Revista 90+10 #49

+49 + Sillón Lou Read de Phillipe Starck y Eugeni Quitllet para Driade www.driade.com

sumario +mundo creativo 010 green design, publicaciones, art toys, #ObjetodelDía, música, diseño, gastronomía, moda, gadgets, lugares, vehículos, discos, eventos, agenda

+personas creativas 034 038 052 042

diseño James Sommerville El diseño como manera de pensar Alfred Fellinger El don del equilibrio Nika Zupanc De la frivolidad a la elegancia

ilustración Tomi Ungerer El niño subversivo

048

arte Domestic Data Streamers Convertir datos en arte

+ideas creativas 056 061 063 064 066 067 068 070 076 078 082 086

diseño Milan Design Week La cita anual con el diseño De la Patagonia a Milán El banco Matero en la Feria del Mueble Temporary Museum for New Design El futuro ya llegó Leko en el SaloneSatellite Diseño que sorprende

moda La industria de la moda El calendario internacional New York, Londres, Milán, París Cómo funcionan las semanas de la moda LFW Es sólo moda Diseño original argentino Tela, estampa y forma Loco Serious Denim El jean siempre es moda

destinos Atlanta Shopping Destination

vehículos Mini SUVS Ahora los prefieren pequeños

gadgets Parlantes inalámbricos Liberá tu música

+portfolio fotográfico 089

Lena Szankay

+clásicos contemporáneos 094 098 + Del libro Otto de Tomi Ungerer (Diogenes Verlag, 1999) www.tomiungerer.com

diseño Hans J. Wegner Atrapar la luz

+conexión

+49 + Ambientación de Nika Zupanc www.nikazupanc.com

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010 Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Prensa y Comunicación

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Redacción Celeste Nasimbera celeste@90mas10.com.ar @SrtaCele

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Producción Paula Pedrouzo paula@90mas10.com.ar @PaulaPedrouzo

Colaboran en esta edición Aldo Bressi, ArtsMoved, Celeste Nasimbera, Elvio Orellana, Fernanda Cohen, Germán Andrés, Maia Croizet, Natalia Iscaro, Patricio Oliver y Ricardo Sametband Nuestros colaboradores Paula Pedrouzo @PaulaPedrouzo Es administradora hotelera. Disfruta de viajar y estar al aire libre con su familia y amigos. Para despejarse, las manualidades son su hobbie preferido, y le apasiona ir a la cancha. Tanto, que hasta trabaja adhonorem en el departamento de relaciones públicas del Club Lanús. En 90+10, se encarga de tareas administrativas y atención al cliente. +

Claudio Boleda @Claudio_9010 Profesor de Historia por el Instituto Joaquín V. González. Desde mediados de la década del 70 está vinculado con el marketing, las relaciones públicas y la publicidad en revistas, TV, vía pública y Web. Forma parte del equipo de 90+10, ocupándose de la gestión comercial y la relación con las marcas vinculadas al diseño de vanguardia. +

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro Hnos. S.A. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Taller Impresor Amison Tabaré 2110, CABA www.amison.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 11 “A” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual en trámite | ISSN 1668-6403 Año 10 - Nº49 – Junio 2014

+49 + Colección de muebles de oficina Uncino de los hermanos Bouroullec para Mattiazzi. www.mattiazzi.eu

editorial Inauguró el calendario oficial del diseño 2014 con la Milan Design Week. Por primera vez, nuestro país tuvo un espacio oficial en la Feria del Mueble más prestigiosa. Crivos objetos, No Pánico, Topcret, Designo Patagonia y Federico Varone nos representaron. Leko, el estudio integrado por Leandro Leccese y José Domínguez, hizo lo propio en el prometedor SaloneSatellite.

Ambas experiencias están relatadas en esta edición de 90+10.

Dos puntos de entrada al amplio y competitivo mercado internacional del diseño. Un incipiente inicio; apenas un pie en la línea de largada de un intersante camino que el diseño argentino merece y debe recorrer.

