BON IVER OTRA FOTO DE PORTADA 22, A Million, el tercer álbum en la carrera de Justin Vernon, mejor conocido como Bon Iver, es un disco tan críptico como interesante y caótico. En esta oportunidad Bon Iver busca resolver los cuestionamientos espirituales con los que ha cargado por más de dos décadas, intentando encontrar la comprensión de si mismo a través de la música. El curioso nombre surge a partir de la creencia que el músico tiene acerca del número 22, una cifra que se ha presentado en diversas ocasiones a lo largo de su vida, marcándolo y siendo un símbolo importante. Por otro lado, A million, es el resto del mundo, las millones de personas que nunca conocerás, lo infinito y lo que no termina. Acompañamos a Vernon en el lanzamiento de este atípico material en exclusiva para América Latina.
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Felicity Jones se ha convertido en una gran promesa dentro del espectáculo debido a su participación en The Theory of Everything, filme de 2014 en el que da vida al personaje de Jane Wilde Hawking y por el que obtuvo nominaciones al Golden Globe, el BAFTA y el Oscar. Antes de incursionar en el medio del espectáculo, Felicity trabajó para Dolce & Gabanna y Burberry, dos de las marcas más famosas dentro del modelaje. Además de ser
modelo y actriz, Jones cuenta con estudios en la Wadham College de Oxford y, para sorpresa de muchos, ha sido parte de la serie radiofónica The Archers, producida por Radio 4, de la BBC. 2016 ha sido un gran año para la actriz británica, con participación en películas como A Monster Calls, Inferno y claro, Rogue One: A Star Wars Story, el primer spin-off de la saga de Star Wars, una de las cintas más esperadas de 2017.
HOT HOT HIT
FELICITY JONES Por Diego Cabrera Foto:
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PROFILE
LEITVOX Por Javier Cuellar Integrantes: Christian Cooley | Lugar de origen: México | Año de formación: 2010 Influenciados por: Portishead, NIN, Massive Attack, UNKLE. leitvox.com
Los recuerdos sónicos de aquel trip-hop británico de los 90 son el condimento principal de la propuesta de Christian Cooley. Partiendo de lo anterior no es de extrañar que previo a lanzar su proyecto, Leitvox, haya residido en Londres para nutrir su genio creativo. Hoy, este mexicano que ya da de qué hablar apoyado en su vasto conoci-
miento en programación y diseño de audio está en la mira gracias a su nuevo material discográfico Floating Promises. Dicho álbum cuenta con colaboraciones de Ilan Rubin (Lostprophets, NIN), Gus Gus, Gavin Clarke (UNKLE), Panóptica, Reuben Wu (Ladytron), entre otros. El sonido de Leitvox, basado en electrónica, alternativa y rock, no sólo
cubre los requerimientos que una propuesta de tales tamaños requiere a nivel producción, sino que pasa la prueba con creces, aderezando con grandes dosis de creatividad sónica. Mientras Christian imagina y deja plasmado su siguiente vástago musical, Leitvox es uno de los obligados a escuchar en lo que resta de este 2016.
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BLEACHED NOT GIRLY PUNK Por Eduardo Salinas Foto: Nicole Anne Robbins
Desde el momento en que la música llega a nuestras vidas nos enfrentamos a la decisión inconsciente que define nuestro gusto y que además nos inclina, involuntariamente, hacia un estilo que nos acompañará por siempre. Jennifer Clavin nació con una distinción peculiar, desde joven mostró simpatía por las guitarras y, de la mano a esto, una pasión absoluta por la composición de canciones. Con los años y junto a su hermana logró fusionar sus pasiones en un proyecto musical al que llamaría Bleached, influenciado por el punk y la anarquía, con aires de frescura gracias a acordes distorsionados y coros envolventes. Su éxito alcanzó grandes niveles y puso en alto el talento que ambas poseen. Este año, Bleached lanzó Welcome To The Worms, un disco que replantea su sonido y coloca a la banda en una nueva etapa. Platicamos con Jennifer Clavin, líder y vocalista del proyecto, aprovechando su visita a México. - Cuéntame de Welcome To The Worms. ¿Por qué decidiste llamarlo así? «Porque queríamos hacer un álbum honesto, y cuando leí la frase en un pedazo de papel dije, “¡Wow! Está increíble”, pues reflejaba ese sentido oscuro de la vida, la tristeza, todo en un mismo paquete. En este álbum quisimos dar la bienvenida al lado oscuro, no dejarlo de lado.» - ¿Cómo fue el proceso creativo y de composición para este álbum? «Fue un proceso muy largo. Yo escribí sola la mayor parte, aunque por momentos la bajista se me unía. Íbamos al valle a componer y estábamos un tiempo ahí. Todo resultó maravilloso, fue algo que marcó mi vida.»
- ¿Cuál es el sentimiento más fácil de distinguir en este disco? «Creo que dejé muchas cosas muy profundas ahí, también a muchas personas, es un disco muy honesto y sé que ayudará a aquellos que han pasado por lo mismo. Anoche, por ejemplo, algunos fans me dijeron que las canciones los apoyaron en momentos difíciles. Creo que ese es el resultado de ser honesto contigo y superarlo, saber que pasará y recordar que la vida es en parte una broma, así se disfruta más, si no sería un poco aburrido.» - Cuéntame, ¿cómo fue que diste con la música punk? «Probablemente esté en nuestras venas tocar
punk, no sé, no siempre pienso en eso. A veces siento que hago algo diferente cuando en realidad no. Tratamos de hacer rock también, pero al final siempre terminamos en lo mismo, creo que es algo en la sangre [ríe].» - ¿Cómo es el trabajar con tu hermana?, es decir, ¿lo vuelve más fácil? «Es muy cool, porque obviamente crecimos juntas, cada quien sabe su rol en la banda, lo que le toca hacer, y es muy fácil trabajar porque no hay egos entre nosotras, si alguien tiene una idea la comparte, y si nos gusta o no lo decimos, además, tenemos esa conexión de hermanas. Hacemos cosas que nos gustan.»
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THE WAY TO WEAR YOUR HAT Por Naomi Palovits Fotos: CortesÃa Gladys Tamez
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Lady Gaga en la portada de Joanne, usando el sombrero creación de Gladys.
Gladys Tamez
Lady Gaga es la figura más extravagante y provocadora en la historia del espectáculo, después de David Bowie. Desde su llegada a la escena musical, la neoyorquina ha colaborado con los directores creativos y estilistas de moda más arriesgados y talentosos del mundo para llevar sus ideas hasta las últimas consecuencias, entre ellos Brandon Maxwell y Nicola Formiccetti. No obstante, desde aquel polémico vestido de carne cruda Lady Gaga ha madurado en todos los aspectos, y su estilo también ha experimentado una evolución, tal como podemos observar en su más reciente álbum Joanne. Sin embar-
go, es el sombrero que usa en la portada de su quinto álbum el que está dando mucho de qué hablar, creación de la mexicana Gladys Tamez, diseñadora de gran fama en Hollywood y de las favoritas de Gaga; Cher, Johnny Depp, Rihanna, Beyoncé y David Bowie han pasado por su tienda en Los Angeles. Gladys Tamez es uno de los casos de éxito que debemos celebrar, ya que ha logrado muchísimo en muy poco tiempo. Mientras nadie lo sospechaba, ella se introdujo a un mercado en el que la competencia es casi nula, identificando y aprovechando todas las oportunidades sin perder de vista su misión:
“crear sombreros de la más alta y exquisita calidad”. - ¿Cómo fue que acabaste haciendo sombreros? «Todo empezó en un viaje a Vitoria, España, donde conocí a una familia de sombrereros con cuatro generaciones dedicadas a esto, fue ahí donde me enamoré del proceso aunque el sombrero siempre estuvo en mí al venir de una familia taurina. Mi padre es dueño de la Monumental Plaza de Toros de Reynosa y, como sabrás, el sombrero se utiliza mucho como espectador, el cordobés, que integro en todas mis colecciones con diferente diseño, ¡es un clásico!»
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- ¿Cómo surge la colaboración con Lady Gaga? «Nos conocimos por una amiga mutua muy querida. Tengo dos años confeccionando sombreros para ella y empecé haciéndole gorras oversize y llevándole diferentes estilos a su casa en Malibú, este es un servicio que ofrezco bespoke, en el que yo voy a casa de los clientes.» - Imagino que es muy divertido trabajar con la cantante. ¿Cómo fue el proceso creativo? «Me encantó el proceso con Lady Gaga porque es fácil diseñar para una persona tan talentosa y con
tanto estilo. Esta vez me pidió colores pasteles, especialmente el rosa, que es su favorito.» - Ese sombrero representa la nueva imagen de Gaga y ahora está en todos los medios… vaya, hasta tiene su propio ícono… «Un día antes del lanzamiento supe que llevaría el sombrero en la portada del disco, fue una sorpresa total. Los sombreros que Lady Gaga utiliza son de dos estilos diferentes: uno es el del álbum —en honor al disco lo llamé Joanne—, rosa pálido, con una banda de víbora blanca, y el otro es Lady Bianca, con listón rosa del mismo
tono. Aún hay más diseños, los puedes ver en gladystamez.com. - ¿A quién te gustaría agregar a tu lista de clientes? «Me encantaría hacerle un sombrero a Hillary Clinton.» - Quienes no somos famosos, ¿qué tenemos que hacer para conseguir un sombrero de tu firma? «Lo pueden hacer a través de mi sitio web o con un email a g@gladystamez.com para concretar una cita y crear algo a la medida. En este caso el cliente viene a mi estudio, le tomo medidas y juntos decidimos qué sombrero y color le queda mejor.»
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MANSIÓN DEL CONDE HOTEL BOUTIQUE UN LUGAR PARA DISFRUTAR DE 2017
Portal Hidalgo #3, Centro. Atlixco, Puebla. 74200.
Mansión del Conde Hotel Boutique se ubica en Atlixco de las Flores, Puebla, donde el clima es templado la mayoría del año, por lo cual también se ha adoptado el dicho de ser el lugar con “el mejor clima del mundo”. La sede cuenta con 12 lujosas habitaciones, de las cuales dos son suites con jacuzzi, finamente decoradas en un estilo moderno que incluye elementos regionales mexicanos. Para hacer la estancia del huésped lo más agradable posible todas las ventanas y las paredes
han sido diseñadas para no dejar pasar ruidos, con la finalidad de que haya un verdadero descanso al hospedarse en el hotel.
Cuentan con una terraza con alberca que tiene una maravillosa vista hacia los volcanes, la Catedral y el Zócalo de Atlixco.
Algunos de los servicios que ofrece Mansión del Conde son: restaurante; room service; concierge; sala de juntas; spa que incluye jacuzzi, masajes, temazcal y alberca; salón de juegos; billar; sala con chimenea; sala de TV y cava de vinos.
Por otra parte, el restaurante Vittorio’s en el Zócalo de Puebla, que tiene 36 años de antigüedad, también es de ellos y la cocina es fusión poblana-italiana. Próximamente se abrirá una Mansión del Conde en el Centro de Puebla, con una estructura arquitectónica del siglo XVII, la cual contará con 28 habitaciones con el mismo estilo y tendrá vista a la Catedral de Puebla.
En la planta baja está la Boutique Santa Marta, en donde hay una selección cuidadosa y exclusiva de arte y diseño principalmente mexicano.
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LORENA SARAVIA + CHRISTIAN JEAN Entrevista: Carolina Quintana | Texto: Jessica Vergara | Foto: Ana Lorenzana
Cuando una persona tiene talento no necesita expresar ni una sola palabra, dejando que su trabajo sea la tarjeta de presentación para el mundo. Este es el caso de Lorena Saravia, la diseñadora mexicana que ha sorprendido a la crítica con sus colecciones en los eventos más importantes de moda a nivel nacional e internacional. En esta ocasión, Lorena nos maravilla de nueva cuenta a través de su lado musical en una colaboración con Christian Jean, vocalista de la banda mexicana Reyno. En esta perfecta fusión de música y moda la diseñadora creó una pieza especial para Christian, la cual enmarcará la silueta del cantante en algunos de los conciertos más significativos de la agrupación de la que forma parte. Es la misma Lorena quien nos cuenta cómo surgió la idea detrás de la chamarra. - Cuéntanos acerca de esta colaboración. ¿Cómo nació la idea de crear la chamarra para Christian?
«Creemos que los diferentes movimientos culturales son propuestas de valor que se deben sumar para crecer. Hacer una pieza especial para alguien que pertenece a una rama artística que es importante para la moda tiene mucho valor.
para la banda, como el concierto de cierre de gira.» - ¿Qué materiales utilizaste? «Es gabardina negra con detalles de un hilo trenzado en seda negros.»
«A parte de la relación personal existe una admiración profesional. No es la primera vez que colaboramos con él. Christian nos ha apoyado en diferentes presentaciones musicalmente y cuenta con varias prendas de la marca, hechas especialmente para él. Cada vez que intercambiamos ideas es un crecimiento creativo con resultados muy padres.»
- ¿Cómo lograste plasmar la esencia de Christian en una prenda? «Después de una increíble relación de amistad y admiración profesional creo que llegamos a un resultado que identifica a Chris. Para mí lo más importante es que se la quiera poner siempre, no nada más en un ambiente laboral.»
- ¿Cómo fue el proceso detrás de la creación de la chamarra? «Esta vez interpreté algo que tenía ganas de hacer. Con Chris afinamos algunos detalles específicos, quería que fuera sorpresa y que la pudiera utilizar en un evento importante
- ¿Crees que trabajar con bandas nacionales ayuda a impulsar la industria de la moda? «La música es algo importantísimo para la moda. Tener la oportunidad de colaborar con gente tan creativa, de otras industrias, es muy gratificante para la marca y para mí a nivel profesional.»
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CHVRCHES LEAVING A TRACE Por Alonso Valencia
Con un disco que le dio una nueva vida y sintonía al panorama pop, basado en sintetizadores en 2013, CHVRCHES revitalizó el espectro musical gracias a la combinación surgida de la experiencia de Iain Cook, la propuesta de Martin Doherty y la melodiosa voz de Lauren Mayberry. El trío de Glasgow logró conquistar el mundo con The Bones Of What You Believe, un primer material que contenía los matices indicados para complementarse y convertirse en un clásico, en un nicho que había sido inexplorado por varios años. Dos años después, con la experiencia de una gira mundial y el reconocimiento de una fresca base de fans, CHVRCHES volvió con Every Open Eye, tratando de insertar el crecimiento personal de cada uno de sus miembros para así entregar un complicado sophomore record que, pese a fallar en algunas notas que su predecesor logró, se siente como el complemento perfecto de un sonido ya establecido. Durante su segunda visita a México, como parte de la promoción de su segundo álbum y con un lugar dedicado sólo para ellos, CHVRCHES habló con WARP Magazine. Lauren comienza platicando precisamente sobre Every Open Eye y la experiencia que necesitaron para su creación: «Al tener un álbum que significó tanto para nosotros era claro que había altas expectativas. Creo que no sería creíble el no esperar nada de la banda o no recibir atención, tuvimos la llave para dar todo de nosotros y tratamos de divertirnos en el estudio. Fue intenso, pero nos sentimos orgullosos de lo que logramos. «Creo que los shows en vivo desarrollaron acciones para crear el segundo álbum. Al estar de gira por dos años nos dimos cuenta de cómo queríamos que fuera y sonara la banda y, personalmente, ahora me siento mucho mejor. Todo se trata de comunicación y creo que lo hacemos muy bien con el público. Ver que la gente se sabe las canciones que no suenan en la radio es increíble, es muy positivo.» Hablando precisamente de la experiencia de CHVRCHES en vivo, es muy sencillo notar que Lauren Mayberry no sólo creció en el aspecto personal y musical, pues su presencia en el escenario es totalmente distinta a aquella primera vez que tocó tierras mexicanas. «La pasamos increíble la última vez que tocamos aquí, en Corona Capital, no esperábamos tal recibimiento de los fans mexicanos.
La gente es muy cálida, amigable y considerada», contesta Martin acerca de la experiencia que marcó a la banda durante su temporada de festivales y su visita a México. Por otra parte, Iain comenta: «Creo que esto tuvo un gran impacto en nosotros y en el primer álbum, al punto que quisimos asegurarnos de volver a varias partes del mundo. Era muy importante venir a México, nos emociona porque la primera vez no esperábamos tal recibimiento.» Su presencia en el escenario se basa en inspiración. En una primera ocasión, la banda mencionó que una de sus principales influencias es Depeche Mode. Durante esta nueva charla, Iain Cook aprovechó para hablar sobre la expectativa que tiene respecto al nuevo trabajo de la banda liderada por Dave Gahan: «Depeche Mode es, definitivamente, una de nuestras bandas favoritas, y nos inspiró mucho para crear lo que es CHVRCHES. No estoy muy seguro de que su próximo material sea un lanzamiento masivo como Delta Machine (2013). Es de esas bandas que aún lanza material de alta calidad y no sé qué pensar, probablemente haya sorpresas. ¡Las estoy esperando!» Después de hablar de Depeche Mode, CHVRCHES, una de las pocas bandas escocesas consolidadas en los últimos años, se muestra preocupada tanto por las elecciones de Estados Unidos como por el Brexit que, probablemente, llevará a una separación de su país de UK. «Creo que es muy triste lo que pasa con el Brexit. Ellos perciben el status quo a su beneficio y crean miedo con esto. La idea de ser parte de algo, de una colectividad, no les gustaba. A mi parecer eso no es progresar, es ir hacia atrás, son ideas de odio contra el mundo que surgen de la ignorancia o el miedo, así que es muy depresivo, para ser honesta», expresa Lauren. Dejando de lado la complicada situación que atraviesa Reino Unido, Lauren finaliza hablando de los planes de una nueva placa, la cual esperamos que rescate los mismos matices de materiales existentes: «Bueno, creo que vamos a tener un pequeño break y empezaremos a escribir en primavera. Lo estamos planeando bien pero definitivamente vamos a hacerlo.» Esperaremos ansiosos el tercer disco de CHVRCHES, ese que cierre lo que sería una de las trilogías musicales más novedosas de la década.
