WAY OUT
NÚMERO 9 | OCTUBRE 2013 | WWW.THEWAYOUTMAGAZINE.COM
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magazine maga in
SU PRIMERA VEZ FUE UN ÉXITO | LA CARAVANA DEL UNIVERSO AZUL | LOS 35 MM CRECEN (I) | SIN TECHO Y CON DIGNIDAD | SEDUCIENDO LA GRAVEDAD CERO | EL CARPE DIEM DEL MARKETING
NÚMERO 9 - OCTUBRE 2013
sumario
LA MAGIA DE ALUCINAR EN AZUL
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CÓMO SER MARKETING
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MÉLIÈS, GODARD Y TRUFFAUT EN LA MISMA CINTA
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LA PRIMERA VEZ DE THE BEATLES
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sala cinco |reflex_on DIRECTOR: FERNANDO SANTISE REDACTORES: ALEJANDRA GARCÉS, ALBERTO LÓPEZ, JUAN PABLO MERCHÁN COLABORADORES: MONTSERRAT DE LA IGLESIA, DANI PARRA. DISEÑO: ALEJANDRA GARCÉS, FERNANDO SANTISE CORRECCIÓN: ALEJANDRA GARCÉS PORTADA: THE WAY OUT MAGAZINE CONTACTO: CONTACTO@THEWAYOUTMAGAZINE.COM ESTA REVISTA SE RESERVA TODOS LOS DERECHOS SOBRE LA UTILIZACIÓN DEL CONTENIDO DE CREACIÓN PROPIA SIN AUTORIZACIÓN PREVIA. LAS OPINIONES VERTIDAS POR SUS PARTICIPANTES SON RESPONSABILIDAD DE CADA UNO DE ELLOS.
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miedomedia
Walter White ya ha entrado en la Historia. El pasado 29 de septiembre tocaba techo la serie que ha redefinido los códigos televisivos. Cinco temporadas, 62 episodios para la eternidad. Breaking Bad dice adiós a lo grande.
B
POR ALBERTO LÓPEZ
reaking Bad es la serie que a Shakespeare, de seguir vivo, le hubiese gustado firmar. Toda la obra del autor más conocido de todos los tiempos se ve homenajeada en el show de Vince Gilligan: el ego, el poder, el descenso a los infiernos, las vendettas, los juegos de perversión, las mentiras, la familia. La representación más exacta del alma humana que el dramaturgo inglés definió a lo largo de un extenso legado ha encontrado su sosias particular del siglo XXI en Walter White, un Macbeth pasado de vueltas que cocina cristal con el conocimiento del estupendo profesor de química que es. Cada cierto tiempo surgen hitos televisivos que encuentran un nicho de audiencia dispuesto a todo por un poco más de su dosis semanal. La primera que abrió la veda pudo ser Perdidos, que consiguió que en España la gente se deshiciera del miedo a los subtítulos y madrugase para ver su final lo antes posible. Quizá el final de Heisenberg no haya llegado a tales locuras pero que un show que ha equilibrado a partes iguales mesura y descontrol haya congregado a 10 millones de personas para presenciar su final es de alabar.
AMC, su cadena responsable, ha conseguido en menos de una década plantarse con pies de acero entre las grandes. Gran parte de culpa la tiene Mad Men, que verá su final partido en dos como lo ha hecho la que ahora ocupa este artículo; pero sin duda la que le ha reportado un caché semejante a HBO ha sido Breaking Bad. Quizá no podría haber tenido lugar en otra cadena. No es fácil contar la historia de Walter White, y mucho menos sin dejar nada en el tintero. Ciertos expertos en narrativa argumentan bajo su manto doctoral que un cortometraje no es si no un largometraje acortado, que se puede ensanchar siempre. De ser esto verdad, podría entenderse que cualquier serie podría verse alargada hasta el infinito. Y de ser cierto esto último, Breaking Bad ha alcanzado la cima de la narración seriada. Sí, podría contarse con menos detalle y en menos tiempo, pero se perdería la belleza de las cosas pequeñas que son el signo más macabro del ser humano.
El paso de Walter White a Heisenberg a Ozymandias a Mr. Lambert ha sido como debía: con firmeza, con la realidad y la claridad de dónde está el principio y dónde el final presentes en todo momento. El show es una clase magistral de varias doctrinas.
