WARP MAGAZINE #89

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Desde hace más de tres años, nuestros ojos están puestos en Baja California. El tiempo nos ha enseñado que no estábamos equivocados y que apostar por el desarrollo de esa región, es hablar del México contemporáneo y de la vida fronteriza que se ha dignificado poco a poco, pese a las condiciones políticas y sociales que acotecen de este y el otro lado del muro (que además ya existía).

En esta edición recordamos la edición 2018 del Guadalupe Valley Wine Food & Music Festival, con miras a lo que vendrá en este 2019 con la cuarta edición del mismo y su consolidación con el público de "las Californias". Dicho evento es parte de la apuesta de esta publicación que pertenece a Grupo Sentido, responsable de la creación y gestión del Proyecto.

Nos vemos en el Valle el próximo 14 de Septiembre.

Alejandro Franco Publisher / CEO Grupo Sentido

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warpmagazine

WARP MAGAZINE Aristoteles #221, Polanco, Mexico City, México.

(55) 5280 7365 | (55) 5280 0243 | hellowarp@warp.com.mx

Founder & Publisher ALEJANDRO

FRANCO

Creative Director SAMANTHA ARCHIBALD sarchibald@warp.com.mx Art + Design OSCAR

SÁMANO samano@warp.com.mx VALERIA PICON

Editor DIOVANNY

GARFIAS diovanny@warp.com.mx

Copy Editor CRISTINA Web Editors

OROZCO

OSCAR ADAME DIEGO GALÁN

Community Manager ANA Sales Manager JORGE Sales CELIA

CRISTINA BEJARANO bejarano@warp.com.mx

ORTIZ ortiz@warp.com.mx

MARÍA FERNÁNDEZ fernandez@warp.com.mx

Finances DIANA

MANJARREZ diana@sentido.com.mx

Guadalupe Valley Photography

SERGIO GÁLVEZ, JOSUÉ CASASOLA, JESÚS VARGAS, GERSON CRUZ, VIRIDIANA Portrait illustrations

SALVADOR VERANO

© WARP Marca Registrada ®. Año IX No. 89. Revista editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Aristoteles #221, Polanco, Mexico City, México. Tel. +52 (55) 5280 0243.

Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio.

WARP: [ wa-wrp ] verb

1. to bend or twist out of shape, especially from a straight or flat form.

2. cause to become abnormal or strange; have a distorting effect on. "your judgment has been warped..." synonyms: corrupt, twist, pervert, deprave, lead astray3. a culture magazine, submerge in the music and art, and the lifestyle around them.

WA R P

e are proud to present, our winter issue No.89.

n adventure of travel, food, music, & art, through Baja California, the state that hosts our annual festival in México’s wine country Valle de Guadalupe, a place with so much. ichness to offer, in hospitality, food & drink, ecotourism, wine growing culture and warm amazing people, which is why we are placing #BAJANORTE as the best destination to visit and revisit during 2019.

acific Ocean views, a three hour drive from Los Angeles, the best local ingredients for unforgettable restaurants, the sky at night, check out why we highly recommend you follow @guadalupevalleyfestival and make your plans for next year’s festival!

Samantha Archibald

Creative Director

Available wherever books & magazines are sold Also available digitally in iTunes Store & issuu.com

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HOTEL AZUL UN LABERINTO DE SECRETOS Y ARTE EN EL CENTRO DE OAXACA Abasolo 313, Colonia Centro, Oaxaca, México Reservaciones: 951 5010016 Hotelazuloaxaca.com

La historia del Hotel Azul de Oaxaca data desde que inició como una casa familiar, con el paso de los años llegó ser una vecindad diferente y para el año 1992 se rescató de una demolición para transformarse en el hotel boutique de fachada azul, que en la actualidad enamora a los visitantes del centro de Oaxaca.

En el rediseño del Hotel Azul se contó con intervenciones de los artistas oaxaqueños Francisco Toledo, Rubén Leyva, José Villalobos y Luis Zárate.

El diseñador de interiores fue Héctor Esrawe, encargado de situar las pinturas y las piezas de los artistas por todo el hotel. El arte y la esencia de los creadores oaxaqueños se vive en cada estancia, un jardín botánico irradia vida desde el mural, obra de Francisco Toledo y Luis Zárate.

El interiorismo contemporáneo de las 21 espaciosas habitaciones rescata mosaicos colocados por Toledo, y se complementa con piezas decorativas artesanales y originarias de Oaxaca, una manera del hotel de retribuir a los artesanos de su comunidad. Otra iniciativa del hotel para apoyar a los productores locales, ha sido la exclusiva utilización de ingredientes regionales de temporada para la elaboración de los platillos del menú, te recomendamos probarlos mientras disfrutas de una preciosa vista del centro de la ciudad, desde la altura de la terraza.

HOTEL LOS AMAN TES UN HOTEL QUE ENALTECE LAS RAÍCES OAXAQUEÑAS CON SABOR A MEZCAL Ignacio Allende 108, Centro Histórico, Oaxaca, México Reservaciones: 951 514 88 99 Facebook.com/HotelLosAmantesOaxaca

Oaxaca siempre se ha caracterizado por ser un estado que deja sin aliento por sus paisajes, su arquitectura y la gastronomía que ofrece. El Hotel Los Amantes se une a la variedad de hoteles-boutique que existen en la zona, con un estilo clásico contemporáneo, logrado por el arquitecto Joao Boto Caeiro bajo la premisa de mantener la esencia tradicional con un toque de elegancia.

Ubicado en el centro de Oaxaca, junto al zócalo, la catedral de Santo Domingo y los tradicionales mercados, este hotel se ha vuelto uno de los preferidos por los turistas, gracias a su hospitalario servicio y la comodidad de sus habitaciones, nombradas como las diferentes especies de agave como Tobalá, Tepeztate, Barril, Jabalí y Arroqueño.

Contemplar la ciudad desde la terraza del hotel es un deleite, y sin duda esta experiencia debe ir acompañada de las delicias de la gastronomía oaxaqueña que ofrece el menú. Además, probar el mezcal hecho en casa gracias de la Destilería Los Amantes, es una parte imperdible de la estadía.

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MEZCAL MANO Y CORAZÓN O N E C O U L D S A Y, S H E H A S M E Z C A L I N H E R B L O O D

THAT IT COURSES THROUGH HER, POWERING EVERYTHING SHE DOES. TRADITION AND ANCESTRAL WISDOM. PASSION AND LUST FOR LIFE. ONE COULD ALSO SAY, THESE QUALITIES ARE WHAT MAKES HER A GUERRERA. A WARRIOR. THE PATIENCE AND PERSISTENCE OF HER HANDS AND HER HEART. Mano y Corazon was founded by Zayury Jimenez and Keith Forsey. The two friends met through their love for mezcal, music and dance, vowing to create something that would bring people together to celebrate life. The brand pays homage to Chingonas and Guerreras everywhere. Their ancestors, their homeland and their shared resilience.

Zayury is a school teacher, a designer and Master Mezcalier born into the tradition through her grandfather. Though her path took her from the beaches of Guerrero, to the city streets of Seattle, to Sydney and San Martin, it is the distillation of her culture which rooted her back home in Zihuatanejo. Her mission in her work is to empower fellow women and celebrate the craftsmanship of Mexico. Keith is an Oscar, Golden Globe and two time Grammy -award winning record producer and songwriter from London. He lives in Zihuatanejo, where he enjoys supporting entrepreneurs with a passion for life and music. Together, they raise their copitas to you.

Por el gusto.

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HO TEL CAR L OTA EL ECLÉCTICO HOTEL BOUTIQUE DE LA CIUDAD DE MÉXICO Río Amazonas 73, Col. Renacimiento, Cuauhtémoc, CDMX, México Reservaciones: 55116300 Hotelcarlota.com.mx El Hotel Carlota nació como la renovación del antiguo Hotel Jardín Amazonas. El arquitecto Javier Sánchez fue el encargado de iniciar el revival de este hermoso espacio, fusionando la arquitectura tradicional con el diseño urbano, reflejando así al México contemporáneo. La recuperación del espacio también incluyó el trabajo de Ignacio Cadena, quien se encargó del interiorismo. Así, el Carlota se pone a la par de una de las colonias con mayor actividad cultural, conservando elementos originales de la antigua construcción que ahí se encontraba, como los acabados de concreto que forman toda la estructura del hotel.

Cada espacio del inmueble expresa el pasado y el presente del entorno con una variedad de contrastes que dan como resultado un lugar cálido, lleno de historia y tradición, pues han cuidado cada detalle desde espacios y objetos hasta aromas y sabores.

El patio del lugar nos da la bienvenida a una terraza con vista a la hermosa alberca, que invita a degustar el menú de Joaquín Cardoso y Sofía Cortina, que busca enaltecer la cultura culinaria de México; su propuesta gastronómica va por un lado totalmente nuevo, fusión de la cocina tradicional mexicana y sabores globales propios de un restaurante de primer mundo. También con 36 habitaciones finamente diseñadas, en las cuales la decoración juega un papel primordial, ya que se convierten en espacios en los cuales se conjugan todo el buen gusto, el lujo y la calidez que un hotel puede ofrecer.

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AQUILES CHÁVEZ

AVENTURA GASTRONÓMICA Por Lucero Hernández Fotos: Jesús Vargas para WARP

AQUILES CHÁVEZ ES SIN DUDA UNO DE LOS CHEFS MÁS RECONOCIDOS DE LA ESCENA GASTRONÓMICA MEXICANA, NO SOLO POR SU TALENTO EN LA COCINA Y SUS DELICIOSAS CREACIONES, TAMBIÉN POR SER UNO DE LOS ARTISTAS CULINARIOS QUE MÁS VECES HAN APARECIDO EN LA TELEVISIÓN. YA SEA MONTANDO MOTOS, CORTANDO PRODUCTOS O INCLUSO, MOSTRANDO SU VIDA PERSONAL, AQUILES ES UN SINÓNIMO DE COCINA PARA LOS TELEVIDENTES. Baja California

Sin embargo, en Aventura Gastronómica, su nuevo show, el dueño del reconocido restaurante, Sotero, se enfrentó a una nueva experiencia, como él mismo recuerda: En algún momento tuve un programa de viaje y comida. Pero este programa es distinto, me gusta mucho el formato y además de viajar, comer y conocer gente maravillosa, tengo la oportunidad de descubrir o redescubrir, ciertos productos, platos y luego proponer mi propia versión, lo cual me parece maravilloso.

En esta producción de Grupo Sentido para Canal Sony, el host viaja a distintas ciudades del país para encontrarse con los mejores chefs de cada región y así, conocer a fondo su cocina, aventurándose a descubrir la flora y fauna que da origen a la selecta combinación de platillos que distinguen a cada uno de estos territorios. Platicamos con el tabasqueño para develar los secretos detrás de esta nueva aventura. ¿Cómo te sientes al emprender un nuevo proyecto en televisión?

Este programa es como sacarse la lotería, porque tengo que investigar para proponer platos, así que Aventura Gastronómica me da la oportunidad de hacerlo y mostrarlo. Es un programa muy real, muy neto, de lo que yo hago en mi vida diaria como cocinero. Además, como conductor y cocinero me obliga a estudiar, a investigar y a proponer. Lo cual eso me llena mucho el corazón y la cabeza, me encanta.

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“MI PASIÓN ES COCINAR, EL RESTAURANTE, LOS NEGOCIOS QUE TENEMOS. NO ME SIENTO ROCKSTAR, NI FAMOSO, SIMPLEMENTE HAGO MI TRABAJO.”

+ Info: Aventura Gastronómica Viernes 10 pm Canal Sony

¿A nivel personal, qué diferencia a Aventura Gastronómica de otros de tus shows de televisión?

Llevo más de 20 años en el oficio, como cocinero y te puedo decir que todo se ha ido dando de manera orgánica y natural. Sin embargo, en el caso de Aventura…, aunque tenemos el guion del programa, lo que pasa mientras grabamos, es decir, ir, buscar y aprender, es lo que nos da el material. Por ejemplo, en Tabasco, la instrucción era ir por peje lagarto, pero lo que atrapamos fue un robalo y el programa se volvió de robalo. Eso es lo que pasa con el show, lo que tú ves, en verdad pasa en la vida cotidiana. ¿Después de pasar por varios puntos de la República Mexicana, cuál es el episodio que más disfrutaste?

Ensenada, fue uno de los que más disfrute, porque de algún modo ahí se encontraron dos de mis pasiones: cocinar, que es a lo que me dedico, lo que me da de comer y, por otro lado, la pesca, que es algo me encanta. Nunca había pescado en el pacifico mexicano y al final del

día salió muy buen atún, un producto que en particular a mí me fascina.

Como un chef viajero, de esos de los que les tocó salir a mostrar al mundo la cocina mexicana, ¿cuál es tu perspectiva de la nueva generación de jóvenes cocineros que están despuntando?

Como bien mencionas, a mí me toco salir de México pero para aprender, lo que sigue es salir y mostrar lo que somos. Ya está ocurriendo este fenómeno, entonces creo que ya estamos viviendo el futuro de la cocina mexicana. De las nuevas generaciones, las que vienen detrás de nosotros, te puedo decir que son unos chavos talentosísimos, siendo millennials, ya traen incluido todo lo que los celulares o el internet les aporta y además viven en un mundo global. En un par de años vas a ver a grandes cocineros mexicanos triunfar en el extranjero, con propuestas nacionales. ¿Cuál es tu perspectiva de la cocina mexicana en la actualidad y su papel en el mundo?

La cocina mexicana es una de las más importantes y más buscadas en el planeta. Los sabores son auténticos y, como te decía, en un par de años vas a ver a chefs nacionales triunfando en el extranjero porque vienen con un brillo, un ímpetu y un orgullo de ser mexicanos, que no los para nadie.

Para terminar, sabemos que eres un melómano empedernido, así que cuéntanos, ¿qué tipo de música escuchas en un día de trabajo normal?

Fíjate que depende de cómo amanezca y escucho diferentes cosas, por ejemplo, hoy lo primero que puse fue Pink Floyd, también me encanta el reggae, U2, The Cure, soy súper fan de los Fabulosos Cadillacs, de La Maldita Vecindad, Caifanes. ¿Hay algo de música que no te guste?

Lo que no tolero en la vida es el narcocorrido y el reggaeton. No escucho música actual, que creo que también está mal, pero escucho con lo que me quedé en los 90. De hecho, yo quería ser músico, pero bueno me volví cocinero.

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L O O T

E L T E S O R O M E J O R G U A R D A D O D E Z I H U ATA N E J O Por Ceci Yegros. Fotos: Elena Kosharny

EN UNA TARDE CALUROSA EN LA CIUDAD DE MÉXICO, DOS MODELOS EN BIKINI SE PASEABAN POR LAS CALLES DEL CENTRO HISTÓRICO PORTANDO UNAS TABLAS DE SURF EN MEDIO DEL AJETREO Y EL BULLICIO DE LA VIDA URBANA. UNA SEMANA DESPUÉS, LAS MISMAS CHICAS AHORA VESTIDAS DE GALA CON TACONES ALTOS Y MAQUILLAJE, FUERON EL CENTRO DE ATENCIÓN EN LAS ANGOSTAS CALLES Y LAS COSTAS DE ZIHUATANEJO. EL GLAMOUR Y LA ENERGÍA VIBRANTE DE LA CIUDAD SE MEZCLA CON EL ESTILO DE VIDA BOHEMIA Y RELAJADO DE LAS COSTAS DE GUERRERO.

Andrés Saavedra

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conviven con los pescadores, artesanos y comerciantes locales. La profunda conexión que se generó en este puerto es lo que lo convierte en un verdadero tesoro turístico.

El secreto está en su comunidad: diseñadores, artistas plásticos, fotógrafos, músicos y deportistas que optaron por instalarse en esta región,

Con esta atmósfera de por medio es que nació LOOT, un concepto que busca llevar a Zihuatanejo a un nuevo nivel y que reúne todos los aspectos vinculados al arte, cultura y estilo de vida. Una tienda de surf, una galería, un restaurante, una hermosa terraza, un bar, una cafetería, una barbería, una tienda de ropa y accesorios.

l Pacífico mexicano nuevamente se posiciona en el interés de los turistas nacionales y extranjeros. Zihuatanejo, uno de los tres destinos integrantes del llamado “Triángulo del Sol”, es un pueblo pesquero que nos envuelve con su personalidad auténtica. El profundo verde de su vegetación se contrasta con el hermoso azul de la costa grande.

Por esto y más es que tuvimos una charla con Andrés Saavedra, propietario y líder creativo de LOOT. ¿Cómo describirías la idea detrás del proyecto LOOT y cómo comenzó?

Nació como una idea experimental que tenía como objetivo brindar diferentes experiencias de estilo de vida a personas bajo un mismo techo. A menudo pasamos por alto lo que hay dentro de nuestra propia cultura al tratar de captar lo que nos rodea, a veces

nos olvidamos de quiénes somos culturalmente. Parte de la idea detrás de LOOT era mostrar la cultura moderna del mundo a través de un prisma mexicano.

Es claro como LOOT está contribuyendo con la comunidad artística a través de sus valores e ideales, ¿Cómo lograste convertir eso en una gran parte del concepto?

Siempre siento curiosidad por los talentos y las exploraciones creativas de otras personas en cualquier ámbito. Ser curioso en la

vida cotidiana puede ser un desafío de alguna manera, es por eso que decidimos construir una plataforma para personas de todos los orígenes creativos. Trabajamos con talento de países como Chile, Argentina, Estados Unidos, Canadá, Portugal, Inglaterra, Francia y Japón, que están persiguiendo sus sueños en el campo creativo. ¿Y cómo afecta todo esto al área de Zihuatanejo, teniendo en cuenta que gran parte del turismo se da debido a los eventos en los que están involucrados?

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Siempre hemos tratado de promover el destino porque realmente creemos que es un paraíso. Lo que notamos fue que jóvenes con talento se iban de la ciudad para buscar trabajo, y sentimos una gran responsabilidad de mostrarles que aquí sí existen las oportunidades.

Nuestros restaurantes trabajan con agricultores de la zona y tenemos nuestro propio jardín para cultivar nuestros productos. Tostamos nuestro propio café que se cultiva en las montañas locales, incluso el jabón en nuestro hotel está hecho en México. Es increíblemente gratificante poder dar oportunidades.

Entonces, ¿qué sigue para LOOT, cuál es el próximo gran proyecto?

Actualmente estamos desarrollando un concepto que se llama MUSA, un acrónimo de Modern Utopian Society of Adventures. Este

concepto fusiona los diferentes aspectos de la arquitectura, el diseño, el estilo de vida y la hospitalidad. Elegimos una playa completamente intacta a menos de treinta y cinco minutos al sur del aeropuerto de Zihuatanejo y tenemos propiedades disponibles para la venta, y busca combinar el lujo y vida consciente. También lanzaremos nuestro espacio LOOT-CDMX a principios del próximo año, así que estén atentos para más noticias sobre esto.

Después de ser testigos de este maravilloso lugar, volvemos a sentir ese espíritu de comunidad que hace a Zihua tan especial. La esencia de LOOT es lo que vuelve a este concepto tan exitoso y atractivo para cualquier persona que busca conocer el Pacífico mexicano: El poder vivir el turismo desde una atmósfera sustentable.

Esto y más, sin dudas, son la magia de Zihuatanejo.

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TAT IANA CAM AC HO THE FEMINIT Y ON PHOTOGRAPHS

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atiana Camacho es una fotógrafa única en su tipo. Una artista nata que aprendió de su profesión mediante la práctica, tomando una cámara durante sus años de universitaria y retratando a toda persona o escena significativa. “Era mi forma de estar presente, me costaba mucho trabajo”, me declaró, hablando de la creación como un escape.

Ha pasado poco menos de una década de aquella etapa, la colombiana se ha transformado en una artista con una visión que ha llamado la atención de los mayores coleccionistas y críticos de arte de Latinoamérica y Estados Unidos. Preocupada por la representación de género, Tatiana se ha dedicado a otorgar su propia visión de lo que es la feminidad, la visión de una mujer sobre sí misma.

Decidiste abandonar tu carrera en Fashion Marketing porque empezaste a tener conflictos internos respecto a cómo la industria representa a la mujer. Me gustaría saber a tus palabras cuáles son las diferencias entre la forma en cómo ellos las representan y la forma en cómo tú lo haces en tus fotografías.

Dejé la escuela por ello y porque me conflictuaban mucho las prácticas de la industria de la moda, en general. No compartimos valores en todos sus elementos, desde producción hasta trato social y ambiental.

El tema respecto a cómo se proyecta la feminidad es que al final, como en todas las industrias, la moda ha sido dominada por la visión masculina. Históricamente esta visión es la que ha dominado a los medios, no soy feminista, pero creo que está muy desequilibrado. Es valida la visión masculina y la manera como nos ven los hombres, pero casi no ha existido la voz de las mujeres. Al final se usa mucho la sexualidad femenina en la industria de la moda y siempre es contada desde la perspectiva de un hombre. Es por ello que se tocan temas que lo convierten en un monólogo de género.

Ha sido difícil ser mujer en todos los tiempos. Cuando veo series históricas me doy cuenta de que la tenían muy cabrón en el pasado; sin embargo, hoy gracias a esta industria se proyecta a una mujer que tiene que ser súper guapa, una gran pareja, mamá, profesional y que esté buenísima. Es tanto lo que se exige de nosotras que para mí fue importante unirme a la conversación y hablar de lo que es ser mujer desde el punto de vista de una mujer. Estaba cansada de que siempre nos proyectaran y nos vendieran la imagen de una mujer cuando el script escenográfico es escrito por hombres. No tiene sentido que los hombres escriban a las mujeres sobre lo que es ser mujer.

seres vivos de mi entorno y conectándome con mi cuerpo.

¿Para ti qué es ser mujer?

Completamente. Habito un cuerpo de mujer, hace poco una amiga me decía – ya güey, yo quiero ser hombre, qué difícil ser mujer-. Yo amo ser mujer, me encanta toda la parte súper femenina, lo que conlleva cuidarse, ponerse bonita, buscar la suavidad, yo disfruto mucho eso y no cambiaría mi género. Sin embargo, tengo energías masculinas muy activas en mí y todos las tenemos.

Muchas cosas, creo que algo que he aprendido de las mujeres que retrato es que hay muchas formas de ser mujer. Yo vivo la feminidad estando equilibrada tanto en mis energías masculinas como femeninas, cuidando mi naturaleza receptiva e intuitiva, sensible, conectada con los ritmos naturales de la tierra, procurando a los

Hace unos días tuve una sesión fotográfica con una chica transgénero y me enseñó que tengo que ser la versión más auténtica de mi persona. Las fotos me movieron mucho porque ella se identifica como mujer, pero no es mujer de nacimiento, moviéndose mucho mejor que cualquier otra chica que he tenido frente a la cámara.

Creo que el problema no es la feminidad, lo importante es ser tú combinando los elementos arquetípicos masculinos con los femeninos.

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¿Crees que todo esto lo expones en la fotografía?

Sí pero cada quien interpreta mi trabajo de formas muy distintas.

Lo hago con esa intención, pero no de una forma muy estructurada en realidad.

Cuando empecé a hacer los desnudos femeninos lo hice con una intención muy clara. Me leí un Tarot hace años y me dijo que tenía que –sanar mi feminidad-, eso fue hace 7 años. Entonces me puse en acción, me gustaba mucho la psicomagia y todo evolucionó a partir de ahí. Sin embargo, en lugar de llegar a una respuesta con mi trabajo, he creado más preguntas. Tantas mujeres me han enseñado tantas formas de ser mujer y como yo me he desarrollado nuevos intereses, la naturaleza de mi trabajo ha ido cambiando. ¿Tú crees que lograste el objetivo que te dio el Tarot?

Al 100% y se ha reflejado en mis relaciones, en la forma en cómo he habitado mi piel y en mi vida. Cuando llegué a México no podía

relacionarme con las mujeres mexicanas, hay demasiadas diferencias culturales, no las entendía, en esa época me peleé con mi madre y mis hermanas.

No lo tenía a consciencia, pero todos esos problemas fueron resultado de mi pelea con mi propia mujer interna.

Tatiana Camacho

Hoy en día es, al contrario, me entiendo muy bien con las mujeres.

Soy compasiva, ellas sienten mucha confianza conmigo, lo cual fue difícil al inicio, al momento de desnudarse o incluso de hablar.

Creo que antes cargaba con una feminidad inconsciente, en este caso de que –soy mujer porque ocupo un cuerpo de mujer-. No sabía el tipo de energía que iba a aprender de lo que implicaba ser mujer.

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FOTOGRAFÍA: JUAN DE LA CRUZ CALIVÁ @_CALIVA_ ESTILISMO Y PRODUCCIÓN: ESTEFANI SEQUEIRA MODELO: ALICIA CHEN HE @6XUE6MEI6 HAIR & MAKE UP: JACKELINE MCLEAN ASISTENTE DE ESTILISMO: LARINA LANG ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: FRIDA MONTERO ASISTENTE DE PRODUCCIÓN: RODRIGO SABORÍO

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FOTOGRAFÍA: JUAN DE LA CRUZ CALIVÁ @_CALIVA_ ESTILISMO Y PRODUCCIÓN: ESTEFANI SEQUEIRA ASISTENTE DE PRODUCCIÓN: MARBETH MORALES MODELO: ALISON LEAVER @TOXIC.BUNNY ID MANAGEMENT @ID_MGMT

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I CANNOT CARRY A NAME FRAGMENTO DE LA OBRA DE LUCIANA VILLEGAS

LUCIANA VILLEGAS ES ACTRIZ, ESCRITORA Y TRABAJA EN PUBLICIDAD (EN LAS ÁREAS DE COPY Y DIRECCIÓN DE ARTE). EN 2016 PUBLICÓ SU PRIMER LIBRO, LA SELVA (POESÍA ILUSTRADA), Y DESDE ENTONCES SE HA CONVERTIDO EN UNA AUTORA INDISPENSABLE EN LAS PÁGINAS DE WARP. EN 2018 PUBLICÓ DOS POEMARIOS: INSTRUCCIONES PARA ESTORNUDAR Y I CANNOT CARRY A NAME, ES DE ESTE ÚLTIMO QUE PRESENTAMOS UN FRAGMENTO, PRECEDIDO DE UNAS PALABRAS DE SU AUTORA: Creo fielmente en la autopublicación. Llevo un par de años jugando con diferentes formatos para darle cabida a mis creaciones poéticas, sobre todo en digital, siempre con la conciencia de ser parte de un colectivo y por lo mismo buscando y generando colaboraciones para las mismas.

Escribir como medio de exploración continua, la poesía en particular, siendo un lenguaje que se ha transformado y que nuestra generación ha retomado para revolucionarse, para crear arte sin necesidad de intermediarios y con el objetivo de identificarse.

-Luciana Villegas

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AMOR DE V E R AN O D R AW I N G M U S I C

SALVADOR VERANO CALDERÓN ES UN ILUSTRADOR MEXICANO DE 28 AÑOS DE EDAD QUE SE HA CONVERTIDO EN UNO DE LOS MAYORES REPRESENTANTES DE UNA PROFESIÓN QUE HA ESTADO RETOMANDO IMPORTANCIA DENTRO DE LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA NACIONAL: LA ILUSTRACIÓN DE POSTERS PROMOCIONALES Y DE MERCANCÍA OFICIAL.

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tocar a Pachuca, sin que nadie me pidiera nada. Les mandaba mi trabajo y de ahí me empezaron a contactar, con proyecto renumerados”, nos declaró.

Sus inicios dentro de la industria fueron precarios, de acuerdo a él, sus primeras oportunidades nacieron del ser un fan.

“Tomé la iniciativa de hacerles una especie de ‘fan art’ a las bandas que llegaban a

Aunque dice que ahora se encuentra feliz de su profesión, en un inicio no creyó que su hobby resultaría en una carrera bien formada, la cual le ha dado muchas satisfacciones.

“Escucho música desde hace mucho tiempo, incluso llegué a tener una banda. A pesar de que no terminé siendo músico, siempre tuve la intención de pertenecer a la industria”.

ajo el pseudónimo de Amor de Verano, este chico originario de Pachuca ha logrado colaborar con su trabajo con una lista de artistas que van de Canseco, Termo, Riesgo de Contagio y Enjambre a nombres como Weezer, MGMT, The War On Drugs y Jimmy Eat World.

Su trabajo y el de muchos otros artistas de su generación está siendo muy bien recibido por el público de la industria independiente, con promotoras que apuestan en cada concierto a la ilustración como el recurso más importante dentro de sus estrategias de comunicación.

“Al final la imagen complementa al sonido y creo que la ilustración es un recurso que se está usando y que tiene un gran potencial para explotarse”.

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AR T E B A J A NORTE

UNA CHARLA CON UN ABOGADO AMBIENTAL Y SU PERCEPCIÓN ARTÍSTICA DE LA ZONA NORTE DE BAJA CALIFORNIA, MÉXICO

LA TRAYECTORIA DE RUBÉN REYES AGUILAR LO HA ENCAMINADO A DEDICAR SU TIEMPO Y TRABAJO CON UN MISMO FIN, A LA ABOGACÍA, PARA PROTEGER DESDE LA LEGITIMIDAD EL MEDIO AMBIENTE Y PROMOVER UNA CULTURA CONSCIENTE DEL ENTORNO Y, DESDE SU AFICIÓN Y TALENTO LA VIDA LO HA LLEVADO A EXPRESAR, POR MEDIO DE LA PINTURA Y LA ILUSTRACIÓN, LA PROMOCIÓN DE LAS BELLEZAS NATURALES DE BAJA CALIFORNIA. SU INTENCIÓN ES CREAR UNA CONCIENCIA COLECTIVA SOBRE EL DESARROLLO SUSTENTABLE Y PARA ESTO SE HA PREPARADO, ARDUAMENTE, ACADÉMICA Y ARTÍSTICAMENTE.

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uvimos la oportunidad de entrevistarnos con él y, nos dejó un mensaje claro, que el tiempo para realizar lo que sea que hagas, pero para el beneficio de otros, es vigorizante. ¿Por qué te interesó la protección ambiental?

Mi interés profesional se enfoca al conocimiento y ejecución del marco jurídico para promover la protección, preservación y el aprovechamiento de los recursos naturales manteniendo el equilibrio ecológico sin comprometer el futuro de generaciones venideras. Soy parte de una nueva generación consciente y comprometida con el cuidado, conservación y equilibrio del medio ambiente. Las políticas gubernamentales en materia económica, social y educativa no son suficientes. Creo que hace falta una actitud obligada en la búsqueda del desarrollo sustentable. Son muchas las problemáticas, los cambios dependen de cada individuo y el interés debe existir en todos. ¿Qué te inspira para expresarte a través del arte?

Con las pinturas, dibujos y/o ilustraciones que realizo pretendo destacar los aspectos culturales de nuestra región, lo que nos caracteriza como región. Resaltar lo bello y buscar se aprecie como elemento valioso y requiere de todos para preservarlo.

