiestas.

Hay que decir que tiene muchos detractores, en su mayoría gente que no logra entender que ofrecemos diversión, más allá de estilos musicales, mucha gente que no iría a una fiesta de techno más clásico, y sin embargo viene a Blackworks y disfruta como nunca, no pretendemos gustar a todo el mundo. Dicen que es el nuevo EDM, es posible salvando las diferencias, y que se pasará la moda, yo no creo que le quede muy poco tiempo, se irá adaptando la velocidad, la dureza…

¿Qué aporta el hard-techno hecho en España al género a nivel mundial?

Buena pregunta. Al contrario que muchos piensan, al viajar y hablar con artistas y promotores de todo el mundo, todos consideran que en España tenemos una escena brutal. Es cierto que en países centroeuropeos nos sacan algunos años de ventaja, pero tenemos artistas, clubs y festivales de primer nivel, y sobre todo un público envidiable en la pista.

“Dicen que el hard-techno es el nuevo EDM…”.

De todos los DJS que han pasado ya por vuestras fiestas, ¿cuál ha sido el que más te ha sorprendido y por qué? ¿Y con cual que, aún ya no ha estado, te gustaría poder contar en las próximas citas?

Es difícil elegir sólo uno. Debo decir que cada vez me cuesta más que un artista me sorprenda, no es fácil destacar y hacer algo diferente al resto. Tengo que mencionar que fueron muy especiales para mí las primeras veces con SNTS o I Hate Models, por ejemplo, yo siempre fui fan suyo y les bailé en muchas ocasiones… es un sueño compartir cabina con ellos, me ha pasado con varios artistas y espero que esta ilusión nunca se vaya. Sin duda tengo muchos artistas en mente y con los que me gustaría contar, pero prefiero reservarme sus nombres por ahora.

Cuando una marca, como Blackworks, crece de una manera tan veloz y exponencial se puede correr el peligro de que se pierdan sus valores y filosofía, ¿cómo vais a conservar esa esencia original?

Totalmente cierto. Mucha gente nos dice que hemos perdido la “esencia”, pero personalmente creo que no es así. Estamos mejorando cada día en todos los ámbitos, contando con profesionales en cada área, lo que nos ayuda a ofrecer mayor calidad en nuestros eventos a nuestro público. Obviamente no somos perfectos y vamos puliendo detalles y seguimos aprendiendo cada día, pero estoy muy contento y conforme con la dirección que estamos tomando. Desde mi punto de vista, al asistir hoy en día a un evento Blackworks, se siente una energía muy especial, el show y el ambiente es lo que nos sigue diferenciando del resto.

Vuestra expansión fuera de España ha sido todo un boom, ¿Cuáles han sido los países por donde habéis pasado? y cuáles serán los próximos Países en ser atacados por el ejército Blackwork? ¿Y para cuándo el salto a Asia?

Fuera de España está siendo una locura. Para mí esto es lo que más mérito tiene, teniendo en cuenta la calidad de los promotores que hay en muchos de estos países. Hemos estado en Alemania, Bélgica, Canadá, Colombia, Escocia, Estados Unidos, Países Bajos, Italia, Francia… por mencionar algunos. Este año nos extendemos por nuevas ciudades y países, y sin duda Asia es un continente que tengo entre ceja y ceja, creo que conseguiremos entrar pronto, al igual que Australia.

“Se siente una energía muy especial, el show y el ambiente es lo que nos sigue diferenciando del resto”.

¿Qué tal está funcionando Blackworks como sello?

¿Releases a la vista?

El sello está funcionando genial. Estamos siendo uno de los sellos referentes en la escena, consiguiendo muy buenos releases y dando a conocer artistas muy talentosos. De los próximos lanzamientos destacaría nuestro segundo vinilo, esta vez con un ‘various artists’ muy interesante… Además, tenemos marcado mínimo un lanzamiento en formato EP mensual, por lo que le estamos dando mucha continuidad.

¿Planes sonoros de Dexphase para este 2024?

Con mi proyecto Dexphase también se vienen cosas interesantes. Puedo decir que participaré en el vinilo que mencionaba previamente, y además repetiré en Sacred Court de SNTS. También lanzaré una colaboración con mi amigo Rian Wood en el sello de NineTimesNine. Quiero seguir está línea de hacer colaboraciones con otros artistas, además de sacar un EP en el que llevo trabajando un tiempo.

¿Quién aporta más qué, Dexphase a Blackworks o al contrario?

Hay que ser honesto. Blackworks me lo ha dado todo, sobre todo al principio. Ahora mismo me siento muy afortunado de tener el calendario como artista lleno de fechas, funcionando todas bastante bien y sintiendo mucho cariño del público, pero el empujón inicial fue claramente por Blackworks.

“Con mi proyecto Dexphase también se vienen cosas interesantes”.

¿Dónde y cuándo podremos disfrutar de una buena fiesta Blackworks en los próximos meses?

Hay que remarcar el festival de Madrid en IFEMA los próximos 22 y 23 de marzo. Esta es nuestra mayor apuesta, el festival más grande y ambicioso que hemos hecho nunca. Os invito a todos a vivirlo en directo porque merecerá la pena. Tenemos fechas en los próximos meses en Berlín, Basilea, París, Lyon, Marsella, Glasgow, Nápoles, Foligno, Granada, Sevilla, Mallorca… pero destacaría nuestra vuelta a lo grande a New York y Monegros. También hay otros eventos importantes que aún no podemos desvelar.

Terminando Dani, ¿cómo ves a Blackworks dentro de cinco años? ¿Y de diez?

¡La pregunta más difícil para el final! Creo que el futuro de Blackworks va hacía una disminución considerable de eventos, pero de mayor tamaño y calidad, siendo mucho más exclusivos y especiales. Me gustaría que esté presente en los principales puntos del mapa, trabajando con los mejores recintos y colaboradores en cada lugar. Nos adaptaremos a las nuevas tendencias, pero, sobre todo, sin perder la esencia.

Si crees que la escena hardstyle es repetitiva y carece de novedades, eso es porque todavía no conoces al dj y productor holandés D-Sturb. Tras más de casi 8 años en la escena y cientos de sesiones a sus espaldas, el talentoso artista está listo para sacar su primer álbum en solitario y hemos podido hablar con él sobre eso y mucho más.

Autor: Isrrael Méndez

Hola Jorrit, ¿cómo estás? ¿Cómo fue el fin de semana en Budapest?

D-Sturb: Estoy muy bien. Pasando muchas horas en el estudio porque tengo que acabar el álbum y el deadline se acerca. Anoche, por ejemplo, acabé a las 4 de la mañana en el estudio. Empecé sobre las 12, por supuesto con descanso, pero trabajando duro. El fin de semana estuve en Budapest, era mi primera vez pinchando en Hungría, pinchando en un club muy guay en el centro de Pest. La gente se sabía todas las canciones, bueno menos las nuevas (risas), pero sí que se sabían la melodía de ‘Ode to my Body’ que fue lanzada recientemente…

Entonces, ¿podemos decir que la reacción a los nuevos temas está siendo buena?