BREAKING BAD PODRÍA
CONTARSE CON MENOS DETALLE
del silencio el arma indispensable con la que comprender a los personajes, elegir el cliffhanger más plausible a la par que emocionante, añadir capítulo a capítulo la cantidad justa de información, dibujar relaciones humanas con la precisión de un relojero, convertir en obra de arte la ardua tarea de presentar a un nuevo personaje… Son tantas las razones que hacen
PERO SE PERDERÍA LA
BELLEZA DE LAS COSAS PEQUEÑAS
La filosofía ha sido y es una parte fundamental de cualquier historia, el estudio del alma humana así como su psique resulta tan interesante como plagado de posibilidades argumentales. La idea de que todo ser humano es malo por naturaleza tiene dos padres (Maquiavelo y Hobbes) a los que habría que añadir un tercero, Vince Gilligan. Más allá de filigranas estilísticas (que las tiene, y maravillosas) Breaking Bad compone una tragedia humana sin iguales coetáneos, donde el arco de su protagonista y quienes le rodean roza la estratosfera sin olvidar dónde se encuentra su eje. Sobre el papel es fácil: una situación de normalidad se ve rota por un duro golpe que necesita de medidas extremas, a su vez esta medidas hacen aflorar los recodos más oscuros que ante la posibilidad de poder potencian la ambición que lleva a su final inevitable. Descubrimiento, ascenso y caída. Nada desconocido, pero nadie lo ha escrito como Gilligan (y Shakespeare). Cada libreto de cada episodio debería ser la guía fundamental en las clases de guión y narrativa. Salvo la dichosa excepción que confirma la regla (el estupendo Fly, de la tercera temporada) todos y cada uno de los capítulos son el ladrillo y el cemento que han hecho posible el coloso que es todo el conjunto. Hacer
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de la serie una escuela de escritura que no hay espacio para contarlas todas. Localizada en Albuquerque, Nuevo México, se trata de una historia sucia, en la que el sudor y el polvo del desierto son tan protagonistas
como los propios personajes. Aunque no fuese la primera opción, no parece haber otra ciudad en la que pudiese haber encajado el laboratorio de Mr. White y Jesse. La fotografía de Michael Slovis (entre otros) captura esa esencia magnificando el detalle, donde el color y las formas de los objetos sin importancia aparente adquieren una belleza supina en contraste con el resto
Dos son los motivos principales por los que ver la serie. La grandiosidad de ciertos episodios convierten a aquellos con menos acción (ojo, ninguno es un lastre) en una obligación harto disfrutable. Sin embargo, dos momentos puntuales bien merecen 62 horas pegado al sofá: la traca final de la tercera temporada y el decimocuarto episodio de la quinta temporada, Ozymandias, convertido desde su misma emisión en obra de culto. No es para menos: las referencias mismas a la serie, el cierre perfecto que posibilita un epílogo pluscuamperfecto, la epifanía de Walt.
SON TANTAS LAS RAZONES QUE
HACEN DE LA SERIE UNA ESCUELA DE ESCRITURA QUE NO HAY
ESPACIO PARA CONTARLAS TODAS
de la escena, tomándose el tiempo necesario para describir a la perfección a través de la cámara. Escena que usualmente suele ser la de apertura, pequeñas joyas que pueden ser entendidas como independientes del propio episodio.
