Vicious Magazine nº 61 by Vicious Magazine

DUBFIRE LIVE HYBRID POLE GROUP - ADE - JEFF MILLS

61 N I G H T S T Y L E

E L E C T R O N I C

M U S I C

W O R L D

M A G A Z I N E

OCTUBRE 2015 I LOVE VICIOUS P.V.P. 3,95 €

DESTACAMOS 61 DUBFIRE OCTUBRE 2015 STAY TRUE 24 CRÓNICA BARCELONA

Contamos con nuestra crónica sobre Boiler Room Barcelona Ballantines Stay True, una cita donde pudimos disfrutar de algunos de los artistas más destacados del panorama nacional como Henry Saiz, Psyk, Uner, Coyu y Paco Osuna.

DUBFIRE

Entrevistamos a Dubfire en el céntrico Hotal Indigo, lugar donde se alojó durante su paso por la capital. Tras compartir unas palabras con él tuvimos la ocasión de ver su show en directo para inaugurar la temporada de Vicious Live por todo lo alto. Charlamos sobre su nuevo espectáculo “Dubfire:live Hybrid”, sobre su dilatada trayectoria y sobre cómo ser un artista en la cresta de la ola durante más de veinte años. Porque de eso, Dubfire sabe un rato.

20 POLE GROUP La oportunidad de reunir a los cinco integrantes de Pole Group provocó nuestro desplazamiento a una de las fiestas más impactantes del año de la mítica Florida 135. Oscar Mulero, Exium, Reeko y Christian Wünsch dieron su visión sobre la escena actual del techno en España y su panorama de festivales, un encuentro que se desarrolló entre vino y pulpo.

ROBOT08

Un evento internacional se convierte en robot cada año en Italia y camina desde el arte digital a la música electrónica, aupando en sus brazos a los humanos que quieran acompañarle en este ciber viaje. Una apuesta arriesgada que alza sus brazos mecánicos fuera de nuestro continente ya, y se reconecta con el avance desde su perspectiva más artística.

Cinco días en los que los mejores representantes de la música electrónica se reúnen en la capital holandesa para rendir homenaje a esta gran cultura, cinco días en los que Ámsterdam se convierte en el centro de atención de toda la industria, cinco días en los que se celebra el Amsterdam Dance Event, que este mes de octubre cumple sus veinte años de existencia.

JEFF MILLS A pocas hora de su actuación en Mondo Disko, nos acercamos a hablar con una de las eminencias de la historia de la música electrónica, el mago, el brujo, nuestro admirado y más que respetado Jeff Mills. Elegante y sumamente educado, el artista de Detroit nos concede un par de horas.

SPAIN IS DIFFERENT

ADE 2015

NERVO Con su primer álbum de estudio recién sacado, gracias a Ballantines hemos hablado con las gemelas más famosas de la escena. Nos hemos sentado con unas sonrientes y siempre majas Nervo para que nos hablen del disco, de su verano y de muchas curiosidades que no te puedes perder.

CORA NOVOA

La escena electrónica española parece que goza uno de sus mejores momentos. Esta temporada hemos tenido más fiestas y festivales del género que nunca. Grandes citas con grandes artistas en las que, en muchas ocasiones, el producto nacional se ha comido al extranjero ¿y por qué? Porque no hay que salir de la frontera para encontrar grandes artistas.

Alas desplegadas y ruta definida en la vida profesional y personal de Cora Novoa. La presentación de su segundo álbum, Fight Love Faith, confirma el firme paso del viento a través de sus plumas. Hablamos con la productora en uno de sus momentos más dorados gracias a su plena independencia.

ISSUU.COM/VICIOUSMAGAZINE 1

DIRECTOR Alfredo Rocabert DIRECTOR DE ARTE Alberto Velarde

·OPENING·

CONSEJO / CONSEJO EDITORIAL Alberto Velarde Alejandro Fernández Alfredo Rocabert Jose Ramón Rocabert Luis García Teresa Rocabert Xavier Penat JEFE DE CONTENIDOS Bruno Caneda JEFE DE CONTENIDOS WEB / RESPONSABLE CONTENIDOS AUDIOVISUALES Israel Méndez

Vuelta a las carreras

SOCIAL MEDIA Alejandro Rodríguez REDACCIÓN Alejandro Rodriguez, Bruno Caneda, Cris Zapa, Israel Mendez, Juanjo Blanco, Sara Quesada, Yuval Molina JEFE DE PRODUCCIÓN Jorge Sanza

La presentación de la cuarta temporada de Vicious Live con Dubfire, nuestro protagonista de portada, ha provocado el aterrizaje de la atmósfera veraniega para situarnos en la vuelta al asfalto, lugar donde tomamos otro vehículo para seguir con nuestra marcha. Sin tiempo a que haya principios y finales, enlazamos la actividad estiva con la preparación de los premios, pasamos de las terrazas a la investigación exhaustiva de los mejores del año, los mejores clubs, los mejores festivales, los mejores artistas, los alumnos aventajados, los artistas visuales más destacados y un largo etcétera de categorías que conllevan un trabajo medido para que el nombre de los Vicious Music Awards siga creciendo y representando algo que va más allá de un premio de plástico. Este año habrá cambios, nuevas categorías y nuevos métodos de votación, más protagonismo del voto público y una mayor involucración del sector del periodismo especializado. Trabajo que, esperamos, verá su luz el miércoles 9 de diciembre en el Cine Capitol por segundo año consecutivo. Antes de sacar a la luz los seleccionados estaremos presentes en uno de los mayores eventos de la electrónica mundial, el Amsterdam Dance Event, para vivir de nuevo una reunión donde se presentarán nuevos trabajos como el proyecto cinematográfico de Marc Houle y viejos conocidos en lugares extraordinarios como la actuación de Jeff Mills en la casa de Rembrandt, a quien por cierto entrevistamos en este número tras su brillante visita a la capital. Una vuelta a nuestra particular carrera de campo que se alimenta únicamente de nuestra ilusión y ganas de seguir adelante.

MAQUETACIÓN Jorge Calvo FOTOGRAFÍA Alfonso Barona, Roberto Castaño VICIOUS RADIO Juanjo Blanco PUBLICIDAD Eduardo Arellano T.: +34 91 375 02 83 eduardo.arellano@viciousmagazine.com COLABORADORES VICIOUS MAGAZINE Aurelio Fernandez, Gil Padrol, Gonzalo Gil, Iván Corrochano, Javier Gago, Manuel Rodriguez, Mario de las Heras, Solid, Shusi Khijada Únete a Vicious Magazine para colaborar colaboradores@viciousmagazine.com WEBSITE www.viciousmagazine.com SOCIAL NETWORKS www.facebook.com/viciousmag www.youtube.com/viciousmagazineTV www.twitter.com/viciousmagazine DISTRIBUCIÓN Logintegral DEPÓSITO LEGAL M-38907-2010 EDITA

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BRUNO CANEDA REDACTOR

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CHECK IN

Requiem por un track! Porque no todo son sesiones TEXTO: CRIS ZAPA

Los tracks sueltos son un producto cada vez menos escuchado en música electrónica y ello provoca que los oyentes entendamos menos las características técnicas de un set de varias horas. Planteamos algunas apreciaciones sobre el fenómeno. La música electrónica tiene una serie de características específicas que la hacen única. Una de ellas es la existencia de los sets y la importancia de los mismos —que acaban siendo incluso más importantes que los tracks sueltos—. Probablemente se trate del único estilo musical en el que se de esta situación y por ello, aunque sea difícil de comprender para los que no están en el tren, no es posible concebir la música electrónica sin la figura de un dj que sea capaz de realizar un “viaje” musical, de un track a otro, con mil y una viguerías para que la mezcla suavice el paso entre temas. Para construir, mediante la improvisación, algo parecido a una canción de dos, tres o cinco horas de duración. A los que escuchamos música electrónica nos encantan los sets. Si nos gusta lo que hace un dj, mientras más largos sean, mejor. Al cabo de unos años de escuchar música electrónica cualquier clubber medianamente experimentado es capaz de percibir las trabas en una sesión: que si “demasiado lineal”, que si ha perdido fuelle, que sí, que sá. Un segundo nivel es entender realmente lo que se está haciendo con un tema, la maquinaria que está utilizando, si ha metido un pad, una maschine o qué canales ha utilizado de la mesa para realizar la mezcla. Para conseguir que el track parezca algo totalmente distinto. ¿Y por qué se da esta situación? Porque hoy en día pocas personas escuchan los tracks sueltos.

¿Por qué no nos gustan los temitas? Sí. Todos conocemos algún tema que otro, los míticos temas antiguos, algunos nuevos en la cresta de la ola. Pero es rara la conversación entre clubbers —que no entre djs— sobre ese tema tan molón y poco conocido que has encontrado, pongamos, en Youtube. O sobre albumes de techno/house/loquesea. O como poco, ocurre en contadas ocasiones. Cuando alguien comienza a poner tracks sueltos de música electrónica en Youtube, al final se acaba repitiendo más que un chorizo malo. En parte es por ello por lo que plataformas como Spotify no terminan de encajar del todo en la mentalidad del oyente de música electrónica. Y es que los temas que parecen tan molones en una sesión muchas veces son propiedad de un productor X que vive en Wisconsin y que no conoce nadie, que no se encuentra con Shazam —dependiendo de la habilidad mezclando del dj— y que, al no existir ese feedback entre los que escuchan música electrónica, es muy difícil que acabes sabiendo cómo se llama. ¿Y entonces qué hacemos? Necesitamos escuchar más tracks y evitar que se conviertan en algo sólo conocido por los djs. Hay muchos temas que también son gustosos sueltos, no sólo en un set. Sobre todo porque el escuchar música electrónica de esta manera nos permite comprender muchas cosas sobre la composición musical electrónica después. Ellos también merecen ser importantes.

CHECK IN

Cuando se encienden las luces Es justo en ese momento, en ese despertar… TEXTO: BRUNO CANEDA

Nos saltamos toda la noche y paramos en el momento en el que se encienden las luces, ese momento en el que nos avisan que el cierre de la fiesta está a punto de suceder. Gratos momentos que, mezclados con la decepción por falta de minutos, todos los clubbers hemos vivido alguna vez. Cuando se encienden las luces todos nos miramos como si fuese la primera vez, como si las últimas horas hubiésemos estado acompañados por otros seres. Cuando se prenden los focos aparecen las caras de asombro. Llevamos tantas horas agitándonos bajo los destellos que las facciones amigas son formas que ya no resultan siquiera familiares. La mezcla de estímulos visuales y estupefacientes son tales que uno se acostumbra a vivir enfocando y chillando. Podemos llegar a estar siete horas bajo la penumbra, porque aclaremos, hablamos del club, no de una noche al aire libre, hablamos de un lugar donde perdemos totalmente la noción del tiempo y cuando las luces nos avisan caemos en la incredulidad. Puede que algunos afirmen que existe una similitud entre el amanecer y ese aviso artificial pero no es lo mismo, lo mágico de los que somos de club y hemos nacido en él es justamente eso, lo quimérico de sus paredes. Nos encanta sentir que no estamos en la misma ciudad que nos hastía, nos gusta sentirnos tele transportados y a la vez perdidos.

Es entonces en ese punto donde mejor recibimos la dictadura de los bombos y sus esbirros los claps, el ritual requiere una serie de necesidades para que sea completamente satisfactorio. Es justo en ese momento, en ese despertar, cuando la luz blanca nos avisa, cual aviso de Paulov, que todo está a punto de acabar. Esa palidez nos alarma a todos, al público y al dj, que hay que gastar el último suspiro de energías para que la sesión termine como merece. Ese momento suele durar uno o dos temas, en raras ocasiones más de tres. Cuando el/los encargados de la música rompen con un infinito loop o un corte escalonado las voces imponen su dictadura y –si todo ha ido bien o el alcohol sigue prendiendo la caldera– un grupo de bestias arenga pidiendo el bis a modo club, a gritos. Si en dos minutos exactos no se reactiva la música, la mayoría se retira mientras los últimos motivados reciben malas caras al intentar pedir una copa. Todo ha terminado y toca subir escaleras para volver a la realidad.

CHECK IN

El EDM está muerto ¿de verdad? El EDM llegará a un punto de saturación, la gente se cansará y buscará otras cosas, decían muchos allá por 2013, ¿de verdad el EDM está muerto? TEXTO: ISRAEL MÉNDEZ

“Creedme, a lo mejor en un año el EDM ha desaparecido y la gente se dedicará a otras cosas. Por eso nosotros no pertenecemos al EDM, llevamos haciendo nuestra mierda más de 20 años y sigue funcionando. Y está funcionando aunque a veces alguien de nuestro grupo o nuestro tipo de música se ponga de moda, siempre despuntamos pinchando o haciendo algo diferente” decía Loco Dice allá por 2013. Todo lo que está en la cima, y no nos gusta parece que queremos desplomarlo por encima de todas las cosas. Los haters están presentes en todos los ámbitos de la vida, pero en el mundo de la música electrónica salen de hasta debajo de las piedras ¿Por qué? Buena pregunta. El mainstream, mal denominado EDM (Electronic Dance Music), gana adeptos a cada momento, igual que el techno, que el tech house, que el minimal, que la música experimental, que el deep house, que el hardstyle y así un largo etcétera… pero ¿por qué solo se dice que el EDM va a morir? Porque es a lo que más gente llega, más gente mueve y porque todo lo que sube baja, puede ser, pero hay que reconocer que guste más o guste menos es un estilo que ha abierto la electrónica a límites insospechados. No se puede decir que el EDM está muerto cuando un joven holandés, Hardwell, que muchos se creen que pinchó con los CDJ apagados en el escenario principal del Ultra Music

Festival (cosas de iluminación), vende 40.000 entradas en menos de 72 horas para una fiesta suya en el World Club Dome de Alemania, o un dúo belga llamado Dimitri Vegas & Like Mike venden lo mismo en cuarenta minutos. Que eso también pasa con otro tipo de artistas de otros géneros, eso está claro, pero si hay algo que gusta al público ¿por qué no respetarlo? Como todo en esta vida, la escena del EDM tiene farsantes, pero ahí entra el criterio personal de cada uno para saber elegir lo que le conviene y con lo que quiere pasárselo bien. La música está diseñada para entretener y alegrar el día a día de la gente, si hay estilos que no gustan a determinadas personas (basta con mirar hacia otra parte y seguir con los gustos afines a cada uno) para eso está la gran cantidad de estilos en todos los ámbitos. Nunca llueve a gusto de todos pero una cosa tiene que primar por encima del resto: el respeto.

Thank you all for another amazing season! See you soon #2016

PrivilegeIbiza privilege_ibiza www.privilegeibiza.com

#WELCOMETOTHEFUTURE 7

CLUBBING ESPECIAL

AGENDA FESTIVALES 10

REPORTAJE

ROBOT08 12

ESPECIAL

AMSTERDAM DANCE EVENT 16

REPORTAJE

POLE EN FLORIDA135 20

CRÓNICA

BOILER ROOM BARCELONA 24

www.cervezacorona.es | facebook.com/Coronita Corona recomienda el consumo responsable alc 4.5% Vol.

AGENDA FESTIVALES

WWW.MUGAKOFESTIVAL.COM WWW.TRIBALTECH.COM.BR

Nº ASISTENTES EN 2014: 1.000

MUGAKO FESTIVAL Mugako es un festival de música electrónica que tendrá lugar en pleno centro de Vitoria-Gasteiz durante los días 9 y 10 de octubre. Pretende combinar lo didáctico, la vanguardia, la experimentación y lo lúdico para atraer e involucrar al público en el arte de la creación y el disfrute de la música electrónica contemporánea. Por ello, los artistas seleccionados reúnen un amplio espectro de artistas emergentes y consolidados, nacionales e internacionales ligados a la música electrónica contemporánea. Artistas principales: Regis, Martyn, Answer Code Request, Dasha Rush, Objekt, Ron Morelli, Kangding Ray, Abdulla Rashim...

TRIBALTECH Dos días, dos noches y un line-up pensado para los más exigentes festivaleros. Este año la organización transformará la granja Heimari en una ciudad enorme con distintos decorados. En el corazón de Curitiba, una de las ciudades emergentes más importantes de Brasil. Un festival en el país de los carnavales. ¡Para no perdérselo! Artistas principales: Dubfire: Hybrid Live, Booka Shade, Carl Craig, Claude Von Stroke, Danny Daze, Derrick Carter, dOP, Ellen Allien, Gaiser, Rodhad, Roman Flügle, Traumer, Volkoder...

CURITIBA, BRASIL VITORIA GASTEIZ 9 Y 10 DE OCTUBRE Nº ARTISTAS 2015

10 Y 11 DE OCTUBRE Nº ARTISTAS 2015

+50

WWW.WORSHIPTHEMUSIC.COM

VOODOO EXPERIENCE

WWW.UNSOUND.PL

UNSOUND FEST Es un festival anual tanto de música como de artes visuales. Este año muchos artistas se anunciarán directamente el día del festival y prometen lugares especiales y sorpresivos. Se trata de una de las citas más importantes de Polonia, un país con una escena en alza. Artistas principales: Surgeon and Starlight, Levon Vincent, Optimo, Andy Stott, Dj Bone, Alessandro Cortini…

Una de las principales citas de estas fechas para los amantes del mejor mainstream acompañado de leyendas como Giorgio Moroder. Un auténtico must si te encuentras por la zona de New Orleans., una buena oportunidad para disfrutar de los mejor de la unión entre Skrillex y Diplo (Jack Ü) mezclado con la bomba británica de moda Duke Dumont y mitos como Eric Prydz. Artistas principales: Dubfire: Jack Ü, Alesso, Steve Angello, Duke Dumont, Giorgio Moroder, Deadmau 5, Eric Prydz…

MOVEMENT Uno de los festivales más importantes de Europa. Versión europea del Movement que se realiza en Detroit. El cartel, lleno de pesos pesados, habla por si mismo. Nombres de la escuela clásica con nombres mas frescos y actuales como Tale of Us o Mano Le Tough. Un cartel irresistible.

Artistas principales: Chris Liebing, Derrick May, Henrik Schwarz live, Mano Le Tough, Kevin Saunderson, Len Faki, Floorplan aka Robert Hood, Tale Of Us, Lil’Louis, Dj Sneak, Derrick Carter...

NEWORLEANS,EEUU 30 OCTUBRE Y 1 NOVIEMBRE Nº ARTISTAS 2015

+100

CRACOVIA, POLONIA

WWW.MOVEMENT.IT

TORINO, ITALIA 31 DE OCTUBRE

Nº ARTISTAS 2015

+25

11 AL 18 DE OCTUBRE Nº ARTISTAS 2015

+60

· REPORTAJE ·

roBOt08 S Q U A R E P U S H E R , C L A R K , E V I A N C H R I S T, B E N U F O , N I N A K R A V I Z …

El festival italiano roBOt 2015 recoge datos alrededor del mundo, los procesa y les da un ecosistema donde fluir, facilitando las interconexiones entre varios artistas donde las construcciones llenas de significados y polisensorialidad, todo ello desde sus comienzos en el 2008. Con la ciudad de Bolonia como centro de operaciones, pero con la panorámica puesta en todo el mundo, el androide siempre parece dispuesto a buscar información para sobrescribir nuevas rutas que formen parte de su recorrido. Instalaciones digitales, exposiciones, talleres, presentaciones, laboratorios y actuaciones, se articulan cada año en torno a un título, tema o argumento, que traza la evolución del camino de nuestro gigante, este año centrado en el aceleracionismo y expresado por el hashtag #call4robot. El festival dará el primer paso de su octava edición el próximo 7 de octubre y ofrecerá durante sus 4 días de circuito, un recreo con más de 100 eventos programados. La muestra musical a analizar para este año, está formada por grandes eclipsadores de carteles, entre los que se encuentran Squarepusher / Trentemøller / John Talabot / Koreless / Clark / Chevel / Nina Kraviz / Ben UFO / Nathan Fake / Evian Christ / Prefuse73 / Dam Funk / Tiga entre otros.

Teatro Comunale El roBOt 2015 pisará escenarios de lujo como el Teatro Comunale. Espacio dedicado a la música clásica desde antaño, destacó en el siglo XIX por presentar a Rossini, Bellini, Verdi y el estreno italiano de Lohengrin y Rienzi de Wagner. La sala en forma de herradura, tiene capacidad para 1084 espectadores y es poseedora de una excelsa belleza. Allí, en la histórica Sala Bibiena reconocida mundialmente por su excelente acústica, el maestro Apparat, Don Sascha Ring, hizo los honores de inaugurar el evento el pasado día 20 de Septiembre, y lubricó los engranajes del Cyborg, ofreciéndole a su paladar de autómata, un aperitivo de su actual gira que durará hasta Noviembre, Soundtracks Live Tour. El set incluyó nuevas composiciones escritas para cine y teatro y estuvo acompañado por Transforma, un colectivo de artistas alemanes, encargados de proyectar las visuales.

Palazzo Re Enzo Pasará los días en el Palazzo Re Enzo, que aparte de su gran valor histórico para el pueblo de Bolonia, aúna todas las características para que cualquier evento allí ubicado, sea un completo éxito. Sus halls y terraza con vistas a la Plaza de Neptuno son idóneas para las instalaciones que allí se albergan.

BolognaFiere Uno de los motores económicos de la ciudad, BolognaFiere, también le acogerá en sus noches, con tres escenarios dispuestos para él; principal, exterior y el RBMA. Un complejo con siete torres y espacios que han sido empleados para diferentes eventos, exhibiciones y ferias a lo largo de la historia, que ahora se rinden al paso del robot. Grandes dimensiones y un pasado cargado de urbanismo y productividad al servicio de la música y el arte.

Beca Call4roBOt Espacio queda para los genios que quieran unirse a la estela que deja el androide con el Call4roBOt, una beca para la investigación en artes visuales dirigida a aquellos que deseen presentar una obra original perteneciente a los temas del evento. Las realidades emergentes y obras de arte afines a los contenidos de la manifestación, encarnan la vocación exploradora de roBOt y desde él se promueven proyectos artísticos tan innovadores como originales a fin de incluirse en la programación oficial del festival.

Se anima a los participantes a trabajar a través de las artes digitales e interactivas y a expresar las peculiaridades de una existencia acelerada. Se aceptan instalaciones, videos y animaciones por ordenador, performances, fotografías, diseño y auto-producciones. Desde su nacimiento, el festival conjugó un espectáculo multitarea, en el que, en contraposición con otros monumentales europeos como Sónar de Barcelona, Transmediale de Berlín o Time Warp en Mannheim, fuera capaz de fusionar varias áreas de la cultura, reconociendo una interdependencia y apoyo mutuo entre las diferentes doctrinas que recoge y alberga. La configuración de espacios y lugares, partiendo de las propuestas existentes, que puedan ofrecer distintas posibilidades y reconocer las relaciones entre el arte, la tecnología, la cultura y la música electrónica, es una constante en la aceleración evolutiva de nuestro progreso y eso el robot, lo sabe bien.

roBOt Buenos Aires Este año, se produjo un fenómeno especial, cuando el robot se metamorfoseó durante el mes de Mayo para tele-transportarse y reinventarse en su estrenada nueva edición en Buenos Aires. roBOt Festival Showcase en la capital Argentina, fue la cita de presentación del festival en Sudamérica en Diciembre del 2014, y la vista previa de lo que sería la primera versión latina del festival, apodado roBOtBA, cuyo objetivo era el de iniciar una colaboración duradera con las instituciones y los operadores culturales locales. La manifestación se llevó a cabo en la Usina del Arte de La Boca y en el Input Club de Palermo, del viernes 1 al domingo 3 de mayo 2015, en colaboración con el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Alma Mater Studiorum, Università di Bologna y el ICE. En esa ocasión el line up estuvo formado por los siguientes artistas Atom / Darshan / Jesrani / Marco Unzip / Chancha Vìa Circuito / Ana Helder / Sebastian Seifertmelmann / Djs Pareja / DJ Stuart / Sobrenadar / Plasma Ruby / Masose / Sergio Caballer / Christian Grossi / Gianluca Abbate / Hybrid Vision / Jorge Haro / Le Freak Selector / Linda Rigotti / Matteo Amaral / Piier y Sara Bonaventura. La combinación de lenguajes multimedia como intersecciones que confluyan, es una fuerte apuesta que el robot maneja como instrumento de expresión y comunicación. Al servicio de las almas electrónicas, hace llegar su mensaje y difunde su pasaje independientemente del canal que use.

