ZIRKÓLIKA #22 otoño 2009

N. 22 OTOﾃ前 2009. Aﾃ前 V. 3 EUROS. REVISTA TRIMESTRAL DE LAS ARTES CIRCENSES

editorial Este trimestre estará lleno de celebraciones, encuentros y jornadas. Se cumplen algunos aniversarios que hay que festejar. La Central del Circ, el espacio provisional de entrenamiento y ensayo de Barcelona, celebra su primer año con un balance bastante positivo. La APCC también está de aniversario: cumple cinco años. Y además ha obtenido el reconocimiento del Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya con el Premi Nacional de Circ.

En Madrid también estan de celebraciones. Festejarán el segundo encuentro de familias y amigos del circo organizado por la Unión de Profesionales y Amigos de las Artes Circenses. En Alicante, la Asociación Donyet Ardit organizará unas jornadas de circo con charlas y tertulias durante todo el mes de noviembre. En Valencia, el recién inaugurado Espai de Circ de la Associació Valenciana de Circ empieza con una fuerte actividad. Y en el sur, la Asociación de Circo de Andalucía (ACA) va creciendo día tras día.

Además, un movimiento de malabaristas, puerta de entrada al circo para muchos de nosotros, arranca con fuerza tras el éxito conseguido en la organización de la Convención Europea de Malabares de Vitoria, fijando nuevos proyectos conjuntos como la posible organización de una Convención Nacional de Malabares.

Todo el sector se une y trabaja, se encuentra y celebra. La dispersión, que a menudo nos caracteriza, cada vez está más alejada. Incluso se vislumbra ya una Federación o Circored que una las diferentes asociaciones de circo facilitando la comunicación y las acciones conjuntas.

Ante el positivo panorama, Zirkolika, que ya cumplió con el número 20 los cinco años de edición continuada de la revista, aprovecha el momento para festejarlo. Será en una gran fiesta conjunta a la que estáis todos invitados.

Y si eso no basta, también habrá varios festivales importantes con una interesante programación circense; un nuevo circo que hará su gira por España, y varias compañías con proyectos de creación y nuevos espectáculos. Porque el balance del verano ha sido bastante productivo y porque la unión del sector está empezando a dar su fruto. ¡Felicidades a todos!

ZIRKOLIKA NÚM.22 Otoño 2009 Portada: Ines Brunn Gran Gala de la EJC’09 (Vitoria) Foto: Sheila Del Val Alonso

sumario Panorama

Equipo

Provisionales pero avispados, por Marcel Barrera Circo Phénix - APCC - Museo en Albacete

Director: Vicente Llorca.

Redacción: Cesc Martínez, Oriol Raventós, Marcel Barrera, Ramón Bech, Miquel Moreno, Víctor López, Laia Gilabert, Jordi Jané, Joan Maria Minguet, Javier Jiménez.

Diseño y maquetación: Santa Rita Comunicació, S.L. Fotografía: Manel Sala “Ulls”, Payaso Enrico, Jesús Atienza, Christophe Roullin, Sheila Del Val. Traducción y corrección: Anna Arnall y Cesc Martínez.

Asesoramiento terminológico: Jordi Jané.

Han colaborado: Jesús Jara, Davel Puente, Nacho Sánchez, Joan Ramón Graell, Ernest Albrecht, Vicente Sánchez.

Zirkólika Apartado de correos 2008 08080 Barcelona Tel.: 93 310 67 93 Fax: 93 350 30 00 www.zirkolika.com zirkolika@yahoo.es Dep. Legal: B-29.661-2004 Imprime: Índice Arts Gráfiques

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Festivales XVIII Edición del FITCA, por Davel Puente Hoces European Juggling Convention, por Davel Puente y Oriol Raventós Tiana: L´1, 2, 3 del Pallasso, por Oriol Raventós Avignon, por Joan Ramón Graell Graz: en construcción, por Cesc Martínez Fira Tàrrega: más circo que nunca, por Vicente Llorca

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Reportajes Baró d´Evel Cirk, por Cesc Martínez Ringling Bros. and Barnum & Bailey, por Ernest Albrecht Cirkea: la vivienda hecha circo, por Nacho Sánchez

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Conversando con Carles Santos, Músico, por Jordi Jané

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Agenda

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Circo Méliès Con sabor comunista, por Javier Jiménez

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El circo en las artes

Esta revista ha recibido una ayuda de la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas del Ministerio de Cultura para su difusión en bibliotecas, centros culturales y universidades de España, para la totalidad de los números del año

Zirkolika es miembro de la Asociación de Publicaciones Periódicas Escritas en Catalán.

Circo y Literatura ( I ), por Joan Maria Minguet

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Zirkoteca

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La edad del payaso, por Jesús Jara

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Zirkólikos

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Panorama

Provisionales pero avispados La Central del Circ se ha afianzado durante su primer año de funcionamiento como un buen espacio para el entrenamiento de los artistas. A finales de este año empezarán las obras del espacio definitivo y está previsto que terminen a finales del año 2011. por Marcel Barrera ¿Alguien se acuerda o conoce al equilibrista australiano Reuben Helfeubaum? En junio de 2008, coincidiendo con la inauguración de La Central del Circ en el Fòrum de Barcelona, el joven artista apareció en todos los medios de comunicación. La imagen del conseller de Cultura, Joan Manuel Tresserras, y del alcalde de Barcelona, Jordi Hereu, observando los equilibrios sobre bastones, fue reproducida por casi todos los periódicos. Fue la imagen, después de años de desdén y abandono, del compromiso de las administraciones con el circo. Ahora, ese joven equilibrista que estrenó la carpa para entrenar y crear ha entrado en el Cirque du Soleil. Y la Central del Circ inicia su segunda temporada con los ojos puestos en las obras que deben empezar antes de que termine el año 2009 en la gruta (nombre con que se ha bautizado el espacio definitivo); con una ampliación de los horarios de apertura (a partir de septiembre La Central abrirá sus puertas también el sábado por la mañana); y con el balance positivo que ha dejado este primer año de existencia de un espacio de titularidad municipal que se enmarca en el proyecto de las Fábricas de Creación y que ha sido gestionado por la Associació de Professionals del Circ de Catalunya (APCC).

zona en el exterior de la carpa y de otra al lado del escenario.

De todas formas, la asignatura pendiente de La Central del Circ es justamente crear espacios acondicionados para la creación destinados a las compañías que necesitan disponer de cierta intimidad para la realización de sus trabajos. “El entrenamiento funciona bien, pero es cierto que para los trabajos de creación nos faltan los espacios acondicionados que sí que tendrá la gruta; en cuanto esté lista, superará los 1.000 m2 actuales hasta llegar a los 3.000 m2”, comenta Marta Borreguero, coordinadora de La Central del Circ y responsable de la gestión, juntamente con Albert Bordonada, quien es el responsable de actividades, e Ivan Arjona, jefe técnico y encargado de sensibilizar a los artistas de la importancia de tener en cuenta los elementos de seguridad para prevenir accidentes. Por el momento, todo ha ido sobre ruedas y nadie se ha lesionado. Borreguero también destaca, en el primer año de funcionamiento de La Central, el grado de fidelización de los artistas: un 70% ha renovado numerosas veces sus cuotas; mientras que el resto, un 30%, eran artistas extranjeros que estaban provisionalmente en Barcelona o usuarios de los cursos que han aprovechado su estancia para entrenar.

Balance de un año

Espacio multiuso

La progresión del uso de la pista ha sido ascendente desde su apertura el 25 de julio de 2008. Si durante el año pasado cada día había nueve personas que iban a La Central para entrenar, durante el 2009 esta media ha aumentado un 65% hasta llegar a las catorce personas diarias. En cifras absolutas, entre julio de 2008 y agosto de 2009 se inscribieron un total de 144 profesionales para entrenar, a razón de once nuevas inscripciones mensuales de media desde la apertura del centro. Algunos de los nombres más en boga en estos momentos en el circo catalán (Manolo Alcántara, Deados o Los 2 Play) han utilizado unas instalaciones que permitían entrenar, las cuales desde su apertura han ampliado los espacios para la creación gracias a la habilitación de una

Aunque en un primer momento algunos colectivos pensaron que la Central del Circ estaría demasiado institucionalizada, con unos horarios rígidos y poco adaptados a las necesidades y al espíritu libre de los artistas de circo, finalmente el tiempo venció estos temores iniciales. En efecto, son bastantes los artistas que entrenan tanto en la nueva Makabra como en La Central del Circ, con instalaciones mucho más acondicionadas. Para citar sólo algunos ejemplos de artistas que combinan los dos espacios, están Karl, el Negro o Martín Puyol, entre otros. Los precios, muy económicos, tampoco parecen haber sido un obstáculo. Para un socio de la APCC, por ejemplo, cuesta seis euros semanales usar las instalaciones. En cuanto a las tarifas iniciales, se han ampliado las ofertas y una de ellas obtuvo mucho éxito: se trata de la tarifa bautizada como forfait, que da derecho a entrar durante los cinco días que escoja el artista; el precio, diez euros para los socios y quince para el resto. También se ha dado la posibilidad de la entrada para un solo día, que cuesta tres euros para los socios del APCC y cuatro para el resto. La Central del Circ, que durante este curso 2009-2010 ampliará las actividades con cursos, se ha convertido también en un espacio multiuso que ha albergado una gran variedad de acontecimientos: desde la organización de cuatro castings de artistas de circo o ruedas de prensa del festival L’1, 2, 3 del Pallasso y del proyecto Circo-que-o!, hasta la grabación del anuncio televisivo que promocionaba el circo catalán y que, financiado por el Departament de Cultura de la Generalitat, protagonizaron, entre otros, el payaso Claret Papiol y Josep Miret “Faquir Kirman”.

2009, el año de la consolidación

La carpa de “La Central del Circ” en el Fórum de Barcelona.

Fotos página siguiente: Interior de “La Central”, con Karl Stets sobre la cuerda.

La Cia. Deados también en la carpa. Fotos: Manel Sala “Ulls”.

Según Borreguero, este primer año de La Central del Circ ha sido “muy positivo” y además ha servido para “consolidar” un espacio que ha demostrado ser una “necesidad” para el sector.

Andrés Melero Andretti, del grupo Deados, entrenaba antes en

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el Institut Nacional d’Educació Física (INEF) hasta que se abrió La Central del Circ. “Para el espectáculo que hemos estado preparando durante dos meses, el espacio ha sido ideal”, comenta la pareja artística de Ricardo Gallardo Sopapo. Ambos prepararon el espectáculo que estrenaron en la feria Trapezi de Reus, Camping Place. El mes de junio se puso en marcha el proyecto de cooperación con Francia Circ-que-o!, que tiene una duración de tres años. Para este otoño, se prevé dar comienzo a las tertulias de circo y a un curso de payaso con Michael Dallaire. La gruta, el espacio definitivo que con un coste de 1,5 millones de euros se tiene que habilitar bajo la placa fotovoltaica del Fòrum, todavía tardará un tiempo. Las obras para ejecutar el proyecto de los arquitectos Xavier Ruscalleda y Marta Lorenzo (XXM Arquitectos) empezarán antes de que termine este año, y está previsto que se prolonguen hasta finales del 2011. Hasta ese momento, se necesitará una dosis de paciencia y habrá que continuar soñando con la casa de los artistas.

La Central crece con Circ-que-o!

Desde el 1 de septiembre, La Central del Circ cuenta con refuerzos: se incorpora una persona para coordinar Circ-que-o!, el proyecto que optimizará la tarea de los agentes y profesionales del sector del circo con el objetivo de crear ocupación y desarrollar su actividad económica. Se trata de una iniciativa de colaboración entre Catalunya, Midi-Pyrénées y Aragón, que promueve la realización de actividades de circo en los ámbitos de la formación, la creación, la difusión y la exhibición. Circ-que-o! se enmarca dentro el Programa Operativo de Cooperación Transfronterera financiado con los fondos FEDER y está dirigido a profesionales, amateurs y estudiantes de circo.

El proyecto incluye, entre otras iniciativas, la programación de espectáculos, viveros de compañías, residencias de creación, pistas abiertas, herramientas para la profesionalización y cursos en los tres territorios durante los años 2009, 2010 y 2011.

Los socios del proyecto son la Associació de Professionals del Circ de Catalunya y la Escuela de Circo Rogelio Rivel (Catalunya); Animahu (Huesca), la Asociación de Malabaristas de Zaragoza y el Ayuntamiento de Jaca (Aragón), y la Grainerie, le Lido-Ville de Toulouse y la Université Toulouse Le Mirail (Midi-Pyréneés).

Panorama

Circo Phénix APCC

Museo en Albacete

¡Un circo de prestigio!

Obtiene el Premi Nacional de Circ de Catalunya

Continúa en marcha el proyecto del futuro Museo del Circo

El circo catalán era hace sólo 5 años un sector disperso, con muchos intereses enfrentados, personalismos antagónicos y aún se rehacía de la quebradiza que hubo en la Associació de Circ de Catalunya (ACC) unos años antes.

Genís Matabosch -miembro del Consejo del Circo del INAEM y director del Festival Internacional del Circo de Albacete- ha entregado, al Ministerio de Cultura, el estudio museológico del futuro Museo del Circo de Albacete.

Después de unas jornadas que se hicieron en octubre de 2004 en el Ateneu Popular de Nou Barris de Barcelona, en homenaje a Joan Armengol, la cosa fue cambiando. Las jornadas sirvieron para gestar lo que pocos meses después acabó siendo la Associació de Professionals de Circ de Catalunya (APCC), una entidad que con sus cinco años ha conseguido cohesionar buena parte del sector circense catalán, negociar el Pla Integral del circo de la Generalitat, participar en la elaboración de la red de ciudades amigas del circo, impulsar un protocolo para los circos ambulantes y gestionar proyectos como La Central del Circ, el espacio de creación instalado en el Fòrum e impulsado por el Ajuntament de Barcelona y el Departament de Cultura de la Generalitat.

El estudio ahora se valorará por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM)y la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales y servirá para la redacción de un programa de necesidades arquitectónicas, como fase previa a la convocatoria de un concurso de proyectos para la futura sede.

En París, del 25 de noviembre al 10 de enero, Alain Pacherie presenta en el Cirque Phénix, el espectáculo titulado Li Ya, la hija del emperador. Espectáculo que posteriormente realizará una gira por Francia, Bélgica y Suiza.

Para esta nueva creación se ha contratado a una extraordinaria compañía china formada por más de cincuenta artistas que seguro nos dejarán boquiabiertos con la realización de sus números. Pero eso no es todo. Alain Pacherie ofrecerá también al público de París, en noviembre también, otro gran encuentro.

Esta vez en el Zenith de Paris, la famosa sala de espectáculos gigantes. Será una importante representación de una delegación de circo de Cuba, donde podremos volver a ver el número de báscula, de la temporada anterior del Phènix, del programa Extra.

