Visor rock magazine 02 by VisorRock

Armagedon

epica

mass mental

dragonforce

N 02 marzo 2015

LA RUDEZA DEL PUNK

BRODY DALLE lima bajo fuego

SLASH featuring Myles Kennedy and The Conspirators descenso al infierno

el averno el mito renace

cafe iguana

LOLLAPALOOZA FESTIVAL gotthard 30 seconds to mars en lima

en buenos aires

festival paâ&#x20AC;&#x2122;l norte monterrey - mexico

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BIENVENIDOS

Hace unas semanas Slash se presentaba por primera vez en Perú. Conversaba

con unos amigos a la salida del concierto sobre los recuerdos que compartíamos acerca del legendario guitarrista. Todos crecimos viendo una y otra vez el célebre concierto de Guns N’ Roses en Tokyo , también por esos años circulaban los conciertos en Paris, Santiago y Buenos Aires y en todos quedaron documentados grandes momentos- y no me refiero a los constantes y sin sentido cambios de ropa de Axl Rose- la imagen que se repite en nuestros recuerdos constantemente pertenece a Slash luciéndose con sus grandes solos, imágenes que, a pesar del tiempo, se conservaron y lo convirtieron en ícono de nuestra generación. El look, para ser honesto, no era el más novedoso ni original (cabello oscuro y desgreñado sobre el rostro, sombrero de copa, guitarra Les Paul, cigarrillo en la boca mientras toca, tener cerca una botella de Jack Daniel’s), Jimmy Page, Joe Perry o Marc Bolan lo habían impuesto como marca muchos años antes pero de alguna manera Slash lo hizo suyo dejando impactados a toda una generación de adolescentes que crecieron en los años noventa. Recordábamos cuando la llamada “banda más peligrosa del mundo” llegó a América Latina en el año 92 y los ríos de tinta que corrieron ante tal acontecimiento, lamentablemente la banda no llegó a Perú y sólo nos pudimos conformar con las revistas que circulaban por esas fechas contando con detalle cada escándalo que generó aquella gira, recuerdo claramente un titular que la describía como: “La receta perfecta para el desastre”. También recordamos las portadas de revistas, de discos y algunos videos como el de Estranged, con sus fabulosos solos de guitarra. Las mejores partes, en dicho video, las tenía Slash, primero recorriendo el Sunset Strip y luego surgiendo de las profundidades del mar. Los años siguieron, crecimos, la banda se separó, Slash formó nuevos proyectos (Snakepit, Velvet Revolver) , pagó por todos sus vicios y excesos y después de muchos intentos y colaboraciones -algunas mejor no detallar ni recordar- retornó con un álbum solista; luego dio vida a esta nueva formación con la que ya lleva dos discos grabados y que lo trajo por primera vez a Lima ante un abarrotado Anfiteatro del Parque de la Exposición saldando, quizás, una deuda con sus fans de más de 20 años y dejándolos, además, con la esperanza de que esta fantástica experiencia se vuelva a repetir. Todos estos recuerdos son de hace más de veinte años, épocas en las que el día a día era marcado por la violencia en nuestro país, y que de alguna manera nos inspiró y fortaleció. Soy de los que cree que lo que te impacta cuando tienes trece o catorce te acompaña para toda la vida.

Lukas Isaac Editor

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visorrock@gmail.com (0051)- 1 - 997136961 issuu.com/VisorRock Editor General:

Lukas Isaac

lukasisaac@hotmail.com

Coordinador:

Ricardo Choy Kifox

Fotógrafos:

Israel Martinez Martin DarkSoul Alberto Valderrama Omar Lucas Alejandra Robles Tomás Correa Arce Ricardo Choy Kifox Lukas Isaac

Crónicas:

Israel Martinez Carolina Martin Ricardo Choy-Kifox Robinson Reyna Pablo Portillo

choykifox@gmail.com

Imagen portada:

Lukas Isaac

Corrección de textos:

Juan Zuniga

Diseño gráfico:

Lukas Isaac

Agradecimientos: Luis Palma, Andrea Zolezzi, Luis Arriola, Diego Velásquez, Eric de Haas, Mabel Limon, Javier Zarate Edinson Zarate, Fiorella Rodriguez, Juan Zuniga, Israel Lopez, Tainá Prado, Rolando Ascencios, Brody Dalle, Ivan Begazo, Armagedon, Lizet Zambrano, C.C El Averno, Café Iguana - Monterrey, Yohanna Navarrete, Pablo Portillo, Brie Greenberg, Armand Sabal- Lecco, Whitfield Crane, José Corral, Paula Flores, Andrea Flores, Tito Labrin, Mass Mental, Armagedon, Sergio Emilio Sepúlveda, Rocko, Lochi, y Daniel Rischmöller. Terra Perú, FRS Prensa y Difusión, Postunder Producciones, Eternal Symphony Entertainment, ,The Fan Lab Producciones, Vortex Conciertos & Live Events , ABC Ascencio- Begazo - Asociados, Move Concerts Perú, Lotus Producciones, Icarus Music Argentina, © 2014 Visor Rock. Todos los derechos reservados.

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SS A P O T O PH RO DEL DISPA IA DETRAS

lA HISTOR

lberto Valderrama, fotógrafo peruano, se encontraba en Argentina estudiando cursos de especialización en la ARGRA y en el EAF.

Era octubre del año 2007, cuando se entera que Soda Stereo iba a hacer un Show Case para la prensa mundial. El lugar escogido era el mítico bar “Museum” de San Telmo y la fecha, 7 de octubre, coincidía con los 10 años desde la última vez que la banda toco en vivo. Los más fanáticos recordaran que en este bar grabaron el video de “La Ciudad de la Furia”. “Y Yo vivía en Buenos Aires, fui el primero en la fila de entrada y no estaba acreditado” nos cuenta el buen Alberto con una sonrisa y adivinando nuestra siguiente pregunta agrego –“Ante todo soy fotógrafo de prensa, primero tomo la foto, luego pido perdón y al último pido permiso, así es mi trabajo, la foto vale más que mil palabras. Así que ante la inminente lista de acreditados y al ver que mi nombre no estaba literalmente me cole, curiosamente al enterarme de la presentación pensé que seria fácil el acceso, aparte en el diario donde yo había trabajado me dijeron: Si ya te acreditamos, ya en la puerta solo tenía que entrar....” “La presentación de los Soda fue breve, tocaron solo dos temas: Tele-ka y Sobredosis de Tv, la escenografía como pueden ver en la imagen eran puros televisores viejos en referencia a uno de los primeros conciertos de los Soda en los 80´s en donde se ve una ciudad y televisores al fondo, ¿se acuerdan?”. “El proceso de las tomas fotográficas fue muy excitante 8 VisorRock

ya que solo tocaron dos temas y yo estaba muy nervioso de que me pesquen y me echen, pero luego de las dos canciones y de la conferencia salí ebrio de felicidad. Primera y única vez que vi a Soda Stereo, pero fue algo intimo, no era un estadio, era una discoteca y estaban a 6 metros. Después de la primera canción, me sentí como pez en el agua, lo único que me molestaba era la chica con la que

había discutido para zamparme al concierto”. “Aparte de la conferencia pasaron un video clip rememorando las etapas de Soda y lo que para ellos significaba estar ahí, antes habían tocado mucho en ese bar, luego lo demolieron y fue en esa etapa que grabaron el video de La Ciudad de la Furia y ahora, nuevamente, pero en otra etapa, el Museum y los Soda Stereo se volvían a encontrar”

“Los Soda no bajaron para nada, acabó la conferencia y terminó todo, había prensa de México, Estados Unidos, Costa Rica, Ecuador, Chile, España, Italia, etc. En realidad el show fue un “miren han pasado diez años y todo sigue igual o mejor”. En esa oportunidad no sacaron material nuevo, solo la Gira de Despedida Soda Stereo, El Último Concierto, el show fue para empresarios y prensa nada más”. VisorRock 9

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ÂŠ Israel Martinez

café iguana El renacer de un mito

Israel Martínez, fotógrafo mexicano, nos cuenta la historia del ascenso, caída y resurgimiento del lugar que cambio el panorama musical de Monterrey.