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TITÁN
LOS REYES DEL SWING Por Eduardo Salinas Fotos: Sergio Gálvez para WARP
En la guerra y en el amor todo es posible; en el mundo de la música, las cosas son muy parecidas. Cuando el éxito llega a la puerta y las canciones se convierten en himnos, cualquier artista puede darse el lujo de tomar un descanso y vivir de los años gloriosos, tener algunas apariciones y regresar en el momento de su elección. Es el caso de Titán, banda que con su historia y legado no necesita presentación.
Con los retos que conlleva crear un disco, los tres músicos han dejado sus proyectos personales momentáneamente y se concentran en el reencuentro de Titán, el cual ha sido considerado como todo un suceso. Bajo este pretexto y la promesa de marcar una etapa en el rock mexicano, conversamos con la banda, con el singular sentido del humor que los caracteriza.
otros proyectos y en este momento tuvimos ganas de volver y ver si sucedía algo.
Después de diez años, Emilio, Jay y Julián decidieron reunirse en el estudio para hacer lo que mejor saben: crear música, regresando con vitalidad y una nueva faceta en sus canciones. La madurez que hoy tienen se ve reflejada en su nuevo álbum Dama, con 12 canciones en las que plasmaron su más profundo sentimiento.
- ¿Cómo se sienten con el boom que hubo tras su regreso? Jay: «Contentos, aunque en realidad no es un regreso sino un reencuentro. Nunca nos fuimos ni se desintegró el grupo, por lo mismo no tiene nada que ver con ese tipo de encuentros que las bandas hacen para capitalizar. Nosotros simplemente dejamos de tocar porque tenemos
«Creo que es una gran ventaja que cada uno tenga sus proyectos y que en Titán no haya ninguna concesión, somos muy libres al hacer música y nos tardamos tres años para ver este disco físicamente. Se siente muy bien, nos encantan todas las canciones. Trabajar con el productor Nick Launay y tocar juntos nos tiene muy emocionados.»
«Dama apenas llegó a las tiendas pero fue hace cinco años cuando empezó el interés de hacer algo. Primero hicimos un par de sesiones en el estudio, pero sentimos una especie de continuación del último disco, no algo que nos sorprendiera.
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- Con los fans que los esperaban, ¿cómo se sienten? Julián: «Estamos agradecidos con ese público y nos emociona más el que cada disco sea distinto que vivir del pasado. Es padre tener una base de fans pero, la verdad, no estamos pensando en ellos, hacemos lo que nos gusta y buscamos llegar a gente que no nos conoce. Hay nuevas generaciones, ha pasado mucho tiempo entre cada disco y creo que viene de todo.
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«Un factor importante a la hora de volver a hacer música es no sentir que ya nos la sabemos; sí hay cosas que conocemos y no queremos hacer, otras a las que les tenemos mucho respeto y aquellas que de plano no nos gustan. Queremos hacer lo que nos parece emocionante, sentirnos como un grupo nuevo y, aunque no lo seamos, pretendemos jugar a que no existíamos, presentándonos siempre con una nueva historia. El disco es muy distinto, finalmente es Titán y suena a nosotros pero al hablar de nuestra discografía cada uno es muy distinto.» - ¿Qué los impulsó a decidir su regreso en este momento? Jay: «Desde que nos dimos el descanso sabíamos que volveríamos con otro disco. El último show fue en 2010 y, aunque no teníamos idea de que nos daríamos un break tan brutal, supimos que nos reencontraríamos. Después nos juntamos y dijimos, “ya toca, pero sin prisa”. Con nuestra madurez pudimos hacerlo con tiempo y planificación, así que empezamos hace cinco años. Luego juntamos las maquetas, grabamos en un estudio con algo de presupuesto, se integró un ambicioso manager con buen gusto y eso ayudó a terminarlo. Todo fue muy relajado, nunca tuvimos prisa ni una compañía que nos molestara, no sufrimos eso.» - Siempre me ha parecido interesante la mezcla de ritmos en sus canciones. Cuéntenme, ¿cómo la hacen? Julián: «No podemos explicar la música, no es algo tan evidente, es algo que pasa. Todos tenemos distintas referencias que quedan plasmadas inconscientemente pero no hay una planeación para decir “me gusta tal” o “haremos tal”. Generalmente pasamos muchas horas en el estudio, grabando, y en la noche escuchamos música juntos, algo que no pasaba desde hace tiempo. Lo que más nos gusta al tocar es sorprendernos y ser libres, partir de una idea e irla desarrollando. «La música no se habla, se genera, y aunque sí hubo una estructura de trabajo que nos funcio-
nó bastante bien, Emilio y yo comenzamos a hacer bases y llegaba Jay y las ponía de cabeza, en otras canciones partimos los tres desde el principio; son varios escenarios en cada una. Al final quedaron 12 temas pero en un principio fueron 20. También quisimos armar un disco más estructurado, donde se hablara de ciertos temas, como un rompecabezas, empezar a cortar, pegar y poner.» - ¿Cómo podrían describir la esencia de Dama? Emilio: «El disco, en algún punto, se sentía un poco femenino, pero el nombre que le dimos fue realmente por coincidencias. Yo quería que se llamara como una mujer, después nos dimos cuenta de que había una canción llamada ‘Dama Fina’ y otra ‘Dama Negra’, entonces todo nos fue llevando y de repente brotó el nombre. Es femenino y oscuro, como las damas guapas.» - ¿Cómo fue trabajar con Gary Numan para la canción ‘Dark Rain’? Jay: «Lo teníamos en mente prácticamente desde el principio. Lo hicimos a través de Nick, que conoce a un montón de gente en el medio. Gary no es la única colaboración pero sí una de las que teníamos clavada desde el principio; sabíamos que queríamos hacer algo con él, Nick le tocó la puerta y le contó de Titán.»
- ¿Qué otras colaboraciones podemos encontrar? Julián: «Hay una con Columpio Asesino y otra con Siobhan, de Bananarama. La verdad es que tener a Gary Numan nos honra, y la canción ya es un clásico que suena como tal.» - ¿Por qué decidieron lanzarse con ‘El Rey Del Swing’? Emilio: «Hemos tenido algunos adelantos de este nuevo material, nos quisimos sorprender a nosotros mismos y creo que ‘El Rey Del Swing’ es una de las canciones más sorpresivas. Trabajar con una letra y un ritmo diferente resultó en una canción con estructura ‘marciana’. La instrumentación final nos gustó y quisimos sorprender al público.» - Supongo que con todo esto el video vino naturalmente... Jay: «La rola es frenética y pensamos en una chica así. Después comenzamos a tirar ideas y pensamos en hacer un teaser antes de lanzar el video. Fue como estar en una posición religiosa, llegar al éxtasis a través del baile, una persona que entra en trance con la música y tiene un contacto divino. Lo quisimos hacer en una sola toma y con una locación muy sencilla. Además, al tocarla en vivo nos dimos cuenta de que emociona mucho al público, aunque no suena al Titán de antes.»
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MONICA BELLUCCI
ON THE MILKY ROAD Por Alonso Valencia
La diva italiana, Monica Bellucci estuvo de visita en México para un homenaje en Los Cabos Film Festival, gracias a su versátil carrera de más de 25 años. Además del reconocimiento por parte del festival, Bellucci presentó su más reciente trabajo, On The Milky Road, una película de Emir Kusturica en la que la actriz originaria de Città di Castello, Umbria, interpreta a una mujer que huye de su hogar en la época de la Guerra de los Balcanes. Bellucci siempre se ha caracterizado por condensar algunos de los atributos que caracterizan el modelo de la femme fatale. Su carrera tiene clásicos como Irréversible, de Gaspar Noé; Malèna, de Giuseppe Tornatore, y The Passion of the Christ, de Mel Gibson. - En tu más reciente filme trabajas con Emir Kusturica. ¿Cómo fue colaborar con el director serbio después de hacer películas en muchas partes del mundo? «Bueno, antes que nada, me gustaría decir que estoy muy contenta por tener la oportunidad de trabajar con un gran artista. Como dije durante la conferencia de prensa, es un director, productor, actor, poeta, hombre de negocios y
músico increíblemente talentoso, es un artista completo. Fue un reto trabajar con él y encarnar a un personaje femenino tan poderoso. Estar aquí, en Los Cabos, y presentar este proyecto al público mexicano es muy interesante. Una película serbia, protagonizada por una actriz italiana, con un audiencia mexicana; es algo hermoso que tiene el cine.» - ¿Cómo fue el primer acercamiento entre tú y Kusturica? «Él me llamó y me dijo que tenía un personaje muy bello y muy interesante para mí, así que nos vimos y el resto es historia. Por tres años estuve en este hermoso lugar, muy bello pero al mismo tiempo lleno de sufrimiento. Procuré tener un acercamiento artístico a este proyecto, siempre acompañado de una perspectiva humana, jamás política. Sin importar que sea una historia ubicada en la Guerra de los Balcanes, es más un mundo poético de ensueño.» - Has participado en cintas como Malèna, Dracula, de Francis Ford Coppola y Spectre, interpretando a todo tipo de mujeres. ¿Qué características aportas a cada papel y qué es lo que te dejan estos roles? «Me encantaría tener el valor de la mujer que
interpreto en On The Milky Road, por ejemplo. Ella no tiene nombre, aunque en Serbia le decíamos Mlada, que significa “novia”. No sabemos de dónde viene o a dónde va, es mitad serbia, mitad italiana y en la película podemos ver que era la amante de un general muy poderoso, quien asesinó a su esposa por ella. Por esto, ella lo denuncia, y cuando él sale de la cárcel la busca para condenarla por espionaje. De hecho, parte de esta historia viene de sucesos reales, Emir mezcló realidad con imaginación. Es claro que todas las mujeres que han estado en mi carrera han significado algo poderoso para mí.» - Hace poco tuvimos la oportunidad de hablar con Gaspar Noé, con quien trabajaste en Irréversible. Él mencionaba que ahora estamos más acostumbrados a ver violencia en el cine que sexo, algo tan natural como el sexo sigue siendo tabú. ¿Cuál es tu perspectiva sobre este tema? «¿Sexo y violencia? Yo creo que tiene razón, pero en ocasiones aparezco en películas violentas. Creo que nada es más violento que la vida misma, las películas violentas se inspiran en la realidad. Hablando del sexo, soy una persona que no tiene ningún problema con mostrar la sexualidad a través de la pantalla.»
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GAEL GARCÍA Y LUIS GNECCO Por Alonso Valencia
Una de las más fuertes contendientes al Oscar como Mejor Película Extranjera en 2017 es Neruda, del director chileno Pablo Larraín, quien dirigió previamente No y El Club, que también lograron colocarse en competencias internacionales de ese calibre. Con Gael García y Luis Gnecco de regreso, Neruda es la apuesta fílmica que muestra al icónico poeta como un fugitivo que se involucra con el partido comunista en Chile. Cabe mencionar que Larraín no sólo apunta por el Oscar en esta categoría, pues también se vislumbra su participación en otros certámenes con Jackie, biopic que retoma la vida de la célebre viuda Jacqueline Kennedy. García y Gnecco tienen los roles principales en la cinta como Luis Peluchonneau y Pablo Neruda, respectivamente, representando una etapa de la vida del escritor para muchos desconocida. En entrevista, realizada durante el Festival Internacional de Cine de Morelia, ambos actores hablaron con WARP Magazine sobre esta misteriosa película. - El pueblo chileno ha formado cierta controversia por la historia que Neruda retrata. ¿Por qué creen que esta es la historia idónea para llevar a la pantalla grande? Gael García: «Es una de tantas historias que se pueden contar acerca de Neruda, un ca-
pítulo de tantos que se pueden narrar, desde diferentes puntos de vista, en la la obra de un poeta. No creo que exista la historia ideal para contar.» Luis Gnecco: «Claro, la verdad es que esta es una de las tantas películas que se pueden hacer sobre él y creo que si alguien tiene otra, que la cuente. Me parece que esta es una muy buena manera de retratar a un personaje como Neruda, una manera de reflexionar sobre su pasión por la creación, pues era un creador gigante y su vida se entiende así. «Esta es una película que celebra la creación, así que sí, puede que no te guste el estilo pero considero que es una buena manera de hablar sobre el poeta, porque no sólo habla de él sino de un montón de cosas y, a partir de eso, puedes reflexionar sobre el tema.» - Neruda apunta fuerte en la temporada de premios y ya lidera el Premio Iberoamericano al Cine Fénix. ¿Qué es lo que esperan que logre la cinta en cuanto a galardones? GG: «En primera, estamos encantados porque es justamente lo que tenemos que hacer, poner a que nuestras películas dialoguen. Quizá la manera más burda de describirlo es que compitan entre sí, pero es un diálogo el que en realidad surge.
«El hecho de estar ahí, de que esté nominada con todas las demás películas enriquece eventos como estos, porque al juntar todos los filmes que se hacen en Latinoamérica, España, Portugal, ¡salen películas realmente increíbles! En esta temporada de premios vamos a pasarla bien, a disfrutar. A mí me sirve también para ver todos los trabajos que de otra forma no vería al no haber estrenado en México o Argentina, donde paso la mayor parte del tiempo. La de La Muerte de Luis XIV, por ejemplo, no la he visto pero podré hacerlo gracias a los premios Fénix.» - Trabajan con Pablo Larraín por segunda ocasión. ¿Cómo es la dinámica entre ustedes y el director? LG: «Gael habla de una familia fílmica y la verdad es que eso somos, es bueno trabajar así. Las compañías teatrales se llaman compañías porque hay un estilo, llegas y te conocen, ya superaste las cosas personales, las tonterías. Lo que pasa en una familia es que hay confianza, hay amor. Pablo Larraín siempre dice que trabaja a partir del amor y, aunque suena un poco hippie, es la realidad. Ese amor también incluye la divergencia y la tolerancia; a mí me resulta muy cómodo trabajar así. Creo que esa es la manera de abordar la actuación, y cuando es exitosa se nota en la pantalla o en un escenario. El resultado es ciertamente notable.
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Por Alonso Valencia | Foto: Manuel Baca para WARP
Considerado la conciencia del cine de Estados Unidos, Oliver Stone es un director que se consolidó por emocionantes thrillers de la talla de Wall Street o Natural Born Killers, filmes que después impulsaron su trabajo de temática social concerniente al país del norte, como JFK, Platoon o World Trade Center.
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Con tres Oscars bajo el brazo y una carrera que comenzó como alumno de Martin Scorsese, Stone decidió abordar un tema aún más sensible y polémico para su más reciente filme: la vida de Edward Snowden y el camino que lo llevó a destapar los secretos más turbios de la Agencia de Seguridad Nacional de Estados Unidos. Durante su más reciente visita a Los Cabos Film Fest, el cineasta que tomó el riesgo de crear documentales basados en Fidel Castro y Hugo Chávez habló de Snowden y el porqué la seguridad y la privacidad del mundo se han convertido en temas de discusión más allá del espionaje internacional. - Tu carrera ha sido marcada por filmes de tinte político e histórico. ¿De dónde surge la necesidad de llevar a la pantalla grande este tipo de historias? «Soy dramaturgo, cuento historias y esta es una gran historia, importante y única, porque Snowden es un hombre, llamémoslo, delgado, pasivo, para nada un James Bond o Jason Bourne, y es importante cómo se revela a la Agencia de Seguridad Nacional y despega alrededor del mundo, en una escucha masiva del sistema de vigilancia de toda la gente, todas las corporaciones, los bancos, las compañías de energía, los gobiernos… es la mayor hazaña nunca antes vista. «Todo empezó en Estados Unidos y con mucho dinero, esto es un gran inicio. La gente no piensa en un entorno global pero tienen satélites en el espacio, con antenas en la Torre Eiffel, bajo el agua, en el ciberespacio, es un trato masivo y lo que hacen es juntar información sin combatir el terrorismo, que es una pequeña parte de todo.» - ¿Cómo caracterizas tu relación con Edward Snowden? «Cuando conocí al señor Snowden nos dijo muchísimas cosas, a mí y a mi equipo, confió en nosotros y nos habló de la Agencia de Seguridad Nacional, de cómo era, de lo que hacen, lo que convierte a esto en un nuevo tipo de película espía, porque aquí no verás violencia. Edward fue pieza clave en la realización de este trabajo.» - No es el primer personaje de este tipo con el que te cruzas cinematográficamente. Trabajaste en el documental de Fidel Castro y esto puede compararse, una especie de biopic de Snowden…
«Este no es un documental, Castro no es una película dramática, en Snowden tomamos nueve años de material e hicimos una cinta de dos horas, es un thriller también, o un “mental thriller”, porque no sabes si va a ser arrestado, no sabes… Él también cambia en el transcurso de la película, empieza como un hombre conservador, feliz, y después de ir a Hawái y Japón ve cosas que le molestan porque no son de la manera en que creía, así que rompe las leyes de la Constitución. Fue un joven valiente, pero cambió. «Snowden también tiene una novia, la cual encarna Shailene Woodley, y básicamente lo mantiene humano, lo que es muy importante en el trato, porque cuando trabajas para el gobierno es muy fácil enfrascarte en lo que haces.» - Hablando de tus documentales, ¿cómo tomas la decisión de abordar a estos polémicos líderes de Centro y Sudamérica? «Los documentales tienen un propósito diferente. Una película es sólo eso, y necesita contar con una historia que te interese y te mantenga atento, con un final satisfactorio. Un documental, por otro lado, no tiene que satisfacer. En Castro contamos las cosas como las vimos, no las hicimos interesantes. Los propósitos son diferentes, me refiero a que si yo quisiera hacer un documental de Snowden me hubiera sentado con él, como lo hice, pero lo hubiera grabado por horas, lo habría cortado y entregado, pero me gustó la historia, y escogí a (Joseph) Gordon-Levitt para personificarlo porque es un actor interesante.» - Estamos cerca del aniversario de Wall Street. ¿Cómo comparas el haber trabajado con un joven Charlie Sheen y ahora con Joseph Gordon-Levitt, en historias que involucran intriga y traición? «Wall Street… es más como Born On The Fourth Of July. Se trata de un joven que también se revela contra su país luego de ver la tragedia de la Guerra de Vietnam, así que es más como esa película. Wall Street cuenta la historia de un hombre que ve la corrupción y participa, emprendiendo un camino de vuelta a la integridad al final.» - ¿Te sientes satisfecho con el resultado de Snowden y la reacción social al ver el desarrollo de la historia? «Sí, estoy muy orgulloso de la película, fueron dos años y medio de esfuerzo para lograrla, no fue hecha en un estudio americano, fue realizada por alemanes y franceses. Me siento muy orgulloso.»