En un tiempo récord, la APCC ha conseguido, pues, consolidarse y hacerse lo suficiente fuerte para ser un importante referente del sector y un interlocutor con las administraciones. Gracias a este trabajo ingente y a una buena organización, la APCC - presidida primero por Ricard Panadès y actualmente por el malabarista Jordi Juanet, “Boni” -ha obtenido el Premi Nacional de Cultura de Circ, que está dotado con 18.000 euros. Una cantidad, cabe decir, bastante modesta si se compara con los 30.000 euros que recibió el circo valenciano Gran Fele por haber obtenido el Premio Nacional de Circo 2008 que otorga el Gobierno Español.

El jurado ha destacado de la APCC que “en cuatro años y pico ha conseguido que se materialicen proyectos y medidas que permiten a las artes circenses, en todas sus modalidades, poder existir y crecer, así como por haber demostrado que jugar con la gravedad no es incompatible con la cordura y que los mismos artistas pueden impulsar las políticas culturales”./M.B.

Estos dos espectáculos nos deparan dos buenas razones para acudir a la capital europea del circo. Y si no, podemos esperar a que la tournée de Li Ya, la hija del emperador, visite ciudades cercanas como Toulouse (10 febrero), Pau (12 febrero), Burdeos (13 febrero) y Montpellier (17 marzo)./ZRK

La ubicación del Museo del Circo será en la antigua sede del Banco de España. Tiene una superficie de 4.175 m2 que se ampliará a 4.800 m2. El Centro se convertirá en la primera institución pública europea dedicada en exclusiva a la historia de la actividad circense y reconoce la vinculación de Albacete con este arte escénico.

De hecho, el Teatro-Circo de Albacete, creado en 1887, mantiene la tradición de este tipo de infraestructuras escénicas que florecieron en el siglo XIX. De los 60 teatro-circos que llegaron a existir a lo largo de la geografía española, el de Albacete es hoy el único espacio que ha llegado a nuestros días en su doble uso.

El proyecto museológico presentado propone que el espacio se destine a tres áreas: científicotécnica (preparada para almacén, zona de restauración, catalogación de colecciones y publicaciones científicas); de difusión (para la organización y gestión del archivo y las colecciones, biblioteca, videoteca, y pequeña sala de cine, así como salas para la exposición permanente y temporal) y un área de dirección y administración.

El proyecto contempla también un espacio-circo para la realización de actuaciones en vivo.

De igual forma, el INAEM, concienciado con la conservación, investigación y difusión de las artes circenses, está en contacto con el colectivo e instituciones que integran el sector para el desarrollo de un estudio que determine y evalúe las realidades y necesidades de este espectáculo, considerado parte fundamental de nuestra cultura.

En este sentido, y con la intención de estrechar su apoyo y la colaboración con esta disciplina artística y promover su tejido asociativo, el INAEM está trabajando para celebrar un congreso de circo en torno al sector, coincidiendo con el próximo Festival Internacional del Circo Ciudad de Albacete, previsto para febrero de 2010./ZRK

Foto de grupo del viaje organizado por la APCC al Festival Cirque de demain. Foto: Manel Sala, “Ulls”.

Festivales

XVIII edición del FITCA Alcorcón homenajea la escuela de circo en su festival por Davel Puente Hoces El pasado mes de junio se celebró en Alcorcón la XVIII edición del Festival Internacional de Teatro de Calles de Alcorcón (FITCA). La cita convocó un año más a curiosos, vecinos y profesionales del sector, con una programación que se vio claramente mermada por la crisis. El número de compañías se redujo a la mitad de las que participaron el año anterior. No obstante, el público y la calidad de los espectáculos no solo se mantuvieron sino que siguió creciendo una edición más. El festival se ha convertido ya en un clásico dentro de los festivales de teatro de calle de Madrid, y es una muestra del apoyo del Ayuntamiento de Alcorcón a las artes escénicas y al mundo de la cultura en general.

Los espectáculos se desarrollaron en diversos espacios, incluyendo el Parque de la Ribota donde se llevaron a cabo actividades en el mercado medieval que había. Por un lado, en las afueras de la biblioteca Buero Vallejo se situó el llamado Ángulo FITCA, un espacio rectangular con capacidad para 2.000 personas, donde se programaron, entre otros, los espectáculos de medio y gran formato.

El encargado de presentar y amenizar la espera entre los distintos espectáculos fue Gonzalo Arias, director de la Escuela Municipal de Circo de Alcorcón (EMCA). Dentro del casco urbano, los espectáculos de pequeño formato, unipersonales e infantiles, se desarrollaron en la calle Mayor, conviviendo en perfecta armonía con los artistas participantes en el off. Durante los cuatro días que duró el festival, todas las compañías no programadas que lo desearan podían hacer sus espectáculos en cualquier plaza o calle de la ciudad, respetando los espacios y horarios de las compañías programadas.

Este año el festival contó con un gran número de compañías locales, aunque solo relativamente, claro, teniendo en cuenta las trayectorias internacionales que los artistas tomaron después de su paso por la EMCA. Este año la escuela cumplía su décimo aniversario, prueba de la buena relación que mantiene el ayuntamiento con la Asociación de Malabaristas, que gestiona la escuela al igual que Carampa.

El acontecimiento se celebró programando compañías que iniciaron su andadura artística en la EMCA y que actualmente presentan sus trabajos en festivales internacionales. Qué mejor manera de celebrar el décimo aniversario de una institución de enseñanza que programando a los artistas que comenzaron su formación en ella.

La apuesta no defraudó y el nivel de los espectáculos fue de gran altura. Apenas se notó el recorte presupuestario.

El primer día pudimos disfrutar de Renato, Los 2 Play y los madrileños Green Chichón, que presentaron su montaje Green Kirikí, una revisión de los payasos clásicos mezclada con música en directo y números de malabares y acrobacia. Esa misma noche, tal vez por primera vez en la historia del festival, algunos espectáculos fueron cancelados por la lluvia, entre ellos la muestra del espectáculo de fin de curso de la Escuela de Circo Carampa, Muertos de Circo. El viernes, el Ángulo FITCA se llenó de compañías que presentaron buenos trabajos y conectaron muy bien con el público: Los Chimichurri, Trukturados, Tres Puntos y Aparte, y el Freak Cabaret. Todas ellas formadas por artistas provenientes de la EMCA que acudieron a mostrar su

Tres Puntos y Aparte (Madrid-Badajoz).

Trukturados (Madrid).

trabajo después de años de aprendizaje en Argentina, México, Japón, Inglaterra, Chile y Francia, entre otros.

Los Trukturados presentaron su trabajo Laboratorio Callejero, y con un planteamiento pseudocientífico enlazaron los números y aportaron una cuidada y pesada escenografía, que incluía pórtico, alambre y mesa para un buen número de antipodismo, técnica poco vista en esa parte del mundo.

Los Chimichurri volvieron a ganarse al público con su cuidado montaje Tres Delicias. Los números de contorsiones, equilibrios sobre el rulo y acro- bacias están perfectamente aderezados por la personalidad y la energía de sus tres componentes. Destacamos también vestuario y dirección, que mantiene un ritmo constante e interesante durante todo el show.

Los Pumba Troupe presentaron su número colectivo de báscula, resultado del segundo año de la Escuela de Circo Carampa, y que no habría sido posible sin la colaboración pedagógica que la escuela mantiene con la FEDEC (Federación de Escuelas de Circo Europeas).

Después de la puesta del sol, la compañía Tres Puntos y Aparte se disponía a estrenar su primer espectáculo Un poco de todo y algo de…, creado en la residencia artística de Vilanova i la Geltrú.

Sus artistas provienen del colectivo Cruzando el Charco y, en primer término, de la EMCA y Carampa. El estreno fue un gran éxito.

Se trata de una apuesta en la que el desarrollo de los personajes y las situaciones teatrales conviven en perfecta armonía con las técnicas circenses, malabares, equilibrios, equilibrios acrobáticos, etc. El

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sentido del humor de los cuatro componentes es contagioso y se extendió a los espectadores que supieron valorar también la acertada utilización de la escenografía, que mezcla recursos modernos y clásicos, como por ejemplo un precioso órgano de botellas.

El Freak Cabaret realizó el último espectáculo del Ángulo FITCA la noche del viernes. Actuaron por primera vez en la calle con un espectáculo original y atrevido llevado a cabo por artistas de países y disciplinas diversas. Bajo la dirección de Rolando presentaron una revisión del género freak, llena de humor y preciosos detalles que sorprendió a todo el mundo. La música en directo, hecha con instrumentos fabricados artesanalmente, y el nivel técnico e interpretativo de los artistas les aseguró el éxito en el festival.

Mientras tanto, en la calle Mayor, el espectáculo itinerante de los franceses Homocatódicos sorprendió al público con su tecnológica puesta en escena. Las cabezas de los artistas eran sustituidas por pantallas en las que podían verse sus caras, que reaccionaban con las situaciones que surgían y creaban la duda de si se trataba de grabaciones o proyecciones en directo. También pudimos ver el espectáculo de Horus, Dondavel, el televisivo mago Miguelillo y el pasacalle Los Farsantes de la compañía de Lleida El Sidral, todos ellos programados en el llamado pequeño FITCA. Si bien los primeros días la presencia de compañías “de la casa” llenó el programa, el sábado y el domingo pudimos disfrutar de trabajos de fuera, como Los Vagabundos, de la compañía PaColmo Teatro, espectáculo inspirado en la película de Vitorio de Sica Milagro en Milán.

También la compañía catalana Factoría Mascaró presentó su trabajo de corte onírico El Jardín de las Maravillas. Hubo, además de las nombradas, muchas más compañías que completaron el programa.

El festival es una de las causas del caldo de cultivo que ha propiciado en Alcorcón la posibilidad de embarcarse en proyectos culturales de gran envergadura como el CREAA. El FITCA consiguió un año más romper el cerco de los teatros convencionales para llegar y sorprender a ciudadanos y vecinos que difícilmente habrían visto los espectáculos que vieron de otra manera. Gran parte de los artistas estuvieron de acuerdo en que el espacio y la actitud del público infantil, apenas controlado por sus responsables, hacían difícil el desarrollo de las funciones.

Siguiendo su andadura, el festival se permitió homenajear la Escuela Municipal de Circo en su décimo aniversario, y centrarse en ese evento para conseguir una coherencia temática y estética que llenó de contenido y emotividad todo el evento.

The Freak Cabaret Circus S.L. (Valladolid).

Alcorcón y el circo El Ayuntamiento de Alcorcón ejerce un verdadero mecenazgo sobre el mundo del circo, tan ignorado tradicionalmente por las instituciones. Pero ¿A qué se debe este inusual apoyo? ¿Por qué Alcorcón es un ayuntamiento mucho más dispuesto a impulsar proyectos culturales que sus ciudades vecinas? Para los amantes de las historias curiosas, estas preguntas esconden una de ellas.

Alrededor de los años 40 el payaso Quino comenzaba su andadura profesional junto con Fany, el Carablanca. Ambos hacían una pareja de payasos que nunca alcanzó la fama de sus contemporáneos Pompoff y Thedy o el charlatán Ramper. Sin embargo, fueron queridos y trabajaron muchos años, llegando a actuar en el antiguo Teatro Circo Price de Madrid.

Tal vez sin pretenderlo, el ya desaparecido Quino influyó en la vida de la comunidad circense española de una manera determinante transmitiendo su amor por el circo a su hijo, Enrique Cascallana. Nacido en Madrid en 1953, llegó a la dirección del Partido Socialista de Madrid en 2003 y actualmente es alcalde de Alcorcón. Sólo uniendo a estas dos personas, aparentemente inconexas, cabe entender el apoyo de la ciudad al mundo de la cultura y, más concretamente, al circo. El apoyo de la ciudad al sector cultural se ha ido concretando a base de trabajo, creando el caldo de cultivo propicio para los grandes proyectos que se desarrollan en la actualidad.

Festivales

32nd European Juggling Convention 4-12 de julio de 2009, Vitoria-Gasteiz por Davel Puentes y Oriol Raventós Más de dos años de preparación culminaron el pasado mes de julio reuniendo alrededor de 4.000 malabaristas en la convención anual de la Asociación Europea de Malabaristas (EJA) en Vitoria-Gasteiz. Estas convenciones, organizadas por un comité local sin ánimo de lucro, son un punto de encuentro para malabaristas europeos de todo tipo, tanto profesionales como aficionados, expertos como principiantes, mayores como jóvenes, y se convierten en una magnífica oportunidad para compartir trucos y conocer técnicas nuevas.

Mario en el pasacalle hasta las Olimpiadas

Durante el día, se podía participar en los diferentes talleres, tanto oficiales como espontáneos, que se anunciaban cada mañana en un tablón de anuncios. Entre los oficiales no sólo hubo malabares, como el de aros impartido por Sergei Ignatov Junior, de malabares y música por Antolío o el de creación de rutinas de Mathias Romir, sino también uno de contorsión con Ane Miren, uno de trapecio con Míriam Edo y uno de creación de números con Renato, entre otros. En la zona al aire libre la actividad también era constante durante las horas de sol, un espacio idóneo para compartir trucos y conocer a otros malabaristas. También se organizaron actuaciones en el centro de Vitoria, como la Gala Inaugural (donde se vieron los afamados pases a gran altura de Le Mouvement Alerte) y las olimpiadas en la Plaza de Fueros o en la Plaza Nueva en la que actuaron las escuelas Carampa y Rogelio Rivel, un cabaret argentino y el proyecto juvenil Circolazzion de Costa Rica.

Por la noche, la actividad se prolongaba hasta altas horas de la madrugada. En la zona de fuego se vieron algunas actuaciones destacables, aparte de malabaristas anónimos que improvisaban al ritmo de la música. El público se quedó asombrado con la técnica de contacto con bastón del francés Meast, usando sobre todo brazos, hombros y espalda o los grupos Fire Circle o Art 4 Dance con sus rutinas sincronizadas. En el pabellón 24 horas, que rebosaba de actividad hasta las tres o las cuatro de la madrugada, se podían ver de manera casual números portentosos, como al joven de 15 años Pieter-Jan Van den Branden jugando con 5 diábolos o el rey de los malabaristas superrápidos Falco Sheffler. También se organizaban espontáneos combates de mazas que ocupaban medio pabellón y que duraban horas. Una noche Luke Burrage organizó un pequeño torneo, uno contra uno, con una selección de los mejores combatientes del encuentro, el cual ganó JJ, Jochen Pfeiffer, que también acabó ganando de manera espectacular el torneo de los juegos olímpicos. La carpa de los renegados tuvo una participación irregular y espontánea tal y como le corresponde.

A destacar la actuación del australiano Rumplestiltskin la noche del jueves y el premio de un viaje a la siguiente EJC de Finlandia en la última gala de renegados presentada por Renato. La actividad nocturna se completaba con conciertos, como el de la incombustible Tokyo Ska Paradise Orchestra que cerró el encuentro.

