WARP Magazine #83 by WARP MAGAZINE

MÉXICO EN EL MUNDO E

xisten mexicanos cuyo talento trasciende fronteras. En la música, la política, el cine y en el arte, por mencionar algunas disciplinas, estos dignos representantes nacionales han dignificado su procedencia al establecer que en México hay talento. Hacer despegar una carrera siempre es difícil. Todo comienza al elegir la profesión co-

rrecta según nuestras aptitudes y vocación, sigue la vida académica y, finalmente, el verdadero reto: conseguir la oportunidad de nuestros sueños y, más aún, convertirnos en los mejores del ramo. Sin embargo, hay quienes después de haber logrado lo anterior deciden empezar de nuevo y, quizá por ello, hoy triunfan en un país que les

exige mayor entrega no sólo por la diferencia de idioma, sino por la complejidad de la competencia con otros especialistas en su campo laboral. WARP Magazine preparó una edición especial para reconocer a nuestros connacionales exitosos. Estas son sus historias…

WARP MAGAZINE WARP.LA | @WARPMAGAZINE | FB/WARPMAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO DIRECTOR EDITORIAL DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO @OSCARSAMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA SERGIO GÁLVEZ COORDINACIÓN EDITORIAL ALONSO VALENCIA EDITOR WEB EDUARDO SALINAS COMMUNITY MANAGER MARIANA MEDINA ASISTENTE EDITORIAL SARA ARAUJO ASISTENTE WEB FÁTIMA ALBARRÁN ASISTENTE DE DIRECCIÓN DIANA MANJARREZ CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN TRADUCCIÓN RAÚL ARCE COLABORADORES ALFREDO QUINTANA, ALEJANDRO ALTAMIRANO, EDUARDO MARTÍNEZ, HAROLD RENTERÍA, IVÁN LECHUGA, JAVIER CUELLAR, JESICA VERGARA, JESÚS QUINTERO, LEONEL HERNÁNDEZ, LUCERO HERNÁNDEZ, MANUEL BACA, MAURICIO IBAÑEZ, MICHELLE APPLE, ÓSCAR ADAME, PAULINA MARÍNEZ, SAMANTHA CALDERON, VICTOR GARCÍA, VIDAL CRUZ COMERCIAL DIRECTOR COMERCIAL MAURICIO CAMPUZANO MAURICIO@WARP.COM.MX PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@WARP.COM.MX

NUESTRAS CUATRO PORTADAS

© WARP Marca Registrada ®. Año IX No.82 Fecha de Publicación Noviembre de 2016. Revista Mensual editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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HOT HOT HIT

ZARA LARSSON Por Mauricio Ibáñez

Estocolmo, Suecia, nos entrega a la que es sin duda una de las mejores artistas pop de la década proveniente de esa nación. Con tan solo 18 años, Zara Larsson ha conquistado el viejo continente y seduce actualmente a la mayoría de los países del globo terráqueo con su singular voz y su música llena de referencias electro. Después de ganar un reality show en su país, de

presentarse en la entrega del premio Nobel de la Paz 2013 y hacer el sencillo ‘Uncover’ (uno de los más vistos en YouTube, con más de 132 millones 022 mil 443 reproducciones), Zara se convirtió en referencia dentro de la industria pop contemporánea. El mejor ejemplo es el sencillo ‘This One’s For You’, que interpreta junto a David Guetta e hizo

para la Eurocopa celebrada en Francia en julio de este año, corte que la colocó en los primeros lugares de popularidad durante el verano. También ha compartido escenario con Beyoncé como parte del Formation World Tour de Mrs. Carter. Sin duda, estamos frente a una artista que todavía tiene mucho que entregar y con qué sorprendernos.

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PROFILE

THE PERENNIALS Integrantes: Pete y Amanda Wells | Lugar de origen: Nueva York, Estados Unidos | Año de formación: 2010 Influenciados por: Johnny Cash, Bob Dylan, Simon & Garfunkel, The National, Sufjan Stevens | Links: theperennialsofficial.com

Que dos personas del mismo país, con orígenes diametralmente opuestos, coincidan al otro lado del Atlántico (en Italia, para ser exactos) en un pueblo con 300 habitantes, en una escuela de lectura de biblia, es poco común, es más, quizá este tipo de situaciones solamente ocurran en las películas de Woody Allen.

Esa es la historia de Pete y Amanda Wells, matrimonio que da vida a The Perennials, una propuesta cargada de folk americano y rock en tiempos en los que el indie es la vitrina para todo. Su sonido con tintes rústicos sobre bases electrónicas ha llamado la atención de un número considerable de usuarios en Internet, tanto así que ya trabajan en una nueva

serie de EPs con el productor Thomas Bartlett (The National, Glen Hansard, Sufjan Stevens). Por lo pronto nos quedamos con su track ‘Miss Marionette’, una muestra de su sonido y de lo que dos voces armoniosas, una guitarra y miles de kilos de idea musical pueden lograr.

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ANGEL OLSEN NEVER BE MINE Por Sara Araujo

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En la actualidad, los talentos jóvenes suelen ser vistos como entes sin experiencia o conocimiento en relación con la escena musical que los precedió. Sin embargo, más de un artista emergente ha logrado romper con esa percepción a través de propuestas originales y de valor. Un ejemplo claro es Angel Olsen, una cantante del género folk rock, proveniente de Missouri, Estados Unidos, que en 2010 debutó con su EP Strange Cacti y cuyo éxito ha crecido exponencialmente desde entonces. WARP Magazine tuvo la oportunidad de cruzar algunas palabras con la joven cantante, quien compartió un poco de lo que es la vida de una artista indie en la actualidad. - Han pasado dos años desde el lanzamiento de tu disco Burn Your Fire For No Witness y estás por presentar tu tercer álbum, titulado My Woman. ¿Qué pueden esperar tus fans? «No lo sé, no sabría decir qué reacción espero de mis fans pero puedo asegurar que percibirán un tono diferente en mi música, con canciones más largas. Me gustaría ver quién muestra interés y quién le da seguimiento a esta nueva etapa. Cada vez que toco Burn Your Fire For No Witness me divierto y me encanta, porque está repleta de música alegre. Algo que disfruto mucho al finalizar una gira es tener tiempo para descansar, divertirme y

perderme en mi música. Claro que me gusta ir de gira y realizar conciertos, pero también hay otras cosas importantes, no se trata de hacer todo perfectamente y dar a todos lo que piden, también es importante divertirte con tu banda. En definitiva, eso es una prioridad para mí en la actualidad, mucho más que antes». - En el pasado realizaste algunas maravillosas colaboraciones . ¿Tienes algún proyecto de este tipo planeado? «De momento no tengo nada en mente, por ahora estoy trabajando en un nuevo EP… De hecho, platicaba con un productor cuyo trabajo lírico me llama mucho la atención y me gustaría colaborar con él de alguna forma, ya veremos qué sucede; además, sé que él está dispuesto a intentar cosas nuevas con otras personas, supongo que sería bastante divertido trabajar con otros géneros, hacer otras cosas, ser otro tipo de cantante». - Eso sería muy interesante. Ahora dime, ¿a quién consideras parte de tus influencias principales? «Supongo que para este álbum sería The Velvet Underground, su música y su forma de ser siempre me han inspirado para crear. También Bloc Party, pues aunque no es una influencia directa para mis canciones me gusta escucharlos cuando trabajo. En ocasiones también me ayuda escuchar lanzamientos recientes que me

hacen decir “quiero escribir sobre esto, podría escribir cosas con significado”. De vez en cuando escucho otros géneros y diferentes propuestas, como Donny Hathaway, un gran pianista, con una voz impresionante, es maravilloso. Mi inspiración principal en la composición, así como mi meta como artista, siempre ha estado influenciada por Brian Eno y David Bowie». - Cambiando de tema un poco, ¿cuál es tu opinión sobre la “batalla” entre la música indie y géneros más comerciales, como el pop? «A decir verdad, creo que en la actualidad se fusionan mucho más que antes y me parece algo bueno. Con toda la moda de la generación millennial y el poder de Internet, la gente que pertenece a esa época inspira, de alguna manera, a la unión de diversas propuestas. Me gusta mucho lo que está pasando en ese frente, se abren las puertas a nuevas cosas y no por eso todo tiene que ser igual. El pop siempre tendrá su encanto y su estética, y de igual forma la música indie. Creo que ambos géneros tienen mucho que aprender del otro». - ¡Sí, claro!, estoy totalmente de acuerdo. Muchas gracias por tu tiempo, te deseo lo mejor para el lanzamiento de tu álbum y la gira por Estados Unidos y Europa. «Muchas gracias, de verdad. Disfruté mucho platicar contigo».

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FASHION NUGGET

GERARDO MORALES DEFINE BEAUTY

Por Oscar Adame | Fotos: Cortesía GM

Si hay una figura a la que se le ha podido distinguir bajo la palabra belleza sin importar el contexto del que se hable, es la del cuerpo femenino. Miles de obras de arte, del renacimiento a la actualidad, han rodeado a lo que Gerardo Morales define como «la belleza en toda su expresión». Sus videos, que destilan una elegancia lúgubre y única en su estilo, han hecho que este fotógrafo originario de la Ciudad de México se haya ganado a pulso un lugar dentro de los más interesantes artistas que rodean a la figura femenina como centro de su arte. Es por ello que entrevistamos a Gerardo Morales sobre sus inicios en el fashion film, su amor por la música y su idea de lo que es bello. - ¿Qué es lo que tratas de plasmar en tus fotografías? «Al principio me interesó muchísimo capturar la belleza femenina, con imágenes muy cuidadas y editoriales, pero ahora, tras dos años de trabajo,

estoy pensando en llegar al siguiente paso de significación de la belleza con un proyecto que tengo en puerta, que no se refiere únicamente a la estética sino a su concentración dentro del arte». - ¿De qué va a tratar este nuevo proyecto? «Es un pequeño clip documental, muy interesante, en el que se habla de la belleza más allá de lo físico, la belleza de las cicatrices, de las marcas. Posiblemente se titule Define Beauty». - ¿Por qué elegiste como punto central de tu arte a las chicas? «Todo comenzó un día en el que hacía unas fotografías, llegaron cinco amigas y entre ellas empezaron a improvisar. Desarrollé un video conceptual eroticón tras ello y fue muy padre, porque terminó en distintas plataformas europeas y en muchas páginas eróticas españolas. En un mes le dio la vuelta al mundo».

- ¿Cómo es que ese video llegó a recorrer el mundo? «Lo colocamos en una plataforma mexicana llamada Cheap Hotel, una de las mejores que existen con material erótico, dirigida por mi queridísimo Alan Yee. Además lo publiqué en Vimeo por mi cuenta. Todo fue muy inesperado, pues se empezó a viralizar gracias a que una serie de periodistas lo mencionaron y compartieron en páginas españolas, rusas y de otros países. En un mes ya tenía más de 100 mil reproducciones y, a partir de ahí, la revista Maxim me contactó para crear contenido visual». - ¿Cómo eliges a las chicas que fotografías para tu proyecto? «Antes buscaba la belleza tipo chica de revista, pero ahora busco a alguien que tenga personalidad. Podría decirse que le tiro más al ambiente que pueda generarse en una sesión».

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- ¿Recuerdas alguna sesión en especial? «Sí. La primera que te conté fue definitoria para lo que quería hacer, aquella con las cinco chicas, en un ambiente tan relajado que se creó una conexión especial. Creo que cuando el realizador se siente conectado con las modelos surgen buenas ideas visuales». - Dijiste que las plataformas te ayudaron muchísimo para la viralización de tu video. ¿Cuáles recomendarías usar a los chicos que quieren iniciar en esto? «Dazed and Confused es súper interesante, porque suben material de todas partes del mundo. De ahí me han llegado propuestas para mostrar mis videos en festivales internacionales de fashion film, además, siempre hay muchos periodistas checando qué hay. Vale mucho la pena». - ¿Cómo empezaste a hacer que las chicas posa-

ran para ti? ¿Fue algo incómodo al principio? «Empecé a tomarle fotos a una amiga, ella se las mostró a otras chicas y les gustó, así que me pidieron hacerles una sesión, ellas mostraron el resultado a más amigas y se fue haciendo una conexión interminable. «Tras hacer mucho contenido, a lo largo de varios años, tu trabajo se hace viral y entonces puedes llegar muy fácil con una idea topless, por ejemplo; como ya saben que lo haces bien y que has sido publicado aceptan sin problema». - Varios de tus videos más populares tienen títulos de canciones icónicas. ¿Tiene algo que ver la música en tu proceso creativo? «Tiene muchísimo que ver, pues también soy músico. Desde chico me encerraba en el cuarto de mis tíos, a escondidas, grababa voces y escuchaba canciones aunque tenía prohibido

entrar ahí. A los 12 años no salía de mi cuarto, tuve una infancia muy solitaria, lo único que hacía era escuchar música mientras escribía mis propias ideas de videoclips. «Reencontrarme con este nuevo personaje ha hecho que trate de traer algo del pasado, por lo que antes de trabajar selecciono una muy buena canción y trabajo sobre ella la parte visual. En eso se basa mucho de mi trabajo». - ¿Nunca has pensado en dirigir videoclips musicales? «Sí, lo que pasa es que ahora no me ayuda nadie y para ello se necesita una buena producción. El problema es que simplemente no he encontrado a personas que estén en el mismo canal, y para que nazca una obra audiovisual memorable se necesita un equipo que esté en sincronía. Tendré que esperar hasta encontrarlo, gente especializada en otras áreas que conecten conmigo. Por ahí va la onda».

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Facebook: lecoqspotifMexico | De venta en El Palacio de Hierro, Le Coq Sportif Atizapán, Le Coq Sportif Plaza Mayor, TAF

LE COQ SPORTIF No cabe duda de que al momento de elegir una marca con la cual nos sentimos identificados le decimos al mundo qué somos y cómo queremos que nos perciba. Por otro lado, para formar una marca de ropa sólo se necesita sentido común, buen gusto y evitar los excesos, tanto de optimismo como de pesimismo, sin olvidar la calidad, originalidad y elegancia en el diseño. Le Coq Sportif es ejemplo de originalidad y gusto, con un estilo consolidado cuyo éxito se ve reflejado en la longevidad de la marca y la fidelidad de sus clientes. Su historia inició cuando Emile Camuset, un apasionado del deporte, decidió confeccionar camisetas de punto para sus amigos ciclistas, futbolistas y jugadores de rugby, en 1882. Sin saberlo, había colocado los cimientos de una marca mítica. Más de 130 años después, Le Coq Sportif se conoce y reconoce por su pericia en materia de ropa, calzado y accesorios deportivos, forjándose un lugar en el mundo del sneaker como parteaguas indiscutible.

Una de sus primeras creaciones fue el maillot para ciclistas, en 1929, y 10 años más tarde innovó con el chándal o traje de domingo. Para 1951 Le Coq Sportif fue designado proveedor oficial de los maillots del Tour de Francia, vistió a la delegación francesa en los Juegos Olímpicos Roma 1960 y con una magnífica camiseta azul de su creación Italia fue campeón mundial de futbol en 1982. Para 1986, la camiseta azul cielo con blanco diseñada por la marca se volvió inmortal gracias a Maradona y en su historia cuentan el haber vestido a ingleses, senegaleses, italianos y, por supuesto, franceses en múltiples competencias deportivas. La gran cantidad de años de experiencia en el mundo del deporte le confiere una legitimidad inimitable pues, inspirada por el deporte mismo, ha trabajado bajo el reto constante y la filosofía de crear productos para atletas de alto nivel, haciendo de cada producto un reflejo de la marca, sencilla y atemporal, el símbolo de toda una herencia.

En septiembre de 2010, Le Coq Sportif instaló un nuevo Centro de Investigación y Desarrollo en la antigua fábrica de confección en donde todo comenzó: Romilly-Sur-Seine, en el departamento francés de Aube. Más allá del aspecto simbólico, este centro erige una pasarela entre su patrimonio y las nuevas colecciones, entre la sencillez original de sus líneas y la creatividad permanente de los modelos. Al pasar del tiempo, el sneaker ha sido adoptado como ícono de la moda informal, extendiendo su uso más allá del deporte y trascendiendo género, edad y nivel socioeconómico, hasta convertirse en el calzado favorito de millones de personas en el mundo. En este mercado ascendente, Le Coq Sportif se ha convertido en autoridad, una marca consagrada para verdaderos conocedores. En fin, Le Coq Sportif lleva demostrando a más de un siglo de su fundación que el atuendo deportivo va de la mano con el buen gusto y un estilo refinado, al proveer comodidad sin lucir anticuado o desaliñado.

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THE LIBERTINES FOR DOOMED YOUTH Por Victor G. García

Cuando The Libertines se presentó por primera vez en México, durante Corona Capital 2015, muchos seguramente pensaron que pasarían al menos unos años antes de que la banda inglesa pisara de nuevo tierras aztecas, si es que alguna vez sucedía. Por eso causó sorpresa que la agrupación anunciara una nueva visita, esta vez a las tres ciudades más grandes del país. Conversamos con Gary Powell, su baterista, previo a su presentación en el festival Rock am See, en Constanza, Alemania, para conocer cómo les ha ido con su reunión, la importancia de la amistad, lo que piensan de la Inglaterra post-Brexit y los conciertos que ofrecerán por acá. - Han pasado un par de años desde que decidieron regresar como The Libertines, una reunión bastante anticipada si tomamos en cuenta la expectativa generada a partir de Reading and Leeds 2010. ¿Cómo se dio este proceso? «¡Fue raro! En 2010 recibí la llamada de uno de los exmanagers de Pete (Doherty) para plantearme la posibilidad de reunirnos. En ese momento estaba muy ocupado, pero accedí si los demás miembros estaban dispuestos. Fue una experiencia algo voyerista, ya que nos vimos en un pub al oeste de Londres y había una multitud de fotógrafos siguiéndonos. También estaba Roger Sargent, quien me dijo que nos filmaría todos los días para el documental que grababa sobre la banda, There Are No Innocent Bystanders. «El primer día de ensayo había cámaras por todos lados, y así fue todos los días hasta que tocamos. Nunca tuvimos tiempo para sentarnos y conversar entre nosotros. En ese entonces no habíamos estado en un mismo cuarto desde 2004, ¡muchas cosas habían pasado!, pero sólo nos enterábamos de los demás a través de los medios. Por eso, después de tocar el show en Reading nos disipamos, y no fue sino hasta 2014 cuando tuvimos la oportunidad de juntarnos a tomar unos tragos, conversar en privado y ponernos al tanto entre nosotros, como amigos. Eso fue lo que nos llevó a tocar de nuevo». - Desde su formación, The Libertines se ha caracterizado por ser una banda que posee un fuerte sentimiento de camaradería y hermandad entre sus integrantes, algo que acabas de recalcar. ¿Cómo definen esta amistad? «Definitivamente es algo muy importante para nosotros. Personalmente, no podría pasar por todo lo que hemos pasado si no fuera por el hecho de que son mis amigos cercanos. Podré tener otros amigos o conocidos, pero a ellos los considero mis verdaderos amigos, a quienes les puedo confiar lo que sea. La confianza es el aspecto más importante, porque el trabajo que hacemos como banda tiene un profundo aspecto emocional. Yo tengo que entregarme a ellos para lograr una buena dinámica emocional. Todos los días que estamos juntos, ya sea componiendo o tocando en vivo, debe estar presente esa confianza».

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- Hablemos sobre el álbum del año pasado. ¿Cómo fue regresar al estudio a componer nuevo material juntos, después de una década? «Cuando se formó la banda y comenzamos a tocar, la idea de entrar a un estudio profesional obviamente era algo nuevo, excitante y divertido, y hubo una gran curva de aprendizaje que tuvimos que asimilar. Cuando grabamos nuestro segundo álbum llegamos al mismo estudio y ya conocíamos muchas de las técnicas, por lo que no se sintió como una experiencia nueva. En este tercer disco fue como regresar al primero, entramos con una visión totalmente nueva. Trabajamos con Jake Gosling, quien en realidad es un productor de pop que ha producido para Ed Sheeran y One Direction, entonces, su acercamiento sónico no era algo a lo que estuviéramos acostumbrados, pero creo que necesitábamos algo nuevo, un sonido y una aproximación diferente, no queríamos sonar como hace 10 años. «Grabamos el disco en Tailandia, en un estudio en el que el rey de ese país ha hecho como siete discos de jazz. Era algo completamente diferente para nosotros. Toda la parte técnica la manejó el productor y nosotros sólo llegamos a conectar nuestros instrumentos y tocar. El proceso fue algo parecido a lo que hizo The Beatles

en el White Album; Pete y Carl estaban en un cuarto componiendo, luego nos pasaban a John y a mí sus ideas, para después tocar todos juntos. Fue algo interesante porque permitió que nuestra creatividad fluyera». - El año pasado vinieron por primera vez a México. ¿Cómo sintieron el recibimiento de la audiencia mexicana? «¡Fue una noche fantástica! Creo que conectamos muy bien con la gente. Definitivamente había una poderosa energía entre nosotros y la audiencia, que tumbó cualquier barrera de lenguaje, era como si todos nos conociéramos a nivel personal, lo cual es bastante raro cuando tocamos en un país diferente. Hubo una sinergia entre nosotros y la audiencia, algo que fluía hacia ambos lados». - Ahora regresan a tocar más fechas. ¿Qué los motivó a volver? ¿Qué fue lo que más les gustó de México? «Eso es algo fácil de responder. Yo ya había tocado como DJ en Guadalajara y debo decir que me la pasé bastante bien [ríe]. Tocar música en México siempre es divertido, no sé qué tienen los mexicanos pero están locos, tienen un amor por la música sin importar el género. Como DJ

eso hace fácil mi trabajo, porque puedo tocar lo que sea y les va a gustar, algo que no pasa mucho en Inglaterra». - Para finalizar, ¿qué viene para The Libertines? «Ahora estamos en Constanza, Alemania —comienza a cantar “Constanz me now, Constanz me now”. La entrevista se detiene un momento por su ataque de risa—. ¡Perdón!, ¡lo siento! También tocaremos en Brixton Academy y luego en Londres para celebrar que somos ingleses, pero no la intolerancia y todo lo que ha dejado el Brexit. El país está fracturado y la apatía reina. Estamos en recesión y parece que a nadie le importa…» - … Parece que la intolerancia se ha puesto de moda. De este lado del mundo está Donald Trump, por ejemplo. «¡Exacto! Parece que todos en el mundo se han convertido en nazis derechistas. Es algo ridículo. Todos están votando hacia la derecha, con toda la propaganda que existe en torno a la inmigración, sin considerar que hay gente que toma la difícil decisión de dejar su vida atrás por buscar nuevos horizontes. ¡Que se joda todo eso! El mundo necesita verse a sí mismo y enmendar sus errores».

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TOM CHAPLIN BRING THE RAIN Por Fátima Albarrán

Han pasado cuatro años desde que la banda inglesa Keane lanzó su último álbum de estudio, Strangeland, previo al recopilatorio The Best Of Keane, publicado en 2013. Ahora, el vocalista de la banda, Tom Chaplin, llega con su proyecto solista, con una producción realizada en California y Londres.

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creativa y personalmente era mi oportunidad, y por suerte ellos estuvieron felices con ello». - Supongo entonces que tienes una buena relación con tus compañeros de Keane… «Sí, claro, somos una familia, crecimos en el mismo lugar y estuvimos juntos mucho tiempo. Esas relaciones son profundas y estarán el resto de mi vida, pero como en cualquier familia, a veces se necesita tomar un espacio, aunque seguimos frecuentándonos. La otra vez vinieron a mi casa a escuchar The Wave y fue muy emocionante ver que su impresión fue positiva». - ¿Cuáles son las diferencias entre trabajar con una banda y hacerlo solo? «Todo en la vida tiene pros y contras. En una banda te das cuenta en qué eres realmente bueno y lo refuerzas, además de la química con tus compañeros, pero también te dejas definir por los roles establecidos. Ahora trabajo con más personas de una manera diferente a la acostumbrada, sin mencionar que yo escribí las canciones, algo que no hacía con Keane. La gran diferencia es componer y tomar decisiones, algunas buenas y otras malas, pero amo hacerlo, de la misma manera que amaba pertenecer a Keane».