¡Sí, muy buena! Creo que hasta ahora he pinchado seis temas de mi próximo álbum, o quizá siete. Muchos temas creo que son más centrados en la pista de baile y otros más para escuchar en el coche, más melódicas con breaks más largos. Obviamente las que son más cortas y duras funcionan mejor en directo en la pista de baile, pero en general el feedback está siendo muy bueno.

De hecho, ‘Ode to my Body’ es el primer single del que será tu primer álbum de estudio en solitario: ‘Through my Veins’. ¿Qué es lo que nos tienes preparado?

Van a ser un disco con más de 10 temas, con colaboraciones y en solitario por supuesto. Estoy muy contento porque será mi primer álbum en solitario como artista. En 2019 saqué uno con Warface, ‘Synchronised’, que fue el primer álbum que saqué oficial con todo colaboraciones, pero ‘Through my Veins’ será diferente en el sentido que será mi primer disco en solitario e incluirá mucha música nueva en forma de originales, colaboraciones y algún remix.

Las colaboraciones serán principalmente con artistas que son relativamente nuevos en la escena, con artistas con los que todavía no había colaborado. Es muy inspirador trabajar con nuevos talentos porque hacen música de una forma totalmente distinta y yo llevó ya más de ocho años en la escena. Cuando yo empecé la escena era diferente, la música era diferente, así que pensé que sería bonito quedarme con los temas en solitario más cercanos a mi estilo obviamente y tambiéxn evolucionar un poco más mi sonido y adaptarlo a este nuevo estilo con las colaboraciones. Una combinación de mi estilo con lo nuevo.

Presentaste el disco con el lema de ‘Trayendo de vuelta el hardstyle en su forma más pura’, ¿qué quieres decir con esto?

Sí. Me refiero a que me quiero quedar cerca de mí mismo, de mi sonido pero también evolucionar y adaptarme al nuevo estilo. La música tiene que evolucionar sino hay un punto en que es aburrida y también para mí. Cuando estoy en el estudio no me gusta hacer música que suene igual, por supuesto las melodías siempre son distintas, pero me gusta experimentar constantemente para hacer siempre algo distinto pero que mantenga mi esencia. Por ejemplo en el álbum se podrá escuchar cómo he utilizado kicks más antiguos de D-Sturb y también zaagkicks porque me gustan cuando no son demasiados, por ponerte un ejemplo.

Intento hacer hardstyle en todos los sentidos, es decir: old vibes, euphoric vibes, raw vibes… eso es a lo que me refiero con “Traer de vuelta el hardstyle en su forma más pura” y es lo que he intentado. Traer todos los elementos que conocemos del hardstyle en un sólo álbum.

¿Cuándo fue cuando decidiste sacar el álbum?

Fue durante la temporada de festivales del año pasado mientras hacía mi live act de “Welcome to my Playground’. Estaba pensando con mi management cuál sería el siguiente paso en mi carrera después de estos shows, mi próximo gran proyecto. Hice otro live act antes de la pandemia en 2018/19 llamado ‘The Next Level’, en 2019 fue el álbum con Warface y el año pasado ‘Welcome to my Playground’ y pensamos que era el momento de ir adelante con un álbum en solitario. Nunca había hecho uno y como te he dicho llevo ocho años en la escena y pensé “ya es hora”. No es otro live act sino algo completamente nuevo para mí y ha sido algo muy especial.

Será presentado en abril en el festival ‘Rebirth’ durante tu host del escenario principal el domingo. ¿Qué sorpresas tienes preparadas para los asistentes?

¡Exacto! Pues la primera como has dicho es que uno de los sets es donde presentaré ‘Through my Veins’ cargado con todos los temas nuevos. También estaré junto a Vertile con nuestro show ‘Best of Both’. Otro set que me apetece mucho es el que voy a hacer llamado ‘Legacy’. Va a ser una sesión de solo canciones mías antiguas. Nunca he hecho un set de clásicos por así decirlo pero estoy seguro de que va a ser muy divertido porque creo que las canciones traerán muchos recuerdos a la gente. Tengo muchísimas ganas de este set. También se pasarán muchos artistas como Rebelion, D-block & S-te-fan, Warface, Sefa…

Vemos que todos tus live acts giran muy en torno a videojuegos, ¿eres gamer?

¡Sí!

¿A qué sueles jugar?

Principalmente juego ‘FIFA’ y ‘Fortnite’. Pero también he jugado mucho ‘Grand Theft Auto’, estoy esperando con ganas el lanzamiento de ‘GTA VI’, especialmente después de ver el trailer. Me gusta jugar siempre con amigos u online, no suelo jugar solo. ‘FIFA’ me encanta jugarlo siempre con amigos en el sofá o, como te digo, online… ¿Algún equipo especial?

¡Ultimate Team! (risas)

¿Qué más hobbies tienes para desconectar?

Me gusta salir con amigos a tomar un café y hablar. Me gusta ir al gimnasio. Cuando estoy de tour es más difícil ir frecuentemente pero me gusta ir cada semana. Me encanta cocinar también… Me gusta mucho después de estar en el estudio desconectar cocinando y lo que conlleva, es decir, ir a comprar la comida y pasar 2 horas cocinando, por supuesto dependiendo de lo que esté preparando. Es como un tipo de meditación que tengo en la que me puedo relajar y si encima sale bien la comida en la que has estado preparando es una gozada.

“Para mí, musicalmente, el break es igual de importante que el drop y ahora creo que el break ya no importa tanto.”

Eres un artista que viaja mucho. Recientemente has estado en China, Estados Unidos, Europa… ¿Cómo ves la escena hardstyle en la actualidad?

Siendo honesto creo que varía mucho dependiendo del país e incluso de la zona. Por ejemplo estuve en Nueva York recientemente y la costa Este normalmente no hace muchos eventos de hardstyle si lo comparamos con el Oeste, pero el promotor me dijo que está creciendo mucho por la zona y eso espero. Es increíble ver cómo se expande el hardstyle por todo el mundo y ver cada vez más nacionalidades en la escena. Hace que sea mucho más bonita y cómo veo la escena es muy diferente a la época pre-covid: musicalmente y también en el público. Ahora puedes ver mucha más gente joven. Por supuesto todo evoluciona.

Lo que echo un poco de menos es el ambiente. Mi primera fiesta como visitante fue Qlimax en 2012 y fue una noche mágica. Para mí, musicalmente, el break es igual de importante que el drop y ahora creo que el break ya no importa tanto. Eso es lo que no me gusta, echo de

menos esas sensaciones más de ensueño de los breaks del hardstyle de 2012. Tenían unos vibes más de trance y más fascinantes. Hoy día es más acción.

Me encantaría ver más atmósfera en los temas, más balance entre de lo que trata el tema en lugar de solo heavy kicks y shock effects. Muchas veces para mí puede ser algo muy extremo.