Me entusiasma contribuir a generar una consciencia colectiva. Somos parte de un todo que interactúa constantemente y no debemos desapegarnos ni del entorno y de su composición natural. Por esto fue que surgió en mí la pasión de utilizar los mecanismos jurídicos existentes, para reconocer, valorar y desarrollar habilidades de sana convivencia, entre personas, cultura y, entorno.

¿Cuándo te iniciaste en el arte, qué técnicas utilizas y cómo son tus momentos de expresión?

Desde niño dibujo, como todo niño me atraían los dibujos y las caricaturas, pero con curiosidad, quería saber cómo lo hacían, en la escuela primaria siempre tuve un cuaderno y dibujaba superhéroes o algo del fútbol, cualquier cosa que me llamará la atención. En la preparatoria siempre participe en actividades relacionadas con el arte, pero no fue hasta la universidad que empecé a hacer esto junto a mi carrera de un modo estructurado, con maestros de pintura, dibujo, técnicas, amigos, participaba en talleres para mejorar y aprender de esto al máximo, abierto a escuchar un buen consejo.

Recibí enseñanzas en varias técnicas, la que más me gusta es la hecha a base en pintura

acrílica, pero la técnica con lápices de carboncillo es la que más tengo desarrollada, pues la hice desde la infancia, últimamente, las combino y me gusta.

El trabajo que realizo con la pintura, a veces, resulta algo difícil de combinar, pero encuentro el tiempo y cuando veo algo que me gusta, donde esté, le tomo una foto y más tarde la hago a mi estilo con la técnica que estoy desarrollando. Veo algo que capte mi atención, trato de entender como está compuesta y estructurada, visualizo los colores y, simplemente, lo expreso. Cuando esto pasa, compro un pliego de papel, voy a donde tengo mis herramientas y utensilios de arte, pongo música y me dejo llevar como lo vaya sintiendo. El arte como expresión humana, debe reflejar las sensaciones y el estado de ánimo. ¿Cómo surgió el proyecto de Arte Mexicano Baja Norte?

Amigos y familiares me convencieron de hacer públicos los dibujos y pinturas, yo lo hacía como “hobby”, pero después de realizar algunas exposiciones en el centro estatal de artes y en cafeterías locales hice un perfil en Instagram: @artemexicano.bajanorte el nombre refleja lo que exhibo. Soy un artista mexicano orgulloso y vengo de una hermosa región, Baja California.

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¿Cómo describir a esta región de México?

Ensenada es una región con biodiversidad terrestre, marítima y de múltiples ecosistemas.

Al oeste hay mar frío, y al este, cálido. Sus playas invitan a las actividades acuáticas como: el surf, la pesca, regata de veleros, entre otras.

Es puerto de grandes barcos cruceros, por tanto, el turismo es una actividad cotidiana y la gente de todo el mundo pasea por nuestras calles. Al noreste de Ensenada, se ubica una de las zonas más importantes en la producción de vinos y, también ha destacado, por la calidad gastronómica. En el Valle de Guadalupe la gente encuentra el mejor de los vinos y comida de primera, por lo cual, ha surgido un “boom” en la región, que consiste en la organización de eventos y/o espectáculos como conciertos y festivales, provocando que las actividades económicas vinculadas a los servicios turísticos incrementen la derrama económica y el mejoramiento de la calidad de vida de la zona. Aunado a las actividades productivas como la agricultura y la pesca que se desarrollan al sur de Ensenada.

Me complace, que nuestra región sea un verdadero atractivo turístico, vengan a disfrutar de Baja California, de sus playas y de Ensenada.

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DANIEL BATES

POSEER L A N ATURALEZ A SIN DAÑ ARL A Por Samantha Archibald. Fotos: Cortesía Daniel Bates para WARP

DESDE PEQUEÑO TUVE UNA CÁMARA KODAK, REGALO DE MI MADRE. ANDUVE TRAS IMÁGENES DEL TIPO CONTEMPLATIVO, ATARDECERES, EL MAR, ÁRBOLES. ME MARAVILLABA LA NATURALEZA Y FUE UN IMPULSO POSEERLA Y SER PARTE DE ELLA. EN 2014 COMPRÉ UNA CÁMARA PROFESIONAL, VENÍA CON UN LENTE Y CREÍ QUE SERÍA SUFICIENTE, A LOS TRES MESES YA TENÍA CINCO LENTES, FLASHES, TRIPIÉ Y OTROS ACCESORIOS. CADA FIN DE SEMANA SALÍA A HACER FOTOS. BUSQUÉ AMANECERES, INSECTOS Y ESTRELLAS. EMPECÉ A BUSCAR DESTINOS DE VIAJE CON FINES ESPECÍFICOS, COMO LOS SALTOS DE BALLENAS JOROBADAS EN PUERTO VALLARTA, RESERVAS NATURALES, CASCADAS, BOSQUES, MIGRACIONES. UN DÍA DESPERTÉ EN UNA DE LAS RESERVAS MÁS IMPORTANTES DEL PAÍS, EN EL CORAZÓN DE LA SIERRA MADRE DE CHIAPAS, BUSCANDO FOTOGRAFIAR UN QUETZAL MEXICANO EN SU HÁBITAT NATURAL. UN ESPÍRITU NUEVO DE CONSERVACIONISMO A TRAVÉS DE LA FOTOGRAFÍA DESPERTÓ EN MÍ. ENCONTRÉ LO QUE DE NIÑO HABÍA BUSCADO: POSEER LA NATURALEZA SIN DAÑAR, LASTIMAR NI DEVASTAR, SOLO SER PARTE DE ELLA.

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Así es como el originario de Mante, Tamaulipas, en México relata su inicio en el mundo de la captura de imágenes y como poco a poco su amor por la naturaleza, lo llevó a capturar tomas increíbles, casi sacadas de una fantasía, aunque todas pertenecientes a nuestra realidad. Platicamos con el fotógrafo, quien nos comparte su visión como artista, además de algunas de sus experiencias detrás de la lente, como la que originó la imagen del poster de Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival.

Sabemos que uno de tus técnicas preferidas es la de macrofotografía, ¿cómo te iniciaste en este tipo de realización?

En los inicios como fotógrafo me asombró la macrofotografía de insectos. Descubrí formas y texturas que, de otro modo, no se podrían apreciar y empecé a ver a los insectos de forma más “personal”. Se piensa que llevan vidas aleatorias y sin sentido, pero en los insectos hay un profundo sentido de supervivencia y coexistencia, que obliga a poseer en menor o mayor grado algún tipo de inteligencia, de pensamiento. Observar esto en los insectos me maravilló. Ver el nacimiento de una mariposa monarca, la interacción de avispas, hormigas y abejas en una flor es sorprendente. Ver como machos de arañas salticidae practican sus danzas de cortejo antes de presentarlas frente a la hembra.

Observar las caprichosas y diversas formas de las orugas, en fin, un micro mundo que resulta ser un universo. ¿Crees que existe una visión ambientalista de ver la realidad con la fotografía?

La visión ambientalista surgió al descubrir el enlace de nuestra vida con aspectos de la naturaleza. El ir a la esquina a la tienda implica un impacto ambiental, tal vez insignificante, pero millones de impactos insignificantes son los que han devastado nuestros ecosistemas y han extinguido especies. Las selvas y bosques de Chiapas son devastadas por la tala de árboles, actividad prohibida, pero no condenan el uso de madera. Se condena la devastación de selvas para sembrar palmas para producir aceite, pero no se condenan los productos derivados de ese aceite que se venden en los supermercados. A través de la foto se descubren vínculos tan cerrados entre lo que se hace y, lo que se condena, y, surge la revelación: “nos estamos condenando a nosotros mismos”. ¿Consideras que tu trabajo y el de otros están ayudando a documentar una realidad de la que no estamos conscientes?

La fotografía de la naturaleza nos permite enriquecer información que revela aspectos que se desconocen de ecosistemas afectados. El fotógrafo de naturaleza, explora a deshoras, y, en lugares solitarios, a veces se devela la naturaleza frente a ti. Ver mariposas es fácil, ver una mariposa nacer no lo es; ver un arcoíris de colores es fácil, ver arcoíris blancos no lo es; ballenas en cortejo, erupciones volcánicas, batallas por territorio, cascadas remotas, en fin, escenarios que existen, pero que solo conocemos a través de la fotografía y, es ahí donde el trabajo y compromiso de un fotógrafo de naturaleza cobra sentido.

¿Cómo fue la toma de la foto del cártel del Guadalupe Valley Festival 2018?

Dentro de la fotografía retratar la Vía Láctea es padrísimo, como diría Mario Rubio, uno de los mejores fotógrafos nocturnos que conozco: “fotografiar la Vía Láctea es fácil, lo difícil es encontrar donde fotografiarla”. Invierto horas y días previos a una foto de este tipo. Hay que hacer visitas al lugar para encontrar el encuadre perfecto, esperar la fecha correcta y las condiciones climáticas ideales. Para tomar la foto del Guadalupe Valley Festival (GVF) esperé varios meses. Había un camino con poca contaminación lumínica y con la orientación ideal para lograr una foto de la Vía Láctea vertical, solo había que esperar la época

del año en que estuviera despejado. La foto programada resultó un éxito, después de meses de espera, las horas invertidas, el traslado y las ofensas a Tláloc, bastaron 20 minutos para lograr la foto. Tuve tiempo libre y tomé la foto de mi silueta a contraluz de las estrellas, una imagen de cómo me veo a mí mismo en esas noches de cacería de Vía Láctea de frente a la naturaleza y el universo.

+ Info: FB: daniel.b.hurtado.3 IG: @daniel.b.h

De alguna forma el vínculo con el GVF y la foto radica en la función de nosotros y el universo que nos rodea, estamos aquí sin saber muy bien para qué y, bajo las estrellas, disfrutamos la vida, comemos, gozamos, sufrimos y vivimos.

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CORÉON DU

LA NUEVA VISIÓN DEL ARTE AFRICANO Por Oscar Adame

C

uando hablamos de África tenemos una idea muy clara. Se nos vienen a la mente imágenes tradicionales de la cultura pop con algunos colores y formas, grecas y tambores, desierto y leones. La actual globalización y la tecnología están ayudando a expandir nuestras perspectivas, y en el caso de África, nuestra visión de su riqueza, sobretodo en el ámbito artístico.

Platicamos con uno de los artistas más polifacéticos de la actualidad, Coréon Du, quien está ayudando a que la trascendencia africana en la cultura global se expanda gracias a su exploración de la riqueza de todo el continente a través de su música, diseños y demás proyectos artísticos.

EL ARTE AFRICANO. La actualidad artística africana es muy amplia. Somos un continente bastante diverso con características muy propias a cada país, me atrevería a decir que existen actualmente diversas características intrínsecas a cada región, y hoy en día finalmente el mundo se está dando cuenta de que no existe una África monótona ni homogénea”, señaló el artista quien nació en Angola pero creció en Estados Unidos.

La imagen primitiva de África que los ojos del mundo tenían le costó a la moda africana la relevancia que en alguna época se ganó al haber sido inspiración de mu-

chos artistas, situación de la cual está muy consciente Coréon Du, por lo que afirma que las nuevas generaciones están trabajando para mostrarle al mundo nuevas visiones y estéticas.

Gracias al desarrollo tecnológico hay una nueva generación de artistas, creadores y diseñadores que empiezan a descubrir que no sólo somos un punto de inspiración, sino que también hay creativos africanos con sus propias voces y personalidades estéticas muy definidas y dinámicas.

Algo que no es sencillo en el continente africano, pues a opinión de Coréon Du, sobresalir en el mundo de la moda es extremadamente difícil por la complejidad de adentrarse en diferentes culturas y territorios que antes carecían de acceso, aunado a la ya creciente tendencia de la apropiación cultural. Desafortunadamente hay todo un movimiento sistemático de apropiación, que describo como el uso sin referencia a la obra o autor original y sin autorización previa, afirmó.

Personalmente me ha ocurrido en todas mis facetas artísticas: piezas musicales, de moda y audiovisual fueron copiadas sin ningún tipo de referencia. Esta cruda realidad suele ocurrir a artistas/creadores independientes, y a países con menos visibilidad en el mainstream. Son muy pocos los artistas que prefieren colaborar cuando se inspiran por nuestras obras.

LA INFLUENCIA DEL ARTE AFRICANO EN EL MUNDO. Los europeos y americanos están retomando las características estéticas de la cultura africana para integrarlas a sus propias artes escénicas y de moda, para ellos, Coréon Du tiene un consejo: exploren otras áreas y romper así la monotonía (¡tenemos mucho que ofrecer!).

La moda no es la única expresión artística africana que se está haciendo presente, tal y como lo muestra su trayectoria. Die Antwoord, Neil Blomkamp, Charlize Theron, Black Coffee, Candice Swanepoel son solo algunas de las figuras sudafricanas que están destacando en las artes.

Sudáfrica sigue siendo una de las grandes potencias culturales africanas. Incluso la película Black Panther es casi una carta de amor a Sudáfrica. Los actores que eran en su mayoría norteamericanos adoptaron un acento sudafricano y la estética visual y musical en su mayoría era de aquella región.

Al igual que su naturaleza multicultural y polifacética, las influencias de Coréon Du son tan amplias como significativas en todos los ámbitos del arte: Oscar Wilde, Björk, películas como Barbarella o El Quinto Elemento, entre otros, lo cual nos resume su visión sobre la riqueza cultural. Coréon Du está aquí para recordarnos que África no es un estereotipo, es todo un mundo sin descubrir que puede inspirar al mundo a nuevos recursos artísticos.

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SESIÓN PARA WARP FOTOGRAFÍA SERGIO OROSPE VESTUARIO: JOCELYN CORONA MAKEUP: CHËLA OLEA

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GARBAGE

D O N ’ T F O R G E T W H AT I W R OT E Y O U T H E N …

VERSION 2.0 Por Diovanny Garfias Fotos: Joseph Cultice

EN AQUELLA REFERIDA ÉPOCA DORADA DE MTV, EN LA AÑORADA DÉCADA DE LOS 90, TENÍA UN HOBBIE, UNA PRÁCTICA COMÚN ENTRE LOS ADICTOS A LA MÚSICA: CAZAR Y GRABAR VIDEOS EN CASETES VHS. 20 AÑOS ANTES DE QUE YOUTUBE SE CONVIRTIERA EN EL AMO DEL CONTENIDO AUDIOVISUAL DEL PLANETA, SI QUERÍAS “POSEER” UN VIDEO Y VERLO CUANTAS VECES QUISIERAS TENÍAS QUE CACHARLO EN LA PARRILLA DEL CANAL Y DARLE “REC”. ASÍ CONOCÍ A MUCHAS DE LAS BANDAS MÁS IMPORTANTES DE AQUELLA DÉCADA (Y DE PASO, DE OTRAS), ENTRE ELLAS GARBAGE, UNA DE LAS POCAS BANDAS QUE CONOCÍA, INCLUSO, ANTES DE QUE ME CONVIRTIERA EN ADICTO A MTV. ‘STUPID GIRL’, ‘ONLY HAPPY WHEN IT RAINS’ Y ‘VOW’ YA VIVÍAN EN MIS PRIMEROS CASETES (DE AUDIO) MEZCLADOS.

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Para cuando Garbage lanzó su segundo álbum de estudio, Version 2.0 y el primer single, ‘Push It’, llegó a la radio sabía que se convertiría en uno de mis discos preferidos, aunque no sabía que me acompañaría durante tantos años. Cuando pude grabar el video de MTV, me di cuenta de que estaba ante algo muy especial, sin saberlo, estaba presenciando un pedacito de la historia audiovisual de la música contemporánea. El video dirigido por el italiano, Andrea Giacobbe (cuyo reel en ese entonces ya incluía el icónico ‘Dirt’ de Death In Vegas), contaba con una narrativa no lineal y una estética neosurrealista, suficientes para impresionar a un neófito del arte sonoro. Si le sumamos la gótica e hipnotizadora presencia de Shirley Manson, entonando retadoramente aquel pegajoso coro, eran motivo suficiente para creer que difícilmente había algo más cool en el mundo (obviamente lo había y en grandes cantidades, pero ese es otro tema).

En efecto, Version 2.0 se convirtió en el disco emblema de la banda encabezada por Manson y conformada por Duke Erikson, Steve Marker y el multipremiado productor Butch Vig. El sonido del álbum trascendería las barreras del tiempo gracias a la experimentalidad de su producción, la manera en la que combinaba elementos análogos con digitales no era algo nuevo, pero sí lo eran las sonoridades resultantes, que bien podían convivir con los beats de los Chemical Brothers sin llegar a ser tan bailables, con las atmósferas triphop de Massive Attack sin ser tan densas, o con los guitarras de Sonic Youth, sin ser tan oscuras. El pop

estaba presente en cada track descaradamente y las letras de Shirley hablaban de sus propias vivencias de una manera honesta pero no explicita, lo suficiente para que todos nos sintiéramos relacionados con las líricas.

Nada me prepararía para que, 15 años después de la salida del disco, pudiera preguntarle a la misma Shirley respecto al álbum, sin embargo, lo hice; en aquella ocasión la pelirroja contestó sin titubear: Se escucha tan bien como cuando salió. Es un disco realmente poderoso y de alguna manera estaba adelantado a su tiempo, además es uno de los primeros discos grabado de manera digital de principio a fin. Fue importante para nosotros como banda y seguimos muy orgullosos de él.

En 2018 el disco cumplió 20 años y para celebrarlo, además de lanzar una edición espacial remasterizada, Garbage salió de gira, visitando diferentes puntos del globo, entre ellos México; motivo perfecto para que, además de recordar la época en que grababa videos de MTV, platicara una vez más con Manson respecto a su segundo vástago. ¿Qué memorias tienes de Garbage antes de lanzar el álbum?, de esa banda que, sin saberlo, estaba por pasar al siguiente nivel. ¡Oh, dios no! Éramos ambiciosos, sabíamos que teníamos que alcanzar el éxito en todo el mundo, que teníamos que presionarnos, sacar ventaja y encontrarnos a nosotros mismos, teníamos la visión clara

de lo que queríamos hacer. Por un lado, estábamos conscientes de la música que se hacía a nuestro alrededor en esa época y al mismo tiempo sentíamos que teníamos que neutralizar diferentes elementos de nuestro estilo, lo más tradicional. En ese tiempo no encajamos en grunge, en el rock pesado, ni en el punk, no encajábamos en ningún lado, porque teníamos cosas diferentes a los demás, cosas que provenían de nosotros mismos, así que decidimos seguir con ese modelo. Fue un momento muy interesante en la música, en la producción y las grabaciones, cambiar de análogo a digital, no era algo muy común en ese tiempo.

Version 2.0 fue el primer álbum de la banda en el que tú compusiste las letras de principio a fin, a diferencia de su debut, en el cual todos colaboraron. ¿Cómo recuerdas esta experiencia 20 años después? ¿Sabes? Creo que todos tienen que empezar en alguna parte. Yo entendí que para que nuestra banda fuera exitosa tenía que tomar la responsabilidad de mi puesto. No quería ser criticada por algo en lo que yo no tenía control, entendí que esa era la regla.

Me gané el puesto después del éxito del primer álbum, pero también quería tomar la responsabilidad que conlleva. Estoy agradecida conmigo misma, con mi yo más joven, por tener el valor de hacer eso (era algo arriesgado). Pienso que soy muy afortunada, trabajo con tres hombres generosos que me permiten tomar el control en ese sentido y como resultado es más fácil nuestra relación de trabajo.

Al final del día, cuando las reglas están definidas todo es más fácil.

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Con el disco debut tocaron en clubes y en festivales, espacios hasta cierto punto más controlados, sin embargo, este disco fue el que puso a la banda a encabezar su propio tour. Empezaron a tocar en arenas y a enfrentarse a un público diferente, además, V2.0 tiene muchos elementos electrónicos, ¿cómo fue darle vida en un escenario?

Es una pregunta interesante, tocar Version 2.0 en vivo no fue fácil, en ese momento en específico veníamos de estar en el estudio planeando y componiendo, habían pasado casi tres años desde la última vez que pisamos un escenario, así que teníamos que recobrar la confianza. Por otro lado, estaba ese lado electrónico, teníamos que tomar esa tecnología, darle nueva vida y recrearla en vivo, hacer que fluyera, sustituirla con actitud. Es curioso, pero los críticos de música de ese tiempo nos describieron como “chistosos y raros”. Pienso que la clave fue descubrir qué necesitábamos y a dónde íbamos en cuanto al sonido, cuáles eran nuestras intenciones cuando tocábamos, así descubrimos cómo manejar cada álbum e integrarlos sus respectivas canciones en cada show.

Esos shows se volvieron legendarios…

Al final, tocar en vivo fue un triunfo para nosotros, fue un momento lindo en nuestras vidas y en nuestras carreras. No había muertes en nuestra familia, no había accidentes. La pasábamos bien, teníamos aventuras, exploramos

muchos lugares del mundo desconocidos para nosotros, todo gracias a nuestro querido álbum.

Esta debe ser una de esas preguntas que escuchas todo el tiempo, pero ¿hay alguna canción que prefieras sobre las otras en el álbum?

Actualmente, me encanta ‘Hammering In My Head’, es una canción oscura, es como entrar en un estímulo raro de la conciencia, fue un éxito para nosotros. ¡También es mi preferida!, de lo más rotundo del disco…

Para mí, es como seguir respirando en medio del tráfico. Aunque, ¿sabes? Creo que cada canción en el álbum es muy fuerte.

Este año recibiste un premio NME por tu trayectoria y como un ícono feminista. Sin embargo, este trabajo está directamente ligado a tu trabajo al lado de la banda, en ese sentido, ¿los chicos y tú están al tanto de la influencia de Garbage, no solo musical, sino como un proyecto que en general ha inspirado a gente de diferentes puntos del planeta en sus más de dos décadas de trayectoria?

Bueno, creo que entendemos que estamos en una posición muy privilegiada y estamos muy agradecidos con la gente que aprecia nuestro trabajo. Sin embargo, estoy convencida de que aún tenemos que seguir haciendo álbumes,

música y tours alrededor del mundo, explorar y ser aventureros. Sabemos que en el mundo hay millones de artistas, músicos, cantantes, bandas y el hecho de que podamos disfrutar de una carrera hasta este momento es extraordinario.

Es algo que nos hace sentir muy afortunados y como te decía, estamos muy agradecidos.

Eso me lleva a la última pregunta, mencionaste que la banda se debe de mantener haciendo cosas nuevas, en ese sentido luego de explorar tantos sonidos, géneros y estilos en el pasado, ¿qué podemos esperar de lo próximo de Garbage?

Sé que me escucho como mi madre cuando digo esto, pero mi filosofía en la vida es no esperar nada ¡No esperes nada y no te decepcionarás! [risas].

Claro, ¡así no hay expectativas falsas!

En verdad creo en esa filosofía porque no puedes saber lo que va a pasar, realmente es fascinante la experiencia química cuando atraes a las personas siendo una banda, algo mágico pasa.

Lo mismo pasa con los shows en vivo: es diferente cada noche y nadie es capaz de saber lo qué pasará, es realmente poderoso. Algo sucede con las personas en ese momento, eso lo hace muy especial e invaluable. Nunca trato de imaginar lo que pasará en el futuro porque no somos capaces de controlar lo que sucederá.

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JB DUNCKEL

LOVE M ACH INE Por Raúl Arce

F

rigyes Karinthy fue un escritor húngaro bastante relevante, cuyo logro más trascendental fue la hipótesis de los seis grados de separación. Ésta sostiene que todos estamos interconectados por no más de cinco personas (o seis enlaces). Lo anterior podría sonar alejado de la realidad pero, cuando se hace el ejercicio de analizar las posibilidades, en muchos de los casos podría funcionar… Por lo menos yo pensé que iba a funcionar para mí, en uno de los varios intentos que hice por entrevistar a Nicolas Godin y Jean Benoit Dunckel, de AIR. En teoría tenía que funcionar, ya había hablado o conocía por lo menos a tres personas que tuvieron relación directa con alguno de los integrantes del combo francés (Beck, DJ Falcon y el editor de esta publicación, entre ellos). Llevé el ejercicio de Karinthy un poco más lejos, e intenté

estirar las posibilidades de conocerlos durante sus dos visitas a la Ciudad de México, sin embargo, en este caso, la suerte no favoreció al osado.

En un último intento, durante unas vacaciones en París, incluso visité The Newborn Pub y el mítico Club El Silencio (diseñado por David Lynch y que toma su nombre de Mulholland Drive), ambos frecuentados por JB (Dunckel), con la esperanza de encontrarlo en el booth contiguo, pero como muchos “longshots”, no salió como esperaba; igual valía la pena intentarlo.

mera -y más obvia- es la entrevista con uno de los músicos que más respeto en la actualidad, mientras que la segunda es más bien una lección de vida: No importa si conoces a la gente adecuada, si vas al bar con la cadena más pesada de París o si cruzas el océano buscando una oportunidad, todo se trata de timing.

Fue así que, de manera totalmente inesperada, me dieron el número personal de JB, quien ya esperaba mi llamada.

Regresé a México, a la vida cotidiana, a esa que muchos soñamos con abandonar, cuando en el sopor de un martes cualquiera, me ofrecieron la entrevista que fui a buscar al otro lado del Atlántico. La excusa: la presentación de JB Dunckel dentro del marco de MUTEK.

He estado escuchando H+ (2018) y noté que, además que ya no lo firmas como Darkel, hay un cambio en la dirección que has llevado tu música. ¿Por qué?

Porque fue natural, probablemente no pensé en un cambio de dirección. Cuando hice Darkel quería ser muy diferente de lo que era con AIR, buscaba algo oscuro, pero a la vez visual.

Celebro las experiencias que gente como Damián Romero y su equipo buscan ofrecer al público mexicano, y lo hago doblemente porque gracias a esto pude conseguir dos cosas: la pri-

Cuando empezamos a trabajar de nuevo en música de AIR, quise regresar a la normalidad, a escribir canciones como solía hacerlo, por eso te digo que fue algo natural.

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Me paso algo cuando escuché tu último disco: no sonaba como Darkel, pero tampoco sonaba como AIR; sonaba a ti, y no me refiero solo a la voz. ¿Crees que la identidad musical es algo que se adquiere con el tiempo o es algo que ya tienes?

Creo que es algo que se construye, y viene de lo que haces en tus proyectos, que al final te van moldeando culturalmente. Por ejemplo, ahora tengo un proyecto con Jacques Perconte, con el que nos vamos a presentar en la Ciudad de México, y últimamente estoy trabajando en música para películas. Además, voy a lanzar un nuevo proyecto en donde no me apoyo tanto en música electrónica, sino que básicamente estoy en la consola, tratando de deambular por diferentes estilos.

Regresando a tu pregunta, creo que mi identidad viene mucho de la música clásica. Supongo que se nota mucho tanto en mis proyectos como en lo que hago con Nicolas (Godin); es una mezcla de toda la música que me ha formado.

La verdad no pienso mucho en el pasado, siempre me ha gustado ver más hacia el futuro. ¿Y esta identidad puede ser alimentada de otras expresiones artísticas?

Por supuesto, yo consumo muchas bandas sonoras, sobre todo por el lado de la producción.

No lo vas a creer, pero en incluso esta película con Tom Cruise… “Misión Imposible” pude notar muchos detalles como la intencionalidad dramática que la música puede ayudar a crear con el uso de percusiones y otros elementos, así la que respuesta es sí, vaya que podemos inspirarnos de otras fuentes.

Leí que H+ significa Human Plus, lo que me parece curioso, porque a lo largo de tu carrera se te ha catalogado como un artista de la música electrónica,

pero a la vez, me parece que lo que haces es muy cálido y humano...

Eso es porque yo toco todo, nada es programado; siempre hay un humano detrás de cada sonido. Lo que escuchas viene de la creatividad, de la manera en que expreso mis sentimientos, mi amor. Mi piano es una salida para todas mis emociones, así que todo es real. Puede sonar como si fuera de computadora, pero en realidad viene de un ser humano.

Dentro de tu proceso creativo, ¿Cómo sabes que el disco está terminado?

Cuando escribo o lanzo música, nunca pienso que las ideas nuevas sean mejores o peores que las anteriores. Así que no puedo mover nada, porque respeto de la misma manera las versiones previas que las ideas nuevas. Me doy cuenta que ya acabé porque ya no tengo el impulso de cambiar nada.

Esa es una postura bastante valiente…

Lo que pasa es que cuando eres un artista debes tener amor por lo que haces, pero a la vez debes reflejar la calidad de tu trabajo todo el tiempo. Pienso que debes ponerte reglas, es decir, si estás escribiendo un libro probablemente debes establecer un número de páginas o de capítulos, o quizás una escena de pelea o agregar elementos románticos. La clave es respetar eso. Es difícil y a veces da miedo porque requiere de mucho trabajo.

Esta manera en la que presentas tu trabajo también resulta evidente en el arte de los discos, o incluso en la manera que te vistes ¿Es parte de una decisión consciente?

En cuanto a la parte estética trato de apoyarme con personas muy talentosas que compartan nuestra visión. Ahora, de la manera en que me visto… bueno, trato de hacer lo mejor que pue-

do y para nada es perfecta, quizás requiera que me esfuerce más. ¿Qué tanto ha cambiado tu vida a raíz de que estás en una banda exitosa?

La verdad creo no ha cambiado nada, es más o menos lo mismo. Quizás en la parte de la experiencia, porque trabajar todos los días en música me ha hecho ganar mucha confianza, ahora sé qué puedo hacer, a dónde puedo ir.

Trabajar diario te hace ser mejor, cuando buscas expresarte y eres honesto pueden surgir cosas muy buenas, pero lo complicado de esto es que requiere mucho esfuerzo, es un asunto que tiene que ver más con la voluntad que con la esperanza; no soy una persona que tenga muchas esperanzas.

Sé que diriges un estudio de grabación (Studio Atlas) y que has trabajado con mucha gente aparte de Nicolas o quizás Alex Gopher, cuando formaron Orange, que, por cierto, no he podido encontrar nada de música de Orange…

Eso es porque éramos muy malos, de verdad espero que nunca puedas encontrar nada de eso. Fue algo que hicimos de adolescentes y en realidad no era bueno, digo, creo que hay buenas bandas de teens allá afuera, pero ese no fue nuestro caso. ¿Cómo es el show que vas a traer a MUTEK? Va a ser completamente diferente, pueden esperar mucha improvisación en cuanto a la música, pero también en los visuales, pues mi amigo Jacques Perconte va a estar actuando conmigo. Voy a tocar sólo música electrónica que no tiene nada que ver con lo que he hecho con AIR o con H+, espero poder regresar pronto para tocar mi disco solista.

AL FINAL, CON UNA AMABILIDAD Y CALIDEZ QUE NO ESPERABA, JB SE DESPIDIÓ DE MÍ, NO SIN ANTES DECIRME “LA PRÓXIMA VEZ QUE VENGAS MÁNDAME MENSAJE, PARA QUE NO VAYAS A LUGARES DE TURISTAS, IGUAL YA TIENES MI NÚMERO”.

