WARP MAGAZINE #86 by WARP MAGAZINE

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FE STIVAL! GUADALUPE VALLEY W I N E , F O O D & M U S I C F E S T I V A L

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IN DI CE

MIDSUMMER EDITION

Bye Bye Summer 151

SHUFFLE

DESTACADO

Corina Lawrence: A merced del viento

Hot Hot Hit

Bye Bye Summer

Miguel Ángel Guerrero: A 16 años

Irene 30

Astrid S 108

Off the map 152

del nacimiento de la Baja Med 196

La 4ta verbena

Rebolledo - Discótico alterado 202

Wicca 40 Who the fuck is Anuar Layón? 48

Profile

Gracias A Dios Mezcal

The chaca girl 56

Dama Vicke 114

Cine VR en el GIFF:

BRKLYN 115

La evolución en desarrollo

Art

del séptimo arte

Inserts

Andy Warhol: La estrella oscura de la cultura mediática

Ryan Adams: Too tired to cry

Picasso vs Rivera

Spencer Ludwig:

Björk digital México

From funk to top

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San Miguel de Allende 119

Reviews: The National,

Su cocina y 162

gastronómico de la CDMX

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The dark side of the pop

Ciudad Universitaria:

Sigur Rós: Making music

brasas y carne

Un espacio creado

as a child 126

#WARPweeknd 170

para imaginar 80

Madame Recamier:

Juan Carlos Baumgartner:

Heart of glass

Design positive 86

Thurstone Moore:

Guadalupe Valley Wine,

Psychic heart 132

Food & Music Festival

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OMD, QOTSA y NIN

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Matt & Kim: I don’t fit the

Hotel Carlota: Un referente

From This Position

molde cause I’m undone

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Fernando Noriega:

Dante Ferrero: 245 horas de 168

De las narcoseries al diseño

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Genesis P-Orridge: Escapando de la rigidez de

129

Lust In The Movies

The Feastival!

las reglas que explotan la mente 216 180

Valise Blu: De Ensenada

Cannes 2017:

Coverages

para el mundo

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70 años de cine, glamour

Coachella 134

Sr. Mandela: Social good

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y propuesta 98

U2 The Joshua Tree Tour

Navid Izadi:

The Lost Boys: 30 years of

Sónar 142

Electro funk for da soul

sleep all day and party all night 102

Le Mans 2017:

Mario Peralta:

Charlize Theron: Atomic Blonde 104

Mucho más que una carrera

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WHAT ELSE?

Raphael Lunetta:

Tove Lo:

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Fashion Nugget

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De fuego a la mesa

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WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ DIRECTOR EDITORIAL DIOVANNY GARFIAS DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA SERGIO GÁLVEZ COORDINACIÓN EDITORIAL ALONSO VALENCIA ASISTENTE DE DIRECCIÓN DIANA MANJARREZ CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN TRADUCCIÓN RAÚL ARCE COLABORADORES ALEJANDRO ALTAMIRANO, ALEJANDRO ESCOBEDO, AURA GARCÍA, CARLOS GUETTA, EDUARDO MARTÍNEZ, ENRIQUE ORTEGA, GIORGIO BRINDESI, JAVIER CUELLAR, KAERI TEDLA, JONATHAN SÁNCHEZ, LEONEL HERNÁNDEZ, LUCERO HERNÁNDEZ, MANUEL BACA, MICHELLE APPLE, NAOMI PALOVITS, ÓSCAR ADAME, TINO PORTILLO, VIRIDIANA COMERCIAL DIRECCIÓN COMERCIAL SAMANTHA ARCHIBALD SARCHIBALD@WARP.COM.MX PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@WARP.COM.MX VERSIÓN DIGITAL DISPONIBLE PARA IOS EN ITUNES STORE

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© WARP Marca Registrada ®. Año IX No. 86. Revista editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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A P P L E W AT C H TOO TIRED TO CRY Por Michelle Apple

La época en la que era importante dar gran seguimiento a nuestro bienestar por motivos de salud ha quedado en el pasado, pues hoy en día la tecnología nos permite de manera fácil y divertida llevar un control personalizado de nuestra actividad física diaria. Un gran ejemplo viene de la mano del Apple Watch Series 2. El smartwatch de la familia Apple cuenta con un procesador de doble núcleo, lo cual acelera su funcionamiento, una pantalla dos veces más brillante que su antecesor y está repleto de funcionalidades para mantenerte activo y conectado, monitoreando todo aquello que conduce a un estilo de vida activo y saludable, una nueva y completa toma de bienestar. A continuación te presentamos algunas combinaciones en las cuales el Apple Watch y algunas de sus aplicaciones pueden hacer de tu hobbie un ejercicio disciplinado, con resultados que se reflejan en tu condición física, salud y productividad.

RUNNING

Gracias a su sistema de GPS integrado, el Apple Watch permite que cada vez más desarrolladores generen una variedad de aplicaciones dedicadas al running. Dependiendo de tus necesidades y el nivel cada app, este dispositivo ofrece utilidades como calcular cierta distancia recorrida, la velocidad media y el tiempo empleado. Los avanzados podrán medir su ritmo cardiaco y el tiempo por carrera en intervalos individualizados. Runtastic y Nike+ Run Club son buenas opciones para los entusiastas de este deporte.

CICLISMO

Mide con un sólo clic la distancia recorrida, el ritmo cardiaco y el tiempo total en tu bici con precisión. La app nativa de Apple Watch permite eso y más de forma puntual para sacar el mayor provecho a tu ruta y mejorar tus tiempos día a día. Puedes recurrir a aplicaciones como Runtastic Bike Pro para llevar la cuenta de tus laps e indicaciones y sugerencias para recorrer el mejor camino.

NATACIÓN

El diseño a prueba de agua del nuevo Apple Watch (en profundidades de hasta 50 metros) permite que este reloj se convierta en una herramienta indispensable para quienes gustan de zambullirse en el agua y cuantificar su progreso. MySwimPro es una de las mejores aplicaciones para los aficionados a la alberca, le puedes indicar la longitud de la piscina de forma personalizada e indica la distancia recorrida y la información del pulso cardiaco incluso bajo el agua.

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HOTEL ROCAS DEL VALLE Carretera Francisco Zarco-El Tigre Km 11 Valle de Guadalupe, Ensenada booking@rocasdelvalle.com | Tel. 01 (646) 244 6362

Rocas del Valle es un hotel campestre situado en pleno centro del Valle de Guadalupe, La Capital del Vino Mexicano, a escasos metros de diversas vinícolas reconocidas mundialmente. Está construido entre rocas y naturaleza endémica celosamente protegida, con una exquisita decoración que permite a nuestros huéspedes disfrutar de sus comodidades y apreciar las maravillas de sus paisajes tanto de día como de noche; creemos en invertir en el respeto al medio ambiente, en nuestro futuro. Aquí se disfruta la experiencia de apreciar el exquisito vino de las diversas vinícolas de la región, con una hermosa vista hacia los campos y cultivos de la vid. En la temporada de vendimia es extraída la uva en cada uno de sus varietales para ser procesada minuciosamente y, posteriormente, ser degustada en la comodidad de nuestra cava, restaurante o en la habitación. Nuestras cabañas disponen de todos los elementos necesarios para garantizar el máximo confort. Cuentan con TV LED, Internet, teléfono, aire acondicionado, baño completo y terrazas o áreas comunes (según el tipo) en las cuales se disfruta de la atmósfera natural del valle. El hotel cuenta con 22 cabañas; sencilla, junior sencilla, junios doble y una Master Suite conformada por dos habitaciones, una cama queen y baño personal, sala, mesa de póker, chimenea, terraza exterior para 40 personas, fogatero, jacuzzi privado, una barra y área para DJ. Al centro del área de la aldea está un fogatero gigante para 50 personas donde, al calor de una fogata natural, se puede convivir con amigos, familia y una copa de vino, bajo un cielo azul despejado en el día y un espectáculo de millones de estrellas por la noche. Además, el hotel cuenta con varios puntos de descanso con sala y fogatero donde se puede pasar un rato agradable de la mano del servicio de picnic. Rocas del Valle, además, cuenta con servicios turísticos que incluyen recorridos por la zona, renta de buggies para conducir en las vinícolas y la carretera, y unidades último modelo para recorrer la ciudad e ir al aeropuerto con choferes altamente certificados.

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SUPER 73 lithiumcylcles.com ebikesmx.com

Para las almas libres, los aventureros y jóvenes de corazón, Super 73 llega a México. La misión de Lithium Cycles en 2016 fue construir motocicletas eléctricas de gran calidad, divertidas y fáciles de usar, proveer excelente servicio a sus clientes y desarrollando un negocio sustentable para la comunidad de motociclistas y ciclistas que buscan viajar de forma cómoda, eficiente y con estilo. Estamos emocionados de anunciar la llegada de Super 73 a la Ciudad de México. Ordena tu Super 73 en ebikesmx.com y únete al #supersquad para ver de lo que estamos hablando! No te lo querrás perder. Mirando al pasado a los años 70; motocicletas, ciclomotores, mini bicicletas alrededor de 1970 los inspiraron a diseñar un nuevo tipo de bicicleta eléctrica con tecnología de vanguardia. En el Sur de California, se encuentra el taller de diseño y estudio de investigación y desarrollo, donde manufacturamos una larga serie de producción directo de nuestra fabrica a diversos países en Europa, Canadá, Australia y ahora México. Ve a donde gustes con 1000 watts de fuerza, diseño californiano y hasta un portavaso y abre botellas (no olvides divertirte responsablemente). La Scout tiene el look cool y el sentimiento de una motocicleta, pero tiene la ventaja de ser tan fácil de usar como una bicicleta.

Viene equipada con un asiento de motocicleta muy cómodo, soporte para carga pesada, batería removible para recargarla de manera practica, y llantas todo terreno para una súper tracción. Súper 73 es un regalo increíble, único y practico para cualquier persona.

LIBRE DE MOLESTIAS Y CON MUCHÍSIMA DIVERSIÓN • Fácil de usar para cualquier persona, aun sin tener experiencia previa. • No se requiere licencia ni registración • Extras eléctricos: cargador de USB, diferentes opciones de velocidad • Evita el trafico, maneja en ciclo vías • Bajo mantenimiento (no cuenta con partes complejas de motocicletas) • Recarga donde gustes con la batería removible • Viaja con ella; llévala en trenes o carros. • Sin problemas de estacionamiento • Sin restricciones: ve a donde quieras con llantas fat knobby (arena, caminos sin pavimentar, concreto). ¡Personaliza y elige sobre más de 20 colores para el marco de tu Super 73!

Ingresa a ebikesmx.com para distribución en México

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Spaces, instalaciones ParĂs, Francia 028

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IMPULSA TU PRODUCTIVIDAD CON MÚSICA Por Mónica Cerda-Narchi / Líder de Spaces en México La música, con frecuencia, la vivimos cuando vamos a un concierto o salimos de antro pero, ¿qué pasa cuando estamos en el trabajo? Mientras para algunos resulta ser una distracción, para otros es un acelerador clave que maximiza su trabajo, y es que, mucho antes de que trabajáramos en una oficina, la mayor parte de la sociedad laboraba en el campo, donde solían silbar para hacer más ameno su día. Ahora, gracias a los avances tecnológicos la música se ha convertido en parte integral de nuestra vida, al estar presente cuando despertamos (con nuestra canción favorita como alarma perfecta), al trasladarnos al trabajo (en el auto o el transporte público) y, finalmente, cuando llegamos a él, iniciando una travesía musical que definirá nuestra jornada, ya sea que elijamos nuestras canciones favoritas para concentrarnos (con audífonos puestos), la selección de nuestro coworker o la que suena de manera ambiental en la oficina. De acuerdo a un reciente estudio, con personas trabajando y escuchando música a la vez, se encontró que casi el 90% de los participantes mejoraron su desempeño, mientras el 81% terminó sus pendientes más rápido, lo que comprueba que la música incrementa el rendimiento y reduce el tiempo invertido en cada proyecto. ¿Cómo es esto posible? Simple, al llegar la música a nuestro cerebro se libera dopamina, lo que nos brinda energía en un tipo y nivel que dependerá de la familiaridad que tengamos con cada track y su ritmo, ya sea lento o rápido. En SPACES —empresa fundada en Ámsterdam, en 2006, y de la cual formo parte— nos preocupamos por redefinir la forma de trabajar, por lo que la música juega un papel importante para brindar el espacio perfecto en el que cada uno de sus

miembros se mantengan motivados. Un ejemplo es cuando se toca música instrumental en el área de coworking, pues las personas que revisan el presupuesto de su empresa lo hacen de manera más fácil, y no se diga cuando alguien trabaja bajo presión al estar cercanos a su deadline; si escuchan una canción pop o la que está de moda terminan más rápido y a tiempo. Además de los beneficios comprobados que tiene el escuchar música mientras trabajamos, ¿te has fijado que existen otros factores que complementan lo que las melodías producen en nuestro cerebro?, como la iluminación del área en la que estás, la silla que utilizas, la automatización del clima o la distribución de los muebles. Nuestra mente y cuerpo demandan estar a gusto para lograr mayor productividad, por lo que una vista agradable, una conexión a Internet estable y rápida y, en general, un lugar cómodo es indispensable para trabajar más y mejor. Conocer nuevas personas también es motivante, por lo que la música en un espacio compartido es el pretexto perfecto de introducción para acercarte a tu coworker y saber qué artista es el que escucha, cuál es su género favorito e incluso qué día podrían ir a bailar. Puede que el lunes siguiente encuentres a esa persona de nuevo pero si no es seguro que estarás frente a alguien completamente nuevo para iniciar otra amistad. Al saber todos los beneficios que aporta la música en tu espacio de trabajo, ¿qué opinas?, te ayuda a desempeñarte mejor o prefieres laborar sin ninguna distracción.

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Una colaboración de

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Total look Adolfo Dominguez, aretes de Arithmetics, medias y bolsa propiedad de la stylist.

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IRENE Fotos: Viridiana Estilismo: Effie Villagรณmez | Maquillaje y Cabello : Israel Quiroz Modelo: Irene Stepanenko (GH Management)

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Chamarra de Nike, sweater de Adolfo Dominguez, guantes de Alfredo Martinez, sombrero y medias propiedad de la stylist 03 4

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Vestido de Cihua, camisa de Adolfo Dominguez, bomber jacket de Bimba & Lola, aretes de Arithmetics, medias propiedad de la stylist.

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Vestido Alfredo Martinez, arete Arithmetics botas propiedad de la stylist. 03 8

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Total look Adolfo Dominguez, aretes de Arithmetics, medias y bolsa propiedad de la stylist.

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WICCA LEATHER IS FOREVER Por Diovanny Garfias | Fotos: Omar Coria

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wiccabrand.com CDMX: Naked Boutique (Córdoba 25, Col. Roma, Del. Cuauhtémoc) GDL: Empathy Store (Av. Montevideo 3181, Lomas de Providencia) WM S UM M E R

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«Wicca está inspirado en la mujer moderna, la sensualidad y el empoderamiento que buscamos en diferentes aspectos de nuestras vidas». Así es como Bianca Rosado describe a la musa detrás de su creación, una línea de diseño que, para algunos, podrá salir de lo convencional por su misma naturaleza visual: arneses, chokers y accesorios hechos a mano en piel, piezas únicas que de entrada nos transportan al mundo BDSM (Bondage y Disciplina, Dominación y Sumisión, Sadismo y Masoquismo) y que, sin embargo, como su creadora resalta, «son para la mujer que sabe

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lo que quiere y cómo conseguirlo, que está consciente de su alrededor y busca inspiración, a la vez que inspira. La mujer que se conoce y encuentra seguridad y amor en ella misma al hacerlo». Bianca, originaria de la Ciudad de México, estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México y Moda en la Universidad Iberoamericana. Al hablar de su inclinación creativa, ella recuerda: «Mi amor por el mundo del diseño empezó de pequeña. Me encantaba estar en el estudio de mis tías, quienes son diseñadoras

y pintoras. Ahí entendí lo importante que es apreciar el diseño en todo lo que nos rodea cotidianamente». Bajo dichos preceptos nació Wicca, en 2014: «Surgió de mi amor por la lencería y la dificultad de encontrar este tipo de prendas y accesorios en México, un proyecto personal que fue creciendo a la par de los productos que diseñaba». Así, encontramos que en símbolos universales de sumisión y dominación hay quienes logran hacer sentir a la mujer poderosa, creando musas modernas empoderadas por su sensualidad e imagen.

Si el diseño detrás de la marca es la personalidad que impregna la mente con su narcótico visual a primera vista, es la piel con la que están fabricadas lo que se encarga de transmitir el toque de elegancia y sensualidad: «La piel es de mis materiales favoritos, es muy dinámico, duradero y adaptable, y puedes crear casi cualquier prenda con él. Actualmente, es muy atacado usar piel en la moda pero estos artículos son mucho más duraderos y contaminan menos que uno hecho con materiales sintéticos. “Leather is forever”».

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WHO THE FUCK IS

ANUAR LAYON? Por Naomi Palovits Fotos: Izack Morales

MEXICO IS THE SHIT / MANIFIESTO «Esto no sólo es una chamarra, es una declaración, una oportunidad para recordar al mundo que México es grande, que todo lo hecho en México está bien hecho. Es un homenaje a los mexicanos en todo el mundo que cambian la cultura global con sus hermosos corazones y mentes brillantes, es una manera de mostrar que somos muchos y que estamos juntos, elevando los estándares, recordando al mundo que nuestra voz importa. México is the shit es una comunidad, un sistema de apoyo y un movimiento que inspira amor, respeto y confianza, y lo mejor es que no tienes que ser mexicano para ser parte de él, sólo hay que amar a México como nosotros lo hacemos. Spread the word.» Mexico Is The Shit es el statement más importante en la historia de la moda en México. Más que una prenda de vestir, es un objeto de colección que representa el sentir del mexicano. Anuar Layón, responsable de este movimiento, ha logrado en pocos meses lo que nadie había hecho por el país nunca: unir nuestras voces y devolvernos el orgullo de ser mexicanos. Por si no fuera suficiente, durante la última edición de Fashion Week México, el creador de la popular chamarra presentó con gran éxito el resto de su colección bajo el nombre de Anuar Layón. En Estados Unidos compararon su trabajo con el de Alexander Wang y Opening Ceremony, que ya es bastante. Platiqué con el indiscutible hombre del momento, Anuar Layón, quien comparte su historia y su visión en exclusiva para WARP Magazine. - Anuar, comencemos desde el principio, ¿por qué elegiste la moda como medio de expresión? «Siempre estuve entre la música y el diseño. Pinto desde muy chico y siempre tuve una inquietud con las artes plásticas. Cuando empecé a crecer me di cuenta

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de que me gustaba mucho la ropa y la forma mas fácil de portar tu arte es haciendo moda.» - Tu primer acercamiento a la industria fue durante la primera etapa de la plataforma Fashion Week. Cuando ésta quebró, ¿cómo fue tu experiencia? «Sí, nos tocó la última edición, el quebranto de Fashion Week al mando de José Andrés Patiño, que sigo creyendo es un gran tipo, por ahí de 2005. Después participamos con Ana Fusion en Intermoda. Al principio estábamos felices, pues habíamos vendido parte de la colección a distintas boutiques independientes de la república, pero a las tres semanas nos desilusionamos al darnos cuenta de que no podíamos surtir los pedidos pues te topas con veinte cosas; de entrada, no tienes nada de capacidad de producción y crees que eres un diseñador muy bueno porque haces cosas. El reto es implementar todas tus ideas y tu creatividad en una prenda y desarrollarla como tal.» - A diferencia de muchos diseñadores que siguieron intentándolo y hoy han desaparecido tú te retiraste del glamour de las pasarelas durante años y ahora vuelves en tu versión reloaded. ¿Cómo lo lograste? «Cuando vi que no había una plataforma concreta le dije a mi exsocia que había que hacer industria; antes de seguir presentando moda, en el momento en tengamos la capacidad de producir todas nuestras ideas, hacemos una marca. Entonces, los siguientes ocho años los pasamos haciendo uniformes corporativos. Especializados en publicidad y marketing, hicimos uniformes para edecanes, restaurantes, hoteles, hospitales, y eso nos dio la capacidad de producción y crecimiento. Después lancé la línea White Tag, que es mi línea de accesorios para caballero que ayudó a reposicionarme en el mercado y me dio la oportunidad de financiar mi sueño, que es Prima Volta, y hacer street wear, que es lo que diseña Anuar Layón y de donde se desprende Mexico Is The Shit.

Anuar Layon WM S UM M E R

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- ¿Cómo nació Mexico Is The Shit? «En una búsqueda para ampliar Mercadorma, empresa que se dedica a hacer merchandising de bandas de rock y para quien desarrollé una línea de prendas únicas de moda, fuimos a Estados Unidos a tocar puertas y nos fue muy bien. En ese viaje, de dos citas que teníamos surgieron diez más, nos fueron presentando con más personas y de ahí surgieron muy buenos negocios, como lo que hicimos con la chamarra de Daft Punk para Maxfield, o lo que hicimos con Radiohead. Fue en ese viaje que conocí a muchas personas que amaban a México, lo que sirvió como inspiración. En un principio la chamarra fue diseñada para ser una prenda de Prima Volta y originalmente decía “Proudly Mexican”, misma que acabamos lanzando con Mercadorama.» - Y después se viralizó… «Regresé de ese viaje muy ilusionado y decidí transformar la prenda para que fuera parte del uniforme de Mercadorama. En una exposición que tuvimos todos los involucrados la llevaban puesta, nos tomamos una foto y ese fue el primer acercamiento de

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viralización. La chamarra no estaba a la venta pero amigos y conocidos nos la pidieron para ellos. Durante esos días vi a Carlos Lang, un fotógrafo de viajes a quien le di una chamarra, y fue quien se tomó la foto frente a La Torre Trump, en Nueva York. A la par de esto ocurre que Trump comienza a hablar de México y eso hace que todo explote.» - Mucha gente pensó que la chamarra fue creada en respuesta a las declaraciones de Trump… «No es un retórica contra Trump y tampoco es contra la gente que votó por él, porque algo que pensamos es: “tú no vives en Estados Unidos para saber cuál fue el motivo por el que esa persona votó por Donald Trump.” Tampoco sabes cuáles son sus raíces y sus ideales familiares por convicción de votación. Muchos son republicanos por herencia y su decisión no tiene que ser absoluta y necesariamente por odio a México o a los países latinoamericanos. Tenemos que aprender a respetar ese tema y también a respetar que somos mexicanos, debemos conocer cuáles son nuestras

Mercedes Benz Fashion Week 2017

posibilidades y apagar la luz de lo que él crea de México, saber que nosotros somos mas grandes que eso. Los mexicanos somos más, somos muchos y estamos unidos, con toda la capacidad del mundo para hacer las cosas realidad.» - Cuéntanos qué fue lo que presentaste como Anuar Layón en la última edición de Fashion Week «La colección que presenté se llama Soldiers of God y habla de cómo veo que Dios tiene los ojos puestos en México, y de lo que ha sucedido alrededor de la relación con Estados Unidos. Todos los gráficos están basados en eso, de ahí que hice una reinterpretación del escudo nacional en la que el águila está destruyendo a la serpiente. El águila tiene un ojo y unas manos que, para mí, reinterpretan a Dios cuidando de México.» - ¿Quiénes colaboraron contigo en la creación de esta colección? «Invité a la tatuadora Chris Castañeda (Xian of The Death) a desarrollar la línea gráfica. Para la joyería invité a María Mariscal, que es la marca de un par de

joyeros mexicanos que hacen cosas maravillosas, sobre todo para hombres, quienes nos atrevemos cada vez más a vestir a la moda sin entrar en el rollo de lo estrafalario. Los zapatos los hice con Unmarked, una marca de León que hace zapatos de culto para Japón e Inglaterra, utilizando uno de los procesos más respetados a nivel mundial. También invité a Mauro de Morgana, con quien ya había trabajado. Para mí es importantísimo haber contado con colaboradores de su talla, sin ellos no estaría aquí.» - ¿Dónde podemos conseguir la colección de Anuar Layón? «Vamos a hacer un par de ventas pop up en Los Angeles y México, aquí, en Prima Volta, mi punto de venta en la Condesa, abierto de lunes a domingo, donde tenemos un espacio dedicado a Mexico Is The Shit. Aquí tenemos la chamarra en toda las tallas para que se la prueben y sepan cuál les queda, ya que por ahora sólo se puede comprar online. Vamos a hacer ventas sorpresa y pop up en otras partes de México y el mundo. Estén pendientes, nuestra cuenta de Instagram es @mexicoistheshit.

El fotógrafo Carlos Lang con la chamarra a las afueras de la Torre Trump, NY.

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CREATIVIDAD, DISEÑO Y HOSPITALIDAD Por Samantha Archibald

La cadena de hospitalidad mexicana GRUPO HABITA es reconocida mundialmente por su arquitectura y diseño de interiores, alrededor de un estilo de vida diseñado para experiencias únicas y un óptimo descanso. Moisés Micha y Carlos Couturier son los socios detrás de este concepto y del equipo que lo ha hecho posible tanto en México como en Estados Unidos. Moises es responsable del área de finanzas, operación y relación con los inversionistas de las quince propiedades, entre las que se cuentan Habita CondesaDF, Downtown México, Distrito Capital y Downtown Beds, en Ciudad de México; Habita Monterrey, en Nuevo León; La Purificadora, en Puebla; Boca Chica, en Acapulco, Guerrero; Maison Couturier, en Veracruz, y Hotel Escondido, en Puerto Escondido, Oaxaca, un paraíso para los surfistas. También supervisa lo referente al Hotel Americano, en NYC, y las de más reciente apertura: The Robey y The Hollander, en Chicago, sin olvidar los proyectos próximos en Austin y Los Ángeles, Baja California, Mérida y Oaxaca. Carlos, por su parte, supervisa las áreas de diseño, arquitectura y creatividad de todo GRUPO HABITA, con un papel importante en la creación de todos los powerhouses, cada uno auténtico y distinto. Las propiedades de este conjunto cuentan con un diseño único, cuya arquitectura y diseño de interiores ha corrido a cargo de talentos como Enrique Norten, de TEN Arquitectos; India Mahdavi, Víctor y Ricardo Legorreta, Javier Sánchez, DimoreStudio y Joseph Dirand. Su desarrollo ha sido importante en el impulso de eventos gastronómicos, empresariales y sociales en las distintas zonas de las que forman parte.

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Moisés y Carlos nos cuentan cuál ha sido la visión detrás de Habita y el motor que los ha llevado al éxito, con esta gran opción para todos los viajeros inteligentes que buscan experiencias únicas. - ¿Cuál es el concepto alrededor del nombre Habita? «Del verbo habitar, vivir, ocupar… pertenecer a un lugar.» - ¿Cuál es el mensaje subyacente en su diseño interior y concepto arquitectónico? «Sentirse bien en espacios únicos ofreciendo experiencias memorables.» ¿Qué puntos son target para el crecimiento de Habita? «Estamos en las ciudades más importantes de México y estamos desarrollando proyectos en Baja California, Mérida y Oaxaca, además de un quinto hotel en Ciudad de México y un segundo en Puebla. En Estados Unidos próximamente abriremos Los Angeles y Austin.» ¿Qué factores se toman en cuenta al elegir la ubicación de sus hoteles? «Nos gusta aventurarnos en locaciones no convencionales.» - En el caso de remodelar estructuras antiguas, ¿qué tratamiento se les da para mantener su esencia de la mano de la línea conceptual arquitectónica? «Recuperar la arquitectura de ciertas propiedades y devolverles su esplendor original es algo que nos entusiasma. Hemos intervenido un palacio del siglo XVII, una 1

1. Casa Fayette 2. Boca Chica 3. Distrito Capital 4. Downtown Beds 5. Azúcar 6. Habita Monterrey 7. The Robey 056

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casona afrancesada de 1928, un edificio art deco de 1929, una bodega de 1905, una antigua purificadora de agua de 1886 y Casa Fayette, de los años 40.» - ¿Qué servicios extra incluye hospedarse en uno de sus hoteles? «Experiencias únicas en nuestras terrazas con piscina, pop-up restaurants, eventos de negocio con tecnología y spa.» - ¿Qué elementos hacen de su hotel un destino por sí solo? ¿A qué estilo de huéspedes atraen más? «Viajeros inteligentes, por la ambientación, ubicación estratégica, el staff y la política pet friendly.» - ¿Qué ventajas ofrece el hotel como punto de negocios? «Entorno con tecnología necesaria para llevar a cabo negocios exitosos.»

