WARP Magazine #85 by WARP MAGAZINE

BJÖRK Foto: Nick Knight

Si algo distingue a Björk, además de su potente rango vocal de soprano, es la manera en que se ha reinventado a lo largo de su trayectoria de más de 40 años, adoptando géneros y reinventando otros. Sin embargo, quizá última década de su andar musical sea la más interesante, por la forma explícita en la que ha decidido hacer de su obra y de su arte un puente entre las emociones humanas y la tecnología de vanguardia, creando un limbo artístico en el que los curiosos puedan experimentar algo más allá de las ondas sonoras. Su más reciente proyecto, Björk Digital, es una invitación a los sentidos a sumergirse, a explorar y a formar parte del universo de la islandesa, algo muy cercano experimentar el mundo tal y como la cantante percibe la realidad. Un propósito ambicioso, pero al nivel de creatividad y estética que nos tiene acostumbrados.

WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO EDITOR EN JEFE DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO @OSCARSAMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA SERGIO GÁLVEZ COORDINACIÓN EDITORIAL ALONSO VALENCIA ASISTENTE EDITORIAL SARA ARAUJO WEB FÁTIMA ALBARRÁN ASISTENTE DE DIRECCIÓN DIANA MANJARREZ CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN TRADUCCIÓN RAÚL ARCE COLABORADORES ALEJANDRO ALTAMIRANO, AURA GARCÍA, BLANCA JUÁREZ, EDUARDO MARTÍNEZ, ENRIQUE ORTEGA, JAVIER CUELLAR, JOSÉ IVÁN RUÍZ, LEONEL HERNÁNDEZ, LUCERO HERNÁNDEZ, MANUEL BACA, MICHELLE APPLE, NAOMI PALOVITS, OSCAR ADAME, VICTOR GARCÍA COMERCIAL DIRECCIÓN COMERCIAL SAMANTHA ARCHIBALD SARCHIBALD@WARP.COM.MX PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@WARP.COM.MX

© WARP Marca Registrada ®. Año IX No. 85. Revista editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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HOT HOT HIT

SCARLETT JOHANSSON Por Michelle Apple

Su interpretación de Charlotte en Lost in Translation (2003) logró que todos deseáramos correr a Japón para darle un abrazo, mientras se sumía en la soledad e incertidumbre al lado de Bill Murray; sin embargo, Scarlett Johansson ya había llamado nuestra atención como Rebecca en la adaptación al cine de la novela gráfica Ghost World. Con el paso de los años esta originaria de Manhattan, Nueva York, se convertiría no sólo en un referente de sensualidad, sino en una de las figuras más destacadas del Hollywood moderno gracias a su habilidad de construir personajes para grandes blockbusters de temporada, como su icónica Black Widow para las cintas del Marvel Cinematic Universe o su trabajo en dramas como Girl with A Pearl Earring (2003), sin mencionar su incursión en el mundo de la música a

través de dos álbumes, Anywhere I Lay My Head (2008) y Break Up (2009), con colaboraciones estelares al lado de David Bowie, Tunde Adebimpe (TV On The Radio), Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs), Ivo Watts-Russell (This Mortal Coil), David Sitek (Maximum Balloon, Jane’s Addiction) y Pete Yorn. Es precisamente esa versatilidad la que ahora pone a la estrella de 32 años a encarnar a Motoko Kusanagi, The Major, en Ghosts In The Shell, la reinvención al mundo del cine del aclamado manga de Masamune Shirow. Y aunque los harcore fans vieron como una traición ‘anglosajona’ el poner a la ojiverde como protagonista, lo cierto es que todos morimos de ganas por ver a Johansson como la famosa cyborg de la Sección 9 y, claro, en cualquier otro proyecto en el que esté involucrada.

Espacio dedicado a la música y el arte, ubicado en Barrio Antiguo, Monterrey, México. Casa Morelos fue concebida como una plataforma para talentos emergentes en diversas expresiones artísticas, siendo también un foro para DJs de talla internacional. Cada uno de sus pisos en desnivel pretende fusionar el atractivo de la música electrónica tanto para aficionados como para verdaderos conocedores. Así, el segundo piso cuenta con un loft de diseño eclécti-

co, orientado al Main Music Brain y con un equipo de alta tecnología de Funktion One Soundsystem, enfocado en ofrecer las mejores presentaciones en vivo de afamados músicos y productores. Por su parte, el tercer piso, mejor conocido como The Terrace, cuenta con el patio ideal para pasar un rato relajado y una vista increíble al centro de la ciudad, convirtiéndose rápidamente en un sitio fundamental para los aficionados a un buen brunch y eventos al aire libre.

José María Morelos y Pavón Oriente #870, Monterrey, N.L., México

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PROFILE

SLØTFACE slotface.no Por Javier Cuellar

Integrantes: Haley Shea, Lasse Lokøy, Halvard Skeie Wiencke, Tor-Arne Vikingstad | Lugar de origen: Noruega | Año de formación: 2012 | Influenciados por: Weezer, Green Day, LCD Soundsystem, My Chemical Romance, Panic! at the Disco, Good Charlotte, Paramore

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Al crecer es casi un requisito hacer parte de nosotros la música que suena alrededor, pues nos dota de identidad, nos hace ser diferentes, saber que no estamos solos y, por supuesto, nos hace sentir especiales. Para los que crecieron al final de los 90 y principio de este siglo hay una gran dosis de influencia del movimiento pop-punk proveniente del sonido de bandas como Blink-182, Good Charlotte, Panic! at the Disco o Paramore. Es el caso de SLØTFACE, banda originaria de Stavanger, Noruega, cuyo sonido nos remite a aquella época, sin olvidar el toque de causa social que el punk contiene en sí mismo, incluyendo un discurso político en su estructura.

De acuerdo con Shea —líder de la agrupación— el nombre Slutface se originó «tratando de ser algo provocativo, algo que te llevara al límite, inspirado por el punk y las riot grrrl». Sin embargo, el año pasado la banda tuvo que cambiarlo por el que actualmente ostentan, sin que esto afectara su música e intención: «De ninguna manera hemos cambiado nuestro mensaje feminista ni político, sólo queremos llegar a más gente… cambiando una tonta letra y evitando así la censura». La banda promociona actualmente su más reciente EP, Empire Records (2016) y pasará el resto de la primavera de gira por Europa. Sin duda, una propuesta que se adecúa a los tiempos que vivimos.

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PROFILE

CNVS Por Michelle Apple

Integrantes: Santi, Piochas, Pastas, Vidal, Isaac | Lugar de origen: Querétaro, México | Año de formación: 2013 | Influenciados por: Enjambre, Zoé, Soda Estéreo, Pastilla

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Tiempo atrás escuchábamos de movidas musicales en diferentes puntos del país; basta con recordar la avanzada regia o la cantidad de propuestas que Guadalajara nos regaló hace diez años, aproximadamente. Hoy, el bajío nos tiene con los oídos atentos y el espíritu contento, ya que nuevos músicos están haciendo de su propuesta algo relevante, digno de sonar en todo México y fuera de nuestra latitud. Tal es el caso de CNVS, joven agrupación proveniente de Querétaro cuyos integrantes pasaron por diversas bandas locales antes de formar este atrayente proyecto. Sin embargo, su sonido está lejano a pertenecer a al-

gún género; si hubieran nacido hace diez años seguramente los llamaríamos indie, pero hoy podemos distinguir diversos géneros en su esencia, desde el garage cargado de elementos electrónicos, algo de hip hop, sin dejar de lado coqueteos a la música caribeña. Estos cinco músicos promocionan su EP homónimo, ya disponible en plataformas digitales. Su sencillo ‘Feel Love’ está robando la atención de escuchas en diferentes partes del mundo, así que estamos frente a un proyecto encaminado a encabezar un movimiento musical en el centro de México.

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SOPHIE ELLIS-BEXTOR EXPLORANDO SU LADO LATINO

Entrevista: Alejandro Franco | Texto: Fรกtima Albarrรกn | Fotos: Ivรกn Calderรณn

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Las hermosas playas, calles empedradas y excelentes atardeceres de Puerto Vallarta fueron las locaciones perfectas para que la cantante Sophie Ellis-Bextor, de la mano de la londinense Sophie Muller (quien ha trabajado con Shakira, Beyoncé, Coldplay, Gwen Stefani y Selena Gómez, entre otros, además de ser acreedora de un Grammy al mejor video musical por ‘Diva’, en 1993), grabara dos videos, de los sencillos ‘Death of Love’ y ‘Wild Forever’ que se desprenden de Familia (2016). El Fideicomiso de Turismo de Puerto Vallarta consintió a la cantante de 37 años en distintos recintos y también la hizo fan de la comida mexicana con el fin de que su visita fuera única e inolvidable, logrando que Sophie la llamara «una porción de paraíso.» Casa Kimberly, que fuera el nido de amor de los actores Liz Taylor y Richard Burton, en los años 60; Casitas Maraikas, un pequeño rincón de relajación; los Arcos, y el tradicional Malecón fueron algunos de los escenarios de los clips dirigidos por John Pérez, ganador de un MTV Video Music Award por Mejor Cinematografía gracias a ‘Empire State of Mind’, de Jay Z feat Alicia Keys.

- Antes que nada, Sophie, platícame, ¿qué haces en Puerto Vallarta? «¿Por qué estoy aquí? Pues amo a México. No es la primera vez que vengo, he estado en varias ocasiones. Siempre quise grabar un video aquí así que básicamente compuse mi sexto álbum, con ritmos latinos, ya con el plan de venir a México a filmar. He estado con la directora Sophie Muller, con quien

trabajo desde hace años. Nos encanta vivir pequeñas aventuras y viajar para hacer videos. Hace mucho tiempo le dije: “¿no sería increíble hacer un video en México?”, a lo que me respondió: “¡sí, claro!”. Estoy verdaderamente contenta porque logramos hacerlo.» - ¿De qué tratan estos videos? ¿Cuál es el tema principal? Imagino que no sólo quieres recrear a México, sino también su vibra. «Exacto, esa vibra de la década de los 60. Puerto Vallarta siempre tuvo un toque de swing de esa década, incluso de antes, de los 50, con Elizabeth Taylor y Richard Burton. Ese tipo de imagen, con las joyas que brillan por el sol, ese tipo de romance es el que queríamos dibujar en los videos.» - ¿Y qué me puedes decir del álbum? El nombre es en español con cierta intención, supongo, de la mano de las letras y el concepto principal. «Este es el segundo disco que escribo con Ed Harcourt. Con el último disco, Ed y yo nos dimos cuenta de que estábamos es-

cribiendo algo lleno de personajes, ubicado en Europa del Este; fue un álbum muy invernal, muy frío, y encontramos verdaderamente inspirador tener un paisaje mientras escribíamos. Al inicio del año pasado viajé a México con mi familia, y también a Cuba. Empezamos a trabajar entre marzo y abril, y ya teníamos en mente usar esto como escenario, así que siempre que escribía, si hablaba de amor o de algún personaje, aquí se ubicaba.»

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- ¿Cómo ha sido todo esto para ti?, con tu familia, tu día a día y tu vida personal, el lanzamiento de un disco, venir a México y grabar algunos videos. «Tengo cuatro hijos y esa es la prioridad ahora. Es muy poco usual para mí viajar por tanto tiempo. Al terminar este viaje habrán sido cinco noches y para mí eso es mucho. Ahora suelo hacer todo en menos tiempo, procuro que mis hijos no resulten afectados por lo que hago. Cuando regrese a Londres, mañana por la tarde, literalmente voy directo del aeropuerto a su escuela, tienen su presentación de Navidad y no me lo voy a perder. Así es como funciona esto. Aun estando aquí estoy en contacto con ellos, les pregunto lo que necesitan para la escuela ese día, si van a jugar a casa de sus amigos; ellos van primero, en definitiva. Cuando llegue a casa lo primero que haré es averiguar qué ha sucedido en su vida. Ellos ven todo esto como parte de mi trabajo y creo que es bueno que tengan definidos valores de trabajo desde ahora. Son niños, todo se trata de ellos, yo sólo soy una parte de su mundo en realidad.»

presentativo y lo hacemos en dos partes. Me encanta y funciona bastante bien.»

no puedo esperar a ver el resultado. Creo que tenemos material muy bueno.»

- Al regresar a Puerto Vallarta, ¿fue lo que esperabas?

- ¿Qué puedes decir del vestuario? «Soy gran admiradora de las cosas retro y vintage, cosas de los 50, 60 y 70, moños enormes y coloridos y mucha joyería, digo, nada costoso pero cosas que brillen con el sol. Me encanta ir de compras y suelo buscar ropa vintage en eBay. Lo curioso es que gran parte de las cosas que uso han salido de mis compras. Me encanta cómo se ven y cuando hago un video tengo la oportunidad de usarlo.»

«Fue muchísimo mejor. Quería un lugar que tuviera esa clásica imagen mexicana. Soy una persona muy visual, así que poder ver colores brillantes y los hermosos paisajes me hace muy feliz. También tener lugares románticos como Casitas Maraika, que es maravilloso, tan hermoso, como un cuento de Disney, tiene una isla, playas increíbles, incluso canté con mariachis en un bar anoche. Ha sido una experiencia completa, en verdad increíble.»

«Escucho de todo un poco. Mi esposo es muy bueno poniendo música nueva y yo me siento como mi mamá diciendo a cada rato: “¡Me gusta! ¿Quién es?”, y él me lo repite una y otra vez. Es emocionante estar en constante descubrimiento de música que te puede gustar.» - ¿Tienes alguna recomendación de algo que hayas escuchado mucho últimamente?

- ¿Cómo son las presentaciones en vivo que tienes planeadas para este álbum? «Bastante excéntricas, tengo de todo; desde el disco que acabo de hacer hasta el previo, que era más folk y vals de Bavaria. Tengo todo eso, más música disco y ‘Murder On The Dancefloor’, música house como ‘Groovejet’. Es un show ecléctico y excéntrico. Todo es muy re-

- ¿Continúas con la búsqueda de música o decidiste quedarte con lo clásico?

- ¿Los mariachis formarán parte del video o son para ti? «Tal vez sólo para mí, fueron increíbles. Grabé un video para ‘Wild Forever’ y otro para ‘Death Of Love’. Hice un trato con este grupo de mariachi y lo hicieron increíble. Ha sido maravilloso,

«Hay tantas cosas. Me encantó lo nuevo de Daft Punk con The Weeknd, el nuevo disco de Justice también. Hay un artista llamado C Duncan; me gusta su disco. Aún escucho a artistas recientes como Tame Impala, me gustó mucho su último disco. Creo que es todo lo que puedo recordar por ahora.»

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TEMPTED BY YOUR INNOCENCE Modelo: Edith de Paragon Models Fotografía y dirección de arte: Viridiana Styling : Jocelyn Corona Maquillaje y Cabello: Gustavo René Bortolotti Iluminación y asistente digital: Pedro Gopar

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Jumpsuit: Omar Ruiz Cinturรณn: Kozha Numbers Zapatos: ZARA Silla: Il Mio Mueble

Vestido: Bimba y Lola Calcetas: American Apparel

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Vestido: Edgar Morales Aretes: Bimba y Lola

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Top: Omar Ruiz Pantalones: Mancandy Zapatos: ZARA

Vestido: Edgar Morales Aretes: Bimba y Lola Zapatos: ZARA

Top: Mancandy Pulsera: Bimba y Lola Zapatos: Bimba y Lola Silla: Il Mio Mueble Escultura: José Manuel Buendía

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FASHION ICON

DAVE GAHAN Por Michelle Apple

Depeche Mode forma parte de las grandes leyendas de la música contemporánea. Su sonido electrónico vanguardista, plagado de referencias al rock en sus diferentes variables, y sus eternos coqueteos con el blues y el godspell son algunos de los elementos que lo convirtieron en un fenómeno capaz de llenar estadios alrededor del mundo, y si bien la música y letras de Martin Gore fueron el detonante de su éxito, nada hubiera sido posible sin la voz y el porte de Dave Gahan.

FORMAL

NEW ROMANTIC

Celebremos la salida de Spirit, el nuevo álbum de Depeche Mode, recordando algunos de los looks del cantante a través de sus 37 años de trayectoria.

Era el inicio de los años 80 y todo lo que estaba por venir era grande y aparatoso; sin embargo, para la promoción de Speak & Spell (1981) el inglés de apenas 19 años optaría por el clásico traje de dos piezas (pantalón bombacho dentro de los calcetines) y corbata de moño o tirantes como complemento.

Construction Time Again (1983) representó un cambio radical en el sonido de la banda, optando por sonidos industriales y el comienzo de lo que sería una dura experimentación con máquinas. A la par de este cambio, Dave usaría el cabello con las puntas en rubio y un look menos formal, sustituyendo el saco por chamarras para complementar.

MINIMAL

ROCK

ALTERNATIVE

BACK TO BASICS

Con Black Celebration (1986) la banda adquirió la seriedad a nivel musical que sus éxitos pop le habían negado. Mientras Depeche migraba al lado oscuro, Gahan optaría por un look minimalista, casi siempre en negro, con chamarras de cuero estilo biker con estoperoles, guantes y jeans, sin olvidar las gafas en exteriores.

Songs Of Faith And Devotion (1993) nos entregaría sónicamente una pieza oscura, con guitarras saturadas, godspell y electrónica niveladas a la perfección. Esto, sumado al amor del cantante por la música de Jane’s Addiction y el grunge, nos entregó a un frontman de cabello largo y barba de candado, con el ahora icónico chaleco o camiseta blanca de tirantes como top, ostentando sus recién adquiridos tatuajes.

Los 90 estaban por terminar, así que el cantante dio una última bocanada a la década y Ultra (1997), y sus beats fusión techno/trip hop fueron el pretexto perfecto. Así, las camisas satinadas, los pantalones acampanados, collares de bola grande y los ojos delineados dieron fin a esta etapa “alternativa”.

Playing The Angel (2005) nos traería de vuelta al Gahan amante de los trajes (ahora en tres piezas), regularmente en colores claros o pastel, siempre en busca de un toque chic como complemento, ya fuese con zapatos de tacón cubano o con lentes oscuros de diseñador, sin olvidar el toque classy del cabello wet.

El originario de Essex, Inglaterra, no sólo se ha distinguido por su potente rango de barítono o sus cadenciosos movimientos sobre el escenario; sin duda, gran parte de su éxito como frontman radica en la capacidad de reinventar su imagen a la par del sonido de su banda, convirtiéndose en un referente de la moda en el proceso.

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FASHION ICON

JUSTICE ALAKAZAM ! Por Raúl Arce

En una de sus tantas noches gloriosas, el extinto Salón 21 recibió a Justice, dúo francés relativamente nuevo que justo había lanzado † (Cross) y era la banda electrónica de moda en aquel lejano octubre de 2007. El momento era ideal. Ed Banger Records (sello en el que Justice está firmado) empezaba a erigirse como el embajador de una suerte de segunda ola del french touch de los 90, con artistas que retomaban el hype de lo hecho por gente como Etienne de Crecy, DJ Falcon, Alan Braxe y, por supuesto, Daft Punk. Fue precisamente con un rework de Justice a ‘Never Be Alone’ de los británicos Simian (hoy Simian Mobile Disco) que la disquera obtuvo notoriedad mundial, logrando que mucho de su talento, como Cassius, Breakbot y Sebastian, estuviera presente en nuestras playlist y fiestas durante muchos años. Aunque no lo parezca, nos ubicamos a 10 años de distancia (sí, 10), en un contexto en el que expresiones culturales como la música parecen pasar a segundo plano. En una conversación con Xavier de Rosnay, al final del año pasado, el músico nos dejó claro que la música tiene un valor intangible y fundamental, sobre todo en tiempos como los que vivimos.

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«El papel de la música depende mucho de lo que escuches. Hay música que busca que la gente reaccione y música que tiene como objetivo sacarte de la realidad. Yo considero que la música que hacemos con Justice busca llevarte tan lejos como sea posible de cualquier realidad. Al final, el rol de la música depende de qué busques; escuchar a Bob Dylan y escuchar a Justice no es lo mismo, simplemente porque no todos buscamos lo mismo.» Hablando de un año tan complicado como 2016, en el que la situación política y económica mundial se movió hacia terrenos oscuros, Xavier tiene impresiones encontradas, pues fue precisamente en este periodo cuando salió Woman, su tercer larga duración. «Para nosotros fue increíble, pues justo lanzamos un álbum, empezamos a conectar de nuevo con la gente y, al parecer, quieren escuchar lo que hemos hecho. Además ha salido muy buena música. Al mismo tiempo hay una catástrofe y muchas personas odiaron este año por tantos problemas que existen en el mundo. Creo que en cuanto a la situación política fue un mal año, pero en lo que respecta al arte estuvo bien.» Al abordar entornos musicales, apartados de temas políticos y económicos, nos encontramos en un punto en el que las estrellas pop siguen siendo una constante en la preferen-

cia de la gente, con la diferencia de que su alcance se ha potenciado por herramientas como las redes sociales, mientras que géneros como el EDM parecen perder fuerza. Al respecto, Xavier analiza el panorama de la música, en especial la electrónica, y lejos de despreciar al aparentemente moribundo EDM rescata sus aspectos positivos. «Cuando la gente escucha la música y la disfruta es algo bueno, incluso si no es específicamente lo que nosotros hacemos o nos gusta, como pasa con el EDM, en realidad no tenemos ningún problema con eso. Cuando ves que 200 mil personas la están pasando muy bien durante un set de EDM simplemente no puede ser algo malo, incluso si el género no es el que nos guste porque, como dijimos antes, la música es un escape para la gente y este es un ejemplo perfecto. Creo que la experiencia del EDM es más importante que la música en sí misma, se trata de compartir algo y creo que eso es muy cool.» Más allá de desmarcarse de este movimiento que por momentos parece de fórmula y sintético, este músico parisino busca similitudes entre lo que hace junto a Gaspard Augé y la experiencia de ir a un evento gigantesco, rodeado de adolescentes vestidos en colores fluorescentes. «En cierta manera, nuestra música hace lo mismo, porque parte de la experiencia de escuchar

a Justice viene de lo que hacemos en vivo, que es muy diferente a escuchar el disco, queremos ofrecer algo que te haga olvidar todo durante un par de horas.» Lo cierto es que hay diferencias marcadas, sobre todo cuando se trata del trabajo en estudio, pues estos franceses tienen fama de ser quisquillosos en cuanto a producción se refiere, hecho que no sorprende al ser parte de una generación que heredó una estética muy particular. En este sentido, el pasar de los años y los discos lanzados provoca el surgimiento de dudas y un miedo profundo a repetirse. Xavier cuenta que para ellos el cambio, más que una necesidad, es una consecuencia de lo que buscan como músicos: «No creo que sea una decisión consciente, simplemente no podemos evitar hacer las cosas diferente. Cuando trabajas tanto en un disco es muy difícil estar satisfecho si sigues haciendo lo que ya hiciste, por lo que nuestra música cambia cada vez. Esa me parece una manera muy natural de hacer las cosas.» En un punto de la plática surge la pregunta: ¿Cómo hacer un acto electrónico en vivo que no se limite a reproducir lo que suena en el disco? Xavier encuentra esta duda razonable y lejos de ofenderse busca explicar, desde su perspectiva, las marcadas diferencias entre las presentaciones de Justice y sus trabajos de estudio.

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«Hacer un disco es un trabajo con procedimientos en el que la atención al detalle mejora las canciones. Puedes escuchar un álbum diez veces y siempre descubrirás nuevas sonidos que no notaste anteriormente. En los shows en vivo, por otro lado, ocurre totalmente lo opuesto, pues las cosas son simples y más directas. Cuando tocamos en vivo, ya sea en individual o como parte de un festival, necesitamos hacer algo que sea atractivo.»

que dar un concierto lo mejor que podamos. El show en vivo es nuestro campo de juego, es el momento de tocar nuestra música, su esencia, y hacerla tan simple, directa y poderosa como sea posible.»

El músico lleva su explicación más lejos y propone un escenario hipotético sumamente probable, dada la participación de la banda en muchos festivales alrededor del mundo:

Una vez que el tema de los festivales ha sido abordado surge el nombre de Vive Latino, evento mexicano del que este combo será parte y que representará su quinta visita al país. La diferencia en esta ocasión es que el festival no está orientado al talento internacional sino que depende casi enteramente del nacional y de actos hispanoparlantes, algo que, al parecer, no los perturba para nada.

«Si alguien nos está viendo en un festival, incluso si sólo está esperando por la siguiente banda a 200 metros del escenario, tenemos

«Sí, justo estaba revisando el cartel y vi que somos de los pocos actos no locales, pero creo que está increíble, nos sentimos muy honrados

de que nos hayan elegido. Sabemos que mucha gente nos escucha en México y será uno de los primeros shows que haremos. Por supuesto que queremos regresar a hacer otros conciertos… No sé por qué pero, normalmente, nuestros tours empiezan o terminan en México; de hecho, la gira del disco anterior terminó en la Ciudad de México y nos fue súper bien.» Después de compartir una conversación tan interesante queda claro que a pesar de los tiempos difíciles, las modas pasajeras y la distancia siempre tendremos a la música como un terreno común, neutral, en el que todos son bienvenidos y, por lo dicho por Xavier de Rosnay, Justice, desde su trinchera, seguirá siendo uno de los mejores proveedores de música para alejarnos de la realidad, al menos por unas horas.

WHAT ELSE?

ADIÓS A LA SANTANERA PLAYA DEL CARMEN NUNCA SERÁ IGUAL. Por Kaeri Tedla

Cuando uno caminaba, hasta hace muy poco, por las calles de Playa del Carmen, sin importar si era el clímax del spring break, el punto más álgido del BPM o en cualquier tarde de verano, se respiraba en el aire una sensación maravillosa de libertad y comunidad alrededor del disfrute.

recorridos en bicicletas o caminando en traje de baño por la Quinta Avenida se apropiaban del espacio de una manera tan natural que fascinaba, haciendo del viaje a la ciudad más grande y cosmopolita de la Riviera Maya una travesía más que especial.

El deleite del maravilloso Mar Caribe que enmarca todo en una atmósfera de paz y delicia y el placer de la gente paseando a sus perros, en

Sin embargo, al caer la noche Playa del Carmen se transformaba en un universo irreal de fiesta, diversión y música en el que todos salían

transformados en seres ansiosos de nuevas experiencias, llenando bares, restaurantes y clubes en madrugadas poderosas, incendiarias. En esas madrugadas, si uno se adentraba en el mar de gente y daba vuelta en la Calle 10 se topaba con La Santanera, un lugar increíble, desconcertante y sorprendente que atrapaba la atención de inmediato; «un ambiente ecléctico-lofi-retro-tropical-mexicano», describirían aquellos que lo visitaron.

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Si bien La Santanera no tenía la parafernalia visual que antros como el Cocobongo o Mandala utilizaban, tampoco la necesitaba, pues no había persona en la ciudad que no supiera de su mítica presencia. Lo que sí poseía y presumía era un concepto único, con un restaurante bar de estupenda calidad en el primer nivel y dos niveles superiores con una ambientación, mobiliario, diseño y estilo completamente diferentes. Cada uno de los pisos de este mágico inmueble ofrecía la presentación de DJ´s nacionales e internacionales, música en vivo en los más diversos ámbitos sonoros y platillos y bebidas con sabores diversos. Muchas noches alucinantes se vivieron al interior de este club fundado en diciembre de 2003, pero los eventos de violencia ocurridos en los últimos meses lograron aniquilar, casi en su totalidad, la esencia de La Santanera, una de las joyas en la corona de la vida nocturna de Playa del Carmen que hoy ha cerrado sus puertas.

Terminó una era, un periodo de encanto, de fiesta, de amigos, amores y encuentros, de placeres enmedio de cuerpos danzando al compás de un beat, una noticia que entristeció a muchos, al tratarse de una pérdida irreparable para la cultura y la identidad de la zona. Hoy, en la Calle 10 de Playa del Carmen quedará simplemente un inmueble, un edificio de tres pisos que con su sola presencia nos traerá memorias de risas compartidas, de bailes hasta el amanecer, de abrazos y besos dados, de tremendos tracks y DJ sets que esparcían su energía positiva a toda la Riviera Maya. Para que La Santanera pudiera regresar el mundo tendría que cambiar, México en particular, evolucionando a una realidad de grata convivencia, sin violencia, aunque este escenario se ve muy lejano. Así, en las lunas del futuro sólo nos quedará recordar aquellos días luminosos cuando, enfiestados, decidíamos caer a La Santanera para terminar una noche entre amigos bailando sobre el mar.

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SILVER ROSE

THE NIGHT IS FOR OUR LOVERS IN THE SHADOWS Por Lucero Hernández

En noviembre de 2015 escuchamos ‘Take Me Home’, primer sencillo de Silver Rose que funciona como alter ego de Carla Sariñana (mejor conocida por su trabajo en el bajo de Ruido Rosa). Dicho tema coincidió con el regreso de Carla a México luego de vivir por un tiempo en Los Angeles, ciudad que la dotó de la inspiración necesaria para crear el EP cuyo título comparte con el tema mencionado. Con una mezcla de shoegaze y dream pop llena de romanticismo y dulzura, Carla se coloca como una de las nuevas artistas que levantan la mano en representación de la escena nacional. Mientras Sariñana cierra el ciclo de su primera aventura en solitario, platicó en entrevista para WARP Magazine sobre sus planes a futuro, en los que se incluye nueva música de Silver Rose. - ¿A qué suena Silver Rose? «Es algo que yo creé, con composiciones que empecé a escribir sola. Hace como dos años me fui a Los Angeles y empecé a desarrollar este proyecto allá, con algunos amigos. Todo se fue dando poco a poco hasta formar este proyecto que es muy shoegaze, dream pop, con esta corriente muy presente incluso en la escena mexicana, muy influenciada por

bandas de los 70, los 80, canciones del corazón, de amor.»

proyectos nuevos como el mío sean conocidos fuera del país.»

- ¿Cómo llegaste a la conclusión de que ‘Take Me Home’ era la mejor carta de presentación de esta nueva aventura? «Después de varias pruebas y consultas con mucha gente que respeto musicalmente, me di cuenta de que esta canción funcionaba mejor como primer sencillo, para dar a conocer el proyecto. Curiosamente, esto coincidió con mi regreso a México, así que la escuché y dije: “esa canción tiene algo”.» - De hecho, hay una versión lado B de ‘Take Me Home’… «En realidad es la versión original, es muchísimo más sencilla que la que publicamos pero le tengo mucho cariño.»

- Ya que tocas el tema, eres portavoz de la campaña de Apple Music para su nueva suscripción para universitarios. ¿Cómo te uniste al proyecto? «Fue una invitación que recibí para formar parte de la imagen de la campaña y me entusiasmó la idea, ya que era otra forma de llegar a la gente con mi música, una más accesible. Me platicaron el proyecto y entendí muy bien cómo funciona, ya que hemos estado con Apple Music desde hace muchos años como Ruido Rosa. Por todo esto accedí rápidamente, pues lo que más quiero como músico independiente es que la gente tenga acceso a mi trabajo de forma fácil y rápida. Por otro lado, me entusiasmó la idea de saber que tenían esta campaña para estudiantes con un precio súper accesible.

- Este EP tiene un sonido europeo muy natural. ¿Sabes cómo fue recibido por allá? «Le fue muy bien en general pero en una entrevista que me hicieron allá les sorprendió toda la influencia musical del material, ya que existe un estereotipo con respecto a la música mexicana que todavía es muy anticuado. Sin embargo, gracias a plataformas digitales como Apple Music es posible que

- Ahora que experimentaste creativamente en solitario, ¿tienes planes para dar continuidad a este EP o crees que es muy pronto? «Claro que sí. Cuando eres músico y empiezas a hacer canciones es un poco difícil parar [ríe]. Ya tengo muchas ideas, estoy terminando unos demos y espero entrar pronto al estudio para aterrizar todo. Espero que al final del año tenga algo listo para grabar y así sacar otro EP.»

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BIENAL COMUNICACIÓN BRANDING INTERNACIONAL

Bienal Comunicación puede definirse como un caso de éxito en el rubro de la creatividad, el estudio especializado en branding creativo y comunicación estratégica, fundado en 2006, en Mérida, Yucatán, ha ganado premios nacionales e internacionales, su trabajo se ha publicado en libros y revistas de diseño, ha sido invitado como conferencista en festivales de creatividad, diseño y tecnología (como el OFFF, de Barcelona) y ha sido seleccionado por medios especializados como uno de los mejores de su tipo a nivel nacional. Platicamos con Carlos Martínez Trujillo, fundador de este proyecto, cuyas expectativas en cuanto al proyecto se vensuperadas día con día, al crear nuevos proyectos para clientes alrededor del mundo. - ¿Cuéntanos Carlos, hace cuánto se creo Bienal y que tanto ha cambiado tu perspectiva de branding desde entonces?

«Bueno, hace 10 años inicié Bienal Comunicación como un estudio. Actualmente soy Director y también cumplo con la función de Director Creativo. Volviendo a tu pregunta, el branding es un término que cada quien maneja a su antojo, pero nosotros preferimos mantenerlo sencillo: somos creadores de marcas totales. Mientras más impactantes, incendiarias, honestas y apasionadas sean, más funcionales y útiles serán.»

contaminan y se convierten en cínicos, carentes de empatía, lejanos a la sociedad y al entorno. Sea cual sea nuestra trinchera, debemos despertar conciencias, luchar por la inteligencia y el sentido, ser incendiarios. Esto significa romper paradigmas y hacer las cosas diferentes. Se puede aplicar a cualquier producto, servicio o industria, siempre teniendo una conciencia humana, amando y respetando nuestro mundo.

- ¿Consideras que hubo un factor importante durante tu desarrollo profesional que definiera tu trabajo actual? «Uno hace lo que ama y lo que le hace feliz, de lo contrario la gente se muere por dentro. Nuestro aliciente máximo es el servicio, la pasión y el sentido de congruencia. Ayudar a alguien a cristalizar sus ideas y sus pasiones, alineando la forma y el fondo, ese es el principal objetivo en Bienal Comunicación.

«Mientras más honesta es una marca, más exitosa es. Mientras más pasión involucramos, mejores resultados se obtienen. Hay que apostar todo por el todo y hacer lo que nos gusta.»

«Al tener motivantes falsos como la persecución ciega de dinero o de poder, las personas se

- Ademas de servicios de branding están expandiéndose a otros terrenos artísticos, pero en otras disciplinas, ¿cómo surgió esta idea? «El diseño y la comunicación gráfica no sólo son estética, son forma y fondo. Por eso en nuestro despacho tenemos a integrantes de múltiples disciplinas y colaboramos con grandes arqui-

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tectos, interioristas, industriales, chefs, músicos, artistas y todo tipo de profesionales. Mientras más seamos y exista menos ego, mejor.» - Ustedes tiene un lema, WorkingRocking, ¿de qué se trata? «“WorkingRocking” es nuestra filosofía con la cual expresamos la importancia de trabajar sin trabajar, hacer las cosas con pasión, amar nuestro trabajo, ser profesionales, detallistas, llegando a los límites para cristalizar la comunicación visual de las marcas. En los últimos años hemos sido conferencistas y talleristas en congresos de diseño y creatividad a nivel nacional e internacional. Hace unos meses participamos en el congreso OFFF celebrado en el Museo de Diseño de Barcelona, festival con más de 15 años de existencia y de más vanguardia en el medio, en eventos en ciudades como Moscú, Barcelona, Cincinnati, Oporto y CDMX.» - Sabemos que eres el creador del logo de SLKTR, la faceta de DJ de el periodista Alejandro Franco y también de su monograma. ¿Cómo surgió esta colaboración? «Conocí a Alejandro en un evento que se realizó en Mérida, el llegó como SLKTR (DJ) y platicamos muy a gusto, hubo buena vibra y amistad, platicamos de SesioneS Con Alejandro Franco (su programa) de gente que ambos admiramos y de sus entrevistas. «El evento fue Mercadito Bazar, la plataforma más importante en el sureste de moda, cultura y diseño en México y los eventos fueron realizados en el restaurante PicoDeGallo y el Club Tequila, todos diseñados por nuestro estudio, y así es como comenzó a fraguarse la idea de hacer la marca de Alejandro.

Branding EMOCIÓN, cortometraje realizado por Bienal.

«El brading es muy interesante porque es una arquitectura de marca, por una parte está el productor, periodista, director de documentales y de cine Alejandro Franco y por el otro el DJ SLKTR, la marca se generó con conexiones y diferencias para así poder delimitar su uso dependiendo de la ocasión. «Inspirados en la personalidad e ideología de Alejandro, diseñamos para esta marca un monograma que une las iniciales de su nombre con una tipografía seria y contemporánea. La forma del monograma permite su uso en diferentes formatos y entornos, dejando una marca personal que transmite autoridad y elegancia. «Para SLKTR, diseñamos un logotipo cercano a sus inicios en la radio, con una tipografía inspirada en la arquitectura informática de 8 bits,

que remonta al software de selección de música utilizado en la mayoría de las grandes estaciones de radio en el mundo.» - ¿Algún consejo para aquellos que empiezan su caminar en ésta disciplina? «Mi consejo es que no le hagan caso a nadie, duden de todo, sigan su camino y comprendan que la clave de todo está en hacer el bien. No se tomen nada como ley, no trabajen en lo que no les gusta, no estén con quien no les gusta, no estén donde no quieran estar, actúen y no hablen, propongan y no critiquen, luchen y no se dejen, maten el ego y no persigan el dinero, ni apellidos, ni poder, ni banalidades. Convivan con gente propositiva y disfruten el momento pues es todo, no hay nada más, solo disfruten el momento, y principalmente, no me hagan caso.»

Packaging de Beecheii.