Barrio Antiguo, Monterrey, Nuevo León, México. Sábado 21 de mayo del 2011, camino de noche por la calle Diego de Montemayor, subiendo con dirección a Morelos. Un recorrido habitual para mí. Al llegar a la puerta del lugar me saluda “Pablote”; un tipo alto, mal encarado, rapado y con numerosos tatuajes y aretes; sin embargo, es muy noble, responsable, amable y amiguero; es el encargado de la seguridad en el Café Iguana. De inmediato me invita a pasar y me indica dónde se encuentra “El Funy”, quién es el dueño del recinto y debe su apodo a la sonrisa que siempre habita en su rostro. Esta noche será dedicada a la música electrónica, se espera una larga jornada amenizada por distintos DJ´s locales y nacionales. El Café Iguana se encuentra celebrando su 20 aniversario con una serie de eventos de acceso libre por todo el mes. El llamado, cariñosamente, “El Café” es un bar/sala de conciertos que se ubica en el corazón de Monterrey, en un área conocida como “Barrio Antiguo” en dónde las edificaciones que ahí se encuentran mantienen su aspecto rústico (principalmente del siglo XVIII), las calles no están pavimentadas sino empedradas y es alumbrada por réplicas de faroles que funcionan con electricidad. Desde 1993, en dicha colonia comenzaron a establecerse numerosos bares y galerías, siendo “El Café” uno de los más antiguos, su apertura fue en 1991. Con la aparición de estos locales aumentó la popularidad del sector y su importancia en la economía y turismo de la ciudad. Literalmente era imposible circular en carro por las principales avenidas del Barrio Antiguo un viernes o sábado por la noche, a causa de la enorme cantidad de gente que andaba en sus caminos, entrando y saliendo de los distintos centros nocturnos. VisorRock 11

Referencia forzosa resulta El Café Iguana a la hora de hablar de música en Monterrey, México y Latinoamérica. Al inició-según palabras de “El Funy”- se pensó como una galería de arte, un lugar de expresión para los jóvenes creadores de la región, llegaron a exponer ahí renombrados artistas plásticos nacionales e internacionales; en un principio, se tenía también la idea de vender café pero el dueño desistió de esto por el elevado costo de las máquinas para elaborarlo; sin embargo, el nombre quedó. Poco tiempo después se vio que podrían realizar presentaciones musicales y de ahí ya no se pudo detener la bola de nieve; al comienzo fue con un pequeño escenario en el patio donde los grupos locales hacían sus primeros actos frente a un público, Kinky, Jumbo e incluso los argentinos de Babasónicos tocaron en “el café”. Fue desde el 2003, que gracias a la

construcción de un recinto de espectáculos, se han presentado importantes exponentes del Rock y géneros alternativos, como Mastodon, Apocalyptica, Sober, Gustavo Cerati y un largo etcétera. A finales de la década de los 90´s en la ciudad de Monterrey se gestó un movimiento muy importante de Rock and Roll llamada “La avanzada regia” donde surgieron agrupaciones como Jumbo, El Gran Silencio, Plastilina Mosh, Kinky, Control Machete y demás, muchos de estos alcanzaron gran nivel musical y de popularidad, y El Café Iguana fue un punto muy fuerte para la consolidación de tal fenómeno. Ante lo expuesto, no me quedan dudas para emparentarlo con el CBGB de Nueva York y The Cavern Club de Liverpool. Clemente Castillo, vocalista de Jumbo, comenta que en giras internacionales ha encontrado músicos de distintos países de Latinoamérica que al enterarse que él procede de Monterrey le muestran sus grandes deseos de tocar en “El Café” aún sin conocerlo. Incluso la cantante colombiana Shakira rentó el Café Iguana para ofrecer una fiesta privada a sus músicos y personal de gira en 2007.

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Pero los años de bonanza estaban lejos. De regreso al 2011, uno a uno los negocios fueron cerrando sus puertas a causa del crimen organizado que azota al país. Bandas de narcotraficantes dominan las calles y el Ejército Mexicano abandona sus cuarteles para lanzarse a la lucha contra estos maleantes bajo las órdenes del presidente Felipe Calderón. La sangre de criminales, policías, soldados e inocentes corre por los pueblos y ciudades. En los “antros” extorsionan a los dueños, exigiéndoles altas sumas de dinero como cuota a cambio de su “seguridad”, en otros instalan “tienditas” en los baños; ofreciendo sus mercancías, por supuesto, bajo la anuencia forzada del propietario. El único lugar en pié en este momento es “El Café”. Siendo aproximadamente la 1:00 a.m. del 22 de mayo, me encuentro sobre el escenario capturando la presentación del DJ local “Redline”, cuando veo entrar en desbandada al área de conciertos un mar de gente procedente de la zona de bar, el caos se apodera del recinto. Doy vuelta para ver el lugar donde se encontraba el artista y ya no está, abandonó sus tornamesas yendo a refugiarse en Dios sabrá donde. El peligro está latente. Por unos instantes no supe que hacer y luego de unos segundos, que parecieron horas, solo acerté a lanzarme hacia una bodega contigua; esperé unos momentos y luego me encaminé con mucho sigilo hacia las oficinas del bar, que se encuentran bajo el escenario. En la puerta principal un comando armado abatió a tiros a un desconocido, a “El Enano” (Empleado del lugar que fungía como portero en ese momento) y a “Pablote”. Se especula que se trató de un ajuste de cuentas entre bandas rivales, siendo el objetivo la muerte del desconocido, supuestamente proveedor de la “tiendita” instalada en el baño.

ÂŠ Israel Martinez

Sober - 2008

1 - División Minúscula - 2011 2 - Frontis del Café Iguana Post - atentado - 2011 3 - Mastodon - 2007 4 - Insite - 2013 5 - Frontis del Café Iguana Post - atentado - 2011 © Israel Martínez 4

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Minutos después poco a poco las personas resguardadas abandonan el recinto, solo para volver a internarse en estampida ante el inminente regreso de los maleantes que vienen para llevarse los cuerpos ejecutados. En las oficinas del lugar nos encontramos agazapados casi un centenar de personas, entre público y empleados, sin hablar, solo mirándonos las caras sin creer lo que estaba sucediendo y la pérdida de dos queridos amigos e iconos de nuestras noches por aquellos derroteros. Solo con la llegada del ejército fue que nos permitimos retirarnos; no tengo idea de qué hora era y mirar el reloj era lo que menos importaba. Al día siguiente la ciudadanía, indignada ante la crecida ola de violencia y el allanamiento sucedido en el baluarte que constituye el Café Iguana, se apoderó de la calle Diego de Montemayor y más específicamente de la fachada del Bar para pacíficamente rendir tributo a los hermanos caídos y hacer escuchar su desprecio por la violencia reinante y la incompetencia de nuestros gobernantes. Se oye la música de trovadores, otros declaman versos, se pegan pancartas y mensajes en las 5 paredes, colocan veladoras frente a las puertas y se alza una oración; los múltiples agujeros de bala al exterior quedan como mudos testigos y testimonio a la vez. El Café Iguana cierra sus puertas indefinidamente.

La violencia ha disminuido o al menos ya no protagoniza innumerables páginas y tiempos en los medios de comunicación con la misma constancia, hoy es 24 de agosto 2013. Los militares han dejado de patrullar, las cosas se han calmado. Luego de una larga agonía e intentos por regresar, la Iguana resurge. Los encargados de reabrir el lugar son los chicos del grupo “Insite” de Mexicali, Baja California en su gira de despedida. Por las redes sociales desde semanas antes se corría la voz-¡“El Café” vuelve! -El lugar luce a reventar, tanto en las áreas del bar como el recinto de espectáculos; muchos son seguidores de la agrupación y muchos otros son simplemente jóvenes entusiastas sedientos de estar de nuevo pisando el querido Café Iguana. Desde tempranas horas de la tarde una larga fila de muchachos se dibuja por las calles del Barrio Antiguo aguardando por ingresar. El Café Iguana está vivo y yo me encuentro aquí una vez más, cámara en mano.

Israel Martinez

Xardiel Padilla, reconocido periodista especializado en música y ahora empresario musical, describe de forma muy exacta la relevancia del Café Iguana: “Sería nocivo no contar en estos momentos con un lugar de las características del Café Iguana. Tiene una importancia musical, social y cultural muy grande. En lo musical qué delicia escuchar bandas como Brujería, que su primer

concierto en forma fue aquí en Monterrey; en lo social, se convirtió para los jóvenes en un punto de encuentro donde existía mucha libertad, no hay para ellos una etiqueta restrictiva como existe en muchos lugares, no se le niega la entrada a quien llega con botas y sombrero o pantalones rotos, podías asistir vestido de rapero, metalero o vaquero, si alguna vez no se podía entrar, era porque no cabía la gente pero nunca porque se discriminara. En el aspecto cultural, imagina la ebullición de ideas que pueden converger en un lugar con tal diversidad de caracteres conviviendo en un ambiente propicio para la expresión y siempre con el ambiente artístico y cultural que desde los inicios se ha respirado.”

La Gusana Ciega - 2001 16 VisorRock

Jumbo - 2011

ÂŠ Israel Martinez

Misfits - 2014

Apocalyptica - 2001 18 VisorRock

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ÂŠ Lukas Isaac

lima bajo fuego El legendario ex guitarrista de Guns N’Roses llegó por primera vez a nuestra capital para presentar su nuevo álbum: World On Fire y en medio de un anfiteatro lleno a tope puso a Lima literalmente bajo fuego. Fotografías: Lukas Isaac

Slash Ft. Myles Kennedy and The Conspirators. Charly Parra del Riego Parque de la Exposicion- Lima Marzo 9 - 2015

Slash-como verbo- viene del inglés “acuchillar sorpresiva y despiadadamente”, y es el mismo que le da nombre a Saul Hudson, quien seguro nadie reconocería si se llamara así en sus conciertos. Hudson se hizo mundialmente famoso por ser el guitarrista en la legendaria banda Guns N’ Roses - además de su característica melena-, y por una posterior carrera solista que le dio un lugar privilegiado en el mundo de la música. Este mismo guitarrista abatió despiadadamente sobre un público peruano que esperó por él desde hace mucho y se dejó seducir por sus hipnotizantes solos de guitarra. Slash se asomó por esta parte del continente pero no lo hizo solo, sino acompañado del destacado vocalista Miles Kennedy (Alter Bridge) y la banda The Conspirators, presentando nada menos que su reconocido disco “World On Fire”, además de otras canciones de sus ex bandas, incluida, obviamente, Guns N’ Roses.