- La calidad gastronómica en restaurantes es uno de sus sellos distintivos. ¿Qué chef desarrolló el concepto? «El concepto es internacional con fusión mexicana; contamos con variedades como la japonesa en la terraza de Condesa, cocina oaxaqueña en Puerto Escondido y francesa-latina en Nueva York. Nuestros chefs incluyen a César Castañeda, Jorge Colazo, Keisuke Harada y Trevor la Presle.» - ¿Qué consejo le darías a los jóvenes que buscan desarrollarse como emprendedores? «Que la persistencia es lo más importante para lograr que los proyectos se conviertan en realidad.»

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CHACA GIRL Fotos: Alexander Neuman Estilismo: Tino Portillo Cabello: Manuel Oliva Maquillaje: Alejandro Campos Asistente de estilismot: Fey Fuentes Modelo: Isabella de New Icon

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Vestido: Nugget | Saco: Angela Reyna | Arracadas: Bimba & Lola | Pulsera de mano: Erresie7e 060

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Pantalรณn: Cynthia Buttenklepper | Chaleco: Sanchez Kane | Sandalias: H&M | Arracadas: Bimba & Lola

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Tanks: Zara | Pantalon: H&M | Chamarra: Nugget WM S UM M E R

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Top y pantalรณn: Deerton Sandalias y arracadas: H&M

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Playera: Supra Gabardina: Deerton Pantalรณn: Cynthia Buttenklepper Choker: Libelula Arracadas: Bimba & Lola

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ANDY WARHOL LA ESTRELLA OSCURA DE LA CULTURA MEDIÁTICA Por Leonel Hernández | Fotos: Cortesía Fundación Jumex

Andy Warhol es una de las figuras más controvertidas de la actualidad y no sólo en el terreno del arte. Es innegable que su influencia convierte su mera existencia en un hito histórico, en donde no hay medias tintas: o se le admira o se le repudia, lo que no lo exime de ser un referente necesario para comprender la concepción del arte actual. La máxima de Warhol «en el futuro todos serán famosos por quince minutos» toma un carácter con doble sentido en la exposición Estrella Oscura, presentada en el Museo Jumex hasta el próximo 17 de septiembre, bajo la curaduría de Douglas Fogle, al narrar los diversos desplazamientos temáticos y técnicos que marcaron el desarrollo de su práctica artística; desde las pinturas de productos de consumo hasta las series serigráficas de retratos con estrellas de cine, personajes famosos y desastres.

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- ¿Cómo fue la curaduría de las obras de Warhol para esta exposición? «Pusimos especial énfasis en las promesas utópicas pero también en el lado oscuro de la cultura mediática y de consumo de la posguerra, contexto histórico en el que Andy Warhol realizó sus primeros trabajos. Cada tecnología conlleva su propia negatividad, que se inventa al tiempo que el progreso técnico.» - ¿Cuál es la característica principal de esta primera etapa de Andy Warhol? ¿Cómo podríamos definirla? «Warhol no sólo es el artista que retrató la cultura de consumo estadounidense, también es quien produjo y puso a circular las imágenes de su decadencia. Las latas de sopa no sólo indican la renuncia de Warhol al gesto subjetivo del expresionismo abstracto (es sabido que admiraba a pintores como Jackson Pollock), sino que también señalan la importancia de la repetición en su obra, la cual se contrapone a la necesidad de elección del mundo publicitario.» - ¿Cuál era su relación con los medios en esta etapa de su vida?

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«Warhol fue de los primeros artistas pop en observar el vínculo entre el estrellato y los oscuros impulsos caníbales de la incipiente cultura mediática. Hay un reconocimiento de una cultura en la que la adoración se traduce en una especie de consumo: devoramos y descartamos a los íconos que amamos a través de un ambiente mediático.» - La importancia del artista en la plástica es innegable pero, ¿cuál sería su mayor aportación al mundo? «Para Andy cualquier retrato de la experiencia estadounidense estaba incompleto si no se examinaba su lado oscuro. […] el mismo Warhol parecería haber nacido bajo una estrella oscura. En sus pinturas se inscriben augurios del futuro del artista a manos de la fascinación de los medios por la fama y la tragedia. Las “inquietantes sombras grises” no sólo se pueden ver en los productos, también en las personas. En la muestra encontramos retratos de Marilyn Monroe, Liz Taylor y Jackie Kennedy, y aunque las tres son vistas como mujeres famosas que tuvieron éxito, Warhol acentúa el carácter trágico de sus vidas.»

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PICASSO VS.

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ENTRE EL PERIODO VERDE Y EL HOMBRE CONTROLADOR DEL UNIVERSO Por Leonel Hernández Fotos: Cortesía Museo del Palacio de Bellas Artes

Uno, reconocido muralista mexicano; el otro, padre del movimiento cubista. Con tales consideraciones, pareciera que la relación entre Pablo Picasso y Diego Rivera es diametralmente opuesta; sin embargo, una comunión que sólo podría sacarse de un retrato imaginario se vuelve realidad en la exposición Picasso y Rivera: conversaciones a través del tiempo que llega al Museo del Palacio de Bellas Artes, y que permanecerá abierta al público hasta el próximo 10 de septiembre. Su interés en temas comunes a través de sus obras y cartas personales es lo que apreciamos en la interesantísima muestra, la cual es detallada para WARP Magazine por Julio Rivas, Gestor Cultural e investigador en el Museo del Palacio de Bellas Artes. - ¿De dónde surge la idea y cómo fue el proceso de curaduría de esta exposición? «Todo se derivó de una afortunada casualidad. Sucedió que Michael Govan, director del Los Angeles County Museum of Art (LACMA), y uno de los integrantes del equipo curatorial de la exposición conversaban con Diana Magaloni (miembro también del equipo curatorial) sobre la forma en que Diego Rivera, de manera paralela a Picasso, había recurrido a la escultura azteca como fuente de inspiración para su obra, expresando su intención de realizar una investigación profunda sobre el tema. Por su lado, Miguel Fernández Félix, director del Museo del Palacio de Bellas Artes, fomentaba también una investigación sobre los nexos entre Picasso y Rivera a partir de la correspondencia que el segundo tuvo con el primero y de la obra de Rivera que Picasso guardó en su colección personal. De este modo, todos por caminos distintos, se interesaban en el mismo tema y en una ocasión, compartiendo proyectos, decidieron aprovechar la oportunidad de trabajar juntos por un espíritu de colaboración internacional».

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- ¿Qué paralelismos artísticos existen entre ambos artistas? «Los paralelismos se dan desde el principio de su formación. Ambos entraron a sus respectivas academias de bellas artes (Picasso en Málaga y Rivera en la Ciudad de México) a una edad temprana; ambos tienen un acercamiento con el cubismo, Picasso como fundador y Rivera como exponente, al emplear una rica paleta de colores y referencias iconográficas a objetos tradicionalmente mexicanos, y los dos inician una revaloración del pasado artístico, usando los cánones estéticos planteados por griegos, etruscos y romanos, en el caso de Picasso, y las antiguas culturas prehispánicas mexicanas, en el de Rivera». - ¿Cómo podría describirse la relación Rivera-Picasso? «Podría decirse que es bastante significativa, ya que hay registros de correspondencia de Rivera a Picasso en 1949 y 1957, y al menos en una de las cartas se refiere al pintor español de una forma familiar y muy cercana. Por otra parte, de acuerdo con los biógrafos de Rivera, existía un muy claro respeto profesional entre ambos, y es muy probable que aquellos debates sobre el cubismo en los que ambos invertían varias horas de la noche hayan producido alguna influencia mutua en sus obras». - Además de obras pictóricas, ¿qué incluye la muestra? «La exposición cuenta con una selección de fotografías de los pintores frente a sus obras tomadas por los propios artistas, además de una serie de cartas que dan fe de su relación posterior a la separación de 1915. También se encuentra una serie de esculturas y objetos de la Antigüedad Clásica y Mesoamérica que evidencian la forma en que Picasso y Rivera retomaron los rasgos de esas culturas y los reinterpretaron en su obra.»

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Pablo Picasso, Hombre con bombín sentado en un sillón, 1915 WM S UM M E R

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Diego Rivera, Autorretrato, 1906

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Pablo Picasso, Autorretrato con paleta, 1906

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BJÖRK DIGITAL MÉXICO SUMERGIDOS EN LA REALIDAD VIRTUAL Por Kaeri Tedla | Fotos: Vidal Cruz para WARP

No sólo fue la oportunidad de recorrer una de las exhibiciones que más ruido han causado en el mundo y presenciar lo que gente en Sidney, Montreal, Tokio o Nueva York han disfrutado, fue además sumergirnos —literalmente— en una experiencia que atrapa los sentidos desde el primer momento y nos lleva de la mano por universos reales y virtuales, una manera sutil de conocer los sueños, los miedos, las alegrías, los dolores y hasta el interior del cuerpo de una de las artistas más importantes en el mainstream desde hace años: Björk. Björk Digital llegó a nuestro país siendo Ciudad de México la séptima orbe en recibirla, y aquella que más tiempo la tuvo abierta al público hasta ese momento. Durante casi dos meses, miles de personas pudieron visitar las ocho salas con ejercicios inmersivos en audio y video, tecnología 360 y conceptos de realidad virtual (VR) creados ex profeso por los más importantes artistas visuales de la actualidad, como Andrew Thomas Huang y Michael Gondry, quienes utilizaron máscaras, efectos digitales, espacios y personajes virtuales, atuendos y técnicas de filmación alucinantes para construir la exposición. Bajo la supervisión personal del equipo de producción de Björk encabezado por el inglés Andrew Melchior y de ella misma vía streaming, el equipo de WARP creó en poco más de 20 días toda la ambientación y modificaciones requeridas para instalar las ocho salas en el Foto Museo Cuatro Caminos, siendo los primeros en contar con tal número de espacios completos, pues en el resto del mundo sólo se habían instalado entre tres y cinco salas, y en el Museum of Moder Art de Nueva York sólo una de ellas.

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Es así como, en el contexto del 11º aniversario de WARP, logramos tener a Björk y a ARCA con un DJ set en vivo, en las instalaciones del museo, celebrando el clímax de esta exposición y su presencia en nuestro país, representando la posibilidad para miles de personas de conocer y sorprenderse con la exhibición de VR más grande del mundo: Björk Digital México #WARP11. La muestra tiene un orden específico para ser recorrida, por lo que ingresaron grupos de 25 personas cada 15 minutos, llevados por un guía que narraba la historia. A través de ejercicios interactivos en audio, video y VR, y con la música del álbum Vulnicura (vulni=dolor, cura=recuperación), Björk cuenta su proceso de recuperación emocional y su camino para salir de la depresión tras su divorcio con el director de cine Matthew Barney, con el que estuvo casada 13 años y procreó una hija. ‘Black Lake’ es la primera sala, donde vemos a la Björk más lastimada, bañada en lágrimas y deambulando por una oscura playa de lava negra, mientras se golpea el pecho, dolida por la separación. ‘Stonemilker’, ‘Quicksand’ y ‘Mouthmantra’ van describiendo distintos momentos de su aceptación y reflexión personal para que, finalmente, ‘Family’ y ‘Notget’ nos muestren la recuperación 078

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Como parte de la exhibición, el rooftop del Foto Museo Cuatro Caminos se convirtió en la sede de fiestas con DJ nacionales e internacionales. [1]

y el empoderamiento de una artista que ha superado el abismo y sale del dolor fortalecida. Para cerrar la experiencia, la sala ‘Cinema Room’ permitió a los visitantes recostarse en cómodos sillones dentro de un espacio completamente oscuro, para ver más de 120 minutos de videos con los momentos más importantes en la carrera de Björk, no sin antes conocer Biophlia, la interesante aplicación educativa creada por Björk alrededor de la música y el diseño digital. Björk Digital terminó su visita a nuestro país cumpliendo las altas expectativas que el público tenía, para ahora dirigirse a ciudades como Los Angeles y Barcelona. Nos guste o no la personalidad, el arte y la presencia de Björk, nadie que haya visitado esta exposición podrá decir que no se sorprendió al admirar el potencial de las nuevas tecnologías y el hecho innegable de que la experiencia museográfica ha cambiado para siempre, al volverse más interactiva y virtual. Pasarán muchos años antes de que podamos degustar algo que supere el estupendo sabor de boca que dejó Björk Digital México este 2017. WM S UM M E R

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Bjรถrk y Arca, productor del รกlbum Vulnicura, ofrecieron un DJ set en el Foto Museo Cuatro Caminos. WM S UM M E R

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CIUDAD UNIVERSITARIA UN ESPACIO CREADO PARA IMAGINAR Por Kaeri Tedla Fotos: Vidal Cruz para WARP

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Ciudad Universitaria (CU), campus perteneciente a la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), fundado el 20 de noviembre de 1952, llegó a ser considerado el mejor espacio universitario por su infraestructura y el más grande en Latinoamérica, un entorno vivo con espacios bellos y funcionales que se integran perfectamente con el arte para dar lugar a un complejo asombroso.

gación para futuros profesionistas, sino del deseo de formar seres humanos integrales, con áreas diseñadas para el aprendizaje, sí, pero también para el desarrollo deportivo, artístico y cultural. Por ello se buscó consolidar urbanísticamente los increíbles espacios verdes de la reserva ecológica en la que CU se encuentra, conservando, así, durante más de 60 años, la fauna y la flora endémica.

La inspiración para crear esta «ciudad dentro de la ciudad» no surgió únicamente de la necesidad de generar edificios para emplazar aulas, laboratorios y centros de investi-

CREACIÓN SOBRE LA DESTRUCCIÓN

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La zona es particularmente simbólica en el contexto de la historia prehispánica y la

población que evolucionó en el área lacustre del valle de México y se estableció en ciudades muy importantes que florecieron a lo largo de los últimos cuatro mil años; fue en el periodo preclásico (alrededor del año 800 a.C.) cuando surgió, en la zona sur, una ciudad considerada de las más importantes y antiguas del continente: Cuicuilco. Contemporánea de la cultura Olmeca, la de Cuicuilco fue una población ritual, bien educada, que desarrollaba el cultivo, la pesca y la caza pero también la astronomía y la escritura, constituida por 20 mil

Estadio Universitario

Espacio Escultórico

habitantes y un desarrollo que durante un tiempo la erigió como el centro ceremonial más importante de la región. Su declive comenzó a principios del siglo II d.C., propiciando el auge de Teotihuacan como centro de influencia cultural y religiosa. Entre el 250 y 300 d.C. el volcán Xitle, ubicado en las inmediaciones de la serranía del Ajusco y a un lado de la ciudad, hizo erupción, sepultando y destruyendo a Cuicuilco y Copilco (una aldea contemporánea menor), lo que provocó la dispersión de la cultura cuicuilca hacia Toluca y Teo-

Rectoría

tihuacan donde, se especula, acogieron a gran parte de los damnificados, quienes incorporaron muchos rasgos de su cultura. Ahí, debajo de la zona conocida hoy como Pedregal de Santo Domingo y Pedregal de San Ángel yacen los restos de esta urbe cosmopolita de la que sólo queda el centro ceremonial, una estructura circular (mal llamada Pirámide de Cuicuilco) que se ubica sobre Periférico Sur, a un lado de la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH), donde se encuentran los cuerpos de 20 mil per-

sonas muertas a consecuencia del Xitle, debajo de la lava petrificada. Sobre esas rocas volcánicas se encuentra Ciudad Universitaria, el proyecto arquitectónico que, en su momento, fue el más importante del gobierno del presidente Miguel Alemán, un personaje peculiar considerado por muchos el mejor gobernante que México ha tenido, pues fue el primer presidente civil que no venía ni de la milicia ni de la política y que siempre fue admirado por su honestidad comprobada y sus importantes obras públicas, una de ellas, Ciudad Universitaria.

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POR MI RAZA HABLARÁ EL ESPÍRITU Aunque desde 1551 se expidió la Cédula de creación de la Real y Pontificia Universidad de México —la primera del país—, no se tenía una institución consolidada como tal y en un solo espacio. A principios del siglo XX las escuelas, facultades y edificios administrativos de la universidad estaban en el centro de la Ciudad de México, en lo que popularmente se conocía como «Barrio Universitario», sin mantener conexión entre edificios como el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el Antiguo Palacio de la Inquisición, la Academia de San Carlos, el Colegio del Templo de San Agustín y el Palacio de Minería; varias veces se imaginó un proyecto para relocalizarlos en un solo campus pero no fue sino hasta 1928 cuando se registró la primera noticia sobre un plan de construcción, cuando Mauricio de María y Campos y Marcial Gutiérrez Camarena, alumnos de la entonces Escuela Nacional de Arquitectura, presentaron como tesis profesional un proyecto con ese tema. Aunque la UNAM existía desde 1910, se hacía cada vez más urgente el consolidar todos sus colegios en un solo sitio y, luego de concursar el proyecto, con decenas de propuestas, los arquitectos Enrique del Moral, Mauricio M. Campos, Teodoro González de León, Enrique Molinar, Armando Franco y Mario Pani (este último responsable de complejos posteriores como Ciudad Satélite, el Conjunto Urbano Nonoalco Tlatelolco y la Unidad Habitacional Lomas de Plateros) resultaron ganadores. En este esfuerzo, escultores y artistas plásticos de renombre se vieron involucrados con el fin de integrar obra a los espacios e inmuebles e incluso sugerir ideas a los diseños arquitectónicos. Así, Juan O´Gorman, David Alfaro Siqueiros, José Chávez Morado y Diego Rivera, entre otros, apoyaron y crearon piezas que mostraron «al hombre moderno» integrado con su pasado prehispánico. Ya en la década de los 70, otros importantes artistas como Federico Silva, Manuel Felguérez, Helen Escobedo, Hersúa, Sebastián, Mathias Goeritz y Roberto Acuña dotaron al campus de nuevos y sorprendentes conceptos como el Centro Cultural Universitario y el Espacio Escultórico, convirtiéndolo en un lugar donde el arte sale al paso a cada momento, asaltando los sentidos. Ciudad Universitaria fue declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad en 2007 por «ser un conjunto monumental ejemplar del modernismo del siglo XX. Demostrar de manera sobresaliente la consolidación de la arquitectura moderna en América Latina, con acentos locales, la extraordinaria planificación urbana, con base en el paradigma del urbanismo y el funcionalismo moderno con reminiscencias a la arquitectura prehispánica.»

Rectoría

Hoy en día, nuestra querida CU se presenta como un monumento a las ideas, alojando la universidad más importante de nuestro país y una de las más respetadas en el mundo no sólo por la calidad de su academia, sino por sus proyectos de investigación y desarrollo de gran calado. Hablar de esta gran ciudad es hablar de un espacio hermoso, funcional, divertido; del Jardín Botánico a Universum, del Estadio Universitario al MUAC, de la explanada de Rectoría al moderno edificio de Posgrado.

UN LUGAR LLENO DE ALMAS SEDIENTAS En Ciudad Universitaria circulan miles de personas todos los días, entre la comunidad estudiantil, el personal académico y administrativo, investigadores y gente que, sin ser parte de la institución, la han convertido en el lugar ideal para hacer ejercicio, pasear con sus mascotas, andar en bicicleta o ir a los muchos museos y cines que alberga.

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Ciudad Universitaria nos conmueve a cada paso, nos emociona, domina nuestros sentidos y nos hace desear caminar sin rumbo entre la piedra volcánica y los amplios jardines, buscándonos a nosotros mismos mientras respiramos el suave aire del pedregal. Una obra que habla del mejor México que existe y que es un icono de nuestro país, para orgullo nuestro y proyección de identidad nacional.

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JUAN CARLOS BAUMGARTNER DESIGN POSITIVE

Por Diovanny Garfias

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La historia de Juan Carlos Baumgartner es la de un apasionado de su profesión cuyo amor lo lleva a entender al mundo con las herramientas que ésta le proveyó, resolviendo grandes interrogantes a través de subdisciplinas que él mismo ha acuñado. Este edificador filosófico es egresado de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y ha tenido una formación académica internacional con su paso por la Universidad de California y Berkeley, en Estados Unidos, y la Domus Academy en Italia, siendo Chicago y Nueva York las ciudades en las que inició SPACE, su propio entorno creativo. Hoy, Baumgartner es un referente al hablar de diseño de interiores y arquitectura sustentable, corporativa y residencial, con sede en la Ciudad de México y trabajos para Volaris, Microsoft y las laureadas oficinas de Google México. Dichos logros son, sin duda, motivo de orgullo para él pero su labor va más allá al desarrollar corrientes como el Design For Happiness y, recientemente, su incursión en el mundo del diseño de joyería en 3D. 090

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1. Oficinas de Red Bull 2. Oficinas de Microsoft 3. Juan Carlos Baumgartner 4. Torre Polanco

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«(DESIGN FOR HAPPINESS) ES TRATAR DE ENTENDER MEJOR LA RELACIÓN Y CORRELACIÓN ENTRE EL DISEÑO Y LAS EMOCIONES POSITIVAS QUE DERIVAN EN LA FELICIDAD.»

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(Massachusetts Institute of Technology) y nuestra alianza con la Delft University of Technology, en Holanda, con la que trabajamos en una teoría llamada Design For Happiness, cuyo trasfondo es entender mejor la relación y correlación entre el diseño y las emociones positivas que derivan en la felicidad.» - Cuéntanos del Design For Happiness. ¿Cómo llegaste a la conclusión de que tenías que investigar la relación entre el diseño y la felicidad? «Hace algunos años viví una época en la que no era feliz, o por lo menos en una parte de mi vida. Paralelo a eso, vi el documental Happy (2011) y en él entrevistan a muchas personas alrededor del mundo para saber cuál es su meta máxima en la vida; el resultado es impactante: más del 90 por ciento de los entrevistados determinan que lo que quieren en la vida es ser feliz y, sin embargo, no hemos hecho gran cosa como sociedad para ayudar a esa gente a lograrlo.

- ¿Qué te llevó a fundar SPACE y cómo supiste la forma en que debía ser? «No me gustaban los despachos que conocía y su esquema tradicional se me hacía el arquitecto viéndose el ombligo [sic]. Estoy convencido de que vivimos en mundo sumamente complejo que requiere soluciones de este tipo, y las firmas de arquitectura tradicionales no están diseñadas para dar soluciones complejas.»

«Empezamos a investigar el tema de la felicidad con la Universidad de Harvard, en el área de ciencias de la felicidad, parte científica que trata de entender y explicar cómo ésta funciona y los mitos por los que la gente se deja llevar, de manera que comenzamos a entender la relación que hay entre espacios y objetos, emociones positivas y como consecuencia la felicidad. En el proyecto con la Delft University hemos encontrado más de 60 emociones, negativas y positivas, la segunda parte de la teoría habla de objetos específicos que despiertan estas emociones y cuáles son los comportamientos que las detonan. A partir de eso se puede empezar a diseñar espacios y objetos de manera más profunda de lo que se ha hecho tradicionalmente.»

- ¿A qué te refieres con “complejas”? «Tiene que ver con tecnologías exponenciales, soluciones interdisciplinarias y muchas otras cosas que están sucediendo en el mundo, algunas industrias lo tienen claro pero en la arquitectura —por aferrarnos a esta visión de “artistas”— es difícil salir al mundo y tener despachos con metodologías que realmente te acerquen a esta disciplina alejadas del modo tradicional. «En SPACE comenzamos a trabajar en esa línea y abrimos un área de investigación en San Francisco, California, para el día a día. Esta área funciona para hacer alianzas con distintos equipos de investigación de universidades, como el Media Lab del MIT

5. Oficinas de Google 6. BASF 7. Publicis WM S UM M E R

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«Encontramos una empresa en Nueva York donde imprimen en platino, oro, plata, acero, bronce, cobre… lo que se te ocurra, y con ella hemos trabajado desde entonces. Este proyecto se volvió más serio y en ese momento nos buscó el MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo) para comercializar nuestra joyería, lo que derivó en una edición especial de un brazalete padrísimo de Ciudad Universitaria en el que puedes ver el estadio y el caos del campus. Posteriormente, un museo en Milán nos pidió lanzar la línea en Italia como parte de la Design Week y fue como llegamos a varias ciudades europeas. Próximamente vamos a Chicago y pensamos expandirnos por varias ciudades americanas.»

- Tu trabajo más reconocido está plasmado en interiores, en diseño de oficinas para corporativos como Google. En ese aspecto, ¿cuál es tu propuesta para tales empresas? «No son únicamente las empresas tipo Google, sino las empresas de tecnología en general las que van entendiendo que el espacio es una gran herramienta, que las oficinas no son un contenedor de espacio o una caja de zapatos donde aprietas gente sino una gran herramienta para la competitividad.

- Como arquitecto y diseñador, ¿cuál es tu visión de la impresión 3D como herramienta para fomentar la creatividad? «Si no existiese la impresión 3D no estaría haciendo joyería, y es algo que le va a pasar a mucha gente creativa con el ímpetu para desarrollar ideas. En poco tiempo veremos un cambio impresionante en la forma de consumir y estoy convencido de que empezaremos a comprar más licencias y permisos para imprimir más y más cosas. El concepto de consumo va a cambiar radicalmente.»

«Steven Johnson, autor de temas científicos, dice que moldeamos espacios que después nos pagan el favor. En este entendido, puedes crear un lugar que moldee la cultura generada en su interior. Jason Silva (conductor y cineasta), por su parte, se referiría a esto con la litografía de la mano de (M. C.) Escher, Drawing Hands, porque diseñas un contenedor que estructura un nuevo marco cognitivo para las personas, quienes van a diseñar el siguiente espacio que volverá a generar otro marco cognitivo, tornándose en un loop infinito; en el momento en que cambias su marco cognitivo, modificas a la persona para siempre.» - Para terminar, cuéntanos acerca de tu proyecto de joyería, ¿cómo surgió? «Este año fue sumamente activo y ocupado. Sacamos una línea de joyería que empezó por un regalo para mis hijas. Lo que quería era que tuvieran el mapa de dónde viven y se me ocurrió usar una impresora 3D que teníamos empolvándose en la oficina, lo imprimí y la idea empezó a tener mucho éxito. Varias personas me pidieron impresiones de distintas colonias y llegó un punto en el que tuve que ver dónde más lo podía imprimir porque yo tenía la calidad para generar maquetas pero no joyería y, además, queríamos empezar a utilizar metales y otros materiales.

«CUANDO VEO ALGO QUE NO ME ENCANTA Y SÉ QUE PUEDE CAMBIAR CON EL DISEÑO, SEA ARQUITECTURA O NO, TRATO DE METER LA MANO Y HACERLO.» 0 94

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8. Santillana 9. Oficinas de Google 10. Oficinas de Volaris 11. Torre Efizia WM S UM M E R

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INFRAESTRUCTURA URBANA LABORAL Por Samantha Archibald Fotos: Sergio Gálvez para WARP

LA FILOSOFÍA DE PUBLICO ES BUSCAR LO MEJOR Y HACERLO ACCESIBLE; ESTO SE PERCIBE EN LA CALIDAD DE LOS ALIMENTOS DE PUBLICO / COMEDOR DEL CHEF PABLO SALAS, EL DISEÑO INTERIOR DE ALLAN LEGASPI Y LA ARQUITECTURA REALIZADA POR ALFONSO LÓPEZ VELARDE.