Tel. +52 (999) 930 6499 Av. Altabrisa, Calle 7 Número 305 entre 4 y 6. Fracc. Vista Alegre Nte. Mérida, Yucatán. Branding SLKTR.

ART BRUT

ERNESTO RÍOS EL LABERINTO CRÍPTICO Por Diovanny Garfias

Su formación académica abarca un largo transitar a través de diferentes disciplinas, mismas que convergen en un espíritu de investigación interdisciplinaria y es ahí, en ese momento de iluminación, que el genio del artista aparece para sumarse a la ecuación y entregarnos su obra, difícil de definir entre fotografía, escultura, obras interactivas, video, sonido, escritura y pintura pero interpretada como una reconfiguración de la realidad a través de sus ojos (con connotaciones espacio temporales implícitas). Para el creador las cosas son más sencillas al explicarse como «un artista visual que experimenta con la imagen, con diferentes materiales, trabajando sobre conceptos diversos desarrollados con los años.»

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El artífice antes mencionado es el mexicano Ernesto Ríos, cuyo currículum ostenta un grado de Doctor en Filosofía con especialidad en Artes Visuales y Multimedia por la Universidad Universidad Royal Melbourne Institute of Technology en Australia y una Maestría en Telecomunicaciones Interactivas, con especialidad en Multimedia, por la Universidad de Nueva York, si a esto sumamos el paso de su obra por países como Cuba, Australia, Estados Unidos, Inglaterra, España, Brasil y Francia es difícil imaginar que el oriundo de Cuernavaca, Morelos, se haga un espacio para decodificar Code Of The Forest, su más reciente trabajo. Más difícil de entender es que nos cite en su estudio, a unos días de inaugurar su exposición en el Centro Roberto Garza Sada de la UDEM, en Monterrey, para después volver a la Ciudad de México, a la Galería Sismo, para ser exactos. Al menos una decena de personas entran y salen a la vez que desarrollan diversas labores relacionadas con las piezas de Ríos, en medio de la algarabía provocada por la presentación de los nuevos vástagos. Ante el ofrecimiento de una cerveza (oscura) se rompe el hielo y, así, comenzamos a saciar nuestra curiosidad. Lo primero que salta a mi mente es la forma en que ha logrado compaginar su vida académica con su prolífica carrera como creador; para él todo va de la mano, sin coincidencias: «Inicialmente estudié Lengua y Literatura Hispánica como una especie de complemento a mi formación como artista visual, porque creo que enriquece mis creencias a nivel visual pero toda mi vida me he formado en paralelo con la imagen. Estudié fotografía —vengo de una familia de fotógrafos— y el dibujo y la pintura siempre han sido parte de mi formación y de la manera en que me comunico.»

- Sin embargo, parece que siempre hay mucho más detrás de cada desarrollo, incluso cuando no salta a primera vista… «No sólo se trata de desarrollar la pieza, hay una parte muy importante de investigación histórica, conceptual, filosófica, arquitectónica, estética. Así he creado una obra que se nutre de aspectos interdisciplinarios, de la filosofía, la poesía, la música, todo se entrelaza con lo que hago.» - ¿Haz intentado hacerlo de manera simplificada? «No me visualizo creando sin tener esta reflexión paralela de historia, mitología, filosofía, arquitectura, matemáticas, esta especie de simbiosis de lo académico y la producción. No es sencillo, tengo periodos de investigación y otros dedicados a la producción; du-

rante el doctorado era un requisito producir y al mismo tiempo investigar, como dos espejos que se encuentran, que se extienden hasta el infinito.» - ¿Es difícil trabajar como artista visual bajo una rigidez casi académica y en un ambiente de investigación, en una época en la que parece que el arte va en dirección opuesta? «Es un reto. Las artes visuales, sobre todo el arte contemporáneo, se ayudan de la improvisación y de la falta de rigor académico. Creo que hay mucha exploración banal, de moda, trabajar a partir del ready made y fórmulas bastante “fáciles”, sin una reflexión que posibilite un cambio en cualquier área del conocimiento.

A veces, los artistas visuales navegan por esta vía, ahora está de moda poner un objeto sin haberlo intervenido (como desde hace décadas) pero siento que falta un rigor académico, disciplina, oficio, cosas que se han ido perdiendo. En este sentido, estoy interesado en la exploración, en ocasiones casi científica, de la producción.» - Partiendo de lo anterior, háblanos de Code Of The Forest. ¿Qué hay detrás de estas pinturas de gran formato y las estructuras con cerillos? «Mis pinturas en gran formato son constelaciones, y cada letra es en sí una estrella. Hay planetas y utilizo códigos y números, símbolos y letras que se entrelazan y forman un lenguaje relacionado con lo que vivimos hoy en día, con la tecnología, las redes sociales, los virus electrónicos y el lenguaje binario. Todo eso lo plasmo como un reflejo de lo que me parece somos como sociedad.

«LA ARROBA ES UN SÍMBOLO QUE NOS UNIFICA Y QUE ES PARTE DE NUESTRO LENGUAJE COTIDIANO.»

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«La serie de los cerillos surgió hace aproximadamente 27 años, de manera muy natural, fui acumulándolos al cocinar (prendía la estufa y dejaba el cerillo a un lado) y cuando tuve una cantidad importante pensé en jugar con ellos, generar geometrías. Empecé con figuras muy simples hasta llegar a un dodecaedro, los roté milimétricamente en espiral helicoidal y se convirtió en una especie de meditación geométrica. Así fue sintetizando estas capas de tiempo, tratando de construir un ritmo. Como decía Octavio Paz: “La arquitectura es música congelada”.»

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- Ahora que tocas el tema de la rotación, las espirales y los laberintos, parece haber una constante en tu obra… «Uno de los temas que más trabajo es el del laberinto, el arquetipo universal, un tema que se ha desarrollado desde hace más de cinco mil años, con muchas capas de historia. Para trabajar el tema como artista visual debes tener muy claro en qué parte del tiempo estás, preguntarte: ¿cómo un artista visual contemporáneo puede aportar su grano de arena desde una perspectiva particular?» - Ernesto, eres un artista mexicano que ha tenido la oportunidad de presentar y ser reconocido por su trabajo en otros países. ¿Crees que tu obra refleja el momento de efervescencia nacional que vivimos? «Mi trabajo no es un panfleto político, me gusta abordar temas más amplios, se trata de tocar emocionalmente lo mismo a un asiático que a un europeo, hablar de temas universales. Code

Of The Forest, por ejemplo, tiene que ver con el cosmos, con constelaciones, con estructuras tipo ADN y creo que es un tema que va más allá de lo local y lo nacional. Trabajo mucho con lo monocromático y creo que eso permite un acercamiento con cualquier individuo. La arroba es un símbolo que nos unifica y que es parte de nuestro lenguaje cotidiano. «Lo que sí creo es que lo que se haga en México debe estar hecho con pasión, poniendo el corazón en todo, con una calidad extrema que pueda ser vista y admirada en cualquier parte del mundo. Mientras hagamos eso ya estamos generando una revolución que va más allá de cualquier estereotipo.» - Para terminar, me gustaría saber cómo alternas una disciplina como la fotografía, en la que plasmas un pedazo de realidad, con tu obra visual interpretativa, ¿dónde se encuentra la convergencia entre ambas?

«La fotografía parte de una realidad preestablecida y lo que haces es “registrarla”, pero depende del ángulo que escojas, de la iluminación, del lente, la cámara, la exposición; partes de lo que ves y lo interpretas. En el caso de la pintura es aún más personal, pues inicias casi de cero, de una superficie en blanco para conformar un universo y un diálogo entre tú y el espectador, quien se presta para una introspección muy profunda de lo que realmente quieres transmitir. Luego viene la parte de cómo lo quieres mostrar. En ese sentido pienso en la obra de Umberto Eco, quien tiene un ensayo que se llama Opera Aperta en el que habla del papel del lector o del espectador que complementa la obra; es decir, su tarea es terminarla. Por eso juego mucho con los espacios vacíos. En los cuadros se pueden ver líneas en las que voy jugando con un lenguaje críptico, puedes descifrar ritmos, palabras ocultas, se convierte en una invitación a participar.»

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NO EXISTE EL FIN Por Luciana Villegas | IG: @lucianavillegasr | T: @luciana_deli

Me di cuenta que ya había muerto más de mil veces y que realmente ésta no existe. Me tatué ‘mátame’ en el dedo anular izquierdo como recordatorio constante de mi unión con todo lo que me rodea y la imposibilidad del fin. Pero si no puedo acabarme nunca, ¿qué sentido le doy a mi presencia actual? Entonces empecé a adentrarme en el fondo de la forma, la selva infinita del ser. Así nace mi necesidad y curiosidad por explorar el camino de la palabra, crear textos en diversas formas distinguidos por su sinceridad. Busco recrear sensaciones y emociones muy particulares que todos experimentamos en algún momento, pues me parece que ese es el objetivo del arte, crear vínculos. Decidí hacer un libro que poco a poco se fue transformando en un proyecto más grande, ya que la premisa lo permite y el mensaje necesita de más voces: la selva (o el gran desorden, confusión y asunto complejo). Su nombre lo dice todo: motivo de risa y llanto, el caos ordenado. El centro son poemas que relatan mi experiencia hasta hace poco con la vida, cómo me he relacionado con absolutamente todo y la inquietud paradójica que me provoca el amor. No eran suficientes las letras, necesitaba imágenes, necesitaba música, necesitaba un espacio y necesitaba compartirlo… llegar hasta donde me fuera posible. Ha sido un trabajo puramente intuitivo que quizás no se encuentre en su forma más refinada, pero que creo le va bien por el carácter del mensaje, un experimento no se presta a tanta edición, debe de ser expuesto para poder crecer y seguir transformándose. Cada quien le dará el significado que desee a mis palabras. La suma de conceptos, imágenes y música son herramientas para que el lector cree su propia selva, y esta particularidad es mi objetivo, es la experiencia que he tenido con la literatura y que era precisamente lo que buscaba replicar. Ojalá cumpla su propósito y lleguemos más lejos de lo que alcanzo a ver. Al final, la naturaleza siempre cumple su curso. Gracias por leerme.

A continuación presentamos las primeras páginas de La Selva (o el gran desorden, confusión y asunto complejo), un proyecto multidisciplinario, que combina literatura, música y visuales, “un libro de poesía ilustrada que no existe sin música ni un espacio físico”, como su autora lo recalca.

BIO: Luciana Villegas es escritora, artista visual, actriz y fotógrafa, puedes conocer más de su trabajo en lucianavillegas.com

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VÍCTOR RODRÍGUEZ SÍSIFO HIPERREALISTA Por Leonel Hernández

El arte de Víctor Rodríguez es, como teóricamente tendrían que ser la mayoría de las manifestaciones artísticas, un arrebato de técnica precisa y un reclamo contundente, a la vez que una reafirmación interna. Radicado en Nueva York en tiempos inciertos para la identidad nacional, Víctor se reconoce a sí mismo como un artista que se enorgullece de su mexicanidad ante el mundo, dueño de una técnica mixta al tiempo que clásica. Sus pinturas exploran el hiperrealismo y lo lleva a un nivel de ensoñación, retratando a la humanidad y al mundo de modo distinto a sus contemporáneos. WARP Magazine conversó con él durante su más reciente exposición y esto fue lo que nos contó.

Socrates WTFIB, 2016

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Button Head, 2017

Blue Jungle, 2016

- ¿En qué momento te diste cuenta de tu talento y decidiste que era lo que querías hacer para vivir? «Siempre tuve inclinaciones artísticas pero nunca lo vi como una posibilidad real. No hay nadie en mi familia con relación artística o al menos cultural, y por eso para mí siempre fue irreal. Cuando escogí la carrera de diseño gráfico me di cuenta de que era una tomada de pelo y me pasé a historia del arte. Al mismo tiempo empecé a trabajar en mis primeras pinturas y cada vez me lo tomaba más en serio. Básicamente es algo que no escogí, el arte me escogió a mí. No he trabajado en otra cosa, así que he sabido ganarme la vida con esto. Todo ocurrió al final de

los años 80.» - ¿Cómo definirías el arte que realizas? «Es pintura mexicana contemporánea figurativa. Las cosas necesitan una etiqueta para conocerlas o entenderlas, y de los calificativos que se le pueden poner a este trabajo lo definitivo es eso. A pesar de que llevo 20 años viviendo en Nueva York nunca he dejado de considerarme un artista mexicano, y mi trabajo también es mexicano. Todas las influencias, lo que lo nutre, todo el origen y la sensibilidad es de México.» - ¿Cuál es tu proceso creativo al dar vida a estas imágenes? «Cuando tengo una idea la debo producir, así que consigo los modelos, los escenarios, como si fuera

una sesión de fotos o una producción teatral. Tomo las fotografías que necesito porque quiero que mi trabajo tenga una verosimilitud alta, y cuando tengo esas imágenes hago la preproducción digital y empiezo a armar la pintura. Esa es la fase más placentera y rápida, porque ya resolví los demás problemas. Tampoco quiero que la obra final parezca una fotografía, nunca copio la imagen tal cual.» - ¿Qué tanto ha evolucionado tu estilo? «Ha evolucionado conforme ha cambiado mi vida personal. Hace 18 años estaba casado y con una bebita, por lo que mi trabajo estaba más enfocado a representaciones domésti-

cas, en un entorno más dulce e inocente. Ahora que no estoy casado tiene otra visión pero la metodología es la misma.» - ¿De dónde surge la idea de la exposición Sysphus Psychodelic y cómo fue la curaduría? «Hace seis meses empezamos a armar este proyecto, una obra muy reciente con varios hilos conductores. Uno de ellos es la pregunta personal sobre qué es la belleza, una exploración por la belleza y lo bello. Otra es la de encontrarte a la mitad del camino, profesional y personalmente, revisar qué he hecho y por qué lo he hecho, en qué he usado ese tiempo. De ahí viene la relación con Sísifo, el mito griego.»

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Silver Profile Jungle, 2017

como una cuestión eterna de hacer una actividad sin sentido.» Dicen que el arte también funciona como terapia… «Esto es completamente autoterapia. La razón por la que trabajo es por salud mental, si no fuera por esto no operaría tan bien en otros contextos. No lo hago para impresionar a nadie o por cuestiones comerciales, o para ganar la aprobación de algún sector, todo comienza por una cuestión terapéutica.» Víctor Rodríguez

- ¿Te identificas con Sísifo? «Todo el mundo se debe identificar con él, es muy universal. También, visto a través de Albert Camus, es una solución práctica para la vida contemporánea, entender que todo está en nuestra interpretación del fenómeno; si lo asumes como un castigo será un castigo, así es más o

menos la vida del artista: terminas un trabajo y empiezas otro aunque no estés satisfecho. No podemos engañarnos a nosotros mismos, si hicimos mal una cosa nos sentimos mal, es una sensación que no te puedes quitar. En cualquier trabajo puedes “engañar” a tu jefe y no es tan relevante, pero esto se puede ver o sentir

- Desde tu punto de vista, ¿cuál es el panorama actual del arte mexicano, hacia dónde va y qué paradigmas enfrenta? «No estoy muy al tanto. En mi percepción, el mundo vive un momento de confusión en el que no hay reglas, todo se vale; es un momento interesante. México, por ejemplo, es líder artístico a nivel mundial, con representantes como Gabriel Orozco. Lo único que yo opinaría o

agregaría es que la pintura mexicana contemporánea también existe, y el trabajo del artista consiste en ser honesto consigo mismo, si no se cae en una pretensión. «Al arte mexicano no le falta nada, está bien posicionado a nivel mundial. Cuando me fui del país había alrededor de cinco museos y galerías en la ciudad, hoy ha explotado mucho, con museos, galerías serias, etc. Si México debe sentirse orgulloso de algo es de su representación artística. A veces la gente se enfoca mucho en los logros deportivos, pero México es líder mundial en el arte.» - ¿El arte salva a las personas? «Por su puesto. No el objeto, sino la interpretación, por eso los edificios corporativos siempre tienen arte en el lobby, para que la gente que va todos los días a trabajar como autómata no se olvide de esa parte libertaria. Sí, creo que el arte salva.»

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The Rise Fall OFRB, 2016

BW Head Study Sedgwick, 2016

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CLEAN BANDIT WHATâ&#x20AC;&#x2122;S NEXT? Por Sara Araujo Foto: Rita Zimmermann

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En la actualidad, la innovación y experimentación son conceptos recurrentes al crear música nueva. Una mente creativa y un gran talento pueden lograr grandes cosas si se combinan adecuadamente, y aunque los sonidos ‘retro’ siguen siendo llamativos, la novedad y las propuestas emergentes abren un camino prometedor en la escena musical. La era digital es la principal herramienta de creación y difusión. Es el caso de Clean Bandit, grupo de synthpop originario de Reino Unido, conformado por los hermanos Patterson, Jack y Luke, y la chelista Grace Chatto. Clean Bandit inició oficialmente en 2009, en Cambridge, Inglaterra. Su estilo musical se caracteriza por fusionar música electrónica y sonidos de piezas clásicas, inspiradas en compositores como Mozart y Shostakovich. Al platicar con Jack sobre los inicios de la banda, el músico comentó que todo comenzó como un proyecto escolar: «Nos conocimos en la universidad hace ocho años, aproximadamente. Yo estaba grabando para un cuarteto de cuerdas de Neil (Amin-Smith, ex integrante de la banda) y comencé a jugar un poco con ese material, agregando beats y otras cosas. Nos volvimos a ver y le compartí lo que había trabajado; así comenzamos nuestra primera agrupación. Seis meses después mi hermano Luke se unió al grupo, en la batería, y comenzamos a probar diferentes sonidos. Poco después empezamos a trabajar con diferentes cantantes.» Sin duda alguna, el nombre de la banda expone originalidad y, a la vez, curiosidad. El músico inglés comentó que la idea surgió de un chiste entre ellos:

si bien su carrera formal es relativamente reciente, tiene un gran futuro por delante, con una fuente de inspiración que los motiva a alcanzar nuevas metas. En su caso, Jack asegura que Radiohead es, indudablemente, su fuente de inspiración principal; «es uno de los proyectos que más han inspirado mi trabajo musical.» El distintivo de Clean Bandit es la contribución, con una amplia variedad de vocalistas invitados. Actualmente la banda promociona su más reciente single ‘Rockabye’, resultado del trabajo desarrollado con Sean Paul y Anne Marie. Curiosamente, Jack confesó que Clean Bandit es ávido seguidor del cantante jamaiquino desde hace muchos años: «Estuvo muy bien, hemos sido fans de Sean Paul por muchos años. Hace tres o cuatro fuimos a verlo a Londres y tuvimos la suerte de conocerlo después de su presentación, en backstage, le dimos un disco nuestro y fue muy educado con nosotros. Nos dijo que le gustó mucho nuestra música y después de un tiempo nos volvimos a encontrar. Esperamos mucho tiempo para poder colaborar con él, admiramos mucho su trabajo. «Con Anne Marie fue diferente, la vimos en algunos festivales el año pasado. Tiene una voz fantástica y después de escucharla en vivo se nos hizo una gran idea grabar ‘Rockabye’ con ella.»

«El nombre de Clean Bandit es un chiste local. En realidad proviene de una frase rusa que podría significar “completo bastardo”, pero nosotros lo usamos como un apodo de cariño.»

Esto es Clean Bandit hasta el día de hoy, con una trayectoria auténtica, un camino que los ha llevado al reconocimiento internacional y, a pesar de encontrar una fórmula que les ha funcionado, sin un siguiente paso planeado. Al preguntar a Jack sobre el futuro de la banda, lanzamientos o colaboraciones, el músico respondió:

El proyecto siempre se ha caracterizado por fusionar música electrónica y clásica, con ‘Rather Be’ como su sencillo debut, en 2014, realizado en colaboración con la cantante británica Jess Glynne. Un año después dicho lanzamiento les mereció un Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance, y

«Dado que no contamos con un vocalista formal buscamos cantantes constantemente. Al estar de gira tenemos cantantes y nos encanta trabajar con nuevos artistas, probar nuevos sonidos. De hecho, apenas terminamos nuestro segundo disco y estoy realmente emocionado por el lanzamiento.»

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MUAC

UN LUGAR PARA TODAS LAS IDEAS Por Kaeri Tedla Fotografias Oliver Santana, cortesÃa MUAC-UNAM

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Fachada MUAC. Al fondo exposiciรณn Carlos Cruz-Diez. El color en el espacio y el tiempo

Cuando uno camina por Ciudad Universitaria (CU), en la Ciudad de México, se enfrenta cara a cara con una diversidad de formas y estructuras pensadas no sólo para ofrecer un uso práctico y funcional a la academia, el deporte, el desarrollo de habilidades especiales, la cultura y la relajación, sino con para brindar un diseño arquitectónico y urbanístico que, además, guarda un equilibrio entre la arquitectura de vanguardia y la reserva ecológica en la que está inmersa. La Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) ha buscado desde su creación ser el espacio propicio en el que todas las ideas y visiones del mundo estén incluidas, expresadas en la interacción de la comunidad estudiantil y docente (además de los miles de visitantes que aprovechan su infraestructura) y en el arte que encontramos diseminado en los más de tres millones de metros cuadrados que integran el campus (un área más grande que el de algunas ciudades de Europa). Entre sus cerca de mil edificios, entre facultades, bibliotecas, complejos administrativos, talleres y laboratorios, así como centros de investigación, la UNAM cuenta con algunos de los más importantes museos incluidos en la oferta de más de 350 que la ciudad pone a disposición del público de México y el mundo, superando la de ciudades como París o Nueva York. En este nutrido cosmos cultural, el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) es el primer museo público creado ex profeso para dicha corriente de vanguardia en México, abarcando cada uno de sus aspectos: arquitectura, gestión, museología e interpretación. Sus puertas abrieron el 27 de noviembre de 2008 y es el primer recinto concebido de manera integral, al incluir desde la gestión institucional hasta el proyecto arquitectónico. El MUAC alberga y exhibe la colección de arte contemporáneo de la UNAM, constituida por obras trascendentales en el desarrollo del arte nacional a partir de 1952. Su objetivo es amalgamar la historia de las

prácticas artísticas en el país desde mediados del siglo pasado a través de dos acervos: el artístico y el documental, estableciendo también un estrecho diálogo para su estudio. Actualmente la colección del MUAC está conformada por mil 416 obras, 26 fondos documentales y cuatro colecciones asociadas, todo esto ligado al maravilloso concepto arquitectónico del maestro Teodoro González de León, con grandes salas que se transforman con cada muestra, amplios espacios de techos altos y una distribución que hace de cada recorrido una experiencia única. WARP Magazine conversó con Cuauhtémoc Medina, Curador en Jefe del MUAC, quien compartió su visión del arte contemporáneo en México y el papel que juega el museo en esta interesante dinámica cultural. «No existe una definición como tal del arte contemporáneo, pues aquello que entendemos bajo este concepto tiene como característica fundamental el existir en un espacio que está en constante discusión y transformación», asegura el doctor Medina. «Cuestiones que eran del interés de las artes visuales de los siglos XVIII, XIX y XX en México han encontrado un lugar común en lo que hoy llamamos arte contemporáneo, gracias a su constante búsqueda y experimentación». Continúa Cuauhtémoc Medina: «Hoy en día los museos y los centros culturales entienden al arte como una experiencia presente, donde los objetos y el debate están muy lejos de la contemplación pasiva de hace algunas décadas o de la relación solitaria y fría con la interfase de una computadora.» Muchas cosas tuvieron que pasar para consolidar el concepto que al interior del MUAC se erige, una propuesta museográfica completa en la que el entorno, la obra y la interacción con ella generan una experiencia completa. Así, este espacio se ha abierto a todas las ideas, con artistas internacionales exhibiendo su obra.

Vista de la exposición De ida y vuelta. Lance Wyman íconos urbanos, MUAC, 2014

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Interior MUAC

Fachada MUAC

Muestras como Anish Kapoor. Arqueología: Biología, que en su primer fin de semana registró más de 16 mil visitantes, o De ida y vuelta, de Lance Wyman, artista con un vínculo importante con México al haber diseñado el logotipo de los Juegos Olímpicos de 1968 y la gráfica institucional de Sistema Colectivo Metro, han dado muestra del importante poder de convocatoria del museo y de la calidad artística que ha albergado.

Vista de la exposición Anish Kapoor. Arqueología Biología, MUAC, 2016

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Vista de la exposiciรณn Carlos Cruz-Diez. El color en el espacio y el tiempo, MUAC, 2012

Vista de la exposiciรณn Rafale Lozano Hemmer. Pseudomatismos, MUAC, 2015

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En este sentido, el doctor Cuauhtémoc Medina señala: «En los años dorados del PRI y la hegemonía de un sistema político de un solo partido, al gobierno le preocupaba perder la cara, no le preocupaba perder las urnas sino mostrar un México progresista y moderno a través de actividades y sitios que proyectaran esto. Sin embargo, a pesar de ciertos esfuerzos nunca lo logró realmente, por lo complicado del aparato cultural oficial y el patrocinio estatal. «La UNAM, bajo la rectoría del Dr. Juan Ramón de la Fuente, tomó la decisión de incrementar el campo cultural y artístico, y el frente que quiso asumir para empezar esta misión fue, justamente, el arte contemporáneo. Para ello rescató y amplió muchos museos, algunos de los cuales estaban francamente abandonados, como el del Chopo, y creó otros como el Centro Cultural Universitario Tlatelolco. La necesidad de generar un espacio dedicado al arte contemporáneo lo llevó a dar vida al MUAC.» Vista de la exposición Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos en México 1952-1967.

Hoy, el MUAC es un espacio pleno que refleja la importancia del arte mexicano en el mundo y el respeto que la comunidad internacional le tiene a curadores, creadores e instituciones nacionales. Nuestro país está inmerso en el gran escenario del arte con un poder y presencia que muy pocos frentes tienen, haciéndolo de manera orgullosa y entendiendo la constante transformación artística y su entorno, con un toque sublime que integra elementos simbólicos de la cultura nacional, histórica y contemporánea.

MUAC, 2014

El Museo Universitario Arte Contemporáneo es, de este modo, un hermoso territorio cuya geografía plástica, arquitectónica y conceptual nos aleja de la locura que inunda los medios digitales, un museo que funge como un oasis a la sin razón vociferante de las plataformas y las palabras, de las imágenes y las propuestas, pleno de delicias, para disfrutarlo cuando queramos.

*Cuauhtémoc Medina González es Doctor en Historia y Teoría de Arte por la Universidad de Essex, en

Vista de la exposición Vicente Rojo. Escrito_Pintado, MUAC, 2015

Gran Bretaña, y Licenciado en Historia por la Universidad Autónoma de México, miembro del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM y Curador Asociado de Arte Latinoamericano en las Colecciones de la galería Tate, en Reino Unido. También es miembro de Teratoma A. C., grupo independiente de críticos, curadores y antropólogos, y Jefe de Curaduría del MUAC.

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LUIS BARRAGÁN

Él fue uno de los primeros en conceptualizar la arquitectura emocional, denominada así por la intervención de factores como la iluminación, el color y el agua que agudizan nuestros sentidos al crear ambientes únicos.

gán, cuyo concepto está relacionado a la idea del misterio y la sorpresa que da un espacio que no se define por su funcionalidad sino por una especialidad vinculada a la sustancia ritual por la cual se puede construir.

«Creo en una arquitectura emocional. Es muy importante para la especie humana que la arquitectura pueda conmover por su belleza. Si existen distintas soluciones técnicas igualmente válidas para un problema, la que ofrece al usuario un mensaje de belleza y emoción es la arquitectura», mencionó alguna vez Luis Barra-

Este artista jalisciense realizó sus estudios profesionales en Guadalajara y se graduó como ingeniero-arquitecto para después viajar a Europa e impresionarse con la belleza de sus jardines. Al regresar a México e instalarse en el entonces Distrito Federal ejerció su profesión en la construcción de departamentos en la colonia Cuauhtémoc. En

CONSTRUYENDO EL SIGLO XX Por Carolina Barragán

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Fuente de los Amantes

Casa Gilardi

aquel primer año adquirió un amplio terreno en la llamada Calzada de los Madereros, donde diseñó algunos jardines. Vendió la mayor parte de ellos, pero conservó uno pequeño para su casa en Tacubaya, un lugar con rasgos de la arquitectura popular que es, a la vez, una expresión de la arquitectura contemporánea y emocional. En su prolífica carrera, Barragán colaboró con el arquitecto Mathias Goeritz en el Manifiesto de la Arquitectura Emocional, obra que define la elevación espiritual contenida en toda obra arquitectónica. La Casa Pizarro Suárez (1937), La

Torres de Satélite

Fuente de los Amantes (1964) y, en sus últimos años, la Casa Gilardi (1976) son algunas de las obras que lo colocan como uno de los arquitectos mexicanos más importantes, sin embargo, cinco columnas al norte de la ciudad son las que colocan su nombre en el imaginario colectivo. Invitado por la empresa que desarrolló el fraccionamiento Ciudad Satélite, en 1957 Barragán dio a la zona el símbolo de urbanización que necesitaba a través de las conocidas Torres de Satélite. En este trabajo Barragán colaboró con Goeritz y logró el sentido imponente que se propuso desde el principio pues, al ir pasando,

se siente como si llegaran al cielo, en un constante cambio para el ojo humano ya que la imagen escultórica nunca es la misma. En la actualidad, su figura y obra siguen vigentes gracias al valor intangible que buscó revalorizar la arquitectura mexicana, con un sentido nacionalista, vernáculo y emocional que se convirtió en su sello distintivo, una visión personal que lo llevó en una búsqueda constante de identidad, misma que hoy inspira a una nueva generación de arquitectos que toman su trabajo como referencia.

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XIU XIU

ABOUT SMURFS AND TROLLS Por Oscar Adame

La primera vez que escuché la maníaca pero brillante voz de Jamie Stewart fue en la siguientes líneas: «Dear God I hate myself, / And I will never be happy, / And I will never feel normal», tres líneas que resumen el sentir de lo que es Xiu Xiu. Con una escalofriante sinceridad Jamie describe, en pequeños relatos, mundos en donde la sexualidad, la violencia y la autohumillación seducen con la cruda y poética narrativa escrita para cada una de sus canciones, una propuesta vanguardista que llegó para tomar toda la belleza lírica de Morrissey y llevarla al máximo nivel de locura posible.

El siguiente material de estudio de Xiu Xiu, Forget, se perfila como uno de los más excitantes del año y es por ello que decidimos platicar con el señor Jamie Stewart, en un intento por conocer qué hay en una mente tan misteriosa como la suya. - En las dos canciones que has adelantado de Forget (‘Jenny Go Go’ y ‘Wondering’) se puede apreciar una conexión enorme con Angel Guts. ¿Consideras a este disco como una secuela? «Es algo difícil de decir, los enfoques son distintos pero creo que, tal vez, la oscuridad y la explosividad de los sonidos son similares de cierta manera.

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«Para mí Angel Guts está enfocado en crear un sonido industrial mientras que Forget parece centrarse en temas relacionados al subconsciente y lo sobrenatural. No es que no tenga un enfoque musical pero éste es mucho más abierto que el que tuvimos en Angel Guts.» - Hay elementos en tu música que parecen haber sido agregados de forma impulsiva, como gritos o golpes. ¿Cómo es que llegan estos elementos y decides colocarlos en una canción pop? «Algo que siempre ha sido importante para nosotros es ser impulsivos, como lo notaste, nunca estar apenados de dejar que nuestro sentido físico explote mientras tocamos o escribimos. «Una de las razones por las cuales la humanidad persiste es debido a que la gente resiste impulsos y eso llega a enfermar, pero la música siempre es un buen lugar para meterte en problemas y, de hecho, la mejor música es aquella que toma riesgos. Tales impulsos pueden parecer tontos pero en el momento fueron algo real y son aquellas cosas que siempre trataremos de mantener.» - ¿Cómo sería Xiu Xiu si fuera una persona? «Creo que sería como un smurf, todos ellos juntos, incluyendo a Papa Smurf y a la chica… ¿cómo se traduce smurf al español? - Pitufo… «¿Pitufo? Hace poco descubrí que en italiano se dice puffo. Es divertido porque smurf, puffo y pitufo no suenan para nada pareci… ¡Oh, el tipo que creó The Smurfs murió hoy!, tal vez por eso está en mi cabeza.» - ¿Solías ver mucho Los Pitufos? «Me gustaba mucho cuando tenía como ocho años. A esa edad yo y mis amigos solíamos hacer este ritual en el que cavábamos un agu-

jero enorme y aventábamos un peluche de The Smurf en él, lo cubríamos con fuegos artificiales y los encendíamos. Lo hacíamos a manera de sacrificio para Hera, Zeus, o cualquier otro dios griego.»

gares en los que de otra manera resultaría muy difícil hacerlo. Al mismo tiempo, es un medio que permite a mucha gente decir cosas hirientes que de otra forma no lograría o tendría que leer.»

- ¿Cuál fue la cosa más extraña que hiciste de niño? «Era un niño muy extraño, jugaba con trolls todo el tiempo y, aunque eran mis juguetes favoritos, un día decidí meterlos en una maleta y enterrarlos en mi patio por un año entero. Creo que era una forma de castigarme para ver si podía resistir no jugar con ellos. Cuando mi mamá lo descubrió se puso furiosa.»

- ¿Ese tipo de comentarios suelen tener un impacto en ti? «Estoy avergonzado de decir que una de las razones por las cuales Internet me parece irritante es debido a que soy una persona extraordinariamente sensible y algo mínimo me puede afectar fuertemente, lo que es un gran problema.

- Hiciste un cover de ‘Under Pressure’ con Michael Gira, de Swans, y en este último disco trabajas con miembros de la banda. ¿Cómo ha funcionado esa conexión? «Con cada persona ha sido diferente. He sido fan de Swans desde que soy adolescente y estar en constante contacto con ellos me hace muy feliz. «A Michael lo conocí cuando estaba de gira con Devendra Banhart, en 2003, tiempo en el que Devendra estaba firmado bajo en el sello de Michael. Él vino al show que dimos en Nueva York, yo estaba muy emocionado y él fue terriblemente dulce conmigo. Le hablé por muchos años, muy casualmente, hasta que un día le envié un mail proponiendo la colaboración. «A Thor, por otro lado, lo conocí mientras formaba parte de Shearwater. Ellos hicieron un cover de ‘I Luv The Valley OH!’ y eventualmente se unió a Swans. Poco después conocí a Christoph Hahn y nos hicimos buenos amigos. Ambos trabajaron en Forget. - ¿Cuál es tu opinión con respecto a las redes sociales? «En nuestra experiencia las redes sociales nos han dado la oportunidad de tocar en lu-

«Te voy a dar un tour por mi estudio, que es mi cuarto de dormir también y es un desastre. Aquí tenemos sintetizadores, el Nintendo DS que usamos para grabar Dear God I Hate Myself, mi colección de estilófonos, mi hermosa guitarra Les Paul Mysterious G… es la tercera que tengo, la primera la destruí en un show.» - ¿Hay algún instrumento que hayas usado en Forget? «Este órgano, es un Yamaha de 1973 y es mi instrumento favorito en el mundo entero; está en todas las canciones de Forget. El sonido es bastante extraño, suena como una combinación entre un sintetizador y un órgano, realmente peculiar. Tristemente es imposible salir de gira con él, pero suena grandioso.» - ¿Cómo vas a tocar las canciones sin él? «Seguramente practicaré mucho con pedales de guitarra. Sonará como en el disco pero no idéntico, eso sería imposible.» - Para terminar, ¿tienen planes de venir a México? «No, tristemente no por el momento. Ya tenemos la primera mitad del año llena, esperemos que llegue una oportunidad al final de 2017.»

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TASTE THIS!

PUJOL

ARTE GASTRONÓMICO CONTEMPORÁNEO Por Diovanny Garfias Fotos: Sergio Gálvez para WARP

De pronto hay disciplinas, artes y oficios que se vuelven célebres en el imaginario colectivo, porque entregan placidez y ofrecen experiencias especiales para cada uno de los sentidos. En estos tiempos la gastronomía es una de ellas, sobre todo en México. La forma en la que el arte culinario ha hecho de la complejidad de aromas, sabores y texturas nacionales un producto integral es fascinante. Pero si la cocina mexicana está en boca de todos, entonces quienes ejercen la profesión son las verdaderas figuras y la más destacada, hoy por hoy, es sin duda Enrique Olvera. El originario de la Ciudad de México fundó Pujol en el 2000, ganando notoriedad inmediata gracias a su peculiar forma de presentar su arte, convirtiéndose en uno de los mejores chefs a nivel global y dando un nuevo significado al término “cocina de autor” en el proceso. Tras una historia de éxito en sus instalaciones de Francisco Petrarca 254, en el corazón de Polanco, Pujol promete iniciar una nueva desde otra sede, una en donde la arquitectura, el diseño de interiores e incluso, elementos orgánicos como una huerta juegan un papel importante y arropan las creaciones de Olvera.

pujol.com.mx

Visitamos sus nuevas instalaciones en Tennyson 133, para asombrarnos con su fusión entre diseño, sabor y buen gusto.

Polanco, Miguel Hidalgo 11550, CDMX

Tennyson 133

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TASTE THIS!