Nos sobran el talento, la creatividad, las ideas, la formación académica, el entusiasmo. Nos faltan la industria y políticas públicas que acompañen -con inteligencia y efecividad- verdaderamente, y en el tiempo, para que la suma de tantos esfuerzos individuales no se diluyan ni desgasten, sino que se potencien en pos de un futuro que se vislumbra siempre auspicioso.

Para que pueda consolidarse en un presente sólido, sobre el cual seguir evolucionando. Una historia más que conocida.

Mostrarnos en el exterior será siempre una excelente oportunidad de darnos a conocer, y de ampliar nuestros horizontes.

La presencia del talento argentino en Milán es un motivo de celebración. + + La silla Paz en el Mundo de No Pánico en la Feria del Mueble de Milán. www.nopanico.com.ar

Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados.

Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

FOTO DE TAPA La foto de tapa de esta edición pertenece a la imponente instalación que montó eBay en el Temporary Museum for New Design. De esta forma, presentó su nuevo portal de diseño, junto a un video que explicó el ABC del mundo del e-commerce, una forma de compra cada vez más popular en el mundo del diseño. + www.superstudiopiu.com

010

+ mundo creativo

green design

Aukán presenta su nueva colección Sinfín Con la idea de que en todo material reside un gran potencial, Aukán presenta una línea de seis productos realizados desde los descartes de una empresa marplatense.

El estudio de diseño Aukán –formado por Paz Cano y Santiago Rolón- produce objetos originales y creativos, bajo conceptos sustentables. Desde una búsqueda formal y funcional, las piezas de la línea Sinfín surgieron de la exploración con un mismo material: correas industriales. Su flexibilidad permite generar objetos de líneas simples y orgánicas que se enlazan, logrando una trama tridimensional y sin fin. Las uniones se realizan en cuero reconstituido.

Tres lámparas colgantes, dos veladores y un bowl son el resultado.

En 2013, Aukán expuso en MICA (Mercado de Industrias Culturales Argentinas), Feria PuroDiseño, Arte Emergente (Centro Cultural Borges) y Salón Virla. En septiembre de ese año, también fue seleccionado por Cancillería Argentina y el Plan Nacional de Diseño, para participar de los pabellones nacionales en las ferias Maison et Objet París y 100% Design London. + www.aukanweb.com.ar

Muebles de cartón por Sanserif Creatius El estudio valenciano Sanserif Creatius propone una colección de muebles de cartón reciclado e inspiración árabe, que bien pueden convertirse en elementos decorativos para oficias y espacios domésticos contemporáneos. Es así que reinterpretan íconos clásicos, como el reloj de antesala o el tocador femenino. La cómoda María Antonieta juega con el troquel de su desmoldado, para incorporar o no (según el gusto del usuario) un marco de espejo, que la convierte en un mueble lúdico, pensado para escaparatismo y espacios informales. + www.sanserif.es

012

+ mundo creativo

publicaciones

+ Los archivos de Stanley Kubrick. Pág. 366: A Space Odyssey. Keir Dullea como Bowman en la réplica de la suite de hotel.

Editorial TASCHEN Editora ALISON CASTLE Formato 32.7 x 24.5 cm 544 páginas español / inglés

Los archivos de Stanley Kubrick Un libro que reúne un extenso material visual de la producción cinematográfica del director norteamericano.

La editora Alison Castle realizó un trabajo de exploración en los archivos de Stanley Kubrick, y ahora Taschen presenta el estudio más completo del cineasta hasta la fecha. Al igual que la filoso-

fía del director, el libro relata en imágenes. Desde la secuencia inicial de “El beso del asesino” a los últimos fotogramas de “Eyes Wide Shut”, la publicación presenta en forma cronológica todas las películas de Kubrick sin palabras, sólo por medio de ampliaciones de fotogramas. Una experiencia totalmente no verbal.