Es un gran paso para el cantante, quien, sin duda alguna, deleitará a todos con su cautivante e inconfundible voz, así como con las letras que le sirvieron de terapia en su adicción a las drogas. Tuvimos la oportunidad de platicar con él en Londres y esto fue lo que pasó: - ¿Cómo y por qué decidiste hacer tu proyecto como solista? «Traía esa idea en la cabeza desde hace años, y era un sueño muy distante porque no me creía capaz de lograrlo. En los últimos meses de 2013 hablé con mis compañeros de Keane y les dije que quería tomar una pausa, pues deseaba incursionar como solista. Sabía que

- ¿Cómo influyó tu hija en este proyecto solista? «Mi hija ha sido el mejor regalo de la vida, es traviesa, misteriosa y hermosa, y amo cada minuto que paso con ella porque me llena de alegría, saca la parte buena de mí. Desde mi perspectiva, vino a cambiar la manera en la que yo mismo me veía y veía al mundo, se convirtió en lo más importante de mi universo y para ella es ‘Quicksand’, canción en la que le digo que aunque su vida esté llena de altas y bajas siempre estaré ahí cuando lo necesite. Me siento muy orgulloso de habérsela escrito, porque cuando estaba en el clímax de mi adicción no pude estar para ella y ahora sé que se lo puedo garantizar». - ¿Quién dio la idea del video ‘Quicksand’? «Queríamos algo que incluyera a un niño. Como primera idea intentaríamos recrear alguna escena de Mary Poppins, pero lo vimos muy ambicioso, porque es una película genial. Trajimos ese espíritu, lo comentamos con el director, Mike Baldwin, y concluímos poner a un niño atrapado en un círculo, intentando salir. En verdad quedé satisfecho, pues a pesar de que es

simple, capta perfectamente la idea de la canción. El niño que participó es realmente bueno, jamás sobreactuó y fue especial. Usualmente es un peligro tener a un niño en el set pero en este caso fue maravilloso». - ¿Cómo describirías el proceso creativo de las canciones? «Estaba muy ansioso en 2013, porque haría esto solo y quería hablar de mis experiencias. Me sentía preocupado si envolvía a más personas en el proceso; de cualquier forma me di cuenta de que no eran necesarias. Al tener mi sombría etapa en la que toqué fondo (pues estuve a punto de perder la vida) logré salir y la inspiración me llegó a través de terapia, estaba lleno de ideas y acontecimientos de los cuales podía sacar canciones». - ¿Qué hay acerca de la producción y grabación de The Wave? «¡Fue divertidísima! Lo produjo Matt Hales, con quien nunca había trabajado antes. Algunas personas lo conocerán por su trabajo con Aqualung. Viajé a Los Angeles, el estudio es muy acogedor ya que lo acopló en su casa y tiene jardín, llevé a mi esposa y a mi hija y todos fuimos muy bien recibidos. Al regresar a Londres se grabaron más instrumentos y se hicieron arreglos. Fue un proceso suave y cómodo, con las personas indicadas, ya que teníamos la fuerte visión de lo que queríamos escuchar: varias texturas e instrumentos bien mezclados. Así, el sueño lejano se convirtió en realidad». - Cuéntanos acerca de tu experiencia en la Ciudad de México al venir con Strangeland Tour, en 2012. ¿Tienes planes de volver? «Sólo tengo buenos recuerdos de mi visita a México. Cuando fuimos, en 2005 (de las primeras veces que salíamos tan lejos de casa), creímos que sería raro o diferente hacer un viaje tan largo, pero los fans mexicanos son tan apasionados que fue un placer y un honor ir hasta allá. Así comenzó la excelente relación con México. También tuvimos una sesión fotográfica y paseamos por la Ciudad de México. Entre mis cosas favoritas está el recorrido que hicimos hacia el venue, con toda la mercancía ilegal. ‘Quicksand’ ha sido bien recibida allá, según Spotify, y me encantaría regresar, sería estúpido si no lo hiciera».

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ISAAC EZBAN LOS PARECIDOS Por: Alonso Valencia

Dentro de la industria del cine en México, que se ha expandido durante las últimas décadas para ofrecer un mercado de géneros que no se tenía anteriormente, por fin se le dio el lugar apropiado al cine de terror, convirtiéndose en un área de oportunidad para cintas que en su mayoría se asemejan a trabajos que ya existían previamente en el cine de Hollywood. Una bocanada de aire fresco para el cine mexicano es la propuesta de Isaac Ezban, quien en 2014 dirigió El Incidente (trabajo que aborda las paradojas y los espacios infinitos) y ahora regresa con Los Parecidos, cinta de suspenso mucho más tradicional, con matices de las series de terror que definieron el género en la década de los 50 y que presenta una propuesta igual de fresca que su antecesora.

- Isaac, lo primero que vino a mi mente al ver Los Parecidos es La Dimensión Desconocida, pues tiene toda la vibra y se asemeja mucho al capítulo It’s A Good Life, que involucra a un niño con poderes mentales. Este es un brinco muy grande desde El Incidente. ¿Cómo fue el viaje de tu primer largometraje al segundo? «Gracias, la verdad es que ha sido un viaje tan intrépido y rápido que no recuerdo cómo empezó o acabó, sólo sé que tuve la suerte de filmar dos películas en un año. La razón por la que pasó así fue que eran dos proyectos que se levantaban de formas muy distintas: El Incidente fue independiente, con inversión privada, entre familia y gente cercana, mientras que Los Parecidos fue algo más grande, con estímulos como Eficine y Fidecine, y lo único coincidente fue que ambas se filmaron entre 2013 y 2014. Como director aprendes más filmando que en tres años de escuela, tienes la experiencia de trastocar tu visión

y conjugar todos los elementos para tener el producto final y ver lo que tenías imaginado. «Haber hecho primero El Incidente me permitió llegar más sólido a Los Parecidos a nivel dirección. Hay gente a la que le gusta más El Incidente, mientras que otros prefieren Los Parecidos; yo mismo no podría decir cuál me gusta más. Lo que puedo asegurar es que aunque son distintas en idea, el trabajo de dirección se nota más en Los Parecidos. Me siento muy agradecido por la oportunidad de hacer dos películas con historias que quería contar, de los géneros que más me emocionan, con las personas correctas». - ¿En qué punto de tu carrera decidiste dedicarte al cine de terror? Tomando en cuenta que esto no es terror tal cual, ¿cómo decidiste dedicar tus proyectos a esta parte del cine no tan explotada en México?

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«Siempre me han interesado las historias paranormales, ya sean terror, thriller, thriller sicológico, suspenso o ciencia ficción, y me gusta cuando sé usar un elemento de este tipo para hacer una reflexión sobre un tema muy real, muy humano; en el caso de El Incidente respecto al paso del tiempo, en Los Parecidos sobre la identidad. Crecí viendo La Dimensión Desconocida, fue una gran influencia para mí, me encantaba que eran justo situaciones muy reales en las que, de pronto, entraba un elemento paranormal que hacía una reflexión sobre un tema o una situación social, eso me atrajo mucho. Siempre he sido un poco mórbido de pensamiento y me gustaba pensar en ideas descabelladas, con finales en los que los personajes sufrían o algo les sucedía. Como bien dices, no es un cine de terror, es un cine de lo desconocido, de lo bizarro, son historias que siempre me han atrapado».

- Hemos hablado de La Dimensión Desconocida pero ¿qué programas o películas crees que te ayudaron a ser el cineasta que eres hoy, dedicado a este tipo de cine? «Me gustan series como The Outer Limits (1963) y Alfred Hitchcock Presents (1955), películas más modernas como The Thing (1982), de John Carpenter; They Live (1988); Night Of The Living Dead (1968), de George A. Romero, y más reciente The Box, (2009) de Richard Kelly, y en general literatura. La ciencia ficción no se queda sólo en el cine, y para ejemplo Philip K. Dick, Richard Matheson y H. G. Wells, autores modernos como Stephen King, sin olvidar el realismo mágico». - Señalaste que tomas eventos históricos o situaciones sociales. En este caso tomaste la masacre de Tlatelolco como un punto que se repite a lo largo de la trama. ¿De dónde surgió la idea

de incluir este suceso en particular? «Me pareció interesante, porque creo que la buena ciencia ficción debe tener alguna connotación política o social, algo muy común en los 60. A veces vemos un OVNI y es la metáfora de la Guerra Fría, o el miedo a un holocausto nuclear. Con esto en mente dije, “quiero hacer lo mismo pero en México”, y estaba todo el previo a la matanza del 2 de octubre, ¿por qué no hacer una película con un contexto que tenga que ver? Entonces retomé la idea que tenía de Los Parecidos, ya que había una época en donde existía el miedo de la sociedad, donde las autoridades querían hacernos la misma persona; con autoridad me refiero al gobierno, el trabajo o tu familia. Es interesante una película donde literalmente todos se vuelven la misma persona dentro de este contexto. En realidad no se trata sobre Tlatelolco, sólo es el fondo».

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DESDE ALLÁ Por Alonso Valencia Foto: Jesús Quintero

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Multipremiada en festivales alrededor del mundo. Desde Allá, el segundo largometraje del director venezolano Lorenzo Vigas, es uno de los proyectos más ambiciosos del cine latinoamericano en los últimos años, gracias a la conjunción de varios países en una historia fresca que se desarrolla en lo que podría ser cualquier barrio de cualquier país sudamericano. Con la producción de los mexicanos Michel Franco, Rodolfo Cova y Guillermo Arriaga (quien además funge como escritor), Desde Allá presenta la historia de una amistad en-

tre un joven pandillero y un maduro ingeniero dental que se transforma en una relación tabú para la sociedad de Caracas. Guillermo, Michel, Rodolfo y Lorenzo se reunieron con nosotros como parte del esperado estreno del filme en salas comerciales, después de llevarse el León de Oro de Venecia, y además de platicar de este trabajo, el grupo abordó la situación del cine en Venezuela. - ¿Cómo fue la dinámica de creación del guión? Guillermo Arriaga: «Yo conocí a Lorenzo en Ve-

nezuela; de hecho, conocí a su padre primero. Nos hicimos muy amigos, de inmediato. Lorenzo me hacía unas fiestas que él llamaba “MemoRumba”. Empezamos a platicar de cine, a platicar de historias y lo invité a vivir a México. Primero se quedó en mi casa y empezamos a discutir la historia. La fuimos transformando…» LV: «Yo colaboré en todos los procesos de la películas de Guillermo, desde 21 Gramos, Babel, Burning Plain. Pertenecí a los grupos de lectura y colaboré con esos proyectos. Asesoré a Guillermo en el rodaje de Burning Plain. Así empezó todo»

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GA: «Empezamos a trabajar la historia y en el proceso produje Los Elefantes Nunca Olvidan. Para mí fueron más de tres años, seis años, fue largo; él escribía, yo elegía o lo asesoraba. La verdad, lo que nos interesaba era contar una historia sobre personajes que están imposibilitados para comunicarse. Hay una historia de amor en la que, de casualidad, son dos homosexuales, y se tienen que enfrentar a una sociedad fracturada, al machismo y la homofobia, temas que aderezan la película». LV: «Esos son temas muy importantes hoy en día. Después del ataque homofóbico en Estados Unidos la película adquiere una relevancia importante. Esto entusiasma mucho, que el público mexicano pueda estar en contacto con esta película. Al final termina siendo un trabajo sobre la intolerancia, sobre la homofobia en las películas, pero también tiene que ver con la intolerancia racial. Todo lo que no es igual a uno». Michel Franco: «Después de Lucía terminó siendo una película que hacía decir: “Es sobre el bullying”, pero al escribir el guión nunca pensé en eso. Las películas no tienen una agenda, no buscan promover o acabar con algo…» GA: «El tema es contar una historia lo mejor posible. Cuando empiezas a agregarle cosas a la película, a hacerla muy comercial, profunda, filosófica…» MF: «… O muy polémica». GA: «… se arruina. Nuestro trabajo es contar una historia y contarla lo mejor posible. Punto. Todo lo demás debe venir naturalmente». LV: «El verdadero arte no tiene un propósito. En una obra de arte importante, de cualquier museo, no hay propósito, y si lo buscas ésta se desvirtúa. Igual para el cine, para una pieza musical. ¿Cuál es el propósito de la ‘5ta. Sinfonía’, de Beethoven? No hay un propósito». - Conozco la industria del cine en México y las dificultades que conlleva, pero la situación por la que atraviesa Venezuela es un poco más complicada. ¿Cómo fue para ustedes trabajar allá? ¿Cómo es la perspectiva general del cine venezolano? LV: «Por una parte, es una gran oportunidad hacer una película en un país con esas condiciones, creo que es un reto. El cine es una profesión de alto riesgo y generalmente somos personas

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que necesitamos involucrarnos en proyectos riesgosos; fue una gran oportunidad. El que tuvo que llevar el peso en los hombros, y que lo hizo exitosamente, fue Rodolfo». RC: «Yo siempre digo que hacer una película en Venezuela es como hacer tres en otro lugar. Cosas que son más sencillas en cualquier parte del mundo, como el presupuesto, en Venezuela se tienen que reestructurar cada dos semanas, es muy complicado». MF: «Según lo que me platican y lo que leo en los periódicos, a veces ni comida hay». RC: «Sí, hay escasez. En la última película, durante una semana entera no se cocinó arroz para la hora de la comida. Afortunadamente, en el equipo hay un compromiso, una pasión, un cariño por el cine, y todo mundo lucha por hacer películas». MF: «De hecho, Rodolfo ya se ganó un Goya y no fue casualidad. Creo que muy pocas figuras, como Lorenzo y Rodolfo, cargan el estandarte del cine venezolano». LV: «Lo importante es verla como una película iberoamericana, un esfuerzo conjunto de productores mexicanos, directores y productores venezolanos, una editora y un diseñador de sonido brasileños, actores chilenos, hay que verla como una película iberoamericana. Eso nos enorgullece mucho a todos». - Estamos ante el estreno comercial de Desde Allá, en México. ¿Qué expectativas tienen sobre la respuesta del público?

LV: «Personalmente creo que va a conectar con el espectador mexicano, aunque no puedo hablar mucho porque soy el director. Lo que sí puedo decir es que nunca perdí de vista el hacer una película salida de mi humanidad y mis obsesiones que conectara con el público». MF: «La película ha ganado muchos premios en todo el mundo, pero lo más importante para mí es su estreno comercial en diferentes países, todos ellos con éxito. No hay persona que vea la película y no salga transformada, conmovida, interesada. Toda la gente que la ve nos dice: “Me quedé pensando en ella un día, una semana, un mes”. Es una película que se te queda». GA: «Me han hablado amigos checos, alemanes, de todo el mundo. Me dicen: “¿De dónde salió?” Yo espero que los mexicanos no sólo conecten, sino aprovechen la oportunidad de ver la película. Siento que es un producto de gran calidad. Lorenzo y Rodolfo, quienes estuvieron en el campo de batalla, se esforzaron en dar una factura bajo circunstancias sumamente complejas; descubrir a un actor como Luis Silva es muy difícil, conseguir a un actor como Alfredo Castro es muy difícil, y los riesgos estéticos y visuales que tomó Lorenzo requieren muchos pantalones. Arriesgarse a hacer tomas fuera de foco, a tener la cámara de cierta forma… Ojalá el espectador mexicano conozca y disfrute el valor de este esfuerzo». MF: «Ojalá que estén orgullosos, porque la película tiene una parte mexicana. Ojalá que vayan a las salas de cine con el orgullo de que México ganó el León de Oro. Venezuela ganó el León de Oro».

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ART BRUT

MONTSERRAT BALMORI MIXTURE OF DREAM WORLDS Por Leonel Hernández

El collage es una de las técnicas de la vanguardia del siglo pasado que ha sobrevivido con varias reinvenciones a lo largo de su vida como disciplina. Con elementos que van del humor a la crítica social, la plástica de la mexicana Montserrat Balmori es fiel reflejo de la riqueza que la rodea, su colorido y diversidad, e inevitablemente de cómo encuentra en la cultura popular motivos para la creación; una suerte de gran arquitecta de mundos que logra entrelazar cual choque de galaxias. Las obras de esta joven están compuestas no sólo de revistas vintage recortadas (donde lo mismo habita un David, de Miguel Ángel, un artista pop o una Marilyn Monroe), sino de mucha astucia y sátira para mostrar, a través de su mirada, algo que no sabíamos que estaba ahí. - Sobre tus inicios en esta disciplina, ¿en qué momento te asumiste como artista y descubriste que lo que hacías con el collage

y la plástica tenía un motivo artístico que podía conmover, elevar, otorgar sentido a la vida? «Siempre lo hice con un fin artístico, lo que pasa es que no le enseñaba lo que hacía a nadie. Hace tres años empecé a ser un poco más abierta con mis piezas y personas cercanas comenzaron a platicarme lo que mis collages les transmitían. Así dejó de ser algo personal y se convirtió en algo colectivo». - ¿Cuáles son las influencias más notables en tu obra? «Me encantan los paisajes. En lo personal tomo mucha fotografía de paisaje, me gustan los colores fríos, la arquitectura, y bueno, cada collage tiene una influencia muy personal y muy distinta. En general creo que mi obra refleja un tema social mezclado con algo nostálgico. El diferente uso de materiales, de texturas de papeles, de imágenes recientes y antiguas, esa combinación es muy poderosa. Visualmente creo que llega mucho».

- ¿Cómo describirías tu proceso creativo? ¿Qué tópicos e imágenes eliges al momento de crear? «Creo que mi proceso empieza al tomar fotos, salir a la calle, recolectar periódicos, revistas viejas, publicidad… de todo. Visualmente, siempre estoy muy activa y tengo buena memoria de lo que veo, así que todo el tiempo estoy imaginando nuevos collages, aunque a la hora de hacerlos no existen reglas o un proceso como tal, el taller está prácticamente en mi cabeza. Sí, varias veces hay un fin o una idea, pero es raro que a la hora de materializarla quede tal como imaginé.

Muchas veces el collage se forma solo, es una experiencia terapéutica, por decirlo de alguna manera. Me puede tomar tres horas o una semana hacer un collage, es algo muy subjetivo». - Aparte del collage, ¿utilizas otra técnica? «Últimamente imprimo la misma imagen en papeles diferentes, me gusta jugar con el error de impresión, pintar sobre él, pegar y volver a hacer el mismo proceso. Se trata de una serie de collages más abstractos, no se trata tanto de la figura sino del color y la textura del papel».

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- ¿Cómo ha afectado la tecnología a tus procesos y resultados artísticos? «No estoy peleada con la tecnología, aunque no la uso para mi trabajo y no siento la necesidad de hacerlo. Si usara photoshop o algo parecido le quitaría todo el sentido a mis collages. Para mí, trabajar con las manos, rasgar un papel y pegarlo sin que sea perfecto es todo el punto, no sería igualmente gratificante hacer un collage con la computadora que de forma análoga». - Aparte de la obra expuesta en Paseo de la Reforma, ¿en qué otro proyecto trabajas actualmente? «Me encuentro en Berlín, trabajando en una serie de collages hechos con publicidad pegada en estas calles. Están quedando cosas bien interesantes». - Siendo una artista joven pero experta en la historia del arte, ¿consideras que éste debe provocar a las personas? «No me considero experta en historia del arte [ríe], pero sí, definitivamente debe tener un fin en el espectador, no puedes crear por crear, debe existir una causa. Para mí, una pieza que no te transmite nada, absolutamente nada, es una pieza que fracasó. El arte está para llegarte, para hacer sentir, provocar, hacer pensar, no sólo para satisfacer visualmente».

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THE DANCEABLE INSIGHTS TWO DOOR CINEMA CLUB Por Paulina Martínez

En 2014 estaba más que claro que Alex Trimble, Sam Halliday y Kevin Baird lo habían logrado. Los orgullosos chicos de Bangor, Irlanda del Norte, tenían en su haber dos exitosos discos y un EP; What You Know y Sun eran ya considerados verdaderos himnos del indie y nos habían regalado las más energéticas presentaciones en los festivales más importantes del planeta. Sin em-

bargo, para julio de ese mismo año, a tan sólo unos días de su presentación estelar en el Latitude Festival, en Reino Unido, la agrupación canceló dicha participación por problemas de salud de Trimble, siendo reemplazada por Lily Allen. Lo que siguió fue un silencio hermético, la realidad era evidente: Cada sueño cumplido tiene

un precio y los amigos de toda la vida pagaban el suyo. Agotados de la locura de un tour que duró años, necesitaban un descanso de los aeropuertos, las entrevistas y de ellos mismos. El tiempo pasaba y con él la impaciencia de una creciente legión de seguidores que comenzó a preocuparse por que, tal vez, Two Door Cinema Club no regresase de su letargo.

- ¿Cómo te sientes con el lanzamiento de Gameshow? «[Ríe] ¡Estamos listos! —en alusión al título del primer sencillo—. Diría que emocionado, esa es la palabra correcta. Estuvimos fuera por un buen rato y ahora que regresamos, con shows en vivo, ha resultado muy divertido».

- ¿Qué canción del nuevo disco te emociona más tocar? «Por el momento diría ‘Bad Decisions’, porque es un sonido totalmente nuevo, groovy, divertido, bailable, con una nueva dinámica. Disfruto mucho tocarla porque cada noche es diferente».

- ¿Esperaban esta respuesta por parte de los fans? «Ha sido increíble. Por supuesto que siempre está ese temor a que la gente se olvide de ti, pero afortunadamente no ha sido el caso. Hemos tenido la oportunidad de tocar en muchos festivales este verano y la respuesta ha sido grandiosa».

- ¿Hay alguna colaboración que les gustaría hacer? ¿Algún remix a una nueva canción? «Uno de los discos que más he disfrutado es el de Jamie xx. Que mezclara algo nuestro sería increíble, pero no estoy muy seguro que seamos su cup of tea —refiriendo al estilo— [ríe]. El sonido del nuevo álbum es muy disco, vintage, así que seguramente algo interesante saldría de una colaboración así».

- Es genial escuchar que lo disfrutan nuevamente. ¿Hay algo especial que estén haciendo en este tour para hacerlo diferente? Cuando estuvieron en México fueron a un partido de futbol y a las luchas… «Supongo que el balance lo es todo, balance entre lo que hacemos y nuestro hogar. También el buscar el tiempo para otras cosas, como un partido de futbol. Estar alejados nos ayudó a recordar que lo que hacemos es realmente increíble, y que nos da la oportunidad de visitar muchos lugares y hacer muchas cosas más».

Para 2015, la bestia del social media empezó su lento despertar y en la velada de Año Nuevo la banda hizo oficial lo que muchos esperaban: nueva música de TDCC para 2016. ‘Are We Ready? (Wreck)’, su primer sencillo, se estrenó el 14 de junio en la BBC a nivel mundial, y a pesar de un inesperado sonido disco, Two Door Cinema Club se mantuvo leal a su distintivo funky indie, con letras poderosas que van de los amores a distancia a los sacrificios que hacemos por nuestros sueños y el consumismo que nos rodea. Al respecto platicamos con Sam Halliday, su guitarrista principal:

- Ahora que mencionas el tema del hogar, ¿a qué ciudad catalogarías así? «Aún diría que Bangor, en Irlanda del Norte, es mi hogar. A pesar de que resido en Londres, siempre intento visitar a mi familia y paso las festividades allá». - Han hablado abiertamente del tiempo fuera que tomaron, y Alex, en particular, menciona su necesidad de reinventarse durante ese periodo. ¿Cómo te sientes al respecto? «Definitivamente llegó un momento en el que nos definían como “Sam, de TDCC; Alex, de TDCC; Kevin, de TDCC”… y la realidad es que somos tres personas diferentes. Este tiempo en el que nos concentramos en las pequeñas cosas que nos hacen quienes somos fue muy bueno para nosotros, más allá del hecho de pertenecer a una banda».

- Lollapalooza, Glastonbury, Reading and Leeds… ¿Hay algún festival que aún tengan pendiente? «[Ríe] Wow… Lo sé, es curioso porque realmente nunca fuimos mucho de ir a festivales, así que no estoy seguro de cuál nos falta, probablemente uno en Japón, como el Fuji Rock Festival; eso sería grandioso». - Arrancaron la gira a principio de año, precisamente en México, en el festival Vive Latino, y su presentación fue de las más disfrutadas por los asistentes… «Fue increíble tocar en ese festival en particular, frente a una audiencia que, en su mayoría, tal vez no está acostumbrada a escuchar nuestro tipo de música, lo que originó una reacción muy auténtica». - ¿Qué es lo más loco que ha hecho un fan? «Bueno… Nuestros fans se llaman a sí mismos basement people (por la letra de la primera estrofa de ‘Undercover Martyn’: “To the basement people, to the basement”). En lo personal, no hay nada que me haya gustado tanto como para hacer lo que ellos, así que es increíble que algo así pase por nuestra música». - Por último, algún mensaje para los fans en México… «¡Nos vemos en 2017!».

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THE F WORD Por Alfredo Quintana Garay

Velocidad, leyenda, tecnología y sofisticación en un deporte que combina disciplina, talento y mucho valor. La Fórmula 1 no es una carrera contra el tiempo, es un carrera contra la muerte en la que ésta participa como copiloto. Giuseppe Nino Farina, el piloto que ganara lo que se considera el primer premio de F1, en 1950, es un ejemplo de la peligrosidad de este deporte en el que máquina, mente y espíritu deben trabajar juntos. El italiano sobrevivió en 1936 y en 1938 a dos accidentes en los que murieron dos pilotos.

Lee nuestra cobertura del Gran Premio de México en: warp.la/cobertura/la-velocidad-la-formula-1-warpspeedofsound/formula-1-warpspeedofsound

BÁSICOS DE UN GRAN PREMIO Algunos de los elementos de cada carrera de Fórmula 1.

LOGÍSTICA Para que una escudería esté lista requiere de una organización cronométrica que puede llegar a requerir 100 habitaciones en su viaje a una ciudad sede. Cada equipo viaja, en promedio, 160 000 km al año.

ESTRATEGIA Ganar una carrera es más que sólo tener el mejor auto. Factores como el pronóstico del clima, parada (y tiempo) en pits y reglas nuevas como el uso de ciertos neumáticos son parte de lo que diferencía a un ganador del resto.

AERODINÁMICA Característica principal del auto de F1 para los ingenieros. Lograr una mayor adherencia a la pista y reducir la fricción del viento son parte de los retos, y avances como el alerón trasero (Drag Reduction System) son parte de dichos esfuerzos.

FRENOS Su uso es tan importante como su calidad. Hoy se utilizan discos de fibra de carbono que pesan alrededor de 1.5 kilos, hechos para soportar temperaturas de hasta 1 200 celsius Mediante el Energy Recovery System (ERS) del motor, el sistema de frenos interviene en recuperar energía que se traducirá en velocidad.