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KINKY UNA LÍNEA DE LUZ Por Eduardo Salinas Foto: Napoleon Habeica
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Desde que Kinky llegó a la música se dio a la tarea de crear buenas canciones. Basta con echar un vistazo a su repertorio para encontrar excelentes temas que ni por un momento creímos pudieran ser de ellos, pero que nos han acompañado desde siempre en la vida. Kinky se creó en Monterrey, Nuevo León, un lugar que al final de los 90 exportaba música de todo tipo y que vio nacer a las bandas que hoy en día rigen las listas de popularidad. El avance en sus producciones y el crecimiento de su público fueron pieza clave para que actualmente esté consagrada como una de las bandas más influyentes de México, en el rock pop o electrónico. Por tal motivo y con la promesa de un nuevo material discográfico conversamos con los cinco integrantes de esta grandiosa banda, que si bien aún no termina de trabajar nos ha regalado grandes destellos de lo que se viene. «Todavía trabajamos en el álbum completo que terminaremos en febrero, por esas fechas lo lanzaremos pero antes ya tenemos algunos temas preparados. También en febrero arrancamos la gira», comenta Gil Cerezo ante mi interrogante de un nuevo disco. Conversando acerca del tiempo que han pasado juntos y los éxitos que han marcado su carrera, el líder y vocalista nos dice: «Creo que es el mayor logro, la longevidad de la banda, no es fácil sobrevivir. Ha sido un crecimiento en conjunto, seguimos los cinco integrantes desde el día uno y todo ha sido un desarrollo, tanto en lo musical como en lo familiar, espiritual, anémico, de todo. Esta familia que somos.» Uno de los premios que otorga el hacer música radica en formar parte de la vida del público, marcarlos en momentos especiales y acom-
pañarlos en situaciones difíciles, algo que en repetidas ocasiones les ha pasado: «Es muy gratificante leer mensajes, porque además de decirnos que les gustan nuestras canciones nos comparten situaciones difíciles, algo en lo que nuestra música les ayudó. Es padre ver que formas parte del soundtrack de las personas, es muy bonito», comenta César Pliego, bajista de la banda. Asimismo, Kinky ha servido de consuelo e inspiración para bandas que hoy en día luchan por su lugar en la escena, mismas que han tomado como base el ejemplo de composición y trabajo de los regiomontanos: «Siempre que marcas a alguien de alguna manera u otra es positivo, significa que tu trabajo tuvo la sensibilidad para entrar. Obviamente la música es el factor número uno y, más que influenciar musicalmente a alguien, se trata de llegar al tope de esa sensibilidad que se puede compartir», afirma Ulises Lozano.
En cuanto a la escena mexicana actual, la banda señala que actualmente hay una gran diversidad musical y que ahora es más fácil darse a conocer, gracias a la tecnología. Gil declara: «Hay gente haciendo de todo, desde electrónica, mucho rock, hip hop, reggaeton, todo está creciendo de manera exponencial, así también los festivales y los conciertos en casas, la cantidad de música que se edita, disqueras independientes, tiendas de vinilos, todo es un movimiento que hemos visto crecer. Después se caen los tiranos de la industria y crece todo este submundo a un nivel superior de cuando empezamos, esos días en que todo se manejaba con base en las disqueras internacionales o CD’s físicos. Hubo un giro de 365 grados, un poquito más de la vuelta entera.»
Después de tantos años de hacer vibrar los corazones mexicanos, la creatividad musical continúa latente, los hits siguen surgiendo y día con día parecen estar más vivos. Cuando platicamos acerca del mejor regalo que la música les ha dado, César comenta: «La oportunidad de viajar y trabajar en lo tuyo a la vez es lo que me da más satisfacción».
El grupo se ha caracterizado por incorporar distintos estilos en sus canciones, llenándolas con ritmos tropicales, funk, rock, pop y de electrónica, algo que han sabido hacer desde el comienzo. «Es un taller donde estamos los cinco y de cierta manera empezamos a tirar ideas de cosas que escuchamos. Algo positivo es que cada uno escucha cosas distintas, tenemos grupos en común pero es padre escuchar cosas nuevas que otro de mis compañeros conoce. Siempre estamos abiertos a escuchar las propuestas y ver cómo se podrían fusionar con los géneros y los gustos que tenemos.»
De igual manera y con tantos viajes, Kinky ha tenido la oportunidad de presentarse a lo largo y ancho del territorio en distintos festivales, así como de colaborar con diferentes artistas. «Una de las colaboraciones a las que le tenemos especial cariño es ‘Negro Día’, con Mala Rodríguez, una canción que sucedió a larga distancia, con una historia medio revuelta. Esto terminó en un track que fue nominado a los Grammy. Todo fue muy especial», asegura Ulises.
Por último, conversamos acerca de su reciente trabajo con MTV Unplugged, una presentación que pocas bandas mexicanas (11, para ser exactas) han concretado y que tuvieron el placer de realizar. «Más allá de ser un disco en el que te puedas explayar con todas las de la ley, te debes apegar a un sonido acústico. Nuestra espina dorsal siempre ha sido la electrónica, por lo que fue reconfortante regresar a esas raíces», concluye Gil.
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LA CONSTRUCCIÓN DE LA REALIDAD Por Leonel Hernández 032
Fotos: Cortesía Gio Staiano Traducción: Fátima Albarrán
La fotografía es, quizá, una de las pocas artes que llega a tener un propósito social más allá del gratificante hecho de elevar los sentidos a experiencias sublimes, pues también es una fuente de información documental al retratar los hechos tal cual son y suceden, con imágenes que quitan el aliento y llegan a las masas gracias a la labor de su autor. En este sentido, el trabajo del fotógrafo Gio Staiano crea y recrea la realidad de manera constante, con una versatilidad y de-
construcción de escenas que lo orillan a ver más allá, a ese punto en el que la cotidianidad se mezcla con el ensueño. El trabajo del artista residente en Londres se ha plasmado en las páginas de publicaciones como The New York Times, Vogue, The New York Post y Glamour. En esta ocasión, WARP Magazine conversó con él sobre su trabajo, sus orígenes y el lugar al que se dirigen las nuevas tecnologías de la imagen.
Una partera / enfermera de Uganda entrega a un niĂąo despuĂŠs de muchas horas tratando de salvar al niĂąo y a la madre. Uganda 2007
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Desfile final de Valentino en el hotel Salomon De Rothschild. París. 2016
- Dinos, ¿recuerdas la primera vez que tomaste una cámara y capturaste una foto? «La primera vez que agarré una cámara tenía 11 años. Como muchos, la primera que tuve fue un regalo, de mi tía, específicamente, color amarillo brillante y analógica. He aprendido mucho gracias a esa cámara, fue mágica y por lo tanto todavía la tengo como un amuleto. Ese fue el comienzo de mi fascinación por la fotografía.» - ¿Te enamoraste de la fotografía desde aquel momento particular? «Me enamoré desde ese instante pero ni en mis sueños más salvajes esperé convertirme en fotógrafo profesional y trabajar en el campo.» - ¿Qué fotógrafos o trabajos de artistas te animaron a convertirte en fotógrafo? «Me inspiré en el trabajo de mu-
chos artistas mientras crecía, y estudié para convertirme en fotógrafo. Las obras de Robert Capa, Sebastiao Salgado, Elliot Erwitt, Gueorgui Pinkhassov, Paolo Pellegrin y pintores como Caravaggio continúan inspirándome hoy en día. Mis maestros, Stig Rune, de Dinamarca, y Zanna, de Inglaterra, me dieron inspiración e inestimable mentoría al iniciar, mientras les ayudaba en sus estudios.» - ¿Qué te lleva a considerar la posibilidad de dedicar el resto de tu vida a la fotografía? «No puedo imaginar una vida sin una cámara, o dedicarme a otra cosa que no sea la fotografía pues me da un medio de comunicación y creatividad que ningún otro trabajo o forma de arte puede.» - ¿Cómo es tu proceso creativo cuando disparas?
«En general, trato de organizar e investigar tantos detalles como sea posible antes de rodar una historia, para ir preparado. Este método me permite recoger mis cámaras y estar listo para disparar, ser transportado y estar inmerso por las emociones de ese momento, sin distracciones. A veces no sigo ninguna regla en particular y empiezo a disparar guiado por mi instinto. Decidí, hace mucho tiempo, llevar una cámara conmigo siempre, y cuando no puedo la cámara del celular es mi ojo en el mundo.» - ¿Cuán difícil es para ti, como fotoperiodista, no involucrarse en la acción? «Las imágenes que creo tienen que ser resonantes con la acción o el momento en el tiempo que capturo. Todo lo que quiero es que el sujeto, objeto o evento cuente su historia sin que yo interfiera, soy un testigo, así que no soy parte de la acción.»
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Decenas de miles de manifestantes mostraron su enojo por el bombardeo israelĂ de Gaza en una serie de protestas en todo el Reino Unido. Londres 2016
Un conjunto de espejos en el London Guildhall para el desfile de Mulberry. Londres 2016
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Backstage final del desfile de Alexander McQueen. París 2011
Desfile Louis Vuitton a punto de comenzar. París 2013
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- ¿Recuerdas alguna cobertura que fuera especialmente difícil por el ambiente o la situación? «Una vez visité el norte de Uganda. Las parteras y monjas que evangelizaban en el lugar me permitieron fotografiar un parto muy difícil. La mujer había estado en trabajo durante horas, y mientras rodaba la historia me pidieron que les ayudara a montar una bomba de succión que utilizarían en el nacimiento del bebé. Dejé las cámaras y empecé a ayudar, las tomé de nuevo tras 15 minutos y, más tarde, un bebé sano fue entregado de manera segura. Esa fue la primera vez que me conmoví hasta las lágrimas mientras tomaba una foto.»
grafía en general. He trabajado en muchas áreas a lo largo de mi vida, pues me encanta plasmar la vida con mis cámaras, así que si me encargan una sesión de moda o una de retratos, o presenciar un parto en una zona desierta de África, lo hago, me encanta contar historias.»
- ¿Qué tipo de fotografía te gusta más?, retratos, moda, editorial… «Realmente me encanta la foto-
- Hoy en día parece que todo el mundo es fotógrafo, con smartphones o cámaras automáticas por lo que,
- ¿Crees que tu fotografía documental podría funcionar como un agente de cambio para la sociedad? «La fotografía siempre ha tenido un tremendo impacto en nosotros. Creo que mi trabajo puede dar, tanto a mí como a los sujetos que fotografío, una voz que de otro modo no se escucharía tan ampliamente a través de otros medios.»
Madres y niños vacunados en Uganda. Uganda 2007
para concluir, ¿cuál es tu perspectiva de la fotografía actual? «La fotografía fue concebida entre 1820 y 1830, ha evolucionado mucho y está destinada a cambiar rápidamente gracias a las innovaciones digitales. Abrazo las nuevas tecnologías recordando siempre que la creatividad es parte de la
naturaleza humana. Para mí, lo importante es cómo utilizamos, como sociedad, dichas tecnologías para contar una historia o registrar un momento, concentrándonos no sólo en tales instrumentos sino en la capacidad humana de conectar, expresar y crear emociones y sentimientos.»
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LA DIVERSIÓN LA LLEVAS DENTRO CON EL NUEVO
CHEVROLET SONIC 2017 El nuevo Chevrolet Sonic 2017 usualmente es miembro habitual en el top de ventas en México, aunque ahora ha evolucionado y su potencial acaba de crecer. Este es el interior que el nuevo Chevrolet Sonic 2017 soñó ofrecerte, con la tecnología y comodidad que necesitas para hacer tus viajes todavía más emocionantes. El potente motor de 1.6L del nuevo Chevrolet Sonic 2017 es ahora más eficiente, pero también tiene más poder para empujar tu diversión al siguiente nivel con 115 caballos de fuerza, el cual puede acoplarse con una transmisión manual de cinco velocidades y automática de seis. Todo queda al alcance de tus manos con los controles al volante. Además la pantalla táctil de 7 pulgadas del nuevo Chevrolet Sonic 2017 utiliza Smartphone Integration con Android Auto y Apple CarPlay, para reflejar el contenido de tu smartphone y controlar sus principales funciones.
La diversidad que te ofrecen los asientos abatibles 60/40 del nuevo Chevrolet Sonic 2017 amplía las posibilidades de carga, permitiendo llevar tus juguetes preferidos.
Con una estructura de acero reforzada, 4 bolsas de aire y sistema stabilitrak, puedes estar seguro de que la diversión en el nuevo Chevrolet Sonic 2017 continuará por mucho tiempo.
Además, el exclusivo sistema OnStar® del nuevo Chevrolet Sonic 2017, puede enviar ayuda médica a la ubicación exacta de tu auto en caso de accidente o emergencia, activar la “apertura de Puertas remota” en caso de dejar las llaves adentro de tu auto, utilizar la aplicación RemoteLink® para encender el motor o acceder en tiempo real a algunos diagnósticos como nivel de gasolina y aceite, entre otros.
También puedes darle una personalidad única a tu nuevo Chevrolet Sonic 2017 con exclusivos accesorios, mismo que harán algo de la experiencia algo simplemente inolvidable. Manejar el nuevo Chevrolet Sonic 2017 resulta lo suficientemente bueno como para brindarnos seguridad, potencia, comodidad y muchas aventuras por compartir.
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2016, EL AÑO PARA EL OLVIDO QUE DEBEREMOS RECORDAR Por Ruben Turok
¿Por dónde empezar? El primer semestre lucía viento en popa, con una economía global que empezaba a resurgir, avances significativos en el tema ambiental como resultado del Acuerdo de París y el tratado entre China y Estados Unidos, y el deterioro de ISIS, mientras que en México parecía que —por fin— algunos gobernadores corruptos pagarían por sus actos. ¿Luego qué pasó? Las fallas eminentes de una democracia, la demagogia, el enojo, el racismo y, sobre todo, la indiferencia, se hicieron presentes con una fuerza no vista en décadas.
BREXIT – COMIENZA EL CIRCO Esta triste historia comienza en el Viejo Continente y lleva por nombre BREXIT, una propuesta altamente irresponsable del anterior Primer Ministro británico, David Cameron, que planteó la salida de Gran Bretaña del bloque europeo. Sin un beneficio económico, social o político (salvo para un pequeño grupo de oportunistas) y contra toda predicción los británicos liderados por ingleses de zonas rurales (no tanto así escoceses) votaron a favor. En este proceso los jóvenes no salieron a votar y, por supuesto, las zonas rurales de Gran Bretaña, donde la gente se ha sentido afectada negativamente por la globalización y vive con miedos generados de la retórica de medios y políticos conservadores, apoyaron la salida —¿suena familiar?—. En su mayoría, personas de edad avanzada eligieron un futuro que no es para ellos, pero el enojo que los motivó a salir y rechazar la globalización, combinada con la indiferencia de los millennials, resultó en un impacto sustantivo en el futuro del país y el mundo. Este suceso, como otros dos que analizaremos, se caracteriza por la decisión que ganó a través del voto pero que no representa el deseo de la mayoría.
FARC - ¿EL FIN DE LA GUERRA? Después de casi cuatro años de negociación, el presidente colombiano Juan Manuel Santos parecía haber logrado una paz que se pensaba inimaginable: las FARC abandonaban las armas. Este acuerdo de paz pondría fin a más de cinco décadas de guerra en el país y a las guerrillas latinoamericanas que dominaron el siglo pasado; sin embargo, en una decisión altamente cuestionada, el acuerdo se llevó a un
referéndum posterior y, por un insignificante margen y poca participación ciudadana, fue rechazado por el pueblo colombiano. Muchos se preguntaron por qué elegir la paz cuando la guerrilla causó tanto dolor. Sin extenderme mucho en el tema, Colombia votó con base en el odio y el rechazo a las instituciones —¿suena familiar, otra vez?—, en contra de sus propios intereses y motivada por el sentimiento, no por la razón, con la indiferencia de la juventud como cómplice. Bajo este contexto se volvió a negociar el acuerdo, con muchas dudas de por medio.
Sin el voto popular pero con el del colegiado, no debemos normalizar la presidencia de Trump, pues sería catastrófico. Debemos estar preparados para lo peor y trabajar por algo mejor. Su victoria, a pesar de todo, puede tener un impacto de largo alcance que afecte no sólo a la nuestra, sino a futuras generaciones.
VICTORIA DE TRUMP ¿EL PRINCIPIO DEL FIN?
¿AHORA QUÉ? – MÁS ALLÁ DE 2016
Lo podemos odiar, muchas veces justificadamente, pero el papel de Estados Unidos como eje estabilizador en los últimos siglos es indiscutible. Esta historia parece haber llegado a un triste final.
Si algo dejó claro 2016 es que la sociedad estaba lista para un cambio, sin importar si era bueno o malo. Dejó ver el poder de los medios, la indiferencia de la juventud y las deficiencias de la democracia.