La segunda parte del libro da vida al proceso creativo en los rodajes de Kubrick, y presenta una destacable colección de material de sus archivos -la mayor parte, inédito, que incluye fotografías, pósters, material gráfico, diseños de decorados, bocetos, correspondencia, documentos, guiones, borradores, anotaciones y programas de rodaje. El material visual se complementa con ensayos de renombrados expertos en Kubrick, artículos escritos por y sobre Kubrick, y una selección de sus mejores entrevistas. + www.taschen.com

La mano de Alan Ante la muerte del reconocido diseñador británico Alan Fletcher, el consultor en diseño y comunicación corporativa Raúl Shakespear sintió la necesidad de atesorar algunos de sus conocimientos, y hacerlos accesibles. Por primera vez en español, los modos de diseñar según Fletcher.

La tapa del libro muestra un guiño, un chiste: son seis los dedos de la mano que la ilustra. Una referencia al trabajo de Fletcher, y una introducción a los estímulos adicionales. Todo aquello que está, pero requiere de una segunda lectura; lo evidente de lo nodicho, para quien sabe mirar.

Editorial INFINITO Autor RAÚL SHAKESPEAR Formato 13 x 21cm 130 páginas español

Alan Fletcher (1931-2006) fue el fundador de Pentagram Design, uno de los estudios de diseño más importantes del mundo.

Reconocido e idolatrado por varias generaciones de diseñadores, sus modos de diseñar -más allá del propio diseño- influyeron en Raúl Shakespear, quien decidió embarcarse en la ardua tarea de traducir al español, los pensamientos y filosofía de diseño de Fletcher y crear, así, una puerta de entrada accesible para estudiantes y curiosos.

El libro quiere resistir como objeto en el mundo físico: Shakespear cree aún en el olor a la tinta, el papel, el lomo, el diseño.

Pero no es sólo un libro-homenaje, ni sólo versa sobre diseño. Es una invitación a conocer (o reconocer) a Fletcher, recorrer su obra y su vida. + www.edicionesinfinito.com | www.shakespearestudio.com.ar

014

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

Wandering Misfits Los pequeños inadaptados errantes Once figuras de vinilo creadas por el binomio Olivas – Peters, ahora, en caja sorpresa.

El matrimonio compuesto por Kathie Olivas y Brandt Peters forma uno de los combos más llamativos y creativos del mundo del arte relacionado al diseño de juguetes y la ilustración. Sus estilos -si bien, tienen puntos de contacto- son marcadamente diferentes. En esos cruces creativos, ambos tienen esta cualidad única, que captura muy buenos recuerdos de la infancia, y los recrea en su visión caricaturesca de lo macabro. Su sentido del estilo y detalles, es la combinación perfecta para aquellos que disfrutan de imágenes oscuras, con un aire vintage.

A lo largo de varios años, sus personajes han cobrado viva en muestras, figuras de vinilo y esculturas: tanto Kathie como Brendt han creado algunos seres recurrentes en su universo visual y estético. En tiempos en donde las series de figuras en miniatura ya no son frecuentes de producción -a menos que cuenten con la espalda de alguna licencia fuerte, del calibre de Hora de Aventura o los Simpsons-, es realmente una brisa de aire fresco poder contar con el nuevo proyecto producido por Cardboard Spaceship Toys.

La serie de caja sorpresa de once figuras, cuyo modelaje en 3D fue realizado por Shinbone Creative, cuenta con personajes como

The Skelve, Ink-Slinger#5 y Dexter Devil, entre otros. Existen once versiones especiales que serán más complejas de conseguir, por la cantidad que vendrán por caja. Sumado a eso, se han producido, ni más ni menos, que veintidós versiones cromáticas, exclusivas para tiendas y expos.

Durante la San Diego Comic-Con del 2013, se lanzaron las primeras versiones blancas, pero oficialmente, la serie se lanzará este año.

Siguiendo el estilo típico de Olivas y Peters -en lo que respecta a fabricación de juguetes-, todas las figuras pueden intercambiar sus cabezas modularmente. Esto también aplica para algunos accesorios, como los sombreros.