MOTOR Se trata del corazón de la máquina, un turbocargado V6 de 1.6 litros que puede generar hasta 15 mil revoluciones por minuto y 600 caballos de fuerza, en comparación con los 100 que lograban los autos de F1 en los años 50. Avances como el Kinetic Energy Recovery System, introducido en 2009, permiten recuperar energía para transformarla en poder eléctrico.

VOLANTE Un centro de mando pequeño pero complejo, enlace entre el piloto y el auto. Además de contar con una pantalla LCD que despliega diversas funciones, el volante otorga elementos de seguridad. El reglamento dice que en caso de accidente el piloto debe ser capaz de salir del auto en cinco segundos retirando el volante.

SUSPENSIÓN A diferencia de los autos urbanos, su finalidad no es el confort. La suspensión actual —con componentes de fibra de carbono— permite ajustes a lo largo de la carrera, de acuerdo con imponderables como el clima.

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BEST OF THE BEST De acuerdo con el estudio Formula for Success: Multilevel Modelling of Formula One Driver and Constructor Performance, 1950–2014 estos son los 10 mejores pilotos de la historia: Juan Manuel Fangio (Argentina) Alain Prost (Francia) Michael Schumacher (Alemania) Jim Clark (Reino Unido) Ayrton Senna (Brasil) Fernando Alonso (España)

Juan Manuel Fangio

Nelson Piquet (Brasil) Sir Jackie Stewart (Reino Unido) Emerson Fittipaldi (Brasil)

NACIDA DEL PELIGRO

VELOCIDAD DE POSGUERRA

Sebastian Vettel (Alemania)

Al final del siglo XIX comenzaron a cobrar importancia las carreras de automóviles en países europeos como Francia e Italia. Con el desarrollo de la tecnología automotriz se mejoraron los tiempos y la velocidad… y aumentaron los accidentes. En los primeros años del siglo XX nacieron competencias como el Gran Premio de Le Mans, el Targa Fiorio italiano y los circuitos de Brooklands (Inglaterra) y el Indianapolis Motor Speedway, en Estados Unidos.

El desastre que significó la Segunda Guerra Mundial no fue impedimento para que los Grand Prix evolucionaran, y la Association Internationale des Automobile Clubs Reconnus, organismo que creó algunas de las reglas esenciales para las competencias, se convirtió en la Federación Internacional de Automovilismo (FIA). Era 1947.

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DIABLO ROJO Un vistazo al Ferrari SF16-H, el monoplaza que conducen Sebastian Vettel y Kimi Räikkönen en 2016. • Su desarrollo involucró alrededor de 700 personas que trabajaron en Maranello. • Con la dirección técnica de James Allison, se utilizaron más de mil 500 horas en el túnel de viento para optimizar el uso de los neumáticos Pirelli. • Se acortó la longitud de la nariz, una tendencia en

Un avance importante fue el diseño y construcción del legendario Autódromo Nazionale di Monza. Inaugurado en 1922, el lugar es sede del Gran Premio de Italia, en el que se han roto algunos récords de Fórmula 1. Este circuito se unió a Francia para contar con un Grand Prix y en años subsecuentes otros países europeos comenzaron a organizar su propio gran premio, con su respectivo circuito, además de establecer reglas asociadas con las características de los motores.

los autos de F1. • El cambio más significativo con respecto a 2015

LAS BESTIAS DEL DISEÑO

fue la barra. Regresaron a un layout más conven-

Diversas marcas que se habían destacado por la fabricación de autos de lujo e incluso de carreras alcanzaron su grandeza en la década de los 30. Los italianos Enzo Ferrari, Ettore Bugatti y Alfieri Maserati, así como el alemán Ferdinand Porsche y empresas como Mercedes Benz y Alfa Romeo fueron fundamentales —y demenciales— en el desarrollo de la tecnología de los motores y el diseño de lo que serían los autos de Fórmula 1. La ingeniería de las marcas alemanas se traducía en autos potentes que significaron un desafío para los italianos. Esta competencia tecnológica ayudó a que, literalmente, se acelerara el desempeño de los bólidos, competencia que no estuvo exenta de diversos problemas; dos personajes siniestros enrarecían el ambiente: Benito Mussolini y Adolf Hitler.

cional, con las espoletas ubicadas de manera más horizontal. • El motor ERS-K se colocó más adelante que en el modelo anterior. • La línea aerodinámica es más “delgada”. • Al igual que otros autos de F1, este bólido está conformado por alrededor de 80 mil componentes. • La construcción de un auto como este puede necesitar hasta 150 mil horas hombre de trabajo. Chasis: Fibra de carbono DIMENSIONES: Altura: 950 mm (sin la cámara T) Ancho: 1 460 mm (frente) / 1 416 mm (parte trasera Peso: 702 kg

Michael Schumacher

Con la integración de diversos premios europeos (y las 500 millas de Indianápolis) surgió entonces, en 1950, el primer Campeonato Mundial para Pilotos bajo el nombre de Fórmula 1. El primer Grand Prix se llevó a cabo en Reino Unido el 13 de mayo de 1950, y el ganador fue Nino Farina en un Alfa Romeo. Un total de siete grandes premios integraron la Fórmula 1 aquel primer año, con Farina y el destacado piloto Juan Manuel Fangio repartiéndose seis de las siete victorias. Fangio, cabe destacar, fue subcampeón en 1950 y 1953, y campeón de Fórmula 1 en 1951 y de 1954 a 1957, cinco títulos que fueron superados en 2003 por el alemán Michael Schumacher.

HOMBRE Y MÁQUINA Con El Maestro Fangio (para algunos el mejor piloto de F1 de la historia) la destreza, inteligencia y coraje de los conductores se volvió definitiva. En el Gran Premio de Alemania de 1957 el inigualable argentino tomó riesgosas decisiones, pues utilizó neumáticos más suaves y optó por correr con medio tanque de combustible para mejorar la velocidad en las curvas; una desastrosa parada en los pits lo llevó del primero al tercer lugar, con una desventaja de 48 segundos, pero su destreza y aceleración le permitieron romper el récord en nueve vueltas, para alcanzar la meta y subir al podio por su quinto trofeo mundial. El propio Fangio dijo alguna vez, a propósito de su manera de ganar: “Muy fácil, acelero más y freno menos”. A la par del desarrollo en la ingeniería de los autos, la mecánica y asistencia en los pits, así como la comunicación del piloto con su equipo, la personalidad de cada competidor se volvió un distintivo. Leyendas como Jim Clark en los 60, Emerson Fittipaldi en los 70 o Alain Prost en los 80, con escuderías como Lotus y McLaren, fueron parte de la era dorada de la Fórmula 1, en la que el talento del piloto era esencial. En los últimos 20 años, una de las críticas más comunes en la Fórmula 1 recae en la

importancia del automóvil versus el piloto. El estudio Formula for Success: Multilevel Modelling of Formula One Driver and Constructor Performance, 1950–2014, realizado por el Sheffield Methods Institute de la Universidad de Sheffield, en Reino Unido, ahondó en el tema, con conclusiones que indican que, efectivamente, cada vez es más importante la máquina, es decir, el mejor auto no necesitará del mejor piloto para resultar ganador. La investigación afirma que en los años 80 el piloto representaba 30% de la ecuación ganadora, mientras que en la actualidad sólo el 10%.

CON BANDERA Qué significan las banderas durante una carrera de F1. Peligro en pista Prohibido adelantar

Vehículo doblado Facilitar adelantamiento

Pista deslizante

La Fórmula 1 es un negocio multimillonario que sintetiza high tech y espíritu humano, y aunque la tecnología es cada vez más sorprendente, mientras haya un ser humano detrás del volante, los espectadores seguirán estremeciéndose con el rugir de motores en el inicio de una carrera. Ayrton Senna es el mejor ejemplo de que la F1 sigue y seguirá siendo una competencia con la muerte. «Tengo miedo a la muerte y el dolor, pero convivo con eso. El miedo me fascina», llegó a decir el campeón brasileño y rival de Alain Prost, y más allá de quienes suban al podio, asombrará siempre el que exceda el límite. Los Niki Lauda, los Nigel Mansell, los pilotos con más cojones a 128 decibeles.

Precaución, presencia de líquidos

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Todo en orden Fin del peligro

Carrera detenida Por lluvia o accidente

Advertencia Conducta antideportiva del piloto

Auto dañado Debe detenerse de inmediato

Descalificación El piloto (con su número) es descalificado Fin de la carrera Se termina la competencia

GRAN PREMIO DE MÉXICO El Autódromo Hermanos Rodríguez será sede, del 28 al 30 de octubre de 2016. • El primer Gran Premio en México ocurrió en 1963. • La longitud del circuito es de 4.304 km y se realizan 71 vueltas. • El total de distancia que se recorre es de 305.354 km. • Entre los ganadores del Gran Premio de México están Nigel Mansell (1987), Alain Prost (1988 y 1990) y Ayrton Senna (1989).

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COLUMN

CADA QUIEN SU FORMULA 1 Por Rodrigo Sánchez Director de Marketing, Formula 1 Gran Premio De México 2016™

El deporte motor siempre se ha caracterizado por despertar la inquietud de diferentes públicos, desde los jóvenes soñadores que aspiran a competir algún día en la máxima categoría, hasta las celebridades más relevantes del momento. La Formula 1 no conoce fronteras, cuenta con circuitos glamurosos como Mónaco y Abu Dhabi, pero también abarca sitios icónicos como Silverstone, Bahrain, Australia y ahora México. En fin, es innumerable la cantidad de público y culturas alrededor del mundo que se sienten atraídos. Desde mi punto de vista, la Formula 1 representa una de las disciplinas de más élite y eso ayuda a atraer a público de clases altas. En otras disciplinas, como el tenis, encontramos a uno que otro personaje famoso en algún partido, sin embargo, en la Formula 1 cada carrera y cada circuito está repleta de celebridades. Keanu Reeves, Michael Fassbender, Javier Chicharito Hernández e incluso miembros de la realeza son algunos de los tantos personajes que se hacen presentes a lo largo de la temporada, intentando esconder su identidad con el propósito de pasar desapercibidas y disfrutar de la carrera con sus acompañantes. En una ocasión, en el Gran Premio de Austin vi a una persona pidiendo acceso al paddock, pasé varias veces por el sitio sin saber quién era, pero luego de ver que estuvo un buen rato en

el filtro de seguridad intentando hacer algunas llamadas, me acerqué y vi que era Al Pacino. Evidentemente había hecho su mayor esfuerzo para que no lo reconocieran, pero al acercarme y ver de quién se trataba pedí que lo dejaran pasar y le ofrecí una disculpa. Pacino, de la manera más humilde, respondió que no había ningún problema y me agradeció.

UN DÍA EN LA FORMULA 1

Celebridades y demás personajes destacados muestran la gran pasión que sienten por este deporte y es increíble la forma en la que se transforman; tú los conoces a través de la pantalla grande o en cualquiera que sea su labor profesional, pero cuando los ves convivir con los pilotos y sus equipos se convierten en un aficionado más. Así, la Formula 1 enamora, envuelve y genera una necesidad de pertenencia de la que nunca quieres apartarte.

Mucha gente no conoce bien todo lo que pasa dentro y alrededor de este mundo, cosas tan distintas y únicas que incluso dentro de una misma carrera puedes experimentar desde el olor y el rugido ensordecedor de los motores, a unos cuantos metros de distancia, hasta convivir y disfrutar desde las alturas, al lado de distintas celebridades con una copa de champaña en la mano.

Hay personalidades que socializan, platican y se toman un trago de forma tranquila. Hay otros que permanecen pegados a su asiento durante toda la carrera, sin perder el más mínimo detalle. Esa es otra de las ventajas que brinda la Formula 1, disfrutar de la manera en la que decidas, teniendo como marco principal un Gran Premio de la máxima categoría. Ambas opciones son válidas y estoy seguro de que cualquiera que elijan los aficionados que asistan a la FORMULA 1 GRAN PREMIO DE MÉXICO 2016™ será una experiencia sumamente gratificante.

Siempre me he sentido atraído por el automovilismo y desde temprana edad empecé a mostrar afinidad por este deporte. Poco a poco pude involucrarme hasta que conseguí mi primera oportunidad de empleo en el medio; a partir de ese día ha sido mi pasión y el motor de mi vida.

Cada uno puede forjar su propia experiencia y eso es lo bonito del automovilismo, la posibilidad de disfrutar del evento sin tener que enfocar tu atención al 100% en cada momento. Cada país en el que se disputa el campeonato este 2016 es diferente, y por ende la afición de cada lugar. Italia, Austria, Canadá, España, todos viven la Formula 1 a su manera. Creo que lo que se vivió en México, en 2015, fue inolvidable, la manera en que la afición se hizo presente es algo que ningún piloto, ingeniero o jefe de equipo olvidará. ¡Estamos ansiosos por volver!

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COROLLA & MUSIC AGES La música es la sangre que alimenta y da energía a nuestras neuronas y corazones, día a día, rola a rola, fiesta tras fiesta, sonidos que dan impulso a nuestros sueños y deseos. Para Toyota, Corolla es la muestra del cuerpo perfecto, un ser poderoso, multifuncional, adaptable y confiable que en pleno 2016 ha logrado la mejor versión de sí mismo, al llegar a sus 50 años en plenitud de condiciones y más asombroso que nunca. Hoy, igual que en el pasado, Toyota Corolla crece como lo hace la música, sin limitaciones, sin miedo y con la fuerza necesaria para que, igual que las grandes leyendas del rock o el pop, deje su marca permanente en la historia y el futuro.

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2000 Drive Nace la Novena Generación - Serie 120. Fue presentada en noviembre del año 2000 y mostró un diseño más acoplado al nuevo siglo, con un cambio completo en cuanto a vista y motores, al estrenar las versiones de motor 1ZZ-FE 1.8 L en el mercado norteamericano y el 3ZZ-FE 1.6L para América del Sur y Europa, dando mayor potencia y rango de maniobra al clásico Corolla. HIGHLIGHTS

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Drive ¡Corolla vuelve a nacer!… mucho más atractivo. Esta vez cuenta con nuevas adaptaciones en seguridad, diseño aerodinámico y rendimiento, e integra herramientas necesarias en la conducción actual, como un sistema de navegación GPS, pantalla táctil con conectividad bluetooth y entrada USB, elementos ergonómicos en interiores y 132 HP de potencia en el modelo Corolla’17.

El modelo para Japón y Sudamérica tiene una envergadura más corta y un diseño sencillo, con interiores más básicos. Para Norteamérica, por otra parte, el modelo es más lujoso y mucho más grande, incluyendo motores con mayor cilindrada.

Listen

En enero del 2017 la banda americana Major Lazer lanza el que será su cuarto álbum de estudio Music Is The Weapon con colaboraciones que incluyen a Justin Bieber, Sia, The Weeknd y Gwen Stefani entre otros importantes músicos del mainstream, el primer sencillo de esta producción llamado 'Cold Water' y con la voz inconfundible de Bieber ha sonado ya desde julio de este año con muy buena aceptación por parte del público.

Smashing Pumpkins da su último concierto en la sala Metro, de Chicago. La banda irrumpió en la escena mainstream con su segundo disco Siamese Dream (1993), sin embargo, el doble álbum Mellon Collie And The Infinite Sadness, que debutó en el número uno de la lista Billboard 200, se convirtió en uno de sus discos icónicos. Smashing Pumpkins era una de las bandas comercialmente más exitosas y aclamadas por la crítica desde la década de los 90, sin embargo las luchas internas, el abuso de drogas y la disminución de las ventas de discos condujeron a su ruptura en el año 2000. En 2006, Billy Corgan y Jimmy Chamberlin se reunieron para grabar el material titulado Zeitgeist. Siguen activos a la fecha.

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1992 Drive La sexta generación de Corolla (Serie 90) tiene un estilo mucho más redondeado y aerodinámico, con éxito en numerosos países en sus versiones sedan, coupé y station, e incluso versiones 4X4 con motores de 1.3, 1.5, 1.6 L. Esta serie se destacó por su gran resistencia y calidad de materiales, además de contar con una versión XL Diesel con un motor de 1796 c.c., fabricada únicamente en Japón.

1980 Drive

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Listen El concierto homenaje The Freddie Mercury Tribute Concert for AIDS Awareness se celebró en el Wembley Stadium, en Londres, el 20 de abril de 1992 (cinco meses después de la muerte del líder de Queen). El evento reunió a más de 72 mil espectadores, siendo retransmitido en radio y televisión en 76 países, con una audiencia estimada de 500 millones de personas. El objetivo del concierto, además de homenajear al artista, fue concientizar a la gente sobre la existencia del SIDA y recaudar fondos para la Mercury Phoenix Trust, fundación creada por el resto de los integrantes de Queen tras la muerte de Mercury. Artistas de los más diversos géneros formaron parte, incluyendo a Metallica, Guns N’ Roses, David Bowie, Elton John, Def Leppard, Roger Daltrey, Robert Plant, Bob Geldof, Annie Lennox, Spinal Tap y Paul Young, logrando recaudar 20 millones de libras esterlinas.

En marzo de 1980 se lanza la cuarta generación de Corolla, la famosa Serie 70, con un rediseño de formas más afiladas y un simple cambio en la parrilla, faros y luces, mientras que el Sprinter utilizaba un diseño un poco más complejo, con un cambio sustancial en sus líneas exteriores. Nuevos motores fueron añadidos a la gama; de hecho, este fue el último de la serie T de motores con tracción trasera. Aunque la mayor parte de la cuarta generación fue sustituida por el 1984, las versiones familiar y furgoneta se ofrecieron hasta el final de 1987.

Listen Alrededor de las 22:50 horas del 8 de diciembre de 1980, poco después de que John Lennon y Yoko Ono volvieran al edificio de apartamentos Dakota, en Nueva York, Mark David Chapman disparó contra Lennon cuatro veces, por la espalda, en la entrada del edificio. El artista fue llevado a la sala de emergencia del Hospital Roosevelt y fue declarado muerto a su llegada, a las 22:00 horas. Esa misma tarde, Lennon había autografiado una copia de Double Fantasy a Chapman. El cuerpo de John Lennon fue incinerado y su viuda esparció las cenizas en Central Park, donde más tarde se creó el monumento conmemorativo Strawberry Fields que recordará para siempre la vida y obra del más grande de The Beatles.

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1970

1966

Drive Se lanza el Toyota Corolla coupé, Serie 20 (1970-1978). En mayo de 1970 se presenta esta reestilización con motores más grandes y una carrocería 10 centímetros más larga. La mayoría de los modelos de producción se detuvieron en julio de 1974, pero el Familiar KE26 se siguió comercializando en Japón, para después introducir las series-30.

Drive El E10 fue la primera generación del vehículo vendido por Toyota bajo el nombre de Corolla. Este coche fue lanzado en Japón en octubre de 1966 y su principal competidor era el Datsun 1000. Venía en carrocerías de dos puertas sedan, coupé y familiar, y cuatro puertas sedan; el motor que iba a ser usado originalmente era uno de 1000 cm3, pero cambió por un L4 de 8 válvulas a carburador con 1077 cm3 de cilindrada, entregando 60 HP, y uno de 1166 cm3 de iguales condiciones con 65 hp. Para agosto de 1969 sus dos motores fueron repotenciados al agregárseles 13 HP a cada uno, elevando la fuerza del Corolla al máximo.

Listen Listen En mayo de 1970 se lanza el disco Let It Be, de The Beatles, el primero en ser editado por el grupo luego de su separación en abril del mismo año, un disco controvertido desde su concepción pues una vez que dejaron de tocar en vivo, en 1966, la agrupación se propuso grabar un álbum para poder tocar un último concierto, tal vez en un barco o en un lugar público. Así, las sesiones de grabación del álbum llamado por aquel entonces Get Back (aludiendo su regreso a las raíces rock) comenzaron a ser filmadas por el cineasta Michael LindsayHogg. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros del grupo, que desde discos anteriores denotaban una convivencia cada vez más hostil.

Se publica en Estados Unidos Blonde On Blonde, séptimo álbum de estudio de Bob Dylan, grabado casi íntegramente en Nashville. Se trata de uno de los primeros álbumes dobles en la historia de la música moderna y es considerado por la crítica como uno de los mejores de la historia del rock & roll. Igual que la música, Toyota Corolla ha evolucionado con los años, depurando, mejorando y optimizando su tecnología y su diseño para, 50 años más tarde, colocarse como uno de los vehículos de mayor vanguardia en la industria automotriz nivel mundial. ¡Felicidades Corolla!

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L O L L A PA L O O Z A BERLร N 10 y 11 de septiembre Treptower Park Puschkinallee 12435, Berlin, Alemania 01

Fotos: Samantha Lรณpez para WARP

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Róisín Murphy [ 01 ]

James Blake [ 02 ] Jagwar Ma [ 03 ] Kaiser Chiefs [ 04 ] Major Lazer [ 05 ] ODESZA [ 06 ] Temper Trap [ 07 ] Kings Of Leon [ 08 ]

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AUSTIN CITY LIMITS 30 de septiembre - 2 de octubre 7 - 9 de octubre Zilker Park 2100 Barton Springs Road, Austin, Texas, Estados Unidos Fotos: MarÃa Elena Valdes para WARP

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Radiohead [ 01 ] Kendrick Lamar [ 02 ] Two Door Cinema Club [ 03 ] The Naked and Famous [ 04 ] LCD Soundsystem [ 05 ]

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NUESTROS HOTELES PREFERIDOS, ORGULLO DE MÉXICO CAPÍTULO 1 Por Fátima Albarrán

Los hoteles se han convertido en uno de los referentes favoritos de aquellos viajeros que además de considerarse verdaderos trotamundos son fanáticos del lujo, la comodidad y un servicio inigualable; desde pequeños espacios de opulencia hasta encantadoras edificaciones familiares. Éstos se caracterizan por tener un estilo propio, suelen estar en los barrios más concurridos, con un pasado importante, y cuentan con una arquitec-

tura y diseño temático, todo con el fin de crear un ambiente íntimo, con un servicio totalmente personalizado, que haga sentir al huésped como en casa. En esta ocasión presentamos el primer cápitulo de una selección de nuestros hoteles favoritos, orgullosamente mexicanos, con una historia y una identidad representativa hacia el mundo.

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EUGENIO SUE FUE LA INSPIRACIÓN PARA EL NOMBRE DEL HOTEL, YA QUE LAS MUJERES SOLÍAN LLAMARLO “BEAU SUE” (BELLO SUE EN FRANCÉS), LO QUE TROPICALIZADO TERMINÓ EN BUSUÉ.

BUSUÉ HOTEL BOUTIQUE

Eugenio Sue 45, Polanco. Miguel Hidalgo, CDMX. 11550.

Busué Hotel Boutique es una mansión que durante 20 años ha funcionado como un top de la hospitalidad en México. Al inicio tenía un concepto mexicano, con colores llamativos, la casa fue decorada en su momento con arte mexicano y se llamaba Casa Vieja. Cuando empiezan a pasar los años se dan cuenta de que hay cierto potencial para crear un concepto más contemporáneo, con la misma hospitalidad mexicana pero con un sentido moderno, para cubrir las expectativas del turista de alto nivel.

La mansión que comprende al hotel está en la mejor zona de México, en un lugar que probablemente pasa desapercibido para que, de esta manera, el huésped lo disfrute más y se sienta en una atmósfera más íntima y acogedora. La reestructura del diseño y decoración fue pensada principalmente para mantener el espíritu mexicano único, algo que no puedas encontrar en ninguna parte del mundo. Se mantuvo el uso de maderas, herrería y espejos que la casa ya tenía y lo que ha permanecido in-

tacto es la recepción, ya que fue hecha a mano por artesanos, con pinturas naturales.

para convivir, e incluso se han hecho pequeñas cenas y pedidas de mano para máximo 12 personas.

En las 11 habitaciones predominan los colores blanco o pimienta, porque al viajero actual le gusta lo zen, buscando diseño y relajación. Cada una tiene diferente decoración, pensando en la variedad de huéspedes, y todas están acondicionadas para vivir una experiencia como en casa, mientras se disfruta de todos los servicios necesarios y otros detalles que buscan sorprender. Estos espacios también representan un lugar

El plus que Busué da es hacer sentir al huésped como en casa, atendido con una hospitalidad mexicana moderna, con todos los servicios, para dar una experiencia única mientras se le apapacha. Busué Hotel Boutique está en busca de construcciones con concepto e historia para abrir otro complejo, pero por lo pronto se encuentra sólo en el corazón de Polanco.

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Casa Isabella Hotel Boutique ha creado un espacio de inspiración absoluta que invita a los huéspedes a consentirse y deleitar todos sus sentidos en el lugar ideal para descansar. Privacidad, descanso, relajación y servicio son el común denominador que Casa Isabella ha adoptado para transmitir a sus huéspedes —en su mayoría parejas—, quienes buscan consentirse y vivir una increíble experiencia. Ubicado en el pueblo de Tepoztlán, Morelos,

el hotel está construido en una casona de piedra volcánica llena de espacios con encanto. La amabilidad del personal y sus espacios confortables han hecho que sea nombrado el segundo hotel más romántico de México. En una búsqueda por satisfacer los sentidos, sus siete habitaciones llevan por nombre chocolate, café, cacao, cocoa, almendra, avellana y vainilla, y cada una recibe a sus visitantes con sus respectivos

CASA ISABELLA HOTEL BOUTIQUE

aromas y amenidades naturales, y junto con camas ortopédicas, buffet de almohadas y blancos de fibra de bambú orgánico brindan el mejor momento. La gastronomía de Casa Isabella refleja la comida típica de la región y fusiona elementos modernistas. El hotel también cuenta con un área de spa, un espacio en el que se mima al público más exigente con tratamientos a base de elementos naturales y masajes; una galería de arte, libros de esoterismo y una amplia colección

Camino Real No.2, Las Mariposas / Santiago Tepetlapa. Tepoztlán, Morelos. 62520.

