Nº15 The Way Out Magazine

NÚMERO 15 - ABRIL 2014 - WWW.THEWAYOUTMAGAZINE.

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WAY OUT wait for it!

MAGAZINE

cómo con ocim os vu e stra s vidas I a r ono fsk y n o e s co nve nc io na l I e llas y solo ell a s I p ix a r lo e nse ñ a to do I w here is w ho ? I | f ra nce s h ahaha I met ro no my no e na m o ra

NÚMERO 15 - ABRIL 2014

sumario

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NO A LA INDIFERENCIA

8

CÓMO CONOCÍ A VUESTROS FLASHBACKS

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PIXAR ENSEÑA SUS DIBUJOS

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LA NUEVA GENERACIÓN WOODY

réflex_on | cocheras | una mirada atrás Director: Fernando Santise Redactores: Alejandra Garcés, Montserrat de la Iglesia, Alberto López, Juan Pablo Merchán Colaboradores: Jairo Álvarez, Mar Gómez, Doc Pastor, Antonio Sánchez Diseño: Alejandra Garcés, Fernando Santise Corrección: Alejandra Garcés Portada: The Way Out Magazine Contacto: contacto@thewayoutmagazine.com Dirección: calle del Gobernador nº6, 28014, Madrid Esta revista se reserva todos los derechos sobre la utilización del contenido de creación propia sin autorización previa. Las opiniones vertidas por sus participantes son responsabilidad de cada uno de ellos.

www.thewayoutmagazine.com

ISSN 2341-2682

sala cinco

LA INDIFE

Con el estreno de Noé, su último trabajo, Darren Aronofsky vuelve al ruedo tras Cisne negro. Para ello, y con el fin de darle más visibilidad a uno de esos directores que durante un tiempo tuvieron (y mantuvieron) un sello propio como cineasta, es necesario repasar su filmografía de largometrajes desde que debutara, en 1998, con Pi, fe en el caos.

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ERENCIA NO EXISTE POR ANTONIO SÁNCHEZ

H

ablar de Darren Aronofsky es hablar de uno de esos creadores cinematográficos que nacieron de la cantera del Festival de Sundance, que preside desde 1980 el actor Robert Redford. De Park City salieron Ethan & Joel Coen, David O. Russell, Christopher Nolan o Tom Hooper. Sus trabajos, al igual que Aronofsky, encontraron un hueco en una cinematografía que necesitaba hacer efectiva la continuidad que no tuvieron los cineastas del nuevo Hollywood al llegar la década de los ochenta.

Tras una serie de cortometrajes, realizados en época de estudiante, Darren Aronofsky llega a Sundance con Pi, fe en el caos. En esta película expondrá de una manera efectista y directa su compromiso con un cine alejado de cualquier convencionalismo. Rodada en blanco y negro, Pi lleva al personaje principal hasta límites más allá de su comprensión. Todo ello ayudado con unas leves notas sonoras proporcionadas por Clint Mansell, mano derecha del director junto con Oren Sarch, responsable del montaje y edición de cada fotograma de Aronofsky en sus dos primeros largometrajes. ¿Qué es Pi? A priori no parece más que un número, desarrollado durante siglos por matemáticos y expertos que intentaban darle un significado pese a su carácter de irracionalidad. Aronofsky se une a los pensadores de la historia y decide conjugar el número Pi con

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la relación entre el mercado de valores de Wall Street y su significado ad hoc. El uso de una fotografía en blanco y negro, que abarató el proyecto, le permitió usar recursos marca de la casa como una banda sonora que fomenta las sensaciones más inhóspitas del protagonista, un montaje analítico, cercano al personaje y un agobiante empleo de la steadycam. Hay elementos que recuerdan a una de las mayores influencias de Aronofsky, David Lynch y su concepción de una realidad desdoblada en Cabeza borradora o Terciopelo azul.

