Revista 90+10 #50

+50 + El escritorio de Christian Montenegro y los sellitos que usó para su nuevo libro Cocorococó. www.christianmontenegro.com.ar Foto: Maia Croizet @Maia WATIO

sumario +mundo creativo 010 green design, publicaciones, art toys, #ObjetodelDía, música, arquitectura, moda, marketing, arte, branding y diseño, diseño, vehículos, discos, gadgets, eventos, online, lugares, agenda

+personas creativas 040 044 048 056

diseño Ross Lovegrove Un biólogo en tierra de diseñadores

052 060

ilustración Christian Montenegro Sensiblemente digital Javier Jaén El sentido de la comunicación gráfica

Cora Groppo Sobria modernidad Magda Laguinge Mirada indiscreta

+ideas creativas 064 068

lugares Berlín Una ciudad con todas las letras

arte Espacio Fundación Telefónica En línea, y comunicando con la cultura digital

arte Nicola Costantino El arte de la ambigüedad

moda

072 086 074 078 082

diseño Diseño de juego Los botines del Mundial 2014 Feria PuroDiseño Apuntes de diseño

vehículos Autos eléctricos Con las pilas bien puestas

tecnología Telemedicina La tecnología al servicio de la salud Google I/O Android como estrella

+portfolio fotográfico 089

Guillermo Srodek-Hart

+clásicos contemporáneos 094 098 + Nicola Costantino, Peletería humana. Zapatos de tacos altos de tetillas masculinas, 2010. www.nicolacostantino.com.ar

arquitectura Louis Kahn La prueba del tiempo

+conexión

+50 staff

+ Buchstaben Museum, dedicado a conservar y documentar formas de letras en Berlín. www.buchstabenmuseum.de Foto: Andrea_Katheder

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010 Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Prensa y Comunicación

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Redacción Celeste Nasimbera celeste@90mas10.com.ar @SrtaCele

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Atención al Cliente Paula Pedrouzo paula@90mas10.com.ar @PaulaPedrouzo

Colaboran en esta edición Aldo Bressi, ArtsMoved, Celeste Nasimbera, Elvio Orellana, Enrique Avogadro, Fernanda Cohen, Germán Andrés, Maia Croizet, Martina Flor, Natalia Iscaro, Pablo Pérez de Ángelis, Patricio Oliver y Ricardo Sametband Nuestros colaboradores Martina Flor @MartinaFlor Combina sus talentos como diseñadora e ilustradora en el arte de dibujar letras. Nació en Buenos Aires y estudió en España y Holanda. Establecida en Berlín, trabaja en tipografía, lettering e ilustración. Es la autora de lettercollections. com, co-fundadora del proyecto Lettering vs Calligraphy, y creadora de la serie de workshops Good Type. Es también docente , y dicta conferencias y workshops dentro y fuera de Europa. +

Enrique Avogadro @eavogadro Es subsecretario de Economía Creativa y dirige el Centro Metropolitano de Diseño (CMD). Va a trabajar en zapatillas, medita, no tiene auto, y se mueve en bicicleta. Trabaja para hacer crecer todas las industrias de alto valor: audiovisual, moda, diseño y música, y para lograr que cada vez, más gente ponga en marcha sus ideas, fomentando el emprendedorismo. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro Hnos. S.A. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Taller Impresor Amison Tabaré 2110, CABA www.amison.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 11 “A” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 5178640 | ISSN 1668-6403 Año 10 - Nº50 – Julio / Agosto 2014

+50 + Tienda Cora Groppo en Palermo. www.coragroppo.com Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

editorial Domingo, 11:01 AM, recibo este correo electrónico: “Dear Marcela, Here are my answers. I´m on a train with RSI in my right arm typing on my cell, so i will choose 8 max to answer if you don´t mind”.

Pero a continuación, elige contestar la totalidad de la entrevista que le hice llegar hace unos días atrás a través de su asistente. También yo desde mi teléfono (pero con mi mano izquierda), le agradezco su mail con un veloz “Thanks a lot!

You’re so cool...” Y él remata con un “My pleasure. Hi Marcela, selfie from Carrara last night”. A lo que respondo: “I am your fan!”. “Not bad !!!!” son sus palabras finales.

El intercambio de correos es el mismísimo Ross Lovegrove, diseñador galés que desde hace varias ediciones intentamos entrevistar, y que en esta oportunidad, tenemos el placer de presentarles en este número (y de paso, su autofoto pueden verla junto a este texto).

Me pareció una linda anécdota para compartir con ustedes. En estos casi diez años de hacer 90+10, hemos vivido experiencias de lo más coloridas, y ésta es una de ellas. Espero disfruten del #50, tanto como nosotros disfrutamos de producirlo. +

Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados.

Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

+ Ross Lovegrove’s selfie

FOTO DE TAPA Se trata del National Assembly Building en Dhaka, Bangladesh, proyectado por el arquitecto Louis Isadore Kahn (19011974), el “clásico contemporáneo” de esta edición. Esta obra forma parte de un complejo de edificios cuya construcción de inició en 1962 y fue terminada póstumamente, en 1983. La foto pertenece a Raymond Meier. Una completa retrospectiva del legado de Kahn puede visitarse del 9 de julio al 12 de octubre de 2014 en el London Design Museum. + http://designmuseum.org/

010

+ mundo creativo

green design

Estepa Caja de herramientas Diseñar desde el reciclaje y creando las herramientas que hagan falta. Eso es Estepa.

Guillermo Cameron dirige Estepa, un emprendimiento dedicado al diseño de mobiliario y objetos a partir de la reutilización y el reciclado de diferentes materiales, principalmente madera y cartón, a los que agrupa en variadas líneas. Sillas, bancos, mesas, bibliotecas, estanterías y muebles para TV se lanzarán en breve. En paralelo, y a pedido, Estepa también desarrolla regalos empresariales, muebles a medida, y hasta videos en stop motion.

La utilización del cartón reciclado devino del encargo de un cliente, cuando crearon un maniquí en cartón corrugado. De esa investigación, surgió la línea de lámparas. El proceso de construcción de las mismas implica una secuencia que se inicia con el corte del material en tiras, pre-doblarlo para que tome forma, encolar y armar.

Pero como cortar el cartón corrugado presentaba una problemática, y ninguna herramienta del mercado lo cortaba sin aplastarlo, o dejando el canto limpio, la solución fue -entonces- fabricar un símil

de guillotina, a la que se le insertó una pieza desarrollada e impresa en 3D, para sujetar los filos. Así, el proceso de investigación generó la realización de herramientas propias: como cortadora de tiras de cartón, la dobladora de cartón y, actualmente en proceso, una encoladora especial para el armado de lámparas.

Porque de aprehender se trata, Estepa busca realizar piezas de simple armado. El proyecto incorpora personas de sectores vulnerables de la sociedad, sin formación ni trabajo, para capacitarlos y que se unan al emprendimiento, o bien aprovechen sus conocimientos para encarar nuevas alternativas laborales. Además de simpleza, se apunta a resolver la producción con materia prima accesible: cartón y madera. Ambos reciben tratamientos similares: mientras el cartón se trabaja en tiras, la madera recuperada se reconvierte en listones de diferente largo y espesor. + www.facebook.com/ProyectoEstepa

El Espacio Fundación Telefónica se renovó y te propone conocer cómo la tecnología está cambiando a la sociedad, modificando la manera de relacionarnos, de expresarnos, de aprender y de enseñar.

Te invitamos a vivir juntos experiencias que sorprenden, que emocionan y nos transforman.

Más exposiciones, más conferencias, más talleres y cursos.

Más Espacio Fundación Telefónica.

Despertando ideas se despierta el futuro.

Lunes a sábados de 14 a 20:30 hs.

Arenales 1540, CABA Entrada libre y gratuita Seguinos en: FundacionTefAr

http://espacio.fundaciontelefonica.com.ar

Hermes el Mensajero, de Hernán Marina. Escultura Lumínica. Intervención de fachada.

La cultura digital es parte de nuestra vida.

Es parte de nuestro Espacio_

012

+ mundo creativo

publicaciones

Acorn La artista conceptual Yoko Ono presenta presenta un libro arteobjeto, en el cual recopila pensamientos, frases breves y dibujos puntillistas. Mantras posmodernos para leer (e, incluso, repetir).

Acorn es un pequeño libro que lleva en la cubierta un fruto: una bellota. Yoko Ono interpela desde las primeras páginas. Es una propuesta editorial para completar. Sobre el papel, la artista vierte su universo creativo en letras y dibujos, e invita a hacer lo propio. Divididos en breves capítulos (El Cielo, La Tierra, La Ciudad, etc), se pueden leer breves frases o poemas que invitan a la reflexión. Muchas veces, de modo explícito: “Fíjate si puedes ver dónde vas”. La intención es transmitir ideas esenciales sobre el amor, la amistad, la existencia, la naturaleza y el misterioso oficio de vivir y trascender.

Editorial AGUILAR Autor YOKO ONO Formato 17 x 17 cm 220 páginas Español / Inglés

Acorn es una muestra de arte-objeto; un pequeño libro de instrucciones para hacer anotaciones al margen, dejar y volver a releer.

Sin índice ni páginas numeradas, es una intención artística. Cada página es un disparador acompañado por un dibujo puntillista, realizado por la misma Yoko Ono. Pequeños rituales, actos psicomágicos.

Acorn posee 200 páginas de diario personal para hacer propio.

Aguilar presenta una edición bilingüe, con la traducción de Julio Trujillo. + www.librosaguilar.com/ar/

Printing Things Visions and Essentials for 3D Printing El futuro es ahora, y las impresoras 3D se popularizan en nuestra cotidianidad. Un libro para explorar las potencialidades creativas que ofrece esta tecnología.

Apenas un par de años atrás, la impresión 3D nos resultaba remota. Pero ya no es ciencia ficción, y por eso, la editorial alemana Gestalten presenta su libro “Printing Things: Visions and Essentials for 3D Printing”; un proyecto editorial en donde recorrer tecnologías, expertos y proyectos.

Muy pronto, utilizaremos con frecuencia impresoras 3D en nuestras oficinas y hogares, siendo capaces de imprimir pequeños muebles, prototipos, piezas de recambio, hasta un nuevo cepillo de dientes. Los nuevos métodos de producción y los modelos de negocio se están desarrollando junto con un nuevo lenguaje visual de las exploraciones formales multidimensionales. Gestalten presenta, entonces, 256 páginas a todo color, para recorrer e imaginar todo lo que podemos hacer en 3D. Editorial GESTALTEN Editores C. WARNIER, D. VERBRUGGEN, S. EHMANN, R. KLANTEN Formato 24 × 28 cm 256 páginas Inglés / Alemán

El libro expone las potencialidades creativas de la impresión 3D y permite, además, un análisis sobre la complejidad del cambio de paradigma que presentan tanto la tecnología como las modificaciones en los derechos de autor y de fabricación sin costuras. En paralelo al lanzamiento, durante el mes de agosto, se realizará un workshop sobre impresión 3D a cargo del estudio de diseño belga Unfold en Fab Lab Berlin, Alemania. En el mismo, se buscará desarrollar las herramientas necesarias para llevar la idea del papel a la materialización. + www.gestalten.com

014

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

Bronys La nueva generación de pequeños Ponys El universo de personajes de la serie animada Mi Pequeño Pony se convirtió en juguetes de vinilo.

El nombre Lauren Faust difícilmente sea reconocido por la mayoría de las personas, pero si a ese nombre le sumamos shows de animación como Las Chicas Superpoderosas y Mansión Foster para amigos Imaginarios, el panorama es completamente diferente. Lauren no sólo está casada con el creador de estos shows Craig McCracken, sino que ha trabajado en los mismos.

mensaje de amistad que logra transmitir, se pudo superar la barrera del público receptor femenino, calando a fondo en un público masculino, tanto infantil como adulto. De esta forma, el universo de fans de la serie crece día a día, y los “Bronys” (como se autodenominan; un neologismo generado de la palabra “bro” -hermano- y pony) no dejan de sorprender a Hasbro, con su constante interés en la serie.

Hasbro buscaba una manera de lograr refrescar su licencia de My Little Pony para llegar a un público demográfico mayor, y Lauren deseaba que su idea original Galaxy Girls se volviera una serie animada. Siendo que -según Hasbro- los shows para chicas, en ese entonces, no eran considerados material para un éxito, decidieron unir sus intereses mutuos para crear un concepto nuevo. Entonces, Faust incorporó en su conceptualización varios elementos de diversidad entre las personalidades de los Ponys: su idea era ir en contra de esa imagen que se tenía de los shows infantiles para público femenino, y buscar identidades fuertes (y hasta opuestas) en donde, desde la diferencia, se generara una dinámica atractiva entre los nuevos personajes.

Pero Funko no se queda atrás, y menos cuando se trata de licencias populares, y se dispone a lanzar la serie 2 de Mystery Minis del show. ¿Pero por qué debería Funko lanzar figuras de la serie, cuando Hasbro tiene en el mercado masivo figuras en todas las tiendas de juguetes del mundo? La respuesta es muy simple: los Bronys. Con éste y otros lanzamientos, Funko cubre personajes que Hasbro no lanza a nivel masivo y, además, sigue de manera mucho más fiel la representación de sus personajes en formato de juguete y, a pesar de haber tenido un inicio más accidentado en la calidad de sus primeras figuras, al parecer, los controles han ido mejorado, y también la aceptación por parte de los fans exigentes de la serie.

Es así que Twilight Sparkle se volvió la protagonista de la serie, justo con todo un grupo de amigos. Y fue así cómo el universo de “My Little Pony Friendship and Magic” nació. Para sorpresa de muchos, el show recibió gran aceptación, tanto del público joven como de sus padres, que no pusieron resistencia a las nuevas versiones más estilizadas de los personajes, y al tono de humor de la serie. Otro elemento que generó mucha repercusión fue que, dada su construcción y el

Siguiendo el formato de caja cerrada, por lo cual no se sabe qué figura puede tocar, esta línea trae diez modelos nuevos. Ya contando con gran cantidad de figuras lanzadas en varios formatos, para alegría de los Bronys, esta serie Funko incluye personajes como Applejack, Big McIntosh, Daring Do, Discord, Princess Twilight Sparkle, Rarity y Trixie Lulamoon. Discord, Trixie y Twilight también salen, pero en sus colores oficiales. + www.hasbro.com | www.funko.com

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

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+ mundo creativo

ObjetodelDía

+ Una selección de las notas que diariamente se publican en http://90mas10.com/objetodeldia. Piezas de diseño nacional e internacional, novedosas, icónicas, útiles y bellas que, muchas veces, dan pie al debate, y hasta reciben críticas y comentarios.

Biblioteca Ghost por Chapa Objetos inobjetables Blanca y liviana como un fantasma, flota en el aire y desaparece tras tus libros. Se trata de la biblioteca Ghost de Chapa Objetos inobjetables. Con una estructura metálica revestida en pintura electrostática en polvo horneada, posee seis estantes. Sostiene aproximadamente 60 tomos dependiendo, claro está, del tamaño de los éstos. Es ideal tanto para espacios pequeños como grandes, que necesitan modificar su organización. La biblioteca Ghost fue distinguida con el Sello de Buen Diseño en su tercera edición. + www.chapaobjetos.com.ar

Maceta Potus de Kuku Design

Billeteras Lucky de Puro

Una propuesta eco. Kuku Design le otorga una nueva función al foco de luz quemado que llegó al final de su ciclo de vida, y lo reutiliza como materia prima, para integrar un nuevo producto: contenedor para una planta. Así, la maceta Potus está formada por una base de dos piezas de MDF y el foco de luz. Las partes se vinculan entre sí por medio de encastre, sin necesidad de aglutinantes o elementos externos, lo cual facilita el desarme del producto para su posterior reciclado. + www.kukudesign.com

Un producto práctico y con estilo, para la cartera de la dama y el bolsillo del caballero. Puro presenta sus billeteras Lucky, elaboradas en su interior con papel Tyvek estampado. El mismo está compuesto por fibras plásticas y elásticas entretejidas, que forman una malla resistente e impermeable. La pieza que recubre el exterior de la billetera (PU) enmarca las estampas de tela, dándole un acabado compacto, flexible y ecléctico. Todas las Lucky llevan consigo un estilo acolchado y radiante. + www.zapatillaspuro.com.ar

Si querés conseguir alguno de estos objetos, podés hacerlo con la ayuda de la app Tobuy. Le sacás una foto con la cámara de tu dispositivo móvil y Tobuy te dice dónde comprarlo. Descargala gratis desde App Store o Google Play.

018

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando Foto: Valentín López López

música

Lisandro Aristimuño La canción y todo lo demás también...

A diez años del lanzamiento de su primer disco, el cantautor que más creció y más terreno recorrió de forma autogestionada, ya logró despegar totalmente del mote de “under”. Con cinco álbums publicados, y sin sonar mucho en las radios masivas, sus canciones han logrado trascender a fuerza de calidad y calidez.

Posicionado también como productor de discos propios y ajenos -que le han valido premios-, no deja de girar y tocar constantemente por Argentina y los países vecinos. Además, creó su propia plataforma de trabajo independiente, y hace cuatro años fundó un sello que edita (a su vez) otros artistas que le gustan. Para festejar su década de música, recientemente, lanzó un caja recopilatoria con sus tres primeros discos que estaban agotados. Y aquí nos cuenta un poco del presente. + ¿Cómo te sentís hoy con respecto a tus primeras canciones? ¿O cómo las ves en el tiempo?

LA La verdad es que me siento muy orgulloso de esos discos. Son etapas adonde la vida me fue llevando, y tuve el privilegio de poder plasmar en canciones. Cada vez que los oigo, me siento muy identificado y feliz. + En estos años de autogestión, ¿qué creés que te ha costado más en la industria musical o el medio?

LA Lo que más cuesta son las tercerizaciones. Esto, a veces, hace que se evadan responsabilidades, y que el mensaje se ramifique y pierda sentido... Hoy en día, en el ambiente musical, hay muchos factores que afectan: desde logos, marcas, corporaciones mediáticas, etc. Y creo que eso distrae un poco, y no deja ver claramente el mensaje que se quiere transmitir. Lucho todo los días para que mi trabajo esté lo menos tercerizado posible, y así tener un mayor

control, donde la prioridad fundamental sea la música, y que las personas la reciban de la manera más pura, y con todo el amor que le ponemos día a día junto a mi equipo. + ¿Te considerás parte de alguna tradición argentina: la del pop/ rock, o la del trovador popular?

LA No estoy tan pendiente de las clasificación de géneros o corrientes musicales; me resulta muy difícil analizar en qué parte de la tradición musical argentina me encuentro. Prefiero disfrutar de muchos estilos musicales, sin caer específicamente en alguno en particular. + ¿Estás trabajado en algún material nuevo?

LA Ahora estoy produciendo y arreglando lo que será el nuevo disco de Fabiana Cantilo, también produciendo el segundo disco de mi hermano Tomás, y por componer la banda sonora de una película argentina. + ¿Qué estás escuchando por estos días?

LA Estoy escuchando a Asgeir, Ruichi Sakamoto, Adrián Belew, Daniel Lanois, Lost In The Trees, Tricky, Low Roar. Y canciones nuevas de músicos latinoamericanos, en un proyecto que gestiono hace un año desde mi Web, llamado M.S.F.L. (Música sin fines de lucro), donde todos los meses recibo canciones y armo listas para compartirlas. + www.lisandroaristi.com

BOX SET Trilogía. Edición Especial Aniversario. (Viento Azul discos. Argentina. 2014) El último lanzamiento de Lisandro Aristimuño es una caja, con muy buena presentación, que contiene una trilogía con sus tres primeros discos, los cuales ya casi no se conseguían. Éstos son: “Azules turquesas” (2004), “Ese asunto de la ventana” (2005) y “39°” (2007), todos en formato CD, más un libro con material inédito.

El BOX SET 10 años -como se conoce el producto-, viene con la música original de cada álbum, lo que permite denotar el estilo personal del autor, y cómo consolidó un sonido. Sus composiciones con aires más folk, influenciadas por la milonga pampeana, la canción contemporánea del Río de la Plata, baladas y melodías Beatles. Un audio actual, que entrecruza el pop y lo acústico, sonoridad basada en las guitarras y su voz, con muy buen acompañamiento de una amplia gama de timbres y arreglos. El uso de samplers, cuidadas bases y capas electrónicas, más un fino trabajo con los diseños rítmicos. Todos estos elementos los fue puliendo con el tiempo, y hoy son casi una marca registrada en todas sus producciones, incluso para terceros. Pero en estos tres primeros trabajos, prevalecen sus ideas melódicas, y la capacidad para crear canciones emotivas. +

020

+ mundo creativo

Foto: Virgile Simon Bertrand

arquitectura

Dongdaemun Design Plaza Luces en Seúl

Se invirtieron cinco años para materializar un proyecto arquitectónico que incluye cinco pabellones para eventos culturales y un enorme parque a su alrededor.

En 2009 se inició la faraónica tarea de construir el Dongdaemun Design Plaza (DDP) en Seúl, Corea del Sur. El complejo cultural de 38 mil metros cuadrados fue diseñado por la arquitecta angloiraquí Zaha Hadid, e inaugurado en marzo de este mismo año.

Ubicado en uno de los barrios más comerciales de Seúl -en donde los distintos locales permanecen abiertos en extensos horariosel DDP posee un centro comercial al que se suman galerías expositivas, espacios para convenciones y seminarios, un museo, una biblioteca y un centro educativo. La impactante obra, se encuentra rodeada de un parque creado desde la interpretación de los conceptos tradicionales de los jardines coreanos. Una estructura irregular en la cual converge el movimiento de una ciudad. En el horizonte urbano, los detalles superiores del edificio cobran brillo, impactan y captan la mirada. De día, por sus líneas irregulares, y por la noche, por sus luces. No hay modo de que pase desapercibido.

Para la construcción, se emplearon modelos BIM (Building Information Modelling); la la estructura que envuelve la obra es de aluminio, y está compuesta por 45 mil paneles de diferentes tamaños y curvaturas, que repiten un patrón con pequeñas perforaciones, similares a píxeles, a través de las cuales penetra la luz. Una arquitectura que absorbe la innovación, y se eleva imponente en Seúl. Una nueva obra de Zaha Hadid, que materializa sus concepciones más abstractas, generando un centro comercial en permanente estado de movimiento.

Un dato a tener en cuenta: a partir del 30 de agosto y hasta el 5 de octubre de 2014, la DDP Seúl albergará la exposición “The Sense of Places” de Cultura Chanel, compuesta por más 500 piezas (entre fotografías, libros, objetos, manuscritos, archivos y obras de arte de Coco), que transmiten el espíritu de la diseñadora francesa. + www.ddp.or.kr | www.zaha-hadid.com

mundo creativo

+ 021 moda

adidas ZX Flux

Rediseñar el archivo La marca alemana vuelve sobre su propia herencia revisando, 25 años después, el modelo ZX8000, para dar un paso adelante.

El pasado como disparador para sintetizar el presente. Calzate las nuevas FX Flux. adidas presenta ZX Flux, un modelo urbano que surgió de los mismos archivos de la marca. El diseño estuvo bajo de dirección de Sam Handy, el encargado de depurar el modelo ZX8000 (propio de los 80), y mantener lo imprescindible de la propuesta en 2014.

En 1989, las ZX8000 salieron al mercado, diseñadas por Jacques Chassaing. Un modelo revolucionario para la época, que se caracterizó por la incorporación de elementos innovadores para el rendimiento: tecnología SoftCell en el talón, y adidas Torsion System -que permitía el movimiento natural del pie-. En su parte exterior, aportando un visual futurista, poseía talonera de TPU. Un calzado deportivo con onda, y un cazador nato de miradas.

De esta forma, ZX 8000 fue uno de los primeros modelos de la colección ZX, que se caracterizó por su permanente renovación, y las tecnologías aplicadas al uso. Hoy, adidas vuelve sobre su propia historia, para pensar en presente, depurar lo accesorio, y potenciar el ADN del calzado. El resultado son las ZX Flux.

PERFORMANCE CALLEJERA Las nuevas ZX FLUX surgen de revisar lo producido y volver sobre diseños propios, tomando una nueva dirección, y quitando del emblema lo que está de más. Es una propuesta de síntesis, que continúa ofreciendo tecnología para el rendimiento, sumando una

intención liviana, y un estilo 100% streetstyle.

Los diferentes modelos poseen llamativos prints, creados especialmente para la ocasión. Diseños minimalistas de colores intensos, que representan perfectamente la transformación de ZX. Zapatillas más clásicas, sin necesidad de estridencias, que mantienen las tres tiras, la practicidad del uso y el estilo.

CUSTOMIZACIÓN 2.0 En línea con las tendencias mundiales hacia la personalización del calzado, a partir del mes de agosto, adidas potencia la customización. A través de una nueva aplicación, será posible definir el patrón de tus zapatillas con imágenes propias, ya que la nueva tecnología permite que tus fotografías se impriman en alta resolución sobre ellas. Esta aplicación se encontrará disponible para iPhone y Android.

La colección de zapatillas de running contemporáneo fueron presentadas, con gran éxito, en las cosmopolitas (e inspiradoras) ciudades de New York y Berlín. En esta última, se realizó un evento que permitió, a través de un mapping 3D, descubrir las posibilidades de la customización. Todos los materiales y opciones se encontraban exhibidos, para dar una clara idea del poder del diseño personal.

PRÓXIMAMENTE: ZX FLUX ARGENTINA ¿Sos estudiante? ¿Te interesa el ámbito de la creatividad y el arte? Entonces, mantenete atento y chequeá las novedades en www.adidas.com.ar/zxfluxbuenosaires, porque próximamente, adidas realizará una acción que te va a interesar. +

022

+ mundo creativo

marketing

+ Swatch presente en Cerro Chapelco.

Swatch marca la hora invernal en Cerro Chapelco La firma suiza de relojería Swatch da el presente este invierno en Cerro Chapelco. Marcando el ritmo, aporta tendencia con sus nuevas colecciones y mantiene el espíritu deportivo. Un recorrido por la temporada.

El invierno es para aquellos que gustan de la montaña y las actividades en la nieve. Es la estación ideal para escaparse a Cerro Chapelco, Neuquén, destino indicado si se busca tanto el descanso, como aprovechar los centro de esquí y snowboard. El pronóstico de nevadas se mantiene alentador, lo que anuncia un invierno largo y lleno de propuestas durante el día, así como en los clásicos after ski cuando cae el sol.

HORA OFICIAL Con el arranque oficial de la temporada invernal, Swatch preparó un exclusivo after ski en las alturas del Chapelco Ski Resort, donde está presentando su nueva colección Scuba Libre, junto a los mejores riders del centro invernal.