CUENTAN CON TRES TERRAZAS CON ESCENARIOS ESPECTACULARES, ADEMÁS DE UN JARDÍN CON ÁRBOLES FRUTALES.

de antigüedades completan el paisaje místico. El salón de usos múltiples, por otro lado, cuenta con proyección de video y audio, que puede ser amenizado con diversos montajes de coffee break y comidas especializadas. Además, se brinda un espacio para 150 invitados, destacado por el excelente servicio de catering. Cabe señalar que todos los servicios otorgados por Casa Isabella son propios y exclusivos para sus huéspedes.

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COMPAÑÍA DE ESPECIAS HOTEL BOUTIQUE

Av Santa Fe S/N Fraccionamiento Santa Fe. Alpuyeca, Morelos. 62790.

Rojo Azafrán es un jardín de eventos, creado a manera de negocio familiar, que cumple siete años en noviembre y cuenta con 17 mil metros de terreno. Su estilo es una mezcla mexicana y oriental — de ahí el nombre: ‘rojo’ viene de la arquitectura de careyes de la costa mexicana y ‘azafrán’ de la unión entre México y Asia por la ruta de las especias—, además de que todos sus techos son asiáticos, con una personalidad particular. Con la finalidad de eliminar la

dificultad de encontrar un lugar donde hospedarse, Rojo Azafrán inauguró Compañía de Especias Hotel Boutique el 27 de abril pasado, con 60 habitaciones, siendo un complemento espectacular a la oferta de calidad que ya ofrecía. El concepto comparte la ruta de las especias y cada habitación tiene el nombre de alguna de ellas, con una decoración totalmente oriental, y aunque se planea mantenerlo ocupado a partir de las bodas protagonizadas allá, la visión es convertirlo en un hotel destino, ade-

Compañía de Especias es un hotel boutique diseñado para cumplir y superar las expectativas de servicio y calidad de los huéspedes, transportándolos al lugar donde nace el paraíso.

con amenidades en la zona; por ejemplo, el terreno contiguo es el club de golf de Santa Fe, Tequesquitengo se encuentra a 10 minutos y se organizan diversas actividades como salto de paracaídas, viaje en globo aerostático y visitas a las Grutas de Cacahuamilpa, Xochicalco y la Ruta de Haciendas.

El lugar tiene área de masajes, comida exquisita que fusiona la cocina asiática y la mexicana, además de que la chef atiende de forma personalizada. Cuenta también

El plan de Compañía de Especias Hotel Boutique a largo plazo es ser un concepto más grande, con diferentes complejos dentro de la República Mexicana.

más de hacer otro tipo de eventos y enfocarlo a más personas.

CADA HABITACIÓN TIENE EL NOMBRE Y CONCEPTO DE UNA ESPECIA, ASÍ QUE CARDAMOMO, CAYENA, COMINO Y PIMIENTA, SON ALGUNAS ENTRE LAS QUE PUEDES ELEGIR.

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EN SU INTERIOR ESTÁ LA TIENDA SANTA MARTA, DÓNDE ENCONTRARÁS UNA CUIDADOSA SELECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO.

MANSIÓN DEL CONDE HOTEL BOUTIQUE

Portal Hidalgo #3, Centro. Atlixco, Puebla. 74200.

Mansión del Conde Hotel Boutique fue abierto hace cuatro años y se encuentra en la otrora antigua casa del conde de Santa Marta, que data del siglo XVII. Ésta forma parte del portal ahora llamado Hidalgo y la fachada del segundo piso está revestida de ladrillos y azulejos de talavera, típicos de Puebla y famosos en todo el mundo. En la fachada del hotel aún se puede apreciar el hueco en donde estuvo colocado el escudo nobiliario de la familia, actualmente

rematado por una cruz de azulejos y talavera. El resto de la casa conserva su plano arquitectónico, estructura y elementos decorativos originales. Mansión del Conde Hotel Boutique invita a los huéspedes a ser parte de la historia de Atlixco al hospedarse ahí. Cuentan con 12 lujosas habitaciones, de las cuales dos son suites con jacuzzi, finamente decoradas en un estilo moderno que incluye elementos regionales mexicanos.

Todas las habitaciones están equipadas con servibar, TV LED, wifi gratuito, secadora de cabello, caja fuerte, aire acondicionado y calefacción. Para hacer la estancia lo más agradable posible, todas las ventanas y paredes han sido diseñadas para no dejar pasar ruidos. Una terraza con alberca y una maravillosa vista hacia los volcanes, la catedral y el zócalo complementan la experiencia, sin pasar por alto el spa, su lobby bar y el restaurante, que hace una fusión de la comida poblana y la italiana.

Próximamente se abrirá un Mansión del Conde en el centro de Puebla, mismo que contará con 28 habitaciones del mismo estilo y con vista a la Catedral de Puebla. La estructura también será del siglo XVII. Cabe destacar el restaurante Vittorio’s, en el Zócalo de Puebla, con 36 años de antigüedad y la cocina fusión poblana-italiana que caracteriza a Mansión del Conde Hotel Boutique.

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México siempre ha sido reconocido como el lugar ideal para acoger visitas de diversas partes del mundo. Con una increíble variedad de paisajes y ecosistemas, nuestro país es una sede turística perfecta, pero ningún lugar podría darse a conocer si no tuviera donde albergar a sus futuros invitados. Aquí es donde entra la importancia de una estancia de calidad, un hotel que otorgue una experiencia completa al turista. Sin duda alguna, México puede jactarse de contar con maravillosos hoteles, los

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cuales han brindado momentos inefables a sus visitantes. Las Mañanitas es un claro ejemplo de tradición y calidad. Ubicado en Cuernavaca, Morelos, el hotel, restaurante y spa comenzó como el sueño de un joven abogado proveniente de Oregon, Estados Unidos. En el año 1955, después de haber descubierto su verdadera pasión en la hotelería, el joven Robert L. Krause visitó Pátzcuaro, Michoacán; San Miguel Allende y Guanajuato, Guanajuato; Taxco, Guerrero, y Cuernavaca, Morelos,

el estado de la “eterna primavera” donde encontró la oportunidad para emprender su proyecto personal. En una hermosa casa de la década de los 30, Robert notó que no era el primer estadounidense en llegar a estos maravillosos lugares, y encontró la inspiración y los medios que necesitaba para hacer su sueño realidad. Mr. Conway, el dueño original, fue quien denominó al lugar Las Mañanitas, como homenaje a la famosa tonada que escuchó cuando recién llegó a México.

Después de rediseñar la casa, el 19 de noviembre de 1955, con cinco habitaciones y un sencillo restaurante de cinco mesas, la historia de Las Mañanitas comenzó. Ahora, con 60 años de historia, el hotel cuenta con 27 suites impresionantes, un gran jardín para memorables eventos, un delicioso restaurante de nivel profesional y un spa imperdible. En definitiva, Las Mañanitas es el lugar ideal para experimentar descanso verdadero acompañado de una vista magnífica.

LAS MAÑANITAS HOTEL GARDEN RESTAURANT & SPA, CUERNAVACA

Ricardo Linares 107, Col. Centro. Cuernavaca, Morelos. 62000.

EN ESTE HOTEL SE HAN HOSPEDADO DIFERENTES CELEBRIDADES, COMO HARRISON FORD Y MARÍA BEATRIZ DE SABOYA. ADEMÁS, SIN NECESIDAD DE SER HUÉSPED PUEDES VISITAR EL RESTAURANTE QUE CUENTA CON PLATILLOS CLÁSICOS DE LA ALTA COCINA MEXICANA.

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LOS MATERIALES NATURALES DOMINAN LA COMODIDAD Y EL DISEÑO MINIMALISTA DEL HOTEL, CREANDO UNA COMBINACIÓN DE UN ENTORNO NATURAL Y SALUDABLE. LAS HABITACIONES ESTÁN CONSTRUIDAS CON MATERIALES LOCALES.

NÔMADE TULUM

Carretera Tulum-Boca Paila KM 10. Tulum, Quintana Roo. 77780.

Nômade Hotel Boutique se encuentra en Tulum, Quintana Roo, y su manifiesto se basa en vivir el presente, en confiar en las señales del destino, sonreír más, probar cosas nuevas todos los días, dejarte sorprender, viajar ligero, olvidar el estrés y las preocupaciones, hacer nuevos amigos, adoptar nuevas formas de vida, abrir la mente y el corazón y ser la mejor versión de uno mismo. Nômade es una tribu cada vez mayor que cree en la exploración individual a través del vasto mundo, mezclándose con el universo

y convirtiéndose en uno. Nômade Tulum, entonces, es un hogar lejos del hogar, un hotel concebido como un hábitat temporal para aquellos dispuestos a aprender y compartir, listos para despertar el alma y liberar la mente. Este lugar es un espacio en tierra sagrada, en la playa principal de Tulum, rodeado por las más bellas playas de arena blanca a lo largo del lado del Caribe y aquí la mente, el cuerpo y el alma de todos los huéspedes se conectan con la madre naturaleza, abrazando una transformación

personal por la conciencia de la comunidad y su ser interior. Centrándose en crear una experiencia para la evolución, han elaborado un programa durante todo el año lleno de intercambio de conocimientos. Se ofrecen retiros, talleres y charlas a cargo de un individuo diferente y dedicado, con amplia experiencia y conocimiento (chamanes, sanadores, terapeutas, bailarines y más). Con un enfoque único en el mundo chamánico y la sabiduría tradicional original, se pueden encontrar hierbas medicinales

amazónicas y la cultura ancestral mediante curación de sonido, ceremonias de baile, sesiones diarias de yoga, masajes y otras modalidades de curación. El experto culinario de casa prepara alimentos orgánicos y gourmet, en una variedad de deliciosos y frescos platillos preparados con sabores locales de temporada. Hay dos restaurantes dentro de Nômade Tulum: Macondo, especializado en cocina vegetariana, y La Popular, dedicada a hacer un homenaje a las alegrías del mar con sus incomparables mariscos.

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PAPAYA PLAYA ES UN ORGULLOSO MIEMBRO DE RAIN FOREST ALLIANCE, CUYA MISIÓN ES CONSERVAR LA BIODIVERSIDAD Y ASEGURAR MEDIOS DE VIDA SOSTENIBLES, ADEMÁS, SE ESFUERZA POR PRESERVAR LA BELLEZA NATURAL DE TULUM.

PAPAYA PLAYA PROJECT

Carretera Tulum-Boca Paila km. 4.5. Tulum, Quintana Roo. 77780.

Papaya Playa Project fusiona la cultura local y la sostenibilidad para brindar experiencias originales e inspiradoras, es un espacio para que personas con ideas afines y creativas puedan relajarse y conectarse con uno mismo y la naturaleza. Este retiro de cabañas elegantes y ecológicas está en la Playa Pescadores, junto al Parque Nacional de Quintana Roo. Las cabañas están frente al mar, son sencillas y tienen techos de paja y mosquiteras, no incluyen televisiones ni wifi, con la finalidad de que estés conectado con la naturaleza. Algunas cuentan con

bañeras de hidromasaje, piscinas exteriores privadas o terrazas en la azotea con vistas a la selva. El Papaya Restaurant es el detalle central y distintivo del Club de Playa. El menú se basa en recetas que han sido influenciadas por las tradiciones mayas y del resto de México por largo tiempo, a través de un toque creativo. Los ingredientes son orgánicos, provenientes del mercado local. El Club de Papaya Playa es un centro versátil. Durante toda la semana, en las mañanas, los huéspedes disfrutan de actividades típicas

de playa, mientras les es servida excelente comida y bebida ligera, acompañada de música funk y soul del extenso repertorio de los DJs residentes e invitados. Los fines de semana se ofrecen eventos durante la noche, que cuentan con música en vivo donde se presentan DJs de prestigio. Es especialmente reconocido por su Fiesta de Luna Llena. El Spa Sensorial EK CHAK en Papaya Playa Project se basa en un concepto de cosmovisión que une las propiedades holísti-

cas, terapéuticas y medicinales mediante la estimulación de los sentidos. Ofrece una selección de tratamientos físicos y espirituales a cargo de terapeutas locales, incluyendo al chamán residente del resort, con el fin de sanar, restaurar y armonizar mente, cuerpo y espíritu. Además, está el centro turístico Quelonian Diver’s, un centro cultural maya que ofrece tours exclusivos a todas las zonas antiguas de Tulum, cursos de buceo, snorkeling, excursiones fotográficas y de pesca, así como renta de kayaks.

MÉXICO EN EL MUNDO

Mexicanos en el extranjero Por Samantha Calderón

espués de tres años de trabajo dedicados a México, en medio de otros proyectos y múltiples contratiempos, finalizó mi colaboración con la edición de este número de WARP, México en el mundo.

como es el caso de muchos ejemplos de triunfo, lucha y sueños que leerán en este número y que estoy segura los inspirarán a perseguir esas ideas que, aunque constantes, necesitan coraje para ser una realidad.

Nuestro país siempre ha sido foco de críticas en muchos aspectos, por su gobierno, por las malas decisiones, por sus políticos o por la falta de exigencia de sus ciudadanos, pero lo cierto es que el talento y trabajo de su gente poco se puede esconder y se vuelve paradójicamente más visible cuando se encuentra fuera de vista,

Me atreví a proponer un cierre riesgoso para estas historias, «una extranjera muy mexicana», no porque faltaran mexicanos destacados o más ejemplos de éxito, sino porque a veces necesitamos una opinión con otro punto de vista para ver lo espectacular de nuestro país, que nos cuente qué siente y cómo vive lo que

éste transmite, sensaciones que quizá nosotros, los que vivimos aquí, pasamos por alto al estar tan acostumbrados y encapsulados en situaciones negativas. Agradezco a Alejandro Franco por haberme invitado a colaborar con él y su equipo, y poder expresar un poquito de mi sentimiento por este gran país y por lo grandioso de su gente. Espero que lo que aquí lean les mueva el corazón y los inspire a querer más, ¡siempre más!, sin olvidar de dónde vienen y quiénes son.

Sam Calderon tiene más de 10 años de experiencia en producción de eventos, relaciones públicas y comunicaciones dentro y fuera de México y ha fungido como Directora de Eventos Internacionales en Marca País, entre otros cargos. 067

MÉXICO EN EL MUNDO

Elisa Carrillo La perfección de las formas Por Sara Araujo

n muchas ocasiones, el talento artístico en México ha sido menospreciado, incluso desconocido. La cultura popular se aferra a los pocos casos de éxito que han logrado fama comercial sin saber la cantidad de mexicanos con historias que contar desde diversas partes del mundo. Es verdad, existen valientes guerreros que son capaces de lo imposible para hacer de sus sueños una realidad. Es el caso de Elisa Carrillo, la primera bailarina de la Staatsballet Berlin (Ópera Estatal de Berlín). Inició sus estudios en la Escuela de Iniciación Artística Núm. 1 del INBA, posteriormente fue becada en la English National Ballet School, en Londres, y obtuvo el título como Maestra de Ballet gracias al Ministerio de Cultura de La República Alemana. WARP Magazine platicó con Elisa para conocer más sobre la talentosa mexicana que consiguió un éxito innegable en el extranjero. - ¿Cómo comenzó tu carrera como bailarina? «La carrera de bailarina, de manera formal, la comencé a los ocho años en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, de Bellas Artes. Antes tomaba clases privadas, desde los cinco años. Fue en ese momento cuando mi profesora le dijo a mis papás que tenía aptitudes para hacerlo profesionalmente». - ¿Cuál fue el momento en el que decidiste que sería tu profesión para toda la vida? «Bueno, a los ocho años ¿qué tanto podría saber? De niña lo haces porque te gusta, porque te hace feliz y a mí me emocionaba mucho. Lo que sucedió fue que las cosas se dieron por sí

solas. A los ocho años jamás tuve ese sueño, no pensaba que esto pudiera ser una carrera, pasaron los días, los exámenes y, naturalmente, uno tiene como meta llegar al escenario, pero hasta que crecí un poco más lo tomé como algo profesional. Antes de eso simplemente me llenaba, quería llegar al escenario pero no tenía idea de lo que eso implicaba». - Por supuesto, el tiempo puso todo en su lugar. Ahora, al momento de bailar ¿cuál es tu mayor inspiración? «Estar en el escenario es algo mágico, muy especial, sentir la energía del público es algo único. Creo que es toda esa sensación, ese intercambio de energía que te da el público. También me inspira la música, el ambiente que tiene el teatro, la coreografía, la persona que la está montado… son muchas cosas que se juntan. En realidad, es todo lo que vivo y hago lo que me motiva y me inspira para salir al escenario cada vez». - Es algo verdaderamente increíble poder hacer tu estilo de vida a partir de lo que te gusta… «Sí… Aunque te diré algo, es una profesión muy difícil. Yo no lo veo como un trabajo, un lugar en el que me pagan, estoy ocho horas y me voy a mi casa, pero hay momentos en los que estás cansada, situaciones complicadas, enfermedades, y debes salir al escenario pretendiendo que todo está bien. Aun así es algo bellísimo, con una dedicación completa. Es una dicha poder dedicar tu vida a esto». - ¿Cómo se dio la oportunidad para ir a Alemania? ¿Por qué elegiste ese país? «Antes de graduarme de la carrera recibí una

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beca para terminar en Londres los dos años que me faltaban. Estando allá el director de la compañía Stuttgart Ballet me vio bailar y me dijo que fuera a audicionar a Alemania. Fui, hice la audición y me quedé. Así fue como llegué aquí». - ¿Cómo ha sido la adaptación a este país, en términos culturales? «Honestamente no puedo decir que fue fácil. Yo no hablaba alemán, es otra cultura, otras tradiciones. Sí fue complicado, sobre todo porque venía de Londres, donde ya tenía amigos y había construido mi mundo, así que tuve que llegar y empezar de cero. Algo que me ayudó es que siempre he estado abierta a conocer otras culturas, otras personas, nuevos idiomas, realmente me adapté muy rápido. «Creo que cuando hay algo más fuerte y la pasión es grande puedes cruzar todos los problemas y lograr tus metas; es cuestión de carácter. Por supuesto, nada es fácil, a veces no conocemos lo que hay detrás de una historia como la mía pero uno debe seguir, buscar nuevos caminos». - También eso es algo interesante, hacer tu propia historia en un lugar nuevo. Hablando de tu experiencia particular, ¿cómo te sientes de representar a México en el extranjero? «Para mí es un gran orgullo representar a mi país. Es algo que me motiva mucho, es un gran honor. También me hace sentir responsable, pues es importante hacer todo de la mejor manera posible. Más que una obligación, yo misma me propongo metas y busco completarlas de la mejor manera. Siendo de México, quiero que todos vean que se pueden hacer las cosas bien».

MÃ&#x2030;XICO EN EL MUNDO

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MÉXICO EN EL MUNDO MÉXICO EN EL MUNDO

Tupac Martir Una luz que brilla a la lejanía Por Raúl Arce

l discurso del mundo global cada vez suena más viejo, es algo que hemos aprendido a asimilar como una realidad a la que entramos casi de manera involuntaria.

Asumimos que el movimiento de personas entre naciones es una situación casi cotidiana en nuestra vida, y es que ante la falta de oportunidades, la concentración de las masas en las urbes, la inseguridad o simplemente el hecho de que por lo menos cinco generaciones de mexicanos no saben lo que es la estabilidad política o económica, a muchos de nosotros nos ha cruzado por la mente abandonar el barco, dejar el país. Sin embargo, hay personas —sobre todo en la industria creativa y la ciencia— que han optado por irse a partir de una motivación diferente: expandir sus horizontes creativos más allá de las fronteras mexicanas, muchas veces encontrando apoyo y reconocimiento en otras naciones. Uno de estos casos es el del diseñador visual Tupac Martir, un personaje consolidado dentro del ambiente creativo y de la moda en Reino Unido y buena parte de Europa, que lo mismo ha trabajado con Porter u Austin TV, que en campañas de Alexander McQueen o Hugo Boss, así como en los shows de UNKLE y Beyoncé.

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«EL HECHO DE QUE HAYA GENTE QUE LE INTERESE LO QUE HAGO FUERA DE MI NEGOCIO Y QUE ADEMÁS LE INTERESE SABER QUIÉN SOY ME LLENA DE SATISFACCIÓN».

La vida de Tupac comenzó en Reino Unido pero con raíces profundamente mexicanas, al ser hijo de un huichol y una tepehuana, además de un orgulloso exalumno del Instituto Escuela del Sur y un asiduo paseante de Miramontes y Pericoapa. Hoy, Tupac es ciudadano del mundo, siempre ocupado pero en esta ocasión, después de montar un show en Milán y regresar a su cuarto de hotel en motocicleta, nos tomó la llamada para platicar de su trabajo, su historia en México y la relación que mantiene a una distancia relativa con nuestro país. - Probablemente, dentro del medio hay mucha gente que te conoce o ha visto tu trabajo, pero si alguien leyera tu nombre por primera vez en esta entrevista, ¿cómo le explicarías tu obra? «Soy un artista visual para el entretenimiento en vivo, en pocas palabras. Empecé siendo pintor y la forma en la que trabajo siempre está basada en las técnicas de pintura que aprendí. «A partir de ahí hago grabado, dibujo, foto, video… y por el destino, el mundo me llevó al entretenimiento en vivo, de ahí aprendí a hacer escenografías, visuales, luz, marionetas y todo lo que puedas imaginar, pero en verdad, lo que más me gusta hacer es entretenimiento en vivo; me encanta ver la reacción de la gente cuando las cosas están sucediendo. Me han

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invitado a hacer muchas películas y he desistido porque no tienen el mismo feeling, y las cosas que hago son así, no hay de “córtale” o “edítale”, nada de eso, tal vez terminando hacemos otra toma pero la rola se hace completa, porque a final de cuentas debe tener ese sentimiento de la experiencia en vivo cuando observas algo, y eso me fascina». - A veces tenemos la percepción de que el talento mexicano es más reconocido en el extranjero que aquí. ¿Cómo te sientes al respecto? «Yo no creo necesitar el reconocimiento de nadie, no hago lo que hago porque quiero que el mundo me reconozca. Mientras el diseñador, la banda o el artista esté feliz para mí está bien, a ellos son a los que tengo que mantener felices. De ahí, quizás hay un público —que generalmente en mi trabajo hay— y si ellos salen contentos ¡pues qué chingón!; digo, no espero que la gente sepa quién soy, por el simple hecho de que nadie en verdad se mete a investigar quién es Andi Watson o Willie Williams. Sin embargo, Andi es el diseñador de Radiohead, y cuando la gente dice “es que Radiohead se ve increíble” yo pienso, ¡no, Radiohead sonó increíble, el que se ve increíble es Andi! Me causa mucho problema cuando dicen que les gustó mucho el show de U2, porque cuando la banda toca, todo bien en cuanto a la música, pero lo que ves es realmente a Willie Williams.

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«PARA EL MUNDO YO SOY EL VISUAL DESIGNER DE UNKLE».

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Nierka, el espectacDesfile Signature by Marika Vera, MBFW México 2016; foto: Jesús Quintero para WARP.

«Como diseñadores, nuestro trabajo realmente lo hacemos para el cliente, la banda o como lo quieras llamar, y en cuanto al reconocimiento nos interesa más a nivel interno, si ellos me dicen que les gustó para mí es más que suficiente. El hecho de que haya gente que le interese lo que hago fuera de mi negocio, mi grupo de amigos o de lo que somos, y que además le interese saber quién soy me llena de satisfacción, pero es sólo la cereza del pastel. No quiero sonar como si no me importara, sólo que mi primer interés es el artista». - ¿Crees que haber vivido en México te da una perspectiva diferente de las cosas? «Me encantó que mis diez años de chavito los viviera en México. Esos años de andar en bicicleta en todo Miramontes, Coapa, los mercados… todo eso te da una percepción muy interesante de cómo es la cultura; me tocó Rockotitlán, el inicio de Café Tacvba, de La Maldita, son cosas que me marcaron mucho. Fui a una escuela de la que salió mucha gente del medio, por decirlo de alguna manera, el Instituto Escuela del Sur de donde viene Diego (Luna), Liquits, una banda bien interesante que no sabía que iba a ser relevante. Eso me dio una perspectiva interesante por la forma en la que crecí. Me voy a Inglaterra, regreso a México en 2001 y para 2003, viviendo en la Condesa, me toca ese movimiento que me marcó mucho, porque la Condesa era un punto de cultura, donde todos vivíamos cerca, íbamos a las mismas fiestas, y surge una generación de personas que, con el tiempo, llegaron a tener mucha influencia en el panorama cultural mexicano. Eso me sirvió mucho, porque cuando llegué a Londres, sin conocer a nadie, desde cero, el tacto y el entendimiento de ciertas cosas vienen de ese tiempo en México». - ¿Qué encuentras cuando llegas a Londres? «A mucha gente diciéndome: “Ok, hiciste eso en el extranjero pero aquí no has

hecho nada, así que tienes que comenzar de cero”. Al final eso es real, ¿por qué debería tener prioridad yo sobre alguien que ha trabajado 12 años para el mismo diseñador?, yo soy uno más en la lista, y a partir de ahí, no sé si por ingenuidad o ego, pero yo respondía, “a mí denme la oportunidad y voy a mostrarles lo que puedo hacer”, con la intención de aprovechar y moverme en ese espacio. «Imagínate, llego a Londres en 2008 y para 2012 hago Nierka. Eso surgió a partir de creérmela completamente, pensando “si no me la creo yo nadie más lo va a hacer”. También es muy importante conocer tu capacidad, porque yo jamás me aventé a algo que no podía hacer. Creo que sigo aprendiendo todos los días pero es parte de machacarle, porque hay días muy, muy difíciles, he pasado por cosas que no le deseo ni a mi peor enemigo, pero entiendo que es parte del crecimiento que quiero tener. Hay momentos en que termina el show y horas después me llega un mail del diseñador o el artista con su opinión, y eso simplemente te libera. «Yo siempre quise cambiar la moda en México pero jamás se me dio la oportunidad. Curiosamente y sin propiciarlo, entré en el mundo de la moda y ahora me busca mucha gente. Creo que estoy haciendo cosas muy lindas 073

en esta industria y estoy muy agradecido por ello. Obviamente no soy una persona de moda, no me visto así, no soy fashionista, pero me interesa el diseño dentro de la moda y la entiendo como parte de él. La belleza que tiene todo esto es que jamás pensé en trabajar con Alexander McQueen o Max Mara, es más, justo terminé un proyecto para Hugo Boss. Son cosas que veo a lo lejos y pienso que si alguien me hubiera dicho que iba a hacer esto hace 10 años le hubiera dicho “estás loco”, ¿cómo yo iba a tener la posibilidad de trabajar para estas marcas? «Es muy extraño saber que soy parte de este mundo de la moda. La verdad es si me ves en la foto no soy parte de esto por la manera en que me visto, sino por la manera en que veo el diseño». - ¿A menudo haces este ejercicio de verte a ti mismo a la lejanía? «No creo que sea tan así, pero lo que no deja de ser increíble es que ahorita tomara mi teléfono y pudiera marcarle a James Lavelle, quien en 1997, cuando yo estaba en la universidad, sacó Psyence Fiction y pude comprarlo. Ahora, no es que lo tenga en speed dial, él me busca a mí, voy a su casa y platicamos, escucho rolas nuevas… Para el mundo yo soy el visual designer de UNKLE».