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Se puso fecha a la cita y, sin esperarlo, el evento fue lleno total. El Parque de la Exposición fue el local encargado de albergar tanta algarabía rockera, uniendo a dos generaciones: a quienes vivieron el mejor momento de los Guns y aquellos noveles amantes de la música que ni en sueños pensaron que tremendo guitarrista llegaría al Perú. El espectáculo arrancó con la cuota nacional –literalmente nacional- del reconocido guitarrista peruano Charlie Parra y su banda, quienes abrieron con el Himno Nacional en versión metal. Charlie estrenó en sus filas a Jorge Álvarez “La Roja”, guitarrista de Gaia y Por Hablar, quien acompañado de los hermanos Castillo calentaron el escenario con lo mejor de sus discos“Organic I” y “Procrastination”. La potente apertura llegó a su fin para dar paso a una angustiosa espera para quienes desde hace horas morían por ver a su ídolo de la guitarra. A las 9:00 de la noche, las luces se apagaron y en escena se dio cita Slash junto a su banda para abrir la gala con “You’re lie” (single del álbum Apocaliptyc Love). Seguidamente, “Nightrain”, tema de su banda emblema que ya dejaba lucir el amplio rango vocal de Miles Kennedy. “Halo”, “Ghost”, “Back from Cali”, “Wicked Stone” sacaron a relucir parte de su discografía solista marcada por el Hard Rock más puro y virulento, sin embargo el público sabía a qué iba: “You could be mine”, recordada por la película Terminator 2, fue el cover de Guns N’ Roses que despertó al público. Miles Kennedy demostró por qué Slash lo eligió para liderar su equipo rockero en las voces, pues el amplio rango del estadounidense no hizo extrañar por nada del mundo al siempre polémico Axl Rose. Sin embargo, entre su alineación también destacó el bajista canadiense Todd Kerns, quien dejó a más de uno extasiado con su interpretación de “Welcome to the Jungle”.

El público quería más y, aunque se hizo extrañar “Fall to Pieces” (cover de Velvet Revolver que muchos pensábamos que tocaría), Slash supo dejar al respetable al borde del espasmo con un solo de guitarra de 15 minutos a mitad de “Rocket Queen” (otra más de los Guns), tras un cambio de instrumento por una cuerda rota. “Wold on Fire” y “Anastasia” (de impecable ejecución) siguieron en la lista de canciones solistas. Para el cierre, el público peruano se rindió hasta el subsuelo cuando Slash levantó su guitarra en medio del escenario y en posición divina interpretó el mundialmente famoso punteo de “Sweet Child O’mine”, la canción símbolo de Guns N’ Roses y que encumbró a las masas hasta puntos incontrolables de emoción. Aunque fue de pocas palabras en el escenario, y demostró que lo suyo es la guitarra más que ser un frontman, el guitarrista presentó a su banda junto a Kennedy y cerraron la gala con “Slither”, famoso single de Velvet Revolver. La despedida no fue breve, y aunque el público esperaba algunos temas más de Guns N’ Roses o Velvet Revolver, Slash y su banda regresaron a escena para cerrar con el himno rockero “Paradise City”, que una vez más dejó constancia que –valgan las odiosas comparaciones- Miles Kennedy es uno de los cantante más versátiles y virtuosos del mundo rockero actual. Así cerraba Slash su concierto en Lima. Así saldaba esa angustiosa deuda que dejó a más de uno con los crespos hechos. Así fue el paso de un grande por nuestra capital y así se dio por demostrado que tras alejarse de la peligrosa banda de Hollywood, el sonido orgánico de Guns N’ Roses se fue con él; ese sonido que faltó aquella vez que Axl Rose hizo esperar a miles por horas en la Explanada del Monumental. Slash y su banda fue un espectáculo de lujo y soñar con una vuelta no cuesta nada.

Rob Reyna @rob_core 22 VisorRock

ÂŠ Lukas Isaac

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ÂŠ Lukas Isaac

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ÂŠ Lukas Isaac

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ÂŠ Alejandra Robles

La rudeza del Punk:

BRODY DALLE Alejandra Robles, fotógrafa mexicana radicada en Los Ángeles, nos presenta en exclusiva un portafolio de la cantante Brody Dalle, ex - vocalista y guitarrista de la banda californiana The Distillers. Fotografías: Alejandra Robles 2009 - 2014 “Respeto y me agrada el trabajo de muchos, en especial Cartier Bresson por su teoría del instante decisivo, pero nunca he tenido a alguien que haya influenciado mi trabajo. Creo que en la fotografía siempre me he guiado más por mi imaginación que por el trabajo de alguien más” nos cuenta Alejandra. “Cuando estaba estudiando fotografía desarrollé un proyecto de bandas de rock para un libro que me encargaron hacer, la trayectoria la disfruté mucho, pero parte de mí siempre estuvo frustrada por querer estar en el otro papel. Creo que ha sido la única vez en mis años de fotógrafa que he deseado estar del otro lado de la cámara. Mi primer concierto, si mal no recuerdo, fue en una EXPO TEC, mi proyecto era de bandas locales y solo recuerdo haber estado muy frustrada por la iluminación”. ¿Y como es que llegaste a la fotografía? le preguntamos - “Tuve mi primera cámara en el 2003, una Sony digital de apunta y dispara. Empecé por crear diferentes escenarios que expresaran mis ideas y me enamoré con el medio en el que podía transmitir mis sentimientos. Desde que empecé a tomar fotos quise profundizar en la fotografía, ya que la verdad no sabía de técnica y recuerdo que veía fotos en internet y soñaba con tomar fotos así”- nos cuenta Alejandra recordando sus inicios hace poco más de una década y luego agrega –“ Al principio la fotografía no era opción en mi casa, a mis papás no les gustaba mucho la idea de que me dedicara al arte y entonces me metí a estudiar Comunicaciones al TEC, después me cambié de carrera a Animación y Arte Digital hasta que mis papás por fin aceptaron que estudiara la licenciatura en fotografía. Durante mis estudios en el TEC me metí a diferentes cursos y diplomados de fotografía pero sentí que la técnica que enseñaban no me bastaba para lograr hacer lo que tenía en mente”.

Alejandra Robles se convenció de que quería perseguir el sueño de la música cuando fotografió a una conocida banda local de Monterrey; este sueño llegó a su clímax y se volvió realidad cuando le tomo fotos a su ídolo, la cantante Brody Dalle. -“Fue en el primer concierto que tuvo como solista, en Alex’s Bar en Long Beach. Nunca he sido parte de su staff ni nada especial, solamente ella me ponía en la lista de invitados para que pudiera pasar con mi cámara y después le mandaba las fotos a su manager”. Alejandra ha fotografiado a Brody Dalle en varias ciudades de Estados Unidos: Los Ángeles, San Diego, Long Beach, San Francisco, Hollywood y Nueva York. –“También me fui a Australia por mi cuenta porquehizo un tour con Queens of the Stone Age y Nine Inch Nails y como eran auditorios grandes, su manager me metía para que pudiera tomar fotos”. ¿Y qué relación tienes con Brody? le preguntamos, -“No sé qué relación tengo con ella, para mi yo soy su fan y ella es mi ídolo, he sido su fan por alrededor de trece años y, desde que me volví su fan, mi sueño más grande ha sido tocar con ella. Ella ha sido mi inspiración y motivación para muchísimas cosas que he logrado hacer. Todo empezó porque hace años, cuando todavía vivía en Monterrey, hice una animación interactiva en 2D de sus videos musicales,se la mandé y me empezó a seguir por Twitter y por ese medio la contacté para tomar fotos en sus conciertos. La conocí en persona en un concierto de Queens of the Stone Age, era un auditorio enorme y estaba parada enfrente de mí. Cuando terminó el show le fui a hablar y me presenté, estuvimos hablando por unos minutos pero en realidad no salió nada de ahí más que emoción y lloradera de mi parte, recuerdo que mis amigos me tuvieron que ir a traer agua porque estaba temblando. Ahora, cuando recuerdo ese momento, me da risa porque pienso que se ha de haber sacado 30 VisorRock

de onda, pero lo más probable es que ni siquiera se acuerde”. Alejandra nos cuenta también que a pesar de haber fotografiado varios shows de Brody, nunca le ha hecho fotos más íntimas o de estudio, -“Nunca me he atrevido a preguntarle, creo que me intimidaría demasiado; a otras personas sí lo he hecho pero más que nada como favores, en realidad no es algo que ame hacer, me gusta hacerlo cuando hay un concepto pero cuando son fotos de promoción me saca mucho de mi área de confort”. Le preguntamos también por Josh Homme al ver que tiene un portafolio sobre él, -“Mi relación con Josh Homme es inexistente, la única vez que lo he visto fue en un concierto de Brody, las fotos que tengo de la banda son tomadas en el Corona Capital en la Ciudad de México, nunca he tenido ningún tipo de afiliación con la banda y no es algo que procure tener”-. Nos revela, luego aprovechamos el momento para preguntarle si hay alguna banda a la cual le gustaría fotografiar, -“Hay muchas bandas… creo que si tuviera que elegir dos, serían Hole y Pearl Jam”. “Cuando vivía en Monterrey trabajaba en agencias directamente, nunca llegué a trabajar con una revista en específico, todas mis publicaciones han sido por mi propia cuenta. Muchas de mis fotos han sido publicadas en internet, principalmente en blogs independientes, algunas otras para promoción de patrocinadores y otras fotos que he tomado de bandas locales se han publicado en revistas internacionales”. Nos cuenta cuando le preguntamos sobre su trabajo y luego hablamos sobre su experiencia haciendo fotos en estudio y en vivo, -“Hacer fotos en estudio es muchísimo más fácil porque tienes control absoluto sobre la iluminación iluminación y tienes a un objeto o sujeto que está trabajando contigo y por ende esta a tú dispo-