Swatch marca cada momento durante este invierno, ya que se destaca como la hora oficial del Cerro, con presencia en siete puntos fijos de la montaña. También está presente en la base, con una exhibición inflable de 11 metros y con su Swatcholino: un Swatch Store itinerante (único en Latinoamérica). Se trata de una motocicleta inspirada en las famosas Lambrettas italianas. A su vez, el sello de la marca se aprecia también en telecabinas, aerosillas y placas de montaña.

Invitados especiales de la marca disfrutaron de un encuentro en Los Techos, el espacio más exclusivo del Cerro Chapelco. Chino Darín, Bernardita Barreiro, Delfina Chaves, Valentina Zenere y el produc-

tor de moda Nicolás Pesce Freijó conocieron las últimas novedades de Swatch. La modelo Jimena Buttilengo, fanática de la marca, posó en una divertida sesión de fotos en la nieve, junto a los Maxi Swatch y las nuevas colecciones.

El invierno en Chapelco se está viviendo a pleno, y aún queda para disfrutar. Para los fanáticos de la adrenalina, Swatch realizó acciones con esquiadores y snowborders en nieve argentina. Una forma de continuar las acciones internacionales que la marca de relojería realiza vinculadas a la nieve, a través de su presencia en los centros invernales más exclusivos, cuando organiza y sponsorea actividades deportivas de vanguardia en todo el mundo.

SWATCH PONE COLOR Al blanco de la montaña nevada, Swatch le imprime una paleta amplia de color. La nueva colección se llama Scuba Libre, y todos sus modelos poseen indicadores grandes y atrevidos, en colores de alto contraste. El color es la diferencia, una propuesta ideal para los que buscan estilo y diseño.

Modelos prácticos, con biseles giratorios y correas de silicona resistentes y ajustables. Scuba Libre abre la esfera para mostrar movimientos coloreados en cajas translúcidas, en atractivos colores.

Entre los modelos se destaca el SUUK401, que posee una esfera de plata mate, con índices negros brillantes y números en las 6, 9 y

+

mundo creativo 023 marketing

+ Delfina Chaves y Valentina Zenere

+ El Swatcholino o Swatch Store itinerante, en Cerro Chapelco.

+ Bernardita Barreiro

+ Chino Darín

12, además de ventana de fecha en las 3, y bisel en plástico blanco opaco con índices negros y rojos, números arábigos y rotación unidireccional. La correa es de silicona blanca opaca con hebilla y presilla negras.

de plástico transparente y correas haciendo juego con los colores del cuadrante. Una colección con una amplia gama de posibilidades. Modelos indicados para no perder el tiempo y disfrutar de la montaña.

SUUG400 Whalebone es otro de los modelos que captura todas las miradas. Con esfera azul mate, índices blancos brillantes y números rojos en las 6, 9 y 12, su bisel es de plástico azul transparente, con índices rojos y blancos, números rojos y rotación unidireccional. La correa es de silicona verde opaca con hebilla y presilla verdes. Por último, el modelo SUUO400 Sundowner tiene esfera negra con naranja y puntos e índices blancos brillantes, y ventana de fecha en las 3. El bisel es de plástico naranja transparente con índices blancos y negros, números arábigos y rotación unidireccional. Su correa es de silicona naranja opaca, con hebilla negra y presilla de silicona. Los tres cuentan con caja de plástico transparente, hermética hasta 20 bar (200 m).

ASÍ SE VIVE CHAPELCO Durante los dos meses más fríos del año, se realizaron múltiples actividades. A finales de julio, se presentó el “Extreme Film Experience” en Los Techos, sobre la pista El Caminito de Chapelco.

En el evento, se proyectó el documental “Way of Life”, una película protagonizada por los riders más destacados. Por su parte, el snowpark -ubicado en Plataforma 1600 m- fue protagonista del DC SLOPESTYLE 2014, reuniendo a los mejores snowboarders del país. También se desarrolló el Tetratlón de Chapelco, gran clásico del Cerro, que combina esquí, running, mountain bike y kayak.

Luego, para los que buscan estilo en relojes, están los modelos SUUW100 Clownfish, SUUM100 Cuttlefish y SUUK100 Chlorofish. Los tres vienen en colores impactantes, caja en plástico transparente y son herméticos hasta 20 bar (200 m). Completan la línea Scuba Libre los modelos SUUK400 Stormy, que combina detalles en negro, blanco y rojo; el SUUJ400, con toques de azul, blanco y naranja; y el SUUM400 Deep Turtle, donde el trío de colores se forma con el negro, el verde y el blanco. Los tres modelos tienen caja

Link a la nota: http://9010.co/swatchchapelco

NIEVE 2.0 La tecnología llegó a la montaña, y Chapelco amplió el menú de servicios que pueden comprarse online, a través de su plataforma de ventas en el sitio www.chapelco.com. Además de permitir la adquisición de pases a medios de elevación a través de Internet, también pueden solicitarse clases y alquiler de equipos, con todas las opciones de costos, días y temporadas. El pase 2.0 crece en beneficios, como una cómoda cabaña en la base del centro de esquí, para retirar los servicios contratados de manera rápida y cómoda. + www.swatch.com/es_ar/

024 arte

+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

Las corbatas de José Ignacio Otero Si nos abocáramos a la tarea de escribir el manual de estilo del dandy posmoderno, las corbatas de José Ignacio Otero ocuparían un extenso capítulo. Pensadas para la distinción, representan el nudo indicado que cruza diseño y arte.

Los códigos del vestir masculino se nutrieron en el tiempo de elementos complementarios para expresarse. Desde la presentación del ejército croata en la corte francesa hacia 1600, anudarse una porción de tela al cuello, ha representado al buen vestir. Con el tiempo, algunas reglas perdieron vigencia. La elegancia aburrió, llegó el humor y, en un gesto pop, José Ignacio Otero encontró en las corbatas un objeto de diseño, para proponer un uso creativo.

Otero es un dandy argentino, un diseñador que encuentra desafíos en los trabajos a pedido, y la posibilidad de desarrollar ideas originales en proyectos artísticos personales. Estudió diseño en comunicación visual -equivalente a diseño gráfico- en la Universidad de La Plata, profesión que combina con la actitud artística. La primera corbata surgió de imprevisto ante un evento familiar: debía vestirse por compromiso, y le divirtió diseñar su propia corbata. A partir de allí, repitió la acción, encontrando en las corbatas un elemento recurrente.

Con intención artística, el diseñador define sus corbatas desde la dualidad. Un elemento elegante construido desde el descarte, la elegancia cuestionada desde el desenfado, la tradición desde la innovación, y la formalidad desde un aspecto lúdico. Corbatas de dimensiones importantes, que visten en colores, a través de materiales desechados.

Llevarlas puestas es signo ineludible de sentido del humor.

CORBATA: TRAJE ARTÍSTICO En 1995, José Ignacio Otero tenía 22 años, y un compromiso al cual

asistir. Tomó el elemento masculino por antonomasia: la corbata, y la deconstruyó. Así, sin mayor planificación que resolver, inició un proceso de diseño que lleva más de veinte años. Las primeras corbatas fueron realizadas con latas, y las comercializaba en una tienda de arte en La Plata y en la galería Bond Street. Así, la reutilización de materiales se transformó en una constante.

En 2002, diseña “Dandy de las Pampas”, construyendo su versión del dandy a través del personaje de historieta Isidoro Cañones. El playboy de papel, tan porteño como canchero, representa el estilo de Otero: complicidad artística. Surge, de esta forma, el proyecto “Mis Corbatas”, una muestra que reunió el trabajo realizado de 2005 a 2009, y que recorrió desde Pergamino (ciudad natal del diseñador) a Villa La Angostura, Patagonia.

MIS CORBATAS EN BILBAO Ahora, en España, Otero está presentando “Mis Corbatas en Bilbao” en el EspacioAerre, ubicado sobre la Ría del Nervión, frente al Museo Guggenheim. Allí se presentan piezas varias, entre las cuales se incluye la “Gigante Estandarte”, homenaje al diseñador Paco Rabanne (nacido en el país vasco). Tomando como referencia la experimentación en metal y diversos materiales del diseñador, Otero crea, dando cuenta del reciclaje que distingue la obra de ambos. La muestra se encuentra abierta hasta el próximo 6 de septiembre. + www.joseotero.com.ar

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

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mundo creativo 025 branding

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Valentina Solari | Citroën “Me gusta innovar, pero que se entienda” Valentina Solari fue jugadora profesional de tenis desde los 11 a los 18 años, y viajó por el mundo jugando distintos torneos. Esa experiencia la marcó para su vida personal, pero sobre todo, para la profesional. Desarrolló una mentalidad fuerte, el poder del sacrificio, el entusiasmo y el temperamento de la alta competencia. Y paradógicamente, el suyo fue un deporte muy individualista, y hoy su fuerte es el trabajo en equipo, y queda a la vista que su fortaleza para liderar un grupo es la exigencia (pero con buena onda), la dedicación, la humildad y la solidaridad.

trabajando en la dirección de negocios internacionales para América Latina, y se quedó allí tres años y medio. “Fue una experiencia espectacular, enriquecedora en todo sentido, desde lo profesional y lo personal. Aprendí muchísimo desde diversos aspectos, desde lo cultural hasta saber cómo relacionarme con directivos internacionales”, asegura Valentina. Desde el 2011, es la Directora de Marketing de Citroën Argentina, compañía que tiene como valores la exigencia, audacia y la creatividad a través del diseño, puesto que desarrolla con mucha pasión.

Entró como pasante en PSA Peugeot Citroën en 1999, cuando la empresa se estaba instalando en Argentina, porque ya en esa época, le apasionaba la industria automotriz. Dos años después, le surgió la posibilidad de trasladarse a la casa matriz, en Francia,

El diseño es muy importante en la empresa y la llevó a ser, a través de toda su oferta de productos, la marca que más creció en ventas en 2013. Desde 1919, son pioneros en diseño y vanguardia tecnológica. A partir de su fundador, André Citroën, han marcado rupturas en el mercado, como con la línea DS, de diseño distintivo y seductor; o la línea de productos C, con una amplia oferta que va desde autos deportivos, a compactos o familiares. ¿Y qué hacen para sostener esa exigente promesa de marca joven, de moda y creativa? Trabajan territorios de activación ligados a la estrategia de la marca. Están vinculados con el arte con el Faena Arts Center; en el mundo de la moda mediante su presencia en BAFWeek, y apoyando a Ricky Sarkany. Asociados a territorios de la tecnología, organizan el premio Citroën Creative Technology, un concurso de diseño abierto, en función de la temática del año, para impulsar el diseño argentino. Apoyan también a la cultura, esponsoreando la Noche de los Museos en Buenos Aires.

Para Valentina, el diseño se traslada a todos los ámbitos de la vida, como la vivienda o la vestimenta. “Me gustan las cosas que tienen onda”, dice Valentina, y piensa que “el diseño le dá onda a la vida y un espíritu rejuvenecedor”. Para refrescarse, busca espacios de tranquilidad y reflexión, las redes sociales o los blogs, y mucho deporte con pelota o gym, correr, o hacer yoga.

Y para cerrar, me cuenta que dejó de ser profesional después de tres años de competencia, porque perdió las ganas, el disfrute desde el corazón, y el entusiasmo. “Soy una convencida de que si no te gusta lo que hacés, no rendís, y tenés que cambiar y buscar otro camino que te haga feliz”, remata. Ese entusiasmo lo utiliza, entonces, para motivar a su equipo, a través del contagio, las pequeñas acciones, gestos y reconocimientos. Y se nota. ¡Gracias Valentina! + www.citroen.com.ar

MUNDO VALENTINA Un lugar para vivir. París Una ciudad para ir de vacaciones. Purmamarca Un lugar para el relax. El campo Un deporte. Tenis Una marca de tecnología. Apple Una marca de ropa. Nike Un hobby. Estar con amigos Un producto de tu empresa. Citroën DS 3

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

026

+ mundo creativo

Texto: Enrique Avogadro (*) @eavogadro

diseño

+ Gracias a Cookap podés ir comer a la casa de un desconocido, y con Idea.me es factible financiar un proyecto con aportes de extraños.

Ciudades creativas

Colaborar con extraños, una utopía posible En el mundo se habla cada vez más de las así llamadas “ciudades creativas”; urbes geográfica y culturalmente distantes que, sin embargo, comparten -entre otras cosas- el compromiso y entusiasmo de sus gobiernos y habitantes a la hora de replantearse qué se espera del lugar en el que se vive, y qué acciones pueden tomarse para convertirlo en ese lugar ideal en el que a todos les gustaría vivir.

Un sistema de transporte pensado para optimizar los tiempos de viaje, un conjunto de políticas públicas que apunten a revalorizar áreas descuidadas, y una ciudadanía dispuesta a adueñarse del espacio público, y convertirlo en un lugar de encuentro y esparcimiento para todos los habitantes son algunos ejemplos claros de cómo esta idea de una “ciudad creativa” puede bajarse fácilmente a la realidad, para convertirse en una real mejora de la calidad de vida.

Y ese paso de la idea a la práctica, esa materialización de la creatividad puesta al servicio del ecosistema urbano, no sería de ninguna manera posible si no fuese por las personas que se deciden a transformar los pensamientos en acciones que obtengan resultados. Emprendedores, innovadores, creativos… Las formas de llamarlos son muchas, y cambian según las épocas, pero es importante no perder de vista que, desde el comienzo mismo de la historia de las ciudades modernas, ellos están allí, contribuyendo con cada una de sus acciones a construir ese tan famoso como inexplicable “no sé qué” que hace que, con apenas ver una foto de una esquina, sepamos si el lugar retratado es Londres, Nueva York, Tokio o Buenos Aires.

Estos ciudadanos tienen, además, otra característica que los distingue, y es que trabajan juntos en un contexto que les facilita relacionarse.

Cada vez más, y a pesar de la alienación tecnológica de la que tanto hablan medios y especialistas, las herramientas que tenemos a disposición, nos permiten interactuar con desconocidos; y esto es un hecho innegable. El pasado mayo, por ejemplo, la norteamericana revista Wired dedicó su nota de tapa a cómo sitios como Airbnb, Tinder y otros tantos, nos están haciendo no sólo confiar, sino “amar” a extraños.

Y esto no sólo ocurre en Estados Unidos. En nuestro país, es posible ir comer a la casa de un desconocido gracias a Cookap, y financiar un proyecto con aportes de extraños mediante la popular plataforma Idea.me, por nombrar sólo algunos ejemplos, y cada vez es más la gente que –ya fuera del mundo virtual-, elige compartir oficina y proyectos con un grupo de desconocidos que conoció en alguno de los espacios de trabajo colaborativo que existen en la Ciudad, y con quienes se decidieron a trabajar juntos, para transformar la realidad y hacer de la vida propia y de los demás, algo cada vez mejor. De eso hablamos, después de todo, cuando nos referimos a una ciudad creativa. +

(*) Enrique Avogadro es Subsecretario de Economía Creativa del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y director del Centro Metropolitano de Diseño (CMD).

Es especialista en economía creativa, con experiencia en el desarrollo de políticas de promoción a las industrias creativas, al diseño y a la internacionalización.

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Citroën Berlingo XTR

Citroën DS3 2015

Citroën amplía la familia Berlingo, con la llegada de un nuevo integrante desarrollado sobre la versión familiar conocida como “multispace”. Se denomina Berlingo XTR, y se ofrecerá en versiones nafta y diésel. Se diferencia de la versión convencional, porque incorpora unos renovados tapizados con las identificaciones de la versión bordadas, el look XTR (adhesivos más monograma) en los laterales, barras de techo -que son de serie en esta versión-, un mayor despeje del suelo, nuevas llantas de aleación de 15” Melbourne, y nuevos neumáticos de uso mixto. Esta edición se ofrece con el motor naftero de 1.6L 16V de 110 CV, y con el turbodiésel de 1.6L 16V HDi de 92 CV. La caja de cambios es la manual de 5 velocidades. Precios y versiones del nuevo Berlingo XTR: 1.6L 110 CV XTR, $ 185.500; 1.6L , HDI 92 CV XTR $ 199.700. + www.citroen.com.ar

Los DS3 y DS3 Cabriolet son los modelos más chicos de la línea DS de Citroën. Desde su lanzamiento, pocos fueron los cambios que el modelo más “chic” de la marca ha experimentado. Es por ello que, este año, decidió realizarle algunos cambios. De este modo, estrena nuevos faros delanteros, que en primicia mundial, unen las tecnologías LED y Xenón -que cuentan con tres módulos de LED-, unos nuevos intermitentes secuenciales, mecánicas aún más eficientes e innovadoras, la tecnología “Active City Brake” -un sistema de frenado automático que optimiza la seguridad-, y nuevas posibilidades de personalización.

Los nuevos motores que incorpora son el naftero de 1.2L de 3 cilindros VTI Pure-Tech de 82 CV, y el diésel de 1.6L BlueHDI de 100 y 120 CV (el más chico consume 3,0 L/100 y emite 79 g/km de CO2).

Continúan disponibles los 1.6L THP de 156 y 207 CV. + www.citroen.com.ar

Dodge cumplió 100 años de vida

Dodge Ram 2500

La marca es, actualmente, la línea de alta performance del Grupo Chrysler, quedando muy lejos, por ejemplo, de lo que fue aquel entrañable modelo Dodge 1500, que fue furor en los años 70.

La firma americana Chrysler, a través de su marca Ram -la única marca especializada en pick ups y vans en el mundo- acaba de lanzar en nuestro mercado la versión turbodiésel de la Ram 2500. La misma viene equipada con un potente motor Cummins turbodiésel de 6.7L con 325 CV, y un torque máximo de 1016 Nm a 1600 rpm.

Este motor es ampliamente conocido en el mundo por su fortaleza.

La transmisión es automática de 6 velocidades, con Autostick. Con una longitud total de 6.027 mm, un ancho de 2.017 mm y un alto de 2026 mm, la Ram 2500 se posiciona como la pick-up más grande del mercado. Las dimensiones de su caja de carga son de 1.950 mm de largo. Y brindan una capacidad de arrastre de 7.715 kg, y una capacidad de carga de 988 kg. Viene con caja de transferencia 4x4 Part Time, con comando eléctrico, del tipo shift-on-the-fly. La capacidad del tanque de combustible es de 117 litros, lo que asegura una destacada autonomía. + www.ram.com.ar

Y tan atrás quedó de esos comienzos que hoy, Dodge ha desarrollado una línea de modelos de altísimo rendimiento, que se bautizó SRT. Sin embargo, desde la terminal aseveran que, para crear los nuevos modelos, Dodge se inspiró en los numerosos éxitos que caracterizaron sus 100 años de historia.

Desde autos deportivos hasta autos compactos, minivans, crossovers y utilitarios deportivos de tamaño completo, conforman la línea de modelos 2015 de la marca Dodge. + www.dodge.com.ar

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mundo creativo 029 vehículos

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Fiat 500 L

La versión “large” del Cinquecento El diseño retro, la gran calidad de todos sus materiales, pero por sobre todo, su pequeño tamaño, hicieron del Fiat 500 uno de los preferidos por quienes buscaban un modelo práctico y con estilo. Pero su reducido tamaño, dejaba afuera de la oferta a muchos posibles compradores. Es por ello, que la marca italiana decidió poner la L detrás del número 500 a su modelo más pequeño, y con ello, dejar constancia de que ahora, el Cinquecento dispone de una alternativa de talla larga. Con un largo total de 4,15 metros (60 cm más que el 500 normal), una distancia entre ejes de 2,61 metros (31 cm más), el 500L es un familiar que se mete de lleno en el segmento de los monovolúmenes. Su look es el mismo que su musa inspiradora -el Fiat 500 convencional-, que en este caso, se destaca por grandes superficies vidriadas y su techo panorámico.

EL INTERIOR Puertas adentro, abandona la esfera clásica en el tablero de los Cinquecento, para dar lugar a un instrumental conformado por dos

cuadrantes para el velocímetro y cuenta vueltas. Es práctica, y está muy bien ubicada su pantalla táctil de 5”, desde donde se puede comandar la música y acceder a un menú multimedia, pero no dispone de GPS. Otra diferencia con respecto su hermano menor -esperada, por cierto-, es su posición de manejo un tanto elevada. La butaca del conductor dispone de regulación en altura, es calefaccionable y posee ajuste lumbar (la del acompañante también). Su volante multifunción también se regula en altura y profundidad, de modo que no es difícil encontrar una buena posición.

EL MOTOR Llega a nuestro país equipado con motor naftero 1.4 de 95 caballos, el mismo que empuja al Dobló. El acierto más grande que destacamos es su caja manual de 6 marchas. Esto es aprovechable cuando se sale a la ruta, lo que permite llevar al motor descansado cuando se alcanzan los 120 km/h y, sobre todo, realizando un consumo contenido. + www.fiat.com.ar

Toyota FVC a hidrógeno En un primer momento, las ventas se limitarán a las regiones japonesas, cuya infraestructura de recarga de hidrógeno está en desarrollo. El precio del Toyota FCV, que se lanzará en su tierra natal antes de abril de 2015, será de unos 7 millones de yenes -aproximadamente 50 mil euros-; el precio para Europa y Estados Unidos se definirá en una etapa posterior, prevista para el verano. El Toyota FCV posee prestaciones y autonomía similares a las de un vehículo con motor a nafta, y al funcionar, sólo emite el vapor de agua producido por la reacción entre el hidrógeno y el oxígeno. + www.toyota.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Volkswagen Amarok 2015

Chevrolet Corvette ZO6

La incorporación de la reconocida caja automática ZF de 8 velocidades en las versiones Trendline 4×2 y Highline Pack 4×2 es la principal novedad en la nueva Amarok. Se convierte así, en la primera pick-up del mercado en ofrecer una caja automática en tracción 4x2.

A su vez, esta nueva edición suma ahora el control de estabilidad, la asistencia al arranque en pendiente, el control de descenso y la alarma de olvido de cinturón de seguridad en todas las versiones. Como elemento diferencial, hay que destacar la cámara de visión trasera en las versiones Highline Pack, que en conjunto con los sensores delanteros y traseros, permite realizar las maniobras de estacionamiento de una manera mucho más cómoda y sencilla. Los motores siguen sin cambios: el 2.0L TDI turbodiésel de inyección directa Common-Rail, con un turbocompresor de geometría variable e intercooler de 140 CV, y el 2.0L TDI turbodiésel de inyección directa Common-Rail, con dos turbocompresores en serie, e intercooler de 180 CV. Los precios van desde $ 224.570 hasta $ 446.240. + www.volkswagen.com.ar

El nuevo Corvette edición 2015 estará a la venta en el mercado norteamericano, a partir del último trimestre de este año. La gran novedad del modelo se encuentra oculto debajo de su capot: se trata de un motor LT4 de 6.2 litros V8 de 650 CV, capaz de generar 881 Nm (Newton-metro) a 3.600 RPM. Este motor LT4 Small Block establece un nuevo patrón de referencia en GM en cuanto a potencia y torque, y coloca al nuevo Chevrolet Corvette Z06 como uno de los diez autos más poderosos que se ofrecen en los Estados Unidos.

La calificación de 650 CV del LT4 representa un 29% de mayor poder que los 505 CV del LS7, y 12 CV más que el motor LS9 del ZR1. Se ofrece con una transmisión manual de 7 velocidades de fábrica, o una transmisión automática de 8 velocidades con controles al volante, totalmente nueva construida en Toledo, Ohio. + www.chevrolet.com.ar

Peugeot 208 GTi tributo

Peugeot 508

Peugeot presentó una edición especial del nuevo 208 GTi, desarrollada por Peugeot Sport. El fin de la misma es conmemorar el 30 aniversario del nacimiento del 205 GTi, el mítico modelo deportivo perteneciente a la serie “200”. Estéticamente, tiene una carrocería bicolor: negro y rojo, toma de aire con panel de abeja, vías ensanchadas en 22 mm delante y 16 mm detrás, unas impresionantes llantas negras de 18”, discos de freno rojos de 323 mm de diámetro por 28 mm de espesor con unas pinzas Brembo de 4 pistones, neumáticos Michelin Pilot Super Sport de 205/40 ZR 18 y nuevo alerón trasero.

Su chasis es 10 mm más bajo que el del 208 GTI. Pero la diferenciación también se ha dado en la mecánica, a cargo del conocido motor 1.6 THP (inyección directa + turbo) que, en este caso, entrega 208 caballos (contra 200 del convencional). Esta edición se presentará en el Festival de Velocidad de Goodwood. Y en octubre, también se exhibirá en el Salón de París. Llegará a los concesionarios europeos en noviembre. + www.peugeot.com.ar

La marca del león presentó en Londres una evolución notable de su berlina del segmento D: el nuevo Peugeot 508, que exhibe una renovada trompa, donde se destaca su nueva parrilla con el logo del león en el centro, unos grupos ópticos (faros principales, luces de día, intermitentes y antiniebla) 100 % LED, altamente tecnológicos.

El capó se ha rediseñado para convertirlo en más horizontal, situar a las tres carrocerías en el mundo de los vehículos de gama alta y reforzar, en el caso de la berlina, el equilibrio entre el frontal y la trasera. También en la berlina, la parte trasera está mejor estructurada, con un paragolpes rediseñado que se separa visualmente del baúl aumentando, no obstante, su función protectora. Se presentará al público en el mes de agosto, de manera simultánea, en los próximos Salones de Moscú y París. Su comercialización se iniciará en Europa en el mes de septiembre de 2014. + www.peugeot.com.ar

Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

mundo creativo

+ 031 diseño

Ahlo Indumentaria Jornada laboral Las diseñadoras Camila Lentini y Ayelén Dekleva investigan los ámbitos específicos de trabajo para producir, a medida, uniformes corporativos. Investigación, funcionalidad y resolución.

Ahlo Indumentaria es una propuesta de diseño, dedicada a la producción de uniformes para empresas. El vestir corporativo se piensa en prendas proyectadas en su contexto de uso, que se generan a través de un proceso de investigación, diseño y realización.

La moldería, los materiales y el producto final son consecuencia de un proceso de diseño consciente de quien lleva el uniforme.

La marca busca equilibrar funcionalidad y diseño diferencial; el objetivo es diseñar piezas (a medida) serializadas, que permitan el movimiento diario, manteniéndose tan confortables como duraderas. En una primera instancia, se investiga el ambiente de trabajo, tomando nota de las exigencias, las temperaturas y los agentes externos a los que se expone el producto. La moldería y el textil también se ponen a disposición del mismo objetivo. Las prendas se resuelven cómodas, prácticas y durables, con telas que facilitan la problemática del lavado y planchado. Ahlo Indumentaria brinda, entonces, servicios de diseño, desarrollo de productos, uniformes y merchandising corporativo.