El ruido en el Futurismo La música fue abordada por el Futurismo italiano, conocido movimiento de la vanguardia artística, desde un ángulo diferente, la estética. La obsesión de los seguidores de esta conocida corriente quisieron darle valor a todas aquellas estructuras sonoras que hasta entonces no habían sido consideradas más que eso, ruido. La filosofía futurista pretendía valorar el ruido y dotarlo de valor artístico y expresivo. El ‘Manifiesto Técnico de la Música Futurista’ de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: “presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad”.

Poniendo su énfasis sobre las técnicas que convierten la sonoridad en una de las herramientas protagonistas del evento, la festivalización de la cultura se abre camino frente al consumo masivo de fiesta y el roBOt

El 11 de marzo de 1913, uno de los futuristas más trascendentes, Luigi Russolo publicó su manifiesto ‘El arte de los ruidos’ (en italiano en original, ‘L’arte dei Rumori’) y en 1914, organizó el primer concierto del homónimo en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como “instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastra-

se alza como uno de los eventos más importantes, alegóricos y emblemáticos de los últimos años.

mientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos”.

· ESPECIAL ·

Los 20 del Amsterdam Dance Event D E L 1 4 A L 1 8 D E O C T U B R E , Á M S T E R DA M S E R Á L A C A P I TA L DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA POR VIGÉSIMO AÑO CONSECUTIVO

No es casualidad que sea en Ámsterdam donde se celebre la mayor convención de música electrónica de Europa, la electrónica holandesa se caracteriza por un constante sentimiento de unidad y apoyo mutuo, es por eso que la capital de los tulipanes se convierte, una vez al año, en el marco perfecto para reunir a todos los miembros que conforman esta industria musical. Desde artistas ameteurs hasta los que han creado escuela e historia, periodistas, managers y promotores, o incluso los aficionados a esta música, se darán cita desde l miércoles 14 de octubre hasta el domingo 18, para formar parte de lo que será una edición inolvidable del Amsterdam Dance Event. La segunda semana de octubre se celebrará la vigésima edición de este gran evento en el que más de 2.000 artistas participarán en 340 eventos repartidos en un centenar de localizaciones de la capital holandesa. Una concentración dedicada a la cultura de la música electrónica, que no consiste solo en la celebración de centenares de fiestas nocturnas y diurnas, sino que encuentra su principal valor en las numerosas conferencias, talleres y mesas redondas que miles de profesionales comparten, debatiendo y cultivando las bases del desarrollo de la industria para el siguiente año. Pese a que el ADE comienza oficialmente el miércoles 14, el día de antes se celebra un evento que servirá para preparar a los asistentes.

Se trata del Big Debate que moderará Dave Clarke en De Brakke Grond, un debate de 20:00 a 21:00 horas que estará abierto a todo el público, en el que se pondrán sobre la mesa los asuntos de mayor actualidad que conciernen a la industria de la música electrónica. Con ponentes como Liz Miller (Beatport), Ben Turner (IMS), Eelko van Kooten (Spinnin’), Sjoerd Wynia (Celebrate Safe) y alguno más por confirmar, parece imposible que exista una mejor manera de dar comienzo a la vigésima edición del Amsterdam Dance Event.

Conferencias

ADE PRO Las principales conferencias del Amsterdam Dance Event se localizan en el edificio Felix Meritis y el Hotel Dylan, dos ubicaciones perfectas que reúnen a la mayoría de profesionales que acuden al ADE. Mientras caminas por estos dos lugares es habitual cruzarte con los mejores artistas de la industria, representantes de grandes sellos discográficos o periodistas destacados. Cada año, el bloque PRO ofrece gran cantidad de debates donde el público puede participar, así como inspiradoras charlas. Este año podemos destacar las siguientes propuestas: • My City: un formato de ponencia de 20 minutos de duración en la que un destacado representante de la industria cultural electrónica de una ciudad expone la situación y la historia musical de la misma. Cape Town, Berlín, Marrakesh, Sao Paulo o Manchester son algunas de las ciudades que se tratarán en estas charlas. • 20 Years of ADE, The State of the Techno Nation: Durante una hora, algunos de los principales actores de la escena techno debatirán el estado de este género que emergió en Detroit hace ya una treintena. Dave Clarke, Marcel Dettmann, Steve Rachmad, Octave One, Joran van Pol y Dan Cole, sentados para dialogar sobre el techno, sin duda una de las charlas obligatorias para todo amante de la cultura electrónica.

• Power Artist!: Nicky Romero y Martin Solveig entre otros artistas debatirán acerca del poder que tienen los artistas de éxito, seguidos por millones de fans. ¿Cómo han de utilizar toda la influencia que tienen en la gente? ¿Están en deuda con la sociedad? ¿Qué podrían hacer para mejorar el mundo? Estas y otras muchas cuestiones se expondrán ante el público

HARD DANCE EVENT El objetivo del HDE es conectar a los profesionales involucrados en los estilos más duros de la electrónica, analizar el sentido de la situación actual de la escena e implementar visiones colectivas de futuro. Más de diez ponencias que tendrán lugar en Melkweg, en las que se repasará la evolución de la escena y se analizará su situación actual.

BEAMLAB Este bloque, que se desarrollará el jueves 14, contiene 7 ponencias y presentaciones asociadas a las tecnologías visuales y diseño de escenografía. La presentación del directo audiovisual de Kölsch o las demostraciones de uno de los mejores videomappings del momento como es AlexP serán algunos de los mayores reclamos que tendrá el Beamlab, ubicado en Pakhuis de Zwijger.

ADE NEXT El sábado se celebrará el bloque ADE Next, un punto de encuentro para la nueva generación de djs y productores, en el que se realizarán varios talleres y actividades con grandes productores, djs, profesionales, gerentes, cazatalentos y agentes de todo el mundo.

En el ADE Next se llevan a cabo varias “demo listening sessions”, en las que los nuevos talentos pueden mostrar sus producciones a grandes profesionales para que estos las evalúen y les den su feedback; también se realizarán entrevistas con artistas como Oliver Heldens o Glowinthedark y se expondrán casos de éxitos realizados en plataformas como Kickstart.

ADE UNIVERSITY Este bloque está dedicado a estudiantes y jóvenes profesionales de la industria. Mediante debates interactivos, conferencias y entrevistas, periodistas, promotores, empresarios y emprendedores vinculados a la industria de la música electrónica se convierten en profesores por un día para compartir experiencias e ideas con los futuros profesionales del sector.

ADE BEATS

ADE GREEN

En este marco se impartirán las conferencias relacionadas con el hip hop y la bass music. Un bloque que este año pondrá especial atención a las raíces jamaicanas de los djs y a la cultura del remix, explorando cómo la escena jamaicana ejerce una influencia internacional en la música electrónica, desde el grime hasta el hip hop pasando por el EDM.

El De Brakke Grond acogerá de nuevo este año las actividades de la tercera edición de ADE Green, todas ellas relacionadas con la sostenibilidad y las prácticas

El cofundador de Ninja Tune, Matt Black, será entrevistado en un Q&A explicando los 25 años del sello; se profundizará en la escena de Kingston de la mano de

socialmente responsables, que están principalmente dirigidas a promotores y al personal técnico.

Kamal Bankay (Major Lazer Events)… una serie de conferencias a las que todo amante del bass debería acudir.

La importancia del trabajo en vídeo, el quipo que hay tras Nicky Romero, de Robert Hood o de Don’t Let Daddy Know, serán algunos de los temas a tratar en esta edición.

Celebrado durante el día del jueves, este año en ADE Green se tratarán temas como la importancia de cuidar el medio ambiente marino, la responsabilidad y la seguridad a la hora de llevar a cabo un gran evento o el hecho de que los festivales pueden ser el ejemplo de sostenibilidad para el mundo, entre otros muchos.

Playground

Por tercer año consecutivo, la ciudad de Ámsterdam se convertirá en la mayor tienda pop-up del planeta gracias a las actividades del área Playground, que se celebrarán durante los cinco días de ADE. Este bloque de actividades ofrece importantes charlas sobre música, proyecciones de películas, plataformas para sesiones de estudio, talleres de hardware, exhibiciones de arte, performances en tiendas a cargo de las mejores casas discográficas y muchos más eventos. Entre los eventos que tendrán lugar este año dentro del marco Playground, cabe destacar la presentación de Jeff Mills x Rembrandt. Durante un día entero, Jeff Mills se dedicará a producir tres nuevas composiciones entre las paredes de la casa museo de Rembrandt, ante la curiosa mirada de unos pocos y privilegiados invitados. Tras esta apasionante experiencia, el productor ofrecerá una serie de actuaciones en el auditorio del museo. No se puede pasar por alto tampoco el estreno de “I Am Hardwell – Living The Dream”, la película del artista, que ha sido dirigida por Robin Piree, quien ya dirigió “I Am Hardwell” en 2013. Los asistentes podrán conocer de primera mano, y antes que nadie, a Robert van de Corput mejor de lo que jamás habrían imaginado, y es que la película muestra al productor tal y como es.

Además, el Melkweg Cinema proyectará la película japonesa de cine mudo A Page of Madness, a la que Marc Houle pondrá melodía, interpretando en directo, para el público, su banda sonora; Kompakt celebrará su particular y anual pop up store en el Barrio Rojo, con puestos de venta y actuaciones exclusivas que se desvelarán el día previo al evento; Converse presentará el proyecto Converse Rubber Tracks Sample Library de la mano de Machinedrum y Midland; Se celebrará una rave que durará tres días y cuyo line up se anunciará el día que de comienzo la misma; Guti dará un concierto exclusivo interpretando su disco Rompecorazones; Se proyectará un documental sobre la Roland TR 808… Playground será el marco perfecto para desconectar de las múltiples conferencias y pasar momentos inolvidables antes de que comiencen las fiestas nocturnas.

ADE FESTIVAL Más de 2.000 artistas de todos los géneros y subgéneros de la electrónica protagonizarán varios centenares de eventos en más de 50 localizaciones diferentes que estarán repartidas por toda la ciudad. Desde clubs y emblemáticas salas como Melkweg, Studio 80, Paradiso, Trouw o Escape, hasta naves post-industriales como el NDSM Shipyard y el Westergasterrein. Tampoco se dejarán de lado espacios tan poco usuales para eventos de música como son el Concertgebouw, el Compagnietheater y el Amsterdam Arena, y es que por la noche, la capital holandesa ha de prepararse para recibir a centenares de miles de clubbers, por lo que cualquier sitio puede convertirse en el escenario perfecto para celebrar una fiesta inolvidable. Teniendo en cuenta que hay centenares de fiestas, cada una dispuesta a satisfacer las necesidades de un público multitudinario con gustos muy distintos, hemos realizado una breve selección de los eventos

· ESPECIAL ·

Pole Group en Florida 135 C O N S P I C U A

R E A C T I V A C I Ó N

La oportunidad de reunir a los cinco integrantes de Pole Group provocó nuestro desplazamiento a una de las fiestas más impactantes del año de la mítica Florida 135. Oscar Mulero, Exium, Reeko y Christian Wünsch dieron su visión sobre la escena actual del techno en España y su panorama de festivales, un encuentro que se desarrolló entre vino y pulpo. TEXTO: BRUNO CANEDA / FOTO: PATRICIA NIETO

El pasado 29 de agosto de 2015 se desarrolló un showcase especial de Pole Group por su V Aniversario bajo las telarañas de la Terror Sound, una fiesta que lleva celebrándose muchos años en Florida 135, la catedral de Fraga. Antes de que se desatase el maremoto del colectivo pudimos capturar sus facciones y abrir los oídos tras nuestras preguntas mientras cenaban en su hotel, una charla que se antojaba como un difícil ingreso ante una fortaleza del que quizás sea el grupo más experimentado de la escena techno de España y de donde finalmente se pudieron sacar valiosas observaciones que sirven para entender el discurso musical de Pole Group y las condiciones necesarias que deben existir para que el público sea capaz de descifrarlo. Es necesario aclarar que en esta entrevista, que no duró más de una hora y que se desarrolló en la mesa de un restaurante mientras rellenaban la barra de la pila, la participación fue de cuatro de los cinco, es por ello que cuando Exium habla, lo hace a través de las palabras de Héctor Sandoval.

Al terminar la intervención nos dirigimos a vivir una fiesta de una vertiente de techno que hacía años que no se escuchaba en Florida. Y como bien dice Mulero, desde que cambiaron su rumbo musical, hacía tiempo que ninguno de ellos pasaba por la cabina de la mini ciudad de Fraga. Puro hierro incandescente se moldeaba con los potentes golpes de las fábricas de sus protagonistas mientras una sala completamente llena se agitaba como si de una jauría de lobos sedientos de sangre participasen en la matanza de Pole Goup. ¿Hacía cuanto que no os reuníais todos juntos en España? Hace un año concretamente, fue en la fiesta del Moog durante la Off Week del pasado curso, este año también tuvimos un showcase pero tanto Exium como Christian (Wünsch) faltaron por estar de gira. ¿Y en Florida 135 en concreto? Hace seis años hicimos una Selección Natural (una serie de colaboraciones entre todos ellos en la que entrelazaron sesiones y referencias de sus cuatro sellos: Warm Up, Tsunami, Mental Disorder y Nheoma –respetivamente los sellos de Mulero, Wünsch, Reeko y Exium–) No todos conocen la historia de Florida 135, una sala que lleva abierta más de 70 años y una de las que primero apostó por la electrónica actual. ¿Cuando comenzasteis era una sala referente donde uno desease pinchar?

Oscar Mulero: En mi caso mi primera visita fue en el año 1996, para entonces la sala era conocida y se programaban cosas pero igual no era tan popular, recuerdo que hubo una infinidad de noches de traerse gente de fuera a pinchar y de no tener gente, los primeros años para ellos fueron bastante complicados. Siendo una sala que se caracteriza por su particular estructura y ambientación, ¿para vosotros el público de Florida tiene algunas características especiales? Exium: En realidad para nosotros no hay mucha diferencia entre el público de Florida con el resto del público español. Es un sitio que se caracteriza porque mucha gente viene de diferentes localizaciones. Reeko: No es ni el mejor ni el peor público Exium: Oscar vino mucho antes que nosotros, para entonces los lugares de moda eran La Real y Florida, de los pocos lugares que podían reunir mil y dos mil personas. Lo que realmente diferencia Florida 135 es que es el sitio que más tiempo lleva abierto y que nunca ha cerrado, ya no te puedes encontrar salas donde hayas actuado hace veinte años y que ahora lo vuelvas a hacer. OM: Es una sala que es referencia dentro de la electrónica, lo que pasa es que nosotros hemos dejado de actuar en ella, esta vez se trata de una ocasión excepcional porque hacemos una fiesta del sello, pero en los últimos años ellos han tomado otra dirección musical, es por eso que hemos dejado de frecuentarla tanto.

¿Por qué elegisteis Florida 135 para celebrar este showcase de Pole Group? OM: Teníamos previsto hacer noches del 5º aniversario del sello, aquí y en otros países como Holanda, hemos buscado salas que reuniesen las condiciones para hacerlo y que nos permitan centrar el sonido básicamente en nuestro sello y Florida se nos presentó como una opción. ¿Cuáles fueron los inicios de Pole Group? ¿Hay realmente una diferencia sustancial con Warm Up? OM: Pole en un principio era y sigue siendo mi sello, pero ellos (Exium, Reeko y Christian) están involucrados en la decisión musical de lo que saca y no se saca, qué referencias se hacen, qué artistas se pue-den fichar para publicar… todo lo que es el consul- ting a nivel musical. Los sellos los hice porque en aquellos años había muchos problemas con las distribuidoras, por te- nerlos ubicados en distribuidoras diferentes, en un principio Pole fue solo un sello pero luego se planteó que fuese una plataforma donde poder juntar a la gente de España que estaban en el mismo sonido, que en este caso son ellos. En aquella época nos quedábamos colgados con distribuidoras que ce- rraban y en mi caso me quedé cerca de un año sin poder sacar disco por este problema, entonces decidí tener dos sellos para tener dos vías. ¿Por qué un colectivo como Pole elige Moog como lugar para celebrar sus showcases, una sala tan pequeña y a la vez característica de la

después de que nosotros llevásemos con esta movida. Exium: Puede que Tresor sea una excepción porque era un núcleo más definido, pero ahora este rollo de poner esta movida es el mismo círculo, hace unos años estaban poniendo electro clash y luego les pilló la moda del minimal y ahora lo llaman techno Berlín. Nosotros desarrollamos proyectos que llevan muchos años, tiempo antes de que se desarrollara esta escena de la que hablamos. No son esas nuestras influencias.

escena de Barcelona? OM: Es más que nada una decisión musical, bueno, también hay que decir que porque hay una muy buena relación con los dueños desde hace muchos años. No es que sea el mejor de los sitios, es un sitio pequeño, hace mucho calor pero lo pasamos muy bien y estamos muy cómodos. Noche del sello, la gente del sello, la libertad que nos permite y siempre vamos con la intención de hacer sets especiales para la ocasión. Si echas un vistazo a la gente que ha pasado por el Moog, más bien quién no ha pasado: Jeff Mills, Hawtin, … …y Skrillex Exium: No jodas, no sabía yo eso Reeko: Sí, sí (risas), arrancaron hasta el cristal de la cabina. Hace un tiempo le hicimos una entrevista a Oscar (portada Nº20 de Vicious) donde hablaba de su actuación en el Fib de 2012, edición que apostó por traer a artistas como él de –como él mismo definía– hard techno, etiqueta que a algunos nos sorprende por relacionarla en la actualidad con otros sonidos. Quizás algunos identifiquemos vuestro sonido más pegado hacia la vertiente del denominado techno de Berlín ¿Qué pensáis de este tipo de definiciones? OM: El techno no es Berlín, antes de que estuviera Berghain, que es la razón por la que se habla de “techno de Berlín”, estaba Tresor y antes de eso estaba Birgmingan y Detroit. Exium: Y Detroit y puede que mañana sea Madrid. Reeko: Bueno, Madrid hoy no apunta muchas maneras… Christian: Nunca se pinchó realmente el techno que nosotros hacemos, han entrado en este rollo años

¿Creéis que existe una base firme de una escena de techno nacional donde artistas como vosotros habéis conseguido un movimiento firme? Exium: España no está aquí, está fuera, nosotros trabajamos fuera, el 85% de los bolos que hacemos son fuera, en España no hay ninguna escena. OM: Aquí no trabajamos ninguno prácticamente, es el gran contraste, creo que España nunca ha estado tanto en el mapa internacional del techno, es cuando menos estamos trabajando. Exium: Hay gente que hace cosas, que pelea mucho y hacen cosas guapas pero llamarlo escena… OM: Igualmente no creo que sea un ahora de repente estamos aquí, es un trabajo de años, te hablo de 10, 15 y 20 años. Antes de que yo grabase para Tresor ha habido gente en los 90 como Alex Martín (un nombre imprescindible dentro de nuestra escena electrónica) que ha grabado en F:Communications (publció 4 EPs bajo el nombre de Iberian), sello de Laurent Garnier. Hay mucha de la gente de la que ahora estamos sonando más a nivel internacional, que llevamos dando vueltas 25 años. Ahora el desarrollo para el que empieza es mucho más rápido si haces buena música y consigues que gente conocida la pinche. El proceso de pasar a tener un estatus y empezar a viajar por todo el mundo es mucho más corto que cuando nosotros empezamos. Aparte de que todo está mucho más profesionalizado, el principal motivo de ese cambio es la divulgación de la música, hoy en día es instantáneo. Antes para conseguir que las referencias de Warm Up estuviesen por ejemplo en EEUU tenías que tener suerte y una distribuidora para ese país. Y respecto a la escena de festivales en España, hubo un boom hace unos años, con la crisis bajó notoriamente y ahora está volviendo a subir y aparecen festivales de la nada, proyectos nue-

vos bien hechos, mal hechos. Según vuestra visión, ¿cómo está la escena de festivales? Exium: Que te lo explique Mulero porque nosotros por lo menos no vamos a ninguno. Reeko: Yo creo que se basan todos en lo mismo, son todo súper nombres, que pueden aportar a un público, que no digo que no, pero que se arriesgan cero, ya no es que no nos llamen a nosotros, riesgo cero. Los mismos estamos sin trabajar en esos festivales. Da la casualidad que los que más internacionales son los que menos trabajamos en España, el resto son todo nombres que, ya no es que no me gusten musicalmente, pero se repiten de una manera escandalosa. OM: Los festivales no son nuestro hábitat, somos más de club, hemos crecido en ese ambiente y hemos desarrollado nuestro perfil de artistas en el club. La mayoría de gente que pincha en estos festivales encaja, de hecho hay infinidad de djs que han nacido y crecido en estos festivales. Exium: No creo que la gente entienda bien nuestra música cuando vamos a festivales, hay poco feedback. OM: Está bien como experiencia porque puedes medir hasta qué punto tu música puede llegar a funcionar, pero está fuera de nuestro hábitat. La parte positiva es que contribuyes a la divulgación de tu música pero mi opinión es que puede llegar a ser hasta incómodo. Donde más puedes llegar a sacar una idea de nuestra música es en un club a las 4 o 5 de la mañana. Exium: En un club la comunicación es más directa, no están dispersos como en un festival, nada que ver. Hace poco estuvisteis todos en Weekend Beach, un festival donde podías llegar a ver en su car-

tel a grupos como La Pegatina junto a Fatima Hajji, cosa que sorprendía desde afuera. Han sido varios los festivales que en un principio no contaban con la electrónica y ahora han decidido hacer un popurrí incluyendo a la música electrónica. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Cómo veis este tipo de mezcla en sus line ups? Exium: Nuestra carpa estaba muy bien, había mucha gente, mucho público, nos sorprendió para bien. No nos lo esperábamos porque pensábamos lo mismo, alucinábamos con esa mezcla, veíamos a Soziedad Alkohólica, el hijo de Bob Marley… y la mitad del cartel ni lo conocíamos. Encima el sur tampoco es un sitio donde nuestro sonido haya pegado históricamente, pero alucinamos porque la carpa estuvo llena, y eso que Oscar no pudo venir porque estaba enfermo y aun así la gente fue. Hablemos de la reciente incorporación de Kwartz en Pole Group ¿Por qué habéis querido contar con él? Exium: Nosotros estábamos buscando el perfil de un artista joven que tuviese intereses artísticos parecidos a los nuestros, nos pusimos a mirar y el que más potencial tenía era él. Siempre intentamos buscar productores nuevos y Mario fue el que más nos llamó del panorama Español. Tiene clase. OM: Sí, más que nada por similitud a nuestro sonido y porque tiene influencias de muchas partes y a su vez tiene su propio sonido. Hay mucha más gente que merece la pena en Madrid pero de todos los que hay es el que más tiene que ver con nosotros de lejos y a día de hoy lo sigue siendo. Reeko: Además ha mejorado bastante desde que entró a formar parte de Pole y tiene mucho margen porque se esfuerza, no se acomoda.