Cada tarde había una gala en el pabellón Mendizorrotza. El primer domingo fue la Gala Pata Negra dedicada a los artistas de aquí, con Belga y Raulez, Silver, Davel y Hector, entre otros. El lunes fue

Recinto de la convención.

la Gala Especial, en la que destacaron el dúo de malabares de contacto Intrika, el malabarista de sombreros Lorenzo Mastropietro y la rusa Sanya haciendo malabares con bastones. El martes, la Gala Experimental fue brillantemente presentada por el francés Mathieu Moustache, si bien algunos números no terminaron de ser todo lo experimentales que se esperaba. El miércoles vimos el espectáculo de Wes Peden & Patrik Elmnert, todavía estudiantes de la Danshögskolan de Estocolmo. Fue un estallido de virtuosismo técnico al servicio de la investigación basada en el movimiento (simplemente variaciones sobre lanzamientos y recogidas de pelotas, mazas y aros) sin concesiones al entretenimiento, ni a la teatralidad. Quizá por eso dio la impresión de ser un espectáculo sólo apto para malabaristas.

La Gran Gala es uno de los momentos más esperados de estas convenciones y su elenco se mantiene en secreto hasta el último segundo. Resaltar la espectacular decoración con globos diseñada por Willy Monroe, formada por un par de manos gigantescas a cada lado del escenario, sosteniendo mazas y una copia de la torre de la igle- El malabarista español Mikel Ayala en la Gran Gala. sia de Santa Eugenia por donde bajó un Celedón de globos con su paraguas, emulando lo que ocurre al inicio de la fiesta mayor de Vitoria. El presentador fue Loco Brusca en su habitual tono enérgico y disparatado usando el tiempo justo para introducir cada número. La gala empezó con el número de pelotas y percusión corporal de Jens Sigsgaard, después un peculiar número del joven Florent Lestage (plata en la última edición del Cirque de Demain) que había triunfado en la Gala Experimental con un precioso

Gala.

Festivales - ZRK - 11

número de mazas y bastón. Jeanine (ex alumna de ESAC) hizo su número con una pelota de contacto usando también piernas y pies. El pequeño Kagu sorprendió al público con su técnica (por tener sólo 12 años). Matías Marré hizo un número de rueda Cyr, de los mejor coreografiados de la gala. Mikel demostró originalidad y gran nivel técnico con tres mazas y trucos de contacto. Fue el único representante español después de las bajas de última hora del malabarista clásico Manolo Álbarez y el número de cuerda volante de Marilén Ribot (que presentará su nuevo espectáculo en la Fira de Tàrrega con la compañía Atempo en el espacio de 23 Arts). Ines Brunn hizo levantar al público de su silla con su número de bicicleta acrobática presentado al estilo de circo tradicional. El dúo francés Defracto, de la escuela Lido, arriesgó al límite con movimientos rápidos, saltos y muchas pelotas. Los dos grandes nombres de la noche, ambos rusos, dieron la sensación de hacer números muy cortos, el de Sergei Ignatov Jr., además, pareció poco técnico por

Combate de monociclos en las olimpiadas.

lo que es capaz de hacer con sus aros y el de Grigory Lovygin, a pesar de hacer malabares con ocho pelotas, pareció que estaba un poco verde en el primer pase de la gala, si bien se recuperó en el segundo.

Cada noche también tuvo sus escenarios abiertos, que se organizaban durante la tarde. Son una oportunidad de presentar nuevos números y se caracterizan por la variedad y la improvisación. A pesar de ello, se pudieron ver números de gran calidad, como el de Yann Frisch de Lido, haciendo malabares con 5 pelotas que aparecían y desaparecían por arte de magia. También sorprendió a todo el mundo el malabarista finés Samuli Männistö con sus enredos imposibles con el hilo de su diábolo; los buenos números de malabares de contacto de Nico, que ganó en los equilibrios sobre manos de las olimpiadas; y Valéry con un estilo muy personal de trabajar con las mazas en el dorso de la mano. Luke Burrage,

encargado de presentar uno de los escenarios hizo un número de tres pelotas y un abrigo puesto de mil maneras. Los jovencísimos Lauge Benjaminsen y Cecilia Zucchetti también despertaron el entusiasmo del público por su técnica.

Para cerrar la convención, tal y como es tradición, se hizo un pasacalles por la ciudad y se celebraron los juegos olímpicos, donde prima la diversión y la competitividad amistosa. En este caso la Plaza de los Fueros de Vitoria se convirtió en un anfiteatro romano, con emperador incluido que dictaminaba si el ganador tenía que conceder un truco extra al público. Las competiciones fueron: resistencia con 5 pelotas, 5 mazas, parada de manos, diábolos, aguantar una maza en equilibrio, combate de mazas, combate de monociclos y “Simón dice” con tres mazas. A destacar el joven malabarista israelí Bar Mualem que con 18 años ganó en varias competiciones.

El malabarista finlandés Samuli Männistö en un Open Stage.

Es difícil resumir todas las actividades de una semana tan intensa, pero todavía es necesario destacar la interesante Gala de Aéreos de la tarde del jueves; los estantes de tiendas donde reparaban gratuitamente los malabares; la decisión de celebrar el encuentro de 2012 en Polonia (ya se sabía que en 2010 será en Finlandia y 2011 en Alemania); y la reunión “malabaristas ayudan a malabaristas” donde se buscaba consejo y soporte para nuevas ideas relacionadas con los malabares. En este sentido, algunos de los asistentes a la convención la valoraron muy positivamente también en clave interna. De hecho, se ha decidido crear una asociación nacional de malabaristas que se constituirá en el próximo encuentro de Alicante, del 25 al 27 de setiembre, para reforzar los lazos entre las diferentes asociaciones de malabares y festivales, haciendo circular la información y las personas y quizás restablecer un encuentro anual conjunto a nivel nacional.

Festivales

Tiana celebra los cinco años de L’1, 2, 3 del Payaso por Oriol Raventós Desde 2005, la compañía De Mortimers y Can Boter recuerdan al gran payaso y maestro de payasos Joan Armengol i Moliner con el festival L’1, 2, 3 del Pallasso, que en su quinta edición ha crecido significativamente. Para empezar, Circ Bover estrenó en carpa su espectáculo Satrup fuera de Baleares. Se trata de un montaje que quiere ser espontáneo y próximo, en el que los artistas salen de entre el público vestidos de calle. Esto hace que la estética y el ritmo de los números sean muy dispares.

Se pueden ver desde números coreografiados de malabares a números aéreos más románticos y hasta una exhibición de trial con saltos por encima de algún espectador.

También se pudieron ver los espectáculos de Mumusic Circus, Daraomai y el esperado retorno de Monti después de su etapa en el Price. Monti desplegó, durante casi dos horas unas entradas de payaso que domina a la perfección y las adapta con sabiduría siguiendo las reacciones del público. Estuvo acompañado de una enérgica banda de cuatro músicos, el Monsieur Loyal Joan Valentí, el contra-augusto Pau Serraute y el histórico carablanca Pipo Sosman.

El acto central de L’1, 2, 3 siempre es la gala, y la del presente año fue excepcionalmente larga, siempre con la presentación, la música en directo y el toque personal de los Mortimers. Se pudo ver el cuadrante cómico de Paki Payá; el curioso Duo Carulli combinando malabares y telas; Claudio Parente, haciendo verticales; Solfasirc, con las pelotas de rebote musicales; los carismáticos Galindos, en los personajes de Úrsula y Dimitri, haciendo cambios rápidos de vestuario; Igor y Rosa en los patines acrobáticos; la acrobacia cómica magníficamente trabajada de Fet a Mà; el cómico Pepe Viyuela, y una intervención contemporánea de Tortell Poltrona. La gala puso una rúbrica magnífica a un festival que crece y se afianza con paso firme y personalidad propia.

Peu de foto Los artistas en el final de la gala.

Festivales - ZRK - 13

Avignon por Joan Ramon Graell En uno de los festivales de artes escénicas más importantes de Europa, el circo disfruta de su espacio. Aviñón cuenta con más de 100 espectáculos en la sección off, un auténtico mercado del que uno se da cuenta sólo al entrar en la ciudad, donde hay centenares de carteles formando un mosaico que oculta las paredes y un ejército de gente repartiendo programas. Una competencia feroz, mucho más matizada en el circo.

En efecto, se puede ver la mayor parte del circo sin tener que entrar en la ciudad, y a pesar de eso hay bastante público.

En un descampado se encuentra el Cirque Electrique, que dispone de un autobús en el que se proyectan paisajes de varios países; a su lado, la espectacular carpa de la compañía Nofit State (ver Zirkolika nº 10, pág. 5), que basa su espectáculo Tabú en la deambulación del público por la carpa y un vestuario de estilo colonial. A destacar la representación de trapecio fijo de la argentina Natalia Fandino, que demuestra que se puede hacer un número muy dinámico sin dejar de ser expresivo y emocionante. Durante todo el espectáculo se montan y desmontan estructuras en muy poco tiempo utilizando contrapesos humanos: cable, minivolante, camas elásticas..., un baile de estructuras a ritmo de rock con una banda en directo.

El centro neurálgico del circo en el Festival de Aviñón se encuentra en la zona concedida a la región de Midi-Pyréneés, en la que se programan espectáculos de gente procedente del Lido, entre otros: IETO, coproducción del Ateneu de Nou Barris, muestra a dos acróbatas que juegan con unos bancos de madera y una cuerda haciendo equilibrios imposibles y poniendo a prueba la tensión que supone para el público ver a dos personas en precario equilibrio sobre construcciones diversas a más de tres metros de altura. Los acróbatas acaban construyendo una estructura de cuerda tensa sobre la que el alambrista Jonathan Guichard desarrolla unos movimientos que parecen proceder más de la danza contemporánea que de la técnica clásica de los equilibristas.

También hay un pequeño cabaret en el bar de los alumnos de tercer curso del Lido, donde a partir de mediados de mes se ha podido ver, por ejemplo, a la compañía Fet a Mà con un precioso número de mano a mano que trata de la soledad y la compañía, no siempre mejor una que otra, con detalles muy originales tanto en la narrativa como en la técnica. También actúa Kerol con su caja de ritmos y sus mazas, muy interactivo y expresivo al intentar asustar a los niños. Sin duda, es un buen lugar para cazar nuevos talentos: antipodistas, buenos alambristas y un estilo muy fino en el mástil chino.

Les Petits Travers ejecutan un concierto de piano con malabares en el que se pasan más de 500 pelotas siguiendo la música y dando la espalda al público, dejando entrever los objetos, un trabajo de ritmo sólo para adictos.

Entradas casi agotadas para el cabaret de Les Acrostiches y el espectáculo de los Okidok, Slips Inside. Estas eran dos

Les Acrostiches.

propuestas de compañías ya muy reconocidas tanto en Francia como fuera: Les Acrostiches muestran un recopilatorio de los mejores momentos de sus espectáculos, como los gimnastas vestidos de rosa o las caras al revés, en el que se puede disfrutar de su estilo de acrobacia y humor con la colaboración de un artista invitado diferente cada semana. Los Okidok hacen la versión para sala de su espectáculo de calle, donde como su nombre indica van vestidos sólo en calzoncillos. Slips Inside es una suma de burradas en la que se deja entrever una crítica a la danza, al arte y a todo lo que se encuentran por delante, un trabajo muy diferente al anterior HaHaHa, mucho más poético, pero que consigue sin problemas la risa del público.

Y más circo y más payasos se han podido ver en Aviñón, como Cascai Teatre, con Living Costa Brava; Les Blues du Travail, con Histoires de Marcel, o los cabarets que se organizan por aquí y por allá.

Aviñón es un festival muy grande donde cada espectáculo debe luchar para atraer tanto al público como a los programadores y, por lo tanto, las compañías se ven obligadas a desvivirse en cada función.

Festivales

Graz: en construcción por Cesc Martínez

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Este año, tres hechos importantes dibujaron el perfil del festival La Strada de Graz, en Austria. El primero —puede considerarse el primero por su valor teórico, aunque estuviera fuera del programa— fue la Convención sobre Arte y Espacio Público, que tuvo lugar en el que va a ser el nuevo distrito de la ciudad, la Reininhaus. Ubicado en los terrenos y los edificios de una antigua fábrica de cerveza que cubren una extensión de más de 50 hectáreas próxima al centro de la ciudad, en el proyecto de urbanización de esta zona se ha tenido en cuenta el dar espacio a viviendas, oficinas, áreas de ocio y la cultura. Y aquí entraba La Strada, aportando experiencia y discurso: cómo hay que construir la ciudad y qué puede aportar el arte en la construcción del espacio urbano.

Los ponentes, especialistas internacionales en la materia (Pascal Le Brun-Cordier, director del máster “Projets Culturels dans l’Espace Public” de la universidad Panthéon-Sorbonne, y Joop Mulder, director artístico de los festivales Oerol en la isla de Terschelling, Holanda, y New Island Festival de Nueva York) dieron multitud de ejemplos y ofrecieron material para una mesa redonda sobre el impacto del arte en las ciudades. Porque de lo que se trataba era de ver de qué manera se puede abrir la creación de los espacios públicos a la participación de los habitantes de la ciudad. Un hecho que los festivales de arte de calle con más solera han conseguido y que La Strada de Graz, bajo la dirección artística de Werner Schrempf, hace de forma natural.

Schrempf ya nos había hablado de la voluntad de elaborar el programa con espectáculos que involucraran a los habitantes de Graz (ver Zirkólika nº 18, pág. 16). Y coherentemente, este año presentó la sesión de reflexiones sobre el uso del espacio público como base para la colaboración de La Strada en la rehabilitación-reutilización de la Reininhaus.

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El espectáculo —digamos— central de la programación era el de Théâtre du Centaure, con Flux 47º/15º. El montaje, ciertamente, no estuvo a la altura de la mayoría de expectativas que había generado: era en resumidas cuentas demasiado largo, con demasiados momentos vacíos, y la última media hora —por lo menos—, demasiado pesada. Con todo, fue un ejemplo de como un espacio en plena remodelación, como la Reininhaus, puede convertirse en escenario. Más aún: hasta qué punto es el público el que transforma los viejos patios, calles, plazas y hangares de la fábrica en el plató de una película de la que es el principal protagonista. Lo mejor de Flux 47º/15º eran, de lejos, el movimientos de la gente de un espacio a otro y el nuevo sentido que adquiría el desplazamiento de la masa de personas en aquel terreno. Es este sentido del espacio lo que da un valor añadido a un festival como el de Graz.

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En esta línea, el tercer hecho que marca el perfil de La Strada —no precisamente en orden de importancia— es el mismo impacto de la programación en la vida de los habitantes de la ciudad. Prácticamente todos, la modifican y le dan una dimensión más próxima, humana, con tendencia a un sutil sentido del humor. La búsqueda de espectáculos que saquen partido de los espacios disponibles es, sin duda, un criterio de selección. Desde la curiosa versión del cuento de los Hermanos Grimm La esposa del pescador, un espectáculo infantil de Theater Mundwerk que se representaba en una sala enorme en el interior rocoso de la montaña que domina la ciudad, el Schlossberg (y con el mérito que tiene hacer una versión medianamente sorprendente de este cuento tan revisitado), hasta la “simple” instalación de una carpa de circo en uno de los parques del centro, que de por si ya es una modificación efímera del espacio urbano (en este caso, era la de la compañía Barón de Evel). O incluso el Carilló de la compañía La Tal, que se pudo ver en la plaza principal de Graz y en la ciudad vecina de Weiz.