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- Me contabas que has pasado momentos muy complicados. ¿Alguna vez consideraste regresar? «¡Es que jamás me he ido! Voy a México a hacer por lo menos un par de cosas cada año. Para mí México es un ancla, creo que nunca voy en plan de vacaciones, voy a ver a mi madre y cuando llego no me quedo en un hotel, me quedo en el departamento y desayuno con ella porque además necesito esa relación. «Hay un momento increíble que me pasó en Londres. Fui el primer diseñador de stage en hacer una conferencia en el V&A (Victoria & Albert Museum) con Tony Chambers, editor en jefe de la revista Wallpaper, como mi entrevistador. De repente nos enteramos de que el evento era sold out. Yo hago la plática, un performance precioso y todo increíble; imagíname con todo el pavo real en su esplendor. Llevé a mi madre desde México porque era importante que estuviera conmigo en ese momento, todo termina, volteo a verla y, sin más, me dice: “Sí, sí, mucho pinche V&A, yo tengo hambre, dame de comer”. La verdad es muy simple: puedo ser muchas cosas para mucha gente pero antes que nada soy su hijo». - Ese tipo de cosas te dan perspectiva, ¿no crees? «Claro, por eso me gusta ir a mi casa y quedarme con mi mamá, porque no importa qué esté sucediendo en mi vida, yo regreso y sigo siendo sólo su hijo, el resto del mundo no importa, mucho menos lo que haya diseñado, y si en algún momento llego a perder el piso, aunque sea un poco, mi madre y mi equipo de trabajo me recuerdan que soy una persona común y corriente, que ni se me ocurra creer otra cosa». - Ahora tú tienes la confianza de grandes marcas y artistas reconocidos, sin embargo, a veces sentimos que hace falta que más personas y organizaciones den oportunidades a nuevos talentos mexicanos… «Creo que en México hay muchísimo talento, y cada vez que puedo me jalo a alguien de allá, porque hay una cantidad brutal de talento en nuestro país».

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Magüis Sosa Viajar para hacer historia Por Fátima Albarrán

agüis Sosa es productora, fotógrafa y directora creativa. Nacida y criada en la Ciudad de México, dedicada a viajar y explorar en diferentes ramas creativas, cuenta con una formación en medios de comunicación, relaciones públicas, marketing, moda y producción musical. Con cámara en mano ha innovado en hacer lucir lugares simples como una cafetería, y lleva su conocimiento y cultura a otras partes del mundo. Lo mismo hace a la inversa, pues gusta de empaparse de todo lo que la rodea para seguir creciendo e impulsando ideas. Ha desarrollado y ejecutado campañas en medios sociales de marcas establecidas, así como artistas emergentes. Tuvimos la oportunidad de entablar una charla acerca de su experiencia profesional y de vida, así como futuros proyectos. - Cuéntame acerca de ti, tus estudios y los proyectos que realizas… «Me encuentro en viajes constantes pero donde más estoy es en México y Los Angeles. En 2009 estudié diseño de interiores, en Califor-

nia, pero cuando terminé la carrera decidí que no quería ejercer y trabajé en una compañía de relaciones públicas, después en un show room y luego me empecé a involucrar mucho en la organización y producción de eventos. «La fotografía siempre me había gustado, pero desde hace dos años, con el boom de Instagram, me clavé muchísimo y empecé una cuenta cuya protagonista era una zona de Los Angeles poco conocida por aquel entonces, convertida ahora en un hot spot. Así nació @melroseplacediaries, con fotos propias y reposts de las personas que subían acontecimiento ocurridos en sus calles. A partir de ahí se empezaron a abrir puertas, varias marcas y revistas, he tenido la oportunidad de colaborar con West Hollywood Magazine. «Desarrollarme en la fotografía me llevó a conocer a mucha gente, a colaborar y que me ubicaran marcas de diversos tipos. Recientemente colaboré en una campaña de Coach y otras marcas, lo que me permite tener una plataforma enfocada en el estilo de vida californiano, así como a estar presente en el movimiento healthy de la gente que se preocupa por su salud y el medio ambiente. 075

«Por otro lado, soy directora creativa, hago consultoría para marcas y desarrollo estrategias en redes sociales. Otro de los proyectos que me tiene entusiasmada es la realización de una película. Todo comenzó con la inquietud de una amiga, a quien presenté con otra que es directora e ideamos la historia que sigue en desarrollo. Este nuevo reto me gustó porque aborda la trata de blancas, un tema de enfoque social tratado de manera artística. También me gusta porque es un proyecto mexicano, llevado a cabo por mujeres. «Afortunadamente mi familia me ha apoyado mucho y he tenido la oportunidad de estudiar moda y producción musical; cuando eres una persona creativa es súper difícil decidirte o enfocarte en una rama en especial, porque quieres hacer de todo y yo he podido poner en práctica todo lo que he aprendido. Viajar también me ha permitido conocer gente, lugares, gastronomía, diferentes culturas y maneras de pensar e, incluso, en Cuba aprendí de santería, de la gente que la practica y cómo lo hacen. «Mi hermana es vocalista de Love La Femme y tuve la oportunidad de hacer la fotografía del video ‘Ruleta’. Marion también es artista visual, así que hicimos un muy buen equipo. Me encanta colaborar con gente talentosa, desde familia hasta amigos». - ¿Cómo te contactan para trabajar? ¿Tienes algún filtro de selección? «Siento que en todos los proyectos hay que creer, independientemente del dinero es ver que puedes aportar y con quien vas a colaborar.».

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Samantha López La música a través de una imagen Por Eduardo Salinas | Foto: Vidal Cruz

xisten valientes que llevan su pasión al máximo, que deciden dedicarse a lo que los llena y que sin importar lo que cueste arriesgan todo por conseguirlo. El caso específico de la fotografía de conciertos representa un reto desde el simple hecho de su concepción, al requerir disciplina, visión, pero sobre todo esfuerzo. En México existe una enorme cantidad de presentaciones al año, por lo que desenvolverse en esta escena podría ser algo viable pero, ¿qué pasa cuando tu pasión y fanatismo te impulsan a cruzar fronteras y descubrir cómo sería fotografiar los eventos de otras partes del mundo? Samantha López es ejemplo claro de lo que significa hacer fotografía fuera de tu país. Después de estudiar la carrera de Comunicación y especializarse en cine, ella decidió dar el salto a las grandes ligas y llegar a Inglaterra con la única finalidad de saciar su deseo de encontrarse cara a cara con sus artistas favoritos y capturarlos del modo más íntimo, arriba de un escenario. La evolución en su trabajo es evidente y ha quedado marcada en diferentes publicaciones alrededor del mundo, así como en diferentes proyectos en cine y televisión. Samantha es la muestra perfecta de que creer es poder y de que siempre es posible alcanzar tus sueños. - ¿Cómo fue que te inclinaste por la fotografía y por la música en general? «Es algo gracioso, porque empecé en el medio desde muy chica, como actriz, algo súper bonito, pero me di cuenta de que quería colocarme detrás de las cámaras. Tengo un papá muy musical que fue al Festival Avándaro y a Woodstock, entonces yo me volví loca y dije: “quiero ir a Glastonbury”.

Como a mis amigas no les gusta el mismo tipo de música pensé que si no me iba sola a Londres jamás lo lograría, así que lo hice y entonces tuve la fortuna de encontrarme con un buen amigo, Tupac Martir. Recuerdo que un día me dijo: “Sam, te presento a este señor que está empezando una revista, estaría padre que si tienes algún problema le marques, pues él también va a Glastonbury”; resultó que ese señor era Alejandro Franco. «Yo estudié comunicación pero me especialicé en cine, foto y dirección. Entonces conozco a Alejandro y al llegar a Glastonbury la señora de la entrada me dice: “¿Y tu pase de prensa?”, yo no tenía uno, el mío era de fan, y en ese momento respondí que estaba casada con él, que queríamos acampar en el área de prensa. Alejandro me dice: “Perfecto, pero tienes que ayudarme porque aquí hay muchos escenarios. Tú haces la mitad y yo la otra mitad”. Así fue como empecé». - ¿Cómo evolucionó tu trabajo desde ese entonces hasta ahora? «Muchísimo. La verdad es que aunque sabes hacer fotos y en la escuela te enseñan cosas como el encuadre y el punto de fuga, aprendes a tomar fotos haciéndolo, aprendes a dirigir dirigiendo, se aprende trabajando. Tuve la suerte de tener oportunidades muy grandes, de conocer a gente que me ha dado la mano, un equipo maravilloso tanto en México como en España y he aprendido de ellos. Creo que para fotografiar música tienes que ser fan de ella. No puedo entender a esa gente que llega a un pit de The Rolling Stones —yo tuve esa maravillosa suerte— con la actitud de “ash, tengo que estar aquí”. ¡No!, tienes que ser fan, la evolución es eso». - ¿Qué tan diferente es estar en México e ir a un

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Vive Latino a tomar fotos y de pronto, la siguiente semana, hacerlo en Glastonbury? «Es muy loco. Por ejemplo, México tiene el mejor público del mundo y eso a los artistas les cambia el panorama. Tú tomas una foto de un artista aquí y luego lo haces en Londres o París y, no es por menospreciar porque todos tienen algo maravilloso, pero lo que le genera a un artista el público mexicano, esa emoción loca, esos gritos, se ve en la cámara. Y bueno, podrás decir que está mejor o peor organizado pero el público le da al artista el concierto. En París, por poner otro ejemplo, el público se dedica a escuchar, algo súper bonito que le da al artista otra experiencia y a ti como fotógrafo también te presenta otro panorama, con nuevas posibilidades». - ¿Cuál es el mayor reto al que te has enfrentado para llevar a cabo tu sueño? «¡Un montón!, aunque también he tenido suerte y he encontrado gente maravillosa. No me gusta quejarme pero es innegable que a veces, por ser chica, algunas cosas se complican. No soy feminista pero sí defiendo que todos debemos tener el mismo derecho y que cuando formas un equipo debes contratar al mejor, no importa si es hombre o mujer, me ha pasado en mi país y me ha pasado en otras partes del mundo pero he aprendido a lidiar con ello». - ¿Hay algo que sientas que te falta hacer? «Te voy a decir una cosa que me ha frustrado toda la vida: me falta fotografiar a Muse. He ido a diez de sus conciertos, soy súper fan, he estado en festivales en donde se ha presentado pero siempre ponen muchas complicaciones, ya sea el manager o el evento, lo que sea, solamente fotógrafos ingleses o esas cosas».

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- Más allá de una cámara, ¿qué es la fotografía para ti? ¿Por qué la elegiste? «Creo que ella me eligió a mí. Es algo chistoso y suena a cliché pero es verdad. Voy a contarte algo súper triste, y es que nunca coincidí con los gustos musicales de mi círculo de amigos y a los 14 años, además del bagaje adquirido de mi papá, me encantaba el metal, era muy fan de Korn y mis amigas me veían como la rara. Respeto el pop, hay cosas que me gustan, pero en ese entonces sólo escuchaba metal y nadie me acompañaba a los conciertos, iba sola. De pronto me di cuenta de que con la cámara no estoy sola, voy con un escudo que me sirve, además, para mostrar al mundo lo increíble que puede ser la música».

- Cuéntame, ¿qué te impulsó a dejar México y trabajar en otros países? «Mi mamá es francesa y mi papá mexicano, entonces siempre tuve mucha curiosidad por salir. Desde pequeñita y hasta los 18 años no pude viajar, así que tenía hambre de muchas cosas. Creo que hacerlo y experimentar en otras partes te llena, te enseña más de la vida. Amo a México y me encantaría trabajar aquí, pero creo que nutrirte de otros lugares del mundo hace que tú puedas nutrir más a tu país». - ¿Crees que habría pasado lo mismo de haberte quedado? «Posiblemente… no sé. Aquí tuve muchas oportunidades, trabajé desde muy chica y hubo gente que me dio la mano, así que quizá mi vida se hubiera ido por otro lado, aunque también creo que las pasiones te encuentran como sea, la fotografía me hubiera encontrado, el cine me hubiera encontrado. Es curioso, acabo de hacer un comercial espectacular en España, hice fotografía fija y tuve la oportunidad de trabajar con Rodrigo Prieto, entonces piensas “México te vuelve a encontrar”». - ¿Qué se siente ser una mexicana exitosa en el extranjero? «Es muy bonito porque es mucho trabajo. Me falta caminar muchísimo pero lo más lindo es que en esta entrevista ustedes me consideran así, alguien exitoso fuera de mi país. Yo no me considero exitosa, soy alguien que trabaja un montón y es lo que te da reconocimiento, soy alguien que lucha y me siento muy honrada de poder decir “soy mexicana y te traigo mis raíces, te traigo mi país”. Me siento muy halagada».

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Aquí también hay animación Por José Iñesta

Director de Pixelatl y El Festival

rimero quiero explicar que cursé la ingeniería en Electrónica y Computación en la Universidad de Texas, en Austin, debido a una beca que obtuve. Durante ese periodo viví cosas muy importantes a nivel académico y también como atleta, involucrándome con grupos altruistas y siendo parte de asociaciones estudiantiles, pues mis padres siempre han amado la contribución social y es gracias a ellos que tengo gran aprecio por la generosidad. Al terminar de estudiar inicié mi vida laboral en la empresa Texas Instruments, unos meses después de que me graduara. Ahí empecé a crecer, entendí que me hacían falta muchas capacidades humanas y decidí estudiar la maestría en Administración de Empresas, para seguir con una en Desarrollo Humano, algo que me cambió la vida y me inspiró a iniciar proyectos personales. En este nuevo periodo de mi vida trabajé con fundaciones, ONGs, dando consultoría y coaching a ejecutivos, hasta que la búsqueda de esa área profesional en la cual sentirme pleno me llevó a la industria del entretenimiento, una palanca de

desarrollo en el mundo pero no en México. Fue en ese punto que, al volver a mi país, aposté por dos cosas: la producción de contenidos y la capacitación de gente para elevar su potencial. Una investigación rápida me hizo darme cuenta que había muchos estudios y escuelas en el ramo, lo que me hizo preguntarme ¿por qué el mundo no conoce la industria audiovisual mexicana? Entonces se me abrió el panorama, descubrí que hacía falta un evento que juntara lo mejor que ocurría en México con lo mejor que se creaba en el mundo. Así surgió el Festival.

dos propiedades intelectuales que buscan más inversión para llevarse a cabo.

El Festival, de este modo, representó ese marco que arropó la producción nacional para proyectarla a nivel internacional, a la vez que atrajo a talentos de diferentes puntos del globo para intercambiar conocimiento con creativos mexicanos. Este evento dio paso al modelo de emprendimiento Ideatoon, que se encarga de preparar proyectos creativos para que puedan ser vistos por inversionistas internacionales, con resultados de inmenso orgullo entre los que se cuenta Juan Futbol y Villanous, en Cartoon Network; Cielito Lindo, por Discovery Kids, y otras

Estamos consolidando una nueva industria y ese fue mi sueño al volver, poder ver cómo mi país crece en una área que puede ser igual de importante que la automotriz o la minera. Falta empezar a medir cada caso de éxito para que el gobierno escuche las necesidades del sector y se convierta en una palanca de dignificación, integración y reconciliación. De todas las apuestas que se han hecho, la única que puede cambiar nuestra historia es las industria creativa y por eso trabajo cada día, porque quiero ver prosperidad y felicidad sin todas las brechas que nos separan y nos fracturan.

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Animotora es otro de mis orgullos, pues es la primera incubadora de proyectos creativos a nivel nacional, reconocida por el Instituto Nacional del Emprendedor (INADEM), que estoy seguro dará mucho de qué hablar en años siguientes. Lo que es más importante, usamos toda nuestra red de contactos internacionales para que apuesten por México e inviertan en las propiedades que los artistas mexicanos crean.

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Mauricio Rebolledo Aquí viene el guerrero Por Alejandro Altamirano | Fotos: Matthew Olive

apoleón Bonaparte, uno de los más grandes gobernantes y militares de la historia, alguna vez mencionó que «el éxito no está en vencer siempre, sino en no desanimarse nunca», frase que sin duda nos remite a la figura de un guerrero valiente que jamás se da por vencido, cuyo sentido, además, empalma perfecto con la visión de éxito de uno de los músicos y productores mexicanos con más reconocimiento a nivel internacional. Nos referimos a Mauricio Rebolledo, mejor conocido, simplemente, como Rebolledo. Aunque así lo parezca, el camino que Rebolledo ha debido recorrer para estar en la posición en la que se encuentra no ha sido nada fácil, incluso sufrió, como muchos

particular y en esta entrevista para WARP Magazine lo explica.

compatriotas, la indiferencia de su propio país, algo que más allá de frenarlo le dio el empuje necesario para moverse geográficamente y consolidar su propuesta personal, así como su proyecto Pachanga Boys junto a Aksel Schaufler (mejor conocido como Superpitcher), actos que le han permitido presentarse en algunos de los mejores festivales de música electrónica en el mundo: MELT Festival, en Alemania; Primavera Sound, en España; Wire Festival, en Tokio, y distintas versiones de MUTEK. Su éxito y ascenso ha sido tal que su base de trabajo está en Europa actualmente y algunos de sus remixes forman parte de varias de las mejores compilaciones editadas globalmente. Aun con todo esto, para Rebolledo el significado del éxito es muy

- ¿En dónde estás ahora, qué estás haciendo y de qué manera te gustaría terminar el año? «Estoy en París, en mi base de trabajo, en la que paso la mayoría del tiempo y desde donde me muevo a las fechas de mi tour, mayormente en Europa. Justo regreso de hacer algunas presentaciones durante mes y medio por México, Nevada, en el festival Burning Man y también de unas merecidas vacaciones. De aquí a fin de año estaré metido de lleno en el trabajo, con un tour por Europa, una visita a Argentina y en diciembre mi vuelta a México con Pachanga Boys, proyecto que tengo junto a Superpitcher».

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«EL HECHO DE QUE, FUERA DEL PAÍS TODO FUNCIONARA FUE UN DETONANTE PARA QUE OTRAS COSAS SUCEDIERAN, INCLUSO PARA VOLVER A MÉXICO Y TENER UN MEJOR PANORAMA DE MI CARRERA».

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«A VECES ME DOY CUENTA QUE MUCHA GENTE SE BASA EN SUS CONEXIONES Y RELACIONES PÚBLICAS PARA ABRIRSE PASO. ESO PUEDE AYUDARTE, PERO SI SÓLO DEPENDES DE ESE CAMINO DEFINITIVAMENTE NO LLEGARÁS TAN LEJOS. LO MEJOR, SIEMPRE, SERÁ ABRIR PASO CON TU TALENTO Y TU PROPUESTA».

Festival La Villette Sonique en París.

recorrido. Lo bueno del éxito es que te abre muchas puertas, y no porque me vaya bien voy a sentarme a descansar, todo lo contrario, constantemente estoy en busca de nuevos proyectos, aprovechando la plataforma que ya tengo».

- A diferencia de otros artistas mexicanos consolidados, parece que pasas más tiempo fuera del país que en él. ¿Esto te hace sentir ajeno, de alguna manera, a la escena nacional o más bien crees que justo esa exposición internacional es la mejor manera de que cada vez más países pongan atención a lo que se hace en México? «La verdad es que trato de pensar lo menos posible en eso. Cuando voy a México disfrutó mis presentaciones pero de alguna forma estoy limitado a cierto tipo de foros, porque aunque hay muchos lugares donde podría tocar no puedo estar siempre en los mismos sitios. Para ser sincero, Europa fue el primer lugar en el que recibí reconocimiento, así que trato de disfrutar siempre los dos lugares. Estar en México es un placer, pero estar acá (en Europa), tocando en distintos lugares, festivales y clubes legendarios me llena mucho. Aquí hay muchas cosas que en México no podría experimentar; hay más diversidad. Por ponerte un ejemplo, en los siguientes tres o cuatro días estaré en Polonia, Colonia (Alemania) e Ibiza, tres sitios súper distintos que están relativamente cerca y que me dan una experiencia que en México no podría encontrar. Creo que es importante aprovechar cuando las puertas se te abren».

- En México, a diferencia de otros países, en ocasiones nos cuesta tener apertura a muchas cosas, incluyendo los géneros musicales. ¿Crees que ese sea el motivo por el cual algunos mexicanos son más reconocidos en otros países que aquí? «Creo que depende más de la historia de cada uno y de lo que hace. Si mantienes cierto nivel de calidad y eres constante es más fácil que obtengas una respuesta. Mi inicio en México representó picar mucha piedra y aun así sentía que no llegaba a ningún lado, no se me daban las cosas muy bien y el hecho de que después, fuera del país, todo funcionara fue un detonante para que otras cosas sucedieran, incluso para volver a mi país y tener un mejor panorama con respecto a mi carrera». - No ha pasado mucho desde que Juan Gabriel, como sabes, uno de los artistas mexicanos más reconocidos a nivel internacional, dejó este mundo, incluso en tu página de Facebook te referiste a él como un ícono. ¿Crees que México se está quedando sin representantes musicales en el exterior? ¿Qué clase de artistas o personas, desde tu punto de vista, podrían alcanzar este reconocimiento? «A Juan Gabriel en mi esquema personal lo tengo como ícono ya que desde muy chico escuchaba su música, la cual me gustaba mucho y fue soundtrack de muchos roadtrips con mi familia. Me puedo imaginar por ejemplo a Los Tigres del Norte a quienes también admiro, teniendo ese impacto cultural que traspasa generaciones y fronteras. En cuanto a proyectos de ahora, está claro que hay mucha calidad y nivel pero creo son más de nicho, no me vienen a la mente nombres que crea que tenga ese poder de llegar a gente de todas las edades, estrato social, y zonas geográficas. En su propio género y nicho, yo creo que proyectos como Nortec o Titán, que tienen una propuesta muy particular, original y de muy muy alta calidad, van a dejar su muy buena huella en la historia».

- Este número aborda a mexicanos exitosos en el extranjero. ¿Qué significa para ti ser uno de ellos y cómo lidias con eso todos los días, o mientras creas algo que le pueda gustar a alguien? «Eso de ser exitoso no fue algo que planeara, me cayó totalmente de sorpresa, sucedió que a la gente le gustó lo que hago sin realmente pensar en gustarle a cierto público. De igual manera sucede cuando trabajo en mis producciones, yo soy mi principal público, así que primero hago las cosas para que me gusten a mí y después que le guste a quien quiera, así es como mejor me han resultado las cosas. He tenido mucha suerte de que aquello que hago para mí guste y llame la atención de los demás». - Entonces, ¿consideras que el éxito es un fin o un medio? «Creo que es un medio. Para empezar es algo relativo; partiendo del hecho de que me ha ido muy bien, no considero haber llegado al final del

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- Cada vez son más los mexicanos que triunfan en el extranjero, en diferentes ámbitos, sin embargo parece que se trata de sólo una semilla que espera brotar de verdad. ¿Qué crees que haga falta para que cambie esta percepción? «Pienso que es relativo. Te repito, para mí todo es constancia y originalidad, no sólo en la música sino en muchas otras cosas; por ejemplo en la comida, muchos chefs mexicanos están siendo reconocidos fuera del país por esas razones. Al final, la constancia, originalidad y creatividad te permiten tener exposición y reconocimiento más allá de lo local, la clave está en apostar a hacer algo que sea único». - Personal y profesionalmente, ¿qué metas te falta cumplir y en cuáles ya estás trabajando para que así sea? «Soy alguien que pocas veces siente que ya

acabó algo, siempre estoy pensando en el siguiente proyecto. A nivel profesional obviamente quiero sacar nuevos materiales, ya sea solo o con Pachanga Boys. También quisiera enfocarme en nuevas cosas, no sólo en el ámbito musical sino, por ejemplo, en un proyecto ecoturístico, algo que involucre cosas que también me gustan, como el ámbito culinario, quiero enfocarme en proyectos que dejen algo más que sólo shows y música. Ahora que soy parte de un par de clubes, uno en Monterrey (soy socio fundador de Topaz Deluxe) y otro en la Ciudad de México (como socio de M.N. Roy) me interesa abrir foros en los que podamos exponer propuestas que aporten y ayuden a expandir la cultura». - ¿Qué podemos esperar de ti a corto plazo? ¿Algún disco o proyecto nuevo en puerta?