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JOHNNY MARR E L H O M B R E Q U E C O N V I RT I Ó S U APELLIDO EN ADJETIVO Por Estephania Báez De R​​é​​gules Fotos:​Louis Rodiger Coordinación y grooming: K ​ arina Fonti​​utilizando Cinema Secrets Agradecimientos especiales a ​Shamrock Social Club “MI OBRA MAESTRA AÚN NO HA SIDO ELABORADA, PERO SI ME MUERO MAÑANA, ESTOY FELIZ CON ‘HOW SOON IS NOW’”

Hacía frío, común en Manchester, Inglaterra, la hora y el día parecen irrelevantes, lo único que recuerda es haber clavado sus ojos en el ventanal de un local musical que exhibía una guitarra de madera. Tenía cinco años, demasiado pequeño para comprender la herramienta tan poderosa que tenía en sus manos, pero cinco años suficientes para externar una inexplicable necesidad de ser dueño de una. Tan solo un capricho le bastó para convencer a sus padres que se la compraran. Vaya guitarra tan suertuda, se convertiría en el primer amor de uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, Johnny Marr. 50 años después y es inevitable para Johnny no recordar como obtuvo su primer guitarra.

Nació una noche de brujas, de 1963 y hace honor al misterio que representa el día de su nacimiento. Místico y un tanto tímido, recurre a las notas para contar anécdotas, expresar sentimientos y sobretodo hacer vibrar hasta las fibras más sensibles.

La cargaba para todos lados como un juguete, no sé ni porqué la quise, no tenía la edad suficiente para comprender qué era ni para que servía, solo tenía que ser mía, dice Marr al recordar ese momento junto a sus padres, quienes fueron los culpables de su gusto por la música, pues creció en un ambiente lleno de sonidos exóticos.

Así como se asombra de la nueva era, también añora esa época en la que Spotify no se adueñaba y era la radio quien decidía qué escucharías. La magia de la radio se ha perdido un poco, eso me pone triste, pero la revolución virtual es una consentidora de los músicos, mi audiencia me tiene muy consentido por las redes sociales, afirma Marr.

MODERNO, SEXY, ROCKERO en mayúsculas porque Johnny sube el volumen de su voz cuando se le cuestiona cómo interpretaría su más reciente material discográfico Call The Comet, dentro de su aventurosa y nuevo estilo de vida como solista, y es que la vida de Marr podría ser dividida por episodios musicales, desde un ingenuo adolescente que conformaba The Smiths sin saber la monstruosa y positiva aceptación a la que se enfrentaba, a un experimentado lobo de mar sin miedo a la mezcla de notas con Modest Mouse, hasta el llanero solitario de hoy en día que ha logrado convertir su apellido en un adjetivo utilizado para identificar un sonido, el sonido de Johnny Marr.

Es común transportarse a distintos episodios de la vida por medio de los sentidos, algo muy presente en la vida de Marr y sin duda uno de sus predilectos es el olfato, Johnny Marr recuerda cada una de sus guitarras por el distintivo olor satisfactorio que conlleva el abrir por primera vez la caja de una.

Consciente de que el sonido Marr ya es un adjetivo, en entrevista le preguntamos ¿cómo describiría el sello inimitable que ha dejado marcado tanto en veteranos como en nuevas generaciones?

Intenso, melódico, cool, como yo, dice la leyenda entre risas.

El nombre de Marr forma parte de numerosos albums, no solo de las bandas de las que formo parte como miembro: The Smiths, The The, The Cribs, 7 Worlds Collide, Electronic Johny Marr and the Healers. También en los records que ha colaborado como con los hermanos Gallagher en Oasis, John Frusciante, ex guitarrista de Red Hot Chilli Peppers e inclusive soundtracks de películas acreedoras a nominaciones de Oscar como Inception, por mencionar algunos.

Sin duda todos han marcado mi vida, te podría decir que hay algunos con los que sé que de una forma u otra regresaré, los primeros que marcaron mi vida fueron THE THE, siempre regresaré, han marcado un antes, un despues y un después del después en mi vida. Modest Mouse y Pet Shop Boys, hay algo de ellos tres que llevo en mi y que siempre regresaré.

Este 2018, Marr recibió el premio por trayectoria de vida que otorga GQ quien califico que el episodio actual en la vida de Marr, es el más brillante de todos.

Nunca me siento a pensar y digo que exitoso soy, pero si hay ocasiones en las que veo por la ventana y digo, hoy es un día hermoso, la vida ha sido buena conmigo, estoy feliz de ser músico y llevar más de tres décadas en esto.

El antes y después de la tecnología Si hace cuarenta años me hubieran dicho que caminando por la calle puedo escuchar las canciones que quiera cuando quiero y regresarle, no hubiera creído, si me hubieran dicho en un futuro podrás escuchar Blondie, The Rolling Stones, con un solo click, no lo creería, qué maravilla es la tecnología.

¿Cómo encuentra Marr la inspiración?

Son las 3 de la mañana y de pronto llega una idea, no duda en escribir un correo asimismo para recordarla. Es en la madrugada donde la creatividad lo encuentra y no necesariamente tiene que estar despierto. Asegura que al menos tres veces ha sonado con canciones que las vuelve una realidad auditiva, agrega que no han sido de sus grandes éxitos, pero debe confiar en su instinto.

De donde surge su gusto por la música Soy Irlandés, responde. Se lleva en la sangre. Sus padres provenientes de Irlanda, emigraron al Reino Unido al inicio de la década de los cincuentas. Recuerda siempre haber estado rodeado de notas, su madre, una fiel admiradora de Johnny Cash quien no podía faltar en las reuniones musicales. Fueron sus padres quienes le presentaron a su más grande ídolo, Marc Bolan. Pero a pesar de haber crecido con grandes influencias musicales, siempre tuvo claro su principal objetivo: No sonar como alguien más, nunca. Ese estandarte lo creo a los catorce años y lo ha respetado hasta la fecha.

SET THE BOY FREE Muchas interrogantes acerca de su vida, de cómo un hombre aun tan joven y de espíritu libre había llevado una trayectoria tan limpia, reconocida y admirable, además de haber formado parte de grandes bandas y sin caer en los excesos. Respondió el llamado de sus seguidores y a pesar de haberse negado con anterioridad, en 2016 lanzo su autobiografía titulada Set The Boy Free que posteriormente gano el premio otorgado por NME a mejor libro. En el despeja la mayoría de dudas de sus fanáticos y para el resto, persiste una sola. A pesar de tantos reconocimientos y logros.

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¿Le molesta a Johnny Marr ser recordado como el ex guitarrista de The Smiths?

Mi obra maestra aún no ha sido elaborada, pero si me muero mañana me voy feliz con ‘How son is Now’, con estas declaraciones responde a la interrogante. Recuerda que al escuchar el demo no le convencía del todo, por lo que decidió darle un toque arriesgado al agregar un beat parecido al que escuchó por primera vez a sus doce años, el sencillo ‘Disco Stomp’ de Hamilton Bohannon, un secreto que no a todos revela, con la influencia de esta pieza, surge ‘How Soon is Now’.

Para Marr, haber formado parte por cinco años de una de las mejores bandas de todos los tiempos le resulta fabuloso, no niega que fue doloroso, pero como cualquier otra separación que para un joven de 23 años no resulta fácil, se logró superar.

NUEVO AIRE Hacer lo que ha querido, eso le regalo el situarse en el mundo musical como solista en un inicio, le permitió crecer como productor y escritor, además de madurar personalmente.

Siempre rodeado de buena música, es sin duda un legado que está seguro que dejará para las nuevas generaciones, eso lo asegura tras recordar sus colaboraciones con Bernard Summer de New Order así como la integración de Zak Starkey, hijo del ex Beatle Ringo Star a su banda Johnny Marr and the Healers.

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JUNGLE

IT AIN’T EASY Por Raúl Arce

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ás allá de la imagen que aún persiste en el imaginario colectivo alrededor de la música británica, donde el britpop (y sus variantes más actuales) eclipsa a cualquier otro tipo de sonido, el Reino Unido es un semillero musical y cultural, donde germinan un sinfín de propuestas sonoras que van desde el jazz del Portico Quartet, las rimas de Dizzee Rascal hasta las baterías simultáneas de The Go! Team.

La realidad del entorno musical se ha volcado más hacia canciones hechas con secuencias de computadora y beats programados, que a la configuración clásica de voz-guitarrabajo-batería. Sin embargo, aún dentro de este vasto espectro de sonidos electrónicos y de engañoso easy listening, subsisten bandas como Jungle, que sin sacrificar los ambientes coloridos y la actitud enfocada a la fiesta, logra exprimir de elementos aparentemente prefabricados y fríos, un concepto musical mucho más intrincado que los pone en un lugar diferente dentro de su propio contexto.

Después de haber sido incluidos en videojuegos, en la shortlist del Mercury Music Prize de 2014 y en el cartel de festivales como Glastonbury, Jungle se enfrenta a una situación que para muchas bandas representa un punto de inflexión: su segundo álbum.

El 14 de septiembre de este año, la banda de Londres lanzó su esperado sophomore y ha emprendido una extensa gira para presentar en sociedad su más reciente trabajo en estudio, con la que visitarán algunas ciudades europeas, así como algunos puntos de la Unión Americana como Austin, Houston y Oakland. Tom McFarland nos cuenta acerca de For Ever (2018), así como de la intencionalidad del sonido de su banda en un entorno mundial bastante extraño.

Siempre me he preguntado ¿Qué tanto cambia la vida de alguien a partir de que su banda consigue cierto éxito? ¿Aún recuerdas cómo era tu vida antes de Jungle?

Siento que yo sigo igual, viviendo en Inglaterra y me mantengo conectado con la misma gente.

Pero seguro ha cambiado en algo...

El estar en una banda, me ha permitido conocer muchos lu-

gares y la manera en que la gente vive ahí. Me ayuda a saber que vivimos en diferentes realidad dependiendo del país en que nacimos. Ahora tengo una perspectiva más amplia acerca de la gente y de los problemas que tienen que enfrentar, sé que no es fácil, probablemente por eso hacemos música que hace sentir bien a la gente.

Totalmente de acuerdo, porque supongo que te habrás dado cuenta que no es lo mismo la pobreza en Reino Unido o Europa, que la que existe en países en desarrollo…

Sí, por supuesto que las diferencias son obvias pero, en mi caso, sólo pude darme cuenta hasta que empecé a viajar con la banda y conocer diferentes lugares, diferentes realidades. ¿Cuál es el papel de la música en el mundo hoy, donde al parecer las políticas conservadoras han retomado fuerza?

Es muy buena pregunta, creo que allá afuera hay música que aborda temas de actualidad, que protesta contra las injusticias. En nuestro caso, hacemos música que pueda llevar a la gente a un lugar más divertido, en donde al menos por un momento, se puedan abstraer de las cosas negativas que pueden encontrar. ¿Forever, su nuevo disco, sigue el mismo camino que su debut?

Si te refieres a la intención, creo que sí, pero esta vez tratamos de integrar elementos nuevos en cuanto a instrumentación, así como en estética.

Tuvieron algún momento de duda con el lanzamiento o producción de su segundo disco, lo pregunto porque hay una especie de tabú en torno a los segundos discos de las bandas que con su debut causaron muy buena impresión.

Claro, todo el tiempo. Cuando estás en el estudio generando algo nuevo, siempre te preguntas si es realmente bueno, si la idea funcionará. Al final, creo que todos en la banda estamos contentos con el disco y pensamos que tiene una energía muy buena en vivo.

Hablando de los shows en vivo, ¿Cómo suena el disco trasladado a los shows?

Supongo que tendrán que esperar y ver…[risas] Como te decía, añadimos nuevos elementos de instrumentación y de influencias que siento que suenan muy bien en vivo.

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WEESHING CROWDINVESTING Y ENTRETENIMIENTO Entrevista: Samantha Archibald Texto: Oscar Adame

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uillermo Padrón, Country Manager de Weeshing México, tiene 10 años de experiencia en levantamiento de capital, financiamiento, estrategia de ventas de mercados y posicionamiento de marcas, sin embargo, en Weeshing, Padrón fue el responsable de conformar el equipo de las oficinas en México y desarrolló Weeshing Brands y Weeshing Funds, modelos de negocio que generan ingresos adicionales a la plataforma.

Platicamos con Guillermo para descubrir las bondades detrás de un proyecto en el cual el entretenimiento y crowdinvesting (cuando un gran grupo de personas, co-invierte en personas o negocios en línea) conviven en la industria musical mexicana. ¿Cuáles eran las carencias en la producción de eventos en México que los impulsaron a crear la plataforma?

Juan Pablo Duch, fundador de la plataforma quería a Faith No More en Chile, en el 2009, necesitaba el capital para invitar a la banda y creó este modelo, en el cual, las personas que financian el concierto obtienen el retorno de su inversión con base en la venta de boletos. Se reunió con los fanáticos de Faith No More y tuvieron éxito en Chile recuperando al 100% su inversión. Después, Duch dejó la producción, buscó a los colegas del medio y así fue como la idea se expandió, de Chile, a Argentina, a Perú, a Colombia, a Uruguay, a México y a los Estados Unidos. Los clubes de fanáticos conocen a los músicos de sus bandas favoritas y ganan dinero con este modelo de inversión, además de integrarse a la industria musical. ¿Cuál es el perfil del inversionista?

Es alguien que realmente desea impulsar la música. Los que vamos a los conciertos, gastamos dinero en ello, entonces, al tiempo, que el dinero compra los boletos de entrada éste se invierte y, si al concierto le va bien, obtienes una ganancia.

Para invertir se requiere de 5,000 pesos. ¿Cómo se suscribe el inversionista?

Es gratuito, pero debes ser mayor de edad y tener una cuenta bancaria, de ser así, hay que registrarse en www.weeshing.

com, llenar la solicitud y se genera un contrato de inversión para protección del inversionista y promotor. Cada inversión te genera un contrato exclusivo, es muy sencillo, no tardas más de 2 minutos en registrarte e invertir en los conciertos. ¿Cuantos inversionistas sostiene la plataforma?

En la plataforma global tenemos más de 18,000 usuarios. En México aumentó en un año, iniciamos con 125 inversionistas y ahora son más de 5,500. ¿Cómo se logró transformar la cultura de México para que exista esta posibilidad?

Los promotores nos volvimos herramienta de flujo de efectivo. Quizá, un promotor organizaba10 conciertos al año, pero con nosotros puede hacer 15 o 20, y puede ir por artistas que saben serán un sold out. Ellos traen el producto, lo analizamos, hacemos un análisis financiero de la viabilidad, desde la venta de boletos, al posible consumo, al costo de los artistas y del venue. Hacemos y le presentamos al promotor el modelo de negocio para ofrecer a los inversionistas, si está de acuerdo en compartir la utilidad con los inversionistas se sube a la plataforma y tenemos la opción de poder invertir en esos eventos. Es una herramienta para traer más conciertos a México y provocar el crecimiento de la industria. ¿Que beneficios obtiene el inversionista?

Los beneficios dependen del nivel de inversión. Puede ser la entrada general, un boleto VIP, un afterparty, un meet & greet. En caso que alguien invierta todo en el evento, le conseguimos una cena con el artista. Los beneficios los trabajamos con los promotores y depende del artista, es lo que podamos ofrecer, pero cada inversión genera un beneficio. ¿Hay alguna plataforma parecida a esta?

Plataformas que se parezcan a Weeshing, no. Hay plataformas de crowdinvesting, pero ninguna se enfoca a la industria musical. Weeshing está enfocado a la industria musical y en los eventos. Hemos financiado teatro, ballet y hasta un partido de futbol en Perú. Nos enfocamos un 85% en la música, porque así fue como nació, pero el modelo funciona mientras haya venta de boletos. o.

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SABINO GUISU

UN ARTISTA MULTIDISCIPLINARIO EN SU PROPIAS PALABRAS Por: Sabino Guisu Fotos: Light Bear Studio

“YO HE VIVIDO DEL FUEGO, ES LA BASE DE TODO MI TRABAJO Y PROYECTOS.” – SABINO GUISU

ORIGEN & INSPIRACIÓN

Soy de Oaxaca, del Istmo de Tehuantepec, de una ciudad llamada Heroica Ciudad de Juchitán. Vengo de una familia con tradición alfarera, mi papá también es artista y mi mamá es ama de casa, tiene un restaurante y se dedica a los textiles tradicionales.

Desde niño he tenido fascinación por las cosas naturales, por el fuego, por los insectos, por la miel, etc. Tenía muchas inquietudes y vengo de una familia que se dedica a la alfarería y es una fuente de inspiración, heredé ese talento de crear cosas y hacer con las manos. Tuve la oportunidad de estar cerca de mi padre y su trabajo, pero más que nada con los libros, lo que hago con mi trabajo es una combinación de las inquietudes que tenía en mi infancia, de todo lo que me documento para nutrir mis ideas, bibliotecas. Estudié música y después artes plásticas, complementaba mi formación con libros de la biblioteca, fue como experimentación, obtuve más conocimiento en mi trabajo. La biblioteca me dio la base, la fuerza, los elementos para cimentar y tener buenos argumentos, justificaciones y contextos para poder conceptualizar mi obra y vivir de esto.

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Llegaban momentos en los que empezaba a tener la necesidad para mostrar mi trabajo, sentía que ya estaba listo y cuando empecé a sentir la ansiedad y necesidad de estar todo el tiempo en la biblioteca porque quería estar en mi casa creando arte, hasta que renuncié, junté dinero y materiales y me atreví a hacer una serie de pinturas, una mezcla de lo que me había nutrido, de la alfarería, de la historia del arte, todo basado en el fuego, pero no solamente era pintar con fuego, yo tenía una justificación, antecedentes históricos de historia del arte, también involucraba cuestiones sociales, cuestiones ecológicas y mi trabajo tenía un lenguaje, me fue súper bien, después en Houston y desde ahí, no paré.

Afortunadamente tuve un papá al que le gusta leer, viajar y me dio la oportunidad y me encaminó a hacer lo que yo quiera. Mi papá hace pintura, arte abstracto, se atrevía a hacer arte abstracto cuando todo el mundo pintaba cosas tradicionales. Una de las cosas que aprendí de él es tener mucha dignidad, respetar y valorar tu trabajo.

No somos muy creyentes en la religión, la espiritualidad que tengo es encontrar en la naturaleza y madre tierra esa religión. Soy muy sensible ante ese tipo de cosas.

#ZAPOTECDEATHPOEMS

Zapotec Death Poems es un proyecto que empecé hace cuatro años, quería desarrollar algo alejado de mi aspecto como pintor, es más diseño. Pero ZDP engloba muchas cosas, no sólo es cosas de diseño, de iluminación, también se hacen instalaciones, esculturas, geometría y se utilizan neones y luces LED’S. Una parte se concentra en una marca de joyería inspirada en las urnas funerarias zapotecas de Oaxaca de las tumbas de Monte Albán que son representaciones de animales, deidades amorfas, representaciones de Cocijo (Dios de Oaxaca) y mascarones.

También la otra parte es musical, ambientada en el circuito musical techno, me asocie con un productor y estamos empezando a crecer para presentar en varias partes de México, Estados Unidos y de Europa, llevar las instalaciones que hago inspiradas en las tumbas zapotecas, como las cruces e inspiradas en Mitla, transportadas a esta nueva era. Tocamos en fiestas con atmosferas inspiradas en lo sagrado de lo zapoteco con la música.

En la música utilizamos elementos oaxaqueños como lenguas nativas, cantos, rezos.

Hemos tenido la oportunidad de estar en distintos festivales, fiestas y ciudades. También hago textiles.

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LA MÚSICA Y EL ARTE

En la historia del arte la música siempre está relacionada, sobre todo con la producción, pero no soy muy dado a escuchar música mientras trabajo. Desde niño, me gusta el silencio para trabajar y comer, ya que me desconcentra. En general me gusta toda la música, pero me gusta el jazz, techno, la música tradicional de donde yo vengo que es muy fúnebre, la poesía más pura que hay; en Spotify hay un EP con el nombre de Zapotec Death Poems.

TODOS SOMOS ARTISTAS

Me gusta hacer una combinación de cosas, el humo es súper primitivo y los hexágonos que tienen un orden más geométrico y hacen las abejas tan perfectas, me gusta conjugar lo primitivo con lo contemporáneo y lo orgánico, lo natural.

Una de las grandes satisfacciones que tiene un artista, músico, poeta, escritor es ver la manera en la que llega tu creación al público, es cuando se nota que la obra tiene la capacidad de comunicar. Después de que conocen tu trabajo y les das un impacto visual entienden el porqué de la producción de las piezas. Tengo la intención de crear un pensamiento crítico en las personas, haciendo a la gente más consciente, es el tipo de arte que admiro.

El artista que más admiro es el maestro Toledo, me gustaría crear instituciones para que el arte no sea inalcanzable para la gente, ya que es una necesidad, cada vez es más difícil ser artista, a pesar de que todos somos artistas, solo sin las herramientas para proyectarlo, lo cuña produce opresión.

Afortunadamente, el mercado del arte se adaptado a mí, he tenido la suerte de contar con mi taller, mi laboratorio para mis obras y tengo buen mercado para ello.

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LOS 1001 ROSTROS DEL

CINE MEXICANO Por: Kika Jurado. Fotos: Fundación Arte y Pasión.

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‘35 MM DE ARTE Y PASIÓN’ ES LA MEMORIA GRÁFICA MÁS GRANDE DE UNA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA EN EL MUNDO. 1001 ROSTROS APARECEN RETRATADOS A TRAVÉS DEL LENTE DE MIGUEL SCHUMMAN, QUIEN POR AÑOS HA RECOLECTADO LAS MIRADAS Y LAS HISTORIAS DE TODOS LOS PERSONAJES QUE FORMAN EL COLECTIVO DEL QUEHACER FÍLMICO DE MÉXICO.

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as fotografías reviven recuerdos y memorias que nos ayudan a entender nuestra historia. Los grandes acervos fotográficos del mundo, muestran en sus diferentes aristas, el gran valor documental e histórico de muchas épocas e industrias. Grandes fotógrafos como Annie Leibovitz o Steve McCurry han capturado miles de retratos que formarán parte de una colección invaluable que ayudará a entender esa memoria gráfica fundamental.

1. Blanca Guerra 2. Miguel Rodarte 3. Juan Carlos Colombo 4. Ignacio López Tarso 5. Evita Muñoz 6. Luis Gerardo Méndez 7. María José Cuevas 8. Karla Souza

Miguel Schumman es un fotógrafo mexicano empírico que inició hace ocho años una de las exposiciones fotográficas más ambiciosas del mundo. El famoso espacio alternativo de creación y expresión artística ‘La Moira’, donde artistas tan importantes como José Luis Cuevas expusieron sus obras, fue el lugar donde Schumman empezó a retratar a actores de cine mexicano empezando con Mario Zaragoza. “Todo inició como un ejercicio de retrato a actores, pero ‘La Moira’ me ayudó a entender a no limitarme a solo un eslabón de la cadena. Quería hacer un homenaje y qué mejor que incluir a toda la gente que está detrás de cada película y a los que las ayudan a difundirlas”.

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Es en este Centro de Cultura Experimental donde el fotógrafo encuentra su pasión y la intención de hacer este gran tributo al Cine Mexicano.

‘35 mm de Arte y Pasión’ es la memoria gráfica más grande de una industria cinematográfica en el mundo. 1,001 rostros aparecen retratados a través del lente de Schumman quién por años ha recolectado con mucha dedicación las miradas y las historias de todos los personajes que forman el colectivo del quehacer fílmico de México. Directores, productores, cinefotógrafos, guionistas, actores, productores, gaffers, diseñadores de arte, sonidistas, maquillistas, tramoyistas,

periodistas cinematográficos, críticos de cine, divulgadores y demás son parte del homenaje más ambicioso que se ha hecho hasta el día de hoy a nivel internacional.

Ninguna industria cinematográfica en el mundo posee una colección así y es por eso que la participación ha sido tan entusiasta por parte de los retratados. Evita Muñoz “Chachita” ícono del cine de oro dijo “No sé si podré ver esta exposición, pero me siento profundamente honrada de ser parte de ella”, Schumman fue el último fotógrafo en retratarla. Alfonso Arau voló de Los Ángeles para asistir al estudio y el grupo de rock mexicano Botellita de Jeréz posó antes de presentar su documental y separarse.

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El camino ha sido complicado también para el fotógrafo, quien ha formado alianzas importantes para conseguir fotografiar a tanta gente. El Festival de Cine de Tequila ayudó, gracias a un homenaje, a que Ignacio López Tarso pudiera ser retratado, el Festival Internacional de Cortometrajes Shorts México, ha convocado a los jurados de sus trece ediciones para sumar. Y una de las armas más poderosas con las que ha contado Schumman: las redes sociales. La viralización de su proyecto ha ayudado a que miembros de la industria se acerquen y posen para su lente y también la difusión de los mismos retratados, como la documentalista María José Cuevas quién convocó a las vedettes del cine mexicano, o Luis Gerardo Méndez a Karla Souza.

Cientos de historias se han coleccionado en cada sesión fotográfica, encuentros emotivos como el del actor Alonso Echánove, quien debido a su enfermedad perdió el habla pero logró emitir un sutil “gracias” después de ver su retrato, o el de Gustavo Sánchez Parra que confesó que tuvo que aprender a manejar para su papel en “Amores Perros”.

El reto más grande del proyecto ha sido encontrar difusión “Quisiera exhibir mi obra en las rejas de Chapultepec o en algún museo y compartir este acervo fotográfico pero las Instituciones no han sido resolutivas”, Schumman ha encontrado en la fragmentación, una forma útil para mostrar su proyecto, las curadurías que

ha formado han sido expuestas en Festivales y Facultades de Cine, y además ha logrado una nueva forma de apreciar su obra de manera digital mezclada con la música de Pablo Mondragón. El próximo septiembre en Cineteca Nacional se exhibirá esta propuesta dentro del marco de la treceava edición de Shorts México.

El reto más grande del proyecto ha sido encontrar difusión “Quisiera exhibir mi obra en las rejas de Chapultepec o en algún museo y compartir este acervo fotográfico pero las Instituciones no han sido resolutivas”, Schumman ha encontrado en la fragmentación, una forma útil para mostrar su proyecto, las curadurías que ha formado han sido expuestas en Festivales y Facultades de Cine, y además ha logrado una nueva forma de apreciar su obra de manera digital mezclada con la música de Pablo Mondragón. El próximo septiembre en Cineteca Nacional se exhibirá esta propuesta dentro del marco de la treceava edición de Shorts México.

Los 1,001 rostros del cine mexicano busca unificar al cine y plantearlo nuevamente como una gran industria creando un registro único que tiene entre sus archivos al ganador de la Cámara de Oro en Cannes, Michael Rowe, al presidente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas Ernesto Contreras, y un ejército de miembros de la industria que crean una amalgama importantísima para el entendimiento del cine en todos sus formas.

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H A V E L A R G A

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EL ÍCONO DE LA LIBERTAD Por Kika Jurado @kikajurado, Fotos: cortesía de Cine Caníbal

EL DOCUMENTAL ‘CHAVELA’ DE CATHERINE GUND Y DARESHA KYI, QUE COMPITIÓ POR EL PREMIO DE LA AUDIENCIA EN LA SECCIÓN PANORAMA DE LA BERLINALE, ES UN RELATO DEMOLEDOR Y SUMAMENTE ÍNTIMO DE UNA DE LAS CANTANTES MÁS IMPORTANTES DE MÉXICO.

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atherine Gund, reconocida productora y directora de documentales nominada al Emmy, llegó a la Ciudad de México en 1991 después de perder a su mejor amigo a causa del VIH, quería experimentar otras formas de lidiar con las pérdidas y el amor y es ahí cuando conoce la música de Chavela. Después de asistir a su show en un pequeño club, grabó una fascinante entrevista con la intérprete que por mucho tiempo guardó en su archivo personal.

Muchos años después, cuando la directora digitalizó todo su material, sintió la necesidad de hacer una película que relatara la vida de Chavela y es cuando invita a Daresha Kyi, una multi premiada cineasta independiente y productora de televisión neoyorkina que acepta codirigir el documental después de ver el material de Gund. “Me conmovió ver esa personalidad enigmática que hablaba con tanta pasión acerca de la bendición de ser mujer”, cuenta Kyi. Las cineastas querían terminar el proyecto lo

más pronto posible “La manera en la que Estados Unidos se relaciona con México en estos tiempos es abominable, necesitamos enseñar a la gente que el arte puede trascender fronteras y que la gente puede crear conexiones que salven a la humanidad”. La experiencia de armar esta obra fue catártica y liberadora para ambas. El resultado, uno de las biografías más emotivas y pasionales que ya ha trascendido por el circuito de Festivales de Cine más importantes del mundo.

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“CUÁNDO ERES VERDAD, TE IMPONES, ¡QUÉ PRIVILEGIO H A BER NA C I DO MU J E R !” .

-CHAVE LA VARG AS

HE R IDA S A BIERTA S La vida de Chavela Vargas es un viaje espectacular, nació con una herida en el alma y con el corazón hecho pedazos. Su manera de interpretar no la hemos conocido en otro artista, todo quien la escucha queda con ese nudo en la garganta inevitable, como si esa catarsis interpretativa fuera terapia. Miguel Bosé pensaba que iba a morir en cada canción porque entregaba tantas emociones que sentía se le iba a parar el corazón. Chavela provocaba mucho en el escenario, se tiraba al vacío sin ningún pudor y sin ningún miedo; muchas veces se quedaba callada, pero no era porque olvidara la letra si no porque los silencios en sus canciones eran desgarramientos personales. Ese sufrimiento lo comparaba con llevar una valija cargada de emociones que, mientras cantaba, se abría vulnerable. No había secretos entre ella y su audiencia, se desnudaba sin decoro.

El documental narra la historia de la leyenda musical pero sobre todo del ser humano que se convirtió en un ícono absoluto de libertad. Chavela fue una mujer sumamente solitaria, sus concepciones de amor y soledad la colocaron como una mujer tremendamente moderna para su época y se veía desde su manera de presentarse en los escenarios; mientras que las cantantes del género se presentaban con rebozos coloridos y vestidos, ella usaba un jorongo sobre pantalones y una guitarra al hombro. Los nociones de feminidad no encajaban con

ella ni siquiera en su voz. Cuando cantaba el suelo retumbaba como un cañón lleno de energía, explotaba con un dolor inexplicable como si su canto desesperado fuera a remediar los corazones heridos de su público. Le ponía acentos a la tragedia y al amor. Ninguna mujer se veía ni se escuchaba como ella.

México la vio crecer en tierra de hombres, Chavela construyó su personalidad en un mundo sumamente misógino y machista, tuvo que demostrar que podía ser la mujer más vanguardista, más fuerte y más borracha. Fue la única mujer que le cantó a otras mujeres y es uno de los símbolos más importantes de la comunidad homosexual.

Aunque era costarricense de nacimiento, se sentía de aquí “Los mexicanos nacemos dónde nos da la rechingada gana”.

Los materiales de archivo que utilizaron Gund y Kyi para narrar esta historia, se mezclan con testimoniales de amigos y amores pasados. Chavela vivió enamoramientos, pasiones y renacimientos con personalidades como Frida Kahlo, Ava Gardner y su inseparable Pedro Almodóvar. La narrativa del documental parte en tres grandes etapas: sus orígenes como cantante, su caída en el alcoholismo y desaparición de los escenarios, y su resurgimiento en el viejo continente como una súper estrella. Este entrañable y fascinante filme es un extraordinario tributo a la dama del poncho rojo.

