Revista 90+10 #32 by 90+10

+32 + Lámpara colgante Jackie O de Enzo Catellani para Castellani&Smith. www.catellanismith.com

sumario +mundo creativo 014 diseño, publicaciones, arquitectura, arte, green design, música, gadgets, moda, eventos, marketing, agenda, fragancias, destinos, branding&diseño, vehículos, premium

+especial diseño 052 Milan Design Week 50 años de diseño 054 El fenómeno de la feria 056 Los salones 2011 057 Un spa de estilo 058 Euroluce La luz del futuro 060 SaloneSatellite Vitrina del diseño contemporáneo 064 Fuori Salone En paralelo a los salones 068 Triennale Design Museum Donde el diseño se vuelve arte 069 Via MonteNapoleone Museo a cielo abierto 070 Jungla en el cemento

vehículos

106

Salón del Automóvil de Buenos Aires Los autos que se vienen

Tecnología

110

Geolocalización Cómo conﬂuyen los mapas y la tecnología

gastronomía

112

Unik Experiencia única

vjing

120

Panorámica Imágenes danzantes

+personas creativas arquitectura

078

Cameron Sinclair Arquitectura para el cambio social

diseño

080 084 092 100

David Butler Pensar el diseño en grande Nutcreatives La extraña pareja Cabina Diseño que crea sentidos Monoblock Ilustrar la vida cotidiana

ilustración

088

Jessica Hische Una carcajada de letras y formas

moda

096

Yohji Yamamoto Un poema japonés al mundo

arte

098

D*Face Arte apopcalíptico

+ideas creativas

+ Retrospectiva Karim Rashid

+clásicos contemporáneos diseño

123

Bombay Sapphire by Arad Exclusiva escultura azul

moda

124

Alexander McQueen Esperar lo inesperado

arquitectura

126

César Pelli La práctica del asombro

+portfolio fotográﬁco 131

Elisa Strada

144

+english summary

146

+conexión

moda

104 114

adidas Originals Blue Denim de pies a cabeza Iluminando pirámides

+32 + 12 Days of Christmas, Jessica Hische

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráﬁco Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Producción Dulcinea Sedam dulcinea@90mas10.com.ar @DulcineaSedam

Colaboran en esta edición Aldo Bressi, Arts Moved, Axel Chaulet, Carlos Piedrabuena, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Federico Laboureau, Fernanda Cohen, Germán Andrés, gt_2P, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Lucrecia Bertani, Lyla Peng, Maia Croizet, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Rafael Delceggio, Salomé Vorfas y Ricardo Sametband

Nuestros colaboradores Rafael Delceggio Desde muy chico estudió dibujo y pintura. Su estilo ecléctico y variado, que viene experimentando desde hace más de diez años como fotógrafo profesional, es la perfecta unión de las diversas ramas de la fotografía y el cine. Es docente de la Escuela Nacional Argentina de Fotografía, dicta talleres personalizados y tiene su propio estudio, desde donde trabaja para varias agencias de publicidad y moda, tanto del país y como del extranjero. Sus fotografías cuentan historias con densidad teatral y su exquisito manejo de la luz se ve reﬂejado en las imágenes que se publican en esta edición de 90+10. + www.rafaeldelceggio.com Federico Laboureau Diseñador, director de arte y escaparatista, tiene a su cargo la imagen de marcas como: María Vázquez, Chocolate, Complot, Koxis, Grupo 134, Airbon, Foster y Umbrale. Este último año incursionó en el mundo de la televisión, dirigiendo el arte y contenidos de moda de Project Runway Latinoamérica I. Cuidado integral, estética excesiva, tendencia y vanguardia es lo que buscan quienes lo contratan, destacándose en un medio competitivo, por la gran pasión que siente por lo que hace y el servicio integral que ofrece. La dupla que conforma con Rafael Delceggio es siempre brillante. + @freaklance | www.federicolaboureau.com.ar

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Producción Gráﬁca Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com

Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Cerviño 3814 – 4º Piso “A” (C1425AGU) Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | www.90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas ﬁrmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 364582 | ISSN 1668-6403 Año 7 - Nº32 – Mayo / Junio 2011

+32 + Mistral Lamp by Moooi Works. www.moooi.com Foto: Gonzalo Fargas

editorial Fanática número uno del Triennale Design Museum, me sorprendí mucho cuando al visitar la muestra “La fabbrica dei sogni” -una fantástica exposición que propone un recorrido por las etapas más importantes del diseño de posguerra hasta la actualidad-, descubrimos que esta vez sí se podían sacar fotos a todos los objetos que nos llamaban la atención. Y había más. El numeroso personal de seguridad que custodiaba las piezas ícono del diseño ni se inmutaba cuando, tímidamente, intentábamos acercarnos más de la cuenta a alguna de ellas. ¿Cómo controlar el impulso de querer sentarse en el sillón Up5&6 que Gaetano Pesce creó en 1969 para B&B Italia y que estaba ahí, tan cerca, en un atrayente y furioso color rojo? ¿Cómo evitar rendirse ante la tentación de comprobar la blanda superficie de los bowls multicolores del mismo diseñador para Meritalia? Hasta que llega la tan inesperada y aliviante autorización: ¡se pueden tocar! Y la sonrisa se nos vuelve tan grande que nos inunda el rostro, y nos da la confianza que nos faltaba para, simplemente, probarlo todo. Mirarse en el espejo de bordes ondulantes Ultrafragola de Ettore Sottsass para Poltronova (1970), o abrazar uno de los almohadones en forma de huevo dentro de La Cova de Gianni Ruffi -una gran estructura de poliuretano forrada en pequeños paños de lana gris que simula un acogedor nido (¡qué forma más extraña para descansar!)-. Suspirar ante la lámpara con módulos triangulares plagados de lamparitas transparentes con sus filamentos a la vista del maestro Castiglioni para Flos (Taraxacum 88, 1988), y finalmente rendirse entre los suaves tentáculos del sofá Aster Papposus de los Hermanos Campana para Edra. Felicitaciones una y mil veces a Silvana Annicchiarico (directora de la muestra), a Alberto Alessi (su curador científico) y al catalán Martí Guixé (autor de la gráfica y del recorrido escenográfico que plantea la muestra), por sacar a los objetos de atrás de la vitrina, por volverlos accesibles, amigables, reales. Esa es la sensación que nos dejó la Milan Design Week 2011, una edición en donde la experiencia con los objetos fue clave. Pienso en el stand de Kartell totalmente abierto, con libertad para entrar y salir desde cualquier ángulo y tomar fotos sin restricciones; la instalación de Foscarini en Superstudio Più con sus más hermosas lámparas en acción, a favor de una experiencia visual increíble; Patricia Urquiola, Marcel Wanders, Jean Nouvel, Karim Rashid y tantos otros diseñadores estrella recorriendo los Salones y dialogando con todo aquél que los saludara. Vivir los objetos, tocarlos, sentirlos. Hablar con sus creadores, descubrir cómo fueron pensados, cuál es su materialidad, cómo se construyen, a quiénes están dirigidos, qué pretenden comunicar. Y saber que están ahí para la gente, para que sean descubiertos a través de la experiencia. Una semana en la que el diseño se volvió cercano, como debería ser, como es: una presencia cotidiana en nuestras vidas. +

Marcela Fibbiani Editora

+ Jean Nou

vel

rd y de To 08. Shadow , 20 + Sillón para Moroso e Boontj

+ Patricia Ur quiola

CONEXIÓN DIGITAL Con los links cortos de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y acceder a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

DISEÑO DE TAPA Diseño Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar Lámpara de mesa Ren de Yasutoshi Mifune para Nemo Cassina Lighting Division www.nemo.cassina.it Foto modelo Salomé Vorfas www.vorfas.blogspot.com Producción Lyla Peng Modelo Triinu Soovik Vestuario Remera de satén negro combinado con tul y vivos plateados. Pantalón de raso elastizado (colección Pirámides – Unmo, Verano 2012) www.unmonet.com.ar Accesorios Jederson De Avila Ribeiro Junior www.jedersondeavila.blogspot.com Tocado y peinados Jackie Ludueña Koslovitch www.myﬁngersalive.blogspot.com

014

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

+ Lisa y Milo

Blanco y negro Lisa y Milo son los nombres de las dos últimas creaciones del estudio A3, compuesto por Diego Caballín, Gustavo Marinic y Roberto Beiras del Carril. En ambas, el blanco y el negro actúan como elementos distintivos, y como continuos en una misma forma, gracias a la elegancia de la cerámica y el aluminio repujados y pintados al horno, en estos dos colores. Lisa es una lámpara de colgar elegante, cuya parte superior es en blanco y la inferior en negro, con 15 cm de diámetro y 25 de alto. Esbelta y de líneas trapezoidales, se distingue por un cable que

marca un recorrido ondulante hacia el techo, de punta en blanco. Elegante y soﬁsticada, es ideal para un living o un comedor formal. Milo es igualmente de colgar, sólo que aquí el blanco superior se abre en una forma negra mucho mayor, más abierta y generosa, donde la forma se torna más exuberante, si bien preservando las líneas rectas. En sus 48 cm de diámetro y 55 de alto, la soﬁsticación se mantiene. Aquí el aire teatral es mayor, y estamos frente a una pieza que no pasa desapercibida. Sin duda, dos ejemplos de diseñadores con sello propio. + www.a3web.com.ar

Mobiliario gráfico Los muebles ya no sólo deben tener un diseño original, confortable y sustentable. Hoy, para estar a la tendencia, también es necesario tener algún gesto de diseño gráfico. Así, una destacada trouppe de diseñadores e ilustradores ponen su pulso al servicio de empapelados, alfombras, cortinas y tapizados. La Unimate Art Collection es un ejemplo bien entendido de esta impronta artística. En el mes de julio, artistas gráficos de diversas disciplinas pondrán su arte en piezas como sillas, sillones (individuales y de dos cuerpos), puffs de diferentes formas y almohadones. La madera de lustre seleccionada fue clara, para no competir con los diseños, y los géneros serán diversos. Colección exclusiva y seriada, la ilustración, el diseño gráfico y el cómic estarán disponibles también para un artístico sentar, en el propio hogar. Con esta iniciativa, Unimate refuerza su premisa de dar soluciones vanguardistas e innovadoras a sus clientes. + www.unimate.com.ar

016

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

| Foto: Studio Joris Laarman

+ Sofá modular Kivas para Valdichienti, 2010

Rashid, homenajeado En el marco de la Feria Internacional del Mueble de Milán, el Triennale Design Museum presentó una de las más esperadas muestras: la retrospectiva del genial diseñador Karim Rashid. “Karim Sampler, an edit for the last 15 years” fue el nombre de la exhibición que recorrió su prolíﬁca carrera en el ámbito del diseño industrial. El día de la presentación, de punta en verde y con sus anteojos XXL, el propio Rashid fue el encargado de presentar la muestra y, haciendo gala de su habitual elocuencia, deslumbró a todos los presentes con sus relatos, frases y sentencias. Y a ellos también les confesó su deseo más íntimo: el de mejorar el mundo. “Diseño objetos democráticos, para hacer un mundo más positivo, singular y humano”, dijo. Excéntrico, inteligente y siempre humoroso, recorrió algunas de las obras presentes en esta exhibición con más de cien creaciones, sobre un total de 400 m². Videos, dibujos e instalaciones se sumaron a sus obras curvilíneas y coloridas, entre ellas su papelera Garbo (1996), con más de 2 millones de copias vendidas, y la Oh Chair (1999), hasta pequeños gadgets como biberones y perfumes. Sensuales y personales, sus trabajos despiertan admiración o rechazo, pero jamás indiferencia. Con trabajos en más de 35 países, más de 3 mil diseños en producción y con más de 300 premios en su haber, éste es, sin duda, un artista de nuestro tiempo, y ésta fue, sin duda, una muestra digna de verse. + www.karimrashid.com | www.triennaledesignmuseum.it

+ Relojes Kaj para Alessi, 2006

018

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

diseño

+ Silla doble Catalina de Ana Amitrano

+ Asistente organizador Vaca de Diseñaveral www.diseniaveral.com

Feria PuroDiseño Un clásico de regreso “El color le da vida a los diseños” es el concepto motor de la onceava edición de Feria PuroDiseño. Del 19 al 25 de mayo, de 13 a 22 horas, el predio La Rural será nuevamente sede de este homenaje al diseño latinoamericano. Más de 350 diseñadores estarán reunidos en los más de 12 mil m² de la muestra. Los stands reúnen muestras de indumentaria, accesorios, iluminación, artesanía contemporánea, equipamiento, objetos, joyería contemporánea, diseño gráﬁco, desarrollo textil y diseño gourmet, todos seleccionados por el Comité Curador, este año integrado por el diseñador Benito Fernández, la diseñadora de joyería contemporánea Luz Arias, la artista plástica Mariana Guerrero, el arquitecto Julio Oropel, el joyero Henri Stad (Jean Pierre), Sergio Cantarovicci (Manifesto) y la arquitecta y directora de Remade Argentina, Mónica Cohen. Se suman los espacios renovados de Museo Sustentable, Puro Verde, la Selección, la Plaza Seca, el Paseo de las Artes y Joyeros en Ac-

ción, así como los workshops, rondas de negocios y la participación de diseños exclusivos de las provincias. Como novedad, este año se suma Puro Sabor, una nueva categoría en la que se exhiben alimentos y packagings originales. Los anunciantes de la feria también tendrán sus espacios exclusivos, entre ellos, Fiat, Pony, Agatha Ruiz de la Prada, Valmont, Rever Pass, Beldent, Discovery Channel, Alba, Seguridad Vial y Arba. Y claro, los Premios Premios PuroDiseño, que distinguen a los diseñadores más destacados en cada categoría, así como el Premio Oro al diseñador del año, todos ellos seleccionados por un jurado integrado por Ana Torrejón (Harper’s Bazar), Carolina Balbiani (Para Ti y Para Ti Deco) y Gabriela Horvat (joyería contemporánea). Plataforma de difusión y comercialización, esta es una cita obligada con el diseño en la ciudad. + www.feriapurodiseno.com.ar

TRImarchiDG 10 años El viernes 30 septiembre, desde las 12 del mediodía, la ciudad de Mar del Plata volverá a vibrar con la décima edición de TRImarchiDG, el evento de diseño gráﬁco más grande de la región, que contará con diferentes expositores del extranjero y de la Argentina, una notable feria de diseño, recitales, y el ya famoso festival Audiovisual Buenas Noches TRImarchi. Al igual que en ocasiones anteriores, el TMDG 2011 se celebrará en el Estadio Polideportivo de Mar del Plata (Av. Juan B. Justo 3680). Ya abrió la venta de entradas anticipadas con descuento en la Web. + www.trimarchidg.net

020

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

publicaciones

Antiﬁchus Libro de ﬁguritas Compiladores ANDREA, SOLE Y RAPA CARBALLO Editorial PEQUEÑO EDITOR Formato 21 x 21 cm 252 páginas Español

Un ejercicio de melancolía sin anestesia. Eso es este “antiálbum” de figuritas, con imágenes argentinas de más de 200 años de historia. Bajo la forma de esta suerte de experimento editorial, más de 100 artistas de todo el mundo se animaron a repasar la historia nacional, no en términos rigurosamente históricos, sino más bien en el marco de un lenguaje gráfico. Así, con prólogos de Juan Sasturian y Enrique Longinotti, textos de GAN (editor, ensayista de cultura pop, músico y poeta) y Andrea Carballo (historiadora, docente y editora de fotografía de la editorial Tinta Fresca), este ejemplar recupera material gráfico existente, y le suma figuritas diseñadas especialmente por creadores de América Latina, España, Inglaterra y Francia. Más de 500 imágenes se intercalan en este bestiario contemporáneo de corte pop. “Antifichus demuestra la condición de multigénero del diseño gráfico”, opinó Longinotti. “Este libro necesario ilustra con figuritas coleccionables los juegos que se permite el ingenio crítico en libertad, a la hora de comentar sin pudores ni tapujos los avatares de una historia compartida y dos veces centenarias”, remató Sasturain. + www.pequenoeditor.com

Nuevo Mundo Latin American Street Art Editor MAXIMILLIANO RUIZ Editorial DIE GESTALTEN VERLAG Formato 21 x 26 cm 256 páginas Inglés

Blanco, mucho blanco. Las páginas del libro Nuevo Mundo no pretenden abundar en redundancias. No se exaltan en el color, ni las tipografías derrochan arabescos. Acaso sea, tal vez, que no hace falta. Si hay algo que abunda en este tomo es el color en visos de estridencia que se transforman en figuras humanas, animales, seres indefinibles y también abstractos de lo más elocuentes. Con edición de Maximiliano Ruiz, autor, curador y director de cine, este muestrario recorre los trabajos de algunos de los más destacados artistas del street art. Cada cual con su estética y personalidad, estos creadores se revelan en la búsqueda profunda que sólo tiene un artista, esta vez revelado en un lienzo que, desde el comienzo, es público. Muros, ladrillos, caños y edificaciones de todo tipo son el camino por el cual se recorre este trayecto exploratorio de carácter documental, desde Brasil a la Argentina, de Chile a Colombia y de México a Paraguay, pasando por Perú, Venezuela, Uruguay, Ecuador y hasta Cuba. Una cartografía del arte callejero para no dejar pasar. + www.gestalten.com

Moda Nuevo Diseño Argentino

CARMEN ACEVEDO DÍAZ Editorial OLMO EDICIONES Formato 223 páginas 15 x 21 cm Español

Si hay algo que define y distingue a este reciente lanzamiento es su autora. Carmen Acevedo Díaz, destacada periodista en el mundo de la moda con más de treinta años en la profesión, se coloca en el lugar de interlocutora y lectora de un universo tan personal como el del diseño de indumentaria. Conocedora de las reglas y acuerdos implícitos de este micro cosmos, se transforma en nuestra guía en este minucioso recorrido a través de la moda nacional. Ordenado y sistémico, este tomo recupera los estilos y propuestas más destacadas, que se recorren con fluidez gracias a un lenguaje ágil y un ineludible rigor profesional. Laurencio Adot, Carolina Aubele, Min Agostini, A.Y. Not Dead, Benedit Bis, María Cher, Kostüme y Jazmín Chebar son algunas de las 33 firmas que figuran en este compendio de diseño de autor desde fines de los años 90, todos los cuales han logrado tener una notable carrera, sea en el país o en el exterior. Con prólogo de Susana Saulquin (socióloga de moda y una de las fundadoras de la carrera de Diseño e Indumentaria Textil de la UBA, en 1989), éste es un libro de consulta ineludible, y una invitación a mirar lo que, muchas veces, no vemos. + www.olmoediciones.com

022

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

arquitectura

First Unitarian Society Meeting House El orden natural Visionario y esteta, Frank Lloyd Wright supo ser uno de los pilares de la arquitectura moderna, cuando el hombre se convertía nuevamente en el centro de la escena ﬁlosóﬁca. En este marco, la First Unitarian Society Meeting House, completada en 1951, fue uno de los ejemplos más logrados de construcciones religiosas de su tiempo. En Madison, Wisconsin, este escenario se ha convertido en los últimos años, en uno de los centros más convocantes de los Estados Unidos. Por este motivo, The Kubala Washatko Architects fue convocado para la ampliación de las instalaciones, bajo la premisa de preservar el diseño original de Wright, a la vez que proveer mayor espacio para el desarrollo de las actividades de la comunidad. Culminada en septiembre de 2008, esta obra es un ejemplo de integración con el ambiente. El valor histórico de la construcción se renueva en una geometría

que refuerza su poder icónico, a la vez que promueve el pensamiento sustentable. La belleza se eterniza, asimismo, en gestos que renuevan el contrato social de quienes ingresan al sitio, así como sus aspiraciones espirituales. Los 2260 m² que fueron anexados, se presentan como una prolongación de la arquitectura orgánica de Wright, algo que se observa en una construcción prístina y liviana, con un valor de estructuras intrincadas, donde la madera confabula con el cristal, para dar vida a un conjunto homogéneo y coherente. Más aún, en sintonía con otra de las consignas fundamentales del cliente, el proyecto fue capaz de preservar el más profundo respeto por valores ambientales, al punto que éste ha sido considerado uno de los diez proyectos verdes destacados este año, designados por la American Institute of Architecture. + www.fusmadison.org | www.tkwa.com | www.aia.org

024

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

arte

+ Buscando precios de Benito Laren, 1991. Papel holográﬁco, espejo y acrílico sobre vidrio. Donación del artista, 2007.

Recovering Beauty The 1990´s in Buenos Aires Del 20 de febrero al 22 de mayo de 2011. Blanton Museum of Art. MLK & Congress, Austin, Texas, USA. Durante la década en la que estalló la globalización y el arte contemporáneo consolidó su internacionalización con la bienal como formato predilecto y el poscolonialismo como la carta de invitación al tercer mundo, el arte argentino se desvió por una tangente opuesta a las tendencias globales. Corrían los años noventa, y el artista-curador Jorge Gumier Maier exponía y teorizaba sobre un pequeño grupo de artistas que reunía alrededor de la galería del Centro Cultural Rojas. Hablarían de la preeminencia de la belleza y lo visual, de un arte marginal hecho con elementos cotidianos. Se volverían hegemónicos; sinónimo de arte argentino de los noventa, se los clasiﬁcaría de “light” y criticaría por ser decorativos espejitos de colores durante la era menemista. Lo cierto es que se ubicaron lejos de las instalaciones espectaculares, el neoconceptualismo, el arte relacional o tantas otras opciones de las modas globales. Es por esto que el reconocimiento internacional a los artistas de esta década se mueve a un paso aletargado, a diferencia de otros artistas latinoamericanos. Como no es de extrañar que dicho reconocimiento provenga de instituciones como el Blanton Museum of Art, de Austin, Texas, tal vez hoy en día el museo que posee una de las más inﬂuyentes colecciones de arte contemporáneo de Latinoamérica por fuera de esta región. Una institución que viene investigando y adquiriendo obra argentina desde hace tiempo, con curadores como Úrsula Davila-Villa, a quien se la vio en Buenos

+ A la hora señalada de Benito Laren, 1996. Acrílico y papel holográﬁco sobre un neumático. Colección Gustavo Bruzzone.

Aires en varias oportunidades, sobre todo alrededor de las fechas de arteBA. Es, justamente Davila-Villa, quien organizó “Recovering Beauty: The 1990´s in Buenos Aires”, en dicho museo. Una exposición que, desde su título, peca de hegemonizar el movimiento del Rojas como el arte de una década entera del circuito porteño, pero a su vez, reconoce la pertinencia de este movimiento y lo despliega con varias obras de los distintos artistas involucrados, creando un recorrido bien abarcador. La lista cuenta con: Fabián Burgos, Feliciano Centurión, Beto de Volder, Sebastián Gordín, Jorge Gumier Maier, Miguel Harte, Graciela Hasper, Fabio Kacero, Benito Laren, Alfredo Londaibere, Marcelo Pombo, Cristina Schiavi y Omar Schiliro. + www.blantonmuseum.org

026

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

arte

+ Graciela Sacco. Esperando a los bárbaros, detalle, 1996. Fragmento instalación 23 Bienal de San Pablo, Brasil.

Radical Shift Political and Social Upheaval in Argentinean Art since the 1960´s Del 13 de marzo al 22 de mayo de 2011. Museo Morsbroich de Leverkusen, Alemania. El Museo Morsbroich de Leverkusen, Alemania, exhibe un nuevo acercamiento al arte argentino, con una mirada histórica, que apunta a crear lazos políticos y visuales entre las turbulentas creaciones pre-dictadura –entre ﬁnes de los años sesenta y principios de los setenta-, y obras contemporáneas de las últimas décadas, enmarcadas particularmente en el contexto de la crisis de 2001. Las obras seleccionadas que viajaron a tierras germanas para la exposición “Radical Shift. Political and Social Upheaval in Argentinean Art since the 1960´s”, pertenecen a los siguientes artistas: Oscar Bony (1941–2002), Nicola Costantino (1964), León Ferrari (1920), Gabriela Golder (1971), Norberto Gómez (1941), Víctor Grippo (1936–2002), Alberto Heredia (1924–2000), Guillermo Kuitca (1961), Jorge Macchi (1963), Fabián Marcaccio (1963), Charly Nijensohn (1966), Cristina Piffer (1953), Juan Carlos Romero (1931) y Graciela Sacco (1956). La muestra persigue hacer visible una identidad artística argentina, lo que podría ser problemático si para ello se construye un exo-

tismo generalizador, que sólo apunta a elementos político-sociales de diversas obras en contextos muy particulares, y se omiten búsquedas formales o conceptuales. Pero sin duda, será una buena oportunidad para que un público internacional entre en contacto con un momento fundamental de nuestra historia y arte; las producciones que preceden y suceden a la dictadura, cargadas de gran violencia, sea explícita o difusamente, sean objetos de cubo blanco como los amordazamientos de Heredia o estrategias de difusión en espacios públicos como la construcción de un horno popular para hacer pan de Grippo, medios tradicionales como las pinturas de Kuitca o radicales como la exhibición de una familia obrera real de Bony. Para aquellos que no puedan viajar a Alemania, está disponible un catálogo de 240 páginas aproximadas, con mucha imagen, maniﬁestos, cronologías y textos de historiadores y críticos locales e internacionales, como Claudia Gilman, Andrea Giunta y Heike van den Valentyn. + www.museum-morsbroich.de

028

+ mundo creativo

arte

+ Kid Gacucho & Friends

Fuera de la línea Arte urbano al museo Del 5 de mayo al 28 de junio de 2011. Museo de Arte Contemporáneo Macro, Estanislao López 2250, Rosario, Santa Fe. El arte urbano sigue ganando espacios de exhibición y llega a las instalaciones del Museo Macro, en la ciudad de Rosario. Es que Lucas y Soledad Zambrano son los curadores de Fuera de la línea, de la que participan artistas locales e internacionales, que han traspasado el muro explorando nuevas disciplinas, y que ahora trabajan sobre bastidores, objetos, crean instalaciones y utilizan nuevas tecnologías para expresarse. Algunos de los artistas que participan son: Nerf, Pum Pum, Jaz, Ever, Georgina Ciotti, Poeta, Roma y Naza Stencil; y los colectivos Kid Gaucho & Friends, Federación Stickboxing, Doma y Fase. Desde Brasil, llegaron los artistas Gen Duarte, Zezao, Fefe Talavera y Highraff. “La muestra toma como eje fundamental la idea de `fuera de línea´, jugando con el concepto de trabajar por fuera del campo establecido. Esta expresión artística es expansiva, y siempre busca extender los límites, pintando en las calles, en lugares públicos como recuperación de un espacio social. Pero también, cuando pintan en canvas o piezas que tienen una delimitación física determinada, estos artistas buscan expandir ese límite y trabajan por fuera. En esta muestra, varias piezas fueron intervenidas in situ, continuando la obra en la pared misma del museo”, asegura Soledad Zambrano. + ¿Cuál fue el criterio de convocatoria de artistas? SZ Venimos haciendo una investigación de campo desde hace varios años, siguiendo la obra de cada uno de estos artistas, y viendo cómo van trabajando con nuevos materiales y soportes, es por eso que nos interesó trabajar entrando al taller/estudio de los artistas, es decir, desde la calle al taller. Luego pensamos que otro de los ejes que cruza el arte callejero es la idea del viaje, del artista viajero. Son artistas que buscan trabajar en otros lugares, conectarse con otros

artistas callejeros locales, y salir a pintar. El proceso de selección de los artistas brasileros quiso replicar esta idea de trabajo colectivo, tipo puente, entre artistas de diferentes lugares, así que algunos ya habían pintado juntos en las calles de San Pablo. + ¿Cuáles son los destacados de las distintas secciones de la muestra? SZ En los primeros pisos del museo se hizo una intervención mural, mostrando el diálogo entre artistas argentinos y brasileros, que trabajaron toda la semana previa a la inauguración, para dejar su huella en las paredes. Luego siguen dos pisos de consulta, donde se pueden ver documentales sobre la temática, piezas audiovisuales sobre viajes de los artistas, fotos de archivo con piezas realizadas por ellos en distintos lugares del mundo. En los últimos pisos comienzan los nuevos soportes: una gran instalación de los colectivos Fase y Doma, que trabajaron combinados en una especie de fusión, experimentando en la interacción lumínica; otro colectivo que también está explorando con las instalaciones de gran tamaño son los Kid Gaucho, que han sumado a Federico Felici; y luego están las distintas búsquedas estéticas que están teniendo estos artistas sobre telas. En las escaleras, intervino Federación Stickboxing (colectivo local de Rosario), que terminó cerrando esta idea de intervención total y de diálogo ya que, a manera de un round de box, se organizan de a dos para stickear pegatinas, papeles intervenidos, y pintar por encima. Artistas urbanos apropiándose de un nuevo soporte público, el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario. Una muestra para no perderse, con el apoyo de pinturas Sinteplast, gafas Absurda y marcadores edding. + www.macromuseo.org.ar

030

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro

green design

Fibras patagónicas María Alejandra Gotelli es la creadora de Cúbreme, una firma de diseño y fabricación de indumentaria con fibras naturales y orgánicas. Su origen no es otro que el de la Patagonia argentina, en las raíces de nuestro territorio, bien al sur. Con una estética clásica a la vez que contemporánea, su identidad trasciende las tendencias y se ubica por encima de los colores y texturas de temporada. Lo que impera en esta propuesta son las fibras animales, obtenidas de la esquila de especies domésticas criadas en su hábitat natural, como es el caso de ovinos, camélidos y caprinos, provenientes de la fecunda región andino patagónica y andino cuyana. Las terminaciones son, asimismo, de alta costura, realizadas por sastres que

conocen las cualidades de los tejidos. Finalmente, en los talleres se cuidan las condiciones laborales óptimas, los hilados se lavan con productos biodegradables y las lanas no se tiñen, para que puedan conservar sus cualidades térmicas. Sobre una base de ﬁlosofía responsable, en Cúbreme trabajan con recursos renovables, fomentando el comercio justo, el cuidado del medio ambiente y el trabajo socialmente responsable. Para las estaciones frías, tapados, sacos, camperas y cintos son parte de una propuesta que decanta elegancia y, claro, ecología. + www.cubreme.com www.ecomagination.com

mundo creativo 031 green design

Muebles textiles Diseñada y elaborada por Ilaria Innocenti, la Semana del Diseño de Milán fue el escenario de presentación de Artigiantessile. Se trata de una colección para la casa que tiene la virtud de reunir el trabajo manual con la más delicada creatividad y sensibilidad artísticas. Alfombras, puffs, almohadones y hasta manteles integraron este mismo deseo de vestir el hogar, y de lograr el aporte de una impronta personal, gracias a la magia del textil.