Sarch conceptualiza de forma soberbia el proceso de drogadicción recogido en un instante con un número fijo y limitado de planos. Unos acordes El segundo largometraje del ci- de Clint Mansell redondean un neasta, la magnífica Réquiem síndrome de abstinencia ejempor un sueño, perpetúa el es- plar que culmina con uno de píritu que Aronofsky imprimió a los finales más impactantes, su primera experiencia como escalofriantes y certeros que realizador. Aquí, con un apoyo se recuerdan. La interpretafinanciero mucho más segu- ción de Ellen Burstyn todavía ro, decidió contratar a rostros escuece, en aquella suerte de que resultaran más familiares Baby Jane de sí misma con para el gran público. Jared tan ensordecedor desenlace. ción española y las líneas del Leto, Jennifer Connelly, Marlon Génesis bíblico. Por tanto, ya Wayans y una sobresaliente Tras un aumento de presu- sabemos que el interés por Ellen Burstyn formaban la ca- puesto sin precedentes que las Escrituras no ha nacido en beza protagonista de una cin- descontroló a Warner Bros., el Noé y que el primero de sus ta que, de manera terrorífica, abandono por parte de Brad libros tiene una importancia angustiosa y dura, trasladaba Pitt de la producción y una re- capital para el cineasta. La fe el paranoico universo de Pi caudación que no cubrió ni la ciega ante la enfermedad de para cambiar las matemáticas mitad de los gastos, Darren Rachel Weisz, la invasión de y la Bolsa por las drogas y los Aronofsky se introdujo en uno un enemigo extraño, frente sueños. En esta road movie de sus proyectos más perso- al escepticismo abanderado psicológica, Darren Aronofsky nales pero menos aceptados por Hugh Jackman, científico ahonda por los fundamentos por crítica y público. La fuente y contrario a cualquier premide la búsqueda de la felicidad de la vida versa sobre la es- sa religiosa. Aronofsky propoa través del cumplimiento de peranza, la búsqueda de vida ne una película no apta para los sueños. Unos sueños que, donde ya no queda rincón para espectadores que busquen la sin control, se vuelven con- ella, la desesperación ante un sencillez narrativa, una pertra uno mismo de la peor ma- futuro inevitable. Pero a su sonal reinvención de la ciennera posible. En Réquiem por manera, Aronofsky la convierte cia-ficción que se aleja del un sueño, el montador Oren en un cuento sobre la Inquisi- resto de sus trabajos. Aunque

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CON CISNE NEGR OBTUVO SU CANDIDATURA DIRECTOR A LOS ACAD

luchador, una cinta que explora los intentos de redención de una vieja gloria del wrestling.

Un protagonista de excepción, perfecto para recrear el descenso a los infiernos que vive el personaje, un Mickey Rourke que recibió los elogios que nunca obtuvo décadas atrás.

Con un estilo muy cercano al documental biográfico, Aronofsky introduce, cámara en mano y en primeros planos, a la vida de un tipo de homcierta subtrama está desubica- bre muy aplaudido en Estados da y afea el producto final, La Unidos. La resurrección de un fuente de la vida es una más hombre, la pasión de un veque loable experiencia cinema- terano entregado a su profetográfica que guarda los mejo- sión pero no al cuidado de su res elementos técnicos y na- vida. Marisa Tomei y Evan Rachel Wood le dan la réplica a rrativos de su director. un destruido protagonista que En El luchador, Darren Aro- sólo busca su sitio en un munnofsky se enfrentaba a un do que parece haberle dado la doble juicio. Por un lado, espalda. continuar con su estilo arriesgándose a perderlo todo frente Con un brillante plano secuenal público y la crítica tras el de- cia inicial, Darren Aronofsky se sastre de La fuente de la vida sumerge en la mente de Nina o reinventarse a sí mismo y su mientras se escuchan los comnarrativa con una película que pases de la maravillosa obra rompiese con todo lo anterior. de Tchaikovski. Se trata de Es así como se llega hasta un Cisne negro, la película que pseudo-documental como El lo consolidaría tras el batacazo

RO, ARONOFSKY U PRIMERA COMO MEJOR

S PREMIOS DE LA DEMIA

de La fuente de la vida y con el que mantendría el prestigio recobrado tras El luchador.