BRYAN CRANSTON. Sí, con mayúsculas. Sí, el padre de Malcolm. El mejor actor que ha dado la televisión desde siempre. Nadie en su sano juicio daría un duro por que este hombre hiciese de una serie la mejor de la historia por su sola presencia, pero lo ha hecho. Breaking Bad es Walter White y Walter White es Bryan Cranston. El cambio no solo físico sino emocional; la representación de lo que aporta a un ser humano el poder y la seguridad en si mismo; con bigote, un don nadie, con sombrero, un temible capo; ganarse la empatía del espectador a través de la pena para con una sola mueca romperle de terror; el calibrado trabajo de su vigorizante voz. Sin Cranston, la televisión no será igual. Drogas, sudor, poder, lágrimas, engaños, dolor. Todo. Breaking Bad se ha quedado con todo para convertirse en una obra magna de la historia catódica. La pregunta es obvia: si ya no queda nada, ¿qué viene después?||
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perfil de frente
LEVÁNTATE Y CREA
POR JUAN PABLO MERCHÁN
Hugh MacLeod es un dibujante admirado y respetado no únicamente por su obra sino por cómo ve, siente y explica la fuerza creativa. Sus brillantes dibujos y sus pedagógicamente honestos libros y manifiestos son sólo la punta visible de un iceberg de ingenio, originalidad y trabajo. 8 | THE WAY OUT
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ibujante, emprendedor, gurú, comunicador… muchas labores identifican a Hugh MacLeod, pero él es mucho más que eso. Es el hombre que desde su juventud tuvo claro lo que quería hacer, cómo lo quería hacer y cómo debía hacerlo. Cierto es que prefiere ser señalado como dibujante y que sus dibujos son su trabajo más personal y reconocible. La razón de su existencia, básicamente. Son simples y necesitan poca técnica, pero pocas cosas existen en este mundo más originales, brillantes, cínicas y divertidas. Comenzó en su juventud, cuando trabajaba insatisfecho en una agencia de publicidad como copy, dibujando en la parte posterior de tarjetas de visita en bares, parques, allá dónde la idea le atrapaba y no le debaja marchar sin desenfundar el rotulador, lápiz o bolígrafo. Nunca pensó en ganarse la vida con ello, pero era lo que le apetecia hacer, lo que le gustaba y le llenaba cuando su vida no era muy prometedora. Ahora, aquel blog es su compañía y comunidad, desde la que dibuja, publica libros, vende su trabajo por cientos de dólares y ofrece sus servicios como dibujante para las oficinas “porque el trabajo es el segundo lugar en el que más tiempo pasamos y probablemente en el que más ayuda necesitamos”. Esta iniciativa y las animaciones son sus últimos proyectos. La ciudad de Nueva York da fe de ello. How to be creative (más de cinco millones de descargas) y Authenticity is the New Bullshit son buenas formas, divertidas y gratuitas, de conocer más a fondo las “tesis” de MacLeod. Es difícil resumir tanto buen consejo en tan poco espacio (aunque eso él lo hace estupendamente, estos dos ebooks se leen en una tarde), por eso aquí algunas de las frases que sintetizan su filosofía creativa.
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“No hay correlación entre creatividad y po-
seer equipamiento. De hecho, en cuanto el
artista se mete más en lo suyo, y es más
existoso, su número de herramientas tiende a dis-
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minuir. Sabe lo que funciona para él. Gastar ener-
gía mental en herramientas es perder el tiempo.” “Los bares de West Hollywood y Nueva
York están llenos de gente tirando su vida
en el desesperado intento de encontrar un
atajo, cualquier atajo. Y muchos de ellos ya no
son jóvenes. Sus planes B han sido borrados por
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vodka y gin-tonics años atrás, cuando deberían
haber estado en casa, trabajando duro.”
“El arte sufre desde el momento en que
otra gente empieza a pagar por ello.
Cuánto más necesitas el dinero, más
gente te va a decir lo que debes hacer. El menor
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control vas a tener. Más mierda vas a tener que tragar. Menor diversión te va a aportar.”
“Parte de ser un maestro es aprender a
cómo cantar en tu propia voz y no en la de
nadie más.”
“Todo el mundo nace creativo, a todo el
mundo le dan una caja de lápices de colores en la guardería. Entonces cuando lle-
gas a la pubertad te los quitan y los reemplazan
con secos, poco insipiradores libros de álgebra,
historia, etc. Siendo de repente, años más tarde,
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cuando el bicho creativo es una débil voz que te
dice ‘quiero mis lápices de vuelta, por favor’.”
“Si tu negocio depende de ser descubierto
de repente por algún pez gordo, tu plan
probablemente fallará. Nadie descubre
nada súbitamente. Las cosas se consiguen despacio y con sufrimiento.”
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AMIGO DEL MARKETING Pese a lo que pueda parecer por su insistencia en el deber de hacer las cosas por gusto y no por dinero, MacLeod no es un idealista que rechace las tesis del marketing. De hecho, es un gran experto en la materia (GapingVoid es una demostración de ello y realizó un magnífico trabajo con los míticos sastres de Savile Road) e insiste en que una buena idea no será exitosa sin la ayuda del marketing e incluso en que los creativos mantengan un trabajo más de oficina, que les permita desarrollar con mayor libertad económica su actividad creativa. Claro, no tiene por qué referirse a una costosa campaña de marketing, o a un eficaz equipo de expertos que guarde las espaldas. MacLeod se refiere a internet como la herramienta que más le ha ayudado, la más poderosa arma de marketing, la que ha cambiado totalmente el negocio y continuará cambiándolo. GapingVoid.com es su cohete, su carta de presentación, su negocio y su obra.