Stranger Factory realizará una exposición conmemorativa para celebrar los tres años de Skelve, en donde estará presente una versión gigante del mismo y, de la misma manera, se venderá su contraparte exclusiva de Wandering Misfits. Cada figura mide entre 2 y 4,25 pulgadas y, sin poner freno, la pareja ya planifica su segunda serie, con fecha de salida aún sin definir. + www.cardboardspaceshiptoys.com | www.kathieolivas.com | www.brandtpeters.com | www.shinbonecreative.com | www.strangerfactory.com

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

016

+ mundo creativo

ObjetodelDía

+ Desde hace exactamente dos años, en www.90mas10.com se selecciona y publica un objeto de diseño en la sección

#ObjetodelDía. Piezas de diseño nacional e internacional, novedosas, icónicas, útiles y bellas que, muchas veces, dan pie al debate y hasta reciben críticas y comentarios. A continuación, elegimos tres de los ya publicados en http://90mas10.com/objetodeldia

Lámparas Wander por Cristián Mohaded El diseñador argentino presentó en la reciente Milan Design Week su nueva luminaria realizada en exclusiva para Roche Bobois. La lámpara Wander es una reinterpretación de las lámparas “cañón”, utilizadas para escenografías. De simpleza formal y constructiva, juega con la lectura de sus componentes, resaltando o enfatizando con el color algunas de las partes. Es una lámpara de pie con pantalla en aluminio, y terminación en laca engomada. Su eje vertical en metal permite variar su altura, mientras que un mango lateral facilita el redireccionarla manualmente. Disponible en dos tamaños. + www.cristianmohaded.com.ar | www.roche-bobois.com

Macetas para barandas de Greenbo

Silla Lily por Michael Sodeau

Las macetas de diseño Greenbo ofrecen una solución única para el cultivo de plantas, flores o mini huerta, en un entorno urbano. Sus modelos GreenboPlanter y GreenboPlanter XL pueden ser montados sobre una baranda o balcón, independientemente de su forma o tamaño, sin necesidad de ganchos de metal o cualquier otro artefacto externo. Pueden utilizarse para decorar interiores y también al aire libre, gracias a su componente resistente a los rayos UV. + www.jardinu.com

Producida por Modus, el diseñador Michael Sodeau mostró en la Milan Design Week su silla Lily, con respaldo alto y brazos para descansar. La pieza posee una tapicería simplista, de líneas limpias y aspecto ligero. Las telas que la recubren (internas como externas) pueden ser intercambiadas, lo cual permite la renovación del mobiliario. Además, se presenta en opciones diferentes de madera, varilla y base giratoria. + http://michaelsodeau.com/ | www.modusfurniture.co.uk

018

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Marcelo Ezquiaga Caleidoscopía pop Un autor muy fino dentro del indie pop argentino, que ahora propone una obra a la altura de cualquier artista del art rock internacional.

Su sexto álbum –el que consiguió editar mediante crowdfundinglo suma a la lista selecta de cancionistas que, desde el under, hoy hacen mejores discos que los que produce el pop masivo local y suena en la radio. Aquí, Ezquiaga resume la historia del disco y su relación con el mundo del pop. + ¿Cómo llegaste al diseño sonoro del disco, al interesante resultado final del audio?

ME Fue un proceso largo. Sabía que quería un disco con un audio distinto al anterior. Más directo, y para afuera, casi bailable. Usar samplers y cosas que hace tiempo quería incorporar. Me gustaba la idea de grabar canciones cargadas, con muchas pistas. Finalmente, en el proceso de mezcla, se despojó bastante, y no quedó tan barroco como había planeado, pero sí está la impresión de algo poderoso y para adelante. Eso tuvo que ver con el trabajo de Ezequiel Kronenberg (el co-productor), que desvistió bastante los temas, pues grabamos en estudio y otra cantidad en mi casa y, si bien estaba sobrecargado de capas, sabía que se trataba del camino de búsqueda de una atmósfera sonora. De forma magistral, Ezequiel consiguió lo mismo, pero restando canales y agregando delays y reverbs. Quedó un conjunto de canciones con batería, bajo y voz al frente; los teclados y el resto son como ambientes que avanzan en paralelo. Las baterías que grabó Fernando Samalea en vivo, le dan un peso muy concreto; eso lo logramos con mucha dedicación en el estudio. Así creo que se entrevén en el disco muchas de mis influencias musicales más profundas, del pop de los 80 y 90. Y cuidadosamente, en la mezcla, Ezequiel maquilló mucho de todo eso, para que no sea obvio, y quedó algo que suena actual y personal. + ¿Qué representa este álbum y su experiencia de financiamiento colectivo?