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Andrés Martínez y Emilio Illanes son los fundadores de este concepto innovador, arquitectónico y empresarial que se autodefine como un cowork boutique, el cual promueve la creación de comunidad e interactividad, basados en la tendencia mundial de emprendimiento e independencia laboral que la CDMX encabeza junto con São Paulo a nivel Latinoamérica.

ver que el espacio no debía ser una casa adaptada a oficinas, sino un edificio de oficinas que te hiciera sentir en casa. Decidimos hacer una renovación muy profunda, cambiando la lógica del espacio de la casa. Despues de ocho meses y habiendo invertido todos nuestros ahorros, logramos terminar nuestra primera ubicación en la calle de Séneca.»

La idea surge luego de un viaje de Emilio a Chicago donde vio el fenómeno de oficinas compartidas y la poderosa sinergia que crea entres sus usuarios. Al mismo tiempo, Andrés regresaba de vivir en Miami para abrir por si solo la oficina de un fondo de inversión en México. Andres interactuaba remotamente con todo su equipo y, aunque funcionaba, le hacia mucha falta la interacción humana directa. Esta coincidencia con Emilio, su ex compañero de la Universidad Iberoamericana, fue lo que que inició PÚBLICO.

¿Qué componentes de espacios promueven la interacción? Andrés Martínez: «Con diseño, rompiendo y uniendo espacios y dándole protagonismo a los espacios comunes; por ejemplo, en Chapultepec rompimos una loza completa con la mejor vista del edificio, frente a un árbol increíble y, en lugar de hacer oficinas, la volvimos un área común de circulación, como la tienen las casas.

PÚBLICO es un concepto creado por talento mexicano en todas sus áreas y el acento en la “U” en su logo lo enfatiza; operación, concepto, diseño industrial y arquitectura son el sello de PÚBLICO. Andrés y Emilio nos cuentan la historia, el presente y el futuro de este esfuerzo que pretende aprovechar mejor la infraestructura urbana de la Ciudad de México. Emilio Illanes: «La arquitectura que proponemos es muy importante. En un inicio pensamos en generar un lugar de trabajo mas o menos tradicional adaptando una casa de Polanco los 40’s en oficinas. Cuando platicamos con Alfonso nos hizo

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«Esta circulación no sólo origina “casual colisions” sino que te invita a circular el edificio; una casa no tiene una circulación central donde entras y sales al cuarto del papá o de la mamá hacia un elevador, sino que la recorres y la vives, esa es un poco nuestra intención. Es por eso que no escogemos edificios tradicionales o corporativos, como lo hacen algunas compañías de coworking.» ¿A qué atribuyen el éxito de PÚBLICO? Andrés Martínez: «A ser flexibles y saber que no lo sabemos todo. Nos gusta colaborar con mentes creativas y tomar decisiones basadas en investigación urbana, respetando la identidad cultural de cada zona; por eso cada PÚBLICO es diferente. La mayoría de nuestras oficinas individua-

les tienen luz natural, algo que no pasa en la las oficinas tradicionales. Esta individualidad en el diseño nos está dando una ventaja competitiva frente a los demás.» ¿Cuál es el mercado meta que puede encontrar lo que necesita en PÚBLICO? Andrés Martínez: «El fenómeno de la creciente contribución a la economía de los emprendedores y de las medianas empresas es impresionante. Alrededor del 20%del PIB de Estados Unidos es aportado por estos “freelancers”. Esto esta sucediendo porque mucha gente ya no quiere trabajar para una compañía grande, quiere ser mas independiente; la vida corporativa ya no le gusta a mucha gente. El fenómeno del trabajo independiente está iniciando en México y no es una sola industria, cubre una gama gigantesca, lo

que se ve reflejado en PÚBLICO. En PÚBLICO trabajan muchas empresas creativas (arquitectos, diseñadores), pero también trabajan fondos de inversión, abogados, empresas de energía renovable, etc. En resumen, en PÚBLICO convive mas bien un segmento económico, no un tipo de industrias. «Lo que ofrece PÚBLICO es facilitarte la vida para que te concentres en tus ideas y en tu trabajo. Te ahorramos inversión en mobiliario y te resolvemos todos los servicios que necesitas. En nuestra opinión, la industria del coworking es como la hotelería de hace 15 años: surgirán grandes marcas muy elegantes como St. Regis o Four Seasons, más trendy como el W o más de batalla como el Holiday Inn. Nos vemos como la parte boutique de esta industria.»

¿Qué podemos esperar de PÚBLICO en el futuro? Emilio Illanes: «En cuanto a crecimiento vemos un auge paralelo en distintas ciudades del mundo; Ciudad de México tiene más cosas en común con las grandes ciudades del mundo que con algunas ciudades del mismo Mexico. La idea es expandirnos hacia ciudades con el mismo estilo de vida, llevando el mismo concepto arquitectónico, de diseño y de servicio.» Andrés Martínez: «En Ciudad de México estamos por abrir dos espacios más y tenemos el plan de hacer un spin-off de hotelería y hospitalidad con nuestro propio concepto, mientras avanzamos en puntos estratégicos como Monterrey y Guadalajara.»

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CANNES 2017 70 AÑOS DE CINE, GLAMOUR Y PROPUESTA Por Alonso Valencia | Fotos: Cortesía Festival de Cannes

Una vez más La Costa Azul en Francia se transformó en el escenario principal de la elegancia y el glamour, y claro, en la capital mundial del cine durante la edición 2017 del Festival de Cine de Cannes. 70 años de ser el festival de cine más prestigioso del mundo, un estándar de la industria que funge como trampolín para el séptimo arte y reconoce a leyendas como Luis Buñuel, Federico Fellini, Orson Welles y Quentin Tarantino. Este año, el Festival de Cannes destacó por una controversia dirigida a las nuevas plataformas de streaming. Pedro Almodóvar defendió el cine en las salas convencionales y Will Smith rebatió al asegurar que este nuevo medio no está matando a la industria. Para agregar leña al fuego, Okja, de Bong Joon Ho, de Netflix, fue abucheada en su premiere pero aplaudida por el público. Este no sólo fue el año de la batalla del streaming contra el screening convencional, los avances tecnológicos llegaron de la mano de Alejandro G. Iñárritu y su cortometraje en realidad virtual Carne y Arena, el cual aborda el tema de la inmigración ilegal y el suplicio por el que pasa el migrante en la frontera de México y Estados Unidos.

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También fue un festival que se contradijo a sí mismo al hablar del empoderamiento de la mujer. Por un lado, los afiches principales mostraron a una muy retocada Claudia Cardinale, haciendo que las mujeres del mundo alzaran la voz, y por otro el premio a Mejor Director llegó a las manos de Sofia Coppola, la primera mujer en llevarse el galardón en la historia. Jessica Chastain tomó partido en la discusión, e hizo ver que el trato hacia la mujer en la mayoría de las películas de este año llegó a lo denigrante.

1. Jessica Chastain 2. Pedro Almodóvar 3. Carne y Arena WM S UM M E R

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Las caras de esta ocasión fueron las de la diva italiana Monica Bellucci conduciendo el festival, Uma Thurman como presidenta del jurado de Una Cierta Mirada y Pedro Almodóvar haciendo su parte en la competición principal.

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Las películas que más queremos ver son, definitivamente, The Beguiled, de Sofia Coppola, con un impresionante reparto liderado por Nicole Kidman, y The Square, de Ruben Östlund, que se llevó la Palma de Oro.

Los que se robaron el espectáculo fueron Salma Hayek, Alejandro G. Iñárritu, Diego Luna, Alfonso Cuarón, Emmanuel Lubezki, Guillermo Del Toro y Gael García, quienes se tomaron una foto que quedará en los anales de la historia como muestra del mejor talento mexicano en el séptimo arte.

Cannes sigue siendo el festival con más renombre y con más estrellas pero lo que queda claro es que cuenta con matices opuestos: apuesta por la tecnología pero se cierra el cambio, destaca el trabajo de la mujer pero la retrata de manera errónea.

Los nombres más sonados fueron el de Noah Baumbach, quien logró una maravillosa película con Adam Sandler en el protagónico en The Meyerowitz Stories; Yorgos Lanthimos, quien impresionó nuevamente con The Killing of a Sacred Deer, y Michael Haneke, quien se convirtió en la decepción del año con Happy End.

A pesar de todo, la selección y el empeño nunca han faltado en esta reunión del séptimo arte. Como lo ha mostrado a lo largo de toda su historia, el cine sigue y seguirá siendo uno de los medios más maravillosos para llegar y tocar a todo el mundo.

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4. El Dream Team Mexicano 5. Afiche oficial de Cannes 2017 6. Mรณnica Bellucci 7. Nicole Kidman 8. Pรณster de The Killing o a Sacred Deer WM S UM M E R

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THE LOST BOYS 30 YEARS OF SLEEP ALL DAY AND PARTY ALL NIGHT Por Jonathan Sánchez

Si revisamos la historia del cine es fácil encontrar películas que inadvertidamente han superado las expectativas generadas en su estreno y que, por diversas razones, se han convertido en piezas de culto, marcando a diferentes generaciones en varias formas. Más allá del género al que pertenezca, una cinta puede sobresalir por lo que representa y el modo en el que su historia es capaz de conectar con los demás, haciéndose de un lugar importante dentro de la cultura popular y manteniéndose ahí sin importar los años. Uno de estos casos es, sin duda, el de The Lost Boys. En la década de los 80, el cine de horror pasó por una etapa en la que estudios y cineastas buscaron adaptar la figura del vampiro a las modas y los momentos de la época con el objetivo de atraer la atención de ciertos sectores de la audiencia. Este fenómeno particular dio como resultado, entre otros títulos, The Lost Boys, cuya historia se centra en una familia que busca rehacer su vida al mudarse de Phoenix a Santa Carla, California, un lugar en el que es normal que la gente desaparezca misteriosamente, sin dejar rastro. Mientras una mujer recién divorciada y sus dos hijos adolescentes tratan de adaptarse

a una nueva vida, el mayor de los hermanos encuentra nuevos amigos en unos jóvenes que se divierten creando problemas, haciendo lo que quieren y yendo a donde desean en sus motocicletas, vestidos como auténticos rock stars ochenteros; las cosas se complican cuando resulta que el grupo de inadaptados está formado por vampiros. A partir de ese punto se desarrolla una trama que combina horror y humor negro, elementos propios del estilo de vida de ese entonces — incluyendo la música— y hace una alegoría sobre el adolescente de finales de los 80, en medio de un sentimiento de falta de pertenencia y búsqueda de una identidad. The Lost Boys se convirtió en una película de culto no sólo por presentar una historia de vampiros bastante original, sino por capturar la esencia de lo que significa ser adolescente en una sociedad que no suele ponerte atención, un sentimiento que la mantiene vigente a 30 años de su estreno (31 de julio de 1987) y que se engloba a la perfección en la frase «sleep all day, party all night, never grow old, never die». Aunque pareciera lo contrario debido a los cambios que se han dado con el paso del tiempo, ser adolescente en 2017 no es tan diferente a como lo era en 1987, pues se

mantienen las dudas, los sueños, la rebeldía y las ganas de divertirse. Al igual que esos vampiros ochenteros, los jóvenes de hoy encuentran en la noche el momento perfecto para divertirse y hacer lo que quieren, y también encontramos a chicos que se mantienen al margen de la vida nocturna mientras les pasa por la cabeza la idea de adoptarla de vez en cuando porque, después de todo, sólo se es joven una vez. Ese poderoso sentimiento adolescente estará ahí siempre sin importar el año, así como la sensación de creerse ignorado por los demás. Es normal querer pertenecer a un lugar o a un grupo de personas, también lo es vivir en la noche como un moderno vampiro que, en vez de buscar sangre, sale en busca de diversión y algo para sentirse bien. El filme, dirigido por Joel Schumacher, trascendió por abordar de manera extraordinaria un tema con el que todos nos podemos sentir identificados. Sin importar que te gusten o no las cintas de vampiros, The Lost Boys es una con la que puedes conectar y que, por increíble que parezca, refleja una etapa importante de la vida. En su 30 aniversario, seguimos recordando esta película y hablando sobre ella por lo que representa.

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CHARLIZE THERON ATOMIC BLONDE Entrevista: Linda Cruz Texto: Alonso Valencia

Con John Wick, Keanu Reeves, Chad Stahelski y David Leitch ayudaron a establecer un nuevo cine de acción que retoma características de algunos realizadores que vinieron antes, como Louis Leterrier, Pierre Morel, Simon West e incluso Luc Besson pero tomando un giro en el que la acción parece ser cronometrada a un ritmo impecable, todo bajo la figura misteriosa de un hombre que ha dejado atrás su pasado. En esta ocasión, Charlize Theron, con ayuda de David Leitch, toma prestadas las características que definen al hombre

también conocido como Baba Yaga para armar Atomic Blonde, un proyecto al que le ha dedicado más de siete años y que por fin encuentra el (violento) camino de salida hacia el público. Basada en la novela gráfica The Coldest City, de Antony Johnston y Sam Hart, Atomic Blonde sigue la historia de Lorraine Broughton, una espía de alto rango del MI6 que debe encontrar una lista de agentes dobles que son contrabandeados hacia occidente en 1989, justo antes de la caída del Muro de Berlín.

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Precisamente desde Berlín, donde se ubica la historia, platicamos con la protagonista y mente maestra del filme, Charlize Theron, quien profundiza sobre las bases y características de esta cinta de acción planteada en los años 80. - Te hemos visto interpretar todo tipo de roles. ¿Qué es lo que buscas cuando encarnas a un personaje nuevo? «Siempre estoy interesada en nuevas historias, esa es realmente mi pasión, me gusta contar historias. Creo que cuando encuentras una buena encuentras buenos personajes. Por otro lado, soy una apasionada del cine, así que como cinéfila muchas veces busco ver a una mujer que toma diferentes roles. «Me siento inspirada a una búsqueda continua de material para lograr dicho fin, y este es uno de esos proyectos en los que siempre quise ver a una mujer, jugando en un campo en el que usualmente sólo ves a personajes masculinos.» - ¿En qué punto te involucras en el proyecto de Atomic Blonde? «Me lo mandaron como una novela gráfica sin publicar, hace casi siete años. Lo estuvimos desarrollando hasta llegar al proceso de producción y rodaje. Es mi bebé.» - ¿Cómo fue el proceso de ensayo y entrenamiento para este papel tan demandante?

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«Tuvimos alrededor de dos meses y medio antes de comenzar el rodaje y yo traté de explotar cada día al máximo. Fue muy difícil, hasta el punto de pensar que no lo lograríamos, pero presentarme cada día y trabajar duro resultó en un proceso en el que me sentí muy empoderada, sentí que estaba haciendo todo lo necesario para estar lista completamente.» - La música es muy importante en esta película. ¿Tenías algún soundtrack personal para prepararte para el papel de Lorraine Broughton? «Gran parte de la música que aparece en la película es parte de la selección que escuchaba mientras practicaba para el papel. Ese período de los 80 me causa una gran nostalgia porque fui una niña que creció en esa década. La música, particularmente, tiene un lugar especial para mí.» ¿Con quién crees que Lorraine Broughton podría unirse para patear traseros en una cinta? «Soy muy fan de las películas de John Wick. Creo que Keanu es grandioso en ese personaje y, de hecho, entrenamos en el mismo lugar al prepararme, mientras él entrenaba para la secuela de John Wick. Honestamente, hubo un par de momentos en los que pensé que sería divertido unirnos, sólo porque es mi amigo y lo quiero mucho. Así que, sí, sería divertido.»

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DISFRUTA ESTA ENTREVISTA Y MÁS CONTENIDO CON LO ÚLTIMO DEL MUNDO DEL CINE TODOS LOS VIERNES A LAS 7.30PM EN FULLSCREEN, POR EL CANAL STUDIO UNIVERSAL WM S UM M E R

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ASTRID S Por Michelle Apple

La península escandinava nos ha sorprendido por la versatilidad de la música que se genera en la zona, ya sea rock, blackmetal e incluso pop en todas sus variantes (de Robyn a MØ); la calidad de sus artistas y la disciplina en su accionar es para sorprender. En esta ocasión toca hablar de Astrid Smeplass, una chica que ha destacado no sólo por su talento sino por el nivel de compromiso con su carrera. Con apenas 20 años cumplidos la originaria de Noruega ha dedicado la mayor parte de su vida a la música, ganando algunas competencias a nivel nacional y destacando con su participación en el show de televisión Pop Idol, en el cual se colocó dentro de los cinco finalistas en 2013.

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El año pasado, ya bajo el nombre de Astrid S lanzó un EP homónimo que compiló los singles que ha lanzado a la fecha, entre los que destaca el tema ‘Hurts So Good’, su canción emblema gracias a su popularidad en diversas plataformas de streaming. Su sonido, fusión de R&B con tintes de dream pop y tropical house, la ha llevado de gira por Europa, Nueva York y Los Angeles. Es en esta última ciudad en la que la rubia reside actualmente y prepara nuevas canciones que darán vida a un nuevo EP, listo para sonar este verano.

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STUDIO, BAR & FOOD Av. Moliere 48, tercer piso, Miguel Hidalgo, Polanco Ciudad de México

La mayoría asume que la experiencia en una sala de grabación significa estar aislados del mundo para ensayar, grabar producciones o sesiones musicales, donde sólo está el artista o banda en cuestión acompañados de un ingeniero de audio y staff. Probablemente esto se debe a que la grabación de audio no es cosa sencilla ya que influyen distintos aspectos para obtener un sonido claro y limpio donde se capture esa magia la cuál siempre se busca obtener dentro de la sala. Aunque, si somos honestos, muchas veces el encanto sonoro llega cuando las bandas o artistas se presentan en vivo, rodeados de la energía de sus aficionados. Para unir estos dos mundos surge Rockmore, un espacio único en México, que conjunta una sala de grabación profesional con un bar/ restaurante. Éste “Santuario de la música”, que en su nombre tributa a Clara Rockmore, busca inspirar a los artistas para que logren sus metas creativas, apoyados por grandes ingenieros de audio y equipo de primera, pero lo mejor, con bar y comida, que puede ser en privado o rodeados del público que aprecia la experiencia inigualable de ser parte de una grabación en vivo mientras disfruta de mixología y gastronomía de la más alta calidad.

rockmoreclub @rockmoreclub WM S UM M E R

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DAMA VICKE Por Michelle Apple Foto: Jacqueline Soir

Integrantes: Damaris Vicke | Lugar de origen: Ciudad de México | Año de formación: 2016 Influenciada por: Ely Guerra, Santa Sabina, Wilco, Fiona Apple, Juana Molina

El andar musical de la mexicana ha sido extenso, Damaris ha compartido su talento con diferentes proyectos a lo largo de los años, siendo Dear Darling uno de los más conocidos. Sin embargo, fue en la escena independiente de Miami donde la artista halló el espacio indicado para desarrollar sus capacidades al máximo y encontrar la inspiración que diera forma a su proyecto más personal. Así nació Dama Vicke, y este año atestiguamos la salida de Point Of Inflection, su EP debut compuesto por cinco canciones en las que convergen dis-

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tintos géneros como el rock, el folk, algo de new wave y elementos de jazz experimental. Como parte del proyecto, Damaris planea hacer un videoclip por cada track, donde además de dar vida a los temas de forma audiovisual, busca plasmar su gusto por la cinematografía, la poesía, la danza y el teatro, apoyada por diferentes directores y artistas visuales. Sin duda, Dama Vicke es uno de esos proyectos que además de contribuir con aires de frescura a la escena musical se disfrutan por su propuesta desafiante y valerosa.

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BRKYLN Por Javier Cuellar

Integrantes: Cameron Alexander y Cody Nadeau | Lugar de origen: Los Angeles, California, Estados Unidos | Año de formación: 2014 | Influenciados por: Breathe Carolina, Eye Alaska, Paul Oakenfold | Link: facebook.com/BRKLYNmusic

Definitivamente, el EDM se erige como uno de los géneros más populares de nuestro tiempo, con un alcance tal que llega a públicos con edades y estratos económicos opuestos; sin duda, hay algo en sus percusiones que hipnotiza a los escuchas. La dimensión del EDM es colosal, y hay un amplio espectro de lo que ahí se genera, con rítmicas comerciales —vaya, lo más digerible— hasta proyectos experimentales con propuesta que buscan dar un giro al género y llevarlo a otro lugar. En este pequeño ecosistema vive el dúo californiano BRKLYN.

Un distintivo del trabajo de Cameron y Cody es su pasado musical, pues ambos formaron parte de bandas en las que ejecutaban la guitarra, lo que repercutió en la manera en que hoy en día encaran la música electrónica. Su estilo orgánico ofrece presentaciones energéticas que, sumado a la manera en la que dotan cada producción con voces femeninas, logra un sonido emocional, con tintes oscuros y sintetizadores agresivos, razón suficiente para entrar al mundo del EDM sin miedo.

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RYAN ADAMS TOO TIRED TO CRY Por Sara Araujo Foto: Rachael Wright

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Ryan Adams es de los pocos representantes de la escena alternativa de los 90 que ha sobrevivido tendencias y géneros, sin dejar a un lado aquello que lo hizo llegar hasta aquí, con proyectos y sonidos que van del folk más suave al punk más alocado. Artistas como él no se ven con frecuencia y mucho menos presumen de una trayectoria de tantos años. Proveniente de Jacksonville, Carolina del Norte, Adams creció rodeado de letras y música, gustoso de Edgar Allan Poe y Henry Miller, algo que lo acercó a lo que sería su pasión y se convertiría en su estilo de vida. Optando por abandonar sus estudios durante la preparatoria, Ryan comenzó su carrera con pequeñas bandas de punk hasta que cambió de residencia a Raleigh y creó Whiskeytown, con la cantante y violinista Caitlin Cary. Su debut salió en 1996 bajo el título Faithless Street, con un sonido prometedor que no le valió para mantenerse unida. Para el año 2000, el compositor dio a conocer Heartbreaker, su primer álbum como solista que sería el inicio de una serie de lanzamientos que darían a conocer su talento como músico y escritor. Entre sencillos y discos de estudio, Ryan lanzó música con una frecuencia impresionante y parte de dicho material le llevó a obtener más de una nominación al Grammy. Al regresar a una propuesta de grupo con Cardinals, en 2005, Ryan exploró nuevos sonidos que incluyeron una colaboración con el ícono country Willie Nelson. Este año, el músico dio a conocer Prisoner, su nuevo material de estudio y en una interesante plática con él pudimos conocer un poco más de su perspectiva frente a su amplia trayectoria y su faceta como escritor. - Recientemente presentaste ‘Doomsday’, un sencillo con matices muy románticos, a mi parecer. ¿Cuál fue tu fuente de inspiración? «Me agrada saber que la percibas como romántica. Más que tener una inspiración creativa lo veo como un resumen de la satisfacción que encuentro en la insatisfacción; el sencillo es producto de las vueltas que le di a esa idea.»

- Tu trayectoria es de más de 20 años, imagino que trabajar con varios productores ha sido una parte interesante. ¿De qué manera ha afectado esto en tus discos? «La mejor parte de trabajar con otros productores ha sido el aprendizaje, cosas que puedo evitar en el futuro. Ahora procuro tener todo grabado siempre, busco que mis presentaciones sean realmente eso y se mantengan lo más sencillas posible. En el pasado, muchas veces tenía discos completos ya grabados, con los arreglos necesarios y demás, y para cuando trabajaba con alguien más todo terminaba siendo una versión alternativa de lo que había hecho. Me arrepiento mucho de esto, por eso he decidido ser mi propio productor, pues sólo yo sé quién soy y lo que quiero para mi música.» - Al escuchar Prisoner sentí que las canciones dejaban ver la dualidad entre el amor y el desamor, como si se hubieran escrito para un 14 de febrero. ¿Tal emotividad tenía una intención especial? «Creo que la mayoría de mis discos tocan temas románticos, de una forma u otra. Nunca he apuntado a algo o a alguien en específico, simplemente interpreto lo que mi mente quiere expresar. A pesar de su naturaleza sentimental, la creación de Prisoner fue un proceso largo y cansado pero increíble. Justo terminaba mi última gira cuando estaba por lanzarlo y todo el proceso me agotó por completo.» - Dicen que un músico crece inevitablemente con tendencias musicales de su ciudad de origen. ¿Crees que Jacksonville tuvo este efecto en ti? «Creo que en realidad me aisló, más que otra cosa. Fue más un motivador para crear mi estilo, mi sonido, hacía que quisiera estar ocupado siempre en otras cosas.» - Haciendo a un lado tu carrera musical, es bien sabido que eres un talentoso poeta. ¿Cómo manejas esta otra faceta? «Amo la poesía, me encanta escribir, lo hago todo el tiempo. Las letras de mis canciones son sólo letras, tienen un propósito muy diferente, son canciones, es rock. Cuando escribo poesía me veo en un mundo fuera de la escena rock, es algo más sencillo y personal.»

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SPENCER LUDWIG FROM FUNK TO POP

Por Sara Araujo Fotos: Manuel Baca para WARP

Trompetista, cantante, bailarín y compositor. Spencer Ludwig es todo esto y mucho más. Aunque ya ha sido reconocido por su talento, hasta ahora había permanecido en anonimato por varios años, siendo instrumentista de Capital Cities. Ahora, se presenta la oportunidad para un nuevo comienzo, una nueva imagen y una oleada de nuevos sonidos, con un proyecto en el que el personaje principal es él. Estudiante de música, apasionado por el jazz y con la experiencia necesaria para dominar el reflector, Spencer da inicio a un nuevo capítulo en su carrera profesional. Este melómano de corazón trae consigo una propuesta funk nunca antes escuchada, buscando hacer bailar a todos con su habilidosa versatilidad en la trompeta y un nuevo giro en los himnos contemporáneos de la cultura pop. - ¿Cómo comenzó tu carrera musical? ¿Por qué tocar la trompeta? «Me enamoré de la música desde muy chico, creo que tenía unos cuatro años. Solía ver una cinta VHS que se llamaban Moonwalker, una compilación de canciones de Michael Jackson, la veía todo el tiempo, lo recuerdo con claridad. Después comencé a tomar clases de saxofón, en cuarto año de primaria, fue el inicio en temas de instrumentos. De ahí pasé a la guitarra, percusiones, piano, canto, composición; finalmente, llegué a la trompeta porque alguien me puso Kind Of Blue, de Miles Davis, y en verdad me llegó al alma, como nada que hubiese escuchado antes. Claro, después me enamoré de otros géneros y otros músicos, como Led Zeppelin y Jimmy Hendrix, pero Davis me habló de una manera especial con su manera de tocar, su espíritu, podía escuchar todo eso en su música. En ese momento decidí dedicar mi vida a tocar la trompeta, pues quería tocar con su misma profundidad.