Natalie Portman, en una inspiradísima interpretación que le valdría el Oscar a la Mejor Actriz, se pone al frente de esta producción que recuerda, entre otros, al Polanski más claustrofóbico. Supone también la vuelta del cineasta al cine más psicológico y terrorífico, donde las imágenes se cruzan unas con otras para dar una sensación de desasosiego constante que se transmite por vía rápida.

Darren Aronofsky, de paso, obtuvo su primera candidatura como Mejor Director a los premios de la Academia culminando así una proyección fulgurante para una carrera particularísima y plagada de un estilo propio e inconfundible.

Este mes de abril llega Noé, una revisión del fragmento bíblico del Génesis que narra cómo Dios decide destruir todo rastro de ser humano descendiente del pecado cometido por Caín y la maldad que éste transmitió durante generaciones. Para ello encarga a Noé la construcción de un arca donde perdurará su familia y una pareja animal de cada especie con el fin de repoblar la Tierra tras el Diluvio Universal. Una aproximación polémica y muy espiritual pero que logra el objetivo máximo en el cine de este aclamado y contradicho director: no dejar indiferente a nadie.||

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miedomedia

¿A QUIÉ TED MO

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ÉN AMA OSBY?

Cómo conoci a vuestra madre, la serie que mejor ha portado el relevo de la mítica Friends, se despide tras nueve temporadas en antena. El pasado 31 de marzo, la sitcom tocaba a su fin en su emisión estadounidense con un especial de una hora de duración que, aunque únicamente se deba al debate entre fanáticos y detractores, se ha labrado un hueco en la historia televisiva. Aviso para navegantes: es imposible escribir sobre esta serie sin caer en spoilers, pero ninguno sobre el final.

POR ALBERTO LÓPEZ

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Desde sus comienzos allá por el año 2005, la serie siempre ha jugado sus cartas muy a la americana, con esa mezcla tan perfeccionada entre la comedia y el drama. Ésa es la que tan buenos resultados reporta de estar bien hecha y sobre la que en España existe una obsesión por encontrar.

La tan relajante falta de presiones del principio hizo que, durante sus primeras cuatro o quizá cinco temporadas, la calidad de los chistes fuese notablemente alta, que los encontronazos, las desavenencias y los malentendidos tuviesen su foco en la realidad a pesar de resultar edulcorados, llamando a la emotividad del espectador por la identificación irrevocable. Con unos o con otros, los creadores supieron sacar de cada personaje todo el jugo posible tirando de unos arquetipos que corren el riesgo de resultar tópicos pero definidos de manera brillante.

Así, se fueron haciendo sitio en el recuerdo de los espectadores cliffhangers empeñados en arrancar la lágrima al más rudo: Ted callando su felicidad para apoyar a un Marshall abandonado con la maravillosa This Modern Love de Bloc Party de fondo; la muerte presente en más de una ocasión; la pelea entre Barney y Ted… Siempre lacrimógeno pero con un chiste fácil preparado para romper la fea tónica en la que

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deviene la situación final siempre de forma inevitable.

El camino transitado durante estos nueve años de emisión siempre ha estado marcado por el temeroso baile en la fina cuerda que divide el chiste ocurrente del sobado e infantil en lo que a humor se refiere; a su vez, ese mismo equilibrio entre la cursilería más fútil y el giro valiente y seductor también ha representado una constante. Si en los primeros episodios el peso de unos guiones harto trabajados consiguieron críticas espléndidas y renovaciones inmediatas, el paso de los años y los arcos de los personajes han llevado al curso de la trama hacia un cansancio notable, con una repetición de esquemas demasiado palpable para intentar disfrazarla.