ME Para mí, representa un viraje claro, dentro y fuera de lo musical. Estoy agradecido. El título del disco surgió de esa acción colectiva. La gente se copó mucho, puso dinero y ganas para que el disco existiera, y esa idea de muchas personas colaborando para una causa, me trajo el nombre. Para mí, un caleidoscopio es una imagen

hermosa multiplicada, con un centro en común. Y pensé, “eso es lo que pasó”: la propuesta se multiplicó, y todos logramos coincidir en un punto en común. Por eso, a cada persona que colaboró, le hice videos con música original, agradeciéndole particularmente. El ponerse en el lugar el otro y sumar; eso, para mí, es primordial. Pensar que hay gente que imprimió un papel y se fue hasta un Rapipago, o cosas por el estilo. Todo para que mi disco exista, sin saber ni siquiera cómo iba a sonar. Esa confianza que pusieron en lo que iba a venir, me modificó y nutrió. Para mí, Caleidoscopio es devolver eso multiplicado, y decirle a la gente que esas canciones están hechas para ellos, como regalo por querer ser parte de mi música. + ¿Creés en el pop argentino? ¿Su tradición te representa, o te sentís parte?

ME Al pop lo veo como algo que acá tiene una historia siempre bastarda. No enarbolaría la bandera del pop, pero me gusta. Me crié con FM Aspen (en esa época, era Horizonte), y las bandas de un solo hit de los 80, pero nunca me comparo con gente que existió en otro momento de la música. Me inclino a pensar que mi música es algo personal, con una búsqueda mía, algo que tiene que ver con un aprendizaje de la vida y con lo que suena en mis oídos. + ¿Cómo le explicarías lo que hacés a alguien que no te conoce?

ME Podría decir que busco una música voladora, que intento relacionarme con ella como un canal de expresión bien libre, que quiero contactar con los demás por medio de la música, y que siento que lo logré con Caleidoscopio. En definitiva, la música es una excusa y un medio de vida, pero también algo súper fuerte, que hace que mi vida sea cero rutinaria; eso es lo que siempre busqué. Y sobre todo, mística: amo la mística de las cosas, de las bandas, de las canciones, y de lo que pueden llegar a hacer como soundtrack de tu vida. A quien no me conoce, le diría que hago canciones, y que todo camino puede andar, que las escuchen, que tengo ya seis discos editados, y que ninguno es igual al anterior, pero todos son full Marcelo Ezquiaga. + http://marceloezquiaga.bandcamp.com/

Caleidoscopio – Marcelo Ezquiaga. Edición independiente 2014.

Este disco representa un cambio claro en la búsqueda sonora y el carácter extrovertido del autor. Con un audio muy bien desarrollado y plasmado, que mezcla instrumentos de banda de rock, la voz al frente más los teclados como guía referenciales de lo melódico. Todo con un trabajo fino en el estudio. Para esta ocasión, volvió a incorporar guitarras y distorsión, que no usaba en sus dos obras anteriores, sampleos y procesadores que lo llevan a un lugar de electro pop de muy buen nivel. Ocho canciones y un track instrumental oculto al final -donde coquetea con el dance-, le bastan para redondear una magnífica muestra de su talento como autor, y de la excelente dupla de trabajo que logró con el co-equiper Ezequiel Kronenberg, en un producto bien completo. Muy rítmico y directo, contagioso en las melodías y letras interesantes. +

adidas Supernova glide boost adidas presenta una nueva experiencia para quienes disfrutan salir a correr, por placer, para superarse, para competir. Las nuevas Supernova glide 6 poseen la tecnología formotion, que se transforma en filosofía holística, inspirada por todas las necesidades individuales de cada corredor.