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«Al inicio aprendí por mi cuenta. Después, para mis estudios universitarios, ingresé a una escuela de música y estudié jazz. Mi carrera se desarrolló profesionalmente cuando comencé a buscar lugares para tocar en Los Angeles, y si bien había algunas opciones aquí encontré mejores oportunidades, había muchísimas bandas y los trompetistas en general no persiguen una carrera en una banda indie o rock, suelen encaminarse en proyectos de jazz, salsa o algo mucho más clásico. Como yo buscaba bandas que no tuvieran el instrumento que ofrecía, tenía una amplia variedad de opciones. Una de ellas fue Capital Cities, que en aquel momento era una banda nueva, así que terminé grabando uno de sus discos e incluso me fui de gira con ellos, por varios años. Así fue como mi carrera tomó forma. «Después de esto, el presidente de Warner Bros. Records me invitó a una reunión, me dijo que le encantaba mi manera de tocar y me ofreció desarrollar un proyecto solista. Creo fue una oportunidad única en la vida, por eso decidí tomarla. Ahora soy un músico solista, un trompetista que canta, compone y produce.» - ¿Tomaste este nuevo camino porque terminó el proyecto con Capital Cities o por querer experimentar algo nuevo? «Un poco de ambas. Necesitaba una nueva forma de pagar mis deudas, la renta y otros gastos. Mi habilidad como músico, en este punto, ofrecía a alguien que había sido expuesto a algo único, estando de gira con una banda indie en la cual no sueles ver trompetistas. La experiencia de estar bajo el reflector, compartiendo escenario con una banda popular, y poder tocar con libertad frente a miles de personas me empoderó y me inspiró, quería repetir eso pero el jazz como tal no me iba ayudar a conseguirlo. Creo que tocar con otra banda me hubiera llenado de la misma forma pero no lo suficiente, sentía la necesidad de hacer lo mío. Esta idea comenzó a darse y cuando el presidente de Warner me ofreció el proyecto pensé: “Es ahora o nunca”.» - Ahora que estás de lleno en tu música, ¿a dónde te diriges? «Hasta ahora he sacado seis sencillos y todos formarán parte de una colección más grande que ya está terminada. Es un disco completo y en conjunto con la disquera hemos planeado el lanzamiento estratégicamente de modo que la gente puede conocerme por quién soy y por mi música. «Todas mis canciones son muy diferentes entre sí y esto fue hecho a propósito. Quería que la gente tuviera una experiencia ecléctica para que no me clasificara por una canción y no pensara que con eso ya conocía toda mi propuesta. Cada que comparto un nuevo sencillo quiero que se sorprendan y que les guste que todo provenga del mismo artista. Mis sencillos son demasiados diversos entre sí y están inspirados por una variedad de géneros, aunque también es cohesivo, todo se puede bailar, es contagioso, siempre tiene una trompeta y siempre me escucharán cantando. El sonido y el sentimiento son elementos que llegan a lugares diferentes; ‘Diggy’ es una canción más urbana, con una influencia más hip hop, ‘Right Into You’ es mucho más clásica, algo como Off The Wall, de Michael Jackson, y ‘Fuel To The Fire’ es mi himno de estadio, puro rock, como Prince en 1999. Así es como logré explorar una variedad de cosas, además, al tratarse de mi primer disco no quería encasillarme. Tendré un álbum pronto, muy probablemente este año y, claro, algunas giras de promoción.»

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TOVE LO

THE DARK SIDE OF THE POP Por Sara Araujo Fotos: Jacqueline Soir

Proveniente de Estocolmo, Suecia, Tove Lo ha logrado dar un giro a lo que en algún momento conocimos como pop. La melancolía y sentimentalismo llevado a su máxima expresión hacen que su música se transforme en el boleto a un viaje por la mente de la cantante. Con desgarradoras letras e intensos videos, la artista ha enamorado a su público, así que, durante su paso por México tratamos de descifrar el secreto detrás de su talento.

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- Queen Of The Clouds (2014) contaba una historia de amor. ¿Intentaste contar otro tipo de historia en Lady Wood? «Lady Wood aborda todas las cosas que me hacen sentir. Fue una búsqueda de sensaciones que podrían ser causadas por el amor, las drogas o el sólo hecho de estar

en el escenario, la forma en que fluye un concierto, cualquier cosa que me emocione y a la vez me asuste… Básicamente, los últimos dos años de mi vida [ríe]. Siento que, de alguna forma, todo va encaminado al amor pero en definitiva tiene otros elementos emocionales.

- Fuiste coescritora, coproductora y protagonista del cortometraje Fairy Dust (con canciones de tu más reciente álbum), aunque recibió fuertes críticas por su contenido sexual... «Fue una de las experiencias más increíbles que he vivido. Escribí el guión con Tim Erem, el director, los monólogos son completamente míos y fue la primera vez que actué. Fue un reto nuevo, una forma diferente de expresar mis emociones, de cuestionar otra vez. De alguna forma te abres más con estas cosas, fue algo que me asustó pero que me encantó. Me molestó que quitaran el video (de YouTube)… ¡Ni siquiera salgo desnuda!» - Tu música e imagen transmiten un fuerte mensaje feminista... «Todo empezó con mi autenticidad, ser abierta y expresar mis valores. Ser feminista es algo natural en Suecia, no es algo que se asocie a un odio particular a los hombres, es más pensar en la igualdad de género. Sé que no es así en gran parte del mundo y ser una mujer abierta y sin tabúes me convierte en una figura provocativa. (Esta actitud) no empezó con esa intención, pero una vez que noté cómo la gente lo encontraba inspirador decidí seguir en ese camino y no cambiar sólo para que todos me quisieran. Así soy [ríe]. - Has escrito canciones para otros artistas, como Icona Pop y Ellie Goulding. ¿Cómo ha sido esta labor si la mayoría de tu música tiene contenido autobiográfico? «Es un reto interesante y divertido. Procuro entrar en su cabeza para entender cómo piensan, cómo expresarían una idea o qué va mejor con su registro vocal. Cuando compongo para mí saco todo y ya, para ellos es necesario trabajar más los componentes de la canción; escribir para alguien que tiene una voz poderosa pero no sabe cómo expresarse, ahí es donde debes escuchar con atención y tomar elementos de su discurso que te ayuden a entenderlo mejor. Es un proceso delicado que requiere cierto tacto, nunca debes obligar a alguien a interpretar algo con lo que no se identifica.»

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SIGUR RÓS MAKING MUSIC AS A CHILD Por Oscar Adame

«Sería como un niño curioso que juega mucho con lo que sea», es lo que responde Georg (Goggi) Hólm al pedirle que describa a su banda como si se tratara de una persona. De todas las descripciones que he leído o escuchado respecto a Sigur Rós no me sorprende que la de su miembro fundador sea la mejor. Sin embargo, hay algo en esa frase y en toda la conversación que me hace sentir que por fin comprendí por qué esta banda de Reykjavik, Islandia, es una de las más seductoras en la actualidad, pues la belleza de su música sólo puede ser creada por alguien que observa, que siente y respira la vida con una intensidad envidiable. La inocencia y fragilidad con la que comúnmente se describe a las canciones de esta agrupación son como las de un niño que pese a no saber qué hay afuera se maravilla

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y dejar que su interior se alimente del miedo y la seducción que lo desconocido genera. Entonces me doy cuenta de que Sigur Rós es un proyecto masivo porque nos hace revivir esas sensaciones, con el aire misterioso que atrae a cualquier otro niño cuya alma esté en búsqueda de cosas que no podrá entender pero que llenan su interior de sonidos y figuras bellas. Me detengo un momento y recuerdo que el idioma inventado ellos para el disco del paréntesis, el vonlenska, es un intento por imitar el lenguaje de los niños más pequeños y todo encaja a la perfección. - ¿Cómo empezaste a componer? «Empezamos a hacer música desde muy jóvenes. Yo tuve mi primera guitarra a los 13 años y empecé a rasgar sin tener conocimiento de nada. De hecho, hace un par de días estaba en el estudio de Jónsi y llegó este tipo con un montón de partituras, quería saber nuestra opinión sobre la mú-

sica ahí escrita y nos encontramos en una gran dificultad [ríe]. Ni Jónsi ni yo sabemos leer partituras, en realidad no sabemos casi nada sobre música. El tipo nos dijo entonces que no entendía cómo podíamos tocar sin saber leer música, nos confesó que para él era imposible tocar sin papel y le dijimos que nosotros lo hacíamos a oído. Pensé mucho en ello y justo ayer le decía a Jónsi que no creo que podamos definirnos como músicos, pues son personas que saben perfectamente qué acorde debe de ir después de otro y que leen partituras. En Sigur Rós sólo nos juntamos y empezamos a escribir lo que mejor nos parece, sin pensar en el acorde que debe seguir o planteándonos una estructura antes.» - El año pasado lanzaron ‘Óveður’, una canción que tiene este estilo industrial al cual incursionaron en Kveikur. ¿El próximo disco podría ser considerado una secuela?

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«Entiendo que suene similar debido al uso de las computadoras que tanto usamos en Kveikur. Este disco está trabajado de igual forma pero yo diría que es muy diferente a todo lo demás que hemos lanzado, es un disco inclasificable hasta ahora para nosotros. «Algo que siempre me dice la gente es que en cuanto escucha una de nuestras canciones sabe al instante que es Sigur Rós. Creo que eso es algo bueno, es como si tuviéramos nuestra propia personalidad. Puede que suene a una secuela de Kveikur pero solamente por eso.» - Tengo la sensación de que Sigur Rós ha ayudado muchísimo a que Islandia esté en el ojo público. ¿Te has dado cuenta del impacto que tu banda ha tenido para tu país? ¿Cómo te sientes al respecto? «Nos sentimos extremadamente orgullosos y agradecidos, nos hemos dado cuen-

ta de ello, nos lo comentan mucho cuando estamos en Islandia y no hay mayor orgullo que poder apoyar a nuestra pequeña isla, a la que amamos y de la cual estamos muy orgullosos.» - ¿Tienes algún lugar favorito en Islandia? ¿A dónde recomendarías ir? «Yo recomendaría a todo turista que recorriera Islandia punto por punto, no es un país muy grande pero hay muchas cosas por hacer y ver. Cada pueblito tiene lo suyo, su propia luz, y vale la pena detenerse a observar lo que hay en cada uno. Reykjavik, nuestra capital, es una ciudad medianamente grande, con edificios altos y muchas actividades. «Sí tengo un lugar favorito pero no invitaría a nadie a ir ahí. Es una pequeña cabaña de verano que tengo junto a uno de los lagos de Reykjavik. Es muy hermoso.»

- Hace poco leí que a Jónsi se le olvidó la letra de una canción en un concierto en Francia y empezó a jugar con ella. Su propuesta da para hacer bromas o meter mensajes ocultos en las líricas, ¿lo han hecho? «No, nunca se me había ocurrido pero es una excelente idea, de hecho la estoy apuntando. Esa noche en Francia fue increíblemente divertido, Jónsi había tomado un par de cervezas de más antes del concierto y en medio de él empezó a olvidar las letras, así que improvisó frases como: “Oh, mierda, me olvidé de las letras, pero eso está bien porque estoy en Francia, donde nadie puede entenderme.” A nosotros nos sacó de onda pero después nos dio un ataque de risa, fue bastante divertido aunque fue una ocasión única, sólo ha pasado esa vez y, además, fue en una de nuestras canciones más alegres, por lo que todo combinó a la perfección.»

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MADAME RECAMIER HEART OF GLASS

Por Lucero Hernández

Platicar con Gina (la mente que da vida a Madame Recamier) en este momento de su carrera es una delicia. La emoción que transmite es contagiosa y es de entenderse, ya que los motivos detrás del momento de equilibrio que vive no son pocos. Por un lado, la salida de Mi Corazón (2017) representa más que un triunfo, pues corona su tenacidad y la confianza en su música y su trabajo como artista; por el otro, demuestra que con mucho trabajo y “talacha” los músicos independientes tienen cabida en la escena nacional con un potencial ilimitado. Este, el tercer trabajo en su discografía, también nos pone en nuevos espacios musicales de su imaginación, en donde la mezcla de géneros y experimentación son la constante, resultando en un trabajo maduro y desinhibido sin perder las sonoridades pop que han marcado su trabajo desde el inicio de su carrera. Dicho lo anterior, iniciemos la conversación. - ¿Cómo decidiste trabajar con Wanatox, de Tropikal Forever, y sumarlo a un proyecto que poco tiene que ver con lo que él hace en general? «Tenemos una banda juntos y ya habíamos hecho música para otros artistas. Me gusta que me toma en serio, es muy sencillo y sincero y es el productor más divertido y talentoso que conozco. Se me olvida que estoy trabajando y para mí eso vale mucho más que gastar el dinero que invierto en mi música para irme a

un estudio lejos de México y trabajar con gente que no conozco tanto. Ahora es el momento de usar las herramientas que tengo, aprender y valorar a la gente que se ha cruzado en mi camino. Cuando le mostré mis demos, él me ayudó a seleccionarlos y se ofreció a producir una canción, ‘Vedado’; de ahí no paramos. Sé que para él fue un aprendizaje y una aventura y queremos seguir haciendo música juntos. A veces hasta le ayudo a hacer todas las talachas de sus producciones.» - Parece que este disco tardó mucho en salir. ¿Qué fue lo que lo retrasó? «¡Dinero! [ríe]. La verdad es que ser artista independiente tiene sus cuestiones complicadas y una de ellas es la toma de decisiones que no sabes bien a dónde te pueden llevar. En este caso decidí hacer el disco en la Ciudad de México, cosa que quita algo de tiempo pues aquí vivo y tengo trabajo (Aleks Syntek), y al mismo tiempo hice otro disco con Wanatox llamado SikitiBoom!. Así que durante este proceso hice muchas cosas que nutren mi creatividad, tiempo y trabajo.» - La música y el resultado final de Mi Corazón está un tanto alejado de lo que hiciste en los dos discos anteriores. Desde tu perspectiva, ¿qué hizo diferente este proceso de composición? «Me gusta que sea diferente, creo que es algo que siempre quiero lograr. Para mí no tiene nada de malo hacer otra cosa siempre y cuando me guste y sienta que va crecien-

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do, no quiero quedarme en un solo lugar. Cuando trabajé con Chetes aprendí mucho, y ahora trabajar con Wanatox me dio otros conocimientos sobre grabación, mezcla y la música del baúl de los recuerdos. Aprendí que no tiene nada de malo preguntar todo lo que no sabes, y que ser mujer no impide que sepas usar una consola o un DAW (Digital Audio Workstation).» - En cuanto al sonido, los contrastes entre el pop y el folk son prominentes. ¿Qué querías obtener para este disco a nivel producción? «Tenía ganas de juntar géneros que me inspiraban, jugar con reggae y baladas ochenteras tipo ‘Nothing Compares 2 U’, de Sinéad O´Connor, e incluso escuchar música latinoamericana como Tlen Huicani, darme el espacio de estudiar música que no había considerado o tomado en cuenta y permitirme hacer cinco coros para una canción hasta encontrar el adecuado. Todos estos permisos me abrieron el panorama musical.» - Parece que también cambió la forma en la que cantas. En algunas canciones, como ‘Jamás Pensé’, es muy notorio que explotas más tus capacidades vocales. ¿Cómo llegaste a la conclusión de dar más notoriedad a tu voz? «Perdiendo miedos, desprendiendo malos pensamientos y dejando de juzgarme tanto. Acepté como soy y descubrí lo que soy capaz de hacer. Practicar y practicar, buscar técnicas nuevas, clases en YouTube, leer sobre el cuerpo y la voz. Doy clases de canto y de música y eso me da más dudas

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para resolver. Si puedo ayudar a alguien a cantar mejor, debo poder ayudarme a mí.» - También parece que tu imagen es diferente. ¿Por qué decidiste que era momento de abrazar tu feminidad a un nivel más explícito? «Así como me gusta jugar con géneros musicales, la imagen va de la mano. Me gusta ser mujer y no me avergüenzo de ello en ningún ámbito, me doy un lugar donde pueda expresarme y la imagen es la principal fuente de esto. Reconozco que hay mujeres que tienen más pena y al platicar con ellas e impulsarlas a sentirse más guapas y sensuales sé que contribuyo a que tengan un estado de ánimo más alegre y se sientan seguras y guapas. Esto ya es parte de mi filosofía.» - Vivimos en una época en la que cada vez son más los que se suman a la búsqueda por la equidad de género. Como músico que habla desde el lado femenino, ¿cuál es tu perspectiva al respecto? «No me considero feminista, reconozco que el hombre y la mujer son muy diferentes. Son las faltas de respeto que a diario salen en las noticias las que no puedo comprender ni tolerar. La mujer puede brindar al hombre y al mundo cosas que él no puede, y viceversa. Debemos respetar el espacio que venimos a llenar en esta vida y los hombres no deben temer que las mujeres seamos más independientes y trabajadoras, esto es algo bueno.»

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THURSTON MOORE PSYCHIC HEART Entrevista: Sara Araujo | Texto: Michelle Apple | Foto: Vera Marmelo

«Creo que todos deberían hacer una banda de rock… Excepto por los políticos de derecha [ríe]. Creo que entre más bandas de rock existan mayor poder tendremos para luchar con ruido, ruido radical. Me gusta la idea que está surgiendo alrededor del mundo, todos luchando con poesía, arte, música. Eso es lo que nos puede salvar como sociedad, como humanidad, expresar y compartir arte, ir más

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allá de división o miedo. Si alguien quiere poner un muro que me separe de alguien más seré el primero en tirarlo y llevaré a mis amigos conmigo; por cada ladrillo que pongan, yo quitaré otros dos. Así es como me siento al respecto.» Thurston Moore no sólo es uno de los más destacados guitarristas del planeta, su obra en Sonic Youth llevó al punk a un nuevo nivel musical,

uno en el que la experimentación se convirtió en el color más importante de su lienzo sonoro. Sin embargo, a pesar de contar con una trayectoria de más de 40 años y ser uno de los músicos más importantes de su generación, es un tipo que sigue reinventándose, manteniendo su trabajo fresco, siempre consciente de lo que el arte y la música significan para la humanidad y dispuesto a aportar su parte detrás de las cuerdas.

SHUFFLE INSERT

Este año, Moore, alejado por completo de Sonic Youth (en “receso” debido a la separación del músico de la bajista Kim Gordon), decidió dar nueva vida a su proyecto solista con Rock n Roll Consciousness, obra en la que se vio involucrado el legendario productor Paul Epworth (Adele, Florence + The Machine, Coldplay, U2) y su banda, integrada por James Sedwards, Debbie Googe y Steve Shelley. Esta es la historia detrás de su nuevo vástago, en voz de su orgulloso creador. - ¿Cómo decides revivir este proyecto junto a la banda que te ha acompañado durante los últimos cuatro años? «Cuando vivía en Londres comencé a escribir música y no tenía un grupo con el cual tocar, hasta que conocí a James Sedwards, un guitarrista fantástico. Era mi vecino en aquel entonces y nos hicimos buenos amigos, por lo que todo empezó como un dúo de guitarras; yo le enseñaba las canciones que había escrito y así nos seguimos. De hecho, fue su idea incluir a Deb en esto, y fue genial porque es una bajista increíble. Eventualmente, Steve se unió y comenzamos a tocar en vivo. La verdad es que es un baterista impresionante. Después de haber reunido a todos y de beber como locos nos pusimos de acuerdo y organizamos este nuevo grupo.» - ¿O sea que no es un trabajo formalmente en “solitario”? «Aunque está bajo mi nombre es un trabajo en conjunto, en realidad. Grabamos un disco titulado The Best Day (2014), el cual incluye trabajo previo que tenía guardado más lo que creamos con este nuevo grupo. De hecho, cuando empezamos a ensayar también empezamos con grabaciones. De ahí seguimos con giras y nos dimos cuenta que funcionaba muy bien. Ya habíamos pasado por lo peor y a diferencia de la ex-

periencia con Sonic Youth en el pasado, ahora sólo queríamos tocar por el simple gusto de hacerlo. Y bueno, para este último disco la idea era que el grupo que ya teníamos consolidado se diera a conocer de una manera más formal, que no lo vieran como algo transicional.» - En temas de producción, sé que trabajaste con Paul Epworth, quien también ha colaborado con Paul McCartney y Adele. ¿Cómo fue esta experiencia? «The Pop Group me recomendó contactar a Paul, es una banda que me gusta mucho y, a decir verdad, me encantó el trabajo que hicieron juntos. El vocalista, Mark Stewart, fue quien me recomendó trabajar en su estudio, me dio curiosidad descubrir nuevos espacios para trabajar y sobre todo este, que había sido montado en una iglesia. Fue algo muy interesante. «Cuando finalmente conocí a Paul resultó que cumplimos años el mismo día, tenemos gustos musicales afines y fue increíble trabajar con él. Me dio la oportunidad de tocar en un estudio completamente funcional y él supo delegar todo de manera óptima. Todo fue perfecto en temas de grabación y equipo, fue un placer trabajar con él y lo haría de nuevo sin dudarlo. Tenía consolas y herramientas excepcionales, su equipo se conformaba de jóvenes con mucha iniciativa, creo que son los mejores ingenieros de audio con los que he trabajado en mi carrera. Diría que es la mejor experiencia de grabación que he tenido, sin duda alguna. Fue algo muy especial.» - Lanzaste ‘Smoke Of Dreams’ como primer sencillo, con video incluido. ¿Escogiste el tema por alguna razón particular? «Esta canción surgió de una pieza musical que tenía a medias y terminé por definir

cuando trabajamos en el estudio con Paul. La letra se creó a partir de varias cosas que tenía trabajadas desde hace tiempo, con referencias a Nueva York, una ciudad importante para mí pues viví ahí durante casi 30 años.» - Cuéntanos de tu relación con Nueva York, ¿qué tanto representa la ciudad para ti? «Bueno, es la ciudad que definió gran parte de mi estética, musicalmente hablando, así que ‘Smoke Of Dreams’ es como una oda a Nueva York; son poemas que terminaron como una única canción.» - Es algo que se nota en el video… «Exacto, son varias imágenes que tomé mientras estaba en las calles, caminando y fumando, disfrutando la vista. Otra parte fue grabada con un iPhone y para dar el toque final trabajamos con un editor cinematográfico, Francis (Coy), bastante talentoso. Como teníamos material realmente sencillo creamos este video tan curioso. Creo que, a grandes rasgos, es una canción muy literal, con una gran variedad de aspectos de la ciudad y mi nostalgia hacia ella. En algún punto pensé en incluir material que tenía de los 70 y 80, cosas que pasaban en el momento, pero decidí no hacerlo para dejarlo más abstracto y que todos pudieran evocar algo con un mismo video.» - Desde tu perspectiva, ¿cuál es el camino que tomará la escena del rock en el futuro próximo? «El rock nunca morirá, es una forma de vida, es un llamado al diálogo intelectual y de alguna forma aún es joven. Surgió en la década de los 50, no tiene más de 70 u 80 años; es decir, ¡Bernie Sanders tiene 80 y él apenas comienza!, él es el rockstar de mi generación. Todos los días está afuera, buscando la verdad, clarificando nuestra situación, humanidad contra avaricia. Creo que el rock siempre tendrá futuro.»

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COACHELLA 21-23 de abril 2017 Empire Polo Club Indio, California, Estados Unidos Fotos: CortesÃa Coachella

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Radiohead

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Bon Iver

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Hans Zimmer

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Lorde

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U2 THE JOSHUA TREE TOUR 21 de mayo de 2017 Rose Bowl Pasadena, California, Estados Unidos Foto: CortesÃa U2

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SÓNAR 15-17 de junio 2017 Barcelona, España Fotos: Matias Altbach para WARP

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Nicolas Jaar

Moderat

Soulmax

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LE MANS 2017 MUCHO MÁS QUE UNA CARRERA DE AUTOS… Por Alejandro Franco 148

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Los seres humanos acostumbramos poner nombre a nuestras pasiones, nos gusta contar a qué nos dedicamos, qué hacemos en nuestros tiempos libres y, al final, mencionamos con nombre y apellido lo que en realidad nos gusta: el cine, la música, la literatura, comer, seguir o hacer algún deporte, los caballos… o por ejemplo, los autos y las carreras. Este fin de semana estuvimos en la edición número 85 de Las 24 Horas de Le Mans, histórica y mítica carrera considerada como la más simbólica e importante que un piloto o un equipo de automovilismo deportivo pueda ganar. Le Mans es la ciudad capital de Sarthe, en Pays de la Loire, a unos 185 kilómetros al sudoeste de París, con un promedio de 148 mil habitantes. Al evento asisten en toda una semana un promedio de 650 mil personas; tan sólo 250 mil el día completo de la competencia. Las mejores marcas de autos y varios de los mejores pilotos han pasado por ahí. Nuestro Pedro Rodríguez compitió varias veces y llegó a ganar Le Mans, mientras

que Steve McQueen inmortalizó el circuito en su mítico papel como piloto en competencia en la película que se llama solo así, Le Mans, misma que es objeto de estudio por la obsesión de McQueen, que casi terminó dirigiendo la cinta en 1971. Y es que Le Mans parece ser una obsesión para Hollywood; actualmente, Patrick Dempsey y Jackie Chan tienen dos equipos serios y muy bien armados, el primero en una alianza con Porsche y el segundo en una categoría previa a la mayor que lo llevó al podio este fin de semana con todo y que no estuvo en el Autódromo de Sarthe. Pero Le Mans va mucho más allá de una carrera de autos, es una pasión que rebasa el gusto por el automovilismo deportivo para convertirse en un fenómeno social. El honor rige esta competencia pero también la diversidad de categorías, con marcas yendo y viniendo, equipos privados amateurs, profesionales y marcas como Toyota y Porsche luchando como titanes no sólo por ganar en la pista sino por conseguir mayores avances en la tecnología híbrida, entre motores eléctricos y de gasolina.

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Vivir una carrera por 24 horas es una de las experiencias más intensas que alguien pueda vivir, frente o lejos del volante. No se trata de ser el más rápido, sino el que mejor termina, no se trata de ego sino de trabajo en equipo. «Uno no escoge cuándo ganar Le Mans, es Le Mans quien escoge quién gana. Ojalá nos escoja pronto y nos dé ese privilegio», publicó Akio Toyoda, Presidente de Toyota, recién terminada la carrera, tras una noche trágica en la que, repentinamente, sus tres autos que prácticamente lideraban la batalla quedaron fuera de la competencia, y aunque uno pudo regresar (el número 8) no alcanzó para vencer a Porsche, que también perdió uno de sus dos autos pero ganó con un vehículo que se detuvo más de una hora en pits. En 2016, a sólo unos metros de la línea de meta, el auto número 5 de Toyota que lideraba la carrera se quedó parado repentinamente, y fue Porsche también quien aprovechó la situación y ganó. Ambos equipos se respetan, se valoran y se quieren volver a ver en 2018. Estas son las historias de Le Mans, con más de ocho décadas de correr día y noche, en la cita pactada, un tramo de casi 14 kilómetros entre autódromo y zona boscosa, todo ello en menos de tres minutos y 25 segundos por los líderes, en la actualidad. Hoy, tener todas las zonas iluminadas y la tecnología de seguridad de los autos permite que sea una carrera relativamente segura, aunque hay muchas imágenes que constatan los grandes accidentes que han ocurrido y seguirán ocurriendo por las características y probabilidades del lugar. Los asistentes, en actitud, se parecen más a aquellos que van a un festival de música o de arte que meros amantes del automovilismo. Familias, amigos, casas de campaña, bicicletas, motos, autos, cervezas, todo en medio del incesante calor (como este fin de semana) o de la clásica lluvia de verano, lo que la asemeja al icónico Glastonbury; glamouroso y trashy, con una conjunción de tecnología y motores clásicos. Le Mans es mucho más que una carrera y mucho más que una pasión.

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Así funciona: 60 autos conforman cuatro categorías y arrancan al mismo tiempo. Al final, hay una tabla de posiciones general y una por categoría. Este año en la LM P1 sólo había dos marcas y cada una terminó con un auto por lo que solamente hubo posiciones de primero y segundo lugar en el podio.

CATEGORÍAS: LM GTE Am: Categoría Amateur, de pilotos no experimentados en autos modificados estilo Porsche 911, Chevrolet Corvette, Ford GT, etc. LM GTE Pro: Categoría Profesional, de pilotos experimentados en autos modificados estilo Porsche 911, Chevrolet Corvette, Ford GT, Ferrari, Aston Martin, etc. LM P2: Categoría Profesional de autos prototipo que alcanzan más de 360 km/h y que serían los más rápidos en la pista si no fuera por el desarrollo tecnológico de la categoría mayor, que busca innovar en esta carrera y en el serial entero, la World Endurance Championship (WEC). LM P1: Categoría estrella en la que no todas las marcas participan, algo que depende del nivel de la tecnología en desarrollo. Algunas, como Audi, lideraron por más de una década y desde este año no están, mientras otras han ido y regresado, como Porsche. Otras son nuevas y lideran, como Toyota, aunque aún no ganan. Lo más interesante de estas competencias es la innovación, con autos híbridos que alcanzan mayores velocidades que cualquier otro en la pista.