DOMINAR EL FLASHBACK

Una de las escaramuzas más habituales en la narrativa tiende al salto temporal. Tome la dirección que guste, es una herramienta poderosa del escribiente el hacer que sus personajes rememoren el pasado o salten mediante elipsis a elementos más sabrosos para el autor localizados en el futuro. Muchas más historias de las deseables ven debilitada su trama por el continuo flujo de idas y venidas adelante y atrás en el tiempo como una pulsión de jactancia del autor

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¿Por qué descubrir el único aliciente que le quedaba a la serie en la penúltima temporada?

cuando en realidad no significa otra cosa que falta de habilidad.

cantidad de horas de metraje y no al intelecto de los autores.

Cómo conocí a vuestra madre nació con vocación de viajante del tiempo. La idea general implica un continuo espacio-tiempo cambiante que promete mil vueltas distintas a los años, los meses y los días. Parece estar dominado con maestría de la misma forma que lo hacen los gags. No hay fallos visibles en tanta historia que Ted cuenta a sus niños. Sin embargo, bien merece un repaso completo a la antología de 207 episodios para dar habida cuenta del mal uso que se ha dado al flashback.

MACGUFFIN, COMO TÍTULO

Como ocurre con tantos otros trucos narrativos, el uso abusivo del salto atrás perjudica a la atención del espectador, quien se come con abulia tanto sinsentido temporal porque los chistes esconden lo débil del guionista. Si ni Christopher Nolan supo comprender en su totalidad lo que estaba haciendo en Origen, mucho menos lo han sabido hacer Carter Bays y Craig Thomas en los nueve años que ha durado su serie. Entiéndase que es debido a la

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El ejemplo más clarificador tiene sitio en la última temporada. Cierto, debió haber acabado hace dos años, como todos querían. Correcto, es difícil estirar tanto el talento en beneficio del poderoso caballero, más cuando el interés es ajeno. Y admirable resulta el esfuerzo por hacer de la tanda de cierre una historia que abarque un fin de semana. Pero, sin duda, ha desnudado una a una todas las carencias.

De los 24 capítulos que conforman el bloque, bien dicho estaría que 22 tienen carácter de relleno. Con, una vez más, tremendos saltos temporales que no establecen la cohesión en ningún sitio y más que ayudar, complican una trama que, por otro lado, ya había quedado revelada en la anterior temporada. Lo que implica una pregunta suprema: ¿por qué descubrir el único aliciente que le quedaba a la serie en la penúltima temporada? Lo que se esperaba como sorpresa llegó en una escena más.

El capítulo final ha provocado discusión: contar 20 años en 45 minutos es algo atropellado

Es difícil hablar de la importancia de esta revelación sin estropear las sorpresas que guarda este final. Baste decir que, en una vuelta de tuerca que parece obligada pero que sin duda está pensada, la presentación era necesaria pero no sumamente interesante.

EL CAPÍTULO FINAL

El momento cumbre que define toda la serie. Ha habido discusión y la habrá durante mucho tiempo. Es un capítulo fantástico.

Más allá de lo que algunos quitarían u otros dejarían, ha sido un estupendo homenaje a lo que ha supuesto todo el show. La sitcom pretende emocionar y divertir, la filosofía para True Detective. Y Last Forever es muy divertido, pero sobre todo emocionante hasta la lágrima. Porque así tenía que ser, pero podía no haberlo sido. Quien haya seguido durante tanto tiempo a unos personajes, se emocionará de forma inevitable al perderles, pero no sólo juega con eso. Cursi, seguro, pero sensible también. Las dos palabras que describen la serie. Y a Ted.

Contar 20 años en tres cuartos de hora suena atropellado, pero qué bien manejado está. Hay imprecisión a la hora de establecer ciertos puntos necesarios para la resolución. Sin embargo, están explicados con millones de escenas previas que cincelan a los personajes. Para el espectador prototípico de la serie es obligada la llantina con la declaración de Barney al verdadero amor de su vida, pese a que los detractores puedan supurar bramando la facilidad del momento. Y esos tres minutos bomba. Los que muchos esperaban, los que otros no soportan y los que todos, en realidad, deseaban.

