Su vida, su obra Principales coreografías Sus bailarines Alwin Nikolais

Alwin NIKOLAIS.

Su vida, su obra. El mago creador del teatro de lo irreal. Alumno y ayudante de Hanya Holm. Su encuentro con Murray Louis. Su actividad en el Hen-ry Street Playbouse. Su propio teatro de la danza. Su compañía. Sus obras.

Principales coreografías.

III. El linaje Alwin Nikolaís.

a) Primera generación: Murray Louis - Phyllis Lamhut - Gladys Bailin -Emery Hermans.

b) Segunda generación: Carolyn Carlson, Sara Sbelton, Raymond Johnson.

21. Nikolais dance theatre: Noumenon.

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Alwin NIKOLAIS.

(Southington, Connecticut, 25 de noviembre de 1912).

Alwin Nikolais es el auténtico creador del teatro de la danza. Es a la vez un compositor, un pintor, un escultor, un poeta, un filósofo y, por último, un coreógrafo que anima y dirige una compañía de bailarines iniciados en sus propias teorías.

Alwin Nikolais es un maravilloso creador de formas procedentes de la unión de los efectos de la iluminación, de los sonidos y de la profusión de líneas armoniosas engendradas por los movimientos del cuerpo.

En su arte, Nikolais hace el papel de «mago», sin embargo no encontramos la más mínima huella de fuerza oculta de cuyo poder estaría en posesión; al contrario, Nikolais participa en la danza utilizando los conocimientos que él mismo ha elaborado en el curso de sus minuciosas investigaciones que se revelan extremadamente ricas en descubrimientos, aunque a veces sean severamente impugnadas, como lo es, por ejemplo, el principio de la deshumanización corporal, de la que es el instigador.

Una de las características esenciales de Nikolais consiste en componer formas que se alejan de una contextura específicamente humana. Modifica el cuerpo del bailarín para hacer de él un elemento que pierde su apariencia corporal habitual. Alwin Nikolais da vida a esta nueva forma, la transforma sin cesar para que cree los múltiples trazados lineales que tomarán posesión del espacio.

Nikolais disimula las líneas corporales bajo los trajes que él mismo diseña. Estos trajes no tienen nada en común con los vestidos tradicionales; son unas envolturas, una especie de fundas cortadas la mayoría de las veces de un tejido elástico que se transforma a voluntad, modificando así su aspecto.

Esta forma toma vida mediante un sofisticado juego de iluminación, haces luminosos, proyectores o luces sutiles de distintos colores.

En sus trabajos, Nikolais coloca al bailarín, o más exactamente la forma que este bailarín despliega, en el cubo negro del espacio escénico, y, a tenor de su voluntad, la luz esculpe la escena dando vida a su recinto.

Nikolais compone, pues, volúmenes en movimiento, que cobran vida gracias a los bailarines, a los que ha inculcado, tras un entrenamiento particular, el sistema para percibir las condiciones de su entorno. De este modo, el bailarín se mueve siendo consciente de la transformación de su aspecto físico, lo cual, no obstante, no le impide considerarse un elemento vivo que debe engendrar la danza mediante el despliegue de su energía motriz. La danza se convierte entonces en una suma de líneas, de masas intensificadas por los efectos sonoros y luminosos.

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Nikolais somete los elementos tradicionales del espectáculo: sonido, decorado, color, escultura y forma al dinamismo del movimiento, creando un nuevo teatro de la danza.

Si bien los movimientos que Nikolais inventa son siempre sorprendentes, jamás son agresivos. Nikolais ha encontrado la pureza del gesto liberándolo de toda motivación emocional, de toda significación habitual y familiar.

Nikolais es un hombre de teatro extremadamente moderado, y cada cual encuentra en sus composiciones su propio mundo imaginario dibujado sobre un esbozo a su medida.

Nikolais revela al hombre la imagen del universo fantástico que lleva en su interior, y le invita a participar con tanta más facilidad cuanto que, en su arte, Nikolais se dirige mucho más a la sensibilidad carnal que a la sensibilidad espiritual.

Nikolais sugiere, inspira al espectador más de lo que busca imponer o afirmar su punto de vista personal. Para Nikolais, la danza moderna es una manera de ver el mundo. Su obra nos demuestra que para él se trata, ante todo, de un estado de ánimo que conduce a una toma de posición personal.

Cada una de sus composiciones es una comedia de magia tratada bajo una nueva forma para la cual recurre a la colaboración de sus múltiples facetas creadoras, no sólo respecto a la coreografía sino también para elaborar el entorno teatral más completo posible de sonidos, de colores y de luces.

Nikolais maneja de un modo milagroso los materiales escénicos, ya se trate de la luz, parecida a los rayos de un arco iris mágico que inunda la escena por todas partes (en todas las direcciones y a todos los niveles), o bien de los sonidos de la música electrónica que compone, o de los trajes que diseña para hacer de ellos verdaderas esculturas que participan sin cesar en la modificación de la anchura del volumen desplegado por el cuerpo del bailarín.

Nikolais ha necesitado veinte años para llegar a ser este creador maravilloso del Teatro de la Danza, que para el mayor regocijo del ojo humano ha cambiado la naturaleza de las formas corporales en el espacio.

Su vida - Su obra

Alwin Nikolais, familiarmente llamado Nik, es el hijo de John y de Martha (Heinrich); sus padres son de origen ruso y alemán. Desde su más tierna infancia, los seis hijos Nikolais, cuatro niños y dos niñas, son iniciados en la música y cada sábado reciben clases a domicilio.

En 1929, Alwin Nikolais obtiene su diploma de la Southington Lewis High School donde ha cursado sus estudios.

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El gusto por la escena le vino desde muy joven. Desde la edad de nueve años se familiariza con el teatro durante las matinales pasadas en compañía de su hermano en el Hyperion Theatre. Era la época en que el vodevil estaba de moda, y de este modo el joven Nikolais pudo descubrir toda una gran variedad de estilos, principalmente el estilo burlesco característico de este tipo de espectáculo.

A los dieciséis años, el joven Alwin encuentra un empleo: acompaña al piano o al órgano, en improvisaciones musicales, las películas mudas proyectadas en la W estport Movies House. Realiza entonces su aprendizaje de hombre de teatro, desarrollando, desde la adolescencia, sus facultades de acompañante musical e improvisando una música apropiada al tema del escenario, al adaptar su composición a la acción de la película.

Pero en 1929 acontece el advenimiento del filme hablado, y se ve entonces obligado a dejar su trabajo de acompañante. Vuelve a Southington, donde, sin embargo, podrá continuar su actividad ayudando a los profesores de danza y tocando improvisaciones en los albergues campestres.