Es un influyente ‘tuitero’ con más de 43 000 seguidores, pero al contrario que la mayoría de nosotros, su uso es siempre provechoso. “Busca siempre un uso útil de internet. Perder el tiempo en él es como hacerlo delante de la tele.” ¿Uso útil? Buscar inspiración, interactuar con otros creativos, crear comunidad y dar a conocer tu trabajo.
MACLEOD SE REFIERE A INTERNET COMO LA HERRAMIENTA, LA MÁS PODEROSA ARMA DE MARKETING
Hugh MacLeod no es el mejor líder al que seguir. Es innegable que en sus propios libros es en ocasiones contradictorio consigo mismo, tira de ideas vagas, otras tópicas y más propias de un Coelho mediocre. Otras es excesivamente duro y honesto. Tampoco se puede rebatir que MacLeod anima como pocos a apoyarnos en la creatividad y a “encontrar nuestro propio Everest, admitir que existe y tratar de llegar a la cima”.||
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reflex_on
EN COLABORACIÓN CON kuchi fotos
D A N I
P A R R A
LA
MENDI
CIDAD
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K U C H I
T W I T T E R
F A C E B O O K
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una mirada atrás
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Desde que George Méliès lo inventara, el cine ha sufrido numerosas innovacion y sus aportaciones al séptimo arte. Una disciplina en constante evolución hasta POR MONTSERRAT DE LA IGLESIA
a historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895. Así podría arrancar una novela de ciencia ficción que describiera uno de los inventos más revolucionarios del siglo XIX. A pesar de que sus creadores fueron los hermanos Lumière, es George Méliès quien presenta el espectáculo cinematográfico tal y como lo conocemos hoy en día. Méliès abandona el tono documental
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EL CINE SE
de los Lumière e introduce actores en las narraciones. Experimentación con la técnica y las historias que se plasman en trabajos como Viaje a la luna (1902). El Film d’Art, el expresionismo alemán, el cine danés de Dreyer, el impresionismo y otras vanguardias francesas, la escuela soviética y la vanguardia del realismo poético son movi-
E MUEVE (I)
nes. La exposición en el CaixaForum Madrid recoge la trayectoria de este mago a el presente, donde el celuloide se reinventa otra vez.
miento y publicidad de la autoridad. Pese a ello, hay periodos de interesante producción cinematográfica en Europa. Así lo destaca José María Caparrós Lera en Historia del cine europeo. El cine de los años 30 de Fritz Lang, Durante la II Guerra Mundial el cine no queda el neorrealismo italiano de Roberto Rossellini, fuera de los objetivos propagandísticos de los el cine de autor de Buñuel, Bresson y Bergdiferentes regímenes que no dudarán en utili- man así como la vertiente más sutil y crítica de zarlo como una herramienta más de adoctrina- Berlanga y Bardem son una buena muestra.
mientos cinematográficos en los que autores de cada época canalizaron sus inquietudes artísticas, innovaron y transmitieron su visión particular.
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RUPTURA CONTEMPORÁNEA Aunque cada movimiento supone una ruptura con los cánones establecidos en cada momento, la Nouvelle Vague incluye unas premisas culturales y reivindicativas que supondrán un punto de inflexión respecto a toda la producción cinematográfica realizada hasta la fecha. El director y crítico de cine Eric Rohmer no dudó en afirmar que “Godard es la modernidad cinematográfica”. Al igual que sus coetáneos, escribe en la popular revista de crítica de cine Cahiers du cinéma, publicación creada en 1951 por André Bazin y desde la que se gesta el movimiento; una corriente de cineastas cultivados en la universidad, las filmotecas y cineclubes que utilizan el cine para expresar su adoración por el séptimo arte y en el que las referencias artísticas a otras disciplinas son constantes y conscientes. Alexander Astruc, crítico y realizador de este periodo, dejará constancia de todas las inquietudes que marcarán a la Nouvelle Vague en un manifiesto escrito en 1948 titulado Nacimiento de una nueva vanguardia: la camérastylo. “El cine no tendrá porvenir hasta que la cámara no acabe por reemplazar a la estilográfica”, escribe. Para algunos autores, la clave
para el surgimiento de esta novación generacional que 1958 y 1962. Durante este lizan su primera película. E matográfica promueven es que las películas son má apoyo del público en contra tores consagrados, que su
a corriente francesa es la ree tiene lugar entre los años e periodo, 97 directores reaEl estado y la industria cineste tipo de producciones ya s baratas y cuentan con el aposición a las cintas de auuponen mayor presupuesto.
