WARP Magazine 59

FRANZ FERDINAND De Reino Unido para el mundo: la banda liderada por Alex Kapranos busca escribir su propia definici贸n de dance-punk, de la mano de su elegante Right Thoughts, Right Words, Right Action.

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editorial

FROM THE HEART

Por: Paul Stokes /@stokesie / Traducción: Jorge Rodríguez

Acabo de salir de la fiesta de las nominaciones para la premiación del Association Of Independent Music (AIM). El viernes tendré oportunidad de ver a Kings Of Leon tocar un show íntimo, que su disquera organizó con el patrocinio de American Express. El sábado, tres disqueras independientes llevarán a cabo un festival, en el Este de Londres, llamado Visions, en el que probablemente perderán dinero. Ok, eso fue un resumen extraño de mi semana, pero se los estoy diciendo porque WARP Magazine me pidió que les diera una opinión — una revelación— acerca de la industria musical británica.

Supongo que lo que mi itinerario sugiere es una industria de extremos. La AIM pretende apoyar a artistas independientes y acercarlos al éxito, ese es el porqué de su modesta ceremonia, premiar la creatividad e innovación. Las disqueras grandes —de las cuales sólo quedan tres, luego de que EMI fuera absorbida por sus competidores este año— quieren vender discos y ganar dinero, pero aun así, en el medio, queda un lugar cómodo para la gente que quiere hacer algo simplemente porque ama la música.

Así que, ¿cuál es la verdad acerca de la industria musical británica? Estando en el corazón de ella, honestamente, no lo puedo definir, pues sus extremos no se conforman por una clasificación tradicional “blanco y negro”. Hablando en general, hay sellos grandes e independientes, aunque recientemente ha sido difícil ver cómo Beggars Group —con artistas exitosos como Adele o The Strokes— no era más fuerte que EMI —que contaba con actos más específicos como Babyshambles o LCD Soundsystem—. Arctic Monkeys, por su parte, está firmada por una disquera indie, Domino Records, pero ha tenido enormes ventas. The Beta Band continúa influenciando a una generación de artistas a lo largo del espectro, pero aun así fueron firmados por el corporativo de Parlophone. Arcade Fire entró en Reino Unido bajo Rough Trade, pero nadie tomó resentimientos ni los acusó de venderse cuando terminaron con Universal. Hay actos

que matarían por la libertad artística que tienen PJ Harvey y Bat For Lashes; sin embargo, sus jefes exigen canciones que se vuelvan éxitos.

El punto es que la industria británica está llena de reglas y contradicciones: está definida por valores de negocios así como por indulgencia creativa en casi todos sus niveles. Como es costumbre entre los británicos, nuestra industria musical es esencialmente un accidente conveniente; por consiguiente, una disquera grande nos presentó a The Beatles en su máxima expresión, mientras una indie nos dio a Oasis en su presentación más blanda. Somos un mercado que crea gustos y que ayuda a romper récords mundiales —pregúntenle a The Killers, quienes no podían siquiera ser arrestados, hasta que nos involucramos—. Este año hicimos de ‘Get Lucky’, de Daft Punk, nuestro sencillo más vendido, pero también le hemos dado al mundo terribles talentos de televisión —perdón por One Direction—, apoyando a los peores sencillos pop y, frecuentemente, hemos caído en el comercialismo por sí mismo —la cantidad de relanzamientos de Lo Mejor De… anunciados en televisión, cada Navidad, es estremecedora—.

En su mejor momento, diría que la industria musical británica es un buen medio para un fin y ese fin es la música. En Reino Unido tenemos la fortuna de contar con una estructura establecida que permite a un rango de talento artístico vender discos o morir en el intento. Es por eso que nuestros ídolos pop son Take That y Jarvis Cocker, Marc Bolan y Leona Lewis, Joy Division y Simply Red. Arruinamos la música, pero ocasionalmente la hacemos infinitamente mejor [risas]. Quién sabe por qué pero, por alguna razón, el mundo parece necesitar de nuestra bizarra y pequeña isla, de nuestros gustos esquizoides y de nuestras pretensiones musicales. Somos locos y malos, pero a veces somos un placer que se debe conocer, si no ¿quién más lo haría por ustedes? ¿Los alemanes? ¿Han escuchado a Sash? ¿No? Hay una razón… (¡Es broma! ¡Kraftwerk!)

> Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna Misery Waits In Vague Hotels en WARP #58.

silencio por favor

Spoon Por: Alejandro Altamirano Fotos: Cortesía Spoon

“ALGUNOS SON TEMAS QUE HABÍA COMENZADO A TRABAJAR HACE UN PAR DE AÑOS Y AHORA SUENAN BASTANTE BIEN. UN PAR DE ELLOS SUENAN LIGERAMENTE MÁS SOUL QUE EL DISCO ANTERIOR, UN POCO MÁS R&B.” - BRITT DANIEL

D

espués de que en 2007 Spoon, grupo de indie rock originario de Austin, Texas, ganara atención masiva gracias al éxito de su álbum Ga Ga Ga Ga Ga, la banda supo mantenerse en el piso y entregar otro gran disco en 2010, Transference. Ahora, tres años después, el grupo y específicamente su líder Britt Daniel ha hecho público su regreso al estudio para trabajar en nuevos temas, que se verán plasmados en su próxima placa. De hecho, Spoon ya tiene listos ocho títulos de nuevas canciones, entre los que se encuentran: ‘The Rent I Pay’, ‘Naff Bag’, ‘Millionaires’, ‘Let Me Be Mine’, ‘Modern Girls’ y ‘I Ain’t The One’. Daniel ha dicho que tienen grabadas algunas cosas —en su mayoría instrumetales— de su baterista y también productor Jim Eno, pero comenta que aún se encuentran en el proceso de composición. Todavía no hay título tentativo ni una posible fecha de salida del material, lo cierto es que el grupo promete grandes dosis de música para los próximos meses.

006

THE MAIN REVIEW

HESITATION MARKS

NINE INCH NAILS

Universal Music México / 2013

8.7 Es difícil no asociar a Trent Reznor con el retrato de un artista de existencia atormentada, adicto a las sustancias y cuya desesperación y rabia sólo pueden ser equiparadas con la tristeza infinita y el dolor que invaden su alma. Tampoco debería extrañarnos; durante años Reznor se autodefinió como un maestro de la experimentación sonora en sus vertientes más oscuras y siniestras, que sólo hallaba alivio creando música que alimentara a sus demonios internos. Aquella espiral descendente relatada en su álbum de 1994 terminó por llevarlo a un frágil estado mental, mismo que casi desemboca en su retiro del mundo musical y en la muerte de Nine Inch Nails al comienzo de la década pasada.

Hoy, el panorama es totalmente opuesto, Trent —ahora padre de familia— abandonó el alcohol y la cocaína, se olvidó de sus tendencias suicidas y redescubrió la placidez de estar detrás de los instrumentos, volviéndose en el proceso un prolífico músico y productor. Basta con citar su trabajo en cine bajo el mando de David Fincher (The Social Network, The Girl With The Dragon Tattoo), así como por lo hecho con su proyecto alterno, How To Destroy Angels (al lado de Atticus Ross y su esposa Mariqueen Maandig), para entender que el Trent Reznor que de momento nos ocupa no es el nihilista pasivo detrás de temas como ‘Hurt’ o ‘Somewhat Damaged’. Partiendo de lo anterior, es más sencillo diseccionar un álbum como Hesitation Marks.

Si en With Teeth (2005) encontramos como elemento predominante el piano en las líneas melódicas, en esta placa resaltan las programaciones ejecutadas casi de manera experimental —como si hubieran nacido en los pads de un drum 008

machine, más que en un programa de creación musical—, es decir, elementos como la guitarra y los sintetizadores, además de algunos otros instrumentos, se sienten como el ornamento de canciones originadas a partir de beats; ‘Satellite’ y ‘Copy Of A’ son un gran ejemplo de lo anterior.

Sin embargo, no todo es experimentación y electrónica de avanzada, tracks como ‘All Time Low’, o el “polémico” ‘Everything’, no sólo dejan de manifiesto el giro sónico de Nine Inch Nails hacia direcciones más optimistas, también está claro el amor de Reznor por las guitarras en sus variantes más funk, jazz o pop.

‘Find My Way’ es una nostálgica plegaria electro acústica de las indispensables en cada disco de NIN, mientras que ‘Disappointed’, ‘Running’, ‘Came Back Haunted’ y momentos de ‘I Would For You’ nos entregan los instantes sonoros más parecidos al proyecto industrial origina del artistal, pero en una etapa más evolucionada. ‘Black Noise’ cierra de una manera estrepitosa y diferente a lo que Trent nos venía concediendo, con instrumentos de viento atípicos que confirman la personalidad propia de la placa.

Probablemente esta sea la primera vez desde The Fragile (1999) en que Reznor nos entrega un trabajo completo, con momentos altos y otros no tanto, pero que al final se siente como un “todo” de principio a fin. La producción fuera de este mundo y las líricas del músico hacen de este el mejor esfuerzo sónico a la fecha del nuevo NIN. -Diovanny Garfias

reviews PARACOSM

BLURRED LINES

WASHED OUT

ROBIN THICKE

Arts & Crafts México 2013

Universal Music México

7.8

Después de Within And Without (2011), disco debut de Washed Out, Ernest Greene ha vuelto con una colección de nueve canciones bajo el nombre de Paracosm, lo que representa para el proyecto la reafirmación de que el chill wave aún respira y se mantiene vivo —dicho sea de paso, con honorabilidad—.

Además, podríamos decir que es el primer disco verdaderamente conceptual dentro del género, y es que al correr de los temas se va construyendo un paisaje de texturas ambientales pop finamente amalgamadas, como un tapiz de flores multicolor. Gracias al uso de nuevos instrumentos y a una producción que, aunque no traiciona al chill wave y su método low-fi, sí se percibe más profesional y cuidada en comparación con los primeros trabajos de Greene. Así, esta placa es un triunfo en contra del llamado síndrome del segundo disco.

-Alejandro Altamirano

/ 2013

8.3

Quizá el nombre de Robin Thicke signifique, para muchos, simplemente la voz e imagen detrás del exitoso sencillo de verano ‘Blurred Lines’ — producido Pharrell Williams—, pero la realidad es que Thicke es un cantautor que lleva más de una década escribiendo canciones para Christina Aguilera, Usher y Mary J. Blige, entre muchos otros, aunque siempre mantenido en las sombras hasta este, su sexto álbum de estudio, en el cual cuenta con las colaboraciones de los productores Will.I.Am y Timbaland. En general, la placa se mueve entre el sonido pop de la década , algo de funk y, claro, el sello R&B característico del artista. El resultado es un disco bailable, de sugerentes letras —perfectas para el romance— y que deja de manifiesto el talento de Robin, siempre y cuando sus ideas sean aterrizadas por el productor adecuado.

-Giorgio Brindesi

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8.5 BIG TV

WHITE LIES

Universal Music México /2013

Un considerable número de músicos, hace algunos años, aprovecharon el revival post punk para crear proyectos con caducidad de tres meses. A la fecha, pocos son los que han sabido mantener originalidad y congruencia en su sonido sin dejar de evolucionar en el camino. Una de las bandas que sí lo logró fue White Lies, que sorteó la maldición del segundo disco con un estupendo Ritual (2011) y que este año, con BIG TV, busca afianzarse como una de las propuestas más importantes de Reino Unido. El disco es maduro, bien producido y cuidado hasta en el más mínimo detalle, lo que resulta en un sonido poderoso y arriesgado. Y no es casualidad que de pronto nos recuerde a David Bowie, New Order y, obviamente, a Joy Division: Harry McVeigh, Charles Cave y Jack Lawrence-Brown son grandes admiradores de esos sonidos; claros ejemplos de lo anterior son ‘Be Your Man’, ‘There Goes Our Love Again’, ‘Change’ y la gran obertura: ‘Big TV’. Está claro: White Lies creó un disco que está destinado a ser un referente de su género.

-Joseph Guillén

010

calendario -011-

Septiembre 2013 Te invitamos a las diferentes actividades que se organizan en el Jack Daniel’s Bar para festejar el cumpleaños 163 de Mr. Jack (el Bar sólo abre el mes de Septiembre).

Este año el Jack Daniel’s Bar estará en Polanco (Mariano Escobedo #494).

Toda la información en el fanpage de Jack.

#JackDanielsBar

THE OPENING

MEDIANOCHE DEL 31 DE AGOSTO

02 JACK’S BAND

03 WHITE FRAME

04 JACK’S BAND

05 EVENTO PRIVADO

LOS CONCORDE 06

07 TOM & COLLINS

CENTAVRVS

09 MONDAY NIGHT EAGLES VS REDSKINS

10 JACK’S BAND

11 MILTON PACHECO

12 YELLOW YESTERDAY DF

STEELERS VS BENGALS

14 JACK’S BAND

SAN PASCUALITO REY

TEXANS VS CHARGERS

16 MONDAY NIGHT

13

17 JACK’S BAND

18 TANKE

19 MISS MARA DF

20

21 TOM & COLLINS

SLKTR

23 MONDAY NIGHT RAIDERS VS BRONCOS

24 JACK’S BAND

25 LOS RAYOBACKS

26 VICENTE GAYO

27

28 FIESTA DE CLAUSURA

SIMPLIFIRES LOS DANIELS

reviews INNOCENTS

AN OBJECT

MOBY

NO AGE

México 2013

2013

Arts & Crafts

THE WINERY DOGS

Arts & Crafts México

7.9

Desde que el álbum Play se convirtió en un obligado para entender la música electrónica, muchas cosas han pasado en el mundo de Richard Melville Hall, alias Moby.

Hoy, a sus 47 años, hace un disco que puede ser uno de los regresos más dignos de 2013. Para esta placa, el músico no escatimó en recursos y se rodeó de gente talentosa en el género como Mark Stent (productor de Björk, Muse, Massive Attack) y las cantautoras Skylar Grey y Cold Specks en la parte vocal, con participación de esta última en el sencillo ‘A Case Of Shame’, un sonido orgánico y bien pulido en la producción —característica de Moby— que hace recordar a ese artista de finales de los noventa, dedicado a imprimir pasión en su trabajo, retomando incluso la experimentación sonora que tanto gustaba.

‘The Last Day’, ‘Everything That Rises’ y ‘A Long Time’ son algunos de los tracks destacados.

-JG

7.4

No Age, dúo conformado por Randy Randall y Dean Allen Spout, tenía la medida muy alta después de su aclamado álbum Everything In Between, por lo que debía entregar un nuevo material fiel a su sonido, pero sin ser repetitivo: un gran reto. A pesar de que en An Object sigue con el mismo esquema de trabajo —haciendo ellos mismos prácticamente todo—, se siente una evolución en el sonido, lo que les permitió experimentar con algunos instrumentos, sin dejar de lado la sonoridad natural del combo. Las guitarras rápidas, los golpes certeros de la batería, los paisajes experimentales y la saturación sonora, en una combinación caóticamente funcional, están presentes en este nuevo disco, lo que le augura una aceptación inmediata entre los conocedores del grupo. Todo esto, sin embargo, hace de An Object un trabajo de estudio “bueno”, a secas, con “momentos” y nada más, sin superar a ninguna de sus otras producciones.

-AA

TALE OF US

GOLDFRAPP

Mute Records / 2013

THE WINERY DOGS Loud & Proud 2013

7.0

Algunos hablan de un “súper grupo”, pero ellos hablan simplemente de rock; aunque la realidad es que no hay nada simple en lo que hacen. The Winery Dogs es un power trío formado por Mike Portoy en la batería (ex Dream Theater), Billy Sheehan en el bajo (Mr. Big, Steve Vai) y Richie Kotzen en la guitarra y voz, tres músicos con grandes logros, interesados en hacer canciones sólidas, melódicas y recordables, salpicadas de virtuosismo. Mientras el trío está de gira por Asia, Sudamérica y Estados Unidos, aseguran que el proyecto no es pasajero, aunque lo cierto es que en este, su debut, encontramos material sin mucha variedad sónica, con momentos que nos recuerdan a bandas como Cream y otros en los que nos encontramos remitidos al sonido Motown. En pocas palabras, es un álbum que puede parecer homogéneo para oídos acostumbrados al shuffle.

-José F. González

6.9

Después de tres años de ausencia, el dúo inglés Goldfrapp regresa a los escenarios con Tale Of Us, su sexto álbum de estudio, grabado en Reino Unido y producido por la propia banda. Los títulos de las canciones que componen el álbum son nombres propios, exceptuando uno, ‘Stranger’, reflejo de lo minimalista que resulta la placa, como la propia agrupación lo anunció en Twitter al argumentar que para este álbum se enfocaron en “sonidos más suaves”, similares a los utilizados en sus primeras dos producciones. Las canciones están compuestas por melodías creadas a partir de guitarras, pianos, sintetizadores y arreglos de cuerdas, aderezados con la voz de Alison; el resultado deriva en melodías lentas y conmovedoras, olvidando un poco el sonido pop de sus últimos discos. En resumen: un cambio de sonido que pudo no haber sido el más atinado.