· CRÓNICA ·

Boiler Room Barcelona B A L L A N T I N E S S TAY T R U E S PA I N

Hemos aquí nuestra crónica sobre Boiler Room Barcelona Ballantines Stay True, una cita donde pudimos disfrutar de algunos de los artistas más destacados del panorama nacional como Henry Saiz, Psyk, Uner, Coyu y Paco Osuna.. TEXTO: CRIS ZAPA

Nos dispusimos a asistir como invitados a la primera Boiler Room que se realizaba con sabor íntegramente español: la versión Ballantines Stay True, que además de presentar a algunos de los artistas más destacados del panorama nacional finalizará con la realización de un documental sobre la escena española de música electrónica. Para comenzar el día, Ballantines nos tenía preparada una cata especial de algunos de sus productos más destacados. Y es que las diferencias de sabor y matices entre algunos de sus productos son notables aunque no sea de conocimiento popular. Nunca habíamos asistido a una cata de whisky así que la experiencia fue más que curiosa. Pero el tiempo apremiaba y partimos rumbo al Barcelona Nautic Center, el lugar —secreto— seleccionado para la realización de esta edición especial de Boiler Room en la ciudad condal. Nada más llegar al puerto saltaba a la vista una cosa: o la ubicación secreta se había difundido masivamente y mucha gente había asistido para probar suerte en entrar, o se habían enviado más invitaciones de las necesarias —porque sólo se podía entrar mediante una invitación que iba por sorteo—. La cola para poder entrar era larga, muy muy larga. Allí se agolpaban los fans de la música electrónica de Barcelona con la esperanza de poder participar en el evento. Pero lamentablemente fueron muchos los que se quedaron fuera y se escucharon muchas crí-

ticas ante la situación. Uno de los pocos fallos latentes de organización para un evento que se desarrolló en general como la seda. Una vez pasado el control nos encontramos ante una gran nave industrial que se erigía pegada al puerto. Los últimos destellos del sol aún nos cegaban al aire libre, pero dentro de la nave todo estaba preparado para emular una rave clandestina —eso sí, una muy bien preparada—. El espacio era oscuro, como debe ser toda fiesta de música electrónica, pero con una iluminación básica en tonos azulados para poder realizar la retransmisión del evento en directo. Al fondo, y como si del signo de Batman se tratase, se podía apreciar el logo de Boiler Room en todo su esplendor. A derecha e izquierda había sendas barras de Ballantines que, pese a ofrecer whisky gratuito para sus asistentes, nunca estaban demasiado llenas gracias a un despliegue adecuado de camareros. Minipunto para la organización. El escenario estaba casi al fondo del recinto, pero ubicado de forma que los asistentes pudieran situarse alrededor del artista donde mejor les pareciera. Eso sí: la gran mayoría se agolpaba en el ángulo donde las cámaras les grababan. Uno de los detalles curiosos que nos llamó la atención nada más empezar el evento fue poder ver en directo al mítico presentador de Boiler Room Berlín con su tan característica y conocida por todos voz.

Con

Henry Saiz Henry Saiz fue el artista que dio el pistoletazo de salida a la Boiler Room. Las palabras sobran para describir el directo de Saiz, que gozó del favor del público de principio a fin. Como ha hecho en ocasiones anteriores, el madrileño presentó su directo junto a un baterista, un guitarrista y vocales. Además pudimos saber que se estrenó con un sintetizador Korg Arp Odyssey que dotó a su actuación de un sonido distinto al que nos tiene acostumbrado, pero con su impronta tan personal. Para muchos fue la mejor actuación de la noche y la verdad es que el madrileño derrochó versatilidad y talento.

Con

Uner Mientras se desarrollaba el final de la actuación de Saiz y comenzaba la de Psyk tuvimos la oportunidad de entrevistar a Uner. “Es mi segunda Boiler Room y de la experiencia sólo saco cosas positivas. Sin palabras”, nos comentó nada más empezar a hablar con él. “Que Boiler Room decida hacer un evento de estas características ayuda mucho a la escena española. Es posicionar el mercado español en lo internacional”. “Siempre me pongo nervioso antes de una actuación. En una Boiler Room, aunque el público esté de espaldas a ti, sientes su energía, sientes la energía de todos los que tienes detrás”. Tras desear a Uner mucha suerte en su show volvimos a la nave para disfrutar de la actuación de Psyk. Techno en estado puro y sin concesiones fue lo que presentó el joven madrileño, que tenía al público patas arriba, como si de un cierre se tratase. Psyk es así. Fue el que aportó el sonido más potente a la noche, una lástima que le hayan colocado en segundo lugar. La siguiente actuación era la de Uner, que se dividió en dos partes: la primera media hora fue un directo con Ableton Live y con un violoncello y una flauta que presentaba por primera vez y que ha recibido muy buenas críticas. Arte en estado puro. Uner aportó a muchos de los asistentes una nueva forma de entender un directo y una visión distinta de la música electrónica. La segunda media hora fue un dj set que nos tuvimos que perder porque fuimos a entrevistar al gato mayor.

Con

Coyu “No tengo muy claro lo que va a pasar. Es mi primera Boiler y aun no sé muy bien qué tipo de música hacer”, nos comenta con una sonrisa de oreja a oreja. “Hasta última hora he estado buscando música, ripeando vinilos y preparándome a fondo. Hacía mucho que no me sentía tan excitado ante una actuación, quizás desde Sonar 2012. Estoy inquieto, pero con muchas ganas”. “Con Boiler Room puedes mostrar tu lado distinto, la gente va con muchas ganas y eso hace que el artista pueda apostar por otros sonidos. No van a sonar muchos hits y mucho menos hits de temporada”. “Grabé con Ballantines hace unos días parte del documental, explicándoles cosas sobre la escena de Barcelona. Este tipo de experiencias son altamente positivas”. Al poco de hablar con nosotros le tocó su turno. El catalán jugaba en casa y es que muchos de los asistentes son fans acérrimos suyos. Su amor por los gatos, que constantemente demuestra gracias a su asociación de cuidado de mininos callejeros, quedó patente nuevamente gracias a la introducción de sonidos de felinos al iniciar su sesión. Una innovación que no habíamos visto antes y que fue su aportación personal a una sesión que siguió la línea general del sonido de Suara. A mitad de sesión de Coyu nos tocó nuestro turno de tener unas palabras con el capo de Mindshake Records.

Con

Paco Osuna “Espero de este Boiler Room, mi primero, que la selección musical que me he hecho, distinta a la que suelo utilizar, sea acorde a lo que la gente que está aquí y a los que lo estén viendo desde todo el mundo”. “Se trata de condensar en una hora lo que suelo hacer en seis o siete, así que es todo un reto. Aunque todo con trabajo y preparación se consigue”. “Me gustaría que todos disfrutemos con esta sesión. Tanto yo, que voy a disfrutar, como los asistentes. Siempre intento dar lo máximo de mi, en todas mis actuaciones”. Con todos los deberes ya hechos nos fuimos a disfrutar de la actuación de Paco Osuna. Fue una de las que más motivaron al público y Paco demostró una vez más por qué es uno de los grandes de España. Y es que las características técnicas no le acompañaron, pero haciendo aplomo de sus tablas y su saber estar Paco continuó con la sesión como si nada hubiera pasado y metiéndose una vez más al público en el bolsillo. Ya agotados nos fuimos del Barcelona Nautic Center, agradecidos por haber podido vivir la experiencia.

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Gracias Vaya temporada ÂĄ y lo que nos queda! Abierto fines de semana y vĂsperas de festivo www.pachaibiza.com

2015 LINE UP IN ALPHABETICAL ORDER MONDAY

Steve Aoki

3 Are Legend · Armand Van Helden · A-Trak · Bassjackers · Benny Benassi Borgore · Boys Noize · Busy P · Carnage · Cedric Gervais · Chuckie · Crookers Danny Wade · Deorro · Dj Fresh · Dj Snake · Don Diablo · DVBBS · Fatboy Slim Dj Feadz · Galantis · Gta · Headhunterz · Junior Sanchez · Joachim Garraud Matthew Koma · Matoma · Nervo · R3hab · SBCR · Sander Van Doorn Taao Kross · Tommy Trash · Ummet Ozcan · Vicetone · Will Sparks · W&W...

TUESDAY

by Piti

Dj Piti · Victor Nebot

WEDNESDAY

Martin Solveig

2manydjs (dj set) · A-Trak · Blonde · Chris Lake · Clean Bandit (dj set) · Curbi Dillon Francis · Diplo · Don Diablo · Kaskade · Laidback Luke · Madeon Mark Ronson · Maxine Hardcastle · Michael Calfan · Pep&Rash Sam Feldt · Watermät · Sander Kleinenberg · Tchami · The Magician Thomas Jack · Tiga · Tujamo · Zeds Dead…

THURSDAY

David Guetta THURSDAY

Arno Cost · Chuckie · Sunnery James & Ryan Marciano · Daddy’s Groove Glowinthedark · Jp Candela · Kaz James · Nicky Romero · R3hab Robin Schulz · Showtek · Stadiumx · Volt & State...

FRIDAY

MK · John Digweed

Aldrin & Hong (Zouk Club) · Alex Kennon · Amine Edge & Dance Anabel Englund · Andhim · Angel Linde · Becky Hill · Catz ’n Dogz Dennis Ferrer · Disciples · Derrick Carter · Groove Armada (dj set) · Hector Mallen Hot Since 82 · Huxley · Matt Tolfrey · Nick Curly · Kevin Saunderson Oliver Dollar · Pete Tong · Reboot · Tensnake...

SATURDAY

Bob Sinclar

2manydjs (dj set) · Armand Van Helden · Basement Jaxx (dj set) Danny Howard · Erik Hagleton · Fatboy Slim · Felix Da Housecat Graham Sahara · Idris Elba · John Jacobsen · Kenny Dope Klingande + Lovely Laura (live sax) · Marvin Humes · Masters At Work Robbie Rivera · Sam Feldt · The Shapeshifters · Todd Terry...

SUNDAY

Solomun

Adriatique · Agoria · Âme · Audiofly · Mano le Tough · Butch · Michael Mayer Dixon · DJ Koze · DJ Tennis · Dubfire · H.O.S.H. Miss Kittin · Ida Engberg Oliver Huntemann · Pachanga Boys · Pete Tong · Ripperton · Sven Väth...

Vip Table Reservation T. +34 971 313 600 · vip@pacha.com Every night from 21.30h to 3.30h T. +34 971 310 959 · restaurantepachaibiza.com

IN FACT ENTREVISTA

JEFF MILLS 32 B2B

LA FLEUR B2B ELLEN ALLIEN 36 ENTREVISTA

D’JULZ 38 ENTREVISTA

OLIVER HUNTEMANN 44 REPORTAJE

SPAIN IS DIFFERENT 46 ENTREVISTA

NERVO 50 ON COVER

DUBFIRE 54

BPP-0715-53

*Estudio de mercado a travĂŠs de entrevista personal (m.a.s polietĂĄpico estratificado) a 100 tatuadores de EspaĂąa (error muestral +9,80% considerando un intervalo de confianza del 95% y p=q=50/50), realizado entre noviembre y diciembre de 2014 por la empresa Psyma.

bepanthol.es

· ENTREVISTA ·

Jeff Mills EXHIBITIONSIT 2

A pocas hora de su actuación en Mondo Disko, nos acercamos a hablar con una de las eminencias de la historia de la música electrónica, el mago, el brujo, nuestro admirado y más que respetado Jeff Mills. Elegante y sumamente educado, el artista de Detroit nos concede un par de horas. TEXTO: GONZALO GIL

Ahora te encuentras muy cerca del lanzamiento de Exhibitionist 2, para el próximo 25 de septiembre. ¿Por qué has decidido que ha llegado el momento para publicar Exhibitionist 2? Jeff Mills: La decisión fue tomada por varias razones: una de ellas es que existen demasiadas lagunas en cuanto al arte del deejaying. Hay mucha gente que aún no es consciente de cómo y cuál es el proceso y cómo se toma la decisión de qué pinchar. ¿Cuál es el proceso creativo que hay detrás de una secuencia que la gente podrá escuchar en un club o en una fiesta?¿Qué pasará por la cabeza del oyente cuando escuche esa secuencia? Y otra de las razones importantes es el aspecto de la espontaneidad, cosa que ya no se trata tanto, porque la tecnología nos permite pre-programar, pulsar una tecla, reproducir una secuencia y modificar esa misma secuencia. Al igual que la máquina nos permite tener esa espontaneidad, la nueva tecnología nos da la oportunidad de tener una actuación más programada. La primera parte de Exhibitionist fue lanzada en 2004 y esta segunda parte en 2015, después de once años. ¿Qué diferencias existen entre los dos capítulos? La primera parte fue para mostrar las bases de qué hace un dj realmente, no con muchas explicaciones sino simplemente permitiendo al espectador tener una visión más cercana. La segunda tiene un enfoque más cercano sobre la demostración de la idea del proceso, de cómo una cosa nace para hacer el camino de su desarrollo. Y todo lo que se encuentra en el medio. En otras palabras, hay muchas maneras de llegar a tu destino desde el punto A al punto B. Puedes pre-programar cosas, pulsar una tecla y hacer que suene, puedes construirlo en el momento, puedes depender de la audiencia/público para recibir un feedback y marcar la dirección de la actuación… Algunas personas afirman que Exhibitionist I marcó un punto de inflexión para las actuaciones grabadas en directo, seguido por muchos canales que actualmente alimentan a toda la escena con sus imágenes. ¿Qué significó para tu carrera cuando el video fue publicado?

Bueno, todos teníamos grandes esperanzas depositadas en el formato vídeo en los años setenta y ochenta, cuando conceptos como MTV y VH1 aparecieron. Los productores independientes pensaron que sería algo interesante y que también nos repercutiría a nosotros (los djs), utilizándolo como una herramienta para que el público pudiera ver nuestro género musical. El efecto no fue el esperado realmente, al menos hasta la llegada de internet y plataformas como Youtube. Fue realizado en momentos en que la mayoría de mi generación iba más allá de la realización de vídeos, pero eso fue todo. La industria electrónica es muy grande, y cada día aparecen nuevos Hay mucha artistas,nuevos sellos, nuevos tipos de música, sin embargo, bajo tu pungente que aún to de vista. ¿Cuál de estos nuevos no es consciente artistas y nuevos sellos han captade cómo y cuál do tu atención? Creo que la escena nos enseña mues el proceso y cho a todos. Y lo mejor es que sigue cómo se toma la siendo muy difícil decidir. Muchos decisión de qué de nosotros somos conscientes de que no va volver a ser lo mismo que pinchar. en los 70’ y 80’. En esa temporada todo estaba claro y cuando una cosa cambiaba, todos le dábamos la bienvenida de forma colectiva. El concepto del oyente ha cambiado. Como productores, un compositor actual se dirige a la mente individual, no a un grupo de personas. Un lunes a esa persona podría gustarle pero el viernes igual lo odia. Puedes acabar teniendo esta extraña relación con el oyente en la que quieres hacer para el individuo pero debes mantener una distancia, sobre todo a la hora de expresarte desde perspectivas extrañas, sabiendo que al oyente puede que no le guste en el año 2015, pero puede que sí en el 2025 o incluso más adelante. Entonces vuelve a aparecer la idea de hacer algo que quizás el oyente no vaya a entender, entregárselo diciendo “toma” y esperar a ver su respuesta/feedback.

El 9 de septiembre fue el día oficial de la máquina Roland 909. ¿Por qué amas a esta máquina –parece a tu novia (risas)– que siempre está a tu lado? ¿Por qué es tan especial para ti? Sí, (risas) fue probablemente la primera máquina en el Medio Oeste, en Detroit, que realmente consideramos en su momento que era una máquina real y que nos podíamos permitir. Me refiero a que la 808 y 909 no eran demasiado costosas pero aun así no eran fáciles de encontrar, tenías que ir hasta Los Ángeles o Nueva York para encontrarlas. No puedo recordar su precio. Pero antes de estar usando la 909, estábamos usando la 707, que en realidad era incluso una máquina más barata.

“En esa temporada todo estaba claro y cuando una cosa cambiaba todos le dábamos la bienvenida de forma colectiva”

Luego comenzamos a notar que la 909 tenía un sonido más gordos. Así que comprábamos esta máquina y la tomábamos como la base para montar el estudio, por lo que llegabas a conocer muy bien la máquina y a sacarle usos muy diferentes. Puedes utilizarla para percusión, pero también para usarla como master clock y sincronizar el resto del equipo. Casi como una máquina etérea pero con la fuerza de un caballo de batalla.

La guerra de formatos entre lo analógico y lo digital está todo el tiempo repitiéndose. En el tráiler de Exhibitionist 2 se ve como utilizas los dos sistemas, pinchas con CDJ (digital) y con la Roland 909 (analógica). ¿Qué tienes que decir sobre esta guerra de formatos? Yo no creo que sea una guerra, la gente se aferra por razones sentimentales y no quiere dejarlo ir, pero en el fondo la gente realmente sabe que esto es un ciclo que cambia cada 10 años.La gente ha tratado de estigmatizar a un formato u otro y al fin y al cabo, siendo honestos, yo creo que un buen DJ sabe que no se trata del formato, se trata realmente de la música. Detroit está muy lejos de aquí, y normalmente sólo tenemos malas noticias sobre su ciudad. Ahora es una ciudad fantasma, muchas personas están abandonando la ciudad. ¿Cómo es la situación allí? Yo no vivo allí, pero me gusta hacer un seguimiento de lo que está pasando, se oyen un montón de malas noticias porque la ciudad está todavía en transición, hay muchas cosas que no llegan a los medios internacionales. Se oye que la ciudad se ha declarado en bancarrota, pero no se habla tanto de los 2.000 presos que tuvieron que liberar por no tener para mantenerlos en prisión. Hay menos gente para pagar impuestos, por lo que es más difícil mantener los servicios públicos. Se puede decir que está aún en transición, todo está cambiando mucho, primeramente en el centro de la ciudad pero con el tiempo debería extenderse hacia las afueras. Underground Resistance puso el mensaje en la música techno. Es como una religión, es filosofía pura. Es respeto, es amor, es compartir sentimientos, es tener alma. En tu opinión. ¿Qué es ser underground en realidad?

Creo que depende mucho del contexto. En su momento ser underground era resistirse a todo lo que estaba sucediendo, a cómo actuaban los sellos a mediados y finales de los 80 con los artistas independientes: creabas todo y después te pagaban poco-casi nada, los dos (Jeff & Mike Banks) sufrimos entonces esta situación así que utilizábamos el término “underground” como forma de expresar rechazo hacia los sellos. Había muchos artistas atados a majors que estaban realmente estancados, estaban atrapados en sus contratos en un momento en el que todos necesitábamos hacer cosas. De todos modos, no creo que ahora el término se utilice de la misma manera de la se hacía en los ochenta y los noventa.

“Utilizábamos el término underground como forma de expresar rechazo hacia los sellos”

En Vicious se compartió una foto de 1992, Mike Banks, Daniel Bell, un joven Richie Hawtin y tú. Hoy Richie y tú estáis en mundos diferentes, pero, ¿cómo fue vuestra relación en esos momentos? Él y Dan crearon Plus 8 en el 92, le conocí porque me contrató una vez para pinchar. Era un buen tipo, parecía un buen chico... Canadiense (ríe). Cuando lo conocí yo no tenía mucho contacto con él, creo que Mike y yo supimos quién era a través de Kenny Larkin. Él solía tener una residencia en un club de

te que no hizo lo que deberían de haber hecho, no cumplían con sus funciones, y también comencé a ver que realmente no se preocupaban por ello, así que pensé que era demasiado arriesgado el actuar en esas condiciones delante de todas estas personas. Quiero decir que, estoy ahí y estoy deseando actuar, pero si el equipo técnico falla, entonces es muy arriesgado, porque no se me puede parár la música 12 veces durante la actuación. Tu cerebro siempre está en expansión, música, películas, diferentes formas de arte... Sabemos que vas a ir a un sitio tan mágico como el estudio de Rembrandt para tocar, pero, ¿para cuándo un descanso? En Estados Unidos no tenemos un momento concreto para las vacaciones, nos las tomamos cuando podemos, si son 3 días son 3 días, nuestras vidas giran en torno al trabajo. Si tengo un par de días estoy suelo estar con mi esposa pero aun así seguimos trabajando. Esta noche vas a tocar en Mondo en Madrid. Todos estamos esperando esta actuación desde hace un tiempo. ¿Qué te gusta del público español? Bueno, el público español, desde casi la primera vez que vine aquí, espera con ansia la actuación, creo que es por la cultura. Yo no diría que las actuaciones son mejores en los países latinos, pero sí que hay una comprensión especial. Son países donde la vida es más sencilla, que entienden la vida un poco mejor y tal vez la música significa un poco más para ellos. la ciudad al que yo acudía, que se llamaba Saint Andrews Hall. Estaba muy inmerso en la música y al poco tiempo apareció en radio. Aprendió muy rápido. UR y tú defendéis la idea de que la frontera final está en el espacio, si no fueras un artista, ¿qué profesión tendrías? ¿Astronauta? ¿Maestro? Probablemente habría ido a la universidad para estudiar arquitectura, no sé si habría aprobado, pero parecía una idea genial en aquel momento. La mayoría de mis parientes eran profesores así que tal vez habrían influido en mí. A ti te encanta el futuro, pero si pudieras cambiar tu pasado. ¿Qué cambiarias? Yo no cambiaría la ruta, en otras palabras, el camino, pero sí elegiría diferentes tiempos para hacer según qué cosas. Probablemente habría abandonado Berlín y me hubiese trasladado a París antes, puede que 2 años antes, puede que también hubiese comenzado antes a hacer más cine. Solía ser músico antes de convertirme y dejé de ser músico para centrarme en ser dj, probablemente habría seguido actuando con otros músicos si hubiera tenido la oportunidad. Sónar Barcelona normalmente era un concierto obligatorio para ti. Pero estos últimos años, Jeff Mills no ha aparecido en el cartél. ¿Por qué? Fue una decisión difícil que tuve que tomar; las últimas experiencias fueron malas debido a problemas técnicos, pero, por supuesto, esas cosas pasan. Los problemas fueron el resultado de gen-

B2B

LA FLEUR

PREGUNTA A

ELLEN ALLIEN Estuviste un tiempo en Ibiza por tu residencia en DC10. ¿Cuál ha sido tu momento favorito o algún recuerdo de esta temporada? Ohhh… Siempre que pincho allí es todo muy intenso. Como dj puedes movilizar toda la energía de la gente hasta lo más alto. Su reacción es una locura. La isla es muy bonita y la gente es muy feliz estando allí compartiendo música y pasando sus vacaciones.

Joy Wellboy y el nuevo álbum de Garry Todd. El vinilo sale en diciembre. Aunque hay muy buenos artistas en B-Pitch Control. Es difícil elegir uno, me gusta todo lo que sacamos. B-Pitch está formado por distintas historias y distintos sentimientos de cada artista. Eso es lo que lo ha llevado a ser un sello hedonista, al que le apasiona la música y que conlleva un estilo de vida. Un arte. Diseño, música, fotografía.

Dime tres personajes de la historia o celebrities con las que te gustaría pasar una noche de fiesta en Berlín. Björk, Nina Simone y Vincent Gallo.

Normalmente estás tras los platos. ¿Cuándo fue la última vez que estuviste en una pista de baile y con quien? Si estoy tras los platos me siento como en la pista de baile. Ahí también bailo. Pero bueno, la última vez que estuve en una pista fue el fin de semana pasado en DC10. Me gusta bailar y escuchar a otros djs. Me gusta moverme y me siento bien cuando todas las personas de la sala nos movemos al son de la buena música. Me hace realmente feliz compartir sonrisas y buena energía.

Tienes un calendario muy ajetreado durante tus tours. Cuando tienes una noche libre, ¿cómo te gusta pasarla? Mirando el mar. Caminando por la playa, al menos una hora. El mar me relaja. Es tan bonito que me hace soñar. Mi cerebro se mueve al ritmo del mar. Tu sello B-Pitch Control ha dejado huella desde 1999. ¿Cuál es el secreto para hacer que siga siendo interesante? ¿Ha sido sobre la marcha o tenías una visión clara? ¿Cuáles son los tres lanzamientos que más te gustan del sello? Mis lanzamientos favoritos son: Dillon,

¿Cómo vas a pasar los últimos meses de 2015? ¿Algo de lo que tengamos que estar al tanto? Haré música siempre y cuando pueda ver a mi familia. Les he extrañado mucho mientras he estado en Ibiza.

LA FLEUR B2B ELLEN ALLIEN

Dos mujeres que representan el pasado, presente y futuro de la escena europea ponen al descubierto sus proyectos más recientes, las islas que adoran, los sellos que lideran y demás cuestiones que nos ayudan a conocerlas un poco más.