Podrá ser chusco y frágil, pero es el final que la serie merecía.

Algo se muere en el alma televisiva cuando una serie se acaba y deja ese vacío difícil de rellenar. Pero, como todo en la vida, tiene que acabar. Conocer al verdadero amor de Ted Mosby ha supuesto múltiples alegrías, numerosos sollozos y un sinfín de frases para no olvidar. “¿Conoces a Ted?” Si no es así, deberías, porque es legendario.||

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ELL

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JAIRO A LVA R E Z

flickr | facebook | vogue

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ILUSIONES

Con motivo del 25 cumpleaños de Pixar, CaixaForum de Madrid acoge ella, y hasta el 22 de junio, se pueden disfrutar todo tipo de materiales que cuenta con películas tan conocidas como Toy Story o Wall-E.

POR MONTSERRAT DE LA IGLESIA | IMÁGENES FACILITADAS POR CAIXAFORUM

E

la exposición Pixar, 25 años de animación, que acoge CaixaForum de Madrid hasta el 22 de junio.

La exposición

Esta retrospectiva analiza el trabajo de la compañía de animación a través de nueve de los 14 filmes producidos hasta la fecha. La trilogía de Toy Story (1995, 1999 y 2010), Bichos, una aventura en miniatura (2001), Monstruos S.A. (2001), Buscando a Nemo (2003), Los increíbles (2004), Cars y Cars 2 (2006 y 2011), Ratatouille (2007), Wall-E (2008) y Up (2009) se descubren ante el público desde sus esqueletos artísticos.

s el último domingo de mes y la lluvia ha dado una pausa a la ciudad.

El cambio de hora en los relojes y el viento no han desanimado a los visitantes del CaixaForum y una larga cola repleta de niños rodea el museo. Tras una hora de espera, el vigilante de seguridad apostado en la entrada levanta el cordón de seguridad y deja pasar a unas cuantas personas. Dentro, los protagonistas de Monstruos S.A. Sulley y Mike dan la bienvenida desde un photocall para todos los públicos.

Para el director creativo de Pixar Animation Studios, John Lasseter, toda buena historia de animación debe sustentarse en tres pilares: los personajes, la trama y los mundos que se crean para cada una de ellas. Atendiendo a estos tres principios se articula toda

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“El arte pone a prueba la tecnología y la tecnología inspira el arte.” Lasseter podría con esta frase resumir el alma de la muestra. Cada producción Pixar recoge numerosos trabajos plásticos en los que el equipo artístico expone la idea

ANIMADAS

e una muestra precedida por su éxito en el MoMA de Nueva York. En s empleados para construir las historias de esta factoría de animación,

M MADRID

desde diferentes perspectivas hasta dar forma a la historia.

Los estudios del movimiento realizados sobre papel se trasladan al ordenador para dotar de vida y ambientación a cada una de las películas. “Los ordenadores no crean la animación por ordenador, del mismo modo que el lápiz no crea la animación a lápiz. Quien crea la animación por ordenador es el artista”, explica Lasseter.

texturas y sonidos. Las voces de los personajes y la composición de la banda sonora son el broche final del proceso.

Diversión multimedia

Entre dibujos y personajes de resina, se intercalan numerosos vídeos en los que se explica minuciosamente el proceso creativo de cada proyecto. Los storyboards parecen cobrar vida con unos bocetos y caracterizaciones que, en ocasioLa exposición selecciona 402 nes, se alejan del resultado fipiezas en las que se hallan co- nal y permiten ver los múltiples lorscripts, maquetas, vídeos y borradores del proceso. dibujos realizados con diferentes técnicas que abarcan des- Una pequeña sala, escondida de el lápiz al carboncillo, pastel tras un telón negro, deja ver o impresión digital. El proceso una recopilación de los primecreativo puede visualizarse en ros cortometrajes de Pixar que diversos paneles explicativos se han convertido en clásicos y storyboards durante toda dentro de la factoría de anila muestra. En ellos se indi- mación. Se puede apreciar el ca cómo una idea se traslada avance de las composiciones de las palabras a los dibujos y por ordenador que comienzan comienza a tomar cuerpo con con unas superficies matemátiuna ambientación cargada de cas, creadas para André y Wall

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B, y que constituyen un campo de experimentación continuo para películas posteriores.