En 1933, Alwin Nikolais asiste a un recital de Mary Wigman, la célebre bailarina alemana. Se interesa vivamente por su danza y se fija, sobre todo, en el hecho de que como acompañamiento utiliza los efectos de instrumentos de percusión. Alwin Nikolais decide entonces estudiar este nuevo método, y le pide a Truda Kaschmann, antigua alumna de Wigman, que le enseñe percusión. Truda Kaschmann no tarda en convencerle de que debe también estudiar danza.

Emprende entonces sus estudios de danza y se convierte al mismo tiempo en director del Hartford Parks Marionette Theatre, función que desempeñará de 1935 a 1937.

Esta experiencia será en extremo beneficiosa para Nikolais, que descubrirá que el arte de la danza obtiene su eficacia no de la emoción, sino del movimiento.

En 1937, Alwin Nikolais abre su escuela-estudio de danza en Hartford, y constituye su primer grupo de bailarines, lo cual le permite obtener sus primeras experiencias en tanto que bailarín, coreógrafo y profesor al mismo tiempo.

Paralelamente a su actividad en el seno de su propia empresa, frecuenta varios años seguidos (1938-1939 y 1940) la Bennington School of Dance, donde se dan cita anualmente las grandes figuras de la modern dance de los Estados Unidos: Graham, Humphrey, Weidman, el crítico ensayista John Martin y Hanya Holm, que tendrá un fuerte ascendente sobre Nikolais unos años más tarde, cuando será su profesora.

El año 1939 marca el verdadero debut profesional de Alwin Nikolais. En efecto, en el mes de mayo de 1939, interpreta Eight Column Line (Línea de ocho columnas), una obra coreográfica compuesta en colaboración con Truda Kaschmann con música de

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Ernst Krekek. Esta obra fue presentada en Hartford bajo los auspicios de los Amigos y Enemigos de la Música Moderna.

En 1941, con su grupo «Dancers en Route», efectúa una gira por los Estados Unidos.

Después de sus primeros éxitos, se le confía la dirección del departamento de danza de la Hartt School of Music —actualmente Universidad de Hartford— cargo que ocupará durante dos períodos, primero de 1940 a 1942, más adelante, después de su desmovilización, de 1946 a 1949.

Mientras está en Hartford, Nikolais baila, compone y enseña al tiempo que desarrolla su propio sistema de anotación del movimiento, la Cboroscripts, derivada de la escritura musical, que prefiere utilizar en lugar de la Labanotación, que había empezado a estudiar.

Durante la segunda guerra mundial, Nikolais se incorpora al Primer Ejército Americano y participa en el desembarco en las costas normandas.

En 1945, después de ser desmovilizado, fija su residencia en Nueva York y empieza a estudiar con Hanya Holm. Al cabo de poco tiempo se convierte en su ayudante.

Cinco años más tarde, Nikolais, que jamás se consideró un auténtico bailarín, abandona la escena en tanto que intérprete y decide consagrarse exclusivamente a la investigación coreográfica y a la enseñanza.

Junto a Hanya Holm y en el marco de sus actividades pedagógicas, Alwin Nikolais encuentra un terreno para sus propias experiencias y entonces desarrolla los principios de su enseñanza. Principalmente, participa en los cursos de verano dirigidos por Hanya Holm en Colorado College (1948-1949).

En 1949, conoce a Murray Louis, por aquel entonces estudiante en el Colorado College, y en lo sucesivo el joven bailarín será su principal colaborador.

Alwin Nikolais encuentra en Hanya Holm, además de una profesora altamente competente, una amiga que le anima, le aconseja y le aporta una preciada ayuda en toda ocasión.

Recomendado por Hanya Holm, Alwin Nikolais se une al Henry Street Playhouse en 1948, cuyo departamento de danza le encargan que organice. Este establecimiento fue fundado en 1915 por las hermanas Irene y Alice Lewisohn, e inicialmente estaba destinado a acoger una escuela de teatro cuando no era más que el Neighborhood Playhouse.

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Al año siguiente, Alwin Nikolais fue nombrado director adjunto del Henry Street Playhouse. Tomó las riendas de la dirección artística, siendo Betty Jones la encargada de la administración del establecimiento.

El Playhouse se convirtió entonces en un importante centro artístico, que albergaba una escuela de danza y una escuela de teatro frecuentadas por setecientos alumnos.

A partir de entonces, Alwin Nikolais trabajará en el Playhouse junto a sus alumnos con el fin de elaborar su propio teatro de la danza. Primero compuso obras destinadas a los espectáculos infantiles, tales como Lobster Quadrille (Cuadrilla de langostas), 1949; Sheperdess and Chimneyswep (Pastora y deshollinador), 1949, o Sokar and the Crocodile (Sokary el cocodrilo), 1951, pero sobre todo se consagra a la enseñanza.

El alumno recibe allí la más completa enseñanza para su formación de artista coreógrafo a la que pueda aspirar. Sigue cursos técnicos y cursos teóricos y está invitado a experimentar sus conocimientos mediante improvisaciones frecuentes. Además estudia pedagogía, coreografía y repertorio. La Choroscripts se enseña también para que el alumno pueda analizar mejor los movimientos. Sin embargo, resulta curioso constatar a propósito de la utilización de dicho método de anotación inventado por Nikolais que, personalmente, él no lo aplicará en sus propios trabajos, prefiriendo la filmación y las notas manuscritas.

El alumno se inicia también en los distintos métodos de acompañamiento sonoro, que aprende a registrar personalmente.

Nikolais experimenta sus descubrimientos con los estudiantes. Pone en práctica los procedimientos que él inventa y construye gradualmente una nueva forma de danza, que no es otra cosa que teatro total.

En 1956 la Playhouse Dance Company se convierte en la Alwin Nikolais Dance Company. Está compuesta por siete bailarines titulares, preciados colaboradores de Nikolais, entre los cuales: Murray Louis, Phyllis Lamhut, Beverly Schmidt, Gladys Bailin. Algunos de ellos sabrán sacar partido de los originales descubrimientos y de los valiosos principios de su maestro y, en lo sucesivo, emprenderán carreras independientes de coreógrafo. Lo mismo sucederá con Carolyn Carlson que, enrolada en la compañía en 1966, se convertirá en 1971 en solista del Alwin Nikolais Dance Theatre, nueva apelación adoptada por la compañía en 1968.

A partir de 1951, Alwin Nikolais comienza su experiencia de teatro total, abandonando la creación de las obras psicodramáticas de sus inicios de coreógrafo.