-Abraham Huitrón

012

hot hot hit

CLARE MAGUIRE

Por: César Morales Foto: Cortesía CM

Cuando se junta la pasión por la música y el deseo por trascender surgen cosas únicas. Un claro ejemplo de estas palabras es Clare Maguire, quien desde que tenía siete años ya componía y cantaba. A lo largo del tiempo, Maguire fue encontrando el camino adecuado y fue en 2011 cuando presentó su primer material discográfico, titulado Light After Dark y producido por Fraser T. Smith (Kylie Minogue, Adele). Ese mismo año fue premiada por la BBC por ser una de las artistas más prometedoras de los últimos años, con una tesitura vocal en ocasiones comparada con la de Annie Lennox y Stevie Nicks.

Hace unas semanas, Clare presentó el sencillo ‘Paper Thin’ que seguramente formará parte de su próxima placa.

Moby A LONG TIME

Por Raúl Arce / Foto: Sergio Gálvez para WARP

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Era 1999 y no había acto más popular en la escena de la música electrónica que Moby, con su aclamado Play. A principio de los “dosmiles”, una buena fiesta que se jactara de serlo no podía prescindir del disco multiplatino del neoyorkino. Desde entonces han pasado ya varios lustros e, incluso, un cambio de milenio, y este característico personaje ha logrado permanecer en el inconsciente de muchas personas, con producciones como 18, Hotel o Destroyed, que si bien no cosecharon el mismo éxito, han logrado establecerlo como uno de los músicos más reconocidos de su generación y, además, como un ícono de la ciudad de Nueva York.

Después de una pausa de dos años entre álbumes, Moby regresa con Innocents, un disco que contó con la participación de reconocidos músicos de la talla de Mark Lannegan (The Screaming Trees, Queens Of the Stone Age) y Wayne Coyne (The Flaming Lips). En palabras del mismo Moby, este disco no busca el reconocimiento comercial y mucho menos de la crítica, es sólo el reflejo de su quehacer y de la manera en la que le gusta generar nuevos sonidos. Con motivo de su pasada visita a la Ciudad de México y al inminente lanzamiento de su nueva placa, Moby tuvo una conversación con WARP Magazine, en la que compartió los pormenores de la grabación del disco, además de su perspectiva de la escena electrónica actual. ¿Por qué decidiste mantener en secreto el proceso de grabación de Innocents?

Creo que esa no fue la intención, lo cierto es que también hay músicos que son muy reservados con respecto a sus procesos de producción, pero definitivamente ese no es mi caso. Lo que pasó es que nunca pensé que alguien estuviera realmente interesado, es decir, no se trató de que yo haya querido guardar cosas en secreto, es sólo que no quería exponerme demasiado, porque lo último que quiero es que la gente se aburra. ¿Sabes?, me siento muy bien con ser abierto respecto a mi trabajo, pero a la vez existe el peligro de sobreexponerse, sobre todo en estos tiempos, en donde las redes sociales están tan presentes; no digo que sean malas, de hecho uso mucho Twitter e Instagram, sin embargo, creo que si pretendo que la gente escuche mi música no debo sobreexponerla tanto.

¿Cómo te sientes de presentarte como DJ, sobre todo cuando te hemos visto al frente de una banda?

Mis antecedentes como músico son bastante extraños. Cuando era joven solía tocar música clásica, pero cuando me convertí en adolescente todo cambió y comencé a meterme en el punk.

Posteriormente fui DJ de hip hop, luego de house… Cuando tuve la oportunidad de hacer mis propios discos siempre busqué presentarme con una banda en vivo pero, como podrás darte cuenta, me gusta hacer muchas cosas diferentes; es muy agradable hacer presentaciones acústicas, pero también lo es tocar punk, así como lo es presentarme como DJ. Yo sé que puede ser confuso, porque si alguien comprara uno de mis discos podría encontrarse con sonidos sumamente tranquilos, pero si esa misma persona me escuchara en un DJ set sería una experiencia muy distinta, porque soy bastante ruidoso, así que me disculpo por eso, pero la verdad es que sólo quiero hacer discos que me gusten.

En términos de sonido, ¿cómo definirías este nuevo álbum?

Supongo que el nuevo disco, a nivel de sonido, es diferente a Destroyed, en buena medida porque estaba muy orientado a la electrónica abstracta. Este álbum no sabría cómo describirlo, supongo que suena muy indieelectrónico. Cuando lo empecé a grabar mi intensión era utilizar muchas máquinas viejas de cinta, sintetizadores y cajas de ritmo análogas, porque no quería un disco pulcro.

Ahora hay muchos músicos que hacen discos de electrónica sumamente limpios; no me malinterpretes, de hecho me gusta eso, pero creo que cuando usas equipo viejo se añade un extraño sentimiento de vulnerabilidad, y eso es exactamente lo que quiero transmitir con Innocents.

La escena musical es muy grande hoy en día. ¿Qué suena en tu reproductor actualmente? ¡Wow! Es una pregunta muy difícil de responder, sobre todo porque hay tanta gente que con sólo una laptop está produciendo música electrónica, pero para ser honesto, si no estoy sentado frente a mis discos o mi computadora no puedo recordar muchos nombres. Cuando toco como DJ suelo poner muchas cosas de unos productores muy talentosos de Australia que se llaman Loops Of Fury, ellos hacen música tecno súper potente, pero a la vez también disfruto mucho de escuchar ambient y minimal. ¡Ahora hay tanta oferta! Todo se lo debemos a la tecnología, porque si hace 25 años pretendías hacer música electrónica necesitabas samplers, cajas de ritmo, un montón de sintetizadores, reverb, compresores y delay; era equipo caro, difícil de conseguir y aún más de operar... ahora sólo necesitas una computadora.

¿Este disco lo concebiste para tocarlo con una banda frente a una audiencia o quizá para presentarte en un acto más electrónico?

Eso es bien interesante, porque en la actualidad a la gente no le gusta escuchar discos completos, sin embargo, a mí me gusta hacerlos. Así que cuando entro al estudio a grabar algo, sólo me preocupa que me guste, no hago música pensando en su desempeño comercial o cómo sonará en vivo, sólo quiero hacer música emotiva, interesante y que yo disfrute. Por ello, cada uno de mis discos es una entidad única y no un artículo comercial.

¿Crees que el uso de la tecnología ha cambiado tu sonido?

A mí me pasó algo muy curioso: Mientras la tecnología mejoró, siento que los instrumentos que uso en mis discos se hicieron peores. Aunque me gusta utilizar plug-ins, de verdad amo tocar con sintetizadores análogos y viejos, sólo porque tienen algo que no puedo describir muy bien, pero se sienten orgánicos. Es muy irónico que aunque ahora hay más tecnología, yo sigo usando instrumentos viejos.

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THE HICS Por: Javier Cuellar Foto: Cortesía TH

¿Qué tienen en común Elly Jackson (La Roux) y Rodney Smith (aka Roots Manuva)? Estudiaron música en la misma escuela.

Pimlico Academy es el nombre de ésta, ubicada al sur de Londres, siendo la misma a la que atendieron Sam (vocales, electrónicos), Roxana (vocales), Jacob (batería), Geordan (guitarra), Matt (bajo) y David (saxofón), músicos que darían vida unos años más tarde a The Hics. Su sonido plagado de tintes hip –hop y trip hop, muy enfocado a lo downbeat, combinado con la sensualidad que producen Roxana y Sam al interpretar juntos, es el gancho que atrapa a cualquier escucha que ponga atención a su trabajo.

LINKS: thehics.com / soundcloud.com/the-hics

Su sencillo ‘Cold Air’ es descrito por la propia banda como “mentalmente parecido al sexo”. El track vio la luz apenas hace unos meses y al perecer la descripción es correcta, pues las sensaciones percibidas en éste hacen que el cerebro se derrita a través de los oídos, como si se tratara de un cóito entre mente y sonoridad.

Su álbum debut, Tangle, vio la luz el pasado agosto, vía Nero, y está construido inteligentemente para que en verdad constituya un viaje sonoro, lleno de agradables sorpresas a descubir.

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Triángulo de Amor Bizarro DOMANDO AL DRAGÓN Por: Alejandro Altamirano Foto: Cortesía TDAB

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La agrupación española Triángulo De Amor Bizarro, luego de tres años de silencio, regresa a la escena para presentar su nueva producción: Victoria Mística. En esta ocasión la banda toma el control absoluto de la producción, lo cual se refleja en una energía sonora equivalente al ataque de un dragón, cuyos detalles de realización son revelados por su bajista, Isabel Cea, en entrevista para WARP Magazine.

El título de su nuevo disco, Victoria Mística, ¿tiene algún significado en especial?

El que tú quieras. El nombre es lo último que ponemos; primero hacemos el arte, los nombres de las canciones y todo lo demás, así que el título es un poco el resultado de esto. La portada es una versión de la pintura Lucha De San Jorge Con El Dragón, original del pintor barroco Pedro Pablo Rubens, hecha por Diego Delgado, y se puede traducir como la lucha de lo humano contra la corrupción o contra el capitalismo que más oprime. ¿Cuál es la principal diferencia de Victoria Mística respecto a sus trabajos anteriores?

Siempre intentamos variar el proceso. Para empezar, dejamos de lado la figura del productor y decidimos hacerlo nosotros mismos, sobre todo porque le queríamos dedicar todo el tiempo posible. Además, está la cuestión del costo de un estudio y un productor. Por eso decidimos hacerlo por nuestra cuenta.

Otro factor fue que, teniendo tan sólo tres discos, es muy difícil que nos repitamos, somos un grupo que no funciona bajo los tiempos y las formas comunes de la industria, por eso, cuando pensamos que tenemos algo interesante qué sacar, entonces lo hacemos. En este disco —después de hacer el segundo más directo, para sacarnos la presión del primero—, quisimos llevar todo el control de la grabación, llegando hasta donde pensamos hacerlo con las canciones y con todo el tiempo para afinarlo.

En algunos títulos y letras de canciones de Victoria Mística podemos encontrar referencias al tiempo. ¿Cómo describirías el tiempo que vive la banda?

Creo que es un periodo muy concreto. España vive una crisis económica, pero también una crisis cultural y de investigación, es un país que la está pasando mal por no darse cuenta de las verdaderas prioridades. Todo esto es algo muy concreto que pasa ahora mismo en España, pero que fácilmente puede trasladarse a cualquier parte del mundo. Como banda, tratamos de ser lo más sincera posible y de hablar sobre lo que está pasando cerca de nosotros. Esa es, para mí, la forma más fácil, real y directa de llegarle a la gente y darle un mensaje, hablándole de lo que nos pasa sin dárnosla de mártires.

Debido a cierta carga social de algunas letras, ¿consideras que Victoria Mística podría definirse como música de protesta? ¿Crees que haga falta más música de este tipo?

Para empezar, nuestra intención no era reivindicar la música de protesta. Siendo sincera, muchas veces me aburre ese tipo de música, siento que todo el tiempo me están dando un sermón. Nosotros lo único que queríamos era hablar sobre lo que nos está pasando, sin tratar de meterle a nadie ningún tipo de ideología. Hablamos de lo que vemos y sabemos, entonces lo compartimos y queremos que la gente lo lleve a donde quiera. ¿Cuáles son los planes de gira para presentar Victoria Mística?

En septiembre iniciaremos con la gira más pesada. Por ahora, estamos haciendo algunos festivales en España porque tuvimos algunos retrasos, incluso hicimos la presentación del disco sin el disco. Sólo sabemos que iniciamos en septiembre porque hay muchas fechas que aún nos faltan cerrar. Ojalá tengamos oportunidad de ir a México.

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Crónicas Del León hoy DE GRABACIONES, DISCO, LIBRO… NADA ESPECIAL Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial / Foto: Vito Rivelli

“Pase lo que pase, sea como sea, a tu manera…” Mientras escribo suena esta frase disparada en los noventa por la voz de Manu, como invitado en una de las canciones de un disco de Tijuana No. Y es que son tiempos jet, velocidad, de espasmos digitales por doquier…

Grabando nuevo disco del SrF, Nada Especial (Próxima Ola), en los Estudios del Abasto “Monsterland”, bautizado así nada menos que por Pappo. “El rey se ha ido, mas no será olvidado…”. Grabo discos y canciones en el Abasto desde hace muchos años; conocí su primera edición en el barrio homónimo, allí, muy cerca del mercado original de la Ciudad de Buenos Aires. Álvaro es el dueño y técnico de grabación de tantos discos del rock nacional (argentino): su sonido es inobjetable. Las sesiones del Abasto Monsterland, hoy situado en General Rodríguez, BSAS, son intensas: Astor AC, tranquilo, sube el power de las canciones al máximo, sin ponerse nervioso: algo difícil de lograr en un estudio: graba relajado, a la vez que potente. MonkymAn, una pared de guitarras pesadas, suena, capturadas por la mano magistral y técnica de Álvaro. Se graba ‘Mexican Princess’, una canción nueva, inédita, que venimos tocando hace rato en vivo.

En ‘Mal Soldado’ recibimos la magia de mi compadre, Ricardo Iorio, como invitado: mete unas frases con su impronta

demoledora vocal: “Soy un mal soldado, debo alimentarme, el miedo coronó mi espalda…”. Canta Iorio los versos que escribí hace pocos meses y me emociona escucharlo. Mimi Maura y Rockman son los siguientes invitados, suena la voz de la dama que canta bonito en ‘Hoy’: un soul inyectado de punk rock donde me atrevo a rapear hereje por un rato. Sergio mete un sax-punk, como sabe, en ‘Miedo A Volar II’. Aquí estamos, grabando con fuerza de alegría, agradeciendo cada día que acontece.

Además, hay un libro del SrF próximo a publicarse: Surfer Calavera Y Otros Cuentos De Misterio, de editorial Piloto De Tormenta, para la colección, “Malditos Del Río De La Plata”. Mientras esperamos que Las Crónicas Del León —editado en México por WARP Books— bajen al Sur para septiembre, sale este nuevo combo de cuentos de suspenso-rock-ficción. En el libro hay un cuento principal, el más extenso: ‘Surfer Calavera’, donde retomo la narrativa de la canción que escribí para LFC en los noventa, llevada a ritmo de cuento de terror. Soy un amante del cine “B” terrorífico, gore, fantástico. Hay muchísimo de esto en estas narraciones a publicarse, con el rock como escenografía principal, mezclándose con lo fantástico. De Twin Peaks, de Lynch, soy amante: siempre se destilará su influen-

cia en mis analogías alocadas silvertape. El resto de los cuentos también son de ficción-rock-realísmo-mágicomarplatense-desarticulado-misteriosorocker. ‘El Gran Kornalo de La Luna Roja’ habla de un monstruo de mar que brilla pegajoso en la oscuridad, aterrador; ‘La Flor En El Mar’ es un mito-ficción que crece desde la muerte de una niña al costado de la escollera Norte, donde una flor aparece flotando en el mar y los surfistas no ocupan dicha posición en la ola. ‘El Agujero Negro En La Playa’ es un relato fantástico situado en el 1983 marplatense donde, en medio de skate, surf, ensayos de banda de rock y misterios no resueltos, aparece algo en la playa que oscurece al mundo…

Finalmente, estoy ensayando con LFC, hermanos de vida, casi listos para la próxima gira al Perú (Lima, Arequipa, Cuzco). Antes me iré a surfear las olas de ese bellísimo país. Además, terminamos de grabar con De La Tierra nuevo disco: gracias Alex, Andreas y Giménez, por hacerme parte de este combo-dinamita.

Y he estado tocando en vivo por aquí, por allá, con SrF Band, con Fuckdolls, donde también grabé todos los bajos y esperamos sacar próximo disco para pocos de los muchos.

Felicidad y travesura.

Bendiciones de luz.

Agradecido.

> Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

Bosnian Rainbows

UN TRIUNFO SOBRE LA IGNORANCIA Por: Carlos Zepeda

Foto: Robin Laananen

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Omar Rodríguez López ha dejado claro que fundar una banda hoy considerada de culto (At The Drive-In) y pertenecer a otra que cambió muchas reglas en la música (The Mars Volta) no necesariamente lo ha dejado satisfecho, pues su hiperactividad musical y su trabajo como productor junto al grupo mexicano Le Butcherettes —en especial con su líder Teri Gender— lo han impulsado a tomar un reto más y formar una especie de colectivo creativo llamado Bosnian Rainbows, que editó su disco debut homónimo el pasado mes de junio.

WARP Magazine contactó a Omar para que detallara los pormenores de esta nueva aventura y esto fue lo que nos dijo… ¿El nombre del grupo, Bosnian Rainbows, tiene un significado en particular?

Para nosotros es una metáfora muy linda respecto a la capacidad de cualquier ser humano de decidir su posición en la vida y elegir su perspectiva. En otras palabras, es poder vencer la ignorancia. ¿Cómo se conocieron Teri Gender y tú?

Conocí a Teri en 2007 o 2008. Yo estaba viviendo en Guadalajara y fui a ver a la banda de un amigo; ella estaba en el mismo lugar. Recuerdo que se fue la electricidad y, obviamente, ninguno de los grupos quería tocar, excepto Le Butcherettes, quienes tocaron de todas formas y eso se me quedó muy marcado. Al día siguiente le pedí a mi amigo César Rosas que me consiguiera una cita con Le Butcherettes y su manager, para ver si estaban interesados en hacer un disco conmigo. Así fue como sucedió el acercamiento y la colaboración con Teri.

Desde que tuviste contacto con ella a través de Le Butcherettes, ¿pensaste en la posibilidad de hacer una banda con ella?