A destacar The Zeremony, de The Playground Meridian, un grupo formado por actores austriacos, de Francia y del País Vasco. Fue ésta la producción 2009 del espectáculo que cada año se hace a propósito para La Strada a través de un taller internacional, que es algo muy distinto de producir un montaje para ser estrenado en la ciudad. The Zeremony trataba de una agencia de despedidas profesionales para viajeros solitarios; tenía lugar en la estación de tren y en las paradas del tranvía.

Una idea simple pero efectiva y con un buen punto cómico.

Con estos planteamientos de fondo, los responsable del festival van más allá y ya están empezando a crear el hábito de hacer participar la ciudad de Graz en más acontecimientos a lo largo del año. La iniciativa principal es el circo de invierno. El 2008 fue la familia Romanès la que viajó a Austria. Este año, después de la buena acogida que recibió por parte de la gente en la pasada edición de La Strada, será el Klezmer de Adrian Schvarzstein y compañía.

La estación de tren de Graz tuvo, por unos días, servicio profesional de despedida de viajeros solitarios (www.thezeremony.com). Foto: Christian Jungwirth.

Foto Superior: Werner Schrempf, director artístico de La Strada.

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FiraTàrrega 2009: más circo que nunca por Vicente Llorca Hacía varios años que no se veía en Tàrrega una programación tan completa y variada en cuanto a circo se refiere: Escarlata Circus con Devoris Causa, en formato carpa; la producción de Navidad de La Vela Cap Girat; o el nuevo espectáculo Classix-Klown de Monti & Cia, sólo para hacerse una idea. Y a esta programación oficial de circo hay que sumarle la que traía el espacio de empresa de 23 Arts, así como las numerosas actuaciones a la gorra, la mayoría circenses, que se podían ver por toda la ciudad de Tàrrega. A los que nos gusta el circo podemos estar satisfechos, y más si recordamos la mínima y reducida presencia de circo de la anterior edición de la Fira.

El espacio de empresa de 23 Arts, donde destaca y es habitual encontrar una buena programación de circo, presentó los nuevos espectáculos de la compañía Atempocirc y la Cía. Daraomai. Y trajo de Australia a la compañía This Side Up con un espectáculo acrobático de equilibrios y báscula.

La programación de circo de la Fira era extensa: la compañía Bot Project con su nuevo espectáculo de cama elástica Collage; Zirkus Frak con su montaje de peces Anderdesí; Alba Sarraute con Mirando a Yukali; los espectáculos de humor de Las Gallegas, Tennes y Williams, Cía. Perehosta, Los Modernos, y la Cía. de Comediants La Baldufa. Del Quebec, vino Les Parfaits Inconnus. De Inglaterra, el trío acrobático Mimbre dirigido por Leandre Ribera (que además dirigirá el próximo Circ d’Hivern del Ateneu Popular de 9 Barris). De Francia, la compañía Bruitquicourt, un auténtico domador de sonidos. Y el humor del Niño Costrini con su solo Humanus Comicus. Los cuatro días de la Fira, del 10 al 13 de septiembre, no bastaron para poder ver todos los espectáculos.

Además, y de forma excepcional, se desarrollaron dos importantes jornadas: La Vitrina del Quebec, una mesa redonda que presentó el estado actual de las artes de circo y de calle de Quebec, con la participación de los principales agentes quebequeses; y las terceras Jornadas Técnicas de Artes de Calle y Circo, que se centraron en las artes de calle en Europa y las experiencias de coproducción transnacional de artes escénicas en espacios no convencionales.

La compañía Bot Project.

programas sociales que bajo el nombre “Cirque du Monde” envían a artistas por todo el mundo para trabajar con jóvenes en situaciones adversas y conflictivas. O el trabajo de concienciación sobre el acceso y el uso del agua que últimamente está impulsando el propio Guy Laliberté (uno de los fundadores del Cirque du Soleil). Unas experiencias de trabajo que el director de la Fundación Michel Lafortune comparó con el trabajo que el Ateneu Popular de 9 Barris lleva realizando hace más de 25 años en Barcelona.

Y también con Barcelona, desde la Central del Circ y la APCC, se está intentando impulsar un proyecto que busca el encuentro entre profesionales y artistas en colaboración con el Quebec. Se trata del Project Fibonacci de cooperación artística de la compañía Les 7 doigts de la main.

En resumen, las jornadas fueron interesantes y muy productivas. En cuanto a la programación y a los espectáculos, el circo vuelve a estar más presente que nunca en la Fira. Vamos por el buen camino.

La Vitrina del Quebec, organizada por el Bureau du Québec de Barcelona, permitió conocer a los principales agentes implicados en las artes escénicas del país. Entre ellos estaba Jeannot Painchaud, uno de los fundadores del Cirque Eloize (ver Zirkolika núm. 21, pág. 18-20).

Jeannot explicó la situación y el estado actual de las artes circenses en el Quebec, un país en un principio sin tradición circense que a partir de los Juegos Olímpicos de 1976 empezó a desarrollar dicha tradición y en el que destaca la creación de la Escuela Nacional de Circo en el año 1891, convirtiéndose en un centro catalizador del circo. Luego, la aparición del Cirque du Soleil en 1984 potenció evidentemente el circo en el país, así como la posterior creación de las compañías Cirque Eloize y Les 7 doigts de la main. Además, Jeannot, como presidente de En Piste, una asociación similar a la APCC en el Quebec que tiene 300 asociados y 40 compañías, explicó que se está trabajando en la creación de nuevos festivales y en favorecer la formación y el tratamiento de la documentación circense. En Piste consiguió en 2001 el reconocimiento por parte del Gobierno del Quebec de las artes circenses, un año clave dentro de la historia del circo del Quebec.

También resultó interesante conocer los proyectos de la Fundación del Circo Social, en los que está trabajando el Cirque du Soleil, unos

Pipo Sosman, Pau Sarraute y Monti con la entrada de la diana. Foto: Payaso Enrico.

Reportajes

Baró d’Evel Cirk Emociones en espiral Uno de los montajes más interesantes y conmovedores de los que pudimos ver en La Strada de Graz era Le sort du dedans, de la compañía Baró d’Evel Cirk. Esta coproducción del festival austriaco, que también ha tenido el apoyo de instituciones catalanas como el CRAC, el Mercat de les Flors y el Canal/ Centre d’Arts Escèniques de Salt-Girona, se podrá ver próximamente en el Temporada Alta (del 20 al 22 de noviembre) y en la plaza Margarida Xirgu, delante del Mercat de les Flors de Barcelona (del 28 de noviembre al 13 de diciembre).

Le sort du dedans es un espectáculo concebido desde el núcleo de la emoción. La secuencia de equilibrios acrobáticos, báscula y torres de tres; la aparición de elementos escenográficos y aparatos adaptados para el montaje, como la bicicleta alta; la música en directo, y la participación de un caballo, siguen una dramaturgia vagamente narrativa. Los tradicionales picos de máxima intensidad del circo no están distribuidos de forma lineal a lo largo de los setenta minutos de duración del espectáculo, sino que éste da la sensación de avanzar en espiral.

Con la base del tango imposible que Camille Decourtye y Blai Mateu Trias inventaron hace años, la historia avanza en busca del momento de contacto entre dos personas. Y como el contacto total no puede ser, la relación de los dos protagonistas se crece y se desinfla cíclicamente. Ambos se acercan, parce que van a tocarse, casi se funden pero vuelven a ser un y uno, y se separan. Y para rematarlo, no están solos. El átomo de esta historia recibe interferencias desde todos los lados. El contrabajista, Thibaud Soulas, creador de la concepción musical del montaje, es el tercer vértice del triángulo. Del gesto de los cuerpos, saldrá su música. Camille, a pesar de buscar la compenetración física con Blai mediante la acrobacia, con la voz toma por compañero al contrabajo, que es otro de los personajes en esta aventura. En un momento del espectáculo, esta relación a cuatro forma una imagen rica en resonancias circenses: Camille Decourtye boca abajo mano a mano con Mateu, y ambos reflejados en el espejo de Soulas, que sostiene en equilibrio al contrabajo por el clavijero. “Trabajar con un músico que participase de la actuación en la pista ha sido todo un reto”, asegura Decourtye.

Que el contrabajo sea un personaje del espectáculo, Camille lo explica de esta manera: “Desde que empezamos, cualquier objeto que decidimos incluir en un espectáculo, tenemos que explotarlo al máximo. Si pusiéramos una taza de café, tendría que servir como taza, pero también como instrumento musical, para hacer malabares..., ¿qué sé yo?, para todo lo que se pudiera hacer con una taza. Y eso es lo que pasa con el contrabajo”.

La irrupción de Bonito, el caballo hispanoárabe de la compañía, introduce otro elemento más al juego de relaciones que se establecen a la carpa de Baró d’Evel. El caballo no es representación alguna, sino una presencia inmediata que desmonta cualquier posible racionalización de las emociones. Es presente, víscera pura, capricho y azar. El tipo de adiestramiento que emplea Decourtye se acerca al etológico, aunque, como reconocía Blai Mateu, “no se puede seguir cien por cien el sistema Thibaud Soulas y Camille Decourtye, en unión con el contrabajo en el corazón de la pista. Foto: Phillipe Laurencon.

etológico porque eso implicaría dejar que el caballo hiciera lo que quisiera, y en cambio le pedimos que haga cosas”. Bonito se impone como contrafigura del personaje de Mateu en el vínculo con Camille y con el contrabajista Thibaud Soulas. De hecho, completa el juego musical con su propio cuerpo, al igual que el propio Blai Mateu. Uno de los momentos más mágicos de la intervención de Bonito son las evoluciones por el pasillo que hay a detrás de las gradas, es decir por detrás del público.

En este momento, el galope del caballo marca perfectamente el ritmo de los acordes del contrabajo y se forma otra imagen de gran valor: la silueta del animal en movimiento proyectada en la lona convierte el interior de la carpa en un inmenso zoótropo —que es aquel juguete precursor del cine en el que, entre otras cosas, se podía ver repetidamente un caballo al galope—.

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En este sentido, cabe destacar el trabajo de iluminación y escenografía que hay en Le sort du dedans, desarrollado a medias entre los propios miembros de Baró d’Evel y varios colaboradores.

Aunque, según Camille Decourtye, “el espectáculo no está concebido teatralmente, porque queríamos evitar imposturas intelectuales”, tiene una progresión y una finalización que cierra el círculo. Lo cual no quiere decir que tenga un final cerrado, sino más bien lo contrario. En el proceso de creación, “seguimos el hilo de un movimiento o de una emoción sin saber de antemano donde nos va a llevar”, dice Decourtye. Entraña, libertad creativa, técnica y juego; perfecto; lo único que se les podría criticar es que, en algunos momentos, el espectáculo sea lento y que haya transiciones silenciosas y oscuras que se hacen largas. “ Decidimos introducir más silencios y más pausas porque al principio siempre estaba pasando algo, y quedaba muy cargado”, admite Camille Decourtye (antes de llegar a Graz, habían hecho catorce pases del espectáculo).

A pesar de estos momentos, que sin duda con el tiempo se irán puliendo, en conjunto es un espectáculo de una intensidad física considerable.

Cuando el espacio es espectáculo En el origen de Le sort du dedans (“la ventura del interior”) está la partícula más pequeña de las emociones: la célula. Y como es un espectáculo para mirar hacia adentro, Baró d’Evel ha concebido un espacio escénico que aumenta las sensaciones de esta mirada. La disposición clásica de una pista de circo ya viene a ser eso mismo; lo que han hecho Camille Decourtye y Blai Mateu es introducir variaciones. Camille, que es quien ha ideado la estructura escénica, cuenta que “de la misma forma que si ponemos un objeto en la pista queremos aprovecharlo al máximo, también nos planteamos sacar el máximo partido de la carpa”.

Todo está dibujado y pensado para las necesidades específicas del espectáculo. Para empezar, el público entra dando la vuelta por fuera. Una vez dentro, se encuentra en un pasillo que obliga a seguir girando en la misma dirección por el ábside del chapitó. Poco después, pasa por otro corredor semicircular que va por dentro del primero y de aquí accede a los asientos por el espacio que hay entre la pista y las gradas. Es decir, sigue una especie de espiral. Durante este recorrido, unas cortinas de tubos de varios materiales introducen a la gente en un universo sonoro. Así, el espectador se convierte en parte del organismo vivo que tiene que ser un circo. Como la gente queda rodeada por el anillo que se abre detrás de las gradas, utilizado para el volteo del caballo y de la bicicleta, en todo momento están integrados en el desarrollo del espectáculo.

El espacio de las gradas es limpio. Solo hay dos mástiles que no tapan la visión prácticamente de todo el interior desde ningún punto. Los asientos rodean casi completamente la pista, que tiene dos entradas, una enfrente de otra. Eso permite que, a parte de los ejercicios que evolucionan en el centro, los ar-

Dibujo superior: una célula, de Camille Decourtye.

Inferior: planta de la carpa de Baró d’Evel, basada en la idea de la célula.

tistas puedan efectuar entradas y salidas rápidas, cruzando el espacio. Decourtye dice que “queríamos un paso que cortara toda la circularidad por el medio para favorecer el flujo del espectáculo”. El suelo para que pueda cabalgar el caballo ha sido resuelto con planchas de goma prefabricadas como las que se encuentran en muchos parques infantiles; no levanta polvo, es desmontable y pesa poco.

Baró d’Evel sigue la costumbre de algunos circos contemporáneos de abrir un pequeño bar a la finalización del espectáculo, y así la gente no se encuentra de golpe otra vez en la calle.

Esta pequeña fiesta final tiene lugar en una tienda anexa a la carpa. Es el punto final de un espectáculo en el que se destila la experiencia acumulada por Baró d’Evel y que supone, al mismo tiempo, el punto de partida de una progresión muy prometedora.

Hay que recordar que Le sort du dedans es el sexto montaje de la compañía. Bechtout les trajo reconocimiento (con más de 200 funciones) y representó un punto de inflexión para los miembros de la formación original. Empezaron los proyectos individuales bajo el paraguas de Baró d’Evel: Petite Cirque au marché (2005), de Camille Decourtye, profundizando en el trabajo de calle originario de Baró d’Evel, y el solo de payaso Ï, de Blai Mateu, un montaje pensado para salas de teatro sobre el exilio de los republicanos en Francia. Ahora, solo con Blai y Camille, la compañía se embarca en la aventura de los circos itinerantes. “La carpa es muy fuerte”, dice Camille. “Puede serlo más que uno mismo.” / Cesc Martínez.