HUESO

EL TALLER DE LOS SABORES Por Michelle Apple Fotos: Mariela Martínez S. Fotos adicionales: Cortesía Hueso (Jaime Navarro)

Es delicado definir el concepto detrás de su decoración; ¿se trata de una oda a la historia natural en sus tiempos de mayor auge?, ¿o se trata de un capricho inspirado en el amor del arquitecto Ignacio Cadena (creador del concepto y la dirección de arte) por los colores blanco y tonalidades hueso?. Ninguna de las dos importa, cuando uno se abre paso a través de la elegante casa del la colonia Lafayette (una digna representante de la arquitectura de los años 40), la decoración invita e incita a perderse en este mundo blanquizco, donde los fragmentos de esqueletos, cráneos y utensilios de cocina contrastan en materia de textura con las paredes y las mamparas de madera en las que están montadas. ¿Y la comida?, no hay de qué preocuparnos, Alfonso Cadena, originario de Sonora y uno de los chefs más destacados en Guadalajara y en México está a cargo de la creatividad culinaria. El menú varía de temporada en temporada, respondiendo a la visceralidad de su autor, sin embargo, podemos catalogarlo dentro de la tendencia de fusión, en la cual los aromas se entrelazan con los sabores de diversas culturas, tan originales como lo son los de el oriente, y otras, tomando elementos de la riqueza de la cocina de nuestro país. Eso sí, la carne es el actor principal en esta novela gastronómica, sería un crimen pasar por Hueso y no degustar un delicioso ‘Taco Cardiaco’ (tortilla de harina con manteca, barbacoa y magret de pato, foie gras, pork belly y tuétano, con salsa de guayaba y chille pasilla, acompañado de mousse de frijol con higo y chile ancho). Un obligado en cada visita a Guadalajara, un regalo al paladar y a todos los sentidos.

huesorestaurant.com Efraín González Luna No. 2061 Colonia Lafayette Guadalajara, Jalisco México

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LOS 10 AÑOS DE DORIAN Por Marc Dorian / @MarcDorian

Fundar una banda de música independiente implica, en cierto modo, un posicionamiento político. Uno decide formar parte de este “bando” de la industria y no del otro porque opina que el músico debe priorizar los criterios artísticos sobre los comerciales. Este ha sido siempre uno de nuestros axiomas principales, el timón que a lo largo de diez años nos ha permitido capear dificultades, esquivar modas y desarrollar un sonido personal, con letras que, en cierto modo, reflejan nuestro modo de ser y de observar el mundo en el que nos ha tocado vivir. Afortunadamente, nuestra música ha encontrado eco en un público cada vez más amplio, mismo que ha crecido y nos ha apoyado durante todo este tiempo y a quien van dedicados los shows de esta gira de aniversario. Cuando Belly, Bart y yo fundamos Dorian, a mediados de la década pasada, nuestra ciudad, Barcelona, vivía una auténtica explosión de música independiente y de una cultura de clubes. La electrónica y la música indie iban de la mano de antros, discotecas, festivales, programas de tele locales y publicaciones mensuales, y poco a poco se fueron creando las condiciones idóneas para la proliferación de una activa escena local. Creo que el sonido

BIO: Marc Dorian es músico y fundador de la banda Dorian, así como colaborador de WARP Magazine y otros medios especializados

de Dorian —una mezcla de electro, new wave e indie rock— jamás habría sido lo mismo sin ese caldo de cultivo tan particular. También tuvimos entre nuestras primeras influencias a bandas de la nueva ola norteamericana, británica y española como Blondie, The Cars, The Cure, New Order, Radio Futura y Nacha Pop, cuyo sonido interpretamos desde una óptica particular al incorporar rítmicas electrónicas de los años 90 y los dos miles. Aunque por aquel entonces muchas bandas cantaban en inglés, nosotros tuvimos claro desde el principio que nos queríamos expresar en español. ‘Te echamos de menos’, una canción que habla de la pérdida de una ser querido, fue la primera canción de Dorian que tuvo repercusión a nivel local. Por primera vez me sentí verdaderamente satisfecho con una de mis letras, porque aquella composición hablaba de algo que me había afectado profundamente y me mostró que la clave para conectar con los demás consiste en hablar siempre de lo que a uno le importa y le afecta, sin complejos, huyendo de artificios y lugares comunes, porque cada uno tiene la capacidad casi innata de detectar aquello que está cantado y compuesto con las entrañas y el corazón.

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Así, después de ‘Te echamos de menos’ llegarían canciones tan fundamentales para el repertorio de la banda como ‘Cualquier otra parte’, ‘La tormenta de arena’ y ‘Los amigos que perdí’, que felizmente tuvieron un impacto muy notable en varios países siendo sencillos apenas programados por las grandes cadenas comerciales de radio o vídeo. Dentro de nuestra trayectoria internacional, México siempre ha sido un lugar especial. Hicimos nuestros primeros shows en el país abriendo para Zoé (con quienes hemos mantenido una relación profunda y fraterna) y desde entonces no hemos parado de visitar multitud de estados y ciudades de mexicanas. Aquí hemos pasado largas temporadas, viviendo y compartiendo experiencias con bandas como Reyno, Hello Seahorse!, Austin T.V y Dapuntobeat. Además, en la Ciudad de México grabamos nuestro álbum La Velocidad Del Vacío, un trabajo que contiene canciones compuestas en tierra azteca como ‘El temblor’ o ‘El sueño eterno’, esta última con un vídeo rodado en el cementerio de Mixquic.

Para terminar les diré que al celebrarse los primeros diez años de una banda es inevitable hacer un balance. Con este propósito, lo primero que resaltaría es el orgullo que siento al pertenecer a un proyecto que ha durado tanto y que, además, mira al futuro con optimismo, energía y muchísimas ganas. Vivimos sumergidos en la dictadura de lo efímero, un mundo en el que las noticias son tuits de 140 caracteres y lo que ayer era importante hoy suena a prehistoria. En este contexto, haber contribuido a levantar un proyecto basado en la honestidad y la música sin perecer en el intento me llena de satisfacción. Vaya por delante que también hemos tenido broncas en Dorian, malos momentos, caos, descontrol y ganas de mandar todo al carajo pero al final siempre se impone la amistad, el pilar fundamental de la banda. Tengo la suerte de compartir este trayecto con excelentes personas, mis compañeros de banda, nuestro staff, los equipos de booking y promoción, nuestro management y seguidores, quienes se han mantenido inalterables a lo largo de los años. A todos ellos va dedicado este texto, esta gira y los próximos diez años.

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Big White

PUBLIRREPORTAJE

INVIERNO EN EL OESTE CANADIENSE Por Michelle Fridman / @mich_fridman

Entre la majestuosidad de las Montañas Rocallosas y el Océano Pacífico se encuentra una de las provincias más diversas y hermosas de Canadá, la Columbia Británica, con tres de los mejores resorts de esquí: Whistler-Blackcomb, Sunpeaks y Big White.

después de haber disfrutado de los museos, la exquisita gastronomía, el mercado de Granville, el parque de Stanley, Grose Mountain o el acuario, puedes elegir tu ruta hacia unas vacaciones en la nieve.

WHISTLER A un poco más de cinco horas de vuelo, Air Canada conecta diariamente a la Ciudad de México con Vancouver, una de las metrópolis con mejor calidad de vida en el mundo, cosmopolita, multicultural, amigable con todo y de una impecable conciencia sobre el medio ambiente. Vancouver es el punto de partida para cualquiera de los tres resorts mencionados, así es que

Calificado entre los mejores resorts de esquí en el mundo, Whistler se encuentra a dos horas de camino desde Vancouver, un lugar ideal para esquiar pero también para hacer ciclismo, tirolesa, senderismo, tubbing, golf, compras y comer bien. La montaña de Whistler se conecta a la de Blackcomb mediante la góndola más alta y larga del mundo, Peak 2 Peak, que une ambas cimas en

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Sun Peaks

BIG WHITE En el lado oeste de las Rocallosas se ubica esta joya apreciada más por locales que por turistas. En medio del valle de Okanagan, este resort es famoso por ofrecer una de las nieves más suaves y secas, la Champagne Powder. La montaña consta de 118 pistas y una diversidad de productos turísticos para disfrutar en familia. Son famosos en Big White los snow ghost, nombre que reciben los pinos que, repletos de esta codiciada nieve, se disfrazan de blancos anfitriones que resguardan tus recorridos por la montaña.

TIPS DE VIAJE

Whistler

cuestión de minutos y muestra un paisaje espectacular. De esta forma, el dúo ofrece una enorme diversidad de pistas para los amantes de la nieve.

nes del año Sun Peaks ofrece gastronomía, una reconocida región vitivinícola, festivales culturales, golf, ciclismo, montañismo y mucho más.

SUN PEAKS

Por si esto fuera poco, desde 2015 Sun Peaks inauguró dos nuevas zonas de esquí, sumando con esto tres montañas y colocándose en el segundo lugar de las regiones de esquí más grandes de Canadá.

Desde Vancouver se puede volar con Air Canada a los aeropuertos de Kamloops o Kellowna, para llegar a este resort favorito entre los locales. Durante las cuatro estacio-

Dormir: una de las dos propiedades que la prestigiada cadena hotelera Shangri La tiene en América está en Vancouver. Como sabemos, para los chinos todo está en los detalles; la comodidad de sus cuartos, un servicio impecable, un spa de lujo y una exquisita oferta gastronómica están disponibles en pleno centro de la ciudad. Comer: algunos restaurantes imperdibles en Vancouver son Miko Sushi, Sandbar, Joeys, Coast, Black and Blue y Victoria para un auténtico Dim Sum chino. En Whistler no dejes de probar la comida de Bearfoot Bistro, Sachi Sushi, Elements, Araxi o Basalt.

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AUDREY TAUTOU CAPITAINE DE LA CALYPSO Por Manuel Baca

Con diversas nominaciones a premios cinematográficos y considerada por muchos como una actriz de culto, Audrey Tautou atrajo los ojos del mundo gracias a sus inolvidables papeles en cintas como la aclamada Amelié (2001), The Da Vinci Code (2006) y Coco avant Chanel (2009). La actriz francesa fue una de las invitadas especiales en la 14° edición del Festival Internacional de Cine de Morelia en donde presentó L´Odisseé, película del director Jérôme Salle que muestra la vida y obra de Jacques Costeau y su familia. Audrey platicó con WARP Magazine acerca de cómo fue llevar la historia de la familia Costeau al cine, lo que representó interpretar a Simone Costeau y la odisea que fue viajar por el mundo para filmar esta película. - ¿Cómo fue llevar esta relación padre-hijo a la pantalla grande? «La película nos acerca a la vida de una familia típica en la que los padres cometen ciertas torpezas con los hijos, sobre todo por parte del personaje principal, Jacques Costeau, quien tiene una marcada preferencia por Philippe, uno de los dos hijos. A mi parecer, su relación fue bastante conflictiva debido a la personalidad egocéntrica y carismática de Jaques y a las marcadas diferencias entre ambos; por ejemplo, Jacques tenía mucho menos interés por la ecología que Philip, la cual fue su principal motivación. Pero a pesar de todo tenían mucho amor el uno por el otro, era una familia ideal para hacerla heroica en el cine.»

- En la película interpretas a Simone Costeau, la esposa y compañera de Jacques. ¿Cómo fue el proceso de creación de tu personaje? «Simone fue una persona que nunca fue mencionada en las películas de Costeau y que siempre vivió a la sombra de su esposo, por lo tanto al momento de investigarla y de conocer su personalidad fue difícil encontrar referencias de ella y de su vida al lado de Jacques. Me basé mucho en una entrevista que dio alrededor de 1970 y me acerqué a gente que vivió con ella en el Calipso, para conocer más acerca de su forma de ser y de cómo era en su vida cotidiana. Te puedo decir que me identifiqué con ella de cierta forma, ya que no soy una persona conformista, me encanta salir de aventura y conocer el mundo, lo cual pudo hacer a lo largo de su vida.» - En la cinta podemos ver paisajes increíbles. ¿Cómo fue viajar a los lugares que muestra la película? «Primero hicimos todas las escenas en las que se desenvolvía la familia Costeau, con escenas del Mediterráneo en la época de los 50 y ese carácter silvestre. Viajamos a Sudáfrica y ahí grabamos las secuencias de las ballenas y las escenas submarinas, e incluso llegamos a viajar a la Antártica, donde grabamos una gran cantidad de escenas durante 15 días . Terminamos de rodar en las Bahamas, fueron 10 días de filmación en donde hicimos las secuencias con tiburones que apenas juntan unos cuantos minutos en la cinta pero que son increíbles. Queríamos que todo fuera real y sin duda lo logramos proyectar así.»

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RODRIGO PRIETO

FROM SILENCE TO ARGO

Por Alonso Valencia

El mexicano Rodrigo Prieto es parte de los nominados a Mejor Fotografía en la 89ª edición de los Premios de la Academia, gracias a su participación en la más reciente cinta de Martin Scorsese, Silence.

«En lo personal, (este premio) es un gran honor. Los Cabos es un lugar muy especial para mí, he venido como turista varias veces, me gusta, y el hecho de que se me haga un reconocimiento aquí es muy especial, muy bonito.»

Prieto, quien ha trabajado en otros trabajos de Scorsese como The Wolf Of Wall Street, de 2013, comenzó su carrera en 1988 con el cortometraje de Daniel Gruener Hoy Estoy Triste, para así trabajar en su primera película como cinefotógrafo en Ratas Nocturnas, de 1991.

- Como mencionas, el festival es un punto de conexión muy enriquecedor entre cineastas, realizadores, prensa, el público. Tú, como cinefotógrafo exitoso, ¿qué piensas del papel de este tipo de festivales en el impulso de la industria en México? «Sé que vienen productores y empresas que invierten en cine, realizadores que presentan sus películas pero que también tienen pláticas para producciones futuras, así que creo que para que haya cine de calidad tiene que haber bastante cine. En este sentido, no basta con una inversión del gobierno sino también de la industria privada, y creo que a eso estamos llegando, a un híbrido en el que el gobierno da apoyos fiscales y la iniciativa privada hace un cine que atrae a la gente y que no necesariamente es basura, pues el cine comercial no está peleado con el cine de calidad. Creo que este festival es muy positivo en ese sentido, tiene la conciencia de conectar a inversionistas, cineastas, talento y dinero. Eso es esencial.»

La carrera de Rodrigo Prieto despegó a raíz de su participación en Amores Perros (2000), de Alejandro G. Iñárritu, comenzando así una larga y prolífica historia en Hollywood con cintas como 8th Mile (2002), Wall Street: Money Never Sleeps (2010), la ganadora del Premio de la Academia a Mejor Película en 2013, Argo, y Brokeback Mountain (2005), de Ang Lee, por la cual se llevaría su primera nominación al Oscar. Este artista de 51 años fue galardonado recientemente en la quinta edición de Los Cabos International Film Festival y hoy define su carrera con un segundo miramiento de la Academia. - Platícanos un poco acerca del premio que ahora te otorga Los Cabos International Film Festival y sobre el evento mismo. «Me llamó mucho la atención cuando me enteré del festival y de lo que representa. Me parece que es algo muy importante pues ahora que tiene más relevancia representa la oportunidad de conectar a México con el cine del resto del mundo, Hollywood en particular. «Es una gran oportunidad el hecho de que vengan productores y directores de otros lados a ver lo que se está haciendo en México, a conocer a los realizadores y viceversa, es un intercambio muy positivo, además, en el ambiente político que recién comienza en Estados Unidos. Este es el antídoto.

- Has tenido una fructífera carrera en Estados Unidos. Platícame cómo es la dinámica al trabajar con un director del calibre de Martin Scorsese. «Es una persona genial obviamente, con un talento muy especial independientemente de su faceta como cineasta, es alguien con la capacidad de lograr que hagas lo que él quiere sin necesidad de exigir, él siempre pide, sugiere, “¿cómo dirías?… ¿cómo harías?”, te inspira a dar lo que él quiere y a veces es complicado para las producciones, porque puede llegar a ser costoso. Además, tiene la facilidad de involucrar a su equipo en la creatividad de lo que quiere hacer de una manera muy especial, entonces todos sentimos que también es nuestra película.

«Hay muchos directores, como (Alejandro González) Iñárritu, que hacen sentir la colaboración realmente directa, que no estás trabajando para él, que no eres un empleado, sino que colaboras con él en todo el imaginario de la película.» - Recientemente se estrenó Passengers y creo que todas las películas tienen un grado diferente de complejidad. En este caso, ¿cómo trabajaste la fotografía de la película en lugares cerrados? «Antes de eso trabajé Silence en Taiwán, en exteriores de día y de noche, con un grado de complejidad por el clima o la continuidad de la luz, así que cuando leí el guión de Passengers me sentí feliz porque dije, “¡bravo!, aquí sí podremos controlar todo porque estaremos en un foro.” «A la hora de la hora nunca hay nada fácil. En este caso hubo complicaciones porque se trató de un guión ambicioso, con una historia aparentemente sencilla. Ese fue el gran engaño, porque eran dos personas y una nave, pero todas las cosas que ocurren son extremas y grandes, además de que es un guión largo, con muchos sets. «Cuando realmente nos presentamos con la producción dije, “oops! Con estos recursos igual va a ser difícil, pero lo tenemos que hacer”. En fin, lo logramos después de muchas horas de trabajo. Fue otro tipo de iluminación en comparación con otras películas, en particular con Silence. «En Passengers se utilizó mucho el recurso del LED para cambiar la intensidad en las mismas escenas, hubo muchas transiciones de luz y emociones. También hubo mucha luz interactiva; hay una escena en la que pasan junto a un sol y la iluminación la cree con monitores de video gigantes, básicamente lo que se utiliza en conciertos de rock. Fue tecnología muy diferentes. Fue muy divertido.»

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La vida y la experiencia nos han demostrado que es sumamente complicado vivir bajo la sombra de un padre. Contados personajes han logrado superar este paradigma y ser hija de una leyenda del tamaño de Stanley Kubrick implica ser parte de un mito que se estableció como parte fundamental en la historia del cine. Media hermana de Anya y Vivian Kubrick, Katharina es hija del primer matrimonio de Christiane Kubrick con Werner Bruhns, de quien se divorció cuando Katharina tenía sólo cuatro años. Luego de que Christiane y Stanley se casaran, la pequeña adoptó el apellido del legendario cineasta, en 1958, lo que transformó su vida al convertirse legalmente en hija del realizador y formar parte de la familia que se convirtió en el alivio de un hombre que cuidaba a detalle todos y cada uno de los aspectos de sus filmes. Al incorporarse al mundo del cine, la hija de Kubrick participó en varias cintas del director como The Shining (en la búsqueda de locaciones) y Eyes Wide Shut (en el área de arte), además de tener breves apariciones en Barry Lyndon y A Clockwork Orange. Por su parte, Katharina se involucró de lleno en el departamento de arte de otros proyectos tan legendarios como The Dark Crystal (1982) y Midnight Express (1978). Katharina ha sido parte esencial de la promoción de la exhibición oficial de Stanley Kubrick, que ha llegado a ciudades como Frankfurt, Seúl, Monterrey, Berlín, Toronto, Los Angeles, París, Sao Paulo y, actualmente, Ciudad de México, presentando piezas exclusivas del archivo del cineasta; desde accesorios utilizados en sus filmes hasta guiones, arte original y el Oscar que obtuvo por Mejores Efectos Visuales en 1968. - Todos conocemos a Stanley Kubrick como esta figura metódica, como cuando decidió mecanografiar él mismo las hojas de The Shining. ¿Cómo fue vivir con él en su faceta de padre? «Como cineasta era obviamente muy meticuloso, muy apasionado por su trabajo, siempre buscando una historia de la que se enamorara y que lo llevara a través de todo el proceso de una película. Como padre y como esposo… No puedo hacer una comparación en realidad porque fue el único padre que tuve. «La casa siempre estaba llena de gente, mi madre es una artista así que la casa en la que crecí y todos los lugares a los que íbamos, Nueva York o Londres, estaban llenos de gente. Era una gran atmósfera, conocí a mucha gente interesante mientras estudiaba para su próximo proyecto, así que siempre fue interesante, trabajaba mucho, no era el tipo de padre que nos llevaría al zoológico pero siempre estuvo ahí, siempre disponible para nosotros como padre.»

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KATHARINA KUBRICK DAUGHTER OF THE MYTH Por Alonso Valencia

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- Kubrick se convirtió en un mito, rodeado de todo tipo de teorías y leyendas que van del montaje de la llegada a la Luna hasta la historia que asegura que dejaba hojas con instrucciones específicas para el cuidado de sus gatos. ¿Piensas que se convirtió en un mito por su filmografía y el tratamiento que le daba a sus películas? «Creo que hay mucha gente que creería todo tipo de cosas, y que amara tanto a sus gatos como para desear que se les diera un cuidado no quería decir que hubiese sido capaz de ser parte de algo tan descabellado como montar un aterrizaje falso en la Luna. «En específico, las listas de los gatos son reales pero las hizo porque toda la familia saldría de viaje a Irlanda y había gente que se quedaría a cargo de la casa, teníamos nueve gatos y algunos estaban enfermos, otros necesitaban medicina. Él era un hombre cuidadoso. Yo he hecho lo mismo cuando dejo a alguien a cargo de mi casa, mis dos perros y mi gato. Es lo que haces. «La gente amaba ponerle etiquetas, amaba decir que era obsesivo, que estaba loco, que era un megalómano, misógino… eran disparates, él era un artista, le gustaba dormir en su propia cama, tener a su familia cerca, le gustaba ver a sus gatos al llegar por las noches, así que tenía todo muy organizado. Era bien conocido por sus películas, respetado por ellas pero como hombre no lo reconocían, así que podía caminar por donde quisiera sin que ser molestado. Mi padre era un hombre muy sensible.» - Hace algunas semanas, Steven Spielberg visitó los archivos de Kubrick y, en específico, revisó los

archivos de Napoleón. ¿Crees que él podría finalizar el trabajo que dejó tu padre para el filme sobre la vida del conquistador? «Creo que han habido algunos avances y que algo ha pasado con la historia de Napoleón pero no estoy segura de lo que es, aunque si alguien va a estar involucrado seguramente será Steven. Él y Stanley eran muy buenos amigos, se tenían gran respeto, por eso es que él dirigió A.I. Artificial Intelligence. De hecho mi padre se la ofreció a Steven: “Tú la diriges y yo la produzco”. Cuando pasó eso yo le pregunté por qué había tomado esa decisión y me dijo: “Porque creo que yo la voy a hacer muy obscura y Steven le dará un poco de luz”. Creo que fue una gran película, hizo un gran trabajo.» - Hablando un poco de la exhibición, ¿cuál fue tu participación en el proceso de selección de los materiales? «No tuve nada que ver con la selección. Cuando tomamos la decisión de hacer una exhibición de los archivos de Stanley Kubrick la palabra final dependía de mi madre. Al inicio le dio un poco de ansiedad el tema, porque buscar y revisar sus cosas era una manera de revivir su muerte, pero después decidió que sería muy interesante ver el material y las paletas de artistas a los que ella admiraba, como Picasso, a ella le encantaría ver su estudio y sus libros de notas. Así fue como accedió a hacerlo. «El Filmmuseum mandó a un archivista a nuestra casa, estuvo ahí por seis meses, con sus guantes, revisando absolutamente todo y seleccionando lo que él consideraba que la gente querría usar. Después lo juntaron todo para la primera exhibición en Frankfurt.»

- ¿Cómo fue el ver por primera vez la exhibición completa? «La primera exhibición fue extraordinaria, porque no tenía idea de cómo resultaría. Todo su material, sus premios, sus guiones, cajas, libros, todo lo que estaba en la casa, ahí disponible, ahora estaba en un museo, detrás de un mostrador, con un reflector, con placas. Pensé, “¡ah, con que ahí estaba!”. Fue algo muy extraño, me sentí increíblemente orgullosa. «Ellos tomaron su firma y la pusieron en la recepción del Filmmuseum de Frankfurt, la extendieron a lo largo de toda la pared. Yo no la había visto por bastante tiempo, por lo que me afectó mucho. Esa era la firma que solía falsificar en mi tarea. «Lo más emocionante para mí fue estar en la exhibición y ver a los estudiantes de cine y arte con su tutor diciéndoles: “Mira, debes mirar a esta persona, debes mirar estas fotografías”, con la esperanza de que los inspirara. Tal vez nunca han visto sus películas, porque ya son cintas viejas (Eyes Wide Shut se estrenó en 1999), pero aún así hay personas que las están descubriendo, y tal vez no les gustó la primera vez, tal vez no la entendieron, pero ahora las revisitan. Estas películas necesitan múltiples vistas. «La primera vez que Woody Allen vio 2001: A Space Odyssey dijo que no le había gustado. La volvió a ver muchas veces y después decidió que era un gran filme. Así que sus películas no son como comer un helado, no es una rápida satisfacción, necesitas regresar, es como una comida completa.»

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JAPANDROIDS NEAR TO THE WILD HEART OF LIFE Por Manuel Baca

La pasión por intentar cosas diferentes es lo que motiva a un artista a seguir creando y crecer con su arte, sin importar que esta necesidad de experimentar signifique renunciar a muchas otras cosas. Brian King y David Prowse, de Japandroids, llevan esta pasión a otro nivel y su nuevo álbum Near To The Wild Heart Of Life es prueba de que la evolución constante no significa renunciar a tu esencia.

WARP Magazine platicó con la banda canadiense acerca de la fuerza natural que es en vivo, cómo ha cambiado a lo largo de diez años y sobre el nuevo capítulo que escribe con su más reciente álbum. - Antes de empezar esta entrevista comentaban lo bien que la pasan en México y que el público mexicano es de los mejores del mundo. ¿A qué creen que se deba esa percepción?

David Prowse: «Lo más importante para nosotros, debido a que hacemos un show muy intenso y con mucha energía, es la forma en que juzgamos a nuestro público, y nuestro parámetro de medición es la energía que nos proyecta. En México la gente tiene mucha energía y los shows son muy salvajes. Eso es justo lo que queremos en nuestras presentaciones.» - Esta energía de la que hablan, siempre presente en sus shows, ¿es algo

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- 2016 marcó el décimo aniversario de Japandroids. ¿Cómo se sienten? ¿Cómo ha sido el camino que han recorrido juntos? David Prowse: «Cuando empezamos la banda teníamos la esperanza de lanzar un disco en Canadá y tal vez salir de gira por el país, a Estados Unidos quizá, teníamos muchos sueños y creo que ahora la realidad ha superado todas las expectativas, volteamos hacia atrás y no podemos creer todo lo que ha sucedido. Si tuviera una máquina del tiempo y volviera a decirle a mi yo de 2006: “¿adivina en dónde estarás en 2016?”, estoy seguro que no me creería.»

que planean o surge en el momento? Brian King: «Creo que mientras más viejos nos hacemos más debemos prepararnos. Cuando éramos más jóvenes sólo nos dejábamos llevar y liberábamos todo en el escenario, esa era la forma natural de hacer un show, algo que hacemos desde el primer concierto pero que ahora es un poco más difícil, así que hacemos un poco más de warm up. Aun así siempre tratamos de dar el 100% en cada show.»

- ¿Cómo ha sido este último año para ustedes? Brian King: «Los últimos dos años han sido muy diferentes en la vida de la banda. Al principio, cuando empezamos, vivíamos en la misma ciudad y teníamos una rutina muy marcada, casi siempre escribíamos música nueva, la grabábamos y después tocábamos la mayor cantidad de shows posibles con ella, después regresábamos a casa y empezábamos el ciclo de nuevo. Al término de uno de esos ciclos volteamos y nos dimos cuenta de que habían pasado siete u ocho años y no nos habíamos detenido ni un instante, seguíamos haciendo lo mismo y fue entonces que decidimos tomar un pequeño descanso. En ese periodo me fui de Vancouver, la ciudad donde empezó la banda, y por primera vez hicimos un disco en una ciudad en la que ya no vivíamos, así que tuvimos que encontrar una manera de escribir a distancia. Fue un cambio muy drástico pero sorprendentemente esto inyectó nueva vida a la banda y reforzó su esencia. Somos las mismas personas y de cierta forma hacemos la misma música, sólo que ahora se siente como si empezáramos de nuevo. Esto nos motiva bastante.»

- Muchas bandas suelen caer en una zona de confort y parece que hacen lo mismo una y otra vez. ¿Qué marcó la diferencia en Near to the Wild Heart of Life con respecto a sus producciones anteriores? David Prowse: «Tienes razón, es muy común entre las bandas empezar a sentirse cómodos y crear cosas que se perciben un poco iguales, lo que debe hacer muy difícil obtener inspiración. Cuando empezamos a platicar sobre este disco nuestra prioridad fue sentir esa necesidad de escribir cosas nuevas, no era que supiéramos lo que queríamos lograr pero sí sabíamos lo que no queríamos, y eso era no hacer otro disco exactamente igual a Celebration Rock. Queríamos tomar el tiempo para planearlo, exigirnos mucho más en la composición, producción y grabación, así que nos tomó un buen tiempo averiguar cómo iba a sonar. «Tuvimos mucho más tiempo para experimentar sonidos e ideas que creímos podían ser increíbles. Por ejemplo, hay sintetizadores, guitarras acústicas, diferentes tempos en las canciones, hay composiciones y arreglos mucho más elaborados; literal, nos sentábamos en el estudio y nos preguntá-

bamos, “¿quieres intentar esto?”, y lo hacíamos, a veces funcionaba y a veces no pero necesitábamos ese tiempo para explorar y buscar nuevas alternativas en nuestro sonido. El disco sigue sonando a Japandroids pero, de alguna manera, dejamos claro que seguimos cambiando, que seguimos en movimiento hacia diferentes direcciones y esto hace que se sienta como una especie de viaje, desde que empieza el disco hasta que acaba.» - ¿Creen que esta evolución y experimentación fue forzada en algún punto del proceso creativo? Brian King: «Para nada sentimos que fue forzada. Sí, introdujimos nuevos elementos a nuestras canciones pero nunca renunciamos a nuestra esencia, no pensamos “vamos a cambiar y ahora haremos canciones sin guitarra y sin batería, sólo sintetizadores”. No, se trató de buscar las piezas que se acoplaran de manera natural a lo que hemos hecho desde hace un par de años y el resultado es este disco, lleno de canciones de las que nos sentimos muy orgullosos y que sabemos suenan a nosotros. En resumen, sentimos que ahora somos la versión 2.0 de Japandroids.»

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LEONARD COHEN

CÍRCULOS DE UN JUDÍO EN LA HABANA Por Atto Attie / @AttoAttie

Esther Cohen volvió a Montreal en 1957 de su luna de miel. Entusiasmada, le reportó a su hermano que Cuba era un paraíso para turistas, y La Habana una ciudad voluptuosa, paradisiaca, repleta de casinos, salones de baile y hermosos hoteles. Para 1959, Fidel Castro se había apoderado de la isla y dos años después se encontraba en confrontación directa con los americanos. Leonard Cohen tomó un vuelo de Miami a La Habana en marzo de ese mismo año para ver de cerca la revolución, y atestiguar personalmente el momento histórico en el que iniciaría un gobierno cuyo sistema político le parecía increíblemente atractivo y prometedor, la edificación de un país que regido por dogmas socialistas se convertiría en un paraíso para el bien común de los individuos. La Guerra Civil Española había sido un acontecimiento de proporciones míticas en el imaginario de Cohen. Ahí había sido asesinado su héroe literario, Federico García Lorca, una figura que marcaría una huella fundamental en su visión artística e influenciaría su obra durante cinco décadas. En Cuba, entonces, Cohen veía la oportunidad de participar en su propia guerra y estar presente en ese movimiento de liberación de los poderes opresores. Al poco tiempo de su llegada, el artista se encontró rumiando La Habana a altas horas de la noche, de café en café, estableciendo amistades con prostitutas, proxenetas, escritores, artistas, comunistas americanos y todo tipo de personajes nocturnos de cánones morales ambivalentes. Algunas de las canciones más emblemáticas de los 60, que seducirían e invitarían a una generación entera a participar en una revolución social, mental, artística, moral, espiritual y política, estaban lejos de aparecer. The Times They Are A-Changin’, de Bob Dylan, nació tres años después, y Revolution, de The Beatles, siete. Sin

embargo, a esa distancia temporal Cohen era arrestado en playas de Varadero, bajo sospecha de espionaje, por una docena de soldados revolucionarios con ametralladoras checas oxidadas. Después de un interrogatorio de horas, convenció a sus captores de que estaba en Cuba por gusto, al ser seguidor del nuevo régimen y no parte de una invasión americana, rumorada por aquel entonces. Una vez que los milicianos quedaron satisfechos con las explicaciones del poeta, abrieron una botella de ron que desencadenó una gran juerga, con Cohen posando como soldado en varias fotos, junto a sus captores. A pesar de todo lo que sucedía en la isla, el canadiense no logró escapar a los usos y costumbres de la tradición judía, y días más tarde un oficial de su país tocó a la puerta del hotel donde se hospedaba, a medianoche, lo llevó al consulado y le explicó que su madre, en el más riguroso estilo judío sobreprotector, contactó a funcionarios políticos para localizarlo y saber si estaba bien. El seudorevolucionario Cohen tuvo que reportarse con su madre. En una carta a su editor, Jack McClelland, Leonard Cohen narró las peripecias de la noche en que Bahía de Marranos fue invadida y contó, jocosamente, que hubiese sido mejor morir en el ataque aéreo, pues las ventas del libro que estaba por lanzar en Montreal, The Spice-Box of Earth, se hubieran ido al cielo. Lo que él no sabía era que seis años más tarde su nombre sería reconocido mundialmente, no como escritor sino como músico, carrera que inició en 1967, a la edad de 35 años, para ganar dinero, pues como escritor no consiguió seguridad financiera. Así, The Songs of Leonard Cohen lo convertiría en un héroe poético para personalidades del tamaño de Lou Reed, Bob Dylan, Allen Ginsberg, Bono, Kurt Cobain, Jeff Buckley, Michael Stipe y muchos más.

En Cuba, pronto comprendió que el nuevo régimen sería aun más dictatorial, brutal y opresor que el antiguo. Años mas tarde, escribió a su cuñado: «Soy de los pocos hombres de mi generación a quien le interesó la realidad cubana lo suficiente como para ir y verla solo, sin haber sido invitado, habiendo estado muy hambriento cuando se me terminó el dinero y absolutamente indispuesto para recibir emparedados de un gobierno que estaba asesinando a prisioneros políticos». Para entonces, las fronteras y los lazos diplomáticos de Cuba con países como Canadá comenzaban a cerrarse, y miles de turistas eran encerrados en cárceles que se llenaban de prisioneros políticos. En ese momento, el músico decidió que era tiempo de dejar la isla, por lo que viajó a diario al Aeropuerto Internacional José Martí para conseguir un asiento en los que serían los últimos vuelos de Cuba a Miami. Sin suerte en un principio, Cohen consiguió un asiento, pero al momento de abordar fue detenido súbitamente y llevado a un puesto de inspección. Ahí, un oficial le informó que no saldría de Cuba, al encontrar en su mochila una foto en la que aparecía vestido de miliciano junto a otros soldados y deducir que era desertor. Su pasaporte canadiense falso, le advirtió el sujeto, no le serviría para escapar. Entonces, al estilo del más riguroso guion hollywoodense, una tremenda conmoción explotó en la pista de aterrizaje cuando soldados evacuaron por la fuerza a ciudadanos cubanos de otro avión. El soldado que lo resguardaba fue llamado a atender la crisis y Cohen tomó su mochila, caminó nerviosamente hacia el avión y se repitió: «No voltees, tan sólo camina, lo vas a lograr, camina…». Aquel día, el músico dijo adiós a La Habana. El daño, sin embargo, estaba hecho. Un movimiento que prometía, o que por lo menos en la mente de Cohen parecía proyectar un

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ideal práctico que haría del ejercicio de vivir en sociedad un evento mas cohesivo y legible, lo había decepcionado de forma absoluta. En Cuba, él entendió que jamás pertenecería a la colectividad, que sería un individuo cuya obra residiría en las cámaras privadas de su inherente corazón, con su vida como personaje ficticio por excelencia y un trabajo nutrido del poeta trágico. De aquel bullicio y aturdimiento viajó a Hidra, la diminuta isla Griega donde comenzó a trabajar en su obra maestra, la novela Beautiful Loosers, con todo lo que el caribe no le dio: calma, sentido de individualidad, un espacio propio. Cuba es el prólogo al primer capítulo en el que el autor de ‘So Long, Marianne’ renuncia a ser parte de la colectividad, convirtiéndose en un individuo cuya vida es una constante pulsión de obsesiones circulares que forman una suerte de unidad multidireccional. Cohen es como una tira de estambre, con extremos que escalan por una esfera, en direcciones opuestas, para luego encontrarse sorpresivamente en la cima y reconocerse como parte de dicha unidad, continuar su camino nuevamente en dirección contraria hacia el fondo de la esfera. La poesía, el judaísmo, su manía por las mujeres, las drogas, el zen y, sobre todo, la labor de compositor son las obsesiones que a pesar de parecer contradictorias se repiten una y otra vez en su vida. Estas fueron las actividades por medio de las cuales buscó respuestas que lo redimieran, que lo aliviaran de su constante depresión, que dieran sentido a su vida como artista e individuo inconforme, para así explorar y explotar las posibilidades poéticas de la vida. El milagro de Leonard Cohen radica en que su trabajo es el de un artista que comprendió que el arte es capaz de sublimar lo trágico, y que a través de la estética de su lenguaje convirtió en un foco de luz su oscuridad.

BIO: Atto Attie es músico, líder de la banda Atto & The Majestics, empresario dueño del club El Imperial y escritor, en 2016 lanzó el libro Micelánea El Deseo: Ensayos y Confesiones.