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sición. Con las fotos en vivo en cambio, puedes visualizar las fotos que quieres lograr pero al final de cuentas todo depende de las circunstancias a las que te presentes en el debido momento, te obliga a pensar más rápido para resolver cualquier tipo de dificultades. Además, en vivo definitivamente la luz es el factor más importante y más difícil de considerar, ha habido veces en las que según yo voy preparada para cualquier tipo de iluminación y como quiera logra sorprenderme, sobretodo en situaciones en las que no te permiten usar flash.

estilo de fotografía. –“Siempre he tenido una pasión por mostrar mi percepción de la realidad a través de mis fotografías” nos dice y luego agrega que en sus planes esta empezar un proyecto de autorretratos conceptuales y eventualmente publicarlos. En cuanto a exposiciones nos hace saber que no tiene ninguna planeada por el momento.

Definitivamente el manejo adecuado de la luz en conciertos en vivo es una de las técnicas que más admiro de los fotógrafos. El lugar también es muy importante pero eso es más fácil de considerar, yo lo que hago es llevarme todos los lentes que tengo a lugares donde nunca he ido”.

mención en la página de Brody: “My girl Ale @seneca_falls is a badass drummer and photographer”, -“Es precisamente la faceta en la que me encuentro en este momento, el año pasado me gradué de una escuela de música como baterista y ahora me encuentro en Los Ángeles grabando un EP con mi banda, estoy tratando poco a poco de vivir de la música completamente”.

Alejandra nos cuenta también que su tipo de fotografía favorito es la fotografía conceptual, le encanta crear escenarios improbables porque su imaginación tiene menos límites que cualquier otro 32 VisorRock

Finalmente le preguntamos por su faceta de baterista, una faceta que le ha valido inclusive una mención en la página de Brody: “My girl Ale @sene

Web: aleroblesphoto.com Instagram: instagram.com/seneca_falls

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Simone Simons y compañía volvieron a Perú luego de casi cinco años para dar a conocer su más reciente trabajo: Quantum Enigma. Salieron a escena en medio de un impresionante y ensordecedor griterío que seguramente les hará recordar donde estuvieron esa noche. VisorRock 39

Fotografías: Lukas Isaac Epica Teatro de la UNI - Lima Febrero 28 - 2015 Desde su llegada al aeropuerto los seguidores de la banda estuvieron presentes para darles la bienvenida y hacerlos sentir como en casa; embarcados en una gira que los está llevando, una vez más, por gran parte del mundo, los holandeses llegaron para promocionar su más reciente álbum: The Quantum Enigma, un pretexto para hacer que el más recio de los metaleros vibre de emoción. El lugar elegido para el show fue nuevamente el Teatro de la UNI. Aquella noche el recinto estaba lleno. Epica es, para los amantes de la música pesada, la banda perfecta; sus miembros no son solo virtuosos multiinstrumentalistas sino que además tienen en las voces a la hermosa mezzosoprano Simone Simons. Las ganas de verlos en escena hicieron que la espera fuera interminable así que cuando las luces del teatro se apagaron y las melodías de “Originem” empezaron a escucharse por los altavoces, los gritos se hicieron ensordecedores. La banda, conformada por los guitarristas Isaac Delahaye y Mark Janssen (fundador de la banda), el bajista Rob Van Der Loo, el tecladista Coen Janssen y el baterista Arien Van Weesenbeek, apareció en escena para empalmar la intro con “The Second Stone”. Los gritos llegaron a un nivel más extremo cuando apareció Simone enfundada en su ya clásico atuendo de cuero negro, botas altas y su vampirezca belleza que de inmediato hipnotizó a la audiencia. La banda completa se hizo cargo del escenario seduciendo al público presente y continuando con “The Essence Of Silence”. Con esta introducción, dejando en claro que su más reciente producción está a la altura de su virtuosismo, Epica hizo un repaso interpretando temas de toda su discografía, empezando por “Sensori 40 VisorRock

um” de su primer gran álbum pasando por “Unleashed”, “Storm the Sorrow” único tema del Requiem For The Indifferent y “Fools Of Damnation” del album The Divine Conspiracy. El duelo de voces entre Mark Janssen y Simone Simons, tan característicos de la banda, se fundía con la potente base musical configurando una sensibilidad musical que tenía a los fans deslumbrados, esto fue aprovechado por la bella Simone para preguntarles que tema querían escuchar: “Natural Corruption” o “Blank Infinity” y el público aposto por lo seguro siendo el tema del Consign To Oblivion el elegido, luego siguieron con “The Obsessive Devotion” para retomar al último álbum con la rapidísima y poderosa “Victims Of Contingency”. A estas alturas parecía que lo habíamos visto todo: duelos vocales, duelos de guitarras, teclados infernales y una base rítmica insuperable. Conocedores de su público, el sexteto arremetió con “Cry For The Moon” que retumbo por segunda vez en cinco años las paredes del Teatro de la UNI y que llego al clímax con un brutal solo de batería que sirvió de empalme para otro tema esperadísimo “The Phantom Agony”, la deuda estaba saldada y los cientos de fans rendidos a sus pies. Unos minutos de silencio y la banda en pleno regreso para el remate con las ya clásicas “Sancta Terra”, la nueva “Unchain Utopia” y la furiosa “Consign To Oblivion”. Atrás quedaron los movimientos sensuales de la pelirroja vocalista, las melenas girando al compás de los riffs, las cegadoras ráfagas de luz, Epica se despidió nuevamente del Perú después de haber dejado todo en el escenario. Esperemos que no pase mucho tiempo para su retorno.

Pablo Portillo Christen

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Teatro Caupolicán - Chile © Lukas Isaac

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El fot贸grafo Ricardo Choy Kifox comparte con Visor Rock un foto reportaje al interior de la emblem谩tica banda peruana Armagedon.

Fotografías y Texto: Ricardo Choy Kifox Huancayo / Lima - 2013 Hace casi dos años fui seleccionado, junto a otros fotógrafos, para llevar un taller de fotografía de Rock con el reconocido retratista Raúl García; parte del curso fue hacer un seguimiento a una banda de rock, cada asistente buscó una afín a sus gustos. Yo, el único metalero del grupo, elegí fotografiar a algunas bandas conocidas dentro del género; una de las bandas escogidas, que para mi suerte tenía mucha actividad por esas fechas, fue Armagedon.

Mi primer contacto con esta banda fue a finales de los 80´s durante una sesión masiva de fotos para el mítico fanzine Cuero Negro, sin embargo, no los pude ver en vivo sino hasta los 90’s durante un concierto en un local nocturno de Barranco. Como muchos, quedé impresionado por la calidad de los músicos, las guitarras y la voz se fundían en temas con tanto “gancho” y poder que me atraparon a la primera y me volvieron fan de la banda. Es necesario recordar

Armagedon es una de las bandas de Heavy Meal más longevas de nuestro país; aparecieron en 1987 y, a pesar de algunos altibajos, continúan en la lucha hasta el día de hoy. Fundada por los hermanos Víctor “Lobo” y Martin Guizado, vocalista y guitarrista respectivamente, estuvieron acompañados, al momento de hacer este trabajo, por Renato Bar en la batería (otro miembro histórico), Daniel Rivera en la guitarra y Jonathan Fernández en el bajo.

que muy pocas bandas hacían metal clásico en Lima por esas épocas, el ambiente musical era dominado por agrupaciones dedicadas a difusión de la música alternativa.