Con un crecimiento económico estable y constante, generando empleos y recuperándose parcialmente de lo que significó la peor crisis económica desde 1929, así como todos los avances sociales que incluyeron derechos de las mujeres, homosexuales, veteranos de guerra, entre otros, parecía que la continuidad del presidente Barack Obama estaría asegurada. Claramente estábamos equivocados. La “sorpresiva” derrota de Hillary Clinton ante Donald Trump significa un retroceso indudable en lo logrado durante la presidencia de Obama, y la incertidumbre asusta con toda razón. El discurso demagogo del excandidato republicano tocó un nervio en la sociedad norteamericana y es un error considerar que ganó por racista, aunque este sea un margen importante de su electorado. Trump, al igual que el BREXIT e incluso —aunque en menor nivel— en Colombia, despertó la desesperación de tantas familias que se sienten traicionadas por el sistema y las políticas económicas. Añadido a esto está la no suficientemente señalada culpabilidad de los medios, cómplices de crear imágenes y percepciones no con el objetivo de mostrar la verdad sino de obtener rating. ¿De dónde surgió esta idea, NO FUNDAMENTADA, de que Hillary era equiparable de alguna forma a Trump?
Lo medios mostraron su error en sus pronósticos, muchas veces buscando elecciones cerradas para ganar televidentes. Los jóvenes —los principales responsables, desde mi punto de vista— se mostraron indiferentes, rehusándose a votar por una solución imperfecta, a favor de un proyecto político que pone en jaque su futuro y el del planeta (considerando que Estados Unidos, el país con mayor impacto en el cambio climático, eligió a un presidente que niega su existencia). Finalmente, todo culmina con un sistema donde por indiferencia, el papel de los medios y de algunas élites económicas y políticas muestra la falla de la democracia. Se ha logrado, por una parte, que mucha gente vote en contra de sus intereses. También vemos cómo la preferencia de la mayoría no gana, pero al final lo que cuenta es la participación. Así que este año debe ser una lección de vida pues, de lo contrario, las consecuencias serán innumerables.
Ruben Turok es politólogo por la Universidad Ibero, es socio-fundador de Tú Eliges Mexico y actualmente labora en la Administración Pública Federal.
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BERLÍN Texto: Fátima Albarrán Fotos: Samantha López para WARP
Berlín es el nuevo centro político y cultural alemán, y un lugar donde confluyen la vida de la antigua Alemania del Este y la del Oeste como en ningún otro lugar del país. Los violentos cambios históricos de los últimos 100 años se perciben claramente en el rostro de la ciudad, haciéndola diferente dentro de Europa, con espacios para la experimentación y para que una nueva generación de creativos la reinvente. Mencionar arquitectura significa hablar de Berlín. La capital alemana ha pasado por largas transfor-
maciones, unas más amables que otras pero todas con una huella en su paisaje. Desde los reyes prusianos y la obsesión de Hitler por construir un Berlín acorde a sus ideales, hasta la fiebre arquitectónica de la unificación, esta técnica va de la mano con la historia de la maravillosa urbe germana. El alma de una ciudad se manifiesta de manera reveladora a través de su arquitectura, en sus edificios históricos y modernos, así como en la interacción de los transeúntes. Berlín es, sin duda, el mejor ejemplo de evolución e historia.
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WILD BEASTS CELESTIAL CREATURES Por Harold Rentería
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Es difícil escoger una palabra o frase precisa para describir la música de Wild Beasts, un proyecto que ha crecido y tomado forma con cada disco; desde el sutil Limbo, Panto (2008) hasta su nuevo material conceptual Boy King (2016), en un periodo de ocho años que no pasan desapercibidos para sus miembros. La agrupación inglesa es liderada por Hayden Thorpe, vocalista, bajista y tecladista que ha sabido llevar las riendas en lo musical, compositivo, lírico y visual, logrando construir un sonido único junto a sus compañeros Ben Little, Chris Talbot y Tom Fleming, con mucho por ofrecer en tiempos en los que a la música ya no se le pone el cuidado y la elaboración con la que sí cuenta cada pieza de Wild Beasts. Con motivo del lanzamiento de Boy King y su pasada visita a México como parte del cartel del festival Corona Capital (por segunda ocasión), Hayden nos cuenta de manera concisa cómo ha sido la evolución de la banda, de su sonido y detalla sus expectativas sobre este nuevo capítulo en su carrera, la cual promete ser larga y llena de éxitos. - En tu opinión, ¿cuál es la diferencia principal entre Present Tense (2014) y Boy King? «La diferencia principal es la actitud. Present Tense surgió de varias caídas y en Boy King ya no las hay. Este nuevo material incluye algunos aspectos de la destrucción y el anterior era más sobre una preconstrucción propiamente. Podría decir que Boy King es el impacto de esa construcción ya concretada y de alguna manera es más oscuro. La forma en la que trabajamos en este último álbum nos podría servir a futuro». Tras diez años juntos, ¿crees que esta es una nueva etapa para la banda o aún no dan ese paso en su carrera? «Lo veo como la complejidad de un juego ¿sabes? Wild Beasts ya no es algo que podamos tomar a broma o como un chiste, ese nombre ya tiene una seriedad. Creo que ahora realmente sonamos como Wild Beasts, y hemos tenido que pasar por un ciclo típico en el que todos to-
mamos nuestra parte. Realmente espero que esta sea una etapa diferente». - ¿Cuál es tu opinión respecto a la música actual, incluyendo las nuevas opciones y cómo son aprovechadas por las bandas? «Creo que estamos en un buen tiempo para la música, me emocionan las nuevas plataformas, la libertad que se tiene, la promoción que puedes dar a tu trabajo y creo que existe una gama de opciones muy amplia en el mercado actual, todo está bien y funcionando de manera correcta. Para mí es un privilegio estar en este momento, con todo el acceso que se tiene». - En noviembre regresaron al festival Corona Capital... «Tuvimos una de nuestras mejores presentaciones. En México el público te entrega mucha energía y poder, son muy calurosos y así te reciben, realmente te motivan e inspiran. Recuerdo algunas cosas del día en el que nos presentamos en el festival, tuvimos algunos problemas técnicos, aunque la energía del público fue increíble. Incluso perdí unos lentes de sol al nadar sobre el público… eran muy bonitos». - ¿Cambió su percepción con respecto a la realización de un disco, a partir de haber tenido a John Congleton como productor? «Sí, nos ayudó a creer más en el instinto, pues sabe proyectar muy bien las ideas, sabe pensar las cosas y es muy trabajador. John tiene una gran capacidad para pensar en una idea y llevarla a cabo, él concretó las cosas muy bien y fue muy accesible». - ¿Qué hay de diferente entre el Wild Beasts de hace ocho años y el actual? «¿Sabes qué?, creo que no hay demasiada diferencia. La primera canción de nuestro primer álbum bien podría formar parte de Boy King, sin ningún problema, pues tiene nuestro estilo de una forma muy evidente. Por otra parte, el esfuerzo con el que se hicieron ambos álbumes es el mismo, sólo que con un impacto diferente; así nos hemos mantenido en la forma de trabajar».
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CORONA C A P I TA L 2016 19 y 20 de noviembre Autódromo Hermanos Rodríguez Fotos: Arturo Roseti, Jesús Quintero, Majo Thielve, Ramón Islas (Nacorock) y Vinicio Montero
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Kraftwerk [ 01 ]
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Wild Beasts [ 02 ] Caveman [ 03 ] A Silent Film [ 04 ] The Struts [ 05 ] LÃ¥psley [ 06 ] Warpaint [ 07 ]
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Sofi Tukker
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Courtney Barnett [ 01 ] Young Fathers [ 02 ] Air [ 03 ] Tegan & Sara [ 04 ] Suede [ 04 ]
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Bleached [ 01 ] Super Furry Animals [ 02 ] Eryn Allen Kane [ 03 ] Fisherspooner [ 04 ] The Struts [ 05 ] Band Of Horses [ 06 ]
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EL CLUB DEL ROCK N’ ROLL EL HOGAR DEL VINILO EN LA CIUDAD DE MÉXICO Por Eduardo Salinas | Fotos: Vidal Cruz para WARP Barrio Alameda. Doctor Mora 9, Local 17, Colonia Centro, Ciudad de México
Situado en el corazón de la ciudad nos encontramos con un espacio dedicado al comercio musical en su más entrañable forma: los vinilos. El Club del Rock N’ Roll es un lugar en el que los más fieles amantes de la música pueden encontrar el trabajo de sus artistas favoritos y coleccionar aquellos discos que han pasado a la historia.
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Un vinilo es más que sólo música. Basta con abrir el empaque para darse cuenta de que lo mejor está por comenzar; fotografías únicas, memorias, letras de canciones y secretos son sólo algunas de las sorpresas que oculta su interior. Bajo esta premisa, el equipo del Club del Rock N’ Roll decidió abrir una tienda en la cual compartir su pasión por el ritmo y brindar a través de su esencia más pura los éxitos de sus artistas. «A pesar de que el nombre menciona al Rock N’ Roll contamos con música de todos los géneros, desde el blues, el jazz, la electrónica, el reggae y más», comenta Mar Sphrr, socia y fundadora y fiel creyente de que lo antiguo continúa vigente y que la calidad de un vinilo no puede igualarse con nada. La compra de este formato no es una idea nueva. El concepto nació en algunas tiendas de Estados Unidos donde las filas eran cada vez más largas en el momento en el que había música nueva, por lo que en México era cuestión de tiempo para que llegara, ¡y vaya que llegó para quedarse! Tras sus muros encontramos objetos únicos como libros y discos de edición limitada, cuadros emblemáticos que resaltan momentos en la historia del rock, rompecabezas con portadas de álbumes, merchandising oficial (playeras y posters) y algunos souvenirs, como imanes, tazas, plumas y pulseras.
«Considero que los vinilos son mejores (que otros formatos) porque se escuchan impecable y son más estéticos. Además encuentras fotos, un libro con las letras… es como abrir un regalo y al escucharlo se vuelve mejor». Estas palabras son con las que Mar define su pasión y su deseo más profundo. El Club tiene los más grandes éxitos de hoy, ayer y siempre, basta con echar un vistazo y recorrer sus aparadores para encontrar clásicos como Led Zeppelin, Pink Floyd, David Bowie, Prince, Leonard Cohen, Kiss, The Beatles, The Rolling Stones, así como contemporáneos como Daft Punk, Muse, Beck, The Kills y Tool. Aunque este espacio aún es joven, con una historia de pocos meses, su presencia en lo local ha aumentado gracias a su pasión desenfrenada por brindar nueva música.
Además, el Club del Rock N’ Roll cuenta con una línea avanzada de tornamesas y reproductores a precios accesibles, así que para quienes aman este formato pero no tienen donde escucharlo este es el lugar ideal. Como proyecto a corto plazo, este lugar contará con apariciones especiales de artistas del momento en las que firmarán autógrafos y convivirán con sus admiradores, además de servir como un espacio en el que los oyentes podrán reproducir y compartir su música. De igual manera, este espacio contará con sesiones acústicas secretas donde sólo algunos vivirán la experiencia de estar frente a sus artistas. «Estamos interesados en crear una comunidad y desarrollar distintas actividades, para que la pasión por los vinilos crezca y no sólo seamos una tienda más”, concluye Mar.
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RESTAURANTES DE B A R R I O VOL. 1
La Ciudad de México, además de poder ser disfrutada visualmente, tiene la capacidad de enamorar a través del gusto, al ofrecer una aventura gastronómica a lo largo y ancho de su determinación geográfica. En la ciudad, los restaurantes están diseñados para favorecer las relaciones, ya sea entre amigos, en pareja o con uno mismo, en ambientes diversos que se complementan con los platillos que ofrecen y que cada día aumentan en número y variedad. Estos recintos de sabor y aromas poco a poco han ganado espacio en la preferencia de los comensales citadinos, con especialidades
que cumplen la expectativa de los más exigentes paladares. En WARP Magazine buscamos opciones para todos los gustos, desde aquellos que han eliminado la carne de su dieta hasta esos otros que gustan de postres deliciosos y originales; desde quienes se preocupan por consumir productos nutritivos, hasta los no pocos que se entregan a los placeres de una dieta hipercalórica. A continuación ofrecemos un recorrido por algunos de los lugares más atractivos de la Ciudad de México, con un poco de su historia y concepto además de recomendaciones sobre su menú, ya sean antojitos mexicanos, tapas españolas, el mejor té o
SEAN BIENVENIDOS Y BUEN PROVECHO.
los helados más creativos. Por el lado de la música y recordando el lazo que varios artistas han creado con el territorio gastronómico presentamos, una entrevista con Moby adereza esta edición también, con comentarios sobre su larga trayectoria y la manera en que se inició en el veganismo, pasión que lo ha llevado a luchar por los derechos de los animales y a la apertura de restaurantes veganos, 100% orgánicos, en Estados Unidos. En exclusiva para Latinoamérica, una charla con Justin Vernon en su propio restaurante, The Lakely (ubicado en el único hotel boutique de Eau Claire, Wisconsin, también de su propiedad), donde desmenuza su más reciente material 22, A Million.
RESTAURANTES DE BARRIO
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Porco Rosso: Zacatecas 102, Col. Roma Norte Mazatlán 148, Col. Condesa División del Norte 3103, Col. El Rosedal
PORCO ROSSO
Río Nazas 111, Col. Cuauhtémoc Av. Ejército Nacional 769, Col. Granada (dentro del Centro
EL HOT SPOT PORCINO DE LA CIUDAD
Comercial Miyana)
Por Fátima Albarrán porcorossobbq.com
PEDRO OCHOA, DUEÑO DE PORCO ROSSO, VIVÍA EN ESTADOS UNIDOS, DONDE SE HIZO AFICIONADO A VISITAR CADA LUGAR DE BBQ QUE ENCONTRABA, HECHO QUE LO INSPIRÓ A ABRIR UN ESPACIO SIMILAR EN MÉXICO.
Pedro ya había analizado cómo iniciar su negocio, pues se requiere un equipo especial además de importar la carne de Estados Unidos, así que al regresar a México pasó por la colonia Roma y se enamoró de “su esquina”, la cual tardó poco más de un año en conseguir.
representara una experiencia única para cada persona que llegara a degustar sus platillos.
Ya abierto, Porco Rosso tuvo un gran recibimiento, por lo que nuevas sucursales empezaron a surgir no con la intención de crecer como un gigante de franquicias, sino de brindar puntos de encuentro en los que la hospitalidad
En todas las sucursales de Porco Rosso hay huertos con la finalidad de que los comensales no se sientan en la ciudad, sino en un lugar libre y despejado. Por otro lado, siempre juegan con el ahumador e introducen recetas novedosas; la nueva modalidad de los fines de semana es la creación de platillos sin apego al menú convencional, por ejemplo, cachete de cerdo, papada de cerdo y lengua de res.
Otro de los atractivos es la variedad de salsas, además de poder complementar la comida con margaritas, cerveza artesanal o clericot, y como siempre hay espacio para el postre su carta incluye delicias imperdibles.
-Tiene nueva sucursal dentro del centro comercial Miyana Polanco (Ejército Nacional 769). -Las favoritas del público son las Baby Back Ribs. -Cuentan con cinco sucursales: Roma, Cuauhtémoc, Condesa, Coyoacán y ahora Polanco.
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SCOCINA U RDETBARRIO I D OY CANTINA RA DON BATIZ Por Fátima Albarrán Fotos: Jesús Quintero para WARP surtidoradonbatiz.mx
EL CONCEPTO DE SURTIDORA DON BATIZ SE BASA EN LA CANTINA CLÁSICA MEXICANA CON UN TOQUE DE MERCADITO TRADICIONAL Y NACE A PARTIR DE UNA PLÁTICA ENTRE AMIGOS ACERCA DE LAS CANTINAS DE LA ÉPOCA DORADA DEL CINE MEXICANO.
El concepto y decoración son sumamente nacionalistas y antiguos, con una rockola, máscaras de luchadores y manteles típicos utilizados durante el siglo pasado, de plástico con frutas estampadas que buscan la recreación de todo un periodo en el tiempo. En la carta se encuentran desde los tradicionales sopes, tostadas, quesadillas, tlayudas, tacos, huaraches y gorditas hasta fideo seco
Surtidora Don Batiz: Julio Verne 93, Col. Polanco, Miguel Hidalgo, CDMX.
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o camarones al ajillo, mientras que la coctelería incluye bebidas como el tequila, el pulque y el mezcal.
-Cuentan con tres sucursales: Centro, Polanco, Terraza Surtidora (Polanco IV sección). -Se dice que el pulque que ofrece es el mejor de la Ciudad de México. -No puedes dejar de probar las gorditas, la sopa de tortilla y el taco villamelón.
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TOMÁS BBIENVENIDOS E R MA LAÚDOCENA D E OYSTER Z BAR & GRILL Por Diovanny Garfias Fotos: Cortesía Tomás Bermúdez
LA DIVERSIDAD GASTRONÓMICA EN MÉXICO ES INCREÍBLE, CON SABORES PARA TODOS LOS GUSTOS; SIN EMBARGO, SI EN ALGO NOS ESPECIALIZAMOS ES EN LA COMIDA DEL MAR. CON UNA GEOGRAFÍA PRIVILEGIADA QUE PERMITE TOMAR LO MEJOR DEL OCÉANO PACÍFICO Y EL GOLFO, NO ES DE EXTRAÑAR QUE LOS CHEFS TENGAN MATERIAL DE PRIMERA PARA EXPERIMENTAR. Es el caso de Tomás Bermúdez, chef originario de Durango quien recorrió algunas partes de la república para adquirir experiencia y hacer de su cocina algo más provocador, probando suerte en otros puntos del planeta como España y Argentina y siendo en el estado de Jalisco donde su expertise culinario rindió frutos. Al lado de Claudio Javelly y Alejandro de la Peña, Tomás gestó la idea de abrir un oyster bar, de esos que abundan en Louisiana, con su tradicional comida cajún pero con un toque mexicano, y la materia prima como protagonista en el sabor final. Así nació La Docena Oyster Bar & Grill,
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- ¿Cómo surgió el concepto culinario detrás de La Docena? «No es una idea que sólo yo haya pensado. Originalmente era un local que teníamos construido y armado en Guadalajara, listo para llegar y hacer locuras en la cocina, en la barra y en el servicio. En uno de sus viajes, Claudio (Javelly) visitó Nueva Orleans y llegó con toda la idea de vender ostiones, mientras Alejandro (de la Peña) se encargaba de la obra. La intención fue tener el mejor osyter bar de la ciudad. «Nos empezamos a clavar en el tema del producto, visitamos mercados todos los días, por las mañanas, y entendimos la estructura de distribución y, en ocasiones, de producción, seleccionando y desarrollando proveedores. Ahora contamos con toda una red de proveedores para nuestros restaurantes y una huerta con trato orgánico, convirtiéndonos en nuestros propios productores de vegetales, hortalizas, etc.
en 2012, y desde entonces es un punto de visita indispensable para los comensales en La Perla Tapatía. Con tal éxito fue cuestión de tiempo para que La Docena encontrara una nueva casa y, a partir de 2014, la avenida Álvaro Obregón de la Ciudad de México se convirtió en su sede. Antes de degustar las maravillas gastronómicas del restaurante platicamos con Tomás, para adentrarnos en esta historia que, seguramente, se replicará en otros puntos del país.