Realmente sí. Obviamente, al pasar mucho tiempo con la banda —debido a que estuve a cargo de la producción de su disco y después seguí con ellos durante la promoción—, me encontré con que ella había tenido algo que ver con algunos grupos con los que tengo contacto, como The Flaming Lips y Yeah Yeah Yeahs. Así, el trabajo que hice con Teri Gender y los demás integrantes de la banda siempre estaba en el aire. Hay pocas personas que saben que Teri tiene unas composiciones realmente originales y muy variadas, debido a que ella ha trabajado con gente muy original y variada.

Habiendo dejado atrás la relación músico-productor, ¿cómo fue la relación de trabajo con Teri ya en una banda?

Fue muy fácil. Cuando empezamos el grupo la idea era que todos los integrantes fueran líderes, que hubiera igualdad. Teniendo eso bien claro, las cosas que se hacen fluyen, porque uno pone atención en la creación y no en el individuo. Digamos que en una banda normal el bajista está pensando en el bajo, el guitarrista en la guitarra, etcétera, pero cuando estás en un grupo donde todos son

compositores y ven la música desde otra perspectiva, todos se ponen al servicio de la canción y del proyecto, no de uno mismo.

En una descripción del grupo que se puede encontrar en Internet dice que “Teri Gender escribió todas las letras y tú toda la música”. ¿Es cierto?

Esa descripción es errónea. Si bien gran parte de las letras son de Teri, el grupo rescata y propone frases e ideas completas en toda la composición de cada una de las canciones. De repente ella, igual que los demás integrantes del grupo, puede componer una línea de bajo, una pieza de guitarra o de batería, todos estamos componiendo y produciendo, porque cada uno sabe tocar todos los instrumentos básicos.

Es la primera vez que trabajas de esta manera con una mujer. ¿Fue importante para la creación del disco contar con ese toque femenino?

Claro que sí; de hecho, ese toque femenino es importante y se encuentra en todas partes. Es muy bueno tener algo tan visceral y tangible en lo que puedes apoyar las bipolaridades que hay entre una figura masculina y otra femenina. Ese toque está en todo. Yo tengo un lado femenino y los demás integrantes del grupo también, pero contar con esa figura, de manera tangible, fue clave. Ese elemento se encuentra en la naturaleza de lo que estamos haciendo, en las notas, los instrumentos, etc.

Según tu perspectiva, ¿cuáles son los temas que aborda el disco de Bosnian Rainbows?

Los temas que aborda son muy sencillos. Son temas de la vida cotidiana, de lo que significa convivir. La idea, cuando comenzamos la banda, era formar un colectivo no solamente musical, sino también de vida, vivir juntos, crear juntos, tener un intercambio de ideas. Aunque suene un poco extraño, se basa principalmente en lo que comemos: nos nutrimos de todo lo que hacemos, pero principalmente cuidamos el cuerpo, porque el cuerpo es la casa de la mente. Todo comenzó por ahí. Nos fuimos a vivir a Alemania hace un par de meses y estuvimos sin tocar una sola nota, más bien cocinábamos y compartíamos información acerca de las propiedades medicinales y nutritivas de la comida. Todo eso fue el enfoque más grande para nosotros.

> Alejandro Altamirano es Asitente Editorial de WARP, puedes leer su entrevista con Yokozuna en WARP #58.

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Estefani Brolo UN SINFÍN DE VIBRACIONES Por: Alejandro Altamirano

Foto: Sergio Gálvez para WARP

Guatemala nos sorprende este 2013 con una de sus cartas musicales más actuales. Ella es Estefani Brolo quien, decidida a deshacer clichés, sale a presentarle al mundo su trabajo más reciente, Fix, una colección de música electrónica que rompe las barreras geográficas.

Esta es la charla que sostuvo con WARP Magazine durante su estancia en México: Considerando el tiempo que llevas en este país, ¿qué percibes de diferente entre la escena musical mexicana y la guatemalteca?

Con el poco tiempo que llevo aquí, la diferencia primordial que encuentro es la gran industria que existe en México, lo que se nota desde el sonido. Otra es que allá recién empieza a haber una gama más amplia de géneros que antes se mantenía en un número reducido —uno de ellos era el rock chapin—, mientras que en México hay una gran evolución; uno de los aspectos principales por los que estoy aquí es, precisamente, toda esa experiencia que tiene la industria.

En México aún causa sorpresa conocer un proyecto de música electrónica que viene de Guatemala. ¿Cómo fue tu acercamiento a este género?

Fue todo un proceso. Escuchando desde niña a David Bowie y Led Zeppelin comencé en una banda de covers de rock clásico. Después me fui a España a estudiar teatro y tuve la oportunidad de empaparme de la música house.

Trabajé en Barcelona con dos productores que me metieron más a la escena electrónica y me llevaron por el down tempo, acercándome al trip hop, del cual también tengo

un proyecto. Todo esto se puede percibir en este disco que vengo a presentar. ¿Con quién trabajaste para hacer Fix? Tuve la gran fortuna de trabajar con uno de los mejores DJs y productores de Guatemala, Francis Dávila, quien, según la DJ Mag, se encuentra en el número 63 de los 100 mejores DJs de todo el mundo. ¿Cómo fue el proceso de creación y producción de tu disco Fix? Lo comencé hace dos años, en mi habitación de Guatemala, con dos monitores y una laptop. Fue la primera vez que componía, en su totalidad, las bases de los temas. Después, con un 60 por ciento del trabajo terminado, me fui a un estudio profesional, trascendiendo la consola análoga y metiendo voces y más sonidos. ¿Cómo son tus presentaciones en vivo?

Colaboro con un bajista, un guitarrista y un DJ que acabo de conocer, todos mexicanos. Es una banda de rock que, en lugar de batería, usa una base electrónica. ¿Cuál es tu percepción de la escena latinoamericana?

Creo que la crisis que se vive está provocando que, en todo el mundo, surjan todo tipo de proyectos y géneros, los cuales rompen barreras de sonido y de idioma. Justamente veo una escena muy fuerte en México, gracias a la gran cantidad de bandas que están surgiendo. Entonces, estar aquí, con un proyecto de música electrónica, cantando en inglés, me parece esplendido.

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Girl Talk Foto: Paulina Martínez para WARP Presentado por

A menudo asociamos los actos de música electrónica con glamurosos clubes o desfiles de moda, sin embargo, aún quedan algunos artistas que nos recuerdan que dicho género también forma parte de la contracultura, y que el DJ no es un personaje alejado del público, sino parte de una comunidad. Desde 2001, Gregg Michael Gillis, un ingeniero biomédico nacido en Pittsburg, Pennsylvania, ha dado mucho de qué hablar dentro y fuera del mundo de la electrónica bajo el nombre de Girl Talk, tanto por sus enérgicas presentaciones (en donde regularmente acaba sin camiseta en medio de una multitud extasiada), como por su controversial estilo de crear canciones (utilizando sampleos de otros tracks, sin permiso de sus autores). Durante su más reciente vista a la Ciudad de México, Girl Talk conversó con WARP Magazine y compartió las canciones que actualmente suenan en su reproductor de música. Estos son los tracks que lo acompañan en su gira: 1. Bombay Duck – ‘Rick Wakeman’

6. Daft Punk (ft. Pharrell Williams) – ‘Lose Yourself To Dance’

2. Shoulder Lean – ‘Young Dro’

7. N.O.R.E. – ‘Thirsty’

3. Future – ‘Let’s Make A Movie’

8. Sonic Youth – ‘Unmade Bed’

4. Kanye West – ‘I’m In It’

9. Yes- ‘The Prophet’

5. Jay Z – ‘Picasso Baby’

10. King Crimson – ‘I Talk To The Wind’

Lunes a Viernes ⁄ 21 a 23 hrs.

Todos los Jueves ⁄ 22 a 24 hrs.

CADENA NACIONAL

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ask amanda -029-

ASK AMANDA Por: Amanda Palmer @amandapalmer

De acuerdo con un reciente estudio realizado en Estados Unidos, la mayoría de la población está más preocupada por el estado de vigilancia que por el terrorismo. ¿Cómo te sientes al respecto? -Óscar Herrera No creo que se pueda medir cuánto me importa cada tema, ambos me importan y me preocupa la situación a largo plazo, así como la salud mental de todas las personas en el mundo, incluyendo las de Estados Unidos. No queremos vivir con miedo, nadie quiere y, aunque es difícil determinar en qué gastar nuestra energía, el miedo no es una parte necesaria de la vida cotidiana. Veo un montón de miedo a mi alrededor y siempre me pone triste, porque hace que la gente haga cosas terribles.

¿Sorprendida? No. Creo que la gente comparte cosas que les mueve, que las hace pensar y reír. Eso es lo que trato de hacer con el video. También hay algo bueno en no sentirse solo, ni pasar mucho tiempo en el discurso público hablando de la cantidad de tabloides con sus actitudes nefastas, que juzgan, y un montón de fotos que nos hacen sentir mal. Creo que mucha gente se puso feliz de que alguien al fin lo dijera, porque que comparten ese sentimiento. Hay mucha gente que conozco que odia los tabloides y nadie que conozca los compra; hice algo que alguien debía hacer, porque siguen existiendo.

Teniendo en cuenta que tu marido es Neil Gaiman, ¿te gustan los cómics? ¿Cuáles son tus favoritos? ¿Qué tipo de súper poder te gustaría tener? -Sairi Rosas Mi comic favorito se llama Dirty Plotte, de Julie Doucet, un canadiense. Sus cómics son muy divertidos, oscuros, extraños y personales. Por otro lado, si yo tuviera un súper poder —teniendo en cuenta mi respuesta a la pregunta anterior—, me gustaría volver valiente a la gente con tan sólo mirarla.

Ahora que estamos en la segunda mitad del año, ¿qué vas a hacer en los próximos meses, además de estar de gira? ¿Trabajarás en otro álbum? -Daniela Santiago Redoble de tambores... Voy a escribir un libro. Me voy de gira hasta mediados de diciembre y luego Neil, sus dos hijas y yo vamos a pasar ¡diez días en México! Después de eso, voy a estar atrincherada, escribiendo, por lo que estoy muy emocionada y, como siempre, voy a compartir todo el proceso en mi blog, haciendo muchas preguntas.

Quiero que mis fans estén realmente involucrados en la redacción del libro, que va a tratar sobre mi vida, sobre el arte y sobre The Art Of Asking (TED).

Después del altercado con el Daily Mail, ¿te sorprendiste por la cantidad de personas que compartieron tu video dedicado a la publicación? -Andrea Blumen

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.

calendario -031-

Septiembre 2013 2 Passenger

13 San Pascualito Rey (Warp)

El Plaza Condesa, México, D.F.

Jack Daniel’s Bar, México, D.F.

Beach House Auditorio BlackBerry, México, D.F.

5-8 House Of Vans

14 Festival Ceremonia

Foro Reforma, México, D.F.

Parque Ecológico Xochimilco, México, D.F.

5 Here We Go Magic, SLKTR, Dapunto Beat

San Pascualito Rey Lunario del Auditorio Nacional, México, D.F.

Por Confirmar, México, D.F.

8 The Rasmus

17 Iron Maiden, Slayer y Ghosts Foro Sol, México, D.F.

Pepsi Center WTC, México, D.F.

Dr. Krápula Lunario del Auditorio Nacional, México, D.F.

20 SLKTR DJ Set (Warp) Jack Daniel’s Bar, México, D.F.

Julieta Venegas

23 Matchbox Twenty y Lifehouse

El Plaza Condesa, México, D.F.

Arena Ciudad de México, México, D.F.

6 Centavrvs (Warp) Jack Daniel’s Bar, México, D.F.

10 Bon Jovi

27 Simplifires (Warp)

Foro Sol, México, D.F.

Jack Daniel’s Bar, México, D.F.

gigs alt j El Plaza Condesa Foto: Franccel Hernรกndez para WARP

Nine Inch Nails

La cobertura de Lollapalooza 2013 es presentada por HP, BlackBerry y Volaris . #WARPalooza

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LOLLAPALOOZA 2013 #WARPalooza Por: Karina Luvián / Fotos: Sergio Gálvez y Kaina Luvián para WARP

TODO MUNDO PODRÁ DESCRIBIRTE E INCLUSO ADVERTIRTE DE LO QUE CONLLEVA ASISTIR A LOLLAPALOOZA EN CASO DE SER TU PRIMERA VEZ. TE DIRÁN QUE ES UN LUGAR ENORME, QUE LA CANTIDAD DE GENTE ES IMPRESIONANTE, QUE EL CLIMA ES DE LO MÁS IMPREDECIBLE… TIENEN RAZÓN. LA CIUDAD DE CHICAGO, EN SÍ MISMA, DEJA IMPÁVIDO A CUALQUIER NUEVO VISITANTE, PERO LOLLAPALOOZA PROVOCA UNA SENSACIÓN DE INCREDULIDAD DESDE EL MOMENTO EN QUE SE CAMINA HACIA GRANT PARK.

Band Of Horses

Día 1 El inicio de Lollapalooza vio a Deap Vally subir al Petrillo, y aunque de inmediato se apoderó de él con esa potencia y feminidad que poseen sus integrantes, muchos otros decidieron dejarse llevar por el electro pop mezclado con algo de indie de Icona Pop, otro par de mujeres talentosas que pusieron a brincar a los reunidos frente al escenario Lake Shore.

En el escenario Bud Light, Band Of Horses hizo sentir su calidad como músicos, con canciones como ‘Knock Knock’, ‘Islands On The Coast’ y ‘No One’s Gonna Love You’, mientras, poco después, la dupla inglesa conformada

por los hermanos Lawrence, Disclosure, derrochó actitud, con visuales discretos y un exitoso álbum debut; gran momento el que atraviesan. Otro de los grandes actos de la jornada fue el de Queens Of The Stone Age en el escenario Bud Light, que llevó a la audiencia de Songs For The Deaf a … Like Clockwork, pasando por Era Vulgaris y un camino andado que coloca a la banda como un must en la lista de actos en vivo de cualquiera.

Y si de actos memorables se habla, es imposible no hacer mención de Nine Inch Nails y su regreso a Lollapalooza, pues las recomendaciones infinitas de sus seguidores resultaron más que verídicas, al tratarse de un evento imperdible, lleno de energía, catatónico, extremo, en el que puede pasarte todo menos quedarte ensimismado y ajeno a lo que ocurre en escena. No fueron sólo los tremendos visuales con los que hipnotizaron a los presentes, también fue la pasión con la que Trent Reznor interpreta su música, esa que transmite y que no puedes dejar de aplaudir.

The Killers, por su parte, emocionó al público en el Red Bull Sound Select, con un setlist integrado por éxitos que los han colocado como grandes favoritos de generaciones actuales; ‘Mr. Brightside’ fue la que inició el show, seguida de ‘Spaceman’ y, cuatro cortes después, una bonita sorpresa: Bernard Sumner, de New Order, como invitado para interpretar ‘Shadowplay’, original de Joy Division. ‘Somebody Told Me’ fue otro de los momentos más altos, con el público entonando la canción al unísono de Flowers.

Queens Of The Stone Age

The Postal Service

Icona Pop

Día 2 St. Lucia, aka. Jean-Philip Grobler, con un discreto pero eficiente juego de luces y su muy gustado synth pop ofreció una buena presentación, aunque con un ligero retraso con base en el horario programado. Eso, al final, quedó compensado con el divertido momento que regaló a los asistentes. Local Natives, por otro lado, llegó al Red Bull Sound Select con su Hummingbird bajo el brazo, sin olvidar su disco debut, Gorilla Manor. Como era de esperarse, la banda californiana no dejó a desear y continuó con el buen ritmo que llevaba el festival. Y como la música no podía detenerse, Foals llegó al Petrillo para incendiar el lugar con enérgicas ejecuciones. Aunque sin duda no tuvo el alcance que momentos antes logró Ellie Goulding en el Bud Light —impresionante, por cierto— los originarios de Oxford hicieron valer la buena fama con la que cuentan sus shows en vivo, haciendo del atardecer en Grant Park un hecho aún más agradable.

Siempre hay más opciones en Lolla, por lo que California volvió a hacer acto

de presencia de la mano de HAIM, que se adueñó de The Grove en un área cercana al Bud Light. Feliz, sumamente contentas estuvieron las chicas, con un tanto de incredulidad por estar en el festival pero ya no como espectadoras.

Sin siquiera darnos cuenta la noche había caído en Chicago, con sólo dos bandas restantes: The Postal Service y Mumford & Sons, ambas de historia breve pero llegadas de temporalidades diferentes.

The Postal Service, una banda querida y añorada por muchos años en la industria musical, volvió este año para revivir éxitos añejos y ofrecer su álbum Give Up en Lollapalooza, un show que de acuerdo con Gibbard se trató del penúltimo de su gira de reencuentro, pues luego del aftershow de un día después, en Metro, la banda no volverá a tocar. Con ese dato en mente, su presentación fue más entrañable para el reducido número de espectadores que pudimos estar ahí. Muy complacido por la respuesta, Ben agradeció el haber-

los elegido a ellos de entre los shows programados a esa hora: “Gracias por venir a vernos, sabemos que también están grandes músicos como Azealia Banks y Mumford & Sons, así que muchas gracias”, fueron sus palabras.

Eran las 20:20 horas y en ese momento un grito colectivo se escuchó en Gran Park, cuando Ben Lovett, Marcus Mumford, Winston Marshall y Ted Dwane subieron al Red Bull Sound Select y la gente, contenida hasta el momento, dejó salir la emoción de ver a Mumford & Sons. Sin duda, esta presentación pasará a la historia del festival como una de las más exitosas, pues con 18 canciones los ingleses extasiaron al público y viceversa, pues no ocultaron lo conmocionados que estaban con la respuesta obtenida.