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Los volví a ver y a fotografiar en estos últimos años a medida que volvía a hacer fotos de conciertos. Cuando me asignaron la “tarea” de elegir una banda me comunique con Lobo, le explique que quería hacerles un seguimiento como

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banda y me aceptaron de muy buena gana. Para ese entonces Armagedon se estaba preparando para asistir, como una de las bandas principales, al Wanka Open Air, festival de metal a realizarse en Huancayo.Fui a fotografiarlos a sus ensayos, conocí a todos los integrantes de la banda y pude ser parte de un ambiente de camaradería muy común al interior del grupo; se dio la posibilidad de viajar con ellos a Huancayo y mientras estudiaba la parte logística (billete y tiempo) me anunciaron que podía viajar invitado como parte del staff. El seguimiento fotográfico iba tomando forma. El viaje fue por tierra, durante la madrugada y llegamos a Huancayo en la mañana; inmediatamente nos llevaron al lugar del concierto. Fue una gran sorpresa ver que el escenario aun no estaba terminado y que los equipos de sonido eran casi nulos; el festival se iba a realizar en un pueblo cercano a Huancayo, en una pampa al aire libre. Al ver que el armado del show iba a tomar más tiempo del calculado, la banda y yo regresamos al lugar asignado para descansar, a Armagedón le tocó un departamento pequeño ( las otras bandas estaban repartidas por diversos lugares), aquí pude capturar algunas de las fotos que se ven en el presente portafolio. La banda descansó, ensayó un poco, salimos a almorzar y regresamos a seguir con la espera; pude ser testigo de un grato ambiente de camaradería, como lo mencioné antes, y no tuve ningún problema para hacer mis fotos, todos esta-

ban al tanto, nadie tenía que posar, solo tenían que seguir con su rutina, yo erainvisible. Ninguna de las fotos que se muestran fue armada, no hay nada hecho para la cámara; aunque la banda no lo sepa, más allá de la tarea yo estaba muy contento de compartir con una banda que forma parte de mi historia como metalero. Las horas pasaron y nos avisaron que vendrían a recogernos, la banda tocaría a las 10 p.m. pero al final fue a la media noche.Esos minutos previos fueron muy divertidos, Renato, el baterista, armaba el setlist; Martin, Daniel y Jonathan afinaban sus instrumentos y Lobo se rapaba la cabeza; toda la banda lista, más el fotógrafo, fuimos introducidos a un pequeño carro y llevados a toda velocidad al lugar del show. Cientos de metaleros llegados de todas partes acampaban en el lugar. El ambiente era una fiesta. Llegada la hora, el público se acercó al escenario para ver a una de las leyendas de metal peruano. Armagedón en el escenario y un setlist arrollador: “El Flautista”, “Nacido del Pecado”, “Déjame Soñar”, “Armagedon Ahora” entre otros y un final con la banda Arsenal apoyando en los coros. Al día siguiente empezamos el retorno, cansados pero contentos. El festival no fue del todo exitoso, algunas bandas importantes no llegaron a tocar pero en el corazón de los presentes Armagedón volvió a dejar en alto el heavy metal en el Perú.

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©Tomás Correa Arce

The Maccabees- Buenos Aires

rock me, tommy boy

Admirador de Henri Cartier Bresson y director del equipo de fot贸grafos de la versi贸n argentina del Festival Lollapalooza, el fot贸grafo bonaerense Tomas Correa Arce es el invitado de este n煤mero de Visor Rock Magazine VisorRock 59

Visión y estilo “Una buena foto de concierto tiene que representar todo lo que es el artista como tal, y a la vez, como persona, con sus imperfecciones y habilidades”. “Siempre inspirado completamente por la música, según el estilo que represente cada artista. Busco retratar no sólo lo que el artista hace en cada canción, sino lo que ocurre entre tema y tema, que puede ser mucho más interesante que el show en sí” y agrega: “Creo que el fotógrafo tiene que alejarse de la clásica foto del cantante con boca abierta y micrófono en la cara. Las posibilidades hoy son mucho mayores que hace cinco o diez años”.

Inicio y actualidad “Soy fanático de la música desde que tengo memoria (Soda Stereo y Guns N’ Roses a la cabeza), pasé por varias bandas hasta que decidí bajarme de los escenarios y continuar mi fanatismo musical desde abajo, retratando a los músicos que mejor saben hacerlo. Mi primer show con cámara desde público fue el de Gustavo Cerati en Montevideo, Uruguay, en el 2006. Lo hice con una cámara pocket. Fue inolvidable”. Nos relata Tomas recordando cómo fueron sus inicios en el mundo de la fotografía de conciertos. ¿Y solo haces fotos en conciertos? Le preguntamos –“También hago sesiones para bandas, pero nada puede ganarle a la energía de los shows en vivo-nos contesta entusiasmado y continua –hago fotos para productoras, publicaciones, bandas, quien se acerque con intenciones de retratar algún show básicamente”.

Momentos importantes ¿Cuáles crees que han sido los momentos más importantes de tu carrera como fotógrafo de rock? –“Haber sido premiado en los NME Music Photo Awards en Inglaterra en 2012, también haber trabajado para medios como Rolling Stone (Argentina), NME (Reino Unido) y con bandas como Soundgarden. Además el poder ser el director del equipo de fotógrafos del Lollapalooza Argentina, Personal Fest y Ultra Music Festival”. ¿Y cómo llegaste a NME? (N. del Editor: NME es una de las revistas musicales más antiguas y respetadas del Reino Unido) -“De casualidad, me enteré de la existencia de un concurso, mandé cinco fotos y quedé seleccionado con dos. Si bien no gané las categorías, me invitaron a viajar, conocer a los editores y la redacción y firmar un contrato de colaborador con ellos, con el cual realicé dos coberturas estando en Londres, Soundgarden y Molly’s Echo Chamber”. ¿Algunas anécdotas de las bandas con las que has trabajado? –“Me ha tocado trabajar con artistas como Nine Inch Nails, Arcade Fire, hasta Justin Bieber. Todos tienen sus pros y contras. Las mejores fotos han salido en los momentos menos esperados. Uno debe estar muy atento para captar esos momentos y poder tener la habilidad de retratarlos en esa milésima de segundo que nunca más va a repetirse”. “La mejor experiencia fué trabajar para Soundgarden, un show completo de dos horas y media a gusto para la banda, sin restricción alguna. Un sueño para cualquier fotógrafo. La peor, recientemente, Foo Fighters, decidieron que los fotógrafos fuéramos atrás de todo en la consola, con el agregado de tener toda una plataforma de dos metros de altura delante, y Dave Grohl nunca se movió del escenario a 80mts. Imposible retratar a la banda como lo merecían”.

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Hayley Williams - 2011

©Tomás Correa Arce

Nine Inch Nails - 2014

Renovación permanente Tomás, con tantos años de experiencia ¿Cómo haces para evitar caer en la rutina? ¿Cómo mantienes tu trabajo siempre renovado? –“Experimento con composiciones y estéticas que no suelo utilizar y me resultan un tanto incómodas, hasta dar con la indicada, en base a prueba y error. Cuando hay épocas sin shows, trato de buscar bandas chicas que recién arrancan y retratarlas en sus primeras épocas, con shows de no más de 50-100 personas. Son un desafío mucho mayor que un Estadio con miles de personas”.

Equipamiento “Actualmente tengo una Canon 70D (previo Canon T4i y Canon T2i). Lo cómico es que mis lentes no son “para recitales”: son todos lentes oscuros y económicos, de diafragma 3.5 a 5.6. Me gusta pelearme con mis equipos hasta que salgan las fotos. Creo que el equipo es una herramienta y hay que saber cómo utilizarlo. Mi primera cámara fue una Canon pocket modelo A620, y años después mi primera réflex fue una usada que compre por internet. Todavía tengo dos lentes que fueron comprados usados hace varios años y siguen funcionando como el primer día”.

Panorama y futuro “Cada vez hay más fotógrafos que se dedican al área musical, lo que genera una cantidad de material enorme. Creo que el futuro estará determinado por quienes logran tener un estilo propio y distinto al resto, y quien trabaja de forma honorable y humilde para con sus colegas. Existe mucho fotógrafo que se cree “rockstar”, cuando la estrella realmente es quien está arriba del escenario”. ¿Consideras que la fotografía de rock es un buen negocio? ¿Qué opinas de los nuevos fotógrafos que hacen su trabajo gratis con tal de entrar a un concierto y que consejo les darías? –“Lamentablemente no es negocio, el fotógrafo es el último en la cadena de importancia de la producción de un show. No es un ambiente donde se pague bien, porque se sabe que somos muchos y si vos decís que no, atrás hay 100 que lo harían por la mitad o gratis incluso. Sin embargo, a modo personal, es el trabajo más reconfortante que existe. En cuanto a trabajar gratis, no me parece mal para arrancar y tener experiencia y hacerte un nombre, pero llegado un momento uno tiene que plantearse si realmente su laburo vale un precio determinado. Todo cliente que te contrata gana dinero de alguna manera, sea recaudación de tickets, venta de discos, etc. ¿Por qué el fotógrafo no merece una parte de ello?”. ¿Y qué opinas de los contratos en donde algunas bandas obligan firmar a los fotógrafos? ¿Alguna vez te has rehusado a firmar alguno? le preguntamos –“Me parece que el artista no está al tanto de esos contratos, creo que son armados por sus managers arbitrariamente, buscando cubrirse ante cualquier problema. Irónicamente, muchas veces esos contratos me ponían trabas al momento de trabajar con bandas, pero como al final a los managers les gustaba mi trabajo luego me pedían las fotos para compartir en los sitios de los artistas. Son las reglas del juego, pero deberían entender que el fotógrafo no es el enemigo ¡al contrario!”. En lo personal es un honor para mí poder compartir mi trabajo con la gente. Es un lugar muy privilegiado el que ocupamos como fotógrafos, y debemos hacer el mejor trabajo que tengamos a nuestro alcance”.

Más sobre Tomás Correa Arce: www.tommyboy.com.ar rockmetommyboy@gmail.com www.facebook.com/rockmetommyboy

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ÂŠ Israel Martinez

Bob Dylan - 2012

Gustavo Cerati - 2009

Scorpions - 2010

Foo Fighters - 2012

Blur - 2013

Metallica - 2010

Megadeth- 2014

Soundgarden - 2012

Pearl Jam - 2013 64 VisorRock 66

Hugh Laurie - 2014

Mogwai - 2012 VisorRock 65

Primal Scream - 2011

de marte a lima El trio norteamericano 30 Seconds to Mars, liderado por el multifac茅tico Jared Leto, aterriz贸 en Lima e hizo delirar a sus fans quienes los esperaron durante varios meses.