- ¿Qué crees que hizo tan exitoso un concepto tan gringo como un oyster bar en nuestro país? «No tanto la onda gringa sino el buen manejo del producto, las ganas de adentrarnos en la investigación, la preparación y el ambiente del lugar, eso fue lo que hizo que la gente lo arropara como suyo.» - ¿Por qué crees que los restaurantes boutique o de barrio están convirtiéndose en los favoritos de los comensales? «Creo que es agradable cuando entras y te sientas en un lugar sin pretensión, estás más cómodo, puedes ir vestido como quieras y te atiende gente joven, con onda.» - ¿Cómo surgió la idea de llevar La Docena a la CDMX y cuál ha sido la experiencia? «Se trató, sobre todo, de crecimiento profesional. La Ciudad de México fue la primera en la que pensamos para salir de Guadalajara, fue un reto, algo para probarnos.»
«Al inicio, al costado de La Docena abrimos un concepto similar a una cantina mexicana, con un sentido moderno, era la Cervecería Unión, el primer lugar en Guadalajara en romper contratos de exclusividad con casas cerveceras, totalmente independiente, con todas las cervezas que nos gustan.»
«LA ESPECIALIDAD EN LA DOCENA SON LOS OSTIONES Y EL PRODUCTO DEL MAR, NO SOLAMENTE FRESCOS, TAMBIÉN LOS COCINAMOS AL GRILL O EN VARIAS PRESENTACIONES.» - TOMÁS BERMÚDEZ
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ONI LAS MEJORES RICE BURGERS ONI: Coahuila 72, Col. Roma Norte, Cuauhtémoc, CDMX.
Por Fátima Albarrán Fotos: Bógar Adame para WARP onimx.com
ONI FUE FUNDADO POR LOS HERMANOS ARANDA, MEJOR CONOCIDOS COMO LOS BRODUCERS (DIRECTORES/PRODUCTORES), QUIENES HAN TRABAJADO CON ARTISTAS COMO CARLA MORRISON, XIMENA SARIÑANA, BELANOVA Y ARMANDO MANZANERO.
En el año 2012 conocieron a Masaky Hiro, en la Ciudad de México, y fue él quien les enseñó los secretos de la comida japonesa, para después crear juntos ONI, la fusión de sabores perfecta entre México y Japón. Un par de años más tarde se unió como socio Juan Antonio Pliego, mercadólogo y estratega comercial, y con él se conformó el equipo que se mantiene hasta nuestros días.
ONI es pionero en introducir a México las sushi burgers, sushi burrito y una carta única, con opciones para vegetarianos, veganos y también para aquellos amantes de la carne. La comida de este lugar combina el street food de Japón y México, brindando a sus clientes una opción sana, relajada y deliciosa. Situado en el corazón de la ciudad, ONI es uno de los secretos mejor
guardados de la colonia Roma. Sin duda, una parada obligada para todos los foodies. - No puedes dejar de probar el onigiri en sus diferentes presentaciones: aguacate, champiñón, atún, tocino y bistec. - El agua de tamarindo con jengibre es la preferida de los comensales. - Abren de lunes a sábado, de 13:00 a 16:30 h.
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EL BOTELLÓN
El Botellón: Tamaulipas 106, Col. Condesa, Cuauhtémoc, CDMX. Anatole France 120, Col. Polanco,
EL TÍPICO DE CALLEJÓN
Miguel Hidalgo, CDMX
EL BOTELLÓN ES UNA COSTUMBRE EXTENDIDA EN ESPAÑA DESDE FINALES DEL SIGLO XX, SOBRE TODO ENTRE LOS JÓVENES, QUE CONSISTE EN CONSUMIR BEBIDAS ALCOHÓLICAS EN LA VÍA PÚBLICA. EN ALGUNAS CIUDADES SE LLEGAN A REUNIR MILES DE PERSONAS CADA FIN DE SEMANA ANTES DE DIRIGIRSE A PUBS, DISCOTECAS O CONCIERTOS LOCALES DONDE EL PRECIO DE LAS BEBIDAS SUELE SER CONSIDERABLEMENTE MÁS CARO.
El Botellón es un nuevo concepto de restaurante-bar que nació en la colonia Condesa en 2013, con el que se da un nuevo toque español a la zona. Cuenta con una terraza verde en el último piso de los cuatro que integran la antigua casona, un espacio perfecto para comer o cenar en una primera cita, en pareja o con amigos. Además, el piso de abajo de la terraza ofrece la posibilidad de jugar dardos, beer pong o futbolín. En 2015 abrió una sucursal en Polanco con el fin de ofrecer el mismo concepto innovador. Mucho arte y buen sazón son los
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elementos distintivos de las tapas y platillos que ahí se sirven, complementados con un perfecto maridaje al contar con una completa carta de vinos.
-El Botellón desea ser el lugar preferido de los jóvenes que gustan de la comida española y de disfrutar de un restaurante bar lleno de diversión. -Los platillos favoritos de los clientes son las patatas bravas, los montaditos, croquetas de jamón serrano, fabada, paella y las tradicionales tablas. -Han incorporado una nueva carta de desayunos para completar su oferta gastronómica.
Por Fátima Albarrán elbotellon.com.mx
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CEL CORAZÓN O R R DEE LAD ROMA OR SALAMANCA Por Fátima Albarrán Fotos: Vidal Cruz para WARP corredorsalamanca.mx Salamanca 32, Col. Roma, Cuauhtémoc, CDMX.
LOS CREADORES DE CORREDOR SALAMANCA SON RESTAURANTEROS, Y CUANDO ENCONTRARON EL ESPACIO UBICADO EN SALAMANCA 32 VIERON EL POTENCIAL DE UN LUGAR COOL, CON TERRAZA. AL MISMO TIEMPO LO CONSIDERARON MUY GRANDE PARA SU CONCEPTO, ASÍ QUE DECIDIERON DIVIDIR ESFUERZOS CON OTRAS MARCAS Y CREAR ALGO MUY AD HOC CON LA ZONA, UN TANTO HIPSTER Y PET FRIENDLY.
La decoración corrió a cargo del área de diseño en conjunto con los comentarios y aprobaciones de los socios, inspirándose en Wynwood Walls, de Miami, con graffiti y containers. Los espacios de comida, por otro lado, fueron elegidos a través de una convocatoria y un filtro riguroso que analizó el menú y la imagen, dando como resultado una combinación exitosa.
que otorga al cliente una experiencia diferente y satisfactoria. Así, existen pantallas para disfrutar de eventos deportivos, un DJ que ameniza mientras se disfruta una de las 42 cervezas de barril que ofrecen y el famoso PONG BAR, un lugar con drinks y mixología acompañados de arguiles y mesas de ping-pong, donde se pueden armar torneos de Beer-Pong o Jäger-Pong.
En este lugar no hay competencia de conceptos. El Corredor Salamanca procura la variedad, lo
Los precios son variables dependiendo del consumo, pero con $200 el estómago y corazón
quedarán satisfechos, con productos de primera calidad, buen ambiente y la posibilidad de entablar una buena conversación. Corredor Salamanca está por tener una réplica llamada Corredor Insurgentes, en la famosa avenida, a la altura de Río Mixcoac. Febrero podría ser el mes de apertura.
Dentro del Corredor Salamanca se puede encontrar:
bores que buscan alegrar el día con “buena vibra”.
- Mr. Jail: Snacks y hamburguesas de gran tamaño.
- Boca Del Pozo: Comida artesanal mexicana hecha con amor, para saciar el hambre mejor que con tu abuelita.
- Ice Cream Nation: El helado hecho con nitrógeno al que acompañas con toppings como Kinder Bueno, conejitos de chocolate, Kit Kat, Ferrero Rocher, waffles, pretzels, bombones flameados, frutas y alcohol. - Pizza Rústica: La primera y única pizza al taglio con ingredientes gourmet de México, con 40 variedades. - Los Chilakos: Los mejores chilaquiles al momento y totalmente al gusto. Cuentan con cinco tipos de totopos, ocho salsas, cuatro tipos de queso, diez verduras, pollo y carne. También hay Chilakos dulces, de nutella o cajeta. - El Chiltepín: Tacos de mar acompañados de diferentes salsas, con ingredientes frescos, de origen local. Con cuidado en cada detalle de la preparación, también mantienen precios accesibles. - Entre Cazuela y Tortilla: Cocina mexicana hecha con amor envuelta en tortillas. Cuentan con el clásico pastor, costras, chiles rellenos y demás antojitos. - JoinOs: Proyecto mexicano que satisface el hambre, con nuevos sa-
- Tacos Don Manolito: Llevan más de una década transformando la taquería de alta calidad. - Kale: Comida saludablemente deliciosa, con ensaladas, sándwiches y jugos. - Nuvo Sushi: Oferta gastronómica basada en una fusión de la cocina japonesa y mexicana. El resultado es excelente calidad, bajos precios y un servicio agradable. - Tortas Ahogadas: Sabores originales y los mejores ingredientes, todo inspirado en el mágico estado de Jalisco. - La Michoacana: No necesitan más presentación, son los helados que ya conoces. - Fractal Café: Nada mejor para cerrar una deliciosa comida que con café americano, espresso, cappuccino o el de tu preferencia. - La Papería: Una nueva forma de comer papas, con salsas únicas. - Rooster: Ropa tribal, cómoda, que te hará ver increíble.
HELADERÍA ESCANDÓN MÁGICO, COLORIDO Y DELICIOSO
LA HELADERÍA ESCANDÓN PERTENECE A LAS HERMANAS CASTAÑEDA. CHRISTIAN ES ARTISTA VISUAL EGRESADA DE LA ESMERALDA Y ADEMÁS TATÚA, MIENTRAS QUE SU HERMANA ILIÁN ES ESCENÓGRAFA, FASHION STYLIST Y DIRECTORA DE ARTE. UN DÍA, AMBAS SE DIERON A LA TAREA DE INICIAR UN NEGOCIO EN EL QUE LA PASARAN BIEN, LES APASIONARA Y FUERA DIVERTIDO. TODO ESO LO ENCONTRARON EN LOS HELADOS.
Por Fátima Albarrán Fotos: Bógar Adame para WARP heladeriaescandon.weebly.com
La Heladería Escandón tiene una carga emocional especial para las hermanas Castañeda debido a los recuerdos de su infancia, cuando sus papás las llevaban por un delicioso helado. Ésta fue inaugurada hace un año y dos meses, y hasta ahora ha sido todo un éxito, debido a la misión
de ofrecer una experiencia a través de los helados, la decoración y la música, lo que crea una atmósfera única en el local ubicado en José Martí. Christian es una amante y coleccionista de juguetes, mismos que complementan la decoración y hacen un lugar más acogedor.
En la Heladería Escandón hay opciones y sabores diferentes con el fin de satisfacer las necesidades de los clientes, hay helado bajo en azúcar para diabéticos y sin leche para veganos. La parte más divertida para las hermanas Castañeda es el momento de experimentar con colores y sabo-
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res, al mezclar y probar diversas opciones según la temporada en sus helados y coctelería. El popular establecimiento ha tenido muy buena aceptación, y todo radica en el empeño y la pasión de quienes trabajan ahí, sin olvidar la personalidad de sus helados con ojitos de chocolate. Esta idea nació a partir de que Ilián quiso darle un plus a su oferta y dar vida a esa bola de helado que parecía una cabeza. Los ojos, primeramente, fueron de fondant, pero a través de prueba y error los dejaron de chocolate.
A raíz de la personalidad que cobraron los helados nacieron personajes como los Galletosos (galletas); los sándwiches con cara de oso, rellenos de helado; la Osomalteada, y la Malteada de Ponycornio, dando un sentido lúdico a cada producto que ha enamorado a los visitantes, quienes hacen fila para comprar; la expansión de la Heladería Escandón es inminente.
teriza por un estilo minimalista, de líneas sencillas que resaltan sus diseños y que la ha convertido en una de las tatuadoras más populares de la Ciudad de México.
Mientras todo esto pasa, Christian tatúa bajo el nombre de Xian Of The Death y su trabajo se carac-
-No puedes dejar de probar el helado de bugambilia con queso mascarpone y el de jamaica con mezcal.
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-Todos los helados son hechos de manera artesanal, con productos naturales. -Intentan cambiar sabores cada dos semanas. -Es pet friendly.
Por su parte, Ilián continúa en producciones de moda, cortometrajes, comerciales y llamados editoriales, labor que ha realizado desde hace 10 años.
Heladería Escandón: José Martí 61-D, Col. Escandón, Miguel Hidalgo, CDMX.
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MOBY THESE SYSTEMS ARE FAILING
Por Eduardo Salinas
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Cuando un artista logra plasmar a través de la música su más profunda visión de la vida, el resultado puede ser excepcional. El caso de Richard Melville, mejor conocido como Moby, es verdaderamente sorprendente. Este cantautor, músico y productor se ha consolidado como una de las mayores influencias en la música contemporánea por crear temas grandiosos y haber integrado sus pensamientos e ideologías en ellos.
atención a lo que pasa, aunque a la vez es genial.»
Después de algunos años de hacer música, Moby optó por ocupar dicha labor como medio de difusión de su más grande y verdadera pasión, el veganismo, estilo de vida que se basa en eliminar al 100 por ciento el consumo de productos de origen animal, no sólo de la alimentación, sino de hábitos comunes como la adquisición de ropa y productos de higiene y belleza, algo que podría ser en un reto para cualquiera pero que él, con convicción, ha logrado concretar por más de 20 años. Este 2016 Moby se consolida con un nuevo disco de estudio —después de lanzar decenas de ellos—, ahora con su proyecto The Void Pacific Choir. El disco titulado These Systems Are Failing ha causado alboroto en todo el mundo, gracias a sus explícitos videos y su contenido altamente humanitario, con conciencia de lo que ocurre a nuestro alrededor. Mientras Moby promociona su más reciente trabajo, nos sentamos a conversar acerca de sus proyectos y su visión de las cosas, encontrando en él a un ser humano satisfecho y contento con su labor. En cuanto a su nuevo disco, no quedan más que un par de palabras para describir la emoción que le produce seguir en la música: «Es divertido, porque la satisfacción que obtengo al hacer álbumes en este momento es ¡que puedo hacerlos! Una vez que se lanzan no pongo mucha
Al mismo tiempo, la respuesta del público se siente más pura cada día, pues después de tantos años sus fans están más enganchados con sus creaciones, poniendo especial atención a los detalles: «Hace poco, algunas personas me dijeron que les pareció un buen trabajo, así que fue por todo eso que lancé el video de ‘Are You Lost In The World Like Me?’, el cual me encanta. A pesar de todo, no deseo salir de tour. Hace años era lo que más esperaba, con millones de copias vendidas, pero ahora sólo disfruto hacer el disco, unas cuantas entrevistas, videos y hablar de ello, es la parte divertida.» Tras crear éxitos que continúan vigentes como ‘Porcelain’ o ‘Extreme Ways’, su composición ha evolucionado, al punto de crear para sí mismo; si el público se siente identificado, eso se convierte en un plus: «Una parte de todo esto es que no me gusta salir de tour, así que decidí no hacerlo esta vez. También es 2016, no mucha gente lo compra (el disco) y especialmente no uno que fue hecho por alguien de 51 años.» En cuanto al título de su nuevo material, Moby afirma que sus ideales lo motivaron a superarse como persona y que, con sus letras, intentó influir en el pensamiento de sus fans, hablando de la vida, la soledad, la tecnología y sobre todo de los derechos de los animales: «A estas alturas de mi vida, si voy a lanzar un disco lo construiré conforme a mis ideales políticos, sociales y espirituales. (Este disco) lo llame así porque cuando miro el mundo en el que vivimos veo muchos sistemas fallidos que no deberían fallar, cosas que tenemos que arreglar, mejorar, pero que por alguna razón no está pasando. Sólo quiero ser parte del diálogo, de la conversación, tratar de hacer al mundo un poco más racional. Por eso se llama así.»