El contrapunto contemporáneo se aﬁanza en el gesto artístico, el diseño aplicado a productos elaborados sobre la base de ﬁbras naturales como lana y algodón. La impronta eco se traduce en marketing, gracias a la posibilidad de presentación en treinta colores. Nacida en 1983, esta diseñadora es especialista en el trabajo de restauración de elementos artesanales, y se ha dedicado a redescubrir el valor del pasado como parte de su lenguaje expresivo. + www.ilariai.com

Tríada eco Fueron tres las creaciones que CVS (Cristian Visentin Studio) presentó en la Semana del Diseño Milán. En sintonía con la propuesta sustentable, su premisa fue “dar nueva vida a objetos (o partes de ellos) que, de otro modo, serían descartados”. En este sentido, como salidas de una leyenda de Baco, Winelamp es una colección de lámparas cuya característica más destacada es que nace a partir de los descartes de botellas de vinos. Cortadas y colocadas boca abajo sobre una superﬁcie de metal, una luz interior genera un clima bucólico, perfecto para ambientes en clave masculina. Por su parte, Pix bien podría estar destinado al segmento femenino, dado que se trata de imitaciones de piedras preciosas bajo la forma de un píxel, algo que no es casualidad si se tiene en cuenta que su punto de partida son paneles de circuitos descartados, recreados en joyas de alta tecnología. Y ﬁnalmente Gipsy, una reinterpretación del cartón para dar vida a un objeto de mobiliario multifuncional, que funciona como una silla, mesa o pequeña escalera, según se desee. + www.cristianvisentinstudio.com

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Texto: Germán Andrés

música

El Choque Urbano Sonido ambiente Baila es el nombre del nuevo espectáculo del grupo El Choque Urbano que combina sonidos, danza y teatro. Desde una búsqueda basada en instrumentos no convencionales, le ponen acción y ritmo a una experiencia estética de juego multidisciplinario. Aquí compartimos una nota con Santiago Ablín, director musical de la agrupación, que nos cuenta sobre la nueva apuesta estrenada en abril, en donde profundizan en el baile con la inclusión del grupo de danza Compañía En Movimiento (C.E.M.). Además, El Choque Urbano, editó el año pasado un disco en forma independiente, que se consigue en sus presentaciones. + ¿Cuál es el concepto musical del nuevo espectáculo? SA El concepto musical de Baila es muy distinto de lo que hemos hecho hasta ahora. Hay canciones, letras, elementos nuevos, momentos sutiles, otros de mucha más acción; ritmos variados. Además, hay escenas percusivas resigniﬁcando objetos, sin usar el “tacherío”. + ¿Cómo trabajan el diseño de las puestas, la composición de un espectáculo? SA Por lo general, se trabaja a partir de una propuesta musical; desde allí se coreografía y se van armando situaciones. A veces, lo

musical se hace en función de una situación disparadora. En este caso, los autores son Manuel Ablín y Analía González en coreografía, además de mi trabajo en la composición y dirección musical. A eso le sumamos un director invitado: Martín Joab, más las asistencias de Sebastián Ablín en música y Héctor Bordoni en dirección general. + ¿Qué diferencia a Baila de sus espectáculos anteriores? SA Una diferencia es que aquí, El Choque se fusiona con una compañía de danza de alto calibre llamada C.E.M., armada por Analía González, la coreógrafa de todos nuestros espectáculos. Esto es una situación que no habíamos alcanzado nunca antes, así que estamos más jugados en lo que resulta. Por ahora, es algo muy bello. + ¿Qué estímulo creés que llega más de El Choque? ¿Tienen en cuenta la interacción con el público? SA El estímulo sonoro debe ser, pero sin los otros, no sería El Choque Urbano. Y si al público le llegan sensaciones profundas, entonces habrá mucha interacción. Tengo fe en eso. Y sí, nos interesa mucho. + www.elchoqueurbano.com

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Texto: Germán Andrés

música na y del rock británico-, Ezquiaga entrega ahora otras excelentes muestras de lo que se puede hacer con el pop en tres minutos y algo más. Melodías difíciles de olvidar a primera oída, letras cercanas y audio cuidado. Hay que decir que junto con algunas baladas más intimistas, este conjunto de canciones sorprende, con perlitas de esas que se imponen dulcemente en la memoria del oyente, para siempre.

Marcelo Ezquiaga: Hombre golpe Hombre golpe (independiente, 2011) es el nuevo disco de Marcelo Ezquiaga -el compositor y productor que se da el gusto de hacer muy buen pop y rock sin guitarras-, que lo consolida como gran creador de canciones. Ya en su primer álbum (Un buen pescador, 2009), el autor se jugó por un sonido sin estridencias, pero lleno de colores y encanto. Con varias inﬂuencias -sobre todo de la música popular argenti-

Segundo de su carrera solista, Hombre golpe fue grabado en formato trío con Fernando Samalea en batería y bandoneón, más Santiago Capriglione en bajo, en los míticos estudios ION (Bs. As.). Incluye diez nuevas canciones compuestas y producidas por Marcelo Ezquiaga con su ﬁna visión del rock, de sonido amigable, y a su vez, no predecible. Brinda su talento como pianista, cantante y tecladista, pero sin exceso de virtuosismo interpretativo, sino que sabe cómo ponerse al servicio de cada tema, en armonía. Todo tiene que ver con todo: Ezquiaga compone desde el piano, y eso se nota mayormente en el entramado armónico de sus temas. Cualquiera de sus composiciones podría ser un hit de radio si se propusieran repetirlas al aire, y no tiene nada que envidiarles a los grandes autores del rock local. Una mención especial amerita el track 3, “El gaucho vive y muere en su ley” (¿el verdadero hombre golpe?), quizás el resumen de toda la obra: estribillo gigante y pegajoso, forma atrapante, riqueza de arreglos, una poética de alto vuelo, más melodía y ritmo encauzados en justa medida. Como si fuera poco, el arte gráﬁco del disco está basado en ilustraciones hechas para el caso por el reconocido artista plástico argentino Alejandro Contreras Moiraghi. + www.myspace.com/marceloezquiagamusica

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Texto: Germán Andrés

música En aquella ciudad norteamericana, se puso de moda la cumbia psicodélica del Perú, pero con varios años de atraso, ya que estos sonidos son de grupos y solistas peruanos grabados y reconocidos desde ﬁnes de los años 60 hasta mediados de 1980. Así es que, en simultáneo con el boom de la surf music y post Beatles, aquí cerca hacían una música basada en la rítmica caribeña, pero con sonido e instrumentación un tanto rockero. Tocaban cumbias, guarachas, aires de rumba y una suerte de vals acelerado; todo muy percusivo y bien cadencioso. Las bandas de entonces, y que recopila muy bien este álbum, incluían teclados (toda una novedad con sus sonidos “psicodélicos”), y guitarras eléctricas tocadas con la impronta de rock estadounidense playero. Pero la base rítmica es claramente inﬂuenciada por la cumbia del Caribe. Algo llamativo es que no se oyen ritmos de origen afroperuano, como sí, hay temas instrumentales más pop.

The Roots of Chicha. Volumen 2 Ahora que sale en Argentina el segundo compilado de lo que han dado en llamar “Psychedelic cumbias from Perú”, es bueno hacer un repaso hacia atrás, ya que todo viene del pasado. De un sabroso pasado sonoro ignorado por la mayoría, llega aquí The Roots of Chicha con su Volumen 2. La “chicha” es una bebida alcohólica típica de Perú, heredada de los Incas. Y la palabra es, además, desde hace unos cuatro o cinco años, referencia sonora entre los amantes de las músicas bailables latinas en Nueva York. Obvio, si hay un Volumen 2, es porque hubo algo antes, que con el mismo nombre salió en 2007.

Seguramente saben algo de Los Wawancó (muy famosos aquí hasta hace unos quince años), alineados con estas propuestas innovadoras al mismo tiempo en Argentina. Ese grupo de estudiantes venezolanos, colombianos y un argentino, formaron escuela para lo que es hoy casi toda la movida tropical y la cumbia santafesina. A su vez, los grupos peruanos hicieron lo suyo. De ese movimiento, quien más impacto logró fue Los Mirlos (no presentes en este disco, que bucea más en esa amplia tradición). Sí encontramos, por ejemplo, la grabación original de la popularísima canción “Colegiala”, y otras gratas sorpresas de sonoridad alegre y temática costumbrista, en 18 tracks rescatados. Sólo agregamos que uno de los principales motores de toda esta revalorización de aquellos artistas y su trabajo, es el francés Olivier Conan, quien además de investigar y viajar por Perú para crear estos discos compilados, armó en USA la banda Chicha Libre, que homenajea en la actualidad a esta música que bien vale redescubrir. + www.barbesrecord.com

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Texto: Batti

los ojos se alimentan Battista propone una mirada del diseño a través de los ojos de distintos diseñadores, quienes vuelcan en esta sección su opinión sobre proyectos que consideren de relevancia e inﬂuencia en sus trabajos y visiones profesionales. En esta oportunidad, expone nuevamente Batti, responsable del área de diseño de amoblamientos Battista.

+ Tokujin Yoshioka. Rainbow Church, Exhibición, Corea 2006-2010

Mirando hacia el Este La consigna más desafiante de un diseñador debería ser responder el por qué de traer un nuevo producto al mundo, tomar consciencia de lo que significa “crear”, ser coherente con esa acción y no destruir en el camino. Afortunadamente, hoy la sustentabilidad está de moda, y nos empezamos a cuestionar los métodos productivos y los fines de los productos. Es por eso que me propuse buscar referentes de tal coherencia para volcar en esta columna, y no hay más contundencia que la que se puede apreciar en Japón, un país que venera el nacimiento del sol como una de las grandezas de la vida. Y desde ese punto de partida es que es concebido su modo de vivir y, como consecuencia, los elementos que los rodean. El pensamiento japonés es distinto a lo que conocemos los occidentales; es otra concepción. Pero en la búsqueda de ese entendimiento, encuentro que allí definen al mundo de los objetos por fuera de la palabra “diseño”. Su definición es “Katachi”, y expresa la consumación del carácter personal de la forma. “Ka” es el estado espiritual antes de la acción; “kata” es la acción. Así se llega a la materialización. Es más que un estilo único de diseño, es una filosofía de la creación. Muchos de los productos clásicos japoneses surgen dentro de ese contexto filosófico, por lo cual resultan en piezas obtenidas a partir de materiales nobles, duraderos, aprovechando sus virtudes de transformación, optimizando el consumo, respetando la vida y la naturale-

za. Y después de todo eso, un exquisito y refinado diseño que protege al objeto de su esencia. Un proverbio Zen reza: “Cuando dejamos de remover el agua de un estanque, podemos al fin ver el fondo”. A través de los años, Japón mantiene esa filosofía, al menos en algunos referentes como Nendo (gran parte de su colección busca sorprender con la mínima expresión), Tokujin Yoshioka (vanguardista, sus productos y ambientaciones se relacionan de modo sensorial con las personas, aspecto que se observa en elementos que integran los tradicionales jardines Zen y espacios de meditación), Ken Niizeki y Tadao Ando (minimalistas, así como la arquitectura clásica japonesa, utilizan la luz y la pureza de los espacios como herramienta para diseñar). En 2010, tuve la suerte de estar presente en la muestra “Katachi” que, a modo de homenaje, el Museo de Bauhaus en Berlín, Alemania, llevó a cabo en sus instalaciones. Allí había una compilación de objetos clásicos japoneses, desde menajes hasta indumentaria, de una gran liviandad visual, soberbias terminaciones artesanales y funcionalidad justa. No es casualidad que estos objetos encajaran de antemano en el manifiesto que se dictara en la Bauhaus, el cual partía de las premisas de cuestionar el acto de diseñar. Volviendo a la pregunta inicial después de este análisis, resulta difícil encontrar la respuesta. Todo lo que nos rodea está diseñado, todo tiene un por qué, lo importante es la esencia de ese por qué. + www.nendo.jp | www.tokujin.com www.niizekistudio.com | www.andotadao.org

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fragancias

Miss Dior Chérie Una nueva interpretación de la fragancia mítica Miss Dior Original, creada en 1947 por el propio Christian Dior, en la época de la revolución del New Look. “Un chipre que se devela por etapas. Un recorrido que comienza con el encanto picante de un preludio hespéride, fresco y afrutado que se expande en notas ﬂorales, se ennoblece a continuación con la elegancia del pachulí para ofrecer, al ﬁnal, una conclusión almizclada, rastro último de su recuerdo”, asegura el perfumista François Demachy. + www.miss-dior.com

John Richmond for men Nuevo aroma del diseñador británico que llega a la Argentina. Una fragancia fougère, cítrica y amaderada, encerrada en un frasco elegante, que combina de forma armoniosa efectos satinados con intrigantes transparencias. Del tapón plateado cuelga una púa de guitarra grabada con la frase “It’s only Rock ‘n’ Roll”, evocando la última colección del creador, a la vez que transmite su pasión por el arte y la música. + www.johnrichmond.com

Boss Orange Man Una combinación de manzana, incienso, vainilla y el aroma masculino de la madera de bubinga componen la primera fragancia masculina insignia de la línea Boss Orange, dirigida a un hombre de encanto despreocupado, cuyo gran entusiasmo contagia a las personas que le rodean. El actor Orlando Bloom representa a la perfección la seguridad y el espíritu libre del hombre Boss Orange Man en la campaña publicitaria. + www.hugoboss.com

Dance with Givenchy Una fragancia que presume los aromas de jazmín e ilang, para una mujer libre y relajada, que baila su vida. En la nota de salida, la manzana y la mandarina impulsan una energía revitalizante equilibrada con el azahar, fuente de armonía. En las notas de fondo, los amaderados y los almizcles se suavizan con la vainilla. El frasco juega con la luz con total transparencia y sus múltiples facetas crean alegres reﬂejos. + www.givenchy.com

Féraud Nuit Des Sens for men Cuarta fragancia masculina del diseñador y artista Louis Féraud quien, desde su primera colección en 1955, se distinguió por sus propuestas en telas de exclusivos estampados abstractos, en tonalidades fuertes, inspirados en el Mediterráneo de sus orígenes y su amor por la cultura española y las artes. Una fragancia arbolada, picante y almizclada, cuyo envase se inspira en el art déco, con líneas soﬁsticadas y elegantes. + www.feraud.com

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Texto: Carolina Prioglio. Foto: Adrien de Bontin

destinos

Zúrich Con luz propia Zúrich no será la capital de Suiza, pero es la quintaesencia de su vida social, cultural, política y económica. Todas las ciudades son conocidas por alguna razón. Algo que las hace famosas, que las vuelve únicas, que las distingue no sólo entre sus habitantessino, además, ante la mirada del mundo entero. En el caso de Zúrich la ciudad más importante de Suiza, se pueden mencionar varias características: por un lado, es conocida por su sistema bancario (que la convierte en un paraíso fiscal) y, al mismo tiempo, por ser la ciudad en donde no se suele llegar tarde a ningún lado (si, por ejemplo, se llega quince minutos tarde a una reunión, usualmente ésta queda automáticamente cancelada), y donde todo funciona en tiempo y forma. Aunque Zúrich también tiene fama de ser la capital de los chocolates (o por lo menos, se disputa ese puesto con Bruselas). Sin embargo, todo esto se queda en el cliché que rodea a una de las ciudades con mejor calidad de vida a nivel mundial. Hay un encanto escondido en sus calles, que sólo puede conocerse al recorrerlas y, para poder aprovecharlo, lo ideal es ir con una cierta noción de su espacio. Zúrich es la capital del Cantón de Zúrich, que se encuentra en el centro-norte de Suiza, en Europa Central. Está dividida en dos por el río Limmat, que desemboca hacia el sur en el lago de Zúrich. A la altura del río, se encuentra el centro de la ciudad: al este está el casco antiguo y una zona residencial y académica, y al oeste el núcleo financiero, que acaparan gran parte de sus atracciones en una superficie bastante pequeña y caminable en algunas horas. O también disfrutable a bordo del tranvía -cabe destacar que el transporte público en Zúrich tiene la reputación de ser uno de los mejores del mundo.

De cualquiera de las dos maneras, resulta imposible no visitar el parque Lindenhof en la parte más tradicional de la ciudad, que ofrece una de las mejores vistas del Limmat. También el Landesmuseum, el museo nacional de historia y cultural, yendo hacia el norte, es un clásico. Otros dos museos interesantes son el Gestaltung, especializado en diseño, y el Kunsthaus, sobre arte moderno. Si todavía queda algo de tiempo y ganas de caminar, las dos calles más importantes de la ciudad son Niederdorferstrasse, una peatonal llena de tiendas y bares típicos, y Bahnhofstrasse, donde los que tengan algo de dinero pueden invertirlo en un buen reloj suizo y en una prenda diseñada por Prada, Chanel o Gucci. Si bien hay mucha gente que en verano elige la orilla del río -en el Oberer Letten- para relajarse, tomar sol y hasta zambullirse en el agua, la mayoría opta por las costas del lago cuando quiere distenderse con amigos o cuando quiere ver una película al aire libre con el lago detrás, como ofrece Orange Cinema. La razón es sencilla: ésta es la zona con las mejores vistas de Zúrich. Por eso, también, es la más cara para vivir. No es un dato menor que la ciudad se ubica próxima a los Alpes. Por eso, las residencias con vista a las montañas pueden, asimismo, llegar a ostentar valores exorbitantes. Pero mientras solamente se está de visita, lo único por lo que hay que preocuparse es por encontrar un hotel con una buena ubicación y una linda vista. Y con estas características, hay tres que rankean como los mejores: el hotel Dolder, sobre las sierras en las afueras de la ciudad; el hotel Widder, situado en la parte antigua en el centro; y el hotel Baur Au Lac, muy cerca del lago. + www.zuerich.com

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+ mundo creativo

El Colegio

Stand Up en el Medio

Una comedia de momentos, ﬁnales, ﬁestas. En el presente, cinco ex compañeros del secundario se reencuentran para revelar los secretos del ayer. En el pasado, cinco compañeros celebrarán su juventud, su graduación, su revolución, guardando sus más profundos temores en una caja. En el futuro, sólo queda “el colegio”. Quinta obra de la dupla creativa que integran Cristian Scotton y Pedro Antony. +

Cinco trabajadores de los medios se suben al escenario: un guionista + una productora + un locutor + un periodista deportivo + un creativo publicitario. Cinco personas acostumbradas a hablar para muchos, se suben a divertir a unos cuantos. Con: Pablo Mir, Sofía Calamita, Diego Fernández, Martín Reich y Rodo Sosa. Idea original de Pablo Fábregas. Presenta: Arnet. +

Viernes a las 21 hs. Entrada general $40 / Estudiantes y jubilados $30 Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA

Jueves a las 22.15 hs. Entrada general $40 Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131, CABA

Sutottos, lo más mejor ¡Sutottos está de festejo! Con motivo de su quinto cumpleaños, repasa los números más destacados de su historia. Un festejo junto al público, que podrá ver desde los inicios hasta las últimas producciones, con la alegría de estos cinco años del singular y delirante humor de Sutottos. Actuación, dirección y dramaturgia de Andrés Caminos y Gadiel Sztryk. + Viernes a las 23 hs. Entrada general $40 / Estudiantes y jubilados $30 www.sutottos.blogspot.com Ciudad Cultural Konex – Sarmiento 3131, CABA

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+ mundo creativo

moda

Lúdica y onírica La nueva colección de indumentaria, calzados y accesorios de Huija para este invierno 2011 se inspira en los sueños que movilizan a viajar, mudarnos o cambiar de vida por completo. Los colores son aquellos que se pueden encontrar en un bosque encantado: marrones, grises, azules; todos en tonos secos. Los acentos de color se toman prestados de los animales, a través de dibujos, estampas y plumas de aves de corral. + www.huijaonline.com.ar

Exclusivamente Converse Converse y Kosiuko se unieron para lanzar una línea exclusiva de zapatillas que sólo pueden conseguirse en los locales de Kosiuko en los shoppings más importantes del país. Se trata de ediciones limitadas de las líneas Slim y Jack Purcell en plateado, dorado y cuero, que reﬂejan la identidad y originalidad de Converse y el estilo actual de Kosiuko. + www.converse.com.ar | www.kosiuko.com Mujeres reales La diseñadora Luz Príncipe presenta la colección Reales, inspirada en la belleza femenina, el color y la variedad, la armonía y la aceptación personal. Está destinada a aquellas mujeres que buscan formas que complementen y exterioricen su identidad; todas diferentes, cada una con su estilo, pero todas “reales”. Los materiales que deﬁnen esta temporada son los cueros brillantes y semi mates, gamuzas, transfers, pelo grabado, terciopelos, brocados y apliques de gasa, tul y piedras, con una paleta de colores que abarca el negro, blanco, cobre, oro, plata, violeta, verde, azul y rojo, en su amplia gama de tonalidades posibles. Siguiendo la tradición de la marca, zapatos de edición limitada en cuanto a los diseños y combinaciones. Cada semana se cortan y combinan nuevos modelos que se exponen en el showroom. + www.luzprincipe.com.ar

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+ 047 moda

Buenos Aires Runway Nuevo espacio para la moda argentina Buenos Aires Runway es un evento de desfiles que se suma en el calendario de la moda nacional. Los proyectos que impulsan a la moda argentina son siempre bien recibidos. Por eso, cuando se supo que el Centro Metropolitano de Diseño y la productora internacional IMG estaban organizando una jornada de desfiles, se generó mucha expectativa. El evento se llevó a cabo el martes 22 de marzo en el predio del CMD. La jornada comenzó temprano, alrededor de las 15:00 hs. con diseño emergente y culminó cerca de las 21:30 hs. de la mano del diseñadores consagrados. 15:30 hs. Daniela Sartori tuvo responsabilidad por partida doble: la diseñadora, egresada de la Universidad de Buenos Aires, inauguró la grilla y personificó al diseño emergente en la primera edición del evento. Lo hizo con una colección que combinó prendas de sastrería de corte poco convencional y otras urbanas llenas de detalles, y que por momentos hizo caso omiso a las diferencias entre los géneros femenino-masculino, en una paleta de colores neutros. Buen augurio para ella. 15:45 hs. Min Agostini sacó a relucir en pasarela una propuesta muy personal. Fueron vestidos, suéteres, tapados, y faldas de seda, terciopelo y lana, que tuvieron como foco principal una construcción geométrica y los costados con pliegues que aparentaban enormes bolsillos por donde las modelos podían esconder sus brazos. La paleta con combinaciones de colores inusuales, pero sofisticadas (basada en la gama de grises y verdes con detalles más coloridos) y las acotadas estampas de reminiscencia oriental, terminaron por volver única la colección. 16:30 hs. Marcelo Senra, fiel al estilo étnico que lo caracteriza, presentó nuevamente una selección de piezas entre urbanas y sastreras, muy fáciles de llevar, inspiradas en el norte argentino, Perú y Bolivia, que incorporan sus motivos y colores tradicionales (verde, amarillo, fucsia y rojo, suavizados con tierras y grises). 18:00 hs. Martin Churba también participo de la jornada. Aportó un corto dirigido por Juan Poclava y protagonizado por la bailarina de tap y performer Romina D’ Angelo, en el que volvió a mostrar su propuesta ‘Retrotramando’ para este invierno (en febrero participó de BAFWeek), realizada con piezas recicladas de otras temporadas. La idea de exhibir colecciones en este formato se consolida en la moda nacional e internacional. 18:30 hs. Mariana Dappiano se inspiró en los garabatos de su hija de dos años para generar las estampas que plasmó sobre su nueva colección -y que marcan el sello de su marca. Los tejidos de punto y las siluetas holgadas coloreadas en tonalidades de marrón, bordó y azul petróleo, también clásicos de Dappiano, le dieron vida a una selección de prendas casual súper combinables. 19: 30 hs. Fabián Zitta diseña con la mirada puesta en el pasado y en el presente al mismo tiempo. Retoma estilos de otra época y los interpreta para la mujer actual. Eso fue lo que demostró en la pasarela del Buenos Aires Runway. Para este invierno, revisó la arquitectura Art Decó e incorporó sus premisas fundamentales en vestidos largos y cortos, faldas y corsés, trabajando los géneros en tonos negro, natural

+ Min Agostini

y champagne con plisados, tableados y otros detalles. 20:15 hs. Laura Valenzuela le aportó a la jornada un poco de teatralidad. En medio de un ambiente romántico y de época, las modelos desfilaron su nueva colección dominada por vestidos (algunos vaporosos y otros como de lencería), abrigos, blusas, faldas y pantalones delicados y lujosos al mismo tiempo, en tonos sepia. Parecían pensados para la nobleza del pasado. 21:15 hs. Mariano Toledo fue el encargado de cerrar el evento y, a diferencia de otras ocasiones, lo hizo con un desfile minimalista, donde el protagonismo total lo tuvo la ropa. Vestidos y remerones negros con estampas de animales o geométricas (líneas coloradas o azules que los recorrían formando figuras). También se vieron chaquetas, pantalones cigarette y camisas con corbata que completaron el look de una colección pensada para más para el uso diario que simplemente para la pasarela. + www.buenosairesrunway.com

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+ mundo creativo

Foto: Axel Chaulet

branding y diseño Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Yanina Previgliano (Molinos Río de la Plata) por Diego Giaccone (*) Yanina Previgliano es licenciada en Economía Empresarial por la Universidad Di Tella, y actualmente es la Gerente de Marca de Exquisita (Molinos Río de la Plata) desde hace menos de un año. Durante los ocho que lleva en Molinos, manejó las marcas de congelados Patitas y Granja del Sol, ambas con desafíos muy exitosos. Con Patitas, lideró un proceso de relanzamiento de marca, en el cual se renovaron los personajes, los packs y los comerciales. Respetando la esencia de la marca, se les habló a las madres y a los chicos para que se diviertan, no sólo con promociones o juguetes. También se tuvo en cuenta que el packaging fuera divertido. El rebranding de Granja del Sol fue un estratégico y creativo desarrollo, en el cual se rediseñó el portfolio completo, la identidad de la

marca y, entre sus lanzamientos, se llevó a cabo el de Sabores al Wok, un éxito en innovación, tanto desde el producto como desde el diseño. Según Yanina, “mantiene la esencia de la marca y es rupturista a la vez. Tranquilamente, podría haber sido un pack verde (por los vegetales), pero nos jugamos por el negro, un color que recorta muy bien en el freezer. El pack transmite la esencia del producto, y fue clave para el impacto en góndola”. Yanina cree en el trabajo en equipo y en el intercambio de ideas con los estudios o agencias creativas. Le gustan las reuniones de trabajo más que las reuniones de devoluciones. “Muero porque me inviten a las reuniones creativas. Si no hubiese trabajado en marketing, hubiera hecho creatividad”, admite. Cuando le preguntamos cómo elige un estudio o agencia, como primera instancia se apoya en la experiencia en el mercado de dicha agencia. Le interesa que le cuenten los éxitos, pero también los fracasos y los proyectos difíciles que tuvieron que enfrentar, para ver la manera creativa en que los resolvieron. Y se queja cuando una agencia trae buenos diseños, pero que no tienen nada que ver con la marca, con su historia. “Una agencia que no cocinó el producto, que no vivenció la marca, es una complicación”. La palabra “innovación” aparece en toda la entrevista con mucha importancia. “Hay que estar al tanto del mundo, sin perder la innovación y creatividad propia”, sostiene. Y habla del concepto “latencia”, aquellas ideas o puntas que están latentes en los consumidores, en el mercado, pero que todavía no se han explotado. “Está bueno pensar en ser generador de una tendencia, y no un simple seguidor. Me gusta desestructurar y que me desestructuren”. ¿Pero cómo hacer para que la gran empresa y toda su estructura no atenten contra la creatividad y la innovación? Ella trata todo el tiempo de tener espacios para salirse de lo rutinario, y animarse a probar cosas distintas. “Me gusta sacar al equipo a trabajar en otros lugares, cocinar, probar cosas nuevas, experimentar el producto bien de cerca”. Al manejar una marca tan tradicional y exitosa, a veces es muy difícil innovar o da miedo cambiar, pero ella está convencida de que hay que dejar libre a la imaginación, que la gente sienta que la marca está viva y en movimiento. “Siempre es más fácil inventar cosas nuevas que reinventarse”, ése es el gran desafío para un gerente de una marca tan tradicional como Exquisita. “Si lográs un buen diferencial y reinventás la base, eso se traslada al negocio. Cuando un producto vale más en la cabeza del consumidor, vale más para la compañía”, deﬁne. + www.molinos.com.ar

MUNDO YANINA Un auto. Nuevo Ford Fiesta Kinectic Design Un barrio. Belgrano Una marca de ropa. Karma Un perfume. Acqua Di Gio Un lugar de vacaciones. Playa (Punta del Diablo, Uruguay) Una marca. Apple Un libro. Madre Teresa de Calcuta: Mensajes de vida Una banda. Café del Mar Un diseño de tu empresa. Sabores al Wok de Granja del Sol

(*) Diego Giaccone es diseñador gráﬁco, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

mundo creativo 049 eventos

Kostüme en Palermo Soho. La dupla de diseñadores Emiliano Blanco y Camila Milessi inauguró nueva tienda en el corazón de Palermo Viejo (donde habían comenzado, hace ya diez años atrás). Con un contraste de blanco y madera, el nuevo espacio de Gurruchaga 1585 (casi Honduras) fue diseñado por IK, y sigue la línea estética minimalista de su boutique en la calle República de la India 3139, y hoy luce los diseños de la colección #21 de la marca, que continúa con la inspiración geométrica que los identiﬁca. Estuvieron presentes en la inauguración, las diseñadoras Nadine Zlotogora y Mariana Dappiano, Susana Saulquin y Kika Tarelli, entre otros invitados. + www.kostumeweb.net

La fiesta de los atletas de la noche. Con una fiesta exclusiva en Visionnaire, Puma presentó en el país el concepto Puma Social, que refleja un nuevo estilo de vida alrededor del atleta social y nocturno, junto a más de mil fanáticos que disfrutaron de una noche a pleno ping pong, dardos, metegol y pool, entre otras actividades. La modelo y DJ Mecha Iñigo, la modelo Bernardita Barreiro y la actriz Bárbara Lombardo fueron algunas de las personalidades que no quisieron perderse la movida, participando de los diversos juegos. + www.puma.com/social