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«Hace poco saqué mi segundo álbum solo, como Rebolledo, y justo ahora trabajo en un disco de remixes para ese mismo proyecto. Varios artistas de muy buen nivel se juntaron para entrarle, estoy reuniendo todo el material para editarlo el año que viene y ahora realizo un par de remixes como Pachanga Boys, de algunos proyectos que andan por ahí». - Para finalizar, dime algo que crees que todo artista nuevo debe evitar si quiere lograr el éxito. «No depender de favores ni de nadie. A veces me doy cuenta que mucha gente se basa en sus conexiones y relaciones públicas para abrirse paso. Eso puede ayudarte, pero si sólo dependes de ese camino definitivamente no llegarás tan lejos. Lo mejor, siempre, será abrir paso con tu talento y tu propuesta».

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ser Embajador de México en Qatar Por Francisco Niembro

brir una nueva embajada y ser el primer embajador de México en Qatar es un reto fascinante. Aun cuando mi carrera me ha permitido estar expuesto a las relaciones internacionales desde ciertas trincheras, representar a México en este país árabe representa una responsabilidad enorme que asumo con orgullo y compromiso. “Vas a ser el embajador más joven”, me decían durante el proceso en México. No lo dimensioné hasta que llegué a Qatar. En lo que la gente me empezaba a conocer, todos saludaban primero a mi segundo de la embajada, siempre, pues por deducción asumían que el señor con barba blanca era el embajador, algo gracioso que, bueno, era parte de la experiencia. Más allá de edades y apariencias, el haber atestiguado distintos procesos económicos, políticos y sociales en el mundo me ha ayudado a desarrollar cierta conciencia histórica. Sin embargo, al mismo tiempo mi cercanía de

pensamiento está con los jóvenes. Las nuevas generaciones viven a través de la tecnología, las aplicaciones, las redes sociales; la información fluye por estos canales. Hoy en día creo que no es posible comprender al mundo sin tomar en cuenta estas tendencias, pues han transformado la forma de pensar, de consumir e incluso de tomar decisiones, hecho que demanda políticas responsables pero a la vez incluyentes de dicha visión; la agenda internacional, por supuesto, debe estar alineada con esta realidad. Entre las anécdotas curiosas que me ha tocado vivir aquí está el haber asistido a una boda, poco después de llegar a Doha, la capital del país, pues existen tradiciones muy específicas, diferentes a las nuestras. Quien se casó es hijo del que es probablemente el empresario más poderoso de Qatar y, como se acostumbra, hombres y mujeres celebramos por separado, sin la presencia de bebidas alcohólicas, prohibidas por la religión. Todo comenzó con la felicitación al novio y continuó con la cena, en una mesa con muchos platos diferentes,

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estilo bufet, y al centro un camello bebé al horno con arroz. Sin mayores formalismos, en un ambiente muy relajado, es común no utilizar cubiertos y comimos en un corto periodo. Cosas como la sobremesa no existen aquí. Inmediatamente después pasamos a las celebraciones que incluían cánticos tribales y un baile con espadas en mano (entonces agradecí la restricción de las bebidas). Cuando estás en un país tan diferente suceden dos cosas: Primero aprendes a entender y respetar otras culturas, pues la ignorancia y los prejuicios no caben en el mundo global en el que vivimos, y en segundo lugar, reflexionas sobre las riquezas de tu país, tu cultura y tu gente. Es un orgullo representar a México en Medio Oriente, dar a conocer lo mejor que tenemos, promover las relaciones y, al mismo tiempo, beneficiar a los mexicanos a través de oportunidades de negocio y turismo. Con honestidad, no puedo estar más halagado con esta encomienda.

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Guillermo Del Toro At Home with Monsters Texto y Fotos: Alonso Valencia

culturas de tamaño natural de varios personajes que marcaron su vida, como Boris Karloff, Edgar Alan Poe y H.P. Lovecraft.

que cuenta con musicalización especial hecha por el compositor argentino, ganador del Premio de la Academia, Gustavo Santaolalla.

Este mundo, que marcó la niñez del originario de Guadalajara, fue inspirado por los clásicos monstruos de Universal Pictures y las esculturas de Bernini, el principio de un paisaje que se fue nutriendo de cultura popular, cómics, literatura, pintura y cine.

Debido a la admiración por la gigantesca colección de Del Toro es que las mentes detrás del LACMA (Los Angeles County Museum of Art), MiA (Minneapolis Institute of Art) y AGO (Art Gallery of Ontario) unieron fuerzas para convencer al cineasta de que pusiera parte de su inmenso museo personal en una exposición titulada At Home With Monsters, en donde además se puede conocer un poco de su historia y los caminos que ha recorrido en su carrera.

El impacto de la colección de Del Toro se puede describir con una pieza en particular que se encuentra justo en la entrada de su Bleak House. Es una cabeza gigantesca del Frankenstein clásico, esculpida por Mike Hill, que en palabras de Guillermo representa la fascinación ideal por el cine, viendo un personaje fantástico y terrorífico de un tamaño gigantesco que asimila a los personajes como los vemos en una sala de cine.

esde su niñez, Guillermo Del Toro decidió refugiarse en un mundo de fantasía y monstruos a los que él mismo califica como los parias que se encontraron con él en la obscuridad.

En el Valle de San Fernando, en el área suburbana de Los Angeles, Guillermo Del Toro estableció un museo personal que lleva por nombre Bleak House y que sirve como santuario de las peculiaridades que ha recolectado con el paso de los años; desde props utilizados en sus propias películas hasta piezas de H.R. Giger, Marc Davis y Basil Gogos, así como es-

Matthew Welch, director del MiA, junto con Jim Shedden y Britt Salvesen, encargados de curar las exposiciones del LACMA, fueron la personas clave que hicieron posible la reunión con Del Toro para seleccionar las piezas y la ambientación general de la exposición, misma

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Del Toro, un hombre que experimentó de cerca la muerte para establecerla como un elemento constante en su filmografía y trabajo visual, se surte de esa misma fascinación y la transmite por medio de esta exhibición que además homenajea clásicos como Nosferatu, Fantasia y Phantom Of The Paradise.

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Además de contar con aspectos ligados a la cultura popular y las artes, At Home With Monsters enaltece piezas de la vida cotidiana que tienen un toque macabro, una representación de nuestro lado más inocente que conforma las percepciones de lo que es normal en el mundo como lo conocemos. Las conocidas fotos de las rarezas de circo de los 20 se complementan con esculturas de Johnny Eck o Pinhead, personajes reales del clásico Freaks, de Tod Browning. El período victoriano que comprende la era del romanticismo es una de las tantas maravillas que se perciben a lo largo de

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la estética que retrata Del Toro en su cine, y que está representado en su colección con objetos relativos a Charles Dickens, elementos disecados y piezas que muestran su amor a creaciones posteriores, como The Haunted Mansion, atracción ideada por Walt Disney que retoma dichos elementos para mezclarlos con una esencia fantasmal cómica y que se ha convertido en una de las principales pasiones de Del Toro. La alquimia, la magia y el ocultismo, así como la vida después de la muerte son los

temas que marcan este delirio de los fanáticos del horror, y así es como se cierra esta muestra que logra traernos varios objetos que probablemente nunca habrían estado a la vista de los más de 100 mil visitantes que han llegado al LACMA. La exposición estará en Los Angeles hasta el 27 de noviembre para llegar en 2017 a Minneapolis y Ontario, con la promesa de Guillermo Del Toro de tocar tierras mexicanas antes de que finalice el próximo año.

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No lo olvidemos: Otros mexicanos que están haciendo historia Por Fátima Albarrán En WARP Magazine no dejamos atrás el reconocimiento que han recibido más compatriotras en distintas ramas y a través del mundo, ya sea, actuación, dirección, producción, fotografía, automovilismo, arquitectura y más. Es un orgullo y un impulso o ejemplo ver el éxito de otros como método de motivación y a continuación mencionamos a algunos.

Alfonso Cuarón Orozco es director de cine y guionista. Estudió filosofía y cinematografía en la Universidad Nacional Autónoma de México. En la primera mitad de los años 80 inició su trayectoria como director al rodar el cortometraje Cuarteto Para El Fin Del Tiempo (1983), al tiempo que trabaja en el medio televisivo. Ha dirigido Y Tu Mamá También (2001), Harry Potter And The Prisoner Of Azkaban (2004), Children Of Men (2006) y Gravity (2013), la cual le valió el premio de la Academia como Mejor Director.

Alejandro González Iñárritu es cineasta, guionista y productor. Es el primer realizador mexicano en obtener dos veces consecutivas el premio Oscar como Mejor Director y el Premio del Sindicato de Directores por Birdman (2014) y The Revenant (2015). Además, recibió el reconocimiento a Mejor Director en el festival de Cannes (2006) por su trabajo en la cinta Babel (2006).

Damián Ortega es un artista conocido por instalaciones como The Cosmic Thing (en la que desmanteló un Volkswagen Beetle y colgó todas las piezas a semejanza del manual de instrucciones de un mecánico), así como por sus fotografías y obras cinematográficas. A lo largo de su producción Ortega se interesa por situaciones específicas y objetos cotidianos que altera y transforma para problematizar nociones más amplias, como los discursos económicos y sociales.

Emmanuel “Chivo” Lubezki Morgenstern es fotógrafo, productor y director. Estudió historia y cinematografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos e inició su carrera en 1991, en la película de Luis Estrada Bandidos. Ha ganado por tres años consecutivos el reconocimiento por Mejor Fotografía en los premios Oscar, American Society of Cinematographers y Critics’ Choice Movie Awards, por las películas Gravity (2013), Birdman (2014) y The Revenant (2015).

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Enrique Olvera es chef, reconocido internacionalmente por su propuesta gastronómica en la cocina mexicana contemporánea. En el año 2000 inauguró Pujol, que forma parte de The World’s 50 Best Restaurants y es el tercero más importante en Latinoamérica dentro de dicha lista. Para conmemorar su décimo aniversario, Olvera publicó UNO, libro dedicado a su filosofía de trabajo en la cocina.

Descendiente de madre mexicana y padre japonés, Issa Lish ha demostrado ser uno de los más grandes íconos de la moda en nuestro país. Dentro de sus logros personales, ha aparecido en la portada de Vogue México, Italia y Japón. Asimismo, ha participado en importantes pasarelas para Prabal Gurung, Céline y Prada.

Jordi Muñoz es ingeniero en computación y cofundador de 3D Robotics, compañía encargada del diseño y manufactura de drones para uso comercial y recreativo. Actualmente, Jordi desarrolla el proyecto 3DRX, dedicado a la investigación. Si bien tuvo un historial complicado en el ámbito personal, esto nunca fue impedimento para que hiciera sus sueños realidad.

Javier “Chicharito” Hernández Balcázar es un futbolista mexicano que actualmente juega como delantero en el Bayer 04 Leverkusen, de la Bundesliga de Alemania. Su mejor actuación se produjo en la Copa Oro de 2011, donde fue nombrado mejor jugador y Bota Oro del campeonato tras anotar siete goles en seis partidos. Es el segundo máximo goleador histórico de la Selección Mexicana (45 goles), sólo por debajo de Jared Borgetti (46 goles).

Jorge Viladoms Weber es un exitoso pianista, concertista y maestro del Conservatorio de Lausanne, en Suiza. Debutó en el Carnegie Hall y su carrera va en ascenso. Tiene una fundación en Guadalajara donde introduce a 350 niños a la música clásica. Además, tiene como proyecto un centro cultural en Durango, donde niños de bajos recursos accedarán a la música, el teatro y la danza.

Sergio “Checo” Pérez Mendoza, es un piloto de Formula 1 vinculado al equipo Force India de Fórmula 1 y parte de Escudería Telmex. Los logros más destacados en su carrera, fue que obtuvo un segundo lugar en el Gran Premio de Italia del 2012; en la temporada 2010 de GP2 Series, Pérez logró su primera victoria en la categoría en el Principado de Mónaco. En la temporada 2012 conquistó tres podios con la escudería Sauber. Es el piloto oficial de la escudería Sahara Force India F1 Team desde el 2013, con quien acumula cuatro podios. 091

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Alejandra Guilmant La belleza es el arma Por Diovanny Garfias

n 2014 Playboy celebró su 60 aniversario con una revista cuya portada ostentaba a Kate Moss, la top model por excelencia, un issue para coleccionistas por la tradición de la publicación y la magnitud de unir ambos elementos, sin duda uno de los grandes momentos de la cultura pop y los medios impresos durante esta década. Sin embargo, hubo algo que atrajo los reflectores apenas la revista estuvo a la venta. Un photoshoot de la autoría del reconocido fotógrafo David Bellemere, con Barcelona como el cálido marco de una fotos que recién cobraban vida, y en el centro de todo, una joven modelo mexicana en sus veintes que impresionó al mundo. Entonces, ese mismo día todos empezamos a googlear el nombre de dicha modelo, Alejandra Guilmant, porque queríamos conocer la historia detrás de la originaria de la Ciudad de México. Hoy, tres años después, tengo la oportunidad de hablar con Ale, cuya carrera cambió radicalmente después de aquel shooting. La modelo está en un momento muy diferente de su vida, dando un giro creativo a su profesión y abrazando la actuación, sin dejar de disfrutar y crear conciencia con su trabajo. «No soy de las que van al gimnasio, de hecho tengo una genética bendita que me cuesta men-

cionar porque siento que me juzgarán, aunque sé que no durará toda la vida, apenas tengo 23 años». Así da inicio una entretenida plática con una de las mexicanas más valoradas en el mundo del modelaje en la actualidad, una conversación en la que diversos tópicos hacen aparición inesperadamente y, claro, todos son bienvenidos. - ¿Cómo te diste cuenta de que querías dedicarte al modelaje? ¿En qué momento notaste que te apasionaba lo suficiente como para dedicarte a ello? «Creo que nunca dije “quiero ser modelo”, aunque como a toda mujer sí me impresionaba ver un desfile de John Galliano, revistas o el Victoria’s Secret Fashion Show. Decía “¡wow!, quiero ser como ellas”, y de chiquita veía a estas mujeres tan impresionantes y empoderadas que influenciaron todo. «Aun así no quiero dedicar toda mi vida al modelaje, al contrario, quiero hacer de todo, ser una persona polifacética, no quiero que me metan en cajón. Quiero hacer cine, poder actuar, dirigir… «Provengo de una familia de cineastas y pienso que eso también me influyó y me trajo a este mundo. Mi abuela también apoyaba mucho el arte, entonces crecí en este entorno que impulsa la creatividad. Todo empezó por ahí y creo que ahora estoy haciendo esa transición al cine, experimentando muchísimo y explotando toda esta creatividad que evoluciona a la par de nosotros».

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- En este momento profesional, ¿qué clase de proyectos quieres hacer? «Hice unos cortos con Rodrigo Prieto, donde salí tres segundos [ríe]. También participé en la película A La Mala (2015), con un personaje totalmente diferente a mí. Fue muy padre porque me convertí en alguien distinto y me permitió entender la maravilla de la actuación. Luego hice Compadres, en un papel un poco más real». - Es muy fácil que te encasillen… «Al principio los directores y productores ven sólo tu “personalidad” de modelo y te dan el rol de “la guapa”. Somos personas muy visuales y cuando empezaba decía, “si me dan este papel lo voy a tomar y le sacaré todo el jugo que pueda”. Luego, uno de los productores de otra película que hice me contactó y me dijo: “Estoy en esta serie para Blim que es como un Sillicon Valley mexicano y quiero que formes parte”, le pregunté sobre mi rol porque ya estaba cansada de ser siempre la “chica guapa y sexy” y me describió a una chava algo seria que sufre una transición y evoluciona a una persona extremadamente humana, que acaba con el corazón un poco roto. Me gustó, porque es bastante real y más humana, más yo. La serie sale el siguiente año y se llama Realidad Aumentada».

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«ES ALGO QUE NOS FALTA MUCHO EN MÉXICO, IMPULSAR EL TALENTO DE MÚSICOS, ESTILISTAS, CINEASTAS, DE TODO. NOS FALTA APOYARNOS MUCHÍSIMO PORQUE SI NO, NO SALIMOS».

- ¿Hay algún género en el que quieras experimentar? «Estoy descubriendo qué deseo hacer. Me encanta la comedia pero haría algo más apegado a la realidad, eso es lo que me mueve, y mientras cause una reacción emocional está mejor. Por lo menos si alguien ríe o llora conmigo, o se identifica, yo estoy bien». - Apareciste en la revista Playboy, en su edición del 60 aniversario, y de repente todos te volteamos a ver. ¿Cuál es la historia detrás de ese shooting? «Primero me hablaron y me platicaron el proyecto. Había rumores de que Kate Moss estaba en portada (nada confirmado) y mi agencia en Alemania, Model Work, le habló a mi agente y le dijo: “Mira, no queremos subirle el autoestima a Ale pero entre las opciones está ella (normalmente tienen un plan A y un plan B) y Eniko (la top model)”. Pensé que como se trataba

de Playboy obviamente serían un full nude,con uno de los mejores fotógrafos del mundo, así que había de dos: o se terminaba mi carrera o la empezaba. Les pedí dos días para pensarlo y dijeron que lo podía cancelar si quería. «Le hablé a un muy buen amigo fotógrafo que ha sido mi mentor, Greg Kadel, lo conozco desde que comencé a los 16 años, y él trabaja con Vouge, Victoria’s Secret y demás. Le comenté la propuesta por mensaje, le pregunté si debía hacerlo y lo único que me contestó fue “do it”. En ese instante le escribí un mail a mi manager y le puse “I’m in”. Era sólo esperar la decisión de la revista, si me querían a mí o Eniko, entonces dijeron: “Pues lo hacemos, aunque esto está muy raro, porque no tienes la misma trayectoria que ella…”. Yo sólo pensé que sería padrísimo».

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- ¿Cómo viviste la experiencia de hacer las fotos? «Nos fuimos a Barcelona, al lugar donde Dalí iba de vacaciones. Estaba en aquella casa, con sus piezas y fue una historia increíble, tres días súper intensos con David Bellemere para hacer full nudes. Fueron mis primeros nudes [ríe]. «Estuvo muy padre, me encantó, me empoderó muchísimo y me hizo quererme más, porque cuando estás desnuda ves esas cosas que no te agradan tanto, así que estar tres días en la playa te obliga a amarte sí o sí. Por esto comenzó este rol en mi carrera de empoderar a las mujeres, hacerlo a tal grado que los hombres tengan una reacción. Justo haré un calendario con David, con otras 11 chavas en República Dominicana, un día de shooting y lo mismo, queremos empoderar a 12 chicas. Veremos qué pasa».

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«POR LO MENOS SI ALGUIEN RÍE O LLORA CONMIGO, SE IDENTIFICA, YO ESTOY BIEN».

- Después de estas fotos tu nombre se volvió muy conocido en México, sin embargo tu trayectoria ya era destacada en el extranjero. ¿Cómo te sentiste al respecto? «Seré súper cruda y honesta: creo que me tratan mejor en el extranjero que en mi propio país y eso me da muchísima tristeza, no por mí, yo ya llegué a cierto lugar, hice Vouge, Harper’s Bazaar, el 60 aniversario de Playboy pero, ¿las niñas que empiezan? México es un país tan malinchista que nunca apoya y por eso tenemos que irnos al extranjero, a Estados Unidos o Europa, ahí la tenemos que hacer». - Y después te ponen toda la tención… «Cuando ven que lo estás logrando te piden que regreses, que hagas portadas y editoriales, pero cuando estás aquí, empezando, no te ven ni para un casting. Por ejemplo, ahorita hay una niña increíble que está haciendo muchísimas pasarelas, le abrió a Dior, hizo John Galliano y sólo tiene 16 años. A ella ni la habían entrevistado aquí y justo cuando acaba de abrir ciertos desfiles increíbles le ruegan para que haga portada. ¿Por qué hacen eso? Deberían tomarlas en cuenta para que cuando lleguen a Estados Unidos cuenten con un book fuerte, como en Brasil, que hace a sus mujeres unas top models. Es el caso de Gisele Bündchen, que salió de Brasil siendo una y llegó a Estados Unidos con mucha fuerza, porque su país la impulsó. «Es algo que nos falta mucho en México, impulsar el talento de músicos, estilistas, cineastas, de todo. Nos falta apoyarnos muchísimo porque si no, no salimos». - Parece que es un patrón que se repite, hay que salir del país para que reconozcan tu trabajo… «Es difícil. Somos un país tan cerrado y tan católico (perdón por meter la religión), con protestas hacia diferentes tipos de familia. Existen personas gays, transgénero, y si no te gusta no salgas de casa, apaga la TV y cállate, no molestes a personas que sólo son felices; lo mismo con la libertad sexual. Hice una aparición especial con Marika Vera, en Fashion Week, cerré con un free the nipple con la intención de empoderar y decir “híjole, chavos, ya hay que quitarnos esos tabúes”. Desfile Signature by Marika Vera, MBFW México 2016; foto: Jesús Quintero para WARP.

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El sabor de México en Europa Por Mario Espinosa

Chef y fundador de Bésame Mucho en Milán, Italia

n 2014 tuve mi primera experiencia en el extranjero, justamente representando la comida de mi país en Londres, un lugar mágico del que me enamoré no sólo por la ciudad misma sino por la presencia de la gastronomía mexicana y la apertura que se avecinaba para muchos paisanos en dicho continente. La magia duró apenas cuatro meses y tuve que regresar, ya que para cualquier extranjero es difícil trabajar allá y son largos los tiempos de espera, así que tuve que dejar el restaurante Peyote, en Mayfair. La chispa revivió en 2015, cuando Jorge Vallejo me invitó a participar en la Exposición Universal de Milán, con nada más y nada menos que seis meses de duración: de mayo a octubre; para abril yo ya estaba en la ciudad italiana, listo para ser chef ejecutivo del proyecto de restaurante y bar-taquería Bésame Mucho, ¡una de las mejores experiencias profesio-

nales de mi vida! Los centros de consumo del pabellón mexicano en el evento recibían de tres mil a cinco mil personas al día, y 800 de ellas se dirigían a nuestro restaurante, donde la capacidad considerada era de 80 comensales sentados. Otro de los retos fue trabajar con una brigada de estudiantes mexicanos y desarrollar la logística; fueron tres de los meses más estresantes que he experimentado, pero a partir del cuarto mi vida como ambulante Milán-México comenzó. Fue en septiembre del año pasado cuando los socios, encabezados por Sandro Landucci, decidieron llevar un cachito de México a Italia a partir de la euforia generado entre los milaneses que visitaron Bésame Mucho, lugar que no regresaría a México sino que ofrecería un poco de lo nuestro a Europa, teniéndome a mí como guía. El reto: Crear un concepto que reflejara nuestro

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arte culinario en un lugar donde las referencias eran el nacho y el burrito (además del indio con sombrero, zarape y cactus, por supuesto). A 10 meses de la apertura, más de 30 mil clientes satisfechos y mi vida con 20 días en Milán y 10 en México, Bésame Mucho es el restaurante mexicano con más connacionales trabajando, a partir del modelo de practicantes implementado en la expo que me trajo de vuelta a tierras europeas. Probablemente ciudades como Nueva York y Los Angeles nos ganen, pero nosotros nos quedamos con este continente. Estoy por cumplir uno de mis sueños, pues me mudaré con la mia famiglia, de manera fija, a Italia, y aunque me duele dejar de ver a México todos los días, sé que en Milán estableceré una casa mexicana con las puertas abiertas para todo el mundo.