Reportajes

Ringling Bros. and Barnum & Bailey La gira europea de Ringling Bros. Barnum & Bailey, con su producción más reciente Boom A Ring!, es prácticamente la primera en su larga historia. Desde los inicios de su existencia, The Greatest Show on Earth ha puesto sus ojos en Europa. Cuando P. T. Barnum unió su show con el de James A. Bailey en el año 1881, corrió la voz de que los dos shows eran demasiado grandes para ser escenificados en un único espectáculo y, por lo tanto, uno de los dos debería ir de gira por Europa. Pero esta gira nunca se materializó y la unión dio lugar a aquella peculiar tradición americana del circo a tres pistas. Finalmente, a finales del siglo XIX, Barnum & Bailey pudieron disfrutar de dos giras por Europa con el espectáculo The Greatest Show on Earth (El espectáculo más grande del mundo). Las dos giras fueron muy bien recibidas por el público. La segunda duró hasta cuatro años.

Los hermanos Ringling compraron el show de Barnum & Bailey en el año 1907 y heredaron el prestigioso nombre cuando unieron los dos circos en 1919. Pero no fue hasta principios de los años 60 que el show, entonces bajo la dirección de John Ringling North, intentó de nuevo mostrar las tres pistas en las grandes ciudades de Europa. Con la esperanza de sacar partido del enorme éxito que obtuvo la gira de sesenta años antes, North hizo la gira bajo el mismo nombre de Barnum & Bailey, dejando de lado el de Ringling. Sin embargo, esta vez el público europeo se mostró muy poco receptivo ante la desconcertante tradición americana de utilizar tres pistas en acción al mismo tiempo, y la gira fue un fracaso.

Al cabo de poco tiempo, en 1967, John Ringling North vendió The Greatest Show on Earth a un consorcio formado por tres hombres de negocios americano, encabezado por Irvin Feld, quien finalmente llegó a ser el único propietario. Justo al año siguiente, se creó una segunda unidad móvil del circo y, a partir de entonces, las dos unidades, la Red y la Blue de Ringling Bros. Barnum & Bailey Circus, The Greatest Show on Earth, fueron de gira por los Estados Unidos separadamente. Cada show estuvo continuamente de gira durante dos años antes de ser renovados y puestos en escena de nuevo.

Pero la atracción por Europa y las tierras del más allá continuaba representando una aventura de negocios tentadora para los directores del show. La primera vez que Irvin Feld intentó establecer una conexión en Europa colaboró con el príncipe Rainier de Mónaco. Feld trajo el Circo Internacional de Monte Carlo a América con la intención de

hacer también una gira mundial. Pero el intento de encontrar un público receptivo fracasó y Feld abando

nó la idea de dirigirse a Europa.

Feld tuvo mucho más éxito en Japón, donde la primera variación a una tercera unidad, The Gold, triunfó en el año 1988.

Pero esta gira se limitaba a ir por Japón y nunca intentó invadir Europa.

Kenneth Feld, que tomó las riendas de The Greatest Show on Earth tras la muerte de su padre Irvin en 1982, intentó poner una vez más en escena una tercera unidad, esta vez una producción de una sola pista. Esta producción, Barnum’s Kaleidoscape, fue dirigida por David Larible. Pese al éxito artístico que obtuvo, el show fue infructuoso y se cerró al cabo de un año de su inauguración a pesar de la aclamación que tuvo su clausura en la ciudad de Nueva York.

Izq. Los elefantes de Elvis Errani en Monte-carlo.

Foto: Christophe Roullin.

De arriba abajo tenemos la parada de artistas, el payaso Justin Case y las motos del globo de la muerte.

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Sin embargo, los Feld disfrutaban de muy buena reputación por todo el mundo gracias a los shows sobre hielo de Disney, y optaron por expandir también la influencia internacional de The Greatest Show on Earth. Pero antes, los Feld descubrieron un mercado sin explotar en las numerosas pistas pequeñas que continuamente se estaban construyendo por todo Estados Unidos, y por eso resucitaron la idea de la unidad Gold, que fue de gira bajo el nombre de The Hometown Edition of The Greatest Show on Earth en el año 2004. En ese mismo año, Kenneth Feld ascendió a su hermana a coproductora.

Cada una de las tres unidades se identifica ahora con un nombre específico. Boom A Ring! es la producción actual de The Gold Unit, que ya ha estado un año de gira por Estados Unidos. La versión que vendrá a Europa sustituirá las dos actuaciones de animales exóticos del show por otras inspiradas en Europa. Los elefantes de Elvis Errani y la alemana Carmen Zander con sus cinco tigres de Bengala se incluirán una vez el espectáculo se haya estrenado en Italia.

El ciclista cómico Justin Case, cuyo nombre es un juego de palabras en inglés, proporcionará de nuevo la mayor parte de la comedia como actor protagonista. Case habla inglés con un acento tan indudablemente francés que los fans se sorprenden cuando descubren que realmente es australiano. Esto es muy significativo teniendo en cuenta que Case mantiene a lo largo de su espectáculo una charla constante, fuente principal de las risas que obtiene del público. La mayor parte de sus bromas están expresadas con un estilo informal y muy espontáneo.

Este humor humilde va dirigido a un público adulto, mientras que las acrobacias con la bicicleta están orientadas hacia un público más joven. Case pone punto y final a su intervención conduciendo a través de un aro de llamas en lo que debe ser la bicicleta más pequeña del mundo.

Cuando se le preguntó cómo haría frente a las partes orales de su actuación en una lengua extranjera, Case respondió que estaba aprendiendo italiano y que ya sabía suficiente español como para hacer bromas con absoluta confianza. En cada una de esas lenguas, se expresaría con el acento francés que tanto gusta al público americano. En Alemania, Case intentó actuar en inglés considerando que los alemanes saben suficiente inglés como para comprender las bromas sin la necesidad de ninguna traducción.

Boom A Ring! fue una de las últimas actuaciones por las cuales Tim Holst contrató a artistas. Y Phil McKinley, que había dirigido varios espectáculos extravagantes a tres pistas para Ringling Bros. Barnum & Bailey fue su director. McKinley había asistido a entrenamientos con la compañía durante la cita en Coney Island y Nueva York, antes de irse de gira por Europa. /Ernest Albrecht

Reportajes

Cirkea La vivienda hecha circo Cuando hay trabajo detrás, se nota. Y cuando hay calidad, también.

Por eso, en el momento que las compañías Rolabola y Manolo Carambolas anunciaron que se unían para realizar juntos un espectáculo, la expectativa no dejó de crecer. Varios meses de ensayo después, su primer retoño se tradujo en Cirkea: 55 minutos de show donde caben los malabares, la mímica, el equilibrio, el humor, la música... “Hay de todo”, explica Manolo Carambolas “cuerpos divididos, sincronizaciones mentales, un momento para la risa, diábolos en llamas, el ‘más difícil todavía’…”, añade Carambolas.

El estreno de Cirkea tuvo lugar el mes de junio en la Sala Gades de Málaga, dentro del Festival del Humor que esta ciudad realiza anualmente.

Fueron uno de los platos fuertes del evento y el público abarrotó el lugar, que se quedó sin entradas a la venta. Y los que asistieron no quedaron defraudados. Unos, los que ya conocían a Alfonso de la Pola (alma máter de Rolabola) y a Lolo Zamora (Manolo Carambolas), porque sabían que de una unión así nada malo podía salir; otros, los que no sabían a qué se enfrentaban esa tarde, porque quedaron sorprendidos de la calidad que puede alcanzar el circo andaluz.

El show está hilado a través del problema que desde hace varios años tienen los jóvenes con el acceso a la vivienda. La reivindicación sirve como excusa a esos dos artistas para realizar números espectaculares que tienen también como nexo común la música. Manolo Carambolas se convierte en un DJ circense que, a veces, se ve acompañado del acordeón eléctrico de Alfonso de la Pola. Y una voz en off les ayuda a que no haya descanso y que los 55 minutos de espectáculo se pasen como si nada. ¿Y cómo surgió Cirkea? Es fácil: ambos –uno malagueño de adopción y el otro de nacimiento– llevan en el mundo circense alrededor de una década. Mantienen una gran amistad y un día se dieron cuenta de algo: “De las ganas que teníamos de trabajar juntos, porque hasta ahora nunca habíamos compartido escenario”, cuenta De la Pola.

En la puesta en marcha de Cirkea también han trabajado técnicos en iluminación como Fernando López, Azael Ferrer y Sergio Rodríguez, además de Juan Antonio Parra Zurita, “Zuri”, encargado de las adaptaciones musicales./Nacho Sánchez

Manolo Carambolas a la izquierda y Alfonso de la Pola a la derecha.

Conversando

Carles Santos,

músico

C

por Jordi Jané

onocido más allá del estricto ámbito de la música por sus acciones, performances y espectáculos escénicos, este músico inclasificable se declara hijo artístico de Joan Brossa y abomina de los seudobrossianos de última hora. En 2002 presentó Sama Samaruck Suck Suck, una ópera-circo que abrió muchas puertas.

El 5 de novembre inaugurará las ‘Jornades sobre tradició i modernitat’ en la Fira Mediterrània de Manresa.

Foto: Jesús Atienza

JJ.- Ya cuando te conocí en los espectáculos Beethoven: si tanco la tapa, què passa? (1982) y Té xina, la fina petxina de Xina? (1984), deseé que tu concepción artística se pusiera algún día al servicio del circo. Mientras, has compuesto e interpretado música para teatro y cine, has dirigido cine, has hecho grafismo, fotografía... ¿Por qué has tardado tanto a entrar en el circo? CS.- Porque no me lo pedía nadie. Debo decir que en el 2000 ya introduje una trapecista en Ricardo i Elena, y en 1995 fiché a James Thiérrée para L’esplèndida vergonya del fet mal fet. Ahí, James tocaba el violín suspendido y con los pies atados mientras jugaba con una pianola. Por cierto: él quería tocar con el violín de su abuelo, Charles Chaplin, pero como Chaplin era zurdo i James no, acabó tocando un violín fabricado en China. James tenía entonces unos 20 años. Sus padres (Jean-Baptiste Thiérrée y Victoria Chaplin) se empeñaron en que Uma Ysamat, una soprano catalana con quien trabajo habitualmente, le diera clases de canto, por lo que viajó un tiempo con nosotros. Total, que cuando el director del Parc de La Villette me propuso una ópera-circo, no me lo pensé dos veces.

JJ.- ¿Cómo valoras la experiencia de Sama Samaruck Suck Suck? CS.- Formidable. Es uno de los momentos más gloriosos de mi vida y de mi carrera, tanto por el proceso de creación como por la respuesta del público. Convivimos intensamente haciendo vida de circo, teníamos las caravanas junto a la carpa y no nos teníamos que preocupar de nada más que de la creación. Las horas de ensayo se nos pasaban volando, nadie me puso nunca ninguna traba ni me marcó jamás una pauta a seguir. Estábamos tan a gusto que en tres meses me acerqué una sola vez a París.

Yo escribí el libreto y la música y me ocupé de la dirección escénica. La parte circense corrió a cargo de Olivier Roustan.

JJ.- ¿Por qué no contratasteis a algún artista de aquí?

CS.- Pregúntalo a La Villette.

JJ.- ¿Qué es para ti el circo? CS.- De niño, cuando venían circos a Vinaròs –y venían muchos– para mí era un gran acontecimiento. De mayor he comprendido que lo que me fascinaba del circo era el riesgo, el peligro, pero también me provocaba una especie de miedo, un desasosiego que no sé muy bien como explicar. Nunca hubiera imaginado que un día en Francia me darían carta blanca para hacer un espectáculo de circo. Ahora bien: Sama Samaruck Suck Suck ha tenido más éxito en Barcelona, Valencia y Madrid que en la misma Francia, quizá porque todo en el espectáculo era muy explícito. Los franceses están acostumbrados a un circo contemporáneo muy conceptual, se comen mucho el coco. Todos los artistas de Sama... eran virtuosos en su especialidad, pero mucho me parece que el público francés no conectó demasiado con mi propuesta musical.

“Los franceses están acostumbrados a un circo contemporáneo muy conceptual, se comen mucho el coco” JJ.- Según el poeta Salvat-Papasseit, “la música de circo es tan definitiva como nunca supo Richard Wagner”. ¿Dónde se inscribe la música de Sama Samaruck Suck Suck? CS.- Es música sinfónica para circo con una estructura bastante mozartiana, una ópera para contralto, tenor y mezzosoprano. La banda sonora pregrabada está interpretada por el ‘Grup Instrumental de València’ dirigido por mí y el ‘Cor Lieder Càmera’ dirigido por Josep Vila.

Conversando - ZRK - 23

del erotismo. Por lo tanto, si hago una ópera para circo… Pero el erotismo de Sama Samaruck Suck Suck es diferente del del Molino, entiéndeme. En este espectáculo había erotismo en los diálogos, en la cama elástica, en la relación entre el tenor Antonio Comas y la contorsionista Angèle Laurier, en la bicicleta acrobática, en el fetichismo con los instrumentos, en la propia Obertura (con el número de cuerda elástica de la mezzo Claudia Schneider, que sugería una cascada de penetraciones)...

JJ.- ¿Y qué pinta una psicoanalista en un espectáculo de circo? CS.- No te sabría responder, no fue un planteamiento consciente.

La necesité de pronto, quizá a guisa de metáfora. Y la contralto Mariona Castelar encajaba perfectamente con la Doctora Rumball. El circo nos transporta a un mundo onírico, un poco irreal, y la vida a veces es muy irreal. A la postre, el circo es un reflejo de la sociedad, y si asumimos que la sociedad está loca, ¿por qué no una psicoanalista?

JJ.- En el libreto del CD afirmas que el circo es una fábrica de sueños e ilusiones, y ahí coincides con Federico Fellini. Y aún otra coincidencia: los dos sois creadores ajenos al circo, pero los dos estáis seducidos por una determinada poética del circo. ¿Qué otras cosas te unen a Fellini? CS.- Fellini decía que no puedes ir por el mundo si no eres capaz de ser amigo de la portera de tu casa. Yo pienso lo mismo. Pero, más allá de eso, creo que sintonizo más con Nino Rota, el compositor de las bandas sonoras de sus películas, que con el mismo Fellini. De todas maneras, digo en boca de Ressorgit, el presentador, que el circo pone en pista luz, gente, ilusión, música, pasión, miedo, misterio, magia, mar, muerte. Y eso es Fellini en estado puro.

Sama Samaruk Suck Suck, una gran contribución a las nuevas expresiones circenses. Teresa Miró, TNC.