En 1953 crea Masks, Props anb Mobiles (Máscaras, accesorios y móviles), seguida, en 1956, de Kaleidoscope (Caleidoscopio), cuya composición musical es obra del mismo Nikolais. En cada una de ellas, Nikolais presenta el cuerpo del bailarín bajo un aspecto distinto, mediante los sistemas de elasticidad que le dan unas formas desprovistas de

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toda referencia a la apariencia del cuerpo humano. El bailarín se convierte así en protagonista abstracto.

A esta importante creación siguen, en 1956-1957, Prism (Prisma), The ñewitched (Embrujado) y Cantos, en las que Alwin Nikolais utiliza un procedimiento que consiste en hacer desaparecer y aparecer las distintas partes del cuerpo del bailarín proyectando sobre ellas el juego de luces de tal manera que queden aisladas las unas de las otras, y produciendo así una especie de ilusión prismática.

Mirrors (Espejos), en 1958, es una obra totalmente improvisada por los bailarines. Esto hace que cada representación sea distinta de las precedentes, aunque la música, la iluminación y el vestuario, elaborados de antemano, sean siempre los mismos.

Allegory (Alegoría), 1959, se inscribe entre sus obras abstractas, en las que el movimiento se halla sometido a los efectos del color, de la luz y de los sonidos.

En 1960, Nikolais presenta Tótem, composición que fue seleccionada para representar a su autor en el Festival de Spoleto.

En 1961, Nikolais crea Stratus and Nimbus, y dos años más tarde Imago (la ciudad curiosa), una composición de once secuencias cortas en tres actos. Es la obra más conseguida de este teatro de la danza al cual Nikolais aspira. Es una realización perfecta de la fusión más íntima entre la danza, la música, la iluminación, el color, el decorado y el vestuario. Imago es la celebración de la fiesta del movimiento sobre una escena invadida por el juego de luces y los sonidos electrónicos.

Sanctum, presentada en 1964, es una composición para veintisiete bailarines. Para esta obra, Nikolais transforma las formas corporales en formas geométricas que él integra al entorno.

Tower (Torre) es el tercer acto de Vaudeville ofThe Elements (Vodevil de los elementos), 1965, un encargo del Walker Art Center para el Tyro-ne Guthrie Theater de Minneapolis, que se inscribe en el repertorio corriente de la compañía. Es una obra burlesca y divertida para la-cual Nikolais imagina la construcción de una torre de Babel. Sirviéndose de barras de aluminio, los bailarines construyen torpemente la famosa torre, que, para su gran decepción, no tarda en desplomarse.

Somniloquy (Somniloquio), 1967, fue realizada para la Sociedad de Música Contemporánea y presentada en el Museo Guggenheim de Nueva York. Es un ensueño imaginario y fantástico, una especie de poema surrealista de tonalidades, de movimientos, de colores y de luces.

Lo mismo se aplica a Triptycb (Tríptico), creada también en 1967, en la que Nikolais utiliza una gran profusión de colores y de luces.

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El año siguiente, Nikolais compone Tent (Tienda), obra trágica y sensual, de la cual dirá «se encuentran en ella todos los acontecimientos que marcan la existencia desde el nacimiento hasta la muerte... cosas simples, casi primitivas, en cinco episodios».

22. Nikolais dance theatre: grotto.

Los bailarines, que expresan una angustia opresiva, dan vida a una tela inmensa, modificando constantemente su apariencia. Frente a esta sorprendente vivificación de un elemento insólito, el espectador puede imaginar libremente todo lo que desea encontrar en este extraño universo realzado por curiosas apariciones de máscaras que surgen por doquier de la tela blanca, la cual llegará incluso a metamorfosear-se en los faldones de un abrigo para cada uno de los bailarines, quienes quedarán de esta guisa convertidos en verdaderos fantasmas.

En 1969, Alwin Nikolais presenta Echo (Eco), de la cual dice que es «lo fantástico, procedente de la búsqueda de la identidad». Es una obra en la cual los sonidos, los colores y las formas en movimiento encajan íntimamente para celebrar una vez más un momento feliz del teatro de la danza inventado por Nikolais.

En 1970, Alwin Nikolais crea Structures (Estructuras), que, en sus palabras, es «una serie de sugestiones sobre la insignificancia, la estupidez, lo trascendente... en resumen, los absurdos maravillosos de la existencia».

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Floreplay, X^ll, es una composición encargada por el Consejo de las Artes del Estado de Nueva York. Se clasifica en la categoría de las composiciones burlescas del coreógrafo. Otra obra, Cross-Fade, 1974, es un encargo de la Fundación Nacional de los Estados Unidos para las Artes. Se trata de una composición minuciosamente elaborada y fiel a las concepciones del teatro de Alwin Nikolais. El universo fantasmagórico del coreógrafo se presenta amplificado mediante la proyección de unas ampliaciones fotográficas de Tom Caravaglia sobre el tema del desnudo. Dichas imágenes se proyectan al fondo de la escena y en sobreimpresión sobre los maillots de los bailarines.

Principales coreografías de Alwin Nikolais.

Todas las coreografías han sido creadas para su compañía. El vestuario, el ambiente sonoro y la iluminación escénica han sido realizados por Alwin Nikolais (salvo indicación contraria).

El lugar de creación es: Nueva York, Henry Street Playhouse (salvo indicación contraria).

MASKS, PROPS AND MOBILES. (MÁSCARAS, ACCESORIOS Y MÓVILES). a) Cuarteto. b) Dúo. M: arreglo sonoro (A. Nikolais, A. Hovahness, J. Sibelius). CR: 26 de enero de 1953. Versión revisada. CR: 10 de diciembre de 1955.

Kaleidoscope. (Caleidoscopio). — 1.a versión para un grupo. CR: 29 de mayo de 1953. — 2.a versión para su compañía. CR: 25 de mayo de 1956. 3.a versión para la C.B.S., Televisión Canadiense, Montreal. CR: 27 de diciembre de 1960.

Prism. (Prisma). M: arreglo sonoro (A. Hovhaness, G. Antheil). CR: 27 de diciembre de 1956.

The Bewitched. (Embrujado). M: Harry Partch. CR: 26 de marzo de 1957, Urbana, Universidad de Illinois. CR: 11 de octubre de 1957, estreno en Nueva York.

Runic Cantos. (Cantos rúnicos). CR: 16 de agosto de 1957, New London, Connecticut College. CR: 27 de diciembre de 1957, estreno en Nueva York.

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Allegory. (Alegoría). CR: 30 de enero de 1959.

Tótem. — 1.a versión. CR: 29 de enero de 1960. 307 — 2.a versión. CR: 1 de febrero de 1962. — 3.a versión. (filme realizado por A. Nikolais y Edmund Emschwi-11er bajo el título The World of Alwin Nikolais). CR: 28 de febrero de 1964, Nueva York, 55th Street Playhouse.