El coro multitudinario en el cierre fue estremecedor, lo que se vio llevado al extremo de la euforia con los fuegos artificiales que sucedieron el momento.

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Día 3 Con el clima delicioso, MS MR subió a The Grove, siendo un proyecto joven que puso a bailar a la audiencia con su disco Secondhand Rapture. Eso sólo sería la entrada de un día maravilloso, pues horas después Two Door Cinema Club ofreció exitosos temas como ‘Undercover Martyn’, ‘Something Good Can Work’ y ‘Cigarettes In The Theatre’, con la que dijeron adiós al efusivo público del escenario Bud Light. Al poco tiempo, el cuarteto inglés Alt-J tomó el escenario Lake Shore en medio de aplausos, para abrir con el corte inicial de su excelente álbum An Awesome Wave y después dar muestra de su bien acoplada voz con el segundo track del mencionado disco, ‘(Ripe & Ruin)’.

The Vaccines arribaría más tarde con el poderío que se le conoce, logrando que el público estallara en gritos e iniciaran a moverse con los tintes punk de su música. Qué buen momento fue ‘Ghost Town’, ‘Wetsuit’ y ‘Nørgaard’; imborrables recuerdos dejan en Lolla. Inmediatamente después de The Vaccines, era momento de dar vuelta y correr al área de enfrente, donde se ubicó el escenario Bud Light, para ver a Vampire Weekend y el inicio de su set con la divertida ‘Cousins’; mejor elección no pudo hacer, pues fue rememorar Contra, la placa que la catapultó.

Phoenix

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Two Door Cinema Club

Vampire Weekend

HAIM

Kendrick Lamar

The Cure

Como decíamos, por variedad no se detuvo Lollapalooza, por lo que Lake Shore tuvo el gusto de recibir a Beach House y su dream pop a lo largo de 60 minutos.

Si bien la respuesta no fue estremecedora, pudo verse a la audiencia gustosa de su trabajo. Terminó Beach House y The Cure, justo enfrente, hizo suyo el Red Bull Sound Select, abrazando al público con los primeros acordes de ‘Plainsong’. Acto seguido, ‘Pictures Of You’ y un set constituido en buena medida por éxitos como ‘Lullaby’, ‘High’, ‘In Between Days’ y ‘Fascination Street’ que arrancaron coros multitudinarios, sin momentos extraños que causaran un dejo de desencanto. Robert Smith se mostró dedicado a su quehacer, sin embargo ciertos movimientos o leves gestos dieron muestra de su alegría por estar en este, su primer Lollapalooza.

Para ese momento Phoenix ya había dejado el escenario también, pero veamos que ocurrió allá, en el Bud Light. Las 20:30 horas y la multitud impaciente. Una especie de marcha imperial y Phoenix sube, en penumbras, para ser iluminados segundos después con la inmensa pantalla roja que resaltaba sus siluetas.

‘Entertainment’ sonó entonces y la gente explotó en gritos. ‘Long Distance Call’, ‘The Real Thing’, ‘Run Run Run’ y ‘1901’ —con Thomas al pie del escenario, entre la gente— fueron parte de los momentos que no se olvidarán, lo que no hace sino reafirmar la posición de Phoenix y respaldar por qué se han convertido en headliners de festivales internacionales.

Lollapalooza 2013 llegó a su fin, dejándonos recuerdos imperecederos y vivencias irrepetibles. Porque cada festival es eso, la oportunidad de crecer experiencias, disfrutar de la música y llevarnos fotografías mentales gracias a todos los elementos que lo conforman: la gente, las sonrisas, los bailes, la música y, en el caso de Chicago, la ciudad misma. Ahora sólo queda, esperar el próximo año.

La cobertura de Lollapalooza 2013 es presentada por HP, BlackBerry y Volaris . #WARPalooza

Beach House

Disclosure

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OUTSIDE LANDS 2013 #WARPoutsidelands Por: Diovanny Garfias / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

El Golden Gate Park, en San Francisco, California, se convirtió una vez más en el santuario de curiosos, iniciados y melomanos de todas las edades, condiciones económicas y credos. No es de extrañar que con apenas cinco años de vida Outside Lands Music and Arts Festival se haya transformado en un referente mundial y en un obligado para la comunidad festivalera de todo el mundo.

Los factores determinantes para lo anterior son el paisaje natural en el que se desarrolla, que parece hurtado directamente de la imaginación de J.R.R. Tolkien, y el clima, variando entre temperaturas bajas a gélidas, ambos elementos lo hacen uno de los escaparates sonoros más finos y atrayentes de la oferta global.

La cobertura de Outside Lands 2013 es presentada por BlackBerry/Telcel y Volaris #WARPoutsidelands

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DÍA 1: El día comenzó con una de las ofertas sonoras que más ruido han hecho durante los pasados meses: La británica Jessie Ware demostró su poder de convocatoria y el gran momento que vive, ya que a pesar de salir casi 20 minutos tarde al Sutro —uno de los escenarios más modestos— mantuvo a los asistentes cautivos.

Casi al mismo tiempo pero en Lands End, el escenario principal, Band Of Horses entregaba algo de alternative country a un público que vivió uno de los conciertos más emotivos de la tarde. Ben Bridwell podrá no ser un gran frontman y podrá no tener un gramo de magnetismo animal en su cuerpo, sin embargo, su voz se convierte en un canal conductor de emociones que alcanzan de manera natural a todo aquel que esté dispuesto a recibirlas —que por cierto, fueron miles—.

Paul McCartney

Para cuando llegó el turno de The National, también en el Lands End, el público ya se encontraba en un estado previo a la catarsis que Paul McCartney provocaría, por lo que la música de los originarios de Cincinnati, Ohio, fue recibida de la mejor manera, aunque la reacción no fue la esperada por Matt Berninger y compañía, quien incluso llegó a preguntar a los asistentes: “¿A dónde se fueron?”

En Sutro una leyenda se hizo presente, Nile Rodgers se convirtió en la atracción principal detrás de Chic, convocando a un par de miles de curiosos y fanáticos de las sonoridades de los 70. El músico y productor, acompañado por una versión 2013 de su banda, puso a bailar a todos desde el minuto uno de su show, y temas clásicos como ‘Dance Dance Dance’ transportaron a la gente a una época en que la música era más acompasada.

Twin Peaks enmarcó el show de Yeasayer, que tras un saludo electrónico al público dio inicio al show. Los elementos característicos de la banda estuvieron presentes: rock, electro y psychedelic fueron las herramientas con las que el cuarteto se dispuso a entretener a cientos de jóvenes, dispuestos a perderse la primera parte del show de McCartney.

Y al fin llegó uno de los momentos más esperados. Pasadas las 19:00 horas, Paul McCartney y su banda tomaron el escenario principal, que a los pocos minutos ya ostentaba a más de 50 mil personas. Era impresionante observar gente prácticamente hasta donde daba la vista, pero más impactante aún fue verlos coreando la mayoría de los temas del ex Beatle, comprobando la relevancia del legado musical detrás de las composiciones de los cuatro de Liverpool.

Algunos de los puntos explosivos de la noche se vivieron al ritmo de ‘Blackbird’, ‘Paperback Writer’, ‘Hey Jude’, ‘Eleanor Rigby’, ‘Let It Be’ y, claro, ‘Helter Skelter’ y ‘Live And Let Die’, esta última ambientada por fuegos artificiales, un reflejo de los corazones de los presentes.

DÍA 2 En el escenario principal apareció Young The Giant. La banda californiana se sintió en casa desde el minuto uno, acogida por el público que los recibió cálidamente. Con temas provenientes de su álbum debut homónimo, la banda confirmó que su éxito se debe gracias a que se mantienen fieles a su sonido original.

Más tarde, el mismo escenario recibió a Jurassic 5. El colectivo de LA fue el primero en ponerle sabor de hip hop a la tarde y aunque el público los recibió de la mejor manera el ánimo fue disminuyendo conforme avanzaron los temas. Si algo nos han enseñado los festivales es que ningún género “clavado” es bien recibido por más de cinco temas, y la gente de Outside Lands se apegó a esta regla.

En otro punto del Golden Gate Park las cosas eran diferentes, la gente comenzó a abarrotar el Sutro para disfrutar de The Tallest Man On Earth. El músico sueco Kristian Matsson —con guitarra en mano— hizo clic casi de manera inmediata con aquellos que buscaban revivir el espíritu de las calles de San Fransico al final de los 60.

En un caso de éxito completamente diferente, Yeah Yeah Yeahs se confirmaba como la primera gran banda de la noche. El Land Ends los recibió con bailes al ritmo de las cuerdas de Nick Zinner mientras Brian Chase ambientaba con su batería. Y aunque hemos tenido la oportunidad de ver este show en más de tres ocasiones a lo largo del año, es un hecho que la vigencia que el trío ha impreso en su punk rock los convierte en uno de los actos más poderosos y versátiles del momento.

Con la noche encima de Twin Peaks y un público ávido de más folk rock, apareció Grizzly Bear. Los originarios de Brooklyn, Nueva York, aprovecharon la esencia del festival para exprimir hasta el último tema su más reciente álbum, Shields (2012).

Y así, con la noche cobijando el escenario principal, llegó el turno de Nine Inch Nails. Trent Reznor y la encarnación 2013 de su banda inició fuerte con ‘Copy Of A’, single desprendido de su álbum Hesitation Marks. El tecnológico show dominado por los juegos de sombras y contraluces en un principio, evoluciona hasta convertirse en una explosión de pixeles, pasando por una sección de instrumentaciones serenas y desembocando una vez más en un torrente de poder. ‘Hurt’ se convirtió en punto final de un concierto que no fue perfecto y que deja de manifiesto que esta gira a través de distintos festivales es sólo el warm up de Tension 2013, el tour en donde NIN será el protagonista.

Yeah Yeah Yeahs

Jurassic 5

Phoenix

Nine Inch Nails

Para cerrar la noche, Thomas Mars y Phoenix ofrecieron el mismo concierto que les hemos visto en otros escenarios, el mismo que los ha colocado como uno de los headliners indispensables de 2013. La historia de éxito de los franceses en el Golden Gate Park no fue diferente a las que han contado en otras latitudes durante el año; la tripleta conformada por ‘Entertainment’, ‘Lasso’ y ‘Lisztomania’ es garantía de emoción al comienzo de cada show.

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Willie Nelson

DÍA 3 Primero Daryl Hall & John Oates nos llevaron a un viaje a través de los 70 y 80. Con éxitos como ‘I Can’t Go For That (No Can Do)’ y ‘Maneater’ los multipremiados músicos ambientaron un almuerzo masivo en el campo frente al escenario principal, ya que al parecer su pop rock causó hambre a la mayoría de los presentes.

En el Twin Peaks, A-Trak dio inicio a la celebración final del día. El canadiense Alain Macklovitch ofreció un set lleno de sorpresas musicales pero sobre todo dejó en claro que sus habilidades como productor y remixer están fuera de lo común. En el escenario principal, Vampire Weekend se afianzaba como uno de los actos indispensables en los festivales de todo el mundo. ‘Cousins’ fue el tema elegido por Ezra Koenig y compañía para iniciar su show, transportando a los pocos minutos a miles a la playa.

Willie Nelson se hizo presente poco antes de que la noche llegara a San Francisco, miles esperaban a la leyenda del country para celebrar su carrera y, de paso, escuchar temas clásicos que prácticamente son de dominio popular. ‘Whiskey

River’ y ‘Crazy’ fueron algunos de los cortes que hicieron que varias generaciones se reunieran junto con el músico de 80 años, y al final miles bailaron al ritmo de su guitarra.

Red Hot Chili Peppers fueron los elegidos para cerrar la noche y el festival, y aunque la banda ha estado de gira durante más de un año, en el cual han ejecutado básicamente el mismo set –salvo por algunas variantes-, sigue siendo increíble la reacción de la gente frente a su funk rock. Los Peppers son una de esas bandas de las que te puede o no gustar su música, pero les tienes que reconocer su talento y poder. Al final los sonidos de Anthony Kiedis, Chad Smith, Josh Klinghoffer y, claro, Flea resultaron el marco perfecto para cerrar una edición más de Outside Lands.

Con tristeza y un pequeño nudo en la garganta nos alejamos del Golden Gate Park. Con las luces extinguiéndose y la neblina besando el pasto, nos damos cuenta de que es hora de partir, pero no nos despedimos del todo, simplemente es un “hasta luego” a San Francisco, sabemos que 2014 nos verá volver.

Vampire Weekend

Red Hot Chili Peppers

La cobertura de Outside Lands 2013 es presentada por BlackBerry/Telcel y Volaris #WARPoutsidelands

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THE UK ISSUE Desde que la era de la música digital dejó de ser el futuro para convertirse en lo cotidiano y las redes sociales se posicionaron como uno de los mejores medios para compartir todo tipo de cosas, ha sido más fácil, al mismo tiempo que refrescante, descubrir bandas y proyectos que no necesariamente surgen de un lugar común.

Los melómanos de cuna y los no tanto, se han acostumbrado a buscar en los terrenos más inhóspitos —de manera virtual, desde luego—, a no desechar bandas por muy ridículo que pueda ser su nombre, e incluso hemos invertido tiempo en tratar de encontrar pistas de proyectos que ni siquiera cuentan con una grabación propiamente dicha, y todo lo que existe de ellos son testimonios sonoros en celulares de alguien que pudo verlos en vivo.

Es así que ciudades como Australia, Noruega, Bélgica o Chile han levantado la mano como pequeñas potencias sonoras. Gracias a propuestas de excelente manufactura, algunas bandas de dichos lugares han logrado solidificar exitosas carreras más allá de surgir como parte de un boom, impulsando escenas locales que hoy en día se mantienen en pie y evolución constante.

Aun así, pese a la bocanada de aire que esto represente para la música, muchas de estas propuestas y en gran medida sus creaciones mismas todavía se perciben permeadas por el manto de grupos y estilos surgidos en los países y regiones que han sido piedra angular para la música desde hace varias décadas; una de ellas es Reino Unido.

Es un hecho, el talento musical tatuado en el ADN de los británicos, especialmente para el rock, es una de las razones principales por las cuales decenas de bandas y actos han subido a los escenarios para convertirse en leyendas sónicas y referentes inmediatos de diversos géneros alrededor del

mundo. Desde que la “Ola Inglesa” arrivó a Estados Unidos a mediados de los años 60 liderada por The Beatles, nos hemos dedicado a seguir los pasos de artistas provenientes de una cultura altamente disciplinada cuando de tomar los instrumentos se trata. Hoy, casi 50 años después, seguimos especulando respecto a la identidad de la banda que cambiará, o al menos, redefinirá la música, aunque de lo que estamos seguros es que hay altas provavilidades de que sea de Reino Unido.

Por lo tanto en WARP Magazine, presentamos una nueva edición de The UK ISSUE, porque Reino Unido sigue mandando a la hora de proponer. En las páginas siguientes de este impreso podrán encontrar una entrevista con Peter Murphy y la historia de su homenaje sonoro a Bauhaus. La escocesa Marnie, integrante del grupo electrónico Ladytron, nos detalla cómo fue emprender una carrera solista que se materializa en su disco debut Crystal World. Stefan Osldal, bajista y miembro fundador de Placebo, desmenuza en una amena charla todos los secretos de su nueva placa, Loud Like Love. Tenemos a Andy Bell, quien tras pasar una temporada por el rol de bajista en Oasis, por fin, parece encontrar su lugar como guitarrista en Beady Eye, el proyecto liderado por su viejo amigo Liam Gallagher, que sigue rugiendo en los escenarios con su disco más reciente, BE. Por último, los dejamos con una entrevista exclusiva para WARP Magazine, en donde dos integrantes del grupo escocés Franz Ferdinand nos relevan todos los secretos detrás de su nueva placa de estudio, Right Thoughts, Right Words, Right Action, la cual no hace más que reafirmar que sí es posible crear un estilo propio sin caer en lo repetitivo y manteniéndose siempre frescos a las inclemencias del tiempo y el pasar de las modas.

¡Larga vida al Reino Unido!

CULTO A LA VIDA Por: Yazmin Martínez / Rockets / Foto: Cortesía PM

SI BIEN REINO UNIDO SE CARACTERIZA POR TENER UNA LARGA TRADICIÓN DE VARIEDAD MUSICAL, TAMBIÉN ES CIERTO QUE DENTRO DE SU CULTURA SIEMPRE HA EXISTIDO UNA CIERTA FASCINACIÓN POR LAS SONORIDADES OSCURAS. BASTA RECORDAR QUE EL NACIMIENTO DEL GOTHIC ROCK Y DE TODAS SUS PROMINENTES FIGURAS NO PODRÍA HABERSE DADO EN NINGUNA OTRA PARTE DE LA TIERRA DIFERENTE A LA DE LAS ISLAS BRITÁNICAS.

Si tuviéramos que elegir a un personaje que reflejara más digna y fielmente lo que este género representa musical e ideológicamente, sin duda tendríamos que referenciar al llamado “Godfather of Goth”, Peter Murphy.

El trabajo del músico frente a Bauhaus marcó una línea a seguir por cientos de bandas que, a la fecha, siguen homenajeando su sonido. Tanto así que, Murphy, con una larga carrera en solitario decidió que durante 2013 celebraría la historia de su banda seminal 35 años de claroscuros poéticos.