JJ.- Como en la mayoría de tus espectáculos, en éste había referencias sexuales muy explícitas, desde la vulva que presidía la cortina de fondo hasta el mismo nombre del circo (Piturrino Santos Fullicot). ¿Relacionas circo con erotismo y/o sexualidad? CS.- Aunque quizá involuntariamente, en el circo tradicional el erotismo está en primer plano: las partners, las contorsionistas, las bayaderas… Por otra parte, para mí la música es el grado máximo

JJ.- En el libreto hablas del ritual del circo. ¿Qué es para ti ese ritual? ¿Es comparable, similar o diferente del ritual de la música? CS.- Creo que se basan en lo mismo. El ritual es tan importante en la vida como en el espectáculo y en la religión. Soy muy sensible al ritual de la religión a que pertenecemos culturalmente, y considero un gran error haber suprimido ciertas partes del ritual. Por el camino que va de Tomás Luis de Victoria o Giovanni da Palestrina a alguien sentado tocando la guitarra hemos perdido la figura del maestro de capilla y los coros con niños residentes. Al menos, los protestantes pueden escuchar a Bach un día a la semana. El ritual es rigurosamente necesario: el movimiento sutil de una mano puede provocar una crisis de una tarde entera.

Conversando

JJ.- Cuando conociste al poeta Brossa eras un intérprete digamos clásico. Después de escucharte al piano, te soltó el famoso “Muy bien. ¿Y ahora qué?” ¿Un desafío que te empujó a descubrir tu propio universo creativo? CS.- Así es. Lo que de bueno tenía Brossa es que no era ni amable ni simpático, era rompedor en todos los aspectos. Actualmente, en nuestra cultura hay un vacío terrible, que consiste en no querer asumir a Brossa tal como era, hay como un intento de domesticarlo, especialmente ahora que ya no está entre nosotros. El Teatre Nacional de Catalunya tardó diez años en poner Brossa en escena e hizo un auténtico fiasco, cuando podía escoger entre más de 400 obras. El opus de Brossa es muy premonitorio, porque puso sobre la mesa cosas que al cabo de 15 años de plantearlas él fueron llevadas a cabo por gente de fuera –Pina Bausch, por ejemplo–. Sin ir más lejos, Brossa se adelantó al Silence de John Cage. Aquí algunos pierden el culo por cosas que vienen de lejos mientras esconden a Brossa bajo las baldosas. Me revientan los brossianos de última hora. De todos modos, todo lo que tengo por decir de Brossa ya lo dije el año pasado con el espectáculo Brossalobrossotdebrossat, que empezaba precisamente con las Variacions per a una porta i un sospir, compuestas per Pierre Henry en 1963, una obra que me dio a conocer precisamente Brossa. Se lo agradeceré toda la vida.

Angèle Laurier: “El esfuerzo es inútil si nadie lo contempla en contorsión”.

Teresa Miró, TNC.

“El opus de Brossa es muy premonitorio, porque puso sobre la mesa cosas que al cabo de 15 años de plantearlas él fueron llevadas a cabo por gente de fuera, como –Pina Bausch–” JJ.- En el ámbito artístico, ¿Cuáles son las diferencias entre aquel momento y hoy? CS.- Entendámonos: yo soy una consecuencia de Brahms, Beethoven y Schönberg, pero también del movimiento Fluxus de los años 60 y de los vanguardistas del Club Cobalto 49, donde había gente como Sebastià Gasch, Joaquim Gomis, Santos Torroella, Joan Ponç, etc. Fluxus y el Club 49 eran quizá movimientos elitistas, pero muy necesarios en aquellos momentos, porque eran una avanzadilla. También había mecenas como Joan Prats o el doctor Obiols, que animaban la investigación artística. Todo ello hace que los 60 y 70 fueran mucho más interesantes desde el punto de vista creativo. Hoy la cultura se consume como un frankfurt. Es lo que hay.

Pecatamonicatismarmolla Tua Tua, acción musical itinerante de Carles Santos en la Rambla de Barcelona (1 de abril 2009). Sònia Balcells, Arts Santa Mònica.

JJ.- ¿Qué habría hecho Joan Brossa si hubiera escrito para circo? CS.- Brossa se miraba el circo desde lejos.

JJ.- En 1961 empiezas a interpretar a Bartók, Schönberg y Webern. En 1968, en Estados Unidos, descubres la música vanguardista de John Cage, que después interpretas también por todo el mundo. Hoy hay quien sostiene que tú haces música minimalista, como Philip Glass o Michael Nyman. “Je ne supporte pas la musique contemporaine!”

–pones en boca del cliente anónimo de la psicoanalista de Sama, Samaruck...”. ¿Dónde estás realmente? CS.- Que no me vengan con monsergas: el primer minimalista fue Bach. Beethoven y Falla, que son dos de los autores más extraordinarios de todos los tiempos, también trabajaron el minimalismo. Hoy se etiqueta todo, pero los ostinatos han estado siempre presentes en la música: mira el jazz, el rock, el pop... Yo, si quieres tomarlo así, hago minimalismo mediterráneo. No me desmarco de Glass ni de Nyman, pero musicalmente juego en casa. Yo hago mi música.

JJ.- ¡Hombre, no, yo he ido infinidad de veces al circo con Brossa!

CS.- No, quiero decir que él no tenía relación directa con artistas de circo. En las tertulias del restaurante Sí, senyor no le había oído hablar nunca de temas circenses. En cambio, trabó amistad con Hausson, con quien pudo canalizar poesía escénica por la vía del ilusionismo.

Quizá si hubiera conocido a alguna trapecista…

JJ.- ¿Volverás a crear para circo? CS.- Si alguien me lo pide, yo encantado.

Documentación complementaria • Carles Santos. Visca el piano! (Catálogo de la exposición del mismo título. Curador: Manuel Guerrero). Barcelona, Fundació Miró, 2006.

KRTU, Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

• CD Sama Samaruck Suck Suck • www.carles-santos.com

aGenda

espectáculos y calendario de festivales

OCTUBRE Temporada Alta – Festival de tardor de Catalunya Del 1 de octubre al 11 de diciembre, Girona / Salt www.temporada-alta.net

Festival de otoño Del 4 al 29 de noviembre, Madrid www.madrid.org/fo

Festivalet de tardor de Vilanova i la Geltrú 3-4 de octubre, Vilanova i la Geltrú (Tarragona) www.vilanova.cat

Mediterrània – Fira d’espectacles d’arrel tradicional Del 5 al 8 de noviembre, Manresa (Barcelona) www.tradifiramanresa.com

Malabad’09 – Encuentro de malabares y circo 3-4 de octubre, Badalona (Barcelona) http://malabarbdn.blogspot.com

Festival Internacional de Mim i Teatre Gestual de Reus Del 21 al 25 de noviembre, Reus (Tarragona) www.cosreus.org

Festival Internazionale del Circo – Città di Latina (Italia) Del 15 al 19 de octubre, Latina www.festivalcircolatina.com

Festival International du Cirque de Grenoble Del 26 al 29 de noviembre, Grenoble (Francia) www.palais-des-sports.com

Circa 2009 – Festival de Cirque Actuel Del 23 al 31 de octubre, Auch (Francia) www.circuits-circa.com

DICIEMBRE Encuentro de Malabaristas y Artistas de Circo– Koblakari Fechas por determinar, Bilbao www.koblakari.org

NOVIEMBRE Mostra Internacional de Pallassos de Xirivella Del 2 al 22 de noviembre, Xirivella (Valencia) www.mostradepallassos.com

International Circus Festival Enschede Del 18 al 27 de diciembre, Enschede (Holanda) www.circusfestival.com

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Circo Méliès

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Circus Stars: Cartelera del documental Artisty tsirka en su estreno en Estados Unidos.

Arena der Kuhnen: Programa del documental Arena smelykh (1953), de los directores Sergei Gurov y Yuri Ozerov. Su estreno en el Berlín comunista anunciaba la grandeza del circo soviético.

Zirkusartisten: Programa alemán del documental realizado en 1957, Artisty tsirka.

Desde que en 1927 un grupo de artistas creó la primera Escuela de Circo en Moscú, el circo soviético se convirtió en referente de una nueva concepción de circo, con innovaciones técnicas y tecnológicas, estudios de creación y una búsqueda constante de la excelencia en sus alumnos y en las presentaciones de sus nuevos artistas. Sus producciones viajaron por todo el mundo convirtiéndose en un escaparate de las hazañas del gobierno comunista, renovando la idea de circo y abriendo las puertas a una nueva manera de transmisión de los conocimientos que rompía el aspecto tradicional y familiar. En 1971 se edifica en Moscú una nueva Escuela de Circo, un edificio que equiparaba el circo con el resto de artes escénicas y que daba un nuevo impulso al arte circense soviético y, de paso, al arte circense en todo el mundo.

Todavía hoy, después de la desaparición del Estado comunista y la independencia de sus diferentes repúblicas, lo que vulgarmente, por extensión, se llama circo ruso sigue nutriendo buena parte de los programas de los circos más importantes, y los festivales siguen premiando a artistas de Ucrania, Rusia u otras repúblicas de su zona de influencia. Los documentos cinematográficos que hemos tenido la suerte de visionar y de los que vamos a hablar, reflejan una época histórica irrepetible y todos ellos nos enseñan las bondades y debi-

lidades de un estado cuya autopropaganda encubría los verdaderos problemas y miedos de la sociedad.

La obra más importante relacionada con el circo –la más directa al menos– es Tsirk (El circo) de 1936. El encargado de llevar la obra a la pantalla fue Grigori Alexandrov, inventor del musical a la soviética, que tomó elementos de la opereta cinematográfica alemana y de la comedia musical americana, salpimentado todo con las obligadas dosis de propaganda.

Marion Dixon, una artista de circo interpretada por la estrella de la canción Lyubov Orlova –que más tarde sería la mujer del director– tiene que huir de Estados Unidos porque tienen un niño mulato y es madre soltera. La confusa secuencia inicial nos muestra la huida de la madre con el niño hacia una inequívoca CCCP (la URSS, vamos). Allí, la duda que se plantea es si las autoridades y la sociedad admitieron esa situación, pues el mánager que la explota aprovecha ese miedo para mantenerla a su lado. El número de Marion, una mezcla de vaudeville y circo, es excepcional y su producción no desentona con las de las mejores películas de Hollywood. Marion es la mujer bala que, además de bailar, cantar y hacer claqué, se lanza propulsada por un monumental cañón a un cielo estrellado de luces para aterrizar en una luna donde canta y realiza ejercicios acrobáticos. La historia de amor

Circo Mélies - ZRK - 27

con malvado incluido termina con un desfile de solidaridad del pueblo soviético que camina emocionado hacia no se sabe qué victoria con el mulatito como estandarte.

Antes de que Alexandrov rindiera pleitesía a Stalin con esta película –se trata de una época muy poco “artística” de la Rusia soviética–, el director había actuado como acróbata para distraer al Ejército Rojo y en el Proletkult coincidió con Eisenstein, a quien ayudó en títulos míticos como Stachka (La huelga) y Bronenosets Potemkin (El acorazado Potemkin), ambas del año1925.

Precisamente del atrevido y genial Eisenstein es un aperitivo fílmico muy entretenido. Se trata de Dnevnik Glumova, una cinta de cinco minutos que se proyectaba hacia la mitad de la representación de El sabio, de Alexander Ostrovski, con puesta en escena del propio Eisenstein. Todo eso sucedía en 1923 y la parte central de la peliculita es la aparición de una serie de personajes con maquillaje de payasos que expresan en un único gesto grotesco y en primer plano algún tipo de necesidad. Son los mismos personajes que estaban sobre el escenario, payasos, excéntricos y un misterioso hombre enmascarado que hace cabriolas en lo alto de una torre.

cinematográficas de Occidente en los que podíamos ver a algunas de las grandes estrellas del circo de la URSS. El famoso payaso Oleg Popov es el embajador y maestro de ceremonias de un desfile, variado y técnicamente inimitable, de artistas como el amaestrador Durov, Los Shubini, el jinete Alexandre Serge, los ciclistas Alexandrovi, la troupe Doveyko, la domadora Nazarova, Karandash, Filatov, los malabaristas Hermanos Kiss, y muchísimos más en un derroche de auténtico circo que merece la pena ver.

Las películas rusas también abundan en tópicos circenses. La diferencia es que hay circo de verdad. Priklyucheniya Korzinkinoy (Las aventuras de Korzinkina, 1941), Prikljuchenija Artemki (Las aventuras de Artemki, 1956) o Guttaperchevyy malchik (1957) son un ejemplo de ello. En esta última, el niño protagonista muere tras un accidente en la pista, pero claro, la película está ambientada antes de la revolución. Las tramas no se desarrollan en pequeñas carpas remendadas.

El circo se despliega en edificios construidos específicamente para el circo. Los espectáculos son grandiosos, con presentadores de peso y orquestas en lo alto del control.

De Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg son Chyortovo koleso, realizada en 1926 y S.V.D. - Soyuz Velikogo Dela, realizada un año más tarde. Los dos directores, miembros de la Fábrica del Actor Excéntrico (FEKS) junto con Sergei Yutkevich, habían suscrito el Manifiesto del Excentrismo, en el cual reclamaban un arte “hiperbólicamente rudimentario, asombroso, que crispe los nervios, abiertamente utilitario, mecánicamente exacto, instantáneo, rápido”. El nuevo arte se proclama heredero del exabrupto y el pregón en lo literario; en pintura, de las portadas de novelas populares y de los reclamos circenses; y, en el teatro, del music-hall, el cine, el boxeo y, por supuesto, el circo.

Por lo general, los payasos son personajes muy populares y queridos por los ciudadanos y su tirón era utilizado por los directores y las autoridades del momento. Durante la Segunda Guerra Mundial, el payaso Karandash se dedica con gran éxito a la sátira política. En 1964, Karandash participa en un mediometraje, una especie de musical (filmconcert), Soberite Veneru, en el cual intervienen algunos de los artistas más importantes de la órbita socialista del momento. Karandash, un proyeccionista torpe y divertido en la película, utiliza su célebre entrada “En el parque” para intentar dar unidad a un documental que, justificando su propio sinsentido, enseña cómo Karandash desordena las latas de las películas que se van a proyectar, proporcionándonos el orden de los diferentes números.

Chyortovo koleso es una delirante película de cuarenta minutos llena de atrevimientos, vertiginosa en su acción y montaje que nos lleva al mundo delictivo de Petrogrado (San Petersburgo) y, por ende, a la feria, al circo. Esto permite a los directores componer numerosas secuencias apoyándose en la simbología que emana del circo y la feria.

Espejos deformantes, norias, carruseles y trapecistas en un trepidante montaje demasiado moderno para nuestra época. En S.V.D. - Soyuz Velikogo Dela, una épica historia revolucionaria, el protagonista busca escondite en el circo, una pequeña carpa en medio de ninguna parte.

Los números ecuestres permitieron al director de fotografía colocar por primera vez la cámara a lomos de un caballo al trote. Es un plano nada más que emparienta S.V.D. con Varieté. El número de fuerza –nunca mejor dicho– es el de la mujer cañón, una forzuda de tomo y lomo que exhibe su musculoso cuerpo sobre la cureña de un cañón que, acto seguido, se echa al hombro para disparar.