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FORMULA E: CIUDAD DE MÉXICO E EPRIX ELECTRICITY RUSH HOUR Por José Iván Ruiz Trejo Fotos: Cortesía Fórmula E

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«Nada se ve bien en los carros», decía Gary Numan en la famosa canción ‘Cars’ de su álbum The Pleasure Principle, de 1979. La melodía que en su momento cautivó por su estilo futurista podía verse como una crítica a la velocidad y el paso moderno que destruía la tranquilidad de la sociedad; no por ello significa que el ser humano no amara pisar el acelerador para sentir desde la sien hasta la punta de los pies ese vértigo de alcanzar los kilómetros por hora que hacen volar sin importar el riesgo. La Formula 1 ha desarrollado grandes premios desde 1950 en los que se han inmortalizado nombres como Juan Manuel Fangio, Niki Lauda (el mismo del que nos cuenta la cinta Rush, de Ron Howard), Ayrton Senna, Michael Schumacher y el actual campeón Nico Rosberg, pilotos que han llegado al límite de la rapidez y que han convertido a la industria de los monoplaza en una de las más rentables del mundo, con ganancias de más de mil 500 millones de dólares al año. El gran margen de éxito y la necesidad de desarrollar tecnologías amigables con el medio ambiente han dado pie a la creación de la Formula E, un espacio en el que los constructores innovan en el ámbito de las energías renovables y concientizan mediante una competencia con las mismas reglas que la F1, impuestas por la Federación Internacional del Automóvil. Diez equipos y 20 pilotos son los que participan, muchos de ellos con experiencia en carreras de la Formula 1, lo que le da una formalidad más grande.

Aunque el término ‘experimental’ parece no llamar la atención de los aficionados a los grandes premios, los gigantes automotrices se han volcado de buena manera a esta competencia. Renault, Audi, BMW y Mercedes forman parte, siendo McLaren el pionero al haber proporcionado los motores eléctricos de todos los participantes en la primera edición, hace tres años. Una de las notoriedades de esta competencia es su apertura a países que no tienen un gran premio en el circuito de la FIA, acercando a dichas naciones a la industria y dándoles, incluso, la oportunidad de ser elegidas por categorías importantes. Así, ciudades como Marrakech, Punta del Este y Buenos Aires pueden ser tomadas en cuenta para ver de cerca a grandes pilotos como Nelson Piquet, Bruno Senna (sobrino de Ayrton), Lucas de Grassi o José María López. En lo que refiere a la competencia, la Formula E tiene una variable importante, pues mientras con los combustibles fósiles basta una parada para llenar el tanque, esta modalidad ecológica requiere un cambio forzoso de auto, y en la clasificación se debe usar el mismo vehículo y sólo 200 kilowatts de energía, lo que puede medirse como 268 caballos de fuerza. Esto podría significar que a máxima velocidad se alcancen los 225 kilómetros por hora y una aceleración de 0 a 100 en menos de tres segundos. Otra novedad del circuito es el llamado fanboost, en el que los aficionados ayudan a su corredor favorito con watts de potencia a su segundo coche durante seis segundos, energía

que pueden utilizar al llegar a un límite de watts consumidos de entre 180 y 200. Estos cambios pueden verse en línea y el voto se cuenta con el hashtag #Fanboost en Twitter. La Ciudad de México volverá a ser parte del calendario de la Formula E tras el inesperado éxito del año pasado y la excelente recepción que el Gran Premio de México tiene siempre, con boletos bastante accesibles y la entrada gratuita de menores de 16 años. Significativamente, la Formula E es la esperanza de encontrar un nuevo modelo tecnológico acorde a lo que la humanidad pide tanto en el

tema ecológico como en el entretenimiento. El dramatismo y emoción no se irán si se elimina el diesel y esto puede corroborarlo el suizo Sébastien Buemi y su equipo Renault-DAMS, actual campeón, que lucha en la tabla contra Lucas di Grassi, de ABT Schaeffler Audi, y su compañero de equipo Nelson Piquet. Henry Ford decía: «Reunirse es un comienzo, permanecer juntos es el progreso y trabajar juntos es el éxito». Lo que hace exitoso al automovilismo se basa en la velocidad, una que no se alcanza sin estos objetos voladores construidos por ingenieros que luchan por un cambio en el armado de un automóvil.

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ZONA MACO MÉXICO

ARTE CONTEMPORÁNEO 8 y12 de febrero 2017 Centro Citibanamex

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VIVA LA RESISTANCE! POR DIOVANNY GARFIAS

La nobleza y el poder tácito que viven en la música son armas poderosas, no sólo ahuyentan la realidad de ser necesario sino que exorcizan demonios de la mente y el corazón, unen a la gente de diferentes latitudes y, a veces, pueden crear la ilusión de que el mundo no está tan jodido como parece. Cada tanto, la música nos deja ver que además de las bondades mencionadas tiene un espíritu combativo, pura rabia expresada por sus intérpretes y creadores que buscan hacer notar a los habitantes de este planeta que las cosas no están bien y que es tiempo de levantarse y resistir. Luego de conocer el resultado de las elecciones presidenciales en Estados Unidos, el pasado 9 de noviembre, y con la victoria del candidato republicano Donald Trump, se volvió evidente que pasamos por un momento de crisis como sociedad, sin embargo, a veces hace falta tocar fondo para darnos cuenta de los errores cometidos y entonces salir de la podredumbre y empezar de nuevo, alzar la mirada y enderezar el camino. En WARP Magazine elegimos algunos de los mejores representantes del momento de lucha por el que pasamos, actos sonoros que a través de su obra y sus particulares trincheras se convierten en agentes de cambio ejecutando lo que mejor saben. Previo a la salida de su nuevo álbum, la británica Charli XCX nos habla de su perspectiva política y la inspiración detrás de su nueva música; Romy Madley, de The xx, nos cuenta la historia detrás de I See You (2017), uno de los materiales más anticipados del año; Kirk Hammett, guitarrista de Metallica, pone sobre la mesa su postura ante el gobierno de su país y su amor por México, y Britt Daniel, cofundador y líder de Spoon desmenuza Hot Thoughts con una retrospectiva del ambiente social en el que se gestó.

BIENVENIDOS A LA RESISTENCIA.

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MUSIC AGAINST THE MACHINE POR MICHELLE APPLE

on la llegada de Donald J. Trump a la Casa Blanca su postura política y su versión “great” de Estados Unidos fue expresada de manera explícita y tajante. Desde su victoria sobre la contendiente demócrata Hillary Clinton, el actual mandatario ha ganado la desaprobación de un gran sector de la música y, claro, de una buena porción del globo terráqueo. Rescatamos algunos de los mensajes más destacados de músicos en redes sociales ante hechos surreales el mundo ha enfrentado desde el pasado 9 de noviembre de 2016.

TRUMP GANA LAS ELECCIONES

TOMA DE PROTESTA

John Legend

St. Vincent

«Las dos últimas tomas de protesta estuvieron muy

«¿Alguien más está viendo un coro de puros chicos blan-

llenas. Esta es muy… espaciosa.»

cos cantando ‘America The Beautiful’? ¿Es en serio?»

VETO A INMIGRANTES MUSULMANES EN ESTADOS UNIDOS

Questlove «Me iba a dormir estresado, pero al carajo (perdón por maldecir), no voy a dejar que esto me estrese ni un poco.

Best Coast

No me malinterpreten, ESTOY MUY ENOJADO, pero

«Apoyaré por siempre a mis hermanos y hermanas

tengo que practicar lo que predico, la cantidad de tiem-

musulmanes. Voy a hacer lo que esté a mi alcance

po que dedico a la meditación, y no dejar que la espe-

para pelear por su libertad y su seguridad.»

culación o la mala energía gobiernen mi vida --- Para mí asustarse sería contraproducente. Seré honesto, hice seis borradores de esto, borré cada una de las últimas palabras que escribí porque ni siquiera podía creerlo mientras lo escribía, sólo digo que tengo una lista de lavandería del tamaño del Monte Fuji con las cosas que he superado y

Tegan And Sara

con las que sigo lidiando para sobrevivir --- Sólo estoy

«¿Cómo pueden leer esto y no sentirse enfermos?

orando a cualquiera que sea la fuerza que me dieron para

Indignados. Aterrados. Qué vergüenza para quienes

hacerlo a través de los tiempos difíciles de antaño, que

apoyan esto

esta fuerza y poder me revivan a mí y a toda mi gente (mujeres, aquellos con religiones diferentes, LGBTQIA, prisioneros, pobres, los inm… mira, son las cuatro de la mañana…-) No me veo haciendo un octavo borrador --algunos de mis amigos van a estar muy enojados. Algunos apuntarán los dedos --- no importa… no tengo nada ahora mismo --- nada.»

Win Butler (Arcade Fire) «El papá de Steve Jobs era sirio y él fue adoptado por una familia estadounidense. Esto es una locura y está completamente en contra de los intereses estadounidenses.»

Katy Perry

Bat For Lashes «Como alguien que tiene una familia musulmana aquí

«No se queden sentados. No lloren. MUÉVANSE. No

en Estados Unidos, esto no tiene sentido. ¿Qué carajo

somos una nación que se dejará guiar por el ODIO.»

está pasando?»

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CHARLI XCX YOUNG REVOLUTION POR SARA ARAUJO

«HASTA QUE NO PUEDAN CREAR CONSCIENCIA NO PODRÁN REBELARSE, Y HASTA HABERSE REBELADO NO PODRÁN CREAR CONSCIENCIA.» Con esta frase, George Orwell dejaba clara la desesperación de Winston Smith, protagonista de su obra 1984, frente a una sociedad ignorante de su contexto. Desilusionado frente a la improbable lucha de las masas en contra del Partido (Interior), comprende que hasta que alguien se rebele en contra del sistema se sabrá lo que está pasando en realidad, pues nadie comprenderá el abuso por el que están pasando hasta que hagan algo diferente, revolucionario.

Este contexto de angustia y abatimiento nos recuerda al pasado mes de noviembre de 2016, cuando todos parecían haber perdido la esperanza ante el futuro de uno de los países más poderosos del mundo, Estados Unidos. Afortunadamente, en nuestra realidad, a diferencia del universo de Orwell, la pasividad no existió y el mundo artístico reaccionó inmediatamente, apoyando la inconformidad de miles de personas.

demás de ver la palabra resistencia marcada en la frente de artistas con mayor trayectoria, el talento joven también levanta la voz en contra de la injusticia que se vive en el mundo. Charli XCX es un claro ejemplo. La cantante ha dado múltiples declaraciones con relación a la situación mundial, especialmente en temas como el Brexit, Trump, sus ideologías y las políticas que ha impuesto en el poco tiempo que lleva como presidente de Estados Unidos: «Estaba en Inglaterra cuando todo pasó y me sentí muy frustrada con el resultado de las votaciones. Honestamente no pensé que esto pudiera ocurrir, muchas personas no podían creer que esto estuviera pasando y por eso fue que sucedió. Estoy muy decepcionada. (…) Recuerdo haber pasado toda la noche en Internet, leyendo opiniones y actualizando noticias, cayendo en cuenta de lo que ocurría. De hecho, los días posteriores a las elecciones realmente caí en depresión. Varios amigos y yo pasamos mucho tiempo inmersos en todo lo que pasaba en Internet, viendo tantos videos de las cosas tan terribles que había dicho y hecho Trump con el paso del tiempo. Fue muy oscuro.» Dado que Charli XCX es una cantante pop de talla internacional, su público reside en gran medida en Estados Unidos, por lo que cualquier tema que afecte a dicho país afecta también su trabajo como artista. Agregado a esto, la cantante ha sido testigo de una situación política particular en su país de origen, Inglaterra: el Brexit, fenómeno que muchos pensaron que no se llevaría a cabo pero que determinó la salida de Reino Unido de la Unión Europea. «Es interesante. Cuando sucedió todo lo del Brexit pensé que Trump se involucraría, aunque, claro, no me agradaba la idea. (…) Fue un equivalente a ver las cosas como estaban pasan-

«HA SIDO INSPIRADOR VER CÓMO TANTAS PERSONAS ESTÁN UNIDAS, CÓMO LEVANTAN LA VOZ INTENTANDO CAUSAR UN IMPACTO EN EL MUNDO.»

do con Trump. Pensaba: esto realmente puede suceder, es bastante deprimente, y después de todo sucedió.» A pesar de contar con una trayectoria musical relativamente reciente, Charli ha demostrado madurez en temas de relevancia mundial, reconociendo la importancia de unir fuerzas y no perder la esperanza. Platicando un poco con ella sobre estos temas, ella comentó: «Creo que 2016 fue un año muy loco, perdimos a muchos íconos del mundo de la música y encima de todo se impuso un completo maniático como presidente de Estados Unidos. Viendo lo que se publica en Internet y cómo han respondido todos, nadie quiere a personas como Trump al mando, lo veo dentro y fuera del mundo de la música. Muchos artistas, celebridades y fans de una variedad de edades participaban en campañas para apoyar a otros candidatos. Ha sido inspirador ver cómo tantas personas están unidas, cómo levantan la voz intentando causar un impacto en el mundo. Siento que la juventud está verdaderamente comprometida con la situación. El discurso de Obama me hizo pensar en cómo, por primera vez, la juventud ha estado tan involucrada en la política mundial. Aunque no obtuvieron el resultado que esperaban no deberían sentirse desanimados, esto no es sinónimo de quedarse callados, todavía tienen en sus manos el poder del cambio. No deben olvidarlo nunca. Posdata: ¡púdrete Trump! [ríe].» Nos encontramos en una realidad política y social que parecía imposible, con el manejo de un país tan influyente como Estados Unidos en manos de un hombre lleno de resentimiento y miles de personas sufriendo las consecuencias; sin embargo, a pesar de todo aún hay esperanza a través de millones de civiles unidos, fomentando la creación de una comunidad prometedora. Artistas, celebridades y personalidades influyentes se han unido a estos movimientos y han demostrado que hay una salida ante tanta angustia.

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WOMEN'S MARCH FOTOS: ALEJANDRO FRANCO PARA WARP

21 DE ENERO LOS ANGELES, CALIFORNIA

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WHITE HOUSE'S NEW FOOL POR RUBEN TUROK FOTO: NICHOLAS KAMM / AFP / GETTY IMAGES

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n nuestra historia, no cabe duda que existirá un antes y un después de El Bufón, como llamaremos a Donald Trump de aquí en adelante, pues no sólo es el personaje sino lo que simboliza. Lo crean o no, El Bufón sólo es parte de una ola mucho más grande, el símbolo de la fragilidad democrática que vemos con el Brexit de Reino Unido, la popularidad de la ultraderecha en Europa, una élite política norteamericana totalmente vendida a los intereses corporativos y el fortalecimiento de los regímenes no democráticos (específicamente la Rusia de Vladimir Putin). El Bufón es todo eso pero vestido de payaso y llevado al ridículo. ¿Qué significa la historia después de El Bufón? ¿Cómo podemos explicar este fenómeno? Repasemos las promesas de campaña más representativas del egocéntrico, narcisista e infantil líder del país del norte. Prometió, antes que nada, construir un muro en la frontera con México que impida la llegada de «millones» de indocumentados a su país (la migración de mexicanos ha sido negativa en los últimos años, además de que la mayoría llega por avión), que además son criminales (no existe dato que respalde esto y las pocas estadísticas que existen muestran a los hispanos como una de las minorías que más se apega a la ley), a lo que su núcleo de seguidores proclamó el cántico “build the wall” (cuando, por cierto ya existe una estructura así en la frontera). Luego aseguró que el Tratado de Libre Comercio de América del Norte (TLCAN) es uno de los más infames en la historia de su país, señalando constantemente el déficit de 60 mil millones de dólares a favor de México (similar al que sostiene con Alemania y Japón, así como cinco veces menor al que se tiene con China y casi tres veces menor a aquel con la Unión Europea) pero dejando de lado que ese tratado hace a Norteamérica el segundo bloque más grande del mundo y que, a su vez, permite a Estados Unidos competir con las otras grandes economías en precio y calidad. Pero no esperemos que El Bufón lo comprenda.

En este sentido, El Bufón promete devolver puestos de trabajo a Estados Unidos (no crear, sino regresar empleos), sin importar que rompa tratados comerciales o aplique subsidios económicamente inviables que las empresas están más que felices de recibir, sabiendo que eventualmente pueden tomar ese dinero y regresar a un México severamente depreciado. La realidad no importa en la lógica de El Bufón, que a pesar de ser demagogo no me atrevo ni a ponerlo en la misma órbita que sus contemporáneos o antecesores. Luego está la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), órgano fundamental para la conservación de la paz y los intereses democráticos en los últimos años. La respuesta de El Bufón —nuevamente sin sorprender su nulo conocimiento del tema— es que Estados Unidos se ve desfavorecido por dicho tratado. Eliminarlo, como han señalado los expertos, es garantizar futuras guerras, empezando con los países bálticos y Asia. También ha dicho que impulsará la tortura como método de interrogación y por si se me había olvidado niega la existencia del cambio climático, a pesar de que 99% de los científicos lo ratifican. ¿De lo dicho a lo hecho qué ha pasado? En su primera semana como presidente creó más inestabilidad y controversia que en los ocho años de la administración de Barack Obama, al limitar el presupuesto ‘destinado’ a abortos (la interrupción del embarazo es una minúscula parte de lo que hacen las clínicas de mujeres), aprobó el Keystone Pipeline (algo que los científicos aseguran podría ser catastrófico e irreversible para el medio ambiente), firmó la autorización para empezar la construcción del muro con México y amenazó con aranceles del 20% a los productos mexicanos (hecho ilegal ante los acuerdos comerciales y que demuestra su nulo entendimiento del tema, pues ese impuesto le pegaría sobre todo a los consumidores estadunidenses). ¿México? Aunque el tema del futuro de la relación con nuestro país merece un artículo propio, en la primera semana de El Bufón como presidente se logró romper una alianza envidiada por muchos países, con constantes insultos que incluyeron el declarar el muro el mismo día

que recibiría a una delegación mexicana y su intento de intimidación para renegociar el TLC. Entonces, ¿qué podemos esperar en uno, dos, tres o cuatro años del bufón? En el 1, les garantizo que acabará por destrozar la relación bilateral con nuestro país, desestabilizará económica y políticamente diversas partes del orbe y empezará diversas guerras comerciales que únicamente tendrán impactos negativos. Sin embargo, su presidencia sobrevivirá el primer año porque aunque a la gente se le pueda olvidar rápidamente, Obama le dejó un país en bandeja de plata. Para el año 2, de poco servirá su política discursiva y de subsidios insostenible. La familia promedio empezará a sentir el impacto de haber perdido su seguro médico universal, así como una creciente tasa de desempleo y una alza en los productos que consumen. A la par, la presión internacional crecerá para que sea removido o por lo menos le darán la espalda. Sorprendido estaré si logra pasar de este año, aunque no me parece una locura. ¿Del 3 en adelante? Lo mejor sería que se aceptara el grave error cometido, pero una guerra a gran escala (no necesariamente como la primera o la segunda guerra mundial) podría ser lo que se requiera para romper con la trayectoria global actual. De cualquier modo, dos años de El Bufón pueden causar un impacto tan negativo que nos cueste diez años recuperarnos (¿o se nos olvida que aún nos estamos levantando de la crisis de 2008?). Lo único que puedo decir es que en la coyuntura se aprende que las crisis son ventanas de oportunidad y no momentos para convertirse en mártires. Espero que este artículo ayude a reflexionar sobre el papel de uno mismo en el futuro de nuestro planeta e historia.

BIO: Ruben Turok es politólogo por la Universidad Ibero, es socio fundador de Tú Eliges México y actualmente labora en la Administración Pública Federal.

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THE XX I DARE YOU POR KARINA LUVIÁN

a conversión de ser un proyecto desconocido a una de las bandas más importantes de la última década a nivel internacional es un proceso que trastoca la realidad de quien lo vive, con repercusiones en su capacidad creativa, su estabilidad emocional y, claro, el entendimiento del mundo que lo circunda directa e indirectamente. The xx, la prometedora banda que en 2010 dio un salto definitorio en su carrera al ser nominada y ganar el Mercury Music Prize, ha atravesado diferentes momentos de crecimiento y consolidación que hoy se cristalizan en I See You, disco que destella, radiante e inspirador, en

un momento históricamente complejo para el mundo, con Donald Trump a la cabeza de Estados Unidos y Reino Unido detallando su salida de la Unión Europea. El posicionamiento de una banda como The xx toma especial importancia a partir de la inclinación sexual de dos de sus miembros, en una época en la que la discriminación y el racismo persisten en todas las sociedades. Jamie Smith, el productor y músico que detona la magia sonora de la banda, tomó mayor conciencia a partir de una experiencia propia, según declaró a The Fader: «Teníamos un sample que no pudimos obtener. Había una mujer que era dueña de los derechos (pero) no pudo obtenerlos (legalmente) por todo lo

que había pasado y todo lo que ocurría con los privilegios culturales. (…) Hacer esto me hizo pensar en lo que ocurre con el racismo en Estados Unidos, y ver las cosas que he hecho, los samples que he utilizado y la música que escucho, que es básicamente música negra. Me hizo más consciente.» En la misma entrevista para la revista neoyorkina, Romy Madley Croft señaló el lanzamiento de ‘On Hold’ un día después de las elecciones en Estados Unidos, lo que recuerda aquella publicación en Facebook en la que resalta el buen recibimiento de la placa en una semana determinante: «Un disco hecho por dos gays, en el número dos de las listas estadounidenses , en la semana en que Trump inicia es una buena señal.»

“UN DISCO HECHO POR DOS GAYS, EN EL NÚMERO DOS DE LAS LISTAS ESTADOUNIDENSES, EN LA SEMANA EN QUE TRUMP INICIA ES UNA BUENA SEÑAL.”

Aunque la dirección política de la Unión Americana y de su propio país mantiene atentos a Jamie, Romy y Oliver Sim, es la evolución artística y personal lo que determina la vibra de la agrupación inglesa, con un prometedor camino y una gira que la traerá de vuelta a la Ciudad de México el próximo mes de abril. Pese a complejidades de conexión y la diferencia de horarios entre México y Londres, WARP Magazine platicó con la voz femenina de The xx, quien en plenitud compositiva y a punto de contraer matrimonio con la diseñadora británica Hannah Marshall nos compartió el sentimiento detrás de I See You, ese que nació en 1999 y se afianzó a través de tres exitosos discos y un mundo de experiencias. - ¿Qué tan lejos puede estar un artista de la música una vez que ha decidido tomar un descanso? «Creo que los cuatro nos encontramos con la música porque simplemente es el medio de expresarnos. Empezamos a hacer música cuando ninguno de los cuatro pensó en compartirla con alguien y sólo lo hacíamos para nosotros. Des-

de que descubrí que era una forma magnífica de sacar mis pensamientos he comprendido mis emociones, así que incluso cuando nos tomamos un largo tiempo para hacer este disco nos mantuvimos cerca de la música; es parte de lo que somos.» - ¿Por qué les tomó tanto tiempo lanzar este I See You? «Ese no era el plan, de hecho ni siquiera teníamos uno y jamás imaginé que nos tomaría tanto. Empezamos a grabar muy, muy rápido después de regresar de la gira de Coexist, en noviembre de 2013. Casi inmediatamente después de que Oliver y yo regresamos a Londres retomamos la composición y logramos un montón de nuevas canciones para los shows en Nueva York. Para ese momento ya era 2014. Entonces, en el momento en que notamos que todo estaba caminando bien decidimos entrar al estudio, en Texas, en marzo de ese año, luego fuimos a Islandia, en agosto, y a Los Angeles en noviembre. Luego, ya sabes, estuvimos trabajando muy, muy duro y salió el disco de Jamie, le empezó a ir muy bien y nos sentimos muy orgullosos pero

él empezó a estar cada vez más ocupado y todo tuvo que bajar de intensidad con nuestro disco.» - ¿Cómo reaccionaron ante la decisión de Jamie de lanzar un álbum por su cuenta? «Oliver y yo conocemos a Jamie desde que teníamos 11 años y desde entonces él ya tenía discos y amaba la música. Desde que éramos adolescentes recuerdo verlo con sus propias cosas de producción. Fuera de The xx él ha hecho beats de hip hop y, bueno, gran parte de su gama musical, así que el que hiciera su propia música nunca nos resultó raro, lo hemos visto como algo normal. Cuando se acercó y nos dijo “tengo todas estas canciones y lanzaré un disco en solitario” lo respetamos y lo alentamos. Fue un momento difícil, porque estábamos orgullosos de su éxito y nos sentíamos felices por él pero a veces era complicado, porque lo extrañábamos. Viendo todo en perspectiva entiendo que, de hecho, esto nos ayudó a presentar un nuevo muy diferente a nuestro trabajo previo.» - ¿Cómo ha sido para ustedes tener la posibilidad de lanzar música y que sea escuchada por tantas personas alrededor del mundo?

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«Es muy loco cómo la gente ha respondido a nuestra música, nosotros nunca, jamás pensamos que esto pasaría. Hicimos el primer disco para nosotros, no esperamos que nadie lo escuchara y es difícil de creer que ahora tanta gente las tenga. Ya que I See You tomó tanto tiempo en ser escrito me acostumbré a estar en casa, a no estar en una banda, sentí como si no lo estuviera y empecé a escribir otra vez para mí, del mismo modo en que lo hice en el primer disco, esto de verdad me ayudó porque no me preocupó la idea de que la gente lo fuera a escuchar, sólo me expresé y creo que eso me ayudó. Puede ser muy difícil (componer) si estás pensando “oh, por dónde empiezo”, cuando sólo deberías preocuparte por la música y por ser honesto.»

- Sobre las sesiones de grabación, ¿cómo te sentiste de estar de regreso en el estudio con The xx? «Fue muy emocionante. Me encantó estar de regreso con Oliver y Jamie, con las ganas enormes de crear, me gustó mucho el esfuerzo de grabar en diferentes países para intentar cosas nuevas, el esfuerzo real de presionarnos para salir de nuestra zona de confort. En ese momento queríamos intentar un montón de cosas y nos emocionaba el desafío, así que decidimos no grabar este disco en Londres, decidimos salir al mundo y elegimos lugares lejanos; el primero de ellos fue Marfa, en Texas. Llegamos a una casa, un lugar increíble que era totalmente distinto a Londres y esto nos ayudó a unirnos de nuevo. Pasamos maravillosos momentos ahí.»

- El sonido de este disco es, definitivamente, menos sombrío que el de sus placas anteriores. ¿Cómo se dieron cuenta de que esta era la dirección que debía tomar el sonido de The xx? «Cuando estábamos en la gira de Coexist me di cuenta que amaba tocar el disco pero no tenía demasiados momentos con un ritmo natural, así que noté que nos estábamos basándonos más en el primer disco, porque las canciones eran más alegres y con más producción. Cuando escribimos el nuevo disco me sentí emocionada por crear canciones con mayor up beat para nuestros shows, traer una energía diferente y, personalmente, quería escribir más sobre estar enamorada y no sólo canciones de desamor, pues ahora estoy en una relación y quería escribir más acerca acerca de ello. Creo que es esto lo que ha dado la noción de que nuestra música es más alegre y ha contribuido a traer una vibra diferente al álbum.» - No lo imaginamos en un futuro cercano pero, ¿cuál sería la razón por la que la banda se separaría? ¿El fin de su amistad, el fin del mundo…? «Podría ser con el fin del mundo, supongo [ríe], pero no sé, pienso que después de conocernos por tanto tiempo somos como una familia, los veo como mis hermanos y creo que mientras sigamos inspirados y sigamos confiando el uno en el otro seguiremos juntos. «Hubo caminos difíciles en el proceso de creación de este disco y pensé que nuestra amistad cambiaría, fue muy difícil para mí, pensé que al pasar mucho tiempo por separado, cada quien haciendo lo suyo, habría cosas que cambiarían pero al pasar tiempo juntos nuevamente me di cuenta de que nada había cambiado, sólo habíamos pasado un poco de tiempo aparte. Al final creo que fue sano para todos extrañarnos un poco. Fue es algo bueno.»

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ALFA ROCOCO HOPE IS A POWERFUL WEAPON POR MICHELLE APPLE

“VIVIMOS TIEMPOS DIFÍCILES Y ES NECESARIA UNA REVOLUCIÓN IDEOLÓGICA, SIN ESCÉPTICOS RESPECTO AL CALENTAMIENTO GLOBAL... DEBERÍAMOS CONCENTRAR NUESTRA ENERGÍA EN ERRADICAR LA POBREZA, HACER UN MEJOR USO DE NUESTROS RECURSOS Y REDISTRIBUIR LA RIQUEZA DE MANERA JUSTA.”

a situación política y social por la que atravesamos a nivel global es poco alentadora, con personas en el poder que parecen tomar las peores decisiones cuando se trata de favorecer a la mayoría, mientras ganan habilidad para beneficiar a unos cuantos. Los discursos de odio y las ideas supremacistas parecen conquistar terreno a la par de los totalitarismos, encaminándonos discretamente a una tercera guerra mundial. Aun frente a este panorama hay quien encuentra la manera de aminorar el caos y dar esperanza a la gente a través de su arte. Es el caso de David Bussieres y Justine Laberge, la dupla canadiense Alfa Rococo que tras una visita a nuestro país en la que experimentó el calor y cariño del público buscó la manera de agradecer y mostrar su apoyo a nuestro país de la mano de su música. Así nació Luz (2017), un EP de tres canciones dotado de su característico pop (con más de diez años de respaldo) pero alejado de su lengua madre, el francés. En esta ocasión ambos músicos hicieron el crossover al español en un momento en el que parece que México enfrenta a uno de los grandes bullies de la historia, con la mano en el corazón y el apoyo de la comunidad artística del país de la hoja de maple. - ¿Cuál fue la razón principal y la historia detrás de Luz? «Nos encanta México y Latinoamérica desde hace mucho tiempo. En 2015 tuvimos la oportunidad de tocar en el Festival Cervantino, en Guanajuato, fue un gran show, la pasamos increíble ¡y el público fue perfecto! Desde entonces apreciamos la idea de traducir algunas de nuestras canciones al español. Ahora, desde

enero, con el contexto político, sentimos que era el momento de hacerlo pero por razones más profundas. Nosotros, en Canadá, somos una nación muy hospitalaria, especialmente en nuestra ciudad natal, Montreal. Con todas las preocupaciones políticas, económicas y ambientales que atravesamos en el planeta deberíamos unirnos para resolver estos problemas; obviamente no todas las naciones piensan así. Estas canciones expresan la voluntad de romper las fronteras y los muros que se interponen entre nosotros y enfocarnos en los valores que compartimos más que en aquello que nos divide. La esperanza es un arma poderosa, así que si estas canciones pueden dar esperanza a los norteamericanos que no están dando la espalda a México y Latinoamérica, entonces cumplimos nuestra misión.» - ¿Fue difícil traducir las canciones al español? ¿Tenían experiencia con el idioma? «Ambos hablamos español en un nivel intermedio, así que tuvimos un poco de ayuda de un amigo para traducir y grabar las canciones. Pero, ya sabes, el francés y el español no son tan diferentes, ambos tienen raíces latinas. Nos costó un poco de trabajo pero no fue nada complicado.» - Como artistas, ¿cuál es su perspectiva de los tiempos difíciles (social y políticamente) en los que vivimos? «Vivimos tiempos difíciles y es necesaria una revolución ideológica, sin escépticos respecto al calentamiento global o personas que se aprovechen de los paraísos fiscales. Deberíamos concentrar nuestra energía en erradicar la pobreza, hacer un mejor uso de nuestros recursos y redistribuir la riqueza de manera justa. Como dijimos antes, la esperanza es un arma poderosa, una manera de ayudar es evocarla con música.»

- Volviendo a la música, Lever l’ancre celebra su décimo aniversario. A nivel sonoro, ¿qué tan lejos se sienten de la banda que eran en aquellos días? «¡Wow, ya son diez años! Para nosotros este álbum sigue siendo un punto de crecimiento, fue un éxito y definió nuestro estilo. ¡Todavía escuchamos algunas de esas canciones en la radio de aquí, en Quebec!, pero nuestro sonido evolucionó mucho desde entonces. Desarrollamos habilidades como productores y ahora tenemos las herramientas para forjar lo que imaginamos; claro, hemos salido de gira como locos, así que ajustamos nuestro sonido a la energía que dejamos en el escenario. El resultado es un sonido más profundo, más bajo, teclados más espaciales, pero siempre tan groovy como en el escenario. - De un tiempo a la fecha escuchamos mucha buena música canadiense, ya sea alternativo, pop, electro, rock, etc. ¿Cuál creen que es la razón detrás de esta expansión sonora? «Tenemos una explicación muy realista: el clima aquí se pone bastante frío en invierno y tenemos grandes espacios con una población pequeña así que, en el punto más frío del invierno, los niños se quedan en el sótano (tenemos muchos) y no hay nada más que hacer que agarrar la guitarra o el teclado de tu padre y tratar de tocar, por lo general, muy fuerte. Tocar un instrumento, entonces, se ha convertido lentamente en una característica cultural de Canadá.» - ¿Cuándo estarán de vuelta en México? Tienen que volver a tocar Luz en nuestro país… «¡Está en nuestros planes! Estamos construyendo un equipo en México y tan pronto como tengamos la oportunidad de hacer una gira regresaremos.»

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MÉXICO FUERA DE MÉXICO POR ENRIQUE ORTEGA / @QUIQUEORTEGA

¿CÓMO IMAGINAS A UN ALEMÁN? ¿LOS ARGENTINOS SON REALMENTE TAN PESADOS Y ALTANEROS? ¿ACASO LOS GALLEGOS SON TONTOS COMO EN LOS CHISTES? AHORA PREGÚNTATE ¿CÓMO SE VE A LOS MEXICANOS EN OTROS PAÍSES?

ace unas semanas, el comunicador Leonardo Curzio lanzó su libro titulado Orgullo y Prejuicios en el que se pregunta —y con toda razón— cuál es la imagen pública de los mexica-

nos en el mundo.

Como consultor en imagen me ha tocado ayudar, en más de una década, a empresarios, celebridades, políticos y público en general a encaminar los estímulos que mandan todos los días y que generan una percepción en los demás. Lo que jamás me ha tocado es que un gobierno me pida asesoría, seguramente sería todo un reto. ¿Por dónde empezar a mejorar lo que las personas piensan de México? Esta preocupación es legítima, considerando que llevamos mucho tiempo escuchando al presidente de Estados Unidos, Donald Trump, despotricar frases en las que asegura que los mexicanos somos violadores, rateros, aprovechados y un largo etcétera. Por supuesto, de este lado del territorio nos ofende pero del otro resultó ser un mensaje tan poderoso que la gente puso en el poder a un personaje que cualquiera catalogaría de loco. Las enormes dudas son: ¿así nos ven en Estados Unidos?, ¿esa imagen justifica la construcción de un muro?, ¿por qué han salido tan pocas naciones a dar la cara por nosotros? Hablar bien de nuestro país no es un tema nuevo, recordemos la campaña Lo hecho en México está bien hecho que puso de moda el gobierno de Luis Echeverría en los años 70 o más recientemente la frase «se vale hablar bien de México» que Felipe Calderón mencionó durante su gestión, acompañada de una estrategia de turismo, por poner algunos ejemplos. México es un país profundamente complejo y lleno de contrastes, producto de su historia y su posición geográfica al estar entre Estados Unidos y cada territorio del centro y sudamérica. Pensemos en el empresario que vive en Polanco y que apoyó la remodelación de Masaryk para hacerlo lo más parecido posible a la Quinta Avenida de Nueva York. Del otro lado está una mujer

que habita en la sierra de Oaxaca y que probablemente hable bien el mixteco pero muy poco el español; dicho en otras palabras, México es visto mundialmente bajo tres conceptos clave: Exótico: ¿En qué otro lugar se podría celebrar el Día de Muertos con una fiesta? ¿En qué otra parte del planeta se podrían saborear las manitas de cerdo como un manjar gourmet? ¿Cuántas culturas pueden decir en sus libros que sus antepasados sacrificaban personas para rendir tributo a sus dioses? Violento: ¿Cuántas veces hemos escuchado a un extranjero decir «yo no pensaba viajar a México porque vi en las noticias que estaban en guerra»? Nuestro país tiene la fama de que la ley es una simple sugerencia, y de confirmarlo se han encargado los medios de comunicación y el cine de Hollywood, donde al mexicano lo ponen como narcotraficante o corrupto, nunca como el héroe. Ignorante: Este punto va en un sentido amplio. Por un lado se nos ve como personas tremendamente pretenciosas. Vivir al lado de Estados Unidos nos ha llevado a imitarlos, con café de Starbucks, comprando —y tuneando— Muscle Cars, escuchando a un Ricky Martin que canta en inglés y quejándonos en Facebook, a través de un iPhone, de lo mal que nos ha tratado el capitalismo, menospreciando, al mismo tiempo, las maravillas de nuestros ecosistemas, nuestros climas, la comida y el humor mexicano (esto último con base en una serie de preguntas que tuve oportunidad de hacer a varios extranjeros). La imagen pública de México no va a cambiar con una campaña publicitaria que tenga como frase «Lo bueno casi no se cuenta, pero cuenta mucho.» Para que la percepción realmente cambie debemos involucrarnos todos : sociedad, medios de comunicación y gobierno. Imagina por un momento que Woody Allen viene a nuestro país a filmar su próxima película, una historia de amor ubicada en Guanajuato, Ciudad de México, Monterrey y, como playa, Troncones (en Guerrero). ¿Te suena conocido? Recuerda cuando la producción de James Bond vino al Zócalo para filmar al agente

secreto en un festival de Día de Muertos que nunca celebramos de la manera en que apareció en pantalla… hasta ese momento. ¡Cientos de extranjeros fueron a las agencias de viajes a preguntar cuándo podían visitar ese carnaval que vieron en el cine! ¿Realmente las únicas historias de México que son atractivas tienen que ver con narcos? ¿No ha habido hazañas heroicas modernas que se puedan plasmar en pantalla? Baste un interesante caso: en la década de los 50, gracias a que la ciudad de Guadalajara crecía de manera rápida, la avenida Juárez se amplió y todo era perfecto, hasta que se dieron cuenta de que la central de trabajo de Teléfonos de México se interponía en el camino. Reubicar a todo el personal en una nueva sede habría significado dejar incomunicadas a miles de familias, pero el edificio tampoco podía quedarse a la mitad de la nueva calle. Fue entonces cuando un hombre llamado Jorge Matute Remus, inspirado en técnicas de ingeniería egipcia ancestral, pudo mover el edificio completo, ¡con gente adentro, trabajando! Al día de hoy, el edificio sigue operando y tiene un monumento del ingeniero en su fachada. ¿No sería esta una de tantas historias bonitas que se podrían contar a la humanidad? Nosotros, los ciudadanos, debemos comenzar a poner el ejemplo. Hugo Sánchez decía que nuestra cultura es como una «cubeta de cangrejos», en la que el primero que intenta salir es jalado por los que están abajo. La gente te puede perdonar todo, menos el éxito. ¿Por qué no en lugar de criticar nos alegramos de que Diego Luna sea confirmado como el próximo Tony Montana en el remake de Scarface? ¿Por qué contamos, durante semanas, los minutos que Chicharito Hernández no metió gol en Alemania, en vez de mandarle muestras de apoyo para que recuperara la buena puntería? ¿Por qué exaltamos los XV de Ruby y no hablamos de Yair Piña, el joven mexicano de 20 años que hoy trabaja en la NASA? Suena trillada la frase «el cambio está en uno mismo» pero en esta ocasión estamos diciendo enteramente la verdad, y si queremos ser percibidos de mejor manera vale la pena actuar desde hoy.