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Entrevista con

Edoardo Chavarin Por Jesica Vergara

tuyo lo será tarde o temprano. Para Edoardo Chavarin le valió crecer en el lugar correcto, junto a las personas indicadas y estar en el momento preciso para que aquello que empezó como un pasatiempo se convirtiera en su pase de entrada a las grandes ligas, dándole un lugar que no cualquiera consigue. NaCo sin duda lo fue, esa línea de ropa que posicionó al mexicano en el lugar que muchas personas catalogan como “la tierra prometida”, el destino al que se acude para ser estrellas de cine. A la par de esto, Chavarin se hizo responsable del artwork de productos internacionales.

ubo una época en la que dedicarte a la música era sólo para personas con talento que sabían tocar algún instrumento. Por otro lado estaban las groupies que amaban la profesión aunque de forma un poco dudosa; lo que no sabían era que para llegar a una meta no importa hacerlo rápido sino saber llegar. Siempre hay distintas formas de lograrlo. En alguna parte del norte del país nació una persona cuyo sueño siempre fue claro: estudiar y dedicarse al diseño. Y es que cuando algo tiene que ser

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Todo esto no fue posible sin una corazonada y la pasión que todos deben seguir. Edoardo no hizo su suerte, construyó su destino arrancándose la etiqueta que tanto pesa para algunos: ser mexicano. La mala costumbre de las personas es criticar antes de ver, pero el tijuanense logró que su trabajo hablara por él. Es por esto que ahora se encarga del diseño en uno de los mejores festivales de música que existen, emprende, logra y triunfa en el extranjero. - ¿Desde la infancia mostraste gusto por el diseño? «Sí, un poco. Yo viví los años 80 en Tijuana y, en una época pre-Internet, era un privilegiado por la cercanía con Estados Unidos; si teníamos acceso a Internet éramos una ciudad privilegiada para cualquiera en México. Gracias a la música que nos llegaba de San Diego, de Los Angeles, era un lugar muy padre para crecer y, obviamente, al hablar de diseño, de arte, era un acceso muy importante porque crecías como una persona bicultural. Fue un lugar muy especial y más aún para un chavito con inquietudes artísticas, quizá era un lugar pequeño, no había obras de arte muy importantes en Tijuana, así que había que buscar las oportunidades en D.F. o Guadalajara. Afortunadamente mis papás siempre me apoyaron, aunque, sí, como lo mencionas, la percepción en aquel momento era de un mundo muy difícil, y lo obvio era ser doctor, abogado, contador, pero ellos siempre me impulsaron en el diseño. Yo me hice muy amante de coleccionar discos, viniles, me encantaba su arte. Desde entonces dibujaba, pero mi idea era clara: estudiar diseño en Los Angeles, en parte para crear portadas de discos». - Ahí surgió NaCo… «Sí, fue ahí donde la biculturalidad comenzó a jugar un papel importante. Estudiábamos en Los Angeles y al poner distancia de Tijuana, sumergidos en Estados Unidos, nos dimos cuenta con los amigos, y en particular con el que fue mi socio, Robby Vient, que había ciertos modismos en el lenguaje, ciertas formas que eran sólo del mexicano, había quienes decíamos “Estar Guars”, a lo mejor tu abuelita decía “Pecsi”, entonces empezamos a jugar con ello sin mucho afán de hacer una marca o negocio, era más el experimentar».

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«TENEMOS UN DESPACHO-BOUTIQUE MUY PEQUEÑITO EN HOLLYWOOD, DONDE TRATAMOS DE ELEGIR LOS PROYECTOS DE MANERA CUIDADOSA, MUY PUNTUALES, QUE NOS GUSTAN. ESTAMOS MUY CONTENTOS, SOMOS AFORTUNADOS DE PODER VIVIR DE LO QUE NOS GUSTA». - ¿Pensaban que eso llegaría tan lejos? «No, para nada. Empezó como un pasatiempo, algo divertido. Probablemente eso hizo que la gente lo sintiera tan auténtico, el hecho de que no iba tan planeado como negocio, aunque después se convirtió en uno». - ¿Cómo comenzaste a diseñar para Coachella? «Lo de NaCo comenzó a crecer en una avenida, conocí a gente y ésta empezó a usar la marca, lo que nos dio un poco de exposición. En paralelo seguía con la idea de diseñar portadas de discos, por lo que toqué puertas en disqueras como A&M Records y Capitol Records. En A&M Records estuve como becario, trabajando gratis, en aquella disquera que tenía a Soundgarden, Sting y Sheryl Crow, cuando estaban en un buen nivel y hacían discos. Entonces me tocó vivir experiencias en el departamento de arte, ver las fotos para los discos, conocer buenos fotógrafos, estilistas, conceptos, me tocó ser parte de eso. Yo iba para aprender y casi a servir café, pero fue entonces que me enamoré del proceso creativo y hacía todo eso a la par de NaCo. «Al empezar en las disqueras también conocí a Gustavo Santaolalla, nos hicimos muy amigos y me presentó a Molotov y otras bandas con las que después trabajaría en portadas de discos. Gracias a todo lo anterior conocí a los dirigentes de Coachella, con los que tam-

bién me llevé muy bien. Recuerdo que, en esa época, me ofrecí a diseñar unas playeras después de la primera edición. Como no tuvieron mucho merchandising hice la propuesta y me dijeron que se las mostrara, yo mencioné que éramos de Tijuana y propuse algo en ese estilo. Así fue como empezamos una amistad, a trabajar poco a poquito. A la fecha tenemos 16 años en Coachella y también trabajamos para otros festivales de la misma empresa, cosas para Stage Coach, un festival country, y para Desert Trip. Tenemos una relación de muchos años como directores creativos, pero más que mi oficina y yo, se trata de un gran equipo, porque son miles quienes se involucran en una producción tan intensa».

- ¿A título personal, cuál es tu proyecto más importante a la fecha? «Son varios. Lo de NaCo, por ejemplo, fue increíble, porque de algún modo creamos cultura a partir de ese proyecto. Creo que, en cierta forma, NaCo y todo lo que sucedía alrededor se conjugaron en un momento muy padre, lo que creaba Molotov, lo que pasaba en el cine con Amores Perros, acá en la frontera estaba Nortec… Se agruparon muchas cosas y siento que se hizo cultura. El haber sido parte de la imagen gráfica del disco Dance And Dense Denso también fue padrísimo, ser parte de Coachella fue increíble, por supuesto. Me siento muy afortunado de poder colaborar con gente, en proyectos, y que sigan ahí».

- ¿Qué es para un mexicano diseñar para artistas internacionales? «Es muy padre, es increíble ser parte de todo eso. Me da tanta emoción poder diseñar algo para Bill Evans, el pianista de Miles Davis, o un par de portadas para La Vela Puerca, de Uruguay. Cuando la música es buena, cuando te enganchas con un proyecto, la misma pasión te guía en cada proyecto. Ahora estamos haciendo la portada de una banda mexicana que apenas empieza, de hecho le estamos ayudando con el proceso de branding. Cuando hay música, cuando hay canciones, la misma emoción y entusiasmo son las que te impulsan».

-Dinos, ¿tienes alguna filosofía de vida? «Creo que uno se tiene que mantener en movimiento, no hay que estancarse, hay que seguir aprendiendo, hacer relaciones, conocer música, tocar puertas. Lo dijo Wayne Gretzky, un jugador de hockey: “El 100 por ciento de los tiros que no haces, no entran a gol”. Hay que tirar a gol, igual de esos 100 intentos se logran 10, hay que intentarlo, hacer cosas y tomar decisiones. La moraleja es que hay que tomar decisiones y avanzar, si se toma la decisión incorrecta se corrige en el camino pero hay que hacerlo. Es como podría resumir casi 20 años de aprendizaje como creativo»..

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Sofía Sisniega Una nueva generación en la actuación Por Fátima Albarrán

n la búsqueda del conocimiento y la personificación de otras vidas, el actor se apasiona por encontrar la esencia que ofrecen diversas historias. Su objetivo es volverse creíble y verosímil mientras suspende nuestra noción de la realidad y transpira emociones que nos trasladan a su universo. Con la meta del éxito profesional y artístico, Sofía Sisniega egresó de la escuela de actuación Stella Adler, en Nueva York, cuna de grandes artistas como Robert de Niro, Mark Ruffalo y Benicio del Toro, además de complementar su formación en Casa Azul y el Centro Universitario de Teatro. Con el tiempo, Sofía se convirtió en una de las jóvenes promesas de la actuación en México, posando los ojos del mundo en su trabajo; a la fecha ha participado en más de 15 obras de teatro, cinco series de TV y 14 largometrajes, donde gusta de experimentar distintos roles y asumir retos profesionales. Sisniega también es activista por los derechos de los animales; de hecho, en su tiempo libre

se dedica a rescatarlos y a la promoción de su adopción. En diciembre de 2013 apareció en un anuncio impreso para la campaña de PETA Latino, Real Beauty is Cruelty-Free. Platicamos con la actriz, quien actualmente trabaja a marchas forzadas previo al cierre de año, con varios proyectos en puerta. - ¿En qué proyectos estás involucrada, Sofía? «Trabajo en dos series, Entre Correr Y Vivir y Las Tres Esposas, para Blim. Hace tres meses también grabé Sincronía, para Blim, y estaré en México por lo menos en los primeras semanas de 2017, ya que además de las series me salió una obra de teatro». - En Sincronía tienes a Gustavo Loza como director, con quien ya habías trabajado. ¿Cómo ha sido esta experiencia? «Trabajamos en ¿Qué Culpa Tiene El Niño? (2016) pero lo conozco desde hace cuatro años. Tenía muchas ganas de trabajar con él y me parece que era recíproco, me invitó a trabajar en la película y estuvo muy bien, pues eso nos sirvió de prueba para ver qué

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tan bien fluíamos juntos. Después surgió lo de la serie y, bueno, es muy divertido y relajado estar con él, es muy inteligente, explica correctamente y no es disperso, además de que te deja proponer. «En México tenemos arraigadas las telenovelas y la gente cree que somos títeres, que hay que tomar la dirección que se nos dé al pie de la letra, pero para mí es muy importante que el director escuche propuestas antes de querer imponer algo, porque a veces las ideas de los actores gustan más. En el caso de Gustavo es muy cómodo trabajar porque recibe propuestas, además de que hace muy bien la comedia y el drama, cosa que no a todos les sale». - ¿Entonces para ti la dinámica perfecta entre director-actor es que haya retroalimentación en cuanto a propuestas? «Sí. El director siempre va a tener la última palabra, definitivamente, y siempre va a estar al pendiente de la historia y los personajes, además de que cuenta con la mejor visión, pero me gusta que vea correr la escena y la ajuste».

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- Cuéntame tu experiencia al trabajar en México y en producciones estadounidenses… «Ha sido increíble. Tengo la fortuna de ser mitad estadounidense y mitad mexicana, y siempre ha sido un plus no tener acento, me gusta mucho. Hice una película en Bulgaria y es ahí cuando exigimos un buen incentivo, porque la película se situaba en México pero como no hay dinero salió más barato llevarnos hasta allá; es muy divertido e impresionante cómo se recrea todo en el cine. También participé en Mozart In The Jungle, protagonizada por Gael García, algo que valió mucho la pena aunque mi colaboración fue muy pequeña, pues es muy grato ver a Roman Coppola dirigiendo».

- ¿Cómo trabajas al interpretar a personas estadounidenses y, por otra parte, mexicanas? «Es un poco complicado porque físicamente estoy en medio: no soy ni súper blanca, rubia, ni latina, y a veces es difícil convencer a la gente en cualquiera de los dos papeles, debido a los estereotipos. Al mismo tiempo esto me da la oportunidad de participar en ambos si en verdad me la creen». - También estás en La Vida Inmoral De La Pareja Ideal, de Manolo Caro. ¿Me puedes platicar un poco de tu participación y tu personaje? «No te puedo contar mucho porque la pelí-

cula está pronta a estrenarse, pero Manolo, un director con el que llevaba tiempo tratando de trabajar, me invitó a hacer un papel con un estilo de actuación que a mí me da terror, porque es sobreactuado y he intentado alejarme de él durante toda mi carrera: la farsa. Yo no quería que se me relacionara con personajes de ese tipo, pero es muy divertido hacerlo y he aprendido a relajarme. Estudié enfocada al drama pero me he dado cuenta de que también puede ser muy alegre hacer un papel y que me gusta hacer comedia. Un ejemplo es lo que hice en Club De Cuervos (2015)».

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Mi vida al volante Por Rubén Pardo

Piloto de Nascar, Equipo Citizen Potosinos - Toyota

ontaré un poco de mi historia. Todo empezó porque mi padre era piloto de carreras, claro, en plan de hobby, así que yo iba a las pistas o a los autódromos casi desde que estaba en la panza de mi madre. De ahí viene mi pasión y el gusto a este gran deporte.

campeón en cada una hasta que llegué a NASCAR México.

Mi inicio ocurrió en los go karts, de ahí fue creciendo mi gusto día con día; obvio, mi papá siempre puso reglas y obligaciones, y una de ellas, la más importante, era asistir a la escuela. Cuando todo empezó con mayor seriedad tenía 13 años, me involucré en el motociclismo hasta llegar a correr en los diferentes campeonatos de México, desde nivel principiante, a novato, hasta llegar a experto.

Mi sueño como piloto, por supuesto, era llegar al extranjero y correr en NASCAR USA, algo que cumplí gracias al apoyo y confianza de dos personas muy especiales en mi trayectoria: Carlos Contreras, el primer hispano en llegar a esta categoría, y Mike Vázquez, su representante. Cuando ocurrió no podía creerlo, pues en 2005 tuve un accidente en una carrera, en el que explotó el extintor del auto y tuvieron que realizarme ocho cirugías en las piernas, casi me amputan la derecha por un problema de circulación tras el percance y parecía que todo terminaba.

Por razones de crecimiento, seguridad y apoyo de marcas me enfoqué en el automovilismo y así empezó todo. En un año participé en ambas disciplinas, pero viendo que había más atención y publicidad en las carreras de autos volqué todo mi amor en las cuatro ruedas, formando parte de diferentes categorías en el país, siendo

Tras meses de recuperación, lo único en lo que pensaba era en regresar a las pistas y ganar. Así lo hice en la ciudad de Zacatecas y esto me abrió las puertas para ir a correr la NASCAR a Estados Unidos. Tuve la oportunidad de desarrollar cinco carreras como una especie de evaluación, y si todo iba bien me podrían conseguir un contrato.

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Entonces todo fue de menos a más. Primero tenía que entender el auto, pero mi mayor problema era el idioma porque no lo hablaba muy bien y menos en el aspecto técnico. Poco a poco fui ganándome el respeto de mi equipo y de las demás personas de la organización y del campeonato, y después de la quinta carrera me pidieron que corriera para el mismo equipo, con un contrato de tres años. 2006 fue mi primer año en Estados Unidos, donde gané una carrera y el título de Novato del Año, lo que me convirtió en el primer hispano en lograr algo así en cualquier categoría de NASCAR, un sueño hecho realidad gracias a muchas personas, mucho esfuerzo, dedicación, sacrificio y, sobre todo, a no perder el objetivo. Hoy puedo decir que esos tres años en el extranjero, de 2006 a 2009, fueron una etapa importantísima en mi vida, en las que pude correr varias fechas en diferentes categorías como IMSA, en un Porsche, y la Camping World Truck Series de NASCAR.

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Anuar Patjane Floriuk El mundo a través del lente Por Eduardo Salinas | Fotos: Cortesía APF

«La fotografía es un puente de emociones al mundo onírico. Es también el juego perpetuo entre la interpretación de un momento irrepetible en el espacio-tiempo y la posibilidad infinita de interpretarlo». Con esta premisa, Anuar Patjane Floriuk describe su pasión por la fotografía, un medio con el que transmite su realidad ya sea despierto o soñando. Anuar posee un estilo único, basta con echar un vistazo a sus cientos de retratos que congelan momentos que para muchos pasan desapercibidos, pero que con ayuda de su lente captura de manera inexplicable.

La fortaleza de su trabajo ha escalado grandes alturas. En 2015 su fotografía Whale Whisperer se convirtió en la ganadora del concurso anual que realiza National Geographic, elegida de entre 17 mil recibidas gracias a su enfoque y profundo significado. Es así como este artista nacido en Tehuacán, Puebla, se aventura día a día en nuevos escenarios —en tierra y bajo el agua—, para presentarnos fuertes pero sublimes imágenes que impactan desde el primer momento. - México es una país con un ecosistema y una diversidad natural infinita. ¿Has logrado sentirte en 106

otros países como lo haces aquí, al momento de tomar fotografías? «Cada país tiene lo suyo, pero es un privilegio vivir en México, con la biodiversidad y la variedad del paisaje tanto en tierra firme como bajo el agua; simplemente inigualable. Es una lástima que la violencia e inseguridad aísle tantos de estos lugares aunque, para algunas especies, seguramente es un alivio». - Tengo entendido que además de la fotografía, tu segunda (o primera) pasión es la antropología social. ¿De qué manera ambas disciplinas se han visto influenciadas o entrelazadas?

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«Empecé a tomar la fotografía de un modo más serio mientras estudiaba antropología, y al decir serio me refiero a prestarle atención al proceso en sí y no sólo al momento en que se fija la imagen en el negativo. Durante mi época en la universidad, curiosamente, la mayoría de mis buenos amigos y amigas eran excelentes fotógrafos y todo se prestó para que se volviera parte esencial de mi vida. El trabajo de campo antropológico, la camaradería bohemia, la música, fue la época en la que la magia del negativo comenzó a ser sustituida por la instantaneidad del sensor digital y la verificación inmediata de la toma.

«La antropología te da el bagaje ideológico, entrena el ojo y te ayuda a percibir la realidad de un modo más profundo, lo que da cierta claridad y encuentro muy benéfico para hacer fotografía. Mientras más puedas percibir mayor es tu abanico de posibilidades». - Muchos fotógrafos optarían por el color al realizar sus fotografías pero tú presentas la mayoría en blanco y negro. ¿Buscas un sello propio o equivale a una razón más profunda? «No es buscar un sello propio, es la sensación que me genera la fotografía al verla o el modo en que imagino la escena. Normal107

mente, antes de tomar una foto sé si será a color o en blanco y negro, es muy distinto componer una fotografía contemplando el color, para mí es demasiado rápida una escena como para medir el modo en que el color interactúa con el resto de las variables: curvas, líneas, sombras, claroscuros, el flujo de la escena… Componer una fotografía involucrando el color es como componer música para una orquesta completa, hacerlo considerando blancos y negros es componer para un piano. Simplemente se me da el piano y no el la orquestas».

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- La fotografía busca transmitir una emoción, ¿cuál crees que sea la primera sensación/impresión que la gente tiene al mirar tu trabajo? «Depende de qué fotografía sea, pues cada una es un puente a una emoción distinta y tocas el punto más misterioso de la fotografía: ¿Conecta con tus propias emociones?, ¿con las del fotógrafo?, ¿con un mundo emocional suprasensible colectivo? Esos son los tópicos y es la esencia de lo fotográfico». - Platícame acerca de tus fotografías en el océano, ¿qué te llevó a adentrarte en las profundidades

marítimas y cómo es toda la experiencia de convivir con estas especies? «Comencé a bucear por insistencia de mi madre, bióloga marina, y de una de sus mejores amigas, buza. A los 17 años me arrojaron a los Fiordos Noruegos con un neopreno de 10mm. Tardé un poco en encontrarle el gusto, en especial en esas aguas heladas, así que fue durante una expedición a Galápagos, en 2012, que compré una carcasa submarina para una cámara compacta y disfruté mucho haciendo fotos bajo el agua. Desde esa vez me engan-

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ché con la fotografía submarina, fue completamente accidental. «El medio acuático, por otra parte, es un sitio en el que me siento muy cómodo, más que en tierra firme; algo tiene el mar que te atrapa y no te deja ir. Al bucear y convivir con otras especies ocurre una conexión, especialmente si se trata de mamíferos. Ballenas, delfines, lobos marinos, suelen ser curiosos y siempre son ellos los que buscan conectar con el homo sapiens. A veces me sorprende cómo estos animales se siguen acercando a convivir, pese a

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todo el daño que les hacemos con nuestras brutales técnicas de pesca y toda la basura que arrojamos al mar. Deberían coordinarse y ahogarnos». - Convertirse en un fotógrafo reconocido no es tarea fácil, ¿cómo ha sido toda esta travesía y cómo avanzó al punto de tener portadas importantes como NatGeo y Shutterbugg? «Ha sido un proceso, una cosa lleva a otra, una publicación en una revista a un concurso, un premio a otra publicación, cada cosa va sumando y cuando te das cuenta ya estás surfeando

la ola. No soy bueno para voltear a ver atrás, siempre veo hacia adelante». - ¿Existen exponentes mexicanos a los que veas fuertes?, es decir, en tu visión de la escena ¿crees que hay talento que deba ser explotado en nuestro país? «En fotografía, las impresiones y trabajo fotográfico del maestro Julio Galindo, poco se habla de este personaje y es un genio de la lente y de todo el proceso. En pintura me encanta el trabajo de Ariadne Nenclares y en grabado lo que hace César Chávez».

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- No considero que exista una inspiración como tal en la fotografía, porque cada artista se enfoca en transmitir su propia visión de las cosas, pero es un hecho que tu trabajo ha sobresalido en otras latitudes y ha impulsado a jóvenes mexicanos a trabajar duro. ¿Cómo te sientes con todo esto? «No lo había visto desde esa perspectiva. Espero que más que poner el nombre de México en alto hagan lo que en verdad les apasione, si es la fotografía muy bien, que lo hagan, es lo que más necesita México y el planeta, gente haciendo lo que en verdad disfruta».

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Le Butcherettes TERI GENDER BENDER La furia como una forma de expresión Por Diovanny Garfias «Estaba con mis papás. Mi mamá estaba vuelta loca y muy encabronada porque mi papá había subido el volumen del estéreo al 100% (estaba borracho y acababa de comprar unas bocinas). El sonido que salía a todo dar me enchinó los pelos del cuerpo. La causante de la histeria era la ‘Sinfonía n.º 40’, de Mozart. Toda la tensión cinematográfica y vibrante que despertaba entre mi familia fue un momento muy impactante para mí».

lla es Teri Gender Bender, la mente detrás de Le Butcherettes, una mexicana destacada en el mundo de la música por su capacidad para entregar bestialidad sonora a través de las cinco cuerdas de la guitara cada vez que pisa un escenario. Sin embargo, en este momento no estoy frente a ese demonio de ropas escarlatas y maquillaje estropeado, mi pregunta me ha dejado de cara a Teresa Suárez, que viaja al pasado para recordar el momento exacto en el que tomó conciencia de la música, para nunca más abandonarla. «Antes de que terminara la sinfonía ya había llegado la policía y mi padre aún se rehusaba a bajarle, hasta que entraron a la fuerza, todo porque mi papá era un rebelde y para él el volumen alto era un lujo, decía que después de tanto trabajar pudo comprar sus bocinas y que era su derecho subirle “a la música de Dios”. «Recuerdo que le lloré a los policías y les supliqué que lo dejaran en paz, que sólo era música, pero nadie me veía… ¡sólo era una niña de tres años! Todo el drama envuelto con la

sinfonía me dejó queriendo crear algún sentimiento similar».

tes formas de expresión que se van convirtiendo en un movimiento visceral.

Hoy, Le Butcherettes es una de las bandas icónicas del punk contemporáneo, con tres discos en su haber (Sin Sin Sin, de 2011; Cry Is For The Flies, de 2014, y A Raw Youth, de 2015) y una trayectoria de casi 10 años, envidiable para cualquier proyecto independiente, basada en trabajo, esfuerzo y coherencia profesional.

«Guadalajara es una tierra preciosa que está siendo deteriorada por la forma en que la tratamos. La contaminación empeora y generalmente la mentalidad es muy cerrada, así que la gente que es diferente sufre mucho. Por otro lado, aquellos que se destacaron en determinado círculo social (escolar, familiar, laboral) buscaron formas de unirse a algo más grande.

Mientras Teri gesta nueva música, lista a ver la luz el siguiente año, y realiza una gira por Europa, nos enfrascamos en una charla en la que recorremos —en la medida de lo posible— un viaje a través de la psique de esta fiera concebida en el estado de Jalisco. - Le Butcherettes se originó en un momento en el que pasaban cosas bastante interesantes en Guadalajara, a nivel musical. ¿Qué factores crees que hicieron del estado algo tan fértil para la música en ese momento específico? «La opresión y el hambre, en todos los sentidos, pero sobre todo el deseo por investigar diferen-

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«Hay muchos factores. Hay que tomar en cuenta que muchos artistas también vienen de familias disfuncionales, muchos fueron abusados cuando niños y buscaron una forma de unirse a Dios, pero no aquel de la religión, sino el del todo, eso también puede formar parte del motivo por el que muchos han entregado su vida a crear; claro, muchos otros somos autodestructivos para poder llegar al proceso de sanarnos. Creo que al final buscamos sanar nuestra mente, calmarla, porque después de presenciar tantas injusticias uno se vuelve insensible e incapaz de relacionarse con el dolor, o uno explota y decide hacer algo».