Otra de las salas ocultas guarda una versión actualizada del Zoótropo, un artefacto que recrea la ilusión de movimiento gracias a sus figuras y la luz adecuada. Varias figuritas de Toy Story están colocadas en un círculo. Cada una de ellas tiene un tamaño diferente. La rueda comienza a girar y, al aplicarse la luz estroboscópica, el ojo humano congela cada una de ellas de forma que la percibe como un fotograma.

Fuera de la amplia sala donde tiene lugar la exposición, el Artscape traslada al visitante a las texturas y el mundo creado para cada historia al que Lasseter da tanta importancia. Dibujos y pequeñas animaciones permiten asomarse a cada uno de los títulos expuestos desde colores y sonidos evocadores.

Diversos talleres familiares, coloquios, proyección de películas y otras actividades paralelas completan esta muestra para todos los públicos donde los sueños tienen tres dimensiones.||

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una mirada atrás

THE WHO SHOP, SÓLO APTO PARA FANS La mítica serie Doctor Who tiene merchandising para regalar en cumpleaños, aniversarios, fiestas navideñas o en cualquier momento. En España, es difícil conseguir estos productos. Sin embargo, en Londres existe un lugar -de tantos- especializado en la serie de televisión.

POR DOC PASTOR | FOTOS POR DOC PASTOR Y MARTA BEREN (ASISTENTE)

L

os seguidores de Doctor Who están acostumbrados a no poder hacerse con mucho material de la misma, al menos en lo que a España se refiere. Es un producto que apenas llega a las tiendas y cuando lo hace suele ser con un precio ciertamente exagerado. Pero esto no es siempre así, no si se acude directamente a la fuente: Inglaterra, claro. Sin embargo, entre las muchas

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opciones que hay allí para hacerse con sus productos, hay una que destaca por encima de las demás: The Who Shop.

El nombre debería dejar muy claro qué es y a qué se dedica esta tienda fundada en 1984.

Ha sobrevivido desde entonces, incluso cuando la serie estuvo en suspensión por años. Esta circunstancia fue en parte lo que provocó que pudieran cambiar a un local

más grande, ya que cuando la cabecera regresó a la vida en 2005 solamente había un sitio en el que los fans podían comprar su material, el mismo en el que llevaban haciéndolo todos estos años.

Aunque ahora han cambiado de ubicación, permanecen en la misma zona, pero desde hace un lustro están en Barking Road (39-41) algo que llama la atención ya que no

es precisamente el centro de Londres. Alexandra, la dueña de la tienda, explica sencillamente el porqué del lugar. Si estuvieran en un lugar más céntrico, además de ser un local mucho más reducido, tendrían unos gastos más elevados. Y, encima, en la city todo está a un tiro de piedra si se utiliza el tube. ¿Por qué importa este sitio? No es sólo por la peculiaridad de que exista una tienda de Doctor Who, sino porque realmente es algo que no se ve a primera vista al entrar.

Cuando la gente pasa la puerta, contempla un Dalek a tamaño real, un buen montón de merchandising que hará las delicias de todo coleccionista, la TARDIS que se usó en la película de 1964... Y en una esquina, una miniatura de ésta. Entre todo lo demás,

casi pasa desapercibida la puerta a la parte más interesante: el acceso al Who Museum. No, no es la Doctor Who Experience, esa está en Cardiff, es el pequeño baúl del tesoro que durante años han ido recopilando Alexandra y su marido Kevan, con materiales originales de la serie que alegrarán a todo buen aficionado. Nada de la época actual.