ELLEN ALLIEN

PREGUNTA A LA FLEUR

¿Qué herramientas usas para tus producciones y con cuáles te encantaría trabajar? Sobre todo trabajo con Logic. He usado mucho la Machinedrum de Elektron y la Maschine de Native Instruments, pero me da por rachas. En mi lista de deseos tengo algunos sintetizadores analógicos. ¡Me estoy preparando para usarlos! ¿Qué productores suecos son tus favoritos? ¿Los clubs que más te gustan? ¿Qué tienda de discos vende tu música favorita? ¡Hay muchos productores suecos que me hacen estar orgullosa de ser sueca! Tenemos a los mafiosos del techno como Jesper Dahlbäck, Adam Beyer y otros como Knutson o Berg. También algunos mas house como por ejemplo Axel Boman. Les admiro a todos porque hacen lo que les gusta y mantienen su propio estilo. Los clubs en Suiza que realmente respeto son Trädgården y Under Bron. Están hechos por un grupo de gente con el corazón bien puesto y la música en mente. Mi tienda de discos favorita está en Estocolmo, se llama Fade Records. Tu sello se llama Power Plant. ¿Qué hay detrás del nombre y de la idea?

El nombre del sello, una semilla, una planta, viene de mi nombre artístico, La Fleur. Significa “flor”. El logo con el molinillo conecta con las fuerzas de la naturaleza, con el viento y con el movimiento ondular. Power Plant es para mí un terreno que cultivar, es para artistas de distintos ámbitos que estén en mi sello, que estén en distintos ámbitos de la creatividad. Hay distintos campos en música, arte y moda. Nuestra visión es crear una fundación orgánica y en continuo crecimiento para todos los que estén dentro de la onda del molinillo del logo de Power Plant. El aspecto visual es muy importante para mí. Trabajo con distintos ilustradores para cada portada. El punto fuerte de Power Plant es la calidad, la curiosidad y la expresión artística. Cuando estás pinchando en tus dj sets. ¿Qué track o estilo te lleva fuera de ti misma? Me gustan los tracks que cuentan una historia, los que me hacen sentir algo, no importa que sean de house o de techno. También tengo debilidad por las melodías, los bajos y las vocales. Acabas de publicar en formato digital el vol. 10 de la compilación Messages de

Papa Records, ¿con qué criterios has escogido cada uno de los 26 temas? Después de 9 volúmenes, hacer algo diferente era difícil, entonces tuve la idea de integrar los discos de mi sello Tejal Records en una compilación algo más personal. Por eso casi el 80 por ciento de la compilación son temas míos que escogí, teniendo cuenta que había que mezclarlos entre ellos por lo que no se podía integrar cualquier tema.

¿Qué tienes en mente para los próximos meses? Saco nuevo EP, ‘Make a Move’ en Gatergate Records el 19 de octubre. Se está cociendo en el estudio una colaboración con Sasha que saldrá en su sello Last Night On Earth. En otoño hago un tour por Estados Unidos y estoy esperando para saber si pincho en Brasil y México por primera vez en mi vida.

Has creado una marca de ropa que se llama Power Plant Elements. ¿Dónde fabricas la ropa y por qué? ¿De dónde te has inspirado para crear esta colección? ¿Dónde podemos comprarla? Las prendas son en cuero, en lana pura o en punto. Todas son en distintas tonalidades de negro. Las fábricas son de gran calidad y las prendas están hechas a mano en Berlín. Puedes sentir en cada una de ellas el amor y el esfuerzo que hubo para fabricarlas. La inspiración me vino de las formas que hay en la naturaleza que son parecidas a las estructuras del logo de Power Plant. Icebergs, cristales y cosas así. Las puedes comprar en nuestra tienda online powerplant.tictail.com y en la boutique Orimono en Berlín. ¡Son todas unisex!

· ENTREVISTA ·

D’ Julz EN 25 AÑOS NO HE VISTO EN PARÍS UNA ESCENA ELECTRÓNICA TAN GRANDE COMO LA DE AHORA.

Por su influencia, creatividad, actitud, conocimientos y, por supuesto, porque sabe hacernos bailar año tras año, sin dejarse arrastrar por nada ni nadie, D’Julz, debería aparecer en la misma definición de “música electrónica”. Tras más de 20 años dedicándose a pinchar y a producir, el artista parisino sigue manteniendo una residencia en el amuleto electrónico de París, el Rex Club. En verano, expande su residencia en Ibiza con Circo Loco. Tiene un sello, Bass Culture Records, que combina su pasión por los sonidos techno y house de corte clásico que nunca ha querido abandonar a pesar de que no siempre lo ha tenido fácil. TEXTO: VANITY DUST

Hablamos con D’Julz acerca de todo ello, descubrimos momentos clave de su temprano viaje a Nueva York y nos compramos un billete de avión para París. Sí, habéis leído bien, no hablamos de Berlín. D’Julz, muy crítico con la escena de su ciudad cuando las cosas no han ido bien, nos ha convencido. La ciudad se viene arriba y la electrónica de calidad vuelve a mover desde los Champs Elysées al Palais de Tokio. Y es que en Casablanca no sabían que para la electrónica “no siempre nos quedará París”. Pero, eso lo sabemos de cierto, siempre nos quedará D’Julz.

trayendo a los artistas que me gustan. Pese a no ser el promotor de la noche, puedo programar con absoluta libertad.

Los vertiginosos cambios del mundo de la electrónica hacen poco habitual encontrar artistas que lleven más de 20 años en la escena y que, además de eso, sigan pinchando regularmente en el club donde empezaron. En tu caso, mantienes una residencia en el mítico Rex Club de París. ¿Cómo has mantenido todo este tiempo la relación con la escena de la ciudad y tu evolución musical? Actualmente tengo otra residencia en Circo Loco, en Ibiza, desde hace cinco años. En el Rex sigo con la noche Bass Culture. Mi vínculo con la ciudad y con Rex han sido determinantes en mi carrera como dj. Pinché por primera vez en el Rex en 1995 y dos años después empezaba con la noche Bass Culture. Hace ahora veinte años de eso, es una locura si me paro a pensar en ello. Siento

Con los años has seguido manteniendo la programación del Rex alejada de las modas puntuales y sin hacer concesiones comerciales que hayan banalizado el concepto originario de la fiesta. No obstante, podemos escuchar a djs emergentes y de ese modo la noche no se queda en una especie de remember de los noventa. ¿Cuál es el balance que haces en el club entre los sonidos clásicos y las creaciones actuales? Bass Culture es un reflejo de mi propia forma de hacer música. Pueden pinchar tanto Raresh, que es más reciente y renueva la escena, como viejos amigos como Carl Craig o Josh Wink que, pese a llevar muchos años pinchando a día de hoy siguen siendo relevantes. Mis raíces provienen del house y el techno clásicos, pero sigo abierto a lo nuevo, y esa es la idea que transmite Bass Culture. Por ejemplo, hace poco estuve escuchando una vieja cinta con una sesión que hicimos Terry Francis y yo en el Rex el año 1998. Y es divertido porque, si bien es cierto que el tempo es mucho más rápido que ahora, si escuchas la música son todo clásicos de la Costa Oeste de Estados Unidos y del Londres de finales de los noventa que se están volviendo a pinchar. Por el lado de las nuevas generaciones, es curioso cómo

el lugar como parte de mi casa. Actualmente pincho en el Rex unas seis o siete veces al año y sigo

también los chavales de París que empiezan a meterse en la electrónica e investigan discos pasados

se encuentran con este material y lo pinchan con otras cosas y de manera diferente. Tengo la sensación de que en los últimos años la conciencia y la importancia de los orígenes, en concreto el techno de Detroit y el house de Chicago, han tomado especial relevancia. Imagino que hace diez o quince años, por ejemplo, si bien ya se hablaba mucho de ello, todavía hacía falta algo más de perspectiva. Es como si a medida que avanza el tiempo, en vez de olvidarlos, esos inicios fuesen cada vez más respetados. Creo que ello tiene que ver con la llegada de una nueva generación que escucha y se mueve con la música electrónica. Por primera vez veo en los clubes a chicos y chicas que son los hijos de unos padres que vivieron la cultura de club hace veinte años. Es decir, han crecido con la electrónica desde pequeños. Estos chavales ven todo el pasado como nuevo, y lo descubren todo a la vez. Descubren casi treinta años de techno y house de golpe. Especialmente con Internet, ya sea a través de Discogs o YouTube, pueden acceder fácilmente a toda esa cultura. Por eso, justo ahora, nos da la impresión de que la gente está más centrada en el pasado que en la creatividad que pueda alcanzarse en un futuro. No creo que esta situación dure demasiado; los que vienen traerán pronto nuevos sonidos. Mientras tanto, a lo largo de su proceso, tienen que digerir treinta años de música electrónica, y de ahí que no sea tan extraño ver a djs jóvenes que pinchan vinyl only y discos del 92 o del 96. Esta situación me gusta, tiene algo de fascinante. Veremos hacia dónde nos llevarán cuando logren sintetizar e incorporar todos estos años de historia de la electrónica. Pienso que lo veremos pronto y será interesante. Hablando de las nuevas generaciones, a parte de la formación que tienen o de su conocimiento musical, ¿qué cambios has notado en el público y en los clubbers? Imagino que con tu larga residencia en el Rex de París has podido ver con más detalle los matices, por ejemplo, en la de forma de relacionarse o en cómo responden ante la música. Es un momento increíble para la electrónica, y lo digo pensando a nivel global. En gran parte, ello es gracias a esta nueva generación y en la forma en que una gran parte de ella entiende las raíces del techno y el house. Para un dj como yo, que tengo un sonido clásico, oldschool, es muy positivo que mantengan el interés en lo que hago,

Pinchar lo que está de moda te limita, pero pocos djs logran superar eso.

porque de otro modo no tendría sintonía para llegar a nuevos públicos. Con el electroclash o el inicio del minimal tuve épocas complicadas, porque el techno y el house dejaron de ser tan reconocidos. En cambio ahora estoy en un momento bueno de mi carrera porque la gente entiende lo que hago. Hablando en concreto de París, lo que está ocurriendo en la ciudad es una locura. El Rex siempre ha estado ahí, es el lugar clásico y más estable, pero durante mucho tiempo era el único lugar, y eso no era suficiente. Necesitábamos más cosas, y lo que ha ocurrido en los últimos tres o cuatro años es extraordinario. Hay muchos clubes nuevos, promotores, eventos en warehouses que habían desaparecido… y también sale mucha más gente. Los festivales se han vuelto importantes, como el Weather Festival, con más de treinta mil asistentes. Lo que está ocurriendo ahora en París no lo había visto nunca en 25 años. El público está realmente metido en la música. Si te fijas, no hay EDM en París ni en Francia, tampoco en los festivales. Y es curioso, porque algunos nombres muy conocidos son franceses. Los nombres más conocidos que puedes encontrar podrían ser Richie Hawtin, Sven Väth o Ben Klock. Y esta situación es fantástica. Durante muchos años he estado haciendo giras alrededor de Europa, ya fuese en España o Inglaterra, y al regresar a París solo pinchaba en el Rex. En cambio, siendo honesto y sin querer sonar pretencioso, mi lugar favorito actual para pinchar es París. El público tiene la mente muy abierta, les gusta tanto el techno como el house. Pueden ir a escuchar una noche a Theo Parrish y a la siguiente a Marcel Dettmann. Hace unos años todo estaba mucho más segregado, o te gustaba un estilo u otro, pero no había esa transversalidad y apertura de miras que hay ahora.

Es cierto que hace algunos años la sensación del pulso electrónico en París era desoladora. Como dices, a parte del Rex, todo eran propuestas comerciales y previsibles en los que la electrónica era solo un pretexto para el encuentro social. Es fascinante que la situación haya dado un vuelco tan radical. ¿Cuál es la historia que nos ha llevado hasta este nuevo renacer? El inicio de la escena rave en Francia fue muy apasionante, pero hablamos de los años 1992 y 1993. Luego, del 96 al inicio de los dos mil llegó el French Touch, que era interesante gracias a los grandes clubes. Más allá de de 2003 y hasta el 2013 no hubo absolutamente nada. Tienes el Rex, el Batofar y durante un tiempo el Pulp, pero nada más. Fueron años muy malos, tanto para París como para Francia, como mucho tenías un club en cada ciudad. Con esta renovación de la escena imaginamos que, en cuanto a nuevos artistas y productores, tiene que estar sucediendo un crecimiento parecido. ¿De qué manera trabajas en tu sello discográfico (Bass Culture) tu propio estilo, el de los artistas clásicos y el de los nuevos que se van incorporando? Dentro de las referencias, por nombrar algunos nombres importantes, has publicado recientemente a artistas como Cassy o Mr. G. El sello tiene ahora casi seis años. Cuando lo empecé la escena minimal era la dominante. Tenía la sensación de que hacía falta aportar algo más clásico, oldschool, acorde con mis raíces. ¡Y lo empecé en el peor momento! Las ventas de discos estaban cayendo en picado. Fue en ese período en el que lo digital se consolidaba y arrastraba a una gran parte de artistas a instalarse en ese formato. Sí, hablo de 2009, aunque siempre tuve claro que quería hacer vinilo. La idea del sello es parecida a lo que decíamos acerca de las noches Rex Bass Culture. De hecho, el nombre proviene de ahí. Disfruto encontrando nuevos artistas que me gustan y al mismo tiempo los mezclo con artistas que conozco desde los inicios como Mr. G o Chez Damier, que hizo un remix en uno de los primeros lanzamientos. Con la llegada de nuevos géneros y estilos de música electrónica, hubo un momento en el que estos artistas casi desaparecen: uno de mis objetivos era hacerles regresar. Con esto en mente, me siento muy feliz cuando veo que Mr. G saca tres álbumes en un año y encabeza el lineup de grandes festivales. ¡Porque realmente es un genio!

En resumen, me gusta unir a los artistas clásicos y a los nuevos que comparten un mismo estilo y que es el que disfruto pinchando. Conceptualmente es así de sencillo: Bass Culture produce música que me encanta pinchar como dj, y que quiero pinchar más de una vez. Además, supongo que la distribución se realiza a todas las escalas, especialmente en el tejido independiente de tiendas de discos que están repartidas por Europa y el resto del mundo. Nos resulta muy interesante que, aunque haya grandes artistas produciendo música electrónica en vinilo, las grandes discográficas no intervengan en casi ninguna parte del proceso. Tampoco intervienen las grandes cadenas de venta que ofrecen productos culturales ni, como decía, las discográficas que se apropian sistemáticamente de los artistas que alcanzan cierto nivel de éxito. En este tipo de producciones en vinilo, no hay dinero. Tienes que hacerlo por la razón adecuada. Si lo haces por dinero, ¡te has equivocado de música! Es una cuestión de pasión, creo. Lo bueno de ello es que, cuando lo haces de forma totalmente independiente, no tienes compromisos ni inversores que intenten entrometerse en el proceso creativo. Respecto a lo que comentábamos de la creciente tolerancia entre estilos de música electrónica, en el sentido de que el público está mucho más abierto a escuchar tanto techno oldschool como deep house o minimal, quizás el boom del EDM tuvo algo que ver con eso. Es decir, algunos años antes, la gente notaba una gran diferencia entre el techno y el house —y es obvio que la hay—, pero cuando el EDM comenzó a tomar relevancia en los festivales de electrónica y en los clubes, el house y el techno ya no parecían tan diferentes en comparación con el EDM, de golpe parecía mucho más similar e interesante. Y también es cuestión de lo que hacen los grandes nombres. Por ejemplo, Laurent Garnier, Ricardo Villalobos o Derrick May pueden pincharte de todo. Quizás piensas que Derrick May pinchará solo Detroit techno, pero en realidad pincha mucho New

York house. Mucha gente piensa que Ricardo Villalobos es minimal, pero también pincha mucho house y techno. Alguna gente espera que Laurent Garnier pinche techno rave, pero en realidad siempre va a sorprenderte con otros géneros. Creo que los grandes artistas deben aprovechar que son conocidos para educar al público y no solo limitarse a pinchar lo que más suena esa temporada. Pinchar lo que está de moda te limita, pero pocos djs logran superar eso. Pensando en los grandes, llegamos fácilmente a Estados Unidos. Estuviste no hace mucho en San Francisco. ¿Qué tal fue tu última experiencia en el país? Esta vez pinché en un club que abrió hace apenas dos años. Se llama The Public Works y está realmente bien. En Estados Unidos hago unos tres o cuatro tours al año y, respecto a lo que comentaba acerca del buen momento de París, creo que el país está mejorando muchísimo. Proliferan los clubes underground y la gente está entusiasmada y muy metida en la música. Creo que Nueva York fue el mejor lugar del mundo para el house a mediados de los noventa, pero ocurrió algo parecido a París, cerraron todos los clubes y la escena murió por instantes. Por suerte, en los últimos cinco años ha habido un resurgimiento muy potente. Está volviendo. Tú viviste en Nueva York algún tiempo en los noventa, justamente durante parte de la época dorada de la electrónica en la ciudad. Sí, me mudé ahí en el año 1993 y me quedé hasta el año siguiente. Tuve mucha suerte de coincidir con ese momento. Fue como el Berlín de 2007… ¡O el París de 2015! Tenía los mejores clubes y un público espectacular, esa fue la época de Dj Pierre y Masters at Work. Tiempo después me daría cuenta de lo realmente afortunado que fui al haberlo vivido. En mis inicios como músico, además de París, Nueva York me marcó muchísimo y me abrió la mente con muchos otros sonidos. Aunque fue muy importante, parece que Nueva York no está tan presente en el conocimiento de la historia de la música electrónica, como si Chicago y Detroit hubiesen capitalizado los inicios. Para mí, es igual de importante que Detroit o Chicago. En los setenta y ochenta se vivió en la ciudad la época disco, asociada al club Paradise Garage. Con sellos como Nu Groove llegó el house iniciáti-

co. Todo ello dejaría una fuerte influencia para la electrónica que vendría después. Durante esos años, Nueva York fue el lugar más importante para el Garage y el Deep House. Es cierto que actualmente ya no tengo tan marcada esa influencia. Eso me hace pensar en que quizás tienes razón al decir que Chicago y Detroit están más presentes en la actualidad. Sin embargo, Nueva York fue crucial para la electrónica. Recuerdo aquella historia casi surrealista del libro autobiográfico de Laurent Garnier ‘Electroshock’ que cuenta cómo fue su primer viaje a Nueva York. Se quedó colgado porque el promotor no apareció. Delirante. ¡Conozco esa historia! En aquella época lo que más se movía en la ciudad eran las raves, los clubes solo tenían un residente y no había djs invitados. Así que, si eras un dj en Nueva York y no tenías una residencia en un club, lo que hacías era pinchar en fiestas underground. Eso es lo que Laurent hizo y yo también. Pero sí, aquella historia fue poco profesional. Le ocurrió a él y le podría haber ocurrido a cualquiera. Recuerdo la primera vez que escuché hablar del club Sound Factory, en Nueva York, el que fue para mí el mejor del mundo. Fue Laurent, sobre el año 92, antes de que yo me mudase ahí. Me dijo “he visto el mejor club del mundo, un equipo de sonido increíble…”. Así que, un año después, lo primero que hice al llegar a Nueva York fue ir al Sound Factory. Abría los domingos por la mañana, como after. Para mí era como ir a la iglesia, como ir a Panorama Bar ahora, pero todavía mejor. Has pinchado en Panorama Bar varias veces. Las mañanas de domingo en Panorama Bar son impresionantes, parece que a ciertas horas la música electrónica puede ser más ecléctica y libre todavía y que el público está también receptivo y con ganas de sorprenderse.

Los afterhours son el lugar donde los djs ponen a prueba los temas que decidirán cómo suena el futuro.

Habré actuado en Panorama Bar unas seis o siete veces. Me encanta el lugar y ahora lo echo de menos, espero volver a pinchar pronto ahí. Sin duda, es uno de los mejores clubes del mundo. Ciertas horas del día y los afters son muy apropiados para probar nuevos sonidos. De hecho, en la escena underground, la música nueva la escuchas primero en los afters. Los djs pueden arriesgar más en ese ambiente porque la gente ya ha estado de fiesta toda la noche. Al haber escuchado ya los grandes tracks durante la sesión de club, en el after puedes probar con otros sonidos y mostrarte diferente.Tú ya has pinchado durante la noche y tienes un nuevo momento para poder hacer cosas más complicadas o menos habituales. Te sientes como en un laboratorio listo para experimentar. Los afterhours son el lugar donde los djs ponen a prueba los temas que decidirán cómo suena el futuro.

· ENTREVISTA ·

Oliver Huntemann Charlamos con el gran Oliver Huntemann sobre Ibiza, sus grandes noches con Solomun +1 y su amistad con Dubfire. Oliver es un artista de largo recorrido que abandonó su carrera militar en los años 80 cuando la electrónica invadió su Alemania natal para atraparle completamente en el mundo de la música. TEXTO: GONZALO GIL / FOTO: JULIAN ERKSMEYER

Oliver, tu eres de Alemania y ahora estás viviendo en Hamburgo. ¿Cómo es vivir en esta ciudad? ¿Es una ciudad que te inspire para producir música? Me encanta vivir en Hamburgo o en ciudades construidas cerca del agua en general. Es por motivos acuáticos. ¿Sabéis que Hamburgo tiene más puentes que Venecia? Yo no diría que Hamburgo me inspira para hacer mi música exactamente. Tomo mi inspiración por todo el mundo. Hamburgo me da la capacidad de poner mis ideas en forma. Ahora Berlín es el epicentro de la música tecno. ¿Por qué decidiste regresar a Hamburgo y no a Berlín? Yo nunca viví en Berlín. La capital es agradable, me gusta pasar tiempo allí, pero me siento cómodo con mi amigos, mi equipo, el medio ambiente de Hamburgo y encima me encanta esta ciudad. Productores y jóvenes djs van a Berlín con los mismos deseos para terminar en una gran competición. Para crear cosas buenas se necesita reflexión y distancia de lo que haces. Hacer lo que hace todo el mundo ralentiza su crecimiento. No siempre es útil estar en el epicentro. Tu carrera es muy larga, comenzó con las influencias de Afrika Bambataa, Arthur Baker, Egyptian Lover... cuando tenías 14 años aprox. ¿Por qué esta nueva música te gustó? No hay un “por qué” de las cosas, como la música o el amor. ¿Por qué un pianista toca el piano o una guitarra un guitarrista? Uno simplemente lo siente. Hay una cierta magia en la música que no se puede explicar. En 2003, cuando te pusiste en contacto con los registros de Dj Hell y Gigolo, enviaste un cd solo con un número de teléfono. No había nombres, ni rostros, sólo la música para no ser prejuzgado por ello. Ahora, da la sensación que la gente sólo piensa en nombres y en los seguidores de las redes sociales que tienen los grandes artistas y la música se queda en un segundo plano. ¿Qué piensas acerca de ello? Sé que a la gente le gusta hacer esta pregunta. ¿Cómo era en aquel entonces y lo que se piensa del pasado en comparación con el presente. Pero en serio, no es útil comparar todo el tiempo. Las cosas son como son ahora y tienes simplemente que lidiar con el presente. Seguramente hay siempre una causa y una reacción en cadena. Siempre se trata de tener una idea y probarlo.

Ahora la escena es diferente, es más grande y la industria es más profesional. ¿Qué prefieres, esta época o los inicios de la música electrónica en los años 80 y 90? Estoy agradecido de haber podido experimentar en ambas ocasiones y que haya podido crecer con mi música. Tu última etiqueta se llama Senso Sounds, es muy joven, con tan sólo un año de vida. Tu último lanzamiento es Schwarzlicht y Filmriss. ¿Cómo está siendo el feedback con este nuevo label y con sus primeros lanzamientos? Va bastante bien, encantado de ver el desarrollo del sello, los artistas y de mi equipo. Ya estamos listo para lanzar Senso 12, el nuevo single de André Winter. Pincho los tracks desde hace un par de meses y…¡lo están partiendo! Sabemos que tienes una gran amistad y una conexión de la música con Dubfire, nuestro invitado para estrenar la cuarta temporada de Vicious Live ¿Cómo es trabajar con él? Nunca estamos juntos en el estudio. Nuestra colaboración se basa en el envío de sesiones Logic Audio de ida y vuelta. Una forma muy cómoda si se viaja tanto como lo hacemos, o si por el contrario no se vive en la misma ciudad. En general tenemos un sentimiento similar de texturas y sonidos que hacen que nuestro flujo de trabajo sea muy fácil de llevar. Para este otoño Dubfire y tú tenéis una nueva colaboración. ¿Qué puedes contarnos al respecto? Me temo que nuestro nuevo single “ Humano” no podrá ser publicado este año. Todavía estamos a la espera de obtener las versiones de los remixers. Acabamos de pasar el verano, y es imposible no hablar de Ibiza ... Actuastes con Solomun en su fiesta en Pacha de los domingos. ¿Cómo fue la conexión musical con Solomun, ya que tu eres más oscuro y techno que él? ¿Te gustó? ¡Oh, sí, me encantó mucho la noche con Solomun!. Aunque tenemos diferentes sonidos, hacemos un gran equipo detrás de los platos. Me sorprendió el año pasado cuando pinchamos con un back2back en Tox por primera vez. Terminó en un viaje de seis horas. Fue una de mis mejores noches del año pasado. Hicimos lo mismo este año después de nuestro show en Pacha. Solomun es un dj fantástico, con muy buen gusto para seleccionar la música para cada momento. No puedo esperar más para tener un próximo show con él.