Las prendas básicas de Ahlo constan de diferentes pantalones de trabajo realizados con doble costura para mayor resistencia y

con bolsillos estratégicamente ubicados, camisas de trabajo (con moldería pensada en el movimiento) y de vestir (ideadas para las áreas administrativas), remeras de algodón realizadas con tejido de punto resistente al uso cotidiano y a los lavados, chalecos y camperas.

Las prendas son desarrolladas a partir de diferentes textiles, adaptando cada uno de ellos a las necesidades de los clientes, teniendo como premisa la calidad y la innovación. Cuentan con la tecnología “paper soft”, que permite prendas resistentes a lavados domésticos, de fácil cuidado y repelencia a los líquidos.

Además, incorporan textiles anticloro de INTA, desarrollados para el área de limpieza y mantenimiento.

El diseño aporta imagen, por eso, Ahlo busca acompañar con su propuesta a sus clientes. Chocolates Industriales S.A., Galletitas Trío S.A., La Mantovana Servicios Generales S.A., Productos Fantoche, Tres Arroyos S.A. y Consulmed Emprendimientos Odontológicos S.A. son algunas de las empresas que utilizan sus servicios. Uniformes para resolver la jornada laboral. + http://ahloindumentaria.com.ar/

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

LG G3 El nuevo smartphone de LG tiene una pantalla IPS de 5,5” y resolución mayor a la usual, con 2560 x 1440 píxeles, además de 2 ó 3 GB de RAM, un chip Qualcomm Snapdragon 801 de 4 núcleos a 2,5 GHz, batería de

3000 mAh y cámara de 13 megapíxeles, con una particularidad: usa un láser para hacer foco más rápido. Llega a la Argentina a fin de año. + www.lg.com/ar

Amazon Fire Phone

Lenovo Yoga Tablet

No porque fuera esperado, deja de ser intrigante la llegada de Amazon (el sitio de ventas online) al mundo de la telefonía celular. El smartphone Fire tiene una pantalla de 4,7”, 2 GB de RAM, chip de 4 núcleos, cámara de 13 megapíxeles, una versión modificada de Android y un botón especial que activa un servicio de reconocimiento de texto, códigos de barras y objetos (identifica 100 millones de objetos), y lo transforma en un carrito de compras universal y de bolsillo. + www.amazon.com

Ya se vende en la Argentina esta particular tableta de Lenovo, disponible en versiones de 8 y 10” (con una resolución de 1280 x 800 píxeles), chip MediaTek de 4 núcleos a 1,2 GHz, 1 GB de RAM, 16 GB internos y Android 4.2. Lo que distingue a este modelo de otros es la batería (16 hs de autonomía), que se encuentra dentro de un cilindro ubicado en uno de los laterales de la tableta. La idea es que sirva para facilitar su agarre con una mano y, con un pie integrado, de base en los modos “atril” e “inclinado”, para usar apoyándola sobre una mesa.

Precio: $ 3799 la versión de 8”, $ 4899 la versión de 10”. + www.lenovo.com/ar/es/

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mundo creativo 033 gadgets Asus Transformer Book V Para los que dudan entre invertir en un smartphone, una tableta o una notebook, Asus tiene una opción que intenta cubrir todas las versiones: es un smartphone que se encastra en una tableta con pantalla de 12,5”, a la que se le adosa un teclado para transformarse en una notebook. Puede funcionar como tableta o notebook (sin el celular) con Windows 8, 4 GB de RAM, 128 GB de almacenamiento y un procesador Intel Atom Moorefield. Como smartphone, también usa un procesador Intel Atom, 2 GB de RAM, pantalla Full HD de 5” y Android 4.4. Cuando se conecta el celular a la tableta, ésta se puede usar con Android. Por eso, Asus dice que son cinco opciones en un solo combo (smartphone con Android, tableta y notebook con Windows 8, tableta convertible en notebook con Android). Todavía no está definido el precio. + www.asus.com/ar/

Logitech X100 Mobile Wireless Speaker

Sony Alpha 7

Los pequeños parlantes de Logitech son inalámbricos, y se conectan a tu celular o tableta vía Bluetooth para reproducir audio. También sirven de manos libres (tienen micrófono y podés atender llamadas con ellos), además de incluir una entrada de audio analógica y puerto micro USB para cargar la batería, que le da cinco horas de autonomía. Precio: $ 599. + www.logitech.com

Sony trajo a la Argentina su cámara profesional: la Alpha 7 tiene un sensor de cuadro completo (full frame, de un tamaño casi idéntico a un negativo de 35 mm) de 24,3 megapíxeles, procesador Bionz X para procesamiento de imágenes, Wi-Fi incorporado, NFC y la posibilidad de controlar la cámara en forma remota con una aplicación. Tiene, por supuesto, lentes intercambiables de todo tipo.

El cuerpo tiene un precio local de $ 29.999. + www.sony.com.ar

Nintendo Amiibo

Samsung Gear Live

Para quienes tengan una consola Wii U, Nintendo ofrecerá unos pequeños muñecos interactivos llamados amiibos (por “ami”, amigo en francés). ¿Qué hacen? Al apoyarlos sobre el GamePad (el control remoto símil tableta de la Wii U), activan un personaje especial dentro de un juego compatible. Lo interesante es que las figuras tienen una memoria interna, por lo que si el personaje progresa dentro del juego y suma habilidades, sube de nivel y demás, eso quedará almacenado en el muñeco. Precio probable: U$S 20. + www.nintendo.com/amiibo

El cuarto reloj inteligente de Samsung y el segundo en sumarse a la plataforma Android Wear permite -como los demás- ver en tu muñeca las notificaciones que llegan a tu teléfono, además de controlar la reproducción de audio, darle órdenes verbales y mucho más. Tiene una pantalla táctil de 1,63” y 320 x 320 píxeles, un chip Snapdragon a 1,2 GHz, batería de 300 mAh, 4 GB de almacenamiento interno, sensor de ritmo cardíaco, y protección contra golpes y agua. Precio: U$S 199 en Estados Unidos. + www.samsung.com/ar/

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+ mundo creativo

eventos

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1. Ale Lacroix junto a su hijo Felipe en el stand de ALPI en la 128º Exposición Rural 2. Eva y Flor de la V en la presentación de la nueva línea Casa de Evangelina Bomparola en alianza con George Home Couture, que contó con el apoyo de HSBC 3. ¡Feliz Día del Amigo!

Cunnington invitó a las ex Rebelde Way a disfrutar de una cena en 878 4. Goyco precalentó para Brasil 2014, y realizó su cabezazo en la cabina de Clear 5. Lali Espósito se acercó a conocer la colección alto invierno 14 de Doma 6. Mónica Antonópulos en la apertura de la nueva edición de The Palace Luxury Outlet San Isidro 7. Paloma y Vale de Jackie Smith invitó a sus clientas y amigas al evento “Meet the Designer” en el flagship store de Palermo Viejo 8. Nathalie y Calilo Sielecki en la muestra de Julio Le Parc auspiciada por CITI en el Malba 9. Sofía Reca y Tomás Yankelevich invitados por HSBC, cenaron con amigos en Paru restaurante 10. Zorrito Von Quintiero y Sylvita Pereyra Iraola, en el pre-opening de la muestra de Horace Lannes en el MNAD +

Texto: Germán Andrés @vermirando

mundo creativo

+ 035 discos

quietudes sobre lo que viene. Él ya es un hombre maduro, que no anda con frivolidades como la gran mayoría de los artistas de moda en el nuevo pop. Morrissey sabe cómo marcar esa diferencia, más allá de ponerle un nombre sugestivo a su décimo álbum solista. A esta altura del partido, es una voz autorizada para despacharse con seriedad desde el rock. Pues éste es un disco rockero, en el que tienen protagonismo las guitarras eléctricas y las bases poderosas.

Además -debemos decirlo- tiene la voz intacta, sigue cantando maravillosamente bien sus fraseos, sus particulares giros melódicos en el canto y el carisma para decir con sutileza o con énfasis. El disco se despega desde el audio, en la producción de lo que podríamos conocer como “el sonido Morrissey” (más acústico, de canciones directas, tipo The Smith). Aquí se imponen los climas, la distorsión y los efectos e introducciones largas. Las canciones, de hecho, son extensas y manejan distintos timbres, pasajes de sonido electrónico, arreglos con lo rítmico y sorpresas en el devenir del disco que, en total, tiene 18 temas en su versión Deluxe digital. La edición para CD y vinilos viene con 12 canciones.

Morrissey: Otro sonido y discurso maduro Tras casi cinco años, llega una nueva obra de Morrissey. Y valió tanta espera, pues este cantante y autor inglés siempre tiene algo más para decir. En este caso, ya desde el título y primer tema del disco World Peace Is None of Your Business, genera reflexión e in-

Hay algunas pocas baladas, y el resto van en un tono más álgido o extrovertido. Se dejan oír también, entre tanta superproducción pop, unas influencias del flamenco y de la rítmica gitana. Sin dudarlo, podemos decir que es una gran obra, con importante apuesta al cambio de su sonido, principalmente, por el productor Joe Chiccarelli (The White Stripes, Beck, The Strokes), por sus buenas composiciones, y porque lo que dice, tiene sustento real y artístico. + www.facebook.com/Morrissey

to, que completan: su hijo Sebastián de Urquiza en contrabajo, Tomás Fares al piano y Carto Brandan en batería. Si bien sus acompañantes son todos jóvenes (dos de ellos muy jóvenes), ya forman parte del circuito del jazz argento, y el hecho de que estén tocando y grabando con Juan Cruz, no es una coincidencia.

En Convivencia (título de la placa que acaba de publicar el Club del Disco) todos dan sobradas muestras de sus dotes, pero sin empalagarnos. Se los escucha sueltos y contundentes, totalmente acústicos y sutiles; mucho tiene que ver la calidad del audio que lograron. De las seis composiciones totales, contamos las tres primeras autoría del trompetista, luego un tema de su hijo, y le siguen las “versiones” de Charles Mingus (revolucionario contrabajista y pianista que brilló en los años 50), que hacen una suerte de medley con tres clásicos suyos. Para cerrar, dejan una canción hermosa de Spinetta, con la voz de Sebastián y el grupo dándole un nuevo marco.

Juan Cruz de Urquiza: Viento de jazz argentino El nuevo disco de prestigioso (mote que bien ganado tiene) trompetista argentino Juan Cruz de Urquiza. Es una obra inmensa, con sólo seis tracks. Algunas buenas composiciones propias, y dos temas ajenos -que, en cierta forma, son homenajes-, conforman un significativo regreso del instrumentista, aquí en cuarte-

Bien vale decir que son sólo seis temas, pero que alcanzan una duración más que apropiada para un disco (ya se sabe que el mundo del jazz no se caracteriza por los temas cortos); cada pieza tiene su presentación (exposición del tema, la melodía), el posterior desarrollo, los solos y el cierre temático. Mención especial para los manejos del ritmo y cambios de tempo (tiempo), las métricas raras que sostienen de manera impecable. Todo eso lo hace una propuesta más que interesante para darse el gusto, y confirmar que en el universo jazz, tenemos nuestras propias estrellas. + www.juancruzdeurquiza.com.ar

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+ mundo creativo

online

Tobuy ¿Dónde lo compro?

Vemos algo que nos gusta y lo queremos ya. Muchas veces se nos pasa, nos olvidamos, o no sabemos dónde conseguirlo. Para ayudarnos, llegó Tobuy.

Se trata de una aplicación mobile que te permite, a través de una foto, localizar el producto (diseño y moda, gourmet y gadgets electrónicos) y la tienda online o física, para efectivizar la compra deseada. ¿Cómo funciona? Una vez que encontraste algo que querés, le tomás una foto, y

abrís la app Tobuy. Ella se encarga del resto. En un máximo de 24 horas, te dice dónde realizar la futura compra online (o presencial) y, si te decidís, ya es tuyo. Se puede descargar desde App Store o Google Play. + www.facebook.com/appTobuy

Alba Visualizer

Novum Realidad Aumentada

Una app para pintar virtualmente tu casa

¿Cómo quedaría esta grifería en tu baño?

A través de innovaciones en tecnología digital, Alba potencia la creatividad, permitiendo a los usuarios jugar con todos sus tonos y ver -anticipadamente- el resultado final.

Mediante una nueva aplicación de FV que utiliza Realidad Aumentada, es posible visualizar en 3D, desde el dispositivo móvil, cómo quedarían las distintas piezas de grifería de la línea Novum en el baño.

Alba Visualizer es una aplicación que se vale de la Realidad Aumentada, que permite a los usuarios dar color a las paredes y ver el resultado en tiempo real, a medida que avanzan sobre sus habitaciones, antes de aplicar una sola gota de pintura. La aplicación puede distinguir la diferencia entre el espacio de la pared, los muebles y el equipamiento y, hábilmente, pintar alrededor de ellos en tiempo real. Además, puede crear fácilmente áreas de diferentes colores dentro de una misma pared, y así permitir ver -de primera mano- cómo los diferentes matices trabajan juntos. Se puede descargar de forma gratuita en la iTunes App Store para iPhone y iPad, o en Google Play. Además, Alba estrena nueva página Web, buscando atraer a los visitantes con una explosión de colores, consejos e ideas para poner en práctica uno mismo: desde pintura hasta reciclado de muebles. + www.alba.com.ar

El avance tecnológico, la creciente presencia de smartphones con conexión a Internet y la cultura del nuevo consumidor es lo que motivó a la empresa de fabricación de grifería argentina FV a realizar este desarrollo. La aplicación permite al usuario comprobar en tiempo real, cómo se verían integradas a su propio baño, las distintas piezas de la línea Novum, que FV acaba de lanzar.

Se puede descargar desde la Web de Novum (Novum.fvsa.com) o desde el Store de todo dispositivo móvil. + www.fvsa.com

Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

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mundo creativo 037 lugares

Ex Industria Argentina Papeles amarillos

Al atravesar la puerta de la tienda-taller ubicada en el barrio del Abasto, se encuentra un espacio anclado en el tiempo. La diseñadora gráfica Carolina Fernández invita a un momento de deleite en papel y tinta.

Una vieja máquina Minerva, muebles en madera, papeles, papeles y más papeles. Ex Industria Argentina es un taller tipográfico y de diseño. Allí se piensan y realizan -artesanalmente- cuadernos, tarjetas, postales, sobres, rompecabezas. Ofrece productos de papelería realizados a la antigua; letras con historia. En una atmósfera tan nostálgica como cálida, es posible observar la impresión tipográfica, en una antigua máquina movimiento. El local se escribe en letras de plomo y madera, cartón, papel, lienzo, hojas en blanco.

Carolina Fernández es diseñadora gráfica, y la encargada de llevar adelante Ex Industria Argentina; todo el proceso de diseño y producción corre por su cuenta. Encontró en el oficio un refugio para producir con sus manos, valorando el desgaste del tiempo, realizando un trabajo seriado que pretende ser único.

Eva, Corte y Costura, Puchero, Pugliese y Amor son algunos de los nombres que identifican (y ponen en evidencia las intenciones) los productos que se ofrecen. Con producciones pequeñas y ediciones limitadas, es una imprenta de autoría, que rescata la

construcción artesanal, tipografías e imágenes del imaginario popular argentino.

OFICIO NACIONAL Esta imprenta busca revalorizar otra forma de trabajo, con una idea romántica del oficio, generando producciones limitadas. Así se crea un producto que busca ser original, con impresiones únicas, donde cada tipo móvil carga con el tiempo: su consecuente desgaste y su imperfección generan una bella impronta sobre el papel.

Un taller que sostiene otro momento histórico, con otro gesto hacia el diseño. Las máquinas y herramientas se obtuvieron a través de búsquedas específicas (que se mantienen), para recuperar una técnica tradicional, para rescatar la composición con tipos de plomo y madera, la huella de la impresión del tipo sobre el papel y la dedicación a la hora de imprimir. Ex Industria Argentina ofrece, además, servicio de impresión tipográfica (letterpress), brindando asesoramiento de diseño. El oficio a disposición de las letras. + http://exindustriaargentina.tumblr.com/

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+ mundo creativo

agenda

+ MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS 11 Y 13/08 CIUDAD DE MODA – PRIMAVERA/VERANO 2015 Octava edición del evento, dentro del marco BAFWeek.

Participan los diseñadores: Talitha Ind, Urenko, Paula Ledesma y Lena Martorello. Cora Groppo, la que presentará su colección en Galería Cero - Puerto Pampa, Caboto 420, CABA.

8 Y 9/11 PERSONAL FEST 2014 Arctic Monkeys es la banda principal que tocará en la décima edición del festival. Entradas a la venta por Topshow y puntos de venta.

Estadio GEBA San Martín - Figueroa Alcorta 5575, CABA. http://personalfest.com.ar/

12 AL 15/08 BAFWEEk - PRIMAVERA/VERANO 2015 Presentación de las colecciones de la próxima temporada, dando cuenta de las propuestas de diseño y moda nacional.

Pabellón Azul La Rural - Sarmiento 2704, CABA. www.bafweek.com.ar

25 AL 29/11 BID_ 14: BIENAL IBEROAMERICANA DE DISEñO Cuarta edición de la muestra de diseño iberoamericano a realizarse en Madrid. Una cita con el diseño contemporáneo, que convoca a diseñadores de Latinoamérica, España y Portugal. www.bid-dimad.org

21 AL 24/08 PRESENTES! PRIMAVERA 14 29 Edición de la feria de deco, muebles, iluminación, textiles, regalos, mesa y bazar, que promete seguir inspirando a su público.

La Rural - Sarmiento 2704, CABA. www.presentesonline.com

+ CONCURSOS/CONVOCATORIAS hASTA 29/08

22 AL 24/08 PIXELATIONS 2014 Nueva edición del festival internacional de diseño. Andrés Rossi, Nicolás Rojas León, Colorium, Panco Sassano, Juan Cassini, Papelera de Reciclaje y Brunancio serán algunos de los conferencistas.

Pabellón Argentina de la ciudad de Córdoba. http://pixelations.com.ar/ 3 AL 5/10 TRIMARChIDG 2014 Nueva edición de la convención de diseño gráfico más grande del mundo. Tres días de conferencias, talleres, exhibiciones, fiestas e intercambio creativo con los más grandes artistas y creadores de la actualidad.

Polideportivo de la ciudad de Mar del Plata. www.trimarchidg.net 10/10 AL 16/11 CASA FOA 2014 Exposición nacional de arquitectura, industria, diseño interior y paisajismo.

Abadía de San Benito - Gorostiaga 1908 y Luis M. Campos, CABA. www.casafoa.com 22 Y 23/10 DARA ID: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE INTERIORISMO Y DISEñO 2014 Cuarta edición del congreso internacional organizado por DArA (Diseñadores de Interiores Argentinos Asociados), bajo el lema “El diseño hace la diferencia”. Conferencias de los principales referentes mundiales del diseño, para promover el intercambio de ideas y experiencias entre profesionales de distintas culturas, unidas por un elemento en común: “el compromiso por el diseño interior”. Invitados: Arq. Germán del Sol (Chile), Arq. de Interiores Teresa Sapey (España), Arq. Vincent van Duysen (Bélgica), Arq. de Interiores Noe Duchaufour Lawrence (Francia), Arq. Isay Weinfeld (Brasil), Arq. y Dis. Patricia Urquiola (España) y el diseñador Horacio Gallo en representación de Argentina.

Auditorio de la Usina del Arte, Av. Don Pedro de Mendoza 501, CABA. Informes: (+54 11) 4126-2950 int. 3177/3182 | inscripciones@daraid.com

EL FUTURO DE LA MOVILIDAD Ford Argentina propone una competencia que invita a presentar soluciones creativas e innovadoras para reinventar la forma de pensar la movilidad urbana. Las ideas deberán responder a una serie de preguntas relacionadas con el producto o servicio propuesto, especificando su mercado potencial, la factibilidad de llevarlo a cabo y la sustentabilidad medioambiental, económica y social con la que contribuyen.

Un jurado compuesto por ejecutivos de Ford y representantes de IAE Business School y el Instituto Tecnológico de Buenos Aires –entre otros especialistas en la materia-, evaluarán todas las ideas, para seleccionar a los 10 mejores proyectos. Los autores de las propuestas elegidas participarán de una jornada de coaching a cargo de expertos de ambas universidades, para presentar sus iniciativas en la etapa final ante el jurado, que seleccionará a los tres ganadores. Los proyectos serán evaluados de acuerdo con tres criterios: la innovación de la propuesta (la creatividad de la solución para asegurar la movilidad en el futuro), su sustentabilidad (contribución de la idea a una mejor calidad ambiental) y su potencial para garantizar la movilidad y reducir las congestiones de tráfico.

Los tres ganadores serán premiados con una beca de posgrado para emprendedores del IAE Business School o el ITBA, a elección del ganador. Además, el primer puesto será expuesto en el Foro de la Movilidad de Ford en el mes de noviembre, y viajará al Salón del Automóvil de Detroit 2015, donde podrá conocer a los ingenieros de Ford que están trabajando en mejorar la movilidad del futuro. www.futurodelamovilidad.com

mundo creativo

+ 039

agenda

y mercados potenciales de Italia y la región.

Está compuesta de dos exhibiciones de diseño argentino en Italia: -DesignAbroad Torino / Operae - 10 al 12/10, Torino, Piemonte -DesignAbroad Palermo / I-Design – 12 al 19/10, Palermo, Sicilia Dichas exhibiciones son complementadas con un programa de comunicación y relaciones institucionales, que incluyen no sólo canales propios y locales, sino también publicaciones y Web sites de instituciones italianas del sector diseño con prestigio mundial. www.creatividadetica.org

hASTA 31/08 DESIGNABROAD 3A. EDICIóN – DISEñO ARGENTINO EN ITALIA La Asociación Civil Creatividad Ética convoca a productores de bienes y servicios en las áreas de diseño gráfico, industrial, marroquinería, accesorios y joyería contemporánea, a participar de la tercera edición de su programa de promoción internacional del diseño, que permite a los participantes dar visibilidad a sus portfolios y perfiles en comunidades profesionales, académicas

hASTA 14/09 CONCURSO DE DISEñO SOCIAL SUMá USO! Equipamiento urbano para centro comunitario Profesionales, estudiantes, idóneos y entusiastas del diseño, la arquitectura y afines deberán diseñar equipamiento urbano para el espacio comunitario de Suelo Firme, el nuevo barrio de 5 hectáreas para 98 familias que la Fundación Sagrada Familia está construyendo en Derqui, Pilar. Las propuestas deberán diseñarse con materiales que la Fundación recibe sistemáticamente en su corralón social Sume Materiales. Se propone el uso de pallets de madera, flejes de chapa de hierro y perfiles de hierro, para que los participantes combinen como quieran. Se buscan propuestas innovadoras y sustentables. www.concursosume.org.ar

manera digitalizada, subiéndola a www.arteunico.com.ar. Los premios consisten en: $20 mil (primer puesto), $14 mil (segundo puesto) y $8 mil (tercer puesto). Además, se premiará a los participantes que reciban menciones, con una beca de estudio por $3 mil para realizar capacitaciones relacionadas al arte y al diseño, en cualquier institución educativa del país.

hASTA 13/10 CONCURSO DE AFIChES “ARTE ÚNICO” 7ª edición del Concurso de Afiches de Fernet Branca, que convoca a jóvenes artistas de 18 a 40 años de todo el país, a que plasmen su creatividad y talento en una obra libre, asociada al espíritu de Fernet Branca, utilizando pintura, fotografía, diseño, y cualquier otro tipo de disciplina artística, o la combinación de varias. La temática es libre, con el objetivo de aumentar la creatividad de los participantes.

La forma de envío de las obras, en una primera instancia, es de

CRONOGRAMA Convocatoria. Del 14/07 al 13/10 inclusive, inscripciones y envío de obras en formato digital.

Pre-selección. El 17/10 por parte del jurado. Los participantes pre-seleccionados serán contactados para que remitan en el plazo de 15 días corridos las obras impresas (por correo postal o personalmente), como requisito ineludible para participar de la última instancia del concurso.

Jura. El 5/11 el jurado evaluará y seleccionará, de entre todas las obras pre-seleccionadas que fueran recibidas dentro del plazo de vigencia y que cumplan con los requisitos establecidos, 3 obras ganadoras, mencionadas y finalistas del concurso.

Entrega de premios. Se realizará el 17/11 en la Ciudad de Buenos Aires, en lugar a designar por Fernet Branca.

JURADO Enrique Longinotti (arquitecto y docente), Florencia Battiti, (docente y curadora externa del Malba), Ana María Battistozzi (crítica de arte y curadora), Santiago Porter (fotógrafo) y Cristian Turdera (ilustrador). www.arteunico.com.ar | info@arteunico.com.ar

personas creativas

+ 041 diseño

Ross Lovegrove

Un biólogo en tierra de diseñadores Apodado “Capitán Orgánico”, el trabajo del diseñador industrial Ross Lovegrove es un permanente desafío al aspecto físico de los objetos que conocemos, así como un elogio a la belleza y lógica de la naturaleza. Con el alma de un científico y el ánimo explorador de un paleontólogo, este galés indaga –y desafía- las últimas tecnologías en cada creación. | Texto: Natalia Iscaro @natusfila

Huesos, rocas, estalagmitas, corales, átomos formando una red hexagonal… Todo el trabajo de Ross Lovegrove se traduce a formas orgánicas, que devuelven a los objetos a su condición esencial.

Observador incansable de la naturaleza, encuentra en sus exploraciones una sensualidad profundamente inspiradora. Su herramienta primaria es la intuición. Más tarde, con la tecnología y la innovación de su lado, encuentra la forma de traducirlo a la realidad. Su tarea, como la relató en una conferencia que dictó para TED en 2005, es trasladar los procesos de la naturaleza al mundo del diseño.

Nacido en el seno de una familia galesa militar, sin ninguna vinculación con el diseño, Lovegrove destaca de este legado un sentido de la estrategia que, hoy en día, lo ayuda a organizarse. Sus amigos y referentes, con los que más comparte sus trabajos, son

arquitectos de la talla de Zaha Hadid, Kazuo Sejima y David Chipperfield. “Los arquitectos hacen cosas fantásticas hoy en día, y estoy fascinado por su habilidad de crear estructuras tan maravillosas”, explica. Orgánicos, sensuales, elegantes, sus trabajos de diseño industrial incluyen cámaras de fotos, botellas, sillas, contenedores de perfumes, luminarias, relojes y hasta un automóvil para Renault. Otros de sus clientes son de lo más variados pero, por sobre todo, de puntos de los más distantes del mapamundi. En efecto, algo de su lenguaje lo vuelve universal. + ¿Cómo definirías tu trabajo?

RL Mi trabajo es una consecuencia de esculpir la tecnología, de conmover a las personas con formas y materiales que son recién nacidos y fuera del tiempo. Fusionar humanidad con la emotividad particular que puede traer la tecnología.