El propósito del tour bautizado “Mr. Moonlight” es examinar los puntos álgidos de la discografía de Bauhaus y de paso, recordar una época en la que la rebeldía irradiaba romanticismo sobrenatural. Previo a su presentación en la Ciudad de México platicamos con Peter, quien desde Portland, Oregon, develó los detalles detrás de esta serie de shows, así como los de su próxima producción, Lion, a estrenarse en 2014.

Para un artista es arriesgado regresar tan pronto a un país donde recientemente se presentó. ¿Por qué regresar después de tres meses a México?

No creo que sea arriesgado, en el show anterior presenté mi trabajo como solista. Esta vez presentaré sólo a Bauhaus. Es un performance completamente diferente. La audiencia está preparada para ello y los fans lo han pedido. ¿Hay alguna diferencia en tocar para países que perciben la muerte como una festividad —México, por ejemplo— en comparación con países donde es tomada de modo solemne? ¡Vaya! [silencio] Nunca he hecho un viaje para conocer México de un modo más profundo, conozco todo lo que un turista podría conocer; pero sí hay una gran diferencia. El culto a la muerte es un culto a la vida, y los mexicanos lo entienden.

Ayuda a crear un fuerte vínculo con el público y que éstos, a su vez, interpreten mejor las canciones.

Muchos de los grupos actuales han declarado que no les gusta salir de gira, prefieren quedarse en el estudio. ¿Para ti qué tan importante es salir y conectarte con tu audiencia?

La conexión con mi público es muy valiosa, me mantienen con vida. Las bandas que no salen son muy flojas [risa].

No tienes un grupo telonero fijo, ¿consideras importante brindar

apoyo a los artistas locales? ¿Conocías ya algunos?

Los agentes son los que se encargan de contratar a cada una de las bandas. Personalmente, no las conocía, pero siempre estoy abierto a conocer bandas e involucrarme dentro de la escena. ¿Por qué hacer una gira celebrando los 35 años de Bauhaus sin los demás integrantes?

Bauhaus como banda de cuatro miembros ya no existe, pero siento una responsabilidad hacia mis fans. Tengo la libertad de expresar mi punto de vista acerca de lo que era nuestro proyecto y es muy agradable no sentirme limitado por las personalidades de David, Daniel y Kevin; sin embargo, sigo siendo fiel al sonido original.

Anthony Burgess, autor de A Clockwork Orange, declaró alguna vez que no le gustaba ser recordado por esta novela, pero era algo con lo que debía de cargar siempre. ¿Te ha pasado algo similar con Bauhaus? ¿Te pesa ser un ícono del rock gótico y que te encasillen en un género?

[Risas] Bueno, Bauhaus no es nada parecido a A Clockwork Orange, pero entiendo lo que quieres decir. No, no me pesa en lo absoluto. Bauhaus siempre fue una búsqueda muy espiritual. Tampoco temo ser encasillado, tengo muchas cosas que decir.

Respecto a tu nueva producción, Lion, leí que te tomó sólo cuatro días y medio grabar el álbum completo. ¿Por qué fue tan corto el proceso de grabación?

Es un álbum muy hermoso, muy poético. Youth (Martin Glover, bajista de Killing Joke) y yo, compartimos la misma sensibilidad musical. Nos conocemos desde hace mucho tiempo y nos fue muy fácil llegar al mismo lenguaje, entender qué era lo que queríamos expresar. Todo fluyó de la manera en que tenía que ser. Cuando ya tienes pensado claramente todo, sólo es cuestión de llegar a ejecutarlos.

Mis álbumes anteriores comparten con Lion un mismo orden de ideas. Creo que será un álbum clásico dentro de muy poco tiempo. Quizá sea mi mejor trabajo en toda mi carrera…todo es cuestión de inspiración.

Por último, ¿qué podemos esperar de tu show?

Es muy simple, si alguna vez quisieron ver a Bauhaus en vivo, esta es su oportunidad.

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THE NEXT BIG THING

ALWAYS UNDER PRESSURE Por: Alejandro Franco La industria musical británica es, por mucho, la más importante en el mundo entero. Basta un solo Mercury Prize (la presea más importante y con mayor credibilidad en Reino Unido) para ser una banda que genere interés internacional.

Una sola noche liderando Glastonbury y es suficiente para que otros países volteen a ver a sus propios artistas que, sin triunfar localmente, ya son héroes de la Gran Bretaña.

Alt-J es un gran ejemplo del primer caso. La banda ganó un Mercury en 2012, con un disco que sigue explotando aún en la recta final de 2013; estuvo ya en los festivales más importantes y hasta tuvo dos sold outs recientemente en México. Kings Of Leon es un gran ejemplo del caso Glasto.

Mientras en Estados Unidos el éxito siempre se le había negado, bastó que cerrara una noche del festival inglés como headliner para que todos en su país voltearan a verle y obtuviera reconocimiento.

Y así la lista sigue. The Temper Trap se conoció primero en Londres que en su natal Australia y una vez que ‘Sweet Disposition’ despegó en los charts ingleses, los conocimos en todo el planeta, con su nombre registrado como uno más de esos hallazgos de la prensa musical británica. Una portada de la NME, una mención en Q o una invitación a BBC Radio 1 son indicadores para que cualquier grupo sepa que está a punto de entrar a dicho mercado pero, ¿qué les garantiza realmente entrar? Más importante aún, ¿cuánto podrán mantenerse?

Porque formar parte del selecto grupo de los “The Next Big Thing” —como los periodistas ingleses siempre llaman a los proyectos nuevos y exitosos— es una cosa, pero mantenerse en esa ocupada industria es otra. ¿Cuánto tiene que Klaxons, de Reino Unido, no suena en nuestras bocinas?, por ejemplo. Al recordarlos hace unos años seguro eran el Alt-J de su generación. ¿Y la fiebre de Bloc Party o M.I.A?, porque aunque sigan activos, haciendo música y dando conciertos hay que reconocer que ya no tienen el mismo impacto internacional de antes y todo lo que han hecho de ninguna manera se compara con su estruendoso inicio.

Aquí es donde resaltan proyectos recientes que, con base en mucho trabajo, han logrado mantener viva la llama inicial del éxito y siguen activos como en su primera semana en BBC, o su primera aparición en el show de Jools Holland, o su primera portada en NME. The Vaccines es un gran ejemplo de no detenerse ni para preguntar la hora y, por supuesto, White Lies, que con tres discos bajo el brazo ha dejado claro que llegó para quedarse y no se trata de una mera moda pasajera —viene, por cierto, este año a nuestro aniversario #WARP7 con Blondie, en el Teatro Metropólitan el 11 de octubre—.

Así que la industria musical de Reino Unido es tan bondadosa como despiadada, tan potente como efímera y tan leal como traicionera. Por eso es única y la más influyente del mundo, no la más grande sin duda, pero siempre la mejor.

> Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español, con una trayectoria de más de 25 años. Actualmente colabora en la revista Rockdeluxe.

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VIOLET AFFAIR Por: Diovanny Garfias / Fotos: Lisa Devine

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SI ALGO CARACTERIZA A LA INDUSTRIA MUSICAL DE REINO UNIDO ES SU DIVERSIDAD. PODEMOS ENCONTRAR ALLÍ CASOS DE ÉXITO MUNDIAL, ACTOS DE ESOS QUE LLENAN ESTADIOS Y QUE SON APOYADOS POR LOS GRANDES SELLOS TRANSNACIONALES. POR OTRO LADO, SIN EMBARGO, TAMBIÉN HAY ALLÍ ARTISTAS QUE SE ABREN CAMINO POR LA VÍA DE LA INDEPENDENCIA, ENFOCANDO LA MAYOR PARTE DE SUS ESFUERZOS A DAR A CONOCER SU MÚSICA Y A TOCAR EN TANTOS LUGARES COMO LES SEA POSIBLE.

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En algún lugar entre estos dos puntos, curiosamente, tenemos a Helen Marnie, mejor conocida como la compositora y vocalista de la banda electrónica Ladytron, quien a finales de 2012 decidió que era momento de aprovechar el descanso de su proyecto principal y dedicarse a la creación de su primer álbum solista.

Sin el apoyo de un sello discográfico para alcanzar su meta, la artista decidió recurrir al crowd founding (financiamiento colectivo), tan de moda hoy en día; en específico, al sitio PledgeMusic, plataforma en la que los fans apoyan la música y la adquieren directamente de sus creadores.

El resultado se llama Crystal World (2013), placa producida por su compañero de banda Daniel Hunt y grabada en su totalidad en los estudios de Bardi Johannsson (Bang Gang), en Reikiavik, Islandia, la cual nos transporta a paisajes sonoros

“Decidí ir con PledgeMusic porque no tenía el apoyo de una disquera y, por lo tanto, no tenía dinero. ¡Parecía una buena opción!”

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muy íntimos y personales de electrónica y pop de avanzada, con ciertos aires de nostalgia orgánica, algo que la cantante nunca nos permitió escuchar en Ladytron.

WARP Magazine sostuvo una charla con Marnie, quien desde Glasgow, Escocia, compartió en exclusiva la experiencia detrás de la creación, grabación y entrega de su debut en solitario. ¿Cómo te diste cuenta de que querías hacer un disco solista?

Era una idea que había estado rondando en mi cabeza desde hace tiempo, algo de lo que siempre tuve ganas. Obviamente tenía compromisos con Ladytron, así que era cuestión de encontrar el espacio para hacerlo. Así, en cuanto tuvimos un descanso en las giras, me di cuenta de que era el momento adecuado. Me dije: “¡Es ahora o nunca!”

¿Qué te llevó a viajar a Islandia para grabar?

Bardi Johannsson, el coproductor del álbum, tiene un estudio propio en Islandia, así que tuvo sentido grabar allí. Fue muy emocionante hacerlo en un lugar nuevo para mí. ¿En qué momento te diste cuenta que tendrías que recurrir a una campaña de crowd funding para hacer este álbum?

Fue cuando recién llegué a Reikiavik. El crowd funding llamó mi atención el verano pasado, cuando estaba escribiendo el disco. Había visto lo que los artistas podían lograr, escuché historias extraordinarias, como la de Amanda Palmer, y en vista de que en ese momento no tenía ningún tipo de financiamiento, decidí que podía ser el camino a recorrer. ¿En algún momento de la campaña llegaste a pensar que no juntarías el dinero suficiente para hacer el disco?

Desde luego. Incluso durante el proceso de mezcla y masterización temí que algo pasara y que el disco no saliera.

Fue hasta que apreté el botón de “upload” de la campaña, en PledgeMusic, que suspiré y me sentí aliviada. Cuando no tienes a una disquera detrás de ti, todo el peso cae sobre tus hombros y cosas que normalmente estarían resueltas, ahora son responsabilidad tuya. A veces fue muy estresante: cuando algo iba mal, significaba más retrasos en la campaña y me parecía muy difícil explicárselo a los participantes. Sin embargo, traté de mantener una actitud positiva todo el tiempo, para no perder el impulso. Lo mejor de hacer una campaña de este tipo fue el apoyo, era como tener ese gran canal detrás de ti, donde todos los participantes quieren que te vaya bien. Fue genial, sobre todo cuando otras cosas me estresaban. ¿Fue difícil entregar los paquetes que prometiste durante la campaña?

Ha sido muy difícil de organizar, pero nada que no pudiera manejar. De momento he entregado la mayoría de los encargos, aunque faltan por irse los viniles de doce pulgadas. Creo que lo más difícil ha sido ir a pararme a la oficina de correos y provocar grandes filas detrás de mí, aguantar que la gente me vea feo porque está esperando, pero ya estoy acostumbrada, hasta puedo verlos feo también, si es necesario.

En tu experiencia, ¿cuáles son los pros y los contras de lanzar un disco de esta manera?

Entre los pros está el hecho de que tienes una plataforma que te permite llegar a un público muy amplio, además de que puedes personalizar la campaña tanto como quieras. Interactuar con los participantes fue reconfortante y siempre fueron positivos, por lo que estoy muy agradecida, me tuvieron mucha fe y esto me ayudó a hacer lo mismo con ellos, a tratarlos casi como amigos. Entre los contras, por otro lado, encontré que la gente detrás de Pledge toma una buena parte de lo

reunido, lo que, por cierto, no te dan hasta que cumples todas las promesas, lo que puede ser muy problemático, ya que las cosas necesitan pagarse y no tienes dinero para hacerlo. Otro problema es que te piden establecer un objetivo monetario antes de lanzar la campaña; sin embargo, cuando tienes algún atraso u ocurre algún problema, obviamente le pega a la cantidad de dinero que necesitas para completar el disco. ¿Cómo fue componer un álbum completo sin la colaboración de una banda?

Disfruté el proceso. Escribí la mayoría de los temas en un periodo de seis meses, en mi cuarto de invitados, en Londres. Y, bueno, escribir un álbum solista fue muy diferente a escribir para Ladytron, no tanto en lo técnico sino en cómo lo enfrentas mentalmente.

Supongo que me sentí cómoda escribiendo respecto a temas más personales; fui mucho más libre de decir exactamente lo que quería. Musicalmente, ya sabía qué dirección quería seguir. ¿Cómo fue Daniel como productor en lugar de un compañero de banda?

No fue muy diferente; sin embargo, fue bueno tenerlo como productor, fue alguien que me ayudó a desarrollar mis ideas un poco más allá... como tener un par de manos extra. Fe genial trabajar tanto con él como con Bardi. ¿Mientras componías el disco decidiste conscientemente alejarte del sonido de Ladytron?

Digamos que vi la situación como un arma de doble filo.

Básicamente hice el disco que quise. El resultado es un álbum que, musical y líricamente, no creo que suene a Ladytron. Por otro lado, mi voz siempre sonará a Ladytron, no hay manera de evitarlo y a algunas personas les cuesta trabajo separarlo. ¿Crees que en Crystal World encontramos las letras más personales que hayas escrito hasta la fecha?

Definitivamente. Sería muy extraño hacer un disco en solitario que no fuera tan personal. Soy yo en ese disco. Amé tener la libertad de llevar las letras a donde quería y me han llegado un montón de mensajes de personas que se sienten muy identificadas; algunos me han sacado lágrimas. ¿Cuál es tu perspectiva de la industria musical en Reino Unido? ¿Crees que hay un ambiente sano para los artistas independientes?

Creo que la escena musical en Reino Unido es, ahora mismo, particularmente vibrante. Si vives en Escocia, como yo, verás que hay muchas bandas a las que les está yendo bien.

Glasgow realmente está muy nutrido musicalmente. Hay montones de lugares en la ciudad presentando bandas todas las noches. Sólo espero que estos artistas elijan quedarse en la ciudad en vez de irse a Londres, como suele pasar.

> Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista exclusiva con Josh Homme en WARP #58.

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A MILLION LITTLE PIECES Por: Michelle Apple / Fotos: Cortesía Placebo

ESTAMOS A PUNTO DE CONMEMORAR 15 AÑOS DE LA SALIDA DE WITHOUT YOU I’M NOTHING, LA PLACA QUE PUSO A PLACEBO EN EL TERRENO MUSICAL MUNDIAL. EN AQUEL ENTONCES, LA INDUSTRIA BRITÁNICA NOS VENDIÓ UNA BANDA QUE ONDEABA LA BANDERA DE LA REVOLUCIÓN SEXUAL DE FINALES DE LOS NOVENTA, CON UN VOCALISTA DE APARIENCIA ANDRÓGINA QUE RECITABA SU PERSPECTIVA DEL MUNDO, ACOMPAÑADO, CLARO, DE ROCK BÁSICO EN SU VERSIÓN LONDINENSE. Así, Placebo se convirtió en la banda insignia de una generación ávida de consumir cultura pop en su expresión más “alternativa”. Y aunque con el tiempo aprenderíamos que la división entre una y otra era prácticamente inexistente, lo logrado por su frontman, Brian Molko, en aquel tiempo, los llevó a extender su fama a lo ancho del globo.

Hoy las cosas son diferentes: Molko y el bajista Stefan Olsdal se mantienen como los únicos miembros originales del proyecto, conformando una banda madura y más sólida, sin perder un dejo de los elementos experimentales que la hicieran el fenómeno mundial de la década pasada.

Loud Like Love, su séptima placa de estudio, es el trabajo que busca reafirmar su identidad como una banda relevante, en un mundo en el que las fórmulas alternativas perdieron terreno frente a las propuestas folk y country rock. Completamente convencido de las capacidades de su banda, Olsdal contó a WARP Magazine, desde algún punto de Londres, cómo es que este disco se aleja de su placa anterior, Battle For The Sun, superando incluso sus expectativas pese a las circunstancias en las que se grabó.

Hablando de Loud Like Love, ¿es cierto que primero grabaron la mitad del álbum, salieron de gira y después volvieron al estudio a terminarlo? ¿Habían trabajado antes así?

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No, nunca lo habíamos hecho. Para mí, al menos al principio, fue una experiencia muy difícil. Compusimos la primera mitad, la grabamos e hicimos una pequeña pausa, luego salimos de gira para ofrecer algunos conciertos que teníamos pendientes, después regresamos a completar la segunda parte y, aunque ya teníamos algunas ideas de lo que queríamos respecto a esas canciones y algunos pedacitos grabados, al final, esa pausa nos dio oportunidad de experimentar más. ¿Qué tanto cambió el sonido de Placebo en este álbum respecto a Battle For The Sun (2009)?