ÂŠ Lukas Isaac

Fotografías: Lukas Isaac Thirty Seconds To Mars Parque de la Exposición Octubre 09 - 2014

Jared Leto es un reconocido actor, director y productor estadounidense, ganador del Oscar a Mejor Actor de Reparto en 2014. Sus más acérrimos fans lo admiran no solo por eso sino también porque es vocalista, músico multiinstrumentista y líder de la banda 30 Seconds To Mars. Esta fue formada en 1998 junto a su hermano el baterista Shannon Leto y tiene, desde el 2003, a Tomo Millicevic como guitarrista; han grabado cuatro discos, siendo el último de estos “Love, Lust, Faith and Dreams”, el mismo que los trajo por estos lares en el pasado mes de octubre como parte de una gira mundial que los llevó por Europa, Asia y, para terminar, Sudamerica. Luego de una inicial postergación, que puso los pelos de punta a sus fanáticos peruanos, los 30STM llegaron finalmente a Lima para visitar a sus fanáticos o “echelons” que los esperaban ansiosos y al borde de la histeria. Fueron las notas de “Carmina Burana” las que provocaron un estallido de júbilo en el Parque de la Exposición y los acordes de “Up In The Air” de su último álbum nos mostraron a Jared Leto ataviado en un ecléctico traje blanco y luciendo un cabello y una barba que lo asemejaban a un conocido personaje bíblico. Los miles de fans emocionados cantaron junto a Leto, sacaron sus celulares para registrar todos sus movimientos y en medio de la alegría no escucharon cuando les pidió que se arrodillasen ante él, cosas de la histeria y, tal vez, parte de la barrera idiomática. Luego vinieron “Search and Destroy” y “This Is War” del tercer álbum, llamado de igual forma, para luego presentar otro tema nuevo llamado “Conquistador”. La dinámica del show continuaría con la banda intercalando temas del tercer y cuarto álbum hasta que llegó el momento acústico de la noche en donde la banda interpreto dos de sus éxitos más conocidos “From Yesterday” y “The Kill” de su segundo álbum A Beautiful Lie. Las luces de miles de celulares iluminaban la noche mientras los fanáticos no dejaban de corear las letras junto a sus ídolos; en medio de este momento, casi “íntimo”, Jared Leto aprovechó para contarnos lo bien que se sentía al estar en Perú, aprovechó también un momento para grabar al público con su celular. Cabe resaltar la interacción del vocalista con sus seguidores durante todo el show, inclusive un fan fue invitado a subir al escenario para acompañar a Jared y en medio de la emoción éste solo atinó a tomarse selfies sin prestarle atención al artista. La noche llegaría a su fin con un medley de dos temas de Metallica “Enter Sandman” y “Sad But True” que dieron pie a “Close To The Edge” que puso punto final a un emocionante show de casi hora y media de duración.

Ricardo Choy - Kifox Setlist: Up in the Air / Search and Destroy / This is War / Conquistador / Kings and Queens / Do or Die / City of Angels / End of All Days / L490 / Witness / Hurricane / From Yesterday / The Kill (Bury Me) Encore: Bright Lights /The Race / Enter Sandman (Cover de Metallica)/ Close to the Edge.

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Luego de dos años, la banda suiza de Hard Rock Gotthard duración llamado simplemente “Bang!”, el úndecimo de s 78 VisorRock

Maestros ilusi贸n De la

d volvi贸 a la Argentina para promocionar su 煤ltima larga su carrera. 漏Martin DarkSoul

Fotografías: Martin DarkSoul GOTTHARD Teatro Flores Diciembre 02 - 2014

Con más de veinte años de actividad, Gotthard se han convertido en una de las bandas más exitosas de la escena musical suiza; en octubre del año 2010 perdieron a Steve Lee, su vocalista original, en un accidente de motocicleta; los miembros restantes, Leo Leoni y Freddy Scherer en las guitarras, Marc Lynn en el bajo y Hena Habegger en la batería dejaron pasar poco más de un año en silencio hasta que lograron superar esta tragedia y en noviembre de 2011 presentaron a Nic Maeder como nuevo vocalista. Es con esta formación que los suizos grabaron “Firebirth” en 2012 y llegaron a suelo gaucho para presentarlo en ese mismo año. En esta nueva gira, que los llevó por Europa y Asia antes de llegar a Sudamérica, los suizos demostraron estar en inmejorable forma siendo premiados en su tierra natal, días antes de llegar a la Argentina, con el Disco de Platino por superar las veinte mil copias vendidas del nuevo álbum, todo esto a solo pocos meses de haber sido editado. El Teatro Flores los recibió con los brazos en alto y la banda abrió la noche con las melodías de “Let Me In Katie”, breve introducción que dio paso a “Bang” y luego a “Get Up `n Move On” los dos primeros temas de su nueva producción. Continuaron con la recordada “Sister Moon” de aquel tercer disco llamado simplemente G. El público, satisfecho, volvía a darle su respaldo a Nic Maeder quien demostraba sus grandes dotes como cantante y frontman. “Right On” convirtió el teatro en una verdadera fiesta, siguieron “Master Of Illusion” que los llevó nuevamente a las épocas del gran Steve Lee y aquel álbum Domino Effect y regresaron al presente con el nuevo tema “Feel What I Feel”. Llegó el momento de la balada, “Remember It´s Me”, primer tema compuesto por Nic Maeder con Gotthard y que apareció en el anterior álbum “Firebirth”. “What You Get” y el pegadizo “Starlight” se encargaron de volver a la fiesta hardrockera antes de descargar la ya clásica versión de “Hush”, tema original de Billy Joe Royal y popularizada por Deep Purple. Con el público en sus manos, Gotthard bajo la batuta de Maeder, retrocedieron nuevamente en el tiempo para descargar dos maravillosos temas del Lipservice: “Lift U Up” y “Anytime Anywhere” que fueron recibidas en medio de una auténtica fiesta con el público saltando y coreando las melodías de ambas canciones hasta dejar toda su energía. Fin de fiesta por todo lo alto. Setlist: Let Me in Katie / Bang! (Bang!) / Get Up ‘n’ Move On (Bang!) / Sister Moon (G.)/ Right On (Firebirth) / Master of Illusion (Domino Effect) / Feel What I Feel (Bang!) / Remember It’s Me (Firebirth) / What You Get (Bang!) / Starlight (Firebirth)/ Hush (Billy Joe Royal cover- Gotthard) Lift U Up (Lipservice) / Anytime Anywhere (Lipservice) 80 VisorRock

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TORMENTA MUSICAL 86 VisorRock

La banda británica Dragonforce remeció lo cimientos del mítico Teatro Caupolicán con un show cargado de furia y virtuosismo pocas veces visto. © Lukas Isaac

Fotografías: Lukas Isaac Epica Dragonforce Teatro Caupolicán - Chile Marzo 12 - 2015 Por la tarde una larga fila de fans ataviados de negro rodeaba el teatro Caupolicán en Santiago de Chile. Hombres y mujeres entraban al recinto luciendo polos con el sello de su banda metal favorito. Las damas lucían también maquillaje; pelo oscuro o pintado, ya sea de rojo, verde o azul; faldas cortas o vestidos elaborados que evocaban a una pasarela gótica donde cualquiera podría perder la cabeza por cada una de estas “femmes fatales”. El reloj daba las siete y media de la noche cuando, con su característica puntualidad, el grupo londinense DragonForce aparecía en el escenario para hacer saltar enardecidamente a todos en el lugar. Así, Herman Li y Sam Totman, las dos armas de virtuosidad sonora de la banda cogían sus guitarras y empezaban a hacer lo imposible posible, tocar sus instrumentos con la velocidad inhumana que caracteriza tanto el sonido del grupo. La tormenta musical empezó a azotar entonces con “Fury of the Storm” del disco Sonic Firestorm. Marc Hudson, vocalista de la banda, cantaba a todo pulmón pero eran Li y Totman quienes se llevaban toda la atención del público, pues ambos recorrían, cargando sus guitarras, de esquina a esquina el escenario haciendo que la emoción sea única e inolvidable gracias a sus largos solos. Seguirían con “Three Hammers” donde la batería de Gee Anzalone, el nuevo miembro de la banda, daba pie con gran fuerza a la melodiosa y poderosa canción; luego de este tema, Vadim Pruzhanov, tecladista de DragonForce, dejaría su teclado por un momento y acompañaría a Li y a Totman enfrente del escenario. El 88 VisorRock

francés Frédéric Leclercq no se quedaba atrás haciendo retumbar el teatro con su bajo. Habría que destacar el show que Herman Li daba al hacer brincar su guitarra con la cadera y al tocar las cuerdas con su lengua; Sam Totman también era un espectáculo con su frialdad al hacer maravillas con su respectiva guitarra, era inevitable que una divertida rivalidad se genere en el escenario. Así, durante la interpretación de “Valley Of The Damned”, intercambiaron gestos burlescos, Totman dejó por un momento la guitarra y se jaló los ojos para luego hacer otro gesto con la mano haciendo entender que los asiáticos como Li tenían el miembro viril pequeño. Herman Li respondió al estereotipo indicando que Sam Totman era un llorón, para luego gesticular los dos jocosamente un poco más y luego saltar con sus guitarras. Sin embargo, lo que nadie esperaba es que finalizada la canción de su álbum debut aparecieran cada uno de los miembros de Epica, incluyendo a Simone Simons, quien con un bajo apuntaba al cielo junto a todos los músicos de ambas bandas con sus respectivos instrumentos. Fue el momento más genial de la noche. Luego los Epica se retirarían del escenario para que los DragonForce cerrarán la primera parte de esta noche con un clásico de la banda: “Through The Fire And Flames”. El público estaba feliz y aplaudió a rabiar dejando el ánimo y la energía a tope. Un gran cierre que la gente supo ovacionar en su justa medida.