STRATUS AND NlMBUS CR: 27 de enero de 1961.

Illusions. (Ilusiones). CR: 7 de agosto de 1961, Montreal, Comedia Canadiense. IMAGO CR: 24 de febrero de 1963, West Hartford, Connecticut. CR: 1 de marzo de 1963, estreno en Nueva York.

SANCTUM. CR: 20 de febrero de 1964.

Galaxy. (Galaxia). CR: 19 de marzo de 1965.

VAUDEVILLE OF THE ELEMENTS. (VODEVIL DE LOS ELEMENTOS). (3.a parte TOWER. [Torre]). CR: 10 de diciembre de 1965, Minneapolis, Minnesota, Tyrone GuthrieTh. CR: 28 de abril de 1966, estreno en Nueva York.

SOMNILOQUY. (SOMNILOQUIO). CR: 9 de febrero de 1967, Nueva York, Museo Guggenheim.

Fusión. (Film). (Fusión). CR: 28 de marzo de 1967, Nueva York, Hotel Hilton.

Premiere. (Estreno). CR: 28 de marzo de 1967, Nueva York, George Abbott Th.

Triptych. (Tríptico). CR: diciembre de 1967.

Tent. (Tienda). CR: 5 de julio de 1968, Tampa, Universidad de Florida del Sur.

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LIMBO. (para la televisión). CR: 20 de julio de 1968, Nueva York, CB.S.

Echo. (Eco). CR: 3 de diciembre de 1969, New York City Center.

Structures. (Estructuras). CR: mayo de 1970, New York City Center.

SCENARIO. (Tent-Echo, Structures). (Guión). CR: 25 de febrero de 1971, Nueva York, ANTA Th.

FOREPLAY. CR: 22 de febrero de 1972, Nueva York, Brooklyn Academy of Music.

Grotto. CR: 15 de febrero de 1973, Nueva York, Brooklyn Academy of Music.

Cross-Fade. CR: 5 de febrero de 1974, Nueva York, Lyceum Th.

Scrolls. (Volutas). 309 CR: 8 de febrero de 1974, Nueva York, Lyceum Th.

Temple. (Templo). CR: 1974, Madrid, Teatro de la Zarzuela.

Tribe. (Tribu). CR: 1975, Buenos Aires, Teatro Colón.

Triad. (Tríada). CR: 3 de agosto de 1976, Nueva York, Beacon Th. Para la televisión: Nick - An Experience in sight and sound (1974) (Nick- Un experimento de visión y sonido).

Los bailarines formados en la Escuela de Alwin Nikolais.

Desde 1948, año en que Alwin Nikolais se convierte en responsable de la enseñanza en el Henry Street Playhouse, por lo menos dos generaciones de bailarines se han beneficiado de las excepcionales cualidades pedagógicas de Alwin Nikolais. La mayor parte ha debutado a su lado, trabajando en su compañía. Para la mayoría ha sido una de las experiencias más positivas y concluyentes, que les proporcionará suficiente

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confianza en sus posibilidades para emprender, a su vez, la carrera de bailaríncoreógrafo independiente.

Así ha sucedido con sus primeros colaboradores: Murray Louis, Phyllis Lamhut, Gladys Bailin y Emery Hermans.

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Murray LOUIS.

Su vida, su obra.

Su formación de bailarín y de coreógrafo junto a Alwin Niko/ais - Murray Louis pedagogo. Su compañía. Su obra coreográfica.

Principales coreografías.

Murray LOUIS.

(Brooklyn, Nueva York, 4 de noviembre de 1926)

Murray Louis, bailarín, coreógrafo y profesor, ocupa un lugar pre-minente entre los innovadores de los sistemas actuales de danza moderna. Contrariamente a Merce Cunningham, Erick Hawkins, Paul Taylor, formados junto a Martha Graham, pertenecientes a la rama específicamente americana de la danza moderna, Murray Louis corresponde por su formación a la rama alemana expresionista importada a los Estados Unidos por Hanya Holm, desarrollada y aplicada por su ayudante, el pedagogo Alwin Nikolais.

Los trabajos coreográficos de Murray Louis se caracterizan por la calidad de su danza. Una danza concisa y espontánea, resultado de un perfecto conocimiento de todos y cada uno de los músculos que gobiernan los movimientos.

Murray Louis es también uno de los raros coreógrafos que poseen el poder de extraer la quintaesencia de cada gesto, lo cual le permite dirigir sus trabajos hacia una investigación en profundidad, delimitar con precisión cada movimiento dotando así al gesto de una rara cualidad: la de la ejecución espontánea.

Murray Louis emprende paralelamente la carrera de bailarín y la de coreógrafo, y las cualidades del bailarín las encontramos también en el coreógrafo. Murray Louis posee, en tanto que bailarín, una calidad de movimiento extraordinaria que le permite hacer de su cuerpo uno de los más perfectos instrumentos para traducir todas las sensaciones y todos los sentimientos que lo animan.

Murray Louis domina y controla todas y cada una de las fibras de su cuerpo, hasta el punto de que, a veces, se expresa utilizando sólo una parte del mismo.

Su excepcional poder de expresión, su atracción instintiva por lo fantástico y lo misterioso, amplificados por un sentido del ritmo innato que posee en grado sumo, facilitan su composición coreográfica. Su gran sensibilidad y su inteligencia del movimiento son, además, otras predisposiciones que incrementan su poder cuando trata composiciones de tipo más teatral.

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Murray Louis une a la perfección de su técnica unas cualidades de interpretación que se deben a su extraordinaria movilidad, haciendo del bailarín un mimo tan famoso como los célebres: Buster Keaton, Charlie Chaplin o Marcel Marceau...

Murray Louis es el alumno más brillante de Nikolais, pero, a pesar de su larga colaboración, no puede ser considerado como su verdadero discípulo. Junto al maestro ha desarrollado su propio estilo de danza y su propia coreografía.

De su estancia junto a Nikolais, Murray Louis ha retenido, en especial, las técnicas escénicas de aquél. Murray Louis utiliza en sus propios trabajos los accesorios, la iluminación y los distintos entornos característicos de Nikolais, así como ciertos procedimientos de acompañamiento sonoro, llegando incluso con frecuencia a pedirle a Nikolais partituras electrónicas de su composición. Pone también en práctica las técnicas desplegadas por Nikolais en lo que a la ocupación del espacio se refiere. Sin embargo, Murray Louis utiliza más que Nikolais el movimiento corporal, que será en toda ocasión un elemento dominante y esencial de su coreografía.