¿Crees que ahora el hardstyle tenga espacio en escenarios principales como en Tomorrowland o en otros importantes de grandes festivales como Ultra Miami o EDC es algo bueno para la escena?

Creo que es bueno, ¿por qué no? Creo que la escena hardstyle siempre va a ser más pequeña si la compras con la house o EDM, porque es muy extrema para que se escuche en la radio o enseñarla a personas y digan en el primer momento “oh, me gusta esto”. No me da miedo que se vaya a hacer muy mainstream, también te digo que no es algo que me gustaría.

Me gusta que sea algo más “íntimo”, por ejemplo, si hablas con alguien que te dice que le gusta el hardstyle tengas esa sensación especial de “a mí me gusta esa música también”. Que sea algo especial. Si se hace mainstream y empieza a gustarle a todo el mundo , creo que ese ambiente íntimo se perdería. Pero como te digo no creo que pase. Pero es guay ver que estos festivales cuentan con hardstyle porque son eventos muy grandes e importantes para la escena. Es un gran reconocimiento.

Eres un artista muy querido en España, ¿cómo definirías tu relación con los fans españoles? ¿Qué les quieres decir para acabar la entrevista?

Me encanta siempre pinchar en España. Siempre hay muy buen ambiente. Las dos últimas veces en Fabrik, en Nexus y en diciembre para la 150 fueron espectaculares. La gente lo vive mucho y me encanta. Pinchar allí me gusta mucho y es especial para mí porque mi novia es española. Vivimos en Países Bajos, pero siempre viene conmigo a España y lo pasamos genial, es una forma que tengo de conectar de forma más especial con vosotros porque siempre se acerca gente y es más fácil poder hablar con ellos.

Les quiero agradecer su apoyo por apoyarme siempre, es asombroso. Siempre es increíble hacer un set en España y tengo muchas ganas de ir para allá en mayo para el Maniacs Festival porque es la primera vez que pincho allí. Llevaré mucha música nueva y espero veros allí bailándola.

5 MINUTOS CON...

CRISTINA TOSIO

Hola Cristina, ¿qué te mola más, producir o ser DJ?

Me gusta mucho combinar las dos, crear poco a poco mi propio sonido a la vez que lo comparto en la pista.

¿Cuáles son tus festivales favoritos del mundo para ir a tocar? ¿Y para ir de fiesta?

Para tocar por la impresión yo diría EDC México y Awakenings. Y para ir de fiesta el Burning Man.

¿Qué prefieres pinchar al anochecer o al amanecer?

El amanecer me encanta porque dejo la música de pista por una más melódica y el feeling del público es otro.

Un gran club en el que aún no has actuado y estés loca por ir...

El Fabric de londres o el Space en Miami.

¿En qué se parece el mundo de la moda al de la música electrónica?

Se parecen en que los dos están en constante cambio y evolución, pero al mismo tiempo retoman mucho de tiempos atrás, cosa que a mí me encanta, sobre todo en la música.

Hace unos años, cuando estabas sobre una pasarela, ¿te habías imaginado pinchar en los mejores clubs de Ibiza?

Para nada, amaba la música y me encantaba salir a bailar. Me pasaba el día delante de los altavoces tema tras tema, pero jamás ni me había planteado ponerme detrás de los platos.

¿Ser madre es un problema para una mujer que quiere ser DJ o productora de música electrónica en 2024?

Yo creo que todo es posible, distribuyendo bien tu tiempo y siendo lo más constante posible en todo. Eso sí, no paro en todo el día y a la noche caigo redonda entre una cosa y otra.

¿Cuáles son los tres temas infalibles en un set de Cristina Tosio?

- ‘Astronautin’_Stephan Bodzin (Hernan Cattaneo & Soundexile remix)

- ‘Forever stella’_Emanuel Satie

- ‘Protocol’_ Tal Fussman

¿Te gusta que califiquen tu sonido como progressive melódico lujoso?

Hay muchos tipos de lujo y algunos de poco buen gusto; casi prefiero llamarlo elegante.

TERRAE

Los gallegos Terrae tienen la necesidad perentoria de expandirse y crecer en el plano creativo, como artistas, y en el plano vital, como personas. Y qué mejor forma que dando a luz y publicando un nuevo y primer álbum llamado ‘Medra’ que es un viaje musical global con la electrónica como vehículo cohesionador, ¡abrazando al baile!

Autor: Fernando Fuentes

Hola Terrae, ¿cómo afrontasteis el trabajo de este segundo álbum tras la buena acogida que tuvo vuestro EP Semen?

Ante todo, con amor, paciencia y dedicación minuciosa en cada una de las canciones, muchas horas de estudio buscando sonoridades, grabando todos los instrumentos orgánicos y las voces de los diferentes artistas que colaboran en nuestro primer larga duración.

¿En qué se parecen, y diferencian, ambos trabajos?

El parecido es evidente, respeto y admiración a las identidades sonoras del planeta, esta vez en un tono más mainstream con artistas invitados que aportan sus voces usando la palabra también como mensaje, otra diferencia es que hemos creado un álbum más arriba de beats, un disco para llevarlo al directo, donde la finalidad es el baile y la diversión global, esa comunión ancestral que seguimos queriendo mantener en nuestros directos o sesiones.

¿Cómo ha evolucionado Terrae en estos primeros años de existencia? ¿Y hacía dónde transitará?

No hay queja alguna, estamos en continua expansión y crecimiento, hemos tocado en buenos festivales y teatros, una gran felicidad , también avalados con el reciente premio Martin Codax de la música en Galicia al mejor grupo de música electrónica del 2023, la transición seguirá por el mismo camino, intentar llegar al mayor número de personas sin cerrarnos a nuevos sonidos de la world music siempre mezclados con maestría y sin etiquetas de géneros , cada canción es un mundo, un estilo y una historia.

“La electrónica ha sido durante muchos años nuestro lenguaje”.

Este nuevo LP es un viaje sonoro y cultural que trasciende fronteras, ¿es para Terrae una necesidad perentoria lo de expandirse y crecer en el plano creativo, como artistas, y en el plano vital, como personas?

Por su puesto, tanto a nivel creativo como tú bien dices y personal, este trabajo nos ha ayudado a crecer como personas y productores, a descubrir culturas, romper fronteras del global beat, somos dos artistas experimentando sin ataduras a ningún idioma región o cultura, exportando su música y conocimientos “around the world” desde hace mucho tiempo y queremos seguir haciéndolo.

En este ’Medra’ encontramos diez canciones inéditas en las que fusionáis vuestro estilo propio con sonoridades localizadas en muy diferentes zonas del planeta en lo que es un ecléctico abrazo al baile… ¿es la electrónica el vehículo conductor y cohesionador de todo ello?

La electrónica ha sido durante muchos años nuestro lenguaje, en todos los proyectos que hemos estado en nuestra carrera musical ha sido el camino expresivo, forma de vida, por ello la usamos como vehículo conductor, con ella pretendemos mediante el baile hacer sentir al hombre más cerca de la tierra, de lo natural,

tribal, de nuestra propia alma, una reflexión inconsciente o ese estado trance en el que entramos cuando bailamos.