LA EDICIÓN 2017: El Porsche número 2 pilotado por Brendon Hartley, Timo Bernhard y Earl Bamber se impuso en las 24 Horas de Le Mans 2017 y firma su decimonoveno triunfo en el circuito de La Sarthe, el tercero consecutivo.

TOYOTA SE COLOCÓ EN EL SEGUNDO LUGAR DE SU CATEGORÍA, LA LMP1.

POSICIÓN / PILOTOS / AUTO 1 Porsche LMP Team

Bernhard / Bamber / Hartley

Porsche 919 Hybrid

2 Jackie Chan DC Racing

Tung / Laurent / Jarvis

Oreca 07 – Gibson

3 Jackie Chan DC Racing

Cheng / Gommendy / Brundle

Oreca 07 – Gibson

4 Signatech Alpine Matmut

Panciatici / Ragues / Negrão

Alpine A470 – Gibson

5 United Autosports

Owen / De Sadeleer / Albuquerque

Ligier JSP217

6 Graff40

Allen / Matelli / Bradley

Oreca 07 – Gibson

7 CEFC Manor TRS Racing

Graves / Hirschi / Vergne

Oreca 07 – Gibson

8 Toyota Gazoo Racing

Buemi / Davidson / Nakajima

Toyota TS050 - Hybrid

9 Cetilar Villorba Corse

Lacorte / Sernagiotto / Belicchi

Dallara P217 – Gibson

10 Signatech Alpine Matmut

Dumas / Menezes / Rao

Alpine A470 - Gibson

Resultados completos en lemans.org. Gracias a Toyota Racing México y a Toyota Hybrid por la invitación a Le Mans. Ya queremos regresar a verlos ganar. WEC llega a México por segunda ocasión con Las 6 Horas de México, el próximo 3 de septiembre.

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En unos años podremos presumir a las generaciones venideras que nos tocó vivir el boom de los festivales musicales, que vimos con nuestros propios ojos como fue que bandas de diversos calibres, nacionalidades y sonidos se posaron en un escenario para satisfacer el hambre sónica de miles. También podremos presumir de vivir en primera persona el momento en el que los festivales se convirtieron en una experiencia más compleja, eventos en los cuales la música se maridaba

con otras disciplinas, por ejemplo, la gastronomía. Así llegamos a ese momento en el cual la cocina se convirtió en un ingrediente indispensable de los eventos masivos. A continuación presentamos una selección de lo mejor de los festivales en su encarnación musical y gastronómica, un recorrido por diferentes partes de México en donde las ondas sonoras, los sabores y otras disciplinas audiovisuales se conjugan para crear experiencias para todos los sentidos.

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PENÍNSULA

SONORO

GUADALUPE VALLEY WINE, FOOD & MUSIC FESTIVAL

FIESTAS DE LA VENDIMIA

OFF THE MAP Cada año se realiza en México una gran variedad de festivales que van de lo musical al séptimo arte, pasando por la moda, la gastronomía y el diseño. En este mapa compilamos los más destacados a disfrutar en el segundo semestre de este 2017.

Por Eduardo Martínez LOS CABOS INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

AGOSTO

SEPTIEMBRE

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FIESTAS DE LA VENDIMIA

FESTIVAL GOURMET INTERNACIONAL

Ensenada, B. C.

GUADALUPE VALLEY WINE, FOOD & MUSIC FESTIVAL

27 Jul - 20 Ago

Ensenada, B. C.

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8 Sep - 9 Sep

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE

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GALLERY WEEKEND MÉXICO

Monterrey, N. L.

Ciudad de México, D. F.

23 Ago - 31 Ago

21 Sep - 24 Sep

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HELLOW FESTIVAL

Monterrey, N. L. 26 Ago —

COMUNA

Xaltepec, Puebla. 26 Ago

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FESTIVAL DEL VINO MEXICANO

OCTUBRE —

HELLOW FESTIVAL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE

ULTRA MUSIC FESTIVAL MÉXICO

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Toluca, Estado de México

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA

06 Oct - 07 Oct

Morelia, Mich.

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20 Oct - 29 Oct

OAXACA FILM FEST

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Oaxaca, Oax.

SONORO

06 Oct - 13 Oct

Hermosillo, Sonora

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28 Oct

MUTEK

Ciudad de México, D. F.

LIVE OUT

11 Oct - 15 Oct

NOVIEMBRE

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DOCSDF

13 Oct - 22 Oct

LOS CABOS INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

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Los Cabos, B. C. S.

Ciudad de México, D. F.

PENÍNSULA

GALLERY WEEKEND MÉXICO — MUTEK — DOCSDF — ABIERTO MEXICANO DE DISEÑO — VANS WARPED TOUR MX — CORONA CAPITAL 2017

Tijuana, B. C. 14 Oct —

ABIERTO MEXICANO DE DISEÑO

Ciudad de México, D. F.

08 Nov - 12 Nov —

FESTIVAL GOURMET INTERNACIONAL

Puerto Vallarta, Jal. 10 Nov - 19 Nov —

19 Oct - 23 Oct

CORONA CAPITAL 2017

—

Ciudad de México, D. F.

LIVE OUT

Monterrey, N. L. 21 Oct —

18 Nov - 19 Nov —

FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO

VANS WARPED TOUR MX

Guadalajara, Jal.

Ciudad de México, D. F.

25 Nov - 03 Dic

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ULTRA MUSIC FESTIVAL MÉXICO

COMUNA

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA

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CINE EN VR EN EL GIFF LA EVOLUCIÓN EN DESARROLLO DEL SÉPTIMO ARTE Por Alonso Valencia

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Desde su creación, pasando por su masificación y la accesibilidad que tenemos hoy en día, el cine ha estado en un proceso constante de transformación. En los inicios del séptimo arte los espectadores no podían creer que la proyección fuera posible, después llegó el cine sonoro, el cine a color y durante ese viaje las salas se establecieron como uno de los principales puntos de encuentro, manteniéndose como la fuente de entretenimiento más consumida por la humanidad. Es imposible creer que la inmersión con las historias que veíamos en la pantalla haya evolucionado a tal grado que hoy en día tenemos el VR y la reproducción en 360 como una herramienta accesible tanto para el público como para los creadores de contenido.

gir tres películas cortas que aún se encuentran en un proceso de cambio por sí mismo, debido a las dificultades y el proceso de autodescubrimiento que involucra adentrarse a un mundo nuevo dentro de un espectro previamente conocido. En una mesa redonda que los reúne por primera vez, los directores hablan de sus inquietudes y descubrimientos a la mitad del proyecto, dándose cuenta de que después de un obvio proceso de aprendizaje las diferencias entre cada técnica de filmación no son tan lejanas como pensaban. Carlos Hagerman: «Lo que descubrí, lejos de las dificultades que sobrevienen al tomar una nueva tecnología, es que el 360 se parece mucho más al teatro de lo que incluso se podría parecer al cine. «Trabajamos más en un formato teatral, con mucha improvisación, y a la hora de traer la cámara el desarrollo de una escena y cómo se mueven los actores en relación a ésta es mucho más teatral que lo que teníamos en el cine, en donde tú puedes escoger qué detalle en particular está viendo una persona.» A pesar de que el parámetro sigue creciendo, el sector de festivales especializados ha comenzado a voltear hacia el VR no sólo como una apuesta, sino como un campo que necesita ser más explotado.

Roberto Fiesco: «Esto es, sin duda, una paradoja porque el fin de la realidad virtual, como su nombre lo dice, es acercarnos a la realidad.»

Uno de los primeros puntos de encuentro que decidió mostrar al VR en su máxima capacidad fue el Guanajuato International Film Festival, que en 2016 incluyó una sala dedicada a este nuevo tipo de cine durante su semana. Para 2017 la apuesta es aún mayor, pues el GIFF creará los primeros cortometrajes en realidad virtual nacidos en el sector de festivales.

Juan Carlos Rulfo: «Sin duda cambia la percepción completa del encuadre. Ahora tenemos esa decisión de mostrar lo que siempre nos hemos cuestionado, qué está pasando atrás, por qué está tan limpio enfrente, y esto se dirige a algo muy importante que entendí: ¿dónde está el frente? ¿Dónde arranca? Tú decides en comienza la acción y sí empieza con un frente.»

Roberto Fiesco, Carlos Hagerman y Juan Carlos Rulfo se han convertido en los principales precursores de lo que seguramente se convertirá en una tendencia, al crear y diri-

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Roberto Fiesco: «Todo se basa en indicarle al espectador a dónde se dirige la acción. Ahí está ese frente.» Tomando en cuenta que la evolución propia del cine se ha establecido tendencias pasajeras estamos ante el cuestionamiento de si la realidad virtual ha llegado para quedarse o desaparecerá paulatinamente. Roberto Fiesco: «Más que una evolución propia, la realidad virtual se convierte en un medio diferente basándose en el principio que involucra la percepción del espacio y el juego con ésta. Mi obsesión con el encuadre y la colocación de la cámara cambia por una percepción en que tienes que sembrar este punto focal. Es una evolución del espectador respecto a la perspectiva con un medio.» Estamos ante el posible futuro del cine como lo conocemos, es muy probable que las salas convencionales se adapten para recibir al VR y llevarlo al público de la manera más adecuada, lo que nos hace cuestionar el futuro de esta propuesta y su adaptación comercial.

Carlos Hagerman: «Más allá de una sala en donde haya mucha gente teniendo una experiencia, como ocurre en el cine, la intimidad colectiva va a establecer espacios personales y espacios para discutir lo que viste pero el VR, sin duda, se va a categorizar por ser una experiencia personal.» Juan Carlos Rulfo: «La realidad virtual desde su introducción presenta elementos que se prestan para mostrar contenidos como los conciertos, el teatro o para disfrutar de una orquesta sinfónica. El espectador puede ver lo que quiere y goza el ser parte y estar ahí, donde antes no podía estar.» Con A Las Escondidas, La Piedra y Péplum este trío de directores busca cambiar el cine, adentrándose no sólo a llevar el VR a donde antes no había llegado sino a introducirlo en una de las áreas más importantes de la industria, como los festivales. La bandera que nos presenta al 360 como un avance y una nueva alternativa, lejos de suplantar al séptimo arte y todos sus componentes con algo desconocido.

«LA REALIDAD VIRTUAL DESDE SU INTRODUCCIÓN PRESENTA ELEMENTOS QUE SE PRESTAN PARA MOSTRAR CONTENIDOS COMO LOS CONCIERTOS... EL ESPECTADOR PUEDE VER LO QUE QUIERE Y GOZA EL SER PARTE Y ESTAR AHÍ, DONDE ANTES NO PODÍA ESTAR.» -JUAN CARLOS RULFO

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El futuro del VR se está formando y estamos ante una época de cambio en el que los contenidos ahora están en la palma de la mano, por lo que cada vez es más seguro que desde nuestra sala podamos ser parte de momentos masivos, vivir experiencias desconocidas y convertirnos en un protagonista más de las tantas historias que se han establecido durante más de cien años de cine.

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LA 4TA VERBENA GRACIAS A DIOS MEZCAL Por Michelle Apple Fotos: Cortesía GAD

Por cuarto año consecutivo Gracias A Dios celebra la Verbena, un festejo en el que las tradiciones son protagonistas, con sede en Santiago Matatlán, Oaxaca. Como es costumbre, la celebración toma un tópico en torno al cual girar, y mientras el primer año estuvo dedicado a la tradicional Boda Zapoteca, el segundo se engalanó con la Guelaguetza, y el año pasado la Fiesta de los Moles fue el pretexto para conjugar esta exquisita comida con el mezcal. El próximo 2 de septiembre la Verbena rendirá tributo al Mezcal de Pechuga, uno de los más complejos en su elaboración y, sin duda, de los más agradables al paladar gracias a los sabores frutales que predominan en él, adquiridos por su peculiar ingrediente: la pechuga de guajolote. Su elaboración durante el evento correrá a cargo del maestro mezcalero de la casa Oscar Hernández, quien contará con la ayuda de aquellos asistentes que decidan participar. El estado de Oaxaca será el marco perfecto para esta Verbena, con una riqueza cultural y natural que invita a recorrer sus valles, la montaña y, claro, sus bellas playas, situadas en la costa del Pacífico. Además, como parte de las actividades de este encuentro encontramos las visitas a sus museos, sus pueblos, diversos talleres de artesanos y experiencias culinarias únicas. Precisamente del lado gastronómico, no se puede eludir la trilogía de moles oaxaqueños, un clásico de la región que será presentado a los comensales en la versión elaborada por Doña María, mamá del maestro mezcalero Oscar, además del carrito de nieves y los clásicos tacos de lechón. Así, la cuarta Verbena Gracias A Dios es el pretexto perfecto para viajar al sureste del país y vivir una fiesta de mezcal, mole y baile, en una tarde mágica en la que se aprenden los verdaderos valores que dieron origen a esta bebida mística, el mezcal.

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RAPHAEL LUNETTA

SU COCINA Y SAN MIGUEL DE ALLENDE: UNA COMBINACIÓN TENTADORA PARA EL PALADAR Por Catalina Martínez Fotos: Erin Doll

A quién no le gusta comer. El comer va mucho más allá que sólo ingerir alimento y procesar las proteínas, los carbohidratos, nutrientes y muchas otras cosas que éste contiene. Bien dice la Real Academia Española que comer es el acto de masticar y deglutir un alimento sólido pero existe una gran diferencia entre comer, saber comer y el buen comer, ¿no? Saber comer no es sólo degustar los alimentos, saber comer es una combinación de factores que van mucho más allá de sólo ingredientes correctamente combinados o bien presentados. Saber comer requiere de cierta velocidad para ingerir alimentos, escoger porciones; no es como un buffet de all you can eat. ¿Y si a esto se le agrega algo de buena compañía, una buena bebida y un buen entorno, plática amena, música agradable, decoración, etc.? Es ahí cuando saber comer se convierte en el arte del buen comer.

el afamado chef Raphael Lunetta, dueño del restaurante JiRaffe que, con 18 años de historia cerró en 2014 para dar paso a la participación del chef en el restaurante Veranda, dentro de The Georgian Hotel en Santa Mónica, California, sin olvidar la apertura de Lunetta All Day. ¿Qué es lo que hace interesante el trabajo y resultados de Lunetta? El mismo Raphael responde en una entrevista exclusiva donde, además, nos regaló un vistazo de lo que preparará durante el SMAFF.

SMAFF: SAN MIGUEL FOOD FESTIVAL

- Por favor, platícanos sobre tu nuevo restaurante Lunetta All Day… «Acabamos de abrir este restaurante que encapsula una fusión interesante, con el concepto del desayuno, el almuerzo y la cena juntos, al ofrecer lo que se le antoje al comensal a la hora que quiera. Además, el espacio está dividido en áreas; la del desayuno, con colores celestes y mesas cobrizas, y el de la cena, con tonos más oscuros, por ejemplo.

En tres años, el San Miguel Food Festival se ha convertido en referente de la buena comida y la excelente cocina con pasión, creatividad, con actividades que promueven la sana convivencia entre los asistentes que, de la mano de creaciones culinarias de exquisitos resultados, crean un ambiente idóneo para relajarse, dejarse llevar y disfrutar.

«El restaurante ha causado mucha expectativa en la gente que conoció JiRaffe y sabe cuál es el concepto que manejo, un restaurante para la comunidad, así que lo aprecian bastante y están dispuestos a probar lo que les ofrezca, pues saben que estoy creando algo con lo que la gente se pueda identificar.»

Este festival no es solamente un festín para el paladar más exigente, pues además de presentar a 50 chefs de talla internacional contará con músicos en vivo como Timothy Brownie, Lady Zen y Fito Delgado, un área de expositores de productos nacionales y regionales y un mercadito en el que los asistentes podrán comprar comida, bebidas, arte y diseños.

Raphael Lunetta es originario del sur de California pero viajes de verano al sur de Francia, con trabajos como aprendiz en cafés como Café Pacífico, La Perla y el restaurante La Posté, le ayudaron a formarse. Al regresar a Santa Monica y luego de varios trabajos más, Lunetta se decidió a abrir JiRaffe, en 1997.

Por si fuera poco, entre las personalidades que cocinarán y presentarán nuevas propuestas está

Gracias a la fama acumulada, el chef ha sido invitado a diversos programas de televisión como

expositor y juez, entre los que se encuentra Knife Fight, My Country My Kitchen, Beat Bobby Flay y Top Chef. Aunado a esto, el cocinero está en constantes viajes a partir de su participación en eventos culinarios; en este caso el SMAFF. - ¿Qué presentaste durante San Miguel Food Festival? «Algo mediterráneo, un poco de pulpo español, calamar del pacífico y también una salsa verde e incorporar esa influencia mediterránea a los sabores mexicanos, utilizando los ingredientes de la zona. También se me ocurrió preparar un poco de res con foie gras y cereza. - La cocina ha evolucionado mucho, ¿no crees? ¿Qué les espera a los futuros chefs? «Sí, ha crecido bastante rápido. La cocina mexicana, por ejemplo, es bastante refinada y en eventos como este debes presentarte con lo mejor que tengas, pues te encontrarás con grandes talentos que, al final de cuentas, son amistades que uno crea y de quienes aprende. Sé que en este festival saldré con más de un amigo y crearé fuertes lazos de unidad y amistad. «Al mirar al futuro, nos queda claro que existen muchos tipos de cocina, la molecular, la nutricional, la simple, la de temporada. Entonces, lo que todas ellas tienen en común es la necesidad de conocer las bases para poder crecer y crear algo nuevo.» Al igual que muchos, el cocinero de raíces francesas comenzó rodeado de buena comida, lo que lo motivó a buscar una carrera en el mundo gastronómico, del que no deja de aprender. Nos encanta que nos mimen y, seamos sinceros, estamos dispuestos a pagar por ello. Lo que deseamos es una experiencia que rete al paladar, que nos saque de lo monótono y nos deje con un gran sabor de boca. El San Miguel Food Festival promete esto y mucho más.

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HOTEL CARLOTA

UN REFERENTE GASTRONÓMICO DE LA CDMX Río Amazonas 73, Cuauhtémoc, CDMX

Entrevistas: Samantha Archibald Texto: Michelle Apple

En el corazón del Distrito Cuauhtémoc en la ciudad de México surge un retiro urbano que reúne arte, cultura, creatividad e innovación. Hotel Carlota, antiguamente Hotel Jardin Amazonas, combina perfectamente la sofisticación de los mejores hoteles de lujo de la Ciudad de México con los detalles estéticos y personales de los hoteles boutique más atractivos. El Hotel Carlota se ha convertido, a dos años de su apertura, en un referente del México contemporáneo, un símbolo de la Ciudad de México que vive en la vanguardia sin olvidar los elementos tradicionales que le dan identidad. Si bien la arquitectura y el diseño del lugar (en gran parte, obra de la recuperación del Hotel Jardín Amazonas hecha por el arquitecto Javier Sánchez) juegan un papel importante, la cocina del gigante de la colonia Cuauhtémoc tiene un rol excepcional. Para celebrar su segundo aniversario, Carlota ofreció una cena exclusiva en la que las propuestas culinarias de una decena de chefs se convirtieron en el atractivo de la noche. Aprovechamos para platicar con algunos de ellos y conocer un poco de su historia, su perspectiva del presente y lo que vislumbran para la gastronomía mexicana. —

JOAQUÍN CARDOSO [ 1 ] Chef del Hotel Carlota - ¿Cuál es el sello del restaurante que hace a Carlota una opción diferente? «Quería algo desenfadado pero de calidad, como el hotel. Mi cocina es saludable, no en términos de dieta pero me importa mucho que no tenga químicos, que sean productos de la proximidad, son factores en los que me fijo.»

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- ¿Sientes que la profesión te ha llevado a ser especialista en algún terreno? «No diría que tengo una especialidad porque mi historia, como mexicano, ha estado llena de sabores, además de haber vivido en Francia y desarrollado toda mi vida laboral allá. Así, cocino con mi historia, con una técnica francesa y productos mexicanos. Estoy encontrando un estilo que me represente y no tengo prisa, es un proceso muy bonito.» - ¿En dónde está y hacia a dónde va el movimiento gastronómico en el país? «Una de las cosas que me hizo regresar a México es que la calidad ha subido muchísimo y quise ser parte de una oferta culinaria con identidad fuerte.

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¿Hacia dónde va? Creo que es necesario encontrar un toque de modernidad conservando la tradición, que esos dos caminos avancen en paralelo.» —

SOFIA CORTINA [ 2 ] Repostera del Hotel Carlota - ¿Cuál es el sello de la pastelería del restaurante del hotel? «Algo que la caracteriza es la exclusión del azúcar, por una cuestión de salud y sabor. Me gustan los postres que no son empalagosos, que son naturalmente dulces, es uno de los sellos principales de la repostería que tenemos.»

- ¿Cómo te especializaste en pastelería? «Trabajé en Pujol, con Enrique Olvera. Mi primera jefa fue Alejandra Rivas, tapatía, esposa de Jordi Rocca (el mejor pastelero del mundo), y ella me introdujo a este medio. Después me fui a Barcelona, tomé un curso de postres y ahí me di cuenta de que mis postres eran muy dulces, pues estaba acostumbrada a hacer cosas empalagosísimas por una cuestión de cultura, porque aquí consumimos mucha azúcar y tenemos otro tipo de endulzantes. Cuando regresé a México quise cambiar y decidí no usar azúcar. Me funcionó muy bien.» - ¿Cómo ves el movimiento gastronómico que hay en México actualmente?

«Estamos a nada de llegar al apogeo de nuestra gastronomía. Hay chefs muy talentosos pero también comensales, gente que está empezando a valorar la comida que tenemos y la importancia de comer bien. En esta parte entra lo que yo hago; antes tenía miedo de que no les gustaran mis postres por no tener azúcar, pero la gente se ha dado cuenta de que es algo natural, algo bien hecho, que es rico y saludable.»

«He viajado por la república mexicana, he aprendido de diferentes chefs pero creo que todo se lo debo al lugar en el que estudié, al chef Arturo Fernández y al chef Mario Espinoza.»

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- ¿Cómo ves el movimiento gastronómico en México? «Estamos en la mira del mundo y es nuestra tarea impulsar la cocina nacional. Me ha tocado ir a Estados Unidos y ver que allá todavía piensan que usamos sombreros, chales, y no es cierto. Les presento la cocina y la gente queda maravillada.»

DIEGO NIÑO

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Chef Nexo Wine Bistrot - Campos Elíseos 199, Polanco, CDMX

FERNANDA PRADO

- ¿Cuál es tu especialidad? «La cocina mexicana, soy mexicano totalmente. Tengo ascendencia española, me encanta su cocina y por ahí tenemos una cocina de fusión.» - ¿Cómo llegaste a la cocina que practicas hoy?

Respostera Gelatoscopio - Oscar Wilde 20, Polanco, CDMX - ¿Cómo te especializas en heladería? «Estudié gastronomía en Ambrosía (Centro Culinario) y por azares del destino caí en un restaurante en el que necesitaban una repostera,

yo no lo era así que me mandaron a especializar a EspaiSucre (Escuela de Pastelería, en Barcelona, España). Desde entonces fui representante de la marca, durante seis años, la traje a México y ahora me separé para crear el proyecto de heladería Gelatoscopio.» - ¿Qué hace diferente a Gelatoscopio? «Mira, trato de integrar la parte de los postres en los helados, me gusta jugar con las texturas, con temperaturas, para que al final no te comas una bola de helado sino un postre. La parte principal es el helado pero tiene muchos más elementos.» - ¿Cuál es tu perspectiva del movimiento gastronómico en México? «Hay una evolución enorme, ahora se vive un compañerismo que hace que nuestro país crezca, porque compartir algo que tú eres con otro chef nos enriquece a todos. Hay evolución, creo que estamos en un punto en el que podemos dar un vuelco muy grande y hacer cosas muy buenas.».

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«ASAR UNA VACA ENTERA ES PARA MÍ TODO UN RITUAL, LA MÁXIMA EXPRESIÓN DEL ASADO. ME CONECTO CON LA TIERRA, CON VOLVER A LAS BASES».

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DANTE FERRERO

24 HORAS DE BRASAS Y CARNE Entrevista: Samantha Sarchibald Texto: Michelle Apple

Dante Ferrero estableció el restaurante Alodé en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, y durante los últimos 15 años encontró la forma de ofrecer la tradicional gastronomía argentina y hacerse de una reputación no sólo en la República Mexicana, también en distintas partes del mundo. Lo anterior no se debe únicamente a su trabajo en la cocina, es más, en sentido estricto se debe a su trabajo fuera de ésta. Ferrero es conocido por su arrojo al cocinar una vaca entera, casi 500 kilos de carne que se enfrentan a brasas llameantes durante 24 horas al más puro estilo gaucho, una tarea ardua que requiere de esfuerzo y concentración por parte del parrillero, quien apenas puede despegarse del fuego para refrescarse. Al final, el show de la vaca no sólo es eso, una exhibición de coraje y tenacidad, la intención principal es alimentar a alrededor de 400 comensales deseosos de probar alguna de las secciones de la res (aquí nada se desperdicia). El creador de #LaVacaEsMía, quien actualmente viaja a diferentes puntos del mundo para presentar su peculiar labor, nos contó los detalles detrás de esta práctica y su visión del momento que vive la cocina mexicana. - Cuéntanos un poco de ti… «Mira, por ahora me conocen mucho como El Chef de la Vaca, porque viajo para cocinar vacas enteras. De hecho, mi vaca número 30 la hice en Los Angeles, en el LA Food Festival». - ¿Qué pasa cuando cocinas la vaca? «Es un evento que le encanta a la gente. Son 24 horas alrededor del fuego para después dar de comer a unas 300 personas, todo a partir de una

vaca. Asar una vaca entera es para mí todo un ritual, la máxima expresión del asado. Me conecto con la tierra, con volver a las bases. Siento que cocinarlo entero es como rendirle culto y honores a este animal que tanto nos da. Sentarme al lado del fuego a “velarlo” por largas horas, perder mi mirada en las llamas y dejarme llevar por el momento, no deja de hipnotizarme una y otra vez. «Hago de esto una pacifica ceremonia, ya desde el momento de cargarla entre todos, para ponerla en el asador. Veo, desde el primer instante, aflorar de la gente, esa parte animal que aún llevamos dentro, que expresa nuestra esencia humana y virgen, que termina reflejándose en esperar pacientemente para disfrutar un trozo de carne. Me encanta ver las reacciones de la gente, del que observa –callado o no-, el que ayuda, o el que simplemente llega a comer, muchas veces con un instinto casi salvaje». - ¿Cuál dirías que es tu relación con esta res que terminan sacrificando para alimentar a los comensales? «Respeto mucho a estos animales que nos dan de comer. Definitivamente no es nada fácil enfrentar el tema de tener que sacrificarlos, pero es una parte con la que tengo que vivir, que no disfruto pero que forma parte del proceso. Por eso, al menos he decidido preocuparme por quién lo cría, cómo lo cría y cómo lo sacrifican. Quiero seguir haciendo lo que hago, pero con respeto, siempre ha sido así para mí». - ¿Qué te llevó a especializarte en la carne? «Llegué a Monterrey con recetas muy básicas de cocina Argentina, pizzas, empanadas, carnes, un proyecto que a la gente le gusto. Después empecé a conocer un poco más, estuve

dos veces en Pujol, en Ostrería Francescana, estuve con Arzak y aprendí de mis colegas mexicanos. Poco a poco me especialicé en la carne y, ahora, a medida que la gente me pide más de la carne yo debo seguir aprendiendo más». - ¿Hay ciertas adaptaciones que tienes que hacer para el paladar mexicano? «Hay dos puntos fundamentales. Primero, el término; no estoy peleado con que la gente coma la carne en término medio pero tampoco me gusta que la coman muy cocida, simplemente porque dañas el producto, no porque no respete el gusto de la gente. Otro punto con el que también batallo mucho es con el tema de la suavidad, algo que en México se relaciona con la calidad y, si bien es un factor que influye en la calidad, no es algo determinante, de hecho, un corte que sea extremadamente suave es muy posible que haya sido procesado o manipulado, es importante recordar que estamos comiendo el músculo de un animal, esto no significa que debes de comerte una carne dura, sino que un producto que es extremadamente suave es muy posible que no sea natural». - ¿Qué opinas del movimiento gastronómico que está sucediendo en México y de la manera en que se expande por el mundo? «Lo de México es increíble, el mundo ya volteó a ver al país. El resto del mundo quiere cocineros mexicanos para nixtamalizar, para que vayan a hacer tamales, salsas, porque México tiene productos y cocina autóctona, la mesa de México está servida a nivel mundial y es responsabilidad de los mexicanos. Yo me siento parte porque llevo 15 años aquí, no cocino comida mexicana pero uso productos locales, así que es una responsabilidad seguir mostrando esto a la gente».