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+

+ La luminaria Cosmic Angel posee dos metros de largo y su superficie captura y distribuye la luz de una forma novedosa y visualmente atractiva.

+ La silla Diatom fue diseñada para Moroso y presentada en el Salón del Mueble de Milán 2014.

+ Dream, el auto del futuro del 1950. Presentado en el evento Torino 2008 World Design Capital por Ross Lovegrove para Swarovsky.

+ ¿Tenés un material preferido?

RL Busco encontrar el valor de la génesis en el material, que revele su verdad. Así que todos los materiales son un regalo de Dios. Y es importante recordar que todo lo que hacemos sale de la tierra y las piedras, desde un iPhone a un aeroplano, algo que me asombra. Es por eso que trato a todos los materiales con reverencia.

los más evolucionados materiales, y en sus entramados encuentra belleza: la de una forma que ha sido reducida a sus elementos estrictamente necesarios. En este sentido, otro de los principios de Lovegrove es el de “fat-free”, es decir, diseños desprovistos de todo elemento innecesario. “Entiendo la forma, y estoy disfrutando de la era digital para crearla”, refuerza.

+ ¿Cuál es la cosa más importante que necesitás saber de un cliente, antes de empezar a trabajar con él?

RL Necesito saber si son serios acerca del proyecto, o si voy a ser una herramienta de marketing.

Los principios de Lovegrove se resumen en la sigla ADN: Arte, Diseño y Naturaleza. En este marco, su ejercicio diario es evolutivo: una “esencia orgánica”, que significa -precisamente- no usar nada más, ni nada menos de lo requerido. Entre sus prohibiciones máximas, se encuentra el no forzar a las cosas a ser aquello que no necesitan ser.

+ ¿Qué es lo que buscás cuando trabajás?

RL Busco la belleza y reflexión en mis diseños; y la verificación de una aproximación escultural en mis trabajos de edición limitada.

Todo ratifica la relación entre materiales y forma, que es la chispa de vida que mueve a las personas, más allá del lenguaje o de las diferencias culturales. + ¿Tenés un estilo? ¿Cómo lo definirías?

RL Tengo una actitud, no un estilo. + ¿Cuál es el mejor elogio a un diseño tuyo?

RL Que inspiro y lidero el futuro de mi profesión, con creencia inteligente y coraje para innovar.

LA FORMA: EL ADN Para Lovegrove, los seres humanos guardamos una conexión natural con las formas. Hace mucho que vivíamos en las cavernas y, sin embargo, seguimos conectados indefectiblemente a ese arquetipo esencial. Valiéndose de las formas más avanzadas de la tecnología, el diseñador se ocupa de obtener visiones microscópicas de

Fibra de carbón, aluminio, polímeros, coralización, netificación, reducción de la masa, células policristalinas fotovoltaicas: todos ellos son términos y expresiones que Lovegrove pronuncia con rapidez y frecuencia, como amigos cercanos con los que realiza grandes tareas. Luego, utiliza la lógica e inteligencia para responderse a una pregunta fundamental: “¿Para qué construimos esto?”. Con esa misma aproximación, elaboró el diseño de un vehículo para Renault, el trabajo del cual actualmente está más orgulloso (ver recuadro). + ¿Cuál pensás que es el rol del diseño hoy en día?

RL Es una herramienta de innovación y progreso, y es clave para crear una economía sustentable, en el mundo virtual del dinero. + ¿Cuál es el próximo desafío de tu profesión?

RL Abrazar a los tópicos colectivos de su tiempo: calentamiento global, contaminación, crecimiento poblacional, administración sistemática de recursos, para apoyar una calidad de vida despro-

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+ COAS “Car on a Stick” propone un nuevo concepto de transporte urbano, cuyo objetivo es democratizar y liberar a las ciudades de la naturaleza invasiva de los vehículos actuales.

+ La Cápsula Alpine define una nueva condición arquitectónica, con toda la tecnología y comodidades de la vida moderna, en armonía con la naturaleza, ampliando la visión del paisaje y el espacio abierto.

vista de la disparidad obscena que observo entre los pudientes egoístas y los pobres no egoístas.

pago horas extra; es el precio de enamorarse del trabajo, es la verdad”. Su propio escritorio, ubicado en un extremo lateral, está rodeado de fósiles, fotografías microscópicas, y esculturas de formas orgánicas de naturaleza similar. “Es como una fusión de un museo natural de historia, y un laboratorio de la Nasa”, relata. El recorrido de Lovegrove es claro: del pasado, directamente hacia el futuro más lejano. No en vano, entre sus muchísimos galardones, se cuenta el World Technology Prize for Design.

+ ¿Cómo definirías al diseño inglés?

RL Es un qwerty. Un fenómeno nostálgico, y de clase trabajadora.

Yo soy galés, de modo que soy libre de las convenciones o del aburrido conservadurismo. En mi cultura, el hombre que se sienta en la cima de una montaña, es un poeta. Richard Burton fue el más grande de los actores, porque actuar le daba vergüenza, e hizo todo lo que fuera natural y sincero. Soy de la misma manera, y libre de bagajes culturales. Un campeón del potencial de nuestros tiempos.

EL PODER DEL INSTINTO “Soy un biólogo evolucionista, antes que un diseñador”, detalla el galés. “Estoy orgulloso de mi alma y mi capacidad espiritual de conectar personas, para dar vidas a ideas que -para muchos- pueden ser ingenuas, o simplemente tontas”. En el estudio de Lovegrove de Notting Hill, Londres –en el que ciertamente pasa poco tiempo, debido a sus frecuentes y extendidos viajes por todo el mundo-, una impactante y blanquísima escalera en espiral se eleva hasta el techo; el resto del espacio es tan blanco, que empaña la vista.

Sus colaboradores trabajan en un escritorio larguísimo, de formas orgánicas, “hasta las tres de la mañana si es necesario, y yo no

+ Renault x Ross Lovegrove, Z28 concept car.

Link a la nota: http://9010.co/lovegrove

+ ¿Cómo es que una idea se transforma en un boceto?

RL Pienso y concibo, porque mi mente es como un reactor nuclear que es difícil de enfriar, y que funde gran cantidad de ideas múltiples y diversas, para formar energía creativa y observaciones intercambiadas. Luego, la habilidad de comunicarse a través de las palabras y los dibujos, transforma el software en hardware. + ¿Qué te inspira?

RL Me inspiran las ideas cósmicas que se refieren a la profundidad primordial del pasado con la profundidad tecnológica del futuro, con el objetivo de alcanzar un balance, una sinergia y armonía en mi diseño. Me inspiran la ciencia, la biología, la paleontología y el diseño orgánico. Un proceso digital y estudiado que abraza a la naturaleza, principios evolutivos que conviven con un proceso digital moderno, para crear diseños morfológicos y generativos, que predigan las orientaciones del futuro. + www.rosslovegrove.com

EL Z28 PARA RENAULT “Lujo democrático y arte accesible”, así define Ross Lovegrove al concept car que diseñó junto a Renault, y bajo la dirección de Laurens Van Den Acker. El Z28 buscó tender un puente entre el pasado de la firma y su futuro, respetando su herencia francesa, pero llevándola hacia una forma de pensar asiática. “Para un diseñador industrial, un automóvil representa uno de los más grandes desafíos para encontrar formas de expresar, creativamente, un objeto que ha diseñado y pensado a lo largo de las décadas, para responder a las condiciones socioeconómicas de su tiempo”, expresa Lovegrove. Tecnología OLED, fibra óptica y novedosos procesos laminados se incorporan a este diseño tan evolucionado como seguro. Se destacan especialmente las llantas, que llevan la estética Lovegrove, y que fueron realizadas gracias a un modelado paramétrico y una impresión 3D, lo cual le permitió alcanzar el resultado estético y estructural actual. Una geometría holística realizada en conjunto con Michelín. La impresión, toda, es la de una potencia que fluye, en la naturaleza que le da vida. + http://rosslovegrove.com/renault/

Nicola Costantino El arte de la ambigüedad

Nicola Costantino es un nombre conocido y de peso en el arte contemporáneo nacional, y que también supo traspasar las fronteras. Una artista diferente, con una carrera en donde la ambigüedad y el equilibrio de las sensaciones marcan una forma de hacer arte. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

personas creativas

+ 045 arte

Bella, serena, tranquila, amable y dispuesta a explicar cada detalle de su trabajo y su obra, una y otra vez. Así es Nicola Costantino, la artista rosarina que, en los 90, saltó a la fama con un polémico trabajo, “Savon de Corps”, cuando produjo una serie de jabones devenidos en artículos de lujo, realizados con la grasa de su propio cuerpo, luego de someterse a una lipoaspiración. Savon de Corps fue, quizá, el trabajo que la sacó del reducido mundillo del arte contemporáneo, para pasar a ocupar otro lugar, el de la artista transgresora, que pone el cuerpo, cuyo arte habla desde su propia existencia.

Sus primeros trabajos, “Cochon sur Canapé” y “Peletería Humana”, ya mostraban a una artista distinta. Según relata ella misma con total sinceridad, en sus primeros años, no tenía muy claro para dónde ir, ni qué quería hacer; sólo que quería ser artista. Cuenta que en su infancia, marcada a fuego por la herencia y las costumbres italianas, recibió de regalo un libro de arte, donde vio por primera vez el trabajo de Antonio Berni, “La mujer del suéter rojo”. Quedó automáticamente alucinada por esa pintura y, casi como una profecía, declaró que su futuro estaría en el arte. Aún era adolescente, pero el llamado fue más fuerte. Al término de la secundaria, comenzó a cursar la carrera de arte en Rosario. Así, pasan los años 80 y llega a los 90, lista para mostrarle al mundo lo que tiene en mente.

Sus primeros trabajos tienen como protagonistas a los animales y la piel humana. Diferente y audaz, Nicola irrumpe en la escena del arte local, y habla a partir de sus trabajos. + Costura y cocina, dos actividades que te gustan. Algo de esto hay en tus dos primeras obras, Peletería Humana y Cochon sur Canapé. Contanos qué quisiste mostrar, expresar, en ese momento.

NC En esos tiempos, se hablaba mucho del cuerpo. Fue en el año 95, cuando empecé con Peletería Humana. En esa época, no llegaban revistas, no viajaba, no había Internet, la información no estaba al alcance de la mano como está ahora. Pero, sin embargo, se me ocurrían cosas: estaba muy a tono con la temática de la época.

Como dominaba la costura, se me cruzó la idea de Peletería Humana. Primero, inventé la piel de silicona, con una larga investigación y moldes sobre el cuerpo, hasta lograr una tela que se pudiera cortar y coser. Lo logré. Quería armar prendas que fueran muy lindas y bien terminadas, porque me gusta mucho la moda. Quería utilizar ese recurso mío, e hice esa obra que tenía un componente de sensualidad, mostrando los pezones y la piel, pero de manera agradable. Igual, era chocante el contexto de hacer ropa con piel humana. Combinaba la sensación de seducción y repulsión. Es algo que te gusta cuando la ves, pero cuando lo pensás, te causa cierto rechazo. Siempre hay que decidir si te gusta o no te gusta.

manejar la resina poliéster y la fibra de vidrio. Prepararse para el futuro; ése era su norte. + A lo largo de tu carrera, experimentaste con materiales diversos, aprendiste varias técnicas, como matricería, a embalsamar, entre otras.

NC Quería aprender a utilizar esos materiales porque no había cursos para aprender a usarlos con fines artísticos. Cuando iba a comprarlos, los vendedores no me daban mucha información. Entonces, llegaba a mi casa y me ponía a experimentar. Con siliconas, resinas… Aprendía sola y hacía aplicaciones de los materiales por mi cuenta. Algunas cosas salían bien, otras no tanto… + Tu paso de Rosario a Buenos Aires, a tus treinta años. ¿Cómo cambió tu arte a partir de ese momento?

NC Antes de mi primera obra (Cochon, en 1993) fueron diez años de experimentación. Me acuerdo que me encantaba aprender a usar materiales, pero no me desvivía por hacer algo. Había tenido un par de muestras, pero era una búsqueda. Mi primera muestra, la que considero que fue la base de mi trabajo, fue Cochon. En los 90 hice mucha obra, la primera etapa que, para un artista, es muy importante. Mi primera bienal fue en el 98, en un momento en que despunté: aparecía en libros, muestras internacionales. Por eso, es una época bien definida. Igual, nada que ver con el arte que se hacía en los 90, en Argentina. Me considero artista de los 90 porque fue el momento, pero no me gusta para nada esa época del arte del país.

Se hablaba, desde la crítica, del arte light. Se hacían cosas decorativas, muy superficiales, con brillantinas y bordados… Una cosa muy estereotipada, con la que no me siento identificada. + ¿Por qué la presencia de animales en tu obra?

NC Hasta los 70, quizá, los artistas tenían algo así como un deber moral de decir qué estaba bien y qué mal. Yo le quería dar una nueva forma. La que encontré es hacerlo de forma ambigua. Una nueva forma de lo político. Y los animales y la comida me daban mucho

+ Hablemos de Cochon sur Canapé, ¿cuál fue el mensaje de la obra, qué quisiste hacer?

NC Fue en el año 1993. Hice una porqueta rodeada de pollos al espiedo. La idea era mostrar una celebración. Era un lechón que estaba entero, un cadáver completo, y era un poco poner en evidencia esa cosa festiva que nos pasa a los argentinos frente a un cadáver que nos vamos a comer. Era mi primer trabajo, el primero de una larga obra que siguió con animales. Luego, aprendí a momificar y a hacer calcos, a partir del 94. Sacaba el molde del animal, y lo hacía en silicona. Era una forma de mostrar la cosa festiva alrededor del cadáver. Los animales que comemos, en un país en donde la carne es tan importante.

EN BÚSQUEDA CONSTANTE Los primeros años de su carrera fueron de experimentación y búsqueda. Mientras trabajaba con su madre en su taller de costura y boutique, aprendió todos los secretos del diseño de indumentaria: ella misma diseñaba y cosía su propia ropa. Paralelamente, aprovechaba cualquier nueva oportunidad que tenía para conocer y aprender a trabajar distintos materiales, como silicona y resinas. Hasta llegó a postularse para trabajar como aprendiz en una fábrica de cascos para motos y tablas de windsurf. ¿Su objetivo? Aprender a

+ Nicola en el espejo, según Vermeer. 2010, Inkjet print, 180 x 122 cm, Edición de 6.

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+ Nicola y su doble - Vestidor

+ Nicola Narcisa evocando a Caravaggio. 2009, Inkjet print, 185 x 125 cm, Edición de 6.

material para hablar. El animal es el que sufre el filtro del consumo, el criadero, los mataderos. Era un terreno que me servía.

donde mostrás a una mujer embarazada que fabrica un doble de sí misma, en tamaño real. Contanos por qué es una obra real.

NC Quise mostrar que la maternidad es un tema que no le interesa al arte contemporáneo. No sé por qué, pero hay temas que no interesan. La idea fue mostrar los clichés de la maternidad. Tuve a mi hijo sola, sin pareja, por eso la metáfora de mi doble, para no estar sola.

SAVON DE CORPS: ANTES Y DESPUÉS En 1995, Nicola le pone el cuerpo a su nuevo trabajo, Savon de Corps; una crítica absolutamente irónica sobre el lugar que tenía el cuerpo y la imagen durante esos años. Es ella misma la modelo y el material de la obra: cien jabones de lujo, realizados a partir de la grasa obtenida luego de una lipoaspiración, a la cual se sometió. Fuerte. + En algunas entrevistas hablás de la preocupación y la atracción que te generan algunos puntos éticos que no cierran. Frente a esto, uno piensa en Savon de Corps, una obra polémica. ¿Qué quisiste mostrar? ¿Cómo ves hoy, a diez años de distancia, esta obra y su repercusión?

NC Son cosas puntuales. Todos los proyectos los hago en un momento, y luego, los miro a la distancia, y me siento muy diferente. No me pasa que me dejan de gustar, me parecen muy válidos. Hoy no haría una obra así. Igual, creo que los artistas no se tienen que limitar. Yo sabía que iba a ser polémica, pero no consideré no hacerla. Soy artista, lo tengo que hacer, y lo puedo hacer. Si es polémica, vemos qué pasa. No me gustan las polémicas de las obras en el momento, hay que verlas con el tiempo.

Mucha gente que no me conocía, recién ahí se enteró de mi trabajo.

Algunos habrán visto de dónde venía, qué venía haciendo. Me aportó mucho romper esa barrera de salir del ámbito cultural, y que la gente me conozca. Estuvo muy bueno hacerlo, y todo lo que pasó. A partir de ahí, cambió mucho mi trabajo: empecé a hacer más video. En 2006, muchas fotos donde recreo obras, pero siempre reinterpretando cosas desde mi trabajo. A veces, uso la estructura de la obra y hablo de otra cosa. + Una nueva etapa en tu vida, la maternidad. En ese momento, realizaste tu obra Tráiler, un video que te tiene como protagonista,

+ Pero al final, destruís a tu doble, ¿por qué?

NC Porque no era lo que pensaba, quise un final más sano. Destruir mi doble, cuya intención fue hacerlo para que conservara y retuviera el momento previo a mi maternidad, pensando que yo sería una ruina luego. Sucedió todo lo contrario, porque era como yo, pero parecía más vieja, y yo estaba divina con el embarazo. Quise mostrar esa cosa de la maternidad feliz, cosas que no tienen que ver con la realidad. La decisión de destruirla fue porque consideré una presencia monstruosa para mi hijo. Está bueno, tiene que ver con la realidad. + Costura, cocina, cine y fotografía… ¿Qué viene de nuevo en el universo de Nicola?

NC Ahora, estoy trabajando en un cortometraje, en una película de una directora italiana sobre mí y mi trabajo. Estoy feliz, porque no sé de cine, y ella es la que define las cosas más importantes. Muestra mucho de mí, es biográfica. Cosas de la infancia, de Rosario, que son importantes para entender la obra. + Además del documental, ¿nuevos proyectos y materiales por cubrir?

NC Estoy trabajando en máquinas, y con gestos de animales. Quiero hacer una máquina que sea un poco monumental. También, estoy trabajando con el movimiento, viendo qué usar. Mecánica básica; no me interesa la robótica. Estoy definiendo eso, voy por ese lado. + Tu obra impacta por los elementos: gastronomía, piel, animales,

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+ Nicola como María según Metrópolis I. 2008, Inkjet print, 25 x 45 cm, Edición de 6.

etc., y cómo manejás tan sutilmente la ambigüedad. El público, cuando se acerca y entra en el juego, quiere más. ¿Sos consciente de eso?

NC Nunca voy a tener una noción verdadera, es muy arbitrario. El alcance que tiene mi trabajo no lo puedo saber. Me llegan muchos elogios, gente que me escribe, también comentarios feos, o algo que no gusta. Pero siempre pienso que es una mínima parte, se me escapa mucho, y siento que no tengo que pensarlo. Lo que más me gustaría es que la gente vea lo que hago, que lo disfrute, y que no se quede con una primera impresión, porque me parece que ninguna obra se debe mirar así. + www.nicolacostantino.com.ar BAR CHANDON: SABORES Y SENSACIONES El bar de Chandon, un espacio clave dentro de arteBA desde hace años, es también la puerta de entrada al Barrio Joven. Este año, el trabajo de darle identidad estuvo en manos de Nicola, quien lo bautizó Luminiscencia: “La primera idea que tuve fue con las cámaras de fotos.

Hoy son tan sofisticadas, que ven mucho más de lo que ve el ojo. Podés sacar una foto y ampliarla a lo que más te dé y fue lo primero que hice, sacarle una foto a una burbuja de champán y ampliarla. Una imagen de cuatro metros de altura, donde se ven cosas que, a simple vista, no ves.

Y esa es la función del arte. Fue lo más parecido que encontré a una constelación de estrellas, que es lo que me inspiró a ponerle el nombre. Es una ilusión óptica, porque no hay luz en una constelación, pero nuestro ojo ve luz. Entonces, me encantó el nombre, muy poético, y conectaba las burbujas con las estrellas”, explica la artista.

El hilo conductor del trabajo de Costantino fueron las burbujas del champán. Ellas se vieron multiplicadas en un gran telón, dándole forma a un espacio íntimo, donde las mesas, también con forma de esferas, disponían de un espacio especial para la comida y las copas de champán.

Link a la nota: http://9010.co/nicolacostantino

Sobre la comida, también de su autoría, un menú único y altamente sensorial: esferas de colores, verdes y naranjas (en algunos casos, decorados con brillantinas), que alojaban en su interior, exóticas, pero deliciosas combinaciones de sabores. Dentro de las opciones saladas, se ofrecía paté, leche de coco y pescado. En cambio, para las dulces, mousse de chocolate y almendras. El chiste era el misterio frente a cada esfera: había que probarlas para conocer su misterioso sabor. “Este trabajo es muy diferente, y me pareció la oportunidad de mostrar cosas que no había mostrado nunca. Es tan auténtico como los otros. Mi obra fue cambiando, pero siempre mantiene una línea misteriosa, oscura, inquietante. Esta es otra faceta mía. Todos tenemos muchas caras y son todas auténticas”, completa Costantino sobre su participación en arteBA 2014. + www.arteba.org

+ Espacio Chandon en arteBA

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personas creativas 049 ilustración

Christian Montenegro Sensiblemente digital

Con una formación inusual en historieta con Alberto Breccia -seguida por diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires-, el prolífico diseñador e ilustrador argentino Christian Montenegro se destaca por la calidez aplicada a sus ilustraciones de un orden estético meticuloso, barroco y futurista a la vez. Vemos sus imágenes por todas partes aunque, muchas veces, no leamos su nombre. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

FILOSOFÍA BRECCIA Es fácil hablar con Christian, que se destaca por su sencillez, al punto que casi cuesta creerle que tiene el carrerón que lleva a cuestas, con clientes como General Electric, McDonald’s, Volkswagen, Pentagram, Wired, Coca-Cola y Random House. Debe de tener algo que ver con esa filosofía tan presente en su vida, la que le transmitió a partir de sus tan sólo quince años, el venerado historietista uruguayo-argentino Alberto Breccia. “Breccia tenía un planteo filosófico que me influenció mucho, con una postura frente al mundo que lo daba todo. Con él, desarrollé un dibujo más expresionista, visceral…

Si no fuera por esa experiencia, no tendría el uso de color que tengo cuando trabajo digitalmente”.

En el 94, había empezado a trabajar para la revista adolescente de Para Ti, entre otros medios editoriales, pintando todo en acrílico, a mano. Para el 97, la frustración de no poder ganarse la vida -bien, al menos- a través de la ilustración, lo derivó en una crisis que lo llevó a estudiar la carrera de diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires.

“En la UBA empecé a entender la idea de un programa visual, cómo encaraban la gráfica con una formación de un carácter más sistemático. Con el tiempo, fui incorporando este aspecto nuevo para mí, combinándolo con algo más cálido, que traía de mi formación con Breccia”.

Paralelamente, el encuentro fortuito con un anuario del concurso American Illustration le despertó el interés por un tipo de ilustración que no era del aspecto clásico -casi fotográfico-, que él siempre había visualizado, sino que más bien incorporaba herramientas más abstractas del diseño gráfico, a través de ilustradores como Gary Taxali y Hungry Dog Studio, entre otros.

Christian refleja, claramente, el fenómeno que se da en nuestro país, donde la academia de ilustración recién se está empezando a establecer y, por ende, nuestros ilustradores son diseñadores gráficos, graduados de Bellas Artes, o autodidactas. Como consecuencia, la tendencia que domina el campo visual local tiene una fuerte base en el diseño, desprendiéndose del tipo de imágenes que predominan en el mercado americano -la meca de la ilustración-, provenientes de ciudades como Nueva York y Los Ángeles, donde las influencias tienden a derivar del cómic y del arte mexicano, respectivamente. “A mí se me escapa qué define la diferencia entre ilustración y diseño.

Lo que veo, es el que el diseñador es como un director de orquesta, mientras que el ilustrador puede ser un violinista virtuoso, convirtiéndose en alguien que aporta mucho, pero que no cierra el trabajo.

Isol, Cristian Turdera, Diego Bianki, Daniel Roldán, Cecilia Afonso Esteves y vos son fuertes referentes locales”. (¡Gracias!).

+ Cocorococó, el último libro de Montenegro, con textos de Didi Grau, y editado por Pequeño Editor.

Una vez graduado, Christian se enfocó pura y exclusivamente en la ilustración digital, dejando de lado sus acrílicos y sus pinceles, pero rescatando siempre el valioso tacto de lo hecho a mano. “Mi primer trabajo digital fue un encargo de Lau [Varsky, su mujer] en el 2002, cuando ya estábamos de novios. El año siguiente la editorial alemana Die Gestalten vio mi trabajo a través del congreso creativo Pictoplasma, y me propusieron hacer un libro con ellos, sin tener referencia previa alguna. Les dije de hacer algo de cero, en vez de usar trabajo existente, basándome en el libro bíblico de Génesis, con el cual estaba muy familiarizado. Así nació ‘The Creation: Pictures from the Book of Genesis’”. ¿En serio… la Biblia? Bueno, resulta ser que Génesis, en particular, abarca varios relatos al borde de lo absurdo, que han inspirado a más de un artista de cómics, según me cuenta Christian, y continúa: “Con ese libro, pude posicionarme con un perfil bien específico. Los clientes me empezaron a identificar como alguien con una mixtura que sorprendía por no parecer digital”.

LA ILUSTRACIÓN Christian construye sus imágenes a base de figuras geométricas, como si saliera todo de una gran abstracción, que resulta en una síntesis amalgamada. “Una convención por la cual un juego de puntos, líneas y planos combinados, se pueden parecer a un pajarito”. Ambos

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com

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+ Ilustración para un nuevo Zodíaco. Revista Varoom, Inglaterra.

+ Afiche para el Zoológico de Wellington, Nueva Zelanda.

somos fanáticos de Saul Steinberg, conocido por el perfil conceptualmente filosófico y visualmente sintético de sus dibujos introspectivos, por lo cual, no me sorprende que su influencia intervenga en nuestra conversación. “Steinberg juega todo el tiempo con este tipo de código logrando que, dentro de un determinado contexto, un simple movimiento de pluma se convierta en algo verosímil. Es un simple juego de representaciones”. Otros referentes en su trabajo, incluyen el expresionismo alemán, el director italiano Pier Paolo Pasolini, el cine soviético de 1920, y el legendario ilustrador argentino Carlos Nine.

vez tengan más conciencia del uso de la ilustración para un contacto más “humano” con el consumidor, a diferencia de la fotografía, por ejemplo, que puede tener una percepción bastante impersonal. “Hoy, las grandes marcas usan ilustración, lo cual hace a la diferencia, porque nos expone a un consumo más masivo, permitiéndonos salir del nicho. De hecho, hace poco hice un juego para Ruibal, que se vende en mega supermercados y cadenas de jugueterías. Uno tiende a subestimar el nivel de la gráfica nacional, pero están apareciendo cada vez más empresas que se suman a este valor agregado”.