Tengo que decir que gran parte de este sonido proviene de un iPad. Grabamos este disco en un viejo estudio de la década del setenta, las guitarras que utilizamos fueron básicamente las de siempre, así que debo confesar que el cambio más radical, al menos sonoramente, fue la integración de un iPad. Cuando buscábamos inspiración de nuevos elementos, nos dimos cuenta de que la interface del iPad era perfecta; es increíble cómo puedes encontrar diferentes y muy extensas librerías de sintetizadores análogos en las aplicaciones, así que descubrimos que hay un mundo de sonidos allá afuera que podíamos utilizar. Para nosotros fue una herramienta sorprendente, increíble para experimentar.

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¿Cómo fue trabajar con Adam Noble (Red Hot Chili Peppers, Deus) en el estudio de grabación?

En esta ocasión su tarea fue hacer que cada uno de los instrumentos estuviera en su lugar y que sonaran realmente como lo imaginamos; pero esa fue la parte aburrida. Lo interesante fue lograr que, integralmente, todo sonara como una banda, como algo orgánico. También nos ayudó a que las canciones tuvieran ese sonido gigante que puedes escuchar en el álbum.

Creo que una de sus aportaciones más grandes fue hacer que las canciones se integraran como un solo conjunto de cortes, como si se hubieran escrito al mismo tiempo.

agradecido por todo lo que hemos logrado, pero me encuentro aún más agradecido de que sigamos juntos en esto. Estoy muy consciente de que otras bandas no duran, porque la relación entre sus integrantes no es tan buena. También me he dado cuenta de que tratamos de no concentrarnos sólo en lo que somos “buenos” y que no somos autocomplacientes, siempre nos exigimos más y eso es algo que mantiene funcionando a la banda.

A la fecha, Without You I’m Nothing se mantiene como uno de los álbumes más importantes de la década de los noventa. ¿Cómo lo percibes a 15 años de su lanzamiento? ¿Lo has escuchado últimamente?

“No creo haber escuchado ningún álbum de Placebo por completo, ni siquiera después de grabarlos.”

Ahora que el álbum está terminado, ¿cuál es tu percepción personal de Loud Like Love?

Creo que es un disco más accesible, menos complicado, pero al mismo tiempo se siente como algo oscuro, como si el sentimiento que inspiró cada canción siguiera atrapado allí.

También es muy variado y, a diferencia del disco anterior, es muy enérgico. ¿Cómo es que se las arreglan Brian Molko y tú para componer? ¿Siguen algún tipo de proceso o es algo que se da espontáneamente?

Para nosotros es algo que funciona en diferentes niveles. A veces las ideas surgen en el estudio, otras es Brian quien trae estructuras básicas y buscamos trabajarlas en los ensayos.

También hay ocasiones en que escribimos juntos... No sé, siempre es diferente.

Al final, Brian y tú son quienes han mantenido vivo a Placebo a lo largo los años. ¿Cuál es su secreto?

Creo que se debe al respeto mutuo y a la independencia que nos brindamos; no hubiéramos podido lograrlo solos. Estoy muy

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No creo haber escuchado ningún álbum de Placebo por completo, ni siquiera después de grabarlos. Me pasó con Loud Like Love, no quiero escucharlo más; es nuestro bebé, se lo presentamos al mundo y ahora formará parte de las vidas de miles de personas. Cuando haces algo que le llega a tantas personas —hablando de Without You I’m Nothing—, puede ser suficientemente significativo e influyente… No lo sé, posiblemente hay canciones del disco que tocamos en vivo y, sí, la gente reacciona, pero no sé si es el mejor disco de Placebo. En lo personal, en este momento siento que nuestro mejor álbum es Loud Like Love. Sé que muchos dicen eso de su más reciente álbum, pero en este caso es verdad. ¿Podemos esperar próximamente una visita de Placebo a México?

Sí. Después de presentar el disco vamos a iniciar una gira a través de Europa y creo que luego vamos a Asia. Hemos ido a México a promocionar casi todos nuestros discos, así que, aunque no hay ningún plan por el momento, es casi un hecho que estaremos tocando por allá en algún momento.

> Michelle Apple colabora en WARP e investiga el fenómeno OVNI en sus ratos libres, puedes leer su entrevista con OMD en WARP #58.

ES OCIO, PERO TAMBIEN NEGOCIO Por: Eduardo Guillot

La cultura rock nació en los EE UU y desde su origen fue una importante fuente de ingresos para el engrasado sistema económico capitalista, pero desde que los británicos la transformaron en pop, han sabido sacarle un rendimiento industrial que se basa tanto en la identificación nacional en busca del consumo interior como en una eficaz internacionalización, que garantiza las exportaciones.

En la segunda mitad de los ochenta, cuando empecé a curiosear entre publicaciones musicales británicas como NME, una de las cosas que me llamó la atención era que publicaban dos listas de éxitos. Un chart en el que el número uno solía estar ocupado por Rod Stewart o Elton John y otro dedicado a la producción independiente. Por entonces me pareció que era una forma de apoyar a los grupos minoritarios, elaborando una lista aparte para ellos porque era difícil que alcanzaran las cifras de ventas de los artistas mainstream. Ahora creo que era un modo de ampliar cuota de mercado. Comprar los discos de ese listado alternativo era también un signo de distinción para un público que se apartaba de la música convencional, pero que compraba igualmente.

Muchos años después, las ventas de discos se han reducido de manera tan drástica que apenas preocupa a los sellos, ocupados en rentabilizar sus inversiones buscando nuevas fórmulas (participación en los conciertos, asociación con promotoras, soportes digitales, publicidad); sin embargo, la industria británica mantiene su posición de privilegio.

Las industrias culturales (en estrecha relación con las del ocio) han tratado de seducir a los adolescentes desde que se convirtieron en un grupo social con señas de identidad propias. Una vez más, EE UU fue el país pionero, pero el impacto planetario de The Beatles puso muy pronto a Gran Bretaña en su mismo nivel. Los ingleses descubrieron que el pop no

era sólo música, sino también un estilo de vida y lo habían inventado ellos. La identificación por parte de la gente fue inmediata, era un orgullo estar a la vanguardia del mundo, creando las tendencias de la modernidad.

Ese apoyo interior ha permitido a la industria musical mantenerse hasta el momento actual. Incluso cuando los americanos lograron un fenómeno de alcance mundial como el grunge, la prensa inglesa (y con ella el público) reaccionó creando la etiqueta brit-pop, que devolvió la supremacía musical al país.

La otra parte de la ecuación que puede explicar la supervivencia del entramado pop británico radica en la expansión exterior. Para Gran Bretaña la música es un bien de consumo de enorme importancia, y lo exporta con facilidad gracias a la cualidad hegemónica de su idioma. La tradición musical occidental se cimenta en una historia cantada en inglés, el lenguaje del pop por antonomasia, y esa circunstancia ha facilitado su penetración en todos los mercados, incluso los hispanohablantes. No hay festival que no incluya un alto porcentaje de bandas británicas en su cartel; de hecho, son la garantía de éxito de unos eventos diseñados para satisfacer las necesidades de ocio de los aficionados, pero convertidos en un negocio muy rentable.

Orgulloso consumo interior (sólo los británicos pueden lograr que grupos como Kasabian posean categoría de estrellas) y eficaz estrategia de difusión en el exterior, una receta que parece fácil pero que se sustenta en años de trabajo concienzudo y que, además, tiene a su favor un tercer factor que quizá sea el más importante de todos: el talento.

Porque siempre resulta más sencillo vender los productos de calidad y es indudable que en las artes del pop hay muy pocos capaces de medirse en igualdad de condiciones con los hijos de la Pérfida Albión.

> Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español, con una trayectoria de más de 25 años. Actualmente colabora en la revista Rockdeluxe.

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SHINE A LIGHT Por: Joseph Guillén / Fotos: Cortesía BE

TENEMOS QUE ACEPTARLO: LA INDUSTRIA MUSICAL INGLESA ES TAN COMPLEJA Y LLENA DE CONTRASTES QUE, HOY POR HOY, ES QUIZÁ UNA DE LAS MÁS NUTRIDAS DEL MUNDO Y ES CASI IMPOSIBLE NO VOLTEAR A VERLA. NO SE SABE EXACTAMENTE QUÉ TENGA QUE, DESDE QUE EXISTE EL NEGOCIO DEL ENTRETENIMIENTO, HA SIDO SEMILLERO DE VERDADEROS MITOS DESTINADOS A CONVERTIRSE EN LEYENDAS: DESDE EL CUARTETO DE LIVERPOOL —CON UNA LEGIÓN DE SEGUIDORES DE TODAS LAS EDADES— PASANDO POR EL MOVIMIENTO PUNK, EL SONIDO MADCHESTER Y EL ROCK PROGRESIVO, HASTA LOS QUE PODRÍAN SER CONSIDERADOS LOS ÚLTIMOS GRANDES HÉROES DE LA MÚSICA DEL SIGLO PASADO: OASIS. El hueco que estos últimos dejaron, ya sea por su calidad musical o por las constantes peleas de los hermanos Gallagher, es difícil de llenar, pero de sus cenizas nacieron dos proyectos a los que hay que prestar atención. Por un lado Noel, quien hace lo suyo a su muy personal estilo, y por el otro los miembros restantes de Oasis, que junto con Liam continúan un rumbo un tanto diferente al de su anterior banda —aunque con los mismos bríos— como Beady Eye. El proyecto nacido oficialmente en 2001 con la salida de su debut Different Gear, Still Speeding, nos presenta BE, una placa en la que recorren nuevos caminos sonoros de la mano de Dave Sitek (TV On The Radio). WARP Magazine tuvo oportunidad de conversar con Andy Bell, quien dejó el bajo para retomar su instrumento natural, la guitarra, en esta renovada banda. ¿Cuándo empezaron a crear canciones y decidieron que era tiempo de empezar a trabajar en el nuevo disco de Beady Eye? Terminamos nuestro tour justo en la Navidad de 2011 y co-

menzamos a hacer nuevos demos al empezar 2012, así que, en realidad, nunca paramos de trabajar. ¿Cuándo decidieron que era el momento adecuado de regresar al estudio?

Escribimos varias canciones a lo largo del año pasado pero tuvimos que interrumpir las sesiones para tocar un par de veces con The Stone Roses, como en el concierto de Heaton Park. En ese entonces teníamos una docena de temas y cuando regresamos de esos conciertos llegamos a unas 18. Al final teníamos 21 canciones y fue que supimos que estábamos listos. ¿Qué tipo de canciones buscaban para este disco?

Queríamos traer a alguien fresco para trabajar en el álbum y para eso necesitábamos a un productor. Dave Sitek fue el nombre que decidimos que nos llevaría por mejores caminos en cuanto a sonido y todo lo que faltaba por trabajar terminó sonando muy amplio, con potencial de llegar a más lugares de los que habíamos llegado jamás.

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“Es divertido volver a tocar ‘Rock N’ Roll Star’ y ‘Morning Glory’ y escucharlas en las bocinas en un concierto.

Los fans lo aprecian mucho... lo hacemos por ellos más que por nosotros.”

¿Te gustaría trabajar con Dave Sitek de nuevo?

Sí, sería completamente feliz de trabajar con Dave de nuevo, es un gran productor, uno de los mejores con los que he tenido la fortuna de compartir. El sonido del nuevo disco es muy complejo. ¿Ha sido difícil llevar las canciones del disco al escenario?

Estábamos muy nerviosos acerca de cómo implementaríamos las canciones en vivo, pero al final resultó ser muy fácil. Los sonidos del disco son exactamente los que tocamos en vivo y, en realidad, hay muchas menos cosas pasando al mismo tiempo, así que tenemos menos cosas por hacer. Sólo fue cuestión de replicar lo que sonaba en el disco y no resultó difícil.

Este año ofrecieron un show sorpresa en Glastonbury. ¿Cómo se sintieron de regresar al festival?

Fue una experiencia increíble. La primera vez que tocamos fue con Oasis, cuando estaba Zak Starkey en la batería. En aquel entonces tuvimos muchos problemas con el sonido y, al final, nadie resultó satisfecho con el concierto, pero en esta ocasión tuvimos una mejor experiencia, salimos sin ser anunciados, a primera hora de la mañana del viernes, y tuvimos una audiencia muy grande. El sol salió durante nuestro set y, para el final, nuestra visión de Glasto había cambiado por completo. ¿Cómo se sienten al tocar canciones de Oasis?

Es divertido volver a tocar ‘Rock N’ Roll Star’ y ‘Morning Glory’, escucharlas en las bocinas en un concierto. Los fans lo aprecian mucho; en realidad lo hacemos por ellos más que por nosotros. Sabemos que la mayoría de los fans de Beady Eye vienen de Oasis y lo aceptamos. Tampoco queremos darles demasiado de eso, porque seguimos siendo Beady Eye, pero 062

no podemos negar que pasamos 20 años juntos, escribiendo canciones y todavía nos gustan. Probablemente siempre toquemos un par de esas piezas en nuestros sets.

Como músico has estado activo en la escena de la música inglesa. ¿Cuál es tu perspectiva de la escena actual? Parece que hay mucha música viniendo de la isla…

Así es, es una escena muy saludable. Muchas bandas desconocidas están saliendo de aquí. Hay una banda que nos gusta mucho: Matador, apenas están empezando y sólo los puedes escuchar en Soundcloud; es gracioso, porque uno de sus miembros audicionó para ser nuestro bajista y nunca se rindió; un día me mandó un tuit y el nombre de la banda salió de allí.

Me parece curioso que ahora puedas contactar a cualquier persona por medio de Twitter, allí podemos encontrar muchas nuevas bandas. En un calibre más alto está Temples, que van a sacar nuevo disco pronto, son muy buenos. Hay muchas bandas en Reino Unido... creo que Arctic Monkeys es la mejor.

Has colaborado no sólo con Liam, sino también con Dan Garcia y Adam Ant. ¿Tienes algún plan de sacar disco solista en el futuro?

No, Adam Ant fue sólo un cuento... ¿Pero te interesa la idea de un disco solista?

Sí, quizá algún día. Estoy muy contento con Beady Eye pero en el futuro es posible. Nunca lo he hecho, sería algo nuevo para mí.

Acaban de comenzar la gira. ¿Tienen planes de venir a México?

Creo que iremos pasando Año Nuevo. No te puedo dar una fecha, pero he escuchado algo al respecto…

STAND ON THE HORIZON Entrevista: Raúl Arce y Karina Luvián / Texto: Raúl Arce / Fotos: Cortesía FF

ES BIEN SABIDO QUE LAS NACIONES QUE INTEGRAN REINO UNIDO HAN VISTO EL NACIMIENTO DE MUCHAS DE LAS BANDAS MÁS IMPORTANTES DEL PLANETA; SIN EMBARGO, EXISTE LA IDEA DE QUE SÓLO ALGUNAS CIUDADES —COMO LONDRES, MANCHESTER Y LIVERPOOL— CONCENTRAN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA EN DICHAS LATITUDES. LA REALIDAD ES QUE SI MIRAMOS UN POCO MÁS ARRIBA, HACIA LAS TIERRAS ALTAS DE ESCOCIA, NOS ENCONTRAREMOS CON UNA CIUDAD CUYA OFERTA CULTURAL ES VASTA Y DIVERSA, CUNA DE BANDAS ICÓNICAS PARA LA MÚSICA BRITÁNICA. 064

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Se trata, por supuesto, de Glasgow, ciudad que ha visto el surgimiento de bandas de la talla de The Jesus and Mary Chain, Belle & Sebastian y Franz Ferdinand, siendo esta última aquella que representa, hoy por hoy, a una generación relativamente nueva de músicos escoceses. En 2011, luego del éxito cosechado con tres álbumes en su historia, los liderados por Alex Kapranos anunciaron su regreso al estudio, con la promesa de no sobreexponer los avances de la producción para que a mediados del año pasado se presentaran en diferentes festivales, donde debutaron algunos de los temas que ahora integran Right Thoughts, Right Words, Right Action, su nuevo disco.

Con esto en mente, WARP Magazine platicó con Robert Hardy —bajista de la banda— y, en exclusiva a nivel Latinoamérica, con el mismo Kapranos, quienes ahondaron en la realización de su nueva producción, compartieron su perspectiva

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sobre la escena actual e, incluso, del arte contemporáneo y su influencia en su quehacer creativo.

Han pasado cuatro años desde el lanzamiento de Tonight: Franz Ferdinand. ¿Cómo se sienten de estar de regreso?

Alex Kapranos: Muy bien, ¡de verdad que sí! Creo que la banda está en su momento más positivo, a nivel personal y musical, y estoy seguro que todos nos sentimos bastante contentos por este álbum.

Se dice fácil pero fue bastante tiempo el que estuvieron alejados de la industria. ¿Esto fue una decisión consciente o simplemente ocurrió?

Bob Hardy: Mmm, no fue una decisión como tal. Cuando terminamos la gira de nuestro tercer disco no fuimos directo al aeropuerto y dijimos: “Bueno, nos vemos en 12 meses”… ¡no dijimos

nada!, sólo nos tomamos este largo tiempo. Después, de manera natural y luego de varios meses, nos pusimos al corriente y dijimos: “¿Queremos hacer otro álbum?”, a lo que respondimos: “Bueno, está bien, pero sólo si es uno bueno”, por lo que empezamos a trabajar y en la primavera de 2011 ya nos concentramos en este disco.