En ‘Medra’ habéis contado con un elenco de extraordinarios y variopintos colaboradores, ¿cómo fue la selección y qué aportan a los temas? ¿Satisfechos con el resultado?

La selección ha fluido, somos enamorados de sus voces y su mensaje, algunos se han quedado fuera para próximos singles, básicamente son artistas que admiramos y que tienen un cariño especial a Terrae, puede decirse que somos todos amigos, por cercanía esta vez supera en la balanza artistas gallegos, contar que Galicia está creciendo sin precedentes en una escena de música electrónica en língua galega. En el caso de El Naan o Mû Mbana son artistas musicalmente opuestos, pero con un fin común y eso ha creado mucha fuerza en esa simbiosis haciendo el resultado algo nuevo para ellos y para nosotros.

“Hemos creado un álbum más arriba de beats, un disco para llevarlo al directo…”.

Para presentarlo habéis elegidos tres singles - ‘Sándalo’, ‘Hiedra’ y ‘Adumu’- muy diferenciados unos de los otros, ¿por qué precisamente estos?

En un disco variado y arriesgado centrarnos en un sencillo no nos parecía significativo, no somos artistas que componen todos los tracks estilísticamente iguales o en la misma línea, idioma o beat. Por ello hemos elegido esos tres ya que muestran varias líneas de composición del disco y así se ve más representado, queremos animar a la gente a perderse por el LP descubriendo aún más diferentes sonoridades.

Nosotros, en Vicious, nos quedamos con ‘Adumu’ por su esencia electrónica, afro y bailable, ¿cómo fue el proceso compositivo de este tema? ¿También es uno de vuestros favoritos?

‘Adumu’ es muy divertida, es de las favoritas, nos pareció muy interesante la cultura Masai y todas sus costumbres, y entre todas, una de ellas en la que los hombres muestran su valía y fuerza, saltando en vertical, un gesto parecido al que vemos con frecuencia en los festivales de música electrónica del mundo, eso nos inspiró e incluimos cánticos Masai y ritmos energéticos. Recientemente la hemos incluido en nuestros directos y animamos al público a saltar como la tribu Masai, es recomendable y divertido a la vez que bueno para la salud y el alma.

“El plato fuerte de Terrae son nuestros directos”.

Finalmente, ¿cómo es el directo con el que estaréis presentado ‘Medra’ en este 2024?

Terrae nació como concepto de espectáculo no como artista musical, por ello el plato fuerte son nuestros directos. En ellos combinamos diferentes disciplinas como la vídeo creación, la danza contemporánea, percusión, creando una atmósfera que te hipnotiza desde el minuto uno y que te lleva a un viaje de sonoridades y sensaciones culturales por todo el planeta Tierra.

S.Ø.K.A.R

La pasión por la música electrónica, su habilidad técnica y capacidad para crear experiencias musicales inolvidables convierten a este DJ y productor granadino en una de las más firmes promesas del clubbing nacional. Atentos a S.Ø.K.A.R…

La música electrónica despertó la curiosidad de este joven artista, originario de Granada, a muy temprana edad. Desde pequeño mostró un interés profundo, una habilidad innata para mezclar con el objetivo de crear experiencias sonoras.

“Desde el techno más oscuro mental, hasta el más pistero”.

Ya siendo solo un adolescente, S.Ø.K.A.R comenzó su incursión en el mundo de la música electrónica. Y lo hizo como se debe: experimentando y perfeccionando sus habilidades en la creación de sets vibrantes y envolventes. Su dedicación y deseo de destacar en la escena musical lo llevaron a explorar diversos estilos, desde el techno más oscuro mental, hasta lo más pistero.

“Destacando por su estilo y capacidad para conectar con el público a través de su música”.

Con el paso del tiempo, S.Ø.K.A.R ha ido ganando reconocimiento en la escena local de Andalucía, destacando por su estilo y capacidad para conectar con el público a través de sus producciones y sets. La destreza detrás de los platos le han permitido actuar en los clubs más importantes como Copera, Fabrik, Florida 135 o Family como figura indiscutible en la escena electrónica emergente andaluza.

“Un fijo indiscutible en el panorama electrónico andaluz con proyección nacional”.

La técnica y pasión por la música le han permitido mantenerse en la vanguardia de la escena, dejando una huella en cada presentación. Su visión artística y dedicación constante a la evolución musical lo han llevado a explorar nuevos territorios sonoros y a establecerse como un artista versátil y multifacético.

Su pasión por la música electrónica, habilidad técnica y capacidad para crear experiencias musicales inolvidables lo convierten en un fijo indiscutible en el panorama electrónico andaluz con una gran proyección nacional.

EN EL ESTUDIO CON lopezhoUSE

Nos colamos en el estudio de dos manchegos que han seducido, nada más ni menos, que al maestro John Digweed con su sonido. De hecho, lo consideran como su padrino y a su sello Bedrock Records, como su casa. Se llaman Lopezhouse y apuntan a lo más alto en las lides de la mejor música electrónica.

¿Cómo es vuestro proceso compositivo?

El proceso compositivo casi siempre ha salido de mil maneras diferentes, muchas veces si es verdad que ha sido escuchando los miles de ideas que se tiene en el ordenador y que nunca terminaron de ser un track. Otras veces fue una ídea preconcebida de lo que se quiere hacer, entonces vas directo, cómo ocurrió en el álbum ‘Apollo’, que claramente fue hacerlo downtempo en periodo de pandemia. Entonces cuando ya tienes esa idea clara es cuando empiezas a organizarte, casi siempre se empieza los sonidos de bass o synth bass y de ahí vas a las bases, o viceversa.

¿De qué partís a la hora de crear un nuevo tema?

Lo que sí es verdad es que siempre se intenta escuchar música: cuando se lleva la peque al colegio, en casa preparando la comida, cualquier momento es bueno para ello y en cada instante puede saltar esa chispa. Aun así, se incide en buscar ideas que ya están creadas en la cantidad de proyectos abiertos. Siempre hay algo interesante en el baúl.

Texto: Fernando Fuentes

¿Sois de los que prefieren inicialmente generar ideas, sin preocuparte demasiado de la mezcla o la parte técnica, para luego ir haciendo el puzle?

Totalmente, la parte técnica siempre se ha dejado más bien al final, aunque es importante ir realizando trabajo de mezcla en el proceso de producción y creación. Después ya vamos al proceso de mezcla donde ya usas todo tipo de plugin (compresores, ecualizadores…) pero aún aquí el proceso creativo sigue estando presente.

“En realidad no hay musas, ni teorías raras”.

¿Con qué equipo producís en el estudio?