Correr para descargar, correr para concentrarse, correr para alcanzar nuevos objetivos. La actividad física implica ese momento del día en que nos conectamos con nuestra energía corporal. Por eso, necesitamos de un calzado que resista el movimiento, acompañe en la pisada, y potencie nuestro rendimiento. La inclusión completa de la espuma boost permite, por primera vez, prescindir de las tradicionales placas de deslizamiento. Esto convierte a Supernova glide boost, en lo último en calzado para runners.

Contrafuerte del talón

Soporte para el medio pie

Malla de diseño superior

Plataforma de eva Boost

Torsion system

Formotion

Desacoplamiento longitudinal

Caucho Continental

SUPERNOVA GLIDE BOOST: ENERGÍA POTENCIADA ¿Por qué Supernova glide boost? Su capacidad de ajuste y transición, se combina con una confortable sensación. Un producto adaptable a cada pie, que acompaña al corredor, potenciando su performance. Tres motivos para probarlas.

Ajuste La malla de diseño superior pose una elasticidad que se ajusta al estilo particular de cada corredor, al mismo tiempo que se adapta a la variedad de formas de los pies. Su capacidad de adaptación, la hace sentir a medida. El contrafuerte del talón mantiene el pie bloqueado y estable, moviéndose dinámicamente en dirección vertical, para mejorar el trabajo con la suave espuma boost. Además, posee un soporte para el medio pie, haciendo muy confortable su uso.

Sensación La plataforma de eva combinada con boost, asegura una experiencia ligada a la comodidad, sin perder la respuesta enérgica. Boost mejora la experiencia del correr, generando un retorno único de energía, e insuperable amortiguación.

Transición El desacoplamiento longitudinal brinda una transición personalizada, que le permite al pie moverse y adaptarse naturalmente, en cada ciclo. Además, el Torsion System genera una excelente adaptación al suelo, para lograr estabilidad y asegurar soporte al medio pie. En el área del talón formotion -con un diseño biselado y desacoplado-, trabaja en conjunto con la media-suela boost, para brindar el más suave contacto con el suelo, y una adaptación al terreno inmediata. El caucho de Continental asegura un agarre insuperable en todas las condiciones.

INVESTIGAR PARA TOMAR VELOCIDAD La investigación permite innovación, y la novedad en las zapatillas, es el impulso necesario para arrancar. En la línea de partida, los corredores se beneficiarán de un set de parámetros funcionales, nunca antes vistos juntos en una sola zapatilla.

Por primera vez en una zapatilla de la familia Supernova, la tecnología que aporta boost permite una experiencia diferente al correr, combinando amortiguación en el punto de impacto con un retorno de energía líder de la industria. La reducción en las velocidades angulares de pronación y transición de suela, nos lleva a disfrutar de una suave -pero a la vez, reactiva- experiencia al correr.

Porque correr es más que eso, adidas presenta un nuevo acercamiento holístico al concepto de formotion, brindando a los corredores un nivel superior de ajuste, sensación y transición en su carrera. Su elasticidad se ajusta a tu estilo al correr, al mismo tiempo que se adapta a la gran variedad de formas de los pies. Más que flexibles, mantienen la comodidad que necesita el pie, y potencian el ejercicio.

Día, noche, sol, lluvia. Salí a correr y marcá un nuevo récord en tu propia carrera diaria. + www.facebook.com/adidasrunning

mundo creativo

+ 019 diseño

+ Las cuatro líneas que integran Novum: Lollipop, Edge, Casablanca y Skyline.

Línea Novum FV Horizonte creativo La empresa dedicada al desarrollo y fabricación de grifería de alta tecnología, lanzó una línea diseñada por Juan Cavallero. Un nuevo capítulo se inicia con Novum.

Como resultado de un largo proceso de investigación, FV presenta Novum, una propuesta que incluye productos de alta gama para un mercado que busca diseño y exclusividad. Uno de los objetivos principales de la nueva colección es sumar atributos de diseño Premium: decoración de alto nivel, arte, innovación, creatividad y alcance internacional.