Sus obras son más incisivas que las de Nikolais. Cada gesto está investido de una significación máxima en lugar de explotar los efectos del entorno teatral, al cual su danza jamás se subordina.

En su composición coreográfica, Murray Louis aisla el movimiento propiamente dicho más que Nikolais. Hace malabarismos con el gesto con gran facilidad, conservándole un carácter esencialmente humano. Tiene también una manera muy particular de tratar el movimiento, que consiste en someterlo a unas interrupciones imprevistas y luego hacerle tomar una dirección inesperada.

Su vida - Su obra.

Murray Louis es hijo de Aaron Fuchs, un panadero de Brooklyn, y de Rose Mintser. Tiene un hermano, Rubin, y tres hermanas, Francés, Ethel y Clair. Murray Louis crece en el barrio Este del bajo Manhattan, cerca del Henry Street Settlement Playhouse.

Aunque es hijo de una familia numerosa poca acomodada, es un chico de una inteligencia brillante, pero que para cultivarse sólo dispone de lo que en Nueva York se designa como las «3 M's». Se familiariza pues con los Grandes Almacenes Macy's, con el Museo del Metropolitano y con las salas cinematográficas a diez centavos.

Así pues, el joven Murray despierta a la vida repartiendo su tiempo libre entre estos tres centros de interés, que son para él los únicos sitios que contribuyen a una primera apertura al mundo.

No empieza a estudiar danza hasta la edad de veintiún años. Sin embargo, antes se considera ya a sí mismo un verdadero bailarín, que se contenta con imitar las danzas que ve en la pantalla. En esta época su gran favorito es Fred Astaire. A veces, en

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compañía de su hermana Ethel, que estudia danza, asiste a recitales de danza moderna, pero Ethel no logrará convencerle de la necesidad de seguir él también clases de danza.

En 1943, Murray Louis finaliza sus estudios en la Tilden High School de Brooklyn. Al año siguiente, a los dieciocho años, es incorporado a la marina y destinado a la base de San Francisco, donde, en calidad de marino de primera clase, permanecerá hasta 1946.

Una vez cumplidas sus obligaciones militares, baila en los night-clubs de San Francisco, antes de tomar la decisión de emprender.estudios de danza rigurosos con Ann Halprin, que vive en esta ciudad. En esta época, la reputación de Ann Halprin ya está hecha; se considera entre los artistas coreográficos de vanguardia más dotados. Inmediatamente percibe en su nuevo alumno unas predisposiciones excepcionales para el arte de la danza y le aconseja encarecidamente que vaya a Colorado Springs para seguir los cursos de verano en el Colorado Co-llege, donde Hanya Holm, la célebre discípula de Mary Wigman, dispensa su enseñanza.

En Colorado Springs, durante el verano de 1949, Murray Louis conoce a Alwin Nikolais, que es el ayudante de Hanya Holm y que será su profesor. Rápidamente, Murray Louis se familiariza con el nuevo estilo de danza enseñado por Alwin Nikolais, estilo que deriva directamente del de Mary Wigman, más basado en la utilización de las posibilidades de los movimientos corporales en relación al espacio y al tiempo que en el estudio de una técnica específica de danza.

Después de la sesión de verano de 1949, Murray Louis se reúne con Alwin Nikolais en Nueva York, donde este último acaba de ser nombrado director adjunto del Henry Street Playhouse. 1949 marcará para ambos artistas el inicio de una estrecha y fructífera colaboración que durará más de veinte años.

Apenas llegado a Nueva York, Murray Louis se pone a trabajar con Alwin Nikolais, y al mismo tiempo se inscribe en la Universidad de Nueva York, de donde sale, en 1951, diplomado en arte, danza y dramaturgia. Entonces es contratado en el Henry Street Playhouse, donde empieza para él su carrera de pedagogo. En efecto, se le confía la clase de danza infantil. Al mismo tiempo, Murray Louis prosigue su carrera de bailarín y de coreógrafo. Desde el momento en que se constituye una compañía de bailarines de Alwin Nikolais, es contratado como solista.

En marzo de 1953, Murray Louis debuta como coreógrafo en el Playhouse junto a la bailarina Gladys Bailin, y presenta su solo Ante-chambre (Antecámara), en la que realiza lo que Louis Horst define como «la proyección dramática intensa de su silueta y de su sombra», obra que será repuesta en 1955, con ocasión de las representaciones dedicadas exclusivamente a obras de su composición. Aparte de sus solos, Murray Louis compone también coreografías de grupo para los bailarines de la compañía de Nikolais, bailarines que, como él mismo, están familiarizados con los métodos de enseñanza del Playhouse.

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Así pues, a partir de 1953, Murray Louis debuta como coreógrafo con composiciones cortas que no tienen otra ambición que la de ser el reflejo de un trabajo bien hecho. Son claras, precisas, poéticas. Firma entonces Man in Chair (Hombre de carne), y Figure in Grey (Personaje de gris), 1955, y Harmónica Suite (Suitepara armónica), 1956. Murray Louis posee un sentido musical innato que traduce con facilidad en términos de movimiento. Desde sus primeros trabajos, Murray Louis hace gala de un ansia de perfección constante en el acabado de sus coreografías, y cuando, a partir de 1957, esboza unas composiciones de estructura mas elaborada pero que reflejan en menor grado las preocupaciones de su época, presentará una obras más teatrales, tales como Corrida, 1956; Journal (Diario), 1957; Entre-Arte (Entreacto), 1959, y principalmente Odjssey (Odisea), 1960, seguidas más adelante de Junk Dances, 1964, una composición divertida, alegre y acida; aquel mismo año firma también A Gothic Tale (Una historia gótica).

Murray Louis es siempre consciente de su arte y lo trata con un respeto total, explorando el movimiento en su estado puro, como queda reflejado en sus composiciones: Calligraph for Martyrs (Caligrafía para mártires), 1961, una serie de danzas abstractas en las que Murray Louis desarrolla las distintas intensidades de su propia.dinámica, Facets (Facetas), 1962; ínterims (Intermedios), 1963, y Landscapes (Paisajes), 1964, esta última inspirada en las formas de la naturaleza: plantas, animales, insectos, etc.

En 1964, Murray Louis compone también un solo extraordinario, Transcendencies (Trascendencias), en el que despliega su gran talento de intérprete metamorfoseando su cuerpo en una silueta misteriosa e inquietante.

Los años siguientes están marcados por otras creaciones, para las que Murray Louis toma en consideración una nueva noción del dinamismo, influida por las distintas energías que emanan del entorno. Murray Louis reconoce que cada individuo vive en medio de un entorno que le es propio, y que frente a éste el hombre reacciona según esté más o menos agredido.