Todo trabajo -sea personal o comercial-, Christian lo desarrolla a partir de un texto, entrelazando ideas, hasta concretar un concepto gráfico. Entonces, comienza a dibujar en lápiz sobre papel -a la vieja usanza-, siempre tomando en cuenta que todas las formas que cree, deben ser compatibles con una eventual traducción vectorial en Illustrator. Una vez escaneado, vectorizado y coloreado, lo pasa a Photoshop, para hacerle la terminación de texturas. Y en lo que a la interacción con el cliente se refiere: “El oficio de ilustrador, para mí, es un diálogo, no se cierra en uno mismo. Todo se charla con el cliente, hasta llegar a un punto en común”.

Además de tener clientes que lo llaman por su estilo (sean sus ciudades, sus personajes o sus retratos), Christian también se destaca por generar trabajos de autogestión: “La autogestión surge de la necesidad de querer seguir creciendo. Si el mercado no me pide algo que me interesa hacer, lo propongo, para que entonces me lo pida […].

A veces, el laburo comercial puede pesar, porque hacés cosas que no

Algo que me sorprende de su dinámica de trabajo, tratándose de un nombre tan bien establecido local e internacionalmente, es ese ida y vuelta entre trabajo de autor (donde el nombre del ilustrador se destaca junto a la marca del cliente), y encargos anónimos en su autoría, aunque de alta visibilidad comercial. Como si algún cliente se pudiera dar el lujo de no aprovecharse del valor agregado del prestigio de un artista, al cual se lo compensa de todas formas, acorde a su calibre. Christian tampoco tiene una explicación precisa al respecto, “Depende de cómo llega el cliente a vos; no siempre buscan ponerte como marca, sino que sólo quieren tu gráfica”.

Por otro lado, es un hecho tangible el que las marcas argentinas cada

+ Set de desayuno para Djeco, Francia.

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+ Ilustración para el libro “Un artista del trapecio”, de Franz Kafka. Editorial Pehuén, Chile.

te interesan. Pero se da que hacer algo que no te interesa, te pueda llevar a hacer cosas que sí, y te sirva como ejercicio. Al principio, además, hay que hacer de todo un poco”.

A la hora de asociarse, siempre elige a pares en los que pueda confiar, que le den la seguridad profesional de que se van a comprometer tanto como él. La recurrente dupla Montenegro-Varsky, por ejemplo, es infalible; como colegas y compañeros de vida, generan un vínculo simbiótico con exitosos resultados, como los libros: “Cuatro Gatos Negros Flacos” y “Peleonas, Mentirosas y Haraganas”, ambos transformados en proyectos lucrativos, gracias a la autenticidad de su incentivo original. “Lau sabe perfectamente lo que quiero, porque me conoce, y puede entender los referentes que estoy señalando, incorporándolos en el diseño integral. Nos editamos muy bien, la verdad, por más de que podamos tener choques fuertes en el proceso”. Otro colaborador con el que comparte su proyecto personal

+ Ilustración para Campari. Christian Montenegro y Pablo Bisoglio.

Link a la nota: http://9010.co/chrismontenegro

más reciente es el músico e historiador Gabo Ferro, enfocándose en el Bicentenario argentino, para crear un bestiario (colección de fábulas de animales reales o fantásticos), a partir de textos medievales meticulosamente seleccionados. La colaboración se concretó en el 2012, y aún está en vías de ser editado.

EL AHORA Christian se considera un privilegiado por ganarse la vida como ilustrador, por más de que si recorremos su trayectoria, podemos ver que más que un privilegio, son años y años de dedicar su cuerpo, mente y alma a este oficio. Es la excepción, sin lugar a duda, como suele ser el caso en todas las artes en donde se es exitoso, por tratarse de un servicio que es un lujo, y no una necesidad. Pero él sabe bien lo que es estar del otro lado del mostrador, y esa sensación no se olvida más.

Algunos de sus proyectos más recientes, incluyen la Bienal Arte Joven, organizada por la Ciudad de Buenos Aires, para la cual desarrolló 137 imágenes en tan sólo dos meses, que luego empapelaron la ciudad. El desafío más grande de este proyecto fue construir un sistema visual que interactuara con el usuario, cosa que la combinación de diferentes partes resultara en un sinfín de nuevas imágenes.

Otro proyecto recién salido del horno es su último libro, “Cocorococó”, con textos de Didi Grau, y editado por Pequeño Editor. “Es un texto que relata una sumatoria de personajes que se van enchastrando. Hice un sellito diferente para cada uno, que se suman e interceptan a medida que pasan las páginas, para volver en círculo a cero”.

Por una combinación de demanda laboral, personalidad y familia, a Christian no se lo ve tanto en persona como uno desearía, pero el 25 de julio presentó “Cocorococó” en Espacio Moebius del Patio del Liceo, donde le pude dar un abrazo y felicitarlo por el embarazo de Lau, además de por su talento, claro. + www.christianmontenegro.com.ar

personas creativas

+ 053 moda

Cora Groppo Sobria modernidad

Existen mujeres seguras, con intenciones y acciones en el diseño, que recorren las calles porteñas, envueltas en las líneas orgánicas de las prendas de Cora Groppo. El paisaje urbano es sólo una referencia, porque la diseñadora argentina posee un pensamiento cosmopolita. La intención artística, la exploración sobre el maniquí, el registro de sus usuarias son las claves para construir un estilo. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

FEBRERO 2013 - BAFWEEK Un ligero telón negro separa la pasarela del backstage. Un probable terciopelo -también negro- divide dos espacios: la puesta en escena y el montaje. Cora Groppo camina entre los camarines que se levantan con ocasión de BAFWeek.

gins, remera de algodón gris y un abrigo negro envolvente. Durante la sesión de fotos para esta entrevista, juega con él, lo lleva sobre su cuello, se peina/despeina su pelo corto, y vuelve sobre el tejido. Lo vuelca; lleva sus prendas de un modo lúdico, gesto que se condice con su manera de diseñar.

En pocas horas, se presenta “Chica rino”, la colección invernal para el año 2013. Hace calor, pero las modelos se abrigan. El deber llama, y la moda ya no les incomoda. Detrás de escena, se maquillan.

Un par de ellas ya están listas: llevan una prominente capucha con cuernos, y se divierten capturando los flashes de la cámara.

DE LA EXPERIMENTACIÓN AL PRODUCTO Estudió diseño de indumentaria en la Universidad de Buenos Aires, cuando apenas iniciaba la carrera. En las aulas de Ciudad Universitaria encontró el alimento creativo, mientras que la moldería la aprehendió en un curso particular.

Cora también lleva una, la pasa de mano en mano, y conversa mientras mueve la pieza que disparó la colección. “Comencé con la capucha y apliqué cuernos, porque es lo que le da el carácter al rinoceronte. Dije, voy a hacer un cuerno, para entender qué es un cuerno”.

Groppo es una diseñadora que trabaja desde la experimentación, recurriendo a la naturaleza como grado cero de inspiración, realizando prendas urbanas en una paleta neutra.

+ Tus primeros trabajos como diseñadora fueron para marcas como Yagmour y Vitamina, ¿qué aprendiste allí?

CG Tomé la parte empresarial, el cómo se maneja una empresa, lo más pragmático del negocio de la indumentaria. Trabajar en esas marcas me aportó esa faceta.

JULIO 2014 - TIENDA DE PALERMO Cora siempre viste Groppo. Cual uniforme metropolitano, lleva leg-

+ En contrapunto, durante un tiempo, realizaste prendas a medida, incluida tu propuesta para novias. ¿Qué recordás de ese modo de hacer?

CG Hice ropa a medida: eso te da mucho conocimiento del cuer-

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+

+ Colección Remixada.

po, un vínculo con la gente. Después, ese mismo lazo se vuelve más irreal, te comunicás a través de la ropa, pero ya no es lo mismo.

Empecé así porque es un negocio que podés comenzar sin inversión.

Trabajaba con una moldería mucho más clásica, porque al estar haciendo algo para alguien específico, no te animás tanto, y el cliente tampoco. La moldería la aprendí en dos clases con una española que me dió el secreto.

Es así que Groppo tomó la inspiración arquitectónica de la imponente Ciudad Universitaria porteña, la capacidad de resolución de las marcas de ventas masivas, y el entendimiento del usuario en la realización a medida. Tenía los elementos para editarse, y así lo hizo. + ¿Cómo fue constituirse como empresa?

CG Fue toda una experiencia armar una marca que se sostenga.

Cumplir con los calendarios, con las colecciones. Más marca, más recursos. Ese es el deseo, porque seguir creciendo, te brinda el volumen necesario para seguir produciendo cosas.

Diseñadora que trabaja sobre el maniquí, encontró en la experimentación, la propuesta de la forma. Así, Cora Groppo propone en remeras, blusas, sweaters, abrigos, chaquetas, leggins y vestidos, un estilo cosmopolita. Una modernidad en una paleta constante de neutros, que encuentra más espacio en la parte superior del cuerpo, sumando capas, creando líneas orgánicas, y brindando capacidad de movimiento.

Manteniendo como constante la novedad y la diferencia en la forma, encontró un estilo. Para nutrirse visualmente, recurre a imágenes que se mantienen distantes, pero se encuentran en su diseño: la arquitectura y la naturaleza. Cora relata cómo de pequeña realizaba maquetas. Esa asociación hace su mente, cuando le consulto sobre sus primeros recuerdos ligados a la moda.

+ ¿Cómo conviven la naturaleza y la ciudad en tu diseño?

CG La naturaleza me brinda un estado bruto. Me interesa a nivel morfológico, en sus texturas; es la mejor fuente de inspiración. Es el mix de aquello que me gusta. Me atrae lo arquitectónico, el brutalismo, y me encanta deconstruir. Agarrar algo, decir no, esto debería ser así, y cambiarle la dirección. La naturaleza es más orgánica, y encuentro ahí el contrapunto. El resultado de lo que hago es, en general, un mix de ambas cosas. Si ves la moldería en plano, es recta.

Pero cuando la armás, se vuelve orgánica.

Describir la naturaleza como grado cero es lógica; allí, el hombre no construye. Pero sí lo hace, y de modo muy calculado, en la arquitectura. Cora Groppo diseña de modo cosmopolita. Viste la ciudad, no importa cuál, motivo que la llevó a importar e, incluso, a tener local propio en la ciudad de Roma, Italia, durante cuatro años.

En la actualidad, ese vínculo comercial no se mantiene, pero vende a través de tiendas multimarca en China y Japón. A través de socios (la diseñadora marca la necesidad de un actor local en el proceso), sus diseños visten mujeres orientales. La modernidad es un síntoma que se percibe en las grandes urbes. A Cora le interesa mantenerse en Argentina: “Mi intención es sostener e incrementar la propuesta a nivel nacional; que crezca, porque es el mercado más importante, donde más enfocados estamos”.

REMIXADA: ARCHIVO PROPIO Diez años después de la apertura del primer local de Palermo (epicentro del nuevo diseño en los 2000), Cora volvió sobre su trabajo.

Revisó lo realizado, e indagó en moldes y prototipos, a través de una década de inviernos. En la suma, en la identificación de las constantes, surgió “Remixada”, la última colección presentada en el mes de febrero en BAFWeek.

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+ Colección Aireada.

+¿Cómo fue el proceso de revisar tu trabajo previo?

CG Guardo los moldes, los prototipos, las prendas que más me gustan. En algún momento, pensé: ¿para qué tenerlos? Los diez años me parecieron la oportunidad justa. Fue una acción terapeútica. + ¿Detectaste tus propios básicos?

CG Las chaquetas, sean o no de cuero, creo que tuvieron su proceso.

Los pantalones, los sweaters. Durante mucho tiempo, los vestidos de noche.

LA IDENTIFICACIÓN DE UN ESTILO Cora Groppo encontró definición en el hacer. La paleta de colores (a pesar de que siempre fue acotada) encontró en el tiempo la fuerza de los neutros. Las líneas se fueron delineando con más decisión, igual que la silueta slim en la parte inferior, y más orgánica por encima. Desde “Paquidérmica” (invierno 2011) se puede observar un estilo; constantes que se fueron afianzando, hasta imprimir una identidad estética. El diseño como evolución, con una notable continuidad de temporada a temporada. + ¿Sentís que lograste editarte en el tiempo?

CG Si veo hoy mis colecciones anteriores, siento que bajé y que quedó lo importante; se transformó en más comercial. Nosotros hacemos mucho registro de lo que la gente quiere, y eso hace que se vuelva menos pretencioso. Tal vez, más universal. Esto hace que a más gente le pueda gustar, que más gente pueda usar las prendas. + Tenés una tendencia hacia lo unisex, ¿te gustaría hacer colecciones masculinas?

CG Sí, me encantaría. Ese podría ser el próximo paso; hacer eso o mobiliario. Hay algo de eso que también me atrae. Valija, mobiliario, hacer objetos. Hay algo de eso cuando hago la parte de bijou.

Link a la nota: http://9010.co/coragroppo

+ ¿A qué mujer vistió y viste Cora Groppo?

CG Es una mujer madura, ya tiene sus 35 y después, sin límite de edad. Hay mujeres que están en el arte, decoradoras, arquitectas, mujeres que les interesa el diseño, pero no quieren estar disfrazadas.

La propuesta acompaña el movimiento. + Cora Groppo sube a la pasarela de “La Ciudad de Moda” como diseñadora consagrada. Allí presentarás tu próxima colección. ¿Qué estás armando para la primavera-verano?

CG Estoy trabajando las rayas. De lo más inorgánico, a lo más orgánico. Siempre es lo mismo, ¿ves? Cualquiera de las dos cosas me gustan. No voy a usar las rayas de manera plana, sino que sea orgánico.

Cora pertenece a la primera camada denominada “diseño de autor”, aquella que encontró alrededor de la crisis del 2000, un tiempo de invención. Época que la diseñadora define como una hoja en blanco: “Creo que fue un trabajo en conjunto, no lo hicimos los diseñadores solos, sino también los medios, el público, las universidades. La moda argentina está creciendo. Si querés una ciudad de moda, una marca país, hay que mantenerla en movimiento. Tal vez, lo que falta, es el acompañamiento de la industria.

Sobre todo, en el área textil, que no logró profesionalizarse como la indumentaria”.

Cora siempre viste Groppo. Es una mujer madura que entiende de opuestos, y a través de ellos, construye síntesis. Sigue experimentando sobre el maniquí, mientras registra qué y quién compra. En su relato, se detecta un proceso de aprendizaje que diseñó un estilo. La seguridad no necesita de adornos superfluos, se define en un modo particular de ser. Igual que las prendas de Cora Groppo. + www.coragroppo.com

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personas creativas 057 ilustración

Javier Jaén

El sentido de la comunicación gráfica Javier Jaén no tarda mucho en responder a la pregunta de cuál sería la noticia que le gustaría algún día ilustrar.

“Ganan los buenos”, dice. Y nos imaginamos la alegría de ver en uno de los múltiples y prestigiosos medios para los que colabora habitualmente la noticia publicada, con una ilustración que -probablemente- estaría cargada de humor inteligente y fina ironía, como lo están todos sus proyectos. Javier Jaén ha hecho de la comunicación gráfica, una manera de expresarse, contar historias, hacer crítica y dar que pensar. Es diseño lleno de sentido. | Texto: ArtsMoved (*)

+ Cuéntanos, ¿cómo y cuándo empezaste en el mundo del diseño y la ilustración?

JJ Supongo que todo empezó cuando a los doce años, empecé a colaborar con la emisora municipal de radio de Barberà del Vallès. Allí comencé a estar interesado por el mundo de la comunicación. Estuve en la radio unos diez años, pensando que quería ser periodista, hasta que -accidentalmente- descubrí el mundo de la comunicación gráfica, y empecé mis estudios en diseño gráfico y Bellas Artes.

+ El humor y la ironía son una constante en tus proyectos. ¿Qué consigues con éstos?

JJ A menudo, utilizo el humor como antídoto. Me ayuda a digerir la realidad y transformar la rabia. El humor tiene una relación antagónica con el poder, nos recuerda que nada es demasiado importante.

+ Tus ilustraciones para prensa son impresionantes. ¿Cómo se consigue trabajar para The New York Times y The Washington Post?

JJ Con trabajo, dedicación, y algo de suerte. En 2010, recibí una beca para estudiar en la Cooper Union School of Art de Nueva York. Allí conocía, casualmente a uno de los directores de arte del New York Times, y le mostré el trabajo que estaba haciendo para diarios y revistas españoles. Me sorprendió una actitud muy abierta a colaborar. Me llamó al día siguiente, y desde entonces, trabajo principalmente para Estados Unidos.

+ ¿Qué papel tiene el activismo gráfico en tu trabajo? ¿Crees que todos los diseñadores y, en general, los creativos tienen un compromiso con el activismo?

JJ Todos tenemos opiniones y sensibilidades que, a veces, arden demasiado en el estómago. Por una cuestión de salud, hay que sacarlas afuera, compartirlas, hacer algo. Vivimos en un momento en el que se ha facilitado mucho la divulgación de un mensaje.

Creo que se puede utilizar la comunicación gráfica para algo más que vender perfumes o zapatillas deportivas. Y sí, me parece que todas las personas tienen responsabilidades sociales, culturales, medioambientales, etc., más allá de si son diseñadores, taxistas o físicos nucleares.

+ ¿Cuál es el proceso de trabajo cuando llega un encargo de ilustración para prensa?

JJ Pasa todo muy rápido, a veces, en horas. El proceso habitual sería éste: suena la alarma, me pongo el traje ignífugo y el casco.

Bajo deslizando por una barra metálica hasta mi mesa de trabajo, e intento apagar el fuego.

+ ¿De dónde proceden o, mejor, cuál es la fuente de tus imágenes y collages?

JJ A veces, trabajo con imágenes u objetos encontrados (en el mundo físico o digital), y otras veces, salgo de caza. Me interesa especialmente trabajar con material muy reconocible, porque genera una especie de eco en la memoria del receptor. Intento alterarlo lo míni-

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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+

+ Afinar. 2009, trabajo personal.

+ Sàpiens Magazine. The relationship between film history and the history of painting. Texto: Enric Calpena.

mamente posible; me gustan los gráficos crudos. Siempre me he sentido más cercano a la parte conceptual que a la técnica del proceso. + ¿Sigues algún blog de diseño que nos quieras recomendar?

JJ Recomiendo mirar los que tienen más letras que dibujos. Es importante ver qué se está haciendo, pero también desarrollar un espíritu crítico, y un cuerpo de trabajo que vayan más allá de colecciones de imágenes en donde prima la forma. Aunque estamos en un sector donde es importante tener espíritu autodidacta, creo que vale la pena intentar invertir en formación. He tenido varios profesores importantes en mi vida, pero me gustaría destacar a tres. El primero fue Nacho Clemente, quien me llevó a esa frontera difusa entre diseño e ilustración. Fue el primero que me habló de diseñadores que serían importantes para mí, como Patrick Thomas, Isidro Ferrer o Enric Jardí. En la universidad, fui alumno de Raquel Pelta: ella me enseñó el peso del diseño en la historia, y de la historia en el diseño. También su valor sociocultural. En Nueva York, fui alumno de Scott Stowel.

Me descubrió a Paul Sahre, James Victore o Christoph Niemann. De Scott aprendí la importancia de las ideas como cimientos de cualquier proyecto, dejar de lado los fuegos artificiales, estar atento a todos los detalles. Aunque la cita es de Frank Chimero, de él también aprendí que “La gente ignora el diseño que ignora a la gente”. + ¿Qué importancia das al hecho de colgar en tu Web proyectos personales?

JJ Hace unos meses conocí a Fernando Beltrán (El nombre de las cosas). Me gustó especialmente algo que dijo: “La poesía no me da de comer, pero vivo de ella”. Creo que hay que intentar enseñar el trabajo con el que realmente disfrutamos, porque antes o después,

+ The New York Times. The Great Divide. Can We Close the Pay Gap? Texto: Deborah Hargreaves. Dirección de arte: by Aviva Michaelov. Torta: Pastisseria Forn del Passeig.

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+ La Vanguardia. The Spanish energy reform. Dirección de arte: Jaime Serra.

+ Cafuerteras. No soul for sale. Festival de arte independiente. X-Initiative, New York, 2009. TATE Modern Gallery, Londres 2010.

se acaba convirtiendo en el reclamo para otro tipo de proyectos. + ¿Cómo planteas tus clases?

JJ Estoy muy interesado en todos los campos de la comunicación; también en la docencia. En los últimos años, he estado dando clases y charlas de ilustración, diseño y comunicación visual en diferentes escuelas, y ¡me encanta! Intento acercarme a la idea de ilustración desde el sentido más amplio de la palabra. Nunca he estado muy interesado en la técnica, así que nos basamos en ejercicios conceptuales.

Me gusta pensar en las clases como en un laboratorio en donde hacer experimentos. Me interesa generar debate con los alumnos y hacer presentaciones abiertas: todo el mundo puede comentar el trabajo de los compañeros, la clase no es una competición, es un lugar de construcción. A menudo, verbalizando tu proyecto, entiendes cuáles son tus puntos fuertes y tus puntos débiles, y me parece que es muy sano también comentar el de los compañeros. Me gusta intentar llevar a los alumnos a resultados interesantes conceptualmente, más que a resultados plásticos listos para enmarcar. En mi opinión, la escuela debería ser el lugar en donde asumir riesgos, donde llevar las cosas hasta un punto de tensión más alto, y donde formar a profesionales valientes. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar?

JJ Por ejemplo, ¿qué proyectos tengo entre manos ahora mismo?

Y la respuesta sería: Estoy preparando una ___________ para el próximo mes de ___________, también un ________ de __________ con el gran _______ ______, y si todo va bien, en ___________ iré a __________ y a ___________. Está todo por hacer. + http://javierjaen.com/

Link a la nota: http://9010.co/javierjaen

personas creativas

+ 061 moda

Mirada indiscreta La intensa (e incluso, perturbadora) mirada de la cordobesa Magda Laguinge es recurrente en las semanas de la moda, así como en las páginas de revistas especializadas. Conversamos con la modelo argentina de 22 años, recientemente fotografiada por el mismísimo Karl Lagerfeld, ataviada con la última colección de alta costura de Chanel, para obtener una credencial al ajetreo cotidiano de la industria de la moda. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

A Magda Laguinge, el carácter se le imprime en el rostro. La morocha de ojos azules no encontraba interés en la moda, hasta que fue descubierta en Córdoba cuando era adolescente. Apenas hizo escala unos meses en Buenos Aires (realizando trabajos para María Cher y Trosman), para aterrizar definitivamente en New York, ciudad cosmopolita que actuó como escenario para una proyección que decantó internacional.

PASARELA: LA MODA PASA Quien inicia y/o cierra una pasarela, se transforma (si aún no lo es) en una cara a examinar. Desde la primera fila, editores toman nota; desde el área de fotógrafos, los flashes capturan la imagen que se repetirá. En septiembre del 2011, Madga Laguinge fue elegida por el

diseñador (niño mimado) Marc Jacobs, para abrir la pasarela de su marca homónima. Con el pelo recogido, un pañuelo al cuello y botas plateadas con transparencias, fue la primera modelo en salir a escena.

Aunque suele referirse a la pasarela conceptualmente como un escenario, en aquella oportunidad, el norteamericano fue literal. La presentación de la colección ready to wear Marc Jacobs 2012 fue uno de los desfiles más concurridos de la New York Fashion Week, e inició con las modelos ordenadas en fila, sentadas en sillas. La escena estaba lista, y Magda abrió la puesta. La colección con aires propios de los 50 y los 90, determinó un ascenso en la carrera de la argentina que apenas llegó a trabajar unos pocos meses en su país de origen. Y cual efecto dominó, desfiló (y desfila) para Louis

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+ Chanel Haute Couture Fall Winter 2014-15. Press kit by Karl Lagerfeld.

+ ¿Cómo fue el momento en que Marc Jacobs te elige para su desfile en 2012?

ML Me enteré el mismo día del show. En ese momento, yo ni siquiera hablaba inglés. Fue hace ya un par de años, yo estaba recién llegada de Argentina, y no entendía nada lo que estaba pasando, ni lo que eso significaba, pero estaba muy feliz.

+ Desfilaste en varias oportunidades para Chanel. ¿Cómo fueron esas experiencias?

ML Siempre increíble. Creo que es el show más lindo de hacer, porque la producción que tienen por detrás es inmensa. Poseen un presupuesto altísimo para hacer lo que quieran, y en los lugares más bellos. Siempre viajamos a diferentes lugares, y ellos hacen lo mejor: eligen el mejor hotel del país, la mejor locación, la mejor comida. Para mí, es una experiencia única cada vez que trabajo con ellos, y se manejan con mucho respeto y educación.

Los diseñadores (lleven adelante marcas propias o la dirección de una maison) son quienes impregnan las prendas de un carácter original. El sistema de la moda les renueva permanentemente las credenciales de creadores, otorgándoles capacidad de influencia.

Sus colecciones son objeto de escrutinio cada semana de la moda; allí, las modelos visten lo que vendrá. Y luego serán tapa de revista, reproducirán su imagen en un buen número de producciones, contando cómo combinar las tendencias. Antes que nadie, se ponen las prendas, las muestran en pasarela, y prestan el cuerpo a crear una máquina de espejos y fantasías denominada moda.

+ Protagonizaste el último press kit de haute couture Chanel. ¿Cómo es trabajar bajo las órdenes de Karl Lagerfeld?

ML Karl es una leyenda, según entiendo, la persona más grande en fashion. Sabe perfectamente lo que quiere, hacia dónde va. Y como fotógrafo, es rapidísimo; no hay vueltas. Para mí, resultó muy fácil. Sus sesiones son siempre de noche. En esta oportunidad, tenía que presentarme a las tres de la tarde, arrancamos a las once de la noche, y finalizamos a las dos de la mañana. Karl tiene una energía increíble, es una persona amigable, y ama la Argentina.

HAUTE COUTURE: ESCALERAS AL ATELIER En 1918, Gabrielle Chanel abre su casa de couture sobre la 31 rue Cambon. Sobre la estrecha calle, se mantiene el local en actividad y las míticas escaleras (espejadas, para que Coco pueda verlo todo) la separan del atelier. Detrás de un par de ventanas blancas, con sólo el logo de la casa, aún hoy se entreteje alta costura. Allí, Karl Lagerfeld da las últimas indicaciones, en uno de los ateliers que posee Chanel en la ciudad de las luces.