Hay algunos previos que se usa para el sonido analógico, por ejemplo, se ha usado siempre el Joemeer VC1, que es un mic preamp de los 60´s que deja un sonido final interesantísimo. Luego para el DAW Cubase y Reason, éste último se utiliza para la producción de sonido digitales, pero estos 2 softwares van comunicados para ir trabajando con sonidos analógicos y digitales a la vez. (REWIRE)

¿En qué os inspiráis a la hora de producir nueva música?

Pues en realidad no hay musas, ni teorías raras. Siempre se ha dicho que, si te pilla la inspiración en el trabajo, muchísimo mejor. Por eso el mejor consejo es invertir en una buena silla de oficina, ya que vas a tirarte muchísimas horas.

A la hora de producir, ¿qué parte dejáis a la experimentación? ¿Os gusta exigiros saliendo de vuestra zona de confort?

La mayor prueba de salirse de la zona de confort fue cuando Digweed propuso hacer un álbum de downtempo en mitad de la pandemia, ahí fue cuando se tuvo que salir de ella totalmente.

¿El equilibrio entre el flujo creativo y la posterior organización son claves para trabajar mucho más rápido y eficazmente?

Sí, totalmente, hay que intentar organizarse de la mejor manera posible, porque si no pasa que generas muchas ideas, pero no terminas ninguna. Pero al final no hay ningún método, cualquier productor tiene su método y lo que le funciona a uno no tiene porqué irle bien a otro.

“Siempre hay algo interesante en el baúl”.

¿Cómo, y cuándo, sabéis que un tema está terminado?

Nunca sabes si ya está terminando del todo, normalmente todo se entrega al 99,9 %.

Para terminar, ¿os gusta autoeditar vuestra música o preferís lanzarla en otros sellos?

Siempre se ha editado en sellos y los últimos años se está trabajando con la persona que más ha ayudado a Lopezhouse, que es John Digweed; siempre nos ha dicho que Bedrock Records es nuestra casa y así es el sentimiento. Home, Sweet home.

PREMIERE

Texto: Kali

Ale San - Just A Second

Estrenamos nuevo track de Ale San, Just A Second. El dj productor barcelonés se estrena con nosotros con esta pieza de house electro fresco y lleno de elementos old school. El track se encuentra formando parte de su próximo álbum auto publicado, titulado Martian Levitation. 10 tracks originales del cual extraemos Just A Second. Ya la venta.

JGR & Yahaira - Fluor Melómana Records

Estrenamos nuevo track de JGR & Yahaira, Fluor, publicado en Melómana Records. El sello pacense nos adelanta una de las piezas de su próximo compilado de artistas de la escena disco o actualmente identificado como indie dance. JGR & Yahaira es uno de esos combos entre productores que han sabido establecerse como artistas principales de dicha escena de música electrónica pistera, pero fuera de clichés y fórmulas establecidas. Fluor saldrá a la venta el próximo 1 de marzo de entre los 12 originales de artistas de la talla de Azaria, Mijo, Macaulay Jackwasfaster por nombrar solo pocos.

Arval - Wedding Mode EXPmental Records

Adelanto de Arval para Mental Picks, Wedding Mode. La etiqueta EXPmental Records nos adelanta uno de los tracks de su próximo Mental Picks, en concreto la 43. El lanzamiento trimestral siempre nos sorprende con artistas que hasta el momento no habíamos escuchado dando como resultado, nuestra grata sorpresa. De los cuatro originales os adelantamos WedDing Mode. A la venta desde el próximo 1 de marzo

Jorge Ciccioli - Grower TUTU

Estrenamos nuevo track de Jorge Ciccioli, Track Grower. La etiqueta especialista en techno TUTU nos adelanta uno de los tracks de su próximo VA, en concreto el del argentino Jorge Ciccioli. Un compilado de techno sintético y de corte clásico. El poder del track Grower residen en el groove, el cual no te dejará indiferente, ¡o eso creemos! A la venta desde el próximo 1 de marzo. .

Gimenoleix - Genesis Lowertones

Estrenamos nuevo track de Gimenoleix, track Genesis. La etiqueta catalana Lowertones nos adelanta uno de los 3 tracks del próximo trabajo de Aleix Gimeno. Uno de los artistas nacionales de microhouse más interesantes en la actualidad y con una primera clase musical. Genesis está lleno de elementos sintéticos cósmicos y delayed, una producción fina y sensual, la cual saldrá a la venta el próximo 1 de marzo.

Mike Shepherd - Sky On Fire (DJ Sies Remix) Easter Egg Plant

Nuevo estreno del belga Mike Shepherd, Sky On Fire, remezclado por Dj Sies. Todo se queda en Bélgica, la etiqueta, Mike Shepherd, y por supuesto el remixer, Dj Sies. Y es que Willem Voet, quien lleva 3 de las etiquetas más efervescentes de la electronica belga, tanto Dark Distorted Signals con su techno representando en Signal Club, FenixFire Records y la más enfocada a lo que fueron los inicios de la música trance, en su versión más mainstream, Easter Egg Plant. A la venta desde el próximo 15 de marzo..

Wagon Cookin’ - Carried Away Feat. Aqeel Appetizers Music

Estrenamos nuevo track de Wagon Cookin’, Carried Feat Aqeel. Después de más de un año enfocados en proyectos personales exitosos como Mr. Offbeat y Nebari, en los sellos Atjazz Records Company y Melómana respectivamente, los hermanos Javier y Luis Garayalde, también conocidos como Wagon Cookin’ o KYODAI, abren la caja de Pandora para celebrar su 25 aniversario con dos lanzamientos sorprendentes. Nos adelantan su single Carried Away Feat Aqeel, un track de primera clase electrónica nacional de estilo house. A la venta desde el 1 de marzo.

Adam (BE) - Augusta GA Dreaming (Black Racer Mix)

Presentamos con entusiasmo el último trabajo de Adam (BE) Augusta GA Dreaming (Black Racer Mix), una joya recién salida del horno de FenixFire Records. Bélgica resurge de las cenizas como el Fénix con la última creación de Adam (BE). La escena musical de Bruselas está emergiendo como un nuevo epicentro creativo, y este productor está a la vanguardia con su tercer EP bajo la tutela del sello de Willem Voet, FenixFire Records.

REVISIONES

¡Apóyanos! No descargues música ilegalmente.

Encuentra todos los tracks de Vicious Chart en las siguientes tiendas digitales: www.beatport.com / www.spotify.com / www.itunes.com / www.junodownload.com / wwww.traxsource.com

ORGANICHOUSE BY IOKHONDA

MAXXIM, FLANERR MOMENTS OF WONDER EXTENDED MIX SONGUARA

Este corte es más que un simple track; es un viaje sonoro que te transporta a un mundo de riqueza étnica desde el principio. La combinación única de vocales evoca la esencia de la India, fusionándose magistralmente con elementos electrónicos y sonidos orgánicos. Una obra maestra, lanzada por el sello “Songuara”.