En 1967, compone Go 6, y en 1969, Proximities (Proximidades) e Interserí ion (Intersección).

En 1971, Murray Louis presenta Continuum, una obra sobria y coherente en un simple movimiento ininterrumpido. Los cuerpos de los bailarines se anudan y se desanudan, se dispersan y se reagrupan en formas abstractas múltiples.

La notoriedad de Murray Louis no se habría impuesto de haber permanecido al margen de la corriente estética de su tiempo. Murray Louis parece estar dividido entre su vocación de coreógrafo escrupuloso y constantemente preocupado por explorar las múltiples posibilidades de la expresión corporal, y su personalidad, influida tanto por su

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formación como por el entorno que lo asedia, hoy en día dominado por el absurdo y lo insólito.

23. Murray Louis Dance Compañy: Continuum.

Pero Murray Louis sabe reaccionar y rechazar las fuerzas que emanan de este mundo exterior, dando curso libre a la exteriorización de su naturaleza profunda. En Personnae (1971) descubrimos un Murray Louis alegre, espiritual y relajado, pero es, sobre todo, en Hoopla (1972) donde nos ofrece su verdadero rostro. Hoopla es el triunfo del humor. Murray Louis despliega todo su talento para hacer partícipe al espectador de la triste realidad de los saltimbanquis, para quienes la felicidad no es más que un instante fugitivo. Hoopla es una composición realista en la que el protagonista se sitúa en el centro de un mundo opresivo al cual debe enfrentarse sin cesar y, testigo de esta situación absurda, no puede escapar a dicha confrontación carnavalesca. En Hoopla, Murray Louis interpreta el papel de varios personajes. Pero es principalmente con el clown en el cual se transforma, con el que nos fascina y nos conmueve. Murray Louis se identifica a este actor bufón realizando una de las más excepcionales interpretaciones de bailarínactor.

En 1968, con su grupo, Murray Louis se va a la India durante dos meses. Al año siguiente recibe el premio de la Fundación Gug-genheim, y unos meses más tarde ve recompensados sus perseverantes esfuerzos de investigación, por la Fundación Rockefeller, que le subvenciona la realización de un serie de filmes: Dance as an Art Form (La danza como forma de arte), 1972.

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Murray Louis es también un profesor destacado. Enseña durante varios años en el Henry Street Playhouse y participa en otras numerosas actividades pedagógicas, principalmente en las escuelas públicas de varias ciudades americanas.

Principales coreografías de Murray Louis desde 1960.

ODYSSEY. (Voyager - Of Delphi - Night Birds (Ornen.) - Of Atlantis. -Of Babylon – Metrópolis. – Absolutions.- Of Knossos).

(ODISEA.) (Viajero - De Delfos. - Pájaros nocturnos. (Oráculo). - De Atlántida. - De Babilonia. – Metrópolis. - Absoluciones - de Cnosos). M: Ivan Fiedel - D: John Hultberg. CR: 11 de marzo de 1960, Nueva York, Henry Street Playhouse. PR INT: Murray Louis, Beverly Schmidt, Gladys Bailin, Peggy Barclay, Julie Hamilton. 317

CALLIGRAPH IOR MARTYRS.(CALIGRAFÍA PARA MÁRTIR I LS). M: Alwin Nikolais - D: Frank García, John Hultberg. CR: 24 de noviembre de 1961, Nueva York, Henry Street Playhouse. INT: Murray Louis, Bill Frank, Albert Reid. Reestreno: abril 1975, Opera de Berlín, Alemania.

Facets. (Facetas). M: Alwin Nikolais - D: Frank García. CR: 23 de noviembre de 1962, Nueva York, Henry Street Playhouse. INT: Murray Louis, Gladys Bailin.

Interims. (Interinos). M: Lukas Foss - D: Frank García. CR: 29 de noviembre de 1963, Nueva York, Henry Street Playhouse. INT: Murray Louis, Phyllis Lamhut, Bill Frank, Roger Rowell.

Transcendencies. (solo). (Transcendencias). M: Myron, Schaeffer, A. Nikolais - D: Frank García. CR: 11 de abril de 1964, Nueva York, Henry Street Playhouse. INT: Murray Louis.

Landscapes. (Paisajes). M: Alvin Walker - D: Frank García. CR: 20 de noviembre de 1964, Nueva York, Henry Street Playhouse. PR INT: Murray Louis, Susan Buirge, Ann Carlton, W anda Pruska.

Junk Dances. M: arreglo - D: Robert Wilson - versión 1966: Murray Stern. CR: 27 de noviembre de 1964, Nueva York, Henry Street Playhouse.

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PR INT: Murray Louis, Phyllis Lamhut.

A gothic Tale. (Un cuento gótico). M: Alwin Nikolais - D: Frank García, Paul von Ringelheim. CR: 4 de diciembre de 1964, Nueva York, Henry Street Playhouse. pR INT: Murray Louis, Phyllis Lamhut, Don Redlich.

Gof. M: Arnold Heinrich - D: Frank García. CR: 1 de octubre de 1967. Creación en Nueva York, 6 de febrero de 1969 en el Henry Street Playhouse. INT: Murray Louis, Phyllis Lamhut, Michael Ballard, Raymond Johnson, Sara Shelton, Francés Tabor. Otra versión: M: Alwin Nikolais, el 7 de abril de 1973 en Los Angeles.

Proximities. (Proximidades). M: Johannes Brahms - D: Frank García. CR: 30 de enero de 1969, Nueva York, Henry Street Playhouse. INT: Murray Louis, Phyllis Lamhut, Michael Ballard, Raymond Johnson, Sara Shelton, Francés Tabor. Reestreno: 8 de octubre de 1975, Copenhague, Ballet Real de Dinamarca.

INTERSECTION. (INTERSECCIÓN). M: Harold Faberman - D: Frank García, Lynn Levine. CR: 13 de febrero de 1969, Nueva York, Henry Street Playhouse. PR INT: Murray Louis, Michael Ballard, Raymond Johnson, Sara Shelton.

PERSONNAE. M: Free Life Communications — D: Frank García. CR: 5 de enero de 1971 — Chicago, Civic Theatre. INT: Murray Louis, Michael Ballard, Raymond Johnson, Sara Shelton.

CONTINUUM. M: Corky Siegel Blues Band - A. Nikolais - D: Frank García. CR: 5 de enero de 1971, Chicago, Civic Theatre. PR INT: Murray Louis, Michael Ballard, Raymond Johnson, Sara Shelton.