Original travesía femenina. Ford presentó en el mercado argentino el nuevo Ford Fiesta Kinetic Design sedán en una original travesía que unió Buenos Aires con la ciudad uruguaya de Carmelo. Más de una docena de los nuevos Ford Fiesta Kinetic Design 4 y 5 puertas conducidos por periodistas femeninas partieron desde Pacheco hasta el Uruguay. 40 mujeres llegaron al Four Season de Carmelo para disfrutar de dos días de puro relax y Kinetic Design. La 1. Marcelo Ortega de Unmo 2. Kinetic Vero Ivaldi 3. Cecilia Gadea Nadine Zlotogora 5. Mariano 7. Federico Platener CohenAmbos 7. Camila Milessisey versión sedán del Ford Fiesta Design completa la 4. propuesta de la marca, junto a Toledo la versión 5 puertas lanzaday aFernanda ﬁnes de 2010. modelos Emiliano Kostüme. destacan Blanco por los de niveles de diseño, seguridad y tecnología que incorporan. + www.ford.com.ar

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+ mundo creativo

eventos

1 a 3. El Camarín presentó su nueva colección con un mega desﬁle en la galería de Arte Maman. Entre los invitados, Florencia Raggi, Juliana Awada, Yanina Solnicki, Julieta Díaz y Marcela Klosterboer. www.elcamarin.com

4 a 6. El restaurante de comida peruana Sipan abrió un nuevo local en Palermo y lo festejó con una comida entre amigos y clientes, entre ellos, Humberto Tortonese y Wally Diamante y Concepción Cochrane Blaquier, Alejandro Sticotti, Luna Paiva y Jessica Trosman. www.sipan.com.ar

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7. Jackie Smith inauguró un nuevo local en Alto Palermo y Liz Solari pasó a conocerlo y se tentó con unos mocasines de la nueva colección. www.jackiesmith.com.ar 8. María del Cerro pasó a elegir sus nuevos outﬁts para este invierno en Delaostia. www.delaostia.net 9 y 10. Allô Martínez presentó su nueva colección invierno 2011 con un desﬁle en Paseo Alcorta, al que asistieron Leo Balcarce y Leticia Bredice para saludar a la diseñadora María Allo. www.allomartinez.com +

mundo creativo

+ 051 agenda

+MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS

+CONCURSOS/CONVOCATORIAS

19 al 23/05 ARTEBA 2011 Edición 20 de la feria de arte contemporáneo La Rural, Sarmiento 2704, CABA

CONCURSO INNOVAR 2011 Hasta 31/05 Inscripción online 7º edición del Concurso Nacional de Innovaciones, una plataforma de lanzamiento de productos y/o procesos que se destacan por su diseño, tecnología u originalidad

www.arteba.org

www.innovar.gob.ar

+ El Apocalipsis de San Juan, Mario Scorzeli, 2010. Tinta sobre papel, 70 x 100 x 3 cm. Galería Rayo Láser

19 al 25/05 FERIA PURODISEÑO 2011 Onceava edición de la feria que promueve las últimas tendencias en diseño. El eje conceptual de la feria será “colores” La Rural, Pabellón Amarillo, Sarmiento 2704, CABA

www.feriapurodiseno.com.ar 18 al 21/08 CAFIRA INNOVA X Exposición internacional de fabricantes e importadores de regalos y aﬁnes Centro Costa Salguero, Pabellones 1 al 4 y auditorio Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA

www.caﬁra.com +CONGRESOS/ENCUENTROS/SEMINARIOS 10 al 12/06 PIXALATIONS 6º Festival Internacional de Diseño Ciudad Universitaria, Pabellón Argentina, Córdoba

CONCURSO DE DISEÑO DE PACKAGING FRIZZÉ Hasta 9/06 El vino espumante Frizeé invita a estudiantes y jóvenes profesionales del diseño, arte y publicidad, a crear una edición limitada del packaging de los seis sabores de su línea Frizzé New Touch Summer Edition 2011: durazno, frutilla, melón, ananá, frutos del bosque y citrus. El jurado compuesto por Daniel Wolcowicz (titular de cátedra de diseño gráﬁco FADU/UBA), Javier Abiam (director Revista Crann), Gonzalo Fargas (director 90+10), Charly Moreno (diseñador encargado de la edición 2010), Ma. Cecilia Sanguinetti (jefa de marca de Frizzé) y Alejandro Perrot (gerente de marketing de Frizzé) elegirá 6 diseños ganadores -uno por cada sabor-, cada uno de los cuales recibirá $5000 y la posibilidad de ver su creación plasmada en las botellas Frizzé, además de la exhibición en puntos de venta

www.concursofrizze.com.ar CONCURSO CREATIVIDAD ÉTICA: DISEÑANDO PARA EMERGENCIAS Hasta 18/06 Concurso destinado a concientizar a la sociedad sobre el valor del diseño como herramienta para la atención de las necesidades humanas, sensiblemente acentuadas en la emergencia. Se premiarán propuestas originales de diseño de objetos cuyas características físicas, materiales y funcionales ayuden de forma sustentable a prevenir, disminuir o erradicar las consecuencias negativas de las situaciones de emergencia sobre las personas damniﬁcadas, o bien mejorar sus condiciones de atención y asistencia. Dirigido a estudiantes o profesionales del diseño, la salud o la emergencia, o disciplinas aﬁnes

www.creatividadetica.org

Más de 350 actividades de capacitación gratuita (talleres, laboratorios, conferencias, mesas redondas), dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación de toda América Latina

2011 ADOBE DESIGN ACHIEVEMENT AWARDS Hasta 24/06/11 Se podrán enviar hasta dos propuestas por persona o grupo, en las categorías: soportes multimedia interactivos, análisis Web y de dispositivos móviles, animación y video y soportes tradicionales (ilustración, packaging, fotografía, comunicaciones impresas). Los tres ﬁnalistas de cada categoría se anunciarán y se les otorgarán los premios en la ceremonia de premios que se celebrará en Taipei, China, en octubre de 2011

www. ﬁdo.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010

www.adaa.adobe.com

www.pixalations.com.ar 26 al 29/07 ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE DISEÑO

+ Bohemian Rhapsody. Instalación lumínica de Fabio Novembre, Mathieu Lehanneur y Nendo para la fábrica de cristales checa Lasvit, que utiliza grandes copones de vidrio y metal suspendidos en el espacio, símbolos de una metamorfosis en espera. www.lasvit.com

Especial Diseño

MILAN DESIGN WEEK 50 años de diseño Con esta edición, el Salón Internacional del Mueble de Milán cumplió 50 años. Y no es un dato menor, que un evento comercial y cultural se sostenga y evolucione a lo largo de medio siglo, siempre incrementando la convocatoria de visitantes, las posibilidades de hacer negocios y, por ende, su prestigio internacional. | Texto: Marcela Fibbiani. Fotos: Gonzalo Fargas

9010.co/mila11

especial

+ 053 diseño

+ Perchero to’taime de Philippe Starck yEugeni Quitllet para Alias. Elegante, primitivo, modernísimo, se le pueden sumar un sistema de planos y contenedores livianos y ﬂexibles. www.aliasdesign.it

+ En colaboración con Giugiaro Design, Okamura presentó Luce, silla de oﬁcina ergonómica que asegura comodidad y relax de acuerdo al peso del cuerpo. www.okamura.jp

+ Naòs.B de Pierluigi Cerri es una biblioteca bifaz de aluminio sobre base de acero, separadores de vidrio y sistema de iluminación LED. www.unifor.it

+ Cómoda Showcase Table del colectivo Front, con plano de vidrio y estructura laqueada blanca. Cerrada simula una vitrina. www.porro.com

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+ Cama de dos plazas y mesitas que sirven de cómodas de Vicente García Jiménez, junto a las cajoneras Xian de Pietro Arosio para EmmeBi. www.emmebidesign.com

+ Dedon presenta el sofá para jardín Nestrest, una pequeña pieza de arquitectura suspendida, especie de refugio perfecto para el relax y la meditación, obra de Fred Frety & Daniel Pouzet. www.dedon.de

+ Sillón Biknit de Patricia Urquiola para Moroso. www.moroso.it

+ Kartell presentó sus colecciones como nunca antes: en un espacio totalmente abierto y en gradas, con carteles de neón, diseñado por Ferruccio Laviani. www.kartell.com

+ Nueva colección del sistema de asientos Botton Down de Edward van Vliet, que incorpora diseño gráﬁco. www.moroso.it

EL FENÓMENO DE LA FERIA El secreto de este gran éxito que son los Salones es la unión. Luego de la posguerra, en 1961, y habiendo llegado a un punto en que la demanda local estaba satisfecha, un pequeño grupo de fabricantes de muebles, reunidos bajo la federación de empresas Ferdelegno (hoy: FerdelegnoArredo), se planteó el objetivo de impulsar la exportación italiana de muebles y artículos de decoración. Y esto sólo se podía lograr si se encaraba como grupo, es por eso que a cargo de Cosmit, organizaron una feria que los nucleara -en ese momento, había varias ferias más chicas en Italia-, con la idea de organizar una alternativa más integradora, que lograra atraer a los compradores internacionales a Milán, la capital económica del país, que ya poseía un importante ediﬁcio para exposiciones desde 1920.

+ Un sofá neoclásico diseño de Andrée Putman para Serralunga: Belle Étoile, en plástico rotomoldeado, con colchón y apoyabrazos desmontables. www.serralunga.com

La primera muestra contó con sólo dos pabellones, pero muy rápidamente comenzó a crecer, hasta que en 1965 -otra vez-, la unión de voluntades, le dio un nuevo impulso: en un nuevo pabellón se agruparon aquellas empresas líderes, entre ellas: Bofﬁ, Arﬂex, Cassina, Molteni, Poltrona Frau, Kartell y Saporiti, que apostaron al montaje de espacios impactantes en la feria para presentar sus productos. Es así que lograron que la legendaria revista Domus le dedicara el primer artículo al Salón del Mueble de Milán. También en esa oportunidad, se organizó una exposición retrospectiva sobre el diseño de muebles en Italia, primer evento paralelo al Salón. A partir de allí, cada año, la feria fue creciendo en expositores y visitantes, entre los que hay compradores de diseño y del sector del contract, diseñado-

+ 055

+ El sillón barroco Proust de 1978 de Alessandro Mendini, reinterpretado en plástico rotomoldeado. www.magisdesign.com

+ Para los más chicos, My ﬁrst ofﬁce de Martí Guixé, totalmente en cartón. www.magisdesign.com

+ Banco Tom y Jerry de Konstantin Grcic de madera y partes mecánicas en plástico. www.magisdesign.com

+ Los módulos Tide de Zaha Hadid pueden combinarse para formar distintas estructuras. www.magisdesign.com

+ De los hermanos Campana, el sillón Grinza amplía la colección Barbarians de Edra presentada el año anterior. Con esqueleto de acero y relleno de poliuretano, se tapiza con recortes de cuero o bien piel ecológica. www.edra.com

+ Formas elementales en la colección Simplissimo diseñada por Jean Nouvel para Ligne Roset. www.ligneroset.com

res y prensa especializada, todo lo que se ve reﬂejado directamente en la suba de las exportaciones, y la cantidad y calidad de los negocios concretados. El objetivo está más que superado.

la curaduría de la periodista especializada Marva Grifﬁn Wilshire-, el SaloneSatellite, dedicado a los jóvenes diseñadores de hasta 35 años y las escuelas de diseño. Finalmente, a partir de 2006, los Salones se mudaron a su hogar actual: Fiera Milano Rho, un complejo ferial diseñado por Massimiliano Fuksas, con nada menos que 20 pabellones, los que son totalmente ocupados cada año por la feria.

El Salón fue la herramienta de marketing para impulsar el crecimiento de la industria del mueble en Italia. Es por eso que a partir de 1967, este evento se volvió internacional, es decir, empresas de otros países también buscaron tener su espacio de exposición dentro de la feria, a la que se fueron sumando con los años, el resto de los Salones: Eurocucina (dedicado al equipamiento de cocina), Euroluce (iluminación), SaloneUfﬁcio (sobre el ámbito laboral), Complemento de la Decoración, Baño y, a partir de 1998 -y con

El éxito de los Salones fue y sigue siendo, la capacidad de agrupación de empresas que entienden que juntas pueden llegar más lejos y obtener mejores resultados económicos, y también la preocupación por crear una cultura del diseño, a través de los eventos paralelos a la feria, que educan sobre la historia, la tradición y la

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+ Silla plegable Piana de David Chipperﬁeld para Alessi. www.alessi.com

+ Miss Less de Philippe Starck y Eugeni Quitllet. Una escultura de forma primitiva se convierte en objeto doméstico de producción industrial. www.kartell.com

+ La silla Jill es la primera colaboración entre Vitra y Alfredo Häberli. Se basa en la técnica del moldeado de madera contrachapada de Charles Eames, ofreciendo gran comodidad. www.vitra.com

+ Banqueta Kobe de Piergiorgio Cazzaniga realizada en baydur, un material de poliuretano rígido que garantiza ﬂexibilidad y resistencia, además de ser 100% reciclable e ignífugo. www.desalto.it

+ Lastika de Velilla Velikov para Lago, un asiento que se asemeja a una ﬂor, compuesto por 40 elásticos que crean una sensación de balanceo. Apilable y muy cómodo. www.lago.it

+ La Nurb Chair de Patricia Urquiola para Andreu World viene a completar una línea de sillones y butacas resultado de un trabajo soﬁsticado de ebanistería. www.andreuworld.com

importancia de la actividad (principalmente en Italia, pero también en el mundo). Fundamental el trabajo del Triennale Design Museum (el museo de diseño de Milán), que con sus deliciosamente bien montadas y curadas exposiciones, nos hace disfrutar y emocionar con el diseño, al que consideran un organismo vivo y mutante. Y siempre novedosas las instalaciones a lo largo de la via MonteNapoleone –donde se encuentran las tiendas de moda más chic de Milán, este año, a cargo del diseñador Ora-Ïto y Citroën-, que se suman los numerosos showrooms milaneses de empresas expositoras, diseñadores independientes, galerías y universidades que abren sus puertas hasta el anochecer en las zonas de Brera, Tortona, Porta Romana, VenturaLambrate y Cadorna. LOS SALONES 2011 Para festejar este 50 aniversario, Cosmit organizó, la noche anterior a la apertura, una ﬁesta en el Palazzo Marino (frente al teatro La

Scala), donde la intendente de la ciudad de Milán –Letizia Morattirecibió uno por uno a los invitados, y un grupo de violinistas tocó durante todo el evento, donde se dieron cita las personalidades del mundo de la cultura y el diseño de la ciudad. Y luego sí, del martes 12 al domingo 17 de abril (único día en que la feria se abre al público general), se pudo disfrutar de recorrer, una vez más, los 20 pabellones dedicados al mueble y, en esta oportunidad, también las ferias bianuales Euroluce y SaloneUfficio. Para empezar a hablar de lo que expusieron los Salones este año, no podemos dejar de mencionar el período de crisis financiera por el que está transitando Europa (y que ciertamente se puede ver en muchos aspectos), además de los acontecimientos puntuales que se sucedieron pocos días antes de la apertura de la feria (el terremoto en Japón, los hechos en Egipto), que no hacen más que reafirmar que el mundo se mueve constantemente… En este contexto, la Milan Design Week se transforma en un lugar de encuentro e intercambio, durante la cual diseñadores reconocidos internacionalmente y emergentes, los

+ 057

+ Silloncito Softwood de Carlo Colombo, con canaletas a los costados que aligeran la estructura. www.riva1920.it

+ Silla en chapa de acero de una sola pieza Pressed Chai, creación de Harry Thaler para Nils Holger Moormann. www.moormann.de

+ León de Riccardo Giovanetti en una mesita de luz con cajón, que puede ser revestida en tela, cuero o cuero ecológico. www.ﬂou.it

+ Little Claus es banco diseñado por Søren Ulrik Petersen y fabricado según los métodos tradicionales de carpintería. www.normann-copenhagen.com

principales fabricantes, compradores y prensa se juntan para discutir tendencias, enterarse de las novedades y hacer negocios.

UN SPA DE ESTILO

Es real que luego de visitar la feria durante varios años consecutivos, se torna cada vez más difícil encontrar novedades (en la forma, los materiales, la producción) y que, al mismo tiempo, no ahorren en calidad y precios competitivos. ¿Pero es lícito reclamar novedades cada año, en un mundo que, por fortuna, cada vez más amplía su conciencia ecológica, y se pregunta por la utilidad de los objetos, el sentido de seguir produciendo más y más, y sobre el impacto ambiental de esta práctica?

Aluvional, intenso e indescriptiblemente multicultural, el Salón de este año deja tras de sí la persistente sensación de que es allí -y sólo allídonde todo sucede. Legos e iniciados de todos los rincones del mundo han acudido, seguros de poder recargarse del mejor diseño obtenible, a este genuino “salad bowl” del global lifestyle, munidos de la curiosidad y el entusiasmo que tan bien le sientan a Milán cada primavera.

En general, sin dejar de presentar sus prototipos, las productoras apuntan a la reedición de objetos históricos y viran su mirada hacia sus archivos, buscando mejorar lo que ya poseen en sus catálogos. En muchos casos, apuestan al cambio de materiales de un producto ya aceptado en el mercado. A veces, empleando materiales lo más puros posibles; otras, mezclándolos (los tradicionales y los no tanto, los nuevos), añadiéndoles tecnología, etc. Pero sin dudas, los materiales son siempre protagonistas. En cuanto a la estética, tenemos a aquellas propuestas que siguen las formas y líneas puras, y a otras que encuentran en lo fantástico y recargado su forma de expresión. La inspiración parte en gran medida de las décadas del 50, 70 y 80, pero siempre en la búsqueda del mueble noble, que dure en el tiempo, que tenga buenas terminaciones, que sea de calidad. El consumidor está dispuesto a pagar un determinado precio, siempre que sea el mueble esté bien construidoy posea delicados detalles de terminación, sin restar comodidad y practicidad. En deﬁnitiva, que sean, antes que modernos y novedosos, funcionales y queribles. +

| Texto: Carlos Piedrabuena

Una colorida invasión que inundó cada rincón de la ciudad, desde la sofisticada Via MonteNapoleone al encantador Brera Design District, celebrando por todo lo alto el desmesurado banquete que las cada vez más importantes actividades “fuori salone” sirven cada año con inspirado empeño. La Zona Tortona brilló este año como ningún otro, y eso supone toneladas de esfuerzo y planificación bien sucedidos. En el gigantesco predio ferial de Rho, entretanto, las marcas dominantes acusaban -pese a la descollante calidad de las colecciones presentadas- un marcado conservadurismo respecto del año anterior. El acento, esta vez, estuvo puesto en los materiales -cada vez más técnicos-, los procesos -la gran diferencia de este año-, y el definitivamente consolidado interés por la ecología. Las novedades no fueron demasiadas, y la emergente armada del SaloneSatellite pudo aprovecharse de ello inteligentemente, acaparando las miradas de trendhunters, especialistas y prensa. Desparpajo, innovación, genio, y un inigualable e inolvidable sabor a gesta sobrevolaron la sección juvenil de esta edición. ¡Enhorabuena! Milán, una vez más, ha sido una fiesta. La mejor que pueda uno recordar. +

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+ Las CandleLights y SpotOns forman parte de la nueva colección de luces decorativas y funcionales de Philips (siempre con tecnología LED), y pueden ser trasladadas a cualquier lugar del hogar. www.philips.com

+ Lámpara de exterior Spillo de Constantin Wortmann para Kundalini. www.kundalini.it

+ Las Can Can de Marcel Wanders se volvieron mini. www.ﬂos.it

+ La lámpara de mesa Halo de Karim Rashid puede orientarse sobre el plano vertical de 0 a 90º. www.artemide.com

EUROLUCE La luz del futuro La muestra bianual Euroluce expone una oferta de productos amplia e innovadora para la iluminación de espacios públicos y privados, interiores y exteriores, que se amplía también a la luminotecnia y las fuentes de luz. La aparición de las lámparas de bajo consumo en detrimento de las incandescentes, hizo que los fabricantes debieran perfeccionar y adecuar los artefactos ya existentes y, por consiguiente, los diseñadores deben de tener en cuenta las nuevas fuentes de luz a la hora de crear, ya que proponen nuevas formas. A la tecnología LED le sigue la OLED (diodo orgánico de emisión de luz), en forma de módulos/pantallas delgadas y ﬂexibles, que se aplican cada vez más, como en el caso de la lámpara colgante Double C-Future de Ingo Maurer y equipo.

Así como en mobiliario, también se apela a las reediciones (con las modiﬁcaciones necesarias acorde a las nuevas tecnologías), la mezcla de estilos y épocas (pero con la incorporación de materiales novedosos), la búsqueda de la simplicidad otras veces, y la propuesta de sistemas de iluminación (módulos intercambiables y conectables, que puedan formar superﬁcies luminosas verticales u horizontales, o bien disponerse individualmente) o familias de lámparas en sus versiones colgante, de pie, de escritorio. En iluminación decorativa, el objetivo es –además de iluminar- comunicar, transmitir sensaciones. +

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+ Los hermanos Bouroullec proponen esta lámpara de escritorio en diversos acabados llamada Piani Small, cuya base también viene en una versión más alargada, tipo escritorio en voladizo. www.ﬂos.it

+ Cielo de Kazuhiro Yamanaka cambia de color continuamente, pasando por distintas gamas de azules, el blanco y el gris, gracias a un material plástico lenticular. www.pallucco.com

+ Lámparas colgantes La Belle de Filippo Protasoni. www.prandina.it

+ Héctor Serrano diseñó para FontanaArte la familia de lámparas Carmen (dos versiones de pie, colgante y de escritorio). www.fontanaarte.it

+ Mimesi de Carlotta de Bevilacqua, con estructura de aluminio reciclado. www.artemide.com

+ Sistema luminoso Synapse de Francisco Gómez Paz. Células modulares de forma trilobulada, compuesta por dos carcasas de policarbonato que albergan fuentes LED programables de tipo RGB, una tecnología que permite generar una gama inﬁnita de colores. www.luceplan.com

+ Lámpara colgante Double C-Future de aluminio, vidrio y acrílico, con módulos de OLED de Ingo Maurer. www.ingo-maurer.com

+ Rhizome de Matali Crasset se inspira en las clásicas arañas y está compuesta por módulos de metal que se ensamblan. www.arturo-alvarez.com

060

+ Alfa Romeo presenta lo mejor del SaloneSatellite 2011, el más puro diseño contemporáneo

+ Instalación Ultra Gamma del diseñador Ezri Tarazi y un grupo de alumnos de la Bezabel Academy+d Vision Master para festejar los 50 años del Salón del Mueble.

SALONESATELLITE

Vitrina del diseño contemporáneo Desde 1998, el SaloneSatellite es la exhibición para el talento joven y punto de referencia para la exploración de nuevas tendencias. Ideas que refrescan y renuevan a la comunidad del diseño. | Texto y fotos: gt_2P, estudio chileno de arquitectura y diseño paramétrico. “i Saloni” es el evento que reúne en Milán el Salón Internacional del Mueble, junto a las otras seis exhibiciones más destacas de diferentes áreas del diseño. Cada año, son el escenario de encuentro e intercambio entre organizadores, expositores y visitantes, en donde grandes y pequeñas empresas presentan sus últimos productos y, en general, representan e interpretan el estado actual de la industria. Entre estas exhibiciones, el SaloneSatellite se destaca como la plataforma para las propuestas más jóvenes y las últimas tendencias en el diseño contemporáneo a nivel mundial. Este

año, contó con la participación de cerca de 700 expositores y 20 escuelas de diseño, seleccionados por un comité integrado por un prestigioso grupo internacional de profesionales del diseño, la arquitectura y los medios de comunicación, con Marva Grifﬁn Wilshire a la cabeza. En un intento por interpretar y caracterizar la diversidad de exhibiciones en el SaloneSatellite, pudimos distinguir cuatro grupos de propuestas. Uno con trabajos ligados a la tradición del diseño, otro orientado a la resolución industrial de sus productos, un tercer grupo que se enfoca en los materiales, y un cuarto

+ 061

+ The Andes House (oﬁcina de diseño chilena) presentó la lámpara L1, parte de su proyecto madeinMIMBRE, una línea de productos en mimbre que genera trabajo en conjunto con los artesanos y la comunidad de Chimbarongo. www.theandeshouse.com

+ La repisa Cracked de gt_2P utiliza conectores metálicos para armar estructuras hexagonales. www.gt2p.com

+ Feed me! Floreros de porcelana de Vesa Kattelus de Kaamos Group, Finlandia. www.kaamosgroup.ﬁ

+ Accordion Cabinet del estudio de S. Kang & E. Strozyk, ganador del primer lugar del SaloneSatellite Award.

que experimenta con medios digitales. Transversalmente, la sustentabilidad ambiental y social, el digital crafting, la innovación en procesos productivos, la búsqueda de nuevas funcionalidades y la experimentación formal fueron los temas más recurrentes en la muestra.

Grupo Kaamoy, logradas con un mínimo de procesos, a partir de formas regulares levemente alteradas.

En el primer grupo, se destacan estudios de origen nórdico y asiático. Su trabajo se caracteriza por tomar formas simples y acompañarlas con destreza técnica. Dos de los trabajos nórdicos más notables fueron el de Tuyo Design, con su lámpara Frigg, hecha de una chapa de madera y tela; y las pequeñas piezas de

Por su parte, los estudios asiáticos más destacados fueron Estudio Takagi y Design Soil con mobiliario desarmable, T/M con Waft, un sistema de piezas de aluminio y chapas de madera para sillas y mesas, Sides Core con sus lámparas de pliegues geométricos, y Estudio Juju, con vasijas de madera torneada y platos de metacrilato logrados con procesos bien deﬁnidos. Dentro del segundo grupo, resaltan los estudios que logran

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+ Alfa Romeo presenta lo mejor del SaloneSatellite 2011, el más puro diseño contemporáneo

+ Del chileno Rodrigo Alonso, muebles para exterior en plástico reciclado con formas trianguladas, a partir de moldes de acero de bajo costo. www.rodrigoalonso.cl

+ Para estacionar bicicletas, Ball de Anne Paso. www.lovi.ﬁ

+ Lámpara Frigg, a partir de una chapa de madera y tela por Tuyo Design. www.tuyodesign.com

soluciones industriales, hacen énfasis en la funcionalidad, y dan un toque de “perfección” a sus productos. Éste es el caso de Warm y de Nachacht, cada uno con sus piezas que armonizan metal y madera; Sisman con Sputnik, dos barras de acero plegadas que dan soporte a un taburete circular de tres patas; el sistema de macetas en madera y plástico de Mut; la repisa Voyeur de Brikolör, y las lámparas del argentino Federico Churba.

+ Del colectivo Future Tradition (Christoph John, Jovana Bogdanovic, Zhang Lei), Piao está hecha a partir de capas de papel, de acuerdo a la técnica de los tradicionales paraguas chinos. www.innovo-design.com

Dentro de este grupo, debe ser mencionado el estudio de S. Kang & E. Strozyk, con su Wooden textiles, un material que logra ﬂexibilizar la madera al combinarla con tela, y el Accordion Cabinet de su colección Dressed Furniture. Con este producto, el estudio fue premiado con el primer lugar del SaloneSatellite Award, elegido unánimemente por el jurado por “el sorprendente uso de materiales y su expresividad gestual”. En un tercer grupo, hay propuestas valoradas por el uso de

+ 063 Senza cuore saremmo solo macchine

+ Estantería Prop de Hiroyuki Ikeuchi y Design Soil. www.designsoil.jp

+ Lámpara Arlequín de Federico Churba. www.federicochurba.com.ar

materiales y procesos locales. Es el caso del chileno Rodrigo Alonso, con sus muebles para exterior hechos de plástico reciclado con formas trianguladas, a partir de moldes de acero de bajo costo. Así también, la marca chilena The Andes House presentó sus lámparas de mimbre realizadas por artesanos chilenos, percheros de piedras extraídas del río Maipo y sillas de maderas nativas. Finalmente, identiﬁcamos un grupo de estudios que desarrollan sus productos desde plataformas digitales. Phillip Grass y sus sillas Loop, hechas desde una sola forma tubular. Contour con Surfaces logra un estante y una mesa que parten de formas regulares y son intervenidas con curvas que cambian su aspecto, sin abandonar su estética simple. En este grupo, podemos encuadrar nuestro trabajo, con objetos que hablaran de la capacidad de volver a unirse tras las rupturas producidas por el pasado terremoto, como la repisa Cracked, que utiliza conectores metálicos para armar estructuras hexagonales, y el prototipo de la pieza 27F, que se basa en líneas que unen polígonos convexos. Esta diversidad de propuestas del SaloneSatellite logra dar cuenta de diferentes realidades abordadas por los diseñadores convocados. La calidad y el contenido de las presentaciones de estos jóvenes expositores con los que compartimos este pabellón, nos permitieron tener una mejor idea sobre qué está pasando en el diseño en el resto del mundo, qué es lo más innovador y cuáles son algunas de las inquietudes de los diseñadores contemporáneos. + www.cosmit.it

+ Banco Crok en plástico y corcho por Takahiro Matsumura. www.illiricobank.com

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+ Una cortina de agua, luces y sonido en Luce Tempo Luogo de los arquitectos Dorell.Ghotmeh.Tane para Toshiba. www.toshiba.co.jp

FUORI SALONE

En paralelo a los salones Más allá de los límites de Fiera Milano Rho, el diseño se sigue respirando en el resto de la ciudad de Milán, más especíﬁcamente, en las zonas de Tortona, Brera, Ventura-Lambrate, Porta Romana y en los alrededores de Cadorna, donde se encuentra el Triennale Design Museum, y en Via MonteNapoleone.

Bajo el nombre Zona Tortona Design Week, se agruparon este año las exposiciones que se desarrollan en el circuito formado por las calles Tortona, Stendhal y Savona, que incluye las instalaciones de Superstudio Più, un enorme estudio de grabación que durante la semana del diseño se transforma en sede del Temporary Museum for New Design, todo bajo la curaduría artística de los diseñadores Giulio Cappellini, Paola Navone y Marcel Wanders. Lo más atrayente de este recorrido fueron las enormes instalaciones a cargo de importantes empresas, que apuntaron a

sorprender los sentidos del público. Tal es el caso de Neoreal Wonder de Canon, creación del grupo de jóvenes diseñadores japoneses Torafu Architects y de Wow, un estudio de diseño visual también japonés, quienes se valieron de los nuevos proyectores, cámaras de fotos y de video de la compañía para lograr una experiencia visual y sonora única para el público. Otra instalación deslumbrante fue Tron designs Corian, que convocó a importantes diseñadores y arquitectos como Ilaria Marelli y Giulio Cappellini, para recrear los ambientes de la película Tron: Legacy, dando cuenta de la versatilidad de esta superﬁcie

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+ Foscarini aportó sus esculturales lámparas para darle vida a Metamorphosis, una coreografía de luces en un espacio de grandes dimensiones. www.foscarini.com

+ Sillas Gothic de inspiración medieval de Studio Job para Moooi. www.moooi.com

+ Corian convocó a importantes diseñadores y arquitectos para recrear los ambientes de la película Tron: Legacy. www.tron-designs-corian.com

en diseño de interior y arquitectura, además de otras novedades de la compañía, como la Light Tape (película electroluminiscente de alta tecnología), presente en la decoración del piso, mobiliario y varios objetos.

la vida diaria de personas que, desde sus habitaciones, soñaban con los ojos abiertos un mundo mejor. Una forma emotiva de usar la tecnología digital de Samsung. Y ﬁnalmente Luce Tempo Luogo de los arquitectos Dorell.Ghotmeh.Tane para Toshiba. Un espacio totalmente a oscuras, apenas iluminado por luces LED que jugaban sobre cortinas de agua, creando una atmósfera de efectos teatrales muy sugestiva.