· REPORTAJE ·

Spain is different YA Q U E DA M E NO S…

“Conozco casos de djs españoles, entre los que me incluyo, que nos sentimos más queridos y respetados fuera de nuestras fronteras. Aquí esta más presente la cultura del amiguismo que el que te valoren por el trabajo que haces” nos comenta Abel Ramos. El dj y productor madrileño es uno de nuestros artistas más internacionales, sus giras por Latinoamérica, fechas en Miami, Croacia y un muy largo etcétera así lo avalan. Además es el primer artista español en tener cuatro top 10 de Beatport seguidos gracias a sus lanzamientos por Spinnin’ Records y, si a esos credenciales le sumamos su participación este verano por primera vez en Tomorrowland, parecería que estamos hablando de un artista internacional, pero no, entonces ¿por qué ese estigma entonces? En España siempre hemos tenido un problema, y es que parece que todo lo que viene de fuera siempre le tenemos que dar más importancia a lo que tenemos aquí dentro. Albert Neve, otro de los españoles que más gira fuera de nuestras fronteras (entre otras muchas cosas este año ha pinchado por segunda vez en Tomorrowland) y creador del remix del ‘Play Hard’ de Guetta que seguro has escuchado, nos habla sobre esto: “Nadie es profeta en su tierra, dicen (...) Bajo mi opinión, hoy en día sigue pasando lo mismo, a pesar de la cantidad enorme de talento que estamos exportando”. Aunque también reconoce que esto también suele pasar fuera: “De todos modos esto también ocurre en el resto de países que he visitado, ya que habitualmente también se le suele dar más importancia al invitado internacional que al nacional”. A lo mismo Abel Ramos nos responde: “La poca valoración que se tiene en España por los artistas nacionales, nunca lo he visto en otros países con los suyos”. Además nos cuenta una historia bastante curiosa que puede definir perfectamente nues-

Sobre esto, Alexander Som, uno de nuestros artistas más jóvenes pero que más triunfa fuera también, buena prueba de ello es su gira por Croacia este verano y su participación en Ultra Europe, también nos da su opinión: “No estoy de acuerdo con eso, sí es cierto que siempre un artista extranjero suele levantar más expectación por el hecho de que no le sueles ver muy menudo, eso hace que eclipse un poco al resto y de esa manera parezca mas especial” aunque también afirma que “En mi caso cuando viajo si noto esa reacción diferente por parte del público de cuando estoy yo, a cuando esta un dj local, pero es por lo que te he explicado anteriormente a mi parecer, eres la novedad y la gente te recibe con más ganas”. Uno de los casos más sonados en nuestro país ha sido el de Danny Avila. Ha tenido que triunfar antes fuera que dentro de su propio país ¿por qué? Porque le apoyaron desde bien joven artistas de fuera, aquí notaba una barrera y tomó la decisión de irse fuera y se puede decir que le ha salido bien la jugada. Desde entonces ha participado en el Ultra Music Festival, ha tenido residencia en Las Vegas, ha pinchado en el Coachella y un muy largo etcétera. Por fin el año pasado se le volvieron a abrir las puertas de su país y ya le hemos podido ver mucho más de él desde entonces. Este año ha contado con su primera residencia en Pachá Barcelona (Abel Ramos también ha hecho lo propio en Opium) y en el Medusa Sunbeach Festival hizo, posiblemente, la mejor sesión del escenario mainstream, a pesar de que encima sobre su nombre en el cartel estuviesen artistas como Dimitri Vegas & Like Mike, W&W, Steve Aoki… Otra cosa que le hemos preguntado a estos tres grandes artistas ha sido qué cree que nos diferencia de otros países en este sentido, a lo que Alexander Som nos contesta: “Tengo que decir que a nivel electrónico poco, cada vez son mas los productores y artistas de calidad en nuestro país, y cada vez es mayor el support que estamos recibiendo artistas nacionales fuera. Sí es cierto que fuera la gente, esta mas al día en cuanto a novedades y tendencias se refiere, en España el publico suele ser muy agradecido, pero a veces aquí tienes ir como yo le llamo a ‘Sota, caballo y rey’, es decir poner lo que la gente sabes que va a conocer”. tra situación en este sentido: “Este verano me pasó una cosa muy curiosa en un festival. Pinchaban tres artistas internacionales y las credenciales que usaban para su presentación era que habían sacado sus tracks en Spinnin’ y que este año habían pinchado en Tomorrowland. Yo solo era un dj más que estaba en la fiesta sin ningún tipo de reseña hacia mí o mi carrera, cuando resulta que yo saco mis temas en Spinnin’ y este año también he pinchad en Tomorrowland. Lo que para el internacional era algo a destacar, para mi no era válido”.

Abel Ramos afirma: “Lo más importante es que ellos nos llevan muchos años de ventaja. Tienen los conceptos muy claros, cuidan mucho el producto y tienen un gran respeto por los artistas y el público”, mientras que Albert confiesa: “Lo primero es entender que en cada país existe una cultura diferente, lo cual influye en la manera en la que se vive y se entiende la música. Esto, que es tan fácil de explicar, nos lleva a un sinfín de pequeños matices que hacen que la experiencia sea sustancialmente diferente” y hace hincapié en que cree

que cada vez la organización entre un país de fuera y España suele ser más parecida en las últimas temporadas. La puerta a la internacionalidad de artistas españoles por fin está más abierta que nunca, no solo en el mainstream con Abel, Albert, Alexander, CID, Danny Avila y más, sino también en otros ámbitos de la electrónica más underground como John Talabot, Pional o Henry Saiz… Eso es algo muy positivo que hace cierto tiempo era complicado, así que ahora tenemos que aprovechar esta oportunidad, y en vez de destruirnos los unos a los otros unirnos más que nunca y empezar la conquista electrónica del mundo. Afortunadamente la música de nuestros artistas ya está siendo apoyada por los mejores artistas del momento, si no que se lo digan al propio Abel con Steve Angello, a Albert con Guetta, a Sandro Avila y a Evangelos con Laidback Luke, a Victor Santana, Cuartero, Regal... La solución para Albert con esto es empezar a hacer autocrítica: “Preguntarnos el motivo por el que no conseguimos esa valoración. Un parte importante es la comunicación, que es un aspecto al que no le hemos prestado la suficiente atención en este país.

De nada sirve conseguir logros importantes si luego no somos capaces de transmitirlos al publico y a los promotores. Tampoco nos ayudan las infraestructuras, ciertamente inexistentes en este país, y que siempre han limitado a todo aquel que quisiera dedicarse a la música electrónica, algo en lo que hay países que nos llevan años luz de ventaja”. Abel Ramos nos da un consejo a todos para saber realmente apreciar lo que tenemos aquí: “Hay que empezar a seguir más de cerca las carreras de todos los djs. Hay muchos que están haciendo las cosas muy bien, no solo es sota, caballo y rey. Escuchar sus producciones, mirar sus redes, escuchar sus sesiones, etc… En resumen, perder un poco de tiempo en saber qué les rodea. Hay muchos talento en este país y mucho talento joven que viene con fuerza, al nivel de cualquier top, que precisamente son top por que en sus países son muy apoyados por el público, promotores y medios. Cuando consigamos tener artistas fuertes en todos los estilos, conseguiremos una escena fuerte para todos”.

· ENTREVISTA ·

Nervo UNA VERSATILIDAD EXQUISITA

Con su primer álbum de estudio recién sacado, gracias a Ballantines hemos hablado con las gemelas más famosas de la escena. Nos hemos sentado con unas sonrientes y siempre majas Nervo para que nos hablen del disco, de su verano y de muchas curiosidades que no te puedes perder. TEXTO: ISRAEL MÉNDEZ

¿Cómo está yendo el día por Madrid? Mim: Muy bien. La última vez que estuvimos aquí fue en el principio del verano y ahora estamos en el final, así que te podemos decir que ha sido una temporada genial. Nos encanta España, así que venir siempre es una excusa muy buena. Vivimos en Ibiza durante cinco meses y ahora que llega el fin del verano nos ponemos muy tristes. ¿Habéis tenido tiempo de daros una vuelta por la capital? Liv: ¡Sí! Hemos estado en Madrid unas cuantas veces, no la conocemos lo bien que nos gustaría pero nos encanta las partes que hemos visto. Nos gusta mucho ir de tapas. La última vez que estuvimos fuimos a un show de flamenco y fue increíble. Mim: La gente de aquí es muy maja y, si te somos sinceras, Madrid es una ciudad en la que viviríamos. La última vez que estuvisteis aquí fue en el closing de SuperMartXé ¿qué recordáis de la fiesta? Liv: (Risas) ¡¡Sí!! Fue una fiesta genial. Es una locura ver a bailarines desnudos y desnudas por todos lados (risas), ¡fue bastante bien!... Además ahora hacéis el closing de Privilege en Ibiza, con SuperMartXé ¿qué esperáis de esta fiesta? Liv: ¡Que sea más loca todavía! (risas) Es la primera vez que pinchamos en una SuperMartXé en Ibiza. Mim: ¡Y la primera vez que lo hacemos en Privilege! Uno de los clubs más grandes de todo el mundo. Creo que va a ser una experiencia muy buena.

‘Collateral’ Pasemos a hablar de vuestro primer álbum de estudio ‘Collateral’. ¿Cómo definiríais el sonido del disco? Mim: Tiene una pegada fuerte de electrónica. Es un álbum muy melódico y emocional. Creo que también es muy divertido y un poco “sucio” también. ¿Por qué ‘Collateral’? Mim: Es como un estilo de vida. Collateral para nosotros significa todo lo que coges de un viaje, una cosa de aquí, otra de allí… aprendes de todo y eso lo llevamos a un álbum. Nos ha llevado mucho tiempo lanzar un álbum, principalmente porque en nuestro mundo, en el “espacio dj” no necesitas tener un álbum. Puedes lanzar singles, y eso es suficiente, pero nosotras queríamos lanzar uno para mostrar una versión distinta de Nervo. ¿En qué momento decidisteis hacerlo? Liv: Creo que fue hace cuatro años más o menos. Teníamos un sueño. Como te ha dicho Mim lanzamos temas sueltos pero en un momento que sacamos ya varios temas decidimos meternos en el estudio para intentar hacer algo. Hubo un momento en que dijimos esto no lo podemos sacar como single de dance porque es muy pop, es diferente. Por eso decidimos hacerlo, porque este tipo de temas encajan a la perfección en un largo. Como me habéis dicho es un álbum muy melódico y contiene además colaboradores muy buenos ¿cómo fue el proceso de selección de estos artistas? Mim: El proceso fue de forma muy natural. Teníamos 45 temas preparados y tuvimos que pensar para reducir eso a una selección de 15 y acabarlos.

Para el sello muchos vinieron de gente como Kylie Minogue, Nile Rodgers… porque todos esos nombres impresionan a la gente. Ahora también tenemos muchos temas que acabar de los que estamos muy felices, pero para el siguiente álbum. Estando de gira coincidimos con mucha gente y les enseñábamos los temas y preguntamos si querían colaborar, y muchos dijeron que sí. ¿Cuál es la peor parte de hacer un álbum? Mim: Acabarlo siempre es la peor parte porque somos demasiado perfeccionistas. Incluso a veces cuando escuchamos nuestros temas en la radio decimos “Mierda, deberíamos haber cambiado esto” (Risas). Como habéis dicho, para este álbum habéis trabajado con leyendas de la música como Nile Rodgers o Kylie Minogue ¿cómo es trabajar con ellos? Liv: Conocemos a Kylie desde hace muchos años. Trabajamos con ella por primera vez hace cinco años más o menos. Trabajar con ella es un sueño y además es muy fácil porque es súper maja y trabajadora. Trabajar con ella otra vez ha sido un honor. Nile es un hombre muy humilde… Mim: Con Nile estuvimos de tour por Australia. Conectamos bastante bien, bebíamos en el backstage con él y nos hemos convertido en grandes amigos. Así que la verdad que trabajamos con Kylie primero y luego con Nile, pero ha sido genial.

‘Like Home’ es uno de vuestros temas más famosos, y ahora habéis vuelto a trabajar con Nicky Romero ¿cómo ha sido trabajar de nuevo con él para ‘Let it Go’? Mim: Increíble. Liv: Siempre estamos trabajando con Nicky. Está en nuestro álbum, siempre es muy divertido trabajar con él. Tiene muchísimo talento y es muy divertido ver nuestros nombres juntos en un trabajo. Es un sueño hecho realidad en verdad. ¿Ser gemelas es bueno a la hora de producir? Liv: ¡Sí! Porque podemos decirnos entre nosotras que las ideas son una mierda (risas). Mim: Me puede decir tú idea no me gusta, y no sentirme ofendida. Además dos cabezas siempre piensan mejor que una. Sinceridad ¿cuál es vuestro tema favorito del álbum? Liv: (Piensan) ‘It feels’ Mim: ‘The Other Boys’ ¿Cuál diríais que es el sitio perfecto para escuchar ‘Collateral’? Liv: Yo diría que viajando en coche. Aunque también para estar en casa cocinando, limpiando o estando con amigos. Mim: Una tarde de domingo, o preparándote para salir… Liv: ¡Eso es! ¡Calentando!

Este año habéis estado en Pacha, Ushuaïa, Amnesia… ¿cómo definiríais vuestro verano en Ibiza? Liv: Increíble. El mejor verano de todos sin duda. Mim: El mejor y el más loco de nuestra vida. No hemos dormido mucho… pero hemos tenido eventos muy buenos, muy buena energía, vemos a la gente feliz y recargamos mucha energía con eso. Además habéis estado un año más en Tomorrowland y vuestro set ha sido uno de los más escuchados del año ¿cómo se prepara un set de estas dimensiones? ¿es algo especial? Liv: ¡Por supuesto! Siempre hay un festival muy importante cada tres meses. Siempre trabajamos en una nueva intro para este tipo de eventos, cada mes cambiamos nuestras intros y luego siempre hacemos mash ups nuevos de temas antiguos, temas nuevos… Mim: Siempre hacemos remixes, presentamos temas en los que estamos trabajando en los grandes festivales. Jugamos mucho con el streaming, ahora puedes pinchar para 40.000 personas como en Tomorrowland y en verdad estás pinchando para 400.000 en streaming, o incluso muchos más. Nos ponemos muy nerviosas antes de este tipo de eventos. ¿Cuál ha sido el mejor momento para vosotras de la temporada? Liv: ¡Lo tengo! La fiesta Nervo Nation en Ushuaïa en Ibiza. 5.000 o 6.000 personas vinieron… Mim: También porque ese club, que consideramos familia, nos ha estado apoyando desde hace mucho. Y esto fue un momento en el que celebramos el verano juntos. Liv: Vino Tiene Tempah, y la after party en el Green room fue genial también… ¿A qué fiestas os gusta ir en Ibiza cuando no estáis trabajando? Mim: DC10 y Cocoon. Nosotras pinchábamos los lunes por la noche. Acabábamos a medianoche y es un tiempo perfecto para acabar porque puedes ir a DC10 o Cocoon. Liv: Pinchamos big room pero nos encanta escuchar techno o deep house. Es un gran cambio para nosotros. Nos encanta también ir a ver a Solomun los domingos…

¿Cuál es vuestro artista favorito alejado del mainstream? Ambas: ¡Muchos! Mim: He escuchado el mejor set de mi vida este año. Liv: ¿El b2b de Solomun y Sven Väth? Mim: ¡Sí! Fue increíble. Un set muy de “colaboración” porque los estilos de ambos son muy distintos y verlos juntos como mezclaban sus sonidos fue espectacular. ¿Tenéis pensado hacer algo diferente en el futuro? Mim: ¡Si! Lanzamos un tema más deep hace algún tiempo. Tenemos pensado cosas la verdad, pero es que nos encanta pinchar big room, porque es una energía totalmente diferente… Liv: Sí porque la energía que nos llega desde el público es increíble de principio a fin. Este año habéis pinchado varias veces en España ¿qué os ha parecido nuestra escena? Liv: Ha sido mucho mejor este año aquí que el pasado. Creo que España ahora está disfrutando su momento en lo que a electrónica se refiere. Los festivales se han convertido en impresionantes de repente y eso es realmente bueno. ¡Y además siempre tenéis sol! (risas) Vosotras siempre conectáis con el público de una forma muy especial ¿cuál es el secreto? Mim: ¡Tenemos que conectar muy bien con ellos! Nos encanta lo que hacemos, es increíble ver a todo el mundo pasárselo bien, nos da mucha energía. ¿Algo que le queráis decir a vuestros fans españoles? Mim: Llevamos a España en nuestro corazón. Liv: Tenemos muchos clubs de fans aquí. Y siempre vienen a nuestros eventos. Alguno son menores y no pueden entrar y les hemos visto crecer año tras año. Es muy divertido. Mim: España ha sido uno de los primeros países en apoyarnos. Siempre que hemos venido aquí nos hemos sentido como en casa. La gente es muy maja, la comida es genial, el tiempo es perfecto, las playas son mejore… El estilo de vida es muy bueno.

A P R E N D E R

S E R

U N

A R T I S T A

Entrevistamos a Dubfire en el céntrico Hotel Indigo, lugar donde se alojó durante su paso por la capital. Tras compartir unas palabras con él tuvimos la ocasión de ver su show en directo para inaugurar la temporada de Vicious Live por todo lo alto. Charlamos sobre su nuevo espectáculo “Dubfire:live Hybrid”, sobre su dilatada trayectoria y sobre cómo ser un artista en la cresta de la ola durante más de veinte años. Porque de eso, Dubfire sabe un rato. TEXTO: CRIS ZAPA / FOTO: PATRICIA NIETO

Aunque se trate de uno de los grandes, nada en la actitud de Dubfire revela su éxito profesional. Es tranquilo y cercano y nos resultó fácil hablar con él. Desde el primer momento nos comentó que no le gustan mucho las entrevistas porque es difícil conseguir que haya buen feedback. “Es mucho mejor cuando se hace en un ambiente distendido como una comida o cena. Así es como se consiguen las mejores declaraciones”. Así que, cerveza en mano, nos dispusimos a tener una charla con él siguiendo sus reglas en el piso número 11 del Hotel Indigo de la capital.

Tener una conversación de corazón, sin preguntas prefijadas, aunque nos encontremos ante uno de los artífices del minimal techno actual. Con el creador del deep house, ganador de un Grammy con su proyecto Deep Dish. Con el Dubfire de andar por casa, el que sale a la luz cuando no está en el escenario repartiendo fuego y dub. Os presentamos a Ali Shirazinia, el cuerpo, el hombre, la piel bajo el todopoderoso Dubfire. Empezamos hablando de su ambicioso proyecto actual: Hybrid. Un espectáculo que crea una experiencia audiovisual y sonora única con tecnología punta y el genial directo de Dubfire. Se ha presentado en festivales como ADE y Sónar, aunque aún le queda un largo trecho por recorrer. Afortunadamente para los que aún no la hemos podido ver. ¿Cómo es la historia de Hybrid? Todo empezó porque desde hace muchos años quería hacer algo que sólo tuviera mi propia música. Mis sonidos. Cuando pinchaba hacía cosas con la música de otros. Me pasé muchos años escuchando la música de otros, haciendo remixes, he pasado muchas horas en el estudio y quería ir al siguiente nivel. Porque claro, mucha gente se empezó a decepcionar cuando me iban a ver y yo no tocaba mi propia música.

bar lo que está bien hecho y lo que no. Porque un show es más que lo que ve el público, hay mucho trabajo entre bambalinas. Tenemos especial cuidado en todo lo relacionado con lo audiovisual y el sonido. A veces es el sonido del bajo, a veces es que los visuales no van acordes con un segmento y tenemos que volver a hacerlos. Siempre buscamos nuevos recursos y, de hecho, seguimos buscando el camino para hacer el show perfecto. Para muchos de nosotros este tipo de performance en vivo es algo completamente nuevo. Pero tenemos que mejorar no sólo para nosotros, también para el público. ¿Lleváis mucho tiempo preparándolo? ¿De cuánto tiempo hablamos? Unos dos años con todo el proceso. El primer año lo hemos dedicado a expandirlo por el mundo — hacer marketing — para que se fuera hablando de él. En el segundo año esperamos que mucha gente que haya oído hablar de él venga a verlo. Hybrid ha sido algo muy costoso. He desembolsado 300 mil dólares de mi propio bolsillo para hacer este live show.

Por eso vi esto como una oportunidad para fusionar el increíble mundo audiovisual con mi producción: tecnología 2D y 3D junto a mis trabajos más reconocidos, los que más me gustaban. Era una vía para exponerlo de forma distinta y nueva para los fans. Crear una nueva experiencia. Una experiencia Dubfire. Hybrid es un proyecto en el que no has escatimado en detalles. ¿Lo consideras entonces como un trabajo para los fans? De alguna forma quise ponerme a prueba. De joven tocaba en una banda de punk y pasé por muchas bandas locales. Pero cuando empecé a pinchar el espectáculo cambió. Ser dj es una forma de performance, aunque en realidad no es una performance. Así que quería crear un estímulo extra para que la gente venga a ver sólo mi música. Es un espectáculo que supone un desafío cada vez que lo hago, es muy muy caro y consume mucho tiempo. Pero necesitaba hacer algo así. Estaba en mi lista de cosas por hacer antes de morir. Lo hice en principio por mí, pero al final también por los fans. Quería hacer algo que les gustara de verdad, algo nuevo, y les ha gustado mucho así que me siento satisfecho. Eso no quita que con cada fecha de Hybrid busque mejorar. ¿Cuál ha sido para ti el mejor show hasta ahora? ¿Cómo haces para mejorar un show de estas características? Sónar Barcelona es el que más satisfecho me ha dejado. Con cada show aprendes algo y además te expones a un público distinto. Hacemos una reunión con el equipo una semana antes del espectáculo en la que revisamos los vídeos de los anteriores shows para mejorar la sistemática de trabajo y compro-

“ He desembolsado 300 mil dólares de mi propio bolsillo para hacer este live show” 57

Pero lo he hecho porque es arte, es música se quedará en el corazón de mucha gente pasen los años que pasen.

“ Tenemos que contribuir al futuro de la música”

Claro, es algo muy distinto a simplemente pinchar, que es lo que he hecho en los últimos cinco o seis años. Mi equipo ha trabajado para hacer un par de visuales al año de veinte minutos con las que pudiera hacer mi dj show y cosas por el estilo. Eran luces y visuales para que la gente las pudiera identificar conmigo, pero no es lo que hago ahora. Hybrid es el siguiente paso lógico a lo que venía haciendo. Vamos, que te lo pedía el cuerpo. El cambiar un poco de tercio y hacer algo para la posteridad. Lo que no quería era hacer lo mismo que muchos artistas acaban haciendo: alimentar la máquina. Es difícil no hacerlo, especialmente cuando esa máquina produce unos buenos ingresos económicos. Me refiero a que hay artistas que arriesgan y otros que siguen una misma fórmula siempre. Yo pienso que si no estás dispuesto a asumir riesgos no estás del todo vivo, no te estás expresando artísticamente del todo. Porque por ejemplo, hay gente que dice que mi espectáculo de luces es como los del EDM. Yo pienso que el EDM es como la comida basura. Adoro los Mcdonald´s, pero muy pocas veces me verás consumir comida basura. Como me estoy haciendo más mayor cada vez me compensa menos (risas). Pero cuando eres joven te da igual. Suplicas a tus padres que te compren un Happy Meal o ir al Burger King. Cuando maduras te planteas otras cosas: qué es para ti la música y el arte, quién eres, a dónde te diriges, cómo te sientes… Descubres que necesitas algo más profundo, que signifique algo. Tenemos que contribuir al futuro de la música. Hemos venido aquí para algo. O al menos me gustaría pensar eso. Parece que tienes las ideas muy claras. ¿Nunca te has sentido perdido en el mar de la fama? Todos nos sentimos perdidos alguna vez. Vengo de estar hablando con otro productor que me ha confesado haberse sentido perdido durante los últimos años. No sabía dónde estaba musicalmente. Cuando te sientes perdido tienes que aprender a hacerte las preguntas correctas. ¿Quién eres? ¿A dónde quieres ir? ¿De dónde vienes? ¿Qué quiero conseguir con mi arte? Hay muchas preguntas importantes que hacerse a uno mismo. Si no evolucionas, si no progresas, si permaneces en una posición cómoda, en la zona de confort dando vueltas a lo mismo… ¿qué sentido tiene? Si de verdad valoras tu vida y el tiempo del que dispones en este planeta, si valoras el tiempo que se te ha dado y lo que quieres es dejar tu huella tras abandonar el mundo… Tienes que esforzarte para que los que vengan perciban lo que haces como arte.