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‘Don’t Leave Me’ es el tema con el que decidió lanzarse al mundo, una canción que habla del abandono y el maltrato hacia los animales y que es acompañado por un video con grave contenido visual: «En este momento de mi vida no espero que mi música sea tocada en la radio, entonces, cuando lanzo un sencillo es porque de verdad me gusta la canción. La verdadera razón por la que ‘Don’t Leave Me’ fue el primer sencillo es que me gustó mucho, pero no sólo a mí, sino a mi equipo y la compañía. Cuando lanzas una canción realmente no esperas que la gente la compre, sólo quieres compartir y, en mi caso, hacer videos, más aún cuando siento algo político o social que represente mi mundo. Esa es la razón.» A estas alturas de su vida, Richard intenta crear canciones con especial significado, basadas en sus acciones e ideología. Al pensar en esto, Moby comenta: «Para mí, (la música) es algo que amo. Me gusta escucharla, trabajar en ella, pensar en ella, me gusta que me ayuda a tomar un sentido al mundo en el que vivo. Cuando pienso en mi música, pienso en una forma mágica de expresión con la que me gusta pasar el tiempo. También pienso que vivir en el mundo de la música es una gran recompensa.» Tras el lanzamiento de su nuevo disco, Moby compartió un video que ha dado la vuelta al mundo. ‘Are You Lost In The World Like Me?’ nos envuelve con dibujos animados y describe a la humanidad como una masa que actúa sistemáticamente. Las ilustraciones de este video son simplemente magníficas: «A pesar de que tengo 51 años me siento como un niño y amo las caricaturas. Si fuera por mí, probablemente todos mis videos serían así, pero el problema con la animación es que es cara y lleva demasiado tiempo, aunque es muy divertido. De verdad, me encantan las ilustraciones de Steve Cutts, el encargado de hacer el video. Él tiene un video particular que se llama ‘Man’, realmente bueno. Así, la verdadera razón por la que quise hacerlo así es porque sabía que él lo haría.» Uno de los mensajes principales de este tema es la adicción a la tecnología, misma que nos ha apartado del resto del mundo y nos orilla a pasar horas frente a nuestros dispositivos, algo que para el músico es bastante triste: «No creo que la tecnología sea mala pero debemos mirar profundamente la manera en que la usamos. Como diversión está genial, hay juegos genia-
Arriba: Little Pine, Abajo: TeaNY
les, pero no tenemos disciplina. Tengo amigos que pasan 10 horas en el teléfono y al final del día se sienten mal, porque no tienen contacto con otros humanos por estar idiotizados tanto tiempo; se ha vuelto una adicción. «La verdad es que el video no dice que la tecnología sea mala, sino que nos hace inmunes a las personas y casi nos prohibe estar vivos en un mundo físico. Tal vez, en algún momento, todos seremos programas de computadora, pero hasta que eso pase seguimos existiendo en este mundo. Pienso que es muy importante tener disciplina y dejar a un lado el teléfono, cerrar la
computadora y pasar tiempo con la gente real, salir y tener experiencias humanas.» Además de pasar tiempo en los estudios, Moby se caracteriza por llevar su ideología a otro nivel, con experiencias culinarias que para muchos podrían resultar diferentes pero que, por su origen, resultan muy humanas. El músico ha creado dos restaurantes veganos y orgánicos, cuidando cada ingrediente bajo la más alta calidad. El primero fue TeaNY, en Nueva York (que abrió en 2002 y cerró en 2015), y el segundo Little Pine, basado en Los Angeles. «He sido vegano por 29 años y todo comenzó el Día de Gracias de 1997. Así es como funciona mi vida, igual que la música, algo que amo y que es un medio de expresión para el activismo animal, es mi trabajo. Si alguien pusiera una pistola en mi cabeza y me pidiera escoger entre trabajar en la música o el activismo elegiría el segundo, porque creo que es más importante. Además, vivo en Los Angeles y es fácil ser vegano aquí.» Por último, conversamos acerca de la nueva faceta musical por la que atraviesa, misma a la que le ha dado un nombre (The Pacific Void Choir) y significado: «Es, básicamente, un nombre compuesto en estos momentos de mi vida, al hacer y lanzar música. Me pareció una idea interesante y me gustó el título Pacific Void. Los humanos tenemos miedo al vacío, a la muerte, a lo que viene después. Me gustó la idea de tratar el vacío como algo no tan aterrador, le vi un potencial interesante”.
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CARAVANSERAÏ LA CASA DEL TÉ POR EXCELENCIA Por Fátima Albarrán caravanserai.com.mx
MAISON FRANÇAISE DE THÉ CARAVANSERAÏ ES LA MEJOR CASA DE TÉ EN LA CIUDAD DE MÉXICO, CONOCIDA COMO UN LUGAR CUYA PASIÓN POR DICHA BEBIDA SE REFLEJA EN SUS SABORES, PERFUMES, AROMAS Y SENSACIONES.
Entrar (no preguntes por qué) es mágico, te relaja el ligero olor frutal que percibes al dar el primer paso en el lugar, además puedes tener cómodas pláticas con amigos en sus múltiples y distintos sillones (en donde todos se quitan los zapatos y disfrutan de un té acompañado de azúcar mascabado), es como ir a la casa cuidada de tu abuela, el lugar te remite a recuerdos y momentos apacibles.
Este spot busca que cada visitante disfrute las notas de sabor en un bello, íntimo y confortable sitio, ideal para acompañarse de amigos, un buen libro o la soledad misma. También ofrece una amplia selección de accesorios y teteras, para seguir viviendo en casa la experiencia Caravanseraï.
En Caravanseraï se vive la experiencia del té y se comparte a través de un selecto menú de bebidas provenientes de distintas partes del mundo, además de una variada repostería francesa para acompañar en cualquier momento del día.
-Sus postres más pedidos son la tarta de limón, tarta tatin y tarta alsaciana. -Los helados en Caravanseraï son artesanales, elaborados con su propio té. -Abren todos los días de la semana.
Actualmente está en búsqueda de espacios en la ciudad para abrir nuevas sucursales.
Caravanseraï: Orizaba 101-A, Col. Roma, Cuauhtémoc, CDMX.
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PAN COMIDO FESTEJANDO EL ESTILO DE VIDA NATURAL Y SALUDABLE Por Fátima Albarrán Fotos: Vidal Cruz para WARP facebook.com/elpancomido
Pan Comido: Tonalá 91, Col. Roma Norte, Cuauhtémoc, CDMX. Leibnitz 117, Col. Anzures, Miguel Hidalgo, CDMX.
PAN COMIDO LO CONFORMAN TRES SOCIOS, UNO DE ELLOS ES VEGETARIANO Y SE DIO CUENTA DE QUE EN LA CIUDAD DE MÉXICO NO HABÍA PROPUESTAS DE COMIDA VEGETARIANA RICA, YA QUE NO TODO SON ENSALADAS; LA GENTE CREE QUE ESTE TIPO DE COMIDA ES ABURRIDA Y SU PROPUESTA FUE DEMOSTRAR QUE HAY UNA GRAN DIVERSIDAD CON SABOR. En el menú tienen sustitutos de la carne, como salchichas de tofu o queso hecho de almendras, además hacen pan casero y apoyan el cultivo nacional al comprar la mayoría de sus productos en la central de abastos. Sus proveedores se han vuelto parte de la familia y en caso de que en alguna temporada un producto no sea bueno, les avisan para cambiarlo. El concepto de Pan Comido es pionero en la colonia, con seis años de historia e impulso a la comida vegetariana. Quizá por esto y por la buena recepción es que decidieron expandirse y abrir una sucursal en Anzures, para que más gente probara sus platillos y bebidas. La decoración del negocio surge del reciclaje, con ideas de su diseñadora y su arquitec-
to, quienes decidieron colocar puertas como mesas y sillas de diferentes estilos en lugar de comprar muebles nuevos, para no fomentar la tala. Pan Comido es un restaurante que demuestra que la comida vegana-vegetariana es mucho más que sólo pasto insípido. Es un lugar en donde omnívoros o herbívoros pueden encontrar un platillo que se adapte a sus gustos y costumbres.
-Los nombres de los platillos son de personajes famosos vegetarianos. -El menú tiene variedad para veganos u ovolactovegetarianos. -No puedes dejar de probar Amèlie, un pan francés relleno de manzana caramelizada, y el sándwich Morrisey, de tres quesos. -Cuenta con Chomp Chomp, pequeño local de galletas y malteadas en la colonia Cuauhtémoc.
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JAIR TELLEZ
EL CREADOR DE MEROTORO Y AMAYA Por Diovanny Garfias Fotos: Paul Brauns Merotoro
Amaya
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RESTAURANTES DE BARRIO
PARA ABRIR UN RESTAURANTE Y OFRECER UN NUEVO CONCEPTO GASTRONÓMICO EN UNA CIUDAD COMO LA CDMX HAY QUE ESTAR CONSCIENTE DE LA AMPLIA OFERTA CULINARIA QUE INUNDA LA URBE PERO, SOBRE TODO, HAY QUE ESTAR AL TANTO DEL APETITO DE LOS COMENSALES POR VIVIR UNA EXPERIENCIA MÁS ALLÁ DE SATISFACER EL PALADAR GUSTOSAMENTE.
Laja
En ese rubro, en el de aquellos que se preocupan por ofrecer una novedosa propuesta con experiencia incluida, está Jair Tellez. El chef originario de Sonora se mudó a Tijuana a temprana edad para dejarse empapar de la gastronomía del norte, viajar a Nueva York posteriormente y aprender del ambiente multicultural en La Gran Manzana. Su aventura como emprendedor inició en 2011 con el ahora emblemático restaurante Laja, en El Valle de Guadalupe, en Ensenada, un espacio que se convirtió en un hotspot para el turismo nacional y foráneo y en referencia gastronómica por su concepto, al utilizar productos de su propio huerto. En 2010 Jair trajo su cocina a la Ciudad de México con la apertura de Merotoro, en el corazón de la colonia Condesa, y hace unos meses Amaya abrió sus puertas en la Juárez con el vino como protagonista. En esta ocasión, el propio chef nos cuenta cómo sus proyectos se han colocado en el gusto de la gente y, claro, en la lista de Los Mejores 50 de América Latina. - ¿Cómo se te ocurrió la idea detrás del concepto culinario de Merotoro? «Merotoro surgió como el restaurante que imaginé que la Ciudad de México debía tener, un sitio sencillo, con mucha sustancia, mucha calidad, rigor y sabor, sin dejar de ser algo juguetón. Me preguntaba por qué la gente de la ciudad contaba lo rico que había comido en Chicago, Barcelona, Roma, sin pensar que po-
día hacerlo igual o mejor en la Ciudad de México. Nos cuesta trabajo recordar eso porque, afortunadamente, en los últimos siete años el panorama ha cambiado mucho, y la ciudad se ha convertido en un destino culinario. No podemos decir que Merotoro no puso su granito de arena para que eso pasara.» - ¿Qué quisiste hacer diferente a lo que desarrollaste en Laja? «Laja es muy peculiar por su ubicación e historia. Siempre tuve claro que Merotoro sería una historia propia, así que aprendí a pensar en la comida y en el comensal, a cocinar de manera más racional. En Laja todo sucede en un plano muy intuitivo y personal, porque el entorno y el paisaje lo permiten.» - ¿Cómo haces para mantener el sabor de la cocina de Baja California en tus restaurantes de la CDMX? «El sabor de la Baja no radica tanto en traer producto de allá, sino en pensar la comida de una manera. Dicen que entre mayor es la necesidad la expresión es mas fuerte. Baja California es una región que no es de abundancia, es de claridad y de expresión inequívoca. El desafío en la Ciudad de México es generar dinámicas de necesidad y escasez, para que los sabores se expresen claramente, de manera sólida, para escoger dónde ser irreverente sin ser frívolo.» - Cuéntanos, ¿cómo surge la idea de crear Amaya y sumarle una oferta de vinos tan amplia?
«Mi familia tiene una bodega de vinos en Tecate, Baja California, pequeña, rústica y sencilla, donde hacen vinos fermentados con levaduras nativas, sin sulfitos añadidos ni ningún tipo de producto enológico. El resultado es una bebida transparente, clara y con mucha personalidad, con mucha historia, sin querer ser perfecta porque cuenta una historia. Así surge Amaya, de mis ganas de tener un espacio para ofrecer “vinos raros”, donde se disfrute con una buena comida y, sobre todo, en un ambiente agradable, que vea hacia la ciudad, muy urbano pero con comida muy rica.» - Tus restaurantes se han colocado en la lista de Los Mejores 50 de América Latina. En tu opinión, ¿cuál es el elemento que ha hecho que tu trabajo destaque a nivel internacional? «El elemento fundamental es la gente que trabaja en mis restaurantes. Yo solo, al final de cuentas, no saco el barco a flote, pero juntos sí podemos. Me gusta trabajar con gente involucrada en el restaurante, soñadora, que apueste a comunicar bienestar a partir de la comida y la bebida.
JAIR TELLEZ ES PROPIETARIO DE LA MARCA DE VINOS BICHI, LOS CUALES SE FABRICAN EN SU RANCHO FAMILIAR, EN TECATE, BAJA CALIFORNIA. BICHI SIGNIFICA “DESNUDO”, EL NOMBRE PERFECTO PARA UN PROYECTO DE VINO NATURAL, COMO LO ES ÉSTE.
BON IVER LA HISTORIA DE 22, A MILLION, EL MEJOR DISCO DE 2016 Por Alejandro Franco (enviado especial en Eau Claire, Wisconsin)
LOS SÍMBOLOS QUE APARECEN EN EL DISCO SIGNIFICAN TODO Y NADA, HAY REFERENCIAS A LOS CULTOS, A LO ESOTÉRICO, CON UNA INTENCIÓN CLARA DE GENERAR ESPECULACIÓN Y CONVERSACIÓN. SIN EMBARGO VERNON NOS ASEGURA QUE NO ES SATÁNICO NI HAY SEGUNDAS LÍNEAS DETRÁS DE LOS DISEÑOS.
Son las 12:45 horas y acabo de aterrizar en el Aeropuerto de Minneapolis, en Minnesota, Estados Unidos. Debo esperar en una larga fila para recibir el auto rentado que me llevará a Eau Claire, Wisconsin, con un buen trago de café y GPS en mano. Ahí me hospedaré durante dos noches, en el hotel que eligió el equipo de la disquera y staff de Bon Iver.
decidí hacer con mi vida». Él es Justin Vernon contestando mi pregunta acerca de crecer en este increíble lugar, rodeado de naturaleza, con un cielo hermoso que se tiñe de azul intenso durante el día y se llena de estrellas por la noche, razón suficiente para bajar la ventanilla de la camioneta en la que viajo, antes de llegar a mi destino.
Estoy a punto de salir del estacionamiento del aeropuerto y recuerdo que me mandaron un link privado para escuchar 22, A Million, razón por la cual hago este viaje. Me parece una idea brutal escucharlo en plena madrugada, solo, en la carretera, mientras me dirijo a la ciudad que vio nacer a Justin Vernon, el hombre detrás de esta extraña idea de hacer una escucha privada, con él presente y 25 periodistas más de diferentes partes del mundo.
«Creo que la mejor manera de describir el nacer y crecer en Eau Claire es decir que es demasiado fácil. Tengo padres que me han apoyado al máximo, la ciudad es súper segura y tuve una educación impecable, pues en mi escuela siempre hubo un programa de acercamiento a las artes y aquel enfocado a la música me vino muy bien para iniciar mi carrera. Hay gente que dice que nació en el lugar indicado, yo agregaría que nací en el lugar con las mejores condiciones para lo que
«Creo que no tuve un amigo negro hasta que cumplí 16 años, y no es que sea malo o bueno, es sólo que entiendes que en un lugar tan aislado como este hay paredes que te protegen pero que también te alejan de todo. Para este disco traté de no estar aquí mucho tiempo, aunque al tener nuestro estudio en las afueras de Eau Claire (April Base) tan armado, con todo nuestro equipo, terminamos haciendo la mayor parte del trabajo aquí.» 22, A Million es el tercer álbum del proyecto y llega cinco años después
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“ESTE DISCO TIENE ALGO OSCURO Y CREO QUE PARA LOGRARLO TUVE QUE ROMPER LAS COSAS, HACER COSAS QUE SON EXCITANTES Y EMOCIONANTES Y NUEVAS. CREO QUE GRITAR ES BUENO, SUSURRAR ERA QUIZÁS LO DE ANTES...” -JUSTIN VERNON
del exitoso álbum homónimo que dio a conocer a Justin en todo el mundo, al tiempo que Kanye West jugaba el papel de padrino ante el mainstream musical, aunque en realidad fue su primer disco For Emma, Forever Ago (2007) el que sentó las bases de todo.
Canciones de una producción puntual, casi diminuta, con pocos elementos mezclados y una ejecución a veces experimental para ser folk es el sonido que caracteriza a Bon Iver y que encuentra nuevos horizontes en esta nueva producción. Son evidentes las horas de búsqueda de sonidos específicos, de creación de loops mágicos, de accidentes sonoros electrónicos y rompeolas de baterías salvajes que saturan cualquier bocina, como si algo hubiera salido mal en la grabación. «Descubrí que una manera de comba-
tir la ansiedad era, justamente, llevar mi caja de ritmos Roland al extremo y trabajar con ella durante todo el proceso. Hay mucho de eso en este disco pero sobre todo está ese deseo de sentirme mejor. Mis dos primeros álbumes denotan tristeza y no me da pena decirlo, por lo que este tenía que ser más
bien sanador. El 22 siempre ha sido mi número favorito y el ‘million’ se refiere a todo lo demás. Un millón es un número imposible. Pensar en quién puede pintar un millón de puntos o quiénes, de los que estamos en esta sala, podemos entender la complejidad de un número así.»
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No es un capricho que sólo estemos 26 periodistas en este lugar específico, un remodelado pero aún cerrado primer hotel boutique de Eau Claire llamado Oxbow. De hecho estamos en el totalmente nuevo pero aún cerrado también (al momento de escribir esto) restaurante Lakely, ambos proyectos impulsados por Justin Vernon, quien funge como inversionista, fundador y promotor de su propia ciudad. Mixología contemporánea, fina arquitectura, sencillez y buen gusto caracterizan a este lugar en el que aún se respira pintura fresca, lo que te incita a imaginar qué tipo de arte decorará sus paredes y espacios, aún cubiertos con plástico. Una vez más, no estamos en estas mesas por casualidad, hay una razón más poderosa que ser el representante turístico de Eau Claire y un joven hotelero de 35 años. Estamos aquí para evitar un “día de la marmota” interminable, con conciertos, hoteles y entrevistas tan numerosas como repetitivas que sólo buscan indagar en temas personales y no musicales; todo lo que Justin tiene que decir acerca de esta placa nos lo dice en una hora y 40 minu-
tos: «Nunca vayan a una isla griega, fuera de temporada, tratando de encontrarse a sí mismos. Yo lo hice y no lo logré, me sentí pobre, desolado, con una frase en la cabeza: “This feeling might be over soon” (este sentimiento podría terminar pronto), frase que caracteriza el primer track ‘22 (OVER S∞∞N)’.» Un error común entre artistas nuevos que emprenden una gira mundial es decir que sí a todo, no descansar por dos o tres años, tomar todas las fechas posibles y entregarse al nada saludable ritmo de seguir y seguir como si fuera una carrera contra sí mismo. Mientras pide un whiskey (bourbon), Vernon recuerda cómo empezó a sentirse tras ir a un concierto en Chicago, hace tiempo, con un vacío emocional en el momento sagrado de vivir esa conexión entre artista y audiencia. Quizá por eso decidió presentar el disco en vivo como parte del festival Eaux Claires, antes de esta escucha, frente a un público cercano, casi familiar. El debut de 22, A Million en el Eaux Claires Music & Arts Festival 2016.