Por su parte, Foscarini aportó sus esculturales lámparas para darle vida a Metamorphosis, una coreografía de luces en un espacio de grandes dimensiones, proyecto de Vicente García Jiménez. Lead me to your door! fue un proyecto de media art del dúo Mioon, con dos importantes humanoides con cientos de ojos (o pequeñas pantallas de LED), que mostraban distintas escenas de

Llegando al ﬁnal de Via Tortona, el showroom de Moooi –donde tuvimos el privilegio de conocer al holandés Marcel Wanders en persona- festejaba sus primeros diez años, con las nuevas crea-

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+ Neoreal Wonder de Torafu Architects y el estudio de diseño visual Wow (ambos japonese), quienes se valieron de los nuevos proyectores, cámaras de fotos y de video Canon para lograr esta experiencia única para el público. www.canon.com/milano2011

+ Dos importantes humanoides con pequeñas pantallas de LED como ojos, mostraron escenas de la vida diaria de personas que soñaban con los ojos abiertos un mundo mejor. Proyecto multimedia de Mioon para Samsung. www.samsung.com

ciones del mismo diseñador (escritorio Woood), y las sillas Gothic de inspiración medieval de Studio Job, junto a los productos de iluminación de Stefano Giovannoni (lámpara Mask), Rooms (lámparas ﬂexibles Position) y Mooi Works (lámpara Mistral), entre otros. Y girando hacia Via Stendhal, el británico Tom Dixon presentó Multiplex, un espacio que combinó un restaurant, una tienda y una galería, donde fue posible explorar el multifacético mundo del diseñador, habitado por la familia de lámparas Etch (realizadas en módulos de metal que el comprador puede ensamblar por sí mismo) o la mesa de trabajo Roll, con base de hierro fundido. + www.tortonadesignweek.com

+ Sakè Bar ideado por Torafu Architects, ganadores del concurso Kaneka OLED Design 2010. www.kanekaoled.jp

+ 067

+ Lámparas Etch de Tom Dixon. www.tomdixon.net

+ El universo de Hermès “La Maison” se presentó en un pavilion diseñado por Shigeru Ban y Jean de Gastines en la zona de Brera. Dentro encontramos esta silla y mesa oval de Enzo Mari y textiles para decoración ilustrados, con diseños de Jean-Louis Clerc, Philippe Dumas, Hugo Gryckar y Henri d´Origny. www.hermes.com

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+ La fabbrica dei sogni, cuarta exposición del Triennale Design Museum, sobre los productos ícono del diseño italiano y sus realizadores.

+ L´Italia in Croce, instalación de Gaetano Pesce que transformó el auditorio del Teatro dell´Arte en una iglesia para rezar por su país.

TRIENNALE DESIGN MUSEUM Donde el diseño se vuelve arte Uno podría pasarse el día entero si quisiera (y dispusiera del tiempo necesario), perdiéndose entre las salas de este exquisito museo y su jardín, que durante la semana del diseño albergó a 32 muestras, las más importantes: las esculturas de Alessandro Mendini para Bisazza (ver sección Premium), la muestra retrospectiva de Karim Rashid (ver sección Diseño), Yii (diseño taiwanés), y los muebles del maestro del diseño italiano Carlo De Carli (con el auspicio de MINI). Fue una muy grata sorpresa la recuperación del Teatro dellÁrte, una sala teatral que se encuentra dentro del museo, en cuya platea se exhibió la muestra Interware de Maurizio Galante y Tal Lancman, que planteó una visión transversal de la alta costura, el diseño y la arquitectura; mientras que el auditorio se convirtió en una solemne iglesia, donde Gaetano Pesce instaló una enorme cruz para crucificar a Italia (LÍtalia in Croce), ante la cual el público pudo rezar, arrodillándose en los reclinatorios. Y finalmente, La fábrica de sueños, cuarta entrega de la serie

de muestras sobre diseño italiano que el museo viene preparando desde hace un tiempo, y que en esta oportunidad, relata la historia de las productoras italianas que contribuyeron a crear el sistema del diseño italiano desde la posguerra hasta el día de hoy, y a decretar el éxito del Salón del Mueble en el mundo. Con la curaduría científica de Alberto Alessi y gráfica del catalán Martí Guixé (uno de los nombres que más se escuchó este año), un recorrido de objetos icónicos que dialogan con sus creadores y la historia de los directores de las productoras que los hicieron realidad, hombres y mujeres cuyas figuras están representadas en gigantografías de tamaño natural junto a los objetos que –dato importantísimo- pueden ser experimentados: sentarse en ellos, tocarlos, y hasta tomarles fotografías es posible. Es por eso que esta muestra es altamente recomendable para todo aquél que visite Milán hasta el 26 de febrero de 2012. + www.triennaledesignmuseum.org

+ 069

+ Prototipos Evomobil y Ufo

+ Instalación de lámparas de Ora-Ïto a lo largo de via MonteNapoleone.

+ El Citroën DS4 custodia al Blow Sofa Extreme de Malafor, 2010. Un diván liviano, económico y de fácil transporte, realizado con almohadones inﬂables de papel tratado, unido a tubo metálico que lo estructura.

VIA MONTENAPOLEONE Museo a cielo abierto

MonteNapoleone Design Experience se bautizó la instalación que ostentó Via MonteNapoleone –donde se encuentran las tiendas de moda más importantes de la ciudad- durante la Milan Design Week. Con la organización de Cosmit y el apoyo de Citroën.

A lo largo de la Via y hasta su desembocadura en la Piazzeta Crocerossa, se colgaron luminarias diseñadas por el francés OraÏto, inspiradas en el modelo DS4, elegido como “el auto más bello del año”, al mismo tiempo que se distribuyeron piezas de la muestra Avverati – A Dream Come True, pertenecientes a jóvenes diseñadores que, en su momento, fueron expuestas como prototipos durante las distintas ediciones del SaloneSatellite, y que luego entraron en producción para formar parte de los

catálogos de las productoras más renombradas. Hacia el ﬁnal del recorrido, entonces, la dos últimas creaciones de Ora-Ïto, dos prototipos de vehículos del futuro, denominados Evomobil y Ufo, inspirados en el DS4, y que plantean una unión entre el arte y el diseño automotriz, reaﬁrmando el concepto de “Tecnología Creativa” de la automotriz francesa. + www.associazionemontenapoleone.it | www.citroen.it

JUNGLA EN EL CEMENTO Fotografía Rafael Delceggio www.rafaeldelceggio.com Estilismo y Dirección de Arte Federico Laboureau www.federicolaboureau.com.ar Pelo y Make Up Juan Beltrán para Jazmín Calcarami estudio www.jazmincalcarami.com.ar con productos MAC www.maccosmetics.com Modelo Marina Cuhna para Visage Models www.visage-models.com Asistente fotografía Fernando González Retoque digital Leandro Agterberg

+ Tapado, remera de satén con cintas y pantalón de leopardo: María Vázquez. Zapatos abotinados: Prüne. Lámpara de mesa Hanoi de Federico Churba www.federicochurba.com.ar DIRECCIONARIO | adidas Originals. Malabia 1720 y Paseo Alcorta Shopping | Christian Lacroix. Alto Palermo Shopping | Grupo 134. Honduras 4709 | Inﬁnit. Thames 1602 esq. Honduras | Kostüme. República de la India 3139 y Gurruchaga 1585 | María Vázquez. Alto Palermo Shopping | Paruolo. Paseo Alcorta Shopping | Prüne. Alto Palermo Shopping | Tramando. Rodríguez Peña 1973 y Paseo Alcorta Shopping

+ Conjunto parca y pantalón tiro alto maxi: Kostüme. Camisa de leopardo y gorro tejido con lúrex: María Vázquez. Musculosa negra: Grupo 134 mujer. Borcegos con tachas: Prüne. Lámpara de pie Mr. Light Tall de Javier Mariscal para Artemide www.artemide.com

+ Pullover calado: Christian Lacroix. Pantal贸n de gabardina: adidas Originals

+ Maxi vestido: María Vázquez. Lámpara de mesa Birdie de Ludovica y Roberto Palomba para Foscarini www.foscarini.com

+ Chaqueta de paño: Tramando. Remera rayada con ribete y falda larga: María Vázquez

+ Camisa de algodón y falta irregular: Kostüme. Botinetas con herrajes: Prüne. Anteojos: Inﬁnit

+ Maxi polera: Kostüme. Pantalón: adidas Originals. Zapatos de leopardo con plataforma: Paruolo. Lámpara colgante Nearco de Karim Rashid para Artemide www.artemide.com

Cameron Sinclair Arquitectura para el cambio social Es inglés, pero reside en Estados Unidos. Se deﬁne a sí mismo como un eterno optimista, y vive la arquitectura no sólo como una profesión, sino como la herramienta que le permite generar un cambio social no sólo en comunidades en emergencia, también en zonas que han sufrido desastres, como recientemente le sucedió a Japón. | Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Gentileza CS

Cameron Sinclair nació en Inglaterra en 1973 y es el cofundador de la organización Arquitectura para la Humanidad (en inglés, Architecture for Humanity – AFH), una organización sin fines de lucro, que busca soluciones en el campo de la arquitectura para las crisis humanitarias y comunidades en riesgo. Durante los últimos diez años, esta organización trabajó en más de veinte países, en proyectos que van desde la construcción de escuelas, clínicas y casas hasta la reconstrucción de zonas que han sufrido desastres naturales. Como no podía ser de otra manera, la significativa tarea de Sinclair le ha valido el recibir varias distinciones a lo largo de su carrera, incluyendo un premio TED (entidad internacional sin fines de lucro, cuyo lema es difundir aquellas ideas que valen la pena, brindando charlas y conferencias en varios países del mundo) y haber sido elegido como uno de los Jóvenes Líderes Globales por el Foro Económico Mundial (World Economic Forum). Con ambos reconocimientos bajo el brazo, Sinclair fue por más, y fundó la Red Abierta de Arquitectura (Open Architecture Network), la primera comunidad online mundial, dedicada a mejorar las condiciones de vida de miles de personas, a través del diseño innovador y sustentable. Sin duda, Sinclair pertenece al selecto grupo de personas decididas

a cambiar el mundo, a crear un espacio mejor desde el lugar que se ocupa. Así, este soldado del cambio social, hace uso de su profesión como una poderosa arma, que le permite abrirse camino en la batalla que libran tantos otros talentosos líderes sociales, y no piensa parar hasta lograr su objetivo: vivir en un mundo mejor. + En tu blog, tu biografía te describe como un “eterno optimista”. ¿Qué significa en términos profesionales? CS Terminé siendo un eterno optimista a raíz de un insulto. Alguien que no podía creer mi audacia para hacer lo que estaba haciendo siendo tan joven -tenía 22 años-, se me acercó y me dijo que nunca lograría nada en la vida siendo un eterno optimista; que debía comprometerme. Yo estaba luchando por algo que no requería un compromiso como tal, entonces tomé su crítica como un cumplido. Si el hecho de no flaquear ni dejar de seguir tus creencias e ideales significa que uno es un eterno optimista, entonces eso es lo que soy. Hice de esta frase un mantra para mi trabajo. + Sobre Arquitectura para la Humanidad, ¿qué nos podés contar? CS Se trata de una organización sin fines de lucro, que brinda servicios de arquitectura y construcción a comunidades en necesidad. Esto va desde la reconstrucción de lugares en zona de desastre, como

personas creativas 079 arquitectura

+ Mahiga High Rainwater Court, Nairobi, Kenia. Una cancha de basket con sistema de recolección de agua de lluvia integrada y sistema de puriﬁcación UV con paneles solares para abastecer de agua y electricidad a una escuela rural.

FÚTBOL + EDUCACIÓN PARA LOS JÓVENES Junto con AFH y Fu.De (Fútbol para el Desarrollo), Nike lanzó Copa Arquitectura, un concurso de diseño con el objetivo de integrar los ejes fútbol, educación y salud, promoviendo la construcción de un centro social para la Liga FOS –Fútbol para la Oportunidad Social-, una asociación que incentiva el desarrollo social, a través del deporte. La convocatoria estuvo destinada a arquitectos y diseñadores pertenecientes a los países participantes en la Copa América 2011: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, Japón, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela.

+ Homeless World Cup Legacy Center en Santa Cruz, Río de Janeiro, Brasil. Una instalación que utiliza al fútbol como herramienta para el cambio social.

en Haití y Japón, hasta comunidades en riesgo con problemas varios, como el acceso a la educación, la salud, la vivienda y los servicios básicos. En los últimos veinte años, hemos ayudado a construir casas y a educar a más de un millón y medio de personas en veinte países. + “El buen diseño puede realmente cambiar el mundo”. ¿Podés explicarnos esta visión de tu actividad? CS Hacer diseño se trata de crear espacios para que la gente los disfrute y, por supuesto, crear momentos que eleven el espíritu. Sin embargo, crear para bien es concebir un programa que contemple desarrollar mejores espacios, nuevos trabajos y una industria que eleve la discusión sobre cómo se reconstruye. El reciente tsunami en Japón ha afectado fuertemente la vida de miles de familias. Es nuestra responsabilidad el crear comunidades fuertes y resilientes, construyendo mucho mejor, de manera más holística y con una arquitectura mejor pensada. + Si tuvieras que describir en pocas palabras la mejor parte de tu trabajo, ¿qué palabras serían? CS La unión con la comunidad. Cuando todo está dicho y hecho, la razón para hacer este trabajo es la esperanza y los sueños de una comunidad especíﬁca. A diferencia de los arquitectos, los fundadores o los políticos, ellos, los miembros de la comunidad, no van a ningún lado. Este es su hogar, su escuela o su clínica. Si hacés un buen trabajo, ellos mismos te lo harán saber, y lo mismo sucede si no lo hacés. Para cada construcción que hemos hecho, siempre existe una comunidad, que es el corazón de cada historia. + ¿Cuáles son tus próximos proyectos junto a la AFH? CS Estamos enfocados en reconstruir las áreas afectadas por el terremoto en Japón. Tenemos la increíble oportunidad de reconstruir una villa entera, con veinticinco casas, una comunidad de pescadores y varias escuelas. A nivel regional, estamos trabajando en proyectos deportivos para generar un cambio social en Brasil, Chile, Argentina, Colombia y Guatemala.

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“Hemos trabajado con Nike durante los últimos cuatros años, apoyando y construyendo un número de espacios para los jóvenes, que son utilizados para deportes como un mecanismo para el cambio social. Esto abarca desde canchas de básquet en Kenia –que, además, recolectan y brindan agua potable para las comunidades que las rodean- hasta un parque de skate en Kabul, pasando por canchas de fútbol en asentamientos en Río de Janeiro, Brasil”, explica Sinclair sobre el proyecto que lleva adelante junto a Fu.De y Nilke. “En cada lugar, siempre hay un socio local que se encarga de mantener y hacer funcionar el edificio. En Argentina, nuestro socio es la Liga FOS, con quienes estamos trabajando para construir un espacio de fútbol para los jóvenes, en las afueras de Buenos Aires”, completa. El proyecto ganador será financiado por Nike y presentado como el legado social de la compañía en el marco de la Copa América 2011. “Dado que Argentina es el anfitrión de la Copa América 2011, pensamos que sería ideal convocar a diseñadores de los países participantes de la Copa para que compitan por el diseño de una espacio de deportes para jóvenes. Tenemos un jurado que incluye a jugadores de fútbol actuales y retirados, comentadores de la Copa del Mundo, representantes de la comunidad y diseñadores. Los arquitectos tuvieron cerca de seis semanas para presentar su diseño con un presupuesto limitado, de 45 mil dólares. Mientras que el presupuesto es acotado, queremos crear un modelo réplica para otros programas, que puedan trabajar sobre problemas sociales”, concluye Sinclair. + www.cameronsinclair.com www.architectureforhumanity.org www.fundacionfude.org.ar LA ARQUITECTURA SALE A LA CANCHA El ganador de la Copa Arquitectura fue el estudio Urban Recycle, de Salvador de Bahía, Brasil. Su proyecto plantea un diseño innovador y sustentable, con fuerte carácter y claras facilidades para convertirse en referente para otros clubes. Dadas las características del concurso, en esta etapa, el ganador deberá trabajar con un estudio en Argentina que supone, además, charlas con la ONG Liga FOS y visitas al predio donde se construirá el centro deportivo. www.openarchitecturenetwork.org

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David Butler Pensar el diseño en grande David Butler es el responsable de llevar adelante la máquina creativa de una de las empresas más reconocidas a lo largo del mundo. En abril, estuvo de visita en Buenos Aires, como orador del encuentro de diseño Reality Design, donde fue escuchado con atención por un auditorio colmado de diseñadores, estudiantes y miembros de la industria creativa local.

| Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Maia Croizet para www.watio.com.ar

personas creativas

+ 081 diseño

+ Dispenser Coca-Cola Freestyle y botella de aluminio

David Butler es el cerebro creativo de una de las compañías con mayor llegada mundial, la famosa bebida a base de cola, Coca-Cola. Tiene en sus manos nada menos que la responsabilidad de dirigir la visión, la estrategia, el diseño global y la construcción de una cultura del diseño para toda la compañía. Con un amplio y nutrido curriculum como diseñador, consultor y profesor, Butler es hoy el responsable de la forma en que se piensa y se hace diseño en CocaCola a nivel mundial. Butler comenzó su carrera como diseñador gráfico, desarrollando los sistemas de identidad de marca y las comunicaciones para marcas globales, como el Comité Olímpico Internacional, Delta Airlines, Cartoon Network y UPS. En los noventa, se unió a David Studio Archetype para trabajar en la incipiente actividad de la llamada Web 1.0, el diseño a gran escala, los sistemas integrados de marcas, sitios Web y aplicaciones interactivas para clientes varios, entre ellos, Gucci, Bank of America y United Airlines. Más tarde, amplió su experiencia ocupando una función global de planificación estratégica en la consultora Sapient, con sede en Nueva York, hasta que en 2004 se unió a Coca-Cola para agudizar su enfoque en el diseño como una ventaja competitiva. Durante su visita a Buenos Aires, recibió a 90+10 en las oficinas de Coca-Cola Argentina, donde brindó detalles de su trabajo en la compañía, como estratega de la comunicación mundial de la marca. + Coca-Cola usa el mismo diseño para comunicar sus productos a

través de los años. ¿Cuál es el secreto para mantenerse siempre vigente? DB El secreto de nuestro negocio es trabajar a escala. Como empresa, somos más grandes que algunos países, entonces el secreto es usar el diseño para conectarlo al negocio. Es crear un gran sistema que permita unir diseño con el negocio y, todo esto, a gran escala. + ¿Qué se puede decir de la cultura de diseño en Coca-Cola? DB Nuestra cultura busca entender lo que el diseño puede hacer por el negocio. Para los diseñadores, el desafío es entender cómo opera el negocio, porque siempre hay un “gap” entre las dos cosas. Si ambos trabajan juntos, ambos ganan. Entender cómo el diseño genera negocios es la clave del éxito. Crear valor; esa es la clave de la cultura de la empresa. + Sobre la estrategia de diseño de la marca, ¿cómo es su uso como ventaja competitiva? DB Diseñamos herramientas que nos permiten trabajar en la estrategia. De esta manera, podemos prediseñar opciones para la empresa, hacer cambios y, así, ahorramos en costos. Un ejemplo se ve en el sistema de heladeras. Las heladeras de los negocios son las mismas en todos lados, pero nosotros al diseñar un sistema de personalización para vestirlas con la marca, creamos valor. + En tu charla en Reality Design, ¿cuál te parece que fue la respuesta del público? ¿Era lo que esperabas? DB Argentina es para nosotros un negocio clave y la gente en Bue-

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+ Conferencia de David Butler en Reality Design en el Centro Cultural Borges.

nos Aires es clave. Me encanta venir a esta ciudad. El foco de la charla estuvo puesto en contar acerca de los sistemas de diseño que creamos. Creo que la respuesta fue muy buena. + Si tenés que deﬁnir la forma de trabajar el diseño en Coca-Cola en sólo tres palabras, ¿cuáles serían? DB Autenticidad, sistemas y valor. + ¿Un consejo para los diseñadores locales? BD Que piensen en grande, y que no sean conservadores respecto de los idiomas. Usen el diseño para inﬂuenciar, para ir más allá. EXPERIENCIAS REALES EN DISEÑO Una experiencia real, contada por sus propios protagonistas. ¿Cómo se lleva adelante una empresa de diseño, según la visión y la estrategia de sus líderes y creadores? ¿Cómo se trabaja en el mundo real con grandes y prestigiosas marcas y para otros mercados? Estos fueron los interrogantes que dispararon la celebración de Reality Design, la primera entrega del encuentro de diseñadores que se llevó a cabo en el Centro Cultural Borges de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina, durante el 11 y 12 de abril de este año. “Sentíamos que era necesario reunir en Buenos Aires a esta generación que hoy domina el mercado de las marcas y llevar un mensaje actual de los que hoy manejan los estudios exitosos”, comenta Diego Giaccone, organizador del encuentro. “Queríamos que los profesionales y los estudiantes vean esta nueva generación que iba

a abrir las puertas de sus estudios por primera vez. Fue un evento único en Argentina y los resultados fueron muy buenos, la gente entendió la idea y le encantó. Creo que es un evento que va a dejar huella”. Reality Design se llevó a cabo durante dos días, con algunos de los profesionales más destacados del diseño y la comunicación local e internacional, quienes compartieron con los asistentes, diseñadores y estudiantes por igual, sus metodologías, estilos de trabajo, éxitos y aprendizajes a lo largo de su camino en la industria del diseño y la creatividad. Fueron diez conferencias, la principal dictada por David Butler de Coca-Cola, y dos charlas especiales, bajo el título “Interactuando con clientes reales”, a cargo de Alejandro Alcedo (gerente de marketing de Havanna), y Diego Luque (jefe de comunicación publicitaria de Nike para el Cono Sur). ¿Se viene un Reality Design 2 para el 2012? Giaccone responde: “Seguro, esto recién comienza, este concepto se va a profundizar, y vamos a seguir mostrando a los líderes del diseño real, tanto argentinos como extranjeros. Nos interesa mucho este perﬁl de profesionales que lideran negocios exitosos, diseñadores que manejan las tendencias y las estrategias de las principales marcas del mercado. Ya estamos pensando en el encuentro número dos, aunque también estamos disfrutando de los comentarios positivos del primero”. + www.realitydesign.com.ar | www.coca-cola.com.ar

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Nutcreatives

+ Àlex Jiménez y Jon Marín. Foto: Isolda Delgado

La extraña pareja Ellos son los barceloneses Àlex Jiménez -diseñador de producto, mobiliario e interiorismo- y Jon Marín -licenciado en biología y especialista en temas ambientales-. No hace mucho, decidieron embarcarse en un proyecto de diseño, cargado de valores y sentido común: Nutcreatives. | Texto: ArtsMoved www.artsmoved.cat

Tal y como ellos mismos dicen en su Web, “Nut es una nuez, una semilla, el embrión de algo con vida y que crece. Algo bello, tanto en su forma como en su contenido. Un elemento natural, símbolo de desarrollo, de esencia y síntesis. Bajo esa premisa, nace Nutcreatives, con la intención de que los valores asociados a esta nuez se reﬂejen en cada uno de nuestros trabajos”. + Contadnos un poco de vuestra historia: ¿cómo os conocisteis y qué os llevó a trabajar juntos? JM Durante muchos años fuimos al mismo colegio y al mismo instituto, pero no fue hasta la universidad, cuando nos acordamos el uno del otro. Yo tenía una idea para participar en un concurso de diseño, pero no tenía el conocimiento ni las herramientas para llevarla a cabo. Contacté con Alex, hubo buena química, nos seleccionaron el proyecto y continuamos trabajando juntos. AJ Fue muy curioso recibir un e-mail de Jon para participar juntos en un concurso de diseño. Siendo él biólogo, no terminaba de ubicar en qué consistiría la cosa y, desde luego, la colaboración fue muy enriquecedora desde el primer día. + Un día decidís apuntaros a unos talleres organizados en Canarias y de ahí nace espontáneamente “Relaja”, vuestro proyecto más premiado y más sonado. Adelante, ¡queremos saberlo todo!

AJ El Campus Guía suponía convivir durante dos semanas con gente de disciplinas muy variadas, haciendo propuestas para el desarrollo local en la zona del norte de Gran Canaria, desde ámbitos como el diseño, el arte, la comunicación, etc. Este entorno fue clave para desarrollar Relaja –un sistema de mobiliario de producción local hecho con mármol reciclado- ya que, en el mismo pueblo donde hacíamos el workshop, disponían de residuos de mármoles y granitos generados; era necesario crear herramientas que dieran trabajo a la gente joven, el ayuntamiento de Guía necesitaba amueblar nuevas zonas verdes, etc. JM El Campus Guía supuso un punto de inﬂexión en nuestra incipiente carrera profesional. Con Relaja supimos que éramos capaces de trabajar juntos, y que nuestra manera de comprender los objetos era aceptada por la gran mayoría. Creo que a partir de esa experiencia vital empezamos a tomarnos en serio. + ¿Cuál es vuestro proceso creativo? JM Nuestro proceso creativo empieza con el estudio de todo cuanto acontece alrededor del objeto que queremos diseñar. Nos gusta crear sistemas –más que objetos- y, para ello, debemos tener en cuenta el contexto en el que vamos a trabajar, qué materiales van a ser los idóneos, qué tipo de empresa los va a producir, qué va a pasar cuando el producto ya no sirva…

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+ 085 diseño

+ Bones es un mueble de exterior que se adapta fácilmente a todo tipo de espacios y necesidades. Es un producto plano en su almacenamiento y transporte.

AJ No creemos demasiado en la inspiración divina sino que, como comenta Jon, nuestros proyectos surgen de pensar, analizar y criticar hasta la saciedad absolutamente todo. + Otro de vuestros trabajos que nos llama la atención es el proyecto de señalización del patrimonio cultural de Roses, un proyecto que combina miradores estratégicamente construidos con puntos informativos en código QR. ¿Cuál fue el planteamiento que os propusieron para su desarrollo y cómo llegasteis a concretarlo así? AJ El planteamiento fue totalmente abierto, cosa que no deja de ser una diﬁcultad y un reto a partes iguales. El encargo del ayuntamiento era señalizar su patrimonio, tanto lo tangible como lo intangible. Es decir, para ellos era tan importante destacar un dolmen prehistórico como una tradición o una costumbre. A partir de ahí, la libertad de trabajo, el “cómo”, ya quedaba en nuestras manos. El primer paso fue empaparse del patrimonio, recorrer Roses de arriba a abajo, acompañados del equipo de Tics i Paisatge –los que desarrollaron el concepto de señalética que se aplicó en Roses, que utilizaba la tecnología QR conectada a una Wikipedia realizada por los ciudadanos de Roses-, de las arqueólogas municipales, de la gente de cultura, etc. JM Se nos pedía “educar la mirada de aquél que visita Roses” con

nuestros objetos, es decir, crear un sistema de señalización que no fuera intrusivo en el paisaje y que su uso fuera intuitivo. Para ello, utilizamos materiales resistentes que se comportan como materias vivas, modiﬁcando sus colores con el paso del tiempo, formas sutiles y modulares, e intentamos revalorizar antiguas técnicas tradicionales en desuso, como la construcción en “piedra seca”. + ¿Hay algún material que sea vuestro predilecto? JM No, no tenemos preferencias en cuanto a materiales. Miramos mucho cuán sostenibles son y los procesos con los que trabajamos, y eso signiﬁca que, para cada situación y proyecto, en cada caso en concreto, existirán unos materiales que serán más adecuados que otros. Dependerá del lugar donde estemos, de la procedencia de la materia prima, de para qué van a servir, de cuánto tienen que durar, de si va a necesitar mantenimiento, de qué va a pasar cuando ya no sean útiles… Son muchas variables las que manejamos para optar por un material u otro. + Parece que tenéis muy claro lo que queréis y que sois gente de principios bien asentados. ¿Os lleva esto a trabajar con personas que comparten vuestros ideales o es más difícil de lo que parece? JM Nos encanta colaborar con gente con la que compartimos nuestra manera de ver el mundo, o de la que podemos aprender, o con la

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+ Proyecto de señalización del patrimonio cultural de Roses, que combina miradores estratégicamente construidos, con puntos informativos en código QR.