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L E S L I E PAY R Ó BETWEEN BLACK AND WHITE Por Eduardo Salinas Fotos: Cortesía Leslie Payró

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eslie Payró es una joven artista de la Ciudad de México que se especializa en la ilustración digital. Su trabajo ofrece impresionantes obras y pinturas que mantienen una estética oscura gestada en el lado más íntimo del ser. Su peculiar estilo la ha llevado a trabajar en diversos proyectos, algunos de los cuales la han llevado a combinar dos de sus grandes pasiones: la música y el arte.

El trabajo que realizó para CMMNSNS VOL. 1, el primer compilado de la disquera CommonSense Récords, es muestra de su talento. Y en el cual dejó una parte de sí misma. Una obra que habla por sí sola y que retrata abstractamente la esencia de la música que hicieron algunos de los DJs y productores más destacados de México.

La obra consiste en una pintura al óleo en escala de grises, representando los beats y las capas que constituyen los tracks. Posteriormente la pintura fue fotografiada y llevada al digital, en donde encuentra su camino y fluye en paralelo a la música electrónica. Al respecto, Leslie recuerda: Me inspiré principalmente en el sonido de este compilado. Me concentré en dejarme llevar por lo que la música me dictara plasmar en el canvas mientras escuchaba. Quise darles cara a las ondas sonoras y los beats de los géneros que están incluidos en este álbum, una representación visual con ciertos aires de oscuridad y misterio. Amo la música y me gustaría colaborar con muchos otros artistas. Justo es ahora donde comienza a materializarse ese sueño, siempre me ha gustado la idea de entrar por ese lado al mundo de la música.

La artista está consciente de que siempre quiso formar parte de ese mundo sónico, pero no con una guitarra o un micrófono, lo suyo era el lienzo

y el pincel: Quise explorar cómo me podía influenciar este tipo de música que nunca había escuchado y en este proceso, repetí una y otra vez cada track y me dejé llevar con el óleo. Fue muy divertido y muy introspectivo. Creo que lo visual atrapa mucho el ojo de la gente que está buscando un álbum o un video.

Tiene que ir muy de la mano con el sentimiento que le está poniendo la gente a su música.

Esta es la historia de Leslie Payró en sus propias palabras. ¿Cómo fue que te encontraste con el arte?

Mi familia siempre ha tenido un background de creatividad. Mi papá es artista y mi mamá se dedica a la publicidad. Desde pequeña me gustó pintar y dibujar, esculpir. Cuando iba en preparatoria en lugar de poner atención en clase siempre estaba dibujando, mis clases favoritas eran las de arte, pero fue hasta la universidad que entré de lleno y decidí estudiar diseño gráfico.

¿Cómo supiste que esa era tu vocación?

Siempre ha sido un proceso fácil porque mi trabajo se siente como un juego y es una catarsis muy grande. Tengo problemas grandes de ansiedad y para mí es una forma de sacarlo. ¿Cómo encontraste tu estilo?

Siempre he tenido un gusto un poco tétrico, me gusta mucho Francis Bacon, que es una influencia muy grande, no tan evidente en mi arte, pero sí en cuanto a expresión. Muchos de mis trabajos hablan del sentimiento de pérdida, momentos oscuros de cuando alguien muere o de vacío, ahí encontré los temas más importantes en lo que hago y creo que es importante hablar de ellos, para que la gente se dé cuenta de que es algo que está presente en todos, que no se deben reprimir los sentimientos cuando pasas por estas experiencias, como la pérdida de alguien.

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¿Cuando te diste cuenta de que podías vivir del arte?

Hace poco, fue una decisión valiente de dejar un trabajo de oficina de ocho horas y balancear un poco mi trabajo como diseñadora, que también me gustaba mucho. Tener tiempo para mí, porque es desarrollo personal totalmente y fue hace poco menos de un año donde dije: “ya, es hora de dejar de hacer crecer proyectos ajenos y hacer lo mío”.

Gente cercana se empezó a dedicar de tiempo completo a sus cosas personales, ese fue un gran empujón, me abrió los ojos, y además me

empezó a frustrar tener un trabajo de oficina; tiene sus ventajas porque creces profesionalmente pero sabiendo que tienes potencial, ganas de hacer un proyecto personal y los medios para hacerlo, ¿porque no?. ¿Qué opinas del diseño en México?

Hay muy buenos diseñadores, con mucho potencial, pero la realidad del país y del mundo entero es que hay mucha competencia y es por la facilidad de bajar un software que te pueda ayudar a diseñar, además, siempre habrá alguien que lo haga más barato que tú. Es una

realidad fuerte en el país, es una carrera muy competida, aunque hay poca gente con la educación visual suficiente como para tener productos de calidad. Es una carrera difícil.

Para ti, ¿cuáles son las diferencias entre diseño y qué es arte?

El diseño está para resolver problemas y el arte está para hacer preguntas. Para mí el arte es como enseñarle a la gente o poner a la gente en mi lugar en cuanto a una perspectiva personal sobre algún tema y el diseño es para resolver algún problema visual.

High Anxiety

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E L P R I M E R C O M P I L A D O D E L S E L LO D I S C O G R Á F I C O COMMONSENSE RECORDS Arte: Leslie Payro

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ommonSense Records presenta su primer compilado, una propuesta colaborativa que impulsa la música electrónica y promueve el talento Latinoamericano, sin perder la idea sónica oscura y elegante que caracteriza a la disquera mexicana.

El lanzamiento lleva por título CMMSNS Vol.1 y retrata a lo largo de 13 piezas lo que sucede en la presente escena de música electrónica mexicana, de norte a sur e incluso más allá de las fronteras. Los DJs y productores detrás de este primer ejercicio recopilatorio de CommonSense Records, muestran a través de su obra lo que es vivir en el centro del mundo, siempre repleto de luz y obscuridad al mismo tiempo.

CMMSNS Vol.1 ya está disponible a través de todas las plataformas digitales (iTunes, Spotify, Beatport, Google Play, Traxsource y Juno Records). Estos son los participantes en el compilado:

FAUSTO El proyecto de música electrónica del DJ y productor Jose Fausto Apodaca, cuyo concepto tiene como base elementos del rock clásico, trip hop, matices de indie y un ligero toque de pop. El originario de Sinaloa abre esta colección de tracks con ‘Instinto’.

FELA La cantante, compositora y productora guatemalteca, Estefani Brolo, nos presenta uno de sus proyectos más experimentales, su faceta como Fela, en la cual explota sus influencias más electrónicas, sin olvidar sus raíces orgánicas, explotadas con su banda, Patterns.

CANTI Daniel Cantisani, productor de Monterrey quien inició con su vida musical a la edad de 14 años y desde entonces se ha mantenido como uno de los más destacados en la electrónica en el norte del país. A lo largo de su carrera ha experimentado con géneros que van de la música clásica al jazz, funk, rock, hip hop y nu disco.

LOVERMAN El más reciente proyecto de Giorgio Brindesi, uno de los más talentosos y respetados DJ’s de México, aclamado por su técnica, selección musical y estilo de producción. En esta encarnación, Brindesi se destaca por crear música que conecte con las emociones humanas más profundas.

ZOMBIES IN MIAMI El dúo mexicano conformado por Canibal y Jenouise se ha colocado como una de las propuestas electrónicas más destacadas del país gracias a su paleta de sonidos en donde combinan el disco con el tecno y una gama de diferentes sonoridades que dan por resultado su estilo propio.

ANDRUSS Andrés Romario Manzano Rubio encontró en la región maya el terreno fértil para echar a andar lo que ahora es una prolífica carrera. Así nació Andruss, su alter ego del mundo de la electrónica, el cual experimenta con géneros como el nu disco, el deep house y el techno, parte del sello alemán Bunny Tiger y de CommonSense Records.

TKUZ Juan Harrison, a.k.a. Tkuz, inició su carrera musical como baterista de una banda, experiencia que le sirvió para introducirse al mundo de la música electrónica y aventurarse a jugar con sintetizadores. Hoy es uno de los productores y DJs más destacados de la escena nacional.

SOUL OF HEX Gerardo Cedillo ha estado involucrado en la música dance desde hace años. Sin embargo, se convirtió en uno de los protagonistas del movimiento new rave del país tras representar a México en la Red Bull Music Academy, recorriendo el mundo, a la vez que difunde su propio sonido.

MOISEES Moisés Ramírez es el fundador de Duro Records y Never Stop Music, sin embargo, su incursión en el mundo de la música va más allá. Como DJ y productor se ha colocado como uno de los más destacados de la CDMX, gracias a sus sets de house, Deep house, techno y dance.

THEUS MAGO Mateo González es un músico y productor mexicano responsable de proyectos como Bufi, Sonido Fantasma y fundador del sello Duro. Con Theus Mago, su más reciente aventura musical, Mateo se permite un espacio para experimentar con un sonido más post-industrial.

ALEJANDRO FRANCO Fundador de Grupo Sentido, de la revista de música y estilo de vida WARP y del sello de electrónica CommonSense Records. Como un narrador de historias, su curaduría musical lo ha convertido en un DJs cuyos sets se destacan por ostentar un sonido fino y oscuro.

PEPE MOGT Fundador y parte fundamental del Nortec Colective, DJ, músico y productor. El oriundo de Tijuana, Baja California se caracteriza por ser uno de esos músicos capaces de capturar lo que ve a su alrededor y convertirlo en ondas sonoras.

Actualmente Pepe se encuentra trabajando en nueva música con una dirección más enfocada al techno.

CMMNSNS VOL.1 (2018) TRACK LIST: Fausto - Instinto Fela - JobaJoba Canti - Common People Loverman - Used To Be My Girl Zombies in Miami – Pressure Andruss - Dimentions Tkuz - In Love Soul Of Hex – Hypnotic Drive Alejandro Franco & Giorgio Brindesi – Fuerza Moisees - Poseidon Theus Mago - Praxis Alejandro Franco - PCH Pepe Mogt – Diafragma

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SACH CREW LOS VERDADEROS EMBAJADORES DEL ARTE URBANO MEXICANO Por Ceci Yegros. Fotos: Jesús Vargas

JENARO DE ROSENZWEIG Y ALEJANDRO REVILLA SON LOS FUNDADORES DE SACH CREW, UN GRUPO DE ARTISTAS URBANOS INTEGRADO ADEMÁS POR ANDRIK NOBLE Y FRANC MUN. LOS CUATRO SE COMPLEMENTAN A LA PERFECCIÓN Y SON UN ENGRANAJE PERFECTO DENTRO DE ESTE PROYECTO QUE BUSCA IMPULSAR EL NUEVO MURALISMO MEXICANO.

E

l muralismo mexicano siempre fue admirado y aclamado en todo el mundo. Desde principios del Siglo XX con los llamados “tres grandes” del muralismo mexicano (David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Diego Rivera) y hasta el día de hoy, esta disciplina se presenta transformada y modernizada.

Las calles del circuito Roma/Condesa se destacan por sus paredes, muchas de ellas intervenidas por grandes artistas urbanos de México y el exterior. Así, el legado de “los gran-

des” hoy da paso a una nueva y más que fuerte generación de artistas independientes.

“Con Alex nos conocimos en Barcelona en el 2006 y nos dimos cuenta que teníamos un gusto en común por el street art. En esa época recién se empezaban a hacer famosas las obras de Banksy y nos encantaba”, dice Jenaro. Para 2010, él ya empezó a hacer sus primeras intervenciones en Berlín, “Siempre sentí que teníamos que hacer algo vinculado al street art, y cuando regresé a México en 2013 me reencontré con Alex”.

Para Jenaro, la clave fue abrazar a las redes sociales como fuente para promover las obras “¿Sabes qué hizo que el muralismo vuelva a resurgir en esta época? El hecho que todos, con un smartphone, pueden impulsar las obras a un nivel global y así se tuvo este gran auge”. Sí, las selfies cambiaron las reglas del juego.

La mente creativa de Jenaro es inmensa y no para de hablar de sus ideas con una admirable pasión, es por ello que el grupo en la actualidad tiene varios proyectos que también involucran a otras asignaturas como la fotografía y el tatuaje.

Pero sin dudas, insistimos, la estrella del Sach Crew es Street Art Chilango. Este concepto colaborativo busca promover el arte urbano en la Ciudad de México a través de una plataforma que difunda los nuevos murales y a los artistas que dejan su huella en las calles de la Ciudad de México. Además de tener una fuerte presencia en Instagram, el equipo ofrece un recorrido turístico por las calles de la Colonia Roma, para conocer más sobre las paredes intervenidas.

En la esquina de las calles Orizaba y Álvaro Obregón, un grupo de turistas anglosajones esperan ansiosos el recorrido que tiene a Abril Trejo como host. Ella nos cuenta que hace tres años se dedica a dar a conocer a los responsables de los murales más hermosos de la colonia.

“Lo bonito del street art es que el arte te va a encontrar a tí en tu camino, tu no vas a buscarlo”, comenta Abril en un perfecto inglés y ante la mirada atenta de los turistas que optaron por hacer un recorrido diferente.

Al terminar el recorrido, Jenaro y Alex saludaron a los asistentes y respondieron preguntas. “Desde hace 5 años que hacemos este tour. Lloviera o relampagueara, venga una sola persona o veinte, todos los sábados estamos aquí”, dice Alex.

“Este tour fue premiado con el segundo lugar al Mejor Proyecto de Promoción Turística del 2015 por parte del Fondo de Promoción Turística de la CDMX, y en este año la Secretaría de Turismo nos dio uno de los puestos de los 100 Productos de Turismo más Interesantes de México”, presume Jenaro con orgullo.

Jenaro es ingeniero y Alejandro es diseñador gráfico. Cuando empezaron su misión de impulsar el arte urbano en la ciudad, Alex decidió sacarle el jugo a sus conocimientos de marketing digital, y el proceso de impulsar el talento urbano local se inició en Instagram. Así, en 2013, nació el hashtag #StreetArtChilango, que hoy es la marca estrella de los proyectos del Sach Crew. De esta manera, cualquier usuario podía ubicar las localizaciones de las obras vinculadas al mapa interactivo de Google en la red social, además de conocer a los artistas detrás de cada mural.

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Este recorrido fue la entrada para que el Sach Crew tenga un alcance masivo, al punto de tener presencia en el New York Times y poder sumarse a la gran lista de artistas que forman parte del distrito artístico de Miami, el famoso Wynwood Art District.

Lo que inició como una idea muy remota hace poco más de 10 años hoy es un puente para que las marcas o las empresas interesadas en el talento urbano, puedan asignar murales comisionados y así generar ingresos, más allá del profundo amor por el arte.

Hoy, además de Street Art Chilango y siempre con Instagram como principal aliado, el Sach Crew tiene otros proyectos que buscarán impulsar y unir a más talento mexicano: Bandita Chilanga, una comunidad que busca lo más divertido y autóctono de la capital; Tattoo Chilango, que busca apoyar a los mejores artistas del tatuaje; y Centro Histórico, con las mejores imágenes del casco antiguo de la Ciudad de México.

Uno de mis compañeros en el tour por la Roma, un estadounidense de aproximadamente 60 años, me comentó antes de despedirse: “Qué notable es esta ciudad, puedes ver arte autóctono, arte moderno y arte urbano en una misma tarde”. Esa es la hermosa esencia de la capital mexicana, el hecho de poder verlo todo y el saber que siempre hay lugar para todos. La capital que nace y crece desde la unión de su pueblo.

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LONDON FUTURISTA Por Esny Martin

Mark Cocksedge

EL LONDON DESIGN FESTIVAL SUCEDE EN LA CAPITAL EUROPEA DURANTE EL MES DE SETIEMBRE Y ABARCA EVENTOS DE LA TALLA DE LA BIENAL DE DISEÑO, LA FERIA 100% DESIGN, Y CIENTOS DE LANZAMIENTOS DE PRODUCTOS, EXPOSICIONES POR CADA BARRIO, E INCONTABLES TALLERES Y CHARLAS CON LAS PRINCIPALES MENTES CREATIVAS DEL PLANETA.

El más grande museo de artes decorativas y

coding, la historia y las tecnologías actuales, para

cales de Arvo Part , la cual pretendía un encuentro

diseño en el mundo, el elegante y sinigual Vic-

proporcionar a los visitantes lentes con los cuales

entre la música, el diseño y la tecnología.

toria & Albert Museum, fue la sede principal

podían ver hologramas de monjas caminando por

del London Design Festival, un encuentro de

los centenarios salones.

diseño que expone las obras más innovadoras a nivel mundial.

En el centro de otra galería, donde se exhiben las alfombras reales, el artista Hebrik Vibskob, instaló

Al continuar el recorrido por los interiores dignos

un prototipo de granja de cebolla en forma de tú-

de un palacio, se encontraban más instalaciones

nel, una granja tecnológica con luces y elementos

Al entrar a uno de los pabellones, lleno de anti-

contemporáneas que contrastaban de forma ma-

que ayudan al crecimiento de las plantas, como

quísimas obras, la artista residente en el centro

ravillosa con lo antiguo. Una de estas fue “Memory

sensores que les ponen música clásica y hasta can-

de investigación del museo: Rachel Ara, mezcló el

and Light” inspirada en las composiciones musi-

ciones de Frank Sinatra.

Se dice que en el siglo XIX Londres era la ciudad de las fuentes, pero poco a poco dejaron de funcionar. Por esto, al salir al patio central, el arquitecto Michael Anastassiades mostró su primera “Fountain for London”, la cual además de tener una estética de escultura moderna, proporciona agua potable a los transeúntes. Para no dañar la obra con el tacto, las fuentes se activan con un sensor de movimiento. Su idea es implementarlas por la capital y así llenarla de belleza, frescura, tecnología y sostenibilidad, ya que esperan que las personas llenen sus propias botellas en lugar de consumir botellas plásticas.

Londres se llenó también de landmark projects, los cuales se hicieron con la intención de acercar el diseño e innovación al público general y hacerlos interactuar. Una de las plazas tenía un playground de sillas alfabeto, fabricadas en metales de vibrantes colores por Kellenberger White, con las cuales se podía jugar a hacer palabras o sentarse a hacer un picnic. Otros landmark projects, como MultiPly por Waugh Thistleton y The Living Unit por AKT II y OFIS, inspirados por los retos globales de sobrepoblación, cambio climático y la creciente dificultad de acceder a una vivienda, crearon prototipos modulares de microliving en los cuales se podía visitar casas completas en espacios tan pequeños como de 2 m2 pero llenos de belleza, diseño y dignidad, que hacían a sus visitantes re-pensar la forma de diseñar y construir hogares.

Andy Stagg

Andy Stagg

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Ed Reeve

Andy Stagg

Lee Mawdsley

Esny Martin

Otra de las sedes en las que brilló la innovación fue el sublime edificio Somerset House, casa de la bienal de diseño. En su glamoroso patio central, el pabellón de Grecia presentó un puente hecho 100% de plástico reciclado que reaccionaba a la desobediencia natural del ser humano, el puente se expandía y encogía si las personas corrían, saltaban o caminaban, creando una relación cuerpo-espacio. Dentro del inmueble, sobresalieron instalaciones como la de los Estados Unidos, que exploró las nuevas tecnologías de reconocimiento facial, utilizadas en el departamento de seguridad, los rostros de los visitantes podían ser fácilmente analizados por cámaras y algoritmos que detallaban de inmediato su etnia, edad y emociones actuales. Mientras que Australia presentó la hermosa instalación “Rainbow Light” (de las favoritas del Instagram) la cual celebró el amor, la igualdad y el respeto, en especial conmemorando la reciente decisión de

Cortesia citizenM x Fernando Laposse

su parlamento en cuanto al matrimonio igualitario.

En el este de Londres, Citizen M comisionó la obra Sisal Sanctum al artista mexicano Fernando Laposse. “Para innovar y mejorar a veces hay que mirar al pasado en lugar del futuro”, afirmó.

Fernando instaló un gran guardián y muros hechos de fibras de cactus y métodos indígenas, para mostrar que los materiales y tecnologías del pasado son más sostenibles y resistentes que los del presente, y que debemos rescatar estas técnicas para las construcciones del fututo. ¿Se imaginan un sofá que sea mecedora, sala de televisión y tenga un sonido espectacular? Productos como este fueron paralelamente lanzados en ferias como 100% Design, por la empresa Se7e Life Design. Mientras marcas como Kinetura nos hicieron soñar con paredes que respiran como seres humanos. Estas tienen elementos esculturales que además iluminan y se mueven de forma suave, llenando la atmósfera de relajación. Sin duda, después de esta experiencia nunca más diremos que ya todo está inventado.

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QUADRIPOINT

DE LA REALIDAD A LA FICCIÓN EN LA FRONTERA NORTE DE MÉXICO Por Pepe Mogt

EN NOVIEMBRE DE 2018 PEPE MOGT LANZA EN MUTEK (JAPÓN) QUADRIPOINT. UN DOCUFICCIÓN QUE RETRATA LA FRONTERA ENTRE ESTADOS UNIDOS Y MÉXICO DE MANERA MICROSCÓPICA PARA LLEVARLO A LA PANTALLA CON HISTORIAS REALES E IMAGINARIAS QUE SUCEDEN EN UN PUNTO GEOGRÁFICO EN PARTICULAR. AQUÍ PUEDES VER COMO LOS MIGRANTES INTENTAN ATRAVESAR UNA FRONTERA QUE ES IMPOSIBLE, O CASI IMPOSIBLE, DE CRUZAR.

Música compuesta y producida por Pepe Mogt en octubre del 2018 en el Hotel Royal de Tokio, Japón y masterizada por LANDR. Editada por el sello Mogt Music Arte Ep: Fritz Torres

Custodiada por cámaras, sensores, alambre de púas y la patrulla fronteriza, los migrantes arriesgan su vida por llegar al otro lado y, en el mejor de los casos, son atrapados y posteriormente deportados.

Por otro lado, la microscopía es un elemento que juega un papel importante, ya que nos adentra en un mundo donde la naturaleza lanza un mensaje “las fronteras no deberían existir”. El ojo mecánico le hace ver al ojo biológico como las mismas plantas, el mar y el óxido van carcomiendo poco a poco este bordo.

Quadripoint sigue siendo una pieza que está en constante evolución y movimiento, como podemos ver en las imágenes microscópicas que la conforman. Por otra parte, su música se compone a partir de grabaciones de campo y elementos de ondas analógicas microscópicas que se desarrollan a lo largo de improvisaciones en vivo, por lo que cambia en cada encarnación.

El Ep Deportado verá la luz en febrero y será el primero de una serie de cuatro vinilos en formato

de 10 pulgadas de los temas que musicalizan Quadripoint.

El Ep podría ser catalogado como ambient, techno o psicodelia, ya que se conforma de los sonidos del mar que golpean día con día la frontera y que la derriban poco a poco, voces de migrantes que se pierden en el viento y los sintetizadores que hacen la labor de manipular todo ello sobre pulsos rítmicos, que te llevarán a bailar, o a escuchar con audífonos ay contemplar los resultados generados por Quadripoint.

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Por Alejandro Franco y Rector Canales Fotos Georgia: Alejandro Franco Alejandro: Reflexiones desde el asiento de un avión. Es mi regreso del Amsterdam Dance Event, mejor conocido como ADE, desde hace 23 años la conferencia / evento de la Industria de la Música Electrónica, más importante del mundo. Todos aquí, en charlas, conferencias, reuniones, comidas, borracheras y, las mejores fiestas. No lo digo en sentido figurado; todas las fiestas de respeto en el mundo vienen a hacer una versión aquí; más grande, más larga, con más artistas o ejecutando algo nunca antes hecho por primera vez.

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RUSIA

GEORGIA TBILISI

TURQUÍA

ARMENIA

AZERBAIYÁN

En Georgia, no solamente pude conocer el surrealista Bassiani, debajo del estadio de fútbol Dynamo, donde está ubicado (sí, leyeron bien; el club se ubica en el bunker del estadio exactamente donde antes habían unas albercas olímplicas que construyó Stalin), sino también a los creadores de tan interesante concepto que ha recorrido el mundo y de paso, tocar como DJ en su casi satánico Horroom, su segundo “room” dentro del Club.

Así se como se imaginan el lugar; así es. Subterráneo, “underground “en serio; parece la antesala de las fiestas del infierno y tiene una vibra tan especial que el tiempo pareciera no pasar ahí. No hay huellas de que el Gobierno-Ortodoxo-de-Ultra-Derecha de Georgia, los haya intentado cerrar permanentemente hace unos meses.

Rector: A mí entrar a Bassiani me recordó al video de ‘Ava Adore’ de los Smashing Pumpkins. Nunca había visto gente bailar con tanta intensidad, de principio a fin de la noche. Sin importar si están escuchando house o techno, el público de Bassiani lleva en la venas el We Dance Together, We Fight Together, que es el grito de guerra con el que la gente defendió al club en las redes sociales durante las redadas hechas por le gobierno georgiano en marzo de 2018. Existe la leyenda de ” los cuidadores” contada por los fundadores de Bassiani y los DJs que han tocado en el club. Es un grupo de aproximadamente 30 personas que van todas las noches que abre el lugar y se quedan hasta que el último DJ haya puesto su último track. Ellos velan que la música y el ambiente sea el apropiado. Estoy seguro que aquel Sábado, pasadas las 9AM cuando Alejandro estaba cerrando “la noche”, ellos eran los últimos que quedaban porque se sentía su conexión con el Club. Al final ya estaban en círculo bailando una especie de Capoeira.

Alejandro: Cuando cenamos con el DJ y Productor de Techno Rødhad y Tato Getia, uno de los fundadores de Bassiani, en un restaurante hípster en una zona muy cool de la Ciudad, en el medio de la comida y los deliciosos vinos de la región que ha dado vinos al mundo (o de menos a ellos mismos) desde hace unos 8,000 años, tampoco se notaba vestigio de que a Tato y a sus socios se los llevó un comando armado de la policía y estuvieron desaparecidos varios días.

La historia la contaron el primer día de ADE, en plena apertura de la conferencia en una charla llamada “Rave For a Revolution”, donde la historia menos cruda era la de los georgianos que con presión del mundo del techo mundial y sobretodo, las más de 10,000 personas que se fueron a manifestar bailando frente al parlamento, lograron salir libres y re abrir puertas unos días después.

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Rector: El “Nyege Nyege” o “Sex Sex” fue otro de los invitados a la mesa, es un festival que se realiza desde el 2015 en Uganda. El festival promueve la música africana moderna y el respeto a los derechos de los jóvenes y de la comunidad LGBT. Se cancelo dos veces porque el gobierno alegaba que se hacían alabanzas al diablo, en medio de un país Cristiano tomando por la Iglesia Americana. El fundador Derek Debru, recomendó que viéramos la película God Loves Uganda para que entendiéramos la situación que se vive realmente en ese país. Debru ha sufrido acoso por parte del Ministerio de Ética y Buenas Costumbres del gobierno de Uganda por promover a la homosexualidad, misma que es negada y calificada de inexistente en este país por dicho Ministerio. El festival se llevó a cabo gracias a que de los 4,000 asistentes más de 1,000 eran turistas y traían dinero al país.

El tercer ponente en Rave for a Revolution fue Jazar Crew, el primer colectivo de música electrónica fundado en Palestina, donde solo pueden haber dos tipos de fiestas: casamientos y Navidad. Los jóvenes viven oprimidos por la violencia y por la falta de oportunidades.

Boiler Room Palestina

Hacer la primera fiesta y tener el respaldo de la sociedad les tomó 9 años. En su música retratan lo que se vive día a día: disparos, ambulancias y terror, combinado con ritmos electrónicos. La música es única y de alta calidad. Los permisos para hacer el Boiler Room Palestina tomaron dos años, debido a que lo tuvieron que autorizar las autoridades israelitas, mismas que tienen bloqueado el acceso a Palestina. El equipo de Boiler Room tardó 20 horas en cruzar la frontera. Los dos fundadores pueden salir y recorrer el mundo gracias a que cuentan con pasaporte británico.

Alejandro: Es el momento del Techno. La música electrónica sale por fin de un letargo estúpido, generado por la industria de Estados Unidos, llamado EDM. Les llegó tarde el memorándum de la música electrónica; como 15 años. Quisieron hacerlo industria como todo lo que hacen. Y lo hicieron. Fue una mierda ver como David Guetta cambió su estilo de tocar, ridículo lo que podía llegar a hacer Steve Aoki (un show basado en pastelazos), triste saber que Diplo se vendió y de cómo “los Van Burens”, “los Tiëstos” y todos los que vengan a la mente, hicieron de la radio un verdadero lamento. El EDM murió junto con Avicii, el solitario príncipe que se envolvió en la

bandera como niño héroe y sacrificó su vida por un género que ya estaba en etapa terminal.

No importa que DJ Mag salga con su ridícula lista de Los Mejores 100 DJs y ponga a Martin Garrix en el 01. No importa que llenen de nombres de EDM la lista, incluido Avicii desde otra dimensión e ignoren a toda la escena verdadera actual mundial. Ellos ya no existen tampoco y en la historia, tendrán una factura que pagar. Denles unos años más (no tantos) a esos “Disneylandias” andantes de Tomorrowland o el EDC; guarderías donde los más jóvenes van a probar sus primeras drogas y a sentir que todo es posible.

El Techno por el contrario sigue y seguirá aquí.

No es un género de moda y nunca lo va a ser.

Responde a las situaciones como un ente perfecto y se ocupa de lo que como sociedad no sabemos ocuparnos bien. Detroit lo sabe, Berlín lo sabe, Medellín lo sabe. El Techno cambia Ciudades, voluntades, perspectivas y lo hace a través de la fuerza de su mensaje. Una locomotora a 350 km/h, una bala expansiva en el pecho. Es la adrenalina el peligro, pero también de mucho amor.

La discriminación no existe en el Techno.

Salida del club Bassiani WAR P 2 019 . 1

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El Techno no tiene ego.

Rector: Esta fue la tercera vez que asistí al ADE y lo que más me impresiono fueron las producciones de los eventos. DVS1, el artista más importante del techno en la actualidad, ruso-de-San-Petersburgo-que-se-hizo-gringo-de-Minneapolis, cuyo nombre significa, el estado más puro de un diamante, propone que las fiestas tienen que ser una verdadera experiencia, tienen que marcar a la audiencia y esta a su vez tiene que exigir que las próximas experiencias sean de mayor calidad. Cada visita percibo avances en la calidad del sonido, los lugares son diseñados en base al sonido y a la iluminación no al revés como antes solía serlo. La audiencia cada vez es más madura y exigente. Cada vez hay una brecha más grande con lo escena prostituida y abandonada que se vive en el mainstream.

El mensaje que transmitió este año el ADE fue directo: respeto, inclusión y libertad.