22, A Million es un disco real, repleto de anécdotas. «Francis Starlite, de Francis and The Lights, se quedó en casa por un largo periodo y se la pasó hacienda sonidos con una herramienta de armonías que, conectada a un saxofón, logra un efecto muy particular», sonido que distingue al penúltimo track, llamado simplemente ‘____45____’. También hay varios samples acreditados y no acreditados. El de Stevie Nicks no está en créditos pero existe en ’10 d E A T h b R E a s T ⊠ ⊠’.
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“REALMENTE NO ME GUSTA VER FOTOS DE MÍ MISMO. ES COMO CUANDO ESCUCHAS A PINK FLOYD, NO PIENSAS EN CÓMO LUCE DAVID GILMOUR. LAS IMÁGENES Y LA MÚSICA VAN DE LA MANO. PERO NO ESTOY TRATANDO DE HACER ESO. REALMENTE NO ME ENCANTA CONOCER A DEMASIADAS PERSONAS, PORQUE NO TENGO TIEMPO PARA SER SU AMIGO. LAS CARAS SON PARA LOS AMIGOS SOLAMENTE. ESO ES LO QUE PIENSO.” -JUSTIN VERNON
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THE LAKELY, EL RESTAURANTE DE JUSTIN VERNON
The Oxbow es el único hotel boutique de Eau Claire, Wisconsin. Un espacio rehabilitado por Justin Vernon y varios socios, que cuenta con 30 habitaciones. Asimismo incorpora meticulosamente elementos del bosque de Chippewa Valley en su estructura, además de contar con bicicletas y kayaks para los huéspedes. Su vestíbulo está abastecido con una enorme biblioteca de vinilos y sus paredes están adornadas con las obras de artistas de la región.
Dentro del hotel encontramos The Lakely, un restaurante con espacio para presentaciones. Cuenta con un menú local de temporada creado por el chef Nathan Berg,
Los títulos de las canciones y la manera extraña en que fueron escritos no son obra de la inspiración, según Vernon: «Nos pusimos a escribir letras, símbolos que se veían bien, no es que la energía de la madre blues sic haya llegado de pronto». Tras esta explicación le pedí nos enseñara a pronunciarlos, para los que hacemos radio, pero como este es un texto y no podemos reproducir ningún audio de la conferencia tendré que dejar que los imaginen, aunque hay obviedades como que ‘____45____’ sólo se dice forty five o que hay un juego en el último track que si se lee sin el punto es justo a million (‘10. 00000 MILLION’).
aclamado por la crítica culinaria. Los platillos están basados en comidas modernas de confort Midwest, incluyendo su famoso Koldtbord. En The Lakely, no hay reservaciones, se va atendiendo a los comensales conformen llegan y de no haber mesa, pueden esperar en la barra, donde convergen una lista inteligente de cócteles artesanales y cervezas locales de barril y enbotelladas. Sin duda, espacio que busca la comunión entre música, relajación y estilo.
También es importante recalcar que aunque estuvimos con Justin, cara a cara, y hay una gira en marcha, Bon Iver replicó la omisión de un rostro en esta estrategia de comunicación tal como lo hizo en la portada de 22, A Million, pues la música no siempre necesita rostros ni obviedades de promoción, a veces hace falta estar en un lugar que nos dé paz (como particularmente me pasó en Eau Claire), perfecto para cerrar ciclos, calmar ansiedades y hacer un viaje al interior.
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REVIEWS THE WEEKND
Starboy Republic
9.0
En el último par de años, Abél Tesfaye ha mostrado que el ingenio que tiene para crear música no acaba. Haber colaborado en el último trabajo de Beyoncé con el tema “6 INCH”; lanzar Beauty Behind The Madness en 2015 y regresar este año de manera categórica con Starboy, su tercer álbum, demuestra que cuenta con la creatividad y el dinamismo que cualquier músico moderno necesita para sobresalir en una escena tan competitiva y exigente.
El proceso de producción tuvo a varias personalidades involucradas, algunas de las cuales ya habían trabajado con él como Doc McKinney. Otros de los productores son Cirkut, Max Martin, Jake One y Diplo, que suman experiencia y volumen, mientras que la parte innovadora y juvenil quedó en manos de Cashmere Cat, Benny Blanco y Labrinth, un combo que se cristaliza en una pieza maestra del pop moderno.
Esta nueva placa cuenta con la colaboración de grandes talentos como Lana Del Rey, Future y Kendrick Lamar, además del legendario dúo francés Daft Punk que ayudó en la realización de dos temas: ‘Starboy’ (primer sencillo y track que da nombre al disco) y ‘I Feel It Coming’. Por otra parte, las influencias que el canadiense tuvo para generar el estilo musical estuvieron basadas en la música de Prince, The Smiths y Talking Heads.
Al desmenuzar tema por tema encontramos grandes protagonistas. El primero es ‘Starboy’, sencillo presentado en septiembre donde podemos escuchar e identificar con claridad la mano de Guy-Manuel de HomemChristo y Thoma Bangalter; ‘False Alarm’, es el nuevo himno de guerra que con un coro estruendoso exaltará toda la ira que llevas dentro. Entrando a la faceta más movida llega-
mos a ‘Rockin’’, una canción fabulosa llena de ritmo y energía que se apoderará de tu cuerpo secundada por ’Secrets’; este par de canciones crea un pequeño bloque agradable y lleno de sabor. Otras canciones que llaman la atención son ‘Stargirl Interlude’, ‘Sidewalks’, ‘All I Know’ y ‘I Feel It Coming’, siendo la última, la más sobresaliente de todas. 18 temas en más de una hora de enorme calidad lograran colocar a Starboy como una de las producciones más importantes de la industria mainstream y el pop de 2016. De manera magistral, The Weeknd luce una obra exquisita, cobijado por productores de dos diferentes generaciones, una de jóvenes radicales con ideas frescas y la otra con la experiencia necesaria para llevar a grandes músicos al éxito. -Eduardo Martínez
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REVIEWS AN ODD ENTRANCES
Thee Oh Sees Castle Face Records
7.9
La agrupación norteamericana liderada por John Dwyer ha sido el ejemplo claro de una carrera musical que no tiene límites ni tiempo que perder, pues en los últimos 13 años ha lanzado un gran número de álbumes; 18, para ser exactos, y aunque los primeros surgieron cuando la banda aún no adoptaba su nombre actual se trata de trabajos que quedan como evidencia en la mente imparable de Dwyer. Fue en agosto cuando el proyecto lanzó el primer material del año, A Weird Exits, un álbum que nos muestra su peculiar sicodelia, riffs poderosos y una constitución completa a lo largo de casi 40 minutos. Ahora, con la llegada de An Odd Entrances nos presenta un manejo de su sonido y composición con gran maestría. Pieza con pieza, cada elemento se vuelve hipnotizante y manifiesta lo que mejor saben hacer estos músicos, aunque quizá el siguiente paso para su líder sea encontrar el camino por el cual llevar todo lo que ya tienen a un nivel más alto.
WOMAN
Justice
-Harold Rentería
Warner Music
7.6 Después de cinco largos años, el dúo francés conformado por Xavier de Rosnay y Gaspard Augé vuelve para presentar su tercera placa discográfica, titulada Woman. Lanzado bajo los sellos galos Ed Banger Records y Because Music, el disco desfila con gran elegancia y ritmo y, al igual que sus antecesores, el sonido peculiar y la forma de usar sampleos dan cátedra de cómo utilizar una misma fórmula sin caer en la monotonía. Este trabajo cuenta con diez canciones y al menos un 70 por ciento de ellas podrían ser sencillos, lo que demuestra el gran compromiso que se tomaron los franceses al entrar al estudio. ‘Safe And Sound’ (primer sencillo), ‘Pleasure’ y ‘Alakazam !’ son la tripleta perfecta de introducción, ya que sus beats enérgicos te envuelven en una gama de sonidos. ‘Fire’ y ‘Stop’, por otra parte, se encargan de llevarnos al clímax perfecto, mientras que ‘Randy’ muestra el lado rebelde de la placa y ‘Love S.O.S’ deja claro que Xavier y Gaspard no se olvidaron de dedicar unos minutos al amor. -Eduardo Martínez
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RENE MOOI
INSOLENCIA SONORA DESDE EL UNDERGROUND NACIONAL
Por Sara Araujo | Foto: Vidal Cruz para WARP
En la actualidad, los proyectos correspondientes a la escena independiente tienen las propuestas más relevantes en el medio musical, aquellas que representan el talento joven y lo que en el futuro será parte de nuestra historia. Por esto, es muy importante prestarles especial atención y estar abiertos a sus historias, sus mensajes y sus canciones. Un gran ejemplo de este movimiento es Renee Mooi, propuesta de rock mexicano digna de conocer, con una historia fresca y un futuro prometedor. WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con la talentosa compositora sobre el inicio de su carrera y su perspectiva del medio como artista. - Para iniciar, platícame un poco de cómo comenzó este proyecto… «El proyecto empezó cuando aún no lo tomaba como algo serio, hace 10 años, y de hecho ocurrió porque quería que mi hermana cantara. A ella le hice el primer EP, el de las frutas, donde canta un tema. Yo estaba en la escuela, estudiaba música y lo hice de tarea. Mis compañeros empezaron a pedírmelo y de repente, a partir de eso, descubrí la escena independiente. En aquel momento escuchaba muchísimo pop y me empecé a meter en este mundo, me dio mucha curiosidad ver qué podía pasar.»
- ¿Cómo se dio el proceso creativo para tus composiciones en aquel momento? ¿Aún trabajas de la misma manera? «El proceso se fue transformando muchísimo con todo lo que hacía. A partir de los 17 tuve una carrera alternativa en Rumania, haciendo pop y cantando, pero empecé a frustrarme porque no tenía control creativo, no podía expresar nada, ni sobre lo que usaba, ni lo que decía o cantaba, nada, hasta que renuncié y me dediqué a esto completamente. De hecho, una mitad del disco es sobre ese periodo en el que hacía lo que quería, sin seguir ningún patrón. Después, la situación cambió y empezó a darse un proceso real luego de terminar una relación súper importante. La segunda mitad del disco fue todo este proceso, algo muy tormentoso pero profundo, estuvo padre. Hace poco lo volví a escuchar y sentí rarísimo, ¡no me gustó! [ríe]. Fue un proceso muy intenso, muy fuerte, de mucho dolor, aunque terapéutico. Hoy siento que estoy en otro periodo de mi vida.» - Al hablar un poco más de tu proyecto, ¿cuáles son las influencias principales? «Hay tantos [suspira]. Como te decía, crecí escuchando pop, era fan de Britney Spears y ¡fui al concierto de Backstreet Boys, de la gira Black N Blue, vestida y pintada de azul y negro! Cuan-
do empecé en esto me llevaron a ver a Björk, a un festival, hace como 10 años. Jamás la había escuchado y no sabía quién era, tampoco sabía que había festivales alternativos y menos conocía a bandas como Pink Floyd, sólo ‘Another Brick In The Wall’. Ese día me dio un ataque epiléptico de la impresión, estaba a cinco personas de ella y tuve un shock tan profundo que me dio un ataque. Como estaba en medio de la gente no me caí, pero en ese momento alguien tomó una selfie y volteó a ver la foto. Todos salían sonriendo, ¡y yo en plena crisis epiléptica! [ríe]. Me encanta Nine Inch Nails, Radiohead. Ahorita escucho mucho a una señora de 80 años, Elsa Suárez, una brasileña que abrió las Olimpiadas. ¡Está increíble! También me fascina Brazilian Girls y por ahí va la onda.» - Has logrado interesantes colaboraciones. ¿Planeas algo de este tipo? Está el dueto con Mon (Laferte), en el disco tengo otros como con Teri Gender Bender (Le Butcherettes) y Sandrushka Petrova (Descartes A Kant), son de mis bandas mexicanas favoritas. He colaborado con músicos colombianos, guatemaltecos, con Elis Paprika… Me fascina colaborar, me gusta muchísimo el experimento y me encanta la gente rara. Estoy disponible para cualquier parte del mundo, donde sea, ¡búsquenme! [ríe].
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LA RECUPERACIÓN DE ESPACIOS EN EL RINCÓN MÁS AL NORTE DE MÉXICO
Por Anabel Manzano
Jaime Brambila es consultor laboral en San Diego, California, pero disfruta de pasar tiempo en Tijuana, convivir con su familia y amigos y de lo que la ciudad fronteriza le obsequia sin tener que ir demasiado lejos de su departamento.
book.com/ElCentroEsLaOnda) que da cuenta de lo que permanece y lo que se crea en lo que estudiosos como Norma Iglesias Prieto y José Manuel Valenzuela Arce llaman “un espacio sumamente provocativo y estimulante”.
Jaime va y viene a pie. Un día come en el legendario restaurante Caesar’s, al siguiente en La Justina y por la noche recorre los antros y bares de La Sexta, todo sin salir del centro.
El Penthouse de “la Revu”
Se trata de la redefinición de hacer vida de barrio. «Me siento encantado de vivir aquí —asegura Brambila—, cada vez uso menos mi carro. Trabajo en Estados Unidos y viajo mucho, pero regreso el fin de semana. Siento que en este sitio te desconectas un poquito, y los que estamos aquí somos gente con algo en común.» 7ma. y Constitución, donde vive Jaime, es el primer edificio nuevo de uso mixto en la zona centro de Tijuana y fue creado por Bustamante Realty Group, una inmobiliaria de Baja California. La construcción se compone de nueve departamentos en planta alta, tres lofts y una superficie comercial en planta baja, con un sistema de circuito cerrado para mayor seguridad de los residentes. Los pasillos del edificio, por otra parte, son estrechos, ambientados con ladrillo, lámina, madera y estructuras metálicas. De estilo minimalista, aquí lo importante es la buena administración del espacio, la comodidad y la vida de barrio, pues está ubicado en una zona rodeada de restaurantes, cafés, bares, estacionamientos y rutas de transporte. Genaro Valladolid, de Realty Group, es uno de los promotores que busca dar vida al centro de la ciudad. Además del tema inmobiliario, este joven empresario impulsa la reactivación de la zona a través de su página de Facebook (face-
Revolución 1764 es un edificio de siete niveles que alberga 20 condominios de acabados contemporáneos: dos penthouse, seis lofts y 12 departamentos de una recámara. Cada unidad se entrega al arrendatario con estufa, mini-split, cocina integral y un cajón de estacionamiento, además de contar con una terraza con vista a la ciudad. Este inmueble fue desarrollado también por Bustamante Realty Group y las rentas van de los 750 a los 820 USD. Al igual que 7ma. y Constitución, su ubicación está a diez minutos del cruce con San Diego. Al tratarse de un desarrollo de uso mixto, la parte baja de Revolución 1764 cuenta con espacios comerciales y, por su ubicación, es una alternativa de vivienda urbana que mantiene a sus inquilinos en contacto con la renovación del centro en aspectos gastronómicos, culturales y de entretenimiento; como ejemplo, la reciente apertura del Cine Tonalá sobre Av. Revolución. Valladolid explica que los inquilinos de ambos desarrollos son generalmente jóvenes, algunos con trabajo en Estados Unidos, que deciden rentar en Tijuana por conveniencia económica. Otros están muy ligados a la cultura y las artes, movimientos que han recobrado espacios perdidos por la inseguridad de la ciudad. José Manuel Valenzuela Arce, investigador del Colegio de la Frontera Norte (Colef), precisa que el abandono de los espacios públicos en
Tijuana comenzó en 2008, cuando la violencia se disparó y las disputas entre grupos criminales dejaron de ser ajenas a la vida cotidiana de los tijuanenses que por primera vez se sintieron implicados y vulnerables. Después, la sociedad reaccionó al darse cuenta de que había sido expropiada de su propia ciudad. «Desde el campo del arte, la cultura, del accionar juvenil, buscaron la recuperación de espacios y volvieron a tratar de salir a tomar la ciudad. Es en ese contexto donde se da una resignificación.» Valenzuela, por otra parte, indica que el estado vuelve a ser visible después de «la noche oscura de la violencia», y Tijuana, por su estrecha relación con California, ha encontrado nichos creativos y productivos. A través de su larga tradición en comercio y servicios se convirtió en un punto de atracción para connacionales que encuentran opciones para desarrollar proyectos de vida. Cabe señalar que la frontera Tijuana-San Diego es una de las más fluidas del mundo, con un elevado intercambio comercial, cultural y de personas. En un sólo día más de un millón de personas y más de 70 mil camiones comerciales transitan esta frontera, de acuerdo con datos de la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza. Y vienen más proyectos… Esquina Sara es otro desarrollo ubicado en el centro de Tijuana, cuya proyección prevé la realización de espacios de co-working y un roof deck gastronómico con propuestas locales. Se estima que podría quedar listo en marzo de 2017. De igual forma, en la calle Niños Héroes, entre la 7ma. y la 8va., se remodela el Edificio Cuauhtémoc, conjunto habitacional que ofrecerá otra alternativa de vivienda, moderna y funcional, en el corazón de Tijuana.