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# W A R P W E E K N D WARP inició un recorrido por México visitando un destino diferente cada fin de semana, reuniendo buena música en una experiencia única de fiestas con mixología, gastronomía y atractivos turísticos de cada punto. Un tour de destinos en los clubes más buscados de la vida nocturna de cada ciudad, con un line-up integrado por DJ’s locales e invitados. Tres plazas recorridas hasta el momento, Baja California, Riviera Nayarit y CDMX, las cuales nos han recibido con los brazos abiertos y nos han dejado puras gratas experiencias.

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#WARPWEEKND BAJA CALIFORNIA Fotos: Sergio Gálvez para WARP 7 de julio Ensenada Mirador Cuatro Cuatros (El Tigre, Carretera libre Tijuana-Ensenada Km. 89, El Sauzal de Rodríguez). Eurobar (Av. Ruiz 57, Zona Centro). 8 de julio Tijuana La Mija de la Mezcalera (Calle 6ta entre Revolución y Madero).

Alejandro Franco en el Mirador Cuatro Cuatros

Hotel Rocas del Valle

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Giorgio Brindesi y Germรกn Moss en la Hija de la Mezcalera

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Mirador Cuatro Cuatros

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#WARPWEEKND RIVIERA NAYARIT Fotos: Alejandro Franco para WARP

21 y 22 de julio Punta de Mita

Sayulita

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Hotel W Punta de Mita Riviera Nayarit

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#WARPWEEKND CDMX Fotos: Saulo Barrera para WARP

28 de julio Carnívoro, Asador Orgánico (Av. Yucatán 138, Roma Nte). Club Social Rhodesia (Durango 181 Col. Roma Nte). 29 de julio La Docena Oyster Bar & Grill (Av. Álvaro Obregón 31, Col Roma Nte). Departamento (Álvaro Obregón 154 Col. Roma Norte).

Carnívoro Asador Orgánico

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La Docena Oyster Bar & Grill

Alejandro Franco en Departamento

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Carnívoro Asador Orgánico

La Docena Oyster Bar & Grill

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Ana Rizo en Departamento WM S UM M E R

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Por segundo año consecutivo Grupo Sentido se enorgullece en presentar Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival, destinado a promocionar, posicionar y enaltecer las riquezas naturales, culturales y gastronómicas de la región y el estado de Baja California. Combinando sabores frescos con un escenario único para la comunidad nacional e internacional interesada en música, arte, gastronomía, comercio y turismo. A continuación presentamos una selección de conversaciones con algunos de los integrantes del cartel musical y culinario del festival, una probada de la experiencia multisensorial que tendrá lugar los próximos 8 y 9 de septiembre en los viñedos de Monte Xanic, una de las vinícolas de mayor tradición en México.

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VALISE BLU DE ENSENADA PARA EL MUNDO Por Karla Bañales

Soy Karla Bañales y aunque, tal vez, mi nombre no les diga mucho quizá hayan escuchado de Valise Blu, mi proyecto musical. Junto a mi formación académica en el ámbito clásico (soy licenciada en música con especialidad en guitarra clásica por la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California) siempre llevé de la mano la composición. Desde pequeña creé mis canciones y, entre juegos de melodías con palabras, fui construyendo una base sólida también en la escritura. Llevar un diario personal por muchos años me generó una conexión precisa a la hora de expresar mis pensamientos, así que comencé a vaciarlo todo en canciones donde la letra y la música tuvieran el mismo nivel creativo. Después de decenas de composiciones que nunca vieron la luz, al fin logré lo que consideré una propuesta congruente y sólida. Así llegué a grabar mi primer material discográfico, Pa-

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sajero, en la Ciudad de México, y presentar al mundo Valise Blu, una propuesta con un sonido que retrata el paisaje bajacaliforniano descrito en un mundo sonoro con grandes contrastes; tranquilo musicalmente, intenso líricamente. Mi más reciente sencillo se llama ‘Nubes’ y con el estreno de su videoclip presenté también una nueva etapa artística que me muestra como solista. Para este nuevo camino quise regresar a lo básico y reconciliarme con mi lado femenino, con el empoderamiento de la mujer en las propuestas artísticas, así que uní fuerzas con Claudia Guzmán para el diseño de imagen y con Vanesa Capitaine para el audiovisual. En mi carrera como concertista, el trabajo en el escenario me ha traído grandes satisfacciones por más de una década pero hoy no logro describir las emociones que me ha dado el poder compartir mi música en cada sitio donde Pasajero me ha llevado, un viaje que, en definitiva, jamás se detendrá.

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UBERVALLE

LA FORMA MÁS FÁCIL DE IR AL GUADALUPE VALLEY WINE, FOOD & MUSIC FESTIVAL

Para disfrutar un buen vino, platillos y experiencia culinaria de forma responsable. ¡Déjate consentir con UberVALLE!

de hasta 6 pasajeros). Recuerda que puedes dividir la tarifa entre todos los pasajeros con los que tomes el viaje.

Tu Uber te esperará mientras disfrutas de los viñedos y te regresará a tu hotel o casa en Tijuana o Ensenada. Solicita tu Uber para que te lleve a Valle de Guadalupe y de regreso cuando desees. Se han establecido tarifas especiales para que puedas vivir las experiencias a tu gusto, y disfrutes del día en Valle.

¿CÓMO FUNCIONA?

¿QUÉ ES UBERVALLE? UberVALLE te permite contar con un viaje privado durante todo el día para visitar el Valle de Guadalupe.

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Puedes solicitar uberVALLE desde Tijuana o Ensenada con la opción de valleX (un auto con capacidad de hasta 4 pasajeros) o valleXL (con capacidad

1. Solicita ‘valleX’ o ‘valleXL’ y tu Uber llegará preparado para el viaje hacia Valle de Guadalupe. 2. Disfruta de una o varias paradas en el Valle de Guadalupe. No hay tiempo de espera mínimo ni máximo. El conductor te esperará hasta que quieras volver a la ciudad. 3. En el momento que quieras regresar, márcale a tu conductor o envíale un mensaje. Él/ella te estará esperando en el estacionamiento más cercano al punto donde te encuentres. 4. El conductor terminará el viaje en tu último destino.

¿CUÁNDO Y CÓMO ESTARÁ UBERVALLE DISPONIBLE? valleX y valleXL estará disponible 24/7 desde las ciudades de Tijuana y Ensenada, desde el 24 de Mayo al 30 de Septiembre. ¡Solicita tu viaje cuando lo desees! No hay límite de tiempo ni distancia, sólo una tarifa mínima diseñada especialmente para este viaje.

SI AÚN NO USAS UBER, DESCARGA LA APLICACIÓN, REGÍSTRATE Y APLICA EL CÓDIGO UBERVALLEYFEST PARA RECIBIR 3 VIAJES CON UN DESCUENTO DE HASTA $50 MXN CADA UNO. (CÓDIGO VÁLIDO HASTA EL 06/SEP/2017). WM S UM M E R

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SR MANDELA

GUADALUPE VALLEY WINE, FOOD & MUSIC FESTIVAL + SOCIAL GOOD

Este año el Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival se une a una comunidad colaborativa de viajeros y te recomienda comprar tu vuelo o reservar tu hotel al festival en srmandela.com un buscador de viajes económicos que destina mes a mes el 20% de sus ganancias para ayudar a viajar a niños mexicanos que por sus condiciones de salud, sociales o económicas no pueden hacerlo. Para srmandela.com quien ama viajar es el mismo que ama ayudar. A través de su iniciativa esta construyendo una co-

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munidad de viajeros que tienen el interés de ayudar, una comunidad para quienes saben que #ViajarHaceBien y desean compartir ese sentimiento. ¡Viajar al Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival y ayudar, no cuesta más!

#ViajarHaceBien srmandela.com

DESTACADO_FESTIVAL INTERNACIONAL

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NAVID IZADI

ELECTRO FUNK FOR DA SOUL Por Diovanny Garfias

«Es impresionante que la gente pueda encontrar éxito en la música y ser reconocida por hacer lo que ama. Por supuesto, existe el miedo a la saturación de artistas y que la calidad de las propuestas baje debido a esto pero trato de mantener la esperanza de que la nata se va a quedar hasta arriba.» Él es Navid Izadi, quien se ha convertido en uno de los DJ más destacados de la costa oeste gracias, en parte, a su sonido lleno de funk y vibras persas, influencias añadidas a su ADN sónico en su etapa formativa al crecer en San Francisco, California. Hoy Navid reside en Los Angeles y su nombre figura en eventos masivos como Burning Man o fiestas en clubes exclusivos donde el ambiente se torna más íntimo. Uno de estos casos será su participación en el Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival el próximo septiembre, pretexto perfecto para platicar con el ejecutor de las tornamesas. - ¿Cómo entraste al mundo de la música? «He estado en la música toda mi vida. Mis primeros recuerdos son de mí mismo bailando y en todos mis videos caseros estoy bailando con Madonna, Prince, Michael Jackson. Siempre estuve en la música electrónica pero me clavé en el techno y el house underground a los 18 o19 años.» - ¿Hay un artista o proyecto que te haya influenciado de tal manera que toda tu música tuviera ese toque funk? «Hay demasiadas influencias que nombrar. Diría que no estoy influenciado por alguien en particu-

lar, o que lo estoy por todos a quienes he escuchado. Elijo un conjunto diferente dependiendo de lo que esté trabajando, sin embargo, definitivamente tomé una gran cantidad de cosas con las que crecí, al final de los 80 y los 90, mucho pop y rap, especialmente cosas de la costa oeste. En ese momento casi todo tenía sonido disco, funk, o samples de discos viejos. También escuchaba un montón de música de videojuegos y ambient persa gracias a mis padres.» - También se sienten reminiscencias de influencias latinas… «Diría que la mayoría de ese sonido vino probablemente de la música persa de los años 70 que escuchaba. Tal vez la gente no sepa esto pero la música persa puede ser similar a la latina: el uso de guitarras españolas, el sonido gitano flamenco, algunos de los tambores, especialmente en las cosas previas a la revolución, las más antiguas. Ese groove y la base rítmica es fuerte en la música de ambas culturas. Dicho esto, al crecer oí mucha música latina en la radio y otras cosas, pero en su mayoría era freestyle y cosas de Miami con vibe house/hip-house.» - Como DJ, ¿qué tan diferente es tocar en un festival como Burning Man a hacerlo en un club? «Diría que en pequeños clubes tienes la oportunidad de hacer algo más íntimo, te puedes mover a través de diferentes sonidos y energías, ser un poco más flexible, tal vez. Hay más diálogo entre el DJ y la gente. En festivales y escenarios grandes… depende de cuál sea y del tipo de público. A veces también puedes tener esa sensación íntima, aunque a menudo es ahí donde

toco cosas para confundir a la gente [ríe]. Trato de dejar un poco de espacio para extenderme de vez en cuando.» - ¿Cuál es tu pieza de equipo preferida, esa que ocupas sin importar si estás produciendo, componiendo o tocando? «Bueno, mi pieza favorita de equipo en este momento es mi sintetizador Prophet 6, aunque no lo saco mucho del estudio; lo sampleo mucho, así es como lo saco conmigo. De las cosas que traigo y que amo poner en todo diría que mi pedal de reverb Strymon. Primero tuve el Blue Sky y recientemente lo cambié por el Big Sky (que está increíble). Strymon hace los mejores pedales de guitarra y uso el reverb en todo, desde las baterías, los sintetizadores y mi voz.» - Cantas más en tus nuevos tracks. ¿Te gustaría producir un álbum electrónico de manera más tradicional, incluyendo una banda? «Siempre he querido una banda y crear un show en vivo. Estoy trabajando en algunos proyectos y unos se prestan para formar una muy buena banda, así que sí, definitivamente pienso en ello. También tengo la idea de producir para otras personas y ser su vocalista, aunque no con alguien que pueda cantar mejor que yo [ríe].» - Formas parte del cartel del GVWF&MF, en el Valle de Guadalupe. ¿Conoces la región? «He estado en Baja California pero nunca en el Valle de Guadalupe. He escuchado, de amigos mexicanos y estadounidenses, que es realmente hermoso, así que estoy muy emocionado de experimentarlo.»

«CADA VEZ MÁS ARTISTAS LANZAN SU MÚSICA DE MANERA INDEPENDIENTE Y ME PARECE UNA COSA MARAVILLOSA; MÁS PODER Y CONTROL EN MANOS DE ARTISTAS ES ALGO INCREÍBLE.»

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MARIO PERALTA

DEL FUEGO A LA MESA

Entrevista: Diovanny Garfias Texto: Eugenia Flores

México, además de ser un país diverso en clima, ideas, grupos étnicos y tipos de suelo, es un lugar con las condiciones propicias para la invención de tendencias gastronómicas. Basta con recordar la transformación de su cocina a lo largo de la historia, que disfruta de una diversa y dotada variedad de sabores y fusiones, haciéndola única en el mundo. Una de esas nuevas tendencias se originó en Baja California, un estado rico en producto en el que una generación de chefs descubrió que ese era precisamente su valor agregado. Así, ciudades como Mexicali, Ensenada, Tijuana e incluso regiones como el famoso Valle de Guadalupe se convirtieron en el target de aquellos que desean vivir el turismo gastronómico y, de paso, admirar uno de los paisajes más bellos del norte de nuestro país. Mención especial requiere el Valle de Guadalupe, pieza clave de atracción culinaria en Baja con una oferta fresca y una vívida tradición en el proceso de cada platillo, donde uno puede consumir el producto más fresco de la región sin olvidar que, además, es el corazón vinícola de México, destacándose como uno de los mayores productores del líquido producto de la uva. En la lista de exponentes culinarios que han hecho del Valle algo propio está Mario Peralta, bajacaliforniano que se define como un «eterno amante de los productos que da mi tierra y promotor de los mismos.» Aunque su formación académica se dio en Italia, su amor por la cocina callejera y por el lugar que lo vio nacer lo llevaron a fundar el restaurante Fuego Cocina del Valle, en 2014, logrando posicionarse en poco tiempo como uno de los obligados a visitar en la región. Tuvimos la oportunidad de platicar con él acerca de la ideología de su cocina y de la época próspera que engrandece a una de las cosas más auténticas de nuestra cultura: la gastronomía.

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- Cuando abriste Fuego Cocina del Valle ¿imaginaste que se convertiría en un punto tan importante para el turismo? ¿Cómo comenzó este crecimiento? «Empezó hace 15 años cuando el Valle era otra cosa completamente. El primer restaurante que comenzó a hacer una cocina más elaborada fue el de Jair Téllez. Después de él pasaron muchos años para que alguien más se animara. Tengo tres años y medio, casi cuatro, así que me ha tocado ver un crecimiento exponencial en los últimos cinco años que nadie se esperaba. «Estamos en un lugar con una afluencia de miles de personas al día; de la ganancia económica ni se diga, se ha convertido en una de las atracciones más importantes del estado. Finalmente, el Valle es de todos, está casi a la misma distancia de Mexicali, Tecate, Ensenada o Tijuana así que cada uno lo ha tomado como suyo. Yo soy de Tijuana, por ejemplo, así que a veces siento que el Valle también es tijuanense. Sea como sea es un lugar que nos llena de orgullo.» - Es un hecho que la gastronomía mexicana está bajo los reflectores y gran parte de los chefs que están llamando la atención son de Baja California… «Sí, Baja California se ha vuelto cuna de todo lo que está pasando. Considero que el estado siempre se ha caracterizado por tener ideas diferentes, lo que incluye a su cocina. A nosotros nos toca escribir una historia que comenzó hace 15 años, así que probablemente en 100

años se siga hablando de cómo comenzó todo de maner más definida. «Estoy convencido de que la comida mexicana está bajo el reflector, Oaxaca, Ciudad de México que lo tiene prácticamente todo, y por supuesto Baja California. Creo que este despertar de paladares continuará en más lugares del país, como Durango, Sinaloa o Sonora que tienen mucha cultura y se están descubriendo.» - Miguel Ángel Guerrero, Javier Plascencia, Jair Téllez, todos ellos tienen un estilo muy definido. ¿Cómo describirías el tuyo? «Es un estilo que nace bajo la influencia de mis maestros. Trabajé con Javier Plascencia en Misión 19, donde me tocó experimentar la evolución de la cocina que en cinco años moldeó toda una identidad de sabores. Asimismo tuve la oportunidad de estudiar en Milán y vivir en una zona prealpina que mantiene condiciones muy similares a las del Valle; rebaños de ovejas, gallinas, huertas… fue eso lo que me cautivó. Entonces regresé con una ideología similar a la de Miguel Ángel Guerrero y por eso mi estilo tiene que ver con el respeto al producto y a las estaciones, lo que me lleva a no forzar un menú. Mi estilo es espontáneo, puedo llegar y cambiar todo, influye mi espiritualidad y la inspiración de todos los lugares que frecuento; desde el mar donde practico el surf hasta la conexión con la tierra. El truco es sentir, oler y llevar esas sensaciones a la mesa.»

«EL TURISMO GASTRONÓMICO HA CAMBIADO EL TARGET DEL MERCADO. ANTERIORMENTE ESTABA DEDICADO A GENTE ADULTA Y AHORA SE DIRIGE A PERSONAS DE ENTRE 25 Y 35 AÑOS. ESTO SE HA VUELTO MÁS COMÚN A CAUSA DE LOS FESTIVALES Y TODO LO QUE SE HACE EN BAJA CALIFORNIA Y EN EL VALLE DE GUADALUPE PARTICULARMENTE.» WM S UM M E R

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BOLETIA EL ORIGEN Todo empezó hace 5 años. Era 2012, los Juegos Olímpicos tenían como sede Londres (como olvidar la participación de las Spice Girls) Obama se quedaba 4 años más en el poder y Billboard calificaba ‘Somebody That I Used To Know’ de Gotye como la canción del año (Seguido de ‘Call Me Maybe’ de Carly Rae Jepsen). Mientras tanto, en el norte del país, Arnoldo, Alfredo, Juan Luis y Joshua, buscaban cómo resolver todas las complicaciones relacionadas con la venta de boletos y registro de asistentes de los congresos estudiantiles de la región, problemáticas que habían identificado a lo largo de su vida universitaria. Así fue como nació “Uigo” (por We Go) en 2010, un prototipo que buscaba optimizar la operación de los mismos. No fue sino hasta en agosto de 2012 que dimensionaron el potencial de la idea, y así, nació Boletia. Y bueno, el resto es historia... 1.3 millones de boletos y más de 7600 eventos después, aquí estamos.

EL SISTEMA Boletia ofrece a los organizadores de eventos,

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una plataforma de registro de asistentes, cobro de boletos y control de acceso a eventos, de manera sencilla, personalizada y en tiempo real, una alternativa competitiva a sistemas de boletaje tradicionales y a otras plataformas.

¿CÓMO FUNCIONA? Aterriza herramientas digitales y tecnológicas al organizador, poniendo a su alcance toda la operación, la definición del pricing y comercialización del evento directamente en su cancha, a través de una solución “llave en mano” en el que éste tiene total y absoluta potestad de las decisiones estructurales sin comprometerlo u obligarlo a establecer alianzas comerciales con nadie. Además, provee de transparencia financiera y ejecutiva en tiempo real a través de dashboards y de flujo constante de activos de las ventas.

la esencia de una ciudad. Se sobre entiende que existe la percepción de que “eventos” son obras de teatro, conciertos masivos o partidos de fútbol que pasan en ciertos lugares. No obstante, hay una enorme diversidad de experiencias sucediendo día a día en el mundo: congresos médicos, foros de negocios, exposiciones de belleza, cursos de parrilleros, conciertos de artistas y recintos independientes, carreras de 5k, catas de cerveza, festivales culinarios entre otros. Por ello, la visión de Boletia está cimentada en lo que consideran factores de éxito para la industria: maximizar ingresos de los organizadores de eventos y mejorar la experiencia de los asistentes.

EL EQUIPO LA PREMISA Todo esto, tiene una razón de ser. Y es que la empresa se rige bajo la convicción de que los eventos son la mejor manera de conectar a personas con experiencias, conocimiento y, por supuesto con otras personas, manteniendo viva

Si algo ha caracterizado a la empresa desde el inicio es la apuesta por talento sumamente joven y entusiasta que crece y aporta a la empresa en cada una de sus facetas. En resumen: Boletia ha sido y es sinónimo de cambiar el paradigma.

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CORINA LAWRENCE A MERCED DEL VIENTO Por Corina Lawrence

Soy Corina Lawrence, cantora anglo-nipona nacida en el litoral argentino, en Buenos Aires, migrada a México, moldeada entre paisajes naturales y grandes urbes, eterna viajera, siempre en movimiento. Mi música es una mezcla de ritmos urbanos y latinoamericanos con sonidos tradicionales y electrónicos que invitan a un viaje profundo, a una gran celebración. Mi primera parada en México se extendió diez

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años. A lo largo de ellos formé parte de muy lindos proyectos como Trans-X y Sonido San Francisco. Hoy, con mi disco Apurar La Primavera, me estrené como solista. El álbum se gestó en México y nació en un retorno a mis pagos, a Argentina. Es un trabajo que me develó como artista y mujer en todas mis profundidades, colores y sombras, jugando libremente con el folk, la cumbia, el son, el hip-

hop y el funk; para mí se trató de divertirme un rato y hacerme combativa otro tanto. La itinerancia es mi marca: «vengo y voy a merced del viento, siento y soy sin mirar atrás.» Sé que soy hija del momento, que soy de ningún lugar. Me siento profundamente latinoamericana, con una fuerza natural que atraviesa mi garganta y mis canciones, desde el centro, desde la raíz.

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MIGUEL ÁNGEL GUERRERO A 16 AÑOS DEL NACIMIENTO DE LA BAJA MED

Por Diovanny Garfias Fotos: Sergio Gálvez y Bógar Adame para WARP

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El concepto Baja Med se ha propagado por todo el mundo como una de las corrientes de cocina que hacen de Baja California y México puntos destacados en dicho ramo. Sin embargo, el mismo ha generado controversia entre la comunidad gastronómica, ya que puede mal interpretarse como un intento de englobar todo lo que el estado representa como destino culinario; incluso a veces se percibe como un intento de su creador, Miguel Ángel Guerrero, por señalarse como el principal benefactor de la Baja. Ambas ideas no podrían estar más equivocados. A 16 años de haber salido a la luz, la cocina Baja Med es la aportación de Guerrero a la amplia gama de sabores de la cual se conforma la gastronomía en México y, claro, de la famosa cocina bajacaliforniana, como él lo reconoce, «su granito de arena.» Previo a su participación en el Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival, Miguel Ángel, el chef cazador, amante del buceo y las expediciones, se sentó con nosotros para platicar de su invención y sus consecuencias así como de lo que se avecina en su futuro profesional. - Chefs de toda la república hacen referencia a tu trabajo. ¿Qué significa para ti haberlos influenciado? «Ahora resulta, ¿no?, “la oveja negra” [ríe]. Como dice mi esposa Judith, “eres ‘late blummer’, como que al último, ahí sales.” «Me siento muy honrado porque al final el haber sido “la oveja negra” y tomar el quinto o último

camión para que te lleve a “ese lugar” se está dando. Son 16 años del Baja Med, así que el hecho de poder influenciar a alguien para que conciba la Baja como yo lo hago —de pescarla, bucearla, arponearla, cazarla, de tener mi propio huerto— es algo muy importante. Tienes que percibir la Baja como algo muy agreste, una naturaleza muy fuerte que incluso puedes mover y de la que puedes sacar platillos muy interesantes. «¡Me siento a toda madre!, privilegiado de haber iniciado una corriente. Toda la vida hemos tenido estos productos pero había que tomar la decisión de llevarlos al mundo, unirlos con las influencias mexicanas, mediterráneas y orientales que componen el Baja Med —además de nuestros valles y mares— y estar conscientes de lo que tenemos. Lo principal es la actitud y creérsela siempre, tienes que creerlo para crear.» - Además de la experiencia culinaria que aportan los chefs, ¿qué factor hace de la Baja un punto tan destacado a nivel gastronómico? «En Baja somos súper privilegiados en variedad de productos, buceas y, créeme, es como ir al mercado. Acabo de hacerlo hace dos semanas, había dos montañas en medio del mar, crucé un arroyo ¡y estaba lleno de peces!, fue increíble, fue como un National Geographic moment. De ahí extraes una parte porque no vas a abusar, eso habla de sustentabilidad. Tomé lo necesario y lo compartí con los que íbamos. Al final, todo termina en una cocina con un embudo, así que si logramos entender eso estamos en el camino correcto.»

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- Mencionaste los 16 años de la cocina Baja Med. ¿Cómo te sientes de haber aportado este concepto a la gastronomía mexicana? «Todavía no me la creo. Cuando empecé declaré que iba a llevar mi cocina al mundo y creo que ahí vamos. El Baja Med aporta su granito a la cocina de Baja California que hace 16 años no se consideraba que existiese; hoy en día podemos afirmarlo, al final todos somos Baja, de eso se trata, cada quien lo interpreta como su vida se lo dicte. Que no haya más controversia.» - ¿Qué te gustaría hacer que no hayas experimentado en tu trabajo o tu cocina? «Creo que cuando dejas de hacer las cosas o comienzas a recibir reconocimientos valió madres [ríe]. Tenemos varios proyectos, uno de ellos es crear el salón de banquetes en La Esperanza, en el Valle de Guadalupe. Están por salir unos programas que muestra lo que ocurre cuando salgo con mis amigos en las motos, a bucear, a cazar, se llama Expedición Baja. «También puede haber visitas a otros lugares de México o el mundo para filmar algunos menús. No quiero complicar mucho las cosas porque al final soy vago, me gusta ser honesto con los que me invitan y continúo mi vida a mi manera, como la creo y la vivo, muy intensa. La verdad viajo muy seguido porque no tengo jefe ni patrón… bueno, sí tengo, es difícil reconocerlo pero está Judith y luego Dios. En fin, se vienen cosas muy interesantes.»

«VAMOS BIEN, HAY QUE CUIDAR EL VALLE, HAY QUE HACERLO SUSTENTABLE. DECÍAN POR AHÍ QUE ES EL NUEVO NAPA VALLEY Y YO NO COINCIDO, AUNQUE ESTO ES ALGO MUY MEXICANO.»