+ Sistema de mobiliario urbano Relaja, que utiliza el residuo del mármol que se genera durante el proceso de corte y procesado de la piedra en una importante empresa de la isla de Gran Canaria.

que, simplemente, nos sentimos a gusto. En el mundo empresarial, no es fácil topar con esas personas, pero al ﬁnal nos acabamos encontrando. + ¿En qué andáis metidos últimamente? JM En estos momentos, estamos intentando consolidar nuestro estudio a nivel empresarial. Hemos sido seleccionados en un par de programas de soporte a emprendedores que nos están ayudando a mejorar aquellos puntos en los que andamos más ﬂojos. También estamos colaborando en un proyecto de arquitectura sostenible –unas casas modulares energéticamente autónomas-, para el que desarrollamos toda la gama de mobiliario de interior. La premisa es que se apliquen todas las estrategias de ecodiseño necesarias para que los muebles tengan un impacto ambiental lo menor posible. AJ Además, hemos terminado la primera fase de colaboración con Grisverd, una empresa de mobiliario urbano que comparte nuestros valores y que produce de forma local. El resultado está siendo muy positivo, ya que el producto parece que está arrancando con buen pie en el mercado y con la crítica (el banco Nuu ha sido seleccionado

para la fase final de los Premios Delta de Diseño Industrial, los más importantes a nivel español). + ¿Alguna pregunta que no os hayamos hecho y que os apetezca contestar? JM Me gusta que no hayáis preguntado por nuestra manera de trabajar. Pese a formaciones distintas, no nos repartimos las tareas en función de nuestro background académico. Somos muy complementarios y desarrollamos el proceso de diseño de manera conjunta, mezclando y confrontando nuestros puntos de vista desde el principio hasta el fin. AJ Otro aspecto que habitualmente tenemos que defender, es que el diseño es una parte estructural del proceso de creación de los objetos que los hace mejores –y no sólo hablamos de estéticamente mejores-, sino que para nosotros es una herramienta que puede aportar mejoras a la sociedad, tanto desde el punto de vista ambiental como económico. Y no hay utopía por ningún sitio, cuanto más trabajamos, más firmemente creemos en ello. + www. nutcreatives.com

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Jessica Hische Una carcajada de letras y formas Jessica Hische es uno de esos personajes novedosos que, de pronto, empieza a aparecer por todas partes: desde conversaciones hasta blogs, conferencias y publicaciones. Claro que no es pura casualidad, sino que una mezcla de talento, largas horas de trabajo, extrema dedicaci贸n y una personalidad fresca y positiva, lo que hace que la gente quiera tenerla cerca. | Texto: Fernanda Cohen

personas creativas 089 Ilustración

Es por eso que cuando Jessica se graduó en el 2006 de la Tyler School of Art - Temple University en Philadelphia, donde estudió diseño gráﬁco e interactivo, no le fue difícil conseguir trabajo en Headcase Design, un pequeño estudio local de diseño. Entre tapas de libros e ilustraciones vectorizadas, después de trabajar por seis meses allí, Jessica logró perfeccionar su manejo de Adobe Illustrator y adquirió experiencia profesional, tanto en diseño gráﬁco como en ilustración.

drop cap”, sin darme cuenta de que sería por lo que me conocería la mayoría de la gente. Nunca pensé que un proyecto personal podía catapultarte y meterte en el subconsciente del público. Claro que fue una combinación de varias cosas lo que me ayudó a llegar adonde estoy hoy, como trabajar para una gran mujer llena de talento que me empujó a superarme, el tener motivación suﬁciente para trabajar en casa todas las noches –a pesar de estar en el estudio con Louise durante el día-, y el emprender proyectos por iniciativa propia”.

Como todo recién graduado, y gracias a esa sed de querer hacer todo y más, paralelamente se comprometió a re-diseñar la página Web del representante de ilustración Frank Sturges en sus pocos momentos libres. Y, como era de esperarse, no pasó mucho tiempo hasta que Frank vio sus diseños e ilustraciones, y la invitó a sumarse a su grupo de artistas.

Por otro lado, vale aclarar que el hecho de contar con un trabajo creativo de tiempo completo cuando todavía no tenía suﬁciente trabajo como freelancer, ayudó a que Jessica no sintiera tanta presión cuando recién estaba dando sus primeros pasos. Así y todo, sólo le llevó alrededor de dos años hasta que su carrera de autor comenzó a tomar la forma que conocemos hoy.

DE SOLISTA “Enseguida empecé a trabajar en una campaña de autopromoción para mandar por correo para las ﬁestas del 2006-2007. Era un set de postales en el que cada una representaba un día de “Los doce días de navidad”. Imprimí 300 sets y se los mandé a directores de arte en revistas, diarios y agencias de publicidad, y a cinco personas que me inspiraban y me parecían brillantes, como Louise Lili. Louise fue la única que me respondió, me entrevistó en Nueva York, y me ofreció trabajo ahí mismo. Me mudé inmediatamente”.

ILUSTRACIÓN + DISEÑO = LETTERING Para poder entender la superﬁcie del estilo de un artista, es fundamental excavar hasta llegar a las raíces que formaron sus comienzos. Por eso, cuando observamos a los héroes que inspiraron a Jessica a diseñar lettering -como Marian Bantjes y su ex-jefa Louise Fili-, podemos apreciar más el origen de su trabajo, como su evolución y el producto ﬁnal. El uso de ilustración como complemento del diseño a la hora de dibujar lettering es tan prominente en ambas artistas, que no me sorprende cuando Jessica me explica que lo que la inspiró a diseñar lettering: “Fue descubrir el equilibrio perfecto de dos cosas que amo: diseño e ilustración. Me permite trabajar con diferentes estilos sin aburrirme, pero a la vez funciona siguiendo el formato de la ilustración”.

Este fue el principio de dos años y medio plagados de desafíos, aprendizaje, pocas horas de sueño y muchísimas satisfacciones. Pero en cuanto Jessica empezó a tener demasiado trabajo freelance y sintió que había maximizado su experiencia, y se inventó un proyecto que la mantuviera ocupada y motivada, y dentro de una estructura necesaria, a la que venía acostumbrada: “Creé el proyecto “Daily

+ Tapas para libros de la serie Barnes & Noble Classics Leather.

La mayoría de los ilustradores que no recurren al diseño como herramienta de trabajo, no consideran al lettering como una rama de

+ Tipografías para el proyecto Daily Drop Cap.

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+ Aviso publicitario para Bonds Underwear.

+ 12 Days of Christmas, proyecto personal

+ Say It With Flowers, trabajo personal

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la ilustración. Las sutilezas que definen y diferencian a ambos campos generan una polémica que muchas veces borronea qué es qué. “La industria del lettering se maneja exactamente igual que la de ilustración, por eso me considero más una ilustradora que una diseñadora. Trabajo con los mismos clientes, las entregas son similares, la estructura de pago también, y hasta el uso y los derechos de autor son idénticos, lo que es completamente diferente en diseño gráfico. Creo que ‘diseño’ se enfoca más en la diagramación de página, logos, libros, etc”. Esto nos lleva a la conclusión, clara y concreta, que para Jessica estas tres disciplinas están definidas más bien por su estructura, y no tanto por un aspecto visual. Una de las grandes ventajas de poder combinar lettering, ilustración y diseño gráfico es que se abarca una variedad de mercados bastante más amplia y, por ende, se es menos vulnerable a la economía y a los altibajos de cada industria. A su vez, los directores de arte también pueden sacar mucho provecho -y reducir su presupuesto-, al usar un artista que tiene la habilidad de ejecutar varias disciplinas juntas, en vez de tener que contratar artistas por separado. METODOLOGÍA Jessica define su trabajo de letterer como letras y palabras 100% ilustradas. La gran diferencia entre lettering y diseño de tipografía es que “cuando hago lettering para un cliente o mismo por diversión, las palabras sólo existen en ese formato, sin crear un alfabeto completo del lettering para ser tipeado, como es el caso con los tipógrafos. Trabajo como un ilustrador: me manejo con asociación de palabras, mando bocetos en lápiz, y después creo el trabajo final basado en eso. Uso casi exclusivamente Adobe Illustrator, que ayuda mucho a mis clientes cuando hay que hacer cambios rápidos a último momento. Nunca mando archivos vectorizados, ya que no siempre son compatibles al abrirlos. Uso archivos comprimidos Tiff, a no ser que me pidan lo contrario. Dibujo con el mouse y no con la tableta Wacom, ya que mi trabajo es muy detallado, y Wacom funciona mejor con Photoshop”. Más allá del aspecto técnico de su estilo, la imagen pública de Jessica está impregnada de un cierto magnetismo, gracias a un sentido del humor que parece caracterizar su trabajo, tanto personal como profesional. Es un sello que se escapa por los poros de todo lo que hace y muestra al mundo. Y como todo artista, plástico o comercial, es casi imposible esconder la mano detrás de su arte, con todas las cualidades individuales que eso implica. Jessica comenta que “los proyectos que me obligan a esconder mi sentido del humor o me intentan adaptar a algo que no soy yo, son los trabajos con los que no me divierto y, como consecuencia, no salen bien. En cambio, cuando puedo infiltrar algún chiste o personaje zonzo, le termino dedicando diez veces más energía y tiempo”.

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ENTONCES… Jessica Hische no es sólo diseño, ni lettering, ni ilustración. Es un poco de todo y, por ende, más que todo a la vez. Su trabajo, en general, se luce mejor en el mundo publicitario, con clientes como American Express, Leo Burnett, Macy’s y Victoria’s Secret, y sobre tapas de libros de Random House, Harper Collins y Simon & Schuster; por más que, de vez en cuando, la podemos encontrar también en las páginas de The New York Times, Forbes, Wired, GQ y Glamour. Gracias a su participación en tantas industrias diferentes, aunque complementarias, Jessica espera que “pueda educar a diseñadores e ilustradores acerca del uso y los derechos de autor, según el tipo de trabajo y de acuerdo a los standards de cada industria”. Por eso, uno de sus próximos objetivos es involucrarse más en organizaciones de ilustradores, tipógrafos y diseñadores gráﬁcos profesionales, así como su rol actual de consultora para la conferencia americana de ilustración ICON7. Jason Kernevich, uno de los fundadores del estudio Heads of State, describe el trabajo de Jessica como “una combinación equitativa de diseño, ilustración, tipografía, azúcar negra y crema de leche entera”. Jessica y yo estamos absolutamente de acuerdo, por más que yo le sumaría, además, una cereza al marrasquino como broche. + www.jessicahische.is

+ Ilustración Summer Book Preview para el Wall St. Journal.

+ Caro Mikalef y Coni Luna. Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

personas creativas

+ 093 diseño

Cabina Diseño que crea sentidos Coni Luna y Carolina Mikalef le ponen el hombro a Cabina, un espacio ecléctico, multiforme y heteróclito, donde el destino es la comunicación y el medio, el aprendizaje inﬁnito. Creativos, críticos, apasionados, imaginativos y entusiastas, el suyo es un diseño que crea nuevos sentidos. Así nos reciben, a poco de partir al DMY de Berlín. | Texto: Natalia Iscaro

“Somos los que amamos: comunicación, arte, música”, dicen ellos. Y ellos son Coni Luna y Caro Mikalef. Cuentan, además, que fueron pareja, y que nadie entiende cómo se llevan tan bien, ni cómo hoy eligen trabajar juntos. Pero lo cierto es que el mix funciona. Ella, caótica, alegre y llena de energía; él, racional y más afín a la “carnicería capitalista” (en sus palabras), encontraron una fórmula, un secreto, una camino para adentrarse en el enigmático e inﬁnito universo de la comunicación.

mos Cabina. Hasta el día de hoy, Cabina nos sorprende mucho y nos da muchas alegrías.

El suyo es un diseño que crea sentidos. Ilustración, pintura, literatura, cine, arquitectura, net-art…. Las herramientas que utilizan son inﬁnitas, y sus trabajos logran una identidad que se hilvana de a poco, repasando sus trabajos para clientes que van de revistas a empresas petroleras, restaurantes a agencias de modelos, indumentaria y centros culturales. Entre ellos: Juana de Arco, Ricardo Piñeiro, Ciudad Cultural Konex, Tô, YPF, Appeal, Centro Metropolitano de Diseño, BMD, i Deli, Oleada, Carla Di Sí, Adorhada Guillermina, Salsipuedes, Pitocatalán, Benetton, Zaldívar y Bacanal. A poco de partir al DMY de Berlín, una prestigiosa feria de diseño, nos recibieron en su estudio.

+ ¿Se proponen tener algún tipo de perfil de clientes en particular? CL Tratamos de no definir un tipo de perfil. Nos gusta la eclecticidad de entrar y salir de diferentes proyectos, sin importar su escala. No lo digo de canchero, lo digo porque valoramos más el trato saludable con el cliente, nos interesa ese capital. CM Creo que, de proponernos algo, sería lo contrario. La diversidad es lo más interesante, hablar con ingenieros, diseñadores de moda, químicos, músicos y paramédicos es muy enriquecedor en el trabajo.

+ ¿Cuándo nace el estudio? ¿Con qué motivación? CL Como sobrevivientes de una situación post crisis 2001, fuimos gestando el proyecto, en un principio, de manera freelance. Luego hicimos el salto a que ese proyecto se llamara Cabina, y comenzamos trabajando en nuestra casa, en el 2004. Nos motivó la búsqueda del arte en las formas que nos interesaban, y la necesidad de mantenernos económicamente. Junto con Caro hicimos este espacio que nos identiﬁca, entre la necesidad y el placer de hacer lo que nos gusta: ella a través del diseño, la poesía y la música; yo desde el diseño y la ilustración. Además, nos queremos. CM Sí, el tiempo te va dando pistas hacia dónde ir. Nunca planea-

+ ¿Quiénes forman el equipo? CL Caro y yo somos los socios fundadores y directores de arte. Pato y Rodrigo diseñando, y Nati manejando la dinámica del día a día. Los cinco entre el diseño y la adrenalina de los rapi-clientes que piden las cosas para ya.

+ ¿Cuál es su filosofía de trabajo? CM Tratar de pasarla bien en el día a día, trabajar motivados y no tener una idea escindida vida/trabajo. CL No lo pienso en términos de filosofía. Vamos viendo lo que nos pasa en cada proyecto. Caro desde la poesía y el disfrutar todo a escala 1:1; yo igual, pero sumado desde un lado más comercial. MÁS ALLÁ DE LOS LÍMITES Lejos de las teorizaciones y los mandatos estancos, Cabina tiene el norte puesto en la experimentación. “Cada caso activa determinadas áreas de la comunicación”, detalla Caro, y amplía: “En el proceso de diseño, ocurren demasiadas cosas que exceden al diseño o la comunicación. Sí es importante tener una plataforma de sentido preconfigurada, que sirve de soporte a cada instancia de comunicación,

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+ Tô sushi, 2009

signo, o pieza que se cree y perfila de un modo orgánico, pero reconocible, aquello que se percibe como la “imagen” de una marca y la potencialidad en el uso. Pero luego de años y años de manuales de uso de marca, ves la marca en Facebook siguiendo los lineamientos de un tercero…”. + ¿Cómo es el proceso de trabajo? ¿Cuáles son las etapas? CL Fundamental la aprobación del presupuesto y eventualmente la firma de contrato, porque de ahí se pauta el mapa de cómo se trabajará en el proyecto, sea de un cliente informal o de una corporación. El cronograma, desde el principio, funciona como ordenador, entendiendo que necesariamente será modificado. Al inicio, y a modo ordenador, se arma un lineamiento o pautas de qué se debe comunicar. Después, hay un espacio dedicado a la deriva y propuestas –a veces de manera caótica–, y la idea rectora siempre es construir un discurso en la propuesta, bien fundamentada. De ahí sale el anteproyecto, y sobre la propuesta elegida, ajustes, ajustes, ajustes, ajustes… + ¿Qué es la imagen para ustedes? ¿Cuáles son los factores a tener en cuenta cuando tienen que reinventar una marca? CM Crear una plataforma rica en sentido y signos, que permita recrear en cada comunicación el espíritu de la marca que identifica. Si esa plataforma es muy pequeña, se agota rápidamente. No entiendo por qué se siguen haciendo hace años los mismos avisos, con casi las mismas bajadas. Hay algo un poco “agotado” en el mundo de las comunicaciones. + ¿Y cómo trabajan la maqueta de una revista? CL La identidad de una publicación periódica como una revista, se construye en principio desde su concepción editorial –qué dice, de qué trata–; el diseño debe acompañarla y ser consecuente –cómo lo dice–. Si hablamos de mediadores visuales que construyen identidad, puedo decir que todo comunica: la tipografía, la pauta fotográfica, los ritmos, el uso de los blancos, la grilla, la composición en el plano. CM Y vino Facebook…

+ ¿Les ha pasado de sorprenderse del uso que después se hizo de sus bocetos? CL A mí me sorprendió el uso que tuvo la Marca Argentina después de entregada, cómo fue mutando según el cambio de gobierno. Debo reconocer que me divierte ver cómo se distorsionó por el contexto, por el gobierno, por la vida… A esa parte ya no lo controlás, y la verdad es que no me molesta. + ¿Qué es eso que nunca hay que perder de vista a la hora de encarar un trabajo? CL Si tenés base teórica, conocimiento del proyecto y bien educado el ojo, es fundamental “la chispa”: la capacidad de poder cruzar conocimiento teórico versus propuesta innovadora. + ¿Qué es lo que más les gusta de la profesión? CL Hacer lo que nos gusta, pero de una manera eﬁciente, que me permita crecer y viajar, aunque sea sólo para ver vidrieras y comprar libros. + ¿Un error común en la identidad de una ﬁrma? CL Perder el registro de las cosas que se comunican de manera involuntaria. Por ejemplo, el modo en que te atiende la secretaria, etc. CM La relación con los nuevos medios de comunicación y la tecnología; todo eso también comunica, son aspectos muy fuertes de la identidad del sujeto. + ¿Una campaña de la que estén especialmente orgullosos? CL Todo nos llena de orgullo. Pensá que somos muy pocos para la escala de proyectos que abordamos. Hoy nos llena de orgullo exponer en Berlín el próximo junio en el DMY. También me llena de orgullo un folleto que hicimos para un gimnasio…. UNA PROPIA IDENTIDAD Estudio Cabina es irreverente. Se regodea en un universo desmedidamente mediático y culposamente homogéneo, y se las ingenia para

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+ Expanish, 2010

dar un paso al costado. Amigados con el ímpetu comercial necesario para dar vida a cualquier negocio, esta dupla creadora encuentra, sin embargo, un espacio para proponer al arte como herramienta, y la imaginación como medio de inspiración. Una inspiración que no termina sofocada de artilugios novelados: una inspiración que sale a la luz y se recrea, una y otra vez. Así es cómo, de cuando en cuando, aflora un perfil “arty” que los caracteriza, pero que encuentra su justa medida en proyectos que lo reciben y acogen, para nuestra delicia. + ¿Cómo nace el perfil “arty” de la marca? ¿Cómo se las ingenian para que eso no tiña a todo lo que hacen? CL Lo lamento por mis colegas, pero el diseño no es una ciencia dura, y la subjetividad siempre está presente. Entonces, tratamos en lo posible de darle consistencia discursiva a lo que hacemos, como un marco verosímil necesario. Y la parte arty viene desde la impronta; en el momento de imaginar, vamos a imaginarlo “todo”, y vamos a tener total libertad de propuesta de ideas. Admiro al diseñador que se alimenta viendo una peli de Kitano, y que eso después le sirva para otra cosa. + ¿Qué es lo que se va ganando y lo que se va perdiendo con el correr del tiempo? CL Se ganan clientes grandes, se pierden clientes pequeños… a nuestro pesar. + ¿Por qué casi siempre los diseñadores trabajan con poco tiempo y bajo presión? CL Porque no tenemos la espalda suficiente para ocupar un espacio más importante en el proceso del proyecto. Esto es meramente por responsabilidad nuestra. Falta tiempo para afianzar la carrera. CM Creo que es la cultura de trabajo, y que cuando necesitás el trabajo, eso también te hace ceder de algún modo. Es cierto que, por ejemplo, la publicidad se auto-brandea mucho más efectivamente que el diseño.

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+ ¿Qué prejuicios infundados existen en el desarrollo y ejecución del diseño gráﬁco? CM Repetirse uno mismo. Creer que tenemos la verdad absoluta. Usar zapatillas rojas. + ¿Hay modas en diseño? ¿Se aplican o directamente se dejan afuera? CL Existe necesariamente la moda, y es necesario comprar libros, viajar, sacar fotos, ver pelis, consumir arte, alimentarse de lo más contemporáneo, estar atento a eso. Divertirse. CM Claro que sí. Hay toda una estructura invisible tras las cosas, que hace que cada uno de nosotros perciba algo como correcto/incorrecto, moderno/viejacho, cool/malísimo. Lo que subyace es: si estás siempre siguiendo una tendencia, o si de vez en cuando, un poco, un ratito, estás creando una. + ¿Cómo afectó la tecnología al desarrollo de su profesión? CL Nos hizo más vagos para el momento de agarrar lápiz y papel y bocetar. Nos permitió democratizar el acceso a mil cosas que suceden afuera, todo gracias a Internet. Nos hizo más veloces… + ¿Y la tendencia eco? CL Todavía falta para que llegue acá. Al porteño le interesa cargar X combustible porque anda más rápido el auto, y no porque ese combustible contamine menos el medio ambiente. Es una cuestión cultural, pero en algún momento, llegará el cambio. CM Ni hablar de la separación de residuos en las casas, todavía nos cuesta o nos da pereza el hábito eco. + ¿Qué consejo le darían a un estudiante de diseño? CL Que lea. Que visite páginas copadas. Que vaya a galerías. Que escuche música. Que vaya al cine. Que cocine de manera original algo rico para su novia. + www.espaciocabina.com.ar

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Yohji Yamamoto Un poema japonés al mundo

A treinta años de la primera colección de Yohji Yamamoto en París, el museo londinense Victoria & Albert se inspira en el diseñador japonés y lo homenajea con una retrospectiva que durará hasta julio. 90+10, también inspirada por sus diseños, celebra su trayectoria a través de esta nota. | Texto: Carolina Prioglio. Foto: Koichi Inakoshi

Existen ciertas razones por las que, a lo largo de la historia, se puede caliﬁcar de vanguardistas a determinados creadores, sea en la disciplina que sea. Pero para poder comprender por qué resultaron novedosos en ese entonces y cómo abrieron un nuevo horizonte en la moda para las nuevas generaciones, hay que situar la mente dentro del contexto en el que surgieron. Así resulta fácil entender por qué Coco Chanel a comienzos del siglo XX y Christian Dior a mediados fueron, por ejemplo, dos diseñadores avant-garde. En el caso del creador japonés Yohji Yamamoto, basta con mencionar un dato para deﬁnirlo no sólo como un vanguardista, sino como un osado -aunque él no fuera del todo consciente-: el diseñador debutó en la semana de la moda de París a comienzos de los 80,

con un estilo en el que la ostentación, lo sexy y lo lindo fácilmente digeribles no tenían un lugar protagónico, y en un entorno en donde Thierry Mugler, Claude Montana o Azzedine Alaia eran los referentes del momento, los aclamados. Así, la década del “Power Dressing” pronto se convirtió en paralelo en la de la vanguardia japonesa, que le dio a la moda una forma austera y conceptual, y lo más importante: entrenó el ojo hasta que fuera aceptada. Pero a ese dato se le agregan otros; en eso de establecerse en París e instalar una nueva filosofía acerca de la ropa, Yohji Yamamoto no estuvo solo. Lo acompañaron los diseñadores Rei Kawakubo -su ex novia de la juventud, al frente de la firma Comme des Garçons-, e Issey Miyake, quienes también fijaron cuarteles

personas creativas

+ 097 moda

+ Otoño-Invierno 2009-10. Fotos: Monica Feudi

creativos allí, para luego expandirse hacia otras ciudades -Miyake ya lo había hecho en los 70. Cada uno con una perspectiva indumentaria muy personal, pero compartiendo la aﬁción artística y poco comercial -por lo menos a los comienzos- en el desarrollo de las colecciones y la imagen de marca. Un acercamiento al universo Yamamoto pone en evidencia una ideología que se sintetiza bajo las siguientes premisas: abstracción, atemporalidad y asimetría en la construcción, que generaron una nueva relación entre la ropa y el cuerpo; un acento sobre las capas, los volúmenes y los drapeados; y una paleta poco pretenciosa sobre prendas leales a la tradición japonesa y, al mismo tiempo, de gran contemporaneidad. Pero por más complejo que parezca, en la ropa de Yamamoto todo encuentra su lógica al observar las piezas acabadas. Un estilo que invita no sólo a ser vestido, sino también observado. Por eso, aprovechando que en el 2011 el diseñador cumple 30 años en la moda occidental, el museo Victoria & Albert de Londres -uno de los pocos que cuenta con una muestra permanente que revisa la historia de la moda- lo homenajea, desde el 12 de marzo hasta el 10 de julio, con una exposición retrospectiva que recorre en detalle el estilo del creador. Siguiendo la impronta poco convencional que le aporta Yamamoto a la moda, las más de 80 piezas están diseminadas por varias salas del museo, y complementadas con imágenes y videos, que ayudan a contextualizar mejor su carrera a través de distintos formatos y muestran su activa faceta como colaborador en distintos proyectos. La línea Y-3 que desarrolla desde hace diez años con adidas es el ejemplo más claro, pero no el único: ha colaborado con las ﬁrmas Dr. Martens, Hermès y Salvatore Ferragamo, y regularmente con el fotógrafo inglés Nick Knight, y con artistas como el director de cine Takashi Kitano, y los músicos Elton John y Placebo.

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Todo lo cual resulta bastante paradójico, cuando se lo escucha decir abiertamente que detesta al sistema de la moda. Ya que a diferencia de lo que hacen otros con la misma filosofía, Yamamoto no se mantiene alejado de los representantes más populares de esa moda, sino que colabora con ellos. Y una vez más, la lógica prevalece: lo hace para acercar su enfoque vanguardista al público en general. Más allá, Yamamoto sigue manteniendo las líneas principales de la compañía, para hombre y mujer, que fundó durante los 70 en Tokio, su ciudad natal. Allí fue criado por su madre, ya que su padre había muerto durante la Segunda Guerra Mundial. Siempre supo que quería confeccionar ropa, pero nunca tuvo la ambición de convertirse en un diseñador de fama mundial. Antes de estudiar indumentaria en el Bunka Fashion College de esa misma ciudad, estudió la carrera de derecho en la Universidad de Keio y, luego de recibirse, trabajó en la tienda de costura de su madre hasta que hacia finales de los 70 diseñó su primera colección presentada en Tokio. En medio del romance con Kawakubo, se dio el viaje a París que le cambió la vida. La vanguardia japonesa de la que Yamamoto es una pieza fundamental no quedó inerte, sino que se reprodujo en una segunda generación que consolidó aún más las bases del diseño japonés: Junya Watanabe, Tsumori Chisato, Kosuke Tsumura, Jun Takahashi y Limi Feu, hija de Yohji. Desde el Victoria & Albert Museum dicen que el diseñador “reescribió las nociones de belleza en la moda”. Personalmente, creo que existe una definición mejor: más que redefinir a la belleza, Yamamoto propuso una mirada paralela, y abrió el campo de la percepción. Mostró que existen nociones estéticas que franquean los estereotipos universales de lo obvio y convencional y, lo mejor de todo, enseñó a disfrutarlas. +

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D*Face Arte apopcalíptico El artista urbano inglés es uno de los más controvertidos e interesantes en la actualidad, y llega a Buenos Aires para participar del Puma Urban Art. | Texto: Carolina Prioglio.

Sus pinceladas, stencils, posters y stickers -y los personajes en ellosimprimen contenido social y cultural a las calles de Londres y las principales ciudades del mundo desde comienzos del 2000. Pero no solamente a las calles, sino también a los museos, las galerías y las colecciones personales que encuentran en D*Face a un gran observador de la realidad. Él mismo deﬁne a su trabajo como aPOPcalíptico. En la cuarta edición del Puma Urban Art, el 28 y 29 de mayo, el artista será una de las visitas internacionales más importantes. Lo acompañarán Mark Dean Veca, dibujante, pintor y creador de instalaciones estadounidense, y Frank Kozik, el artista de origen español.

Todos hablarán y pintarán en vivo en el Centro Cultural Recoleta. También se presentarán artistas locales como Estudio2veinte, Bosque, Martín Orza, Il Santito, Juan Abba y Martín Diez entre otros. En la grilla del evento, también está programada la proyección de documentales y cortos sobre arte urbano de Banksy y el mismo D*Face, y la presentación de varias bandas como Niña Dioz, El Chavez, No Lo Soporto, Dietrich, Maxi Trusso, Mujik, Ovnis, Manta Raya, Go Neko, Los Lenguas, Fantasmagoria, Coiffeur y Nairobi. Además, en este contexto, se mostrará por primera vez, el nuevo modelo de zapatillas Puma 917 Punk, con un diseño que incluye el

personas creativas

+ 099 arte

+ Dead dollar

dibujo de un alﬁler de gancho, un ícono en la cultura Punk y del Do it Your Self. Mientras tanto, D*Face habla en exclusiva con 90+10 sobre su trabajo. + ¿Cómo son los personajes que habitan tus creaciones? D Todos ellos rodean la cultura popular y la creciente fascinación de la sociedad por la fama y las celebridades, y el impulso por conseguirlos. Me gusta explorar la conexión entre la gente y las estrellas, y ese pedestal en el que los ubicamos. La idea del reconocimiento me resulta fascinante. Hay tantas cosas en la vida que dependen de él… Además, me interesan otros conceptos como el contraste, la subversión, la yuxtaposición, el conﬂicto, la reacción, lo llamativo y lo brillante, lo oscuro y lo retorcido. + ¿Hay algún mensaje que guíe todas tus obras? D Sí, y el mensaje es el mismo desde los comienzos: “observar y no solamente ver”. Me gusta que el espectador cuestione lo que lo rodea y, a través de mi trabajo, poder confrontarlo con aquello, haciéndole preguntas y debatiendo sobre su relación con el alrededor. Suena bastante cargado, pero me gusta hacer esto con un toque de humor, sátira e ironía.

sorprendido y agradecido, y más tarde la gente comenzó a comprarlas. No tengo muy claro qué le gusta a la gente de mi trabajo. Espero que tenga algo que ver con la relevancia, la estética y la subversión que proponen. + ¿Pensás que tu obra tiene cierta relevancia social y la seguirá teniendo con el pasar del tiempo? D Tengo suerte de estar dentro de la colección de artistas que han contribuido para crear un movimiento artístico. Por mucho tiempo, la gente ha cuestionado su validez y duración, pero creo que esas preguntas ya no son relevantes. Hoy tengo el privilegio de trabajar con museos, colecciones privadas, numerosas publicaciones, y sobre las paredes de muchas ciudades alrededor del mundo. ¿Si pasan la prueba del tiempo? Sólo el tiempo tiene la respuesta. + www.dface.co.uk | www.urbanartfest.com

+ ¿Por qué deﬁnís tu trabajo como apopcalíptico? D Porque es una mezcla de arte pop, junto con los retratos que siempre nos brindan los medios de comunicación, de crisis global inminente, tristeza, la vida y la muerte. + ¿Cuánto de tus preocupaciones e intereses se reﬂeja en tu trabajo? D Todo lo que soy se traduce en mi trabajo. Mis experiencias, mis inspiraciones, mis logros y fracasos. Por eso, cuando la gente me pregunta cuánto tiempo me lleva realizar una obra, les digo que me lleva cada minuto, cada año de mi vida. Me llevó mucho tiempo darme cuenta de esto. Es un error pensar que tardar seis días en hacer algo tiene menos valor que si llevó seis meses o seis años. Esa regla no tiene sentido, porque se basa en fortaleza, y no en estética y relevancia. + ¿Por qué creés que a la gente le interesa tu trabajo? ¿Qué buscas que vean en él? D Mi trabajo siempre ha sido un acto de auto-indulgencia y lo sigue siendo. Sin embargo, antes no tenía idea que la gente prestaba atención a lo que yo hacía en las calles. Sólo era liberación de energía, un simple acto de autoexpresión. Por eso, años después, cuando empecé a notar la repercusión que tenían mis obras en las calles, estaba muy

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+ Cliché

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+ Pablo Galuppo y Vik Arrieta. Foto: Maia Croizet para www.watio.com.ar

personas creativas

+ 101 diseño

Monoblock Ilustrar la vida cotidiana Cuadernos, postales, stickers, latas, bolsas, miniaturas, skins y mucho más. Todos estos objetos, deliciosamente ilustrados por jóvenes talentos nacionales, se dan cita en la línea de productos Monoblock, un emprendimiento que nació para ubicar el arte de la ilustración y de las ideas en un nuevo lugar.

| Texto: Jorgelina Peciña

Integran Monoblock Vik Arrieta, de 30 años, formada en Ciencias de la Comunicación, y Pablo Galuppo, de 35, diseñador gráﬁco. Este dúo, hoy conocido por ser el creador de una línea de productos compuesta, entre otras cosas, de cuadernos y agendas ilustradas por artistas emergentes, ha recorrido un largo camino. Desde brindar servicios de agencia para clientes varios, hasta animarse a dar un paso al costado para apostar a un proyecto creativo con futuro incierto. “Nos conocimos en un ámbito laboral. Vik trabajaba en una editorial donde yo era el proveedor de diseño”, explica sobre el inicio de la relación Pablo, a lo que Vik completa: “Yo buscaba otro trabajo, y él me pidió los datos para un supuesto proyecto… Mentira, ¡me estaba tirando los perros!”, comenta entre risas frente a la mirada cómplice de su socio no sólo en el amor, sino también en lo laboral. Luego de ese intercambio de datos en la época pre-Facebook, no se volvieron a cruzar. Sin embargo, las casualidades hicieron que una noche se encontraran en un bar, y es ahí donde arrancará la historia de amor que, a la brevedad, también se convertiría en la dupla laboral que hoy forma Monoblock.

cliente compre. Fuimos descubriendo las capacidades de cada uno. Y así, pasamos de ser pareja a trabajar en equipo. + Pregunta trillada, pero obligada: ¿cómo es trabajar y ser pareja al mismo tiempo? VA Tenemos una forma muy independiente para trabajar, nunca competimos. Somos grandes alentadores el uno del otro. Siempre nos resultó fácil, cada uno tiene su lugar. Mi ámbito es el de la palabra, la estrategia. Nuestra forma de trabajar es como una danza: cuando uno se mueve para un lado, el otro lo acompaña. Es muy intuitivo. PG Lo mío es la producción, pero todo es consensuado. Las cosas importantes, las que son trascendentales, las vemos juntos. Las otras, bueno, las mira cada uno por su cuenta. + Hablemos del nombre, ¿por qué Monoblock? PG Estábamos trabajando juntos ya, y a esto que estábamos haciendo había que ponerle un nombre. Nos gustó Monoblock por la fonética, por lo que representa, una unidad.