Así que no fue una decisión consciente el alejarnos, fue más el impulso de tener tiempo para nosotros y después realizar un disco.

Hemos escuchado algunas canciones de Right Thoughts, Right Words, Right Action y, aunque en estos tracks resulta evidente su estilo, sí hay diferencias con sus producciones anteriores…

AK: Me alegra mucho que lo hayas notado, porque eso era exactamente lo que queríamos hacer. Creo que como banda no se debería estar avergonzada o temerle a tu personalidad; sin embargo, pareciera que esto le ocurre a muchas a

medida que pasan los años, por lo que buscan esconderse o pretender que son algo diferente. Considero que debes estar orgulloso de tu personalidad y, en nuestro caso, ésta viene de la manera en que tocamos juntos, lo que fue determinante en cómo abordamos este disco. Cuando vamos al estudio no buscamos hacer capas y capas de sonido, es decir, no grabamos las guitarras, luego el bajo y la batería, ¡claro que no! A nosotros nos gusta tocar juntos, de esta manera obtenemos fluidez e inclusive la irregularidad que nos hace sonar auténticos. Además, es posible mantener tu personalidad y aún así hacer algo nuevo. Para nosotros se trata de probar alguna progresión de acordes que nunca habíamos usado, un ritmo diferente, ¡qué sé yo! Es una combinación de cosas, esforzarte por tomar direcciones diferentes pero sin olvidar quién eres.

“Como banda no se debería estar avergonzada o temerle a tu personalidad... pareciera que esto le ocurre a muchas... por lo que buscan esconderse o pretender que son algo diferente.”

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Foto: Sergio Gálvez para WARP, Lollapalooza 2012

“En mi opinión, Franz Ferdinand siempre actúa con el mismo poder y crudeza, tanto en un pequeño cuarto como en un estadio para 20 mil espectadores.”

Luego de que anunciaran el inicio de la producción de este nuevo material, ¿se sintieron presionados por las expectativas?

BH: No, no hubo presión. Creo que tener tiempo libre fue genial para todos nosotros, así que cuando regresamos —en 2011— y más o menos empezamos a trabajar, estábamos frescos, recordamos ese gusto por estar en una banda y hacer música, porque no estuvimos en el ojo público realmente y no sentimos ninguna presión. No es como que el mundo estuviera esperando un nuevo disco de Franz Ferdinand, eso nunca fue cierto, por lo que fue una grata forma de hacer el disco posible ¿sabes?, sólo salir, escribir algunas canciones, procesarlas, grabarlas y tocar lo mismo a lo largo de los siguientes 18 meses; fue una buena forma de abordarlo.

Leí que grabaron el disco en diferentes estudios. ¿Cómo funcionó esto para ustedes? ¿Cómo fue el proceso creativo?

BH: Bueno, nosotros nunca estuvimos interesados en sólo escribir y entrar al estudio para grabar el álbum completo, en una larga sesión; esa no es la forma en que nosotros trabajamos, sin nada de disfrute, porque entonces sientes una especie de quietud, pierdes tu libertad, esa instinto que posees… pierdes esa especie de energía rápida que surge cuando dices: “¡Wow, qué canción! ¡Grábala!”, no logras eso cuando te sumerges en una sesión larga.

Lo que hicimos entonces fue tomar una semana de composición, Alex y Nick en Londres o yo mismo trabajando algo de música por mi cuenta, para después regresar como banda a un cuarto de ensayo, tocar, la siguiente semana entrar al estudio y grabar.

De eso podían salir una o dos canciones. Luego de cinco o seis días juntos tomábamos una semana de descanso para alejarnos, fue como grabar una serie de EPs y luego decir: “¡Hagamos un disco!”, hacer las cosas a través de pequeños pasos, lo que nos dio alrededor de 20 canciones. Fue entonces cuando elegimos las mejores, o nuestras favoritas, aquellas que encajaban mejor juntas. Este, en mi opinión, es el proceso ideal, el tomar un tiempo como te acabo de platicar, de verdad fue una manera disfrutable.

Ustedes, como músicos, ¿pueden encontrar inspiración en otras manifestaciones artísticas?

AK: ¡Por supuesto! Es posible encontrar inspiración en todo tipo de lugares y cosas, y a menudo es más fácil hacerlo en medios que son diferentes al tuyo. De hecho, hay una canción que no entró en este disco pero que fue inspirada por un viaje que hice a una galería en Londres, en donde me quedé sentado frente a una pintura de Miró, absorto. En ese lugar había un biombo sumamente poderoso del pintor, en el que utilizó tres lienzos azul cobalto, con líneas diagonales rojas. De verdad, me quedé totalmente abstraído por la vida de esa obra, la manera en que el rojo adquiría poder era impresionante, pero esto se lograba gracias al contexto en el que estaba. Esta idea de la importancia del contexto es algo que a veces se traduce a nivel lírico o rítmico en una canción. Lo irónico es que este

tema no entró en el disco, pero de verdad me hubiera gustado incluirla; ‘Escale In Blue’ era su nombre. Evidentemente la pintura no es el único medio de inspiración, incluso en el cine me fijo en las diferentes técnicas y pienso: “Yo podría emplear eso, podría usar ese elemento”, siempre hay cosas que puedes aplicar cuando produces música.

Un disco siempre es reflejo de sentimientos o vivencias de su autor. ¿Qué es lo que quisieron reflejar en esta placa?

BH: Es un tanto complicado hablar de las ideas detrás de las canciones. Quizá son la búsqueda escéptica de algún tipo de respuesta. No somos personas religiosas, pero sin duda teníamos la urgencia de entender la condición humana, en dónde estamos o por qué estamos aquí tanto como cualquier otro lo hace. La idea de la mortalidad nos sigue atrapando, hay cosas muy importantes: la idea cósmica del universo expandiéndose, alcanzando su tamaño más alto, la idea de vivir en este sistema solar es algo asombroso, sin mencionar la consciencia de nuestra humanidad y las conexiones personales que establecemos… Esas son cosas importantes.

Han visitado la Ciudad de México en varias ocasiones pero aún hay seguidores que no los han visto. En este punto de su carrera, ¿cómo podrías describir un concierto de Franz Ferdinand?

AK: ¡Diablos! Creo que sólo puedo hablar desde la perspectiva que tengo cuando estoy en el escenario; de cualquier modo, pienso que es un espectáculo abierto y lleno de energía. Una de las cosas que más me gusta de tocar en vivo es lo gratificante que es, no tengo palabras para describir el poder del público y la influencia que tiene sobre la banda. En mi opinión, Franz Ferdinand siempre actúa con el mismo poder y crudeza, tanto en un pequeño cuarto como en un estadio para 20 mil espectadores. Cuando tocamos todo proviene de nuestra interacción y de nuestros instrumentos, nunca salimos con una pista o músicos extra, así que si vas a vernos realmente nos escuchas hacer música, pues las bandas más grandes se han forjado de la manera en que cuatro personas interactúan y de su personalidad. Recientemente fui a ver a The Rolling Stones en Hyde Park y, la verdad, no sabía qué esperar; tú sabes, un grupo de tipos de 70 años haciendo rock and roll. Al final me gustó mucho y escuché a alguien decir algo muy cierto: Es impresionante cómo cuatro o cinco personas con guitarras, bajo y batería pueden crear una energía tan poderosa. ¿Tras la salida de Right Thoughts, Right Words, Right Action planean salir de gira o aprovecharán el momento creativo que viven?

AK: Queremos irnos de gira un tiempo y visitar lugares a los que no hemos ido. Por otro lado, siento que estamos en una vibra creativa sumamente interesante, además de que hay personas con las que nos gustaría colaborar, aunque ahora no las quiero mencionar, no quiero echarlo a perder.

> Raúl Arce es Editor de Contenidos de Gamebox.la, puedes leer su entrevista con Miles Kane en WARP #58.

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WARP TV P73. TECHNOLOGIC. Campus Party / P74. LUST IN THE MOVIES. GIFF 2013 / P76. FASHION NUGGET. Bring The Noize / P78. ART BRUT. Lab Art

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TECHNOLOGIC

Campus Party México 2013 #CPMX4

Texto y foto: Alejandro Escobedo

Campus Party es el evento de comunidad geek por excelencia desde hace ya varios años, y en su edición 2013 los contenidos de primera clase no fueron la excepción. Lo primero que ves cuando entras a Campus Party México es el impresionante cúmulo de interminables hileras de luces de pantallas pertenecientes a computadoras, gadgets, laptops y proyectores.

Al levantar un poco más la vista te das cuenta de que al centro hay un gran centro de control de datos, que provee la conexión de 20 Gb/s disponible para todos los campuseros. Ya caminando por los pasillos podías encontrar talleres de múltiples temas: creación de videojuegos, diseño, programación, emprendimiento de negocios y hasta concursos de videojuegos.

De lo más destacado de Campus Party, sobresalen las conferencias magistrales, como fue la de Buzz Aldrin, segundo hombre en la historia de la humanidad en pisar la Luna en 1969, quien exhortó a los jóvenes a tomar riesgos y tomar el control del futuro de la tecnología. Hizo hincapié en que pasaron solo 66 años desde que el hombre desafió la gravedad y voló un avión por primera vez, hasta que pisamos la Luna, tiempo récord considerando que el programa espacial desde entonces ha reducido su velocidad enormemente.

Dijo también que hace falta un líder como lo fue en su momento John F. Kennedy, que pusiera una meta a alcanzar, por imposible que pareciera en el momento. En sus propias palabras “Al aventurarnos al espacio, mejoramos la vida aquí en la Tierra.”

Al escenario principal de Campus Party subió el fundador de Atari, Nolan Bushnell, primero a recordarnos que nada menos que Steve Jobs y Steve Wozniak, fundadores de Apple, trabajaron para Atari creando videojuegos, enfatizando elementos cla-

ves que Jobs discutía siempre con él: entusiasmo, creatividad y optimismo. Sugirió a los jóvenes campuseros ser curiosos sobre negocios que pueden parecer raros y para nada relacionados con la industria en la que estás, pues abren tu mente a formas diferentes de pensar; “Si no has fallado, no lo has intentado”.

La conferencia del guatemalteco Luis von Ahn fue por mucho más inspiradora, pues el creador del sistema de seguridad CAPTCHA -los caracteres ininteligibles que nos hacen escribir para comprobar que no somos bots intentando robar tarjetas de crédito y cuentas de correo-, explicó cómo fue que fundó sus proyectos a partir de energía auto-sustentable. Y no hablaba de electricidad, sino de la energía que ocupa la misma gente al ingresar los códigos de CAPTCHA, para ayudar a escanear millones de libros antiguos, cosa que una computadora por sí sola todavía no es capaz de hacer a la perfección. Habló después de su servicio de aprendizaje de idiomas, Duolingo, y bajo el mismo concepto de auto-sustentar el proyecto para que la gente no tuviera que pagar un centavo y al mismo tiempo fuera rentable, decidió hacer que la gente mientras aprendía tradujera para practicar, vendiendo esas traducciones a otras compañías.

En conclusión, Campus Party tiene ya tiempo promoviendo la convivencia geek más allá del simple ‘trending’ en todo el mundo, pero toma cada vez más fuerza en países latinoamericanos como México, Brasil, Argentina o Colombia, donde la explosión de las herramientas tecnológicas y gente joven dedicada a desarrollarlas significa un cambio de cultura y proliferación de ideas innovadoras sin precedentes. Nunca antes había tenido tanta relevancia la frase “Geek is the new black”.

> Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y colaborador de WARP, puedes leer su columna World War Gaming en WARP #58.

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LUST IN THE MOVIES

Guanajuato International Film Festival 2013 Por: Diovanny Garfias / Fotos: Franccel Hernández para WARP

Sin duda, el cine es un arte que, día con día, atrapa más adeptos y, a pesar de las dificultades que su aprendizaje y práctica representan en países como México, nos encontramos con diversos esfuerzos por acercar la disciplina a la gente, sobre todo a los jóvenes. Uno de los más relevantes —al menos de unos años a la fecha— es el del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF, por sus siglas en inglés). El evento, en su decimosexta edición, apostó por encabezar sus actividades con dos de los directores de cine más aclamados e influyentes de las últimas dos décadas: Danny Boyle y Darren Aronofsky, nombres que causaron expectación desde el momento en que fueron confirmados.

DÍA 1 La inclusión de ambos cineastas parecía llevar al GIFF hacia un camino que los organizadores han buscado desde hace años, uno donde todas las actividades se mantengan fuertes y relevantes; sin embargo, la llegada de Danny Boyle a la capital guanajuatense, el jueves 25 de julio, dejó en claro que aún hay mucho por hacer.

El Auditorio Estatal fue la sede para que el inglés ofreciera una conferencia magistral sobre su trayectoria, misma que el público abarrotó (algunos hicieron fila durante más de dos horas para alcanzar un lugar). Tras una breve charla que tocó algunos de los puntos más destacados de su filmografía, Boyle se dispuso a contestar preguntas del público y algunos de los momentos más altos llegaron cuando el director expresó su simpatía por Heli — filme de Amat Escalante—, su aversión a las cintas 3D, su intento por romper las “reglas” espaciales establecidas por Stanley Kubrick en 2001: A Space Odyssey y sus altercados con los grandes estudios, al querer llevar sus historias por un camino diferente.

Cuando se le reconoció su genial aportación al cine de zombis, al hacer que éstos se movieran más rápido que los

humanos en 28 Days Later, Danny Boyle comentó: “No fue una genialidad, simplemente traté de no ser estúpido”, ganándose el aplauso de los presentes. Para terminar, el cineasta comentó su interés por dirigir un musical, destacando que debía ser algo original y no la adaptación de una obra: “Es mi Santo Grial”, aseguró.

Minutos después, Boyle ofreció una charla a la prensa, en la que se tocaron aspectos más profundos de su trabajo, técnica y estilo. Reconoció ser fanático de Diego Rivera y Frida Kahlo, trabajar la mayor parte del tiempo de manera subconsciente y haber incluido un homenaje explícito a la película Memorias Del Subdesarrollo, del cineasta cubano Tomás Gutiérrez Alea, en Trainspotting: “Utilicé la toma final de la película de Gutiérrez Alea, la tomé completamente de ella. Fue un homenaje, porque es una película maravillosa”.

Por la noche, el Teatro Juárez fue la sede en la que Danny Boyle fue homenajeado y, en el marco de la proyección de su cinta Shallow Grave, recibió la Cruz de Plata, reconocimiento otorgado por el festival, así como otros presentes por parte del gobierno del estado.

DÍA 2 El viernes las actividades de redujeron, prácticamente, al homenaje dedicado al director Darren Aronofsky, en una ceremonia conducida por la actriz mexicana Adriana Barraza, con sede en el Teatro Juárez. Durante dicho evento los presentes fueron testigo de una pequeña retrospectiva visual que englobó la filmografía de Darren: desde Pi hasta Black Swan, pasando por Requiem For A Dream, la incomprendida The Fountain y la aclamada The Wrestler. Al final, el reconocido cineasta tomó el micrófono y recordó su primera visita a México, antes de convertirse en la referencia fílmica que representa ahora, además de expresar su cariño por el público de este país y dejar de manifiesto su descontento por no coincidir con Danny Boyle, con quien dijo haber “compartido diversos momentos” en la temporada de premios de 2009.

Poco después, el director fue galardonado también con la Cruz de Plata, reconocimiento otorgado por el GIFF.

DÍA 3 El último día de actividades del GIFF 2013 permaneció fiel a la historia que lo precede, con la premiación a los esfuerzos cinematográficos desprendidos del festival como el mayor evento del día... al menos en el papel. La realidad fue que la gente, una vez más, abarrotó el Auditorio Estatal para presenciar la conferencia magistral de Darren Aronofsky.

Pasado el mediodía, el director de Brooklyn arribó a la sede, tras lo cual comenzó a responder preguntas de los presentes. Desde el comienzo, Darren se mostró de buen humor, feliz de estar frente a tantas personas que reconocieron su trabajo.

Entrado en materia, Aronofsky mencionó que le gusta jugar con elementos opuestos —como “la mezcla entre misticismo y ciencia”— y confesó su pasión por trabajar de un modo en el que no trata de entender las cosas, sino de sentirlas, además de recalcar su esfuerzo por capturar y retratar el espíritu humano en sus trabajos, para que todos puedan “sentirse identificados”.

Otros puntos altos se vivieron cuando declaró ser “afortunado por haber trabajado con diferentes actores”, así como cuando describió su relación con el músico y compositor Clint Mansell y el hecho de “trabajar con una esposa de la que te has divorciado dos veces, aunque el producto final siempre es increíble”.

Pasadas las 14:00 horas el cineasta sostuvo un breve encuentro con la prensa, en el que reveló lo emocionado que se siente por compartir Noah, su próxima película protagonizada por Russell Crowe, Anthony Hopkins y Jennifer Connelly, la cual se estrenará el 28 de marzo de 2014.

Poco después de las 18:00 horas dio inicio la Ceremonia de Clausura del GIFF y, tras la entrega de reconocimientos, se anunció de forma oficial que Polonia será el país invitado en su edición 2014, concluyendo así una semana durante la cual el cine se convirtió en el actor principal de la capital guanajuatense.