Oleg Popov participa en otras películas además de los tres documentales antes citados. Un payaso más desconocido, Enguibarov, es apreciado por los directores e interpreta algunas películas entre las que destaca la realizada en 1963 Put na arenu. En esta maravillosa cinta podemos ver al amaestrador de animales exóticos Stepan Isaakyan y su hipopótamo; la vertiginosa bajada en equilibrio sobre la cabeza en un raíl deslizando sobre un cable inclinado (el mismo acto que utiliza Lon Chaney para suicidarse en la película de 1928, Laugh Clown Laugh); el vuelo de la trapecista y el majestuoso águila; los números de banquina, olímpicos, un equilibrio sobre escalera en percha que, con su puesta en pista del año 1963, se anticipaba muchos años el llamado nuevo circo; y un excelente y trepidante número de malabarismo.

Una verdadera lección de auténtico circo.

A raíz de la muerte de Stalin, la URSS vivió una apertura a Occidente y numerosas muestras de su cultura viajaron por Europa y América en un intento de mostrar las virtudes de la organización comunista.

De 1953, 1957 y 1958, respectivamente, son Arena smelykh, Artisty tsirka y Arena druzhby, tres documentales programados en las salas

Son muchas las películas soviéticas en las que el circo es protagonista.

El circo era y es una parte importante de la cultura de estas repúblicas y a medida que iniciábamos este estudio, más y más películas han ido apareciendo. Además no podemos olvidarnos de La Domadora de Tigres o El Luchador y el Clown, así que estad atentos al siguiente número. ¡Salud, camaradas!./Javier Jiménez

El circo en las artes

Circo y literatura (I) por Joan Maria Minguet

En el número anterior hablábamos de la necesidad de que el circo sea atendido por la escritura. Porqué, en mi opinión, sólo por la vía de las palabras una cosa puede ser pensada y, como consecuencia, puede ser estudiada y sentida con más causa común. A través del verbo expresamos las ideas, pero también las sensaciones y los sentimientos que nos han producido los hechos de la naturaleza o los hechos culturales. Pero la literatura no tiene porque acercarse al circo sólo para elaborar teorías que acerquen el lenguaje circense a

del circo en los inicios del siglo XX, pero también de su siempre mencionada decadencia.

El personaje de Baroja dice: “Me llamo Alonso de Guzmán Calderón y Téllez. Aquí donde me ven ustedes, he sido director de un circo en América, he viajado por todas las tierras y todos los mares del mundo; ahora estoy sufriendo un temporal deshecho; por las noches ando de café en café con este fonógrafo, y por la mañana llevo un juego de esos de martingala, que consiste en una torre Infiel con un espiral. Por debajo de la torre hay un cañón con resorte que lanza una bola de hueso por la espiral de arriba, y cae luego en un tablero lleno de agujeros y de colores. Esa es mi vida. ¡Yo! ¡El director de un circo ecuestre! He venido a parar en esto, en ayudante de Tabuenca. ¡Qué cosas se ven en el mundo!”.

Alonso relata su vida y dice que el 1868 había trabajado en el Circo de la Emperatriz como contorsionista, “el Hombre Boa me llamaban”, después había trabajado de malabarista y más tarde se había embarcado hacia América. En una disciplina tan frágil como la historia del circo compuesta a partir de leyendas y de tópicos que se repiten incansablemente sin contrastarlos (o sin la posibilidad de contrastarlos), me parece que muchas veces es más fidedigno el relato circense que encontramos en algunos paJules Léotard y los trapecios volantes en el Cirque Napoléon. Colección Joan Minguet. sajes literarios. En la literatura de ficción se explican formas de vida las reflexiones estéticas sobre otros lenguajes de prosapia venerada. relacionadas con el espectáculo; son invenciones de los autores, Al contrario, la escritura ha tomado el circo como referencia para evidentemente, pero a veces son mucho más verosímiles las invenotros muchos registros literarios. Hoy inicio una serie intermitente de ciones de los literatos que las de los historiadores. artículos sobre esta temática.

En ocasiones, este reflejo del mundo del circo es directo, el autor no La poesía del circo, el teatro y el circo, la novela del circo… El mundo necesita inventarse el nombre de un circo o de un artista. Un ejemcircense ha generado desde siempre una atracción en los escrito- plo: Raymond Radiguet, un escritor muy celebrado en los cenáculos res. Poetas, dramaturgos y novelistas se han acercado a la carpa surrealistas de los años veinte, quizás porque había muerto sólo con para mostrar sus más variadas sensibilidades y las más diferencia- veinte años y con dos novelas publicadas. En una de estas obras, das respuestas intelectuales. Aunque, antes que nada, lo que han Le Bal du Comte d’Orgel (1924), Radiguet explica, con precisión de hecho muchos escritores es reflejar en sus obras, voluntaria o invo- orfebre, que el sábado 7 de febrero de 1920 los protagonistas fueron luntariamente, el circo como un elemento propio de su sociedad. al Cirque Médrano, y que ahí visitaron los camerinos de los míticos Así, escritores españoles como Benito Pérez Galdós o Ramón María Fratellini. Sabíamos, mediante las crónicas con frecuencia tan poco del Valle Inclán colocan a personajes que provienen del circo en un fiables de los historiadores, que la familia Fratellini había sido una momento u otro de su trayectoria literaria. También lo hace Pío Ba- de las que más había disfrutado del favor del público de París, pero roja, quien, en un pasaje de su novela La busca (1904), en el que no estaba de más constatarlo con esas fuentes de ficción: incluso, describe una serie de figuras del lumpen, de los barrios bajos, sitúa los personajes de una novela de Radiguet muestran adoración por a un personaje que se convierte en todo un síntoma de la presencia aquel trío de artistas.

El circo en las artes - ZRK - 29

El circo como metáfora El circo como presencia, como reflejo de la sociedad que describen los escritores. Es un registro interesante, sin duda. Pero lo que encuentro más fascinante para nosotros es el hecho de que la literatura, además, tome el mundo circense como referente para segundas lecturas, para metáforas o alegorías de todo tipo. Los ejemplos son abundantes. Me limitaré, en esta ocasión, a citar algunos. Retrocediendo al siglo XIX, me parece muy interesante la lectura que Charles Dickens hace del circo, de un circo ecuestre en la Gran Bretaña victoriana, en su novela Hard times (1854): enfrente de la enseñanza positivista y racional de la sociedad de aquel momento, que la obra retrata con precisión, el circo se refleja entre los personajes de este relato como un mundo seducido perversamente por la fantasía. A veces da la impresión de que el novelista se siente atraído por la vida nómada, no sujetada a las normas sociales, de los personajes proscritos por la sociedad, pero sólo es una sensación. También Rainer Maria Rilke, en la quinta pieza de sus Elegías de Duino (1922), toma el circo como referente de su imaginario poético, en este caso, para evocar las alegrías y las tristezas del mundo bohemio. Tal y como se sabe, este poema surgió de la impresión que a Rilke le causó el cuadro Familia de saltimbanquis (1905) de Picasso, y conectaba con una lectura del circo propicia a Picasso: la fascinación que produce la vida errática de los circos ambulantes.

Ahora, uno de los autores que ha conducido a sus máximas consecuencias esta lectura metafórica del circo ha sido Franz Kafka.

Uno de los escritores más trascendentes de la creación literaria de todos los tiempos, uno de los que supo dibujar con más acierto la locura del siglo XX (el autoritarismo, la indefensión del individuo ante el poder, la insolidaridad...) se acercó al circo para tomarlo como referente. Para empezar, cabe decir que Kafka debía de ser un asiduo espectador de funciones circenses, paso previo necesario para dejar de ver una cosa tal y como es para poderla interpretar en un nivel intelectual más elevado. Y Kafka lo hizo y describió situaciones extremas de unos personajes que viven en el circo, pero que, como siempre en su literatura, son símbolos de la propia sociedad.

Una de las piezas circenses más conocidas de Kafka es Un artista del trapecio (1924), donde se nos presenta a un trapecista que, obsesionado por su trabajo, vive siempre encima del trapecio, hace sus necesidades ayudado por los mozos de pista y sufre amargamente cada vez que debe trasladarse de una plaza a otra. Hasta que un día exige, en lugar de un trapecio, tener dos, emulando —añado yo— a Jules Léotard y el nacimiento de la actuación de los trapecios volantes en el Cirque Napoléon el 12 de Retrato de Franz Kafka, año 1907. noviembre de 1859, momento del que nos ha llegado un grabado precioso. Pero el empresario, señala Kafka, ve en aquella petición el punto de inflexión hacia la decrepitud del artista. ¿Por qué? Kafka, desde mi punto de vista, dudaba del poder mesiánico del artista, del individuo aplaudido y embriagado por el público de las sociedades modernas. Eso lo constató aún más en una pieza literaria espléndida: Un artista del hambre, escrita en 1922 y publicada en 1924. Ahí, el autor empieza diciendo que, en los últimos años, había decaído el interés del público por los ayunadores, es decir, los artistas cuyo espectáculo consistía en estarse dentro de una jaula sin comer absolutamente nada. Tal había sido la decadencia de ese espectáculo (que, en Kafka, es metáfora de la decadencia de la propia sociedad) que el protagonista de ese relato corto acaba muriendo obsesionado por cumplir con su trabajo, es decir, no comer absolutamente nada. Una vez muerto —acaba el autor—, la jaula que ocupó fue utilizada para instalar una pantera joven, que atrajo, ahora sí, la atención desmesurada e histérica del público.

El circo, metáfora del individuo creador y, también, metáfora social.

Volveremos al tema.

Zirkoteca

Colección de César Fernández Ardavín El pasado mes de abril pudimos disfrutar de una excelente exposición en el Teatro Circo Price.

Se trata de la colección de carteles de circo del director de cine César Fernández Ardavín, nacido en Madrid en 1923.

Ahí rescatamos ese magnífico catálogo que reúne todas las obras expuestas. Gran parte de esos carteles y fotografías fue donada por el que fue dueño del antiguo Price, Leonard Parish, y muchas otras son herencia directa del negocio familiar del coleccionista, Litografías Fernández, situado en la calle Gonzalo de Córdoba de Madrid.

La exposición fue posible gracias al apoyo del Teatro Circo Price, el Ayuntamiento de Huesca y la Diputación provincial de Huesca, donde fue inaugurada el pasado mes de marzo, con un espectáculo de la compañía local Animahu. Más tarde, se trasladó a Madrid, donde estuvo hasta el 3 de mayo de 2009.

La colección de Fernández Ardavín cuenta con más de mil piezas, entre fotografías y carteles. Sin embargo, la exposición es una refinada selección de 45 obras que recogen el espíritu de la colección completa y reflejan la importancia de los carteles publicitarios para el circo a principios de siglo XX. Los documentos retratan la vida circense desde finales del siglo XIX hasta mediados del pasado.

La muestra presenta una clara originalidad temática y, en palabras del comisario de la exposición, Ramón Lasaosa, la tipología de los carteles es muy variada, tanto en sus características físicas como en su temática.

La mayoría de fotografías recogen imágenes de los payasos, con las caras de algunos de los más famosos de España, como Ramper o los miembros de la familia Aragón, especialmente Pompoff y Thedy, y de los animales que participan en el espectáculo circense, como elefantes, leones o chimpancés.

A pesar de su cuidada edición, el catálogo no nos permite disfrutar de los distintos formatos, entre los que encontramos carteles de hasta dos metros y medio, fotografías y postales. En ellos, se reúnen algunos de los nombres más destacados del cartelismo circense europeo como Soury, Galice, Friedländer, o el propio Vinfer, padre del actual propietario de la colección, dando una idea de la importancia del circo en los inicios del siglo pasado.

Recorrer la historia del circo mediante esos carteles y fotos es un paseo mágico y delicioso para los sentidos, ya que deambulamos entre cuatro aspectos básicos: la sensualidad, la comicidad, el exotismo y la habilidad para sortear el peligro.

Solo nos queda agradecer a la familia de Fernández Ardavín el haber sabido conservar ese archivo, una verdadera reliquia./Davel Puente

La torturadora Éditions Filmiko, 2009 Es el nuevo libro de Philippe Gaulier. Está editado en castellano, también en inglés y francés. Está estructurado en dos partes: la primera es el resultado de sus cuarenta años de enseñanza. Ésta se podría resumir de la siguiente manera: el alma del actor retoza detrás del personaje de la obra, cuando el alma olvida este jugueteo, el personaje muere. La segunda parte contiene tres obras de teatro: Este no es mi hijo; El aguardiente de Tía Carmela es imbebible; y El innombrable. Son tres obras diabólicamente irreverentes, blasfemas, sacrílegas, impías. Un clasificador perverso las etiquetaría como obras bufas. Otros dirían que estas creaciones nacen de las tinieblas de la opresión, de la humillación, de los crímenes.

El prólogo de la edición en castellano lo firma la actriz española Nathalie Seseña.

Al hablar del profesor Gaulier, Seseña hace comentarios como “su mirada penetrante y su extraordinario sentido del humor te desarman por completo, haciendo servir el método más simple, divertido y ligero: el juego”. Los prólogos de las ediciones en francés (edición original) y en inglés del libro son del actor Sacha Baron Cohen (conocido por las películas Borat o Bruno) Gaulier señala que el payaso es un idiota maravilloso, tan grande como Falstaff, tan humano como Rabelais, divertido como Cervantes, cándido como Italo Calvino, bromista como Raymond Queneau, revolucionario como Jacques Prévert, irreverente como Boris Vian, hilarante, jocoso como él mismo.

El trabajo del payaso es provocar las risas del público. El payaso que simplemente hace sonreír al público, no es más que un mimo bochornoso. ¿Cómo podemos encontrar nuestro payaso? Siguiendo este refrán al pie de la letra: “Si la risa explota, mi payaso se acerca; si la risa calla, mi payaso se aleja”.

Respecto a sus cursos de payaso, el mismo Gaulier hace comentarios como “Comienzo un curso. No es fácil. Los sueños sobre el payaso me aburren considerablemente. Se pone por las nubes al personaje poético de los cojones.

Maquillaje blanco, cejas y pestañas, pintadas de negro, y por si fuera poco, una lágrima dibujada en la mejilla. ¡Qué miedo!”

Philipe Gaulier nació en París el 4 de marzo de 1943 y estudió en la escuela de Jacques Lecoq, donde más tarde fue profesor durante casi diez años. L’École Philippe Gaulier se fundó por Gaulier i Monica Pegneaux en 1980. Se llamaba École de Formation Théâtrale; y unos años más tarde pasó a manos de Philippe Gaulier que la trasladó a Londres en 1991 invitado por el Art’s Council; lo hizo para cambiar de aires y aprender inglés, y se quedó en Inglaterra durante once años. Ya en el año 2002 trasladó nuevamente la escuela a París, primero a Montrueil y luego a Sceaux.