1. La Querencia 2. La Esperanza

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DECANTOS VINÍCOLA

LA NUEVA CARA DEL VINO EN MÉXICO

«Mientras estudiaba enología en España me surgió la loca idea de eliminar las bombas en la elaboración del vino… La idea en Decantos es trabajar por decantación, usando la ley natural de la gravedad para ser más delicados en todo el proceso». Así es como Alonso Granados, Enólogo, describe de manera simple la genialidad detrás de su aportación al mundo del vino: Decantos, una vinícola cuya producción, como su nombre lo indica, se basa en la decantación (el método físico para la separación de mezclas heterogéneas que separa un sólido o líquido más denso de otro fluido), o en la fuerza de gravedad. Este proyecto nació con la intensión de ofrecer un vino diferente, cuyo sabor no se viera afectado por el gran número de bombas por las cuales, tradicionalmente, pasa el producto de la uva antes de estar listo para embotellarse, tratando de conservar sus propiedades al máximo. Para lograr dicho objetivo Alonso diseñó una vinícola cuyas instalaciones contaran con desniveles que potenciaran la caída del vino, dando por resultado un producto natural, desde la recepción de la uva hasta su embotellado final. Al final obtenemos un vino que posee aromas profundos, colores más nítidos y sabores que armonizan perfectamente entre sí. Hoy, más de siete años después, Decantos y Granados representan la nueva cara del vino en el Valle de Guadalupe y en México, ya que su aportación significa una bocanada de aire fresco para la industria vitivinícola, sin perder el respeto por la materia prima.

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REBOLLEDO

DISCÓTICO ALTERADO Por Mauricio Rebolledo

El año pasado, Mauricio Rebolledo (Pachanga Boys, Hippie Dance Records) sorprendió al mundo con Mondo Alterado, un álbum plagado del sonido característico del productor mexicano, con momentos de sicodelia y otros en los cuales la oscuridad implícita en el techno se vuelve prominente. Así, el originario de Xalapa, Veracruz, dio la vuelta al mundo, nutriendo sus sets con uno de los discos más destacados del género. Rebolledo regresó al estudio este año pero ahora conformó una colección de remixes creados por algunos de sus mejores amigos en la escena electrónica; Superpitcher, DJ Tennis, Maceo Plex, Red Axes y Fango, entre otros, nos regalan, así, una serie de reversiones a tracks del productor, dando luz a Mondo Re Alterado, una fina pieza que complementa y amplía el sonido detrás de los decks de Mauricio. Antes de su participación en el Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival, el músico describe colaboración por colaboración y, además, nos lleva por las historias que dieron origen a cada nuevo track.

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RED AXES [ 1 ] Era 2012 cuando conocí a Niv (Arzi) y Dori (Sadovnik), y poco después me pidieron que hiciera el remix de una canción de su EP Correspondant. Desde entonces nos vemos en mis visitas a Tel Aviv o donde sea que podamos compartir escenario, mientras la amistad crece más y más. Cuando decidí armar Mondo Re Alterado pensé que sería una idea genial ser el que preguntara por un «retoque» para una canción. Les dije que eligieran el track que quisieran y para mi sorpresa eligieron el más personal, convirtiéndolo en una pieza de baile llena de acción.

(Dessagne) fue una de las primeras a quienes invité a unirse al proyecto. Cuando sus gemelos escogieron ‘Pow Pow’ para hacer el ‘Fantastic’ remix supe que saldría algo genial y, ¡dios mio!, en serio pasó.

PAULOR [ 5 ] Al conocer su estilo y habilidades, le pregunté a Paulor por un nuevo «miembro» de la colección ‘Discótico…’. Le dije que quería un western, algo tipo rock and roll, y el resultado fue exactamente lo que esperaba… incluso mejor, fue, básicamente, hecho a mi medida.

THE BLACK FRAME [ 2 ]

SUPERPITCHER [ 6 ]

Las semanas finales del proceso de producción de Mondo Alterado transcurrieron en Cologne, en los estudios Kompakt Records, al lado de mi buen Lion Friend, la leyenda Jörg Burger quien me ayudó con toda la ingeniería de sonido y mezcla. Entonces, cuando llegó el momento de reclutar al equipo que debería realterar mi Mondo, él fue la opción perfecta y obvia. Tomando elementos de otras canciones y añadiendo su dulce toque con sonidos de guitarra dio a ‘Spacer Rainbow Woman’ una nueva perspectiva y la hizo negra, y usando uno de sus más recientes alias The Black Frame nos dio ‘Black Rainbow Woman’.

He sido fan de Superpitcher por mucho tiempo y conocerlo hace más de una década fue la cereza del pastel. Después vino el pastel completo, cuando nos hicimos amigos y, poco después, la pastelería entera al dar vida a Pachanga Boys. Con todo esto, siempre estuvo claro que él sería parte de Mondo Re Alterado. Con tintes del sonido de Superpitcher de hace una década, su toque energético y sicodélico, y algunas referencias de leyendas del country, ‘Rainboy Superspacer’ se convirtió en un favorito en nuestro círculo más cercano y un clásico en mis sets.

MACEO PLEX [ 3 ]

FANGO [ 7 ]

En el último par de años he tenido la oportunidad de compartir mucho tiempo con Maceo Plex, ya sea de gira, en back to back o mezclando material para su sello, siempre gozando de una buena cantidad de risas. Después de empezar a infectarme con esa energía y tocar en la fiesta de lanzamiento de Mondo Alterado, hace un año, en el Rex Club, en París, pensé que él podría dar a ‘Discótico Sinético’ un poderoso twist. El resultado es una pieza totalmente nueva, con partes de ‘Discótico Sinético’ y ‘Discotico Estático’ que la convierten en un súper hit para la pista de baile. Las expectativas fueron superadas.

Siendo responsable de muchos locos momentos en la pista de baile, durante los últimos años, la música de Fango se ha vuelto un elemento principal en mis sets y en los de varios amigos. Después de dejarme hacer una versión a su track ‘Dritto’ pensé que era el momento ideal para pedir el favor de regreso. Su remix a ‘Pow Pow’ es la continuación perfecta de su legado, puro poder lleno de Fango.

FANTASTIC TWINS [ 4 ] Desde su primer lanzamiento he sido un verdadero fan de Fantastic Twins, así que Julienne

DJ TENNIS [ 8 ] ‘A Numb Gas To The Future’ es una canción muy especial para mí, por lo que quise que un amigo igual de especial fuera el que la reinterpretara. Por eso invité a Dj Tennis. Su versión ‘Pimiento Drive’, con guitarras en vivo y líneas de bajo, le dan una nueva dimensión e intención.

«NUNCA HABÍA TENIDO REMIXES OFICIALES DE TEMAS MÍOS, SIEMPRE ESTÁ ESE MIEDO DE QUE TU TEMA YA NO SEA TAN TUYO... Y DESPUÉS DE PENSARLO BASTANTE DECIDÍ QUE PODRÍA HABER RESULTADOS INTERESANTES.» 206

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DANNY DAZE & SHOKH [ 9 ] Poco después del lanzamiento de Mondo Alterado tuve el gusto de recibir un mensaje de Danny Daze diciéndome que «realmente le había gustado el álbum» y que deseaba «trabajar una canción en caso de que lanzara un disco de remixes.» Básicamente esta es una de las razones por las que Mondo Re Alterado sucedió. Cuando el proyecto se volvió realidad Danny formó equipo con su colega Shokh para una versión desnuda de ‘Fears Come True’, una bestia totalmente nueva.

MIKE SIMONETTI [ 10 ] Después de estar en contacto y compartir música con Mike Simonetti, me dijo que le gustaría trabajar en una de las canciones del álbum. Amé la idea, así que para extender la colección ‘Discótico’ le di partes de ‘Discotico Estático’. Me llevé una gran sorpresa cuando envió dos versiones completamente diferentes, una llena vibras ácidas de la vieja escuela y otra con un viaje más espaciado.

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REVIEWS SLEEP WELL BEAST

THE NATIONAL 4AD

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Para describir un disco siempre recurrimos a desmenuzar su sonido, encontrar sus influencias y, si nos atrevemos, a clasificarlo dentro de un género. Pero, si somos justos, la única manera de hablar de Sleep Well Beast, el trabajo en estudio más reciente de The National, es pensando en él como si se tratara de un individuo, hablando más específicamente, de Matt Berninger. En ese sentido el ejercicio es simple: The National suena a la personalidad de Matt Berninger, el sujeto tímido que se esconde en las esquinas oscuras de un bar, admirando a la distancia la frescura de alguno de The Strokes, con la esperanza de que no se fije en su novia y se la robe… sólo porque puede (tal como contó el mismo músico en Meet Me In The Bathroom, de Lizzy Goodman). Para su séptimo álbum de estudio The National hace un disco perfectamente congruente 2 10

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con el momento que vivimos, en el que ni los fans de ese género mal llamado indie -ni sus más notables exponentes-, sabemos qué va a pasar con la música, la moda y el estilo de vida que tanto nos gustaba y que cada vez vemos más diluido en las estaciones de clásicos. Si a la ecuación le sumamos el oscuro momento político que vive el mundo y, en especial Estados Unidos, el resultado es obvio: un disco que con sólo el nombre de sus canciones denota el estado de ánimo de la banda (‘Day I Die’, ‘Nobody Else Will Be There’, ‘I’ll Destroy You’, ‘The System Only Dreams in Total Darkness’), aunque tampoco es que en su trabajo previo se hayan distinguido por ser particularmente optimistas. De acuerdo a los miembros de The National, Sleep Well Beast fue un álbum liberador, pues representó la oportunidad de experimentar con cosas nuevas, sin el tedioso proceso de editar una y otra vez cada sonido. En algu-

nas entrevistas, Matt Berninger afirma que, al final, todos llegaron con ideas propias para arrojarlas en la mesa, y fue así que deconstruyeron, reorganizaron y finalizaron lo que podemos escuchar en el disco. «Son sólo canciones de rock, nadie va a salir lastimado[...]» dijo el vocalista a una importante publicación británica y, aunque de primera instancia el comentario podría descartar cualquier tinte político en el disco, el vocalista dijo que si bien no había sido inspirado por la administración de Trump, sí le enfermaba la situación y que probablemente esto sí se podría notar. Esta afirmación resume perfectamente el mood de Sleep Well Beast, pues no es una obra que describa lo bello o una oda desbordada hacia el amor; es un statement de incomodidad y, hasta cierto punto, de desesperanza con el mundo. -Raúl Arce

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THE PUNISHMENT OF LUXURY OMD WHITE NOISE

9.0 Muchos pensarían que poco queda de aquella época al final de los años 70 y principio de los 80 en la que la música electrónica experimental de la banda inglesa Orchestral Manoeuvres In The Dark la convertiría en una de las mejores agrupaciones de synthpop, con un gran legado musical y descrita en aquel momento por Albert Malloré como «música mecánica-electrónica-sintetizada por computadora automática.» Varias décadas después, la mercadotecnia arrancó el verdadero significado de la música experimental, convirtiéndola en algo habitual en el extenso universo musical y con el paso del tiempo la música de Andy McCluskey y Paul Humpreys se fue quedando en el espectro de la

Sin embargo, OMD no ha dejado de experimentar, dejándolo claro en su décimo tercer álbum, The Punishment of Luxury, cuyo título y canción principal se inspiró en la pintura del artista del siglo XIX Giovanni Segantini. Es a través de este trabajo que la banda desea abordar el extraño retroceso que vive el mundo actual, con letras acertadas que también apuntan al consumismo.

Paul Humpreys es un trabajo deslumbrante, audaz, en la que dejan su zona de confort y dan cátedra de cómo escribir excelentes canciones, combinando la influencia del sonido alemán de Kraftwerk con poderosas percusiones, líneas de bajo eufóricas de toques industriales, mezcladas con la melancólica y el romanticismo idealizado en sus trabajos más icónicos, llenos de melodías electro pop. En definitiva, estamos ante un disco más que recomendable que demuestra que la experimentación también es reinventarse, potenciando lo que mejor sabes hacer.

La producción musical de Andy McCluskey y

-Giorgio Brindesi

“nostalgia”, al grado de que que su trabajo quedó reducido por el imaginario colectivo a dos de sus grandes éxitos, ‘Enola Gay’ y ‘Electricity’, incluso cuando su discografía siguió creciendo.

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REVIEWS VILLAINS QUEENS OF THE STONE AGE MATADOR

8.0

Aunque la espera siempre genera ansiedad también alimenta la expectativa, y cuando ésta es excedida al disfrutar aquello que tanto esperábamos la satisfacción es indescriptible. Eso sucede cuando escuchamos Villains, el más reciente álbum de Queens Of The Stone Age, anunciado desde junio de 2016 y que tenía a todos los fans con las antenas desplegadas para por fin conocer este material. Producido por Mark Ronson, increíble músico que desde Reino Unido ha dejado una huella más que firme al trabajar con artistas como Amy Winehouse, Paul McCartney, Lady Gaga y Duran Duran, este nuevo disco de QOTSA integra matices sonoros sumamente sorprendentes: ensambles de cuerdas que crean sórdidos intros para el rock al que la banda nos tiene acostumbrados, secuencias con sintetizadores que generan ambientes en los que la voz de Josh Homme navega a voluntad y canciones más sutiles, como ‘Fortress’, en las que los riffs y las palabras se conjugan en una atmósfera de nostalgia. Desde el inicio del disco, con el track ‘Feet Don’t Fail Me’, las potentes guitarras ligadas a una ruda línea de bajo nos recuerdan con contundencia que estamos escuchando un álbum de QOTSA; sin embargo, a lo largo del disco algo 2 12

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va sucediendo, la banda se arriesga a explorar otros sonidos y a jugar con los recursos que les dan nuevas herramientas. ‘The Way You Used To Do’ fue el primer sencillo de Villains, un corte donde el ritmo —más que la melodía— atrapa por completo los sentidos. Luego llega ‘Domesticated Animals’, canción que recuerda la actitud vocal y cínica de bandas legendarias como Dead Kennedys, con la voz desquiciada de Jello Biafra pero en un contexto evidentemente más rock y menos punk. Después de ‘Fortress’ escuchamos ‘Head Of The Haunted House’, donde la batería de Jon Theodore llega a poner orden desde el principio. Lo interesante de ‘Un-Reborn Again’, sexto track del álbum, es la introducción de sintetizadores que acompañan el ensamble con tonos que parecieran samples de un disco de Daft

Punk. ‘Hideaway’, por su parte, es una canción más bien fresca, con cierta tristeza pero bañada de optimismo, en la que el maestro Homme se luce con modulaciones de voz muy gratas. Tocada por primera vez por QOTSA en The Rapids Theatre, Nueva York, ‘The Evil Has Landed’ es quizá la canción más fiel al sonido de la banda. Villians cierra su tracklist con ‘Villians Of Circumstance’, un corte emotivo y emocionante que concluye de forma magistral esta travesía. Queens Of The Stone Age cumplió 20 años de carrera en 2016 y que con este álbum demuestra estar más que vigente, con la mirada puesta en el futuro para dominarlo a través de la música. - Kaeri Tedla

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ADD VIOLENCE NINE INCH NAILS THE NULL CORPORATION

9.0 Trent Reznor prometió hace algunos meses que tendríamos nueva música de NIN previo a sus gira I Can’t Seem To Wake Up 2017 y que, además, ésta formaría parte de una trilogía de EPs, iniciada con Not The Actual Events (2016). Así obtuvimos los primeros detalles de Add Violence, el nuevo compilado de cinco canciones de la autoría y manufactura de la dupla encarnada por el propio Reznor y Atticus Ross. NTAE surgió en un momento en el que lo único que habíamos escuchado de Reznor tras Hesitation Marks (2013) era fruto de la colaboración con Ross para bandas sonoras (Before The Flood y Patriots Day), así que dicha entrega, por su carácter agresivo y experimental, fusionó lo mejor de cada una de las personalidades sónicas de Reznor (el sentido electrónico de Year Zero, las guitarras feroces de With Teeth y los bajos hipnóticos de The Fragile), resultando en un mate-

rial revitalizante pero muy apegado a lo que ya conocíamos de NIN. Con Add Violence las cosas son diferentes. Trent es el líder pero la influencia de Ross en aspectos fundamentales como texturas, programación e ingeniería es evidente, lo que nos coloca frente a un EP con personalidad propia; el mejor ejemplo es ‘Less Than’, el tema que abre, con un sonido que apesta a NIN pero que no encaja en el rango de entregas anteriores, y una electrónica oscura cuyo tratamiento lo traslada a un pop de avanzada. ‘The Lovers’ es el punto culminante de la dupla Ross/Reznor, una amalgama en la que se sienten los cuidados con los que cada capa fue concebida y resulta en una pieza profunda que busca calmar la ansiedad previa a un momento definitivo, todo ello ambientado con la voz de Trent. ‘This Isn’t The Place’, por su parte, remite

a terrenos inexplorados, con momentos de R&B y soul, mientras ‘Not Anymore’ nos recuerda que quizá ambos artistas pasen de los 50 años, pero conservan una personalidad colérica que traducen en riffs de guitarra de industrial rock. ‘The Background World’ cierra el EP, sus 11:44 minutos son pura experimentación llevada a las últimas consecuencias; la especialidad de la casa. Add Violence representa, así, un punto de partida para Nine Inch Nails, con canciones que protagonizan un punto particular en su discografía y poseen un lugar especial en el repertorio del proyecto, apenas una muestra de lo mucho que este dúo puede hacer cuando no está bajo la batuta de un director de cine. -Diovanny Garfias WM S UM M E R

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MATT & KIM I DON’T FIT THE MOLD CAUSE I’M UNDONE

Entrevista: Sara Araujo | Texto: Michelle Apple

«Creo que como músicos tenemos la responsabilidad de expresar lo que pensamos. Hay tantas cosas pasando que quedarse en silencio y no decir nada es una forma de contribuir a esa situación». Él es Matt Johnson y está al tanto de que su país, Estados Unidos, no pasa por un gran momento social y político; sin embargo, sabe que la energía que emplea junto a su pareja (artística y sentimental), Kim Schifino, no sólo funciona para mover a miles de personas durante sus conciertos, sino que sirve para expresar un mensaje superior al contenido en su dance rock incluso cuando el resultado no sea el esperado. El cantante recuerda: «El año pasado tuvimos un concierto en apoyo a HIllary Clinton, durante su campaña, y no nos dimos cuenta de cuánta gente iba a resentir esto, había muchas personas molestas con nosotros. Una parte de mí pensaba, “bueno, somos una banda indie proveniente de Nueva York, las personas que nos siguen en redes sociales pueden tener una mentalidad similar a la nuestra”, ¡y no!, no era así, hay mucha diversidad. Tal vez, el hecho de participar en algo tan político no fue la mejor idea, aún me siento responsable por ello pero aun así lo hicimos.» La dupla de Brooklyn le ha dado la vuelta al globo desde que su álbum New Glow vio la luz en 2015, sin embargo, nueva música se comienza a gestar en su cabeza, incluso cuando su vida se desarrolla entre aeropuertos, hoteles y recintos musicales de todos los tamaños, incluido El Plaza Condesa, en México, así que aprovechamos su paso por nuestro país para indagar los planes futuros que los intérpretes de ‘Daylight’ tienen. - Su más reciente álbum salió en 2015, con algunos matices hip hop. ¿Por qué eligieron este sonido? ¿Les gustaría volver a experimentar con este tipo de géneros? Kim: «Bueno, la verdad es que somos grandes admiradores y seguidores de la escena hip hop. De hecho, este género ha sido una

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fuerte influencia para nosotros en todos nuestros discos. Siento que lo dejamos ver un poco más en New Glow.»

puedes abrir tu cerveza, hay de todo un poco. En realidad son consejos para las fiestas casuales.»

Matt: «Llevamos un rato haciendo esto y, con el tiempo, cuando cambias un poco las cosas los fans se suelen molestar. Pero sí, nos encanta el pop y el hip hop, escuchamos estos géneros con más frecuencia de lo que imaginas.»

Matt: «Así es, te mostramos cómo abrir una cerveza con tu zapato.»

Kim: «La verdad es que, más que molestarse, nuestros fans se sorprenden y por eso a veces hay resistencia frente a lo nuevo. Con el tiempo comienzan a tener cariño y termina por gustarles. Yo entiendo su actitud pero para nosotros es un proceso, vivimos con ello.» - Incluso ‘Daylight’ tiene reminiscencias al hip hop… Matt: «Lo curioso es que tenía un sonido indie, básicamente porque lo grabamos en una recámara, pero tiene una fuerte influencia hip hop, algo que la gente no notó tanto porque sonaba un poco mal y para ellos el sonido de mala calidad era sinónimo de indie [ríe]. Cuando digo que sonaba mal no quiero que me mal entiendan, me encanta esa canción, pero la calidad sonora es evidente si la escuchas en la radio después de una canción bien producida. » - Después de estar de gira durante tanto tiempo, ¿tienen planeado lanzar nueva música en los próximos meses? Matt: «Creo que en definitiva haremos un disco este año, aunque hemos enfocado nuestra atención en nuestro canal de YouTube. Subimos dos videos cada semana ¡y planeamos seguir así por seis meses! De hecho, hacemos música original para cada video. La serie se llama Matt & Kim Te Enseñan Cosas y en ella vamos a lugares raros, visitamos ruinas raras, de todo tipo.» Kim: «También tenemos tips para bebidas, por si estás en casa de un amigo y no

Kim: «Cosas muy importantes que necesitan saber [ríe].» - ¿Consideran que existe algún artista actual que les sirva de influencia? Matt: «Creo que usaría la palabra “inspiración”, y sí, hay personas, amigos nuestros que causan eso en nosotros, como un concierto de Flosstradamus al que fuimos. Se trata de un dúo de DJs, amigos nuestros, cuyas presentaciones son muy alocadas, todos pierden la cabeza. Cuando regresé del concierto pensé: “¡tenemos que hacer un show más alocado!, que la gente salte hacia el techo.” «También podría mencionar a Girl Talk. La verdad es que los artistas que me vienen a la cabeza me llaman la atención por sus conciertos, ver al público pasarla tan bien, sin importar el tipo de artista. Es complicado mencionar algo específico pensando en discos o canciones.» - ¿Así que sus presentaciones en vivo — las de festivales principalmente— vendrían a ser una suerte de inspiración para su música? Kim: «Claro, nos alimentamos de los conciertos, del público y su energía. Si durante un show nuestro público enloquece bajamos del escenario motivados a escribir más canciones.» Matt: «Para nosotros el concierto va primero. Hemos hecho esto por diez años y las presentaciones han crecido poco a poco, lo siguen haciendo hasta ahora. Valoro mucho esto, creo que hay algo en ellas que hace que la gente se sienta conectada con todo lo que hacemos.»

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FERNANDO NORIEGA DE LAS NARCO SERIES AL DISEร O

Entrevista: Diovanny Garfias Texto: Lucero Hernรกndez

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«La verdad es que desde muy chavito me han llamado la atención las artes, todo lo creativo, toda la cuestión de producción, de hecho, de niño jugaba a hacer películas con mis primos pero no perseguí el sueño, siempre lo vi como un hobbie. «Viajé a la Ciudad de México a estudiar comunicación, me clavé en la fotografía, la producción de medios y la mercadotecnia. Empecé a hacer books para modelos y en una visita a una agencia me dijeron que funcionaba más como modelo para comerciales, hice un par de castings y comencé a trabajar en eso a la par de mi carrera como fotógrafo. «Un día me llamaron del CEFAT, escuela de Televisión Azteca, y me invitaron a estudiar porque vieron potencial en mí. Una cosa llevó a otra y me encantó, así que a los seis meses hice Enamórate, mi primera telenovela, con Martha Higareda. De ahí di el salto al teatro, al cine y a otro tipo de cosas que me llamaban la atención.» Así comenzó la carrera de Fernando Noriega, oriundo de León, Guanajuato, un actor con diferentes rangos y capacidades histriónicas que lo han hecho parte de El Chema, serie protagonizada por Mauricio Ochmann y spin-off de la popular serie El Señor de los Cielos, coproducción de Argos y Telemundo. En esta historia Noriega da vida a Eutimio, mejor conocido como el Rojo Flores, quien termina siendo la mano derecha y confidente del Chema. Después del éxito alcanzado por la serie, Fernando decidió poner en marcha otro de sus sueños y así nació Lord & Animal, una marca de accesorios para caballeros. Aprovechamos el paso del actor por Ciudad de México para conocer el momento que vive en esta nueva faceta como empresario. - ¿Cómo llegas a El Chema? «Bueno, El Chema es uno de los proyectos que ya ganó una parte importante de mi corazón, llegó a mi vida en un momento increíble y desde que supe que iba a realizarse me dieron ganas de estar ahí; de hecho, abrieron las audiciones y por causas de fuerza

mayor no pude hacerlas, pasó el tiempo y me llamaron para decirme que había un personaje que no habían cerrado y querían ver mi audición. El Rojo Flores es un pelirrojo natural y al principio buscaban a alguien con esas características, así que no dudé ni un segundo cuando me preguntaron si estaba dispuesto a un cambio de look radical, lo hice y no me arrepiento. Al proyecto le fue muy bien en Estados Unidos y México.» - ¿Qué tan complicado es representar situaciones como el narcotráfico y contarlas al público? «Cuando prendes el noticiario el tema está siempre presente, ves lo que sucede en el país y, al final, la narcocultura es resultado de todo lo que vemos en las noticias, la realidad en la que vivimos los mexicanos así que, como actor, busco historias que reten a la audiencia y reflejen lo que vivimos.» - ¿Cómo surgió Lord & Animal y cómo se desarrolló el proyecto? «Lord & Animal es la marca que lancé el año pasado, entre las pausas de mi trabajo en la actuación. Siempre quise tener algo alterno y creo que el diseño y la fotografía de moda, así como el diseño empresarial y la creación de imagen, eran algo que quería explotar y que me gustaba, así que qué mejor que hacerlo en conjunto. «Esta marca es un concepto de accesorios para trajes de hombre. Creé el nombre, el logotipo, la página web y quise romper con el estigma de vestir un traje y ser como un godín o lucir súper serio, quise hacer algo vanguardista, dar opciones a los hombres al lucir estampados y accesorios en los trajes. «Después se me ocurrió incluir algunos blazers y trajes con estampados. El paso fue sencillo: en el momento en el que lo decidí me puse a trabajar y no he parado. Nos ha ido bien, el hecho de que la plataforma sea internacional y esté basada en Los Angeles ayuda a que pueda hacer envíos a todo México y al extranjero. Me gusta la marca, siento que tiene mucho de mi personalidad y, finalmente, cada artículo es algo que yo me pondría.»

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GENESIS P-ORRIDGE

ESCAPANDO DE LA RIGIDEZ DE LAS REGLAS QUE EXPLOTAN LA MENTE

Por Natalia Montes

Quizá Genesis sea una de las figuras más influyentes y controversiales en el mundo del arte, la música y el performance. Con un trasfondo lleno de historias que nos ayudan a comprender la peculiaridad de su trayectoria, no se limita al momento de expresarse y con lujo de detalle relata experiencias poco convencionales, y aunque resuelve varias dudas también deja semillas que florecen en más preguntas, las cuales atraviesan especulaciones que normalmente consideraríamos extrañas. Estamos hablando de alguien que se define como un antihéroe pandrógino que ha tomado influencias de figuras como el Marqués de Sade, Aleister Crowley, Charles Manson, Timothy Leary, las drogas sicotrópicas y, sobre todo, los escritores Brion Gysin y William S. Burroughs. Nació bajo el nombre de Neil Andrew Megson en Manchester, en 1950. Al mudarse a una comuna contracultural en Londres se cambió el nombre a Genesis P-Orridge y comenzó a llamar la atención tras fundar el colectivo artístico COUM Transmissions. Posteriormente formó Throbbing Gristle (1975-1981), banda pionera del género industrial que hizo un cuestionamiento real al rock y creó su propio estilo antimusical. Esa banda profundizó en las investigaciones militares sobre el uso del infrasonido como un arma no mortífera, siendo ellos mismos los conejillos de indias.