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METALLICA HERE COMES REVENGE POR DIOVANNY GARFIAS FOTOS: HERRING & HERRING

LAS LEYENDAS MUSICALES SE ERIGEN A TRAVÉS DEL TIEMPO Y LA MEMORIA COLECTIVA ASISTIDAS DEL SONIDO QUE BROTA CADA VEZ QUE SE PARAN DETRÁS DE UN MICRÓFONO, YA SEA PARA REGISTRAR LA CONCEPCIÓN DIVINA DE SU CREATIVIDAD EN FORMA DETALLADA Y PULCRA DENTRO DE UN ESTUDIO DE GRABACIÓN O AL TOCAR EN VIVO Y ENFRENTARSE A UNA HIDRA CON MILES DE CABEZAS QUE, CONTRA TODO PRONÓSTICO, SE DOMESTICA Y CAE EN TRANCE HASTA LLEGAR A UN ESPLENDOR, ENTRE MÚSICA, AMBIENTE Y LA BANDA QUE EMITE ESAS ONDAS SONORAS. METALLICA PUEDE AÑADIR EN SU CURRÍCULUM ESTAS DOS CARACTERÍSTICAS Y MUCHAS MÁS.

on una trayectoria de más de 35 años, la banda californiana cuenta con un estatus que le permite generar tristes esfuerzos discográficos —como Lulu (2011), al lado del ahora ausente Lou Reed— que de alguna manera se convierten en relevantes, tocar frente a menos de mil personas en apoyo a diversas causas o hacer un dueto con Lady Gaga en los Grammy Awards y ser noticia por las razones incorrectas. De ese tamaño son tus fortunas y desdichas cuando te llamas Metallica. Entre las grandes cantidades de información generadas por este monstruo de cuatro integrantes se encuentra Hardwired... To Self-Destruct (2016), la placa número diez en su discografía que representa un nuevo punto de partida musical para Metallica. Ideado por la médula del proyecto, James Hetfield y Lars Ulrich, el disco significa un regreso ideológico (mas no sonoro) a Kill ‘Em All (1983) y Ride The Lightning (1984). El lanzamiento de este nuevo vástago sucedió a la par de la hecatombe política que afectó al mundo el año pasado pero que pareció coronarse con el inicio de la era Trump, el pasado enero. Así, Metallica, una banda políticamente nula (en esencia) nos dejó ver las caras de sus cuatro miembros ante un tema que puede causar llagas. Robert Trujillo, por ejemplo, de origen evidentemente latino, ha tocado el tema con reserva, apoyando siempre a las ahora atacadas minorías en Estados Unidos. Por su parte, Hetfield nunca ha escondido su simpatía por la derecha de su país (se mudó de la bahía de San Francisco por la conducta de política “elitista” de sus habitantes, optando por la montañas de Colorado donde puede cazar sin que nadie lo moleste). Ulrich declaró hace unos meses que pensaba regresar a su natal Dinamarca, tomar su pasaporte y «largarse al aeropuerto si Trump ganaba las elecciones y todo se iba a la mierda.» Por último tenemos a Kirk Hammett. Hammett, el elegante guitarrista, fue más allá y el pasado 20 de enero, el mismo día del Presidential Inauguration Day en Estados Unidos, tomó su cuenta de Twitter y expresó a sus más de 145 mil seguidores un largo pensamiento político respecto al nuevo líder del mundo libre: «Sólo espero empezar una guerra de Twitter con él, sólo estoy esperando.» Aquel hombre iracundo es el mismo con el que hoy puedo ha-

blar de la música nueva que llevará a Metallica por una gira mundial. Curiosamente, Hammett no contribuyó creativamente en Hardwired... To Self-Destruct, pues perdió su teléfono con alrededor de 250 ideas para el disco, en 2014. - Teniendo en cuenta lo que pasó con tu celular, ¿cómo fue llegar al estudio a grabar considerando que básicamente el disco estaba escrito? «Fue algo devastador, porque cuando empecé a generar cosas casi todo estaba hecho. Así que para mí era muy importante entregar algo diferente a Death Magnetic (2008) a la hora de grabar el disco, tengo mi propio equipo y mi compañía de pedales (KHDK Electronics), así que tuve mucha libertad de manipular el sonido. «No trabajé por adelantado los solos de guitarra, llegué al estudio y toqué lo que me saliera, algo que resultó muy bien (porque fui capaz de hacerlo) pero que no sabía que podía hacer. Después de tres canciones me sentí muy confiado, así que seguimos con los solos de esa forma, tratando de capturar el momento, de ser tan espontáneos y frescos como fuese posible y no sobre pensar las cosas. Gracias a que lo hice de ese modo hay diferentes fraseos y ritmos que no habría tocado, hay cosas en las que hubiera buscado un sonido perfecto (o al menos lo que imaginaba como “perfecto”) pero en este álbum hay cierto nivel de falta de control, un elemento caótico en mi forma de tocar que de verdad disfruté, porque fue diferente a cualquier cosa que he hecho, así que estoy adoptándolo.» - ¿Llegaremos a escuchar esa música en la que trabajaste antes de grabar el disco? «Tengo algunas cosas que seguramente terminarán en el siguiente álbum.» - Muchos han mencionado que este disco es similar a Kill ’Em All, ¿estás de acuerdo? «Eso fue al comienzo, muy al principio. Las canciones fueron escritas con una actitud muy a lo Kill ’Em All y luego, si escuchas ‘Hardwired’, el primer single, suena totalmente a algo de ese disco.» - Y se convierte en un éxito mundial… «¡Es asombrosa la respuesta tan abrumadora que la canción ha obtenido, porque es algo que suena a Kill ’Em All, un disco que no le importó a nadie cuando salió, nadie lo tocaba en la radio! Sale Hardwired… y a todos les interesa y todos lo ponen en la radio, así que los tiempos cambian.»

- Ya que estamos en el pasado, Master Of Puppets cumplió 30 años en 2016. ¿Lo has escuchado últimamente? «Siempre escucho ese disco porque me trae buenos recuerdos, estar con todos en Copenhague, Dinamarca, grabando, todo ese tiempo de gira con Cliff (Burton), puedo recordar el 84, 85 y 86, Master Of Puppets me lleva de vuelta a todos esos momentos. En Estados Unidos puede ser que prendas la radio, que vayas a un restaurante o que pares junto a un auto y ¿qué están tocando?, ‘Master Of Puppets’, así que lo escucho mucho sin siquiera intentarlo.»

- Ya que hablas de viajes, están en medio de una gira, ¿lo estás disfrutando? «De verdad me gusta, en lo que se refiere a tocar en el escenario, para diferentes públicos. Amo viajar a diferentes países, ver todas esas caras y conocer diferentes culturas, ver cómo reaccionan a nuestra música, lo cual es casi siempre de manera positiva. Tengo una personalidad, digamos, “curiosa”, así que a donde sea que voy necesito saber un poco del lugar, de su cultura, y estar en esta banda me lo ha permitido. Pregúntame lo mismo en un año y medio y tendrás una respuesta completamente diferente [ríe].»

- Con más de 35 años como banda, ¿están al tanto de su influencia en la música? «Claro, estamos al tanto de nuestra influencia e impacto en la música aunque no nos sentamos a hablar al respecto, no es algo a lo que le dediquemos mucho tiempo, eso se lo dejamos a otros [ríe]. Pero sí, respondiendo a tu pregunta, estoy totalmente al tanto de cómo el heavy metal en general se ha encaminado y esparcido por todo el mundo. Lo que empezamos en 1983 tuvo mucho impacto, no fuimos los únicos pero sí hay muchos que buscan inspiración en Metallica, cierta guía, y sí, estoy consciente… un poco [ríe].»

- Pasando a otros temas, México siente gran cariño por Metallica como pocos países en el mundo, y aunque la banda ha demostrado reciprocidad tú pareces tener una afinidad más amplia por los latinos, sobre todo en esta época de “odio efervescente”. ¿De dónde proviene este sentir? «Tengo que regresar en el tiempo, muy atrás. Nací en San Francisco, California, y fui criado en el distrito The Mission, donde el 80% de la gente es latina y el otro 20% es asiática. Crecí ahí durante los primeros 13 años de mi vida, así que siempre he tenido afinidad con los latinos, mi abuela es parte española, mi mamá también y por supuesto yo tengo algo de latino dentro de mí. Crecí comiendo burritos (sé que son algo más fronterizo, chicano, de California) pero también tacos, quesadillas, ¡así que amo la cultura mexicana, porque crecí con ella! En mi barrio hay una calle llamada Mission Street, parecida a cualquier calle de la Ciudad de México, con piñatas por todos lados, un chico vendiendo tamales, tantos postres y dulces tradicionales. Amo la cultura mexicana porque es algo que siempre ha estado conmigo y amo a México porque veo todas las cosas de mi juventud, me encanta el chocolate mexicano, es lo mejor del mundo, además siempre es un placer tocar aquí, el público se vuelve loco… ¿Cuántas veces tocamos aquí la última vez?»

- Parece que el heavy metal se ha esparcido por el mundo de 20 años a la fecha… «Entiendo lo que dices. En el 98 escuchabas hablar mucho de la world beat music, que en ese entonces era un tipo de música caribeña, lo oías en todos lados. Ahora creo que el verdadero world beat music, en este momento, es una forma de heavy metal. Cuando digo “forma de heavy metal” pienso en bandas de Latinoamérica, con instrumentos tradicionales con los que crecieron, que sus padres han tocado toda su vida y que han sido parte de su cultura por cientos de años. Veo en este medio a gente que toca instrumentos de viento hechos de madera y los incorpora al heavy metal, o escucho en Asia a bandas de metal que suenan a música tradicional de la región. Voy a India y escucho que los grupos de metal tienen largos pasajes de Ravi Shankar en su música, y luego llego a Jerusalén y escucho fragmentos de folk local en las canciones. Es sorprendente lo que escucho en mis viajes, diferentes tipos de heavy metal.»

- Ofrecieron ocho conciertos… «Esos ocho conciertos fueron algo demente, simplemente loquísimo, por eso nos gusta, nos gusta la ciudad, el entusiasmo de la gente que se envuelve en nuestra música y pierde el control, tan conectada con el sonido y la energía. Los mexicanos hacen eso tan libre y abiertamente que lo amamos, es grandioso.»

@KirkHammett /20 de enero de 2017 Presten atención gente, defiendan la verdad, la compasión y la unión, no se conformen con menos. Rechacen las mentiras, el temor, la ira mal encaminada. El sistema nos quiere divididos, así es más fácil controlarnos emocionalmente. ¡TODOS ESTAMOS JUNTOS EN ESTO! LES GUSTE O NO, NOS NECESITAMOS UNOS A OTROS PARA SUPERAR LA AMENAZA MÁS GRANDE… Y todos sabemos cuál es la amenaza, gente en el poder que está tratando de negarnos a nosotros y a nuestros hijos y nietos un futuro verde y saludable. RECHACEN LA MATANZA AMERICANA Ahora mismo somos una nación mejor, ¡mejor que hace sólo cinco años! RECHAZA LAS MENTIRAS DE LA GENTE EN LA NUEVA ADMINISTRACIÓN, SÓLO ESTÁN PARA ALIMENTAR SU PROPIA SED DE AVARICIA Y PODER ¡América nunca dejó de ser grande! América es una de las naciones más ricas y prósperas del planeta. ¡Estoy orgulloso de América! Para decir que América no es grande, que carece de grandeza, edifica un escenario para la manipulación y el control de otros, ¡presten atención gente! Recuerden la gran América de hoy. Entonces veré con ustedes la grandeza de América en seis meses y veremos qué ha cambiado. Las únicas personas que niegan el CAMBIO CLIMÁTICO son las mismas que pueden perder ante energías renovables. Esta administración piensa que puede simplemente ignorar el CAMBIO CLIMÁTICO. Gente, ahora nos toca a nosotros hacer la diferencia. No sigamos sus mentiras sobre nuestra madre tierra. ¡NIEGA A QUIENES LO NIEGAN! ELLOS SON LOS ASESINOS DE LA TIERRA RECHACEN el término Derecha Alternativa, sólo es otro eufemismo enmascarado para la supremacía blanca, ¡digan lo que es! ¡No los dejen esconder detrás de la deshonestidad! Una última cosa: si no empezamos la pelea nos arriesgamos a perder nuestros derechos… ¡Defiendan la democracia de los que quieren aplastarla!

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2017

1949 Primeras pruebas nucleares por parte de la Unión Soviética.

A DOS MINUTOS Y MEDIO DE MEDIANOCHE

1953 Estados Unidos hace la primera prueba de la bomba de hidrógeno. 1984 La relación entre Estados Unidos y la URRS alcanza un punto bajo en décadas. 2015 La modernización mundial de armas nucleares crean amenazas extraordinarias. 2017 La probabilidad de catástrofe global es muy alta. La llegada de Donald Trump a la presidencia de Estados Unidos y las pruebas nucleares por parte de Corea del Norte llevan a la humanidad al límite.

POR EDUARDO MARTÍNEZ

esde 1947, The Bulletin of the Atomic Scientists calcula los minutos que faltan para llegar a la medianoche que significaría el fin de nuestra era. Dependiendo de los acontecimientos internacionales, naturales y sociopolíticos, el reloj se va moviendo, y este 2017 ha llegado ya a los dos minutos y medio, siendo el año con menor tiempo desde 1953, cuando el reloj se situó en los dos minutos.

Las razones principales: la llegada de Donald Trump a la presidencia de Estados Unidos y las intensas pruebas nucleares llevadas acabo por Corea del Norte. En la siguiente infografía podrán encontrar señaladas las fechas y los acontecimientos más representativos en los que The Bulletin ha presentado; para ver la información completa visita thebulletin.org

*Datos de The Bulletin of the Atomic Scientists

1947 1960 1963 1968 1969 1972 1974 1980 1981 1988 1990 1991 1995 1998 2002 2007 2010 2012

17 14 12 10

9 7

2 MEDIANOCHE

2.5

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VIVA LA RÉSISTANCE! 129

THE SHINS SO NOW WHAT? POR RAÚL ARCE FOTOS: NIKKI FENIX

GARDEN STATE (2004) ES UNA PELÍCULA PROTAGONIZADA Y DIRIGIDA POR ZACH BRAFF, EL ACTOR PÁLIDO Y DE CARA CHISTOSA AL QUE MUCHOS IDENTIFICAMOS POR SU TRABAJO COMO J.D. EN SCRUBS. EN SÍ, EL FILME TUVO UNA RELEVANCIA MODERADA PERO SE CONVIRTIÓ EN OBJETO DE CULTO PARA LOS AMANTES DE UN GÉNERO MAL LLAMADO INDIE, EN BUENA MEDIDA GRACIAS A UN MUY BIEN SELECCIONADO SOUNDTRACK. En aquella banda sonora —elegida por el mismo Braff— se encontraba el tema ‘New Slang’, que aparecía en un momento crucial del filme en el que el personaje de Natalie Portman (Sam) le presenta el track a Zach Braff (Andrew) al tiempo que le advierte: «Esta canción va a cambiar tu vida.» Al final, la vida que realmente cambió fue la de James Mercer, líder y vocalista de la banda responsable de la pieza: The Shins.

partir de esta aparición las cosas dieron un giro para la banda de Albuquerque, Nuevo México, pues empezó a ser parte de grandes festivales y a tener exitosas giras propias, incluso su creciente popularidad la llevó a tener una desafortunada participación en la popular sitcom Gilmore Girls. Pero, ¿qué pasa cuando se acaba tu golpe de suerte y el hype a tu alrededor se desvanece? Simple, tienes que mostrar talento real y trabajar duro para sobrevivir. Eso fue precisamente lo que hizo Mercer, quien tras varios cambios en la alineación de su banda, un periodo sin hacer música con The Shins e incluso una exitosa colaboración con Danger Mouse (Broken Bells) ha sabido mantenerse a flote en lo que parece una vuelta más en el ciclo de la cultura popular en el que la música independiente hecha con guitarras —esa que al principio de los 2000 se sentía fresca y honesta— no vive su punto más alto. De alguna manera hay músicos de esa generación que han sobrevivido al cambio de tendencias, a la

mutación en la manera en que consumimos música y, por encima de todo, al surgimiento de una nueva camada de gente joven que a muchos nos está costando entender. James Mercer es uno de esos sobrevivientes. El líder de The Shins ha tenido que hacer frente a estos cambios de todas las maneras posibles y, más allá de abstraerse o refugiarse en la nostalgia, se atreve a lanzar un nuevo disco (Heartworms) en un momento histórico en el que parece que la música y las expresiones culturales pasan a segundo plano.

- Parece que con el paso del tiempo has tenido que ajustar muchas cosas, de hecho, la alineación de la banda ha cambiado bastante. ¿A qué se debe? «Toda la gente con la que he trabajado tiene otros proyectos. Por ejemplo, cuando llegó Richard Swift estuvo con nosotros durante todo el ciclo de Port Of Morrow pero después empezó a hacer cosas con The Black Keys, una banda más grande, mientras yo estaba metido con Broken Bells. Fue entonces que su trabajo como productor se volvió muy solicitado y simplemente ya no pudo continuar. Lo mismo pasó con Jessica Dobson, que tiene su propia banda (Deep Sea Diver) y le empezó a ir muy bien, supongo que esa era su prioridad. Ahora vivo en un mundo

donde trabajo con gente que es muy talentosa, mucho más que yo y por eso están tan ocupados. Jessica quería producir algo nuevo cuando encontramos a Casey (Foubert), quien había trabajado con Sufjan Stevens y ahora nos ayuda con el disco. Al final estoy en una comunidad de gente que es muy talentosa y ocupada.» - Entrando un poco al tema del disco, leí que estuviste a cargo de la producción del último álbum, pero supongo que es muy diferente la dinámica de ir con alguien de gira a tener que adoptar el rol de productor… «Creo que he sido muy afortunado porque he encontrado a gente muy buena para trabajar, y lo otro es que también me apoyo de mis amigos, siempre estoy preguntando “¿sabes de alguien que sea talentoso, que encaje bien con nosotros?” y de alguna extraña manera eso me ha funcionado. Me pasó con Patti King, que toca el violín y los teclados con nosotros. A ella me la recomendó Chris Funk, de The Decemberist, quien por cierto es muy buen amigo mío.» - ¿Qué pasa una vez que ya se grabó todo? ¿Cómo sabes cuando el álbum está listo y no necesitas moverle nada más? «Siempre me pasa que al final me quedo escuchando lo que hicimos una y otra vez, lo que me

“PARA MÍ, ES UNA IDIOTEZ PENSAR QUE EL ARTE, INCLUYENDO LA MÚSICA, NO TIENE UNA FUNCIÓN REAL EN EL MUNDO. SI... REVISAS HISTÓRICAMENTE LA CULTURA POP Y SU INFLUENCIA EN LA POLÍTICA ES POSIBLE ENCONTRAR CONEXIONES DIRECTAS... QUE CAMBIARON LA MANERA EN LA QUE EL MUNDO PIENSA.” -JAMES MERCER

- Ahora que están con el lanzamiento de Heartworms, ¿qué tan importante son los formatos en los que una banda edita un disco? «Bueno, parece que el vinilo ha regresado con mucha fuerza, sin embargo, sigue representando el uno o el dos por ciento de las ventas, o eso es lo que me dijeron las personas del sello. En realidad es un formato que a mí me gusta mucho y es lo que más escucho en casa, con mi familia. Aun así me doy cuenta de que el streaming y todo lo digital es una parte inevitable de nuestro futuro. «Creo que eventualmente va a funcionar muy bien y dudo que pase pronto. Por ejemplo, si ahora vas a una tienda y compras un viejo vinilo de The Rolling Stones nadie va a ganar dinero con eso simplemente por el hecho de que es un álbum viejo, cuya venta no tendrá registro alguno para el artista.» - Finalmente, quiero preguntarte acerca del panorama actual para la música y las artes bajo la nueva administración en Estados Unidos… «Creo que el arte en general es un lugar en el que la consciencia humana hace tangibles los pensamientos, las esperanzas, los sueños y los temores. Todo esto se amplifica cuando lo comunicamos. Ahí es donde radica la importancia de dar salida a las expresiones. lleva a preguntarme, “¿cambiaré eso?, ¿le pongo otra cosa?”. La realidad es que agotas el proceso y llega un punto en el que debes alejarte un poco del proyecto. «Algo que me ayuda mucho es que hay mucha gente trabajando conmigo y llega un punto en el que te das cuenta que estás enloqueciendo a todos. Ahí es cuando sabes que tienes que parar, algo que es duro porque no sólo me pasa con el disco nuevo sino con los viejos. Cuando escucho Oh, Inverted World (2001) sufro mucho, ya sea porque pienso “¿por qué grabamos de esa manera tan extraña?” o porque quiero mover cosas de un disco que salió hace más de 15 años.»

- Desde hace algunos años, la música ha tomado un papel muy relevante en las series de televisión y recuerdo haberte visto en Gilmore Girls, lo cual fue un poco raro… «Sí, fue incómodo para nosotros también, y tienes razón, la música independiente empezó a sonar en la televisión gracias a shows como ese. ¿No sé si viste The O.C?, fue algo muy grande y de repente nuestros amigos salían ahí, pasó con Modest Mouse, The Walkmen y Death Cab (For Cutie). No sé, al final fue algo bueno para nosotros porque justo nos habían robado algunos masters del estudio y de repente nos dijeron que un show nos iba a pagar por salir unos minutos en televisión, así que todo funcionó muy bien.»

«Para mí, es una idiotez pensar que el arte, incluyendo la música, no tiene una función real en el mundo. Si retrocedes un poco en el tiempo y revisas históricamente la cultura pop y su influencia en la política es posible encontrar conexiones directas a películas, canciones o pinturas que cambiaron la manera en la que el mundo piensa. Creo que el arte es increíblemente poderoso, quizás ahora más que nunca. Con esto no estoy diciendo que esa es la razón por la que yo hago las cosas, pero lo que sí te digo es que yo retaría a cualquiera a que diga que el arte y la cultura no son importantes, pues son la manera más poderosa de comunicar.»

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ROB SHERIDAN ART IS RESISTANCE POR DIOVANNY GARFIAS FOTOS: CORTESÍA ROB SHERIDAN

Analog Estas y otras imágenes utilizadas para Welcome Oblivion (2013) y An Omen (2012) de How To Destroy Angels fueron creadas con la interrupción de señales a través de cinta analógica y equipo para visualización, después fotografiadas, sin efectos de Photoshop.

Fight Back

«S

urreal, es la única manera de describirlo. Como un joven recién salido de la preparatoria, el hecho de encontrarme frente a frente con mi ídolo musical, ¡para una entrevista de trabajo!, fue como si mi pequeño mundo se volteara por completo. Me cambió la vida.» Él es Rob Sheridan y su nombre empezó a tomar notoriedad en el mundo de Nine Inch Nails cuando su fanpage Above The Trees fue descubierta por Trent Reznor. Así, el músico contrató al novato diseñador para dar mantenimiento al entonces recién lanzado sitio de su banda (nin. com). Era 1999 y a partir de entonces Rob comenzó a volverse parte fundamental del ADN creativo de Reznor, con cada álbum y concepto sonoro transportado al mundo visual y físico por el genio creativo de Sheridan, quien para entonces ya fungía como Director de Arte; primero portadas de discos y booklets, después tours, videos, boxsets y experiencias ARG (alternate reality game) como parte de la promoción de Year Zero (2007). «Siempre fue una experiencia inmensamente compleja. Trent es una persona que se fija mucho en los detalles y yo también, pero lo más importante son los fans de NIN, que realmente están enfocados en ellos. Cada proyecto (dis-

co/gira) era un arma de dos filos: contrario a cómo se trabaja con muchos diseños, todo lo que hacíamos con NIN era examinado con detenimiento, por lo que cada idea o detalle que se le agregara era notado y apreciado. Claramente, eso también implicaba que cada error que cometiera, cada vez que fallaba, cada vez que el trabajo no daba el ancho se hacía notar. No existía la oportunidad de ser flojo por lo que, como diseñador, me mantenía listo para lidiar con lo que fuera.» Hoy el artista está tomando un descanso del empleo que lo llevó a viajar por el mundo, a experimentar con sus procesos creativos e incluso a estar sobre un escenario como parte del colectivo How To Destroy Angels, al lado de Atticus Ross, Mariqueen Maandig y Trent Reznor: «Después de 15 años era lo mejor para mí y para todos. Los nuevos talentos siempre serán algo bueno para NIN. Tengo varios proyectos personales en los que he querido trabajar desde hace años y ahora tengo tiempo para todo eso.» Desde Seattle, Rob hace un espacio para responder nuestras interrogantes respecto a su próximo trabajo, un libro ilustrado para niños, y su envolvimiento en temas de activismo social y político frente a la situación que aqueja a Estados Unidos. - Estuviste desconectado de las redes sociales hasta hace unos meses, cuando volviste no sólo a hablar de arte sino a dar tu opinión sobre la situación política en Estados Unidos. ¿Por qué sentiste de nuevo la necesidad de expresarte a través de tal medio?

«Hace unos años pasaron muchas cosas en mi vida personal y también me despedía de NIN, por lo que de pronto comencé a tener muchos espacios, un lienzo en blanco que no había tenido en años. Tomé la oportunidad para enfocarme en mi vida personal y el mundo exterior en general, me percaté de que las redes sociales y el Internet no me hacían feliz y en un punto caótico me sentí más atraído por amistades y experiencias reales. Esto hizo que me diera cuenta de cuánto tiempo pasaba en Internet y la poca felicidad que realmente me dejaba. El año pasado vendí mi casa de Los Angeles, guardé mis cosas en un depósito y pasé gran parte del tiempo acampando, viajando, explorando, conociendo nuevas personas, escribiendo, dibujando y todo sin la necesidad de Internet. «Fue catártico, liberador, me ayudó a volver a enfocarme en lo que realmente me importa. Toda esa locura y adicción que tenía por Internet… no la extrañaba. Tampoco extrañé la cantidad de cosas que había acumulado en casa. Pasar mi tiempo con lo mínimo, sin Internet y saliendo a descubrir el mundo me cambió la vida positivamente. Cuando comenzó la locura de las elecciones, en 2016, me volví a conectar. El amor por las noticias no me dejó ignorar lo que estaba pasando en mi país y desde que ese tirano infantil fue electo me volví políticamente activo de nuevo, lo cual requería pasar tiempo en Internet. A pesar de vivir en esta época en la que estar informado y conectado es vital, procuro pensar en todo lo que me dejó ese año que pasé fuera, así me recuerdo a mí mismo que debo desconectarme de vez en cuando.»

YEAR ZERO ART IS RESISTANCE Flyer Art Is Resistance, parte del mundo creado por Reznor y Sheridan para Year Zero.

- Como artista estadounidense y como parte del equipo que creó la historia del distópico Year Zero, ¿cuál es tu perspectiva sobre la época tan extraña que vivimos? «Creamos Year Zero como una proyección de lo que le podría pasar a Estados Unidos si las políticas de Bush siguieran moviéndose en el camino incorrecto durante 15 años, y como la mayoría de las historias de ficción distópica, era una advertencia. Es inquietante ver cómo gran parte de esa ficción se está haciendo realidad y lo parecido que puede ser el fascismo con Estados Unidos, nos estamos encaminando al desastre. Además, permitir que Trump ganara equivale a una desagradable vergüenza nacional. Tanto sus políticas, o mejor dicho las de Steve Bannon, y él mismo personifican todo lo que advertimos en Year Zero. El lado amable de esto es que gran parte de la experiencia motivó a las

personas a crear resistencia, a poner atención, a mantenerse informados, a luchar. Nuestro mundo futurista se llamaba The Resistance (La Resistencia). Es inspirador ver cómo millones de personas usan ese mismo término en contra de Trump/Bannon, nunca antes había visto tanto activismo, consciencia e indignación. Me da gusto ver que no lo están dejando pasar. Creo que mientras no perdamos eso La Resistencia triunfará.» - ¿Estás de acuerdo con la idea de que durante los momentos más difíciles es cuando surgen las mejores obras de arte? «Por supuesto. Creo que gran parte del mejor arte surge del dolor, del enojo, de la pérdida y de la opresión, es el único rayo de luz consistente en las épocas más oscuras. Muchos artistas desahogan la negatividad, interna o externa, en creatividad. En temas de protesta, arte, música

y entretenimiento siempre he podido entregar los mejores métodos para comunicar ideas, ya sea una comedia satírica, una canción subversiva o simplemente una gran obra de arte con un mensaje profundo. Tantas personas han abierto los ojos a lo que está pasando ahora. Es tan inspirador que ya ha comenzado a manifestarse en increíbles obras de arte. Una de las señales de precaución con el fascismo es el “desprecio por los intelectuales y las artes”. La razón para esto es: el arte es Resistencia.» - Actualmente trabajas en un nuevo libro, en Seattle. ¿De qué trata? ¿Piensas publicarlo este año? «El libro es una antología de historias folclóricas contadas con un giro oscuro. Será un libro excesivamente ilustrado con cuentos mórbidos, fantásticos y sombríos. Llevo mucho tiempo queriendo escribir e ilustrar libros para niños. Ahora, por fin, tengo el tiempo

TENSION La producción visual para la gira Tension, autoría de Rob y el equipo de Moment Factory.

para hacerlo realidad. El primer libro es tan envolvente que se está convirtiendo en material para adultos o niños más grandes a los que les gusten las cosas sombrías. Mi plan es terminar (las ilustraciones son detalladas y consumen mucho tiempo, por lo que me tomará una temporada terminar) y publicarlo este año, pero todo depende de cómo se desarrollen las cosas con los editores.» - En retrospectiva, ¿cuál ha sido el proyecto o situación más desafiante que has enfrentado en los últimos años, mientras trabajabas con NIN? ¿Cuál ha sido el logro que te ha hecho sentir más orgulloso? «El diseño para la producción de la gira Tension, en 2013, fue probablemente la situación más retadora que he vivido con NIN. Había constantes cambios de último minuto. Trent decidió rediseñar una presentación que habíamos planeado por meses, tuvimos que adaptar todo en

poco tiempo, batallamos y pasamos varias noches en vela buscando la manera de reconfigurar el show para que todo tuviera sentido. Hay un mini documental en Vevo que muestra todo esto, allí puedes ver nuestro cansancio después de tantos ensayos, casi nos quebramos pero el show debía continuar, así que trabajamos sin parar hasta conseguir que fuera genial. «En cuanto a lo que más me hace sentir orgulloso, creo que sería Year Zero, y no sólo por el arte y el ARG, creamos un mundo con tantas riquezas, así como el show de televisión que nunca se materializó.» - ¿Cuál fue la diferencia entre formar parte activa del colectivo HTDA y sólo ser el Director de Arte de un proyecto? «Antes era muy tímido, toda la experiencia con NIN me ayudó a madurar mucho y a sacudirme

esa parte introvertida. Claro, nada se compara con la primera vez que me subí al escenario con HTDA, lo disfruté mucho más de lo que creí, fue una experiencia muy diferente porque pude aportar mucho de mí al proyecto, desde mi perspectiva visual estética hasta ser parte de una presentación en vivo. La relativamente breve gira de HTDA es una de las cosas que más me han enorgullecido, formar parte de todo esto fue realmente especial para mí.» - Como artista se te ha reconocido por el uso del “glitch” en tu trabajo. ¿Qué te llevó a experimentar esta técnica? ¿Cómo comenzaste a experimentar con una impresora rota para el concepto Bleedthrough? «Trabajar con Trent me llevó a adentrarme en la estética del “glitch”, aprendí sobre la forma en la que él creaba música y cómo usaba el sonido para evocar emociones.

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Trent rompía cosas para cambiar el sonido, las usaba en la forma incorrecta, musicalmente hablando, para crear sonidos incómodos. Su tapiz era un baile constante entre belleza y terror, así que con el reto de crear visuales que pudieran combinar con su música comencé a buscar la manera de hacer las cosas de “la forma incorrecta”, bellos errores, un sentido visual de desorden. Al inicio no fue nada fácil dado que soy perfeccionista por naturaleza, pero conforme me adentraba fui encontrando un antídoto liberador a este peso que cargaba.» - ¿Cómo te introdujiste en el proceso de “data bending” y qué tan complicado fue conseguir el resultado que buscabas? «En todo lo relacionado con los visuales de With Teeth, desde el arte del disco hasta el vi-

BLEEDTHROUGH Arte conceptual para Bleedthrough, disco que se convirtió en With Teeth. Mucho del material fue creado al arrastrar el papel a través de una impresora descompuesta y con una máquina de escribir rota.

deo ‘The Hand That Feeds’, procuramos explotar las imperfecciones aplicadas a la tecnología, especialmente en relación con los nuevos consumidores de aquella época. Mucho del arte se derivó de scanners rotos y “glitches” de éste (una evolución de la máquina de escribir rota que también usamos para el concepto de Bleedthrough). Para el video ‘The Hand That Feeds’ aprovechamos todos los “glitches” y fallas de grabación de los miniDV. Muchas personas, incluyéndome, suelen aprovechar la parte estética de tecnología obsoleta, como el VHS. Para With Teeth tomé la parte estética de la tecnología más reciente en aquel momento.» - ¿Existe alguna técnica o proyecto que te gustaría intentar en el futuro dentro del arte del “glitch”? «Tengo una nueva serie de “glitch” análogo

que aún está en desarrollo. Para este proyecto continué con el proceso análogo que utilicé en el pasado. Es un medio caótico y fascinante y no he encontrado mi método en particular en ningún otro lado. Tampoco he terminado de explorar ese mundo, así que es realmente emocionante regresar después de tantos años. En temas de nuevos procesos, he experimentado con “glitches” para realidad virtual e impresiones en 3D. Ya veremos a dónde me lleva.» - El año pasado trabajaste con The Black Queen en los visuales de su gira y dirigiste su video ‘Ice To Never’. ¿Cuáles eran tus objetivos, visualmente hablando? «Los miembros de The Black Queen son muy buenos amigos míos y quedé impresionado cuando escuché el disco en el que habían tra-

bajado (Fever Daydream), una mezcla perfecta de nostalgia y vanguardia. Me preguntaron si quería apoyarlos a hacer un video y en ese momento me pareció una gran oportunidad para usar la estética VHS y crear visuales nostálgicos y contemporáneos. La banda tenía varias ideas muy disparatadas pero no tenía presupuesto, así que decidimos mezclar un poco de todo y experimentar en mi estudio, grabando en la calle y editando todo en un mixtape visual neón con estilo ochentero. Queríamos que diera la impresión de un VHS sin nombre, abandonado en una venta de garage, con contenido angustiante que te deja pensando “¿qué demonios acabo de ver?”.» - Generalmente, llegamos a conocer a un artista por sus piezas finales pero tú has publicado en

Internet algunos tutoriales y explicaciones detalladas del proceso que sigues, paso a paso para hacer tus obras. ¿Qué te llevó a abrir esta parte de tu proceso? «El hecho de exponer un proceso, mostrar cada uno de sus elementos e incluso dar acceso a éstos me ayuda a seguir adelante y a crear procesos nuevos. Cuando hice el arte para el soundtrack de The Social Network pasé un buen rato creando “glitches” de imágenes, alterando su código en un editor hexadecimal, fue un proceso muy largo y meticuloso. Poco después de esto comenzaron a surgir muchas aplicaciones y herramientas que hacían el proceso de crear “glitch” mucho más sencillo. Esto fue algo bueno, sin embargo, la estética detrás de esto ya no era única, cualquiera podía hacerlo, por lo que comenzó a

ser más y más popular. Esto me llevó a crear un nuevo proceso para How To Destroy Angels. Me alegra poder abrir un diálogo en relación con los procesos porque mientras éstos se vuelven más comunes e imitados yo me siento más motivado a crear cosas diferentes para mis futuros proyectos. La competencia impulsa la creatividad.» - Cuentas con un gran acervo artístico. ¿Te gustaría crear alguna exhibición con tu trabajo en el futuro? «Había comenzado a planear una instalación sobre mis “glitches” en Los Angeles pero terminé saliendo a explorar. Voy a hablar con unas personas en Seattle próximamente, tal vez pase algo allá. Tengo muchas ideas muy interesantes para esto.»

THE SOCIAL NETWORK La imágenes fueron corrompidas digitalmente, abriéndolas en un editor de texto y añadiendo/eliminando texto a su código.