+ ¿Cómo arrancó Monoblock? VA Arrancó hace, más o menos, siete años. Monoblock tiene dos etapas: la primera como agencia y, la segunda, como “Industry of Imagineering”, editorial sobre objetos. En la primera, arrancamos un poco de casualidad, trabajando juntos. PG Coincidimos en un cliente, y nos dimos cuenta de que nos estaba pidiendo lo mismo. Vimos que teníamos una oportunidad de trabajar juntos y, en época de crisis, no la dejamos pasar. Además, éramos complementarios: yo hablo poco, escribo poco, hago; mientras que ella tiene la capacidad de expresarse y de escribir de manera que el

+Hablaron de dos etapas, una inicial como agencia, brindando servicios, y una segunda como editorial de objetos. ¿Qué me pueden contar de este paso? ¿Fue una evolución? PG Nos dimos cuenta de que teníamos la capacidad de hacer muchas cosas en comunicación, por las habilidades y por el espíritu que tenemos de hacer. Desde el 2004, estuvimos buscando qué hacer y nos probamos en varios ámbitos. Trabajar con empresas para hacer sólo cosas a nivel corporativo, no era lo que buscábamos. Hoy seguimos trabajando con empresas, pero a otro nivel. Por ejemplo, con Unicef. Lo que podés hacer con Unicef te moviliza desde otro lugar; es trabajar con la educación, es más lúdico.

+ Lata por Ana Sanfelippo.

+ Cuadernos de viaje: Río de Janeiro por Mopa.

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+ Individuales por Sol Linero.

VA Cuando nos comprometemos con un proyecto corporativo que nos entusiasma, lo tomamos y damos lo mejor. Yo creo que lo que nos pasó y nos ayudó a definirnos y crear la editorial de objetos, es que nos dimos cuenta de que había contenidos que no podíamos trabajar con las marcas. Los proponíamos y no había forma de avanzar. Entonces, pensamos en hacerlo nosotros. UNA EDITORIAL DIFERENTE, DE OBJETOS Cuando se menciona la palabra editorial, automáticamente se piensa en libros. Sin embargo, en el caso de Monoblock, también habrá que pensar en agendas, cuadernos y una lista siempre creciente de nuevos objetos, creados para acompañar la vida diaria con la ilustración como eje principal. + ¿Cuál fue el primer trabajo que lanzaron como Monoblock editorial? PG Un cuaderno, pero sin un fin comercial, era para regalar a los clientes. Nos gustó, nos entusiasmó. VA Descubrimos el soporte, el lugar que buscábamos para comunicar. De repente, teníamos en la mano un soporte posible, un formato válido para comunicar ilustraciones de artistas muy talentosos que están por ahí dando vueltas. Nosotros los llamamos “autores”, no nos interesa definir su relación con el arte. Queríamos ir a lo simple y generar una relación con un artista y la gente.

+ ¿Quién es el cliente hoy? PG Hoy, nuestros clientes son los que consumen nuestros productos y las tiendas que los comercializan. VA Evolucionamos de la parte de servicios a la actual. Igual, seguimos con clientes corporativos que nos demandan y que quieren seguir trabajando con nosotros. Hoy el foco como Monoblock es editar los cuadernos y el resto de productos que trabajamos con los autores. + Selección de autores, ¿cómo la trabajan? PG Los autores que buscábamos eran emergentes, surgían de las redes sociales: primero del Fotolog, luego del Flicker, hoy del Facebook. Fue trabajar con esa gente, y salir un poco de lo que era tradicionalmente considerado arte. Con muchos seguimos trabajando hoy, gente que creció mirando MTV, que hacía street art, grafﬁti, etc. Quizá, para el público masivo, no existían. Hoy las marcas ya los usan, inclusive la prensa también. Primero vemos su autoría, su impronta, que sea original. Segundo, vemos la empatía que nos generan. VA Nos buscan y los buscamos, aunque la mayoría los buscamos nosotros. Algunos autores actuales recomiendan a otros. Esa empatía de la que habla Pablo tiene que ver con nuestro concepto “Live the love”, que es transmitir ciertas cualidades al mundo, que es otro de los rasgos que tiene el proyecto: se busca trabajar en serie. Todas las series tienen un concepto, por eso es importante que el autor

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+ Cuadernos Macanudo y Olga por Liniers.

+ Cuaderno de viajes: New York por Fernanda Cohen y Darjeeling por Anke Weckmann.

entienda y pueda trabajar dentro de una serie. Por ejemplo, está la de viajes. Cada autor tuvo que trabajar sobre su interpretación de vivir el amor en un viaje, en una ciudad. El arte es exclusivo de cada cuaderno. EN LA BÚSQUEDA DEL ESPACIO IDEAL Una vez encaminado el proyecto de la editorial de objetos, los chicos de Monoblock se enfrentaron a un nuevo desafío: ¿dónde vender la línea de productos? Y el camino no fue fácil, ya que dentro de las librerías, por ejemplo, no existía un espacio para los productos con ilustración. Ellos mismos cuentan la solución al desafío. + ¿Cómo encontraron el canal para la venta? VA Cuando empezamos, hicimos mucha investigación, proyecciones, etc. En 2007, hicimos la presentación oﬁcial en el TrimarchiDG. Nos presentamos: `Somos Monoblock y hacemos cuadernos´. ¡Nos compraron todo! Pero aún no estaba el canal listo, no había tiendas que vendieran cuadernos de ilustración, los gerentes de sucursales no sabían dónde ubicarlos para la venta. Fue un proceso. Recién a ﬁnes del año pasado se vio el cambio. También, pasamos de hacer cuadernos anillados a cocidos, y editamos a un artista como Liniers, que nos ayudó comercialmente. La marca creció y el canal, también. Monoblock dejó de ser una marca sólo para diseñadores, y nos empezaron a conocer en otros ambientes.

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+ ¿Dónde está Monoblock hoy y qué papel ocupan las redes sociales en su estrategia de marca? VA La marca creció y se fortaleció, es reconocida y buscada por la gente. Todo está dado para que crezca. Las redes sociales son fundamentales, desde el principio estuvimos allí, ya que quisimos tener una relación directa con el consumidor, escuchar su voz y entender qué es lo que quiere. Por ejemplo, en Facebook hacemos concursos y la gente participa mucho. Hay una interacción increíble y nos encanta estimularla. Somos muy pro Facebook. + ¿Qué se viene para Monoblock en 2011? VA Seguiremos desarrollando y buscando nuevos productos. Por ejemplo, los skins para la computadora personal, que vienen con stickers. A diferencia de lo que hay hoy en el mercado, los podés pegar y re pegar, son más gruesos y tendrán autores varios. También, tenemos una serie nueva, “Santuarios”, que son miniaturas de animalitos en extinción. También está la línea de latas, que venimos haciendo desde el año pasado, pero la ampliamos y las hacemos con otro material. La idea es poder profesionalizarnos cada vez más. Este año cumplimos cinco años y los festejaremos en TrimarchiDG. Hay muchos más proyectos, pero no los adelantamos, un poco por cábala, y otro poco porque estamos avanzando y queremos estar seguros antes de comunicarlo. + www.monoblock.tv

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adidas Originals Blue Denim de pies a cabeza El denim llegó para quedarse y ser parte integral de la nueva colección adidas Originals Blue. La colección adidas Originals Blue introduce la primera línea de denim de la marca, con un estilo contemporáneo, destinada a hombres y mujeres que marcan tendencia. Su nombre le rinde homenaje al color icónico de Originals, “bluebird”. Una propuesta integral que incluye indumentaria, calzado y accesorios, que pueden usarse en cualquier ocasión, y que toma modelos de archivo y los reinterpreta acorde a la moda urbana actual, conjugando elementos clásicos y deportivos de una nueva forma. Para los hombres, los calces clásicos Conductor y Rekord, de corte moderno y chupín. Para la mujer, Cupie, con calce ajustado, y un calce boyfriend llamado Winneta. Todos los diseños están pensados para combinarse con las zapatillas de la marca y, como novedad, el primer protector de calzado en un jean, con un material especial en la parte interna del ruedo. Detalles variados, sutiles y soﬁsticados para convertir al jean en parte de la vida cotidiana. En cuanto a los accesorios, sorprende una línea de carteras con lona reversible, interiores desmontables de nylon y mochilas símil cuero. El modelo Computer Bags es ideal para trabajar o para un viaje de ﬁn de semana. Los colores lisos y el uso de las tres tiras marcan lo deportivo y el toque elegante de la colección. + www.adidas.com

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ideas creativas

+ 105 moda

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+ Citroën DS4

Salón del Automóvil de Buenos Aires Los autos que se vienen En un contexto de fuerte crecimiento en el sector automotriz, llega la quinta edición del Salón del Automóvil de Buenos Aires. Se estima que será la de mayor concurrencia en su historia. | Texto: Elvio Orellana

Ciudad cosmopolita reconocida por sus tangos, su arquitectura multifacética, su ritmo de vida frenético, y que a partir de dos meses lo será también por los autos. Es que desde el 17 al 26 de junio, Buenos Aires (más especíﬁcamente, La Rural de Palermo), volverá a ser sede de una nueva edición del Salón del Automóvil, luego de un “impasse” producido en el 2009, a causa de la crisis económica que azotó al mercado automotor mundial. De este modo, esta quinta edición del salón porteño -que tuvo sus ediciones en los años 1998, 2000, 2005 y 2007-, se prepara con gran expectativa para recibir la presencia de todos los fabricantes de las marcas generalistas, mientras que es casi seguro que acontecerá lo mismo con los importadores de automóviles, pese a los problemas que padece el sector, por las restricciones que el gobierno nacional pretende imponer al ingreso de los vehículos de alta gama. LOS QUE YA CONFIRMARON De momento, ya se puede considerar como oﬁcial que esta vidriera al mundo con sede en la Ciudad de Buenos Aires, contará con la

presencia de alrededor de 70 expositores, entre los cuales se destacarán: Alfa Romeo, Audi, Chrysler, Citroën, Dodge, Ferrari, Fiat, Ford, Honda, General Motors, Iveco, Jeep, Mercedes-Benz, Nissan, Peugeot, Renault, Scania, Seat, Smart, Toyota y Volkswagen. Lo que es lógico no fue validado aún públicamente por parte de los voceros de cada firma, son las novedades que se presentarán en cada stand. No obstante, hay modelos cuya presencia está garantizada en esta feria, tras el escaso tiempo que queda para que desembarquen en nuestro mercado. ESPIANDO DEBAJO DEL VELO Se sabe entonces que entre las novedades que aprovecharán este salón para salir a los ojos del mundo, figura el Citroën DS4, el segundo modelo de familia DS, que le sigue al recién lanzado DS3. Recordemos que la firma francesa decidió crear una nueva línea de productos que se denomina DS, con un diseño diferente, equipamientos más completos, avanzados y lujosos. De este modo, la marca aprovechará esta edición del Salón para presentar al DS4, un modelo desarrollado sobre la plataforma del C4 de última gene-

ideas creativas 107 vehículos

+ Fiat Bravo

ración, pero dueño de un aspecto más deportivo, con líneas estilísticas similares a las de una coupé, principalmente por su caída de techo y sus curiosas puertas traseras, en las cuales las manijas de apertura se mantienen ocultas en el parante. Este modelo se ofrecerá con cinco motorizaciones: dos turbodiesel (HDi de 110 y 160 caballos) y tres nafteras de 1.6 litros, aspirada de 120 cv, turbo de 155 cv y turbo de 200 CV. Otra de las marcas que tendrá un fuerte protagonismo será General Motors, quien se sabe que preparó tres grandes novedades en tres frentes diferentes. Por un lado, estará la última renovación del legendario Chevrolet Camaro, el muscle car de la marca norteamericana, que había cesado su producción por espacio de siete años, y que su llegada a la Argentina sería casi un hecho. Su desembarco lo hará provisto con un motor V8 de 406 CV, el mismo que equipa a la versión que ya circula en Brasil. La otra gran novedad, quizás más la trascendental para la marca, será un prototipo que adelantará nada menos que a la sucesora de la actual pick-up S-10, que será presentada durante el año 2012. Completaría el porfolio de novedades de GM el Celta, el cual llegaría también el año que viene, y reemplazaría el lugar que dejó vacante el Corsa Classic de tres puertas. La ﬁrma del rombo, por su parte, exhibirá sus últimos modelos lanzados al mercado, como el Fluence y el Mégane III, aunque seguramente todas las miradas se posarán sobre la Latitude, un novedoso SUV (Sport Utility Vehicle), que será desarrollado en Brasil y que

competirá fuertemente con la Ford Eco Sport. La ﬁrma japonesa Toyota, engalanará su stand con la actualización del Corolla, que hace muy poquito fue presentado a la prensa especializada; al igual que Volkswagen, que incluirá en su espacio, a los renovados sedanes de gama media y alta: el Vento y el Passat los cuales ya pudimos ver en la última edición del Salón de San Pablo. La ﬁrma Fiat, por su parte, engalanará su stand con el Bravo, un hatchback que se sumaría al segmento C del mercado local reem-

+ Chevrolet Celta

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+ Peugeot 508

plazando al Stilo, y se ubicaría en la gama de la marca por encima del Palio. Se estima que llegará en tres versiones: Essence, Absolute y T-Jet 1.4 turbo, siendo esta última la más deportiva de todas. Otro de los stands que prometen aglutinar a muchos visitantes, tras el éxito de ventas que viene alcanzando la firma con apenas un año de presencia en nuestro mercado, es el de la firma Smart con su modelo Fortwo (para dos). Este pequeño citadino (2,69 metros de largo, y 1,56 de alto y 1,75 de alto), estará presente en las dos versiones que ya se comercializan en nuestro país: coupé y cabrio (descapotable), las cuales comparten un propulsor naftero de 1.0 litros turbo alimentado de 84 CV de potencia, que alcanza una velocidad máxima de 145 km/h y consume 4,9 litros cada 100 kilómetros. Por último, no podemos dejar afuera de esta lista a la firma del león, quien exhibirá como gran primicia al Peugeot 508, el cual llegará en el segundo semestre de este año, para convertirse en el modelo tope de gama de la casa francesa. Se presentará en la versión tricuerpo (que mide 4,79 metros de largo), y una familiar que resulta 2 cm más larga que el 508 sedán.

+ Smart Fortwo

Con este breve pantallazo, nos adentramos de a poco a lo que será la quinta edición de un Salón que, por la gran recuperación que tuvo la industria automotriz en este último ciclo, promete tener un tinte muy especial. + www.elsalondelautomovil.com.ar

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Geolocalización Cómo confluyen los mapas y la tecnología La geolocalización es hoy una realidad: con un teléfono móvil es posible saber no sólo donde está uno, sino también tener acceso sencillo a muchísima información sobre el mundo que nos rodea.

| Texto: Ricardo Sametband

+ GPS Garmin para autos

La historia está llena de puntos de inflexión, de momentos en los que puede separarse lo que fue de lo que será. En algunos casos, esos quiebres tienen un impacto inmediato: una batalla o una votación, por ejemplo; en otros, son esa gota que forma un hilo de agua, luego un arrollo, y termina por inundar todo. En el caso del loco mundo de la geolocalización, hubo que esperar unos 50 años para que algo que nació como una escaramuza de la Guerra Fría, se transformara en un elemento que define cómo muchas personas viven hoy. Fue en 1957 cuando la Unión Soviética puso en órbita el primer satélite artificial (el Sputnik) y provocó un vuelco en el mundo de las telecomunicaciones. También dio pie a que la armada estadounidense creara, en la década de 1960, el primer sistema de posicionamiento global por satélites, que hoy (con varias modificaciones) conocemos como GPS. Este sistema consiste en una constelación de 32 satélites que orbitan el planeta transmitiendo una serie de señales; el receptor triangula varias de ellas (más de 4, idealmente), para

determinar su posición en la superﬁcie terrestre, con una precisión de 10 metros o menos. Aunque tuvo un inicio militar, los Estados Unidos lo abrieron al uso civil indiscriminado en 1983, aunque el primero de los satélites para uso público fue lanzado en 1989, y el 24to. en 1994, ofreciendo el número básico de señales para hacer una triangulación exitosa. Alguna vez exclusivos de barcos y aviones, hoy los GPS están en todos lados: autos, celulares, notebooks, cámaras digitales, taxis, camiones, expendedoras de bebida, parquímetros, gasoductos; los usa gente que sale a correr, que camina por la montaña o que quiere saber dónde está y cómo puede llegar al otro lado de la ciudad. La agencia ABI Research estimaba en 450 millones la cantidad de dispositivos con GPS que se venderían en 2010; IDC conﬁrmó que fueron 270 millones los smartphones vendidos el año pasado (casi todos con GPS).

ideas creativas 111 tecnología

El GPS alguna vez sirvió sólo para ver en qué lugar del mapa estaba nuestro vehículo, pero con la miniaturización del sensor, fue posible incluirlo en los teléfonos móviles, y las opciones de uso se multiplicaron, como tempranamente reconocieron en Nokia: en 2007 compró a Navteq -una empresa que hace mapas de todo el mundo- por 6000 millones de dólares, mientras que el fabricante de GPS portátiles TomTom se quedaba con TeleAtlas (el otro gigante de la cartografía) por 2700 millones de dólares, también ese año. Hoy el GPS se usa para una enorme cantidad de cosas, desde controlar una flota de taxis o camiones, verificar la posición de una boya cerca de la costa, hasta determinar la ubicación de un político o un niño, pasando por un abanico de opciones que incluyen geoetiquetar fotos para saber mejor dónde fueron tomadas, ayudar a ciegos a moverse con facilidad por Turín, monitorear el camino de ganado en Texas y Finlandia, o combatir el fraude en la industria financiera, agregando un sello horario a cada acción vendida. BMW prepara un motor que usa el GPS para saber cómo viene el camino en términos de curvas o límites de velocidad y hacer cambios de marcha antes de que los haga el conductor. “El mapa fue la base de todo -explica Fernando Villasol, director de producto de Navteq para Sudamérica-. Después se fue enriqueciendo cada vez más, con lo que se denomina puntos de interés”. Los primeros fueron estáticos (como un monumento o un cajero automático), a lo que se le sumó cada vez más información, llegando al contenido dinámico, como por ejemplo ver en el mapa el estado del tránsito, u ofertas de producto del día en comercios cercanos a nuestra ubicación. Los mapas siguen incorporando información y evolucionando: según Villasol, Navteq tiene disponibles dos nuevas aplicaciones para lograrlo. Por un lado, la navegación de interiores -donde no hay señal de GPS- usando redes Wi-Fi que previamente fueron geolocalizadas; luego, el servicio True, que usa un lidar (un radar láser) para digitalizar y geoposicionar los frentes de los edificios, creando mapas urbanos tridimensionales de altísima precisión. Pero el uso del GPS ha ido mutando, sobre todo con la popularización de los smartphones; estamos yendo de un mundo en el que el usuario quiere saber su posición a otro en el que esa ubicación se comparte para enriquecer el entorno.

+ Mapa digital de Buenos Aires, con referencias históricas modeladas en 3D.

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+ Google Maps

Así nacieron Gowalla en 2007 y Foursquare en 2009: son servicios que permiten compartir con amigos los lugares que el usuario visita, incluyendo recomendaciones, fotos, etc., y que juntos sumaban casi 7 millones de usuarios a principios de este año. Google y Nokia, mientras, ofrecen servicios en sus mapas digitales que permiten saber la ubicación del usuario y de sus contactos. La idea es que si ven que están cerca, puedan definir un punto intermedio para encontrarse. Twitter permite geolocalizar las actualizaciones del perfil para ofrecer tweets generales relevantes, según la ubicación del usuario. Y Facebook tiene Places, su servicio de publicidad basada en la localización geográfica: muestra ofertas cercanas a la ubicación del usuario, algo que también ofrece la empresa argentina Oony (http://oony.com.ar). “Cuando uno comparte su ubicación, está haciendo una geolocalización activa -advierte Tobías Girelli, uno de los fundadores de Di Oui (www.dioui.com), otro servicio argentino que a las ofertas según ubicación, suma una pata social-. Nosotros brindamos un servicio en el que el usuario puede saber más sobre la gente que lo rodea, pero en forma pasiva, sea para saber quién es esa chica que le gusta en un boliche (si ella activó su perfil) o conocer a los extraños habituales, esa gente del barrio que uno se cruza habitualmente, pero con la que no entabla relación”. En el uso futuro del GPS se agrega, según Girelli, el geomarketing: mostrar publicidad -en pantalla, en la calle, en la televisión- que se ajuste no sólo a los gustos del usuario, sino al lugar donde se verá. La clave del futuro del geoposicionamiento está en lo que se conoce genéricamente como servicios basados en la ubicación (LBS, según sus siglas en inglés), sea en un mapa tradicional o en una versión más alocada, como la realidad aumentada: aplicaciones como Layar transforman un smartphone en una ventana que permite ver muchísima información sobre el mundo que nos rodea, y que depende del GPS para mostrar lo que dice Wikipedia sobre la estatua que se tiene enfrente, o alertar de un recital que se hará en esa plaza más tarde. Se trata, en definitiva, de usar la tecnología para enriquecer el contexto en el que se mueve la gente, y llenarlo de información que pueda resultar útil. Pendientes de una discusión que quizá nunca se resuelva, quedan el definir cómo afecta esto a la privacidad de la gente y a cómo ellos eligen relacionar un entorno que sigue siendo analógico, con una sociedad cada vez más digital. +

+ Foursquare

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Unik Experiencia única Misteriosa Buenos Aires, la ciudad que siempre cuenta con un nuevo rincón para conocer. En abril, fue el turno de la apertura de Unik, un restaurante que promete desde una carta singular hasta un mobiliario tan destacado como diferente.

| Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Gentileza Unik

Unik abrió sus puertas en abril de 2011, con un concepto pensado para marcar la diferencia: conectar lo más destacado de la gastronomía con lo mejor del diseño mundial; todo esto, con sede en Buenos Aires (Soler 5132). Pensado y diseñado por Marcelo Joulia, el arquitecto franco argentino fundador y director del estudio Naço Arquitectures y dueño de la tienda El Galpón y el restaurante Único, ambos en París, Francia, se perﬁla como uno de los espacios imperdibles de visitar por locales y extranjeros que busquen una experiencia culinaria que comprometa todos sus sentidos. El nuevo restó se ubica en Palermo Viejo, uno de los centros gastro-

nómicos más importantes de la ciudad, con gran variedad de cafés, casas de diseño y restaurantes, que hacen de este barrio un pequeño mundo artístico y bohemio en sí mismo. Este fue el marco elegido por Joulia para abrir su restó, donde exhibe piezas de una colección de objetos que comenzó a juntar hace treinta años, compuesta por lámparas, muebles y mesas, entre otros. Tanto el diseño como la organización del nuevo espacio le llevaron a su creador nada menos que un año de trabajo. Unik se funda sobre el concepto del mundo del diseño industrial de los años 60 y 70, cuya colección excepcional de muebles y objetos

ideas creativas 113 gastronomía

nunca fue exhibida en Argentina y, de por sí, es rara en el mundo. Su particularidad está en el hecho de que puede ser experimentada como mobiliario en un restaurante, lo que le da vida y funcionalidad. Así, muebles vintage ciento por ciento originales y con la ﬁrma de famosos diseñadores de países célebres en la movida del diseño, como Suecia, Dinamarca y Alemania, forman parte de la experiencia culinaria que brinda Unik. A su vez, la colección alberga piezas de los italianos Gaetano Pesce y Ettore Sottsass Jr, Shiro Kuramata de Japón y el genial Frank O. Gehry de Canadá. El restaurante fue integrado a un ediﬁcio ya existente, de tres pisos, que alberga en su planta baja el local, mientras que en primero y segundo piso, la agencia Naço Arquitectures y un loft, respectivamente. El hormigón armado se dejó a la vista, dibujando un estilo bien contemporáneo. En cuanto al restó, se destaca una barra de casi veinte metros de largo, hecha en piedra Golfan Silver, que empieza por el bar y sigue a lo largo de la cocina. Los pisos de lapacho le dan calidez a la estancia, rematada por el contraste de una ultra larga banqueta de cuero rojo (diseño de Joulia), enmarcada en una pared color miel. Las grandes aperturas de vidrio dejan descubrir un mini jardín, iluminado por la creación de neón del artista chino Jiang Zhi. ATMOSFERA ÚNICA A la hora de evaluar los sabores, Unik cuenta con la presencia de una cocina y un bar de primer nivel, con la calidad como compromi-

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so, ya que se utilizan productos frescos provenientes de agriculturas sostenibles y vinos biodinámicos, entre otros cuidados detalles. Mauro Colagreco, el primer chef argentino con una estrella de la Guía Michelín, fue el responsable de crear un menú especial para Unik, mientras que dos cocineros bien cotizados en el ambiente, Fernando Hara y Yago Márquez, se encargan de la cocina día a día. Entre las exquisiteces que se pueden degustar como entradas, están el ceviche de trillas con crema de maíz o el carpaccio de carne de Kobe argentina y helado de aceite de oliva. Como plato principal, resulta difícil decidirse por la bondiola cordobesa a la parrilla con verduras asadas o un jugoso ojo de bife con puré de batata y verduras quemadas. Para cerrar, el postre o el plato más esperado por muchos, redobla su interés: macarrón relleno de chocolate blanco y maracuyá, y torta húmeda de chocolate negro con helado de praliné casero, sólo por nombrar dos tentadoras opciones. Acompañan las creaciones culinarias una original selección de vinos hecha por el sommelier Rodrigo Calderón y la carta de cócteles de Federico Cuco. La experiencia en Unik surge de la combinación de elementos clave: la arquitectura del ediﬁcio, el ambiente interior, el jardín, la impresionante cocina abierta, el bar, la música seleccionada por Collage à la Française, y un servicio de alto nivel, que dan como resultado una experiencia de puro placer. Sin duda, Unik es un restaurante de experiencia única para compartir. + www.unik.pro | www.naco.net

+ Remera de satĂŠn negro, combinada con tul y vivos plateados

+ Vestido azul y birrete en cotton satén

Iluminando pirámides Un haz de luz se reﬂeja en una pirámide monocromática. Tenemos distintas percepciones de cada una de sus caras: algunas plenas de luz, otras veladas, otras oscuras… Un adelanto de colección UNMO verano 2012 bautizada Pirámides, donde la morfología piramidal y los claroscuros son los elementos desencadenantes, y aparecen tanto en la moldería como en el uso de hombreras. El valor místico y esotérico de las pirámides se suma a una paleta compuesta por el negro, el gris y el blanco, combinados con azul celestial. Esta vez, la propuesta del diseñador Marcelo Ortega se acerca más a la ropa de noche que a la urbana, y emplea materiales livianos como gasas, redes, transparencias y elásticos, para formar geometrías simples muy cortas, que copian la silueta del cuerpo. + www.unmonet.com.ar

Fotografía Salomé Vorfas www.vorfas.blogspot.com Producción Lyla Peng Modelo Triinu Soovik Accesorios Jederson De Avila Ribeiro Junior www.jedersondeavila.blogspot.com Tocados y peinados Jackie Ludueña Koslovitch www.myﬁngersalive.blogspot.com

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+ Chaqueta negra con hombreras de gabardina y vivos plateados. Vestido de punto polyĂŠster, combinado blanco y negro

+ Vestido tuxedo de satĂŠn negro, combinado con tul

+ Mono de satĂŠn elastizado estampado, con cierre frontal y elĂĄsticos

+ Top de satĂŠn negro, combinado con tul y elĂĄsticos. Falda de satĂŠn negro con botones

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Panorámica Imágenes danzantes Se celebró la tercera edición de Panorámica, un espacio de referencia fundamental para las artes audiovisuales ejecutadas en tiempo real. Los referentes de la escena local e internacional del VJing se dieron cita en el Espacio Fundación Telefónica de la Ciudad de Buenos Aires, para compartir sus trabajos en un escenario 360º. | Texto: Jorgelina Peciña. Fotos: Ari Kaplan Nakamura y Anita Dmar

Talleres, charlas e intercambio entre VJs, músicos, programadores, diseñadores, DJs, performers y artistas contemporáneos de diferentes disciplinas se desarrollaron en torno de una programación de live sets, donde se manifestaron las técnicas, las tendencias, las inquietudes y los experimentos de una generación en constante búsqueda en su relación con los medios expresivos contemporáneos. La edición 2011 de Panorámica contó con la presencia de artistas internacionales, entre ellos, Optical Machines de Holanda, Stephan Mathieu de Alemania, el colectivo +0 y Colorsound, ambos de España, Oktopus de Chile, VJ Fran de Uruguay y referentes locales de destacada trayectoria, como Diego Vainer, Mariela Bond, Emisor, r3nder y Caro Mikalef, entre otros.