DJOLEE KASHMIR SOL SELECTAS

El productor y deejay residente de NOM Barcelona nos sorprende con “Kashmir”. Mucho Groove, melodías cautivadoras y una combinación única de ritmos hipnóticos junto unas percusiones muy bien elaboradas que te sumergen en la belleza y misterio de Oriente Medio. Buen fichaje de “Sol Selectas” que es un claro testimonio del poder transformador de la música electrónica, llevándote a un estado de asombro y conexión con culturas lejanas. De esos temas que sin duda alimenta la imaginación.

DIMITRI NAKOV, NATACHA ATLAS, LIMARA NOCTURNE FEAT NATACHA ATLAS CUROL REMIX ALL DAY I DREAM

Como es característico del sello “All Day I Dream”, nos presentan una verdadera joya musical. Con una base altamente envolvente, la guitarra emite un suave ronroneo a través de los trastes, mientras los elementos orgánicos se entrelazan con la voz hipnótica de Natacha Atlas. ¡Es hora de subir el volumen!

FLORIAN GASPERINI LA BOÎTE À MUSIQUE ORIGINAL MIX UNIVACK

Este track del sello “Univack” que con su originalidad y energía transporta a los oyentes a un viaje sonoro de lo más emotivo. Un juego de texturas y líneas de bajo que invitan al baile, una base muy pistera, junto una vocal de las que te ponen la piel de gallina... una mezcla perfecta e irresistible del talento creativo de “Gasperini”.

VELVETA, RIVELLINO, LUPE REPUBLIC THE CALL EXTENDED MIX SONGUARA “The Call (Extended Mix)” de Rivellino, Lupe Republic y Velveta es una auténtica explosión de energía y creatividad que no deja indiferente a nadie. Desde el primer compás, esta pieza musical te sumerge en un torbellino de vocales, ritmos y melodías “acidorras” que despiertan los sentidos rapidamente. La colaboración entre estos talentosos artistas resulta en una obra maestra con capas sonoras cuidadosamente entrelazadas, creando una experiencia auditiva verdaderamente envolvente. Un imprescindible en mi repertorio.

HOUSE

BY JUÁREZ

HUGO CARTER MUSICA SANADORA ECOLO MUSIC

Este track comienza con un ritmo irresistible de bajo que se desliza suavemente sobre una batería entrecortada pero enérgica. Los samples de guitarra funk se suman pronto dejándose ver de manera tímida pero empujando perfectamente el groove, añadiendo así un toque de calidez y vitalidad a la pista sin olvidarnos de unos vocales en español muy característicos que hacen de esta producción un trabajo muy original.

KAERU TAKE ME HOME SUMMERSI RECORDS

Después de 2 años sin ningún release el joven productor Kaeru vuelve a sorprendernos con “Take Me Home” estrenando su nuevo sello discográfico “Summersi Records” donde dara apoyo a artistas emergentes dentro de la escena nacional e internacional. Con una atmósfera melódica y minimalista, sonidos analógicos y una vocal muy pegadiza este track ya está moviendo las cabinas de todo el país.

DAMIAN RAUSCH LATE AT NIGHT EP THE BASEMENT DISCOS

En este caso no os menciono un solo track si no un EP del talentoso productor alemán Damian Rausch hace su tan esperado debut en theBasement Discos con “LATE AT NIGHT”. Como sugiere el título, el EP es un viaje introspectivo a través de varios tonos de House, desde sonidos suaves y conmovedores hasta sonidos más feroces e influenciados por el Garage.

D STONE TOTAL UNISON CECILLE RECORDS

No podía pasar por alto esta seleccion sin mencionar este track que lanzó a finales de año el Holandes D Stone por el mas que respetado sello de Nick Curly.

“Total Unison” nos deleita los oídos con samples de disco y bajos funk envolventes que nos transportan a la época más dorada del house, sin duda un track lleno de frescura, clase y sentimiento..

SEM JACOBS, TAGMANN JIGGY JERRY PIV

Sem Jacobs se estrena en PIV con un sencillo de gran éxito, ‘Jiggy Jerry’. Esta pista ha ganado una atención significativa como una de las más buscadas en el último año, presentada en sets de DJ como Skream, Archie Hamilton, Dennis Cruz, Toman, Jaden Thompson, M-High, Franky Rizardo, Prunk, HoneyLuv, Blackchild, Folamour y muchos otros.

TECHNO

BY NUKE

MATTH_M & ADRÏAN VULCANO ILLEGAL ALIEN

El sello mexicano Illegal Alien trae en su última referencia a dos depbutantes en su catálogo, los italianos Matth_M y Adrïan. El EP se compone de un track original llamado “Lipari” que se ajusta con gran elegancia a los cánones del techno en su estado mas puro. Al original lo acompañan 3 remezclas entre la que destaca poderosamente la del leonés Jotón.

RAFFAELE ATTANASIO SOUTH SIGNATURES MUTUAL RYTM

l italiano Raffaele Attanasio ha completado su viaje al groove con un nuevo lanzamiento en uno de los sellos más excitantes de la actualidad: Mutual Rytm, propiedad de Marco Blasi aka SHDW. “Auguri Tree” y “Stratford Fog” son dos cañonazos directos a la pista, bastante más crudos que los otros 4 tracks, en los que los sonidos de sintetizador tienen gran peso en la composición. Nadie debería perder de vista ni a este sello ni a este productor durante el futuro mas cercano.

DYNAMIC FORCES “VERTIGO” HARDGROOVE

De un sello en plena consolidación pasamos a un sello legendario que no necesita presentación. Ben Sims ya dio nombre a su sello como “Hardgroove” muchos años antes de que ahora ésta sea una de las palabras del momento. La última referencia nos llega de la mano de Dynamic Forces, con un conjunto de 4 tracks + una intro entre los que destaca poderosamente el tema que da título al EP: “Vertigo”.

KASHPITZKY ROMANTIC & DEAD BE AS ONE

Desde Berlin nos llega el primer LP de uno de los artistas que mas está llamando la atención de la escena techno en los últimos tiempos, y con trabajos como este sin duda va a seguir haciéndolo durante mucho tiempo. Este larga duración recorre las distintas facetas del techno a lo largo de 11 temas en los que podemos encontrar una amplia variedad de estilos. Atmósferas e intros para abrir y cerrar el disco, coqueteos con el offbeat y por supuesto techno 4x4 como es habitual en toda la discografía del artista israelí.

HERTZ DECIMAL SWAY

La pandemia hizo que algunos nombres desaparecieran de la escena… pero también nos trajo de vuelta algunos otros como este genio sueco que nunca debió salir de la primera fila. El de Hertz es uno de los regresos más arrolladores que se han podido ver en mucho tiempo. No ha perdido ni un ápice de frescura y su talento superdotado para el techno más bailable sigue intacto. Este “Decimal” es un magnífico ejemplo de ello. Poco mas que decir, simplemente escucharlo y disfrutarlo.