Creo en la evolución, en los ciclos, en quién fui hace cinco años. Probablemente no me reconocería si me viera hace cinco años o hace diez. Pero siempre miro hacia atrás para saber qué he aprendido con cada momento de mi vida, qué cosas me inspiraban, en qué dirección pensaba que iría.

“ Tu arte es lo que tú eres.”

No todos los artistas en el fondo tienen el coraje de tomar esos riesgos. A muchos les cuesta salir de esa zona de confort que comentas. La mayoría de los artistas no lo hacen, especialmente en el EDM. Si tienen un hit y a la gente le encanta, eso basta. Pero porque son jóvenes de 18 o 19 años. Eso no es ser un artista, eso es ser una estrella. Ser un artista es no conformarte con lo que te dan. No aceptar lo establecido. Trasportar a la gente a otro lugar. Estar en un reto continuo contigo mismo. Si cada vez que actúas no superas el reto no te estás desarrollando, no estás progresando, no puedes sentirte vivo. Tiene que fliparte lo que haces para que pueda flipar a los demás. Tu arte es lo que tú eres. Háblame de lo que has hecho este verano con Enter. ¿Cómo fue trabajar con Richie Hawtin? ¿Ha sido un buen compañero? Sí. Ha sido un compañero genial. Hemos estado muy unidos y ha sido una gran fuente de inspiración desde que le conozco. Evidentemente en la primera parte de mi carrera, cuando es-

taba en Deep Dish, no estábamos muy conectados, pero somos amigos desde hace más de veinte años.

que destaque para mucha gente pasen los años que pasen. No entrar en el juego de la aceptación.

Después de Deep Dish comencé a buscar nuevas fuentes de inspiración. Lo que os comentaba, me empecé a preguntar hacia donde quería ir como artista. Y todo me llevaba hacia Richie de forma natural. Parecía que era el plan que Dios tenía para mí.

Es estúpido. Yo crecí con la nueva ola del punk y del rock, con Psychocandy, The Cure o Depeche Mode. Al segundo o tercer álbum que sacaron el sonido era mejor, los vídeos eran mejores. Tenían más dinero. Cuando anunciaban concierto, a los pocos días colgaban el letrero de vendido. Si la gente no quiere que haya djs underground y mainstream, entonces ¿por qué existen los concursos del dj más popular? ¿Hacer un ranking de gente? ¿Estamos aún en el colegio y decimos “ooh, este es el más popular”? Las personas deberían hacerse un ranking de sí mismos. No de los demás.

¿Porque te ayudó a dar el siguiente paso? Siempre necesitas un plan. A dónde ir. Necesitas tener un buen equipo y un buen proyecto. Necesitas esa chispa de inspiración. Esa chispa de creatividad. El sentimiento de por qué estás aquí. Yo necesito motivación para colaborar con alguien. La música que hago me tiene que motivar. Por eso Richie y yo conectamos y musicalmente compartimos mucho. Además compartimos una amistad. Él me ha ayudado a reconectar conmigo mismo. Richie, Chris Liebing, todos ellos me ayudaron a dejar atrás Deep Dish, me dieron el espacio que necesitaba para crearme un nuevo rumbo. Aunque ya sabéis… el círculo del techno es un poco complicado, un poco suyo. Siempre hay estratos en el underground: hay un underground que es más underground que otro underground y otro underground y así… Pero nosotros sentimos que Richie y tú sois de esa clase de artistas que pueden ser considerados underground y mainstream. Muy pocos tienen ese, digamos, estatus. Para bien y para mal, así es. Pero ciertos clubs de techno ven a la gente como yo, como Richie o como Sven Väth como comerciales. Me hace gracia. Pero deja patente que en el mundo del techno hay una jerarquía. No aguanto a toda la gente del “underground”. Lo plantean todo como una batalla. Aunque afortunadamente yo no busco ser aceptado. Siento que ya he definido mi estilo, primero con Deep Dish y después con Dubfire. Lo único que busco es un espacio para respirar, un espacio para explorar sin los prejuicios que siempre he odiado. Odio a la gente que tiene prejuicios. Esa gente que tiene ideas simples sobre la música, sobre la forma… Hombre, seguro que estas alturas, tú te reirás de esas cosas. El underground también es un producto. Vendes algo diciendo que es underground. ¿Qué es al final el underground? ¿Qué es para ti el underground? Claro. Los que van de underground son cortos de miras. Ni lo saben y hacen que el arte sea algo malo. Ponen a la gente en categorías, en cajas, y juzgan a las personas diciendo cosas como “este no es lo bastante cool”. Siempre he odiado a esa gente. Esas etiquetas. Pero desafortunadamente en el techno tenemos eso. Tenemos a mucha gente que ve a otros como una amenaza, como comerciales, como no lo bastante “underground”. Y es una lástima, pero existe. Tienes que intentar hacer música

Si miraras hacia atrás, ¿describirías tú música o tu carrera como underground? Mi carrera ha ido evolucionando de a poco. Todavía busco la perfección. Ya sabes, muchas personas hablan sobre la perfección. En los músicos está a la orden del día: hacer el álbum perfecto, el track perfecto… Buscar la perfección y esforzarse por ello es siempre el camino correcto. Te mantiene frustrado. Te mantiene en tu sitio. Te mantiene intentando progresar. Siempre he intentado esforzarme en buscar la perfección, con mi sonido, con las ideas que tengo en mente. Se me mete alguna idea en la cabeza y uso la tecnología para darle forma. A veces escucho parte de una idea y uso la tecnología para estimular esa idea y darle más forma. Para que se convierta en una canción. Siempre busco la perfección y nunca dejo de intentarlo. A veces es un remix, a veces un track, y lo escucho y me encanta. Pero de pronto me doy cuenta de que no, que lo tengo que empezar de nuevo.

“ Había alcanzado la fama pero tomé el riesgo de empezar de nuevo”

Como con Deep Dish. Había alcanzado la fama pero tomé el riesgo de empezar de nuevo. Tenía confort, tenía estabilidad. Pero quería hacer algo distinto, quería moverme en otra dirección. Quería unos sonidos más auténticos.

Me ofrecían mucho dinero por pinchar con Deep Dish, muchas actuaciones. Entonces era difícil porque no siempre podía elegir dónde quería pinchar. No importaba que yo pensara que no me gustaba ese lugar, que no era lo bastante auténtico. No importaba que yo quisiera ser auténtico. Así que tuve que decir adiós a todo ese confort. Me gustaba Deep Dish, pero tuve que dar un paso atrás. Tienes que creer en ti mismo, creer en tu arte. Tienes que mirarte a ti mismo al final del día. Porque todo artista debe comprender que la música, es algo más que dinero.

1991 – Funda Deep Dish junto a su compatriota Sharam Tayebi. 2002 – Deep Dish gana un Grammy por el remix de “Thank You” para la cantante Dido. 2006 – Sharam Tayebi y Ali “Dubfire” deciden hacer un parón con Deep Dish para emprender otros proyectos. 2007 – Funda su propio sello discográfico SCI + TEC Digital Audio centrado en el minimal techno. 2007 – Lanza el célebre tema “RibCage” en Desolat. Es la primera referencia del recién creado sello de Loco Dice y Martin Buttrich. 2008 – Realiza el remix de ‘Grindhouse’ para Radio Slave, que es elegido como el mejor remix del año por varias publicaciones especializadas. 2008 – Gana el premio a “mejor artista de minimal” en los Beatport Music Awards. 2010 – Llama la atención de Richie Hawtin que le ficha para M_ nus. Realiza su conocido remix del clásico de Plastikman ‘Spastik’. 2010 – Realiza dos tracks junto a Underworld que se incluyen en el álbum que saca la banda ese mismo año, ‘Barking’. 2014 – Presenta un nuevo single junto a Deep Dish, ‘Quincy’. 2014 – Presenta Dubfire: Live Hybrid en el ADE en Amsterdam.

Plastikman – Spastik Dubfire Rework NOT ON LABEL (PLASTIKMAN), 2010

Poco se puede decir de un remix con categoría de clásico, de uno de los temas más importantes de la historia de la música electrónica. Lo lanzó poco después de que Richie Hawtin lo fichara para M_nus. No son pocos los que prefieren el trabajo de Dubfire a la versión original.

RibCage

Dubfire’s Digital Dream

D E S O L AT 2 0 0 7

MIXMAG 2007

Uno de los primeros EPs con los que triunfó tras Deep Dish. Fue la primera referencia del sello Desolat. En principio se trataba de dos tracks, Rib y Cage, pero Dubfire decidió unirlos porque le gustó mucho el resultado de ambos juntos.

Mix que realizó Dubfire en el 2007 para la conocida revista Mixmag. Ha confesado que todavía utiliza algunos de los tracks de esta recopilación en sus sets. Acabó enfadado con el editor de la revista por poner en portada el nombre de “Ali” en vez de su nombre artístico, Dubfire.

Radio Slave Grindhouse REKIDS 2008

Probablemente el tema más conocido de Dubfire y un must en todos sus sets. Cuando lo escuchó, Dubfire supo que era especial y fue el inicio del sonido que luego le caracterizó. Tiene la peculiaridad de ser un remix a partir de un remix.

Diablo COCOON RECORDINGS 2010

El primero de varios proyectos que posteriormente realizaría con Oliver Huntemann. Lo realizaron cada uno desde sus respectivos estudios. Dubfire lo ha definido como un homenaje al sonido de Sven Väth y ha confesado que miró muchos vídeos del alemán para poder encontrar la esencia de su estilo.

LIFESTYLE OCTUBRE 2015

APLICACIONES

FEVER 66

APLICACIONES

VICIOUS RADIO 67

BAZAR

EL OTOﾃ前 HA LLEGADO 68

VIDEOJUEGOS

UNTIL DAWN 72

ESPECIAL

EDEN 74

APLICACIONES

Fever SI NO SALES ES PORQUE NO QUIERES TEXTO: CRIS ZAPA

¿Aburrido en casa sin saber qué hacer un sábado por la tarde? Esta aplicación tiene planes especiales y exclusivos para ti durante los siete días de la semana. Es una de las más descargadas cada mes, y por algo será. Si para buscar algo que no conoces utilizas Google, para buscar planes se utiliza Fever. En esta aplicación podréis encontrar los mejores planes en relación a: música, teatros, deportes, cines, restaurantes, discotecas, exposiciones, moda, planes secretos… todo sin despegar la mirada de tu SmartPhone. Con un fácil manejo, al inicio podrás incluir tus intereses para que solo te avise en los casos que más se asemejen a tus gustos personales, aunque eso se puede ir modificando en todo momento. Y es que como dicen ellos ‘Nunca volverás a perderte un plan”, ¡no vuelvas a perder el tiempo! Puedes descargar ya esta aplicación para tu dispositivo iOS y Android.

APLICACIONES

Vicious Radio REACTIVACIÓN CELULAR TEXTO: CRIS ZAPA

La aplicación de una de nuestras vías de comunicación más preciadas, Vicious Radio, ya está activada tanto para iOS como para Android, dos plataformas a través de las cuales se podrá disfrutar de toda su programación. De hecho la novedad con su antecesora es que se podrán escuchar los streamings de cada cadena local de Almería, Elche, Ibiza, Madrid Norte, Mallorca, Menorca, Murcia, Salamanca y Valencia. Un nido desde el cual los programas de artistas como Umek, Danny Avila, Coyu o Paco Osuna se podrán disfrutar con un ínfimo gasto de datos para vuestras plataformas móviles. El diseño de la app es sencillo y conciso, un reproductor con la programación por días de la semana son los elementos que entran en juego. Gracias al desplegable superior se podrá cambiar a las diferentes emisoras. Hay muchas fm que conquistar y las ganas son infinitas pero mientras eso suceda la red estará presente para que toda la familia de Vicious Radio esté representada. ¡Pulsa, descarga, enchufa y disfruta maestro!

BAZAR La temporada otoñal ha llegado y con él nuevos lanzamientos bastante elegantes que no te puedes perder. . TEXTO: ISRAEL MENDEZ

EL OTOÑO HA LLEGADO

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Studded Teddy Jacket en Black VeSi quieres convertirte en Daft Punk, al menos vistiendo, estás de enhorabuena porque Yves Saint Laurent ya ha sacado su línea para que vistas como ellos. En este caso con la chaqueta que llevan los robots que solo cuesta 3.550 dólares… ¡Casi nada! www.ysl.com/au

Muroexe Supercell Después de dos años, vuelve Muroexe con una nueva entrega: un calzado diseñado para “urbanitas” en el que combinan de gran manera la funcionalidad de una zapatilla con la elegancia que aporta un zapato. Un concepto muy minimalista visualmente que encaja a la perfección en la estética contemporánea. www.muroexe.com

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Chaqueta Climaheat Light El invierno ha llegado y con él el frío, no te quedes despavorido y hazte con una chaqueta para no tener sorpresas cuando salgas de fiesta. Esta de Adidas además de tener un diseño con unos acabados muy cuidados, pertenece a la nueva gama Climaheat, con la que el calor corporal permanecerá en todo momento para evitar cambios bruscos de temperatura y su respectivo resfriado. www.adidas.es

Ray Ban Wayfarer Folding Flash Lenses El sol no desaparece y ¿qué mejor forma de combatir su radiación que con estas Ray-Ban? Tienen un diseño ergonómico que pueden doblarse gracias a sus cinco ejes para que las puedas guardar en un sitio de reducido espacio, como un bolsillo, y así poder seguir con tu día normal. Muy recomendables para el “mañaneo”. www.ray-ban.com/spain

Pantalones de chándal Polar Hollister ¿Nunca sabes qué ponerte para estar por casa después de haberte pegado la fiesta de tu vida? Disfruta de tu resaca de una forma cómoda con estos pantalones Hollister de lo más cómodos, no te olvides de la botella de agua. es-eu.hollisterco.com

GADGETS TEXTO: ELENA MIGUEL

Batband

¿Orejas, para qué os quiero?

Comercializar unos auriculares que funcionen a través de la conducción ósea es la fuerte apuesta de la cual parten los genios del estudio de diseño Banana Things a través de la plataforma de Kickstarter. Esta banda para la cabeza, aprovecha los huesos craneales y se sirve de ellos como conductores de sonido, enviando las vibraciones del mismo al oído interno. Los auriculares, al no tapar los oídos, no aíslan del ambiente externo y por tanto se logra estar atento a todo lo que acontece alrededor, algo impensable con cualquier auricular convencional. De acero por fuera y espuma por dentro, BatBand dispone de un micrófono para realizar o recibir llamadas a través de su conexión bluetooth, y sus dos baterías prometen una autonomía de 6 horas de reproducción músical u 8 horas de conversación. El precio de BatBand será de 149 dólares para aquellos usuarios que hayan apoyado económicamente a la campaña, mientras que el precio final de mercado para el resto de mortales será de 250 dólares. Su fecha de lanzamiento será Abril de 2016. www.kickstarter.com

Sony Walkman Nw-Zx2 El regreso de la familia Walkman.

Atrás quedó la vieja concepción del Walkman como reproductor de música aparatoso con botones duros y sonido cuestionable. El pasado vuelve y se regenera de una manera un tanto elitista en sus 235 gramos de peso y chasis bañado en oro. Con amplificador digital S-Master H y tecnología DSEE HX, el nuevo Walkman de Sony reproduce tu música a alta resolución y con la calidad de estudio, y es capaz de mejorar y restaurar los datos perdidos de mp3 y otros archivos comprimidos. Su capacidad es de 128 GB y alcanza hasta las 60 horas de autonomía. Sistema operativo Android 4.2 Jelly Bean y pantalla táctil, cuenta con una calidad de sonido de 192 kHz / 24-bit y es capaz de gestionar toda clase de archivos de audio. Software futurista de cables sin oxígeno y soldaduras libres de plomo, que ayudan a que el sonido viaje puro, limpio y sin distorsiones. Precio: 1.200 euros. www.sony.es

CAT S30

La roca hecha móvil.

Cat Phones lanza su Smartphone Cat S30, y lo lanza literalmente, ya que este nuevo dispositivo aguanta caídas de hasta 1,80 metros. El nuevo Caterpillar S30 es un smartphone con sistema Android 5.1 y 4G LTE, pensado para aquellos exigentes que buscan altas prestaciones y a la vez dan un valor extra a la resistencia. Posee una cubierta de fácil agarre, antideslizante y de material con certificado IP68 y Mil SPEC 810G. Impermeable frente a varios agentes, entre ellos el aceite y la grasa, es capaz de sobrevivir a las leyes más duras presentes en nuestro trabajo y tiempo libre, combinando durabilidad y rendimiento a la par que diseño. Robustez a prueba de golpes y a arañazos, el S30 cuenta con pantalla Gorilla Glass 3, es sensible a guantes y a dedos mojados y su procesador de cuatro núcleos a 1,1Ghz y cámara de 5 megapixels con vídeo HD hacen de este, el compañero ideal para nuestras batallas de a pie. Precio: 329 euros. www.catphones.com

Lab.c iBed Smart-Pad Holder El brazos libres.

Disfrutar de los Vicious Live en posición horizontal y no acabar con una postura propia del Ecce Homo de Borja ya es posible gracias al iBed. Este soporte inteligente para tablets o Kindle hará las delicias de los más perezosos y proporcionará sesiones de brazos libres para deleitarse con contenido multimedia desde la comodidad del sofá o cama. Está compuesto por una fina base, un mástil regulable y un soporte circular giratorio. Es fácilmente desmontable y te permite utilizarlo como soporte vertical para ver el contenido sentado, o de pie. Precio: 60 Dólares. www.labcusa.com

iPad Pro

Velocidades de otra galaxía. Cuando la venta de tablets no pasa por su mejor momento, Apple decide procrear y sacar a la luz al gran hermano de sus ahora menores y no por tamaño, Air y Mini. Con el Pro como premisa, el nuevo iPad se planta con una pantalla 12,9 pulgadas, una resolución de 2.732 x 2.048 píxeles (más que la del MacBookPro Retina de 15’’) y un procesador A9X, el más potente hasta la fecha. Concebido por muchos como la súper herramienta para el diseño y creación de contenidos, debido a su capacidad, gráficos, rendimiento y prestaciones, puede por ejemplo editar hasta 3 canales de video 4k a la vez. Apple se vale de un babero cuando asevera que la arquitectura de 64 bits es comparable a la de un ordenador y que su nuevo dispositivo es más potente que el 80% de los portátiles del mercado. ¿Se convertirá en uno de los soportes estrella para escuchar música? Aún es pronto para responder, pero sus cuatro altavoces de alta fidelidad, integrados en su carcasa Unibody, distribuyen el sonido para optimizarlo dependiendo de la disposición del iPad y esto parece que asentará una experiencia de calidad a la hora de satisfacer nuestros refinados oídos. Viene con accesorios específicos como teclado y puntero propios. A partir de Noviembre. Precio: desde 799 euros. www.apple.com 71

YOU WIN!

Until Dawn ¿Susto o muerte? TEXTO: IVÁN CORROCHANO

Recorremos el terror plasmado en el nuevo y esperado título de SuperMassive Games, una aventura en tercera persona que busca la tensión de todos tus músculos. Undil Dawn se ha convertido, tras conseguirlo con nosotros, en el juego del mes de Vicious.

Muerte casi de esperar un año desde que vimos la promo de Until Dawn en la Madrid Games Week del año pasado (por cierto, no os olvidéis que la siguiente es este mes de octubre). Y sustos los que se llevaron más de uno (incluido el que suscribe) al ver y/o jugar esta demo, y los que os esperan a vosotros. Miedo, no sé, espero que sí, pero sustos... unos cuantos. Recuerdo también que su demo estaba justo pegada a la de RE Revelations 2, y ahora resulta que los 2 juegos vienen narrados en forma de capítulos como si de una serie de la tele se tratase. ¿Coincidencia? ¿o es que todo se pega? Aprovechando el cliché de teenagers torpes y sus correspondientes roles en situaciones terroríficas (yo no sabía que tiene nombre todo esto y se llama Slasher), Supermassive Games saca exclusivamente para PS4 este juego (casi coincidiendo con la de Metal Gear V, que visteis el mes pasado), a pesar de que su desarrollo empezara con el objetivo de la plataforma PS3. Una cabaña en medio de la nieve para conmemorar un evento fatídico que les pasó el año anterior (efectivamente esto solo pasa en las películas de miedo), va a ser el punto de partida de nuestros protagonistas (8 ni más ni menos) y de sus importantes tomas de decisiones. El motivo de mencionarlo es porque el decidir qué hacer en cada situación es lo que nos va a permitir desarrollar el juego de una u otra manera, haciendo así que ninguna partida sea igual. Esta mecánica funciona muy bien en los juegos últimamente, y es muy agradecido a la hora de gastarnos el dinerito en un juego y que podamos jugarlo varias veces sin que nos aburra por ser igual que la vez anterior. Llegaremos hasta el punto de que unos personajes puedan morir debido a nuestras tomas de decisiones...o que no muera. No importa que no haya más que un modo de juego, cada partida será diferente (si tú quieres, claro). Un prólogo para conocer a los personajes, algo de las relaciones entre ellos y por supuesto para inicializarnos en los controles (y los Quick Time Events) y las “reglas”, va a servir también para meternos en una atmósfera bastante tensa incluso para no saber de qué va el tema. Y al poquito ya tenemos que empezar a tomar decisiones, y a comernos algún susto que otro. ¡Empieza el show! Terminamos el prólogo y entre episodio y episodio, nos someteremos a nuestra cita con el psicoanalista de rigor para que conozca nuestros miedos y sentimientos hacia los demás, con un clarísimo objetivo de contarnos un tipo de historia u otra en el capítulo siguiente. En cierta manera me recuerda a uno de los Silent Hill que aparecía un fenómeno similar... Nuestro recorrido, de entre 8 y 10 horas por partida, va a ser una continua tensión, no tanto por su historia sino por la ambientación tanto visual como auditiva. Escenas muy oscuras, en las que las sombras nos harán pasar momentos realmente tétricos. Y una ambientación musical a cargo del mismo compositor de Dead Space, Jason Graves que mantiene en todo momento el ambiente de terror en una magistral línea de tensión armónica.