Entrar significa ver desde el vestuario de Tom Baker a la corona de Rassilon, pasando por la consola de la TARDIS de la obra teatral que hicieron Jon Pertwee y más tarde Colin Baker a finales de los años noventa.

acompaña en la visita cómo consiguieron tal cantidad de material. Pero él también desconoce realmente la respuesta ya que era un tema de la dueña, según contó; aunque si se accede a su página web se verá que ambos (Alexandra y Kevan) son actores que incluso han aparecido en Doctor Who en varias ocasiones -él, algo que ayuda -un poco- a explicarlo.

Pasar por allí, por donde también han estado actores del serial como Sylvester McCoy, Tom Baker, John Barrowman o los fallecidos Elisabeth Sladen y Nicholas Courtney, es sencillamente increíble para Claro que esto no es todo: en los amantes de la serie. Y sólo cada esquina de esa pequeña cuesta unas tres libras, de las sala hay auténticos tesoros. que además parte se destina a A tal punto que es inevitable caridad. A partir de ahora, visiresistir la curiosidad y pre- tar Londres significará visitar a guntar al dependiente f que The Who Shop. Obligado.||

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perfil de frente

FRANC Frances Ha, la nueva película de Noah Baumbach, descubre al mundo del cine un nuevo personaje al que admirar. De nombre homónimo, la protagonista se convierte en un símbolo que los jóvenes sentirán cercano: un lugar común al que acudir.

POR FERNANDO SANTISE

U

no de los grandes méritos del cine es, sin duda alguna, la identificación que siente el espectador con algunas situaciones.

Pero más aún lo es con algunos personajes, simplemente por el mero hecho de la misma condición humana. Y el director Noah Baumbach ha logrado que una generación entera sea plasmada en la gran pantalla gracias al personaje de su película, Frances Ha. La actriz Greta Gerwig, omnipresente protagonista de la cinta, interpreta a una joven que ronda los 27 años de edad. Su nombre es Frances Ha y vive en Nueva York.

Su objetivo es convertirse en bailarina en una compañía de danza. Sin saber muy bien cómo, Frances, una chica a la que se podría catalogar con un millar de adjetivos que evoquen su gran ilusión y su constante ansia de vivir y triunfar, intenta sobrevivir

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mientras busca dedicarse a su verdadera vocación.

Frances Ha y su protagonista se presenta como un lugar común. La atemporalidad que transmite el blanco y negro alleniano y el lugar donde se desarrolla su vida, un Nueva York repleta de oportunidades de todos y para todos, indica una situación que representa al joven que no sabe ni a dónde ir ni cómo conseguirlo.

Sin embargo, todo llega. Frances, fonambulista en un alambre tardío entre la adolescencia y la madurez, demuestra talento y trabajo, hiperactividad y pasión. Sus cualidades y sus defectos, desnudos ante su inevitable transparencia, están destinados a florecer.

Frances, a veces fuera de lugar (como en las charlas con treintañeros), vive cada momento como si fuese único y disfruta de los pequeños gran

des detalles de la vida, un tópico tan obvio como evidente en su día a día neoyorquino. Cree en el dar y recibir y, con su inseparable amiga y compañero de piso Sophie, comparte todas las experiencias posibles.

No quedan fuera de foco, más bien todo lo contrario, las extraordinarias y locas aventuras que Frances hace, como sus viajes fugaces -¿quién viaja de América a París por tan sólo un fin de semana?-, o

CES HA, AQUEL LUGAR COMÚN rana por los nenúfares hasta encontrar su hogar. Lejos de ser un repetido personaje de chica en una película americana, el filme no dedica ni un segundo a las relaciones amorosas de su protagonista, que aparca todo sentimiento de pareja para dedicárselo a ella misma, quien realmente necesita amor y cariño. como s u s innumerables carreras por la ciudad, ya sea en busca de un cajero para cumplir con su amigo o por las ganas de liberación que siente al pasear más rápido que los demás.