El dancefloor tiene que dejar de ser un lugar hueco para convertirse en un lugar donde se hable de política y progreso. La música electrónica tiene que fijar una postura clara y directa contra la creciente radicalización de las políticas de ultra derecha en Europa y Estados Unidos. En las pistas de baile convergen millones de personas cada fin de semana, el público es multi- generacional y tiene que fijar una postura contra estas tendencias que están invadiendo de odio las calles y enfrentando día a día a gente que sin ninguna información, juzga y segrega a lo desconocido.

Clubes y festivales alrededor del mundo tienen que alzar la voz. Cada vez hay una distancia más grande entre la visión que proponen los políticos y lo que necesitan los jóvenes. No dudo que Naja Orashvili activista política a favor de los derechos de los jóvenes y las minorías georgianas, también fundadora del Club Bassiani, llegue a convertirse en una figura política importante fundando o siendo parte del primer partido de izquierda de este país de Europa del Este.

Estadio Dynamo

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Stop & Wiklow

MUTEK MX

I N T E R N AT I O N A L F E S T I VA L O F D I G I TA L C R E AT I V I T Y E D I C I Ó N 15 19-25 de noviembre, 2018 CDMX, México Fotos: Cortesía MUTEK MX

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1. Visible Cloaks

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2. JB Dunckel & Jacques Perconte 3. Actress 4. Aurora Halal 5. Synichi Yamamoto & intercity-Express

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GUADALUPE VALLEY WINE, FOOD AND MUSIC FESTIVAL 2018

# TA S T E T H E S O U N D

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DJ TENNIS

SHARING MUSIC FROM THE DJ BOOT Por Óscar Adame

MANFREDI ROMANO ES UN MÚSICO Y PRODUCTOR NACIDO EN 1970 QUE CRECIÓ ENTRE LAS CIUDADES DE NUEVA JERSEY, SICILIA Y PARMA. DURANTE SU ESTADÍA EN LA UNIVERSIDAD, ESTUDIANDO UNA LICENCIATURA EN CIENCIAS DE LA COMPUTACIÓN, LOGRÓ HACERSE DE SU PROPIA ESTACIÓN DE RADIO CENTRADA EN EL ROCK ALTERNATIVO. NO FALTÓ POCO PARA QUE EMPEZARA A PRESENTARSE EN LOS CLUBES NOCTURNOS DE SUS ALREDEDORES COMO DJ, RAZÓN POR LA CUAL LOGRÓ CONSOLIDARSE COMO UNA PERSONA PODEROSA DENTRO DE LA INDUSTRIA ITALIANA.

Platicamos con él a pocos minutos antes de su presentación en Guadalupe Valley Fest, mientras conversaba con las chicas de Random Recipe y bebía vino. Previo al acercamiento, nos volteó a ver con una mirada profunda, como la de una persona con vasta experiencia en el mundo de la música, arriba y atrás del escenario.

Durante tus años de universitario fuiste un locutor de radio, creo que hay muchos paralelismos entre el ser un locutor y ser DJ… Creo que una cosa tiene impuesta a la otra porque, aunque son trabajos muy diferentes, ambos se ayudaron mutuamente a desarrollarse. Lo primero que me introdujo a la música fue la radio, cuando era un niño me quedaba despierto hasta muy noche con tal de grabar shows radiofónicos en casetes y esto permitió que descubriera a muchos artistas.

Había programas muy buenos, pero los mejores eran transmitidos en la noche, por lo cual mis padres se enojaban conmigo por quedarme tan tarde escuchándolos. Creo que valió la pena, porque aprendí todo acerca de la música a través de ello. Siempre soñé con ser un locutor de radio, me atraía la idea de que hubiera alguien que te explicara la historia de la música, las biografías de los artistas o que hablara sobre lo que quisiera.

Así que cuando inicie mi programa me gustó que tener la oportunidad de ayudar a la gente a descubrir música.

En cierto sentido, la similitud que le encuentro al ser un DJ es mi objetivo de contar una historia a través de una selección de canciones que obviamente no sean hits, si no el explorar música dance de otros países y culturas, tratando de crear una pista de baile única. Es algo que siempre se trata de hacer en la radio.

Según lo que percibo lo que te gusta de ambas profesiones es el compartir música, pero también producías conciertos. Definitivamente lo hago con el objetivo de compartir. Yo solía ser un promotor, trabajé en eso por muchos años y paró hasta que me convertí en un DJ profesional, lo cual fue pura suerte.

Uno de mis primeros conciertos fue The White Stripes. Solía promocionar mucha música independiente, como a Sonic Youth y LCD Soundsystem,

previo a trabajar con artistas de electrónica experimental, como Aphex Twin, LFO y Squarepusher. Fue por esto que pude descubrir a la música electrónica de una forma mucho más profunda, porque antes pertenecía a la industria de la música punk. Hay muchas similitudes entre la industria punk y la ramificación más experimental de la electrónica, lugares en donde tocaban bandas como Fugazi y Black Flag también les daban entrada a estos artistas. A partir de ahí, me interesé en el house, el techno y todo un enfoque distinto en la música dance.

Si necesitaras elegir sólo una forma de compartir música, ¿cuál elegirías, la radio, la promotora o el DJ? Espero no tener que elegir [risas], ahora puedes hacerlo en muchas formas distintas sin sacrificar nada. Tenemos un revival de buenos programas de radio debido a los sistemas de podcasts que hay ahora mismo, muchos son una mierda, pero también hay muchos muy buenos.

Me gusta hacer de todo, espero iniciar un programa de radio terminando mi gira, por el momento estoy centrado por completo en mi próximo disco. No tengo mucho tiempo para hacer radio, hacerlo toma muchas horas, necesitas investigación y por el momento no puedo hacerlo.

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AUSTRALIA

LOUIS TIKARAM

ALMOST 4 YEARS AGO, THIS FIJIAN-AUSTRALIAN CHEF MOVED TO LOS ANGELES, TO MAKE EP&LP HIS NEW HOME, ONE OF THE BEST RESTAURANTS IN WEST HOLLYWOOD TODAY. BEFORE THAT HE HAD A RESTAURANT IN SYDNEY, AND I WAS THE EXECUTIVE CHEF AT LONGRAIN WHICH WAS PRIMARILY A THAI RESTAURANT, THE FOOD THAT HE REALLY FELL IN LOVE WITH AS A YOUNG COOK AS IT REMINDED HIM OF FIJI, WHERE LIFE REVOLVES AROUND FOOD AND PEOPLE COME IN TOGETHER FOR FOOD. WE TALKED TO HIM TO KNOW MORE ABOUT HIS CULINARY ART AND ABOUT THE MOMENT HE’S CURRENTLY LIVING, ALL FROM HIS OWN VOICE.

FOOD AS ENTERTAINMENT Yeah, absolutely yeah, like I often get asked what I do for fun and it always just ends up being a restaurant around a bar, eating and drinking I just think it goes hand in hand, I don’t, never really one without the other.

CHINESE, FIJIAN, AUSTRALIAN My grandmother in Fiji was my greatest influence of my career so far, growing up in Fiji, cooking with her had quite a profound impact when I was young, she was Fijian Chinese, and my Grandfather is Fijian Indian, so we would never really know what was going be at the dinner table that night, it could have been traditional Indian, traditional Fijian, Chinese, or she could´ve tried to make some western food for the family, so this way of living really kind of transcends to what we have here at EP, where I look at into the dining room, I see people sharing, drinking, eating, having fun, and that’s just the way I was raised so, it’s pretty awesome growing up with that style of coming together and

then seeing it all the way over here in West Hollywood with the same principles.

LET THE FOOD DO THE TALKING Some people that come in they’re a little bit skeptical of sharing or eating family style or eating with your hands, though I just really encourage them just to order the style that we really recommend and then when the food hits the table sometimes you just know that they’ve converted. It’s cool seeing that they come as not really believers and leave as believers and then continue to come back to the restaurant.

LOCAL & SUSTAINABLE INGREDIENTS ‘You talk the talk, you walk to walk’, so if you say that you, you know, you support local farmers and you source things locally you really gotta get out and visit the farms, and visit the fisherman, and visit, you know, where the product was made, to form a relationship with them, and actually at EP I had to go to these farms and ask

them to grow specific product for us, these are all ingredients that I couldn’t source.

SOUTHEAST ASIAN & MEXICAN CUISINE I’ve traveled through Mexico a lot, but it wasn’t till I moved here when I started to explore a lot of different regions and styles of Mexican restaurants here in L.A. where the food, the ingredients, and the technique are very similar to Southeast Asia, and then I started researching a little bit more and most of these Southeast Asian ingredients were originally from Central and South America so, somewhere down the line, the cuisine of these two countries is very similar, such as tamarind, mint, cilantro, chili, even ingredients like lemon grass is commonly used. It was a profound moment when I realized that all the same ingredients where just twisted and turned a different way to taste different, but I think that’s why I fell in love with Mexican cuisine so much, just the complexity and the balance of flavors are very similar.

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TITÁN

M Ú S I C A D E M A Q U I N I TA S Por Oscar Adame

TRAS UNA PAUSA DE CASI 10 AÑOS, TITÁN REGRESÓ A LOS ESCENARIOS CON DAMA (2016), MANTENIENDO LA ESENCIA QUE LOS CONVIRTIÓ EN UNO DE LOS PROYECTOS MEXICANOS DE MÚSICA ELECTRÓNICA MÁS RECONOCIDOS, LA CUAL ES RESUMIDA POR ELLOS MISMOS COMO “MÚSICA DE ELEMENTOS DEL ROCK CON MAQUINITAS”.

Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival representó un concierto primordial en la historia del grupo, pues el proyecto se presentó por primera vez en su historia en formato dúo. Es así como nos encontramos a Emilio Acevedo y a Julián Lede dentro de su tienda, disfrutando de la vaca de Dante Ferrero mientras reían de los “errores” que cometieron sobre el escenario.

Entre broma y broma, ambos músicos respondieron a todas las preguntas que teníamos sobre su experiencia en el festival y el regreso del proyecto.

Han dejado muy en claro que ustedes hacen “música con maquinitas” en ese sentido ¿Qué tipo de maquinita de videojuegos sería Titán?

Emilio: No hay mucho que buscarle, el disco homónimo está basada al 100% en la Comodore 64.

Julián: En aquel disco nos basamos en la música que se podía hacer en 8 bits y toda la música de esa consola está construida sobre una tarjeta de sonido que sólo permite esos 8 bits, tiene un sonido bastante peculiar que quisimos explotar en la banda.

Emilio: Nunca tuvimos la intención de usar el hardware de los videojuegos, no somos una banda de chip-tune. A mí los 8 bits me sonaban más bien a una onda distorsionada porque en realidad son ondas puras, ondas triangulares que suenan a una guitarra. Ese era el chiste, el obtener la misma textura con estos instrumentos. La Comodore es una bestia. ¿Qué es lo que más les ha gustado del Valle de Guadalupe?

Julián: El paisaje sin lugar a dudas.

Emilio: Y la vaca, que fue la pipa de la paz desde que llegó. El show no se lo debemos a la vaca, pero sí calmó los ánimos, estábamos muy nerviosos puesto que este es el primer concierto que damos como un dúo, sin Jay de la Cueva. Fue un experimento interesante, tuvimos que dar un show

más electrónico, darle más poder a las cajas de ritmo y quitar las baterías.

Julián: Fue un desmadre electrónico y ya veremos cómo seguirá evolucionando. Estamos estrenando.

Titán es una banda que se distingue por ser en extremo sincera y abierta…

Emilio: La verdad hacemos lo que nos place y eso es algo que que disfrutamos mucho. Es por ello que Titán sigue dando la mata, sacamos nuestro último disco hace dos años, estamos componiendo de nuevo y no nos aburrimos en lo más mínimo.

Julián: Las cosas siguen cambiando, de pronto somos tres, de pronto somos dos, una vez fuimos cuatro. Es un proyecto bastante versátil en todo sentido.

Ustedes tienen proyectos por separado ¿Cómo fue el volver a Titán luego de darle vida a estos?

Julián: Emilio y yo nos conocemos desde hace 30 años y hacemos música desde entonces. Creo que hay una conexión especial, nos conocemos muy bien. Puede que no nos veamos por una larga temporada, pero cuando nos reencontramos la música sale de una manera muy natural, es algo que ya tenemos integrado. Podemos tomar unas largas vacaciones, la última vez fueron cinco años en los cuales cada quien se fue por su lado, pero lo bueno es que siempre nos volvemos a juntar y pasa de nueva cuenta la magia. Es algo que siempre va a seguir.

Emilio: Siempre y cuando la cosa se vuelva compleja. Cada vez que nos juntamos pasa, encontramos más maneras de hacer las cosas sencillas y eso es difícil para nuestras mentes aferradas, el empezar a bajar los elementos. A veces pensamos en meter toda la carne al asador, decidimos que suenen 20 cosas a la vez, y creo que la diversidad que da la complejidad es lo que nos ha movido.

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SONORA - GUADALAJARA

ALFONSO CADENA

EL HUESO, CARBÓN CABRÓN, LA LECHE DON PONCHO CADENA CREE EN EL PODER DE LA COMIDA PARA TRANSMITIR EMOCIONES Y EL PODER DE LA MESA COMO HERRAMIENTA SOCIAL. EN UNA PROFESIÓN ARTESANAL, EN CUANTO A LO ARTÍSTICO, SUMADO AL ESTUDIO, LA TÉCNICA, VIAJAR EL MUNDO, Y LAS RELACIONES QUE SE VAN FORMANDO EN EL CAMINO, ASÍ ES EL TRABAJO DE UN COCINERO DE HOY EN DÍA, EL CHEF MODERNO DE ALFONSO CADENA TRAE MUCHA MÁS CREATIVIDAD POR ENRIQUECER MOMENTOS DE ENCUENTROS HUMANOS.

HUESO La palabra hueso me parece brutal fonéticamente y todo lo que podías hacer con algo aparentemente repulsivo, para hacer algo estético. Para mi ese era el principal reto, no solamente el diseño, sino que también en la cocina.

Hueso es mi espacio creativo, en la Colonia Lafayette en Guadalajara. Es mi espacio para ser muy libre, cocinar para la gente que le gusta mi trabajo, donde todo gira, alrededor a la herramienta social que es la mesa, y para darle más poder a la mesa, queremos poner todo al centro, me parecía un reto hacer de un plato grande un plato estético, pero encontré que es una conexión con mi lado primitivo.

Romper los tendones de una carne, me parece alucinante, siempre encuentro belleza ahí, es el respeto al sacrificio y Hueso tiene eso, al fin y al cabo, te muestra nuestros cimientos que sostienen nuestra carne. Si sacrificas a

un animal, la obligación del cocinero es conseguir que la muerte de ese animal pueda ser utilizado todo para crear placer al espíritu.

LA COCINA Y EL COCINERO Mi papá se ha dedicado toda su vida a la hospitalidad, siendo hotelero y cocinero, y tengo la fortuna de que mi madre es una extraordinaria cocinera también, no conozco de otra la verdad. Yo creo que aprendí la parte del oficio por parte de mi papá y el gusto de cocinar por parte de mi mamá.

Y otra parte que es muy importante para mí dentro de la cocina es el diseño y tengo la fortuna de tener un hermano, Nacho Cadena que es un creativo, a mí me parece de lo mejor que hay en México EL COCINERO Y LA MÚSICA En la cocina encuentro lo que más me gusta; que es la música, oír una nueva canción, un sonido nuevo a mí se me hace increíble;

en la cocina encuentro un cuarto de ensayo, un jazz, una improvisación, una posibilidad y el uso de dar narrativa a la misma música, como en la cocina con los tiempos, el metrónomo comienza e incorporamos puentes, matices, armonía, melodías, solos y eso me divierte mucho. Así es como me gusta pensarlo.

NO RULE TIJUANA Andamos muy clavados en los vegetales, estamos empezando a aterrizar un proyecto muy mexicano, pop, medio satírico y trabajar con los maravillosos productos agrícolas, influenciado de Baja California, específicamente Tijuana. Me gusta mucho la posibilidad de crear nuevas historias, y en Tijuana, todo se vale y, el poder participar de alguna manera en la posibilidad de hacer una nueva gastronomía en México y lo que más me gusta de los tijuanenses para cocinar es que ‘there’s no fucking rules’, pero hay gran técnica y se me hace poca madre.

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RANDOM RECIPE

THE FUTURE IS FEMALE Por Oscar Adame

RANDOM RECIPE ES UNA AGRUPACIÓN CANADIENSE QUE CON 10 AÑOS DE CARRERA MUSICAL HA LOGRADO POSICIONARSE COMO UNA DE LAS MÁS INTERESANTES Y PROGRESIVAS DESDE UN PUNTO SOCIAL, DENTRO DE SU PAÍS. Su más reciente producción se titula Distractions (2018), un disco que combina tantos géneros en su música como lenguas en sus líricas, se trata de un proyecto multicultural que nos presenta a Frannie Holder y a Fabrizia Di Fruscia en su forma más sincera y natural. El principal objetivo era demostrar que las mujeres pueden ganar una posición de poder dentro de la industria de la música, cosa que lograron colaborando únicamente con mujeres para su producción, desde la música hasta el arte que lo acompaña.

La primera persona a quien le escribimos fue a Rhonda Smith, una bajista que tocó durante muchos años con Prince y que ahora toca con Beyoncé y Jeff Beck. Ella se portó muy linda, es súper talentosa, sigue practicando seis horas al día a sus 60 años de edad. Nos dijo “sí mujeres, las apoyo, me gusta su música y quiero ser parte de su proyecto”, viajó de Los Angeles a Montreal para tocar con nosotras. A partir de ahí nos dimos cuenta de que teníamos que continuar, contactamos a las demás mujeres y terminamos el disco.

Nos encontramos a Fabrizia en su camerino, en espera de salir al escenario, platicando entre risas con los músicos de otras bandas y presumiendo de su talento como lingüista. Pese a que vive en Canadá y cuenta con raíces en Italia, esta chica contestó todas nuestras preguntas en perfecto español. ¿Es cierto que este nuevo disco, Distractions, representa el mayor cambio en su carrera?, de ser así, ¿cuál es ese elemento?

Madurez, creo que después de 10 años de estar juntos como un grupo y sobrevivir a cambios naturales, terminamos por crecer como una familia.

Como las plantas, crecimos con cambios de clima y tuvimos que descubrir a dónde queríamos ir, la razón por la cual seguimos y qué es lo que vale la pena en la música en el 2018.

Además, pensamos en lo que tenemos que decir como banda. El disco nos llevó a eso, a conocernos más, a experimentar y a crecer también como individuos. Hizo que nos alejáramos de las expectativas de nuestro público para encontrar nuestra propia autenticidad. ¿Qué otras respuestas llegaron en ese periodo de reflexión?

Bueno, lo primero fue pensar en quiénes somos, tuvimos resoluciones personales muy importantes. Además, empezamos a pensar en la multiculturalidad no sólo desde lo generado en Canadá, sino también en el arte de todo el mundo, nos reunimos muchas personas con gustos musicales muy diferentes, pero con visiones y valores similares.

¿Qué les gustaría hacer en el futuro en cuanto a lanzar mensajes hacia la sociedad?

Queremos dar un ejemplo a las mujeres, nosotros crecimos en los años 90 y no había muchas chicas como modelos. Estaban las Spice Girls y de las cinco teníamos que elegir a una, era demasiado aburrido. Creo que falta eso, para las mujeres y para las niñas, pero también para los niños.

Es repugnante que en Mortal Kombat de los 12 personajes sólo haya dos mujeres, es difícil para un niño decir que quieren ser como una mujer por ello. Espero que cambie esto muy pronto con mujeres con ganas, que traigan algo más que la imagen.

Nuestro objetivo con este disco fue apoyar a la diversidad cultural, apoyar a las mujeres y pelear contra los prejuicios mediáticos. Quisimos tomar una voz que aún no existe en Canadá para hablar del poder de la mujer en la música y de la gente con una diversidad cultural súper linda, no blanca.

De ahí la idea de colaborar únicamente con mujeres en este disco, alrededor de 15 chicas en la producción, mezcla, teclados, percusiones, bajo, vocales y muchas otras cosas. Fue muy interesante y nos dimos a la tarea de encontrar a mujeres sobresalientes en cada rama.

¿Qué es lo que más te ha gustado de Valle de Guadalupe?

Tras viajar 24 horas de lado a lado llegamos aquí en la madrugada. Fue hermoso porque no podíamos ver nada por la obscuridad, cuando despertamos unas cuantas horas después amanecimos con una gran energía.

Vimos al sol, a las plantas, a la gente y a la naturaleza. Después llegamos al festival y la música nos acompañó a conocer a la gente súper amable, un equipo con pasión y con una buena motivación. Además, la comida está para morir.

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OAXACALIFORNIA

BRICIA LÓPEZ

GUELAGUETZA

BRICIA LÓPEZ, CONOCIDA COMO "PRINCESA DE OAXACA” ES UNA FUERTE PROMOTORA DE SUS RAÍCES. EL RESTAURANTE Y MERCADO BOUTIQUE OAXAQUEÑO FUNDADO POR SUS PAPÁS, GUELAGUETZA SE HA CONVERTIDO EN UN TEMPLO DE LA COMIDA MEXICANA EN LOS ÁNGELES.

Where do you call home?

My husband and son are from Los Angeles.

Here, I have my home, my restaurant and my business but: my heart, my family are from Oaxaca. When I go back to my parents I feel like I’m home too. When I smell the food, I feel like a five-year-old again back in Oaxaca.

You’re a big promoter for helping your community in Oaxaca.

We started ‘Por Oaxaca’, after the earthquake. First we send things. My dad found this town called Ixtlaltepec, about 85% of the homes were destroyed. People weren’t needing things, but shelter. We’re surrounded by things and forget that some people have basic needs. My dad had some experience in building homes and he asked: Why don’t we built their homes? We built about 110 homes and a school needed classrooms. Every time I go to Oaxaca, I visit the school too see the difference that people can make.

And then there’s ilovemole.com Yeah, ilovemole.com is the website of the restaurant, but the restaurant is called: Guelaguetza. So, ilovemole.com is our online store, we sell all of our products, enchilada sauce, mole in a jar and chocolate from Oaxaca. I started a site to share the recipes that I learned growing up. What I do is make these recipes and preserve them, so I started moleandmore.com and it has evolved, its really cool to see the reaction of those who are interested in traditional Mexican food.

How old were you when you come to Los Angeles?

When I moved to Los Angeles I was ten years old. My dad, in Oaxaca, was always working, he used to make mezcal and he was a merchant, but that didn’t work out, so we moved here in 1994 and started this restaurant. My dad didn’t know how to cook, but knew how food was supposed to taste like. That’s really what you need to make it work. When you can get to that flavor, you know you strike gold. Now my parents are retired, my siblings and I are in charge of the business.

What makes it traditional, and how are you keeping it traditional?

I make it traditional. Is who I am. I didn’t go to culinary school, I’m not a trained chef, I grew up eating my family’s food and I love good food. I love learning, going to restaurants and a lot of my friends are amazing chefs. I love cooking with them and tasting their dishes. And I think what I love is just to cook my moms and grandma’s recipes, I’m good at it.

Your parents said: “Never thought we could go back, and now we’re back in Mexico”. How was the moment that to you told your parents that they could go back home?

It was really scary. They trusted us, so it felt good to make my own mistakes, take my own decisions with the support of my siblings, of course. The four of us have transformed this place and it’s really rewarding.

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RANDOM RAB

M U S I C FO R E V E RY B O DY Por Oscar Adame

BAJO HERMOSAS COMPOSICIONES QUE COMBINAN INFLUENCIAS QUE VAN DESDE ARTISTAS CLÁSICOS Y DEL TRIP-HOP, HASTA EXPONENTES DE LA MÚSICA ARÁBIGA, SE ESCONDE RANDOM RAB, ALIAS MUSICAL DE RAB CLINTON. UN PROYECTO QUE A LO LARGO DE UNA DÉCADA DE EXISTENCIA HA LOGRADO LANZAR 10 DISCOS DE ESTUDIO QUE HAN LLEGADO A TODO EL MUNDO CON ÉXITOS VIRALES COMO ‘GIME THAT HOPE’ Y ‘REPOSE’.

Las piezas instrumentales son tan frágiles en algunos de sus elementos, que no sorprende que nos lo hayamos encontrado con una sonrisa en su rostro típica de aquellas personas que, como niños, se dejan llevar por su curiosidad. Saliendo del escenario de The Moon, Rab no dejaba de ver a las estrellas mientras atendía a un par de seguidores y contestaba nuestras preguntas. ¿Qué es lo que más te ha gustado descubrir en Valle de Guadalupe?

Yo no tenía idea de que Baja California tenía una zona tan especializada en la vinatería, nunca había estado en un lugar como este y al haber llegado me sentí como si se tratara de otro mundo, me voló la cabeza porque no solamente se hace vino, si no que también se hace un vino muy bueno. Además, la gente que hace los vinos es genial y en general mi mente ha volado con toda la experiencia.

Yo he tocado en cientos de festivales y este es el primero en el cual hay chefs que son headliners. Es una locura, todos están aquí por ellos y eso es genial, es una experiencia completamente nueva. La comida es increíble, todos los festivales deberían de tomarla en serio.

Si tuvieras que regresar por algo en especial, ¿por qué sería?

No sería por una cosa en específico, sería por un cúmulo, cientos de cosas. La gente es genial, la vibra es asombrosa, la comida es grandiosa. En serio ha sido una experiencia increíble y espero poder regresar cada que tenga la posibilidad.

Hay algo dentro de tu música y al arte de tus discos que me recuerda a los cuentos de hadas.

Seguro, estudié en México por un par de años cuando estaba en la universidad y lo que más me intereso de la cultura de aquí es que se dice que la energía la carga de la tierra y la liberas a través de tu cabeza hacia el cosmos. En los Estados Unidos trabajas para llevarla de vuelta a la tierra, no sé por qué, pero me siento mejor aquí, es como si la energía me golpeara de todos lados de una forma muy gentil y lo único que tengo que hacer es liberarla al cosmos. ¿La liberas a través de tu música?

Exactamente, puedo liberarla a través de mi arte.

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E L C IEL O WINERY & R ES ORT @elcielovalledeguadalupe

EL CIELO WINERY & RESORT, LA NUEVA LÍNEA DE HOTELES CON UN CONCEPTO INNOVADOR Y EXCLUSIVO DENTRO DE LA CATEGORÍA BOUTIQUE, ENCLAVADO EN VALLE DE GUADALUPE, BAJA CALIFORNIA. CUENTA CON DOS RESERVORIOS, RODEADO DE VIÑEDOS, MONTAÑAS EN ARMONÍA CON EL PAISAJE Y LA NATURALEZA Y SE CARACTERIZA POR ROMPER EL CONCEPTO TRADICIONAL DE LA HOTELERÍA EN LA ZONA. Es una estancia que supera las expectativas del visitante por su arquitectura de lujo y buen gusto. Sus huéspedes crean sus propias experiencias gracias a cada detalle que el mismo entorno le proporciona, tejiendo sus propias historias. Las suites constan de espacios cautivadores, confortables, con una decoración en tonos cálidos y orgánicos. El Cielo Winery & Resort es calidez y lujo, un estilo que se funde con la naturaleza.

[ENGLISH]

El Cielo Winery & Resort, the new line of hotels with an innovative and exclusive concept within the boutique category is located in Valle de Guadalupe, Baja California. It has two lakes, surrounded by vineyards, mountains in harmony with the landscape and nature that is characterized by breaking the traditional concept of hospitality in the area.

It is a stay that exceeds the expectations of the visitor for its luxury architecture and good taste. The guests create their own experiences thanks to every detail that the environment provides.

The suites consist of captivating comfortable and harmonic spaces, decorated in warm, organic tones. Cielo Winery & Resort is warmth and luxury, a style that blends with nature.

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BOB MOSES

B AT T L E L I V E S Por Óscar Adame

PESE A LA FALTA DE DESCANSO, JIMMY VALLANCE Y TOM HOWIE CURIOSEARON POR EL LUGAR Y SE MOSTRARON FELICES DURANTE NUESTRA PLÁTICA, APRECIANDO EL PANORAMA ENTRE BROMAS. “ES LO QUE HACEMOS, TENEMOS QUE VIAJAR MUCHO, TRATAMOS DE SACAR LO MÁS POSIBLE DE ESTAS EXPERIENCIAS”, ME DIJO JIMMY EN MEDIO DE LOS VIÑEDOS. LLEGARON ESA MISMA TARDE DE LOS ANGELES, DIRECTO A OBSERVAR EL PAISAJE DESDE SU RESIDENCIA EN EL HOTEL EL CIELO WINERY RESORT.

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El pasado 15 de septiembre, Bob Moses se presentó como headliner del Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival. Esta fue la primera presentación de la banda tras el estreno de Battle Lines (2018), su segundo disco de estudio que llegó a las tiendas sólo un día antes. “Lo más divertido es que el arte del disco pudo haber salido de este panorama”, declaró Jimmy, la mitad electrónica del dúo, aquel que toma las melodías de su compañero y las transforma a tracks bailables. “Es un gran lugar para presentarlo”, agregó Tom, cuya actitud sobria lo cataloga como la mitad seria, pero centrada del proyecto.

Se conocieron durante la secundaria en Vancouver, Canadá, pero no hicieron música juntos hasta que se re-encontraron en Nueva York en el 2012, en una tienda de instrumentos musicales, “podría ser el destino”, mencionaron. Desde entonces han estado haciendo música de difícil clasificación. Una combinación única de melodías pasionales de rock-pop inundadas de elementos electrónicos, más acorde a las piezas del mundo de los clubs.

Como si se tratara del destino, estaban a punto de tocar en un festival que comparte su filosofía. Pese a todos los otros festivales y promotores que quisieron presentarlos en el estreno de su disco, ellos decidieron hacerlo en el Guadalupe Valley Fest, un evento que, como Bob Moses, da muestra de que siempre está conectado a aquellas batallas que en verdad valen la pena.

Dijeron en una entrevista previa que este disco se llama Battle Lines porque trata sobre todos los tipos de batallas que se tienen que confrontar en la vida. ¿Cuál fue la batalla más complicada que tuvieron que enfrentar para escribir este disco?

Jimmy: A lo largo de la composición de este disco hablamos de muchos problemas, algunos personales y otros que creemos que compartimos con nuestros fans o con las personas que conocemos en nuestros viajes o incluso el ambiente político en Estados Unidos.

La vida está un poco enloquecida en este momento, hay personas que tienen opiniones divididas sobre temas que importan de verdad.

Siento que estamos al borde de un gran cambio en nuestra sociedad y creo que estamos tratando de entender qué es lo que es aceptable… trato de hablar desde los cambios del status quo.

Eso es algo que nos ha inspirado mucho, el ver a la gente discutir sobre qué es moral; qué está bien y qué mal, y qué se tiene que hacer. Eso impulso a escribir respecto a los temas que nos interesan en ese sentido mientras viajábamos. ¿Tuvieron complicaciones dentro del estudio?

Jimmy: Hay una canción titulada ‘Nothing But You’ en el disco. La idea central fue escrita muy rápidamente, Tom entró al estudio y empezó a tocárla en una guitarra acústica y básicamente la canción estaba ahí, pero terminamos produciendo una versión que no tiene nada que ver con la que aparece en el álbum. Apareció muy rápido, pero escribir las letras y componer los arreglos de una forma en que se sintieran genuinos para nosotros fue complicado.