Tendremos, por decirlo de alguna manera, tres escenarios narrativos. Lo que ocurre en la cabaña, las minas y la investigación sobre el malo maloso de la historia. En todas pasaremos miedo incluso al buscar y encontrar ciertas pistas y objetos como las partes de los totems. Unos objetos curiosos que nos enseñarán posibles escenarios futuros, para prevenirnos o no... dependiendo por supuesto de las decisiones que tomemos. Ciertas de nuestras decisiones vendrán acompañadas con alas de mariposa al realizarlas, lo que nos advierte que esa decisión va a ser muy importante en el futuro desarrollo de la historia, incluso tan importante como para subir o bajar las características emocionales de nuestros personajes como pueden ser la sinceridad, el romanticismo (sí, es lo que tienen los adolescentes), valentía, incluso caridad y gracia. Esta característica del juego viene traida al caso realmente como el efecto mariposa, ya sabéis, aquello de que una decisión inicial puede generar dos situaciones completamente diferentes. No habrá muchas mecánicas fuera de lo común con respecto a movimientos del juego, aunque las que hay serán tanto fáciles como curiosas. Usar el panel táctil del mando para desbloquear el teléfono o encender una cerilla, guardar silencio en tu casa para algunas zonas si estas usando una Playstation Camera con la finalidad de pasar inadvertido. Y por supuesto el disparar con un arma. No os dejéis engañar por esta última opción, este juego no es un survival horror. Podréis disparar un arma cuatro veces contadas. Si lo que buscáis es ese tipo de acción, aquí no la encontraréis. Para ir finalizando, en el apartado técnico, los gráficos, brillos, sombras y las expresiones en los rostros sobre todo, están terriblemente bien conseguidos. El motor gráfico usado ha sido el mismo que para otros títulos como Killzone Shadowfall, Umbra 3. El cual ha conseguido elevar el juego de categoría notablemente. Ya comentamos anteriormente los beneficios que la banda sonora de Jason Graves aporta al juego pero es que además hay que darle un fuerte olé por el doblaje en castellano, que le da un rollazo tremendo para jugar. Y otro olé más grande al casting de actores que han prestado su imagen (y en VO su voz), como Hayden Panetiere (la cheerleader de Heroes) Rami Malek (de Mr. Robot) y Peter Stormare (de cientos de millones de películas y series como El gran Lebowski y Prison Break). Como también mencionamos, le falta quizá un modo multijugador online o algún otro modo. Pero os dejo un consejo que leí a unos compañeros. Los amantes del terror disfrutarán este juego jugando en solitario y a oscuras, pero... ¿por qué no invitas a 7 amigos más y jugáis cada uno con un personaje a ver quién sale vivo? Con suerte no tendréis porque sufrir el mismo destino que vuestro personaje elegido si jugáis en una casa en la nieve y casi sin comunicación. De momento, amantes del terror, os recomiendo encarecidamente que le dediquéis unos euros a este juego, os va a encantar de la muerte.

· ESPECIAL ·

Eden LA DECADENCIA DE UN DJ

El conflicto entre la vida profesional y personal de un dj es una de las principales líneas de la última película francesa dedicada al mundo de la electrónica. Eden no trata sobre Daft Punk, como su tráiler asoma, vuela con poco brillo el gran engranaje de una escena que ha vivido y vive sus mejores años. TEXTO: BRUNO CANEDA

Que nadie se deje llevar por la euforia, Eden no trata sobre la vida de los robots dorados, de hecho Daft Punk aparecen representados tres contadas veces en las más de dos horas de film, trata sobre la vida de un dj que comparte colegas y escena con el mítico dúo en la explosión del denominado French Touch de finales de siglo XX. El valor real de la película, de la directora Mia Hansen-Løve, es el sano repaso por la explosión del movimiento house y sus subgéneros en un país con inquietudes históricamente musicales como es Francia. A pesar de su extremada longitud y la en ocasiones inconsistencia a nivel narrativo, Eden llega a entretener al espectador común y extraer nostalgia y alguna sonrisa cómplice al amante de la música electrónica. Sería justo poder pedir un poco más de fuerza en el desarrollo pero no es esa la intención del largo, la visión cotidiana y la extrema exigencia por parte de su directora de seguir una línea real de tiempo provoca una consecución de sucesos que la conforman más como un documental que como una película al uso. Es difícil no hacer esta comparativa, ya que no son muchas las películas que ahondan sobre la historia de un género musical que es nuestro presente y futuro, pero seguramente Eden no llegará a ser una película de culto como lo es 24 Hours Party People. Lo que sí será es un buen testigo del denominado movimiento French Touch –una actitud y un sonido que supo combinar house y funk de forma imagina-

tiva– a través de la historia de un dj que perteneció al dúo Cheers, una ficticia formación que se dedicó a representar en su tierra el garage, una vertiente del house salida de Nueva York en los años 80. La vida de Paul, el protagonista, se ve dictada por su amor por la música y vicio por las drogas, un uso de la cocaína que no tiene un enfoque realmente pegiorativo pero que sí se muestra como una suma al atrape y desenganche de la vida que llamamos rutinaria. La historia de un grupo de chavales que vive un bien interpretado vapor underground en garitos y raves de la escena parisina. Desde sus inicios como djs-promotores hasta sus viajes a NY y Chicago para pinchar en el PS1 del Moma y reunirse con algunas de las estrellas (representadas por sus personajes reales) de la escena house que tanto defienden. No debes esperarte una película que te abra la mente ni te muestre situaciones desconocidas, hemos visto muchas películas con buena música y mejores actuaciones, este es un espejo muy válido de una escena trascendente que debe ocupar un espacio en el saber de los que quieren construir un mapa histórico de la música electrónica.

MUSIC OCTUBRE 2015

ESPECIAL

CORA NOVOA 78

LANZAMIENTOS

LOCO DICE 82

LANZAMIENTOS

GABRIEL D’OR & BORDOY 83

LANZAMIENTOS

AVICII 84

LANZAMIENTOS

MATTHEW JONSON 85

· ESPECIAL ·

Cora Novoa ALQUIMIA ELECTRÓNICA

“Es increíble, como esperaba, un disco súper arriesgado, a la vez suena a Cora, es un cambio estilístico pero sigue siendo ella al 100%” ... “tiene una pinta increíble”. Esta era la respuesta que nos daba hace unos meses Henry Saiz cuando le preguntábamos sobre el nuevo material de su amiga y compañera Cora Novoa, la artista a la que hoy le debemos trazar el segundo círculo alrededor de su nombre, una línea con principio y fin que representa su segunda órbita.

loca por hacer un sello nuevo, por invertir mi tiempo y dinero en un proyecto a sí, y sé que ha sido una de las mejores decisiones que he hecho en mi vida profesional y personal”.

Antes de que nos llegase ninguna noticia nueva, nos topamos con su primer single, Golden Apples, un tema que nos rompió la cadera. Esto es pop, nos decimos, y tiene vocales, y poco de la electrónica que conocíamos de Cora. ¿Será que su nuevo disco está repleto de los mismos tintes?

La primera escucha nos deja raros, como si no entendiésemos de qué va todo, son momentos de confusión donde la segunda escucha es la única solución para dejarnos llevar. Es a partir de entonces cuando empezamos a percibir el valor conceptual del mismo.

Unos meses antes de hablar con Cora y que nos contase esta valiosa reflexión, nos llama con una sonrisa dibujada en su voz y nos dice: “chicos, el disco está listo, tengo un montón de ganas que lo escuchéis”.

De nuevas aguas Ese momento clave es difícil, el momento de presentación de una nueva creación (para un artista que ya se ha labrado un nombre) siempre viene acompañado por las previas expectativas, las que tenemos los que les admiramos y esperamos para degustarlo.

Cora ha hecho lo que ha querido sin pensar en los gustos de nadie, se nota que Novoa se ha sentido influenciada por nuevas estructuras, ha bebido frescas referencias y tras ello ha querido romper su esquema para reconstruirlo y crear un nuevo camino.

“Sé que fue arriesgado lanzarlo como single de presentación, pero sentía que esa debía de ser la carta de presentación del álbum y no otra. Simboliza a la perfección todo lo que quería decir en el disco. Otra persona hubiera escogido otra, o sencillamente hubiera descartado esta canción para el álbum, pero uno de los principales objetivos en este trabajo era hacer las co-

“La forma de trabajar en este álbum ha sido muy diferente a la del anterior, tanto a nivel técnico como conceptual. He estado documentándome mucho sobre alquimia, Pitágoras, viendo grabados, simbolismo oculto, laberintos, exposiciones… Paralelamente me metía en el estudio para transformar toda esa

sas a mi manera. Todo el mundo pensaba que estaba

información en sonidos. También he trabajado mu-

cho con la improvisación, grabando largas improvisaciones en el estudio y luego dándole forma posteriormente. Por otra parte he trabajo mucho a nivel orquestal, con colaboraciones vocales y sampleando sonidos y voces de todo tipo”. La mejor decisión Y de eso se trata, de expresar lo que uno está viviendo, y no lo que cree que los demás esperan y quieren ver reflejado. Es muy sencillo decirlo desde la otra parte, pero muchos no seremos capaces de entender el riesgo que conlleva. Son varios los que se sentirán extraños y hasta alejados de esas nuevas rutas musicales pero ello debe importar poco, el buen músico sabe que tiene que recibir impactos para encontrar su inspiración, vengan de donde vengan. Esa ha sido la mejor decisión de Cora, la de permitirse un cambio de tono en su discurso musical tras una época de observación y nutrición auditiva. La creadora decidió sumar varias colaboraciones a este segundo largo, un numero mayor que en su álbum debut, The Secret Garden (Natura Sonoris, 2010).“He contado por un lado con la colaboración vocal de Tom Havelock, el cantante de una de mis bandas favoritas de UK que se llama Hook & The Twin. Por otro lado colaboré con el cantante de folk, también de Reino Unido, Sam Tucker y para las canciones orquestales conté con los maravillosos arreglos de Micka Luna. Una de las colaboraciones estrella fue poder contar con las letras de Tatiana Escobar”.

SKTVT Como ya supimos por Saiz, la plataforma Seeking The Velvet sería el lugar elegido por Cora para propulsar este Fight Love Faith, una casa muy joven que se ha convertido en su nuevo nido en el que también quiere recibir nuevos visitantes. “Me gusta ir desvelando poco a poco todo lo que irá saliendo del sello, pero la idea es sacar todo tipo de estilos musicales, desde rap, electronica, rock o pop, todo ello aderezado por influencias electrónicas. Por lo pronto puedo adelantar que para el próximo single saldrá una remezcla de Maelstrom (Bromance Records) que es todo un pepinazo, también la nueva colección de ropa de edición limitada y una serie muy exclusiva de láminas.” ¿Qué esperamos? Esperamos ver lo que venga, no queremos imaginarnos nada, solo queremos tenerlo cuanto antes, cero expectativas. Solo sabemos que por ahora Cora Novoa no girará en formato banda, será un live donde los nueve temas de su nueva creación volarán sobre las cabezas de los que quieran viajar con ella. Mucha suerte Cora, toda nuestra fuerza desde Vicious.

· NOVEDADES ·

UNDERGROUND SOUND SUICIDE LOCO DICE Loco Dice vuelve tras un silencio de 7 años desde su álbum debut en Desolar. Su nuevo trabajo, que publica en Ultra Music, resuma hip hop de corte clásico con la aportación de su particular sonido y magníficas colaboraciones. TEXTO: CRIS ZAPA

Si eres de los conocedores de la discografía de Loco Dice, seguramente lo primero que pienses es que no parece un disco de Loco Dice. O todo lo contrario. Que parece más Loco Dice que nunca. Ya se sabe que los opuestos muchas veces se muerden la cola y en el caso que nos ocupa esa ambigüedad está que más presente. Porque si lo que esperabas encontrar en este nuevo LP del alemán era minimal/tech house y sonidos Desolat, te vas a llevar un chasco. ¿O no? Porque sonido Desolat hay –es inevitable, pese a no ser un disco del sello-, pero en una nueva clave: la del rap que Loco Dice realizaba en los inicios de su carrera. Y es que una buena definición del disco podría ser “cuando minimal y rap se encontraron”. Por todo esto nos encontramos ante un álbum que, o consideras que supone una ruptura con el sonido Loco Dice o que es una integración del mismo dentro de sus raíces más profundas, las que plantó cuando era telonero de figuras como Ice Cube. Son pocos los tracks que en ritmo o composición recuerdan al Loco Dice de ‘7 Dunham Place’ de 2008, esa joya que le encumbró como uno de los productores más destacados del panorama por aquel entonces. Pero no os dejéis engañar: aunque a primera vista parezca que es un tipo distinto de estilo, el sonido es 100% Loco Dice. El disco supone un seguimiento de ese sonido tan envolvente y característico e incluso se puede considerar un estudio que pugna porque, con este tipo de sonido también se puede hacer esto. Rap.

Porque es evidente que hay influencia minimal y tech house: muchos sonidos son inconfundibles aunque estemos hablamos de un disco que básicamente es rap experimental. Se nota que tiene muchas horas de producción detrás. Sus bases exhuman calidad y frescura, toda la que pueden aportar los sonidos del minimal a unas producciones pensadas para el rap. Bombos muy deep, suaves, que parece que se revuelven, con sintes que aportan a los tracks aires muy ochenteros pero con toques de dub techno y las cajas del rap más clásico. Bases típicas del rap, alejadas del 4 x 4 de la música electronica de pista, sampleos nostálgicos, toques ácidos que harán las delicias de los amantes de la Roland TB-303… Por esos derroteros se suceden los distintos tracks, entre los que hay colaboraciones con Miss Kittin, Chris Liebing, Neneh Cherry y el productor de hip hop Just Blaze. Quizás la pega que se le puede poner es que no se haya lanzado a un tema con líricas de principio a fin. Si te mojas, mójate bien. El toque de tema pistero del disco lo aporta el tema “Like in the Movies… yeah I want sum!”, que combina bajos muy característicos de Loco Dice con toques de hip hop, esos bajos con mucho sinte y hit hats muy rítmicos.

Lanzamiento: 30/10/2015 Sello: ULTRA MUSIC Estilo musical: Tech-House / Minimal Categoría: Álbum

Loco Dice no tiene miedo y se atreve en este disco con casi todo. Una vuelta a sus raíces por todo lo alto. Porque si lo que quería conseguir era un álbum distinto, este LP lo es.

· NOVEDADES ·

GABRIEL D’OR & BORDOY Gabriel D’Or & Bordoy, dos de los productores españoles más prolíficos, sacan el primer disco compuesto enteramente por temas inéditos bajo su sello Selected Records. “13” revela su dedicación absoluta a la música y al desafío que supone superarse constantemente. TEXTO: TOIA SANGUE

Trece temas que abrazan una oscuridad cada vez más abundante en sus producciones. Ellos mismos explican que “el número 13 representa el cambio, la muerte de algo y su renacimiento”, y que por lo tanto “supondrá un punto y aparte en nuestra carrera”. En los seis años que llevan produciendo juntos han fraguado lo que es hoy un proyecto sólido, sumando piezas fundamentales para conseguir la tan ansiada ‘seriedad’ artística. Han sabido combinar el techno de la vieja escuela con el actual para crear verdaderos rompe pistas. Cual ritual de invocación, la intro nos transporta a un lugar lúgubre donde no existen brújulas capaces de guiarnos, pero donde el silencio no parece la opción adecuada. Pasillos sonoros enigmáticos que desembocan en otros más virtuosos y abiertos en Carbon 13. Resulta difícil elegir entre tanto tema rotundo. Se trata de un álbum que varía enormemente partiendo desde su raíz techno. Pasando el ecuador nos encontramos con VAP e Italia 90; y aquí es cuando la sangre comienza a hervir hasta en las venas de los más insensibles. Los arreglos, ese mimo por el detalle que pocos saben plasmar correctamente, realzan las líneas de bajo sólidas que estos dos productores despliegan con gran soltura siempre.

Soma es el preludio melancólico y emotivo, en honor a la discoteca donde parte de su esencia se creó, para un penúltimo corte inundado por violines apocalípticos y que da nombre al álbum. La Speranza en cambio es el cierre amable, sembrado por cuerdas y vocales que avivan los deseos más ocultos, esos que nos definen. Al final aparece un piano demoledor y todo vuelve a su curso. Afortunadamente hemos sido espectadores de la concepción y creación de esta historia que Gabriel D’Or & Bordoy han querido contar. Así es como hemos podido comprobar que les sobra empuje para seguir trabajando sin descanso por muchos años más. El sacrificio ha tenido en este caso un enorme resultado musical y de satisfacción personal. La fecha exacta del lanzamiento es el 12 de octubre y saldrá en todos los formatos: digital, CD y un triple vinilo del que en un principio se plancharán 250 copias. El cambio, la transformación, la muerte y el renacimiento que han sintetizado en un todo, quiebra y reconstruye lo más complicado de alcanzar: el equilibrio. Han logrado atrapar su esencia. Lo han conseguido.

Lanzamiento: 12/10/2015 Sello: Selected Records Estilo musical: Techno Categoría: Álbum

· NOVEDADES ·

Stories Avicii

Avicii vuelve a evolucionar en el que es su segundo álbum de estudio ‘Stories’.

TEXTO: ISRAEL MÉNDEZ

¿Os acordáis de ‘Levels’? Pues ya no queda ni un 1% de ese Avicii. Eso no quiere decir que lo que está haciendo ahora sea malo, ni mucho menos, estamos ante una evolución reivindicativa del sueco en la escena electrónica. Partimos la review de la base que no escuchamos un disco electrónico al uso 100%, sino de una mezcla de dance post moderno con tintes electrónicos actuales pero que distan mucho de otros LPs de sus similares. ‘Stories’ contiene un total de 14 temas en los que el sueco nos invita a un viaje propio de una banda sonora de una gran producción de Hollywood, y me explico, la primera vez que he escuchado el disco me ha trasladado a una película y cada tema podríamos denominar que es una escena completa en cuyo conjunto tendríamos una película digna de Oscar. Vamos que el título del álbum, le viene al pelo. Este álbum lo podríamos definir como un trabajo en el que el piano cuidado y experimentado se une con unas vocales absolutamente exquisitas para dar resultado a catorce temas que, lejos de estar enfocados en su mayoría a sonar en la pista de baile, puedes disfrutar en cualquier momento del día y durante todos los estados de ánimo.

Hablando de temas, caben destacar ‘Ten More Days’, un tema de su característico electro country, que llevado al símil de una película de nuevo, encajaría en una escena final en la que el/ la protagonista se da cuenta de que ha hecho algo mal con su pareja y recuerda los buenos momentos y se arrepiente. Con ‘Broken Arrows’ escuchamos a un Avicii más de ‘True’, con algo más de velocidad en la base y, seguro, será un pelotazo en los próximos meses. ‘Pure Grinding’ es otro tema a destacar en el que el R&B es el principal protagonista y, por último (y mi favorito), tenemos ‘Sunset Jesus’, un tema que lleva sonando en sus sesiones desde hace mucho tiempo, al menos su versión instrumental, en el que el sueco y su inseparable piano nos regalan una melodía pegadiza y emotiva que difícilmente se irá de tu cabeza a corto plazo. En resumen 14 temas con grandes colaboradores como Alex Ebert, Chris Martin, Zac Brown o Wyclef Jean que transportan a un mundo electro country gracias a una buena, y mejorada, versión de Avicii.

Lanzamiento: 02/10/2015 Sello: Universal Records Estilo musical: House / Dance Categoría: Álbum

· NOVEDADES ·

The Right Place Where Not To Be Giorgio Gigli El primer trabajo del italiano Giorgio Gigli nos abre los oídos hacia otras atmósferas para percibir su gran visión introspectiva. Un álbum donde el ambient más oscuro y a la vez rítmico roza con el techno con el que algunos le conocemos.

TEXTO: BRUNO CANEDA

Una de las maneras de demostrar que el techno no es una mera evolución de las percusiones es crear una evolución del mismo género, una vía donde su lenguaje siga siendo el mismo pero con diferentes significaciones. Es decir, que ocurra lo que está ocurriendo, que los artistas que se han dedicado a producir y pinchar este género muestren su potencial creativo en otras áreas. Y con otras áreas no nos referimos a otras disciplinas, nos referimos a otros géneros dentro de la música, a demostrar que del techno surgen maravillas que sirven para degustar en la más profunda meditación del ser humano, en ese momento donde poder encontrarnos con nuestras diferentes versiones para arreglar cuentas y reconciliarnos con nuestro propio ser. Es el caso de muchos artistas como Reeko con Architectural, Oscar Mulero con Biolive o Giorgio Gigli con su última locura, The Right Place Where Not To Be, un viaje subterráneo donde el ambient se ve manteado por las pulsiones del techno que les ha visto nacer. El italiano, tras un valioso trabajo en su propio

sello Zooloft Records, ha conseguido un permiso especial para que un sello como Electric Delux, casa de Speedy J, le permita irse por nuevas ramas. Un LP de ocho cortes que fue grabado en Roma entre 2013 y 2014 y que el próximo mes verá la luz en triple vinilo y digital. Giorgio ha querido imaginarse un mundo donde la vida humana y animal ha perecido y en el que solo existen los minerales, una banda sonora de una película imaginaria en la que la exploración de las texturas revelan sus nuevos sonidos, realizados para que los oyentes puedan situarse en su imaginación. Esa es la evolución que algunos eligen, la de dejar de lado por un tiempo o definitivamente el vehículo del club. Por lo pronto sabemos que Giorgio no ha decidido retirarse, solo ha sido una manera de expresar la confusión ruidista que existía en su cabeza con la ordenación de ‘el lugar perfecto para no ser ni existir’ que aconsejamos saborear con cero estímulos lumínicos y alguna ayuda biológica.

Lanzamiento: 23/10/2015 Sello: Electric Deluxe Estilo musical: Ambiental / Experimental Categoría: Álbum

· NOVEDADES · TEXTO: MARIO DE LAS HERAS

Intermission Shigeto

Stimming & Johannes Brecht

Stekker EP

Dj-Kicks

A Decade Of Kittball

Zachary Saginaw, más conocido como Shigeto, es uno de esos artistas especiales, que hace de cada tema todo un mundo gracias a su eclecticismo. “Intermission” es su última referencia que verá la luz por Ghostly Internacional a finales de octubre. Formado por seis tracks, nos sumergimos en un EP donde encontramos texturas y ritmos diferentes, percusiones muy bien constituidas y entremezcladas con voces, pianos y otros instrumentos tal vez menos cotidianos en la electrónica.

Diynamic regresa este mes de octubre a nuestra sección de novedades con un nuevo EP titulado “Stekker”. Sonidos suaves y cálidos que evolucionan progresivamente hacia otros más profundos y serios es la pauta establecida en los tres cortes de esta colaboración entre los artistas germanos Stimming y Johannes Brecht. Un trabajo correcto que, como anécdota, fue realizado en gran parte el año pasado en un live que realizaron los dos productores.

Dj-Kicks da por finalizada su series de mixes en 2015 con este último lanzamiento. Para esta ocasión, el artista elegido ha sido nada más y nada menos que Seth Troxler. Dentro de este recopilatorio podemos encontrar grandes piezas musicales de productores como Ricardo Villalobos, Derrick Carter, Dj Koze, Matthew Herbert, Kerri Chandler o Butch. Como añadido, dentro de este mix se podrá escuchar su nuevo track junto al holandés Tom Trago.

Nunca es fácil crear un proyecto de la nada y, menos todavía, conseguir que lo que estás transmitiendo a un público se adapte a los tiempos cambiantes en los que vivimos y se consolide como un referente durante diez años. De este modo, el sello germano Kittball celebra su décimo aniversario con un recopilatorio de diez temas donde encontramos piezas claves en su vida musical como Tube & Berger, Juliet Sikora, Sascha Braemer o Mihalis Saffras.

Lanzamiento: 30/10/2015 Sello: Ghostly Internacional Estilo musical: Ambient / Experimental Categoría: EP

Lanzamiento: 30/10/2015 Sello: Diynamic Estilo musical: Deep House Categoría: EP

Lanzamiento: 16/10/2015 Sello: !K7 Estilo musical: House / Deep Categoría: Recopilatorio

Lanzamiento: 22/09/2015 Sello: Kittball Estilo musical: Deep House / Tech House Categoría: Recopilatorio

Seth Troxler

VVAA

· NOVEDADES ·

Cramp EP Kresy & Guim

Close To The Heaven’s Door Wally Lopez

Encke

Nation EP

Senseo

Third Party

El sello barcelonés Bons Records, dirigido por Pau Roca y Gon, se prepara para lanzar su quinta referencia. De la mano de los artistas nacionales Kresy y Guim llega este mes de octubre “Cramp EP”, un trabajo que consta de cuatro cortes orientados hacia sonidos house con toques disco y deep house muy bien tratados. Una estética pura y clásica que se saldrá editada solamente en vinilo.

Wally López regresa a sus labores de estudio con “Close To The Heaven’s Door”, su último EP lanzado por el sello británico Skint Records. Alejándose de su habitual estilo a la hora de crear, el mediático dj y productor madrileño nos presenta en su corte original un tema muy melódico con tintes deep house. Acompañando a este track hallamos también el remix de Art.ED. Dos buenos temas de esos para finiquitar sesiones.