«CIERTAMENTE, SOLEMOS METERNOS EN TRANCE Y VARIAS DE LAS CANCIONES LAS ESCRIBIMOS EN VIVO, SOBRE EL ESCENARIO. »

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Consecutivamente fundó Psychic TV, en 1981, proyecto en el que usó la música y sus presentaciones en vivo —caracterizadas por ser extremadamente viscerales— como motor para propagar una ideología religiosa, Thee Temple Ov Psychick Youth (El templo de la juventud síquica), la cual se enfoca en los aspectos mágicos del cerebro conectados a la sexualidad sin culpa, la sicología, el arte y la música, sin necesidad de una alabanza directa a algún dios o líder. Genesis se casa con Lady Jaye Breyer POrridge en 1993, y comienzan una nueva

obra, Pandrogeny Project, el intento de unir sus cuerpos como una sola entidad a través del parecido, lo que los llevó a varios procedimientos de modificación corporal, aplicando de cierta manera la técnica artística del cut-up en su propia fisonomía. Es por eso que hasta la fecha, Genesis habla de sí mismo(a) en modo plural. En 2003, el artista y músico neoyorkino Edley O’Dowd, de la banda Toilet Boys, trabaja con Genesis para reformar la voz y visión de Psychic TV con una nueva alineación. Cada experiencia y sus obras musicales y artísticas sólo pueden ser compartidas por alguien como Genesis, distintas perspectivas en cuanto a la magia, la energía y la vida más allá de lo material. Luego de esta entrevista, previa al paso de Psychic TV por el festival NRMAL, he percibido un ambiente mágico y coincidencias favorables. - Me gustaría saber acerca del trasfondo de su más reciente álbum, The Alienist (2016), ¿por qué eligieron ese título? «Hace algunos años encontramos un libro titulado The Alienist, lo cogimos pensando que era algo de ciencia ficción y realmente era una novela de detectives, en el Nueva York victoriano del siglo XIX. En esa época, en Estados Unidos, alienist significaba sicólogo y al mismo tiempo detective, no sabemos por qué pero en ese momento pensamos que era una combinación interesante, y claro, está el significado más obvio, el de alien, a manera de extraterrestre. Por eso en la portada me están abduciendo, estoy flotando, y el resto de la banda espera a que ellos también sean abducidos [ríe]. También alienación en el sentido de no sentirse a gusto con el establecimiento social, el sentirse aislado al ver el mundo y pensar que no encajas con tanta hipocresía, intolerancia y violencia. Así que esta palabra tiene muchas capas de significados, con conexiones misteriosas que normalmente no esperarías. Para mí es un rompeca-

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bezas excepcional para trabajar, y con tantos significados permites a la gente preguntarse de qué se tratará. No es didáctico, es para abrir la mente.» - ¿Qué opinas del reciente descubrimiento de la NASA de los nuevos planetas? ¿Crees que haya formas de vida inteligente en ellos? «Definitivamente creo que hay otros tipos de vida en este universo, sería muy extraño que no los hubiera. Por otro lado, tenemos muchas maneras de entender este tema, como hemos trabajado mucho con el Tíbet, los budistas, y hemos estado en los Himalayas varias veces también vemos esta idea de la realidad como una especie de acuerdo de lo que parece ser el planeta, la socie-

dad, la cultura y lo que aparentemente es la vida diaria. «Cuando conoces a gente con otras perspectivas empiezas a creer que, quizá, todo esté en la conciencia. Hace muchos años tuvimos una visión mientras estábamos en un viaje sicodélico en el que todos los que estaban en el cuarto eran una especie de insecto inteligente, y aunque sabíamos que todo era parte de una alucinación fue muy vívido, eso me hizo pensar que quizá sólo somos un videojuego para una especie totalmente distinta.» - ¿Cómo saber que no lo somos? «Lo que sucede es un juego de infinitas posibilidades. ¿Realmente estamos aquí? ¿Esta-

mos soñando? ¿Somos el sueño de alguien más? Cuando piensas en átomos, partículas y moléculas, te fijas en los virus y las bacterias, caes en cuenta de que son cosas tan pequeñas que ni siquiera podemos ver a simple vista, sin embargo existen y viven en un universo en el que nosotros sólo somos el horizonte, o los nutrientes, o un ambiente extraño por el que viajan. Para ellos un cuerpo humano puede ser un planeta entero o un universo, así que te desprendes de la idea de que sabes algo y mantienes la mente abierta. «Ciertamente nos encantaría ir al espacio y explorarlo. Lady J siempre quiso viajar al espacio y quizá eso es lo que pasa cuando dejamos nuestros cuerpos, quizá es una oportunidad de explorar más allá.»

Lady Jaye y Genesis. Foto: Laure Leber.

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- Probablemente ella ya esté flotando por ahí… «Es lo que queremos creer. Tuvimos tantas experiencias tan extrañas que implicaron mucho más que algo real o no real, vivo o muerto, que solemos pensar que las probabilidades son muy altas. Hay otras maneras de existir, de estar consciente, sin un cuerpo, en diferentes dimensiones. Ojalá seamos infinitos y exploremos cuanto universo, galaxia y plano sea posible. Es muy tonto cuando la gente se queda enraizada con la vida mundana del día al día y discuten sobre fronteras, lucro, creencias, religión y puntos de vista críticos, todo eso se vuelve mínimo cuando podemos tener maneras infinitas de viajar en el tiempo y el espacio. No sé por qué se molestan en esas cosas, sólo hay que detenernos y mirar a nuestro alrededor.»

«LO PRINCIPAL ES MANTENER LA MENTE ABIERTA. NO ASEGURES QUE SABES LA HISTORIA PORQUE NADIE REALMENTE LA SABE. »

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- ¿Para concluir, sé que gran parte de tu vida está regida por los cut-ups, la técnica dadaísta difundida por William S. Burroughs, que tanto te sigue funcionando? « Para mí el cut-up es la escuela creativa más importante del siglo pasado. No sólo sirve para crear cosas, también para revelar la estructura de control de quienes manejan la cultura en distintos países, pues se han vuelto cada vez más hábiles al editar la información. Con esta habilidad presentan hechos de manera insensible y logran que la población crea todo, así que si sabes que eso es lo que hacen puedes aplicar el cut-up y conocer lo que está detrás. Es una maravillosa herramienta de rebelión y liberación.»

«No hubiera existido. Mi vida diaria, mis escritos, mi música, mi arte, todo son cutups, porque creas algo que puede tener sentido partiendo de lo aleatorio, obtienes cohesión y combinaciones que no podrían darse de otra forma. Cada vez que creas un collage ilustras un mundo que nunca antes existió, puedes verlo y resuena en la visión tradicional de la realidad; después notas mucho más claramente qué es relevante y qué es real. «Es una herramienta básica pero maravillosa que hay que mantener por encima de todo. Lo hacía Burroughs, y cuando lo conocí por primera vez, en 1971, al despedirnos me dijo: “Genesis, tu tarea es controlar con cortocircuitos”.»

Throbbing Gristle: Chris Carter, Cosey Fanni Tutti, Genesis P-Orridge y Peter Christopherson. WM S UM M E R

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ENGLISH FEATURES

LE MANS 2017 222

RAPHAEL LUNETTA 224

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MUCH MORE THAN JUST A CAR RACEâ&#x20AC;¦ By Alejandro Franco

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Human beings are used to name our passions. We love to tell how we make a living, what we like to do in our spare time and, in the end, we mention by full name what we like the most: movies, music, literature, eating, some sport, horses… or, for example, cars and car racing. This weekend, we witnessed the 85th edition of the 24 hours of Le Mans, the historic and mythic race, considered by many as the most symbolic and important race that a driver or a racing team can aspire to win. Le Mans is the capital of Sarthe in Pays de la Loire, located at 185 km from Paris, with a population rate of 148 thousand of inhabitants. The event is attended by 650 thousand people, and just 250 of them spend the whole day in the competition. The best car brands and several of the best drivers have been there. Our own Pedro Rodriguez competed several times and went on to win Le Mans, while Steve McQueen immortalized the circuit in his mythical role as a competition driver in the film that is called just like this: Le Mans, which is the object of study by the Obsession with McQueen, who almost ended up directing the film in 1971. And it seems like Le Mans seems is an obsession for Hollywood. Currently the actors Patrick Dempsey and Jackie Chan, have two serious and very well equipped teams in the race. The first in an alliance with Porsche and the second is in the pre-major category, which took him to the podium this weekend, even if he wasn’t at the Sarthe Autodrome. But Le Mans goes much further than a car race. It is an overwhelmed passion that goes beyond the taste for motoring, to become a social phenomenon. The honor rules this competition, but also the diversity of categories, brands coming and going every year, amateur private teams, professional private teams and brands like Toyota and Porsche fighting like titans, not only to win on the track, but to get a better Development in hybrid technology, between electric and gasoline engines. Living a race for 24 hours is one of the most intense experiences that anyone can live, in front of or away from the wheel. It is not about being the fastest, but to be who ends the best. It is not ego, but teamwork. “You do not choose when to win

Le Mans. It is Le Mans who chooses who wins. Hopefully he’ll pick us up soon and give us that privilege” Akio Toyoda, president of Toyota, recently posted when the race finished, after having a tragic night when suddenly his three cars that were practically leading the battle, were out of competition ... and although one was able to return, position 8, was not enough to beat Porsche, who also lost one of their two cars and ended up winning the race with a vehicle that had to stop for more than an hour to be fixed in the pits. In 2016, just a few meters from the finish line, Toyota’s number 5 car, which led the race, suddenly stopped and it was Porsche who took advantage of the situation and won. Both teams respect, value and want to see each other again in 2018. These are the stories of Le Mans, stories from more than 8 decades of running day and night without stopping at the scheduled appointment. A stretch of almost 14 kilometers, which is not only an autodrome, but also a section of forest, which the leaders cross in less than 3 minutes and 25 seconds, nowadays. Today, having all the illuminated areas and the safety technology of the cars, allow a relatively safe race, but there are many images that confirm that on this weekend and on the 84 previous editions, big accidents always happen and will continue because of the characteristics and probabilities in the place. In attitude the attendees look more like music festival or arts goers than mere lovers of motorsport. Families, friends, country houses, bicycles, motorcycles, cars, beers, amid the incessant heat like this weekend or the classic summer rain style any muddy festival, which is a classic year after year. In fact Le Mans in spirit, has more to do with a music festival, just as iconic in its field, as Glastonbury, than with attending a mere car race. It is glamorous and trashy at the same time. It is technology and classic engines. Electric hum and giant motors with open exhaust that interrupt any talk. Le Mans is much more than a race ... and much more than a passion. This is how it works: There are 4 categories in Le Mans

LM GTE Am: Amateur Category, of not experienced pilots in modified cars style Porsche 911, Chevrolet Corvette, Ford GT, etc. LM GTE Pro: Professional category, experienced pilots in modified cars style Porsche 911, Chevrolet Corvette, Ford GT, Ferrari, Aston Martin, etc. LM P2: Professional category of prototype cars that reach more than 360 km/h and would be the fastest on the track if it weren’t for the technological development of the major category, seeking to innovate in this race and in the entire serial called World Endurance Championship (WEC). LM P1: The star category. Not all brands are involved. This depends on the level of technology being developed. Some like Audi, led by more than a decade and since this year they are not there others have gone back and forth over the years, like Porsche. Others are new and lead, but hadn’t’t win yet, as Toyota, but the most interesting is what these skills generate in terms of innovation. Today cars are hybrids and reach higher speeds than any other on the track. The history will go on with 100% electric cars and then when the next step arrives. The 60 cars are included in four categories, start at the same time. At the end, there is a general leaderboard and one per category. This year in the LM P1 there were only two brands and each ended with only one car, so there were only 1st and 2nd places in the Podium. This year The No. 2 Porsche piloted by Brendon Hartley, Timo Bernhard and Earl Bamber prevailed in the 24 Hours of Le Mans 2017 signing his nineteenth triumph at the circuit of La Sarthe, the third in a row. Thanks to Toyota Racing Mexico and Toyota Hybrid for the invitation to Le Mans. We already want to return to see you win. WEC arrives in Mexico for the second time, with “Las 6 Horas de México”, on September 3, 2017.

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RAPHAEL LUNETTA

HIS CUISINE AND SAN MIGUEL DE ALLENDE. A TEMPTING MIX TO TASTE By Catalina Martínez Translation: Raúl Arce

Who doesn’t like to eat?. Eating goes far beyond than just ingesting food and processing proteins, carbohydrates, nutrients and many other things that contain food. As the Royal Spanish Academy claims, eating is the act of chewing and swallow a solid meal. But there is a big difference between eating, knowing how to eat and good eating, right? Knowing how to eat is not just about tasting food. Knowing how to eat is a combination of factors that go far beyond than just ingredients correctly combined or well presented. Knowing how to eat requires a certain pace to eat food, to choose portions; It’s not like an all you can eat buffet. And if you add some good company, a good drink that complements, a good environment, pleasant conversation, pleasant music, decoration, etc.? That is when knowing how to eat becomes the art of good eating.

SMAFF The San Miguel Food Festival has become in these last three years, in a reference of good food. A reference of good cooking. Cuisine with passion, creativity, with activities that promote a healthy coexistence among the attendees who, in the hand of culinary creations with exquisite results, create an ideal environment to relax, let themselves go and enjoy. They create the environment for good eating. And the San Miguel Food Festival (SMAFF) is not only a feast for the most demanding taste. The SMAFF, apart from presenting 50 internationally renowned chefs from Mexico and abroad, will feature live musicians such as Timothy Brownie, Lady Zen and Fito Delgado; With an area of exhibitors of national and regional products, including farmers, winemakers, artists and designers; And a “Mercadito” in which the attendees can go to buy their food, drinks, art and designs.

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In addition to that, among the great personalities who will be cooking and introducing new ideas, is the famous chef Raphael Lunetta. Lunetta can claim to be different, because for 18 years he was the owner and creative mind behind the restaurant JiRaffe, a place that closed in 2014 to focus on a new stage; His participation in the Veranda restaurant, inside The Georgian Hotel of Santa Monica, California, and the opening of its new restaurant Lunetta All Day Why is Lunetta’s work and results interesting? He told us himself in an exclusive interview, where he even gave us a glimpse of what he will be cooking during the days of this food festival. Raphael how are you? What have you been working on? «I feel very well thank you, with much work thankfully. We have been working non-stop in our new restaurant. Can you talk a little about it? Because we know you just opened your new Lunetta All Day restaurant, didn’t you? «Yes, that’s right, we recently opened this restaurant, which is an interesting fusion of the concepts of breakfast, lunch and dinner, since you can go and ask for whatever you want at any time of the day. For example, the restaurant is divided in certain areas, there is the breakfast area, where one is between heavenly colors and copper tables and the dining area handles darker tones. «There is a lot of anticipation on the part of the people, since once they knew my previous restaurant JiRaffe and they knew what is the concept that I have; Which is a restaurant for the community and the neighborhood first; They appreciate it a lot and are willing to try what it offers for them, because they know that I am creating something that people can identify with.»

Raphael Lunetta is a native of Southern California, but summer trips to the south of France, years of apprenticeship in Parisian cafes such as Café Pacífico, La Perla and La Poste restaurant helped him to shape his career. On his return to Santa Monica, and after several jobs at other restaurants, Lunetta decided to open his own place, JiRaffe, in 1997. Thanks to the fame gained over time, the Californian chef has been invited to several television shows as an expositor and judge, like Knife Fight, My Country My Kitchen, Beat Bobby Flay and the most popular show worldwide, Top Chef. In addition to this, the cook is always in constant movement around the world due to his participation in culinary events, as in this case, the SMAFF. What can we expect from your participation in the San Miguel Food Festival? «That is a good question. I was thinking of being able to bring and present something Mediterranean, some Spanish octopus, Pacific squid, and I’m also thinking about making a green sauce and incorporating that Mediterranean influence to the Mexican flavors using the ingredients of the area.It’s a good question too because I have to think, where I want to go with the stuff that I will create. Since I thought to prepare a little beef with foie gras and cherry or scallops in tomato water with citrus touches.It’s interesting because you want to expose what you already know, but at the same time, you want to create new and original things, then I wonder if it would be simply better to go there and create something with the ingredients that you have at hand and let your Creativity flow. Maybe I’ll go for a foie gras with a slice of tuna on top and make a cherry wine sauce.» The gastronomy has grown a lot over time, hasn’t it? What’s in the future of young chefs? «Yes it has grown quite fast, Mexican cuisine

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for example, is quite refined and the people, in events like this, have to be at their best, because you will be meeting great talents and personalities, who , After all, are friendships that you create and learn a lot from. «I know that at this food festival some will make more than one friend and create strong bonds of unity and friendship. «But more than looking into the future, is clear that there are many types of cuisine; like the

molecular cuisine, the nutritional , the simple, the seasonal, etc. Then all these types of cuisine have in common that you must start from the bases. Where you begin in order to be able to elaborate and create something new? It is a basic principle to have strong roots. It’s from there that you as a cook, chef or creative can begin and develop your own cuisine in the future.» Like many, the French-born chef began surrounded by good food, it was that simple trigger that motivated him to seek a career in the world

of cooking. And like many other trades, a chef never stops to learn. We love to be pampered, and let’s be honest to ourselves, we are willing to pay for a good service, we do our part in search of an experience that challenges our taste, that pulls us out of the monotonous routine, and that leaves us With a good taste when we finished; Both metaphorically and literally. The San Miguel Food Festival guarantees an experience that will leave us always asking for more.

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SUPER 73 lithiumcycles.com ebikesmx.com

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For the free-spirited, adventurous, and the young at heart, the Super 73 Scout arrives to Mexico. Lithium Cycles, mission in 2016 was to build high quality electric motorbikes that is fun and easy to ride, to provide excellent customer service and develop a sustainable business for our community of riders to thrive and connect in. We are excited to announce the arrival of Super 73 to Mexico City. Order your Super 73 in www. ebikesmx.com and join the #supersquad to see what we’re talking about! You don’t want to miss it. We love bikes and our goal was to design a new kind of electric bike with cutting edge technology while

looking at the past for design inspiration. Motorcycles, mopeds and mini bikes of the 1970’s drew our attention as durable, fun and timeless. We not only have our design studio and R&D workshop, we also manufacture large production series of our bikes right in our factory in Southern California. Located in Orange County, we’ve got a 4000 square foot manufacturing space of our very own and are ready to crank out the Super 73, our electric bike inspired by the 70s. Go anywhere with 1000 watts of power, Californian design, and even a cup holder and a bottle opener (don’t forget to have fun responsibly). The Super 73 Scout is the perfect entry-level electric motor-

bike for anyone looking for fun ready-for-adventure transportation. With a brushless DC hub motor and 36V battery, The Scout has a cool look and feel of a motorbike but it’s as easy to ride as a bicycle. It comes equipped with a comfortable motorbike bike seat, a heavyduty kick stand, removable battery for easy charging, and off-road tires for super traction; Super 73will take you up to 20 miles with a top speed of 15- 20 mph. The Super 73 Scout is a unique, life-changing and practical gift for anyone.

-Easy for anyone to use, even without prior experience. -No license or registration required. -Electric extras: USB charging port, selectable and customizable speed options -Skip traffic, ride on bike lanes. -Low maintenance (no complex bike or motorcycle parts). -Charge anywhere with removable battery. -Travel with it: take it on trains o cars. -No parking problems -No restrictions: go anywhere with fat knobby tires (sand, dirt roads, concrete).

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REBOLLEDO

DISCĂ&#x201C;TICO ALTERADO By Mauricio Rebolledo

Last year, Mauricio Rebolledo (Pachanga Boys, Hippie Dance Records) took the world by surprise with Mondo Alterado, an album packed of the characteristic sound of the mexican producer, with moments of dark psychedelia and others where the implied darkness of techno becomes outstanding. By doing that, this musician from Xalapa, Veracruz traveled the world nourishing his set with one of the most prominent albums of the genre. This year Rebolledo went back to the studio, but this time to compile a collection of remixes created by some of his best friends from the electronic scene: Superpitcher, DJ Tennis, Maceo

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Plex, Red Axes and Fango, among others, give us a set of remixes, versions and remakes of the producer, giving birth to Mondo Re Alterado (2017), a fine piece that complements and broadens the sound behind the decks of Mauricio. Prior his performance at The Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival, the musician himself describes collaboration by collaboration and takes us through the stories behind every single track of this record. RED AXES It was 2012 when I met Niv And Dori for the first time little after I was asked to remix one

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of their tracks for their EP on Correspondant. Since then we would meet on my visits to Tel Aviv or wherever we would share a stage while the friendship grew more and more. When I decided to put together the Mondo Re Alterado I thought it would be a great idea for me to be the one asking for a «re-touch» on a track this time. I told them to choose whatever track they wanted, and to my surprise, they chose the most personal one and turned it into a great dance floor piece full of action. THE BLACK FRAME The final weeks of the production process of Mondo Alterado took place in Cologne at the Kompakt Records studios on the side of my good old Lion Friend and legend Jörg Burger, who helped me with all the sound engineering and mixing. So when the time came to recruit the team that would re-alter my Mondo, he was an obvious perfect choice. Taking elements from other tracks and adding his sweet signature guitar sounds, he gave ‘Spacer Rainbow Woman’ a new perspective and turned it black. Using one of his latest alias, The Black Frame gave us Black Rainbow Woman. MACEO PLEX In the last couple of years I’ve had the chance to share quite some time with Maceo Plex. Touring and sharing stages with him, playing back to back several times in different situations, remixing material for his label and having a fair amount of good laughs on the way. After being infected by his energy and playing at my Mondo Alterado release party a year ago at Rex Club Official Fan Page in Paris, I thought he could give my ‘Discótico Sinético’ a powerful twist. The result was a total new piece taking parts from both ‘Discótico’ tracks (‘Sinético’ and ‘Estático’) having as a result a Dancefloor super hit. Expectations exceeded.

PAULOR Knowing his style and skills, I actually asked Paulor for a new «member» of the ‘Discótico’ collection. I told him I wanted a western, rock n’ roll kind of thing and the result was exactly what I expected and even better, it was basically tailor-made for me. SUPERPITCHER I’ve been a fan of Superpitcher for quite some time already... Getting to know him personally over a decade ago was the perfect cherry on top. After the cherry came a full cake when we became such good friends over the years and soon after that the whole bakery followed when destiny decided that the world was in need of Pachanga Boys. It was always clear that he would be part of Mondo Re Alterado. With hints of the Superpitcher sound from a decade ago, his psychedelic energetic touch and length together with some country legend references, ‘Rainboy Superspacer’ has become a favorite amongst many from our inner circle and already a classic in my sets. FANGO While being responsible for many many crazy dancefloor moments in the last few years, Fango’s music has become a main element in my sets and the sets of many friends around me. So after letting me do a rework on his track ‘Dritto’ from a couple of years ago, I thought it was the perfect timing to ask for the favor in return. His remix of ‘Pow Pow’ is the perfect continuation of his legacy. Full of power full of Fango. DJ TENNIS ‘A Numb Gas To The Future’ is a very special track for me, so I wanted a very special friend with a very special touch to be the one to reinterpret it. That’s why I asked Dj Tennis for the

task. His ‘Pimiento Drive’ version with it’s live guitars and bass lines gave it a total new dimension and intention. FANTASTIC TWINS Little after the release of Mondo Alterado I was very happy to receive a message from Danny Daze telling me he really liked the album and that he would like to work on a track if there would be a remix release. So basically that’s one of the reasons Mondo Re Alterado happened... By saying: why not!?!? When the project became a reality Danny teamed up with his buddy Shokh to do a total strip down of ‘Fears Come True’ and create a total new beast. WANT, Danny Daze & Shokh’s Fears Come Dub. DANY DAZE & SHOKH Little after the release of Mondo Alterado I was very happy to receive a message from Danny Daze telling me he «really liked the album» and that he «would like to work on a track if there would be a remix release». So basically that’s one of the reasons Mondo Re Alterado happened... By saying: why not? When the project became a reality Danny teamed up with his buddy Shokh to do a total strip down of ‘Fears Come True’ and create a total new beast. WANT, Danny Daze & Shokh’s Fears Come Dub. MIKE SIMONETTI After being in touch and sharing music with Mike Simonetti, he told me he would be up for working in one of the tracks of my album. I loved the idea so in order to extend the ‘Discótico’ collection, I gave him the parts of the ‘Estático’ one. What a big surprise I had when he delivered two completely different versions of it. One full of acid old school vibes, the other one a spaced out trip...

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HOTEL ROCAS DEL VALLE Carretera Francisco Zarco-El Tigre Km 11 Valle de Guadalupe, Ensenada booking@rocasdelvalle.com | Tel. 01 (646) 244 6362

Rocas del Valle is a country hotel located in the center of “the capital of mexican wine” Guadalupe Valley home of worldwide known wineries like L.A Cetto, Santo Tomás, Monte Xanic, Decantos and many more. Recently inaugurated this year, Rocas del Valle is built between rocks and protected by the endemic nature, with an exquisite decoration that allows our guests to enjoy the great amenities and truly appreciate the wonders of the natural landscapes day and night. We believe that investing in our environment, is investing in our future. The experience of appreciating the exquisite wine of the of the area, the view of the vineyard landscapes. The best comes during harvest season, when the grape is extracted to be meticulously processed and afterwards, tasted in the comfort of our wine cellar, restaurant or in your own room. Our cabins count with all the necessary elements to guarantee maximum comfort; LED TV, internet, telephone, A/C, full bathroom and terraces or common areas (depending on the type) in which you can enjoy the natural atmosphere of the valley. The hotel counts with 24 cabins: singles, junior double, one Master suite’s with 2 bedrooms, queen beds and personal bathrooms, living room, poker table, chimney, outside terrace for 40 people, fireplace, private Jacuzzi, bar and DJ booth. On the center of the village area there’s an immense fireplace for 25 people, where you can enjoy the warmth of a natural campfire with friends, family and a glass of great wine, under a clear blue sky in the day and a million-star spectacle at night. Also, it counts with several resting points with a living room and fireplace distributed along the hotel, that you can also enjoy with our picnic service. We count with touristic services to travel along the Valley, rent buggies capable to drive inside the wineries and the highway. Group tours on the route of the rocks bus through the wineries of the Guadalupe Valley. And comfortable transport to your places of interest inside the Valley, the city and the airport, in brand new units, with a highly qualified driver.

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E N G L I S H F E AT U R E S ENCORE

SEQUENCE OF JUNO SPACECRAFT’S CLOSE APPROACH TO JUPITER Source: nasa.gov Pic: NASA/SWRI/MSSS/Gerald Eichstädt/Seán Doran

This sequence of enhanced-color images shows how quickly the viewing geometry changes for NASA’s Juno spacecraft as it swoops by Jupiter. The images were obtained by JunoCam. Once every 53 days the Juno spacecraft swings close to Jupiter, speeding over its clouds. In just two hours, the spacecraft travels from a perch over Jupiter’s north pole through its closest approach (perijove), then passes over the south pole on its way back out. This sequence shows 14 enhanced-color images.

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The first image on the left shows the entire half-lit globe of Jupiter, with the north pole approximately in the center. As the spacecraft gets closer to Jupiter, the horizon moves in and the range of visible latitudes shrinks. The third and fourth images in this sequence show the north polar region rotating away from our view while a band of wavy clouds at northern midlatitudes comes into view. By the fifth image of the sequence the band of turbulent clouds is nicely centered in the image. The seventh and eighth images were taken just before the spacecraft was at its closest point to Jupiter, near Jupiter’s equator. Even though these two pictures were taken just four minutes apart, the view is changing quickly. As the spacecraft crossed into the southern hemisphere, the bright south tropical zone dominates the ninth, 10th and 11th images. The white ovals in a feature nicknamed Jupiter’s String of Pearls are visible in the 12th and 13th images. In the 14th image Juno views Jupiter’s south poles.

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