+ Sos uno de los pioneros del VJing local. ¿Cómo fue la evolución de la actividad en Argentina? WP En realidad, fui pionero en involucrarme con los pioneros: Akira, Ailaviu, Bond, GI, viniendo desde el arte digital y buscando una herramienta que me permitiera una edición de imágenes, videos y textos en tiempo real. Y esto mismo habla un poco de la evolución de la escena, artistas de distintos orígenes e inquietudes, experimentando con nuevas posibilidades. Al ritmo del desarrollo tecnológico y la posibilidad de involucrarse en proyectos ligados a la música, sea de club o de rock de bandas, se fue moldeando una escena nacional con escasa tradición, ecléctica y en constante transformación.

PALABRAS DE ORGANIZADOR Además de ser un artista emergente, Willi Peloche es uno de los pioneros de la escena del VJing nacional y organizador de Panorámica. En charla con 90+10, hace memoria de los inicios de la actividad, cómo nació la idea de crear Panorámica y el balance de su tercera edición, que promete ir por más.

+ ¿Cómo surge la idea de Panorámica? WP Surge de la inquietud que compartíamos junto a Martín Borini de contar con un espacio propio para la escena, donde los artistas pudiésemos mostrar nuestra obra en las mejores condiciones de exhibición, ya que hasta ese momento sólo lo hacíamos en festivales comerciales o clubes, que no tenían en cuenta la puesta de sonido

ideas creativas

+ 121 diseño

+ VJ Tisha

e imagen. La gente del Espacio Fundación Telefónica nos propuso realizarlo, y conseguimos presentar la escena en un marco de arte contemporáneo importante, que se consolidó en esta tercera edición, como punto de referencia para artistas locales y extranjeros. + ¿Cómo fueron las versiones anteriores en comparación con la 2011? WP Desde la primera edición, Panorámica crece exponencialmente, tanto en interés del público como en la calidad de los artistas que se presentan. Hemos conseguido que éstos ya piensen en hacer algo exclusivo para Panorámica, y eso nos da la idea de que vamos en el camino correcto, marcado por el entusiasmo de ellos, que se reﬂeja en la calidad de las propuestas y la reacción del público. + ¿En qué te parece que avanzó la disciplina del VJing a nivel local y regional? WP Fundamentalmente, en la variedad de recursos y técnicas que utiliza, la investigación de nuevas herramientas, y la aceptación por parte de la escena sonora frente a la integración de un estímulo o lectura visual. La diversidad en el origen de los artistas deviene en una producción rica en formatos, algunos a la altura de las técnicas más avanzadas en el mundo, y más interesantes que otras de países con más tradición en VJing. Como crítica, y a modo personal, creo que falta aprendizaje, desarrollo o interés en la construcción del relato, el manejo de los tiempos, la edición de un set y sus elementos. Por momentos, se impone el efecto, las posibilidades del soft o el gadget de moda y se confunden un poco las intenciones o propuestas del artista. + ¿Cómo fue la selección de los participantes de Panorámica 2011? WP La selección la hacemos a partir de nuestro criterio artístico, libre de presiones y compromisos; sólo nos interesa la propuesta, más allá del origen o la escena a la que pertenezca el artista. Hacemos una curaduría de artistas y proyectos para la sección SET UP, donde se presentan los artistas más destacados; y una selección, a través de una convocatoria, para la sala JAM, donde se presenta los más nuevo, experimental, con un pulso más vibrante y en evolución. + ¿Cuáles fueron los resultados generales y la participación del público? WP En esta última edición, notamos una actitud distinta en el público. En años anteriores, se desplazaba más entre una propuesta y otra, como curioseando y descubriendo momentos. Esta vez, se

dirigía a presenciar una obra determinada, se quedaba durante la duración completa de la misma, con más atención y concentración, y finalizando los sets con aplausos y alaridos en algunos casos, que nos sorprendieron por no ser común para este tipo de presentaciones. Al mismo tiempo, fue destacado el amplio rango de edad entre el público, notándose un acercamiento entre generaciones de artistas y público, que antes no compartían estos espacios dentro de la escena. Y un punto muy importante, fue el interés por los talleres de la sección MOTOR, en los que se desborda la inscripción por la cantidad de interesados. Están dirigidos a artistas y público en general, que quieran introducirse en las nuevas técnicas audiovisuales, y se desarrollan durante los días del festival. + A tu criterio, ¿qué artistas se destacaron en esta oportunidad? WP Optical Machines, de Holanda, sorprendió con su mix de herramientas digitales y analógicas. Llevaron, a través de una obra de arte sonoro y abstracción cinética, a hacer estallar en aplausos y gritos al público presente, que siguió su performance en estado de ebullición. Stephan Mathieu, de Alemania, junto a la artista argentina Caro Mikalef, sumergieron a los presentes en un viaje sonoro y cromático, minimalista y de sutilezas perceptibles, mediante la alta concentración. Estos artistas se presentan en los festivales y centros de arte más importantes del mundo, un verdadero lujo de esta edición. Diego Vainer junto a Mariela Bond y Bruno Giúdice presentaron un set con una variable más, con un set de luces integrado al sonido y el video. Entre los artistas nuevos, se destacaron Pely y Corallo, NZNZ, Rúcula, VJ Fran de Uruguay, Oktopus de Chile y Heroinax. En general, la sección JAM tuvo un nivel alto y parejo, logrado por el interés y el cuidado de los artistas más jóvenes al presentar su obra. www.panoramica.cc LOS ARTISTAS DE LA EDICIÓN 3 Optical Machines. Desde Holanda, este dúo formado por Rikkert Brok y Maarten Halmans es capaz de crear una impresión auténtica y original, combinando sus creaciones de sonido y efectos visuales. En lugar de adoptar una posición estática con ordenadores portátiles, elijen una configuración abierta, que invita al público a su laboratorio como un patio de juegos. Su equipo contiene una variedad oscura de tocadiscos modificados, tramas, lámparas, lentes, cámaras y sintetizadores analógicos, para hacer un espectáculo tan hipnótico como fascinante. www.opticalmachines.nl | www.artefacts.nl

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+ Stephan Mathieu y Caro Mikalef

Stephan Mathieu & Caro Mikalef. Stephan Mathieu es músico y artista del sonido y vive en Alemania. Trabaja como compositor y performer de su propia música, en el campo de la música electroacústica y digital. Durante la última década, su música ha sido editada por discográficas alrededor del mundo en CDs y vinilos, entre trabajos propios y colaboraciones. Desde 1998, ha creado audioinstalaciones para galerías y museos, y presentado sus trabajos en festivales en Europa y América. Por su parte, la argentina Caro Mikalef es artista y diseñadora gráfica con base en Buenos Aires. Realiza proyectos artísticos que mezclan poesía, fotografía, sonido y música. www.bitsteam.de | www.place2playv2.wordpress.com Diego Vainer & Fantasías animadas + Mariela Bond + Bruno Giudice. Diego Vainer incursionó en distintas formas de composición, producción e interpretación musical dentro del ámbito de rock. Desde 1993, se dedica al trabajo musical basado en medios electrónicos, a partir del cual creó Fantasías Animadas, proyecto con el que identifica sus composiciones y presentaciones en nuestro país y en el exterior. Editó cuatro discos de composiciones electrónicas hasta la fecha. Produjo artísticamente proyectos para El Otro Yo, La Portuaria y Rosario Bléfari. También, colaboró con Daniel Melero en su disco Piano y con Gustavo Santaolalla para su proyecto Bajofondo Tango Club. Extendió su investigación musical y sonora en distintos ámbitos. Completaron la presentación, Mariela Bond y Bruno Giudice. Bond vive y trabaja en Buenos Aires. Estudió diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires y trabajó en cine, publicidad y televisión. Dirigió y realizó más de veinte videoclips de bandas de rock&pop de la Argentina y Latinoamérica, entre ellas, Miranda!, Baccarat, DJs Pareja, Dani Umpi y Leo García. Por su parte, Bruno Giudice, oriundo de Mendoza, comenzó su carrera artística como tecladista de distintas bandas locales emergentes. Luego, se dedicó a la producción de shows y dirección de discotecas. En 1997, se radicó en Buenos Aires y realizó su primer trabajo de música electrónica “microhouse”, editado en formato CD de modo independiente, que dio a conocer en sus presentaciones como DJ en clubes de distintas ciudades de Argentina, Chile y Brasil. www.myspace.com/diegovainer | www.myspace.com/brunogiudice Colectivo +0. Con origen en España, se trata de una asociación cultural independiente de artistas digitales, con base en la ciudad de Las

Palmas de Gran Canaria, que trabajan para la difusión del arte actual, organizando conciertos, eventos de arte digital y dirigiendo dos net-label (+0LAB y Nulogic). Desde su creación, en julio de 2001, el colectivo ha organizado eventos a través de la autogestión y la colaboración de diferentes entidades públicas y privadas, por donde han pasado más de cuarenta artistas internacionales y canarios. www.mascero.org Emisor & Silvia Canosa. Emisor es el alias musical de Leonardo Ramella, basado en composiciones realizadas con instrumentos electrónicos y software. En Argentina editó, por el sello Casa del Puente Discos, Formosa (2004), Las Extremidades (2005) y Paranormal (2006), entre otros. Además de sus producciones, remixó a grandes artistas, como Gustavo Cerati y Babasónicos. En vivo, interactúa con visuales realizadas por Silvia Canosa. Realizó shows en Creamfields, onedotzero Buenos Aires, Ciudad Konex y Centro Cultural Borges, entre otros. Desde 1999, Silvia Canosa trabaja como asistente de Alejandro Ros en su estudio, donde se producen trabajos para Luis Alberto Spinetta, Babasónicos, Fito Páez, Julieta Venegas y otros artistas. Participó en la diagramación de la Revista Ramona, los suplementos Radar y Página/30 del diario Página/12. www.emisor.com.ar r3nder.net & Bad Boy Orange. La cara detrás de r3nder.net es José Jiménez, autodidacta e investigador de nuevas tecnologías, nacido en Neuquén. Creó r3nder.net y fundó Estado Lateral Media Lab junto con Enrique Mármora e Iván Ivanoff. En 2008, puso en marcha, junto a Andrea Jiménez y Carlos Urrutia, un festival sobre arte, nuevas tendencias y tecnologías llamado Tratado de Integración (TDI), un festival, forum y presentación, que se realiza anualmente en la ciudad de Neuquén, con el objetivo de exhibir un panorama general de las nuevas propuestas visuales contemporáneas. En 2010, se vuelca de lleno a la producción del festival y la curaduría de obras y artistas visuales para diferentes eventos. Por su parte, Bad Boy Orange es el pionero del drum & bass en Sudamérica. Fue llamado Orange, algo así como un bautismo a lo Tarantino, que luego se completaría con el prefijo Bad Boy. Hoy, continúa su cruzada manteniendo al público local al día con la vanguardia de los ritmos quebrados, y ganando fama internacional por su fiesta de larga data y su constante exhibición de los mejores DJs de la escena. + www.r3nder.net | www.djorange.com

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clásicos contemporáneos

+ 123 diseño

Bombay Sapphire by Arad

Exclusiva escultura azul

El gin Bombay Sapphire reaﬁrma su asociación con el diseño, gracias a una nueva creación de Ron Arad. A través de la Bombay Sapphire Foundation, el gin Bombay Sapphire se vincula con al mundo del diseño contemporáneo, organizando los concursos anuales de copas de cocktail Martini y de escultura en vidrio, y apoyando a artistas emergentes y consagrados. En esta oportunidad, convocó a uno sus miembros –el reconocido arquitecto y diseñador israelí Ron Arad-, para crear una pieza de edición limitada. Se trata de una escultura de aluminio fundido sobre la botella, con un acabado azul zaﬁro brillante, el color ícono de la marca. Sólo 300 de estas botellas se pondrán a la venta a un valor de 40 euros. Arad es responsable del diseño del recientemente inaugurado Museo de Diseño de Holon, construcción que posee la impronta indiscutible de su trabajo: formas orgánicas que sugieren movimiento. Algunas de sus piezas de mobiliario más emblemáticos son la biblioteca Gusano para Kartell (que hoy forma parte del Museo de Diseño Vitra de Alemania) o las sillas futuristas Oh-Voids, construidas con bloques de acrílico transparente, o bien en aluminio espejado en colores brillantes. + www.bombaysapphire.com

SILVER SAPPHIRE Para los amantes de los cocktails dry: sólo mezclar 3 partes de Bombay Sapphire y 1 parte de champagne. Si se desea, decorar con la cáscara de un limón en el borde de la copa.

Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. w w w.bombaysapphire.com

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Alexander McQueen Esperar lo inesperado Alexander McQueen: Savage Beauty es la exposición sobre el diseñador inglés que condensa sus piezas más representativas en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Desde los inicios hasta el ﬁnal, un recorrido por la trayectoria y el legado vigente que dejó el creador. | Texto: Carolina Prioglio. Foto: Gentileza alexandermcqueen.com

Hay muchas maneras de empezar a escribir una nota, muchas formas de acercarse a un tema. Al tratarse de Alexander McQueen y su aporte a la moda, se puede empezar mencionando la frase “Love looks not with the eyes, but with the mind”, que exhibía el tatuaje de su brazo derecho, porque sirve como punto de partida para entender la lógica reinante en el universo creativo del diseñador. La frase pertenece a la comedia de Shakespeare “Sueño de una noche de verano” y da la clave para comprender el caleidoscópico trabajo de McQueen dentro de la moda. Una visión sensible y compleja, que vivió obsesionada por demostrar que lo oscuro y anties-

tético puede ser también bello y cautivante, y viceversa. Aquélla fue la magia que envolvió su ropa y sus desﬁles en diecinueve años de carrera, desde aquella colección de graduación en la escuela Central Saint Martins en 1992. Ahora, a poco más de un año de la muerte del diseñador en febrero del 2010, el prestigioso Instituto del Traje del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York lo homenajea con una retrospectiva, abierta desde el 4 de mayo hasta el 31 de julio de 2011, que recorre extensivamente su trabajo. Una labor romántica, emotiva y autobiográﬁca, que se abrió un camino propio dentro de la moda,

clásicos contemporáneos

+ 125 moda

+ Detalle vestido Otoño-Invierno 2010

+ Vestido Sarabande, Primavera-Verano 2007

acercándose al territorio del arte, y llevando la creación de ropa hacia lugares insospechados.

las puestas en escena, la música y el acting de las modelos, que proporcionaron varios momentos inolvidables. Imposible no recordar su pasarela convertida en una partida de ajedrez, donde cada modelo era una ﬁgura del inmenso tablero (It’s only a game, primavera/verano 2005), en una sala vidriada de un hospital psiquiátrico (VOSS, primavera/verano 2001), o en un tenebroso carrusel (What a merry go around, otoño/invierno 2001-02). Tampoco a una joven Shalom Harlow siendo atacada por dos robots que le lanzaban pintura sobre su vestido (N°13, primavera/verano 1999), o su último desﬁle primavera/verano 2010 transmitido en vivo y en directo por Showstudio, el sitio Web del fotógrafo Nick Knight. Sus shows siempre lograban asombrar y conmover a los que tenían el gusto de presenciarlos.

Las distintas facetas del estilo de Alexander McQueen fueron recopiladas por el MET -con la ayuda de los ex-colaboradores del diseñador-, y ordenadas según las temáticas recurrentes en sus colecciones, a través de cien piezas expuestas. Están presentes las constantes oposiciones que facilitaron un hilo conductor temporada tras temporada: fantasía y realidad, luz y oscuridad, éxtasis y agonía, salvajismo y delicadeza, artesanía y tecnología. “Los diseños más icónicos de McQueen representan el trabajo de un artista cuyo medio de expresión fue la moda”, opinó Thomas P. Campbell, Director del MET. Y algunos ejemplos de aquello, los más originales, son difíciles de olvidar: vestidos creados completamente con plumas (The Horn of Plenty, otoño/invierno 2009-10) o enteramente bordados con ﬂores frescas (Sarabande, primavera/verano 2007), chaquetas con cuernos sobresaliendo de los hombros (It’s a jungle out there, otoño/invierno 1997-98), o conjuntos cuyos prints, digitalmente generados, hablan de un apocalipsis ecológico (El Atlantis de Platón, primavera/verano 2010). Además de sus pantalones de tiro súper bajo, sus referencias a las siluetas del 1800, sus mil y una versiones del kimono japonés, y el especial tratamiento que le imprimía a la sastrería. Son todas marcas registradas que distinguen a McQueen dentro de la moda. Y más también. En los shows de McQueen nunca sabía qué esperarse. O sí: sorpresa y dramatismo. Historias narradas mediante las prendas,

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En la actualidad, el legado del diseñador gana importancia cada vez que se lo revisa, mientras que su ﬁrma, manejada por el Grupo Gucci desde el 2000, sigue vigente en el calendario de la moda internacional con críticas favorables, de la mano de Sarah Burton y el resto de sus ex-colaboradores. Sin importar cuándo tiempo pase, el trabajo de McQueen siempre será recordado como el de un creador que se nutrió de sus propias pasiones, sus miedos y sus fantasías. Eso fue lo que lo llevó a impulsar la creación de indumentaria ready-to-wear (sí, lista para usarse), más allá de los límites de la funcionalidad, demostrando que la ropa puede convertirse en un medio de expresión con un correlato social, político, económico y cultural, capaz de alcanzar la tan buscada trascendencia artística. + www.alexandermcqueen.com | www.metmuseum.org

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| Foto: Peter Hurley

clásicos contemporáneos 127 arquitectura

César Pelli La práctica del asombro Es uno de los diez mejores arquitectos del mundo, y un eterno agradecido de su profesión y de su vida. Con 84 años, el arquitecto tucumano César Pelli sigue tan activo como siempre. Residente en los Estados Unidos desde hace más de 40 años, César Pelli es un especialista en lograr obras cuya máxima búsqueda es la de su propia identidad. | Texto: Natalia Iscaro. Fotos: Gentileza Pelli Clarke Pelli Architects

La primera pregunta es casi un capricho. Una de esas frases hechas que, sin embargo, ejecutadas en presencia de personajes dignos de admiración y respeto, cobran una dimensión completamente nueva. “Si pudiera empezar otra vez, ¿qué haría?”. La respuesta, a esta altura, ya es obvia: “Exactamente lo mismo”. Y César Pelli lo hace otra vez. Sus ideas son transparentes, y con una profundidad justa. Lejos de las frases grandilocuentes, los pensamientos rebuscados y las reﬂexiones parciales, este renombrado arquitecto practica el mismo ejercicio sobre el cual ha sabido forjar una carrera prominente: la humildad. Con obras en todo el mundo (desde Honolulu a Kuala Lumpur), esta humildad acaso parece una paradoja, al cobrar vida propia bajo la forma edilicia de torres –auténticas moles de acero, cristal y materiales a la vista deslumbrantes-, nacidas de bocetos aún hoy realizados a mano, y a fuerza de una trayectoria sólida y una inventiva inagotable. Se trata de siluetas edilicias esbeltas -a veces curvilíneas, a veces rectas con quiebres-, que se elevan hasta hundirse en cielos azulísimos, los cuales hacen de marco a obras cuya cualidad única es la de ser habitables. Muy cerca nuestro, la Torre Repsol YPF, en Puerto Madero, es un ejemplo de su trabajo intelectual previo. Está ubicada en Buenos Aires, ciudad que describe como “una de las más caminables y atractivas del mundo, y donde siempre es posible encontrar en una esquina un café”. Y es el resultado de muchos de sus cuestionamientos: “El problema de la torre como tipología es más complejo de lo que uno puede imaginarse. Ella no sólo crea la silueta, sino que es una realidad en el suelo, y lo importante es qué hace al contribuir a crear ambientes peatonales”. Y detalla: “Esta torre tiene una posición singular, porque un lado mira a la ciudad, donde tiene ventanas,

+ Torres Petronas (Kuala Lumpur, Malasia, 1998). Foto: Brian Giesen.

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y se puede ver la escala del edificio y contar los pisos; y el otro lado mira al río. Cada cara es triangular, y el edificio es como si fuera un cuadrado diagonal con cada lado curvo: son como triángulos entrelazados que crean una silueta muy distinguible a la distancia, y que tiene dirección. Esto para mí es importante, cuando uno la ve, sabe de qué lado está la ciudad y de qué lado el río”. Pelli desgrana cada palabra como si leyera una poesía, apasionado y riguroso. En este desarrollo local en particular, el proceso se compartió puertas adentro de su hogar: la paisajista fue la Arq. Diana Balmori, destacada profesional y, además, su esposa. El gesto vegetal –nacido de un requerimiento de la propia empresa por sus valores ecológicos- se imprime de un modo radical: en el alto del edificio, cinco pisos albergan un jardín ecológico. “Desde el exterior, lo que se observa es un inmenso ventanal de 22 metros de alto, con tres jacarandaes y dos grupos de bambúes argentinos; desde el interior de la torre, la visión es la de los jacarandaes con la ciudad de fondo”. Y al mirar arriba miramos lejos, años atrás, rastreando los pasos iniciales de una carrera que se inició en su provincia natal, Tucumán. + ¿Cómo descubrió lo que era la arquitectura? CP Comencé la carrera porque me atrajeron sus posibilidades de dibujar, de hacer arte y conectarme con su historia. Pero no estaba seguro, porque era una enseñanza muy clasicista, sin contacto con las realidades de Tucumán. Por suerte, a fines de ese año, se incorporaron Eduardo Sacriste y Horacio Caminos (y poco después Jorge Vivanco), que transformaron los estudios de arquitectura. Nos conectaron con el arte moderno, muy vibrante en esa época, y nos hicieron ver que la arquitectura puede contribuir mucho a la sociedad. Eso fue para mí descubrir la arquitectura y saber que podía dedicarle a ella toda mi vida. + ¿Qué es lo que más le gusta de su trabajo?

CP Todo. Me encanta conseguir un nuevo encargo. Es un gusto desarrollar los primeros conceptos, es fantástico cuando presento esas ideas y son bien recibidas, gozo de desarrollar los detalles del edificio, es hermoso cuando comienza a construirse, celebramos cuando se inaugura y qué placer volver a visitarlo, años después. UNA BÚSQUEDA INTELECTUAL “Para mí, como niño, Tucumán era el centro del mundo. Europa y los Estados Unidos me parecían muy cerca y asequibles. Mi vida era tranquila y, gracias a mi madre, con mi mente siempre envuelta en problemas intelectuales”, relata en su voz pausada y tranquila, como si aún fuera ese chico. Nacido en 1926, Pelli se graduó en la Universidad de Tucumán en 1948. Por ese entonces tenía 28 años, y a su generoso listado de antecedentes aún le restaban por sumarse estudios en el Instituto Tecnológico de Illinois, un Decanato en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Yale, y una distinción con medalla de oro por el Instituto Estadounidense de Arquitectos. Pero su mayor logro, según él mismo, fue concretar el sueño de abrir su propio estudio, y convertirlo en un “espacio abierto” a colegas arquitectos de todo el mundo. Desde entonces, dio vida a obras que se multiplican con el correr de los días, y en simultáneo. Las Torres Petronas (Kuala Lumpur, Malasia, 1998) es uno de sus trabajos más recordados, y el complejo más alto del mundo hasta 2003. También se destaca el Pacific Design Center, Red Building (Hollywood, 2011), espacio de oficinas que viene a sumarse a un primer proyecto de 1988, cuya impresionante fisonomía se inclina en punta al ascender hasta el cielo. Además de obras aún en proceso de edificación, como la Torre de Cristal (Madrid, 2010), elegante y deslumbrante, con un ángulo quebrado en su parte superior; el 62 Buckingham Gate (Londres, cuya finalización está prevista para el 2012), y cuya fachada contará con planos plegados que se asemejan a las caras de un cristal brillante; el Transbay Transit

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+ Espacio de oﬁcinas Paciﬁc Design Center, Red Building (Hollywood, 2011). Renders: Studio AMD.

Center and Tower (San Francisco, su apertura será en 2017), una auténtica expresión artística, cuyas formas redondeadas de cristal delatan a un modelo de ciudad sustentable; y el World Financial Center (Nueva York, cuya finalización se calcula para 2020). En Buenos Aires, se agrega a la lista la Torre BankBoston (Catalinas Norte, 2000), dos edificios con formas esculturales, cuyo gesto personal son planos que se modifican en las alturas. Todos ellos en escenarios que influenciaron, de un modo u otro, al resultado final. “Siempre, en cada trabajo, pongo énfasis en responder a las condiciones específicas de ese proyecto: el lugar, el propósito, el clima, las condiciones culturales, los clientes”, afirma Pelli. En este sentido, su trabajo escapa a la repetición mecánica de elementos que remiten a un mismo creador, sino que más bien coinciden en un punto donde lo que se busca es conmover. En otras palabras, las obras de esta poderosa mente creativa se caracterizan, ante todo, por su capacidad de provocar asombro. “Por lo general, no repito el juego de formas y no busco oportunidad para extender un cierto idioma que tengo. Soy de los que creen que la arquitectura siempre tiene que estar al servicio de la ciudad; ésta tiene que ser más importante que el edificio, no sólo como forma, sino como cultura, como historia, como clima, y así es como cada obra varía”, afirma él. La búsqueda de sus obras no persigue otra identidad que la de sí mismas. “No creo en la mímesis, y raramente en el contraste. Lo que sí es posible es diseñar edificios con originalidad y frescura, con simpatía por el entorno”. Así es como su registro puede variar con la permeabilidad que le permiten, no sólo la inspiración, sino también la coherencia. “En edificios públicos, los espacios interiores son importantísimos, y la forma es el resultado del uso de los espacios internos; cuando son privados, las fachadas se convierten en lo más importante, porque el interior será sólo para unas pocas personas”, amplía él.

+ ¿Qué influencias lo marcaron? CP Siguen llegando, y sigo abierto. Sin duda, la calidad de enseñanza que recibí en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Tucumán fue excepcional, y mi aprendizaje en el estudio de Eero Saarinen fue sumamente crítico. + ¿A qué arquitectos admira? CP A muchos. A los arquitectos del Partenón, Hagia Sophia, la Catedral de Chartres, el patio de Rioan-ji y muchos otros de cuyos nombres no estamos seguros, les tengo profunda admiración. También a Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, muchos otros arquitectos vivos, y sobre todo a los jóvenes arquitectos que están diseñando hermosos edificios y a quienes les pertenece el futuro. + ¿Le gusta trabajar en equipo? CP Para un arquitecto, es la única manera de trabajar. EL DON DE LA UNICIDAD Pelli es un firme convencido de que la arquitectura, antes que un arte, implica una responsabilidad social. “Es algo que aprendí con el modernismo. Y aunque hoy está completamente fuera de moda, el valor social de lo que uno dice, para mí es muy importante”. Tal vez por esto mismo, el tucumano es un propulsor de la “arquitectura inteligente”, así como de la construcción sustentable. Y sin embargo, no es ajeno a las realidades y limitaciones financieras. “La gran mayoría de las obras de los arquitectos están limitadas por exigencias económicas. Una de las características de la arquitectura es que uno tiene que saber diseñar dentro de parámetros monetarios”. Por sobre todo, la inspiración convive con el raciocinio. “El análisis del programa, del terreno, de los códigos, del dinero, tiene que ser racional, pero el desarrollo de formas, de carácter, de espacios, es un proceso que podemos llamar intuitivo”. El lienzo sobre el cual trabaja es el urbano, una inspiración y el

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+ Transbay Transit Center and Tower, San Francisco. Su apertura está prevista para 2017. Renders: Studio AMD.

motor de una eterna reflexión. “La ciudad tradicional es una de las grandes invenciones de la humanidad, al generar la convivencia natural de quienes no están relacionados en modo alguno entre sí. Permite que la gente aprenda a vivir con quienes poseen, por ejemplo, visiones religiosas muy diferentes de las propias”. Así, el arquitecto adquiere un rol protagonista, que debe ser ejercido con responsabilidad. “Cada ciudad debe tener su propio carácter definido, y los arquitectos deben tomarlo en cuenta. Deben pensar en quienes habitarán los edificios, meditar sobre si realzarán los barrios donde se elevará la obra, si mejorará la calidad de vida de quienes los habiten. Los malls y shopping centers, por ejemplo, contribuyen a homogeneizar las ciudades, lo que es muy negativo, y siento que los countries tampoco hacen bien a la sociedad, porque separan a la gente por grupos homogéneos en lo económico, lo social y hasta lo político, aunque comprendo que el problema básico de la inseguridad, en la Argentina, los ha erigido como una solución”. En este sentido, confiesa que sus ideales están lejos de los absolutos. “Creo que cada uno debe vivir su propia vida, manteniendo ciertos principios morales que le permitan sentirse satisfecho y orgulloso de sí mismo al final de cada día”. + ¿Qué lo inspira? CP El problema a mano, su terreno, su propósito, los sueños de mis clientes, las necesidades de los usuarios y todo lo que lo hace único. Porque en arquitectura, cada proyecto es único. + ¿Qué es el arte? CP Arte, para mí, son aquellas obras que llegan a tocarme el corazón. + www.pcparch.com + Torre YPF en Buenos Aires. Foto: Enzo Figuerres / Pelli Clarke Pelli Architects.

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+ Serie Parque

Porfolio fotográfico

Elisa Strada | Curador: Aldo Bressi Elisa Strada nació en Santa Fe, en 1970. Es diseñadora gráﬁca por la Universidad de Buenos Aires, donde se ha desempeñado como docente en varias cátedras. Es también una prolíﬁca artista plástica, becaria del Programa de Talleres para las artes visuales Rojas-Kuitka, con numerosas exposiciones individuales y colectivas, locales e internacionales. Su incursión en la fotografía le valió en 2005 el Premio Regional Adquisición Fundación OSDE. Su mirada apunta al registro perceptivo de la ciudad en diferentes momentos del día y trabaja con una cámara digital Linux. + www. elisastrada.tumblr.com | www.stradastrada.blogspot.com

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+ Serie Parque

+ Serie ReďŹ&#x201A;ejos

+ Serie Pista

mundo creativo 137 marketing

+ Asombro de Fernanda Laguna, 2010. Técnica mixta, 110 x 88 cm (galería Mite).