+ Un número muy limitado de personas acceden a vestir alta costura, y vos la has desfilado reiteradas veces. ¿En las pruebas previas, cuánto se puede presenciar del proceso de armado de la prenda?

ML Cuando hacemos fittings para los shows, tenemos que ir reiteradas veces antes del desfile. Por ejemplo, en Chanel, siempre tenemos que ir tres veces antes del show. En el primer fitting, prueban la ropa y toman medidas; en el segundo, prueban las modificaciones que se hicieron en las prendas; y en el tercero, Karl pone todos los accesorios que van en la ropa. Prendedores en el pelo, sombreros, guantes; todo lo que te puedas imaginar, ellos tienen. Y por supuesto, de acuerdo al tipo de colección, hay diversidad en el tipo de accesorios. Pero depende de la marca. Cuando es couture, todo es mucho más específico y meticuloso.

Vuitton, Balenciaga, Yves Saint Laurent, Alexander Mcqueen, Oscar de la Renta, Cavalli y House of Holland, entre otras.

Salvo que se cuenten con los excesivos recursos para vestir alta costura, son muy pocas las personas que tienen acceso a usarla.

Madga Laguinge, como las demás modelos, tiene la excusa ideal para observar el proceso de realización: la va a llevar frente a miles de miradas (tanto presenciales como virtuales).

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READY TO WEAR: LA MODA ESTÁ APURADA Cada desfile implica una presentación comercial y alimento para la prensa. Calculados conjuntos, con un atractivo estilismo, se presentarán en New York, Londres, Milán y París. Un par de meses después serán campaña, hasta llegar a los locales seis meses más tarde. Claro está, para quien puede pagarlo. + Tenés acceso y vestís antes que nadie, las prendas de la temporada. ¿Tenés alguna prenda de alta costura en tu ropero? ¿Ready to wear?

ML No tengo nada de alta costura en mi ropero o de ready to wear, porque siempre hacen una sola pieza pensada para el desfile, y esa pieza, lógicamente, es para ellos, para seguir creando después del desfile. Sí tengo algunas de hace un par de temporadas, pero una vez que ya crearon más piezas.

ANTE EL AGOTAMIENTO, ESTILO Magda accede, viste y entiende la materialidad de la prenda como punto diferenciador. Cuando compra, busca calidad, razón que desarrolla para explicar su inclinación al vintage. Aunque es parte de la maquinaria moda, se corre del consumismo en su discurso. + Después de usar tanto, ¿cómo se arman un ropero y un estilo propios?

ML Mi ropero siempre cambia. Me gusta probar, tener muchas opciones, y también me canso de la ropa, y entonces vuelvo a cambiar. Como para mí, todo y nada está de moda, no uso nada que la siga. Lo que me resulta esencial al vestirse es la calidad, los buenos materiales. Valoro mucho las texturas y las composiciones de las telas. Esa es la base. Así que, si veo algo que me gusta (que puede ser de cualquier estilo), lo compro y lo uso. Me encanta llevar vintage: amo usar ropa de los 60, 70 y 80. + ¿Cuál fue la primera prenda o accesorio de moda que decidiste comprar?

Link a la nota: http://9010.co/laguinge

ML Unas botas de terciopelo de Givenchy.

Cual bitácora de viajes, en su cuenta oficial de Instagram (única red social en la que la modelo se mantiene activa), se pueden observar habitaciones de hotel, paisajes diversos, fotos de back, presentaciones, pasarelas. Hasta imágenes de su pequeña hermana Lucrecia (una de sus seis hermanos, con la cual mantiene un gran parecido). Madga transcurre por la moda, de ciudad en ciudad, conformando un estilo propio. Pasándola bien. + Viajás permanentemente, ¿qué llevas siempre en la valija?

ML Llevo conmigo siempre mis cremas (humectante y anti-age), jabones faciales, mis maquillajes básicos (todos de Chanel y Givenchy), siempre un calzado cómodo y mis creepers, una remera negra, una camisa de lana de mi novio súper abrigada y, si es invierno, un tapado de piel. También llevo ropa deportiva por si tengo ganas de ir al gym.

En la ajustada agenda de la modelo, existen múltiples excusas diarias para crear un personaje. El telón se abrió desde su presentación en Marc Jacobs, transitando las pasarelas de Chanel (en París, haciendo escala en Dallas, llegando hasta Singapur), vistiendo las prendas únicas de las tradicionales maison Vionnet, Viktor & Rolf, Dior y Kenzo, entre tantas otras. Ediciones varias de Vogue, Harper’s Bazaar (incluyendo una tapa en la versión nacional) y Dazed & Confused imprimieron sus cargadas pestañas, capturando su particular modo de mirar. + ¿Cómo vivís la moda todos los días desde la experiencia más personal?

ML Me encanta la moda. Para mí, es un espacio de diversión, un juego.

Madga Laguinge tiene un pase de moda con acceso ilimitado.

Aquel que deseamos quienes disfrutamos de verla pasar. +

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+ Berlín por Martina Flor

Berlín

Una ciudad con todas la letras Vibrante y nueva, Berlín muestra su mejor cara cuando se trata de hablar de diseño y tipografía. Una ciudad que, si me dedicara a dibujar letras, preferiría para vivir. | Texto: Martina Flor (*) @MartinaFlor

(*) Martina Flor es diseñadora gráfica, ilustradora amante de dibujar letras. Reside en Berlín, Alemania, donde trabaja en tipografía, lettering e ilustración. www.martinaflor.com

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ideas creativas 065 lugares

+ Algunos carteles en las calles de Berlín. Fotos: Martina Flor

A menudo me preguntan cómo es Berlín (Alemania) y, a pesar de ser la ciudad en donde elijo vivir, me cuesta admitir que no es linda. Todo lo bueno que pueda decir de ella es del todo intangible, y requiere pasar un tiempo aquí para entender su ritmo particular, su encanto. Berlín es una ciudad pobre, no es pintoresca, está bastante derruida, y tiene inviernos durísimos. Es fea y fantástica al mismo tiempo.

En comparación con otras ciudades europeas, es barata. Con un ingreso de 900/1000 euros, se vive austeramente, que es -ademásla forma de vida aquí: la ostentación está fuera de moda. Ahorrar recursos es “the way to be”; de ahí que personas y parejas elijan compartir departamento, o que artistas y diseñadores se agrupen en lo que se llama “bürogemeinschaft”, y compartan el espacio y la renta. De esta forma, antiguos locales y recintos abandonados se convierten en ateliers y lugares de trabajo, que no son “high-end design” y están pobremente restaurados, pero definen sin duda el estilo berlinés de vida.

Berlín es, por definición, cosmopolita; una congregación de personas de distintos orígenes. Con un alto porcentaje de población de origen turco, polaco y ruso, recientemente, ha recibido una gran ola inmigratoria de griegos y españoles, y se escucha hablar castellano en cada esquina. El conocido sistema alemán de reglas encuentra aquí sus excepciones, y los habitantes de diversos orígenes tienen la tendencia a reunirse. Aquel ciudadano de Berlín, el llamado “berlinés”, camina por la calle, y ve la diversidad en todas sus formas: desde colores de piel y religiones, hasta idiomas y formas de pensar, conviviendo en relativa armonía. Aquí he aprendido a socializar con extraños, a hacer nuevos amigos, a hablar de mi trabajo y el de otros, y a despojarme de varios prejuicios.

LA ESCENA TIPOGRÁFICA A menudo también me enfrento a la pregunta de cómo es trabajar en tipografía, en una ciudad que se ubica entre los principales referentes en el área y que, por ende, tiene muchos diseñadores trabajando.

Personalmente, creo que la competencia no es necesariamente un

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+ Buchstaben Museum. Foto: Andrea Katheder

motivo para tener menos trabajo. Por el contrario, encuentro esto un desafío, que invita a levantar los estándares de los resultados propios.

de 1 sobre 10, un factor que -probablemente- tuvo una incidencia positiva.

Adicionalmente, el mundillo tipográfico vibrante berlinés es una gran fuente de inspiración, y la ciudad -como muchas ciudades europeasaún conserva reliquias tipográficas intactas, que se encuentran con sólo levantar la cabeza, y mirar alrededor. La tipografía es aquí una materia tomada muy en serio y, a pesar de ser específica, se ubica en el corazón del diseño en Alemania. Legibilidad y excelencia técnica son tópicos recurrentes, y la gran tradición en diseño de tipos posiciona los estándares muy en lo alto.

Berlín tiene la mayor densidad de diseñadores de tipografía por metro cuadrado. Hay más de 50 diseñadores de tipografía, alrededor de 30 fundidoras, periódicos y encuentros de tipografía, un museo dedicado exclusivamente a las letras (con cerca de 3000 ejemplares recolectados dentro y fuera de Alemania), y demás workshops y eventos. El blog www.typeinberlin.com reúne todo los eventos y noticias de lo que ocurre en la ciudad relacionado con la tipografía. Adicionalmente, presenta una lista de fundidoras e individuos trabajando con letras.

Cuando me establecí en Berlín, temí que mi trabajo con letras coloridas y formas femeninas no fuera aceptado en esta elite tradicional y con un ojo tan crítico. Sin embargo, descubrí en el círculo de tipógrafos, a personas abiertas a recibir nuevos participantes e ideas y, por el contrario, se mostraron muy interesados en mi manera de abordar la tipografía. Adicionalmente, el porcentaje de mujeres es

Los tipógrafos y diseñadores tienen varios puntos de encuentro mensuales. Algunos contenidos son en inglés, otros son en alemán y, por ende, más de elite. Entre ellos, se pueden encontrar: Typostammtisch. Es el evento con más concurrencia de “type freaks” y de “wannabes”. Ocurre en un típico restaurant alemán

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+ Typostammtisch. Foto: Laurece Penney

llamado Max und Moritz. El menú obligado es cerveza y “flammkuchen”, y el tópico es exclusivamente el diseño de tipos, la tipografía y el lettering. Los temas que se abordan son del todo específicos: desde la demostración de un plug-in para Indesign que altera el espaciado de una fuente, una presentación de un libro de ilustradores inspirado en la técnica de cartelería en India, hasta una charla que compara muebles con fuentes tipográficas. www.fontwerk.com/category/typostammtisch Type Talks. Ocurre en el magnífico auditorio del Apple Store, construído en un antiguo cine, abandonado y restaurado recientemente. El ciclo de charlas presentado por Jürgen Siebert (director de Fontshop AG), es un evento gratuito que permite a un público más general acceder a contenido del todo específico. El evento tiene formato de show, alternando mesas redondas y charlas de especialistas, y sucede una vez al mes. http://typetalks.org/ Typo Berlín. Una de las conferencias internacionales de diseño con

Link a la nota: http://9010.co/tipoberlin

mayor convocatoria, que en su última edición, recibió a más de 1500 personas. Bajo la temática “Roots”, presentó a grandes estrellas del diseño, la tipografía y el arte, como el diseñador David Carson, el artista pop Jim Avignon, el editor de la revista de diseño “Work that Works” Peter Bilak, y el diseñador de libros Joost Rootens. También, se presentaron nuevos talentos, como Sarah Illenberger y sus instalaciones creativas, o Snask (un estudio de diseño que sostiene que hay que hacer enemigos para ganar fans). Esta conferencia organizada por Fontshop, tiene ediciones también en San Francisco y Londres. http://typotalks.com/ Buchstaben Museum. Un museo dedicado a conservar y documentar formas de letras. Un grupo de colaboradores ad-honorem lleva adelante este proyecto, que ha rescatado cientos de carteles abandonados en las ciudades. El museo expone los carteles tal cual fueron encontrados, y tiene un impresionante depósito, con miles de letras individuales de distintos países. + www.buchstabenmuseum.de

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+ Muestra “Estado de emergencia”, de Charly Nijensohn.

Espacio Fundación Telefónica

En línea, y comunicando con la cultura digital La tecnología sabe dar cuenta del momento histórico que representa. Siempre innovando, encontró en un tradicional edificio del barrio porteño de Recoleta, un lugar para presentar su actual exponente, la cultura digital. Con ustedes, el renovado Espacio Fundación Telefónica.

ideas creativas

+ 069 arte

El Espacio Fundación Telefónica reabrió sus puertas al público, en el marco de su décimo aniversario en la Argentina, con una reciente renovación edilicia.

TECNOLOGÍAS DE ÉPOCA Un recoveco porteño es hoy sede de la Fundación Telefónica. Un tradicional edificio que surgió en la década del 20 cuando, en aquél entonces, Unión Telefónica automatizó las centrales de la Ciudad de Buenos Aires. En abril de 1920 se adquirió el inmueble, el cual debía estar en armonía con la arquitectura que se estaba desarrollando en la zona. El edificio de la Central Plaza -que representaba la tecnología más avanzada para Buenos Aires- más el equipo automático instalado, la convirtieron en la central telefónica más importante.

Luego de la privatización de ENTel, la Central Juncal fue uno de los edificios elegidos para la conversión al sistema digital. Fue entonces a partir de 1999 -aunque la Fundación se encontraba constituida desde 1991-, que se eligió el edificio para la realización de sus actividades.

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+ Muestra “Ecosistema de las Comunicación”, de Marcello Dantas, Alberto Quevedo y Tatiana Durigan.

La actual remodelación de Arenales 1540 fue realizada por el departamento inmobiliario a cargo del arquitecto Aurelio Froján, y fue el arquitecto Andrés Duprat quien se ocupó de dar una orientación artística a la obra. El proyecto buscó preservar la esencia del lugar, por lo que el Espacio debía evidenciar -de manera muy sutil- que en los pisos superiores seguía funcionando una central telefónica.

CASA NUEVA, VIDA NUEVA Es así que el Espacio Fundación Telefónica luce totalmente renovado, para impulsar distintas formas de aprendizaje, creatividad y pensamiento, generando un entorno propicio para la participación activa del público. Se realizó, entonces, una adecuación arquitectónica del edificio que, con nuevas salas de exposiciones, un auditorio provisto con tecnología de última generación y un aula taller, permitirá multiplicar propuestas, sumar contenidos, y diferentes públicos: contará con exposiciones, ciclos de conferencias, cursos y talleres vinculados al concepto de mundo digital.

En conversación con la directora de la Fundación Telefónica, Agustina Catone, remarcó la necesidad de “acompañar la transformación que la cultura digital, junto con la evolución de la tecnología, generan en la sociedad”. Además, destacó las ganas de establecer

vínculos entre las generaciones, creando un espacio de experiencia compartida. Catone enfatiza en la propuesta: “Que la comunicación se pueda experimentar”. Marca la incorporación de un tobogán en la renovación edilicia (un espacio lúdico que busca ser las veces de transportación) y la puesta de muestras que permitan el uso como la vivencia de las tecnologías. La intención es incentivar el “vínculo entre la comunidad y el arte, a través de un espacio abierto”.

En su reapertura, Espacio Fundación Telefónica presenta la intervención a la fachada con “Hermes, el Mensajero”, a cargo de Hernán Marina; y las muestras “Ecosistema de la Comunicación” (de Marcello Dantas, Alberto Quevedo y Tatiana Durigan) y “Estado de emergencia” (de Charly Nijensohn).

FACHADA A LUCES Hernán Marina presenta, a través de una instalación de tubos de Neón, a “Hermes, el Mensajero”, considerado en la mitología griega el dios de la comunicación y el entendimiento humano; así como fuente de la hermenéutica, disciplina que interpreta significados ocultos, tales como la teología y la filología. La escultura lumínica, compuesta por 300 metros lineales de tubos de neón de color turquesa, se exhibirá hasta el 31 de diciembre de este año.

+ 071 cordar) cómo funciona un videófono, un fax, o una central telefónica.

Una cita imperdible para los fans de los medios, una aventura para los más chicos, y una gran experiencia para divertirse entre generaciones.

En esta exposición, se muestra una gran colección de instrumentos técnicos, que son el contacto con esa mediosfera –el ambiente cohabitado por todos los tipos de comunicación ya inventados por el hombre–. Se pueden ver instrumentos como faxes, télex, computadoras, celulares, radios, pagers, videófonos, cartas, telegramas, palomas mensajeras, y hasta botellas con mensajes, entre otros, los que están, de algún modo, interconectados y funcionando. Estos detalles hacen sentir que el ecosistema de las comunicaciones es vivo y dinámico, y que opera a través de los tiempos y de la diversidad de las tecnologías.

Catone nos explica que la exposición “se montó con material que aportó el Museo de Informática de la Ciudad de Buenos Aires, patrimonio de la empresa, y la colaboración de los propios empleados”.

El ecosistema surge de archivos propios y ajenos, mientras que la restauración de todos los equipos estuvo a cargo del personal de la compañía. Así, la experiencia se vuelve material, se puede tocar, usar.

ESTADO DE EMERGENCIA Charly Nijensohn es un argentino radicado en Berlín. Su vestimenta (uniforme de paletas neutras) da cuenta de los años en Alemania. En esta muestra, Nijensohn trabaja sobre la idea de una confrontación entre lo humano y las fuerzas naturales del universo que lo rodea. En esta tensión inestable, sus personajes aparecen y desaparecen, navegando a través del tiempo y el horizonte. Una situación real y existencial, en un espacio que se torna hostil, calmo, o indiferente. De un paisaje amenazador, al interior de nuestras preguntas sin respuestas.

“Estado de emergencia” es una videoinstalación, con un altísimo grado de transportación. Doce pantallas exhiben “El Naufragio de los Hombres”(Salar de Uyuni, Bolivia - 2008), “Dead Forest Storm” (Amazonia - 2009) y “El Éxodo De Los Olvidados” (Campos de Hielo Patagónico - 2011). Siempre a oscuras, con un sonido que envuelve y traslada. Imágenes de la naturaleza, del hombre solo en ella, y el sonido de ambos. + Intervención a la fachada de la sede de la Fundación Telefónica con “Hermes, el Mensajero”, a cargo de Hernán Marina.

El despliegue de las alas del pie de Hermes se vuelve interesante en un espacio vinculado a la cultura digital. De una manera simbólica, el Espacio se convierte en punto de partida (o de llegada), de un vuelo que es, a su vez -metafóricamente-, de transmisión de conocimiento, intercambio y comunicación. La noche le hace justicia.

ECOSISTEMA DE LA COMUNICACIÓN Agustina Catone comenta la importancia de la transformación del espacio para la colocación de una exposición semi-permanente, que posibilita conocer y vivenciar el pasado, presente y futuro de las comunicaciones. “Ecosistema de las Comunicaciones”, que estará abierta al público hasta diciembre de 2015 (con renovación cada tres meses, aproximadamente), y es una muestra curada por Marcello Dantas, en la que se observa la evolución de las comunicaciones, que generaron un cambio de comportamiento en el último siglo. Un recorrido que parte del telégrafo, pasa por una lista de objetos que permitieron y permiten comunicarnos y que, además, son un reflejo del valor histórico patrimonial. El guión conceptual de la exposición pertenece a Alberto Quevedo, y el diseño a Tatiana Durigan. ¿La novedad? Toda la tecnología expuesta funciona. Ahí la experiencia se vuelve material, provocando las ganas de tocar y conocer (o re-

Link a la nota: http://9010.co/espaciotelefonica

El artista dedicó muchos años a planear (a través de investigación y mapas) en qué momento preciso instalar una cámara, para que luego se transforme en material para su obra. La edición, la puesta, y la destacada instalación sonora. Una muestra para viajar a través de las pantallas, que se podrá visitar hasta el 29 de noviembre.

PUERTA DIGITAL En el nuevo auditorio del Espacio, con capacidad para 70 personas, se realizarán ciclos de charlas y conferencias, que serán un reflejo de este nuevo paradigma de la cultura digital. Además, se brindarán talleres y visitas guiadas para alumnos, docentes y familias. La idea, relata Agustina Catone, es “generar un diálogo entre los nativos digitales y los padres/maestros”. Además, dentro de las propuestas, se incluyen los talleres para chicos, adultos y artistas.

A través de un recorrido por las exposiciones, las visitas guiadas para escuelas y público en general, buscan generar experiencias y un diálogo reflexivo acerca de las obras y objetos exhibidos, abordando las características centrales del arte contemporáneo, y las comunicaciones y su relación con la tecnología. Para el público en general, las visitas guiadas se realizan de lunes a sábados, a las 18hs. Para más información e inscripciones, escribir a educacion.ar@telefonica.com El Espacio Fundación Telefónica, ubicado en Arenales 1540, CABA, se puede visitar de lunes a sábados, de 14 a 20.30hs., con entrada libre y gratuita. + http://espacio.fundaciontelefonica.com.ar/

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+ Nike Magista

Diseño de juego

Los botines del Mundial 2014 Un recorrido por los botines que calzaron los jugadores de la Copa Mundial de la FIFA Brasil 2014 y entrevista al argentino Max Blau, VP de calzado de fútbol de Nike Global.

adidas Battle Pack es la colección de calzado oficial del torneo Copa Mundial FIFA 2014, compuesta por un botín de fútbol para cada una de los modelos: adizero f50, predator, nitrocharge, 11pro y adizero f50 Messi (en blanco y negro, para resaltar en el campo de juego). Cada botín ha sido diseñado con una identidad y tecnología de vanguardia.

rada en los colores nacionales de Argentina. Este modelo combina tecnologías revolucionarias con la precisión e ingeniería que encajan con la velocidad del jugador, y fueron pensados para hacerlo el más rápido de la cancha. Con 165 gramos, los adizero f50 Messi son de los botines más livianos del mercado.

En concordancia con la campaña publicitaria “all in or nothing”, cada uno de los botines ostenta un 50% en blanco y 50% en negro.

Estos mismos colores se reflejan en los estampados, inspirados en la pintura de guerra de guerreros nativos y el patrón icónico de la vieja Mesopotamia, al mismo tiempo que fueron perfeccionados para representar las playas de Copacabana. El único color que combina en el botín es el naranja fuego en las tres tiras de adidas, representando el máximo trofeo de la Copa Mundial FIFA. Los patrones individuales han sido diseñados para expresar los atributos de cada botín, al igual que la actitud y habilidades del tipo de jugador.

Por su parte, los Nike Mercurial Superfly -además de venir con tecnología Flyknit y el cuello alto Dynamic Flit, poseen los cables Brio, que están tejidos directamente en la parte superior, y están ajustados en la suela externa. Al conectar este apoyo “tipo tendón” al talón, los Superfly actúan como una honda que ayuda al jugador a impulsarse. Además, su suela completa de fibra de carbono es más flexible, y ayuda al jugador a transmitir de manera más eficiente la potencia hacia el suelo. Los tapones agregados en el talón de los botines brindan estabilidad y se colocó, además, una tracción extra en la parte de los dedos, para darles mayor agarre y propulsión a los jugadores durante el crítico último 10% de su pisada.

Los adizero f50 Messi son los únicos botines que tienen una excepción: la adición de azul y blanco a la combinación de colores, inspi-

En el caso del botín de fútbol Magista de Nike, posee tecnología

ideas creativas

+ 073 diseño

+ Nike Mercurial

+ Max Blau, VP de calzado de fútbol de Nike Global.

+ Puma evoPOWER

+ adizero f50 Messi y el Battle Pack

Flyknit, que brinda sensibilidad, calce y control, al crear la sensación de tener puesta una media que actúa como una segunda piel, y permite que la fuerza y el soporte se unan directamente al botín.

También incluye un novedoso cuello de Dynamic Fit de corte medio, para un calce más ajustado.

ves jugando descalzo al fútbol en la playa. El contacto con la pelota, el toque, la tracción. Te piden eso, siempre. Ahí surgió la posibilidad de trabajar con la tecnología Flynit, que brinda una sensación de media, de estar jugando descalzo. Así nace la idea de adaptar esa tecnología (creada para running) para el futbol.

El lado derecho es rosa, el izquierdo es azul. Así son los botines de fútbol Puma evoPOWER y evoSPEED. Estos nuevos botines “Tricks” de Puma y su inusual apariencia, representan la confianza inquebrantable de los jugadores que los utilizan, y evocan su potencial para hacer lo increíble. Algunos de los jugadores que usaron los botines en la cancha fueron: Sergio Agüero, Mario Balotelli, Cesc Fàbregas, Maro Reus, Radamel Falcao, Olivier Giroud, Gianluigi Buffon y Yaya Touré.

+ ¿Cómo se diseña con tanto tiempo de anticipación?

MB Pensás cómo se va a jugar el fútbol en unos años porque el juego cambia, los jugadores también, y estos procesos requieren de cuatro, cinco y hasta seis años. Hoy, el fútbol es mucho más dinámico, y estamos atentos a esos cambios, para imaginarnos una herramienta que encaje. Tenemos áreas de innovación y diseño: en ambas se trabaja con la misma intensidad. Además de la “Cocina”, donde se trabajan conceptos de acá a cuatro años, y la “Estrella del Norte”, donde se investiga y desarrolla más allá de las categorías.

Ahí te sentís James Bond. Tenemos muchas herramientas, y elegimos las que más ayudan a ese pedido original, de las medias con tapones.

MAX BLAU: DISEÑO QUE JUEGA DE LOCAL Max Blau es el VP de calzado de fútbol de Nike Global, es argentino, y estuvo en nuestro país días antes del Mundial Brasil 2014.

Conversamos con él sobre el proceso de diseño y producción de los botines Hypervenom, Tiempo Legend V, Magista y Mercurial Superfly, que la marca presentó en su Templo del fútbol (una experiencia pop up ubicada en el hall del Abasto Shopping de Buenos Aires durante el Mundial, para probar y jugar con los botines de Nike).

+ ¿Cómo se diseña la imagen final del botín?

MB La estética del producto se construye con ciencia. Algo que te gusta, te hace jugar mejor. Tenemos estudios que nos ayudan a estar alineados con las tendencias, y a trabajar a cuatro años. En estilos, trabajamos color, gráficos y materiales.

¿Cómo se diseña el fútbol? Cada uno de los modelos de Nike fue diseñado y producido con las últimas tecnologías aplicadas al deporte.

Lleva cuatro años de trabajo el proceso de creación de un botín, según asegura Blau. ¡Y ya están pensando Rusia 2018!

+ ¿Ya están pensando en Rusia 2018?

MB Si, ya dimos vuelta la página. Estamos arrancando a pensar Rusia 2018. Ya presentamos los prototipos. Mantener la intensidad.

El objetivo es siempre renovar el mercado.

+ ¿Cómo es el proceso inicial de diseño del producto?

MB Siempre se inicia con una charla con los jugadores, aunque las ideas pueden surgir de cualquier lado. En el caso de los botines Magista y Mercurial, comenzó con un ideal: en un mundo perfecto, te

+ ¿El botín cambia el juego?