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“MÉXICO ES UNO DE LOS PRIMEROS LUGARES EN DONDE TOCAMOS, INCLUSO ANTES DEL LANZAMIENTO DE NUESTRO PRIMER DISCO. LA PASIÓN Y LA ENERGÍA DE LA GENTE DE AQUÍ ES ALGO CON LO QUE HEMOS CONECTADO DE FORMA MUY ÍNTIMA.” -T O M H O W IE

Para nosotros es muy importante que nos importen de verdad las cosas sobre las cuales escribimos y hablamos, porque siempre llegamos al punto en el cual Tom tiene que cantarlas todas las noches, seguro algún imbécil podría hacerlo, pero nosotros no podemos decir cosas que no sentimos. Tuvimos que pasar por varias experiencias de vida, contactar a gente que nos ayudara a aprender cómo escribir la lírica de esa canción e irónicamente al mismo tiempo mi familia empezó a romperse de cierta manera, lo que terminó siendo parte de la lírica.

Tom: Justo cuando regresamos de nuestras vacaciones de navidad, pasamos siete días escribiendo líricas en el camino para sus versos.

Teníamos el coro desde el inicio, pero los versos no. Escribimos cinco versiones de la canción que fueron basura, eso lo decidimos cuando terminó la semana y esa fue una gran batalla.

Después, como Jimmy dijo, varias cosas pasaron que nos aclararon el cómo escribir la canción y hacerla sentir genuina. Esta canción es la más grande batalla que hemos tenido.

Jimmy: Sin lugar a dudas ha sido nuestra canción más complicada. Recuerdo que nuestra única esperanza venía del leer un texto de Mark Ronson en la cual hablaba de que trabajó tanto en ‘Uptown Funk’ que tuvo que vomitar tras pasar tantos días sin descansar. Creo que hay una noción falsa de que los ‘hits llegan con facilidad’ y creo que muchas personas dicen que ‘mi canción más grande la escribí en 30 segundos y ni siquiera me gusta’, pero no creo que eso sea cierto.

Tom: Los hits son difíciles porque es difícil decir qué canciones son las que realmente conectan con las personas. Creo que los impulsos creativos vienen y tienes que canalizarlos, no creo que puedas saber desde el inicio qué cosas funcionarán. En nuestra experiencia tanta gente reporta que sus grandes canciones llegaron como si fueran flashes a aquella que dice que tuvieron que repetir el tema una y otra vez.

Esa fue una batalla, pero nos ayudaron cosas tan inspiradoras como esa historia de Mark Ronson y ‘Uptown Funk’.

Jimmy: Sí, gracias Mark.

Mencionaron que este disco representa un paso adelante en su estilo. Si necesitaran describir este paso, ¿cómo lo describirían, en qué sentido creció Bob Moses?

Jimmy: Nosotros iniciamos en el mundo de los clubs electrónicos y todos nuestros objetivos se centraban en el grabar nuestros primeros dos EPs y el primer disco. Ya visitábamos los clubs más geniales de alrededor del mundo y nos preguntamos cómo hacer música para conectar con esta gente porque amamos ese tipo de música y siempre vamos a querer presentarnos frente a esta audiencia porque está hambrienta y hay una escena mundial que nos había dado la oportunidad de ir a Europa y México porque estaba en todos lados.

Tom: Creo que en el último disco tuvimos la oportunidad de tocar en varios festivales muy grandes y ese proceso de tocar con el baterista y tener escenarios mucho más grandes definitivamente formaron al disco.

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ENSENADA

DAVID CASTRO HUSSONG

FA U N A DAVID CASTRO HUSSONG, ORIGINARIO DE ENSENADA, BAJA CALIFORNIA VIENE DE UNA FAMILIA QUE HA SIDO PARTE DEL CAMPO CULINARIO POR GENERACIONES Y CREE QUE COCINAR SE TRATA DE PASAR UN BUEN RATO. GRACIAS A LA OPORTUNIDAD DE TRABAJAR EN DIFERENTES RESTAURANTES IMPORTANTES DEL MUNDO (BARBARELLA, TAKE IT EASY, MEROTORO, NOMA, BLUE HILL EN STONE BARNS, ELEVEN MADISON PARK DE 3 ESTRELLAS MICHELIN, ENTRE OTROS), DAVID ADQUIRIÓ LA EXPERIENCIA SUFICIENTE PARA ABRIR SU RESTAURANTE, FAUNA, UN COMPLEJO GASTRONÓMICO Y TURÍSTICO QUE TE LLEVA A VIVIR UNA EXPERIENCIA EN EL CAMPO. HOTEL AWARDS POR TRAVEL + LEISURE NOMBRÓ A FAUNA, EL MEJOR RESTAURANTE DEL 2018.

Ser de Ensenada ha sido mi mayor privilegio. Aquí se me proporcionaron riquezas gastronómicas, el mar y el valle, esto hizo que me gustara cocinar. ¿Qué tal es ser un chef de Ensenada, Baja California?

No cambiaría el haber nacido aquí. Crecer en Baja California probando la comida tradicional y de la calle, es lo más emblemático de ser bajacaliforniano; las carretas, los tacos, es lo que te marca como chef. ¿Qué tipo de productos puedes conseguir?

Del mar todo. Tres cuartas partes de mi menú son mariscos, son los mejores que he comido en mi vida como chef y tragón, la abulón me llega hoy del mar al restaurante y, si me preguntas como hago para que esté tan rico, no hago nada, solo lo parto y lo pongo en su concha y lo presentamos. La lobina y el erizo, hablan por sí mismos. El borrego de las montañas es impresionante, en Ojos Negros y en el Valle de Guadalupe. En nuestro huerto

tenemos los vegetales que usamos para el restaurante y cortamos tu porción de vegetal y lo servimos en el plato. Sabores que no se comparan con nada. Mis socios me preguntan por qué gasto en el huerto, pero somos autosustentables. Tenemos un mercado que exige la mejor comida y, vino, el conseguirlo me mantiene vivo. ¿Quién fue tu mentor?

Mi madre fue mi mentor en Baja California; la familia comiendo en casa, la cultura y la oportunidad de trabajar con grandes cocineros. ¿Te defines más como un chef de mariscos o de Baja?

Ninguno. Soy un chef que se basa en los ingredientes de alta calidad ya sea para marisco, carne o puerco, el producto lo va a definir. Te adaptas al terruño y creas en base a lo disponible. ¿Que más te gusta hacer cuando no eres chef?

Con mi papá, pescaba y cazaba, pero ahora me enfoco en mi restaurante, en ofre-

cer un mejor servicio, me aseguro que la gente esté pasando un buen rato; es mi pasión y soy joven, quizá cuando tenga familia irá a otra cosa. Por ahora, cocinar, el restaurante, mi familia, mis cocineros y meseros, me preocupan. ¿Qué piensas del Guadalupe Valley Festival?

Estoy emocionado. Este año tengo la fortuna de que me hayan invitado y ser parte de un festival tan divertido y a muchos cocineros se nos olvida, que la comida se trata de pasarla bien, de estar con amigos, de comida deliciosa. Improvisaré algo divertido, con de ricos sabores. ¿Qué es Fauna, porque hay que venir?

Fauna es un restaurante de comida mexicana, una opción diferente a lo que se hace en México donde puedes sentirte relajado y comer delicioso. Busco como chef que te sientas parte de la naturaleza y es un lugar para pasarla increíble. Nos enfocamos a los mariscos, al producto local, patos, codornices y borrego.

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+ Info: FB @CERVECERIAMADERO DIRECCIÓN: 7-Calle Brasil #8448, Col. Francisco I. Madero, Zona Centro. C.P. 22040 TELÉFONO: (664) 720 8871

CERVECERÍA MADERO UNA REVOLUCIÓN EN LA GASTRONOMÍA TIJUANENSE Por Ana Cristina Bejarano. Fotos: cortesía Cervecería Madero

CERVECERÍA MADERO ES LA NUEVA PROPUESTA GASTRONÓMICA CREADA POR EL CHEF TIJUANENSE LUIS MORENO, PROMETE SER EL PUNTO DE ENCUENTRO DONDE SE PODRÁN MEZCLAR IDEAS Y LOS PENSAMIENTOS PODRÁN DESARROLLARSE DENTRO DE UN ÁMBITO CREATIVO.

E

l tijuanense Luis Moreno Gil se ha convertido en uno de los chefs más innovadores en la gastronomía de la Península de Baja California gracias a las experiencias obtenidas durante sus expediciones a través del estado. La nueva propuesta gastronómica que presentará Luis se llama Cervecería Madero y abrió sus puertas en Tijuana, B.C. el 25 de octubre del 2018.

El concepto del restaurante es “Revolución” y la idea surge de los recuerdos que el chef tiene de Guadalajara, donde se formó en administración de restaurantes y bares. Moreno quiere recrear el concepto de los centros botaneros, a donde se puede ir

a disfrutar con amigos de la buena música, bebida y rica comida, a un precio razonable.

Busca revolucionar esa idea mexicana ofreciendo un producto e instalaciones con la mejor calidad para sus clientes.

El menú está enfocado en la cocina mexicana clásica, dándole un toque de modernidad pero siempre manteniendo la esencia tradicional, con elementos que los distingan de los demás restaurantes del giro, ya que el comensal notará el estilo baja californiano en cada uno de los platillos.

“Es el lugar ideal, pues te ofrece alimentos de primera calidad a un buen costo, con

moderna arquitectura que mezcla lo orgánico, lo natural y lo industrial. Al recorrer sus espacios te sentirás orgulloso de nuestra historia y de nuestra gente. Orgulloso de tus logros, de tu talento, de tus metas, pero sobre todo orgulloso de ser mexicano. Porque en Cervecería Madero nuestro orgullo es ser Mexicanos”, Urban Agency.

Se pretende vincular la cocina con la cultura y la creatividad por medio de los platillos, así como mixología del lugar, habrá música en vivo, DJ’s, exposiciones temporales de artistas regionales, la intención es promover el talento local dando reconocimiento a quienes están revolucionando e innovando.

BORDER PSYCHO BREWERY Por Ana Cristina Bejarano. Fotos: cortesía Cervecería BPB

PARA BORDER PSYCHO BREWERY LA MISIÓN DE UNA CERVECERÍA APASIONADA CON SUS CLIENTES ES “EVOCAR MOMENTOS DE ÉXTASIS, PASIÓN, DESENFRENO, DEPRESIÓN, LUJURIA, OPTIMISMO, SARCASMO, NÁUSEAS Y MAREO”, ALGO QUE CUMPLEN, Y CON CRECES, A TRAVÉS DE SUS CERVEZAS, CALIFICADAS COMO “CÍNICAS” POR SUS MISMOS FUNDADORES, LOS HERMANOS ROBERTO Y JAVIER ALBARRÁN.

D

esde 2012, el año que Tijuana, Baja California vio nacer a Border Psycho Brewery, se convirtió rápidamente en una de las más pedidas por la gente, primero en el estado, después en la región, y por último en todo México. Gran parte del éxito de la llamada “cerveza rebelde de la frontera mexicana” proviene no solo de la calidad de sus insumos o de las particulares recetas de cada una de sus cervezas, para los hermanos Albarrán algo que hace diferente a Border Psycho de otras bebidas de malta de la región es que su empresa es 100% familiar, lo que otorga un cuidado especial y cariño a cada uno de sus productos.

Imperial Psycho Ale (IPA) Porter Brutal Imperial Stout La Belga Sicotica (Black Saison) Cream Ale La Perversa (Doble IPA) English Brown Ale. Puedes encontrar toda la línea de Border Psycho en distintos bares y restaurantes de las ciudades de Guadalajara, Monterrey, Querétaro, CDMX y claro, en más de 40 ubicaciones de Baja California. También se encuentra en distintos puntos de California, Estados Unidos.

+ Info: DIRECCIÓN Calle Libertad 1751,

Border Psycho Brewery cuenta con siete estilos de cerveza en el mercado en México y ahora también en los Estados Unidos:

Col. Azcona Tijuana, Baja California, 22055 borderpsychobrewery.com FB @borderpsychobrew WAR P 2 019 . 1

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TIJUANA

LUIS MORENO GIL

CERVECERÍA MADERO

EL CHEF ORIGINARIO DE LA CIUDAD DE TIJUANA, BAJA CALIFORNIA, LUIS MORENO GIL, ES CONOCIDO POR AMAR LA COCINA DESDE QUE TIENE MEMORIA, PORQUE SU PAPÁ ERA UN GRAN COCINERO Y PASABAN EL TIEMPO JUNTOS COCINANDO, ESCOGIENDO EL PRODUCTO Y VIENDO LAS REACCIONES DE LAS PERSONAS AL PROBAR LOS PLATILLOS, COMO RECUERDA: CREO ESO ES LO QUE MÁS ME GUSTA, VER CÓMO REACCIONA LA GENTE CUANDO SIRVES ALGÚN PLATILLO DE TU CREACIÓN Y LES ENCANTA, ¡NO HAY MEJOR SENSACIÓN, NO HAY OTRA MANERA DE EXPLICARLO!.

El estilo de cocina de Luis se puede catalogar como local, ya que trabaja con productos 100% bajacalifornianos y mucha leña, El mejor producto del mundo, desde los mariscos y pescados, la verdura, se da aquí, en mi estado, desde Ensenada hasta San Quintín, menciona.

En sus platillos se aprecian toques modernos, pero por lo general mantiene la esencia tradicional, ya que le gusta vincular la cocina y la cultura creando productos para la comunidad tijuanense, un gran ejemplo de lo anterior es su propuesta gastronómica llamada Cervecería Madero, un lugar con el concepto de revolución ubicado en el corazón de Tijuana.

Sin duda, el chef es una de las figuras más creativas de la región, y claro, aún con varios proyectos en puerta.

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C A SA M AYO R AL @casa.mayoral

SITUADOS EN EL VALLE DE GUADALUPE, BAJA CALIFORNIA, LUGAR DONDE SE ENCUENTRA LA PRODUCCIÓN DE VINO MÁS GRANDE DE MÉXICO, CASA MAYORAL FUE CONSTRUIDA A FINALES DE 1970 Y ES EL LUGAR PERFECTO PARA OBTENER TRANQUILIDAD Y COMODIDAD, YA QUE CUENTA CON DISEÑO DISTINGUIDO Y HABITACIONES ORIENTADAS PARA PROPORCIONAR ILUMINACIÓN, VENTILACIÓN NATURAL Y PARA DISFRUTAR DE LA VISTA A LOS CAMPOS DEL VALLE. Casa Mayoral es ecológicamente amigable y todo el proyecto se basa en principios sustentables: consciencia social, económica y ecológica. Durante su construcción, se utilizaron materiales renovables de la región bajacaliforniana.

Existen varias actividades para realizar dentro de las instalaciones. Se cuenta con un circuito de 1 km para caminar o correr, masajes terapéuticos, préstamo de bicicletas y comida o cena con el chef convirtiéndose en un santuario en medio de la naturaleza.

VILLA VICTORIA @villavictoriaenelvalledeguadalupe

EL NOMBRE DE VILLA VICTORIA PROVIENE DE QUE EL SUEÑO DE TODOS ES TRIUNFAR EN LA VIDA. PUES PRECISAMENTE “VICTORIA” REPRESENTA ESO. TIENE UNA EXCELENTE UBICACIÓN, YA QUE SE ENCUENTRA CERCA DE TODO, PERO AL MISMO TIEMPO RETIRADO EN LAS FALDAS DE LA MONTAÑA, CON UNA HERMOSA VISTA, PERMITIENDO CONSERVAR LA TRANQUILIDAD, SEGURIDAD Y BELLEZA. Cada Villa fue diseñada pensando en un lugar que permitiera el acceso a mucha luz natural desde temprano y donde desde la comodidad de la cama se pueden apreciar las estrellas. Los huéspedes se encuentran con una confortable y acogedora casa. Villa Victoria cuenta con servicio gratuito de Wifi, bicicletas, área de sombra con hamacas y mesas al aire libre, áreas de fogata y caminatas al aire libre.

[ENGLISH]

The name of Villa Victoria comes from the fact that everyone's dream is to succeed in life. Well, precisely "VICTORIA" represents that. It has an excellent location, since it is close to everything, but at the same time it is set back on the slopes of the mountain, with a beautiful view, allowing to preserve the tranquility, security and beauty.

Each Villa was designed thinking of a place that allowed access to lots of natural light and where from the comfort of youe bed you can see the stars. The guests find a comfortable and cozy house. Villa Victoria has free Wi-Fi service, bicycles, shaded area with hammocks and outdoor tables, campfire areas and outdoor hikes.

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OAXACA

BOULENC & SUCULENTA

P A N A D E R Í A Y C O N S E R VA S A R T E S A N A L E S C O N C O R A Z Ó N O A X A Q U E Ñ O FUNDADO POR ANA PAULINA GARCIA, DANIEL LOPEZ, JUAN PABLO HERNÁNDEZ, Y BERNARDO DAVILA; BOULENC Y SUCULENTA, UBICADOS EN EL CENTRO DE OAXACA, FORMAN PARTE DE UN CONCEPTO DEDICADO A DIFUNDIR EL CONOCIMIENTO CULINARIO Y LA SUSTANCIA DETRÁS DE LA COCINA LOCAL. DURANTE LA TERCERA EDICIÓN DEL GUADALUPE VALLEY WINE, FOOD & MUSIC FESTIVAL, PARTICIPARON Y OFRECIERON UN BRUNCH ÚNICO, EMPLEANDO LOS PROCESOS DE SU TIERRA UNIDO A LOS INGREDIENTES DE LA REGIÓN DE BAJA CALIFORNIA, DEJANDO CLARO POR QUÉ SE TRATA DE UNA DE LAS INICIATIVAS CULINARIAS MÁS IMPORTANTES DEL SUROESTE MEXICANO.

BOULENC Ofrece pan recién horneado todos los días, diferentes platillos y bebidas, pero la especialidad de la marca es la ‘masa madre’, una fermentación de levadura natural formada con harina y agua que proporciona pro bióticos, que dan al pan carácter y sabor único.

También cuenta con diferentes variedades de panes salados como ciabatta, multigrano, baguette, centeno, y focaccia, además de pan dulce como croissants, pasteles, daneses, galletas, entre muchos más. La panadería ofrece pan de la más alta calidad logrando una fusión entre panadería europea y cocina casera.

SUCULENTA A la par, nace Suculenta, un taller de procesamiento de alimentos que retoma recetas y métodos tradicionales de conservación. El proyecto, hermano de la panadería Boulenc, fue fundado en marzo del 2016 por Ana Paulina García, quién con sus manos inició la aventura de preservar ingredientes locales orgánicos, creando así el maridaje perfecto de Boulenc. La materia prima es de temporada, ajustándose a lo que Oaxaca tiene que ofrecer durante todo el año y se elaboran productos como verduras encurtidas, mermeladas, mostazas, mantequilla de nueces y patés de hongos. Todo, basado en la creencia de un futuro de alimentación sana y com-

pleta, ya que no se utiliza ningún tipo de conservadores artificiales ni aditivos, sin olvidar la supervisión de primera mano durante todo el proceso: conservar, secar, moler y envasar.

Boulenc y Suculenta crearon su propia versión de “comida rápida”, cuya idea principal es fomentar la alimentación consciente y verdaderamente nutricional, en donde los ingredientes de Oaxaca y las Sierras Norte y Sur son los protagonistas, creando a la vez una relación directa con los productores locales. En su establecimiento de ambiente relajado, tanto locales como turistas disfrutan de productos originales con toques locales.

+ Info: DIRECCIÓN Calle Porfirio Díaz 207, Centro, Oaxaca, OAX. IG: @boulencpan / @suculenta_oax

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OAXACA

RODOLFO CASTELLANOS

ORIGEN RODOLFO CASTELLANOS ES UNO DE LOS REFERENTES DE LA COCINA CONTEMPORÁNEA DE OAXACA, YA QUE MUESTRA SU TALENTO Y EXPERIENCIA EN SUS RESTAURANTE ORIGEN, UTILIZANDO INGREDIENTES Y PRODUCTOS LOCALES INFLUENCIADOS POR TÉCNICAS DE VANGUARDIA, LOGRANDO UNA COCINA AUTÉNTICA, FRESCA E INNOVADORA QUE RESPETA LA TRADICIÓN DE SUS RAÍCES. LA COCINA DE RODOLFO ES FRESCA, VARIADA Y DELICIOSA.

ORIGEN Fue una inquietud desde que incursioné en la gastronomía, un proyecto para utilizar productos oaxaqueños en una cocina que se saliera un poco de lo tradicional en un restaurante.

UNA FAMILIA DE COCINEROS De familia. Mi mamá tiene un negocio de comida desde hace 30 años de comida oaxaqueña y casera para llevar. Inició cuando en el país la mujer tuvo que ayudar en el sustento familiar y ella se atrevió, sin previo entrenamiento. Ella hacía sus guisados y, a la larga, esa fue su escuela, pues además de su sazón, facilitaba la comida a quienes no podían cocinar. Ver desde pequeño una cocina en movimiento, la rutina culinaria, desde hacer las compras hasta ver el producto terminado, me inculcó un amor increíble por el arte culinario. Los asaditos oaxaqueños, de tasajo, chorizo, las tlayudas con un mezcalito son el pretexto para reunirnos en familia y convivir.

SABOR A OAXACA Hay focos de atención sobre Oaxaca por el tema gastronómico, pues viene con el maíz, los chiles y con el mezcal que, hoy son tendencia.

El mundo quiere un pedacito de Oaxaca, sabores auténticos, regionales y, exportan productos oaxaqueños a Dinamarca, a Suiza, a España, a Francia, a Australia, pues los productos de Oaxaca son la tendencia en el mundo.

CREATIVIDAD CULINARIA Lo principal surge del producto, de utilizar cierto tipo de chile o de algún insecto y se desarrolla, de referencias oaxaqueñas y tradicionales, se comparte con el equipo, pues te nutre el escuchar lo puntos de vista. Los colaboradores tienen una interpretación y una esencia del restaurante distinta a la mía y da resultado. Está padre que de repente los chicos digan: ¡Oiga chef, pruebe esto! es un ejercicio que hago porque das y dan valor

a la creación y, al final, se hace un platillo para el restaurante y, fueron ellos parte de la autoría, y se sienten orgullosos de que sus ideas están en el menú.

GUADLAUPE VALLEY WINE FOOD & MUSIC FESTIVAL Es padrísimo que seremos parte del festival este año. Es muy interesante lo que se genera alrededor de la Baja. En Oaxaca, gozamos de la bondad de la tierra. Pero, en Baja el marisco y la culinaria, atrae a los cocineros a participar en un contexto musical que va de la mano con el vino. Me gusta que puedo llevar un pedacito de Oaxaca para allá. La convivencia, disfrutar de la música, la calidad de vino que se hace en México impresiona. Se debe fomentar porque se importa mucho vino mientras la calidad del vino mexicano es ahora superior.

Y, que un festival le dé la importancia junto al valor de la comida y a la música, nos sentimos felices de participar y lo haremos con todo el ímpetu oaxaqueño.

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PROVINO

A S O C I A C I Ó N I M P U L S O R A D E C U LT U R A V I T I V I N I CO L A E N B A J A C A L I F O R N I A

¿SABÍAS QUE EL PRIMER PAÍS DE AMÉRICA DONDE SE CULTIVÓ LA VID FUE MÉXICO? LA HISTORIA DEL VINO COMENZÓ EN EL SIGLO XVIII, EN LA ÉPOCA DE LA CONQUISTA. LOS JESUITAS FUERON LOS PRIMEROS EN ASENTARSE EN LA ZONA DE BAJA CALIFORNIA E INICIARON EL CULTIVO DE LA VID EN LA REGIÓN. AL TIEMPO, FUERON REEMPLAZADOS POR LOS FRANCISCANOS HASTA QUE LOS DOMINICOS RETOMARON EL CULTIVO DE LA PARRA Y ABRIERON MISIONES EN LA FAMOSA, “RUTA DEL VINO”.

En 1888 se fundó: Bodegas de Santo Tomás, primera bodega de vino comercial de México, innovadora por sus vinos y aceites de oliva extra virgen.

Años después, llegaron a la región de Ensenada, los rusos molokanes (miembros de varias sectas espirituales cristianas rusas) y en 1917, se plantó́ el primer viñedo ruso en el Valle de Guadalupe.

En 1920 se implementó la “Ley Seca” en Estados Unidos. Gracias a esta prohibición de fabricar y vender bebidas alcohólicas en el país fronterizo, el turismo estadounidense en la península aumentó considerablemente y se fundaron nuevas bodegas. A partir de 1970 se crearon grandes consorcios vitivinícolas como: Casa Domecq y L.A. Cetto.

Como consecuencia de la crisis económica en México muchas vinícolas desaparecieron, pero en 1990, surgieron nuevas, aunque más chicas, pero con productos de gran calidad como: Monte Xanic, Casa de Piedra, Château Camou, Viñas Liceaga, Cavas Val-

mar, Mogor Badán y Vinos Bibayoff.

Actualmente, existen más de cien casas vinícolas en la zona bajacaliforniana y son un referente en la vitivinicultura a nivel mundial. Son proyectos enológicos que cuentan con alta tecnología para crear vinos de primer nivel y son exportadores del 10 por ciento de la producción anual. El Valle de Guadalupe es la zona más rica de la vitivinicultura nacional y si lo visitas descubrirás el porqué.

Los inviernos templados y veranos cálidos convierten a la región del Valle de Guadalupe en un must visit, por su clima mediterráneo y la brisa marina que llega desde la costa de Ensenada.

El Comité Provino de Baja California promueve y difunde la cultura del vino con el propósito de fortalecer el desarrollo vitivinícola en México. Esta Asociación Civil representa a varias vinícolas bajacalifornianas y su compromiso es impulsar la agricultura de la zona. El Comité organiza eventos em-

blemáticos para promover la zona como: festivales, cenas, fiestas, visitas enológicas, talleres, verbenas, muestras de vino, conciertos y concursos.

Cada año se celebra La Feria de las Conchas y El Vino Nuevo, festival con 20 productores de mariscos, 40 restaurantes locales y más de 60 bodegas que ofrecen catas; organizan la Fiesta de los Viñedos en Flor, evento familiar donde se puede disfrutar de más de 120 etiquetas de vino, de un mercado campestre, actividades artísticas y gastronómicas; como es tradición se festeja, Las Fiestas de la Vendimia, celebraciones que reúnen a las bodegas más importantes de la región, chefs de talla internacional y de los restaurantes de mayor prestigio en México para celebrar la temporada de cosecha de la uva y ofrecen la experiencia del vino y la culinaria local.

Deléitate probando, en las fiestas o en cualquier ocasión, los vinos de Baja California son la más alta definición de arte e innovación enológica en Latinoamérica.

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ERNESTO RÍOS:

CIENCIA Y ARTE ENTRE LABERINTOS Y CONSTELACIONES Por Fátima Espino. Fotos: Vidal Cruz.

EL ARTISTA ERNESTO RÍOS NOS COMPARTE SU FASCINACIÓN POR LOS SÍMBOLOS Y CÓDIGOS A TRAVÉS DE SU OBRA, DONDE PLASMA SU CONSTANTE INVESTIGACIÓN SOBRE LA RELACIÓN DEL HOMBRE CON EL UNIVERSO.

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l arte siempre ha tenido una estrecha relación con los símbolos y códigos que ha utilizado el hombre a través de su historia. Ernesto Ríos, uno de los artistas mexicanos más importantes de su generación, comparte esta fascinación plasmándola en su obra y sustentándola con extensas investigaciones.

Sus pinturas y esculturas no intentan explicar códigos, sino emplear un lenguaje que invite a la reflexión, a buscar un significado o tal vez encontrar nuevas inquietudes. Su más reciente serie, “Constelación ADN” es prueba de ello.

“Constelación ADN es una serie de esculturas y obras que podrían ayudar a desentramar o bien, a acercar al espectador a parte de mis procesos. Ofrecerle al espectador respuestas y nuevas interrogantes. Quizá puede funcionar también como un reflejo con el cual se identifiquen”, afirma.

Para apreciar esta serie, en donde utiliza miles y miles de cerillos y espejos, Ríos señala que se requiere de una visión abierta y transdisciplinaria, para considerar y amalgamar nuevas formas, contenidos y conocimientos inesperados en donde el arte y la ciencia de alguna manera se fusionan.

Su más reciente obra pictórica también nos ofrece esta visión. A simple vista se puede apreciar que los elementos que conforman la pintura son cientos de líneas superpuestas sobre ambientes abstractos, sin embargo, cuando se presta atención al detalle se pueden descubrir símbolos, palabras y números: @, 7, 3, 1, muerte, yo, noche, nube, fuego, 1.733, etc… Este fascinante aspecto nos refleja el interés del artista de explorar las interrelaciones que encuentra entre los patrones del universo macro y micro.

“Me maravilla el código invisible que se repite en las galaxias colosales y a nivel molecular. Podríamos decir que se trata de un código invisible que tiene un ritmo y secuencia numérica que se repite como eco en todas las escalas a infinito”, revela Ríos, quien retomó el formato “tondo” o circular para que sus obras fueran giratorias y al colocarse de cualquier forma no perdieran sentido. “Intentan representar el movimiento perpetuo, el lugar que ocupamos en el universo y la rotación de la tierra”.

Más allá de los códigos y el lenguaje, la visión de Ernesto Ríos se ha caracterizado por un elemento central en sus series: el laberinto. “Existe como un despertar por el interés del laberinto como símbolo y como un arquetipo que sintetiza la condición humana”, expresa. “No soy depredador de laberintos, sino presa de ellos. No busqué conscientemente formas laberínticas, sino que ellas me encontraron. Sin rastrearlas o perseguirlas”.

Aprendió la extensa historia de los laberintos y cómo su simbología fue cambiando a través del tiempo para así comprender sus múltiples lecturas y significados. Esta fascinación lo llevó a estudiar un doctorado en Australia, el cual le significaría una aventura de siete años.

Y es que, si hay algo que también caracteriza la obra de Ríos es que su inspiración está siempre ligada con la investigación. “Mi proceso de creación incluye múltiples lecturas, investigaciones muy diversas, viajes, experimentos, momentos de incertidumbre y meditación, de encuentros y trabajo,” reveló.

El compromiso que Ernesto Ríos tiene hacia su propio arte y lo que representa es un reflejo de su amplia formación académica y artística. Es doctor en Filosofía (PhD) con especialidad en Artes Visuales y Multimedia de la Universidad Royal Melbourne Institute of Technology de Australia. Cuenta con estudios de Maestría en Telecomunicaciones Interactivas con especialidad en Multimedia de la Universidad de Nueva York. Estudió la carrera de Lengua y Literatura Hispánicas, y realizó estudios en arte y fotografía en México y América Latina.

Durante el resto del año, Ríos presentará dos exposiciones en México, y para el próximo año planea exponer en el extranjero. Actualmente prepara dos libros que se están cocinando a fuego lento mientras sigue dando a conocer su trabajo en otras geografías sin dejar de plantearse nuevos retos creativos.