Además de los ya mencionados, los grandes nombres de esta corriente cinematográfica fueron Claude Chabrol, Françoise Truffaut y Jean-Luc Godard quienes, con sendos rodajes en 1959, logran encabezar el movimiento y a los que se unen otros realizadores como Jaques Rivette, Jean Pierre Melville, Henri Colpe o Jaques Demy y su esposa Agnès Varda. Es precisamente esta fecha la que se toma como momento inaugural de la Nouvelle Vague, en la cual Los 400 golpes, de Truffaut es premiada en el Festival de Cannes. Con un férreo rechazo al cine qualité, los jóvenes directores aplauden las producciones comerciales hechas en los Estados Unidos explicando, a través de sus artículos en la publicación Cahiers du cinéma, que los verdaderos autores del cine son los directores. Así lo recoge el historiador de cine José Luis Sánchez Noriega en su libro Historia del cine. Teoría y géneros cinematográficos, fotografía y televisión en el que señala que, según los cahieristas “la personalidad [del director] queda plasmada en la película, a pesar de las presiones de los estudios y de influencias exteriores de cualquier otro tipo”.||
cocheras
E
POR FERNANDO SANTISE
l fenómeno de The Beatles supera toda la tinta derramada, todas las versiones hechas de sus canciones, todo el mercado marketinero, toda la música contemporánea y todas las futuras e inacabables palabras escritas sobre ellos. Si Carlos Gardel siempre canta mejor, del grupo de Liverpool se pueden pensar cosas aún más grandes, tanto por su capacidad para llegar a cada rincón del planeta como por su perpetuidad a lo largo del tiempo.
Hace 50 años, que no es poco, los Fab Four sacaban su primer álbum de estudio: Please Please Me. Después de dos singles de éxito relativo como Love Me Do y otro de nombre homónimo al disco, la joven banda comenzaba una de las carreras más brillantes en la historia de la música con un disco único, que veía la luz
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POR FA 50 AÑO
Hace 50 años, un grupo llamado The Beatles irrump estudio Please Please Me. Si bien no es el mejor d registrada que perdura con los años. luego de sus múltiples concier- nes en vivo, lugar donde Martin tos en el ya mítico Cavern Club. los había conocido. Por lo tanto, a pesar de la introducción de algunas canciones más SI CARLOS GARDEL CANTA CADA VEZ MEJOR, DEL GRUPO DE lentas, Please Please Me se convierte desde el principio en LIVERPOOL SE PUEDEN PENSAR un disco bailable, que suscita COSAS AÚN MÁS GRANDES diversas emociones y que Grabado en los estudios EMI busca que la gente se mueva, Studios de Londres a pesar de se divierta e interactúe con los querer hacerlo en directo en un acordes que escucha. Porque primer momento, Please Ple- quiere ser en directo y captar la ase Me contiene 14 canciones. esencia de cuatro jóvenes con Con siete de cada lado, cuatro desparpajo. Y mucho talento. se grabaron para los singles anteriores y las restantes 10 en Temas cortos que no superan una sesión, que, según George los tres minutos, dinámicos y Martin, directivo de Parlo- sobre todo, pegadizos. La priphone, discográfica que grabó mera y la última canción del nueve discos con el grupo, disco prueban este experiduró desde "las diez de la ma- mento que renovó la música y ñana hasta las once de la que dio paso a la llamada, noche". El factor de registrar quizá incorrectamente, música todo en un día es la idea prini- moderna. Al fin y al cabo, The cipal para captar el espíritu de Beatles, con sus mil y un virtuThe Beatles: grabarlos para des, tienen influencias como que sonasen tan frescos y ori- todos los grupos. Seguraginales como en sus actuacio- mente, el estilo y la mezcla
AVOR, OS MÁS
pía en el panorama musical y grababa su primer álbum de de la banda, el disco sirvió para inventar un estilo marca
conjunta de sus cuatro integrantes, rompedores, sin tapujos y con un talento infinito, consiguió sacar la fórmula de la nueva modernidad: su primer disco encabezó las listas musicales inglesas. Please Please Me es una mezcla. De las 14 canciones, seis no están compuestas por ellos, mientras que las otras ocho nacen del dúo Lennon-McCartney. De las 14 canciones, seis están cantadas por John Lennon, cuatro por Paul McCartney, dos por George Harrison, una por Ringo Starr, y otra es un dueto entre Lennon y McCarney. ¿Más? Por si fuera poco, George Martin participa en dos (piano en Mistery y celesta en Baby It's You), y se usan todo tipo de instrumentos, como la harmónica o la pandereta. Incluso, las palmas suelen usarse en alguna canción, como en I Saw Her Standing
There, el tema inicial que transmite fuerza y recuerda al mejor rock and roll de los 50. Una prueba de la mezcla es la introducción de varias versiones de baladas lentas de otros artistas como Anna (Go To Him), que con The Beatles adquiere otro tono y deja de ser una balada propiamente dicha. Lo mismo se puede decir de A Taste of Honey.