MB Con innovación, el ideal es permitirle al jugador ir más allá de su 100%. Eso es posible, hoy es realidad, es siempre el objetivo. + www.adidas.com.ar | www.nike.com | http://es.brand.puma.com/

Link a la nota: http://9010.co/botinesmundial

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Autos eléctricos

Con las pilas bien puestas Los autos eléctricos ya son una realidad en los países más desarrollados. Sin embargo, siguen lidiando con varios desafíos: el desarrollo de la infraestructura de carga y su autonomía real. Más allá de esto, hay modelos que están abriendo un panorama alentador para este tipo de vehículos de emisión cero (ZE). Te los mostramos aquí. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

La mayoría de ellos empezó siendo un escaparate tecnológico futurista. Esos que son expuestos en los salones del automóvil, y que la gente suele apreciar como una rareza. Pero la cosa fue cambiando, y una gran cantidad de aquellos prototipos ecológicos se bajaron del pedestal de máquina casi de ficción, para convertirse en algo más terrenal. Hoy, muchos ya se entremezclan por las calles de los países más desarrollados (con sus motores silenciosos y limpios), entre sus pares a combustibles convencionales. En nuestro país, la realidad siempre estuvo lejos de lo que sucede en aquellos mercados. Pero hace muy poco, sucedió un hecho que acortó la brecha: se probaron dos autos 100% eléctricos, de los cuales, uno se venderá el año que viene. A continuación, un repaso por los modelos que dejaron de ser bocetos, para convertirse en pioneros de la movilidad sustentable.

RENAULT: A UN PASO DE HACER HISTORIA Que los autos eléctricos circulan por nuestras calles, ya es un hecho.

Aunque, claro está, en fase de prueba. El puntapié inicial lo hizo Renault el pasado mes de junio, tras poner a disposición de algunos clientes y prensa especializada, a su city car Twizy, y a dos versiones de la Kangoo, todos eléctricos. Si bien ambos comparten el mismo

+ BMW-i3

corazón -unas baterías de ion de litio que se cargan conectando el auto a un enchufe-, sus realidades son muy diferentes.

El Twizy, con su formato de cuadriciclo, no cumple con la norma para circular en la vía pública. Pero el que no sólo tiene el Ok para circular, sino también la fecha de llegada -se estima el año que viene- es la Kangoo. Lo hará en dos versiones: Maxi Z.E (para cinco pasajeros) y Furgón Z.E. (para el trabajo, con capacidad de carga de 650 kg); ambas impulsadas por un motor eléctrico de 60 CV. Según la marca, pueden acelerar hasta los 130 km/h, y alcanzar 170 km. de distancia. Se estima que las Kangoo Z.E. costarán entre $350 y $450 mil. Un precio alto, pero que se equipara con su bajo costo operativo, de $76 cada mil kilómetros, contra los $1150 que hoy demandan las versiones a nafta. www.renault.com.ar VOLKSWAGEN: CON “E” DE ELÉCTRICOS La marca alemana decidió electrizar a dos de sus modelos más populares. Uno de ellos es el Golf, al que bautizaron e-Golf. En su carrocería, dispone de ciertos detalles diferenciadores con respecto a

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ideas creativas 075 vehículos un Golf convencional: desde sus luces LEDs en forma de C invertida hasta su parrilla cerrada, delatan a este Golf que se equipa con una batería recargable de 190 km de autonomía. Para ello, el conductor debe optar por un modo Eco de conducción, que limita la potencia de su motor a 95 CV, en vez de los 115 que dice su ficha técnica.

El otro modelo que tiene una versión a la que le corre electricidad por sus venas es el e-Up!, la que pudimos manejar el año pasado en Fráncfort (Alemania). A diferencia de su par a nafta, el ruido (tanto del motor como del rodamiento) es totalmente nulo. Se puede elegir hasta tres modos de conducción (Normal, Eco, Eco+), y hasta cuatro formas diferentes de usar la caja automática, con el fin de recuperar energía. La batería de iones del Up! tiene forma plana, y se ubica bajo la plataforma del piso, de modo que no le quita lugar al baúl, pero le suma 200 kilos con respecto a su par a nafta. Sin embargo, su motor eléctrico de 82 CV, ofrece un empuje tan instantáneo y progresivo, que se mueve con más agilidad, incluso, que un Up! naftero de 76 CV. www.volkswagen.com.ar BMW-i3: NACIDO PARA SER ELÉCTRICO De los actuales autos eléctricos que se comercializan en los países más avanzados, el i3 es uno de los mejores. Vale aclarar que BMW creó una marca propia para sus modelos eléctricos, de la cual el i3 es el primero de ellos. Esto lo posiciona un escalafón por sobre sus pares “electrificados”, ya que, por ejemplo, dispone de una carrocería de fibra de carbono (pesa un 30% menos que si fuese de aluminio), lo que favorece la relación peso/potencia de este modelo.

Debajo de esta estructura, se ocultan un motor Síncrono eléctrico de 34 CV, pero -a su vez- guarda un as bajo manga: otro motor de moto bajo el baúl, capaz de producir energía eléctrica, “quemando” nafta. De este modo, el i3 puede alcanzar una importante potencia de 170 CV, con un par máximo de 250Nm, siendo el auto eléctrico que mejor acelera. Tuvimos la oportunidad de ser copilotos del i3

durante su exhibición en el salón del automóvil alemán, y experimentar la gran reacción de este pequeño, cuyo único ruido proviene del rodamiento de sus delgados neumáticos. www.bmw.com SMART ELECTRIC DRIVE: INTRÉPIDO Y ACCESIBLE Está catalogado por los europeos como una de las mejores opciones para moverse, junto al Renault Twizy. O mejor dicho, para escabullirse por las congestionadas ciudades, en caso de que no se necesite más de dos plazas, ni trasladar demasiado equipaje. Es, además, uno de los más accesibles (23 mil euros), y también está disponible en su versión cabrio. Para recargarlo por completo, el smart Fortwo eléctrico necesita unas 7 horas, a través de un toma de corriente convencional.

También se puede utilizar un cargador de 22 kW que debe comprarse y, en ese caso, la batería se puede recargar en una hora. La ficha técnica promete unos 145 km de libre recorrido con una recarga completa, pero esa cifra suele variar por factores como el clima (las temperaturas bajas descargan las baterías), hasta el modo de conducción. www.smart-electric-drive.com NISSAN: GRAN AUTONOMÍA Con 115 mil unidades vendidas en el mundo, el Nissan Leaf es uno de los eléctricos más populares (fue elegido auto del año en Europa, en 2011). Se encuentra impulsado por un motor Sincrónico con baterías de ion de litio, que le dan una potencia de 109 CV. Uno de los principales pilares de este ya popular eléctrico, es su gran autonomía, cerca de 200 km. El otro punto fuerte, es que Nissan decidió venderlo con la posibilidad de que sus baterías se alquilen en vez de comprar, lo que influye notablemente en su precio. Por ejemplo, su precio con batería es de 24 mil euros, mientras que sin ellas, se reduce a 18 mil, y el costo mensual del alquiler ronda los 80 euros.

Pero la gran novedad de la marca pasa ahora por otro modelo. Se llama e-NV200, y es el resultado de la combinación entre dos vehí-

+ Renault Kangoo Z.E.

+ Volkswagen e-Golf

+ Renault Twizy

+ Volkswagen e-Up!

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+ culos: el Nissan Leaf + Nissan NV200. Se ofrecerá en dos versiones (furgón, o para cinco pasajeros) y dispone de una autonomía que, en el mejor de los casos, puede llegar a los 170 km, con una velocidad máxima de 120 km/h. www.nissan.com.ar LA CIUDAD ELÉCTRICA Francia se encuentra entre los principales países europeos que están bien “conectados” al tema de los autos por impulsión eléctrica.

Pero a partir del mes de octubre, lo estará mucho más, puntualmente, a través de su ciudad Grenoble, la cual ha firmado una alianza con el grupo EDF, Toyota y Citélib. La misma consiste en que ofrecerán 70 vehículos ultra compactos, y alrededor de 30 estaciones de carga desarrolladas y gestionadas por Sodetrel, filial de EDF, durante un período de tres años.

El objetivo es permitir a ciudadanos tomar uno de los pequeños autos eléctricos en un punto, y dejarlo en otro. El proyecto también pretende fomentar la interconexión entre los distintos modos de transporte público (trenes y colectivos), y una nueva clase de movilidad personal, basada en vehículos compactos que no ocupan tanto espacio como un vehículo tradicional. A través de una aplicación, se podrán visualizar los vehículos disponibles en su parada habitual y, en apenas un click, hacer una reserva y pagar. Además, podrá ver el estado del tráfico y el transporte público, para planificar el mejor itinerario para ese día. Entre los 70 autos, estarán el Toyota COMS (una plaza, 4 ruedas y un pequeño maletero detrás), y el Toyota i-ROAD (2 plazas, 3 ruedas, con tecnología de inclinación activa “Active Lean”).

LO QUE HAY QUE SABER DE LOS ELÉCTRICOS Costos. En la actualidad, son más caros que sus pares con motores a combustión, principalmente, por los costos de las baterías. Los precios en Europa oscilan los 20 mil euros. De todos modos, en aquellos países existen promociones por parte de los gobiernos (tanto en el precio

final, como en los planes de cuotas para pagarlos, y hasta la bonificación durante los primeros dos años en lo que a la recarga se refiere).

Autonomía. Aunque ya hay marcas que anuncian una autonomía de 200 km en sus modelos, en la práctica, todavía es difícil que alguno supere los 150 km. Esto es lo que aún no convence mucho a los europeos, ya que la autonomía dependerá también del estado del tiempo y de la velocidad de manejo (las baterías se desgastan rapidísimo superando los 110 km/h).

Mantenimiento. Los eléctricos tienen menos costos que un auto convencional, ya que no hay cambios de aceite o filtros, y porque los frenos se desgastan menos. La transmisión es sencilla, no dispone de embrague, el motor tiene menos partes móviles. De igual manera, se los debe someter a chequeos temporales. ¿Dónde se los recarga? En Europa, en la red doméstica y diferentes puntos de recarga que hay en la ciudad. Algunas marcas ofrecen postes de recarga para comprarlos (entre 700 y 1000 euros), e instalarlos en el domicilio que, a diferencia de un enchufe convencional, realiza la carga en menos horas. ¿Y si se queda sin batería? Aquí yace uno de los grandes problemas de este tipo de autos. Si se queda sin batería, la única opción es llamar a la grúa para que los auxilie. Algunas marcas ofrecen asistencia para estos casos, basada en equipos portátiles, o trasladando el auto hacia donde se pueda enchufar. ¿Va a convenir comprarlo? Su precio es bastante más elevado que los autos convencionales, y para poder amortizar su compra, se deberían recorrer muchísimos kilómetros, cosa que es difícil por su limitada autonomía. BMW estima ahorros de mil euros anuales en nafta respecto a un diésel, cuyo consumo medio suele ser de 6 litros cada 100 km, recorriendo unos 15 mil km anuales. +

+ Nissan Leaf 2014

+ smart Fortwo eléctrico

+ Nissan e-NV200

Link a la nota: http://9010.co/autoselectricos

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+ La firma Proteus cuenta con la aprobación de Administración de Alimentos y Drogas de EE.UU. (FDA), para el desarrollo de píldoras inteligentes que monitorean los signos vitales del paciente desde el interior de su cuerpo.

Telemedicina

La tecnología al servicio de la salud Aunque casi todos los médicos la desalientan, la búsqueda desenfrenada en Internet de la explicación de síntomas y autodiagnóstico (en general errado), es una tentación muchas veces difícil de resistir. Sin embargo, esta no es la única herramienta que la tecnología pone a nuestro alcance en lo que a salud se refiere. Cada vez son más las que llegan a nosotros a través de lo que hoy se llama eSalud o telemedicina que es, justamente, la llegada de la informática a la medicina, pero vista -sobre todo- desde el lado del paciente. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

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ideas creativas 079 tecnología

+ El Sounhawk es un audífono para personas con problemas de audición, pero que ajusta su volumen en forma dinámica, y ofrece perfiles (controlados por smartphone), para diferentes situaciones: ir manejando, en un recital, etc.

+ Misfit Shine es un dispositivo para medir actividad física: se usa como pulsera, en un cinturón, tobillo, o como un collar. Y registra pasos, ciclos de sueño, andar en bicicleta, y más. Sincroniza toda la información que registra con un smartphone.

+ Rebook Checklight es un gorro para quienes hacen deportes de contacto: registra golpes en la cabeza, su posición, la fuerza del choque, etc.

No hablamos de robots que permiten operaciones a distancia o de Watson (la supercomputadora de IBM que recuerda todos los síntomas de todas las enfermedades conocidas, y arriesga diagnósticos para ayudar en su labor a los médicos, pero que también analiza las investigaciones que se van conociendo a través de las publicaciones especializadas para sumar conocimientos). Eso está bien. Pero hay otro cambio, más visible para las personas, que tiene que ver con píldoras inteligentes, aplicaciones para diabéticos, y un cambio en la relación entre el paciente y el médico.

menor costo, transformando en cotidiano y pedestre algo que, hasta hace no tanto, parecía más a gusto en una película de ciencia ficción.

Por ejemplo, píldoras inteligentes con sensores diminutos (1 mm), y que tienen los medicamentos en su interior; van liberando las drogas y, al mismo tiempo, avisando al exterior (mediante un parche que tiene el paciente en su piel) la hora en que se administró una dosis, signos vitales, etc. Ese parche, a su vez, le transmite los datos a un smartphone por Bluetooth. Otro ejemplo: una empresa española, ImasD, presentó una pulsera que le permite a un diabético controlar el nivel de azúcar en sangre sin pinchazos: analiza el sudor del paciente, al tiempo que le realiza un electrocardiograma y mide el oxígeno en sangre; sólo requiere el cambio semanal de un material que se usa para analizar el sudor.

Cuatro de cada cinco usuarios de smartphones en todo el mundo están interesados en aplicaciones y dispositivos que les permitan una interacción más fluida con médicos y hospitales, y les sirvan de ayuda memoria para tomar remedios, según un estudio reciente de la consultora FICO. Y en el próximo lustro, el sistema de salud de Estados Unidos invertirá un 142% más en este tipo de dispositivos, de los que se vendieron 40 millones en 2013, pero que llegarán a 70 millones en 2018.

Es un sector que crecerá en un futuro próximo, cortesía de la ubicuidad del smartphone y de sensores cada vez más sofisticados y de

Pero hay más: muchas empresas están apostando a darle una vuelta de tuerca a lo que ya existe, o sentar las bases para el futuro, siguiendo el camino que definieron las pulseras inteligentes tipo Fitbit, que comenzaron usando un acelerómetro para medir los pasos (e incluir un podómetro), y luego sumaron sensores de ritmo cardíaco, entre otras cosas. Así, en los últimos meses, Apple presentó HealthKit, Google su plataforma Kit, y Samsung su Simband.

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+ Un monitor en el enterito del bebé mide sus signos vitales, y alerta ante un cambio brusco. El Mimo Baby Rest Device está pensado para combatir la muerte súbita en infantes.

Las dos primeras son estándares de software, una herramienta para tomar toda esa información que suministran cada vez más sensores (en pulseras, relojes inteligentes, ropa con sensores, parches, etc.), ordenarla, facilitar su análisis cronológico, y el compartirlo con el médico (Apple ya tiene el apoyo de una veintena de hospitales y centros médicos del hemisferio norte).

Samsung fue por el lado del hardware: Simband es un sistema modular para desarrolladores, un procesador con sensores, Wi-Fi y todo lo necesario para crear un dispositivo de monitoreo de los signos vitales del usuario.

Intel y Qualcomm, dos de los mayores fabricantes de procesadores del mundo, también tienen desarrollos que ofrecen una plataforma para la creación de dispositivos miniatura, para expandir la llegada de la informática en la medicina. Samsung, como Sony, LG, Acer, Huawei y muchos otros, tiene pulseras y relojes inteligentes que integran algunas de estas funciones: análisis de movimiento, de patrones de sueño, de ritmo cardíaco, de calorías quemadas. Pero otros sensores podrían medir el azúcar en sangre, el colesterol y más.

Philips (una compañía con presencia fuerte en equipamiento médico) puso en marcha una plataforma online, que permite la interoperabilidad de los dispositivos médicos y sus datos. Porque uno de los problemas iniciales que surgen en la nueva medicina informática, es que cada dispositivo es un mundo aislado, que comparte información en su propio lenguaje -o a una aplicación específica-, antes que en una forma estandarizada que permita el acceso de terceros.

“A un anciano, una de estas pulseras le permite cierta independencia, por ejemplo, hay modelos que tienen GPS para monitorear siempre dónde están, que detectan si sufrieron una caída, una arritmia, etc. Estuvimos probando cosas más sencillas, como enviar un SMS a los pa-

cientes para recordarles que deben tomar una medicación, y resultó muy efectivo”, dice la Dra. Laura Maffei, investigadora y médica del CEMIC. Son ejemplos de un área que, aunque avanza, todavía está en su infancia: faltan más estándares, y recién ahora aparecen las herramientas que sirven de punto de recolección de las cada vez más avanzadas formas de cuantificar nuestra salud, pero haciéndolo de la forma menos invasiva posible, e incluso, agregando un toque de diversión: varias de las pulseras de monitoreo de actividad física apelan a la “gamificación”, es decir, a transformar la medición de pasos en un juego, como una forma de hacerla más atractivo para el usuario.

“Pero todavía queda un desafío, y es que cambió la manera histórica en que el médico y el paciente se relacionan -dice la Dra. Maffei-.

Hoy, los pacientes -sobre todo, los más jóvenes-, esperan otro tipo de respuesta ante una consulta, más rápida, o evitando ir al consultorio si unos análisis dieron bien. Hay cosas que se resuelven por mail que no quedan en la historia clínica, y eso puede ser un problema legal.

Es una adaptación que tenemos que hacer todos”. +

+ La compañía MC10 creó el Biostam, un chip flexible que se adhiere a la piel, y permite el uso de sensores que no resultan molestos para el paciente.

Link a la nota: http://9010.co/notatelemedicina

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+ Proyecto Cardboard

Google I/O 2014 Android como estrella

Uno de los eventos más grandes y esperados del mundo de la tecnología se desarrolló los días 25 y 26 de junio en la ecléctica San Francisco, CA. El Moscone Center fue, una vez más, el marco para Google I/O, el evento anual en donde Google presenta al mundo sus productos y herramientas, para seguir trabajando en su objetivo: organizar la información del mundo, y hacerla universalmente accesible y útil. | Texto: Pablo Pérez de Ángelis (*) @arkatPDA

El primer día del evento arrancó, como todos los años, muy temprano, con una marea de gente: miles de desarrolladores, en una fila de más de cinco cuadras, envolvieron el Moscone Center. Este centro de convenciones es el más grande en San Francisco, y el lugar en donde las grandes empresas de la industria del software celebran los eventos más relevantes.

La mayoría de los asistentes realizó un largo viaje para asistir al Google I/O. Llegaron desde los más diversos países y de todos los continentes, forman un crisol de nacionalidades, culturas y realidades económicas. A pesar de esa “distancia cultural” que los diferencia, existe algo muy fuerte que los aúna y los hace sentirse parte una misma cosa, cercanos: aman la innovación y la tecnología, y buscan ese camino, utilizando las herramientas y plataformas que Google les provee.

Con la adrenalina flotando en el aire, el ingreso al Moscone Center es muy ordenado. Siempre custodiado por los organizadores del evento hasta la entrada misma del salón principal, en donde minutos después se realizará la presentación más esperada del evento: el “keynote”. En el mismo instante que abren las puertas, esa tensa tranquilidad se transforma en una “estampida Geek”

con -literalmente- 6 mil asistentes (incluyendo los periodistas de los más renombrados medios) corriendo desaforadamente para conseguir el mejor asiento, bien cerca, para ver el acto principal de uno de los eventos más codiciados del mundo de la tecnología.

La séptima edición del Google I/O arranca con las palabras del vicepresidente de la empresa, Sundar Pichai, dando una actualización del estado de Android en el mundo, comentando que Android ha llegado a los mil millones de dispositivos activos, y se estima que se toman más de 93 millones de selfies autofotos por día, usando un Android. Pichai busca resaltar algo que sabemos: Android es la más importante de las plataformas móviles, domina el mercado de smartphones, y la aceptación de parte de los usuarios es enorme.

ANDROID EN TODOS LADOS Android fue la estrella del evento. Con el lanzamiento de sus versiones para autos y televisores, Google se plantea el desafío de tener corriendo Android en todos lados. El sistema operativo que ya tenemos -y amamos- en nuestros celulares y tabletas se expande y, de esta manera, busca hacer más fácil la interacción y la integración entre nuestras distintas pantallas.

(*) Pablo Pérez de Ángelis es licenciado en ciencias de la computación por la FaMAF/UNC y gerente y fundador de Gogle Developer Group Córdoba.

ideas creativas

+ 083 online

+ Android Wear

Android hasta en el living. Es que Google sigue intentando entrar en él. Después de su fracaso con Nexus Q (se retiró del mercado luego de la preventa, y de entregarlo a los asistentes del Google I/O 2012), y de su poco exitoso intento con Google TV, Google presenta Android TV, su nueva apuesta por entrar en el mercado de los smart TV. Con su plataforma estrella como bandera y cientos de aplicaciones, Android TV entra en una competencia que ya cuenta con productos de grandes empresas, como Apple TV y Amazon Fire TV. Android TV promete transformar nuestro televisor en un centro de entretenimiento, permitiéndonos usar un mundo de aplicaciones listas para Android y videojuegos utilizando su gamePad (control para videojuegos), y hasta juegos multiplayer que utilizan la pantalla de nuestro celular, o tablet, como segunda pantalla para jugar.

Dentro de las características que posiblemente logren diferenciar Android TV de sus competidores, se encuentran la búsqueda utilizando la voz, y la conexión con Google Knowledge Graph (que nos permite obtener respuestas a preguntas como; “Quién es el CEO de Google?”, hasta “Quién interpreta a Katniss en The Hunger games ?”). Por último, pero muy importante para el futuro de esta plataforma, Google encontró socios para este lanzamiento y, tanto Sony como Sharp y TP Vision, estarán lanzando equipos con Android TV el próximo año.

Por su parte, Android L es la nueva versión de Android, que se destaca por el gran rediseño en su interfaz del usuario, construida alrededor de un lenguaje de diseño responsivo y multiplataforma, llamado “Material Design”. El diseñador Matías Duarte explicó que, “A diferencia del papel real, nuestro material digital se puede expandir y reformar de una manera inteligente. Material tiene superficies físicas y bordes. Costuras y sombras le dan un significado a lo que tocamos”. Así, Google parece estar poniendo especial foco en el diseño (una gran noticia), lo que permitirá dar “profundidad” a las interfaces gráficas.

Un gran cambio es el desplazamiento de Dalvik como el motor en donde corren las aplicaciones en Android, y su reemplazo por Android Runtime como el motor usado por defecto. La navegación

entre las aplicaciones que están corriendo, se muestra como una “pila de tarjetas” que se puede navegar verticalmente y mostrará, de la misma manera, aplicaciones Web y aplicaciones nativas, intentando borrar el límite que existe entre ellas. El sistema de notificaciones sufrió un rediseño para adaptarse a Material y, a su vez, permite acceder a ellas, aún desde la pantalla bloqueada.

Android L es una preview para desarrolladores, y está disponible para los dispositivos Nexus 5 y Nexus 6.

Por último, cabe destacar una serie de novedades técnicas, como la implementación del Project Volta (que promete hacer que nuestras baterías duren más), más de 5 mil nuevas API disponibles para los programadores, y el soporte para arquitectura de 64 bits Android L que, por ahora, sólo es un “anticipo para los desarrolladores”, y se espera su lanzamiento oficial dentro de los próximos meses. Los dueños de teléfonos y tablets Nexus (producidos bajo la marca Google) la comenzaron a recibir en sus dispositivos durante el transcurso del Google I/O. Esta nueva versión de Android incorpora el soporte de Android en todos nuestros “devices”: reloj, TV, tablet, celular, etc.

WEARABLE: TECNOLOGÍA PARA VESTIR Uno de los temas en los que más se hizo foco en el keynote, fue el lanzamiento de Android Wear. Esta versión del sistema operativo Android está especialmente diseñada para funcionar en la siguiente generación de dispositivos móviles, los dispositivos “vestibles” o wearables. David Singleton, director de ingeniería de Android, fue el encargado de presentar oficialmente la plataforma y los primeros tres modelos de smartwatch que salen al mercado, de la mano de algunos de los partners que tiene Google en Android wear.

Después de meses de verlos analizados y comentados, a partir del 25 de junio, se pueden comprar dos de estos modelos: el de LG y el de Samsung (parece una versión Android de la línea Galaxy Gear, en lugar del sistema operativo propio de Samsung: Tizen).

El modelo que más atención y expectativa genera, es el Moto 360, con una pantalla grande y redonda, marco de acero, y un look muy parecido a un reloj tradicional. Para poder comprar este modelo de Motorola, habrá que esperar un par de meses más.

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+ Chanel Haute Couture Fall Winter 2014-15. Press kit by Karl Lagerfeld.

GOOGLE FIT Una clara respuesta a la iniciativa de Apple HealtKit, que fue anunciada a comienzos de junio. Esta plataforma permite que los usuarios tomen control de la información que generan mientras hacen ejercicio. Cuenta con un conjunto de APIs que ayudan para que los desarrolladores utilicen la información de los distintos dispositivos wearables, como si fuera una única fuente centralizada de información. Claro está, siempre que el usuario lo permita.

Google consiguió sumar partners importantes a esta iniciativa como Nike, que está permitiendo que su sistema Fuel pueda ser usado por otras aplicaciones.

Realidad Aumentada. Utilizando una estructura muy barata, construida con cartón, abrojos, imanes, lentes, bandita elástica y un “tag NFC” (informa al celular que se encuentra dentro de un Cardboard), y utilizando la aplicación del proyecto, podemos obtener una experiencia de Realidad Aumentada de alta calidad. Una de las partes esenciales es la aplicación oficial de Cardboard. Con ella, podemos utilizar Google Earth para recorrer el mundo virtualmente o YouTube, para ver en una pantalla gigante virtual nuestros videos.

Los planos para construir tu propio cartón en casa y una primera versión del Toolkit para programarlo, ya están disponibles en la Web del proyecto Cardboard: https://developers.google.com/cardboard/

GLASS: EL GRAN AUSENTE No fue nombrado en el keynote, ni tampoco se vio a ningún miembro del equipo de Google usándolos, aunque sí se pudieron ver algunas aplicaciones nuevas en los stands ubicados en los pasillos y, el día anterior al comienzo del evento, se supo que los modelos que se vendan a partir de la fecha del I/O, vendrán con 1GB extra de RAM.