BREAKS BY EDUARDO

CARBONELL

BICEP CHROMA 001 HELIUM CHROMA

El dúo Bicep, formado por los ingleses Andy Ferguson y Matt McBriar, presentan el single ‘Chroma 001 Helium’, que marca el lanzamiento de su nuevo proyecto Chroma. Siendo este uno de sus proyectos más ambiciosos hasta la fecha, ya que se trata de un sello discográfico, una serie de eventos y un nuevo show con una identidad visual única creada en colaboración con el director creativo David Rudnick y su estudio Terrain.

MIKET HIS HEART ELLIPTICAL SUN MELODIES

El sello Elliptical Sun Recordings, dirigido por el productor ruso Kroman, lleva desde 2010 despuntando en el campo de la música progressive. Desde su sello principal y los subsellos Elliptical Sun Melodies y Elliptical Sun Reflections, publican tanto material de house, trance y alguna que otra joya de ritmos rotos como la que nos ocupa. MikeT nos presenta con su single ‘His Heart’ una gran producción de progressive breaks con una atmósfera cálida y emotivas melodías.

BLUTCH CONDATE ASTROPOLIS RECORDS

Astropolis Records es el sello del festival Astropolis (Brest, Francia). Desde 2012, publica trabajos de sus artistas residentes Madben, W.LV.S, Kmyle, Oniris, etc. Con lanzamientos multi formato los chicos de Astropolis nos han ido dejando perlas del versátil DJ y productor Blutch, con el breakbeat emocional de los singles ‘Condate’, incluido en su EP homónimo, ‘Beau Rivage’ de su EP ‘La Cité Des Étoiles’, ‘River’ de su álbum ‘Terre Promise’ o incluso algo de trip hop con el título ‘Phoenix’ del mismo álbum.

GUAVA NAFTERGLOW TFAUX POLY

La formación inglesa Kassian -Joe Danvers y Warren Cummings- tiene un sonido muy ecléctico que va desde el techno, al breaks emocional y ambiental, pasando también por el electro. Su sello Faux Poly no iba a ser menos y es por donde publican sus trabajos. Su más reciente lanzamiento es el EP ‘Afterglow’ de Bradley Hutchings, más conocido como Guava, donde incluye el single ‘140 Drums’, una divertida herramienta para el club, con breaks entrecortados. .

DJ NATURAL NATE VS. JIGGABOT BASS UP I NEED YOU 7-7-DEUCE RECORDS

Para los amantes del electro breaks, recomendamos el joven sello 7-7-Deuce Records, que, a pesar de contar con pocos lanzamientos en su catálogo, ya tiene algunos singles tan interesantes como este vibrante ‘Bass Up I Need You’ de DJ Natural Nate y Jiggabot. A tener en cuenta también otros de sus lanzamientos como el oscuro ‘Can You Hear The Beat Drop’ de Robotic Horsemen, el pistero remix del clásico ‘Smells Like Teen Spirit’ de Nirvana a cargo de Rob Cokeless y Amber Jane, o los relajados ‘Found The Truth’ y ‘Chillectro’ de Rob Cokeless.

DEEP / PROGRESSIVE

BY DANNY LLOYD

MICHAEL BENNETT ARNHEM LAND (ROGER MARTINEZ REMIX) MANGO ALLEY

El álbum de debut de Michael Bennett, publicado en el sello Mango Alley, transporta en un viaje caleidoscópico a través de intrincadas capas de complejidad rítmica y melodías emotivas. En “Arnhem Land”, Bennett hechiza a los oyentes con una irresistible fusión de ritmos tribales y etéreas texturas de sintetizador. Pero la remezcla de Roger Martinez de “Arnhem Land” añade una nueva dimensión al tema original. Martinez infunde su característica alquimia sónica, amplificando la energía bruta del original y transformándola en una fuerza palpitante que resuena profundamente en el alma.

AGUSTIN PENGOV CASINO (ORIGINAL MIX) SOUND AVENUE

Agustin Pengov, un talentoso artista argentino, vuelve a la escena con un excepcional EP titulado ‘Plastic Heart’, publicado bajo el sello Sound Avenue de Madloch. Esta producción incluye tres temas imperdibles: además de la pista principal, ‘Plastic Heart’, también encontramos las gemas de progressive house ‘Changes’ y ‘Casino’. Agustín Pengov se confirma sin duda como un artista a tener en cuenta en la escena internacional de la música electrónica.

EKIS EKIS, MATIAS VEGA GROOVE MASTER (ORIGINAL MIX) BALKAN CONNECTION SOUTH AMERICA

Balkan Connection South America presenta el lanzamiento 625 de Matias Vega con Ekis Ekis, con un EP de dos temas. Groove Master es un viaje a través de sintetizadores y grooves percusivos de principio a fin, otro sólido lanzamiento de un sello ya histórico ¡escucha y disfruta!

DAVID CALO FISH HARMONIZER (ORIGINAL MIX) PRO B TECH

Debut de David Calo en el sello tech Pro B, presentándonos por primera vez su EP ‘Fish Harmoniser’. Este trabajo también incluye un remix comisariado por el habitual de Pro B Hernan Serrao. El tema principal de David es una irresistible pieza deep que se mueve con una línea de bajo realmente genial. Esto se acumula hasta una pausa, alrededor de la marca de 3 minutos, cuando introduce una melodía que lo hace animado e interesante.

MICHAEL A REASON (YONSH REMIX) AH DIGITAL Embárcate en una odisea fantástica con el último lanzamiento de Michael A, “Reason”, en AH Digital. El EP no sólo contiene el encantador tema original, sino que también cuenta con tres remezclas a cargo de Alto Astral, Taylan y Yonsh.

MELODICTECHNO BY EKDK

RIIGS, KAKURA LYDA IAMHER

‘Lyda’ forma parte de ‘Past Present Future’, el último VA que lanza el sello IAMHER, en esta pista creada por Riigs y Kakura, podrás encontrar tanto percs, como melodías o voces tribales que saben enlazar a la perfección para envolverte en la atmósfera que te llevará a un estado de ánimo vibrante y enérgico, imprescindible para tus sets.

MICHON DON´T LIE, DON’T CRY (ODAGLED REMIX) ALPHA BLACK

Odagled nos muestra su lado más melódico sin perder la esencia del original ‘Don´t Lie, Don’t Cry’ lanzado por el sello Alpha Black. En esta remezcla se adentra en los bajos contundentes que caracterizan al malagueño, sin dejar de lado la melodía que enlaza a la perfección con la percusión y el sonido de las voces del track original de Michon, esta remezcla te envuelve en una burbuja que hará que no puedas quedarte quieto en la pista.

AGORIA, RAMI KHALIFE, NOÉMIE TEARDROPS (ECHONOMIST REMIX) DON_’T STOP THE MUSIC Sapiens Records sabe sacar jugo al original de Agoria, Rami Khalife y Noémie presentando la remezcla de Echonomist. Destaca por el bajo envolvente marcando el tempo del track y enlazando hábilmente con las voces que acompañan al track. Los sonidos cuidados para traer una mezcla perfectamente estructurada pensada en la pista de baile. Cajas, pads y ritmos de teclados hacen de este track un esencial en cualquier set.