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AUSTRA I WILL BRING YOU HOPE, OLD FRIEND POR DIOVANNY GARFIAS FOTO: RENATA RAKSHA

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a idea de dibujar un futuro mejor en el que los errores del pasado permanecen sólo en los registros anecdotarios como un mal momento es parte del idealismo que impulsa la mente humana y que dota a nuestra especie de esperanza. El futuro es tan brillante y perfecto como lo es el camino que construimos hacia éste, sin embargo, pareciera que el de nuestra sociedad neoliberalista está enfilado hacia una fosa llena de desigualdad y podredumbre fascista. No obstante, cuando el horizonte se vislumbra oscuro siempre podemos encontrar esperanza en el arte, sobre todo en aquel que está construido a partir de la resistencia, con mensajes directos que invitan a cuestionar nuestro hoy en beneficio del mañana.

- ¿Imaginaste que el presente se convertiría en algo tan distópico cuando comenzaste a escribir el disco? «Creo que desde que empecé a escribir el disco todos los problemas que había identificado culminaron en lo que eventualmente se convirtió en la presidencia de Donald Trump. Definitivamente no esperaba el ascenso de una facción de derecha fascista en América y Europa. Estaba leyendo acerca de los grandes problemas y desigualdades en nuestras economías y el medio ambiente, específicamente sobre el neoliberalismo y cómo ha afectado a personas de todo el mundo. Este momento se siente distópico pero tengo la esperanza de que hayamos creado un sistema con controles y el equilibrio suficiente para que Trump no pueda hacer mucho daño.»

Future Politics (2017), el tercer esfuerzo musical de Katie Stelmanis, la mente detrás de Austra, se encuentra en este rubro, siendo un llamado de atención para mejorar nuestro entorno y después gozar de las consecuencias. Este distópico álbum fue escrito en Montreal, Canadá, y en la Ciudad de México, y representa una evolución sonora de Stelmanis con relación a su antecesor Olympia (2013). Con una situación política tan efervescente en Norteamérica, Katie nos compartió su punto de vista y, de paso, algunas anécdotas de su andar por nuestro país.

- ¿Qué te hizo cambiar drásticamente la dirección del sonido y la producción con respecto a lo que hiciste en Olympia? Olympia fue un disco colaborativo, lo escribí y lo grabé con mi banda, algo que nunca había hecho, excepto con Maya (Postepski), y aunque disfruté la experiencia sentí que también había renunciado a algo de mi propia autonomía y quería recuperarlo. Básicamente escribí todo Future Politics, lo produje y lo grabé, y creo que ahora que me he clavado tanto en ese mundo estoy lista para colaborar de nuevo.»

- Las letras de Future Politics tienen un mensaje muy específico de resistencia y de hacer del presente un lugar mejor. ¿Qué historia querías contar en este disco? «Me obsesioné con la idea del futuro mientras escribía el disco y lo importante que es conceptualizar uno en el que nos gustaría vivir, así que mucho de lo que hacemos ahora se basa en la resistencia y no creo que pongamos suficiente energía en hablar al respecto, prever y construir un camino hacia algo completamente nuevo y progresista. Quería alentar a la gente a pensar más allá de los límites que nos hemos creado y darnos cuenta del potencial ilimitado del futuro, que puede ir hacia un lugar radicalmente diferente del que se encamina hoy.»

- Cuéntanos, a nivel inspiración ¿qué escuchabas durante el proceso de creación del disco? «Lo escribí durante algunos años, así que escuché muchas cosas diferentes. Al principio estaba muy inspirada por Massive Attack y más tarde, luego de pasar algún tiempo en México, me metí en la electrocumbia, con artistas como Chancha Vía Circuito y Nicola Cruz.» - ¿Cómo fue que terminaste en México? «Al principio estaba escribiendo en Montreal, en medio del frío y la oscuridad, y terminé por deprimirme bastante, me sentí sola. Como podía escribir desde cualquier lugar decidí ir a México sin realmente saber qué esperar. Com-

pré un boleto de ida y terminé quedándome por seis meses porque se convirtió en uno de mis lugares favoritos.» - ¿Qué tanto cambió el mood del disco luego de pasar seis meses en nuestro país? «Tuve mucha suerte porque de inmediato me presentaron a algunas personas que se convirtieron en muy buenos amigos, así que me integré a una comunidad que me enseñó mucho de la ciudad. El disco se volvió mucho más optimista y colorido en México, lo que empecé en Montreal era mucho más depresivo y melancólico.» - ¿Hubo algo que te pareciera fuera de lo común o extraño durante tu estancia en México? «Cuando vives en una ciudad con 22 millones de personas hay tantos secretos extraños por descubrir que sentí como si me presentaran algo nuevo y raro casi todos los días. Me encantó ir a Patrick Miller los viernes. Mi amigo tenía un departamento en el centro, con una terraza desde la que podías mirar toda la ciudad. Salíamos mucho a dar la vuelta por la Cuadra San Cristóbal de Luis Barragán, era muy agradable.» - Después de escribir parte del disco en México, ¿planeas venir a tocarlo en vivo? «Seguimos esperando que un promotor nos lleve. Lo he intentado por años y aparentemente los bookers no creen que tengamos los seguidores suficientes. Yo discrepo.» - Para terminar, las cosas en Norteamérica en términos políticos y sociales pasan por un momento crítico, se planea construir un muro, se prohíbe la entrada a refugiados. ¿Crees que las cosas mejorarán pronto? «¡Eso espero! Lo único positivo con Donald Trump es la fuerza del movimiento que se opone a él. Esperemos que exponga lo profundamente racista que es la sociedad estadounidense y una vez que el tumor maligno sea identificado se pueda destruir.»

“LO ÚNICO POSITIVO CON DONALD TRUMP ES LA FUERZA DEL MOVIMIENTO QUE SE OPONE A ÉL. ESPEREMOS QUE EXPONGA LO PROFUNDAMENTE RACISTA QUE ES LA SOCIEDAD ESTADOUNIDENSE Y UNA VEZ QUE EL TUMOR MALIGNO SEA IDENTIFICADO SE PUEDA DESTRUIR.” -KATIE STELMANIS

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SPOON RESISTANCE FROM INDEPENDENCE POR VICTOR G. GARCÍA FOTOS: ZACKERY MICHAEL

«NUNCA HABÍA EXPERIMENTADO ALGO SEMEJANTE», ME DICE BRITT DANIEL CON UN TONO DESOLADO. «SERÍA GRACIOSO SI NO FUERA TAN ESPANTOSO. TENEMOS UN PERSONAJE DE CARICATURA QUE NOS REPRESENTA ANTE EL MUNDO, ALGUIEN QUE NO TIENE NINGÚN INTERÉS EN REALIZAR SU TRABAJO SERIAMENTE. CON OBAMA NUNCA FUE ASÍ. DEFINITIVAMENTE ES UN CAMBIO.»

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s natural que la conversación se dirija invariablemente hacia el sombrío panorama social en el que se encuentra Estados Unidos, pues Daniel, vocalista y líder de la banda texana Spoon, sabe lo que es vivir en un estado sureño lleno de republicanos que a partir de la llegada a la presidencia de Donald Trump han encontrado la excusa perfecta para sacar a relucir las actitudes más retrógradas de la sociedad estadounidense, ya

sea en contra de inmigrantes mexicanos, musulmanes, comunidades LGBTTTI o lo que sea que interfiera con sus políticas conservadoras, mismas que hasta ahora han demostrado asemejarse a caprichos personales. «La parte que más me da miedo es que, dado que los americanos están leyendo fuentes periodísticas tan polarizadas, existe mucha gente con la que me es imposible estar de acuerdo, parece que vivimos en realidades diferentes. Me asombra tanto que me he puesto a observar Fox

News para ver si existe algo ahí que no estoy entendiendo, para ver si puedo aprender algo de las personas que ven el mundo de esa manera.» ¿Qué queda por hacer?, le pregunto, tratando de encontrar alguna salida. «Es difícil, no sé qué se puede hacer para arreglarlo pero indudablemente debemos resistir, no debemos dejar que esta locura se convierta en algo normal. Empezando con cada uno de nosotros y nuestra gente cercana debemos demostrar que esa no es la manera en la que debe de operar un gobierno y esperar a que esto no dure mucho.»

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Tal vez la respuesta de Daniel no sea la más alentadora pero refleja la actitud con la que Spoon ha mantenido su carrera por más de dos décadas: si quieres hacer algo bien debes hacerlo tú mismo, por tus propios méritos y apoyándote en gente cercana. Sólo así Spoon ha sido capaz de dejar un legado que ha permeado paulatinamente en la música independiente, con trabajo constante. «Desde que era chico supe que quería hacer discos, así que no podría estar más agradecido, ha sido un largo viaje, no conozco a muchas bandas que hayan logrado una trayectoria como la nuestra, durante tantos años, aunque la verdad no fue sino hasta el noveno o décimo año que la gente comenzó a ir a nuestros shows y a escuchar nuestros discos. Tal vez el hecho de que hayamos sido ignorados por tanto tiempo hizo que la gente comenzara a apreciarnos más.» Ahora, este cuarteto está por lanzar su noveno LP, Hot Thoughts, un escalón más al que llegan con paso firme. Para este álbum la banda continuó su trabajo con Dave Fridmann, productor de cabecera de bandas como The Flaming Lips y Mercury Rev y quien también produjo Cuatro Caminos, de Café Tacvba. La gracia de Spoon no consiste en ser una banda diferente con cada álbum, sino en ventilar su ecléctico sonido con nuevas influencias para mutarlo sutil y gradualmente. En este disco en específico, las canciones se crearon con una base bastante austera sobre la cual incorporaron distintos beats hasta encontrar el indicado.

“INDUDABLEMENTE DEBEMOS RESISTIR, NO DEBEMOS DEJAR QUE ESTA LOCURA SE CONVIERTA EN ALGO NORMAL.... DEBEMOS DEMOSTRAR QUE ESA NO ES LA MANERA EN LA QUE DEBE DE OPERAR UN GOBIERNO...” -BRITT DANIEL

«Muchas canciones del disco las escribí tocando la guitarra acústica o sentándome en el piano. Ya que tenía una base tratábamos de sacudir la canción de todas las formas posibles hasta encontrar un beat que le quedara, parecido a los de Britney Spears [ríe]. Muchos de los demos acústicos terminaron en el disco, no tenía una dirección específica a seguir. Mi canción favorita del álbum pasado es ‘Inside Out’, así que si había alguna dirección a seguir era esa, pero en realidad no buscamos un nuevo sonido, sólo imaginamos hacia dónde nos podía llevar el nuestro.» Tras años de estar cobijada por el sello Merge y su fugaz paso por ANTI, Hot Thoughts marca el

regreso de Spoon a la disquera independiente que la vio nacer, Matador Records: «En el 95, muchas grandes disqueras nos ofrecieron contratos para lanzar nuestro álbum, Interscope, Geffen, pero nos dijimos “si podemos ser exitosos, lo mejor es quedarnos con Matador”. Creo que es una buena compañía, me gusta cómo manejan su negocio y me gusta la gente que está ahí, lanzan discos para algunas de las que considero las mejores bandas americanas de todos los tiempos. Ahora sentimos lo mismo y decidimos tomar la oportunidad.» Es en este aspecto donde reside el espíritu indie de Spoon. A pesar de haber tenido la oportunidad de pertenecer a la maquinaria omniabarcadora de las disqueras comerciales desde su primer disco, la banda comenzó por la vía independiente, espíritu que se confirmó tras firmar con una disquera grande para su segundo material y haber tenido una pésima experiencia, momento en el que regresó a la independencia para no volver a salir. De acuerdo a Daniel, ese es el único significado del indie. «Siempre es raro para mí cuando la gente habla del indie como un género. Recuerdo que la primera vez que escuché eso me voló la mente. ¿Qué es eso de que te gusta el indie rock?, siempre pensé que tenía que ver con la manera en la que hacías un disco más que con un sonido específico.» Para Daniel, la independencia no puede ser categorizada en un género, es un espíritu que trasciende estilos musicales. Aún así, él considera que si existe algo que hace falta en la música rock contemporánea es la actitud contestaría de bandas como Iggy Pop o The Sex Pistols: «Lo que hace falta es más bandas con swagger. ¿Sabes lo que es el swagger? Iggy Pop tenía swagger, John Lennon, Jack White tiene swagger, eso es lo que me interesa. Nuestro disco incorpora mucha instrumentación electrónica pero sigue siendo un disco de rock, o al menos así lo considero.» Mientras esta actitud de resistencia no desaparezca, el rock independiente seguirá existiendo.

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DULCE PINZÓN LA VERDADERA HISTORIA DE LOS SUPERHÉROES POR NAOMI PALOVITS FOTOS: CORTESÍA DULCE PINZÓN

EL TERROR QUE VIMOS EN VIVO Y A TODO COLOR A TRAVÉS DE LOS NOTICIARIOS LOCALES E INTERNACIONALES LA MAÑANA DEL 11 DE SEPTIEMBRE DE 2001 MARCÓ A TODA UNA GENERACIÓN, EN ESPECIAL A QUIENES VIVIERON DE CERCA LOS HECHOS. TAL ES EL CASO DE LA ARTISTA VISUAL MEXICANA DULCE PINZÓN. DURANTE EL ATAQUE A LAS TORRES GEMELAS MURIERON 16 MIGRANTES MEXICANOS ENTRE LOS CASI TRES MIL DESAPARECIDOS, DE LOS CUALES SÓLO CINCO FUERON RECONOCIDOS E INCLUIDOS EN EL MEMORIAL. LOS OTROS 11 DEJARON ESTE MUNDO DE LA MISMA FORMA EN LA QUE VIVIERON, EN EL ANONIMATO.

CATWOMAN: Minerva Valencia. Originaria del estado Puebla, México, trabaja como niñera en Nueva York, manda $400 dólares a la semana.

n una visita a una iglesia de la comunidad hispana en Nueva York, Vicente Fox —entonces presidente de México— nombró como “los verdaderos héroes de nuestra nación” a todos los mexicanos fallecidos en el ataque. Conmovida por los hechos recientes e inspirada en dicha frase, Dulce decidió homenajear el esfuerzo heroico de los migrantes a través de la serie La verdadera historia de los superhéroes. Compuesto por 19 imágenes, este compilado fotográfico retrata a migrantes mexicanos vestidos de superhéroes en sus espacios de trabajo. Cada imagen incluye una cédula con el nombre del migrante, su procedencia y la cantidad de dinero que envía a casa, hombres y mujeres que sin ningún superpoder tienen la fuerza y determinación necesarias para contribuir al bienestar de sus familias, a pesar de las condiciones en las que trabajan. La serie de fotografías ha sido expuesta en museos y galerías a nivel internacional. En México, el Movimiento de Arte Público (Make Art Public) la expuso en mil 400 parabuses, en 14 ciudades del país. El trabajo de Dulce Pinzón ha estado en América, Europa, Asia y Oceanía, y le ha otorgado becas y apoyos alrededor del

mundo. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA. - ¿Cómo surgió la idea de fotografiar a migrantes vestidos como superhéroes? «Con el atentado a las Torres Gemelas, en 2001, me di cuenta de que el concepto de heroísmo estaba resurgiendo muy fuerte en la consciencia colectiva de la ciudad en donde vivía, que en ese tiempo era Nueva York.» - ¿Qué te llevó a Nueva York? «Aparte de ser fotógrafa, estudié Derecho Laboral y estuve con la comunidad de trabajadores migrantes, di clases de inglés y me metí a sus políticas. Además participé en campañas con sindicatos para ayudar a migrantes documentados a obtener derechos laborales, tales como el salario mínimo y el derecho a organizarse sindicalmente si así lo querían.» - Entonces tú ya apoyabas a la comunidad antes de convertirte en su vocera, por así decirlo. ¿Cómo se dio la transición de las aulas al reflector? «Las ganas que tenía de mostrar la capacidad de la comunidad latina, su fortaleza social y el hecho de que eran también invisibles, con una vida en el anonimato, de ahí surgió la idea de desenmascararlos. Había trabajado en un sindicato como organiza-

dora y estuve con migrantes que sufrían de abuso, y aunque la comunidad respondió bien yo me desencanté con el método, con el espíritu del sindicalismo en Estados Unidos, y fue el momento de hacer esa simbiosis. De ahí surgió esta historia.» - ¿Dirías que el hilo conductor en toda tu obra es el uso del arte como herramienta social? «Sí, siempre ha sido así. Todo mi trabajo tiene un matiz social y esa inquietud recae en el lenguaje artístico.» - Volviendo a los superhéroes, ¿cómo encontraste a tus personajes y cómo los convenciste para que aceptaran? «Ese fue justamente el reto, de dónde sacar a la gente, porque en realidad tener los trajes y la idea era lo mas fácil. Lo difícil era encontrar a la gente que se prestara a hacerlo pues, siendo indocumentados, viven en resguardo, entonces comencé con mis estudiantes. Como ellos conocían mi labor sabían que yo era muy política, así que les comencé a contar y empecé a ver cuál cabía en qué personaje. El primero que hice fue el Chapulín Colorado, Adalberto, que era el menos penoso, después la gente fue apareciendo como la iba necesitando, fue una serie muy bondadosa conmigo.»

SPIDERMAN: Bernabé Méndez, originario del estado de Guerrero, México, trabaja limpiando vidrios en los rascacielos de Nueva York.

HARVEY BIRDMAN: José Rosendo de Jesús. Originario del estado de Guerrero, México, trabaja como organizador sindical en Nueva York, manda $700 dólares al mes.

SUPERMAN: Noe Reyes. Originario del estado de Puebla, México, trabaja como repartidor de comida rápida en Brooklyn, Nueva York, manda $500 dólares a la semana.

- ¿Cuál fue la reacción del público cuando vio las fotografías? ¿A quién se las mostraste primero? «Vine a México y se las mostré a varios curadores y galeristas, pero con ellos no pasó absolutamente nada. Fue en Estados Unidos donde ocurrió el boom.»

- ¿Tú pagaste las imágenes? ¿Cuánto dinero invertiste? «En algunas 500 dólares, en otras cinco mil. Había que pagar a los personajes, la mayoría de los espacios eran prestados por los dueños, pero no todos. Por ejemplo, para la fotografía de los Gemelos Fantásticos tuve que rentar un dinner en Park Avenue, así que la inversión variaba. En un punto, la Fundación Ford me dio una beca de 25 mil dólares con la condición de terminar la serie y después crear un mecanismo para ayudar a la comunidad, que ese había sido mi planteamiento inicial, por eso lancé una serie de calendarios que puse a la venta.»

- ¿Cuál fue el primer medio o institución en mostrar interés? «El New York Times; abrí con broche de oro. Puse las fotos en el restaurante La Esquina, de un amigo, ahí comía todo mundo y fue donde las vio Tim Murphy, del diario. A partir de ello me gané una beca con el New York Foundation for The Arts y gracias a la gran difusión que hicieron obtuve más becas y premios, con lo que pude acelerar el paso.»

- ¿Aún tienes contacto con los superhéroes? ¿Se sienten más orgullosos de lo que hacen ahora que su esfuerzo ha sido reconocido en museos, galerías y medios de todo el mundo? «Sí, totalmente, hay historias increíbles. Cinco años después de haber empezado la serie vendí los calendarios y en el evento en el que doné el dinero a New York NICE (New Immigrant Community Empowerment) la gente hasta les pedía autógrafos. En el caso de El Hombre Elástico,

- ¿Cómo se dieron las siguientes fotografías? «Me tardé entre cuatro y cinco meses en hacer cada foto, ya que tenía que ahorrar dinero para producirlas. Lo que hice fue aprovechar cualquier oportunidad; por ejemplo, trabajé como fotógrafa del Maratón de Nueva York y eso me dio la posibilidad de hacer a Flash desde la primera fila. Así fui haciendo la simbiosis.»

cuando tomé la foto él trabajaba en un restaurante y cinco años después se convirtió en el dueño de su propio negocio, en Williamsburg, un restaurante llamado Cariño. Flash también pusó un restaurante y como no pueden salir de Nueva York por su situación, en esos años fui a ver a sus familias en Puebla. Los personajes me contaron con ilusión lo que sus familias harían con las remesas enviadas, porque finalmente el proyecto habla de remesas, así que cuando conocí a sus familias vi sus sueños realizados y eso fue lo más bonito.» - Hoy en día, con las políticas de Donald Trump, el tema de los migrantes ha tomado una nueva dimensión, sin embargo siempre ha estado ahí… «El tema de los migrantes es un tema cíclico y recurrente en todos los países que son potencias económicas y tienen un vecino pobre. Cuando empezó a publicarse el proyecto me lo pedían en China, en Europa, pues el tema es global y contemporáneo, sin fecha de caducidad, es un fenómeno que ha sucedido y sucederá, hables de la comunidad que hables, todos están en la misma circunstancia porque al final siempre hay alguien que es explotado.»

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#WARP11 presenta

#BjörkDigitalMéxico Alcanzamos nuestro décimo primer aniversario y no hay mejor manera de celebrarlo que con Björk, quien se posa sobre nuestro país con su exposición de realidad virtual Björk Digital en el Foto Museo Cuatro Caminos. La exhibición es el resultado de la colaboración de la islandesa con artistas visuales de diversas estéticas y procesos como Andrew Thomas Huang, Jesse Kanda y Warren Du Preez & Nick Thornton Jones, un matrimonio infalible entre sonoridad de tintes trágicos y experiencias visuales (prácticamente extrasensoriales) prodigiosas. Luego de pasar y ser aplaudida en ciudades como Tokio, Sydney, Montreal y Londres, Björk Digital estará durante 50 días en la Ciudad de México. Así, encontramos el pretexto perfecto para hacer de este festejo una experiencia única, inmersiva y desafiante, no sólo al caminar en la exposición sino dentro de las páginas de WARP Magazine, presentando un recorrido al lado de los tres personajes más importantes de la muestra. Una charla con Andrew Thomas Huang, colaborador audiovisual de cabecera de la cantante; Arca, el músico y productor venezolano encargado de dotar a Vulnicura de nuevos elementos sonoros, y claro, Björk, en una entrevista exclusiva en la que comparte las razones y la inspiración detrás de esta nueva aventura que lleva su relación con la tecnología al límite.

Acompáñanos a través de esta experiencia.

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Andrew Thomas Huang A universe of miracles Por Diovanny Garfias

«ALGUIEN UNA VEZ ME DIJO QUE EL ARTE ES SELECCIONAR Y ORDENAR LA VIDA A NUESTRO ALREDEDOR DE FORMA POÉTICA.»

“TRATO DE EXPLORAR LA IDEA DEL INFINITO Y EL ESPACIO ENTRE DOS PERSONAS Y CÓMO ESOS ESPACIOS CAMBIAN Y EVOLUCIONAN CONSTANTEMENTE; LA INFORMACIÓN QUE SE LOGRA CUANDO DOS CUERPOS CONVERGEN.”

«E

lla vio Solipsist (un proyecto en video de fantasía experimental fundado en Kickstarter), algunos de mis colaboradores en la pieza se lo mandaron a Mark Bell (productor de cabecera de Björk, con quien hizo Homogenic y otros de sus álbumes) y, después de verlo, Mark se lo envió a ella. Dos horas después me escribieron de la disquera y me dijeron que le había encantado y que quería trabajar conmigo.» Así empezó el matrimonio audiovisual entre la islandesa y Andrew Thomas Huang, en 2012, cuando el artista conocido en la web por su trabajo insólito y seductor empezó a intercambiar ideas con la cantante para el video de ‘Mutual Core’, uno de los sencillos del ambicioso proyecto Biophilia (2011). «Empezamos a escribirnos, a trabajar ideas y dar forma a lo que sería el video, descompusimos la letra, encontramos el significado detrás de la canción y hablamos mucho de la aplicación que creó para el disco. Cada canción tenía una sección especial, y en ‘Mutual Core’ podías juntar dos placas tectónicas, así que cuando empecé a trabajar supe que tenía que usar la aplicación, las ideas de Björk y sus letras para proponer mi propia perspectiva del video. Fue muy generosa y me dejó llevar a cabo mi visión. Ese video lo grabamos durante dos días en Islandia, fue una experiencia muy buena y positiva.» El resto es historia: con el paso de los años Andrew trabajaría con bandas como Atoms For Peace y Sigur Rós, sin embargo, su relación con Björk arrojaría más colaboraciones, con Huang convertido en el director principal de la experiencia extrasensorial creada por Björk alrededor de las canciones y su álbum Vulnicura (2015), bautizada como Björk Digital. ‘Stonemilker’ y ‘Black Lake’, por ejemplo, evocan la sensación de visión de 360 grados, invitándonos a mundos mágicos e inexplorados. Sin embargo, es ‘Family’ (video cocreado por Björk y James Merry) el que se convierte en la pieza principal de la exhibición, levantándose como una forma de utilizar la tecnología para potencializar las emociones con pronósticos reservados. Es difícil pensar en Andrew como un hombre reservado luego de ver y experimentar su obra, sin embargo, al platicar con el artista residente en Los Angeles es posible percibir un halo de incomodidad, como alguien que prefiere pasar largas horas en su taller, aislado, imaginando y fabricando milagros, en lugar de contestar los cuestionamientos detrás de su inspiración; aún así responde amablemente, tomando el tiempo necesario para acomodar sus ideas. - Tu arte es lo contrario a lo minimalista, con muchos elementos en la pantalla. ¿Cómo haces para dar vida a todo esto? «Depende de lo que esté haciendo. Dibujar y hacer bocetos sería siempre el primer paso instintivo, tener una referencia visual. Una vez que tengo una

idea general puedo empezar a descomponerla en diferentes partes. Me gusta escribir ideas en una pared, no creo que las cosas sólo fluyan, hay que conducirlas, así que empiezo a jugar con los conceptos en un muro. Definitivamente lo primero es dibujar y partir de una idea visual, así funciona para mí.» - En tu trabajo hay desde elementos orgánicos hasta objetos robóticos y artificiales. ¿En dónde encuentras inspiración para crear a estos personajes? «Creo que la naturaleza es una de mis inspiraciones principales, los corales, diagramas oceánicos, ilustraciones biológicas. La naturaleza es un buen punto de partida para cualquier artista. Creo que mi trabajo solía ser muy oscuro, muy monocromático, crecí viendo películas como Dark City, el trabajo de Chris Cunningham, cosas muy sombrías. Recientemente he tenido la oportunidad de usar más color, una paleta más amplia.» - ¿Qué prefieres, trabajar con personajes sintéticos o con tópicos orgánicos? «Me gustan los dos, últimamente me he inclinado más al lado orgánico pero eso no significa que quiera limitar mi trabajo a esa estética. Lo que en realidad me gusta es construir mundos inspirados definitivamente por la ciencia ficción y la fantasía, con ciertos toques futuristas. Como te comentaba, actualmente experimento con mucho color pero me gusta la polaridad entre el blanco y el negro contra algo totalmente colorido, no me gustaría atarme a ninguna categoría.» - Has desarrollado varias colaboraciones con Björk. ¿Cuál es el proceso que sigues cuando te encarga algún trabajo? «Su música viene primero, siempre trato de responder a lo que está pasando sónicamente, escucho la canción, la producción, los sonidos escondidos, realmente no me fijo mucho en las letras, para mí tiene más que ver con la melodía y el beat, esa es la base para empezar a crear la idea visual. Creo que si escribes tus ideas basado en la letra de la canción se puede convertir en algo demasiado literal, para mí es algo más sensorial, escuchar la canción una y otra vez.» - Te convertiste en el mayor colaborador de Björk Digital, y aunque tienes tres piezas hay una que ha destacado: ‘Family’. Cuéntanos la historia detrás… «La pieza es un complemento de ‘Black Lake’, los paisajes que ves son escaneos de los paisajes reales y de los escenarios en que la grabamos. Es una de esas cosas sutiles que quizás no notes pero que te llevan dentro de la trama de la experiencia y de la exposición. Para lograr la imagen del personaje principal hicimos motion-capture de Björk, así que es ella misma quien relata la historia. Para las otras piezas puedes tener una visión general de lo que filmamos, sentir el 360, pero ‘Family’, definitivamente te lleva a experimentar un nuevo mundo, uno en el cual te puedes mover y elegir cómo relacionarte con este universo virtual. Fue complicado, pero estoy orgulloso de haber sido parte de este experimento.»

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Arca The skin I live in

Entrevista: Alejandro Franco Texto: Diovanny Garfias

La historia de Alejandro Ghersi es la de alguien que encuentra dentro de sí mismo la manera y el poder para lidiar con sus demonios, aceptando en el proceso a su verdadero yo, con imperfecciones y virtudes, una especie de antihéroe que inicia su camino incomodando a todos por sus métodos poco usuales, diferentes a lo establecido, encajando poco o nada en una realidad preestablecida en la que nos tocó existir.

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lejandro nació en Caracas, Venezuela, sin embargo, la educación formativa le fue otorgada en Estados Unidos, donde particularmente la música, esa musa que lo había seducido durante su infancia, terminó por transformarse en el lenguaje con el que pudo abrir las puertas de su yo más profundo y presentarlo, finalmente, al mundo. Ese día que conocimos en carne y hueso a Arca. Así, el relato tan personal de Ghersi termina por convertirse en la historia de todos aquellos que encuentran en las artes una herramienta para encarar su existencia, resistir, crear e innovar, destellando brillantemente una segunda piel. Ese halo de genialidad y honestidad es el mismo que ha deslumbrado a músicos como Kanye West, FKA Twigs y, claro, Björk, quienes decidieron unir su talento al del músico para hacer de su obra algo diferente, sin precedente sonoro. Con 26 años de edad y dos discos en su carrera, Arca nos presenta una nueva variante de su intelecto sónico, un disco homónimo en el que su voz y el idioma español se convierten en el gancho para entrar a un mundo oscuro; posiblemente el trabajo menos accesible del productor pero también el más seductor. - ¿Cuál es la historia de ese momento en el que te involucras en los sonidos y la música? «La música forma parte importante de mi vida desde la infancia, comenzando con las clases de piano a las que mi mamá me obligaba y que yo odiaba pero al mismo tiempo amaba; amaba tocar música pero odiaba tener que memorizar las piezas de personajes muertos, me frustraba mucho. «Como a los 15 o 16 años dejé de estudiar piano formalmente y ahí empecé a componer con software. Yo nací en Caracas y después mi familia se mudó a Estados Unidos, cuando llegué a primer grado regresamos a Caracas y a los 17 me mudé a Nueva York a estudiar, así que no me siento ni venezolano y mucho menos estadounidense, siempre me sentí outsider, incluso a nivel cultural, sin importar en donde viviera.»

«CUANDO TRABAJÉ CON BJÖRK EN VULNICURA NOS BAJAMOS DEL CARRO EN UNA TORMENTA DE NIEVE, EN ISLANDIA, Y ME DIJO, “OYE, ¿NO HAS PENSADO EN CANTAR?”, A LO QUE RESPONDÍ, “CÁLLATE”, Y CAMBIAMOS DE TEMA PERO EN ESE MOMENTO SE SEMBRÓ EN MÍ UNA SEMILLA DE CURIOSIDAD DE UTILIZAR MI VOZ COMO OTRO INSTRUMENTO.»

- ¿Fue complicado tener una voz propia y que de pronto no encajaras en un lugar? ¿Lo padeciste? «Sí, pero al mismo tiempo me resiento un poco ante la idea de que existe algo como la voz propia, me parece difícil decir que hay momentos en los que tienes voz y momentos en los que no, es mucho más ambiguo. «Definitivamente una de las maneras de llevar mi crecimiento fue intentar transformar el sufrimiento en regocijo, lo oscuro en algo que para mí tiene belleza. Claro que padecí los cambios culturales pero hoy en día lo agradezco, porque me dejó experiencias que forman parte de quien soy.» - ¿Cómo te involucras con los sonidos apoyados por computadora? «Todos, desde una edad temprana, tenemos intereses e inquietudes particulares, ciertas cosas que nos apasionan, que nos atraen magnéticamente; sin embargo, dejamos de seguirlas porque se vuelve difícil fomentar y cultivar aquello que no encaja en el status quo. En mi caso fue la música electrónica experimental, y creo que me había expuesto a eso porque mi hermano traía varios discos y algo de ese género me llamaba mucho la atención.» - ¿Cómo ganas la experiencia suficiente para decidir tomar un camino y producir un sonido particular? «Comencé a componer música en computadora como a los 13 años pero nadie sabía, era mi hobbie. Mientras mis amigos hacían deporte o se divertían con videojuegos yo estaba metido en la computadora. «Sentí que a medida que compartía con mi familia o amistades que me interesaba producir música eso me ayudaba a sobresalir. Creo que todos los seres humanos, en especial los artistas, tienen un deseo nato de ser amados, y la atención que obtenía al producir comenzó a influir en las decisiones que tomé como músico. «Con mi proyecto anterior, Nuuro, empecé a negociar dentro de mí las razones y decisiones por las que hacía la música de cierta manera, la gente me empezó a poner más atención y así fue mutando la música para que fuera más accesible.

«NO ME SIENTO NI VENEZOLANO Y MUCHO MENOS ESTADOUNIDENSE, SIEMPRE ME SENTÍ OUTSIDER, INCLUSO A NIVEL CULTURAL, SIN IMPORTAR EN DONDE VIVIERA.»

«A los 17 años me di cuenta de que estaba produciendo música para otros. Es importante mencionar que uno no compone para otros o para sí mismo de manera binaria, eso no existe, yo lo veo como una conversación. A esa edad me concentraba más en darme a entender que en buscar dentro de mí algo que quisiera expresar y en ese momento decidí buscar un sonido propio.» - En el momento en el que decides seguir ese instinto y generar algo propio atraes otro tipo de atención. Creo que eso te acreditó como productor, así que cuéntame ¿cómo te involucras con nombres que hoy son muy relevantes en la industria musical? «Lo importante a nivel musical, para mí, es ver la composición como un método de autoconocimiento y sanación. Viéndolo a través de ese lente, las colaboraciones que haga no importan porque son mutuamente beneficiosas a nivel emocional. Por eso quiero replantear la pregunta, porque según mi creencia si el día de mañana a nadie le importara lo que hago el universo no me habría quitado nada, porque para mí la música seguiría siendo la manera en la que entro en contacto con las partes desconocidas o aterradoras que hay en mí. «He colaborado con cada persona de manera distinta. Me cuesta generalizar y explicar el porqué alguien puede confiar en mí o por qué se dieron ciertas colaboraciones. Dicho esto, me siento muy afortunado y orgulloso, mucho más satisfecho de todo lo que he pasado y de mi esfuerzo que de decir “colaboré con tal”. Si tengo química con alguien me va a importar mucho lo que pueda nacer a nivel musical pero se tiene que sentir orgánico, no como un sacrificio para ninguno de los lados.» - ¿Cómo encuentras este sonido real?, porque cuando colaboras hay una conversación o un medidor. ¿Cómo lo haces cuando eres tú solo? «Intento replantearme quiénes son los participantes de esta conversación. Para mí es una conversación con mi instinto y es algo que no controlo, busco escuchar y la manera de hacerlo es caminando y pasando tiempo solo, sin dejar que la ansiedad o el miedo me consuman, armonizando mis emociones. «Para mí la composición es un proceso sicológico que se siente natural, que se siente bien, que no se siente forzado; suena esotérico pero es la manera más valiosa de percibir la composición.»

- ¿Te incomodó el momento mediático de relacionarte con nombres reconocidos que voltean los reflectores hacia ti? ¿Te incomodó toda esta atención cuando lo que tú haces es más íntimo? «Hubo un momento en el pasado que sí, porque temía que mi perfil como artista o productor opacara lo que quiero comunicar, o peor aún, que le quitara peso. Hoy en día no me molesta para nada. «Me gusta pensar que la música habla por sí misma. Yo voy a morir y la música seguirá ahí, tiene su propio mensaje.» - Cuéntame del nuevo disco, ¿cómo empezaste el proceso, dónde grabaste, dónde produjiste, hay gente invitada o eres tú solo? «Soy yo solo, aunque pienso que el “yo solo” no existe, pues soy resultado de mis relaciones y de las personas que amo. Este disco comenzó como los dos anteriores. Nunca dejo de componer, incluso cuando no estoy componiendo porque aunque pase dos meses sin tocar la computadora eso también es parte de componer, siempre hay un ansia de comunicar. «Tuve que escuchar mi instinto para llegar al disco. Quiero mencionar que cuando trabajé con Björk en Vulnicura nos bajamos del carro en una tormenta de nieve, en Islandia, y me dijo, “oye, ¿no has pensado en cantar?”, a lo que respondí, “cállate”, y cambiamos de tema pero en ese momento se sembró una semilla de curiosidad en mí, me di cuenta de que era algo que tenía que aceptar y seguir ese camino aunque lo sentí como un paso a lo desconocido. Compuse y me sorprendí a mí mismo, no fue fácil aceptar el sendero por el que me llevaban las canciones, tuve que aceptar que el disco sería en español y que hablaría de amor y desamor; eso me sorprendió.» - ¿Cómo es el show que tienes preparado para este disco? «Siempre lo hago con mi mejor amigo Jesse Kanda, a quien conocí a los 14 años. Es muy audiovisual y confrontacional, me gusta decir que tiene mucha sensualidad, es un shock tanto para mí como para la audiencia, es muy visceral y al mismo tiempo tiene un sentido del humor oscuro.»