PLEASE PLEASE ME ES UNA MEZCLA DE
14 CANCIONES
El grupo también introdujo versiones como Chains, de Carole King y Gerry Goffin. La canción parece otra totalmente diferente según quien la toque. Como en Boys, originalmente tocada por The Shirelles. Y en Baby It’s You. Las versiones del grupo del Liverpool adquieren definitivamente otra dimensión bien distinta, más allá de los
gustos posibles. Y qué decir de Twist and Shout. Nada que ver. Un mundo de diferencia. Escrita por Phil Medley, primero versionada por Top Notes en 1961, al año siguiente por The Isley Brothers y finalmente por The Beatles. Esta última se conviertió sin duda en un símbolo y cambia radicalmente con respecto a las anteriores, tanto en el aspecto instrumental (muchos más cañera) como en la voz desgarrada de un Lennon engripado. The Beatles componen, cantan y tocan, a diferencia de muchas bandas de la época. Sin ser éste su mejor álbum (Rubber Soul, Revolver o Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band son evidentemente mejores), el grupo de Liverpool, sin embargo, sí puso la primera piedra para un nuevo camino. The Beatles cantan mejor que Gardel. O no. A esperar 50 años más.||
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sala cinco
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CLAUSTROFOBIA ESPACIAL
POR ALEJANDRA GARCÉS
ras cinco años sabiendo el qué, dándole vueltas al quién e intentando averiguar el cómo, el director Alfonso Cuarón ha conseguido ver finalizada su obra. Gravity es una gran muñeca rusa llena de paradojas que no son más que pura elegancia abrillantada con una técnica perfecta. Porque el guión es lo de menos en este largo que consigue que se ansíe el silencio pero, sobre todo, la gravedad.
CLOONEY Y BULLOCK POCO LOGRAN
APORTAR AL DESENLACE CON PALABRAS
Algunos astronautas -una tal Bullock y un tal Clooney- sufren un accidente durante una misión espacial y pierden cualquier contacto con la Tierra. El planteamiento resulta ya de por sí angustioso, pero lo será mucho más entremezclado con el resultado visual y la magia de Cuarón. Todo parece perfecto en el espacio, flotando, incluso algunas líneas vacías de los dos protagonistas que, con palabras, poco logran aportar en el desenlace. Sorpresas a un lado, el 3D es necesario para que el visionado conforme en sí mismo una experiencia satisfactoria -el guión no lo conseguirá solo-. Cuarón, que ha coguionizado la película junto a su hermano Jonás, ha sabido dejar todos los ele-
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mentos clave de Gravity en el aire y que éstos se mantengan en equilibrio, sin que ninguno desentone en exceso. Y eso ha sido arriesgado en un filme cuyo argumento parte de la ya conocida premisa de la soledady el silencio, sostenida en dos únicos protagonistas.
GRAVITY ES UNA GRAN MUÑECA
RUSA LLENA DE PARADOJAS QUE SON PURA ELEGANCIA
Quizá su principal objetivo es lo que más atrae al público: cómo se resuelve el guión. ¿Logran volver los astronautas a la Tierra tras el accidente? ¿Cómo sobreviven en el espacio? ¿Y cuánto tiempo? Sin duda, todo en ella es genuino y, a la par, muy poderoso por los mismos motivos. Paradójicamente, la claustrofobia existe en el espacio infinito. Y, paradójicamente, con Bullock se empatiza pero Clooney nunca pierde la gravedad. Ni sus ganas de ligar. Tras maravillar a Hollywood con La princesita, varias nominaciones a los Oscar por Hijos de los hombres, un gran éxito cosechado con Y tu mamá también, el mejicano Alfonso Cuarón se lanza al vacío con toda su ilusión pero con una perspectiva en tres dimensiones espectacular. Un viaje directo al espacio en la taquilla por el precio de una entrada de cine normal y corriente. Cine tradicional... ¿Qué era eso?||