Pablo Portillo Christen

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ÂŠ Lukas Isaac

Descenso al infierno Anatomía póstuma de “El Averno”, el Centro Cultural que durante 14 años se erigió como emblemática trinchera de la resistencia cultural en Lima.

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Fotografías: Omar Lucas ( 2009 - 2010)

Han pasado más de dos años desde el cierre del Centro Cultural “El Averno” del Jr. Quilca, en el Centro de Lima, pero el espacio, engullido después de una heroica lucha por las fauces de uno de los rostros más feroces del capitalismo, la especulación inmobiliaria, aún sigue en el imaginario de todos aquellos cuyo único pecado es ir contra un sistema despiadado que excluye a las piezas que luchan por funcionar de forma autónoma. Ningún local en la ciudad ha logrado igualar, desde entonces, la particular esencia de este universo transgresor que se atrevió a vincular el arte con la política en un entorno en el que el pensamiento crítico era - y es - estigmatizado como fuente de conflicto. Una propuesta valiente que hizo de la insumisión su bandera y apostó sin complejos por la enorme capacidad transformadora de la música, la pintura y la poesía, en una sociedad consumista amenazada por la homogeneización cultural. Entre las paredes de sus habitaciones, como si de los círculos concéntricos del inframundo descrito por Dante Alighieri en “La Divina Comedia” se tratara, los jóvenes y no tan jóvenes de la movida subte limeña purgaron durante años sin culposo placer el pecado de ser libres, y combatieron desde la contracultura la dictadura y la corrupción que envenenaban el país, tomándole de este modo el pulso al devenir de la capital de todas las sangres. El Averno fue para las autoridades un infierno urbano, sin embargo, al mismo tiempo, se convertía en el paraíso de todos aquellos que disfrutaron de sus novedosas propuestas visuales y sonoras. Sus coloridos muros se convirtieron así en testigos de excepción de las historias, las dudas, los miedos y los sueños de sus “condenados”, los artistas, intelectuales e inconformistas que batallaron por un nuevo orden social en el que la cultura de los pueblos originarios, el punk rock y al arte popular urbano, se enriquecieron mutuamente. Hoy el local está cerrado y el predio en el que se ubicaba luce en total abandono en espera del comprador del millón de dólares. Pero la resistencia no se circunscribe a ningún espacio físico y “El Averno”, como asociación cultural, trabaja en diferentes proyectos en otros puntos de la ciudad; uno de estos es la creación de bibliotecas comunales en el asentamiento humano San Cosme, en El Agustino. Una intervención - como ya sucedió en el jirón Quilca - que busca la renovación urbana a través de la recuperación de espacios para el barrio. La explosión creativa amplía su onda expansiva. La lucha, desde una nueva trinchera, continúa sin descanso.

Carolina Martin

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Luz dentro de las sombras

La banda experimental remeció el Parque O’Higgins sorprendiendo a todos aquellos que se dieron cita para escucharlos. El bajista Armand Sabal-Lecco y el vocalista Whitfield Crane conversan, en exclusiva , con Visor Rock Magazine sobre su música y lo que conlleva esta búsqueda

Fotografías: Lukas Isaac

Armand Sabal-Lecco / Whitfield Crane Entrevista Lollapalooza Festival - Chile Marzo 15 - 2015

¿Cómo empezó todo, como empezó Mass Mental? Armand: Yo estaba en un vuelo a cierta parte de California para hacerme unas fotos y había alguien al lado mío con un bajo también. Trabajabamos para la misma compañia de bajos sin saberlo. Estaba sentado al lado mio. Era un pequeño avion y eramos los unicos con instrumentos, lo cual era interesante, pero en aquel momento los dos eramos demasiado timidos para conversar. Eso fue en 93 o 94. Llegamos al lugar y estabamos esperando a que un carro pase a recogernos. Yo esperaba por uno y el por otro. Entonces nos acercamos y me dijo”Oye, estas yendo a este lugar para la sesión de fotos” y le dije “sí” . Era “Robert” (Robert Trujillo). Hicimos la sesión de fotos para una compañia de cuerdas y después tomamos un par de cervezas luego de esta, sabes, y dije por qué no hacemos una banda juntos, algo que sea interesante, ecléctico con todo lo que tenemos, funk, rock y todo lo que deberíamos tener. Hablamos de eso, y empezamos a jammear juntos e hicimos dos canciones. Después dijimos llevémoslo al siguiente nivel, con un vocalista, y así fue como Mass Mental empezó. ¿Cuándo? y ¿por qué te uniste a Mass Mental? Whit: Bueno, todos trabajamos con el productor Mark Dodson. Mark hizo los discos de Infectious crews, de Suicidal, Ugly Kid Joe, Priest. Todos amamos a Marc. Así que ese era nuestro punto en comun, el señor Marc Dodson (es) un productor extraordinario. Y cuando ellos estaban creando (el disco de Mass Mental), originalmente iba a cantar en este loquísimo hibrido máquina matemática. Y la matemática iba más allá que a mí. Entonces entra Benji Webbe, famoso por bandas como Dub War y Skindred, Benji era el hombre. Así que me fui a un lado y me dije: No tengo la habilidad para pagar esas cuentas. Ya no estaba ahí, pero fui reclutado otra vez para cantar canciones de Black Sabbath. Yo podía hacer eso, no me acuerdo que año fue, pero fuimos a Japon. Japon, no? Armand: Si, fuimos a Japón. En el 99 creo. Whit: Así que fuimos a Japón y de alguna manera me adoptaron y son muy pacientes conmigo. Armand: Se lo merece. Whit: (Sonríe) Bueno, entré a la banda porque Robert me dio la oportunidad y también Mark Dodson, obviamente hice discos de Ugly Kid Joe con él. Mass Mental es una banda muy enigmática, porque no hay ningun punto manipulativo en la banda. Es literalmente acerca de la música y la experiencia. Hoy caminé al Ritz Carlton aquí en Santiago y fui abajo. Todos estaban tomando desayuno con sus familias y con esta gran energia. Gran Chi y esta gran experiencia. El hijo de Robert, Tye, toca en una banda, The Helmets y los Helmets tocaron ayer y Perry Farrel subió y cantó “Mountain song “ con él.

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¿En verdad? Whit: Sí. Así que esta gran sinfonia de energia positiva esta en transcurso y despues estos muchachos (Mass Mental) suben al escenario y yo me quedo sorprendido cada vez que suben y digo “wow”. Así que me adoptaron hace mucho y me tienen de alguna manera a su lado. ¿Fue fácil en un inicio trabajar con el Sr. Trujillo? Armand: Sí, porque tenemos influencias similares y Trujillo es más de lo que la gente sabe de él, tiene un amplio gusto musical, así que algunos, los que solo lo ven tocando metal, piensan que es un músico del bajo de metal, algunos que solo lo ven tocando funk, piensan que solo es un músico de bajo de funk. Él es muchas cosas. La manera en que trabajamos es con diferentes bajos, con diferentes tunings, así que en la producción, sónicamente, estamos fuera del rango de cada uno para que no suene un desorden fangoso. Así que me gusta como músico, cuando él toca me inspira a tocar, y viceversa y lo hace todo más fácil. En Mass Mental, por ejemplo, baja la cabeza y toca algo melódico, algo que acompañe y luego cambiamos, así que a veces él está arriba tocando y yo estoy abajo dando soporte y viceversa. Hace un momento estuve viéndolos durante todo el concierto. Era como un jam de jazz. Muchos matices. Armand: Eso fue porque rompí una cuerda. Ahí está el detalle. Robert solía tocar con Brooks (baterista) por mucho tiempo en Infectious Grooves y en Suicidial Tendencies. Para ellos tocar así es porque son como hermanos, así que empezaron a hacer algo cuando yo estaba corrigiendo lo de la cuerda, improvisando algo. Fue increible, incluso quería demorarme en cambiar la cuerda para escucharlos más. Dejenme preguntarles algo, ustedes hablaron del “chi”, de proyectar positivismo. He visto una foto tuya con Nelson Mandela. Así que quiero preguntarles algo que no tiene que ver con la música, ¿Cómo fue tu experiencia al conocer a Nelson Mandela? Armand: Fue grandioso. Un gran hombre tiene diferentes niveles, así que cuando nos encontramos, hablabamos de distintas cosas, por ejemplo, el conocer al Dalai Lama. No era una conversacion politica. Era acerca de la humanidad, acerca de conceptos de positivismo, positividad. ¿Cuál es tu posición acerca de la religion, espiritualidad? Whit: Bueno, hay muchos caminos hacia la montaña, ¿no? Es lo mismo, en diferentes empaques. Eso habla mucho de la descención en el mundo, pero debajo de (la) descensión, que debe ser inherente a la condición humana, está el tesoro detrás de todo eso. Así que hay muchas maneras de llegar a la montaña. Tienes que ir al infierno para ir al cielo hasta el amanecer. Sentí, al ver en vivo a Mass Mental, una banda positiva. Mass Mental hace música dura por momentos, y el público estaba feliz, tanto los que estaban bajo el ardiente sol como los que estaban sentandos en la sombra. Armand: Nuestro único enfoque es hacer la música que nos gusta. Así que no tenemos otra presión. Whit: Si Bruce Lee fuera una canción sería Mass Mental. ¿Les gusta mucho Black Sabbath? lo pregunto por el cover que tocaron hace un momento. Whit: Sabbath, Priest, AC/DC, Van Halen… 104 VisorRock