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BJÖRK A Journey Through the Digital World Entrevista: Alejandro Franco Texto: Diovanny Garfias Fotos: Cortesía Björk Retratos: Santiago Felipe

«Distintas tecnologías son buenas para distintos usos, por ejemplo, cuando salieron las laptops. Me compré una en 1999 y estaba haciendo un álbum completo en mi recámara, me sentí muy emocionada por ese progreso, ¡ya no tenías que pasar todo el tiempo en estudios costosos! De cierta forma sentí mucha libertad y más control, ya no necesitaba a toda esa gente ni tanto dinero para hacer lo que quería». No es de extrañar que la tecnología nos refiera al trabajo de Björk y que éste, a su vez, se geste basado en la manera en la que el mundo percibe, consume y adopta la tecnología en un ciclo infinito de inspiración artística, como ella misma nos cuenta: «Cuando salió el primer iPad lo utilicé y me dije: “Por Dios, al fin la tecnología nos alcanzó”. Ahora que llegó la realidad virtual pienso lo mismo. Me gusta el estado de explorar y encontrar su mejor uso; la laptop se convirtió en mi estudio de música, el iPad en una herramienta y con la realidad virtual es como una ópera privada que puedes hacer con sonido 360°, es una experiencia visual e íntima.»

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Carriageworks, Sydney 2016

«LA REALIDAD VIRTUAL NO ES COMO UN CONCIERTO, O UN CD O UN VINIL, NO ES MEJOR NI PEOR, SÓLO ES UN TIPO DIFERENTE DE COLOR O FORMA DE EXPRESAR LA MÚSICA Y LOS VISUALES A LAS PERSONAS.»

sí funciona la mente de la artista islandesa. Previo a la salida de Vespertine (2001) buscaba entregar un disco con un sonido introspectivo y simple, cuyo sonido e intención prevaleciera incluso luego de viajar por la red, inspirada por el acceso masivo a la música a través de Internet y la pérdida de calidad al convertirla al formato MP3. A nivel lírico, la iluminación brotaba de su relación con el artista multidisciplinario Matthew Barney, donde el amor y el sexo en sus diferentes facetas llevaban el rol principal. Hoy, Björk se encuentra en otro momento, la separación de Barney y la pelea por la custodia de su hija generaron el dolor, la desesperación y la tragedia contenida en Vulnicura (2015), un disco que además de entregarnos su mejor versión sonora en años, la puso en el terreno de la experimentación audiovisual con la realidad virtual. El resultado es Björk Digital, una experiencia inmersiva en la que el trabajo musical de la artista se convierte en el pretexto perfecto para que creadores audiovisuales como Andrew Thomas Huang, Jesse Kanda o Warren Du Preez y Nick Thornton Jones elaboren nuevos mundos y parajes de ensueño para deleitar la vista, eternizando la leyenda de Björk para futuras generaciones, al menos en el plano virtual. Alejandro Franco platicó con la cantante previo a la apertura de Björk Digital en México y de su paso por dos escenarios diferentes de nuestro país, develando el secreto detrás de este nuevo ejercicio para la multifacética y siempre curiosa Björk.

163 - Hablemos de Björk Digital. Sé que gustas de mezclar tecnología con emociones, ¿fue esa la razón principal para crear esta experiencia? «Creo que como raza humana estamos progresando rápidamente y las herramientas van cambiando a la misma velocidad, así que es importante asegurar que estas herramientas involucren el alma humana, eso depende de nosotros.» - ¿Cómo fue tu primer acercamiento a crear este proyecto audiovisual para tu audiencia? Y no me refiero a verlo en una pantalla de televisión o de celular, sino a hacerlo en un museo o una galería. «Ha sido gradual, no hubo un momento preciso pero debo decir que estuve envuelta en muchas ofertas de museos y galerías, y durante 10 años dije que no porque me siento bendecida de poder ofrecer conciertos. Tengo YouTube y diferentes plataformas pero fue la combinación de estos elementos —la emoción de la realidad virtual (RV) y el video 360°— por lo que comenzamos a filmar videos como ‘Stonemilker’, el primer sencillo de Vulnicura. «Encontrar la plataforma correcta resultó en una búsqueda muy interesante. Le ofrecimos al MoMA una exposición, pero no les interesó (lo cual está bien, no tuve problema con eso, es bueno que la gente sepa lo que quiere). Luego hicimos una colaboración con Rough Trade en Londres y Brooklyn (en sus grandes tiendas de discos), ahí presentamos los videos

de VR pensando que sería un buen espacio y que podríamos traer gente a las tiendas y habría, por lo menos, una cosa muy física que ofrecer, ya que no puedes descargar un video de realidad virtual desde casa (al menos no todavía). «Vimos esto como el futuro de los videos musicales, videos de realidad virtual en tiendas de discos, pero luego descubrimos lo complejo que era como sitio de exposición porque deben tener la capacidad de recibir y atender a multitudes, lo cual no es el punto fuerte de estas tiendas. Así que gradualmente lo entendimos: el mejor sitio no era un museo, una galería o una tienda de discos sino un lugar intermedio, lo cual es un lanzamiento agnóstico.» - ¿Cuál crees que sea el lugar más cercano físicamente al ideal para presentar la experiencia? «Para mí lo importante es que la gente no tiene acceso a la realidad virtual en casa (lo cual probablemente no dure mucho tiempo, unos años por lo menos), así que es bueno contar con un lugar donde puedan acudir a experimentarla. Algunos de los sitios en los que hemos expuesto hasta ahora son Australia, en una bodega muy punk; Tokio, en el Museo de Tecnología, y en Londres, en una galería, así que han sido diferentes estilos; tal vez sería algo intermedio.»

«CREO QUE COMO RAZA HUMANA ESTAMOS PROGRESANDO RÁPIDAMENTE Y LAS HERRAMIENTAS VAN CAMBIANDO A LA MISMA VELOCIDAD… ES IMPORTANTE ASEGURAR QUE ESTAS HERRAMIENTAS INVOLUCREN EL ALMA HUMANA, ESO DEPENDE DE NOSOTROS.» Museo Miraikan, Tokyo 2016

- En el futuro, quizá recordemos estos tiempos como cuando teníamos que ir a museos o galerías para tener experiencias de realidad virtual… ¡Sí, quizá! Me da curiosidad cómo será en cinco años, ¿todos tendrán un aparato para verlo en casa? Emocionalmente funciona muy bien con mi álbum, es transicional, no estoy preocupada por eso, pero sí muy curiosa de cómo se desplegará todo. - Ya que siempre estás por delante de la tecnología y su experimentación, ¿cómo te sentiste la primera vez que usaste un casco de realidad virtual. Hasta el video más simple de 360° es una experiencia sensorial aunque sepas que no estás ahí, se siente como si lo vivieras en realidad… «Supongo que me junto con muchos nerds pero he visto bastante, conciertos en vivo, hasta un sistema solar en RV, fue una sensación inmersiva y comprendí a mi modo y de manera simple cómo podía funcionar con la música.»

- ¿La experiencia audiovisual es un factor mientras produces un álbum? «Es variable. Al escribir algunas canciones sé exactamente de qué se tratan visualmente y otras son más abstractas, me gusta mucho que sean así de diversas, algunas más narrativas, más oscuras, instrumentales. Intento hacer tantas variaciones como es posible en cada álbum, de canción a canción, diferentes ángulos, de una voz singular o sólo un instrumento acústico hasta el lado opuesto, con todos los instrumentos estallando. Me gusta que mis álbumes sean dinámicos, lo mismo para los visuales, algunas canciones son obvias y desde el momento en que escribo sé que sólo puede ser de una forma, fin de la discusión, pero otros tracks son más libres.

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«Cuando se trata de la tecnología creo que te podría contar una historia diferente para cada canción, porque no hay una sola forma de hacerlo. Los directores siempre son diferentes y tienen su propia forma de trabajar, y yo conecto de diferente forma con cada uno. Juego diferentes roles, a veces soy la curadora, en otras ocasiones soy la musa, y en otras soy la productora, la persona práctica, la redactora del guión. Me gusta jugar estos roles con los directores, con algunos de ellos estoy muy involucrada durante todo el camino y con otros sé que lo mejor es dejarlos hacer su trabajo.» - ¿Te consideras promotora de la industria audiovisual a través de experiencias cerebrales y emocionales/sensoriales? «Para mí no fue una prioridad o una elección, simplemente sucedió. Ser valiente durante 20 años me valió algunos puntos buenos de karma. Creo que es la suma de todo… o algo así. «No sé si me siento cómoda siendo vocera, no creo que ese sea el punto para mí, se trata más de la libertad de expresión y de encontrar nuevas herramientas, formas de hacer realidad tus canciones o visuales. A veces puede ser claustrofóbico expresarte y encontrar la mejor forma de hacerlo. Lo he dicho muchas veces: en realidad no soy buena con la tecnología, algunas personas no lo pueden creer pero regularmente cuento con ingenieros que me apoyan y usualmente espero a que la tecnología sea suficientemente simple para que la pueda utilizar, de este modo me veo como representante de la persona promedio intentando encontrar la forma de ser emocional y humana con tecnología.»

«CUANDO SE TRATA DE LA TECNOLOGÍA CREO QUE TE PODRÍA CONTAR UNA HISTORIA DIFERENTE PARA CADA CANCIÓN, NO HAY UNA SOLA FORMA DE HACERLO.»

Notget

- Veremos qué herramientas nos esperan en cinco o diez años. Cuéntame la historia de ‘Mouth Mantra’, me encantó esta pieza, es increíble… «Estaba muy emocionada de trabajar con Jesse Kanda y Alejandro Ghersi, quien coprodujo Vulnicura conmigo, son como mis mejores amigos. Pasábamos mucho tiempo juntos, bailando, cuando Alejandro tocaba yo cocinaba, y no fue hasta tiempo después que decidimos hacer una canción juntos, luego de conocernos un poco más. Fue muy mágico, es tan talentoso, considero que es de los más talentosos que hay y me siento muy afortunada de que se haya animado. Stonemilker

167 «Simplemente se le ocurrió la idea para el video, yo estuve más involucrada en el tratamiento quizá porque es algo autobiográfico, pero ‘Mouth Mantra’ fue idea de Jesse y no lo vi hasta que estaba listo. Estaba tan emocionada de que quisiera que fuera sobre la boca porque tengo una obsesión con las gargantas al ser cantante. Algunos de los momentos más placenteros de mi vida han sido cuando canto al tope de mis pulmones, aunque también es mi punto más vulnerable, el más fuerte pero el más débil también. He tenido que ver a doctores, cancelar conciertos e ir a casa a descansar sin habla por dos semanas, pero siempre ha valido la pena, ha sido terapéutico, como una experiencia de crecimiento humano. Así que estaba emocionada de que quisiera adentrarse en mi boca.»

la oportunidad de combinar todo esto con la exposición, mostrar estas dos partes de mí y mi mundo.» - Hace poco conocí a Alejandro Ghersi y tuve una gran charla con él sobre los conciertos, no sólo del lado audiovisual… «De hecho, Arca y yo haremos el festival juntos, así que será muy divertido.»

- Ahora podemos decir que te conocemos un poquito más por dentro… ¡Sí, supongo que sí! - Te presentarás en el Auditorio Nacional, de la Ciudad de México, y en el festival Ceremonia. ¿Cuál es la idea principal de tus shows en esta gira y cómo están relacionados al concepto de Vulnicura? «Algo en mí quería mostrar una dualidad musical. Vulnicura tiene un gran sentido de tragedia en una sala de concierto, como una historia de época, y es muy acústico, eso es lo que presentaré en el Auditorio, algo opuesto al festival en el que tocaré mis canciones viejas, esas que muestran el lado más feliz de las cosas. Me siento emocionada de tener Quicksand

Mouth-Mantra

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REVIEWS SPIRIT

Depeche Mode Sony Music / Columbia

8.7

La importancia de Depeche Mode no solo radica en aquellas obras maestras que nos han entregado a lo largo de 35 años de carrera, o en sus contribuciones al género electrónico y todas sus vertientes, vaya, tampoco en sus aportaciones a la historia musical contemporánea. El valor de su trabajo también radica en seguir viviendo a la altura de su propia leyenda, elevando los estándares en cada oportunidad y creando expectativa a nivel mundial cada vez que los tres integrantes, Andy Fletcher, Martin Gore y claro, Dave Gahan, pisan el estudio de grabación para crear algo nuevo. Sin embargo, si hay algo que ha definido el devenir del proyecto a lo largo de los años, y es el nombre del productor detrás de cada esfuerzo; así nos hemos topado con la cordura de Daniel Miller, la experimentación de Gareth Jones, genialidades apadrinadas por Flood (Mark Ellis), momentos de lucidez de la mano de Tim Simenon y Mark Bell, y claro, de unos diez años a la fecha, la reinvención del concepto firmada por Ben Hiller, a lo largo de una trilogía de discos (Playing The Angel, Sounds Of The Universe y Delta Machine). Así que hoy la triada se apoyada en James Ford (Simian Mobile Disco, Arctic Monkeys y Klaxons) para entregar al mundo Spirit, su placa número 14, marcando así el inicio de una nueva época sonora. Aquí hay dos razonamientos que hacer; el primero corresponde a una urgencia por parte de los autores, Gore y Gahan, por hablar del momento que vive Estados Unidos, el país en que residen (California y Nueva York, respectivamente), encontrándonos con letras desvergonzadas al respecto. En ese contexto estamos frente al que quizá sea su álbum más político, con reclamos sinceros hacia la humanidad en un

contexto social y de alerta, en palabras de Gahan. “Llamamos al álbum Spirit, porque pensamos, ‘¿dónde está el espíritu de la humanidad?’”. Martin proclama cínicamente en voz de Dave “where’s the revolution, come on, people you’re letting me down”, en el primer single del álbum, ‘Going Backwards’, el track que abre, no es diferente “we have no respect, we have lost control, we’re going backwards, ignorig the realities”.

sa, ‘Poison Heart’, una colaboración entre Gahan, y los músicos en vivo de Depeche, Peter Gordeno y Christian Eigner, con un toque de blues, una letra desgarradora y la influencia de lo hecho por el vocalista con Soulsavers, otro título a destacar es ‘Scum’, con remanentes sonoros del Depeche Mode de Ultra, sin olvidar la herencia en consola de Hiller, ideal para quienes añoran el regreso de los tres de Basildon a sus raíces.

Por otro lado, tenemos el tema sónico, este trabajo nos pone frente a los músicos que hicieron Violator y Songs Of Faith And Devotion (claro, sin Alan Wilder), ayudados por el tipo que dotó a Arctic monkeys del corazón que su sonido británico necesitaba. Así que no es de extrañar que las canciones estén más cercanas a lo hecho por una banda tradicional de rock, que a un ensamble de sintetizadores y percusiones electrónicas. Con eso en mente nos encontramos con temas con lo necesario para convertirse en clásicos, como ‘You Move’, sexual, románticay cadencio-

Al final, estamos frente a un disco de acceso delicado, oscuro y que difícilmente entrará a la primera escucha, o a la segunda, y al que probablemente lo charts y las ventas no favorezcan, sin embargo, eso no quiere decir que no contenga joyas sonoras y sobre todo, que no marque un nuevo comienzo para DM, uno conveniente disfrutable, con pocas piezas comerciales, pero muchas de esas a las que damos play una y otra vez. -Diovanny Garfias

169 | WHAT ELSE? | WM SPRING

PURE COMEDY

Father John Misty Sub-Pop

7.5 Desde hace algunos años se dice que la industria musical cambió para siempre. Muchos concluyeron que con la llegada de los formatos digitales las personas dejarían de consumir obras completas, que los sencillos imperarían como el principal soporte de la industria y que ese modelo impactaría directamente en el proceso de creación y creatividad de los artistas. Afortunadamente, y dejando de lado la cuestión de las ventas, actualmente podemos sentir que todo lo anterior es una idea alejada de la realidad. Sin irnos tan lejos, dos de los mejores discos de los últimos meses, Lemonade, de Beyoncé, y 22, A Million, de Bon Iver, no sólo son grandiosos, además han consolidado a sus autores como dos de los grandes artistas de nuestro tiempo, dejando claro que son ellos los que siguen encaprichados en hacer obras completas y no lanzar un par de sencillos exitosos con un puñado de canciones de sobra. En ese sentido, Joshua Tillman, exmiembro de Fleet Foxes, regresa este año para presentar

su tercer material de estudio bajo el seudónimo Father John Misty, titulado irónicamente pero de manera acertada Pure Comedy. Luego de que en 2015 nos entregara uno de los mejores álbumes de toda su carrera, I Love You, Honeybear, el intérprete no puede cumplir con la difícil misión de repetir la hazaña, mucho menos de sorprendernos, porque igual que en sus pasados materiales sigue utilizando la guitarra, el piano y una sutil orquestación como principal base del disco dando, como siempre, el mayor peso a la voz. ‘Pure Comedy’, pieza que abre el disco, es un buen indicador para darnos cuenta de la línea que casi todo el disco tiene, una combinación de ironía y desamor aderezada de religión, política y crítica social; vaya, una pieza deliciosa para el oído post contemporáneo que tiene como refuerzo ‘Leaving LA’, un corte retador de poco más de 13 minutos en el que el compositor nos da una lección de cómo se debe cantar el despecho amoroso sin recurrir al drama barato.

Los demás tracks del disco se van diluyendo más o menos en la misma línea, sentimientos, anécdotas y reflexiones plasmadas de forma literal que van dejando la mejor broma para el final. «The piano plays / This must be the place», dice Tillman, refiriéndose probablemente al emblemático tema de Talking Heads en el último track de la placa para después dar paso a la frase «There’s nothing to fear» que se repite hasta el último segundo de música de ‘Pure Comedy’ que, casualmente, conecta con el inicio del disco que funciona como un falso final o un falso comienzo que bien puede definir el sentimiento por el que muchos de nosotros pasamos a diario en esta época de incertidumbre. Pure Comedy funciona como un buen disco conceptual a secas, pero aun así eso se agradece mucho más que un par de sencillos pasajeros. - Alejandro Altamirano

WM SPRING | WHAT ELSE? | 170

HOT THOUGHTS

Spoon Matador Records

7.5

Hace exactamente diez años, Spoon lanzó uno de los discos más importantes e interesantes del indie rock del siglo reciente, titulado Ga Ga Ga Ga Ga. Hoy, dos álbumes después, la banda edita su placa Hot Thoughts con la que no sólo demuestra su consolidación —capaz de cerrar escenarios principales en los mejores festivales del orbe— sino que deja claro que es aún una de las pocas agrupaciones indie interesantes. El disco abre con el tema que le da nombre, un corte sencillo líricamente pero que a nivel musical es tan rico que nos presenta varios momentos que bien podrían ser la espina dorsal de numerosos tracks por separado, lo que deja claro desde el principio que estamos ante una banda que sabe engancharnos musicalmente. A pesar de entrar en la categoría del indie, la banda ha sabido quitarse etiquetas en un sentido creativo y en cada disco muestra esa hambre de aventurarse en nuevas formas de seguir sonando a Spoon. En los temas dos, tres y cuatro los instrumentos planean sobre sutiles atmósferas que ya le habíamos escuchado al grupo, mientras la rasposa y característica voz de Britt Daniel nos habla de manera directa y clara.

‘Pink Up’, el quinto y más largo corte, es el quiebre que habíamos estado esperando, justo a la mitad del álbum. En casi seis minutos, Spoon despierta su conciencia art rock y experimental para regalarnos un momento lúdico que al mismo tiempo deja ver la seriedad con la que esta banda coloca cada una de las piezas en el estudio para lograr un resultado final único y sobresaliente. Pero ‘Pink Up’ no es sólo un tema a la mitad que sirve para romper con la primera parte del material, pues bien podría ser una continuación de They Want My Soul, de 2014, y funge como el tren sobre el que los temas subsecuentes se desfragmentan. Aunque muchos podrían tachar a Daniel como un compositor repetitivo y limitado en sus letras, la verdad es que es esa simpleza y su estilo al cantar, en una especie de loop, lo que dota a cada tema de una profundidad poética que sólo los pensamientos más puros y caóticos tienen. ‘Us’ cierra patrióticamente y de forma instrumental un disco que si bien no es el mejor en la carrera de la banda, se resuelve como un gran bunker de tonalidades que refrescan la cara de un proyecto a punto de cumplir 25 años de vida. - Alejandro Altamirano

171 | ENGLISH FEATURES | WM SPRING

LIFE WILL SEE YOU NOW

Jens Lekman Secretly Canadian

8.2 Desde el lanzamiento de Night Fall Over Kortedala (2007), el sueco Jens Martin Lekman se ganó el respeto y admiración de muchos. Diez años después regresa con otro extraordinario trabajo titulado Life Will See You Now que, sin duda, aparecerá como uno de los más elogiados del año. Lekman es gran admirador de Belle & Sebastian y su influencia invade varios de los arpegios tocados por el escandinavo. La frescura del sonido que muestran las primeras cuatro canciones, reforzada por letras melancólicas y románticas, proporcionan a la placa una poderosa dosis de sentimentalismo, mientras que temas como ‘Evening Prayer’, ‘Hotwire The Ferris Wheel’, ‘How We Met, The Long Version’ y ‘How Can I Tell Him’ cuentan con un ritmo tropical que les da el estatus de single. Las colaboraciones que aparecen incluyen a Loulou Lamotte (‘To Know Your Mission’) y Tracey Thorn (‘What’s That Perfume That You Wear?’), esta última con un sampleo de ‘Finder’, original de Ninetoes. El disco fue producido por el artista mismo, de la mano del inglés Ewan Pearson quien se encargó de darle un tono más electrónico.

PROCESS

Sampha

- Eduardo Martínez

Young Turks

7.8 En ocho años de trayectoria, Sampha Sisay sólo había sobresalido por sus colaboraciones con SBTRKT, Jessie Ware, Drake, Solange, Kanye West, entre otros, ya que sus primeros dos EPs no tuvieron gran éxito; sin embargo, esta historia podría cambiar a partir del lanzamiento de su álbum debut Process, bajo el sello británico Young Turks. Producido por Rodaidh McDonald, esta placa cuenta con diez canciones en las que el artista muestra gran dinamismo y versatilidad, comenzando con ‘Plastic 100 ºC’ que pondera las virtudes de producción; ‘Blood on Me’, con tintes oscuros y el estilo peculiar que Sampha ha construido a partir de sonidos tribales, y ‘No One Knows Me (Like the Piano)’, un tema único cuya interpretación lo hace sobresalir con gran magnitud. ‘Incomplete Kisses’, ‘Under’ y ‘Kora Sings’ son otros de los temas que no deben pasar desapercibidos. En términos generales, Process es una placa digna para un músico que por mucho tiempo ha vivido bajo la sombra de otros artistas. - Eduardo Martínez

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FRANK TURNER THE OPENING ACT OF SPRING

Por Fátima Albarrán

El estilo folk rock, único y personal del que Frank Turner se ha convertido en el más importante estandarte de los últimos años encontró en enero la calurosa bienvenida de un público mexicano que llevaba tiempo esperándolo, al presentarse en el pequeño espacio de Departamento, en la Ciudad de México, como parte de su gira 2017, misma que ha llevado al cantante y compositor británico a Nueva York, Los Angeles y Chicago, además de Canadá y, por supuesto, México. En 2015 Turner lanzó su sexto álbum Positive Songs For Negative People al lado de su banda de acompañamiento de confianza: The Sleeping Souls. Este lanzamiento fue seguido por la publicación de Mittens, un EP con cuatro canciones y una nueva versión del tema que dio título al material. Su nueva música y sus ganas de recorrer el mundo son motivo suficiente para sentarnos con el músico y charlar previo a su subida al escenario. - Cuéntame la diferencia entre pertenecer a una banda y tener un proyecto solista. «He estado en diferentes bandas, A Million Dead fue la última y más exitosa. Con ellos estuve de gira durante años y me sentía cansado de hacer siempre lo mismo, quería hacer algo diferente e intentar algo que nunca había hecho, como tener una guitarra acústica al lado, así que empecé a escuchar música country y folk, cosas como Bruce Springsteen, Bob Dylan, material que nunca había escuchado porque crecí con música punk rock.

«Me pareció divertido tratar con algo que encontraba difícil o que no tenía idea de cómo se hacía, así que toqué unos acordes, sólo mi guitarra y yo, fue aterrador pero me pareció interesante. Esto tiene 12 o 13 años y sigo aquí.» - ¿Qué te inspira al momento de componer? «Creo que he escrito canciones por mucho tiempo, así que se convierte en una reacción pavloviana. Lo que pasa en mi vida va directo a una canción en mi cerebro, trato de no ser repetitivo al tiempo que busco que sea significativo, algo que valga la pena contar. «De cierto modo, una de mis grandes inspiraciones es tener el estilo country puro, porque una gran canción country tiene un estado puro y te hace pensar “¡vaya!, alguien necesitaba decir eso”, así que es una gran inspiración.» - Platícame cómo es el proceso para grabar y producir un álbum. «El proceso para hacer un material ha sido diferente para mí porque la parte de la composición es efímera, no trato de ser serio sino espontáneo, me presiono para componer pero de una manera misteriosa, como llegue, de esa manera me funciona. «Cada álbum lo he hecho con diferentes equipos porque siempre busco un resultado diferente, otra dirección. Tiendo a estresarme en el estudio y me gusta más estar de gira, con la libertad de divertirme, mientras que en el estudio todo se trata de tomar decisiones y eso a veces aterra.»

- ¿Qué te gusta hacer en tus ratos libres? «Depende. Cuando estamos de gira y tenemos un día libre lo llamamos slug life (con referencia a thug life). Consiste en hacer check-in en el hotel, ponerte una bata, ordenar comida al cuarto y mantenerte en la cama lo más que puedas, porque el tour es muy cansado y el show que hago con la banda lo considero realmente atlético. «La historia en Londres es otra cosa, lo considero mi hobbie.

Cuando estoy en mi país salgo, camino, voy a museos, busco historias. Me encanta mi ciudad.» - ¿Qué es lo que más te gusta de México? «¡Todo! [ríe]. Es una respuesta muy cursi pero, bueno, esta es mi segunda visita y cada persona ha sido maravillosa. Por ejemplo, en mi show había muchísima gente formada y siento que me aprecian mucho, de verdad estoy muy agradecido con el público mexicano.»

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WHAT TO WATCH MID-SEASON

Por Lorenza Sánchez Denegri / @lalorensanchez

Para todos los seriéfilos que miden su vida en capítulos de 40 minutos, tenemos aquí las tres recomendaciones de la temporada. Sí, hay muchas más y no alcanzarían las horas para disfrutar de todas como se debe, así que prioricemos. Estas son las tres delicias que sugerimos que estén hasta arriba de tu lista What to Watch en el mid-season que está por empezar.

LOVE Vuelve la comedia ‘indie-millennial’ de Netflix, LOVE, que con su visión fresca del romanticismo nos regaló una primera temporada llena de optimismo juvenil. En estos nuevos capítulos, Gus y Mickey, los protagonistas, nos enseñan que sí hay esperanza para esta generación millennial que a veces parece perdida en el espacio, al luchar con situaciones co-

tidianas para sobrevivir y mantener poco a poco su relación, lidiando con temas de compromiso y sintiendo el rigor de volverse adulto. Esta es una serie cuya magia radica en su simpleza, sencillez, memorable guión y actuaciones deliciosas que nos hacen querer más y más LOVE. En cuanto terminen de ver ambas temporada busquen el soundtrack, pues cada canción está perfectamente relacionada con lo que viven los personajes y la música es, sin duda, un gran elemento de esta producción.

13 Reasons Why La segunda recomendación es también de Netflix (¡que raro!) y es 13 Reasons Why, la nueva serie original de la plataforma basada en la novela de Jay Asher del mismo nombre.

Producida por Selena Gomez… sí, Selena Gomez, esta serie dirigida completamente a los amantes de Stranger Things cuenta la historia de Clay Jensen, un adolescente que vuelve a casa después del colegio y encuentra una caja con su nombre. En ella halla la grabación de una compañera de clase llamada Hannah que se suicidó dos semanas antes, y quien le cuenta las 13 razones por las que decidió quitarse la vida. Misterio, suspenso, romance, adolescencia a flor de piel, un buen soundtrack y pues, Netflix, son los elementos que nos aseguran que esta serie dará mucho de qué hablar. ¡Véanla!, que nadie les cuente nada.

American Playboy: The Hugh Hefner Story Una docuserie que podrán ver en Amazon Prime (el Netflix de Ama-

zon, bastante recomendable) que narra, desde un punto de vista diferente y único, la vida del fundador de Playboy, Hugh Hefner. Utilizando pietaje nunca antes visto de la colección privada de Hefner y contada a través de sus ojos, esta serie que se estrena en abril promete ir más allá de una biografía obvia, para ser un verdadero microscopio en la vida de este gran personaje de la cultura pop, quien llegó a influenciar mucho más de lo que imaginamos. Sabemos que lo mejor para el cuerpo es salir, tomar el sol, reír con amigos, pero estamos convencidos de que tener una sesión de obsesión solitaria (o en pareja) de estas nuevas series es absolutamente necesario para sobrevivir a un año que ha empezado un poco tormentoso.

13 Reasons Why

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NSM PSM METAL DISCO

Por Sara Araujo Foto: Vidal Cruz para WARP

Después de tantos años de experiencia, Patricio Watson y Karim González decidieron dar un nuevo giro a No Somos Machos Pero Somos Muchos (NSM PSM), proyecto cuya nueva producción lleva por título Metal Disco. En 2005 el talento de Pato y Kay se fusionó, abriéndose un espacio en la escena local e internacional para convertirse en importante exponente de la música electrónica en México, uniendo el trabajo de un DJ con el conocimiento de un selector. En entrevista con WARP Magazine, Pato y Kay compartieron un poco de su historia, su evolución musical en 20 años y aquello que buscan para NSM PSM. - ¿Cómo comenzó NSM PSM? Pato: «Empezó un poco sin querer. La verdadera historia comenzó cuando Kay y yo hacíamos mixtapes, literalmente en cintas, hace unos 20 años. Teníamos tíos que tenían equipo de sonido y nos daban la oportunidad de entrar a un lugar con ocho cajas de discos y tres tornamesas. Yo tenía una grabadora de carrete y ahí hacíamos mixtapes, grabábamos, cortábamos, editábamos, todo. Kay operaba las tornamesas mientras yo grababa. Poníamos tres discos al mismo tiempo; de hecho ese es el origen real de los mashups. Luego grabábamos y pegábamos todo. Solíamos poner esas cintas en estaciones de radio, en Alfa hicimos algunas apariciones con Enrique Aguilera. Tiempo después entré a trabajar a un antro y Kay venía de invitado. Ahí siempre tuvimos la intención de poner muchas cosas diferentes al mismo tiempo, yo tenía un estilo musical y Kay otro, entonces, cuando fuimos creciendo Kay me presentó a Daft Punk. Recuerdo cuando me mostró Discovery, fue increíble, dije “Wow”. A mí me gustaba el house y la electrónica pero ellos eran algo completamente distinto a lo que

escuchaba. Estuve mucho tiempo en la onda de los raves, también cuando estuvo de moda la onda lounge en México. Toqué en bares, mucho lounge y chill out aunque, a decir verdad, estaba un poco cansado, y Kay traía una onda completamente diferente.» Kay: «A pesar de haber empezado juntos y compartir muchas influencias musicales yo me dediqué más a la producción en radio. En aquella época nuestras carreras se separaron un poco; aunque yo también era DJ escuchaba música de todo, mientras que Pato se especializaba en la escena house y electrónica. Muchos años después Pato creció de ese lado, yo crecí del lado de la producción y otros géneros y cada quien desarrolló un estilo diferente. Nos volvimos a juntar porque estaba mezclando todos los géneros en un mismo set y Pato hacía house. Al enseñarle mi música se nos ocurrió crear algo nuevo y fresco, algo que nadie estaba haciendo. La idea era contraponer estos géneros y agregar la parte de tornamesa que Pato tiene muy dominada. Así comenzó NSM PSM.» - ¿A quién consideran como uno de los músicos que más los influenció? Kay: «Debido a la naturaleza de nuestro proyecto y sobre todo por lo que nos envuelve como DJs no tenemos uno en especial, es un conjunto de influencias. Con quien nos identificamos más y tuvimos la fortuna de conocer y compartir escenario es 2manydjs. Uno de los primeros eventos que hicimos formalmente fue con ellos. Tenemos muchas cosas en común y siempre han sido una referencia para nosotros, siempre están a la vanguardia, sacando cosas nuevas. Sobre todo, siempre toman influencias de diferentes lugares, tal cual, como nosotros. Desde chicos tuvimos esta parte, de nuestros papás y tíos, con mucha música disco pero también cumbia, pop y demás.»

- Recientemente lanzaron el sencillo ‘Metal Disco’. ¿Qué me pueden platicar al respecto? Kay: «‘Metal Disco’ refleja la madurez acumulada en estos años como DJs y productores. Estamos muy contentos de que esté afuera y aparentemente le está gustando a la gente, lo cual nos da gusto. Nuestra tirada es conectar con las nuevas generaciones porque si bien nuestro proyecto existe desde 2005, Pato y yo nos tomamos un descanso de tres o cuatro años y ahora regresamos con esto. Mucha gente de nuestra generación ya nos conoce bien pero el chiste es conectar con los morros, con la nueva banda. Además de este sencillo vamos a sacar más tracks individuales, no como EP ni nada. Ahora que salió en plataformas digitales, la idea es hacer un vinilo.» Pato: «En definitiva hay una evolución en el proyecto, haciendo cosas nuevas, no queremos regresar a lo que hacíamos, no queremos que sea un refrito. No va a sonar a lo que hacíamos antes porque los dos hemos evolucionado, aprendido y madurado como productores. El reflejo está en ‘Metal Disco’ y, bueno, lo que sigue es sacar este vinilo y tocar este año. «Planeamos hacer un show en vivo, aunque ahora nos están buscando más para DJ sets. Tenemos varios festivales y fechas confirmadas, con Giorgio Moroder, EDC, Pa’l Norte (Monterrey), Rebelution (Guadalajara) y una gira con una marca de cerveza que aún no está confirmada al 100 pero está muy padre; esto nos da mucha motivación. Independientemente vamos a sacar cosas que hemos trabajado. Es gracioso, antes nos costaba más trabajo hacer música original y ahora fluye muy rápido. Tenemos varias ideas.» - ¿Cuál es su opinión de los artistas jóvenes con sonidos contemporáneos que buscan aportar ideas innovadoras en su género?

Kay: «Es muy interesante a pesar de que no tengan tanto background o parezca que no lo tienen. Nos gusta lo que hace la gente joven, nos gusta que le impriman un sonido original en pos de crear algo nuevo. Cuando nosotros empezamos, en los 90, éramos DJs y nos encantaba el house. 20 años después llega la etapa Disclosure, The Magician y todo esto es exactamente igual que entonces, es un ciclo, ciclos que se cumplen. «Que las nuevas generaciones no tengan un gran bagaje musical no quiere decir que no sean capaces de hacer cosas padres. Al final, consciente o inconscientemente siempre hay

influencias y referentes que coinciden de manera interesante a la hora de crear. Hay gente muy joven que está haciendo cosas muy interesantes y muchos son nuestros amigos. Nos gusta trabajar con ellos y aprender de ellos.» - Sobre sus proyectos a futuro, ¿contemplan hacer alguna colaboración? Pato: «¡Sí! NSM PSM ha colaborado con muchos artistas y nunca descartamos esa opción, aunque estamos en una etapa en la que debemos resolver cosas por nuestra cuenta. A pesar de tener tantos años, es la primera vez que tenemos la capacidad de trabajar de esta

manera y hemos implementado muchas cosas en el trabajo, como Skype. Los dos tenemos un trabajo de día, yo tengo una familia, Kay tiene un trabajo súper absorbente y ahora que volvimos tuvimos que implementar nuevas formas de trabajo.» Kay: «Nuevas tecnologías y nuevas técnicas también. Lo que dice Pato es importante: no descartamos la idea de colaborar con mucha gente, con muchos amigos, sin embargo, creemos que es momento de sacar cosas nuestras y a mediano plazo comenzar a hacer cosas con otras personas.»

VIOLENCIA DE GÉNERO EN MÉXICO Por Blanca Juárez

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El cuerpo de Joseline aparece tendido a la mitad de la calle Piraña, en la Ciudad de México. Se suicidó en el baño de la casa, declaró su novio. En Veracruz, dentro del infierno de recuerdos Daphne tiene una pregunta que se alza como el brazo de un demonio que no la deja salir: ¿Por qué la violaron sus amigos? En un espacio virtual miles de mujeres narran la primera vez que un hombre las tocó sin su consentimiento, la primera vez que les dijeron «chúpamela». La mayoría tenía menos de diez años cuando sucedió. Historias como esas provocaron múltiples movilizaciones ciudadanas el pasado 2016. Mujeres pintaron la primavera y el otoño de violeta, se pusieron en huelga y vestidas de catrinas marcharon para exigir un alto a los siete feminicidios que a diario ocurren en México, a las incontables desapariciones, violaciones, torturas y acosos. Muchas mujeres han recorrido un camino de lucha por la igualdad desde hace siglos, y este fue un año importante para continuarlo. Ahora no reclaman su derecho al voto, a estudiar o trabajar, sino que en las calles no les griten «¡mamacita!», que no se vea como algo ‘normal’ la violación de una niña y, sobre todo, que no las asesinen. De diferentes maneras, el año pasado cientos de mujeres siguieron llamando la atención de la sociedad y el gobierno sobre el feminicidio y el transfeminicidio. Protestaron contra el acoso sexual, los estereotipos de putas o santas y en favor del derecho al aborto y la igualdad de derechos de las mujeres trans. De acuerdo con el Instituto Nacional de las Mujeres (Inmujeres), siete son asesinadas por motivos misóginos diariamente; es decir, por el desprecio irracional al género femenino. De acuerdo con esa cifra, al mes serían unas 210 y al año más de 2 mil 500. Pero las cuentas no salen. Por ejemplo, la organización México Suma documentó 2 mil 837 feminicidios tan sólo en el estado de México, en el periodo de 2006 a 2013. Como sea, lo único claro es el hartazgo cada vez mayor. Aquí va un recuento de algunas de las acciones que realizaron para rebelarse contra el machismo y sus consecuencias.