“EX I ST E C O MO UN DESPERT A R PO R EL I N T ERÉS DEL LA BERI N T O C O MO SÍ MBO LO Y C O MO UN A RQUET I PO QUE SI N T ET I Z A LA C O NDI C I Ó N H UMA N A ”.

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Prolongación Paseo de los Héroes, 22010 Tijuana, Baja California @silenusmx

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a Cervecería Silenus nació en la ciudad de Tijuana, Baja California, en 2012. Hablamos de una marca que se ha colocado como una de las más respetadas en el país. Lo anterior no es de extrañarse, sus sabores están inspirados en el Dios griego Silenus (Sileno en español), el sátiro padre adoptivo y leal compañero de Dioniso, el dios del vino, también descrito como el más viejo, sabio y ebrio de sus seguidores. Silenus era reconocido, ante todo, por ser uno de los mejores narradores de la mitología cuando estaba bajo el efecto del alcohol, y también por sus poderes de adivinar el futuro o ver hechos pasados.

Fiel a la costumbre del de este dios, la Cervecería Silenus también cuenta historias a través de su línea de cervezas, con sabores que cap-

tan la atención y conquistan el gusto de aquellos que las beben. Actualmente cuenta con una carta de 17 bebidas totalmente distintas entre sí, manteniendo las clásicas Inmortal Black Rye Ipa, Hidra Oatmeal Stout e Hijo del Xanthos Session IPA, cervezas que le han merecido la mención #HighestRatedBreweryInMéxico por parte de VinePair, una de las plataformas más respetadas respecto a bebidas alcohólicas.

En cuanto a la producción, el espíritu de la empresa se mantiene bohemio, pero de primera calidad, ya que sus procesos se basan en el barril y en las propiedades que este otorga a la bebida, como olores y sabores únicos. Las cervezas de Silenus se pueden encontrar en bares especializados y establecimientos como el Hop The Beer Experience, Doble Malta y Beer Bros.

Boulevard Costero #248, Zona Centro, 22870 Ensenada, B.C. wendlandt.com.mx @cerveceriaw

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endlandt es una de las cervecerías y lugares más turísticos de esta región de Baja California, se convirtió en algo icónico ya que la gente entendió el concepto que se quería transmitir. Cervecería Wendlandt abrió sus puertas con el formato de brewpub y con el paso de los años se volvió tan popular que actualmente cuentan con una planta de fabricación y con un ‘Tasting Room’.

La marca nació en Ensenada, Baja California, en 2013, bajo la visión de Eugenio Romero y actualmente es conocida por ser una de las mejores cervezas artesanales de México.

Actualmente Wendlandt produce siete tipos de cervezas, además de crear ediciones de temporada, etiquetas especiales y colaboraciones con distintas marcas. Toda la línea de cervezas se puede encontrar en bares, restaurantes tap rooms, licorerías, tiendas de autoservicios y tiendas en línea de la República Mexicana.

Estas son los siete tipos de cerveza fabricados por Wendlandt: Humpy Humpy (Amber Ale) Veraniega (American Ale) Vaquita Marina (Pale Ale) Hans Zommer (Saison) Perro del Mar (India Pale Ale) Gaviota Melendrez (Pilsner) Harry Polanco (Red Ale) Foca Parlante (Oatmeal Stout)

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CASA F R I DA

EL ARTE EN TODAS SUS FACETAS ES LA MAYOR INSPIRACIÓN DE ESTE PROYECTO

GRISELL DE LA ROSA ES LA EMPRESARIA, EMPRENDEDORA, DUEÑA Y CREADORA DEL PROYECTO CASA FRIDA. EMOCIONALMENTE, TODO EMPEZÓ DÉCADAS ATRÁS, CUANDO SU ABUELA, PETRA ELENA GARCÍA ZAMORA FUNDÓ LA PRIMERA GALERÍA DE ARTE EN ENSENADA, BAJA CALIFORNIA, HACE MÁS DE 60 AÑOS: LA “GALERÍA GARCÍA” NO SOLO MARCARÍA A GRISELL DE POR VIDA, TAMBIÉN SERVIRÍA COMO UN DETONADOR DE SU AMOR POR EL ARTE. Más adelante, de la Rosa viajaría a la Ciudad de México con su hija Stephany para visitar el tradicional barrio de Coyoacán, y ahí, realizar un recorrido por la casa de Frida Kahlo; en ese momento, al encontrarse ante una obra tan emblemática para los mexicanos, Grisell supo que su eterna pasión por el arte era algo que podía vivir en El Valle de Guadalupe, así, finalmente nació Casa Frida.

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Todas las obras de arte dentro de las instalaciones del complejo están realizadas por el ensenadense, Raúl Carrillo, conocido como “Vango”, un pintor y escultor de 31 años de edad que refleja y captura la pasión del proyecto.

Pero el arte no es el único elemento que hace de Casa Frida uno de los puntos obligados a visitar durante una visita al Valle de Guadalupe, la gastronomía también está presente y bien representada de la mano de Frida, Asador Campestre.

Este restaurante está a cargo del Chef Christian Herrera y cuya cocina está inspirada en revivir memorias, crear sabores y despertar aromas. Una cocina de barrio que evoca a la región y su amplia variedad de productos, como el mar, el cielo y la tierra.

Además, ningún proyecto de El Valle estaría completo sin el vino, por eso Casa Frida cuenta con Frida Select Tasting Room, una sala de degustación con una arquitectura, arte, colores y decoración como ninguna otra. Ésta fue creada en los cimientos de la primera capilla del Valle de Guadalupe y cuenta con su estructura original, sus vitrales y el adobe con la que fue construida.

Para terminar, los espacios al aire libre otorgan ese toque tan especial que buscas para esos grandes días, tienen terraza para 100 invitados a espaldas de los viñedos y una explanada, un espacio abierto con capacidad de hasta 200 invitados, rodeado de naturaleza y un lago.

Todo lo que imaginas, en Casa Frida se hace realidad.

+ Info: TW @casafridavallegpe WWW casafridavalle.com WAR P 2 019 . 1

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TIJUANA

ADRIA MARINA MONTAÑO

AZAROSA, DON RAMEN, GEORGINA LA CHEF DESTACADA LOCAL DE TIJUANA NOS HABLA DE LA TRADICIÓN Y DE SU NUEVO RESTAURANTE, GEORGINA, QUE SE HA CONVERTIDO EN UN FAVORITO DE LOS LOCALES Y UN PUNTO A VISITAR OBLIGADO PARA TURISTAS. ADRIA MARINA, ES INVITADA REGULAR AL GUADALUPE VALLEY FEST Y CADA AÑO TIENE EL MISMO ÉXITO CONTUNDENTE ENTRE LOS ASISTENTES, POR SU MEZCLA DE CULTURAS EN LA COCINA Y SU SELLO DE COMFORT FOOD.

LA COCINA DE TIJUANA Soy 100% tijuananse en la cocina sobre todo y que ahí se expresa porque tiene influencia de muchas culturas. Así como puedo utilizar un ingrediente koreano, también le puedo poner un queso parmesano y a lo mejor entre eso mezclar algo y obtener el resultado, que es el que busco, cocina sin reglas, resultado que quiero. No sabemos si es bueno o malo, pero yo creo que si a la gente le gusta, es bueno.

Tijuana, así como tiene unos bares bien bonitos, también tiene los bares que están en la zona Norte, pero que también tienen su encanto, que puedes tomar chela en la rocola, pero también puede estar alguien bien fresa a lado de ti tomándose una chela, alguien de en medio, ósea el contraste. No nos asus-

tamos, ni de estar vestidos correctamente, ni de ir a lugares que no estén en las zonas fresas. Desde un cafecito de primer mundo, aquí en Tijuana es el único lugar que tiene la medalla de México a la carreta de mariscos, que a mí y a muchos de mis amigos cocineros nos parecen los mejores mariscos de México, hasta incluyendo a algún restaurante que este reconocido dentro de una lista. Entonces este es el encanto de Tijuana.

es un restaurante en forma, son 60 sillas, me inspire en hacer este concepto por la aceptación que tenía Asaroza. Manejamos desayunos y cenas, cerramos a la hora de la comida. A la hora de la comida tenemos una rosticería aquí a lado con una onda europea. Al final del día, podemos hacer una ensalada, pero va a tener una acidez, un picante más mexa. Es nuestra interpretación de las recetas y de los clásicos.

Cada una tiene su estilo, a mí en lo personal me gusta mucho una que maneja mariscos estilo sinaloense, pero al final del día le da su toque tijuanense. Se llama ‘El Paisa’, es la cosa más deliciosa.

No hicimos ningún tipo de publicidad, yo nada más lo publiqué, y nos ha ido súper bien, hemos tenido llenos y eso nos empuja a ser cada vez mejores, hay gente que viene 4 veces por semana o vienen a desayunar y reservan al terminar para la cena.

No hay nada más gratificante que ver caras de nuevo.

GEORGINA Georgina, la nueva bebé. Pues ya, ahora sí

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GEORGINA, GASTRONOMÍA FUSIÓN CON MUCHO SABOR Por Ana Cristina Bejarano. Fotos: cortesía Georgina

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n la actualidad, Adria Marina es una de las chefs más destacadas de Tijuana por ser innovadora en la gastronomía de su tierra. La fundadora de Don Ramen y Azarosa en Telefónica Gastro Park, un espacio que reúne delicias de más de 20 foodtrucks, ahora abrió las puertas de Georgina, su restaurante formal ubicado en la Zona Urbana Río de Tijuana.

+ Info: IG @georginarestaurante Twitter @georginarest FB @georginarest Antonio Caso 2020, Zona Urbana Rio Tijuana, 22010 Tijuana, B.C.

En Georgina el menú es una reinterpretación de sabores clásicos con influencia europea, que hace honor a la técnica y al producto con cada detalle. Una mezcla de cocina clásica y moderna, donde se sirven desayunos y cenas.

“Soy 100% tijuananse en la cocina y se expresa porque tiene influencia de muchas culturas. Creo que como soy una cocinera mexicana, mezclo otras recetas de otras culturas pero al final del día le das el toque mexa y aquí esos picos y esos contrastes son como los del limón del taco, que te realza los sabores, entonces esa es Tijuana”, nos confiesa la joven chef.

El interiorismo del restaurante estuvo a cargo de Diseño Norte y muestra contrastes de culturas y experiencias, un ambiente verdaderamente memorable.

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ARGENTINA

DANTE FERRERO

BRASA Y FUEGO

Entrevista: Samantha Sarchibald / Texto: Michelle Apple

DANTE FERRERO ES CONOCIDO POR SU ARROJO AL COCINAR UNA VACA ENTERA, CASI 500 KILOS DE CARNE QUE SE ENFRENTAN A BRASAS LLAMEANTES DURANTE 24 HORAS AL MÁS PURO ESTILO GAUCHO, UNA TAREA ARDUA QUE REQUIERE DE ESFUERZO Y CONCENTRACIÓN POR PARTE DEL PARRILLERO, QUIEN APENAS PUEDE DESPEGARSE DEL FUEGO PARA REFRESCARSE. AL FINAL, EL SHOW DE LA VACA NO SÓLO ES ESO, UNA EXHIBICIÓN DE CORAJE Y TENACIDAD, LA INTENCIÓN PRINCIPAL ES ALIMENTAR A COMENSALES DESEOSOS DE PROBAR ALGUNA DE LAS SECCIONES DE LA RES (AQUÍ NADA SE DESPERDICIA).

Tras presentar esta dinámica por todo México, Incluido el Guadalupe Valley, Wine, Food & Music Festival, Dante trajo toda su experticia en carne al corazón de Polanco, en CDMX. Se trata de su nuevo restaurante Dante: Brasa y Fuego, en el cual, fiel a su formación gatronómica, el chef presenta diferentes formas de preparar y saborar este delicioso platillo. El creador de #LaVacaEsMía, nos contó los detalles detrás de su cocina, así como la idea detrás de este nuevo proyecto. ¿Cuéntanos, qué ofrece el menú de Brasa y Fuego?

Incluye la carta más extensa en cortes de la ciudad cuidadosamente seleccionados, mariscos, aves, y verduras a la brasas y fuego, así como una variedad de platillos elegidos a detalle para lograr un menú sincero y delicioso utilizando siempre materia prima de la más alta calidad. Aunado a una

extensa carta de vinos y mixología basada en nuestro menú. ¿Qué te llevó a especializarte en la carne?

Llegué a Monterrey con recetas muy básicas de cocina Argentina, pizzas, empanadas, carnes, un proyecto que a la gente le gusto. Después empecé a conocer un poco más, estuve dos veces en Pujol, en Ostrería Francescana, estuve con Arzak y aprendí de mis colegas mexicanos. Poco a poco me especialicé en la carne y, ahora, a medida que la gente me pide más de la carne yo debo seguir aprendiendo más. ¿Qué pasa cuando cocinas y haces el show de la vaca?

Es un evento que le encanta a la gente. Son 24 horas alrededor del fuego para después dar de comer a unas 300 personas, todo a partir de una vaca. Asar una vaca entera es para mí

todo un ritual, la máxima expresión del asado. Me conecto con la tierra, con volver a las bases. Siento que cocinarlo entero es como rendirle culto y honores a este animal que tanto nos da. Sentarme al lado del fuego a “velarlo” por largas horas, perder mi mirada en las llamas y dejarme llevar por el momento, no deja de hipnotizarme una y otra vez.

Hago de esto una pacifica ceremonia, ya desde el momento de cargarla entre todos, para ponerla en el asador. Veo, desde el primer instante, aflorar de la gente, esa parte animal que aún llevamos dentro, que expresa nuestra esencia humana y virgen, que termina reflejándose en esperar pacientemente para disfrutar un trozo de carne. Me encanta ver las reacciones de la gente, del que observa –callado o no-, el que ayuda, o el que simplemente llega a comer, muchas veces con un instinto casi salvaje.

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AG UA DE V ID

AGUA DE VID ES UN HOTEL DE LUJO, SUS 24 HABITACIONES OFRECEN UNA EXPERIENCIA ÓPTIMA PARA EL DESCANSO, DESDE LOS COLCHONES DE LA MÁS ALTA CALIDAD, AGUA CALIENTE CON HIDROMASAJE, UNA ALBERCA CON CARRIL DE NADO, JACUZZI EN LA TERRAZA, JARDINES Y UN LOUNGE CON TELEVISIÓN Y BARRA, RODEADOS DE UNA VISTA ESPECTACULAR DEL VALLE.

Y para los viajeros más aventureros, en junio de este año, abre las puertas de Hostal Zíngaro, un hostal boutique en el que hay 7 habitaciones compartidas, cada una con 10 camas, rodeando de una gran fogata acogedora.

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+ Info: Twitter @aguadevid WWW aguadevid.com

Como oferta culinaria, el Restaurante Pancracia, abrió sus puertas en octubre del 2017, ofrece una experiencia incomparable a través de una mezcla de colores, texturas, aromas y sabores locales. Un diseño de interior sorprendente, ideal para la sobremesa, con una galería de arte que tiene a la venta cuadros de artistas locales.

Hotel Agua de Vid está situado estratégicamente en la cuadra paralela a varias de las vinícolas más importantes de la región como; Adobe Guadalupe, Barón Balché, Decantos, Emevé y más… Sin duda, es de lo mejor en oferta hotelera uno de los en la zona de vinos más importante de México; que ha recibido a gente de Los Ángeles, San Diego, San Francisco, y distintos estados de toda la república mexicana.

[ E N G L I S H F E AT U R E ] Agua de Vid is a luxury hotel, its 24 rooms offer an optimal experience for relaxation, from the highest quality mattresses, hot water with hydromassage, a swimming pool with swimming lane, jacuzzi on the terrace, gardens and a lounge bar with a television, surrounded by a spectacular view of the valley.

And for the most adventurous travelers, in June of this year, it opens the doors of Hostal Zíngaro, a boutique hostal in which there are 7 shared rooms, each with 10 beds, surrounded by a large cozy fire pit.

As for their culinary offer, the Pancracia Restaurant, opened in October 2017, offers an incomparable experience through a mixture of colors, textures, aromas and local flavors. A surprising interior design, ideal for the after-dinner conversations, with an art gallery that has for sale paintings by local artists.

Hotel Agua de Vid is strategically located in the block parallel to several of the most important wineries, of the region such as; Adobe Guadalupe, Barón Balché, Decantos, Emevé and more ... Without a doubt, it is one of the best in hotel supply in the most important wine area in Mexico; which has received people from Los Angeles, San Diego, San Francisco, and different states throughout the Mexican Republic.

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CENGROW

RANCHO ORGÁNICO @CENGROW

WULF RUIZ, INGENIERO AGRÓNOMO FITOTECNISTA (ESTUDIO DE LAS PLANTAS). ALIADO DE LOS CHEFS MÁS CONOCIDOS DE LA BAJA NORTE, TIJUANENSE QUE VIVE COMPROMETIDO CON PRODUCIR PRODUCTOS ORGÁNICOS DE LA MEJOR CALIDAD PARA EL IMPULSO DE LA GASTRONOMÍA MEXICANA, YA QUE ESTOS INGREDIENTES HACEN ESA GRAN DIFERENCIA EN LA CALIDAD DE UN PLATILLO, DENTRO DE LA AMPLIA OFERTA CULINARIA DE TIJUANA, ENSENADA Y VALLE DE GUADALUPE, ADEMÁS DE DISTRIBUIR EN CIUDAD DE MÉXICO, GUADALAJARA, MONTERREY Y SAN DIEGO. EN ESTA CONVERSACIÓN, NOS DEJA VER LA IMPORTANCIA DE LA SUSTENTABILIDAD AGRÍCOLA EN MÉXICO, Y SU TRAYECTORIA RECIENTE COMO PROVEEDOR PARA RESTAURANTES, VINÍCOLAS Y HOTELES.

LO MEJOR SE QUEDA EN MÉXICO Todo lo mandaban para Estados Unidos, le llaman “lo brincado”, porque exportaban y lo traían de vuelta en la cajuela, sin pagar factura. Encuentras el producto en “Specialty Products” o en San Diego.

La agricultura es mi pasión. Lo que producen los mexicanos va para Estados Unidos, pero lo mío, no, lo de primera se queda en México para los restaurantes de Baja y de México.

Los cocineros de aquí son de lo mejor, y el producto también.

Hoy soy proveedor de lugares exitosos y comparto el gusto de saber que el producto de alta calidad, preparados con el talento de los chefs que admiro con restaurantes exitosos como Fauna, Adobe Guadalupe, Animalón, Bodegas F. Rubio, El Cielo, Georgina, Encuentro Guadalupe, Los Compas, Manzanilla, La Esperanza Baja Med, Traslomita, Asao, Alma Verde, Mezquite, El Lugar de Nos y muchos más…

Solía plantar otros productos para mí y el huerto era solo de albahaca. La sembramos

en el invernadero dura cuatro semanas, se trasplanta, en cuatro semanas la cosechamos. El corte es entre la quinta y, sexta semana, se arranca y se planta nueva. Luego pasa a ser comida para nuestros borregos, por eso saben muy buenos.

En la agricultura orgánica los colores te dicen todo, la tierra color café y el verde de las plantas ha cambiado, se nota la diferencia...

Meterles tanto amor a esos espacios los ha hecho buenos espacios. Es por eso que la albahaca es excelente.

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NORT ICO @norticotj

EL CHEF TIJUANENSE RUFFO IBARRA, TRAE SU PROPUESTA COCTELERA SOFISTICADA, CONCEPTO INSPIRADO EN LA ERA DE PROHIBICIÓN DE LA FRONTERA DE MÉXICO. MIXÓLOGOS, FERNANDO VILLALOBOS Y KEVIN MALDONADO, SON LOS CREADORES DE LAS RECETAS ÚNICAS. ES EL SPEAKEASY FAVORITO DE LOCALES Y UNA PARADA OBLIGADA PARA VISITANTES EN TIJUANA, EN ESTA CHARLA CON RUFFO, CONOCEMOS MÁS A PROFUNDIDAD EL CONCEPTO DE NORTICO.

LA ÉPOCA DORADA DE TIJUANA

Tijuana, económicamente, creció en 1926, gracias a la prohibición del alcohol en Estados Unidos. Entonces, políticos, mafiosos y celebridades de Hollywood se cruzaban a la ciudad. Fue una época importante porque aquí podían tomar y jugar. En esto nos inspiramos para hacer un homenaje a la época de oro que provocó el auge económico de Tijuana.

Por esto, el lugar está decorado con fotografías de la época, de Tijuana y, de Estados Unidos, con fotos de los ex presidentes, Álvaro Obregón, Plutarco Elías Calles y, del presidente Herbert Clark Hoover. Los marcos de las fotografías son color oro, restaurados por un artista local.

Estas formas son una evolución del Vintage Golden. Era del lujo, tipo Gatsby en los Estados Unidos, y, de este lado de la frontera, tiene un toque contemporáneo. Design Opera son los arquitectos de este espacio y amigos que comprendieron lo que queríamos aterrizar.

HISTORY OF COCKTAILS

Aprovechamos que la coctelería está creciendo y, cada vez, es más famosa porque es de buena calidad. Antes se destilaba vodka, ginebra o whisky en una azotea o un sótano, eran de mala calidad, por lo cual, surgió la coctelería para disfrazar los sabores. En ese boom está inspirada nuestra coctelería, en los cocteles de pre prohibición y la prohibición.

El menú lo cambiamos cada tres o cuatro semanas y, funciona como temporadas, pero respetamos los clásicos haciendo versiones propias de los mismos.

Cada bebida lleva su energía y frescura, aunque algunos son amargos son deliciosos, hay para todo gusto y, para lo principal, para disfrutar un buen trago con buena música.

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L A CIMA DE L VAL LE @lacimadelvalle

LA CIMA DEL VALLE TIENE UNA GRAN UBICACIÓN TURÍSTICA, YA QUE SE ENCUENTRA EN EL PURO CORAZÓN DEL VALLE DE GUADALUPE Y CUENTA CON UNA PISCINA AL AIRE LIBRE RODEADA POR VIÑAS. CADA UNA DE LAS HABITACIONES SON DE PRIMERA CLASE Y TIENEN DIFERENTES TEMÁTICAS, CONVIRTIÉNDOLAS EN ÚNICAS. Su restaurante, Diguiso está especializado en pescados y mariscos donde se encuentran las delicias que solo ofrece el puerto de Ensenada, servidas con el mejor trato, comodidad y una hermosa vista del Valle de Guadalupe. Desde su restaurante, se pueden observar las puestas de sol bajacalifornianas y llegar a sentir la magia de la ruta del vino.

[ENGLISH]

La Cima Del Valle has a great touristic location, since its placed in the pure heart of Valle de Guadalupe and has an outdoor swimming pool surrounded by vineyards. Each room is first class and they have different themes, making them unique.

Its restaurant, Diguiso is specialized in seafood where you can find delicious dishes that only the bay of Ensenada offers, served with the best attention, comfort and a beautiful view of Valle de Guadalupe. From the restaurant, you can watch the Baja Californian sunsets and feel the magic of Ruta del Vino.

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E CL ÉCTIC O GUADALUPE @eclecticoguadalupe

LA PALABRA ECLÉCTICO ES UN ADJETIVO QUE DESCRIBE UNA TENDENCIA A EXTRAER LAS MEJORES IDEAS DE DISTINTOS CONTEXTOS Y COMBINARLAS PARA FORMAR ALGO ÚNICO. LOS ESPACIOS DEL HOTEL ESTÁN AMBIENTADOS CON UN ESTILO DE DECORACIÓN ECLÉCTICA DONDE TODO ARMONIZA.

El proyecto Ecléctico Guadalupe se inició hace 2 años y sus diseños vienen de una arquitectura de origen. Donde se respetan los elementos de los espacios dándoles un twist ecléctico, especialmente dirigido para la gente que aprecia los detalles de diseño y arte en cada espacio, un lugar cool, hip y sobre todo trendy.

El diseño del logotipo simboliza el ojo de Dios Huichol, mejor conocido como el Ojo de Dios, el cual es un hermoso ejemplo de geometría sagrada plasmada en una artesanía que refleja la esencia mística y admirable.

Cuentan con dos etiquetas, ensamble de tintos 2016 (Cabernet Franc, Nebbiolo, Grenache) y ensamble de tintos 2017 (Cabernet Franc , Cabernet Sauvignon, Grenache).

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L A S M I NA S DOORS & BED @lasminasdoors_bed

LAS MINAS DOORS & BED SE ENCUENTRA UBICADO EN SAN ANTONIO DE LAS MINAS, EN EL CORAZÓN DE LA RUTA DEL VINO. EL CHALET FUE DISEÑADO CON PACIENCIA Y CREATIVIDAD, TIENE UNA DECORACIÓN TIPO CLÁSICA CON TOQUES INDUSTRIALES. La propiedad cuenta con hermosos jardines, un mirador, área de fogata, asador, jacuzzi exterior, bicicletas y estacionamiento privado. Las personas del Airbnb siempre reciben a sus huéspedes para darles la bienvenida, platicar sobre las dudas y atractivos de la zona y están disponibles para ellos 24/7. ¡A la llegada siempre se encontrarán sorpresas de cortesía!

[ENGLISH]

Las Minas Doors & Bed is located in San Antonio de Las Minas, in the heart of Ruta del Vino. The Chalet was designed with patience and creativity and has a classical decoration with industrial touches.

The property has beautiful gardens, a viewpoint, bonfire area, grill, outdoor jacuzzi, bicycles and private parking. The owners of the Airbnb always receive their guests to welcome them, discuss about any doubts and attractions of the area and are available 24/7. Upon arrival you will always find complimentary surprises!

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GUADALUPE VALLEY WINE, FOOD AND MUSIC FESTIVAL 2018

13, 14 y 15 de septiembre 2018 Valle de Guadalupe, Ensenada Baja California, México Fotos: Gerson Cruz, Jesús Vargas y Josué Casasola para WARP

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e llevó a cabo la tercera edición del Guadalupe Valley Wine, Food and Music Festival. Un evento único en su tipo que, más allá de una acumulación de atractivos, es una experiencia en la cual se celebran los placeres más sencillos de la vida.

Para dar arranque a la celebración, el festival presentó en forma de pre-fiesta la experiencia Mayan Warrior en Hotel Agua De Vid, un evento que se ha convertido en uno de los principales atractivos de festivales como Burning Man gracias a su impresionante juego de luces y talento de primer nivel.

No fue para menos, el lugar elegido para dar casa a esta cita fue Decantos, una vinícola que se encuentra en el corazón de Valle de Guadalupe, región que se caracteriza por la tradición con la cual fabrican las mejores botellas de vino de México. Los tres escenarios principales se vieron envueltos en el panorama, largos paisajes repletos de montañas, un cielo completamente abierto y los viñedos en primer plano.

Una delicia visual que se vio complementada con el olor de los platillos preparados por un lineup de chefs de reconocimiento internacional.

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TIJUANA

Por Sheila Navarro. Fotos: Joebeth Terriquez

AL RETRATAR LA PRECARIEDAD EN LA QUE VIVEN MIGRANTES EN LA FRONTERA DE TIJUANA, JOEBETH TERRIQUEZ, HABLÓ DEL TRABAJO QUE REALIZA COMO FOTOPERIODISTA, EXPONE LA REALIDAD, CON BASE EN UNA MIRADA ÉTICA Y SU TALENTO, PERO NO SÓLO DE MIGRANTES SINO DE GRUPOS VULNERABLES QUE SON MARGINADOS POR EL GOBIERNO Y LA SOCIEDAD.

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n México, el periodismo destaca por evidenciar verdades que incomodan. Investigaciones como: “La estafa maestra” y “La Casa Blanca”, han reivindicado al periodismo como una disciplina del conocimiento muy necesaria en nuestra sociedad. El periodismo, además, da pauta para contar historias y dar voz a quienes no la tengan.

El fotoperiodismo es otro elemento sustancial para mostrar realidades. A través de las imágenes nos enteramos de lo que acontece: guerras, dictaduras, liberaciones, cátastrofes, etcetera. Las imágenes, se logran después de largas horas de trabajo; llegan a nuestros hogares, por medio de la televisión o la computadora, algunas veces son material para exposiciones y en ocaciones se publican en medios impresos, pero aunque se piense que una imagen es algo efímero, lo que hay detrás de una captura de un suceso real, es producto del trayecto de alguien en su intento de sensibilizar la mirada ajena.

Joebeth Terriquez es un fotoperiodista mexicano originario de Tijuana, Baja California. Estudió la carrera de cine en la Universidad de Medios Audiovisuales CAAV, en Guadalajara, Jalisco. Su pasión por la captura de imágenes, y en específico por el fotoperiodismo inició cuando ingresó a la Agencia Fronteriza de Noticias (AFN), donde continúa trabajando.

El trabajo de Joebeth Terriquez es exponer temas como: la drogadicción, personas viviendo en la calle, injusticias cotidianas y la expresión de protestas sociales. Estas imágenes muestran que la vida es más que una rutina o un horario. Y todo aquello que ignoramos a él, le sirve como inspiración para crear. Es así como lo efímero de una foto perdura. Los sucesos espontáneos se vuelven parte de la historia, de nosotros. ¿Cómo das voz a personas desamparadas por la sociedad y el gobierno?

“Es algo que me dedico a hacer cada vez que puedo, a veces duro una semana visitando lugares conflictivos para encontrar la razón de lo que está sucediendo. He logrado conocer historias de personas que no tienen por qué es-

tar en tal situación. Con esta información, cuestiono a las autoridades acerca de la problemática, buscando respuesta para encontrar una solución, aunque, lo que he encontrado es que a la mayoría de la sociedad le disgusta la idea de ver a gente en la calle y, realmente, no le interesa cómo se las arreglen. Ellos, etiquetan a la gente como: drogadictos, flojos o animales. Por esto, intento dar a conocer a quien pueda, pues se trata de personas en situaciones, en las cuales, autoridades gubernamentales y crimen organizado, están involucrados, por lo menos en la ciudad de Tijuana, donde gobierno y crimen es básicamente lo mismo.”

La modernidad líquida de la que hablaba Zygmunt Bauman no permite que el interés se extienda a más de nuestra propia persona. La sensibilidad se hace escasa en una sociedad alienada, perturbada y enajenada. En este sentido, Terriquez abre un panorama distinto y, luego, de cada fotografía adquiere una acumulación de vivencias y memorias que funcionan como experiencia para capturar nuevas imágenes. En paralelo, resulta un soporte que le permite crear un estilo propio y actuar con pericia.

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El tema que tiene la mirada del mundo es la situación que viven los migrantes en la frontera. ¿De qué no nos estamos enterando?

“En Tijuana, la problemática de los migrantes ha sido la historia que dio vida a la ciudad, Tijuana es un pequeño Nueva York.

La mayoría de la población es de otros Estados de la República Mexicana y de otras naciones, son personas que llegaron a la

ciudad para cruzar a Estados Unidos, pero no lo lograron. La Caravana de Migrantes, a principios del año, destacó lo que sucede hace años en la ciudad, al evidenciarlo, se creó un enfoque mayor de lo normal.