FV es una empresa dedicada a la fabricación y comercialización de grifería, en una amplia gama de productos destinados al baño, la cocina y las instalaciones sanitarias, desde hace ya más de 90 años. La colección Novum fue diseñada por Juan Cavallero y su estudio, y se fabrica en Argentina, con el respaldo de FV, sus conocimientos de mercado, y garantías de confiabilidad, perdurabilidad en el tiempo, bajo mantenimiento, seguridad y existencia continua de repuestos.

Juan Cavallero es porteño, formado en Río de Janeiro, y estadías en París, en disciplinas como el dibujo, la ilustración, el diseño gráfico e industrial. Un perfil multifacético, dedicado a explorar la creación y la forma. Bajo su dirección creativa, se realizaron cuatro líneas diferenciadas de Novum: Casablanca, Skyline, Edge y Lollipop.“Nos pidieron diseños nuevos y, en la búsqueda de la innovación, nació la inspiración de esta nueva colección Novum”, relata Cavallero.

Las líneas Edge y Skyline fueron distinguidas con el premio internacional al “Mejor diseño” del Chicago Athenaeum: Museo de Arquitectura y Diseño en Chicago, USA. La línea Casablanca combina

la elegancia propia del clásico y la síntesis que caracteriza al diseño moderno: posee curvas suaves, definiendo cada una de las diferentes piezas que conforman el juego de griferías y sus accesorios. En las formas de Skyline, se revisa el concepto clásico de las griferías. El pico adopta la silueta de un prisma curvado, y los volantes, de una forma pura y prismática. Edge es liviana y vanguardista. La línea y la arista son el leit motiv de un diseño que combina racionalidad y cualidad plástica. Lollipop es un diseño minimalista, que surge de la combinación de un cilindro y un prisma, para cada una de las piezas que conforman el juego.

A su vez, el Estudio Cavallero estuvo a cargo de la comunicación audiovisual de Novum, junto con Estudio Ovalle, Cacique Argentina y el departamento de marketing de FV. Sobre el diseño del logotipo, su creador explica: “Intenta representar la ruptura (V alargada) que se produce entre los diseños realizados hasta ahora por FV y los nuevos diseños, el cambio. Y si lo lees de atrás para adelante, forma un juego con move on, que en inglés significa: seguir adelante, avanzar, moverse”. “Esta colección exclusiva suma innovación y diseño a la alta tecnología que, desde siempre, caracteriza a nuestra marca", expresó José Rodríguez, Gerente Comercial FV. Una nueva colección que retoma las fortalezas de los años de trayectoria, y proyecta un diseño innovador, apostando a abrir un nuevo capítulo, un nuevo horizonte creativo. + www.fvsa.com

020

+ mundo creativo

gastronomía

+ Los líderes de MAPA: Martín Auzmendi, Mariano Maldonado y los bartenders Mona Gallosi y Tato Giovannoni.

MAPA

Nueva edición del Movimiento Aperitivo Argentino Para disfrute del paladar, llega la segunda edición de un evento nacional que recorrerá el país, y convocará a la creación de nuevos aperitivos. Por demás de tentador.

MAPA, Movimiento Aperitivo Argentino surgió el pasado año, de la mano de líderes de opinión y referentes, con el objetivo de unir a los amantes de la coctelería y de la gastronomía. ¿Si funcionó?

Claro, fue un éxito. Motivo por el cual, MAPA 2014 se propone ampliar su alcance e impacto, convocando a profesionales y aficionados de las comidas y bebidas para presentar su mejor creación, la que luego será evaluada por un prestigioso jurado. Este concurso abrirá su convocatoria en septiembre, para celebrar su cierre a fin de año, premiando al ganador con un viaje a Italia, por la ruta de los aperitivos.

Además, MAPA brindará talleres sobre aperitivos por distintos rincones del país. Como disertantes, viajarán reconocidos bartenders y cocineros, quienes crearán un plato en base a cada lugar visitado. Al final del recorrido, esos platos servirán como inspiración para que los participantes puedan crear un coctel aperitivo.