HOOPLA. M: Música tradicional interpretada por la orquesta de la policía del Estado de Lisboa «Los Canarios» y efectos sonoros - D: Frank García. CR: 26 de enero de 1972, Nueva York, Brooklyn Academy of Music. PR INT: Murray Louis, Michael Ballard. Reestreno: 8 de octubre de 1975, Copenhague, Ballet Real de Dinamarca.

INDEX.

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M: Oregon Ensemble - D: Frank García. CR: 15 de febrero de 1973, Nueva York, Brooklyn Academy of Music. PR INT: Murray Louis, Michael Ballard.

Porcklain Dialogues. (Diálogos de porcelana). M: P. L. Tchaikovsky — D: Frank García. CR: 19 de febrero de 1974, Nueva York, Brooklyn Academy of Music. INT: Michael Ballard, Richard Haisma, Helen Kent, Robert Small, Marcia Wardell.

SCHEHEREZADE. (en dos actos). M: Rimsky-Korsakov, Alwin Nikolais, Free Life Communications — D: Frank García. CR: 21 de febrero de 1974, Nueva York, Lyceum Theatre. INT: Murray Louis, Michael Ballard, Richard Haisma, Helen Kent, Anne McLeod, Robert Small, Marcia Wardell. (en tres actos) CR: 27 de diciembre de 1974, Nueva York, New York University Theatre.

GEOMETRICS. (GEOMETRICOS). M: Alwin Nikolais - D: Frank García. CR: 20 de diciembre de 1974, Nueva York, New York University Theatre.

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PRINT: Michael Ballard, Richard Haisma, Helen Kent, Anne McLeod. Moment (Momento) M: M. Ravel - V e I: Barrow. CR: 19 de septiembre de 1975, Madrid, España, Teatro de la Zarzuela. INT: Rudolf Nuréiev y cuatro bailarines del Scottish Ballet. Creación en Nueva York: 18 de noviembre de 1975, Uris Theatre. INT: Rudolf Nuréiev, Michael Ballard, Richard Haisma, Jerry Pear- son, Robert Small. El 19 de diciembre de 1975, Murray Louis interpreta el papel creado por Rudolf Nuréiev.

CATALOGUE. (The Men and the W omen. - America's Sweetheart. -First W oman. - At the Beach. - Second Woman. - Third W oman. -Hight Society. - Fourth Woman. – Reprise. - The March.). (CATÁLOGO). (Los hombres y las mujeres. — El amor de América. — Primera mujer. — En la playa. — Segunda mujer. — Tercera mujer. — Alta sociedad. - Cuarta mujer. – Repetición. - La marcha.). CR: 19 de diciembre de 1975, Nueva York, New York University Theatre. PR INT: Michael Ballard, Sara Pearson, Anne McLeod, Helen Kent.

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Phyllis LAMHUT.

(Nueva York, 14 de noviembre de 1933).

Phyllis Lamhut es una maravillosa bailarina, que hace una brillante carrera en la compañía de Alwin Nikolais y junto a Murray Louis, antes de llegar a ser coreógrafa y animadora de un grupo de bailarines con el que aparece ante el público desde 1969.

Phyllis Lamhut comienza sus estudios de danza en el Henry Street Playhouse en 1964, donde dos años después conoce a Alwin Nikolais. Durante más de veinte años (19481969) permanecerá a su lado. Trabajará bajo su dirección viviendo una gran experiencia en la danza, y, aprovechando los consejos recibidos de su maestro, se convertirá en una de las pocas artistas coreográficas que hoy en día puede ser considerada como una de sus discípulas.

Muy influida por el estilo de Nikolais para su teatro de la danza, cuando Phyllis Lamhut aborda la coreografía ha adquirido ya el poder de crear imágenes peregrinas, graciosas, incluso macabras, que se le presentan como el fruto de una imaginación audaz.

Muy a menudo sus trabajos denotan también un sentido del humor personal que se observa tanto en sus composiciones trágicas como en las cómicas.

Es difícil considerar el estilo de Phyllis Lamhut sin hacer referencia a Nikolais y a Louis, cuyos estilos particulares, aunque distintos, han marcado profundamente la imaginación de la bailarina.

Sin embargo, Phyllis Lamhut persigue la creación de una forma personal de teatro de la danza, pero debe dominar constantemente las influencias recibidas a lo largo de una colaboración tan larga con Alwin Nikolais y con Murray Louis, cuyas fuertes personalidades pesan, a veces, demasiado para ella. En sus composiciones encontramos con demasiada frecuencia acentos tomados del uno o del otro, como el gusto por la comedia de magia de Nikolais o el sentido de los efectos cómicos e inesperados de Murray Louis, e incluso los mismos procedimientos de acompañamiento visual o sonoro por ellos utilizado: la mezcla de sonidos, las yuxtaposiciones, la música electrónica, las proyecciones de secuencias filmadas.

Nó obstante, el deseo de Phyllis Lamhut de apartarse lo más posible de la vía trazada por sus antecesores, es evidente, por ejemplo, en su creación de obras destinadas a ser presentadas en lugares fuera de la escena habitual (Field of View [Campo de visión], 1971, y Scene Shift [Cambio de escena], 1972).

De todos modos, lo dicho no excluye que Phyllis Lamhut puede muchas veces marcar con descubrimientos e invenciones personales la mayor parte de sus obras, que siempre están compuestas con un gran esmero por la perfección técnica.

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Phyllis Lamhut es una de las más destacadas bailarinas de la danza moderna actual, denota unas posibilidades técnicas excepcionales que ha trabajado tanto con Alwin Nikolais como con Merce Cunningham, respecto a la danza moderna, y con Zena Rommett y Peter Paul respecto a la danza clásica.

Desde 1970, compone coreografías para el repertorio de la Phyllis Lamhut Dance Company, la cual dirige. Ha firmado, entre otras: en 1970, extended Voices (Voces prolongadas) (arreglos sonoros); en 1971, Field ofView (m: Ph. Werren) y House (Casa) (m: S. Reich); en 1972, Congeries (Montón) (m: T. M. Edlun), Two Planes (Dos planos) (m: Stock-hausen), Dance Hole (arreglos sonoros) y Scene Shift (arreglos sonoros); en 1973, OTD (Off Track Dancing [Dandis descarriladas]) (m: T. M. Edlun), Z Twiddle (Dar vueltas a la Z) (m: C. Orff) y Terra Angélica (m: K. Gaburo), inspirada en la muerte de José Limón; en 1974, Late Show (Show tardío) (música tradicional), Médium Coeli (m: T. M. Edlun) y Country Mazarí (m: Mozart y tradicional); en 1975, Hearts of Palm (Corazones de palma) (arreglos sonoros), Cónclave (m: T. M. Edlun) y Solo wilh Company (Solo en compañía) (m: M. Czajkowski).