ADVANCED TECHNOLOGIES AND PRODUCTS LAB (ATAP) La presentación de este equipo arrancó con Regina Dugan (ex DARPA) en el medio del escenario, anunciando: “Vamos a pegarle un vistazo a un pequeño grupo de piratas, tratando de hacer cosas épicas” (Small band of pirates trying to do epic shit), y la audiencia estalló en aplausos y gritos.

CHROMECAST: MÚSICA Y VIDEO EN LA TV Es la otra apuesta de Google para los televisores. Presentado en julio de 2013, con un costo de U$S 35, nos permite reproducir video y música. En el evento, se presentó la característica por la cual un visitante a nuestra casa puede reproducir música en nuestra tele, sin tener que estar unido a nuestra red de Wi-Fi, y la capacidad de mostrar el contenido de la pantalla de nuestro celular en la pantalla del televisor con una increíble fluidez, gracias a una innovación en el protocolo de comunicación.

El grupo liderado por Dugan, era parte del equipo de innovación de Motorola Mobile. Cuando Google vendió Motorola, decidió quedarse con el, e integrarlo con la empresa. Esta charla fue la presentación de ATAP al mundo, y la reafirmación de que Google apuesta a innovación y desarrollo, para seguir manteniendo el liderazgo en la industria. No se trata del típico equipo de desarrollo de productos. Por el contrario, están orientados a construir tecnología y prototipos rápidamente, y todo el trabajo que se pueda tercerizar, lo derivan a las universidades y a la industria.

CARDBOARD El cierre del keynote llamó la atención de muchos, y provocó muchas bromas en las redes sociales. Al finalizar, el presentador dijo: “Sé que les gustan los regalos, así que tenemos un cardboard (tabla de cartón) para ustedes”, y en las pantallas se mostró el hashtag #cardboard. Lo que parecía un chiste inteligente, y muchos entendieron como una sutil referencia a la reciente compra de Oculus Rift por parte de Facebook, terminó siendo una de las novedades más interesantes del evento: el proyecto Cardboard.

TANGO: SPATIAL AWARENESS Cómo lograr que nuestros dispositivos puedan captar la fisonomía de nuestro entorno. Sin utilizar GPS, Bluetooth o Wi-Fi, un dispositivo Tango es capaz de calcular exactamente nuestra posición, dirección, y guardar nuestra trayectoria con una precisión muy superior a las actuales. Esto lo logra construyendo un modelo en tres dimensiones de los lugares que visitamos. Permitiendo, por ejemplo, construir un juego de Realidad Aumentada en nuestra propia casa, o guiar a una persona no vidente a través de obstáculos. Luego de 18 meses de vida, el proyecto ya cuenta con prototipos construidos por partners de Google, lo que implica una

Éste nos permite transformar nuestro celular en un dispositivo de

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+ Android Wear

validación para un proyecto que, como todo proyecto de ATAP, tiene una duración máxima de 24 meses, momento en el que se “gradúa” del laboratorio, y se espera que haya recorrido todo el camino (desde ser una idea a un prototipo), y luego ser una tecnología disponible en el mercado.

de la empresa de su creador, “Vic” Gundotra. Su ausencia en el keynote se sintió fuertemente y, quizás, también sea esto lo que generó un cambio en el foco que toma el evento, que parece estar más centrado en las tecnologías presentadas a los desarrolladores, que en las nuevas características y productos de la empresa.

ARA: ARMATE TU PROPIO SMARTPHONE Este proyecto tiene como objetivo construir un smartphone (teléfono inteligente), que permite al usuario final elegir, comprar y cambiar los distintos componentes (cámara, memoria, batería, sensores, etc.), para armar un teléfono ajustado a sus gustos y necesidades particulares, y del momento. Durante la charla, se mostró cómo arrancaba por primera vez un teléfono con esta tecnología aunque, lamentablemente -y para risas de los asistentes-, se “colgó” al poco tiempo de haber arrancado, mostrando -como aclaró Regina-, que es un proyecto ambicioso, pero que todavía se encuentra en una etapa temprana.

La respuesta de los developers al keynote no fue muy efusiva: la ausencia de Larry Page y Sergey Brin en el escenario, y la sensación de la falta de un “wow moment” fue el feedback de muchos de los developers más experimentados que asistieron a la primera jornada del I/O. Otros resaltaron varias de las novedades técnicas, y quedaron conformes con la presentación. El keynote careció de un mensaje claro, y no hubo un “momento Google” mostrando una tecnología disruptiva: los smartwatch son algo conocido. La ausencia de los fundadores no es un buen mensaje para la comunidad de developers, que recorre grandes distancias para poder asistir.

MUJERES, ¡A PROGRAMAR! En esta edición, se hizo sentir aún más lo que ya es una política pública en Google: sumar mujeres a trabajar en la industria del software. Sundar Pichai comentó que, en esta edición del Google I/O, el porcentaje de mujeres que asistió subió a un 20% del 8% que acudió el año pasado. De esta forma, con mayor presencia de mujeres en el escenario durante el keynote -Avni Shah, directora de manejo de producto para el equipo de Chrome fue una de ellasy en muchas de las sesiones, Google intenta enviar un mensaje a las mujeres para que se sumen al mundo de la tecnología.

El evento contó con la novedad de decenas de charlas técnicas con los responsables de los diferentes productos interactuando y enseñando en pequeños livings, y un espacio para hackear en vivo durante el evento. Esta fue quizás una de las modificaciones al evento que generó la mejor reacción de parte de los desarrolladores. El equipo organizador del I/O pareció escuchar las necesidades que los desarrolladores expresaron en los últimas ediciones, y generó un evento aún más interesante para ellos. Siguiendo con el mismo espíritu, “sólo” se regalaron dos smartwatch a los asistentes -que en valor, no cubren los U$D 900 de costo que tiene la entrada-.

Otra señal que parece decirnos que Google pretende que asistan los developers que realmente están interesados en desarrollar con sus tecnologías, y no los amantes de los gadgets.

AFTER PARTY La ya tradicional “After Party” del Google I/O no contó con súper estrellas como en años anteriores (DJ Steve Aoki, Billy Idol, Paul Oakenfold), ni robots preparando tragos o máquinas gigantes que aplastan barriles. En esta edición, Google propuso un espacio abierto, el Yerba Buena Garden, donde presentó diferentes muestras de la escena musical local, con grupos de rock tocando en vivo y DJs pasando electrónica a través de auriculares inalámbricos.

CONCLUSIONES DE UN DEVELOPER Se trató de la primera edición del Google I/O desde el alejamiento

Link a la nota: http://9010.co/notagoogleio

Con todo, Google I/O 2014 fue un gran evento lleno de novedades técnicas realmente interesantes, con mucha interacción por parte de los distintos equipos de Google con los desarrolladores. Quizá, lo más interesante se vio en las sesiones en donde se mostraron el tipo de proyectos disruptivos a los que Google nos tiene acostumbrados en sus eventos, pero en un estadío demasiado temprano, como para ser parte del keynote. + www.google.com/events/io

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+ Joyería de Toia Poggi

Feria PuroDiseño 2014 Apuntes de diseño

Re-Evolución del diseño. Bajo esa consigna, se realizó la última edición de la feria del diseño argentino. Cinco productos y/o proyectos destacados, como disparadores de un panorama nacional prometedor. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

JOYERÍA TOIA POGGI Victoria María Poggi diseña joyería con un material inesperado: pelo de caballo. La experimentación, y posterior desarrollo, surgió a partir de un trabajo en la materia de diseño de accesorios de la cátedra Kweitel-Kohon de la FADU/UBA. La consigna académica se denominó “autorretrato”, a partir del cual surgieron algunas de las piezas de crin. La búsqueda estuvo orientada a obtener un resultado de identificación, que se correspondiera con experiencias del propio diseñador.

Victoria volvió sobre su vínculo con los caballos, eligiendo su pelo como disparador para los artículos de joyería. Sin necesidad de otro agregado, desarrolla las piezas que obtienen su forma a través del tejido en el cual, en ciertas partes, se resignifican técnicas ancestrales de la cestería. http://toiapoggi.blogspot.com.ar/

LÁMPARA EVA RETRO POR RENZO STRADA Renzo Strada realizó un velador de mesa, inspirado en las décadas del 50 y 60. Con aires nostálgicos, el diseñador tucumano construyó la luminaria Eva Retro, a través de formas geométricas puras, superpuestas.

La base se encuentra conformada por un taco en madera multilaminada de guatambú, la cual fue intervenida y grabada con diversos motivos decorativos que se desarrollan libremente, acompañando las formas principales. A partir de allí se extiende, de forma vertical, una pantalla cónica, acompañada por una serie de alforzas en voile, textura y género característico de la época citada. Su cúpula -una media esfera de acrílico termomoldeado en color ámbar- aporta transparencia y cierra la forma.

ideas creativas

+ 087 diseño

+ Collar Eslabón de Perfectos Dragones

+ Lámpara Eva Retro de Renzo Strada

+ Bolso Patch de Huella Sur

El resultado es un diseño que surge de la investigación de tiempos transcurridos, a los cuales se remite no sólo en las formas, sino también en los materiales utilizados. www.facebook.com/renzostradaestudio

a Perfectos Dragones, fueron los cinco diseñadores consagrados invitados a desarrollar piezas de diseño afines a sus categorías. www.perfectosdragones.com

COLLAR ESLABÓN POR PERFECTOS DRAGONES Perfectos Dragones encuentra permanente inspiración en la exploración de materiales y su potencial de transformación. Este recorrido encontró coherencia en la impresión 3D. Es así que presentó Eslabón, un collar de elementos entrelazados, que se unen desde la misma impresión, a diferencia de la realización tradicional, cuando necesitan ser abiertos para encadenarse. Esta variación, que surge de la misma tecnología, es un diferencial que fue utilizado por las diseñadoras Leticia Churba, Débora Hirsch y Mara Zuckermann.

El collar fue exhibido como diseño exclusivo en PuroDiseño, como parte del concepto “Re-Evolución del diseño 3D”. La feria fue sede de la primera muestra de objetos de diseño de gran escala, realizados con impresoras 3D, la nueva tendencia en impresión.

En un espacio destacado, se expuso el trabajo de diseñadores invitados a promover la innovación en la industria del diseño, a través de la incorporación de nuevas tecnologías, procesos y materiales.

Grupo Bondi, Laboratori, Paula Ledesma y Viviana Uchitel, junto

HUELLA SUR Silvia Ferri creó la marca en la que las formas geométricas son protagonistas, y dan vida a bolsos y carteras con identidad propia.

Huella Sur nace de las ganas de fusionar el diseño industrial con el diseño de accesorios. En el contexto de PuroDiseño, la práctica propuesta en marroquinería presentó su bolso Patch. Así, esta marca argentina que diseña, produce y comercializa bolsos de cuero y elementos afines, continúa elaborando productos atemporales.

Patch es un bolso realizado en cuero descartable, con detalles en cuero flor. Posee una manija, tanto de mano como de hombro. En su interior, se destacan bolsillos también realizados en cuero. Un diseño atemporal, con esencia rústica.

Huella Sur es un proyecto que se encuentra incubado en el Centro Metropolitano de Diseño (Algarrobo 1041, CABA), donde posee su showroom. Además, ha sido distinguido con el Sello de Buen Diseño argentino, que otorga el Ministerio de Industria de la Nación. www.huellasur.com.ar

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+ Cuna Colecho de Cozlip

CUNAS COZLIP Suzel (abogada) y Sol (licenciada en administración) son socias en Cozlip. Un emprendimiento que surge en paralelo a la maternidad de ambas amigas. Las cunas Colecho nacen desde la misma experiencia: al no encontrar el mobiliario preciso, decidieron diseñar juntas su propio producto, tal cual lo necesitaban. Un mobiliario pensado para luego re-transformarse en sillón, una vez que ya no sea útil como cuna. Se trabajan con placas de MDF en el caso de las cunas completamente laqueadas, y con placas de T-Plak (material recuperado) para la versión Ecozlip. Luego de ponerse en contacto con los responsables de RSE de la empresa Tetra Pack, comenzaron a adquirir placas de T-Plak en una cooperativa de la localidad de Pilar. El material permite un trabajo similar a las placas de MDF. Una versión sustentable para el desarrollo de mobiliario para niños. www.cozlip.com RE-EVOLUCIÓN DEL DISEÑO La feria PuroDiseño ha evolucionado en sus catorce ediciones consecutivas junto al diseño argentino, al de cada provincia, y al de la región. Este año, incorporó la evolución de los diseñadores participantes, lo que generó una suma de evoluciones: la re-evolución del diseño.

PuroDiseño es una importante vidriera del diseño a nivel regional, que reúne a más de 400 expositores, en un espacio diseñado exclusivamente para presentar de manera vanguardista lo más evolucionado del diseño regional. Del 20 al 25 de mayo, en el predio La

Rural, se reunieron expositores en las categorías de indumentaria, accesorios, joyería y artesanía contemporánea, objetos deco y mobiliario, iluminación, diseño gráfico, desarrollo textil, gourmet, kids, interiorismo, fotografía, ilustración y bienestar.

Además, dieron el presente las provincias de Salta, Tucumán, Santiago del Estero, Corrientes, La Pampa, Chubut, Santa Fe, Mendoza y Jujuy. El comité curador recorrió cada una de las provincias seleccionando lo más evolucionado del diseño de cada región, curando a más de 700 diseñadores, asesorando y eligiendo los productos.

Por su parte, el Observatorio de Tendencias (INTI) estuvo a cargo de “La Selección”, una propuesta que reunió a once firmas innovadoras de diseño. El equipo estaba integrado por seis iniciativas consagradas –convocadas en ediciones pasadas-, junto a otras cinco promesas del diseño –nuevas firmas-, que se proyectan como destacados jugadores en el mercado nacional e internacional. Las once empresas seleccionadas pertenecen a diferentes rubros, y se destacan por la innovación de sus desarrollos y originalidad de sus lenguajes creativos. Conformaron “La Selección 2014” los consagrados Marina Callis (2008), Fernanda Cohen (2009), Belén Amigo (2010), Quier (2011), Hermanas Águila (2012) y Renzo Strada (2013); mientras que las promesas fueron: Belén Bosch, Pitimini, Toia Poggi, Federico Varone y Bauths.

Una edición que mantuvo su apuesta por el diseño, reforzando la propuesta federal, e innovando en las tecnologías de producción. + www.feriapurodiseno.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/purodiseno14

+ Guillermo Srodek-Hart, Forrajería

portfolio fotográfico

Guillermo Srodek-Hart | Curador: Aldo Bressi @aldobressi Explorando los pueblos rurales de la Argentina, Guillermo Srodek-Hart utiliza su cámara de formato grande, para capturar los interiores de viejos establecimientos comerciales y talleres de oficio. Con un estilo artístico de naturaleza muerta, logra transformar dichos interiores en lugares sacros.

Es probable que el registro de Srodek-Hart sea, en muchos casos, lo último que quede de la inminente desaparición de los pequeños pueblos rurales, y de sus ancianos habitantes con sus oficios. + www.srodekhart.com

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+ Guillermo Srodek-Hart, Grierson

+ Guillermo Srodek-Hart, BicicleterĂ­a Leili

+ Guillermo Srodek-Hart, almacĂŠn Tala

+ Guillermo Srodek-Hart, La Estrella

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+ Louis Kahn trabajando en el diseño de la casa Fisher, 1961. Foto: Louis I. Kahn Collection, University of Pennsylvania and the Pennsylvania Historical and Museum Commission.

Louis Kahn

La prueba del tiempo De belleza monumental y simbolismo universal, los edificios de Louis Kahn son considerados obras maestras del siglo XX. Una muestra en el Design Museum de Londres le rinde homenaje a este viajante incansable que estudió las edificaciones antiguas, y retomó sus arquetipos con una mirada puesta en el futuro. Considerado un filósofo entre los arquitectos, Kahn buscó el ideal de un eterno presente, y lo encontró. | Texto: Natalia Iscaro @natusfila

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clásicos contemporáneos 095 arquitectura

+ Salk Institute en La Jolla, California, 1959–65. Archivos de arquitectura de la Universidad de Pensilvania. Foto: John Nicolais.

Un tupido cabello blanco, fino, suavemente ondulado. Unos anteojos de marco negro y grueso. Un rostro de piel casi transparente, con cicatrices profundas del blanco de la leche. Un traje negro, camisa blanca y corbata negra con motas claras. El sujeto es de corta estatura (1,60 metros para se exactos) y camina a buen ritmo, por una calle cualquiera. La imagen es lenta: pertenece a una cinta antigua y se nota. El único sonido es la voz en off del hijo de este caminante: Nathaniel Kahn.

nalmente le llegó el reconocimiento, le quedaban diez años de vida.

Esta última etapa estuvo signada por clases y charlas por todo el mundo; donde lo requerían, él estaba. Este espíritu viajero y esquivo fue, quizá, lo que lo llevó a eliminar su dirección de su pasaporte.

Así fue cómo, cuando falleció (en un lavabo de la estación de tren de Pensilvania, de un ataque al corazón), tardaron tres días en descubrir que se trataba de uno de los arquitectos más destacados de su tiempo.

El joven rastreó el sentido de su existencia en la obra de su padre, Louis Isadore Kahn (1901-74), a lo largo de un documental que lleva el nombre “Mi arquitecto: el viaje de un hijo” (2003). Durante casi dos horas, este testimonio fílmico recorre la vida y obra de este célebre artista, y puede verse del 9 de julio y al 12 de octubre, en el Design Museum de Londres, como parte de la muestra “Louis Kahn, el poder de la arquitectura”. La exhibición también incluye maquetas, dibujos, fotografías y otras películas, así como un modelo de cuatro metros de altura del proyecto City Tower para Filadelfia (1952-57).

UNA VIDA TUMULTOSA Kahn dejó el mundo del mismo modo en que vivió en él, de manera turbulenta y enigmática. Nació en Kuressaare, una isla de Estonia, en el seno de una humilde familia judía. A los tres años, mientras se cocinaba cous en la estufa, cautivado por la luz, Louis corrió el recipiente, y las llamas lo alcanzaron y le quemaron la cara y las palmas de las manos. Su padre pensó que sería mejor que muriese, pero su madre argumentó que, gracias a ello, sería un mejor hombre.

Hay que decirlo: Louis Isadore Kahn no construyó muchos edificios durante su vida. Sin embargo, su obra cambió el curso de la arquitectura. El instituto Salk, el museo de arte Kimbell, la biblioteca Exeter y la capital de Bangladesh, son ejemplos de su respeto por los materiales, y de su búsqueda por la simetría y el orden. Muchas de las personas que lo conocieron, afirman que buscaba la perfección y que, en sus obras, la luz guarda una conexión con lo sagrado.

Un año más tarde, y ante la posibilidad de que el padre de Louis fuera reclutado para la guerra ruso-japonesa, la familia emigró a Filadelfia, Estados Unidos. Durante sus primeros dos años en el país, se mudaron 17 veces. El joven se crió en Filadelfia, donde descubrió el arte y la música. Sus dibujos ganaron premios, y recibió monedas por tocar el piano en los cines de películas mudas. No tenían dinero para lápices, así que dibujaba con palos quemados en el patio; una señora adinerada le regaló un piano, pero como entonces no había sitio para su cama, el joven dormía sobre el instrumento.

Louis Kahn tuvo, además, una vida plagada de frustraciones y rechazos, de escasez y pobreza, de pasiones y desamores. Cuando fi-

En el colegio, los chicos se burlaban de él, y lo llamaban “scarface”. En 1920, ganó una beca para la Universidad de Pensilvania,

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+ Yale University Art Gallery, New Haven, Conneticut, 1951-53. Archivos de arquitectura de la Universidad de Pensilvania. Foto: Lionel Freedman.

y se recibió de arquitecto cuatro años después. Durante su época de estudiante, trabajó en el estudio de William H. Hoffman y Paul Henon Jr. como diseñador, y en el de John Molitor, donde llegó a ser jefe de proyectos, como el del plan regulador de Filadelfia.

En 1930, se casó con Ester Israelí, con quien diez años después tendría una hija, Sue. Ya graduado, colaboró con otros arquitectos en obras residenciales, y en 1947, con la ayuda de su mujer, abrió su propio estudio en Filadelfia. Por esa misma época, llegaría la dirección de la ampliación de la Universidad de Yale, institución en la cual también dará clases.

La docencia es una actividad que, hasta el final de sus días, lo llevaría en viajes incesantes. Era la época del acero y del vidrio, y Kahn tenía casi cincuenta años, pero aún no había encontrado su estilo.

En 1951, fue invitado a la residencia de arquitectura de la Academia Americana en Roma. Viajó por el mundo antiguo, y lo que vio cambió el curso de su vida. Pintó y dibujó construcciones antiguas, atemporales y monumentales. Cuando regresó, finalmente, sabía qué debía hacer: construir edificios modernos, que tuvieran la presencia y las mística de aquellas ruinas.

En esa época, también, se involucró profundamente con una arquitecta joven que trabajaba en su estudio, Anne Tyng, con quien luego tendría a su hija Alex. “Encantador y carismático”, así lo define Anne en el documental de Nathaniel, y agrega que “él siempre decía que el trabajo es lo único con lo que se puede contar, pero nunca en

las relaciones humanas”. Anne partió a Roma a tener a su hija en secreto, en una época en que ser madre soltera era un escándalo.

Louis le escribiría muchas cartas durante su ausencia y, a su regreso, trabajarían juntos en la Casa Bath de Nueva Jersey, la primera obra que le permitió poner en práctica sus ideas antiguas.

Cuando Alex tenía tres años, la pareja se separó. Años después, en 1959, llegaría a su vida la paisajista Harriet Pattison, la madre de Nathaniel. Se conocieron de casualidad en una fiesta de Filadelfia, Louis tenía casi 60 y Harriet 32. Ella trajo la sensibilidad de la naturaleza a su obra. Su nueva amante trabajaba en el estudio, pero a puertas cerradas, por si aparecía la mujer de Louis, y nunca asistía a las inauguraciones de sus proyectos en común. Ella, sin embargo, se declara feliz por la libertad y el amor con el que trabajaban.

Louis tenía 65 años cuando el Instituto Salk para estudios biológicos, en California, se terminó. Entonces, afirmó que era el primer edificio con el que estaba realmente feliz.

Trabajador incansable, Kahn desafío a las ideas del modernismo y del postmodernismo. Su vida personal estuvo signada por su carrera profesional, y tan ligada a ella como desligada de sus propios ideales. En el documental de Nathaniel, los tres hermanos se reúnen en una vivienda diseñada por Louis. Asentados sobre una colina de Pensilvania, son dos volúmenes con base de piedra y, sobre ésta, madera clara. Las aberturas son generosas y, por dentro, las copas de los árboles son las cortinas que visten las ventanas. Sin embargo, Kahn nunca diseñó una casa para él mismo. Como afirma una de

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+ Biblioteca Phillips Exeter Academy, Exeter, New Hampshire, 1965-72.

Foto: Iwan Baan.

+ National Assembly Building in Dhaka, Bangladesh, 1962-83.

Foto: Raymond Meier.

sus hijas, “su vida privada, probablemente, estaba tan alejada de su visión, que no había forma de que pudiera hacerlo”.

años en terminarlo, y fue inaugurado en 1983, nueve años después de la muerte de Kahn. Por dentro, su belleza es tan embriagante como por fuera. Son volúmenes magnos con recortes en el material, que recuerdan a construcciones de la antigüedad. La fluidez y la alineación de los espacios es única. Es curioso: el proyecto más ambicioso de Kahn se realizó en uno de los países más pobres del mundo, sin la certeza de si algún día se terminaría.

UNA OBRA ETERNA Cuentan que Kahn tenía una alfombra en su estudio, y que la desenrollaba cuando estaba tan agotado, que ya no podía trabajar más, y para tirarse a descansar. Viajante imprevisible, su casa -probablemente- no fuera su hogar, pero sí su base: su esposa Ester fue la única constante en su vida, y lo acompañó desde sus 28 años, y hasta que falleció. El dinero nunca fue importante para él, era simplemente algo que estaba allí. Nunca negoció sus ideales por dinero; no poseía nada, y no creía en la posesión de nada. Cuando sus amigos acudían a su casa de visita, simplemente, se paraban frente al piano, y le pedían que tocara a Mozart o Bach.

Desde Ahmedabad, India –un destino al que Kahn fue muchas veces-, le escribió las últimas líneas a su hijo: “Tu padre no se siente como un héroe conquistador. Espero algún día poder enseñarte a ser mejor hombre del que yo fui”. Por entonces, proyectaba su modelo para la ciudad de Bangladesh. En India, trabajaba en el Instituto de Gerencia Hindú, invitado por un arquitecto llamado Doshi. Con él discutían sobre el arte y el silencio.

En Bangladesh, sobre un espejo de agua, los volúmenes del edificio parlamental y el complejo capital de Bangladesh se duplican. Se construyó a mano: cientos de trabajadores llevando cestos de concreto sobre sus cabezas, escalando andamios de bambú. Se tardó 23

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“Cuando quieres dejar una presencia, tienes que preguntarle a la naturaleza”, expresó el arquitecto en una de sus clases abiertas en Yale. “Es importante honrar al material que uses, que lo honres en lugar de querer cambiarlo”, agregó. Desafortunadamente, su excesivo misticismo, su negativa a alejarse de sus ideas, su pasión extrema, su incapacidad para hablar la lengua de los negocios… Todo ello lo llevó a tener menos edificios de los que podría haber tenido; pero, a la vez, todo ello lo hizo quien fue.

En la era mecánica del modernismo, Louis Kahn fue un arquitecto distinto, un artista. “Una obra de arte no es algo vivo, pero te hace sentir vivo. Una obra de arte es lo que nos enseña que la naturaleza puede reunir a los hombres”, recita su voz en una conferencia de hace más de sesenta años, aunque suene tan actual como entonces. “La arquitectura debe contener la medida del tiempo. Veinte o cincuenta años después de ser construida… sólo entonces podrás medirla. Es tan perfecta que, en el momento en que se realiza, su apariencia podrá diluirse, y probablemente lo haga, pero la espiritualidad permanecerá, y así entenderás la prueba del tiempo”. +

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DISEÑO ESOTÉRICO Una remera de algodón puede ser sólo un básico, o esa prenda fetiche en el ropero. La ilustradora Alejandra Sáenz y la fotógrafa Tatiana Motlak conforman Nébula, una marca de indumentaria unisex, dedicada a las colecciones de remeras.

Cada temporada, se crean T-shirts con diseños que surgen a mano de la tinta sobre el papel. En cada prenda, se recrea un universo místico, inspirado en el ocultismo y la magia, apostando a una marcada simbología. Se pueden solicitar online en http://nebula.tiendanube.com/. + www.facebook.com/nebulaclothing