Un soplo de aire fresco. Así de claro podríamos definir el sonido de Senseo en este nuevo EP para el sello nacional Musex Industries, un sello que sigue ofreciendo calidad y buenas sensaciones a una industria repleta de clones y sin imaginativa. En el interior de este trabajo descubrimos dos cortes originales, que giran en torno a un sonido techno muy melódico y espacial, y tres remixes muy bien definidos de Ioan Gamboa, Max Cue y III3S.

Third Party vuelve al sello de Steve Angello con un EP sobrecogedor. Después de su remix al “Firestone” de Kygo, el dúo de Reino Unido lanza al fin sus esperados “Power” y “Nation” y supone el quinto lanzamiento en el sello donde prometieron lanzar 12 lanzamientos en 12 meses. Si eres fan del sonido Size Records y del progressive house más pulido y esbelto, no debes perderte este EP.

Lanzamiento: 05/10/2015 Sello: Bons Records Estilo musical: House / Disco Categoría: EP

Lanzamiento: 21/09/2015 Sello: Skint Records Estilo musical: Deep House / Tech House Categoría: EP

Lanzamiento: 20/09/2015 Sello: Musex Industries Estilo musical: Techno / Melodic Categoría: EP

Lanzamiento: 01/10/2015 Sello: Size Records Estilo musical: Progressive House Categoría: EP

NEWS TEXTO: SHUSHI KHIJADA

1 PLUGIN ALIANCE LINDELL AUDIO Lindell Audio junto a Plugin Alliance, ofrece un nuevo plug-in compresor / limitador basado en el legendario Neve 2254E. El nuevo Lindell Audio 254E, es un compresor con retro-alimentación FET, que reproduce el sonido clásico de la Neve 2254E. La emulación también incluye algunas adiciones, en particular un control de mezcla para la compresión en paralelo y una selección de tiempos de ataque. Las características que ofrece son: 3 pasos o tiempo de ataque continuo, 3 pasos o tiempo de liberación continua, filtro de cadena lateral de paso alto, salida balanceada, enlace estéreo ajustable, calidez analógica opcional y no lineales mediante un interruptor, medidor de 20-LED de reducción de ganancia… El plug-in está disponible en VST 2.3, AU, RTAS y AAX 32 y los formatos de 64 bits para Mac OS X y Windows. Se puede probar durante 14 días y comprar al precio de $ 149 dólares en la página web del fabricante: www.plugin-alliance.com

2 REAKTOR 6 Uno de los productos estrella de Native Instruments, Reaktor, es un estudio “software mode” que apareció por primera vez en 1998 y contaba con una interfaz gráfica única que permitía a los usuarios crear sus propios instrumentos con una serie de módulos virtuales. La última versión completa, Reaktor 5, fue lanzada en 2005. Y por fin, una década después desde Reaktor 5, ha llegado desde Native Instruments la primera gran actualización de software de música modular de Reaktor 6. Esta nueva versión cuenta con una serie de nuevas características: Por ejemplo, incluye bloques, un nuevo marco que convierte el software en un rack completamente equipado, al estilo de sintetizador modular, en el que los usuarios podrán añadir osciladores, filtros, efectos, moduladores, y secuenciadores, incluyendo componentes de sintetizadores software NI existentes como Rondas y Monark, además de un flujo de trabajo mejorado. NI también explica que el software se ha construido desde la base con una nueva interfaz para agilizar el flujo de trabajo y las bibliotecas. Reaktor 6 está disponible en la página web de NI al precio de £169 / $ 199. También se puede actualizar desde Reaktor 5 por $99 dólares. www.native-instruments. com

NATIVE INSTRUMENTS TRAKTOR KONTROL S5 El nuevo controlador Traktor Kontrol S5, tiene como objetivo proporcionar la innovadora tecnología Traktor, al siguiente paso en la evolución de la creatividad. Con un tamaño compacto y evolucionado del Traktor Kontrol S4, el Traktor Kontrlol S5 dispone de cuatro canales con EQ y filtros FX, Knobs, controles táctiles, 5 faders y dos pantallas a todo color, con muchas mejoras de flujo de trabajo. Por ejemplo, tocando un botón de efecto, revela y oculta al instante los valores de una cubierta de FX, los tipos de cubierta también cambian de forma inteligente para que coincida con la pista, los bucles se pueden capturar de una pista al instante, y la pre-escucha se busca a través de tiras táctiles sensibles al movimiento, con una respuesta muy natural al deslizar el dedo. Se pueden silenciar diferentes elementos musicales, activar el sonido con los pads o el control de volumen, el filtro, efecto de enrutamiento individuales, crear una cappella espontánea, instrumentales… Por supuesto, incluye interfaz de audio de 24 bit / 48kHz, con dos salidas master XLR y RCA, además de una salida jack 1/4”, para conectar la unidad a cualquier tipo de sistema de sonido, como un micrófono, reproductor de MP3, o cualquier dispositivo adicional. Construido con los mismos estándares de primera calidad como Traktor Kontrol S8, está diseñado para resistir las giras sin problemas y como tiene el mismo tamaño que el Traktor Kontrol S4, permite el transporte protegido con la misma maleta. El Traktor Kontrol S5 está disponible por $799 / €799 / £579 en la tienda online de NI. www.native-instruments.com

SOUNDMACHINES NS1NANOSYNTH, SINTETIZADOR MODULAR PORTÁTIL

4 RELOOP LANZA EL CDJ RMP-4 HÍBRIDO Reloop presenta el último miembro de su familia CDJ, el RMP-4, un reproductor híbrido que permite el control de su software de DJ favorito. El nuevo Reloop RMP-4 puede reproducir CD y archivos de audio en formato MP3, WAV, AAC y AIFF desde el reproductor integrado y puerto USB, así como controlar cualquier software MIDI DJ. Incluso se puedes conecta dos RMP-4 y compartir una fuente USB, controlar un software, sincronizar el ritmo y más. Ofrece cuatro modos de funcionamiento con 8 pads de disparo para el hot cue, loop, bucle y funciones de sampler, función para la modulación del tono, la cuantificación de las señales y los bucles, un modo Slip y efectos, así como los controles comunes que se encuentran las unidades de DJ. También incluye una pantalla VFD DotMatrix, fader de 100 mm de paso, botón de búsqueda rápida, sección de transporte y 7 botones Auto Beat Loop, además de un software de gestor de bases para Mac y Windows. Las salidas con conectores RCA y un puerto USB, permite conectar el RMP-4 a un ordenador.

Una realidad de los sintetizadores modulares es que la mayor parte de su elevado coste se destina para partes que no afectan al sonido, como los paneles frontales, la serigrafía de los paneles, los mandos de control, aumentando así su precio. Aunque hace unos meses ya hubo noticias de éste pequeña maravilla, el fabricante italiano Soundmachines acaba de lanzar al mercado el NS1nanoSynth, un verdadero sintetizador modular analógico en miniatura. Ofrece los elementos básicos de un sintetizador modular mucho más grande, incluyendo VCO analógico, filtros, LFO, generador de envolvente ADSR y VCA, incluso un controlador de cinta integrado, además de incluir un procesador Arduino programable, que añade soporte para cosas como USB-MIDI y mucho más, consiguiendo realmente resultados sorprendentes. Por ahora, el precio y disponibilidad del NS1Nanosynth, están por definir, ya que no tenemos más detalles. Mientras tanto, puedes echar un vistazo a la página web y mirar los videos de demostración para ver el potencial de ésta pequeño y potente sintetizador modular. www.sound-machines.it

El precio estipulado del RMP-4, es de 499 €. Visita la página web para más detalles: www.reloop.com

STUDIO TIME

Octave One live L A N AV E N O D R I Z A

El live de Octave One es uno de los más espectaculares que se puede escuchar (y ver) a día de hoy. Lenny Burden y Lawrence Burden nos abren su estudio portátil para contarnos todos los secretos que están detrás de uno de sus live. TEXTO: OCTAVE ONE

La herramienta principal que usamos para nuestro directo es un estudio portátil separado en dos secciones. Mi hermano Lawrence (Burden) y yo (Lenny Burden) somos la “tripulación” de lo que llamamos “la Nave Nodriza”. Las dos partes que conforman la “nave nodriza” son la sección de mixer/efectos y la sección de sintetizadores/cajas de ritmo. Aunque no paramos de usar los cacharros, nuestro equipo básico ha sido sistemáticamente el mismo los últimos 3 o 4 años. ¡Vamos a desglosarlo! Sección de sintetizadores y cajas de ritmo: Es el área principal. Secuenciador midi, midi program changer y un midi clock Akai Professional MPC1000 Music Production Center operando en un JJ OS2. Los tracks midi individuales se pueden silenciar o acoplar manualmente para dar efectos a los arreglos del mix (Lawrence también hace esto con la consola Venice 320, una mesa de mezclas de estudio). El midi es el protocolo que controla el equipo. Los MPC1000, midi program changer y un aparato para sincronizar estas unidades:

también reciben datos del MPC1000. El micro módulo KETRON SD4 está directamente conectado con el control de teclado midi (tiene dos entradas midi). En ocasiones también nos llevamos la Arturia MicroBrute y/o la Twisted Electrons Acid8. Sección de mixer/efectos: Aquí es donde hace su trabajo Lawrence. Su consola favorita es la Midas Venice 320 –no los modelos U o F-. Es un sonido muy bueno para una mixer de 32 canales analógicos. Dentro de la mixer vienen varios sintetizadores analógicos y digitales, cajas de ritmo y samplers. Directamente conectados a ella otros: Korg EMX1, Korg KP3, Akai MPC1000, DSI Mopho, Moog Minitaur, Roland VP9000, y Mutable Instruments Shruthi. Mezclado por una Behringer MICROMIX MX400 Line Mixer a una Korg EMX1 (que procesa el audio desde una line mixer): DSI Tetra, Meeblip, MFB-522, y Nord Micro Modular. Mezclado por otra Behringer MICROMIX MX400 Line Mixer a otra Korg KP3 (que procesa el audio desde una line mixer): Korg Monotribe y KETRON SD4. Cualquier sonido extra que genere la unidad se añade al setup: (por ejemplo Arturia MicroBrute, Twisted Electrons Acid8, etc.). Todos ellos son mezclados por esta línea de mezcla.

• Korg EMX1 SD Electribe Music Production Station [modificado]

• Sintetizador Meeblip [modificado]

• Korg KP3 Kaoss Pad Dynamic Effects Sampler/Sintetizador

• Sintetizador modular Clavia Nord Micro

• Dave Smith Instruments Mopho – Sintetizador Analógico monofónico de sobremesa

• Sintetizador Analógico KORG Monotribe [modificado]

• Un Pedal Eventide H9 Harmonizer Multi Efectos

• Sintetizador Analógico Moog Minitaur

• KETRON SD4 Micro módulo

• Un procesador de efectos Alesis NanoVerb 2 Digital

• Controladora y secuenciadora Arturia BeatStep Pro

• Procesador de efectos de guitarra Roger Linn Design AdrenaLinn II

• Sintetizador Mutable Instruments Shruthi1 • Sintetizador Dave Smith Instruments Tetra

• Secuenciadora y controladora Faderfox SC4

• MFB-522 Drumcomputer

• Procesador Roland VP9000 VariPhrase [modificado] Hay 3 subsecuenciadores sonando también: Arturia Beatstep Pro, Faderfox SC4, Korg EMX1. The EMX1 recibe el envío del midi clock desde la MPC1000 y algunos datos de envío, pero la mayor parte del audio que produce viene del secuenciador interno. Los envíos del Faderfox SC4 vienen del Nord Micro Modular y sirven como controladora CC para la unidad. El Micro Mudular también recibe los datos de envío del MPC1000. La Arturia Beatstep Pro envía datos a la Korg Monotribe, DSI Tetra, KETRON SD4 Micro módulo, y MFB-522. El MFB-522 también recibe datos del Korg EMX1. El Korg Monotribe y el DSI Tetra

Lawrence tiene cuatro unidades de efectos que también conectan directamente con la Venice:

• Un Pedal Eventide Space Reverb

Los FX1, FX2, Aux 1 y Aux 2 envían desde el drive de la Venice varios efectos con retorno ruteado a través del retorno del FX1, del retorno del FX2 y dos canales de estéreo. Rutear los retornos de dos unidades de efecto a dos canales de estéreo permite que estos efectos sean ecualizados y reformados. Los efectos se pueden aplicar a cualquier instrumento incluso individualmente si están ruteados directamente hacia o a través de varias mezcladoras a la Venice 320. Por supuesto los cambios de level y ecualización también se aplican a cualquier instrumento de la misma forma. También se usan varios pedales modificados de guitarra para procesar audio. Encajados dentro de la propia mix (la Venice 320) están los compresores de audio FMR y los amplificadores FMR Levelling. Todo este equipo es parte de nuestro kit durante los tours, excepto la controladora Midas Venice 320 y el teclado midi. ¡Y así es como controlamos la “Nave Nodriza”!

VICIOUS RADIO VICIOUSRADIO.COM

Vicious Radio Salamanca: ¡Más fuerte que nunca! TEXTO: ANTONIO LÓPEZ, , DIRECTOR/DTOR. ESTRATEGIA DE VICIOUS RADIO SALAMANCA

Vicious Radio Salamanca viene cargada de grandes proyectos en este último trimestre de 2015. Los iremos desvelando a lo largo de este mes de Octubre con colaboraciones locales y nacionales de auténtico lujo. Pero lo más importante es que Salamanca renueva su apuesta por la electrónica con el nuevo dial 95.0 Fm. De esta manera el éter en Salamanca se amplia musicalmente y además lo hace a lo grande. A lo largo de este mes de octubre, Vicious Radio Salamanca comenzará sus emisiones en el nuevo dial, contribuyendo al crecimiento de la cultura electrónica dentro de la escena social y cultural de la ciudad de Salamanca haciendo bailar, saltar y por supuesto, disfrutar a todos los que aman este estilo musical para enganchar a aquellos que sienten curiosidad por el genero. Nuestra emisora local es la creadora de “Vicious Morning Show” con Ion Romay, uno de los “Early Shows” más punteros que hay la radio española y líder en el mundo de la música electrónica. Este programa cumple ahora su primer año en antena y para ello estamos preparando una ”Mega-Fiesta en Valencia. Iremos informando puntualmente sobre ello para que todos vosotros que queráis asistir desde cualquier punto de la geografía y, como no, desde nuestra ciudad de Salamanca, podáis acompañarnos. Ion Romay desarrolla todos los martes de 20 a 21h también desde aquí, uno de los programas con más estilo y cultura musical que hay en Vicious Radio. “A Puro Groove”, eclecticismo sonoro por doquier. Queremos avanzar también en estas líneas que uno de los proyectos de los que hemos hablado al comienzo de este editorial y en colaboración con la cadena será el DJ Contest, el concurso de dj´s más famoso de toda España, con el que queremos dar una gran oportunidad a muchos dj´s noveles de nuestro país y que además vendrá cargado de sorpresas. Salamanca esta de enhorabuena. ¡Ya esta aquí y más fuerte que nunca Vicious Radio Salamanca en el nuevo dial 95,0 Fm! “Vicious Radio, pasión por la música electrónica…”

ROBERTO DE ÁLVAREZ (DJ KABUKI), DESDE GALICIA CON MUCHO “FEELING” ¿Quién es Kabuki? Kabuki es un DJ y locutor gallego, concretamente de Ourense, lugar donde ha trabajado desde hace más de 16 años divulgando la cultura musical electrónica a través de las ondas. Ha pinchado en las mejores salas de la ciudad, siendo en la actualidad residente en “La Bull”, sala de referencia en la “tierra de la chispa”. ¿Y que similitudes y/o diferencias hay entre Roberto, el cerebro detrás de las ondas y Kabuki, el dj/radio dj? ¡Uuuuf! Creo que resulta muy difícil para mí poder separarlos, pero creo que de poder hacerlo, Roberto es un apasionado por la radio. Es radio-aficionado desde los 12 añitos lo que le ha llevado a conocer la radio desde el primer tornillo hasta el último. Mi alter-ego, Kabuki, es un amante de la música, concretamente pierde la cabeza por la música electrónica (el house es su pasión). Comenzó su carrera como DJ con 16 años y no se ha apartado de ella ni un solo segundo hasta la actualidad.

¿Qué nos vas a traer cada semana en “Feeling Vicious Radio Show” y que crees que vas a aportar a la parrilla de Vicious Radio? Como expliqué anteriormente soy un enamorado del house. Me encanta la música elegante, con alma, con feeling y eso es lo que quiero trasmitir a toda la audiencia. Quiero que “Feeling Radio Show” sea un programa en el que tenga cabida todo tipo de música electrónica, pero como su nombre indica quiero que trasmita ese sentimiento “Vicious”, quiero que trasmita la pasión por la electrónica. ¿Qué es lo que nos tienes preparado de cara a tu estreno y esta primera temporada en Vicious Radio? Soy una persona a la que no le gusta tener las cosas demasiado preparadas. Tengo pensado que el programa sea el nexo entre los dj´s y productores del noroeste del país con la familia Vicious. Habrá entrevistas y sobre todo mucha música. Todo irá fluyendo naturalmente en un formato de radio muy cercano a los oyentes en el que podrán interactuar conmigo en todo momento.

FEELING RADIO SHOW ES UN PROGRAMA REALIZADO EN DIRECTO DESDE LOS ESTUDIOS DE VICIOUS RADIO OURENSE EN FORMATO CADENA. ESTÁ DIRIGIDO Y PRESENTADO POR ROBERTO DE ÁLVAREZ A.K.A. DJ KABUKI Y PRETENDE ACERCARNOS SU “FEELING” PARTICULAR POR LA MÚSICA ELECTRÓNICA. UN ESPACIO RADIOFÓNICO EN EL QUE LA PASIÓN POR ESTE GÉNERO ESTÁ PRESENTE EN TODO MOMENTO, CON BUENA MÚSICA Y ENTREVISTAS EN EL QUE LA AUDIENCIA DE VICIOUS RADIO PUEDE INTERACTUAR EN TODO MOMENTO. “FEELING RADIO SHOW” SE EMITE LOS LUNES Y LOS VIERNES DE 12:00 A 14:00 EN VICIOUS RADIO.

FM LOCALIZA LA EMISORA DE TU CIUDAD

EN 2 SEGUNDOS NUEVOS SETS DE VICIOUS LIVE EN VICIOUS RADIO Continuamos emitiendo los sets de Vicious Live en nuestra emisora. Estar muy atentos al espacio “Especiales Vicious Live” que se emiten todos los madrugadas de los miércoles a jueves y disfrutaréis de la esencia que se vive en nuestros exclusivos eventos en streaming.

ROSANA NUÑEZ, “DE PATA NEGRA”

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VICIOUSMAGAZINE.COM/VICIOUSRADIOAPP

PIENSA MIENTRAS BAILAS

Desde los estudios de Valencia llega a la sobremesa de Vicious Radio una fórmula musical cargada de armonía con los elementos de una tabla periódica muy underground. Una dosis diaria de una hora de duración, 100% “Mixed in Key” en el que se dan cita los lados más armónicos de la música electrónica, desde el Deep house más fino y el groove más adictivo hasta el Drum&Bass más líquido. Está presentado en directo por MarcSoul y tiene un objetivo muy claro, ponerte los pelos de punta. Sólo apto para mentes no clónicas.

La dj y productora mallorquina Rosana Nun estrena una nueva sección durante la segunda hora de su programa. Los jueves de 19 a 20 horas dentro de Roxsound podremos escuchar “De Pata Negra”, donde contara con lo mejor del panorama nacional, entrevistas y sesiones de los invitados. Un trato menos formal de lo que estamos acostumbrados, donde intentará dar a conocer la parte más personal y divertida del artista.

VICIOUS TIME! CONTINÚA CRECIENDO El Noon Radio Show “Vicious Time!” que se emite en directo de martes a jueves, entre las 12 y 14h desde el estudio central instalado en la misma redacción de Vicious Magazine, sigue creciendo en contenido y audiencia. Por el mismo han pasado ya artistas como Ismael Rivas, Óscar De Rivera, Nuke o Sebastián Ledher y se contará pronto con más grandes nombres.

OLIVER HELDENS EN “SUDANDO BEATS” El dj y productor holandés será entrevistado en este mes de octubre por Israel Méndez, presentador del programa, y descubriremos por qué Oliver Heldens es el artista del momento y uno de los dj´s más cotizados a nivel mundial.

95.0

SALAMANCA

104.7 MADRID NORTE

87.7 MURCIA

90.5

MALLORCA MENORCA

104.7 ALMERÍA

101.2 MÁLAGA

104.5 OURENSE

104.6 ELCHE ALICANTE

103.9 VALENCIA IBIZA

“Piensa Mientras Bailas se emite de lunes a viernes de 14.00 a 15.00 horas en Vicious Radio 93

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CLOSING

Jorge Primo GOYA SOCIAL CLUB

El Goya Social Club es uno de los clubs más elegantes y con más progresión dentro de la escena madrileña. En pleno Barrio de Salamanca Jorge Primo y Pablo Ladoire se encargan cada semana de traerte a grandes artistas para hacerte disfrutar del mejor deep house y UK del momento. TEXTO: ISRAEL MÉNDEZ

¿Cuál es tu función en Goya Social Club? En el día a día mi función es, junto a Pablo Ladoire, coordinar todos los aspectos relativos a la producción de los eventos que vamos teniendo en la sala. Estamos abriendo regularmente de jueves a domingo y la sala demanda mucho esfuerzo y tiempo en el día a día. Negociamos con promotores, revisamos stocks, personal, números, mantenimiento de los equipos, etc. All included :) ¿Cómo surgió la idea de crear este club? Después de varios años como promotores y creando diferentes proyectos musicales, acabamos a disgusto con los dueños de las salas de noche y con la oferta de calidad tan pobre que tenía Madrid. Hace dos años dimos con esta sala situada en pleno corazón de barrio de Salamanca, nos gustó mucho e hicimos varias fiestas. Paralelamente conocimos a unos

socios inversores que apostaban por la hostelería y con un buen conocimiento del sector. La idea surgió al ver la posibilidad de crear algo diferente y propio, pasar el escalón de ser meros promotores a tener una gestión íntegra y responsabilidad de todo lo relacionado con la sala. Sabemos que fue muy trabajoso y hay muchas horas detrás de todo lo que vemos hoy, ¿se ha visto ese esfuerzo recompensado? Bueno, te lo diremos en unos años, por lo pronto estamos en manos de los bancos y repagando diferentes créditos. Cómo se presenta la temporada? Esta temporada es la consolidación de Goya Social Club como una de las referencias del UK y Deep House en la capital. Estamos muy contentos con cómo se ha desarrollado este mes de Septiembre y tiene pinta de que vamos a seguir llenos los próximos meses.

¿Qué sorpresas podremos esperar a lo largo de la misma? Estamos a punto de anunciar varios dj’s internacionales de primer nivel que nos visitarán este año. Asimismo, tenemos la suerte de recibir la visita de Vicious Live, con un calendario top - que ya nos trajo a Dubfire en exclusiva hace unas semanas - y una puesta en escena de primera. Las distintas promotoras afines que rellenan el calendario de la semana - Under, Halley, Reclub o Moodys - van a seguir apostando por dj’s internacionales de la talla de Hector Couto, Undercatt, Aril Brikha, Cuartero o Robert Dietz. El clubber está de enhorabuena. ¿Qué crees que diferencia a tu club respecto a otros de la capital? Apostamos por la calidad en todos los sentidos. Musicalmente, a parte del sonido Funktion One con el que cuenta la sala, destacaría la nómina de dj’s que nos han visitado en

este año y medio de vida: desde Jonas Rathsman a Hayden James pasando por The Magician, Blonde o Friend Within, además de nombres nacionales como Begun, Playless, etc... En Goya Social Club el alcohol que no es garrafón, servimos copas de balón y tenemos un personal educado. Intentamos ofrecer a los clientes el club ideal al que nos gustaría ir como público. ¿Cómo definirías en una frase la experiencia de una noche en Goya Social Club “Buena música, buen ambiente, buenas copas y lo último del UK y Deep House en pleno Barrio de Salamanca.”