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Y a usted tambien le gusta Black Sabbath (Whit dirigiéndose a Armand), pero has hecho mucha mezcla con el jazz y la música africana, le gusta un poco de todo. ¿Cuáles son sus principales influencias en la música? Armand: Mis principales influencias en la música no vienen de la música, vienen de la vida, por ejemplo cuando hablamos de ser positivo, una persona como Nelson Mandela es una influencia musical para mi, Bruce Lee es una influencia musical, diversas cosas como esas, por eso no tengo capas como que cuando hago rock pienso en rock, o cuando hago funk pienso en funk, o cuando hago jazz pienso en jazz. Es sólo una expresión de lo que tengo adentro. Y vienen de distintas maneras. Por ejemplo en Mass Mental es una mezcla de muchas influencias. Así que ese es (su) estilo. Whit: Mi inspiración para cantar son y siempre serán Bon Scott (AC/DC) Rob Halford (Judas Priest) y Ozzy Osbourne. Esos son mis muchachos. Encuentras algo para ti, encuentras algo que te inspira de niño y luego lo

reflejas y lo haces propio, y despues eres parte de eso, por eso la llave para mí, y no siempre esta ahí, es inspirarte e inspirar, es un circulo simple, ¿ok? Te inspiras de algo, te pone y te hace eléctrico e inspiras al siguiente, y he ahí el ciclo, un ciclo positivo si lo dejas ser. Pero acerca de la inspiracion musical va más allá de esa descripcion, es el momento, que hay adentro tuyo, que está pasando, quién está a lado, de quién puedes tomar algo, con quién puedes conectarte, a quién amas. Finalmente, ustedes hablan del espíritu, y es a veces más importante que hablar. Y nadie lo hace. Armand: ¿Sabes por qué? Por qué la emoción es más importante que las notas. Las notas son buenas vibraciones. No hay malas notas, sólo vibraciones equivocadas. Así que cuando tocamos cosas muy complicadas, si estamos envueltos emocionalmente, vamos a llegar a alguien emocionalmente, en cambio si queremos pensar mucho para hacer el “lick” más complicado no lo lograremos.

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Pal’Norte Rock Festival Por tercer año consecutivo, Monterrey volvió a celebrar el día de los muertos y Halloween con un gran Festival cargado de música norteña, electrónica, hip-hop, alternativa y rock, logrando así una de las fiestas multitudinarias más esperadas de la ciudad norteña.

Fotografías: Israel Martínez Pal’ Norte Rock Festival - Monterrey Octubre 31 y Noviembre 1 - 2014 La ciudad de Monterrey en Nuevo León, México, ha vivido un ambiente musical enrarecido desde hace tiempo, sin embargo, su público permanece impávido y sólo espera que este se manifieste de la mejor manera. En el 2005 se inició una avalancha de conciertos de estadio a cargo de bandas legendarias; primero, U2, luego The Rolling Stones, Aerosmith, Roger Waters, Metallica, etc. La génesis de eventos de esta magnitud se vio beneficiada por “la no-

traso ya que se tuvo mover a la gente de asientos lejanos hacia mejores localidades para que no se notaran los huecos y demás. Luego vino el tema, aún latente, de la seguridad; uni dades del ejército patrullaban las calles, a diario amanecíamos con noticias de tiroteos, secuestros y asesinatos por parte del crimen organizado. Consecuencia de esto, diversos centros de espectáculos cerraron sus puertas y los que permanecie-

AFI vedad”, las entradas se agotaron en cuestiónde minutos, muchos de estos boletos eran adquiridos por espectadores “wanna be” que ni conocían a la banda, pero no querían perderse el evento del año - ¡Todos van a estar ahí!-. Como era lógico, la adquisición de los boletos fue menguando a medida que los conciertos se sucedían, en lo referente a las bandas, estas siempre mantuvieron su calidad pero la respuesta del público fue más que de cepcionante; incluso “Sus satánicas majestades” se vieron en apuros ante la pobre respuesta del respetable “regio”, se regalaban boletos a diestra y siniestra en los stands de patrocinadores a las inmediaciones del estadio, el concierto inició con horas de re112 VisorRock

ron abiertos redujeron sus agendas. Los de Monterey no se rinden así de fácil, y en progresión la ciudad se fue levantando, al igual que el ambiente musical; los empresarios encontraron al fin la fórmula para atraer las masas a los escenarios y hacer redituable el negocio: Los festivales. Distintos festivales empezaron a pulular en “La Sultana del Norte”, Machaca Fest, el Hellow Fest, Indio Alter, Nrmal, Rockodromo, Monterrey City, Corona y muchos otros. Pero ninguno con la envergadura y convocatoria de Pal’ Norte Rock Festival. Y es así que, por tercer año consecutivo, se oyó el rugido del León del norte que daría paso a la celebración de esta fiesta musical que en el 2014, por primera vez, se vivió

De La Tierra

1 - Jumbo 2 - La Ley 3 - Foster the People 4 - De La Tierra 5 - De la Tierra

en dos jornadas (31 de octubre y 01 de noviembre). El festival fue nutrido con música norteña, electrónica, hip-hop, alternativa y rock, los regiomontanos y paisanos de los alrededores además decidieron celebrar el Día de los Muertos y Halloween, combinando de así estas fiestas multitudinarias con una celebración anual cada vez más grande para Monterrey.

otro sin parar. Monterrey volvió a apoderarse del escenario con Plastilina Mosh, quienes volvieron de lo que parecía una eternidad de ausencia; Alejandro Rosso y Jonás González combinaron sus letras irreverentes con su característico sonido y recetaron temas como “Castígame”, “Millionaire”, “Monster Truck” y “Afroman” ,“Mr. P. Mosh” y “Peligroso Pop”, ante un público eufórico.

Aproximadamente a las 16:00 horas del viernes 31 comenzaron a sonar los primeros acordes, producto de Technicolor Fabrics, se había comenzado con el “calentamiento de motores”. Entrada la noche fue hora de degustar los platos fuertes: La súper banda de metal, De la Tierra, con su mezcla de músicos argentinos, brasileños y mexicanos, que incluye a miembros de Maná, Los Fabu- losos Cadillacs, A.N.I.M.A.L. y Sepultura en un poderoso combo. La multitud ya era bastan-

Luego tocó turno a La Ley, chilenos que apenas volvieron a reunirse, tras varios años de separación, y que pusieron a cantar con los temas que los volvieron famosos como “Cielo Market”, “Día Cero”, “Fuera de Mí”, “Aquí”, “Doble Opuesto” y “Tejedores de Ilusión”. Probablemente el grupo más esperado del día era Foster the People, quienes en alución a la festividad mexicana del Día de Muertos aparecieron sobre el escenario con las caras pintadas como calaveras o catrinas,

5 te cuando le tocó el turno a AFI, la primera agrupación de talla internacional que llegaba al festival, luego llegó Zurdok, banda que este año regresó a los escenarios y no podía dejar de pisar el de este famoso festival en su tierra natal, entonando sus hits, “Si Me Advertí”, “Gallito inglés” y “Tropecé”. El segundo día se destacó por la presencia del talento regio en el escenario, se resalta la presencia de Jumbo, quienes dejaron caer algunos de sus grandes éxitos como “Fotografía”, “Siento Que”, “Cada Vez que me Voy” y “Monotransistor”, dando al púbico su espacio para que can taran lo que ya se consideran himnos del rock nacional. De regiomontanos y rock pasamos a Venezuela y la fiesta con Los Amigos Invisibles, como si fuera una sola canción continua y no estuviera cada una separada, la banda interpretó los temas uno tras

versionando la lustración de José Guadalupe Posada, para interpretar “Don’t Stop”, “Houdini”, “Coming of Age” y el famoso “Pumped up Kicks”, que pusieron a todos a cantar. Fue un festival redondo, explosivo e inolvidable, donde una gran cantidad de artistas se dieron cita en tres escenarios durante dos días ante un muy numeroso público que disfrutó cada momento hasta el final. Año tras año el festival se ha arraigado y expandido. Sin lugar a dudas, sucesos como éste me hacen recordar estrofas de nuestro querido “Corrido de Monterrey”: -¡Tengo orgullo de ser del norte!… -

Zurdok

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AFI

La ley

La Ley

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