Gladys BAIUN.

(Nueva York, 11 de febrero de 1930).

Gladys Bailin es una de las primeras colaboradoras de Nikolais. Debuta en la compañía en 1955, y permanece en ella diez años. Luego prosigue una brillante carrera de bailarina con Murray Louis y Don Redlich antes de abordar personalmente la coreografía. Entonces compone: Variation on a Sigh (Variaciones sobre un suspiro) (m: P. Henry), Dance in Green (Danza en verde) (m: A. Nikolais), seguidas, en 1972, de Blues (m: Stan Free) y de Vis-a-vis (Frente afrente) (m: A. Vi-valdi).

Gladys Bailin, pedagoga, enseñará principalmente en el Henry Street Playhouse y en la New York University of Arts.

Emery HERMANS.

(Seattle, Oregón, 25 de junio de 1931).

Después de abandonar sus estudios de arquitectura, Emery Her-mans se va a Nueva York para trabajar en danza con Alwin Nikolais, en cuya compañía debuta en 1968. Baila también con Carolyn Carlson y Phyllis Lamhut y participa en varios talleres de investigación coreográfica. Entre sus principales obras: Styx (Laguna estigia) (m: electrónica), Thlispsis (m: M. Feldman), 1972; Double Image n.» 1 y n.» 2 (Doble imagen n.° 1 y n.° 2) (m: Mimaroglu), 1973; Myth (M ito), 1973; Cloister (Claustro), 1974; en 1975, Rooms (Habitaciones) (m: Jones), Moth Danse (Danza de la mariposa nocturna) (m: electrónica), y The Pallid Horse (El caballo pálido) (m: J.-S. Bach — J. Cage y música medieval).

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Una segunda generación de bailarines, nacidos hacia los años cuarenta se esboza durante los años sesenta. Algunos, al igual que sus antecesores, se dejarán también tentar por la coreografía: Carolyn Carlson, Sara Shelton y Raymond Johnson.

Carolyn CARLSON.

(Oakland, California, 7 de marzo de 1943).

Después de estudiar con Nikolais en el Henry Street Playhouse de Nueva York, Carolyn Carlson se enrola en la compañía durante varios años (1964-1971), imponiéndose como una de las bailarinas más destacadas de la compañía. En 1968, en ocasión del Festival Internacional de Danza de París, Carolyn Carlson obtiene la medalla de oro que recompensa a la mejor intérprete femenina de la temporada. Carolyn Carlson baila también en la compañía de Murray Louis.

En 1972 se establece en Francia, donde prosigue su carrera de bailarina, de profesora y, al mismo tiempo, la de coreógrafa, que ya había emprendido en Estados Unidos. Entonces monta Rituel pour un Revé Mort (Ritual para un sueño muerto) para el Festival de Avignon (agosto 1972). Contratada por la Opera de París, en 1973, presenta Densité 21,5 (Densidad 21,5) (m: E. Várese). Al año siguiente, compone Sablier Prison (La cárcel del reloj de arena) (m: J. Surman) y IIy ajuste un instant (Hace sólo un momento) (m: B. Phillips). Al frente del Grupo de Investigaciones Teatrales de la Opera de París, fundado en enero de 1975 y que reúne principalmente a jóvenes bailarines franceses, en 1975, Carolyn Carlson crea una primera versión de L'Or des Fous (E/ oro de los locos) (m: G. Arrigo y Ph. Besombes), seguida de una segunda versión con música de Barre Phillips, así como Les Fous d'Or (llocos por el oro) (m: I. W akhevitch), obra que pone de relieve, principalmente, el sentido teatral que la anima y que particularÍ2a su talento artístico. Elegirá a Larrio Ekson como pareja.

En 1976, para la Opera de París, firma la puesta en escena de W ind, W ater, Sand (Viento, agua, arena), una ópera en treinta y siete actos de John Surman y Barre Phillips.

Sara SHELTON.

(Tennessee, 17 de diciembre de 1943).

Es también antigua alumna del Henry Street Playhouse y ha bailado en varias compañías: la de Alwin Nikolais, la de Murray Louis y la de Raymond Johnson. Atraída por la composición, firma las coreografías de: Crazy Dogs Dances (Danzas de los perros locos) (m: Pink Floyd), 1972; Zarcophagus (Sarcófago) (m: M. Smith), 1972; Daguerreoty-pe (Daguerrotipo), 1973; Excerpts (Extractos), 1973; y, en 1974: Geode (Geoda) (m: J. Buckley) y The Rosenfelds.

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Raymond JOHNSON.

(Nueva York, 9 de septiembre de 1946).

Debuta como bailarín en la compañía de Alwin Nikolais en 1963, después de estudiar durante diez años bajo la dirección de Nikolais y de Murray Louis. Se enrola en la compañía de Nikolais en 1963 y permanece en ella hasta 1968; durante la misma época baila también con la compañía de Murray Louis (1966-1971).

24. Raymond Johnson.

Raymond Johnson, que es un maravilloso bailarín negro, prosigue su brillante carrera colaborando con el Rudy Pérez Dance Theatre (1971) y la compañía de Cliff Keuter (1972). A partir de 1971, con Sara Shelton, realiza su película Making a Dance. Atraído por la coreografía, firma numerosas obras, entre las cuales: Ambit (Ámbito) (colla-ge), 1971; Pillow Dance (Danza de la almohada) (collage), 1971; Ingame (juego interior) (m: P. Hindes), 1972; While They're Away (Mientras están fuera) (m: J.-S. Bach), 1972, y el mismo año, con música de rock, Jemery Bummer's Own (Las posesiones de Jemery Gorrón), Prívate Parlor Show (Show del salón privado) y Duet (Dúo), así como Chamber

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(Cámara), en otros artistas, la mayoría de los cuales colaboran tanto con la compañía de Nikolais como con la de Murray Louis, sólo harán carrera de bailarines. Este es el caso de MlCHAEL BALLARD (Denver, Colorado, 17 de julio de 1942), ROBERT SoLOMONS (The Bronx, 13 de febrero de 1945), y la bailarina de origen polaco WANDA PRUSKA, mientras que SUSAN BUIRGE (Minneapolis, Minesota, 19 de junio de 1940), después de estudiar danza en Nueva York, en la Juilliard School y en el Henry Street Playhouse, y de debutar como bailarina en la compañía de Alwin Nikolais en 1964, se establecerá en Francia hacia los años setenta, consagrándose a la enseñanza y animando su propio grupo, el Dance Theatre Experience.

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