El libro de Gaulier, así como el resto de libros que tiene publicados, se puede adquirir en su propia página web: www.ecolephilippegaulier.com/ Vicente Sánchez

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La edad del payaso por Jesús Jara

Para irritación de todo tipo de representantes de la autoridad, los niños dedican una considerable energía a “hacer el payaso”. Ellos no quieren apreciar la gravedad de nuestras descomunales preocupaciones, mientras que nosotros olvidamos que, si nos hiciéramos un poco más como los niños, puede que nuestras preocupaciones no fueran tan descomunales.

Conrad Hyers A veces se dice que el payaso es como un niño. Efectivamente, hay muchas características de la infancia en el universo del clown, en su comportamiento, su forma de razonar, su manera de afrontar los problemas. En sus bromas, sus reacciones, su manera de navegar por las emociones… La curiosidad, la mirada, la sinceridad y la espontaneidad son comunes en la infancia y en el payaso. El deseo de jugar y experimentar tiende sutiles lazos entre ellos. La capacidad de reacción ante la caída, ya sea física o emocional, la entrega total ante lo que reclama su atención, la ignorancia del peligro, el deseo de abarcarlo todo… Por si esto fuera poco, ambos comparten el imaginario, esa capacidad para transportarse a otra realidad, inventada y recreada desde el puro deseo de acceder a ella. Una especie de paréntesis espacio-temporal que se convierte en un trampolín hacia la aventura, las emociones, las dificultades y el juego, pilares básicos del universo del payaso.

Dos cosas más: la ausencia de frustración y de rencor. Si algo o alguien les crea problemas, siguen adelante buscando una solución.

Quizá la encuentren, quizá no. Pero siempre hallarán un nuevo estímulo que les pondrá en marcha con renovada ilusión. Porque comparten la percepción de que el mundo es muy amplio como para desesperarse por no poder abarcar una parte de él. Porque saben que las dificultades son una plataforma de acción y ellos, sin acción, sencillamente se aburren.

Por otra parte, su actitud contra la cosa o la persona que entorpece sus planes siempre se produce sin rencor. El olvido de lo negativo se produce a la misma velocidad que payasos y niños descubren algo nuevo que los ocupa. Como mucho, se producirá una leve venganza divertida a modo de juego, como una suave patada en el culo o un pastelazo en la cara.

Es por todas estas cosas comunes por lo que los niños y las niñas se identifican fácilmente con los payasos. Y porque hacen todo lo que ellos y ellas desean hacer: rebelarse, desobedecer, transgredir,

divertirse, jugar. A través de los payasos proyectan sus deseos, todo lo que querrían hacer y les es prohibido por los adultos.

Esto no quiere decir que el payaso sea un niño. Tiene la edad de un adulto y, por tanto, ha vivido y experimentado mucho más tiempo que un niño. Las personas y su otro yo llamado payaso que llevan dentro, son como son y se comportan de una determinada manera como resultado de las experiencias vividas desde su nacimiento.

El payaso es más bien un adulto que actúa siempre como lo hacen los adultos cuando no son observados, cuando no están expuestos al juicio de los demás. Ésta es una de sus grandezas: el conseguir comportarse como un niño sin renunciar a su edad. Y no sólo sin preocuparse por si le miran o no, sino con la necesidad de que lo hagan, en complicidad con el público, retroalimentándose a través del intercambio de miradas, compartiendo así sus vivencias con los demás.

Como Charlie Rivel, por ejemplo. Cuando tenía 82 años, él mismo decía que era un niño, y viendo sus actuaciones se observa que, efectivamente, así era. Pero con el bagaje de su edad, de sus 82 años. En uno de los números de esa época, su payaso intenta hacer un equilibrio con una silla, pero no lo consigue y la silla le golpea en la cabeza. Le duele y llora desconsoladamente. Llega una chica joven a la que inmediatamente comienza a contar lo que le ha ocurrido. Y lo hace como un niño, hablando de manera entrecortada y sin dejar de llorar, de forma ininteligible. A continuación, se dirige a la silla y le habla, cada vez más enfadado, hasta que finalmente, le pega una patada, se hace daño, y vuelve a llorar. La chica sólo logra que deje de hacerlo cuando le ofrece un vaso de... ¡Aguardiente! O sea que de nuevo tiene 82 años. Y al momento, cambia de nevo su edad, vuelve a ser un niño entusiasmado ante la propuesta de aprender unos pasos de ballet. Durante el aprendizaje, imagina que es un guardia de tráfico, juega con sus manos y las de la chica, le muerde un dedo, escapa de ella para no ser golpeado, en fin, se comporta como un niño. Pero con 82 años...

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Festival de Circo Altea Altea, una población de tradición artística y cultural que ha sabido mante- mañana un gran corro de gente soportaba heroicamente el sol para ver la actuación de Tito Rissoti. Hasta ahí aguantó también el buen tiempo; ner su magia y encanto e integrar perfectamente nuevas tendencias y estilos de vida, resultó ser el lugar idóneo para realizar un festival com este. poco después, cayó el chaparrón con el que llevaba amenazando todo Comenzó con la aparición de Patricia Pardo en la inauguración conjunta el fin de semana y ya no paró de llover. Nos quedamos con las ganas de con Eco Altea. Apareció por las escaleras del Palau de Altea cubierta de ver las actuaciones de El Cirquito, Colorín Colorado y Agüita, pero la lluvia un traje hecho de basura de la que se iba desprendiendo mientras se no perdonaba… Paralelamente a las actuaciones de Circ Altea, había una gran cantidad de actividades durante el fin de semana en el marco dirigía hacia una maceta de la que hizo brotar una planta como por arte de Eco Altea: charlas y talleres relacionados con el medio ambiente y de magia y en clave de payaso, dando así paso a la organización y los formas de vida alternativas, así como un mercado con productos ecolórepresentantes del Ayuntamiento para que inauguraran oficialmente este gicos y artesanos. Ahí encontrábaintenso fin de semana de actividamos también el Eco Bar del festival des. El día continuó con el espectádonde se podía tomar un descanso culo de circo y comedia gestual Sin y disfrutar de una cerveza biológica Mundus Cirkus, con la Sierra Bernia artesana con una tapita o un granicomo fondo y con una muy cálida y zado de sandía. Aparte del festival agradable respuesta del público; y de artes escénicas, Circ Altea 2009 acabó con la actuación musical de sirvió también de anfitrión para Macavana, transmitiendo alegría por una reunión de trabajo del proyecdoquier. El sábado arrancó con un to Leonardo de la Unión Europea taller de acrobacias bajo el soleciCinconnection a la que acudieron to en los jardines del Palau, donde asociaciones de Valencia, Hungría, se podían ver a personas de todas Italia, Inglaterra y Francia. El prolas edades probando su habilidad, grama conjunto de Circ Altea y Eco al igual que sucedió con el taller de Altea superaba las 130 actividades malabares el domingo por la mañaen tres días y se estima que unas na, que tuvo una asistencia masiva. diez mil personas visitaron el festival A lo largo del día, estaba en marcha y la feria. Como organizador del fesel rincón de los cuentos espontátival, quiero aprovechar estas líneas neos de la compañía Colorín Colopara agradecer el apoyo y el granrado. Ahí se congregaron sobre el dioso trabajo del fantástico equipo césped sobre todo los más pequeque ha hecho posible este festival: ños para disfrutar de la magia de los Actuación Sin Mundus Cirkus. Foto: Ale Garrido. el staff, los artistas, el equipo téccuentos. La tarde llegó con el plato nico, la organización de Eco Altea, el Ayuntamiento y una gran cantifuerte del festival, la Gala Circ Altea, dentro del Palau de Altea. Un éxito rotundo, con un lleno completo del aforo de 900 personas y público que dad de personas que sería imposible nombrar de una en una. Circ Altea, se quedó fuera. Números de trapecio, pelotas, verticales, mazas, cintas por ahora modesta en su primera edición, tiene el ánimo de crecer año aéreas, diábolos, monociclo y payasos, contando con una amplia repretras año. Esta iniciativa de Acierto Artistas tiene el afán de apoyar comsentación de las artistas de la Associació Valenciana de Circ. Más tarde, pañías emergentes y nuevas tendencias. Para la próxima edición platambién dentro del Palau, tuvo lugar un envolvente concierto de sobreneamos ampliar la programación, y poder aprovechar cada vez más los tonos. Cerró el día el espléndido concierto de la Rana Mariana. Al final de bellos rincones que la ciudad de Altea ofrece para las artes escénicas./ su actuación bailaba todo aquel que andaba por ahí. El domingo por la Lomi Szil - www.circaltea.org

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El Circo con animales El circo es un arte que hoy en día podemos tener la suerte de apreciar en nuestra geografía. Con varias modalidades de circo y muchas compañías contamos con un gran abanico de artistas y números de gran calidad. Los tiempos actuales nos llevan a no poder apreciar todos esos espectáculos en varias ciudades y pueblos de nuestro país, me refiero indudablemente al circo con animales. Son circos como Tonelly, Rody Aragón o muchos otros los que ya han optado por no actuar con animales. Pero, por otro lado, circos como Mundial, Americano, Wonderland o Italiano, entre otros, siguen ofreciendo espectáculos aún con animales, hecho que aprecio mucho. Es el caso de mi ciudad, Manresa (Cataluña central), que ya es otra de las que ha optado por no aceptar circos con animales salvajes. El primer circo que se ha encontrado con esa nueva ordenanza municipal ha sido el Circo Italiano, que, de paso por mi ciudad con su espectáculo Madagascar, no pudo dejar actuar a ninguno de sus animales. Bajo mi opinión, el circo es tradición y cultura. Si negamos la posibilidad de poder asistir a ese tipo de espectáculos con censura animal previa, estaremos privando unamayor parte de la tradición. Sin duda, todo son opiniones./Cristian Nova

Tú también puedes tener voz y compartir tus opiniones

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zirkolika@yahoo.es y ¡PARTICIPA! Coleccionismo circense: Venta de artículos de circo y magia Vendo pósters, entradas, fotos, libros, programas, sellos, llaveros, autógrafos, folletos pequeños… todo de diversos países y épocas; precios a convenir. Llamar al teléfono: 93.310.3929 – 608741690.

O escribir al Apartado de correos 1640 – 08080 Barcelona. /José Perals

Festival de Circo de Terrassa Del 25 al 28 de agosto se celebró el 1r Festival de Circo de Terrassa, organizado por el colectivo de circo Tub d’Assaig, de la misma ciudad.

Durante esos días, asistieron diferentes compañías surgidas del mismo colectivo y de fuera,

Foto: Marta García.

como por ejemplo: Cia. Circ Pistolet, Rucs Rics, Trio de Corda, Tres són massa, Cia. Filigranes, Cia. Pessic de Circ y Los Caneca, entre otros.

La organización de este festival constaba de tres partes: talleres de circo (malabares, zancos, etc.), animación y espectáculo. El último día se cerró este primer festival con un concierto

de la Orquesta de St. Celoni y un espectáculo renegade, en el que artistas y espectadores subieron al escenario para dar a conocer sus habilidades artísticas. La asistencia fue muy positiva, ya que se contaron unas 600 personas./Marta Garcia Cardellach, colaboradora del colectivo de circo Tub d’Assaig 7.70

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VII Convención de malabaristas y monociclistas de Hungría 27-28-29-30 de agosto de 2009, en Gyomaendröd Estilo húngaro. Así fue esta bonita y diferente Convención, algo parecido a lo que pasa con la gastronomía de ese país, de la que podría escribir páginas enteras.

El hecho de que se juntaran dos convenciones en una (malabaristas y monociclistas) ya le daba un carácter muy especial al evento. Como el año pasado, el pueblo escogido fue Gyomaendröd: un pueblito tranquilo en la Hungría profunda. Junto a un bonito río estaba el gimnasio que acogió la mayor parte de las actividades, así como el pintoresco colegio donde nos alojamos.

La primera jornada, como en todas las convenciones, tuvo su máxima actividad por la noche. Durante el día, los malabaristas iban llegando y practicando en el pabellón. Los monociclistas iban apilando los palés en la calle (no se movieron de esa calle en los cuatro días) para las tradicionales competiciones anuales de salto de altura. Por la tarde, muchos húngaros preferían dormir en las hamacas o ir a las piscinas termales. Lo distinto de esta convención fue sobre todo los elementos que usaban: en lugar de mazas, pelotas y diábolos, lo normal era ver gente manejando meteoros, instrumentos de contacto o bastón del diablo, pero con un nivel muy superior a lo conocido. Quizás los húngaros sean los mejores del mundo usando las cariocas (pero sin cintas de colores, por supuesto; sólo trucos imposibles de entender). Todo se desarrollaba en un ambiente de tranquilidad y relax. Nadie tenía prisa por nada, ni los organizadores.

El Renegade, por ellos llamado Concurso de trucos estúpidos, fue largo, alegre y entretenido. Lo presentó el húngaro Rike. Es curioso cómo poder estar tres horas sin entender una palabra de lo que dicen y divertirte igual. Éramos sólo cinco los extranjeros y el Renegade no aburrió. Se mantuvo el mismo ritmo hasta la última cerveza (hubo muchísimas).

Después, a altas horas, destacaron la competición de guerra de mazas y resistencia con cinco pelotas, premiadas con una exquisita botella del famoso vino dulce húngaro.

El viernes hubo talleres curiosos y divertidos como el de Danza estúpida, donde se aprendían las coreografías más absurdas, o el taller de pelotas de contacto, impartido por Akos. Los monociclistas se fueron a recorrer el río Körös, y después hicieron una exhibición de saltos y suertes. Por la noche, en el open stage, destacaron las actuaciones de Tzupi y Marci (meteoros), Python (el mejor malabarista húngaro de pelotas), Akos (pelota de contacto) y Syvain (el francés que cerró con su número de manipulación de mazas). Después, la noche dio paso al fuego con las clásicas “frikadas”, como por ejemplo el hula-hop de fuego de Anna, y terminó con un Renegade muy divertido, con muchas cervezas y vino húngaro como premio, por supuesto.

El sábado fue el día de las competiciones: monociclos, volley-maza, volleybastón del diablo…, y también el día de la Gran Gala de Circo. Los números de la Gala: exhibición de monociclos por Mark & Krisz de Koxx-One; el húngaro Török con diábolos; yo, que actué con pelo-

Taller de contact. Hungría.

tas de luz; el místico número del alemán Kelvin Kalvus (pelota de contacto); el grupo del sur de Hungría Flame Flowers; el belga Stijn (balones de fútbol), y los húngaros Almost Trio (pases de mazas), que cerraron la velada. La noche concluyó con ambiente muy festivo, muchas risas y mucha pálinka (la bebida tradicional húngara).

El domingo fue el día más tranquilo, con Olimpiadas para los que estaban despiertos y recogida, pero muy despacio, al más puro estilo húngaro.

Sólo me queda agradecer al equipo de organización todo el trabajo realizado y animarles para que se siga realizando esta convención de circo tan especial (la única que se organiza al año en Hungría).

Nos vemos el año que viene.

Köszönöm! Sziasztok!

Fede Menini, Asociación de malabaristas y circo de Alicante “Donyet Ardit”