CRYSTAL FIGHTERS MY FAMILY IS EVERYTHING
Por Fátima Albarrán | Foto: Jackson Grant
Crystal Fighters es una banda de música indie y electrónica formada en 2007, en Londres, conocida principalmente por sencillos como ‘You And I’ y ‘Love Is All I Got’. Su álbum debut Star Of Love fue lanzado en octubre de 2010 en Reino Unido, y en abril de 2012 en Estados Unidos, esto bajo el sello Atlantic Records. Su segundo álbum, titulado Cave Rave, se lanzó el 27 de mayo de 2013. Crystal Fighters está formada por Sebastian (líder vocalista y guitarra), Gilbert (sintetizadores, guitarras, txalaparta, percusión) y Graham (guitarra y txalaparta), junto con Laure y Mimi (voces). Sebastian y Gilbert eran viejos amigos, mientras que Gilbert y Graham se conocieron en diferentes fiestas. Al iniciar una amistad los tres, comenzaron a crear bajo la influencia de diferentes estilos musicales antes de conocer a Laure y Mimi. Además, ahora en sus conciertos cuentan con la colaboración de un batería. El grupo toma su nombre de una ópera inacabada, compuesta por el abuelo de Laure durante sus últimos y dementes meses de vida. Laure encontró el manuscrito por casualidad, mientras limpiaba la solitaria casa del anciano, en mitad del campo del País Vasco. Pronto se obsesionó con los intrigantes garabatos de su interior y decidió compartirlo con el resto. Cautivada por los presumiblemente proféticos manifiestos, la
banda tomó el nombre de la obra en un intento por mantener vivo el espíritu salvaje y trastornado del abuelo. El estilo de Crystal Fighters es una fusión de géneros, música dance progresiva con melodías tradicionales del folk vasco, así como sintetizadores, bajos wonk-funk e influencia de ritmos punk y música experimental electrónica española de bandas como Aviador Dro, Las Vulpes y Dulce Venganza. La música de la banda deja ver sus raíces en muchas de sus canciones; el riff de ‘Champion Sound’ surge de la folclórica ‘Sagar Dantza’, mientras que ‘In The Summer’ se basa en los sonidos del Carnaval de Lantz, en Navarra. Paul Lester, periodista de The Guardian, ha descrito su estilo como «lo que ocurriría si viajáramos 100 años atrás, dejásemos caer un montón de equipamiento de grabación en una remota aldea vasca y dejaran hacer a los aldeanos su música folclórica con medios propios.» El pasado octubre, Crystal Fighters llegó con su nuevo álbum Everything Is My Family, tercera producción que se caracteriza por conjugar el sonido de la música vasca y la mitología en su sonido. Precisamente platicamos con Sebastian al respecto y esto fue lo que nos dijo. - Cuéntame acerca de Everything Is My Family… «Salió en septiembre y estamos muy felices de hacer música a través de la mezcla de diversas culturas. Ver cómo la gente siente las
canciones nos llena de alegría, así como tocar y recordar viajes y experiencias.» - Ustedes son franceses e ingleses. ¿En qué momento encontraron este sonido que se asemeja más al español que a sus ritmos nacionales? «Pasamos un largo tiempo en España y el País Vasco, así como en Latinoamérica, para envolvernos de su cultura. Aprendimos el idioma y a tocar instrumentos como la txalaparta el txistu, una pequeña flauta de tres agujeros.» - ¿Cómo es el proceso creativo para hacer un álbum? ¿Cada quien tiene un rol diferente o hacen una lluvia de ideas? «Tenemos diferentes maneras, a veces alguien hace las letras y todos la música y en otras ocasiones nos juntamos a generar cosas, o uno tiene una idea y los demás la aterrizamos. A la hora de la producción nos gusta participar, porque también tenemos la posibilidad de experimentar.» - ¿Cómo fue perder a Andrea? «Fue verdaderamente triste, era una persona increíble, amorosa y amable, nos hace falta en cada viaje y en cada show, por lo que hicimos ‘Lay Low’ en su memoria.» - ¿Cómo ha sido la evolución de su sonido a través de los años? «Ha sido un largo camino, entre viajes y experiencias que se acumulan más y más, así como instrumentos, lo que nos hace crecer en diferentes aspectos.»
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TINTO AFRUTADO, LA NUEVA TENDENCIA
Texto y fotos: Daniela Castellanos
El vino ha sabido posicionarse, a través de la historia, como una de las bebidas más importantes a nivel internacional. Sin embargo, la población mexicana no lo ha adoptado en su consumo diario, pues anualmente se consume sólo el 10 por ciento del mercado de esta bebida que se cultiva en algunas regiones del norte del país (alrededor de 55 millones de litros). Al referir el papel que juega la industria del vino en México encontramos el posicionamiento de más de 90 bodegas de uva, que se encargan de cultivar para al menos 350 etiquetas. Dentro de ellas está Valle Redondo, compañía fundada en 1964 por Don Luis Ferruccio Cetto bajo el nombre de Productos de Uva de Aguascalientes. Esta planta se especializa en generar y
comercializar jugos concentrados y néctares envasados, así como vinos de mesa y sidras, siendo una de las principales productoras y obteniendo el primer lugar en venta de sidras a nivel nacional. Cinco décadas después, la empresa dirigida por la familia Cetto ha sabido adaptarse y entender las necesidades de los consumidores, por lo que en 2014 creó la línea de vinos Cu4tro Soles bajo el concepto de cuatro atributos que mueven al México actual. Esta línea inició su conformación con cinco etiquetas que buscaron satisfacer el paladar de diversas generaciones para, dos años más tarde, sumar una más y ampliar su oferta ante el mundo. Así, al Rosado Blanco de Zinfandel, al Tinto Semidulce Multivarietal,
al Cabernet Sauvignon, Merlot y el Cabernet Sauvignon Roble se le une este año el delicioso Tinto Afrutado Espumoso, una amigable opción para quienes ya adoran el tinto y para esos otros que no lo han probado nunca. Cabe destacar que con el lanzamiento de esta bebida buscan una democratización por medio de la cual el público mexicano sea capaz de añadir al vino como parte de su alimentación y consumo diario. Cu4tro Soles busca romper paradigmas, apostando por acabar con la percepción de que el vino está reservado para expertos u ocasiones especiales, por lo que el Director General de Valle Redondo, Alejandro Cetto, en compañía del enólogo y viticultor Jesús Díez, buscan generar una nueva tendencia en el consumo de espumosos.
La presentación de esta nueva etiqueta se realizó en Raíz, uno de los restaurantes más contemporáneos del norte de la ciudad que abrió sus puertas para demostrar que la cocina tradicional puede adaptarse a la versatilidad de cada estación del año. En este caso, el talento de tres chefs se unió para probar cómo el vino espumoso es el elemento perfecto para acompañar una buena comida. El nuevo Tinto Afrutado Espumoso de Cu4tro Soles es un joven afrutado, con cuerpo ligero, aroma delicado con notas frutales y burbuja fina, ideal para quienes disfrutan de una bebida sutil y que buscan ese sabor que caracteriza a las creaciones de Valle Dorado.
ENGLISH FEATURES —
NEIGHBOURHOOD RESTAURANTS PG. 092
BON IVER PG. 094
NEIGHBOURHOOD RESTAURANTS By Fátima Albarrán Translation: Raúl Arce
Mexico City, besides being a city to enjoy visually, has a way to enjoy with the palate, an adventure with a special and incomparable gastronomy. The restaurants are designed to favor relationships, with friends, couple or with oneself, through an environment where you can savor delicious recipes. These venues have gradually gained a place among the preference of CDMX diners, as they offer different specialties for those discerning palates. WARP Magazine found various options for all tastes that, in addition to being delicious, are nutritious and friendly to your wallet. We present you a tour of some places, from its history and concept to the majority of the orders of its menu, the options of Mexican cravings through
Spanish tapas until finding the best tea and the most creative ice cream, we assure that none will disappoint you. —
SURTIDORA DON BATIZ
NEIGHBOURHOOD CUISINE AND SALOON The concept of Surtidora Don Batiz is based on the classic Mexican saloon with a small touch of popular markets, and was born in a conversation between friends about the saloons during the Golden Age of Mexican Cinema. The concept and decoration are extremely nationalist and old, with a jukebox, wrestlers
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masks and tablecloths typically used in the past century, made out of plastic, stamped with fruits that emulates an entire period of time. You can find in the menu the traditional sopes, tostadas, quesadillas, tlayudas, tacos, huaraches and gorditas and also dry noodles or garlic shrimps, while the menu of drinks include tequila, pulque and mezcal. -They have three restaurants: Downtown, Polanco, Terraza Surtidora. -Some say that they serve the best pulque in town. -You can’t leave before you try the gorditas, tortilla soup and villamelón taco. —
PAN COMIDO
CELEBRATING THE NATURAL AND HEALTHY LIFESTYLE Pan Comido is integrated by three partners, one of them is vegetarian, and soon he realized that there wasn’t a good vegetarian offer in Mexico City, because not everything is salads: people think that this kind of food is boring, and their aim was to show that there is a great diversity of flavors. In their menu they have meat substitutes, like tofu wieners or almond-based cheese, they also bake home-made bread and support local farmers by buying at central de abastos. Their suppliers have become part of the family and, in case one of the products is not good for the season, they warn them. The concept behind Pan Comido is pioneer in the neighbourhood, with six years of history and empowerment of vegetarian food. Maybe that’s why -alongside the good results- they decided to expand and open a new restaurant in Anzures, so more people get to taste their dishes and beverages.
-The dishes take their names from famous vegetarians. -The menu is apt for vegetarians or ovolactovegetarians. -You must try the Amélie, a french toast filled with caramel apple, and the Morrissey sandwich, made out of three kind of cheese. -They also own Chom Chomp, a small place that sells cookies and milkshakes in Cuauhtémoc neighbourhood. —
PORCO ROSSO
THE PORK HOTSPOT IN TOWN Pedro Ochoa, owner of Porco Rosso, lived in The U.S. where he became fan of visiting every BBQ place he ran into, fact that inspired him to open a similar place in Mexico. Pedro had already analyzed the path to start his business, because it required special equipment and import meat from the U.S. so when hi came back to Mexico, passed by Roma neighbourhood and fell in love with “his corner”, which took him more than a year to acquire. Once he opened, Poco Rosso had a great welcoming, so new restaurants started to come out, not with a franchise intention, but to provide places of meeting where hospitality mean a unique experience for each person that comes in to taste its dishes. In every Porco Rosso restaurant there are kitchen gardens with the intention of taking the clients out of the city, to a clear and free space. On the other hand, they always play with the smoker and introduce new recipes; the new thing on weekends is the creation of dishes that you can’t find in the menu, for example, pork cheek, pork jowl or beef tongue.
The interior design of the local comes from recycling, with ideas of their architect and designer, who decided to use doors as tables and chairs instead of buying new furnitures to avoid deforestation.
Another attraction is the variety of sauces. You can also complete the meal with margaritas, artesanal beer or clericot, and as always, there is always space for dessert, so their menu has some delicious stuff you cannot miss.
Pan Comido is a restaurant that proves that vegan/vegetarian food is way more than just flavorless plain grass. It’s a place where omnivores and herbivores can find a dish that suits their tastes and habits.
-They’ve just opened a new restaurant inside Miyana Polanco Mall (Ejercito Nacional 769). -Baby Back Ribs are the stars of the place. -They have five restaurants: Roma, Cuauhtémoc, Condesa, Coyoacán and Polanco.
BON IVER
22, A MILLION’S STORY AS TOLD BY JUSTIN VERNON By Alejandro Franco Translation: Raul Arce
095 | ENGLISH VERSION | WM
It’s 12:45 and I’ve just landed in Minneapolis Airport, Minnesota. I have to wait in a long line to get the rental car that is taking me to Eau Claire, Wisconsin, with a good sip of coffee and GPS in hand. I’m staying there for two nights, at the hotel the label and the Bon Iver’s staff choosed. I’m about to exit the airport’s parking lot and I remember they sended to me a private link to listen “22, A Million”, the reason behind this trip. I think it’s a terrific idea listening to it in the middle of the night, alone, in the highway, while I’m driving to the city where Justin Vernon was born, the man behind this odd idea of doing a private listening party with him and 25 journalist from different places in the world. «I think the best way to describe the experience of being born and growing up in Eau Claire is to say that it is too easy. I have parents who have supported me all the time, the city is super safe and I had an impeccable education, because in my school there was always a program of approach to the arts and the one focused on music was great to me at the start of my career. There are people who say that they were born in the right place, I would add that I was born in the place with the best conditions for what I decided to do with my life ». He is Justin Vernon answering my question about growing up in this incredible place, surrounded by nature, with a beautiful sky that is colored in bright blue during the day and filled with stars at night, reason enough to open the window of the van where I’m going, before arriving at my destination. “I don’t think I had a black friend until I turned 16, and it’s not like a bad or good thing, it’s just that you understand that in a place as isolated like this, there are walls that protect you but also that keep you away from everything. For this record I tried not to be here for a long time, although having our studio on the outskirts of Eau Claire (April Base) so well equiped, with all our gear, we ended up doing most of the work here.” 22, A Million is the third album of the project and arrives five years after the successful homonymous album that made Justin well recognized all around the world, while Kanye West played the role of godfather within the musical mainstream, even though, in fact, it was his first album, For Emma, Forever Ago (2007) that set the foundations of everything.
Songs of a punctual, almost diminutive production with few mixed elements and, at times, a little bit of experimental execution to be folk is the sound that characterizes Bon Iver, which reaches new horizons in this production. The hours of searching for specific sounds, creating magical loops, electronic sound crashes, and wild drums able to saturate any speaker are obvious, as if something had gone wrong in the recording. “I discovered that one way to fight anxiety was just to take my Roland drum machine to the extreme and work with it throughout the process. There is a lot of that on this record but above all, there is a desire to feel better. My first two albums show sadness and I’m not ashamed to say it, so this had to be rather healing. 22 has always been my favorite number and the ‘million’ refers to everything else. A million is an impossible number. Thinking of someone who can paint one million points or, who of us, the people in this room, can understand the complexity of a number like that.” Is not a whimsey that there are only 26 journalists in this specific place, a remodeled but still closed boutique hotel of Eau Claire called Oxbow. In fact, we are in the totally new but still closed (at the time of writing this) restaurant Lakely, both projects supported by Justin Vernon, who acts as an investor, founder and promoter of his own city. Contemporary mixology, fine architecture, simplicity and good taste characterize this place where you can still smell fresh paint, which encourages you to imagine what kind of art will decorate its walls and spaces, still covered with plastic. The symbols that appear on the disc mean everything and nothing, there are references to the cults, to esoterism, with a clear intention of generate speculation and conversation. However Vernon tell us that he is not satanic and that there are no hidden messages behind the designs. Again, we are not at these tables by chance, there is a more powerful reason than being the tourist representative of Eau Claire and a young 35 year old hotel owner. We are here to avoid an endless “marmot day”, with concerts, hotels and interviews as numerous as repetitive that only aim to find out personal and non-musical issues; Everything that Justin has to say about this new album, doesn’t take him more than an hour and 40 minutes: “Never go to a Greek
island, out of season, trying to find yourself. I did it and it didn’t work, I felt poor, desolated, with just one sentence in my head: “This feeling might be over soon”, a phrase that characterizes the first track ‘22 (OVER SooooN) ‘.” A common mistake among new artists who go on a world tour is to say yes to everything, not resting for two or three years, take every possible date and give in to the unhealthy pace of going on and on like it was a race against themselves. While he was ordering whiskey (bourbon), Vernon recalls how he began to feel after going to a concert in Chicago, long ago, with an emotional void in the sacred moment of living that connection between artist and audience. Maybe that’s why he decided to introduce the album live as part of the Eaux Claires festival, before this listening, in front of a close, almost familiar audience. 22, A Million is a real album, full of anecdotes. “Francis Starlite, from Francis and The Lights, stayed at home for a long time, making sounds with a harmony tool that, connected to a saxophone, is able to achieve a very particular effect”, a sound that you can identify in the penultimate track, Simply called ‘____45____’. The songs titles and the strange way in which they were written are not products of the inspiration, according to Vernon: “We started to write letters, symbols that looked good, it is not like the energy of the mother blues has suddenly arrived” . After this explanation I asked him to teach us how to pronounce them, for those of us who are radio hosts, but since this is a text and we can’t play any audio of the conference I’ll have to let you imagine them, although there are some obvious like “____45____” is pronounced just only forty Five, or that there is a game on the last track that it is read without the dot is just a million (‘10.00000 MILLION ‘). Is also important to emphasize that even though we’ve been with Justin, face to face, and that there is a big tour going on, Bon Iver has replicated the omission of a face in this communication strategy, as he did on the cover of 22, A Million, since music doesn’t always need faces or obvious promotion, sometimes you need to be in a places that gives you peace (like it particularly happened to me in Eau Claire), perfect to close cycles, ease anxieties and take a trip to the interior.
WM | ENGLISH VERSION | 096
ENCORE
TRUMP: MAN OF THE HOUR By Sara Araujo | Pic: AP Photo/Pablo Martinez Monsivais
Donald Trump has been a component of American culture for many years, branding hotels, resorts and even airlines under his name. He had flirted with the idea of running for president many times before. In 2000, he even ran for the Reform Party nomination. On November 8th 2016, Donald Trump was elected the 45th president of the United States. In his victory speech, he promised to focus on the country’s economic growth: “We have a great economic plan. We will double our growth and have the strongest economy anywhere in the world”.
What we already know so far is that Gary D. Cohn will be the designated Assistant to the President for Economic Policy and Director of the National Economic Council. Mr. Cohn will help designing and coordinating the President-elect’s economic agenda. Trump himself said: “As my top economic advisor, Gary Cohn is going to put his talents as a highly successful businessman to work for the American people,” Donald Trump has had a lot of success in the business world, but how will he manage the country’s economy as president?