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FASHION NUGGET

BRING THE NOIZE Fotografía: Fernando Velasco para Luciérnaga Modelo: Gerardo para BANG Model Management Coordinación de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez Grooming y Dirección de Arte: Chëla Olea

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ART BRUT

LAB ART

“BELIEVE IT OR NOT, I CAN ACTUALLY DRAW” Por: Chëla Olea / Fotos: Cortesía Annie Preece

Lab Art es un lugar lleno de color y libertad artística; WARP Magazine platicó con Iskander Lemseffer, su dueño y fundador, y esto fue lo que nos dijo… ¿Qué es Lab Art? Lab Art es la galería de arte callejero más grande de Estados Unidos, un espacio que abrimos en 2010, de casi dos mil metros cuadrados. ¿Cómo comenzó el proyecto?

Solíamos ir a muchas exhibiciones e inauguraciones y nos dimos cuenta que las galerías de arte contemporáneo no daban el soporte necesario, además de que mostraban la obra solamente de uno o dos artistas, así que decidimos establecer un lugar para que fuera el hogar del “arte callejero”, convirtiéndonos en la galería más vasta de Estados Unidos en este género. En todo este proceso, sin embargo, jamás imaginamos lograrlo. Solíamos tener eventos cada cuatro semanas, en los que exhibíamos el trabajo de cuatro o cinco artistas, y poco a

poco hemos ido creciendo hasta ofrecer la obra de 45 artistas debajo del mismo techo, al mismo tiempo. Nos encanta pensar que este es un espacio donde albergamos a los Warhols, Basquiats o Keith Harris en su inicio; quien sabe, tal vez algo que compres en Lab Art algún día llegue a estar en un museo.

El street art, por definición, es efímero, es una pieza que puede durar 24 horas pues, eventualmente, puede ser borrado o cubierto por pintura. Lo que nosotros buscamos, sin embargo, es inspirar a estos artistas para que hagan una instalación o una pintura más duradera, que la muestren aquí y volverla algo sin fecha de caducidad, algo que pueda vivir en el hogar de cualquier persona. Lab Art también se dedica a guiar a los artistas de manera integral en su desarrollo, permitiéndoles darse a conocer no sólo en Estados Unidos, sino en lugares como Londres, Francia y Latinoamérica.

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Para ubicarnos en un escenario musical, ¿a qué suena el street art?

A principio de los años setenta comienza el grafiti e inmediatamente se vincula con el hip hop como uno de sus cuatro pilares, además del MCing, el DJing y el break dance. Sin embargo, el grafiti no es

exclusivo de la cultura hip hop, muchas bandas punk como Black Flag fueron famosas por tener sus nombres grafiteados en las paredes más conocidas de ciudades como Nueva York, Los Angeles y Londres, o en películas como Wild Style… veremos a qué suena en unos años más…

Annie Preece (1981) es una artista que sin tener una formación como artista, creció en la ciudad de San Francisco y ahora es parte de LAB ART, con su estilo ruidoso, pop, desenfadado y humorístico y hasta cierto punto político, sus obras van desde lienzos y obras de gran formato como murales.

Sin importar a qué movimiento musical se le pueda vincular, el arte callejero definitivamente se encuentra en ascenso debido a lugares como Lab Art. Si están en Los Angeles no dejen de visitar el número 127 de La Brea St.

warp.la l @laGUARP

GUARP

BEADY EYE Shine A Light

By Joseph Guillén / Translation: Jorge Rodríguez

There’s something we have to accept: the British music industry is so complex and filled with contrasts that today it might be one of the richest in the world and it is almost impossible not turning around to check it out. I don’t know exactly what it is about their music industry that, as long as the entertainment business has existed, has turned it into a nest for true myths that are destined to become legends and fill voids that few could fit into. From Liverpool’s Fab Four, who have gathered a legion of followers ranging from every age group, to the punk movement and the Madchester sound, the complexity of progressive rock, and those who could be considered the latest great heroes of music from the last century: Oasis.

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The space that the band has left has hardly been filled, be it because of their music quality or the constant fights between the Gallagher brothers. Regardless, out of Oasis’ ashes there were two projects that emerged and that are worthy of our attention: one of the brothers is doing his own thing and following his personal style; while on the other hand we have the remaining members of Oasis carried by Liam Gallagher towards a very different rhythm than their previous band, along the same verve but with renewed blood in Beady Eye. WARP Magazine had the opportunity to speak with Andy Bell, who left the bass to reconquer his natural instrument, the guitar, in this renewed project.

The first question is about this new album. When did you start to create new tunes for it? When did you feel that it was the right time to start working a new Beady Eye album?

We finished our tour just for Christmas 2011, and at the beginning of the new year we were making new demos, so we never really stopped working.

You started working on the new album, but when did you decide that it was the right time to get back into the studio?

We wrote songs all throughout the last year and we had to stop for a few weeks because of a couple of gigs we had with the Stone Roses, such as the Header Park date. At that point we had like twelve songs, and coming back from that we got to maybe 18 or 20. We ended up with 21 songs and at that point we felt like we were ready.

Talking about the general sound of this album, in my opinion it has a bigger sound. What kind of songs were you looking for in this second album?

We wanted to bring in some kind of fresh man for the record, that’s why we wanted to work with a new producer. Dave Sitek’s name came up and we felt like it would be a good move to involve him, because he led us bound some good sound avenues. What sounded idiotic became a lot more broad and with potential to go more places than we’ve been to before.

Would you like to work with Dave Sitek again in the future?

Yes, I would be absolutely happy to work with Dave again. He’s a really good producer, one of the best I have worked with.

As I said before, this album sounds more complex. Has it been difficult to take these new songs to the stage?

We were quite nervous about getting all the songs from the album into the gig, but really it was quite easy. The sounds on the record are exactly what we play live, actually there are a lot less sounds going down at once, this time we have less to do anyway. It was just a question of replicating what’s going on in the album, and that wasn’t hard.

You just played a secret gig at Glastonbury. How did you feel returning to this big festival?

It was very cool playing this festival again. The first time we played was with Oasis when Zak Starkey was on drums, and we had a lot of problems with the sound, so none of us were really happy with the gig. But it was nice to come back and have a better experience this time around. We came up unannounced first thing in the morning, on Friday and we got a really big crowd. The sun came up during the show, and by the end of it we were all feeling like it really changed our perception of Glastonbury.

How do you guys feel about playing Oasis songs again? You’ve been playing a couple of songs from your previous band.

Yeah, playing them is pretty cool. It’s nice to play “Rock n’ Roll Star” and “Morning Glory” and have them blast out of the speakers at a live gig. The fans really appreciate it, I guess we do it more for them than we do it for us. We know most Beady Eye fans come from Oasis, and we must accept that. We don’t want to give them too much because we are still Beady Eye, but we did spend 10 years together with Liam writing songs, and we still love the songs because they’re great, we’ll probably always put in a couple of them in the set.

As a musician you have been active in the British scene for years.

What is your perception on the UK music scene nowadays? It seems like there’s a lot of music coming from there, as always.

Yeah, it’s a very healthy scene for sure. A lot of new unknown bands coming from there. There’s a band called Matador that we really like, who are really just starting out, they’re only on Souncloud and they’re not on a label yet. It’s funny, because one of the guys was trying out for the bass player job in Beady Eye and he just wouldn’t quit, so their name came up from that. I got a tweet from one of the guys and I thought it was amazing, these days you can reach anybody via a tweet and find out about things like great new bands. On a higher level we have like bands like Temples, who are coming out with an album pretty soon, and they’re great. There are a lot of rock bands in the UK, Arctic Monkeys are the best of them I would say.

You have collaborated in the past not just with Liam but also with Dan Garcia, and Adam Ant, do you have plans to release a new record in the near future?

No, sorry, that Adam Ant collaboration was just a story.

Ok, but would you like to release a solo record someday?

Yeah, maybe someday. It’s not something I think about right now, I’m quite happy with Beady Eye, but in the future it’s possible. I’ve never done it, so it’s a new thing for me.

You just started a new tour this year, any plans to come to Mexico again?

Yeah, I think early in the New Year. I can’t give you a date but I know I’ve heard about that.

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FRANZ FERDINAND Stand on the Horizon

Interview by Raúl Arce and Karina Luvián / Text and translation: Raúl Arce

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It is a well known fact that the countries of the United Kingdom have seen the birth and rise of many of the world’s most important bands. However, there’s a preconceived notion that certain cities –such as London, Manchester and Liverpool– concentrate the artistic production. The reality is that if we look up, a little bit to the north, to Scotland, we’ll be able to find a city with a vast and diverse cultural offer, the birthplace of many iconic british bands.

We’re talking, of course, about Glasgow, a city that has been the starting point for loads of bands like The Jesus and Mary Chain, Belle & Sebastian and Franz Ferdinand, the last mentioned represent, somehow, a relatively new generation of scottish musicians. In 2011, after releasing three albums under their name, the Alex Kapranos’s band announced their return to the studio, under the promise of not overexposing the advances of the production, in order to play in some summer festivals last year, where they showed for the first time a few songs from Right Thoughts, Right Words, Right Action, their new record.

Having these thoughts in mind, WARP Magazine had a conversation with Kapranos himself, who shared the details behind the making of the new record, his perspective on the current music scene, as well on the contemporary art and its influence in his creative endeavors.

It’s been four years since Tonight: Franz Ferdinand was released.

How does it feel to be back?

Very good, we really do! I think the band is on its most positive moment, on a personal and musical level as well, and I’m sure we all feel quite happy with this record.

We’ve had the chance to listen to a few songs from “Right Thoughts, Right Words, Right Actions” and even though your style is very evident in these tracks, there are some differences with your previous productions…

I’m very glad you noticed, because that’s exactly what we wanted to do. I think that as a band you shouldn’t be embarrassed or afraid of your personality, and yet it seems like this happens to a lot of bands as the years go by, so they try to hide or pretend they are something different. I think you have to be proud of your personality and in our case, our personality comes from the way we play together, and this was crucial in the way we approached this album. When we go to the studio, we don’t try to come up with layers and layers of sound, and by that I mean, we don’t record the guitars, then the bass and the drums, of course not! We like to play together, in that way we get the fluency and even those irregularities that makes us sound authentic. Besides, we do believe that it is possible to keep your personality and still create something new. For us, it’s about trying a new chord progression that we hadn’t used before, a different rhythm, I don’t know. It’s a combination of things: making an effort to take new and different directions but always keeping in mind who you are.

As musicians, can you find inspiration in other artistic manifestations?

Absolutely! It is possible to find inspiration in all kinds of places and things, and often it’s easier to do it in media that are different than yours. In fact, there’s a song that didn’t

make it to the album that was inspired by a trip I made to a gallery in London, where I sat in front of a Miró’s painting, captivated. In this exhibition there was a very powerful screen by the painter, in which he used three royal blue canvases with red diagonal stripes painted on them. I was truly entranced by the life contained in that oeuvre, in the impressive way the red colors took importance, but this was all achieved because of the context where it was found. This idea of the importance of context is something that can be translated in the lyrical or rhythmic level of a song. The ironic thing is that this song didn’t make it into the record, but I would have loved to include it; the name of the song was “Scale in Blue”. Evidently, painting isn’t the only source of inspiration, even in the movies I catch different techniques and think: “I could apply that, I could use that element”, there are always things that you can apply when you make music.

You have visited Mexico City a few times, but there are still fans of yours who haven’t had the chance to see you live in a gig. At this point in your career, how would you describe a Franz Ferdinand concert?

Bloody Hell! I think I can only speak from the perspective I get when I’m on the stage, but anyway, I think it’s an open show full of energy. One of the things I love about playing live is how gratifying it is, I have no words to describe the power of the audience and the influence it has over the band. In my opinion, Franz Ferdinand always acts with the same power and rawness, whether it’s in a small room or in a 20,000 seat stadium. When we play, everything comes from our interaction and from our instruments, we never perform with a backing track or with extra musicians, so if you’re coming to see us, you really are watching us play live music. The biggest bands have been forged out of the interaction between the people on stage and their personalities. I recently got to see The Rolling Stones at Hyde Park, and to be honest I didn’t know what to expect. You know, a bunch 70 year olds making rock n’ roll. In the end I enjoyed it a lot and I heard someone say something that’s very true: “it’s impressive how four or five people with guitars, bass and a drum kit can create such a powerful energy.”

After Right Thoughts, Right Words, Right Action is released, do you plan to go out on tour or will you take advantage of the creative moment you’re having?

We want to go out on tour and visit a few places that we haven’t been to. On the other hand, I feel that our creative vibe right now is very interesting, and there are some people we would love to collaborate with, but I don’t want to mention that right now since I don’t want to spoil it.

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GUARP

ASK AMANDA

By Amanda Palmer / @amandapalmer

According with a recent survey in the U.S., most of the population is more concerned about state surveillance than terrorism. How do you feel about it? -Óscar Herrera I don’t think I can measure how much I care about either. I care about both. and I care about the long-term body and mental health of all the people in the world. Including Americans.

I think it’s complicated now: we don’t want to live in fear, nobody ever does. But it’s hard to determine what to spend our energy on, so that fear isn’t a necessary part of everyday life. I see a lot of fear around me and it always makes me sad, because it makes people do terrible things.

Considering that your husband is Neil Gaiman. Do you like comics? What are your favorites?, and If you could, what kind of superpower would you choose? -Sairi Rosas Haha. My favorite comic is called “Dirty Plotte”, by julie Doucet, a Canadian. Her comics are really funny and dark and weird and personal. If I had a superpower? Given the last answer, I’d love to be able to make people fearless at a glance.

After the Daily Mail chapter, are you surprised about the amount of people who shared your video dedicated to the DM? -Andrea Blumen 086

Surprised? no. I think people share things that move them and make them think and laugh, and that’s what that video was trying to do. There’s also something really nice about not feeling alone, and we dont spend a lot of public discourse time talking about how much tabloids and their evil judgey attitudes and photos make us feel. I think a lot of people were just happy that someone said it, and that they could share the sentiment. everybody I know hates tabloids and nobody I know buys them. but somebody must, because they continue to exist....

Now that we are in the second half of the year, what are you going to do in the next months (besides touring)? work on another album, maybe? -Daniela Santiago drum roll...I’m going to write a book. I am going to tour until about mid-December and then me and neil and his two daughters are going to spend 10 days in Mexico (!). After that, I’ll be hunkering down to write. I’m very excited, and as usual I’ll be sharing the entire process on my blog and asking a lot of questions. I want my fans to be really involved in the writing of the book, which is going to be about my life, about art and about asking.

GUARP

FROM THE HEART

By Paul Stokes / @stokesie

I’ve just left the nominations party for the Association Of Independent Music’s (AIM) awards. On Friday I’ll watch Kings Of Leon play an intimate show that their major label are funded by Amex sponsorship. Saturday, three indie labels are staging a festival in east London called Visions that will probably make a loss, but it’s a rare chance to see !!! headlining. Ok, it’s a weird snapshot of my week but I’m telling you because Warp have asked me to give you an account - or blow the lid off - the British music industry. I guess what my itinerary suggests is that it’s an industry of extremes. AIM want to help indies to succeed and so are having a modest ceremony to reward creativity and innovation; the majors labels - of which there are only now three after EMI was swallowed up by its competitors this year - want to sell lots of records and make money; and yet happily in between there’s still scope for people to do something simply because they love music.

So what is the truth about the British music industry? Been in the heart of it I can’t honestly it’s one thing or another – and equally its different extremes don’t behave in a basic black and white fashion. Broadly speaking there are majors and indies, though until recently it was hard to see how the Beggars Group with successes like Adele or The Strokes weren’t stronger than EMI, with specialist acts like Babyshambles or LCD Soundsystem. Arctic Monkeys are signed to an indie, Domino, but have enjoyed major sales. The Beta Band continue to influence a generation of artists right across the spectrum, yet were signed to the corporate Parlaphone. Arcade Fire broke in the UK on Rough Trade, yet no one took umbrage or accused them of selling out when they ended-up Universal. There are acts who would kill for the esteem and artistic freedom major artists PJ Harvey and Bat For Lashes enjoy, yet their “indie” paymasters demand hits.

The point I’m trying to make about the British music industry is that it’s full of rules… and contradictions to those rules.

It’s defined by business values and creative indulgence pretty much at every level. In classic British fashion, our music industry is essentially a happy accident, hence a major label gave us The Beatles at their most out there, while an indie delivered

Oasis at their most bland. We’re a tastemaker market who can help break records globally (ask The Killers who couldn’t get arrested at home till we got involved), this year we have made Daft Punk’s Get Happy our biggest selling single so far, yet we’ve also given the globe awful TV talent shows (sorry for One Direction), supported the worst pop hits and frequently indulged in commercialism for the sake of commercialism (the amount of repackaged, TV advertised Best Ofs that flood the mark every Christmas is cringe-worthy).

So at it’s very best I’d say the British Music Industry is a really good means to an end. And that end is music. In the UK we’re lucky to have an established infrastructure that allows a range of artistic talent the chance to sell records… or die trying. It’s why our pop icons are Take That and Jarvis Cocker; Marc Bolan and Leona Lewis; Joy Division and Simply Red. We ruin music but we occasionally make it infinitely better [coughs] The Smiths. Who knows why, but for some reason the world seems to need our strange, small island, our schizoid taste and our musical snobbery. We’re mad, bad, but sometimes a pleasure to know. And who else is going to do it for you? The Germans? Have you heard Sash! No? There’s a reason for that… (only joking! KRAFTWERK!) 087

encore ARCTIC MONKEYS Glastonbury 2013 Pilton, Somerset, England Pic by Camila Jurado for WARP

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