FEC NOCTURNE DANZA RENAISSANCE RECORDS

Fec nos trae ‘Nocturne Danza’ firmado por Renaissance Records. Los sonidos cuidados y perfectamente sincronizados entre sí definen a Fec. ‘Nocturne Danza’, muestra una línea de bajos muy marcada dando salida a la que será la melodía principal del track haciendo un cambio radical, finalizando con la capa vocal que le da el sentido a la atmósfera creada para esta pista, la cual te envolverá y sumergirá en un mundo vibrante lleno de sonidos que no te dejarán indiferente. Tremendamente recomendable.

BEDOUIN LOVE AND HATE (NANDU REMIX) HUMAN BY DEFAULT

‘Love and Hate’, forma parte de las remezclas de ‘Temple Of Dreams’ (Remixes part. 5) del sello Human By Default. Nandu es el encargado de firmar este track lleno de emociones creando una atmósfera acogedora, las voces juegan con la melodía principal que acompaña a la pista enlazándose con los pads y la base. Este remix está pensado para hacerte bailar en cualquier momento del set, versatilidad y clase desde el principio hasta el final, esencial en tu lista de reproducción.

TRANCE

BY IVAN MORALES

FERRY CORSTEN & MARSH FULFILLMENT FLASHOVER RECORDINGS

El legendario Ferry Corsten y la estrella emergente Marsh retoman las líneas del trance nostálgico de los 90 y del progressive-house contemporáneo, lo que da como resultado uno de los temas estrella de lo que llevamos de año, titulado ‘Fulfillment’ que saldrá a través de Flashover Recordings.

PAUL VAN DYK, SAAD AYUB Y ELEVATION OUVERTURE VANDIT RECORDS

En un fabuloso comienzo de año, el famoso sello de trance VANDIT Records comienza a celebrar su 25 aniversario con ‘Ouverture’, un track que representa una confluencia del pasado, presente y futuro de la música electrónica. En este caso, se trata de una colaboración entre el legendario Paul van Dyk, la fuerza techno de Toronto, Saad Ayub, y el propio Elevation, de Estados Unidos, marcando la tercera vez que el trío está en el estudio.

PABLO GARGANO THE BREEZE PURE PROGRESSIVE

Pablo Gargano, fundador de Eve Records, es una leyenda en el mundo del progressive-house y del trance. En esta ocasión, ha editado su nuevo trabajo en Pure Progressive, un festival de felicidad baleárico, sublime y terrenal, con relucientes matices de guitarra y un ambiente sonoro cálido y playero. Trance hipnótico y profundo con pads perfectos que se alzan desde el Disco 1 de ‘Pure Trance Vol. 10’, mezclado por Solarstone.

GUAVA PROJECT MEMORIA FUTURE SEQUENCE

El dúo de DJs y productores alemanes Guava Project regresa a Future Sequence con su segundo lanzamiento. ‘Memoria’ da rienda suelta a una espectacular melodía uplifting-trance en su mejor momento, enérgica y soñadora a la vez. ¡Te hará despegar, seguro!

WINDCHASER THIS IS OUR LEGACY’ MAGIK MUZIK

Tras ‘Hear The Sound’ y ‘Space Channel’, también editados a través de Magik Muzik, ahora nos llega el tercer track de la saga, ‘This Is Our Legacy’, por parte del artista neerlandés Richard van Dongen aka Windchaser. Un track a caballo entre el trance y el techno con toques vocales, cuyo sonido nos transporta a los maravillosos años 90 gracias a su melodía principal. Ritmo, contundencia y elegancia a partes iguales. Un éxito asegurado en cualquier pista de baile.

TECH AREA

Texto: Gilbert Lezana

DEMO

“Demo, el estudio móvil de composición, capacita a cualquiera para escribir una canción en cualquier lugar, sin necesidad de instrumentos o teoría musical. Con Demo, puedes generar automáticamente acordes y comenzar a escribir de inmediato. Una vez listo, graba las vocales y exporta la mezcla, las pistas (incluido MIDI) o una hoja de acordes. Los cofundadores de Demo incluyen a Mackenzie Moore, responsable de la creatividad; Kyle Ryan, experto en música; y Trey George, encargado del desarrollo del producto. Juntos, han creado una herramienta revolucionaria que democratiza la composición musical y pone el poder creativo en manos de todos.”

SUNO AI

“Suno AI ofrece un sitio web intuitivo donde puedes generar canciones utilizando su sistema basado en inteligencia artificial. Al ingresar al sitio, puedes explorar algunos ejemplos escuchando su dial. El objetivo de Suno AI es generar un fragmento musical de unos pocos segundos que se ajuste lo más posible a la descripción proporcionada por el usuario. Puedes especificar el género, el título de la canción e incluso describir cómo quieres que sea la letra. Con una interfaz fácil de usar, Suno AI hace que la creación musical sea accesible para todos.”

Recordbox 7.0

Alphatheta lanzo el pasado mes de febrero la versión beta de Rekordbox 7.0, un movimiento poco común por parte del desarrollador japonés, indicando cambios significativos que requieren la opinión y sugerencias de los usuarios finales.

Las novedades de Rekordbox 7.0 incluyen:

- Análisis automático de Cue Points con Intelligent CUE Creation.

- Mayor variedad de filtros para la colección, aunque algunos pueden requerir suscripción.

- Reproductor de vista previa disponible para servicios de streaming.

- Función Track Suggestion que recomienda música de la colección y servicios de streaming.

- Nuevo navegador para servicios de streaming compatibles.

- Nuevo layout Dual Player en la vista Export.

- Rediseño completo de la sección inferior izquierda, con acceso a múltiples funciones.

Esta versión promete cambios significativos en la experiencia de usuario de Rekordbox, con mejoras tanto en la funcionalidad como en la interfaz.

Nektar Panorama CS12

Nektar Panorama CS12: control dedicado avanzado para Logic Pro X. La gama Panorama de Nektar pronto se ampliará con el nuevo Panorama CS12, un dispositivo diseñado para integrarse perfectamente con Logic Pro X. Inicialmente previsto para agosto, su lanzamiento se retrasará hasta octubre debido a cuestiones técnicas, según lo anunciado en la página de Facebook del fabricante.

El Panorama CS12 es un controlador de tira de canal exclusivo para Logic Pro X, presentado previamente en el NAMM Show. Cuenta con controles para volumen y panoramización, botones de mute y solo, así como una sección de transporte y perillas para ecualización y mapeo automático de plugins. Incorpora una pantalla a color, perillas para zoom y tempo, y botones retroiluminados RGB para accesos directos a inserciones de canal. Aunque no incluye un jog para navegación, su prometida integración parece prometedora.

El Panorama CS12 estará inicialmente disponible solo con soporte para Logic, pero se sugiere una posible expansión de compatibilidad con otros DAWs en el futuro. Su precio rondará los 400 € y se espera su lanzamiento en octubre, según lo anunciado por Nektar