PRIMAVERA VIOLETA Una de las marchas más grandes en la historia del feminismo en México se llevó a cabo el 24 de abril de 2016. La nombraron Movilización Nacional contra las Violencias Machistas. Salieron del ayuntamiento de Ecatepec, considerado el municipio más peligroso para las mujeres en el país. En caravanas de autos llegaron al Monumento a la Revolución, en la Ciudad de México, y de ahí caminaron hasta el Ángel de la Independencia. Para muchos era más probable que Donald Trump fuera presidente que la protesta tuviera convocatoria amplia, pero

llegaron unas 10 mil personas, entre mamás, niñas, abuelas, alumnas, trabajadoras y activistas que avanzaban como una oruga gigante sobre Paseo de la Reforma. Era un domingo de primavera, la mayoría llevaba puesta alguna prenda violeta, símbolo del feminismo, y se desgañitaban gritando «¡vivas nos queremos!», «¡ni una más!». Cada contingente tenía su humor, algunos eran más reservados y otros mostraban más ímpetu para reclamar justicia. Las chicas de la Vulvatucada ponían el ambiente. Con sus tambores y sus rolas pegajosas asustaban a unas y seducían a otras: «La verga violadora/a la licuadora/Al violador/cuchillo volador.» Ese día el país amaneció con un hashtag vuelto tendencia: #MiPrimerAcoso. Impulsado una noche antes por Estefanía Vela y Catalina Ruiz, creadoras del proyecto feminista Estereotipas, éste se volvió un espejo en el que muchas se reconocieron. «Tenía siete (años). Un tipo al que mi abuelo rentaba un cuarto me manoseó. Nunca volví a acercármele. Por vergüenza no le dije a nadie»… «Fue a los nueve años, en una reunión familiar. Nadie lo supo entonces y me duele mucho pensar que aun ahora no me creerían»… «Tenía como ocho años, iba sentada en el camión y un estúpido me pegó su miserable pene en el brazo. Iba con mi madre, no le dije». Sólo fue cuestión de que una comenzara para que otras recordaran su experiencia. Para ellas no era de asombrarse que les sucediera, «parece como si fuera parte del proceso de ser mujer», dice Ana Beatriz de la colectiva feminista Hijas Violencia. La sorpresa fue más bien para algunos hombres que leían los testimonios en Twitter y se asustaban: «Estas historias me tienen un poco preocupado por mi niñita recién nacida», escribió un tuitero. Siete meses después ese espejo no se había roto, el hashtag fue revivido para otra gran marcha nacional el 25 de noviembre, en el contexto del Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer. Esta vez algunas feministas propusieron ir más allá e invitaron: #NombraAtuAcosador. Esa otra marcha partió de La Ángela —como apodaron al Ángel de la Independencia— y llegó al Zócalo. La manifestación se replicó en unas 40 ciudades del país. En ese lapso, de abril a noviembre, en Veracruz se aprobó una ley antiaborto, con la que ya son 18 estados los que prohíben dicha práctica. Actualmente, hay tres estados más con alerta de violencia de género: Veracruz, Tlaxcala y Chiapas, los cuales se agregan al Estado de México, Morelos, Jalisco y Michoacán, mientras que en otra veintena de entidades se ha solicitado la declaración pero las autoridades siguen dando largas.

BIOÉTICA LOS ANIMALES SON EL OTRO, NUESTROS IGUALES

Por Aura García de la Cruz

Es necesario replantearnos el concepto de comunidad que tenemos e incluir a los otros animales, explica el doctor en Filosofía por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y director del Programa Universitario de Bioética de la misma institución, Jorge Enrique Linares Salgado. «Cuando uno considera moralmente a otro ser vivo lo incluye en su propia comunidad como un igual. Sé que eso no siempre sucede en las relaciones humanas, mucha gente no considera moralmente ni a su vecino pero no es argumento para dejar de lado a los demás animales, debemos empezar a tratarlos en un plano de igualdad, considerando que ésta implica el reconocimiento de sus necesidades e intereses.»

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El doctor Linares Salgado continúa: «Se debe plantear un cambio ético en la sociedad y para lograrlo hay que empezar por un cambio jurídico». En este sentido, la nueva Constitución de la Ciudad de México incluye la defensa y el respeto a los animales no humanos, un «avance importante», aseguró el académico.

nuevas problemáticas, como la que refiere a la participación y el lugar en sociedad que desempeñan los animales no humanos. El tema está en boca de todos y uno de los animales que llamó más la atención fue el perro. De acuerdo con la Organización No

la ciudad, ocho de cada diez canes que son producto de la compraventa son abandonados. El tema es mucho más amplio y, por lo tanto, relevante, lo que derivó en su llegada a la Constitución de la ciudad. El pasado 11 de enero se discutió el inciso B del artículo 18 que refiere al bienestar de los animales, definidos en la Carta Magna como «seres sintientes, sujetos a consideración moral», por lo que deben recibir un trato digno por parte de los capitalinos, quienes tienen el deber ético y la obligación jurídica de respetar su vida y su integridad. Dicho artículo levantó controversia y tuvo detractores, pero atacar esta nueva perspectiva ética sobre los animales no humanos —según el doctor Linares— puede ser indicio de tres cosas: ignorancia respecto al tema, una actitud cerrada o conservadora que se niega a ver el cambio social y la existencia de intereses particulares. En este último punto, los animales y sus derivados son vistos como productos, con el comercio de pieles para calzado, prendas de vestir y mobiliario entre sus principales fines. El doctor Linares señala que el uso de animales como meros objetos se explica por la discriminación del ser humano hacia otras especies:

En enero, la capital del país protagonizó algunas de las discusiones más controversiales sobre la nueva Carta de Derechos de la ciudad, con una sociedad cada vez más interesada en política que planteó

Gubernamental (ONG) AnimaNaturalis México, se estima la existencia de 20 millones de perros en todo el territorio nacional, la mitad de ellos en situación de calle; tan sólo en la zona metropolitana de

«La mayoría de las personas no reconocen que otros animales tengan una consideración moral porque no son iguales a ellos y ese es un prejuicio. Desde un punto de vista ético, es decir, filosófico, hay argumentos para sostener que al menos los animales sintientes deben ser considerados moralmente, lo que significa, en principio, que los humanos deberíamos preocuparnos por su bienestar, no matarlos ni dañarlos indiscriminada, innecesaria o arbitrariamente.»

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El argumento de base para considerarlos moralmente, comenta el profesor titular de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, es que los animales son capaces de sufrir. «Se llaman seres sintientes a los animales con un sistema nervioso central que tienen la capacidad de experimentar dolor, placer y que tienen actividad intencional, es decir, algún grado de conciencia. Mucha gente cree que los otros animales son como robots, que actúan por instinto, pero este instinto es intencional, con un sentido para ellos en busca de su propio bienestar. Nosotros somos animales sintientes y nos damos cuenta de eso.» Uno de los problemas más difíciles que se deriva de este tema y que

plantea el doctor Linares es encontrar o fijar el límite legal que permita el bienestar de los animales no humanos y, al mismo tiempo, el bienestar de los animales humanos. «No se debe abusar de las capacidades del animal ni someterlo a un trabajo extenuante, al igual que a cualquier humano. En un trabajo éticamente adecuado no te denigran, no te explotan, recibes buen trato y la paga es justa.» El trato que los animales reciben en circos y zoológicos, según AnimaNaturalis, puede llamarse esclavismo. Adoptar una legislación que proteja a los animales no humanos no es una ocurrencia, es un principio moral que se fundamenta al apelar a «razones éticas, valores morales

universales y racionales que están por encima y trascienden las morales particulares: «Poco a poco se ha avanzado en la idea de que no sólo debemos tener consideraciones morales o éticas con los demás animales, sino que deberíamos formular normas jurídicas para protegerlos de manera efectiva. ¿Por qué? Porque actualmente se ejerce una enorme violencia y maltrato contra los animales.» El maltrato que sufren los animales no siempre es expuesto por los medios de comunicación y para muchos podría pasar desapercibido, pero de acuerdo a AnimaNaturalis México alrededor del

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98% de los animales maltratados son utilizados como alimento en el mundo y, a partir de datos de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO, por sus siglas en inglés) cada segundo mueren 4 mil animales para este fin, entre mamíferos, aves y peces. Los animales usados en la industria cárnica (vacas, cerdos, borregos, aves, conejos y peces, principalmente), pasan sus vidas encerrados en granjas industriales o pastando en áreas delimitadas, con posibilidades mínimas de movimiento, señala AnimaNaturalis. Normalmente se les engorda con el uso de hormonas y antibióticos y los piensos alimenticios muchas

veces contienen restos de otros animales, para después llevarlos al matadero a corta edad, con métodos crueles: pollos desplumados vivos en agua hirviendo, cerdos pelados en parrillas calientes y vacas colgadas de una pata para facilitar su desangrado. AnimaNaturalis agrega que los animales de la industria láctea y del huevo también sufren. El proyecto constitucional es un primer paso pero no el único, aclara el doctor Jorge Linares: «El precepto constitucional sólo es una línea general que indica que la ciudad se interesa por las condiciones de vida de los animales sintientes. Este artículo va a normar

un cambio de conducta en la gente pero debe haber un reglamento específico, lo que derivará en una discusión importante. «No se debe dar marcha atrás. En los últimos años —por lo menos en el mundo occidental— ha cambiado la mirada ética. Esto es un proceso, con sociedades que van asimilando nuevas normas. Lo mismo ha pasado entre los seres humanos, con grupos étnicos y raciales y también con el tema de género. Hay que entender las necesidades de los otros animales para incluirlos en nuestra comunidad con un trato adecuado. En el caso de los animales domésticos nadie pide que se les trate como humanos, eso sería absurdo.»

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ENGLISH FEATURES

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SPOON

ARCA

BJÃ&#x2013;RK

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SO NOW WHAT?

THE SHINS By Raúl Arce

Garden State (2004) is a film starred and directed by Zach Braff, the pale and funny-faced actor whom many of us identify for his work as J.D. Of Scrubs. The film itself had a moderate relevance, but it became a cult object for lovers of a misnamed genre called “indie”, mainly because it had a very well selected soundtrack. Within this soundtrack - selected by Braff himself - there was a song called ‘New Slang’, which appeared at a crucial moment in the film, when the character of Natalie Portman (Sam) introduces the track to Zach Braff (Andrew) while she warns him «This song is going to change your life». In the end, the life that really changed

was James Mercer’s, the leader and singer of the band responsible for that song: The Shins. From this appearance on, things took a turn for the band of Albuquerque, New Mexico, since they began to be part of great festivals and to have their own successful tours, their increasing popularity even took them to have an unfortunate participation in the popular sitcom Gilmore Girls. But, what happens when you ran out of luck and the hype around you fades away? Simple, you have to show real talent and work hard to survive. That was precisely what Mercer did. After several changes in the lineup of his

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band, a period without making music with The Shins, and even a successful collaboration with Danger Mouse (Broken Bells) he has managed to remain relevant in another loop of the cycle of popular culture, where independent music made with guitars - the one that in the early 2000s felt fresh and honest - is not at its highest point. Somehow, there are musicians of that generation who have survived the change of tendencies, the mutation in the way we consume music and, above all, the emergence of a new generation of young people that many of us are finding difficult to understand. James Mercer is one of those survivors, the leader of The Shins has had to face these changes in every possible way, and instead of abstracting himself or taking refuge in nostalgia, he dares to release a new album (Heartworms), in a historical moment when it seems that music and cultural expressions are left in the background. - It seems like over the years you had to adjust many things, in fact, the line-up of the band has changed a lot, why? «All the people I’ve worked with have other projects, for example, when Richard Swift arrived he was with us all through the Port Of Morrow cycle, but then he started doing things with The Black Keys, you know? A bigger band, while I was messing with Broken Bells. It was then that his work as a producer became very sought after and simply could not continue with us. The same thing happened with Jessica Dobson, who has her own band (Deep Sea Diver), and it started to go very well, I guess that was her priority. Now I live in a world where I work with people who are very talented, much more than me and that is why they are so busy. Jessica wanted to produce something new when we found Casey (Foubert), who had worked with Sufjan Stevens and is now helping us with the album. In the end I am in a community of people who are very talented and busy.» - Getting into the subject of the album, I read that you were in charge of the production of the last

one, but I guess it is very different the dynamics of going with someone on tour and adopting the role of producer ... «I think I’ve been very lucky because I’ve found very good people to work with, and the other thing is that I also rely on my friends, I’m always asking “Do you know of someone who is talented, that fits well with us?” And by some strange way, that has worked for me. It happened to me with Patti King, who plays the violin and the keyboards with us. She was recommended to me by Chris Funk of The Decemberist, who by the way, is a very good friend of mine.» - What happens once everything is recorded? How do you know when the album is ready and you do not need to change anything else? «It always happens to me that at the end I listen to what we did over and over again, which leads me to ask myself, “Will I change that? Will I put something else?”, But the reality is that you exhaust the process and there comes a point In which you have to move away from the project a little. «Something that helps me a lot is that there are a lot of people working with me, and that comes a point where you realize that you are driving everybody crazy. That’s when you realize you have to stop. «It’s hard, because not only happens to me with the new record, but also with the old albums. When I hear Oh, Inverted World (2001) I suffer a lot, either because I think “Why do we recorded it like this, in that strange way?”, Or because I want to move things to an album that came out more than 15 years ago ... and Well, that’s difficult, because once the record comes out, there’s no turning back, that’s what I’m afraid of.» - For some years, music has taken a very important role in the television series, talking about that, I remember seeing you in Gilmore Girls, which was a bit strange ... «Yes, it was uncomfortable for us too, but you’re right, independent music started playing on television thanks to shows like that. I do not know if you saw The O.C ? It was a very big

thing, and suddenly our friends were there, like Modest Mouse, The Walkmen and Death Cab (For Cutie). I do not know, in the end it was a good thing for us, because some studio masters were stolen from us, and suddenly we were told that a show would pay us to be a few minutes on the TV, so everything worked very well.» - Now that you’re releasing Heartworms How important are the formats in which a band publishes an album? «Well, it seems that the vinyl is coming back with a lot of force, however, it still represents 1% or 2% of sales, well, that’s what the sales people told me on the record label. It’s actually a format that I really like, and it’s basically what I listen the most at home with my family, but I realize that streaming and everything digital is an inevitable part of our future, at least in When it comes to listening to music. I think it will eventually work just fine, but I don’t think it will happen soon. For example, if you go to a store right now and buy an old vinyl from The Rolling Stones, no one is going to make any money out of it, simply because it’s an old album whose sale will have no record for the artist.» - Finally, I want to ask you about the current landscape for music and the arts under the new administration in The United States. «I think art, in general, is a place where human consciousness makes tangible thoughts, hopes, dreams and fears. All of this is amplified when we communicate it, that is where the importance of giving a way out to expressions resides. «For me, it is idiotic to think that art, including music, has no real function in the world. If you step back a little in time and historically review pop culture and its influence on politics, it is possible to find direct connections to movies, songs or paintings that changed the way the world thinks. I think art is incredibly powerful, maybe more than ever. With this I’m not saying that this is the reason why I do things, but what I do say is that I would challenge anyone who says that art and culture.»

ROB SHERIDAN ART IS RESISTANCE By Diovanny Garfias

«Surreal, that’s the only way to describe it. Like a young kid who’s just graduated from high school, the fact of being in front of my musical idol, for an interview of my job!, it was like my lovely little world was turned around completely. It changed my life.»

Translation: Raúl Arce

He is Rob Sheridan and his name began to gain notoriety in the NIN’s world when his fanpage Above The Trees was discovered by Trent Reznor. Just like that, the musician hired the junior designer to update the then new launched website of his band (nin.com). It was 1999, and from that point, Rob began to become a fundamental part of the creative DNA of Reznor, with each album and sound concept translated to the visual and real world through Rob’s creative brilliance, who, by then, was already the art director; album covers and booklets first, then tours, videos, box sets and ARG experiences as part of the promotion for Year Zero (2007).

«It was always an immensely complex experience. Trent is a person who focuses a lot on the details and me too, but the most important are the fans of NIN, who are really focused on them. Each project (album / tour) was a twoedged weapon: contrary to how many designs were worked, everything we did with NIN was carefully examined, so every idea or detail added, was noticed and appreciated. Clearly, that also implied that every mistake I made, every time I failed, every time my work didn’t meet the expectations was noticed. There was no opportunity to be lazy so, for me, as a designer, I had to be ready to deal with anything.» Today the artist is taking a break from employment that took him to travel the world, to experiment with his creative processes and even to be on stage as part of the collective How To Destroy Angels, alongside Atticus Ross, Mariqueen Maandig and Trent Reznor: «After

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15 years it was the best thing for me and for everyone. New talent will always be a good thing for NIN. I have several personal projects in which I have wanted to work for years and now I have time for that.» From Seattle, Rob makes the time to answer some of our questions about his next project, an illustrated book for children, and his involvement in matters of social and political activism facing the current situation in the U.S. - You were disconnected from social networks until a few months ago, when you came back not only to talk about art but to give your opinion about the political situation in the United States. Why did you feel the need to express yourself through such means again? «A few years ago many things happened in my personal life and I also said goodbye to NIN, so suddenly I began to have many spaces, a blank canvas that I hadn’t had in years. I took the opportunity to focus on my personal life and the outside world in general, I realized that social networks and the Internet did not make me happy and in a chaotic point I felt more attracted to friendships and real experiences. This made me realize how much time was spent on the Internet and the little happiness that really left me. Last year I sold my house in Los Angeles, stored my things in a warehouse and spent much of my time camping, traveling, exploring, meeting new people, writing, drawing and everything without the need for the Internet. «It was cathartic, liberating, it helped me to focus on what really matters to me. All that craziness and addiction I had on the Internet ... I didn’t miss it. Nor did I miss the amount of things I had accumulated at home. Spending my time with the minimum, without Internet and going out to discover the world changed my life positively. When the election madness began, in 2016, I reconnected. My love for the news didn’t allow me to ignore what was happening in my country and since that childlike tyrant was elected I became politically active again, which required spending time on the Internet. Despite living in this age in which being informed and connected is vital, I try to think of everything I learned in that year that I spent outside, so I remind myself that I must disconnect from time to time.»

As part of the team that created the background story behind the dystopian Year Zero and as an American artist what is your personal perspective of this strange time we’re living in? «We created Year Zero as a projection of what could happen to the United States if Bush’s policies continued to go the wrong way for 15 years, and like most histories of dystopian fiction, was a warning. It’s disturbing to see how much of that fiction is coming true and how fascism can be seen in America, we are heading for disaster. Besides, allowing Trump to win is equal to an unpleasant national shame. Both his policies, meaning Steve Bannon’s, and himself embody everything we warned about in Year Zero. The nice side of this is that much of the experience has motivated people to create resistance, to pay attention, to stay informed, to fight. Our futuristic world was called The Resistance. It’s inspiring to see how millions of people use that same term against Trump / Bannon, I’ve never seen so much activism, awareness, and indignation. I’m glad to see that we’re not letting it go. I believe that as long as we do not lose that, the Resistance will triumph.» - You are currently working on a new book, in Seattle. What is it about? Are you planning to publish it this year? «The book is an anthology of folk stories told with a dark twist. It will be an overly illustrated book with morbid, fantastic and dark tales. I wanted to write and illustrate books for children for so long. Now, at last, I have the time to make it come true. The first book is so engaging that it is becoming material for adults or older children who like dark things. My plan is to finish (the illustrations are detailed and time-consuming, so it will take me a season to finish) and publish it this year, but it all depends on how things go with editors.» - In retrospective, what has been the most challenging project or situation you’ve faced in recent years while working with NIN? What has been the achievement that made you feel proud the most? «The design for the production of the Tension tour in 2013 was probably the most challenging situation I’ve experienced with NIN. There were constant last-minute changes. Trent decided to redesign a show we had planned for months, we had to adapt everything in a short time, we

struggled and spent several evenings trying to reconfigure the show so everything made sense. There is a mini documentary in Vevo that shows all of this, there you can see our fatigue after so many rehearsals, we almost broke down but the show must go on, so we worked nonstop to make it great. «As for what makes me most proud, I think it would be Year Zero, and not just for art and ARG, we created a world with so much wealth, as well as the TV show that never came to life.» - As an artist you have been recognized for the use of “glitch” in your work. What led you to experiment with this technique? How did you start experimenting with a broken printer for the concept of Bleedthrough? «Working with Trent led me get into the glitch aesthetics, I learned about the way he created music and how he used sound to evoke emotions. Trent broke things to change the sound, used them in the wrong way, musically speaking, to create uncomfortable sounds. His signature was a constant dance between beauty and terror, so with the challenge of creating visuals that could combine with his music I began to look for ways to do things the “wrong way”, beautiful mistakes, a visual sense of disorder. At first it was not easy since I am a perfectionist by nature, but as I went in I found a liberating antidote to this burden.» - How did you get into the process of “data bending” and how complicated was it to get the result you were looking for in something that leaves a lot to chance? «In everything related to the visuals of With Teeth, from the art of the album to the video ‘The Hand That Feeds’, we tried to exploit the imperfections applied to technology, especially in relation to the new consumers of that time. Much of the art was taken from broken scanners and “glitches” from it (an evolution of the broken typewriter we also used for the Bleedthrough concept). For the video ‘The Hand That Feeds’ we took advantage of all the glitches and recording failures of the mini DVs. Many people, including myself, often take advantage of the aesthetic part of obsolete technology, such as VHS. For With Teeth I took the aesthetic part of the latest technology at that time..»

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SPOON

RESISTANCE FROM THE INDEPENDENCE By Victor G. García Translation: Raúl Arce

«I’ve never experienced anything like this before», Brett Daniel tells me in a desolated tone. «It’d be funny if it wasn’t that awful. We have a cartoon character who represents us before the world, someone who has no interest in doing his job seriously. With Obama it never was like that. So definitely is a change.» Is natural that the conversation takes us directly to the shady social landscape of the U.S., Daniel, singer and leader of the texan band Spoon, knows what it’s like to live in a southern state full of republicans who, since the victory of Donald Trump, have found the perfect excuse to show off the most retrograde attitudes of the American society, whether it’s against Mexican immigrants, Muslim, LGBTTTI community or whatever that gets in the way of their conservative policies, which so far have proven to be more like personal whims. «The part that scares me the most is that since Americans are reading such polarized journalistic sources, there are a lot of people with whom it is impossible for me to agree, it seems that we live in different realities. It amazes me so much that I’ve been watching Fox News to see if there is something that I’m not understanding, to see if I can learn anything from people who see the world that way.» What is left to do? I ask, trying to find some way out. «It’s difficult, I don’t know what can be done to fix it, but without a doubt we must resist, and don’t let this madness become normal. Starting with each one of us and the people we have around, we must demonstrate that this is not the way a government should operate and hope that it doesn’t last for too long.» Daniel’s response may not be the most encouraging but it reflects the attitude that Spoon have maintained through their career for more than two decades: if you want things to get done well, then you must do it yourself, on your own merits and finding support from the people close to you. Just like that Spoon has been able

to leave a legacy that has gradually permeated independent music, with constant work. «Since I was a kid I knew that I wanted to make records, so I couldn’t be more grateful, it’s been a long journey, I don’t know many bands that have a career like ours for so many years, but the truth is that it was until the ninth or tenth year that people started going to our shows and listening to our records. Maybe the fact that we’ve been ignored for so long made people start to appreciate us more.» Now, this quartet is about to release its ninth LP, Hot Thoughts, one step ahead with steady pace. For this album the band continued their work with Dave Fridmann, who is the producer of bands like The Flaming Lips and Mercury Rev, and also Cuatro Caminos by Café Tacvba. Spoon’s charm is not to be a different band with each album, but to aerate their eclectic sound with new influences to mutate it subtly and gradually. In this specific record, the songs were created with a fairly strip down base which incorporated different beats until finding the right one. «I wrote many of the songs on the record by playing the acoustic guitar or sitting on the piano. Since it had a base we tried to turn around the song in every possible way until finding the right beat, similar to Britney Spears [laughs]. Many of the acoustic demos ended up on the album, I didn’t have a specific direction to follow. My favorite song from the last album is ‘Inside Out’, so if there was any direction to go that was it, but we weren’t really looking for a new sound, we just figured out where we could be taken by ours.» After years of being sheltered by the label Merge and their short stay with ANTI, Hot Thoughts marks the return of Spoon to the independent label that saw their birth, Matador Records: «In 95, many great record companies offered us contracts to release our album, Interscope, Geffen, but we said” if we can be successful, it’s best

to stay with Matador. “ I think it’s a good company, I like the way they run their business and I like the people there, they release records for some of the best American bands of all time. Now we feel the same and we decided to take the opportunity.» This is where Spoon’s indie spirit resides. In spite of having had the opportunity to belong to the omniscient machinery of commercial record labels since their first album, the band began in the independence, the spirit was confirmed after a bad experience when they signed with a big label for their second record, so they went

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back to independence to never leave again. According to Daniel, that’s the meaning of indie. «It’s always weird to me when people talk about indie as a genre. I remember the first time I heard that, it blew my mind. What is it that you like indie rock ?, I always thought it had to do with the way you made a record more than a specific sound.» For Daniel, independence can not be categorized like a genre, it’s a spirit that transcends musical styles. Still, he believes that if there

is something that is missing in contemporary rock, it is the attitude of bands like Iggy Pop and the Stooges or The Sex Pistols: «What we need is more bands with swagger. Do you know what the swagger is? Iggy Pop had swagger, John Lennon, Jack White has swagger, that’s what interests me. Our record incorporates a lot of electronic instrumentation but it’s still a rock record, well I think so.» As long as this attitude of resistance prevails, independent rock will be around for long.

The story of Alejandro Ghersi is the one from someone who finds the way and the power to deal with his demons inside himself, accepting during the process his true self, with its imperfections and virtues. The one of a kind of antihero who starts his path bothering everyone by his unusual methods, different from the established, fitting little or nothing into a pre-set reality in which we have to exist. Alejandro was born in Caracas, Venezuela, however, his education was provided in the United States, where music, that muse that had seduced him during his childhood, ended up becoming the language in which he could open the doors of his deeper being and was able to present it, finally, to the world, that was the day we met Arca in the flesh. Like that, the personal tale of Ghersi ends up becoming the story of all those who find in arts a tool to face their existence, resist, create and innovate, flashing brightly, a second skin. That halo of genius and honesty is the same that has dazzled musicians like Kanye West, FKA Twigs and of course, Björk, who decided to join their talent to the musician to make their work something different, sonorously unprecedented. With 26 years old and two albums in his back, Arca presents us with a new variation of his sonic intellect, a homonymous album where his voice and the Spanish language become the hook to enter a dark world, possibly the less accessible work of the producer, but also the most seductive. He tells the story himself. - Tell me something Alex, what is the exact story of the moment when you got involved in sounds and music? «Music is an important part of my life since I was

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THE SKIN I LIVE IN Interview: Alejandro Franco Text: Diovanny Garfias Translation: Raúl Arce

a kid, beginning with the piano lessons, which my mother forced me to take, and I hated it and loved it at the same time; I loved to play the music but I hated having to memorize the musical pieces of dead characters, I was very frustrated. «At 15, 16, I stopped studying piano formally and it was exactly when I started composing with software. I was born in Caracas and my family moved to the United States later and when I got to first grade we went back to Caracas and at 17 I moved to New York to study, so I don’t feel Venezuelan and much less American, I always felt like an outsider, even at the cultural level, no matter where they live.» - How did you start getting involved with these computer-supported sounds? «From a very early age we all have special interests and concerns, remembering that in childhood we all have certain things that we are passionate about, that attract us magnetically, but we stop following them because it becomes difficult to foster and cultivate those that do not fit within the status Or in your role. In my case it was the experimental electronic music and I think I had exposed to that because my brother brought several records and something in that genre caught my attention.» - How do you start to gain enough experience to decide to take a path and start producing and creating a particular sound? «I started to compose music in computer since i was 13 but nobody knew, it was my hobbie. While my friends were playing sports or playing video games, I was in the computer. «I felt that as I shared with my family or friends that I was interested in producing music, it helped me to stand out. I believe that all human

beings, especially artists, have a natural desire to be loved and the attention that was given to me in producing started to influence the decisions I made as a musician. «With my previous project, which was called Nuuro, I began to bargain within myself the reasons and decisions for making music in a certain way, people began to pay more attention and music mutated to make it more accessible. «At age 17 I realized that I was producing music for others. It is important to mention that one does not make up for others or for himself in a binary way, that doesn’t exist, I see it as a conversation. At that age I was more focused on explaining myself than on looking inside me for something that I wanted to express and at that moment I decided to look for a sound of my own.» - The moment you decide to follow that instinct to generate something of your own you start attracting another kind of attention, I think that credited you as a producer, so tell me how you did you get involved with names that today in music are very relevant and Who begin to trust you as a producer? «For me the important thing at the musical level is to see composition as a method of selfknowledge and healing. From that point of view, the collaborations that I can get to doesn’t matter because it’s a mutually beneficial collaboration on an emotional level. «That is why I want to rephrase this question because, according to my belief, if tomorrow someone doesn’t care for what I do, the universe wouldn’t have taken anything away because for me music is still the way I get in contact with the unknown or frightening parts inside of me.

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«I have collaborated with each person differently. I find it hard to generalize and explain why someone can trust me or why certain collaborations happened. Having said that, I feel very fortunate, definitely, and at the same time, proud of myself. «I feel more proud of everything I’ve been through and of my effort than saying “I collaborated with that person”. If I have chemistry with someone, I will automatically care much more of the stuff that can come out at the musical level of that relationship, it must feels organic, not forced it or feel like a sacrifice on either side.» - Did you feel bothered with the mediatic moment of relating to names recognized in music, where the reflectors start to turn towards you? Did all this attention bother you when what you do is more intimate? «There was a moment in the past that I did, because I was afraid that my profile as an artist or producer would overshadow what I want to communicate or worse, that it could downplay it and today it doesn’t bother me at all. «I like to think that music, not necessarily mine, speaks for itself. I’m going to die and the music will still be there, it has its own message.» - Tell me about the new album, how did you start the process of doing it, where did you record it, where did you produce it? Are there people invited or are you alone? «It’s me alone although I think that “Me alone” does not exist, I am the result of my relationships and the people I love. This album started as the previous two albums, I never stop composing, even when I’m not composing, because sometimes even two months without touching the computer that is also part of the compose, there is always a desire to communicate something. «I had to listen to my instinct to get to the disc. I want to mention that when I worked with Björk in Vulnicura (2015) we got out of the car in a snowstorm in Iceland and he said “hey, have not you thought about singing?” And I said “shut up”, and we changed the subject but in That moment a seed of curiosity was sown inside me to use my voice as another instrument. «Suddenly the desire arose to use my voice again, I realized that it was something I had to

accept and to follow that way, I felt it as a step to the unknown. I compose and I surprised myself, it was not easy to accept the path by which I took the songs. I had to accept that the album would be in Spanish and that I would speak of love and dislike; That surprised me.»

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BJÖRK

A JOURNEY THROUGH THE DIGITAL WORLD By Alejandro Franco Translation: Raúl Arce

With the celebrations of the eleventh anniversary of WARP Magazine, Björk will arrive with her virtual reality exhibition Björk Digital to the Foto Museo Cuatro Caminos in the Metropolitan Area (just in the border between CDMX and Estado de México), a place of knowledge production, training education and multiple experiences, a diverse, permeable and inclusive space, ideal for the exhibition which is the result of Björk’s collaboration with visual artists and several international programmers. Björk Digital has toured cities like London and Tokyo, this time it will be open to the public at Foto Museo Cuatro Caminos from March 21st to May 7th, 2017. Prices, schedules and ticket sales dates will be announced in the next days. Björk Digital is one of the most amazing and innovative experiences ever around visual art, music and technology, which includes the experiences of VR ‘Family’ and ‘Notget’ as well as ‘Black Lake’ and ‘Stonemilker’, directed by Andrew Thomas Huang. The exhibition will also feature footage of Björk’s ‘Quicksand’ performance in Tokyo, and the video ‘Mouth Mantra’ directed by Jesse Kanda, who also works on the visuals of Alejandro Ghersi ‘Arca’, producer of Vulnicura. In an exclusive interview, WARP had a conversation with the Icelandic icon Björk about her link with technology, her creative proposal with this exhibition and her expectations of bringing the show to Mexico. - Let’s start talking about your exposition, I know you’re a big fan of mixing technology with human emotions was this the main reason for you to do this exhibition? «I think as a human race we are progressing very quickly and the tools we are using are changing very quickly and think it’s important to make sure these tools have a human soul, and that’s up to us. They don’t make these tools with a soul.» - How was the first glimpse you had on creating these audiovisual experience for the audience, not only on a television or cell phone screen but in an actual place like a museum or a exhibition site?

«It’s been very gradual, it wasn’t one moment. But I have to say I have been caught in a lot of offers from museum to galleries for 10 years or more, I always said no because I feel very blessed that I can do concerts, I have YouTube and cities and a lot of different platforms. But it was a combinations of things, excitement about virtual reality and 360 video, we already started filming videos like this like Stonemilker, the first video of Vulnicura, it was a very interesting search to find a platform to it. We offered to MOMMA and there was an exposition there, but they were not interested, which is OK, I had no problem with that, it’s good that people know what they want. And then we did a collaboration with Rough Trade in London and Brooklyn, they have big indie record shops, and we pinned the VR video there, thinking this was a good space for this. We can bring people into record shops, at least there is one thing here that is very physical like you can’t download VR and watch it at home, at least not yet. We saw this as the future in music videos, VR’s could be at record shops, but then we found it very complicated as an exhibition space, because they have to receive and take care of all the people, which maybe a record shop is no expert in that. So it gradually developed. «The best way to this wasn’t a museum, gallery or record shop but some sort of space in between everything, which is sort of agnostic to release. A lot of places that we’ve so far had the exhibition in Australia it was in a warehouse, very punk, and then in Tokyo we had it in the museum of technology, in London in a Gallery, so it’s been in different places.» - Where is the most suitable place to show the experience? «For me it’s just why people don’t have VR at home, it probably won’t last very long, a couple years at least. It’s a good place where people can go and see this, I see it more of an in-between stage, where people have to go to a location to see it.» - The visual and audiovisual factors work as the engines when you’re producing an album? Are you thinking in how that will look in a video or VR experience?

«It really varies, some songs I’ll write and I’ll exactly what they are about visually. Some songs are more abstract, I really like that the songs are that diverse, some are more narrative, some are more obscure, instrumental, in each album I do I try to make the most variation as possible from song to song, from different angles, like form the personal small only single voice, or just one acoustic instrument all the way to the total opposite with all the instruments and everything going on blast. I like my albums to be dynamic, the same goes to the visuals, some songs are obvious, from the moment I write I know it can only be one way and end of discussion and other songs are more loose, it’s more abstract. And when it comes to technology it really varies, I think I could tell you a different story for each song, there is no ‘one way’ to it. Also the directors are always different from each other, they all have different ways of working, and I connect with them in different ways. I play different roles with the director, sometimes I’m the curator, sometimes I’m the muse, and sometimes I’m like a producer, like the practical person, and sometimes I’m the script writer. I like playing different roles with different directors, some of them I am very involved the whole way through, with some of them I know the best think I can do is leave them on their own.» - All this VR, 360° and AR world is growing so fast that I’m wondering if you are trying to deliver to your audience these kind of experiences thinking that they are now entitled to their own. The wonderful thing about technology right now is that everyone will have access to it. Do you feel that you are a promoter of these new experiences of the brain and feeling? For the audiovisual industry maybe? «It was not a priority or a choice for me, it just kind of happened. By being brave for the last 20 years I scored some good karma points somewhere, I think it’s like a collective reputation or whatever you want. But I mean I’m not sure I’m comfortable with being a spokesperson, I don’t think that’s the point for me, it’s more about freedom of expression and finding new tools and ways to make your song, or visual come

true, sometimes it can be very claustrophobic to express yourself and find the best way to do it. I’ve said it many times; I am actually not that good with technology, some people can’t believe it, but I regularly have engineers helping me and I usually wait until technology is simple enough that I can actually use, in that way I see myself as a representative of the average person, trying to find the way to be emotional and human with technology.»

- I’ve just met Alejandro Ghersi (Arca) in CDMX I had a great chat with him, we were talking about the live experience in music, not just the audiovisual side, what’s the main idea of your show right now? You are going to play in a very important auditorium in Mexico City and at a festival, so how’s the concept with Vulnicura experiences related to the live show? «I’m actually going to do the festival with Alejandro, it’s going to be really fun. Some-

thing in me wanted to show the binary, or the musically Vulnicura has a great tragedy in a concert hall, like an old story, and it’s very acoustic so I’m doing that and the auditorium which is like an opposite feeling than the festival where I’m playing my old songs, that are the happier sides of things. I am very excited to have the opportunity to combine all this with the exhibition to show both sides of me and my world.»

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ENCORE

20 YEARS AGO… HOMOGENIC Por Diovanny Garfias | Pic: Nick Knight | Dirección de Arte: Alexander McQueen

It was 20 years ago, when Björk was giving the finishing touches to her third studio material. After a long tour, promoting the allegorical and eclectic Post (1995), the singer sought to write and shape songs with "a simple sound" and "a single flavor." With Nellee Hooper, the creator of their first two albums, outside the Icelandic play, decided to recruit the magician of house music, Mark Bell (LFO), giving birth to a productive

collaboration that would last 13 years. As a result, one of the most outstanding electronic albums of the 90’s was born; Homogenic (1997), a definitive piece for a genre that mutated in a quest to survive the change of century, without getting lost in nostalgia. Until now, this record remains a masterpiece and a faithful proof of what pop and experimental electronic can originate when they meet in the ideal moment.