Al transcurso del año, llegan personas de varias naciones con la intención de brincar el muro y solicitar asilo político en Estados

Unidos, modus vivendi de la ciudad, por lo cual, hay albergues que se dedican a alojar temporalmente a la gente que decide emigrar, pero quienes se quedan, buscan trabajo y un departamento; buscan a sus familiares para que vengan y hagan su intento de cruzar si quieren, pero se trata de una historia sin fin, por lo menos hasta que decidan que el muro ya no será necesario.”

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A causa de la política Cero Tolerancia, iniciada por Donald Trump, cerca de 2,000 menores fueron separados de sus familiares este año. Según datos de autoridades estadounidenses, el objetivo era enviarlos a hogares de acogida o refugios. Hecho que fue expuesto a través de la mirada de Terriquez. ¿Cómo fuiste testigo de la situación de los niños en la frontera?

“A pesar de la política del presidente Trump de Cero Tolerancia, seguían llegando familias de Centroamérica con la intención de pedir asilo a Estados Unidos. Cuestioné a varios y decían que no les importaba, pues por lo menos estarán sanos y a salvo y no muertos en su lugar de origen.

La sociedad tijuanense respeta a esta gente que viene buscando una mejor vida y es empática con ellos porque entienden que la situación en sus países es peligrosa. La mayoría simpatiza con su causa y los apoyan con víveres y ropa, en los albergues o de manera directa; pueden verlos a diario en la plaza cívica del Cruce Internacional del Chaparral donde se encuentran las oficinas para solicitar asilo en Estados Unidos.”

La pérdida de sensibilidad sólo puede ser devuelta a través del recuerdo. Por ello, es importante que trabajos como el de Joebeth Terriquez se difundan e impacte. Parece que las consecuencias de enfrentar la adversidad son de un nivel inimaginable. El fotoperiodista Terriquez, con sus imágenes, nos recuerda que hay situaciones en las que el no arriesgar es lo más arriesgado. +Info: IG: joe_black_tj

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¡PATRIA LIBRE O MORIR! Por Cindy Regidor. Fotos: Oscar Navarrete.

HAN PASADO SEIS MESES DESDE QUE ESTALLÓ EN NICARAGUA UNA CRISIS QUE HA ESTREMECIDO AL PAÍS HASTA LOS HUESOS. LAS MANIFESTACIONES CONTRA EL GOBIERNO DEL PRESIDENTE DANIEL ORTEGA Y LA REPRESIÓN ESTATAL HAN DEJADO AL MENOS 300 PERSONAS FALLECIDAS Y 2.000 HERIDAS. HABLAMOS CON DIFERENTES CIUDADANOS NICARAGÜENSES SOBRE LA SITUACIÓN QUE VIVEN ACTUALMENTE.

NICARAGUA

es el país centroamericano que ocupaba titulares de periódicos en el mundo en las décadas de 1970 y 1980, por el triunfo de la Revolución Sandinista que había derrocado a la dictadura familiar de los Somoza, la cual gobernó el país por más de 40 años. La rebelión armada había logrado triunfar en julio de 1979. Al poco tiempo, el gobierno, ahora sandinista, se enfrentaría a “la Contra”, una guerrilla contrarrevolucionaria nicaragüense armada y financiada por la CIA en un intento de Estados Unidos por combatir el comunismo en la región.

Fue en ese contexto de dos guerras seguidas en el cual Daniel Ortega apareció por primera vez en la historia de Nicaragua, como el joven guerrillero que fue parte de la revolución y que pronto se convirtió en presidente, puesto que ocupó por casi una década, hasta 1990, cuando el país vio el fin del conflicto armado.

Por varios años el país vivió una relativa calma. Tras casi tres décadas, en 2018, encontramos nuevamente a Ortega como presidente y líder del Partido Frente Sandinista de Liberación Nacional (FSLN). Ahora es a él a quien una parte de la población lo llama “dictador” y es él quien califica a otra generación de jóvenes como “terroristas”. Ha gobernado por una década más, desde 2007 hasta hoy, cuando Nicaragua, un país de seis millones de habitantes, enfrenta un nuevo conflicto que, en cuatro meses, dejó alrededor de 300 muertos, 2000 heridos, cientos de presos políticos y su ya frágil economía seriamente dañada.

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Pie de foto

UN GOBIERNO EN NEGACIÓN La nación vive una grave crisis de derechos humanos, así lo ha dicho la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Derechos Humanos en su informe. Desde abril de 2018, la protesta ciudadana, que en su gran mayoría ha sido pacífica, fue reprimida por la policía y fuerzas civiles armadas progubernamentales, las cuales actuaron de forma coordinada o conjunta, se lee en el documento.

El informe detalla que “la crisis ha tenido diversas formas y experimentado diversas fases”.

Una fase inicial en la que hubo una respuesta represiva del Estado a las manifestaciones, las cuales se dieron en todo el país en distintas modalidades, incluyendo barricadas y tranques.

La segunda etapa en la que se dio el levantamiento a la fuerza de las barricadas y tranques, por parte de las autoridades estatales y elementos armados progubernamentales. En la tercera, que comenzó tras la represión de las protestas, se produjo la criminalización y persecución de personas que participaron en las protestas, o que son percibidas como opositores al gobierno.

Por su parte, el gobierno sostiene una versión en la que los fallecidos son 198 e insiste en que lo que ocurrió fue un intento de “golpe suave” de Estado promovido por la derecha y Estados Unidos. El presidente Ortega ha asegurado que los grupos paramilitares armados leales a su gobierno son “policía voluntaria” y que ni estos grupos, ni la policía han cometido crímenes.

El gobierno sandinista ha rechazado los informes, tanto de la Comisión Interamericana de Derechos Humanos, como de la Oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Derechos Humanos, los cuales coinciden sobre la gravedad de las violaciones de los derechos de los nicaragüenses.

A nivel exterior, el caso de Nicaragua ha sido abordado varias veces por la Organización de Estados Americanos y una vez ante las Naciones Unidas, mientras en el país continúan las protestas en medio del fracaso de un diálogo nacional que murió pronto ante la falta de consenso de las partes y las acusaciones hacia los mediadores de éste: los obispos de la Iglesia Católica, a quienes Ortega tildó de “golpistas”.

Hasta hoy, Ortega se rehúsa a dejar el poder o adelantar elecciones, cosa que precisamente han pedido los manifestantes en las calles.

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Pie

H E R I D A S A B I E RTA S Las muertes, la violencia, el caos, la represión, las visiones diametralmente opuestas de lo que ocurrió han cambiado para siempre a Nicaragua. Hoy su sociedad se encuentra sumamente polarizada, golpeada por la crisis económica, agredida, y con muchos de sus ciudadanos buscando refugio en otros países, principalmente en el vecino Costa Rica.

A grandes rasgos, la situación de los nicaragüenses es la siguiente: centenares están detenidos por la policía, en muchos casos de manera ilegal, miles se encuentran desempleados, producto de la crisis económica, algunos empleados públicos callan, temerosos de las represalias por expresar su opinión, simpatizantes del gobierno alegan que el país ha vuelto a la normalidad, las víctimas de la violencia y sus familiares piden que los crímenes no queden impunes, y algunos manifestantes siguen en las calles protestando de forma pacífica, pidiendo la salida de Ortega.

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Yaritza Mairena, universitaria, feminista y vocera de un movimiento estudiantil fue detenida a finales de agosto. “Quiero un país reestructurado, inclusivo, no solo para las mujeres, sino para todas las minorías. Los nuevos líderes deben escucharlas, debemos planteárnoslo hoy, que es el momento de hacer cambios”, dijo dos meses antes de ser capturada.

“Uno se siente mal de que le estén llamando asesino, por un lado, y por el otro mis compañeros me llaman traidor”, cuenta un policía bajo anonimato. Trabajó durante siete años en el departamento de inteligencia y tuvo que salir hacia Costa Rica. Renunció a su puesto por miedo a que le enviaran a sofocar las protestas pues no estaba de acuerdo y no quería arriesgar su vida. Cruzó la frontera por puntos ciegos, no tiene documentación ni trabajo. Quisiera regresar a su país.

William Pavón, de 25 años, administrador de empresas, especialista en temas de juventud y formación, actualmente se encuentra desempleado. “Acababa de empezar a trabajar para una fundación de un banco y cuando las protestas dieron inicio recortaron plazas en varias áreas, incluyendo la mía. Fue sumamente doloroso perder mi trabajo y esa oportunidad”, cuenta el joven. Quiere quedarse en el país, pero sabe que será difícil encontrar trabajo nuevamente.

“No me obligan a ir a las marchas en pro del gobierno, pero quienes no vamos quedamos en evidencia, así que hay mucho miedo entre quienes no simpatizamos con este gobierno, de que pueda llegar la carta de despido en cualquier momento”, comenta brevemente una trabajadora de una institución pública quien prefiere omitir su nombre.

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César Ramírez, de 29 años y militante del FSLN, considera como buena la reacción del gobierno ante “la embestida antidemocrática de los sectores opositores financiados con agentes externos” que “aprovecharon para crear su intentona de derrocamiento” y asegura que la mayoría de los nicaragüenses quieren trabajar y normalizar la situación.

Denis González, un joven que recibió un disparo en la cabeza por parte de un policía durante los primeros días de las protestas, asegura que “mientras hay vida, hay esperanza”. Su deseo es que “el gobierno, en vez de reprimir a la juventud, le diera oportunidades de progreso”.

Jonathan López estudiaba Economía hasta hace unos meses y continuaba yendo a marchas y manifestaciones, hasta el pasado 24 de septiembre, cuando fue detenido de manera ilegal por la policía. Había permanecido por dos meses atrincherado en la Universidad Nacional Autónoma de Nicaragua, en Managua, como forma de protesta. Contó que ahí vio morir a cuatro de sus compañeros durante el ataque de policías y paramilitares.

En ese momento aseguró que el gobierno lo acosaba y asediaba por su rol protagónico en la protesta y que unos 20 de sus compañeros universitarios habían sido detenidos. “Muchos me aconsejan que me vaya del país, pero no tengo miedo, voy a seguir en las calles hasta que pueda para hacerle frente a este régimen terrorista”, declaró apenas unos días antes de que lo detuvieran.

El país cambió. La crisis lo ha sacudido por completo. Entre las distintas posiciones y realidades, el común denominador es la incertidumbre y el deseo colectivo de tener un país donde el día a día ya no sean en torno a la violencia, la muerte y el caos.

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M I G R A C I Ó N

H U MANA

Por Giovanna Chädid

CON EL ASENTAMIENTO HUMANO LLEGÓ EL DESARROLLO CULTURAL. UNO DE LAS CARACTERÍSTICAS DEL SER HUMANO RADICA EN LA CAPACIDAD PARA DESPLAZARSE Y ADAPTARSE A PESAR DE LAS CONDICIONES CLIMÁTICAS, PUES LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD INCLUYE A MILLONES DE PERSONAS QUE BUSCAN UN MEJOR LUGAR PARA VIVIR.

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as reconstrucciones de las migraciones humanas son posibles gracias a la información que aportan varias disciplinas. Los estudios sobre diversidad genética de poblaciones revelan que, los acontecimientos demográficos y los movimientos migratorios anteriores dejaron una huella que se manifiesta en la multiculturalidad que prevalece en las naciones.

Según Jessica Tierney, profesora en la Universidad de Arizona declaró a National Geographic España, que: “Siempre ha existido la pregunta de por qué los primeros seres humanos abandonaron África, y en este sentido, el clima siempre ha sido un factor de mucho peso a tener en cuenta en las hipótesis”.

A partir del descubrimiento del Nuevo Mundo, comenzó una era de grandes movimientos migratorios, pues los avances geográficos permitieron el traslado controlado de personas a las nuevas colonias. Podría decirse que América Latina ha sido el paraíso perdido, la eterna tierra de promisión, repleta de riquezas naturales y el reclamo irresistible para los colonizadores quienes emprendían una nueva vida, alejada de las guerras que sacudían Europa.

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Se identifican cuatro momentos significativos relacionados al fenómeno migratorio en América Latina y el Caribe: el primero, se vincula con las migraciones transoceánicas; el segundo, con las migraciones internas, producto de la crisis económica; el tercero, por encima de las fronteras, es decir, las transfronterizas y, el cuarto, se desencadenó a raíz de la globalización. El primer movimiento movilizó cerca de 55 millones de europeos. El segundo, resultó de la crisis económica que afectó al ámbito rural provocando las migraciones del campo a ciudades. El tercero, sobrevino a conflictos políticos, económicos y sociales, pero provocados en los países de origen. El cuarto, aconteció en las últimas dos décadas, más de 215 millones de personas se han movilizado para arraigarse en lugares distintos a su país de origen.

La paradoja reside en que la globalización debe, hipotéticamente, homogeneizar el mercado planetario en el cual existe una profunda desigualdad estructural, pero, donde en realidad se constituye la globalización es en el imaginario social, constituido a partir del poder de la industria cultural. Es decir, todo habitante del planeta debe tener acceso a internet, a la televisión porque esto lo iguala, lo informa, más allá de su nivel cultural, social o económico.

Dentro del cúmulo de análisis sobre el fenómeno migratorio, destaco dos tendencias antagónicas; ambas de impacto en las sociedades por sus efectos positivos y negativos. Una, liga las situaciones de restricción, las cuales, se pueden asumir como políticas de “strictu sensu”, del latín, estricto sentido, derivadas de proyectos de diferentes estados como punto de la propia dinámica de acción de un gobierno para evitar flujos migratorios no deseados. La otra, agrupa a leyes y pactos que demuestran la evolución del ser humano, y, proponen, una apertura de asentamiento a personas, al respeto a los derechos humanos y de la igualdad del ser sobre la nacionalidad.

Hoy en día, mantener vínculos de cooperación resulta esencial.

La frontera no debería percibirse como una línea divisoria, sino punto de reunión que enlaza a las comunidades y se obtienen beneficios mutuos, que garantiza la seguridad y civilidad al tiempo que se enriquecen las culturas.

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EL AÑO VERDE Por Primitivo Olvera

CUANDO SE LEGALICE EN CALIFORNIA, MÉXICO TENDRÁ QUE DAR EL PASO, ERA LA VOZ ESPERANZADA DE UN FÉRREO ACTIVISTA POR LA REGULACIÓN DE LA CANNABIS TRAS EL RECHAZO DE LA PROPUESTA 19, QUE PRETENDÍA DERRUMBAR LA PROHIBICIÓN EN EL ESTADO ECONÓMICAMENTE MÁS PODEROSO DE LA UNIÓN AMERICANA. ERA DICIEMBRE DE 2010 Y EN AQUEL ENTONCES SUS PALABRAS PARECÍAN PROFÉTICAS, AUNQUE NO LO ERAN. LA ECUACIÓN ERA LÓGICA, EL FRACASO DE LA GUERRA CONTRA LAS DROGAS, LA SINRAZÓN DE PROSCRIBIR UNA PLANTA COMO LA MARIHUANA Y EL POTENCIAL COMERCIAL QUE OFRECÍA LA LEGALIZACIÓN PARECÍAN ALIMENTO PARA EL SENTIDO COMÚN, PERO EL SENTIDO COMÚN NO SIEMPRE GANA EN LAS URNAS.

Todo cambió seis años después, el 8 de noviembre de 2016, mientras Estados Unidos elegía como presidente a Donald Trump, los californianos daban el sí a la marihuana legal. La fecha establecida por las leyes locales fue el 1 de enero de 2018. Así arrancamos dicho año, con los ojos del mundo puestos en lo que para muchos era el California Dreamin’, el despegue definitivo de un movimiento que había calentado motores en estados como Colorado o Washington y tomaba fuerza con la legalización en Nevada y Massachusetts. El movimiento civil por el derecho a consumir, sumado al apetito empresarial ante un mercado en ebullición había preparado terreno para la revolución verde que iría mucho más allá de las fronteras estadunidenses. Canadá se sumó a mediados del mismo año, el 19 de junio el parlamento aprobó por amplia mayoría el libre consumo de la planta. El 17 de octubre, los canadienses celebraron con euforia inusitada la posibilidad de acceder sin restricciones a la Ganja y sus derivados.

En México, la regulación marchaba a paso lento, el amparo ganado en 2013 por el colectivo SMART (Sociedad Mexicana de Autoconsumo Responsable), tras impugnar la Ley Federal de Salud había sentado precedente para otras acciones similares encaminadas a despenalizar la producción, portación y consumo de

la planta para fines recreativos. En los hechos, la Suprema Corte y la sociedad civil habían destrabado un debate empantanado en la arena política debido, en gran medida, a intereses electorales. A la par, otras organizaciones ciudadanas daban la batalla para permitir la importación de derivados de la cannabis para uso medicinal, como en el caso de la niña Grace Quintanilla, afectada por centenares de ataques diarios de epilepsia causados por el síndrome Lennox- Gastaut y cuyos padres, apoyados por México Unido Contra la Delincuencia, lograron obtener en 2016 el primer permiso para traer de Estados Unidos, el aceite medicinal que le ayudó a combatir su padecimiento.

Durante los últimos dos años el activismo se mantuvo, aunque el tema quedó relegado a un segundo plano ante la disputa por la presidencia; en los primeros meses de 2018 la lucha política dejó poco espacio mediático para el tema cannábico pero, una vez concluido el proceso electoral la presión social y los tiempos de la ley coincidieron para dar pasos definitivos en el camino de la regulación. El miércoles 31 de octubre la Primera Sala de la Corte otorgó a tres ciudadanos el quinto amparo en contra de la Ley General de Salud, el camino iniciado por SMART culminó con el fallo que sentaba jurisprudencia. A partir de esa fecha, todos los ciudadanos que busquen ampararse recibirán en automático la protección de la justicia. En la prác-

tica, el derecho a la portación y producción para el autoconsumo está garantizado aunque la ley aún no haya sido modificada.

Pero el proceso está en marcha, la iniciativa de ley presentada en noviembre por la actual Secretaria de Gobernación, Olga Sánchez Cordero, prevé la despenalización y regulación de la cannabis en un esquema que saca a la marihuana de la lista de sustancias proscritas en México y plantea un esquema regido por el estado, que permite entre otras cosas la portación de 30 gramos, la producción para consumo personal de 480 gramos al año, la creación de cooperativas productoras sin fines de lucro, el establecimiento de lugares donde se permita fumar con reglas similares a las que se aplican al tabaco, así como la creación de un marco normativo para la producción con fines comerciales.

Se estima que la aprobación de la Ley General para la Regulación y Control de la Cannabis y sus normas reglamentarias sean aprobadas a mediados de 2019, por lo pronto la COFEPRIS (Comisión Federal para la Protección de Riesgos Sanitarios) ha otorgado los primeros 39 permisos para la comercialización de productos elaborados con aceite de cáñamo.

Razones hay muchas, el derecho de los ciudadanos al consumo, quitar a los cárteles de la droga una fuente de ingreso, cambiar el paradigma de la prohibición por

otro enfocado en la salud pública parecen elementos suficientes para dar fin a una política que solo ha alimentado fenómenos como la violencia y la corrupción. Por otro lado, abrir la puerta a una industria floreciente ofrece una oportunidad de desarrollo para una gran cantidad de mexicanos. Los números no mienten, 75 millones de personas en todo el mundo tendrán acceso a la marihuana legal en los próximos meses, la capitalización de 39 empresas aglutinadas en el Marijuana Index (una especia de mercado de valores) superó los 30 mil millones de dólares en el último año.

La oportunidad de terminar con el círculo vicioso de la prohibición es inmejorable. La regulación es un proceso global que no dará marcha atrás.

Curiosamente, solo hasta ahora parece terminar el tabú que durante el último siglo envolvió a una planta con la que hemos convivido al menos durante los últimos 5 mil años.

Primitivo Olvera es Jefe de Información de W Radio, Conductor del Noticiario A Fondo de Radio Fórmula, Coordinador de Invitados de Foro TV y colaborador de WFM con Alejandro Franco.

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LA CUARTA TRANSFORMACIÓN

LA TOMA DE PROTESTA DE ANDRÉS MANUEL LÓPEZ OBRADOR DESDE EL OJO SOCIAL Fotos: Santiago Arau

El 1 de diciembre, Andrés Manuel López Obrador tomó posesión como el primer Presidente de izquierda en la historia moderna de México. El candidato de la Coalición Juntos Haremos Historia, conformada por MORENA, PT y el Partido Encuentro Social, llegó al Palacio Legislativo de San Lázaro por la mañana para rendir protesta como máximo representante del país.

Santiago Arau, uno de los representantes más significativos de la fotografía contemporánea nacional estuvo ahí para documentar este hecho histórico, una misión que bien puede significar un referente a lo que constituye observar con un ojo social y no con el individual.

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ROMA LA OBRA Y LA POLÉMICA Por Arturo Aguilar

UNA DE LAS EXPERIENCIAS EN CINE MÁS INTENSAS DEL AÑO ES LA MÁS RECIENTE PELÍCULA DE ALFONSO CUARÓN, UNA HISTORIA TAN INTIMA Y PERSONAL COMO AMBICIOSA, INTELIGENTE Y LOGRADA. ROMA HA APARECIDO MÁS QUE NINGUNA OTRA PELÍCULA COMO LA NÚMERO UNO EN LISTAS DE LO MEJOR DE 2018 DE REVISTAS ESPECIALIZADAS Y ASOCIACIONES DE CRÍTICOS TRAS RECIBIR EL LEÓN DE ORO DEL FESTIVAL DE VENECIA A INICIOS DE SEPTIEMBRE.

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oma es un filme que ofrece varios niveles de lectura en una película plagada de información visual y auditiva para el espectador. Una cinta que primero engancha, sacude, emociona y golpea, y que a la vez siembra detalles, momentos y observaciones en cada encuadre y en cada diálogo, en cada personaje que aparece en pantalla.

Basada en sus propios recuerdos de infancia, en la película conocemos la historia de esta familia de clase media en la Ciudad de México en 1970 a través de los ojos de la empleada doméstica, una joven mujer indígena.

Pero la película de Cuarón también se ha incrustado en una conversación más amplia e intensa y se ha convertido en un fenómeno en Internet y redes sociales.

Por un lado, Roma puso en la mesa del debate digital una discusión sobre nuestros modernos hábitos de consumo, los modelos de negocio existentes en al industria fílmica y el cambio general de la misma. Adquirida por Netflix, plataforma que hasta ahora no había permitido que sus producciones originales estrenaran también en cines, la película de Cuarón se enfrascó en una polémica con Cinépolis, ya que la empresa mexicana de exhibición pedía se respetara la actual dinámica y acuerdo de que tras su estreno en salas, una película tenga al menos tres meses de exclusividad en este formato hasta aparecer en otros como TV satelital o por cable, blu-ray, streaming, etc.

Netflix por su parte lo que ha estado haciendo, con una capacidad económica de inversión y gasto que no puede ser igualada, es darle libertad a cineastas como Cuarón, Scorsese o los hermanos Coen en una industria que ha dejado de apoyarlos por no ser financieramente redituables como inversiones a comparación de lo que se logra con las actuales franquicias y sagas de entretenimiento masivo global. Con ello, busca también convertirse en protagonista de las principales entregas de premios de cine como los Oscar, en las categorías más importantes y no solamente en Mejor Película Extranjera o Mejor Documental como ya habían hecho antes Por el otrolado tenemos a la figura de Yalitza Aparicio, quien pasó de ser maestra de educación básica a estrella internacional. Desafiando costumbres y estereotipos, muy en tono de los movimientos feministas y de equidad de diversos grupos sociales de los últimos años, Aparicio se convirtió en portada de la revista Vogue. El hecho ha permitido observar nuestra realidad social, donde aún se manifiestan opiniones abiertamente racistas y clasistas junto a un sentido de orgullo y/o avance social por el reconocimiento al talento de una mujer indígena mexicana.

La película conectó también con una conversación social paralela de nuestros días: los derechos laborales de las empleadas domésticas. Su reconocimiento más allá de lo emotivo o afectivo y el reconocimiento de una situación de abuso socialmente permitido por décadas. Otro elemento que alentó la presencia de Roma en las conversaciones generales después de que finalmente se aprobara el año pasado una ley que obliga a darles derechos laborales básicos a estas trabajadores.

Con todo el ruido previo, entre festivales y listas de lo mejor del año, la polémica sobre su estreno comercial previo a su llegada a Netflix y la campaña digital emprendida por Netflix que empujó y alimentó la conversación de la cinta, es también normal entender el cansancio de ciertas audiencias sobre el tema.

Una vez al alcance “masivo” a través de Netflix, la película comenzó otro tipo de charla cuando un público menos interesado en este perfil y propuestas de cine se encontraba con una película exigente y que demanda por parte del espectador y que está lejos de los productos de entretenimiento que dominan la taquilla comercial, tanto en México como en otras partes del mundo.

Es un hecho que Roma no es el tipo de película que sería un éxito en salas. No es un producto fílmico que pueda satisfacer o entretener a una mayoría acostumbrada a otro tipo de películas.

Eso no es un juicio de valor sino una realidad de la industria de cine moderna. Lo que hace posible entender la última etapa de reacciones en redes sociales sobre la película. Que si es sobrevalorada, que si tanto ruido por meses para esto, que no entienden cuál es la emoción, que es súper lenta y difícil, etc.

Pero que una película logre esta variedad de conversaciones y pueda conectar con otros temas de nuestra sociedad y de la opinión pública, independientemente de sus logros artísticos, la hacen un fenómeno único e interesante que probablemente no volvamos a ver en mucho tiempo.

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Frida

HEROÍSMO, VALOR E INMORTALIDAD

SANTIAGO ARAU RETRATA AL EQUIPO DE RESCATE CANINO DE LA SECRETARÍA DE MARINA Por Samantha Archibald Fotos: Cortesía Santiago Arau para WARP

EL 19 DE SEPTIEMBRE DE 2017 QUEDÓ MARCADO COMO UNA FECHA IMPORTANTE EN LA HISTORIA MODERNA DE MÉXICO, LUEGO DE QUE A LAS 13:14 HORAS UN SISMO DE 7.1 GRADOS EN LA ESCALA DE RICHTER AZOTARA LA CIUDAD DE MÉXICO Y OTROS ESTADOS DEL PAÍS, CON EPICENTRO ENTRE PUEBLA Y MORELOS.

Personas alrededor del mundo, pero sobre todo los mismos mexicanos, se mostraron solidarios con sus compatriotas brindando ayuda en todos los rubros; a partir de esa fecha todos nos volvimos uno con los que nos rodeaban.

Sin embargo, en esos momentos de oscuridad una enternecedora luz saltó a los medios de comunicación y redes sociales. El equipo de rescate canino de la Secretaría de Marina encabezado por Frida (la golden retriver que se convirtió en icono nacional al salvar varias vidas) e integrado por Ecko, Evil y Eros conmovió a la nación gracias a sus heroicas labores de salvamento.

A poco más de un año de los acontecimientos, Santiago Arau, el fotógrafo mexicano destacado por capturar imágenes imposibles con sus drones, se dio a la tarea de rendir un homenaje al equipo e inmortalizarlos a través de su lente. Arau nos contó de la importancia de realizar estas fotografías para no olvidar el trabajo de todos aquellos quienes de una u otra manera ayudaron a reconstruir nuestro México.

LA HISTORIA DETRÁS DE LOS RETRATOS ¿Cómo recuerdas tu trabajo fotográfico a más de un año del sismo?

Para mí fue una obsesión, hice un documental con Diego Rabasa y otros fotógrafos mexicanos. Trabajé en el expediente de fotografías (porque las digitales se pierden) y el terremoto fue parteaguas en mi carrera, en mi persona y como habitante de la Ciudad de México. La mayoría de las fotos que tomé durante el terremoto fueron con dron, me gustó porque desde arriba retrato de modo imparcial, soy testigo, el que observa. ¿Cómo fue la gestión detrás de esta sesión fotográfica?

Me costó mucho llegar a ella. Hubo muchos trámites que hacer y parecía imposible. Cómo que no permitían retratar a los perros rescatistas. Por medio de un amigo lo logré. Se arregló como un donativo para los mexicanos, la Marina y el Ejército, para que ellos tuvieran las fotos y las usaran como les fuera conveniente, pero yo las quería para mi libro. ¿Qué sentiste cuando finalmente conociste a Frida?

¡Me emocioné!

LA SESIÓN ¿Qué tan diferente es para ti tomar fotos en una sesión con una cámara a salir a volar tu drone?

Es distinto, tiene que existir una comunicación con las personas, los grandes fotógrafos de retratos lo dicen, hay que darles importancia e involucrarse con las personas. Yo lo intento, no importa si es un niño, un político, un presidente, el chavo de la tienda, una chava o una señora, hay que hacerlos sentir en confianza porque los vas a retratar y te van a permitir fotografiarlos. Hay personas que no se dejan y lo mismo pasa con un perro, entonces hay que tener comunicación, presentarse con los perros, acariciarlos, que te huelan, te den un par de lamidas, que se sientan en confianza. ¿Cómo fue tratar con perros militares y de la marina, tan entrenados?

Uno pensaría que se portarían bien, pero no. No se estaban quietos, se pusieron nerviosos con las luces y los flashes. Con los animales hay que ser pacientes y utilizar trucos: el premio, el juguete, dejarlo en paz, cazarlo, es decir, el perro está nervioso y gira con la lengua de fuera y así no salen bien las fotos y hay que esperar a que cierren la boca y, cuando te voltea a ver, hacer la toma, cuando el perro te esté viendo.

EL RESULTADO ¿Al final, qué representan para ti estas fotos?

La fotografía no siempre se toma para el público que uno quiere, pero a mí, en lo personal, me gustaría que éstas fueran para niños, para que se sientan protegidos por perros mexicanos. Veo que es algo que puede inspirar. ¿Entonces, te gustaría que fueran de acceso general al público?

Sí, de hecho, estoy negociando para subirlas a una liga pública, para que esas fotografías se puedan descargar e imprimir por quien quiera tener una foto de los perros rescatistas que conmovieron y fueron la esperanza de los mexicanos.

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Ecko

Eros

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Eska

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STAN LEE WITH GREAT POWER...

1922 - 2018 Photo: Allan Amato

“I USED TO BE EMBARRASSED BECAUSE I WAS JUST A COMIC BOOK WRITER WHILE OTHER PEOPLE WERE BUILDING BRIDGES OR GOING ON TO MEDICAL CAREERS. AND THEN I BEGAN TO REALIZE: ENTERTAINMENT IS ONE OF THE MOST IMPORTANT THINGS IN PEOPLE’S LIVES. WITHOUT IT, THEY MIGHT GO OFF THE DEEP END.”

The Marvel legend died at 95 years old on November 25th, after guiding countless heroes and villains from comic book pages to the screen, Stan Lee left behind a legacy that transcends many worlds.

The co-creator Spider-Man, the X-Men, Iron Man, Thor, Hulk, the Fantastic Four, Black Panther, Daredevil, Doctor Strange, Scarlet Witch and Ant-Manm, left the physical world, but his work will keep alive for the eternity. The king of cameos appeared on 35 movies and prior to his death filmed a couple more, for Captain Marvel and Avengers: Endgame.

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