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- ¿Qué crees que hizo que un proyecto como Le Butcherettes se volviera tan atractivo para el público global? «Es una buena pregunta, lo pienso cuando la gente va a nuestros shows o colaboro con personas que admiro. Creo que es cuestión de trabajar duro y disfrutar, no tomarte tan en serio, pero eso sí, debes proteger tu arte con la vida. Creo que Le Butcherettes tiene una historia muy distinta. Desde que perdí a mi padre (la razón por la que regresamos a Guadalajara) y me fui a Estados Unidos a seguir tocando con la banda… Es una historia de vencer muchos obstáculos y lograr cosas grandes, con muchas texturas tanto en lo personal como en lo artístico». - Si algo distingue a la banda son sus presentaciones en vivo. ¿Hay alguna que recuerdes con especial cariño por alguna razón en particular? «Recuerdo cuando disloqué el brazo de un hombre, en un show de 10 a 30 personas en un antro de narcotraficantes, en el corazón de Guadalajara. Fue un accidente hermoso, lo cargué sobre mi espalda y lo tiré al suelo, y cuando se levantó su brazo estaba colgando. Él sólo se reía y al final de la noche me dijo que le invitara una cerveza, que todo estaría bien. «Ese es el espíritu mexicano, nos sabemos llevar al extremo. Si eso hubiese sucedido en Estados Unidos o, no sé, en Dinamarca, me hubieran arrestado y demandado». - Justo ahora estás de gira por Europa. ¿Qué es lo que más extrañas de México cuando no estás aquí? «Extraño mucho mi cuarto en Guadalajara, era mi refugio cuando salía de la escuela. Extraño los paseos por la colonia Roma, la Condesa… antes de que fuera un lugar hipster [ríe]. Extraño a mis abuelitos y su casita donde siempre me hacen sentir bienvenida, también en Guadalajara. Extraño Avenida Chapultepec, donde iba a visitar a mis amigas; por ahí hay unos cafés deliciosos que jamás podré encontrar en ninguna parte del planeta. Extraño manejar en Guadalajara, es el único lugar en donde no temo hacerlo y no necesito un GPS. Extraño a mi hermano Erik y extraño tener 15 años, en los campos que están a

las afueras de Guadalajara, donde iba de vez en cuando con mis amigas a celebrar la vida y huir de nuestros miedos, con risas incontrolables». - Siendo una mujer mexicana que reside en el extranjero, ¿cuál es tu perspectiva de nuestro país? ¿Cómo lo ves desde afuera a nivel sociocultural? «Me da un bulto de coraje [sic] porque la mayoría de la gente ignorante ve a México como una fiera drogada. Creo que se debe a la burocracia y, sobre todo, a las grandes injusticias que suceden y la forma en que son transmitidas por los medios. Sí, puede ser una fiera drogada pero es mucho más que eso, es uno de los países cuya historia es de lo más inspirador, es surrealismo en su punto más fino. Si tan sólo supieran que hay tanto arte que sale de mi querido país a enriquecer la vida anglosajona. «Sí, México tiene problemas, pero ¿qué país no los tiene? Lo que más me entristece es cómo los americanos de ascendencia latina menosprecian sus raíces. Por otro lado, en cuanto más lejos viajo descubro que existe más admiración por México, pues hay un aire de romanticismo en lugares como Australia y Asia, por ejemplo. En Alemania también quieren mucho a los mexicanos, pero se ven pocos por Europa. «Creo que la bronca es la manera en que Esta-

«RECUERDO DESPERTAR, A LOS CINCO AÑOS, EN MEDIO DE LA NOCHE DE UN VERANO CALIENTE, CON UNA SENSACIÓN DE EUFORIA EN EL ESTÓMAGO, SABIENDO QUE ALGO ME IBA A SALVAR. TENÍA ENORMES SOSPECHAS DE QUE SERÍA MI CAPACIDAD DE CONECTAR CON LOS ESPÍRITUS Y TRADUCIRLO EN ALGO TANGIBLE». 113

dos Unidos ha tratado a los mexicanos que buscan alcanzar oportunidades nuevas. Es cuestión de vivir México, respirarlo, para así entender la belleza y el poema que es». - Regresando a lo musical, A Raw Youth es un disco más refinado y dinámico en cuanto a su sonido, sin perder la actitud punk del proyecto. ¿Fue complicado llegar a ese resultado? «Para nada, todo surgió de manera natural, sobre todo porque mi equipo, los ingenieros y el productor, me conocen muy bien y conocen muy bien a la banda. Cuando me comunico con ellos me entienden y confío mucho en Omar y en su sentido de producción, lo cual respeto mucho. «Antes de grabar vemos películas y le describo lo que quiero en cuestión de texturas y registros, a veces las uso para expresar bien el filtro de sonido que quiero en una canción, (por ejemplo) ‘Gloria’ (de John Casavettes), y de inmediato entiende a lo que me refiero. «También tiene que ver la consola que se usa en la producción. He tenido la suerte de trabajar con la de John Lennon (Neve 8068), pero siendo honesta nadie se va a dar cuenta —aparte de los ñoños— si una producción fue hecha con una consola de Talking Heads o con una moderna, de poca calidad».

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- Este nuevo disco, como Cry Is For The Flies, cuenta con varias colaboraciones. ¿Qué buscas cuando estás en el estudio con otro músico? y, en ese sentido, ¿cómo fue grabar con gente como Iggy Pop, Shirley Manson o John Frusciante? «No lo busco, sólo aparece frente a mí. Inconscientemente me relaciono con personalidades únicas, incomparables, gente con carisma. No se trata tanto de la técnica, sino de la huella que uno tiene en su estilo propio. «En ese sentido he sido muy afortunada de estar rodeada de gente que admiro y que, con la gracia de Dios, ha sabido apreciarme. No estaba acostumbrada a ese sentimiento cuando vivía en Denver o incluso al principio, en Guada-

lajara (muchos bullies), pero creo que el aprecio se gana, desafortunadamente. Quién sabe… fue increíble grabar con ellos, sobre todo porque fue muy tranquilo y el proceso siempre incluye hangear, y de ese hangeo y plática surge la inspiración para crear algo juntos». - Para terminar, siempre quise saber cómo se conocieron Omar (Rodriguez Lopez) y tú, ¿sabías que harían una gran mancuerna desde el primer momento? «Parte de mí presentía que me iba a encontrar con un ser que me entendiera y que me apoyara en el campo artístico, sin explotación alguna. Nunca imaginé que ese alguien sería Omar. Nos conocimos en el F-Bolko, en Guadalajara, donde Le Butcherettes estaba tocando. En ese momen-

to Omar me invitó a comer, porque de inmediato se interesó en producir un disco para mi banda». - Y terminó influenciando su sonido… «Su influencia en cada álbum es prominente, siempre he pensado que ayuda a que cada LP acabe de diez. Es lo increíble de trabajar juntos, cada vez entiende mejor la visión que tengo y por eso cada disco crece en cuanto producción, es una amistad que inspira de ambos lados». - ¿Qué es lo más valioso que le aprendiste? «Omar me recordó que soy una buena compositora, de música y letras, desde el momento en que lo conocí. Nadie me lo había dejado tan claro como él».

«TODOS LOS OBSTÁCULOS QUE SE HAN PUESTO FRENTE A MÍ, EN CUANTO A MI CARRERA, HAN SIDO CHISTES COMPARADOS CON LOS QUE ME HA PUESTO LA VIDA EN SÍ».

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MÉXICO EN EL MUNDO

Asami Shida Una japonesa muy mexicana y muy chida

sami trabajó en una empresa de música en Japón y luego se mudó a la Ciudad de México, en 2006, donde tuvo la oportunidad de vivir un año. Durante su estancia se enamoró perdidamente del país y, al regresar a Japón, lanzó un proyecto para promocionar la cultura mexicana allá. Decidió llamarlo Chido Project.

considera que además de esto existen múltiples atractivos y de ahí que el logotipo de Chido Project tenga un mariachi con guitarra eléctrica, tratando de representar la fusión entre lo tradicional y lo contemporáneo del imaginario azteca.

El objetivo de Asami fue mostrar los diversos atractivos que tiene nuestra cultura, tales como la música, el arte y la moda. Por eso Chido Project tiene varias funciones; es una disquera, organiza eventos y realiza exposiciones. Por ejemplo, se encargó de la edición nipona de discos de Natalia Lafourcade y Carla Morrison, además de impulsar giras y exposiciones de collages de la misma Lafourcade y colaborar con la diseñadora mexicana Alejandra Quesada para que jóvenes japonesas conocieran la parte kawaii de la cultura mexicana.

Actualmente Asami trabaja en otro interesante proyecto llamado MEXIKOKESHI, que fusiona la cultura mexicana y la japonesa. Kokeshi es un término japonés que define a un tipo de muñeca tradicional cuyos orígenes se encuentran en la parte norte del país asiático, región que en 2011 sufrió un terrible terremoto seguido de un destructor tsunami. Derivado de esta tragedia, Asami tiene dos importantes motivos para impulsar el proyecto: apoyar a los artesanos de muñecas kokeshi que sufrieron esta tragedia (ella les pide fabricar muñecas inspiradas en motivos mexicanos) y agradecer a México el apoyo que ofreció a los habitantes de esa región en un momento tan difícil.

Ella, quien se ha convertido en una especie de vocera para México, cree que es muy importante presentar aspectos contemporáneos y diferentes del país, ya que aún existen japoneses que piensan en esta parte del mundo y sólo imaginan un cactus, tequila y, por supuesto, el mariachi. Asami

En este contexto, la mencionada exposición diseñada por Asami, nos muestra las diversas muñecas kokeshi confeccionadas con madera del norte de Japón y decoradas por diversos artesanos mexicanos, quienes utilizaron técnicas ancestrales. Asimismo, incluye una serie de paneles con 115

explicaciones sobre los diferentes lugares en los que viven los artesanos, a fin de ofrecer un panorama más amplio al sofisticado público japonés respecto de México y su gran belleza. Hoy, Asami Shida, que reside en Tokio, explora la posibilidad de llevar esta interesante exposición a la Ciudad de México. Ojalá se realice pronto esta idea tan chida, para refrendar los lazos de amistad y buena voluntad que han existido entre ambas naciones desde hace más de 400 años.

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REVIEWS 22, A MILLION

Bon Iver Jagjaguwar

8.8

Cuando una banda o músico logra conseguir el éxito desde sus primeros lanzamientos la expectativa que genera puede ser inmensa, convirtiéndose en un arma de doble filo al generar una presión importante para futuros trabajos.

que lo ha posicionado ya en lo más alto de importantes charts en el mundo. Este material fue presentado en su totalidad en un performance como parte del festival Eaux Claires, en Wisconsin, Estados Unidos.

Al principio de este siglo, una nueva generación de músicos emergió con gran fuerza y pocos lograron superar esa presión. Uno de ellos fue Justin Vernon, mejor conocido como Bon Iver, quien con sus dos primeros álbumes, For Emma, Forever Ago (2007) y Bon Iver, Bon Iver (2011), conquistó el mundo a través de bellas letras y un sonido tan rimbombante como apacible. Varios de sus sencillos lograron colocarse en diversas películas, como en Wish I Was Here, We Bought a Zoo y The Judge, además de ganar dos premios Grammy en 2012, en las categorías de Mejor Álbum de Música Alternativa y Mejor Nuevo Artista.

Todas las letras de 22, A Million fueron concebidas por Vernon, pero en algunas contó con el apoyo de Ben Lester, BJ Burton, Sean Carey, Ryan Olson y Michael Lewis, siendo Burton el que aparece en tres ocasiones. El mismo Justin describe su creación como una colección de momentos sagrados y tormentosos, ya que la contextualización de algunos recuerdos intensos en su vida se ven plasmados en ella. La intensidad de sus letras incrustadas en cada una de las canciones puede ser el secreto para la salvación del amor y la transgresión del odio, viéndolo de manera subjetiva.

Después de cinco años, Vernon retoma el camino y sigue sorprendiéndonos con el talento reflejado en su tercer disco, 22, A Million, mismo

Al empezar a desmenuzar esta placa nos topamos con ‘22 (OVER S∞∞N)’, un tema relajado y aspiracional, con tonos celestiales y coros angelicales distorsionados por sintetizadores que

nos introducen de manera satisfactoria al disco, mientras ‘10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄’ es más enérgica y estruendosa, con drums al son de guerra que enaltecen este himno que fomenta la locura y la sicodelia. Ya para ‘715 - CRΣΣKS’ escuchamos a Vernon recitar con voz retorcida, sin acompañamiento alguno. ‘33 “GOD”’ es la más gloriosa y emocionante, pues a pesar de que sus hermanas conservan regularidad, este cuarto tema presenta picos rítmicos que se elevan a lo máximo. Otra canción destacable es ‘29 #Strafford APTS’, donde la protagonista es la guitarra acústica; en ‘666 ʇ’ la intención es explorar la diversidad de instrumentos y mantener al escucha atrapado, y ‘8 (circle)’ tiene un solo de saxofón que reconforta el alma. En términos generales hablamos de una de las mejores producciones de este 2016, una placa magnífica que sintetiza perfectamente el sonido y la carrera de Bon Iver en tan solo diez temas. -Eduardo Martínez

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REVIEWS WALLS

Kings Of Leon Sony Music

6.0 A tres años del lanzamiento de Mechanical Bull, ocurrió el esperado regreso de la aclamada agrupación Kings Of Leon, la cual ya no resulta desconocida ni poco familiar para muchos gracias a la propuesta fresca que los introdujo en el gusto de más de uno, con álbumes como Youth & Young Manhood (2003) y Only By The Night (2008). WALLS es el título de esta nueva placa, la séptima en su carrera. Un sabor a nostalgia llega desde el momento en el que ‘Waste A Moment’ arranca, ya que el estilo tan peculiar de los Followill se hace presente para recordarnos quiénes son; sin embargo, cabe resaltar que algunas canciones siguen siendo fieles al sonido que los caracteriza, sin sentir la necesidad de ahondar en terrenos aún desconocidos, a excepción de casos como ‘Around The World’ y ‘Muchacho’, que lo intentan sin concretar el recurso. En la mayoría de los momentos de este material se siente una línea semejante a sus últimos discos y parece que estamos en un punto en el que Kings Of Leon se siente en plena confianza de entregar lo que uno esperaría de ellos.

THREE

Phantogram Republic Records

7.0

-Harold Rentería

Phantogram ha sido constante al momento de lanzar música. Hace apenas dos años nos presentó Voices, su tercer álbum de estudio, y ahora, dos años después, Sara Barthel y Josh Carter nos dan la oportunidad de escuchar Three, producido por Ricky Reed. Este trabajo está rodeado de varias colaboraciones importantes, con nombres como Miley Cyrus, Skrillex y Big Boi (OutKast). El estilo peculiar de la banda —protagonizado por guitarra y sintetizadores—, sigue presente en esta entrega, con temas más revoltosos entre los que destaca ‘Same Old Blues’ y ‘Cruel World’, encargados de marcar la revolución sonora en los 37 minutos que la placa tiene por duración. ‘Run Run Blood’, por otra parte, tiene en sus entrañas una mezcla de instrumentos exquisita; ‘Destroyer’ es el temas más popero y ‘Funeral Pyre’ nos prepara para escuchar un híbrido surgido a partir de las rítmicas mencionadas. En esta ocasión, Phantogram nos muestra una faceta diferente, alejada de ese sonido indie que los caracterizó para irse de a poco a lo mainstream, justo como sucedió en su momento con Calvin Harris o Sia, lo que justificaría la producción a cargo de Reed. -Eduardo Martínez

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ENGLISH FEATURES â&#x20AC;&#x201D;

TUPAC MARTIR PG. 116

REBOLLEDO PG. 117

ALE GUILMANT PG. 118

LE BUTCHERETTES PG. 119

ENCORE PG. 120

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TUPAC MARTIR A LIGHT SHINING FAR AWAY By Raúl Arce

The speech about the global world is beginning to sound old and boring, is something that we have learned to embrace as a reality we got into almost unwillingly. However, there are people -most of them from the creative industry and science- who decided to leave motivated by a different reason: the drive to expand their creative horizons beyond the Mexican borders, in some cases, finding support and acknowledgement in other countries. One of those cases is the visual designer Tupac Martir, a well accomplished character within the creative and fashion world in the U.K. and most of Europe, who has worked with bands like Porter and Austin TV, designers such as Alexander McQueen and Hugo Boss and put on shows for UNKLE and Beyoncé. -There may be a lot of people in the bussiness who are familiar with your work, but if someone get to

read your name for the first time in this interview, how would you explain your work? I’m a visual artist for live entertainment, that’s the short version. I began as a painter and the way that I work is always based in the painting techniques that I learned. Parting from that, I do printmaking, drawing, photo, video ... and by fate, the world took me to live entertainment, there I learned how to do set design, visual, light, puppets and everything you can imagine, but what I like the most, is live entertainment; I love to see the reaction of people when things are happening. I’ve been invited to work in so many movies and have turned the offers down because they don’t have the same feeling, and the things I do are like that, there is no “cutting” or “editing” at all, none of that, perhaps we have to do another take, but we shoot the entire song, because ultimately you must get that feeling of the live experience when you look at something, and that fascinates me.

Sometimes we feel like Mexican talent is more appreciated overseas than here. How do you feel about it? I don’t think I need anyone’s recognition, I just don’t do things because I want the world to praise me. As long as the designer, band or artist is happe, it’s fine to me, they are the people that I have to keep happy. Maybe there is an audience -in my line of work there is an audience most of the time- and if they like it, great; I mean, I don’t expect people to know who I am, for the same reason that no one goes and do some research about who Andi Watson or Willie Williams is. However, Andy is the Radiohead’s designer, and when people say “Oh man, Radiohead looks amazing” I think: no, Radiohead sounded amazing, but the one who looks great is Andi! I feel frustrated when people say how much they liked the U2 show, because when the band plays is all fine, buy what you’re really seeing is Willie Williams.

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MAURICIO REBOLLEDO HERE COMES THE WARRIOR

By Alejandro Altamirano | Translation by Raúl Arce

Even if it looks easy, the path that Rebolledo had to walk to be in the position he currently is, was far from being simple, he had to cope, like many mexicans, with the disdain of his own country, a situation that instead of slow him down, boosted him to move and to consolidate his personal work, as well as his project with Aksel Schaufler (Superpitcher): The Pachanga Boys, both of those acts led him to perform at some of finest electronic music festivals in the world: MELT Festival, Primavera Sound, Wire Festival and several editions of MUTEK.

the best way to promote the stuff made in Mexico? Being in Mexico is a pleasure, but being here (in Europe), playing in different places, festivals, legendary clubs really makes me feel accomplished. There are so many things that I couldn´t have in Mexico; is more diverse here. Just to mention an example, the next 3-4 days I´ll be in Poland, Cologne and Ibiza: three different places that are relatively close, that offer me an experience that I could never have in Mexico. I think is important to seize the opportunity when the doors are open for you.

Where are you? What are you doing? And, how would you like this year to finish? I’m in Paris, my workplace, where I spend most of the time and I move from here to all the places in my tour. From now on, until the end of the year I’ll be totally involved in my work, with an European Tour, a visit to Argentina and, in December, back in Mexico with Pachanga Boys.

Do you think that the success is a mean or a goal? I think is a mean. Just to begin, it’s something relative; parting from the fact that I’ve been doing well, I don’t think that I’ve reached the end of the line. The good thing about success is that opens so many doors for you, and just because things are going great for me, doesn’t mean that I’m just going to sit and rest, all the opposite, I’m constantly looking for new projects, taking advantage of the platform I already have.

Unlike some other successful Mexicans, you spend more time abroad than here. Does this make you feel like an outsider of the national scene?, or perhaps you think that this international exposure is

In Mexico, unlike other countries, we struggle to be open for new things, music genres included. Do you think that’s the reason why some Mexicans

are more recognized in other countries than here? I think it depends more on the history of each person and the things they do. If you keep a certain quality level and you are driven, it’s easier to get a response. My beginnings in Mexico meant a lot of hard work for me and back then I felt like I was going nowhere, things weren’t going well, and the fact that everything started to work when I left, led to other stuff to happen, even returning to my country and having a better perspective towards my career. Personally and professionally, what are the goals that you still have to achieve? I’m someone who almost never feels like has finished something, I’m always thinking in the next project. Professionally, I want to release new material, on my own or with Pachanga Boys. I also would like to focus on new stuff, not just in music, but, to mention something, an eco-touristic project, I want to get involved in projects beyond just shows and music. To wrap it all, tell me something that all new artists should avoid in order of have success. Don’t rely on anyone. The best is to open your own path with your talent and your art.

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ALEJANDRA GUILMANT BEAUTY IS THE WEAPON

By Diovanny Garfias | Translation by Raúl Arce

In 2014, Playboy celebrated its 60th anniversary with a magazine that portrayed Kate Moss in the cover, THE top model, an issue for collectors, because of the tradition of the outlet and the magnitude of bringing both of these elements together, without any shade of doubt, one of the greatest moments of pop culture and print media of this decade. There was, however, something that attracted the spotlight as soon as the magazine was released. A photo shoot by the renowned photographer David Bellemere, with Barcelona as the warm frame of a photo that just came to life, and in the center of everything, a young Mexican model in her twenties, who impressed the whole world. By then, that exact day we all started Googling the name of that model, Alejandra Guilmant, because we wanted to know the story behind this native of Mexico City. Today, three years later, I have the opportunity to speak with Ale, whose career changed radically after that shooting. You appeared in Playboy magazine in the edition of its 60th anniversary and suddenly all of us turned around to see you, what is the story behind that shooting? First they talked to me about the project. There were rumors that Kate Moss was on the cover

(but nothing confirmed) and my agency in Germany, Model Work, spoke to my agent and said, “Look, we do not bring Ale´s self-esteem up, but the options are her (they usually have plan a and plan B in shootings) and Eniko (supermodel). We were both options. I thought that since it was Playboy, it obviously would be a full nude, with one of the best photographers in the world. So there were two ways, whether my career was about to begin or just coming to an end, although it had already started, it was a matter of giving it a twist. I asked for two days to think about it and they said I could cancel it if I wanted. I spoke to a very good of mine, a photographer who has been my mentor, Greg Kadel, who works with Vouge, Victoria’s Secret and others, I know him since I started at 16. I just told him in a message about the proposal, the photographer, the location and everything else. I asked him if I should do it or not and all he just told me, “do it” ; At that moment I emailed my manager with a simple “I’m in”. It was just about waiting for their decision, was it me or Eniko, They told me, “we’ll do it, this is really weird because you do not have the experience as her …” and I just thought it would be really cool. After these photos your name became well known in Mexico, yet you already had an outstanding career abroad, how did you feel about it? I’ll be super raw and honest, I think they treat me better abroad than in my own country and

that makes me really sad, not for me, I’ve already got to a certain place, I did Vogue, Harper’s Bazaar, the 60th anniversary of Playboy with Kate Moss, I mean, that’s it, if I retire is ok, but what about the girls who are beginning?. Mexico is such an unsupportive country that never helps us, so we have to go abroad, to the United States or Europe, we have to make it there. And then, all the eyes are on you… When they see what you are accomplishing all your goals, they ask you to come back to Mexico, and do all the covers and editorials, but when you’re here, beginning, you’re not even call to castings. For instance, there is this girls who is doing a lot of catwalks, opened for Dior, worked with John Galliano and she’s just 16. She was never interviewed or photographed for any magazine, and just when she is getting a lot of shows, they’re begging her to be in the cover. Why do they do that for? They should be considered so when they come to the U.S, they already have a strong portfolio, like they do it in Brazil, where they make their women top models, like Gisele Bündchen, who left Brazil as one, and came to America with a lot of boost from her country. It’s something we lack in Mexico, support the talent, musicians, stylists, filmmakers, everything. We have to help each other, because if not, we’re not going to make it.

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LE BUTCHERETTES

TERI GENDER BENDER ANGER AS A FORM OF EXPRESSION By Diovanny Garfias | Translation by Raúl Arce

«My mom was really pieced off because my dad just had turned up the volume of the audio system up to 100% (he was drunk and he had bought a set of speakers). The loud sound coming out gave me the chills. The reason: the 40th by Mozart». That’s Teri Gender Bender, the mastermind behind Le Butcherettes, an outstanding mexican within music world because of her ability of delivering sound bestiality through the five strings of her bass every time she’s on stage. «Before the symphony was over, the police had arrived and still my father was refusing to turn it off. I remember I cried and beg the policemen to leave him alone, that it was just music, but no one even saw me...I was just a three year old girl!» Today, Le Butcherettes is one of the iconic bands of contemporary punk, with three albums (Sin Sin Sin, from 2011; Cry Is For The Flies, from 2014, and A Raw Youth, from 2015) and an almost 10 years career, they are the object of envy of any independent project, based on hard work, effort and professional consistency. Why do you think that a project like Le Butcherettes became so attractive for global audiences?

I think it’s a matter of working hard and enjoy, of not taking it so seriously, but yes, you must protect your art with your own life. I think Le Butcherettes has a very different story ... It is a story of overcoming too many obstacles and achieve great things, with many textures both personally and artistically. The live act is a trademark of the band. Is there any particular gig that you can recall fondly? I remember when I dislocated the arm of a man, in a show for 10 to 30 people at a drug dealers club in the heart of Guadalajara. It was a beautiful accident, I carried him on my back and threw it to the ground, and when he got up his arm was hanging. He just laughed and at the end of the night told me to buy him a beer, that everything would be just fine. Being a mexican woman living abroad. What is your perspective on our country? How do you see it from the outside, culturally speaking? It gives me like an anger lump [sic] because most ignorant people see Mexico as a fierce drugged beast. I think it is due to bureaucracy and, above all, the great injustices that happen and how they are transmitted by the media. Yes, it can be a beast drugged but is much more

than that, it is a country wih the most inspiring history, is surrealism at its finest. Yes, Mexico has problems, but what country doesn’t? On the other hand, the farther I travel I find that there is more admiration for Mexico, because there is an air of romance in places like Australia and Asia, just to mention some. In Germany Mexicans are loved, but you can’t see many of them in Europe. Cry Is For The Flies has several collaborations. What do you want when you’re in the studio with another musician? How it was, recording with people like Iggy Pop, Shirley Manson or John Frusciante? I don’t look for it, only it appears in front of me. I unconsciously relate with unique personalities, people with charisma. Is not so much about the technology but the footprint that you have in your own style. In that sense I have been very fortunate to be surrounded by people I admire, people that appreciate me. It was amazing recording with them, especially because it was very quiet and the process always includes hanging out, and from that ‘hanging around’ and long conversations, inspiration emerges to create something together.

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ENCORE

BOB DYLAN Nobel Prize for Literature

Born Robert Allen Zimmerman in Duluth, Minnesota, Dylan got his first guitar at the age of 14, and so he began his artistic career alongside rock’n’roll bands that performed in his high school. He is considered as one of the most influential figures in contemporary popular culture, even though his work has been highly criticised by many people. For more than sixty years, Bob Dylan has remained as an artistic icon, owing to his unique voice and poetic lyrics about war, heartbreak, betrayal and death. This year, the great Dylan was awarded with the Nobel Prize for Literature, a remarkable acknowledgement of his abilities as a writer. Permanent secretary of the Swedish Academy, Sara Danius, shared a brief speech regarding this important recognition: “We’re really giving it to Bob Dylan as a great poet – that’s the reason we awarded him the prize. He’s a great poet in the great English tradition, stretching from Milton and Blake onwards. And he’s a very interesting traditionalist, in a highly original way”.