Tampoco hay que olvidar sus bailes en Central Park o su camiseta de Ask Me, una declaración de intenciones de su personalidad.

Frances Ha salta por los minutos de la película como una

Este largometraje, más indie que hipster o más hipster que indie, si no es lo mismo, es una suma de elementos que su director ha ido recogiendo en su carrera como espectador de cine. La inevitable comparación con ese toque alleniano va más allá y llega hasta un cine independiente francés que podría asemejarse a las vivencias de Anna Karina con Godard o de la mismísima Amélie, libre y fantasiosa. Asimismo, la reminiscencia con el ritmo y los personajes de la serie de Lena Dunham, Girls, ocurrirá para

los espectadores que hayan visto aunque sea un par de capítulos.

Bien por Baumbach por cuidar cada detalle. Mejor por Gerwig por hacerlo realidad. Su interpretación propicia que su personaje tome más adeptos con el paso del tiempo, factor que no afecta para que los jóvenes de ayer, hoy y mañana, sientan corresponderse con esa joven de cabellos desenfadados. Ya han visto estas cualidades los productores del spin off Cómo conocí a vuestro padre, que se estrenará próximamente en Estados Unidos. De este modo, Gerwig se igualará en importancia al consolidado Josh Radnor.

Frances Ha somos todos.

Ocasionalmente, todos sienten como Frances Ha. Permanentemente, algunos son como Frances Ha. Lo único claro es que ella impone su desordenado y frenético ritmo.||

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cocheras

CANCIONES QUE NO ENAMORAN POR JUAN PABLO MERCHÁN

L

as expectativas son traicioneras y le juegan una mala pasada a Love Letters, el último trabajo de los británicos Metronomy.

La canción homónima y I’m Aquarius son dos joyas no muy bien acompañadas.

Love Letters era uno de los trabajos más esperados del primer trimestre. Los dos adelantos, I’m Aquarius y Love Letters, levantaron una expectativa que la NME, el importante e histórico semanal de música británica y el periodista de la BBC Zane Lowe se encargaron de elevar. También ayuda el personaje, Joseph Mount, y el halo de misterio que siempre rodea a su banda. Ningún problema con ello, salvo que el resto del álbum no mantiene el nivel de las dos canciones mencionadas anteriormente, ni puede mirarle a la cara al mejor trabajo de los británicos: Nights Out (2008).

Love Letters es un buen disco, pero no tan excitante como prometía: quedará fuera de las listas de diciembre

No deja de ser injusto esperar que todo el álbum mantenga el nivel de éstas dos canciones. La pieza homónima tiene un teclado adictivo que junto a la batería forma un beat arrollador que hace rememorar la fiesta del Ni-

ghts Out, o Arcade Fire en The Suburbs. I’m Aquarius es otra cosa. Te transporta a otra dimensión, como Édouard Salier imagina en el videoclip correspondiente. Cada trabajo de Metronomy tiene algo de viaje y en Love Letters el peaje se paga en ésta canción.

Cada trabajo de Metronomy tiene algo de viaje y en éste, el peaje se paga en I’m Aquarius Este cuarto trabajo de la banda de Mount tiene más del The English Riviera que del nombrado Nights Out, lo que se traduce en canciones más paradas y menos divertidas. El grupo se acerca más a las guitarras, lo que no deja de ser un paso más en su viaje de la electrónica más bailable al pop. De hecho, lo de estos instrumentos es lo primero que llama la atención al oyente. Su peso es mayor que en trabajos anteriores, están ahí desde el comienzo de la grabación y se mantienen hasta el final casi con total continuidad, con algún riff con gracia, incluso.

Love Letters, con una duración que supera los 40 minutos, es un buen disco, pero no tan excitante como prometía. Termina por ser un trabajo que probablemente se quede fuera de las listas de diciembre pero que es una agradable ventana para que el que no conozca productos anteriores de la banda o sea desconocedor de la figura de Joseph Mount.||