Barrio Joven Chandon en arteBA La vigésima edición de la muestra de arte más importante de la región se lleva a cabo nuevamente en La Rural, del 19 al 23 de mayo, donde el Barrio Joven Chandon es, desde hace seis años, la plataforma de lanzamiento de los jóvenes talentos. Su comité de selección 2011, integrado por Ana Paula Cohen (curadora independiente, editora y escritora, Brasil), Leopoldo Estol (artista, Argentina) e Inés Katzenstein (directora del departamento de arte de la Universidad Torcuato Di Tella, Argentina), convocó a galerías como: Big Sur, Mite, Júpiter, Cobra y Brummel México y Rayo Láser, entre otras. + www.arteba.org

Masisa en Puro Diseño 2011 Masisa Argentina estará presente en la nueva edición de la Feria PuroDiseño, del 19 al 25 de mayo en La Rural, auspiciando el espacio Museo Sustentable de la arquitecta Mónica Cohen. Allí se reunirán seis prototipos ﬁnalistas del concurso de Diseño para estudiantes Masisa 2010, que convocó a estudiantes de las carreras de diseño, arquitectura y aﬁnes, a diseñar el mueble más innovador y sustentable. El Sillón Dumbo de Gisela Mónica Funes de la Universidad de Mendoza fue el proyecto ganador: un objeto confortable, con diseño de reminiscencia clásica, y fabricado con materiales contemporáneos. + www.masisa.com

Para creer en un mundo mejor Coca-Cola festeja sus 125 años en el mundo y los celebra con “Razones para creer en un mundo mejor”: 125 razones fueron traducidas en imágenes y frases que forman parte de una campaña integral que incluye un comercial de TV (desarrollado por la agencia argentina Santo para Latinoamérica), spots de radio y avisos gráﬁcos. Además, presentó una edición especial del libro “125 Razones para creer en un mundo mejor”, producido por las agencias Furia y BMC. Una publicación que compila frases e historias de vida inspiradoras, que se materializan en ilustraciones realizadas por diversos artistas de la talla de: Jeremyville (Australia), Jaime Hayón (España), Jorge Alderete (México), Fernanda Cohen, Sael y Milo Locket (Argentina). Este libro está disponible online y en versiones digitales para smartphones y tablets. + www.coca-cola.com.ar

Diseños premiados Este año, el Festival Iberoamericano de Publicidad (FIAP) –que se llevó a cabo del 11 al 15 de abril en Buenos Aires- inauguró la categoría Diseño entre sus habituales premios a la comunicación. Entre los argentinos premiados, Craverolanis BTL obtuvo un Sol de Oro en Diseño Editorial por el Libro Pop Up para Chandon, y SURe Brandesign recibió dos Soles en Packaging: uno de Plata por el espumante O2 y otro de Bronce por Coronitas de Havanna Chocolates. Por su parte, también en la categoría Packaging, la agencia Believe Branding se llevó el premio de Bronce del Wave Festival 2011 por la colección de botellas de edición limitada del aperitivo Gancia, con las que celebra las estéticas rupturistas del siglo XX. Las cuatro etiquetas con ilustraciones que conmemoran las décadas del 10, 30, 50 y 70 compitieron con más de 90 casos que se presentaron al concurso, que se llevó a cabo en Río de Janeiro. + www.ﬁaponline.net | www.wavefestival.com.br

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+ mundo creativo

vehículos

Texto: Elvio Orellana Estos autos y más encontralos en Deautos.com

Peugeot 408

Este nuevo modelo que se fabrica en la planta que la marca dispone en nuestro país en el Palomar, provincia de Buenos Aires, se

destaca por sus grandes proporciones (4,69 metros de largo, 1,81 de ancho, 1,50 de alto y 2,71 de distancia entre ejes) y su estética, que transpira el mismo ADN felino que la marca transmite en casi todos sus nuevos modelos. El 408 tiene 14 versiones (9 nafteras y 5 diesel), 3 niveles de equipamiento con dos motorizaciones (2.0 naftero de 143 CV, y diesel HDI 1.6 de 115 CV), al que se le sumará un motor naftero 1.6 turboalimentado de 163CV antes de ﬁn de año. + www.peugeot.com.ar

Ducati Hypermotard Exhibida como novedad en la última edición de EICMA en Milán, la Hypermotard 796 ya forma parte del exclusivo catálogo de modelos italianos que Ducati presenta para este 2011. Dueña de una estética muy particular, la 796 exhibe los mismos genes deportivos de su hermana mayor de 1.110cc, aunque con numerosas modiﬁcaciones, entre las que se destacan: un peso de apenas 176 kilos, menor altura de su asiento y un embrague con función anti-rebote, que impide que la rueda trasera se bloquee en reducciones agresivas. Todo ello se lleva de maravillas con su propulsor bicilíndrico de 81 CV, dando como resultado una alternativa callejera de dócil carácter y fácil manejo. + www.ducati.com

Toyota Corolla 2012 Pequeños retoques en lo estético, una nueva caja manual de seis marchas y un ﬂamante motor. Así se presenta ahora la última generación del sedán más vendido en el mundo (35 millones de unidades desde el año 1965), el cual adopta una serie de mejoras estéticas, destacándose sus nuevos faros delanteros, la grilla del radiador, y una gran grilla inferior trapezoidal. No obstante, lo más importante está centrado en su nuevo motor ZR con Dual VVT-I, que se caracteriza por su mayor torque y potencia, bajo consumo y menor emisión de CO2. Los precios del Corolla 2012 van desde los 93.600 pesos para la versión XLI, hasta los 131.600 para la versión SE-G con caja automática. + www.toyota.com.ar

A tres meses de haber iniciado su preventa en la Argentina, Peugeot concretó el lanzamiento formal del Peugeot 408. Lo hizo en el imponente paisaje de Villa La Angostura, lugar donde asistimos para realizar la prueba dinámica del nuevo mediano tricuerpo, con el que la ﬁrma del león pretende liderar el segmento donde ya conviven el Volkswagen Bora, el Toyota Corolla y el Renault Fluence, entre otros.

Estos autos y más encontralos en Deautos.com

mundo creativo 139 vehículos

Chevrolet Spark Desarrollado sobre una plataforma global que transpira todo el nuevo lenguaje de diseño de Chevrolet, el nuevo Spark es el último modelo que la marca norteamericana acaba de presentar. Si bien se trata de la tercera generación de este monovolumen, esta renovada personalidad que adoptó el Spark, nada tiene que ver con su modelo antecesor, destacándose sobre todo su nueva estética. Así, a primera vista, resalta su trompa agresiva, deﬁnida por enormes faros y parrilla, mientras que las curvas que prevalecían en la edición anterior desaparecieron completamente, para dar lugar a unas aristas más ﬁlosas, emanando cierta deportividad, aunque se trata de un pequeño monovolumen concebido para la familia. Lo que sí se conservó en esta nueva etapa de vida del Spark, fueron sus reducidas dimensiones (3,64 metros de largo, 1,60 de ancho, y 1,52 de alto), aunque se mejoró la habitabilidad en su interior, pudiendo trasladarse cuatro personas adultas con total comodidad.

Esta nueva edición del modelo más pequeño de GM, reemplaza el motor de 1.0 de 66 CV que impulsaba al anterior Spark, y adopta otro más moderno de 1.2 litros de 16 válvulas y 81CV. Este propulsor se combina con una caja de 5 marchas de relaciones adecuadas y es en los consumos donde se luce, ya que no necesita más de 8 litros cada 100 kilómetros en ciudad y a 120 km/h, hasta puede quedar por debajo de los 7 litros. Si lo analizamos en materia de seguridad, el Spark aventaja a varios de sus competidores por disponer de dos airbags. También dispone de un sistema antibloqueo de frenos ABS, faros antiniebla y cinco apoyacabezas, entre otros. En conclusión, todo este bagaje de diseño y de nivel de equipamiento, ubica al Spark entre los ﬁrmes candidatos para liderar el segmento, aunque su valor de 70 mil pesos lo aleja un poco de su rival más directo (Hyundai I10), que cuesta 62 mil. + www.chevrolet.com.ar

Mercedes-Benz Clase C Coupé La firma teutona estuvo soplando 125 velitas el pasado enero y nada mejor que agasajar a los clientes de la marca con un nuevo modelo. Por este motivo, Mercedes-Benz decidió irrumpir en el segmento de los coupé basándose, en este caso, en su clásico Clase C, el cual ahora estrena un nuevo ropaje de sólo dos puertas. De este modo, el nuevo coupé se distingue por ser corto y deportivo, con líneas fluidas en el techo con una gran caída, que concluye en una luneta trasera fuertemente inclinada. En los principales mercados, se prevén cinco motores: los diesel C220 CDI y C250 CDI de 170 y 204 CV y nafteros C180 BE (Blue Efficiency) de 156 CV, C250 BE y 204 CV y C350 BE con 306 CV. + www.mercedes-benz.com.ar Fiat 500 Zagato Se presentó en el último salón de Ginebra como prototipo, y su repercusión entre los presentes fue tal, que su producción en serie es casi un hecho. Se trata del 500 Zagato, un concepto deportivo que se inspiró en su antecesor homónimo, que fue diseñado en los años 50 por el diseñador italiano sobre el chasis del Fiat 500. Ahora, esta nueva reinterpretación propone la clásica fórmula de asientos 2+2, pero conservando las dimensiones del modelo original (un largo de 355 centímetros, un ancho de 163, una altura de 149 y un paso de ruedas de 230). Completan esta obra de arte, un inédito motor TwinAir de 105 CV, hasta ahora no utilizado en ningún modelo de la marca turinesa. + www.fiat.com.ar

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+ mundo creativo

vehículos

Alfa Romeo 4C “Siempre es bueno volver a las raíces”, dice el refrán, y esto es lo que buscó Alfa Romeo a través del 4C, un prototipo donde la marca se aventura a divisar su futura imagen. Así es que este modelo reinterpreta el tradicional diseño italiano de la marca y la fórmula clásica de los deportivos, y lo conjuga con lo más avanzado en cuestiones de confort y tecnología. El resultado: una coupé de

dos plazas con tracción trasera, con líneas suaves y sinuosas, que está equipada por un motor de 1.750cc de 200 HP ubicado en el centro, y que es capaz de superar los 250 km/h y alcanzar los 100 km/h en sólo cincos segundos. Su producción está prevista para el año que viene. + www.alfaromeo.com.ar

Renault Latitude El exclusivo balneario uruguayo de Punta del Este fue el lugar elegido por Renault para presentar al Latitude, modelo que ya se comercializa en 52 países desde enero de este año. Hasta ahí llegamos para tomar contacto con esta berlina, a través de la cual la ﬁrma vuelve a incursionar en el segmento de los sedanes de lujo, donde había estado ausente durante los últimos tres años. Dueño de un diseño clásico y elegante, el Latitude se presenta en dos versiones (Dynamique y Privilegie). La primera de ellas, impulsada por un motor 2.0 naftero de 143 CV con caja manual, cuyo valor es de 36.500 dólares; mientras que la segunda asciende a los 46.500, convirtiéndose en la versión más completa, alimentada por un motor de 3.5 litros V6 naftero, el cual eroga 240 CV y se encuentra asociado a una caja automática de 6 marcas. + www.renault.com.ar

Ford Cargo 2012 Catalogado como el lanzamiento más importante de Ford Camiones en los últimos años, la ﬁrma del óvalo presentó en Fortaleza (Brasil), la línea de camiones Cargo 2012, con vistas a liderar el segmento de los pesados livianos en América del Sur. Entre lo más destacable de estos camiones que manejamos por las calles brasileras, se encuentra la imagen de la nueva zaga (C1317, C1517, C1722, C1932 y C2632), la cual ahora se alinea con el lenguaje de diseño Kinectic Design (Energía en Movimiento). En tanto que en materia de confort, los nuevos Cargo fueron provistos con un tablero más envolvente, columna de dirección con ajuste neumático y suspensión neumática para asientos. Las versiones C1722 y C1932 ofrecen la opción de cabina dormitorio. + www.ford.com.ar

Texto: Natalia Iscaro

mundo creativo 141 premium

Kravitz para Swarovski: el brillo rock Euroluce 2011 fue escenario de una presentación sofisticada y deslumbrante. Los cristales redoblaron la fuerza de su luz, gracias a la presentación de las propuestas luminarias de Swarovski. Para este estreno de lujo, la firma de los cristales convocó nada menos que a Lenny Kravitz, para dar vida a una de estas auténticas esculturas, con el objeto de definir con su impronta hoteles, restaurantes o residencias privadas. Íntegramente fabricada por Swarovski, esta colección inaugural de lámparas contó con seis propuestas de Lighting Centerpieces, a base de cristales flotantes y reflejos, para dar vida a una “tranquila opulencia y refinamiento atemporal”, según la firma. Se sumaron los Luminaires y Ligthting Sistems, para conferir un diseño claro, impactante y de vanguardia a cualquier ambientación. Y, finalmente, como cereza del postre, Crystal Palace Collection presentó dos diseños: Pandora, de Fredrikson Stallard (una dramática reinvención de la araña clásica), y Casino Royale, la esperada creación del músico Lenny Kravitz, a partir de su estudio Kravitz Design Studio. Esta última, un tributo a la estética moderna, en edición limitada de 22 piezas, no podía sino tener el gesto rock de las cadenas de cristal Jet y Cristal Goleen Teak, que fluyen a través de formas rectilíneas doradas y negras, disponibles en cuatro tamaños distintos, incluido uno para mesa. + www.swarovski.com www.kravitzdesign.com

Homenaje surreal En el Museo Triennale de Milán, Bisazza rindió un homenaje al diseñador Alessandro Mendini. La excusa fue, naturalmente, celebrar los más de 20 años de colaboración con este maestro del diseño contemporáneo. Así, gracias a una cesión de la Fundación Cartier de París, los visitantes pudieron ser testigos de esculturas dignas de Alicia en el País de las Maravillas. A través de más de 400 metros cuadrados, la estatua ecuestre de Il Cavaliere di Dürer, representó en brillantes de oro blanco y mosaico azul, a un caballo y su jinete; muy cerca, la obra Petite Cathedrale –realizada en 2002, y por primera vez presentada en Italia- deslumbró como una mini escultura de teselas de mosaico de oro Bisazza.

Asimismo, el recorrido mostró la colección Mobili per Uomo, perteneciente a la Limited Editions Bisazza, formada por nueve esculturas en formato fuera de escala, embellecidas con teleselas de mosaico de oro amarillo 24 quilates, cortadas y colocadas a mano. En suma, un recorrido surreal a puro brillo, que se completó con la presentación del libro “Mosaico Mendini”, de Stefano Casciani, editado por Skira Editor. Más que un catálogo de la muestra, el tomo propone un recorrido por todas las piezas de Mendini elaboradas con mosaico Bisazza incluyendo, además, otros trabajos como la Torre de Paradiso de Hiroshima, el Museo de Groningen y el proyecto del metro de Nápoles. + www.bisazza.it www.triennaledesignmuseum.it www.ateliermendini.it

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband

gadgets

Motorola Xoom El mundo de las tabletas se sigue expandiendo. En este caso, con la Xoom de Motorola, con pantalla de 10” y sistema operativo Android 3.0. Tiene un chip Nvidia Tegra 2 de doble núcleo a 1 GHz, conectividad 3G y Wi-Fi, cámara para videollamadas, nave-

gador Web con soporte para Flash y 32 GB de almacenamiento. Su precio es de $3999 con Personal, con un plan de datos de $69 mensuales. + www.motorola.com

RIM PlayBook La primera tableta de la ﬁrma que creó al BlackBerry ya está aquí: es la PlayBook (U$S 499 en Estados Unidos), que ofrece una pantalla de 7”, chip de doble núcleo a 1 GHz, 1 GB de RAM, es capaz de reproducir video Full HD en pantalla o una tele con conexión HDMI, navegar por la Web con acceso completo a sitios con Flash y, por supuesto, conectarse con un móvil BlackBerry para gestionar el correo electrónico, los contactos, el calendario corporativo y demás. + www.rim.com

Commodore PC64 La moda retro da para todo, incluso para la tecnología. Así lo entendió la gente de Commodore, que anunció una nueva versión de su modelo 64, pero ahora con un chip Atom, gráficos Nvidia ION 2, 4 GB de RAM, 1 TB de disco rígido, grabadora de DVD y conexión HDMI, dentro de un gabinete que es fiel al original, incluso en el mecanismo del teclado. Usa Ubuntu como sistema operativo, e incluye un emulador para disfrutar de los juegos del modelo original. Dependiendo de su configuración, su precio oscila entre U$S 595 y 895 en Estados Unidos. + www.commodoreusa.net

mundo creativo 143 gadgets

Apple MacBook Pro En el último año, la empresa fundada por Steve Jobs quedó identiﬁcada con el iPhone y la iPad, pero no por eso abandonó su línea de portátiles: la compañía presentó una nueva MacBook Pro, con pantalla de 13, 15 ó 17”, chips Intel Core i5 o i7 de 2 ó 4 núcleos, webcam de alta deﬁnición y Thunderbolt, un nuevo conector para

periféricos desarrollado por Intel que es 20 veces más rápido que USB 2.0, y que puede usarse para datos y para conectar un monitor. La MacBook Pro tiene un precio de $9799 para el modelo más económico. + www.apple.com

Samsung Smart TV C9000 Los televisores de muy alta gama siguen llegando a la Argentina, en este caso de la mano de Samsung, que presentó en el país el C9000, una TV Full HD de 55”, con soporte para películas 3D y menos de 8 mm de espesor. Tiene acceso a Internet vía Wi-Fi, soporte para Skype, el servicio DLNA de transmisión inalámbrica de audio y video en el hogar, y un control remoto muy soﬁsticado, que incluye una pantalla táctil de 3”, que también puede mostrar lo que vemos en pantalla. Su precio en la Argentina es de $34.999. + www.samsung.com/ar/

Nokia X3-02 Touch and Type Los ﬁnlandeses estarán en un momento de transición en su estrategia para los móviles de alta gama (apoyarán a Windows Phone 7), pero su oferta de equipos de rango medio sigue siendo tan sólida como siempre: el X3-02 usa la tradicional interfaz S40, pero ahora con pantalla táctil de 2,4”, conectividad 3G y Wi-Fi, cámara de 5 MP y software para chatear, acceder a Facebook y a Twitter. Su precio: $629 con un plan de $99 en Claro. + www.nokia.com.ar

Verbatim Nano Los pendrives siguen ganando en capacidad, pero aprovechando la maravillosa miniaturización que permite la tecnología. Un ejemplo es el nuevo Nano de Verbatim, que es tan pequeño que apenas sobresale del puerto USB, un complemento ideal para dejar conectado en una notebook o PC. La versión de 4 GB tiene un precio local de $79, mientras que la de máxima capacidad (16 GB) se vende en la Argentina a $299. + www.verbatim.com

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+ english summary Design Special Pages 52-77 Milan Design Week 50 Years of Design With this edition, the International Furniture Salon in Milan turned 50. This is no minor detail, when a commercial and cultural event is able to stay and evolve during half a century. The Salon was the marketing tool that boosted the furniture industry in Italy. Its success has been the ability to gather companies that understand that together they can accomplish much more and obtain better economic results, as well as the constant search for creating a culture of design through many events parallel to the fair, in which the history and the importance of this activity in Italy and the rest of the world is taught. The truth is that after having visited the fair over many years, it has become harder to find innovations -in shape, materials and production- and that at the same time; they don’t save in quality and competitive prices. But, is it lawful to expect innovations every single year in a world that fortunately is widening their ecological conscience and wonders about the practical use of objects and the need of always producing more and more? In general, although still presenting prototypes, producers are searching in their files, in order to improve what they already have in their catalogues. In many cases, they bet on the change of materials of certain products that have had great success in the market. Sometimes, they use the purest possible materials, while others; they mix them adding technology into them. Nevertheless, undoubtedly, materials are the main subject. Regarding aesthetics, some proposals follow pure shapes and lines, while others find in the fantastic and the excessively ornate their means of expression. Inspiration mainly comes from the fifties, seventies and eighties, but always in the search of a fine piece of furniture, of quality, which will last in time and has good finishings. Consumers are willing to pay a certain price, whenever the pieces are well constructed and possess delicate details, while still being practical and comfortable. The work of the Triennale Design Museum and the installation of Ora-Ïto, along the Monte Napoleone Via, are of major importance. Brands, independent designers, art galleries and universities, exhibit till late hours in many different showrooms around the areas of Brera, Tortona, Porta Romana, VenturaLambrate and Cadorna, in Milan. Cameron Sinclair Pages 78-79 Architecture for a Social Change He is English, but lives in U.S.A. He defines himself as an eternal optimist, and lives architecture not only as a profession but also as a tool to produce a social change in poor communities and areas that have just suffered natural disasters, as has recently happened to Japan. He is cofounder of Architecture for Humanity – AFH, a non profit organization that seeks for solutions in architecture for humanitarian crisis and endangered communities. AFH, Fu.De (Soccer for Development) and Nike launched Copa Arquitectura (Architecture Tournament), a design contest to integrate soccer, education and health, promoting the construction of a centre to encourage social development through sports. The call was destined for architects and designers of those countries that will be playing 2011 America’s Cup. The winner was Urban Recycle Studio, from Brazil. David Butler Pages 80-82 Design: Thinking Big He is in charge of directing the vision, strategy, global design and construction of a design culture for all Coca-Cola. Having a vast and interesting curriculum as a designer, consultant and professor, he is responsible for the way in which design is thought and done in the company worldwide. In April, he visited

Translated by: Lucrecia Bertani

Buenos Aires as speaker in the designers’ encounter of Reality Design, where he was heard by designers, students and members of the local creative industry. “The secret to our business is to work in scale. As a company, we are bigger than some countries, so the secret is to use design as a means to connect it to our busines”. Nutcreatives Pages 84-86 The Strange Couple They are Àlex Jiménez –product, furniture and interior designer- and Jon Marín –graduated in Biology and specialist in environmental issues-, both from Barcelona. Not that long ago, they decided to start a design project, filled with values and common sense: Nutcreatives. “Our creative process starts with the understanding of everything that goes on around the object we want to design. We like building systems rather than objects and for that, we need to bare in mind the context in which we will be working on, which materials will be the right ones, what kind of company will be in charge of producing the objects, and what will happen when the product is no longer useful”. Jessica Hische Pages 88-91 Laughter Made of Letters and Shapes She got her degree in Graphic and Interactive Design from Tyler School of Art, Temple University in Philadelphia, in 2006. She is nowadays devoted to lettering design: “It allows me to work in different styles, avoiding boredom, and at the same time following the illustration format.” Her work, in general, can be best appreciated in the advertising world and in the cover of books from Random House and Simon & Schuster, even though we can once in a while find her work in the pages of The New York Times, Wired and Glamour. Jason Kernevich, one of the Heads of State Studio cofounders, describes Jessica’s work as “a balanced combination of design, illustration, typography, brown sugar and regular milk cream”. Cabina Pages 92-95 Design that Creates New Meanings Coni Luna and Carolina Mikalef work hard in Cabina, a multiform and eclectic space where the destination is communication and the means is endless learning. Creative, critical, passionate, imaginative and enthusiastic, their design forms new meanings. “We are the ones who love: communication, art, music”, they say. Illustration, painting, literature, movies, architecture, net-art… The tools they use are endless, and their productions have an identity that is gradually formed when we go over the works they have done for clients: from magazines to petroleum companies, from restaurants to model agencies, from clothing brands to cultural centres. Yohji Yamamoto Pages 96-97 A Japanese Poem to the World After thirty years of Yohji Yamamoto’s first collection in Paris, the Victoria & Albert Museum of London inspires in this Japanese designer and honours him with a retrospective that will last till July. Yamamoto made his début in Paris Fashion Week at the beginning of the 80’s, with a style in which ostentation, what’s sexy and what’s nice being all easily digested, did not have a leading place. His ideology could be summarized under the following premises: abstraction, timelessness, and asymmetry in the construction, which create a new relation between the clothes and the body; an accent in layering, volumes, and draping and an unpretentious pallet over garments loyal to the Japanese tradition and yet contemporary. But although this may seem quite complex, everything finds its logic in all of Yamamoto’s designs. A unique style that invites us not only to get dressed but also to be observed. D*Face Pages 98-99 Apopcalyptic Art D*Face is nowadays one of the most controversial and interesting urban artists and he comes to Buenos Aires to be part of the Puma Urban Art Festival. His brushstrokes, stencils, post-

english summary

ers and stickers- and the characters in them- print social and cultural content to many streets in London and other main cities of the world since early 2000. Not only in the streets, but also in museums, galleries and personal collections, D*Face is regarded as a great observer of reality. He himself defines his work as aPOPcalyptic. “The message that guides my work has always been the same: observing and not just seeing. I like spectators to question everything around them, and through my work I am able to confront them with reality, to ask people questions about it and to discuss their relationship with their surroundings”. Monoblock Pages 100-103 Illustrating Daily Life Monoblock is formed by Vik Arrieta, who has a degree in Communications, and Pablo Galuppo, graphic designer. This duo, which is known today for having created a line of products which has among other things, notebooks and diaries illustrated by emerging artists –who they call authors- has come a long way. They had provided designing services for several clients, until they decided to step aside and devote themselves to a less certain creative personal project, in which mass production is a main element. All of them have a concept, as the trips one: each author had to work on their views of living love in a trip, in a city. The art is exclusive for each notebook. “We will continue developing and looking for new products. For instance, new are the laptop skins that we have created with stickers. We also have a new line, Santuarios (Sanctuaries) that are miniatures of endangered animals, and the tin line that we have been working on since last year, but we have enlarged it and produce new ones in another material. The idea is to become better professionals”. adidas Originals Blue Pages 104-105 Denim from Head to Toes The adidas Originals Blue collection introduces the first denim line of the brand, with a contemporary style, thought for men and women who think of themselves as trendsetters. The name is a tribute to the iconic Originals colour “bluebird”. This comprehensive proposal that includes clothing, footwear and accessories, blends classic and sportive elements and can be used in any occasion. Buenos Aires Automobile Salon Pages 106-108 Cars that come In a context of rapid growth in the automotive sector, the 5th edition of the Buenos Aires Automobile Salon arrives, from June 17th to the 26th in La Rural. It is supposed to attract a record amount of visitors. For the time being, the presence of around 70 exhibitors can be considered official. Among them, we can highlight: Alfa Romeo, Audi, Chrysler, Citroën, Dodge, Ferrari, Fiat, Ford, Honda, General Motors, Iveco, Jeep, Mercedes-Benz, Nissan, Peugeot, Renault, Scania, Seat, Smart, Toyota and Volkswagen. Geotracking Pages 110-111 How Maps and Technology Meet Geotracking is nowadays possible: with a mobile phone we can now not only know where we are standing, but also access a great deal of information about things around us. The GPS can be used for a number of purposes. It can be used to control a fleet of taxis or trucks, to verify the position of a buoy near the coast, to track another person, or even to geotag a photograph in order to know where it was taken. It ultimately is, a way of using technology to enrich people’s surroundings, filling it up with useful information. Unik A Pages 112-113 Unique Experience In Buenos Aires, Unik has recently opened its doors as a restaurant that promises from a singular menu, to outstanding and peculiar furniture. The place, which was thought and designed by Marcelo Joulia, the French-Argentine architect, founder and

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director of the Naço Arquitectures Studio, is shaping up as a space both locals and tourists must visit. The restaurant exhibits pieces of a collection of objects that Joulia started gathering thirty years ago, in which lamps, furniture, and tables are part of, and all of them can be experienced as part of the restaurant. When assessing flavours, Unik counts with a top kitchen and a bar, in which quality is the commitment as fresh products from sustainable agricultures and biodynamic wines are used, among other meticulous details. Panorámica Pages 120-122 Dancing Images The third edition of Panorámica –Panoramic– was held. It is considered a main reference space for audiovisual arts executed in real time. The referents of the local and international scene of Vjing, met in the Fundación Telefónica Space, in the City of Buenos Aires to share their works in a 360° stage. Workshops, talks and exchanges among VJ’s, musicians, programmers, designers, DJ’s, performers and contemporary artists of different disciplines took place around programmed live sets. Artists were able to express techniques, trends, interests and experiments of a generation in a constant search of their relation with all the contemporary means of expression. Bombay Sapphire by Arad Page 123 Exclusive Blue Sculpture The Bombay Sapphire gin reaffirms its association with design, thanks to the new creation of the architect and designer Rod Arad: a molten aluminium sculpture over the bottle, with a shiny blue sapphire finish, the brand’s trademark colour. Only 300 of these bottles will be on sale for 40 Euros each. Alexander McQueen Pages 124-125 Expect the Unexpected A little over a year after the passing of the English designer Alexander McQueen, in February 2010, the prestigious Costume Institute of The Metropolitan Museum of Art of New York, honours him with a retrospective that covers his work extensively, open from May 4th to July 31st of 2011. Some examples are hard to forget: dresses created completely with feathers, or entirely embroidered with fresh flowers, jackets with horns coming out of the shoulders, or outfits in which the digitally created prints describe an ecological apocalypse. These are all trademarks that distinguish McQueen within fashion. César Pelli Pages 126-130 The Practice of Amazement He is one of the ten best architects in the world, and endlessly grateful to his profession and his life. He has lived in U.S.A for over 40 years and, while being 84, the Tucuman architect is as active as he has always been. He is a specialist in achieving works which ultimately seek to show his own identity. According to him, his most important achievement was to fulfil his lifelong dream of opening his own studio, and turn it into an “open space” for colleague architects from all over the world. Since then, he gave life to pieces of work that multiply after some days. The Petrona Towers (Kuala Lumpur, 1998) is one of his most recalled works. All of the designs of this creative mind stand out due to their ability to cause amazement. “In general, I don’t repeat shapes. I am a strong believer that architecture should always be at the service of the city; this last is much more important than the building, not only in shape, but also in culture, history and atmosphere, and in this way, each piece of work varies”. Photo Portfolio Pages 131-136 Elisa Strada Elisa Strada was born in Santa Fe, in 1970. She got her degree in Graphic Design in Buenos Aires University and she is a prolific plastic artist. Her incursion into photography granted her the award Premio Regional Adquisición Fundación OSDE in 2005. Her view is aimed to a perceptive record of the city in different moments of the day. She uses a Linux digital camera. +

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