Un verdadero recorrido nacional por los paisajes, gustos y sabores, que marca Córdoba, Salta, Santa Fe, Rosario, Mendoza, Buenos Aires, Mar del Plata, Trelew y Usuahia. Todos los asistentes serán invitados a participar del concurso MAPA a fin de año, animándose a pensar en aperitivos: es decir, no sólo a bartenders, sino también a todos aquellos que quieren dar con la receta para pasar un buen momento entre amigos.

Para celebrar la apertura de su segunda edición, MAPA organizó un gran evento al aire libre para bartenders, gastronómicos, periodistas y amigos, en donde Martín Auzmendi -Embajador de Aperitivos- y Mariano Maldonado -Director de Marketing de Gruppo Campari-, comunicaron las principales acciones que se llevarán a cabo durante el año. Una invitación para compartir. + www.mapa-aperitivo.com

Jägermeister

Un sabor con leyenda Con acento alemán, un licor a base a hierbas, que es la delicia de cualquier bartender.

Jägermeister posee un 35% de contenido alcohólico. La receta secreta de este licor alemán contiene 56 hierbas diferentes, que generan un sabor original. Pero ése no es el único misterio que lo rodea.

Originalmente concebido como un brebaje medicinal, su etiqueta reúne íconos y referencias a los cazadores.

Su logotipo ilustra la cabeza de un ciervo con una cruz cristiana, que resplandece entre los cuernos del animal: una referencia a las historias de San Huberto y San Eustaquio, santos patronos de los cazadores. Además, ostenta en su borde un poema de Otto Von Riesenthal, dedicado a los cazadores de honor. Historias en el tiempo, Jägermeister se popularizó en la década del 90, y se mantiene hoy como una bebida excepcional. Un licor único, con una receta que lo diferencia del resto, y una historia para contar, y dejar volar la imaginación. + www.jager.com

Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

mundo creativo

+ 021 moda

Cabinet Óseo

Corazón racionalista La anatomía inspira una joyería que exterioriza, en el accesorio, el propio cuerpo. La escultora Celina Saubidet y la diseñadora Marina Molinelli Wells crean joyería contemporánea, que surge de los mismos libros de medicina.

Existen unas cuantas formas de garabatear un corazón, la mayoría de ellas, se alejan de la forma anatómica del mismo: una intención inocente lo dibuja en líneas; una manera mecánica, lo reproduce con un teclado, sumando el signo menor y el número tres (<3); y la medicina reproduce el órgano vital con toda su dimensión corporal. Esta última es la imagen que Celina Saubidet y Marina Molinelli transforman en anillos y collares, en el universo de Cabinet Óseo. Una propuesta que reconoce y homenajea el pro-

pio cuerpo humano, alejándolo del análisis de su funcionamiento y enfermedad, para transformarlo en una joya.

La anatomía es un recuerdo de la infancia, ya que ambas son hijas de médicos. Toman el cuerpo, lo investigan, y adornan el cuello y las manos con huesos. Las piezas exteriorizan, con fuerza, lo que la piel oculta. Piezas como corazas, que nos recuerdan lo que somos: carne. + www.cabinetoseo.com

022

+ mundo creativo

gadgets

Sony Xperia X1

De vidrio, sumergible y con súper cámara El smartphone de alta gama de Sony, ahora disponible en Argentina.

El equipo tiene tres características notables para su segmento: una cámara de 20,7 MP (con un sensor que fabrica la misma compañía), un cuerpo hecho en vidrio y metal que le permite ser sumergible, y un sintonizador de TV digital. El teléfono cuenta, además, con una pantalla de 5”, con resolución Full HD (1920 x 1080 píxeles), procesador Qualcomm Snapdragon 800, 2 GB de RAM, 16 GB de almacenamiento interno (expandible con una tarjeta de memoria microSD de hasta 64 GB), conectividad 3G, Bluetooth 4, Wi-Fi, GPS y radio FM. La batería es de 3000 mAh. El espesor del teléfono es de escasos 8,5 mm.

Viene con Android 4.2, pero se actualizará como mínimo a Android 4.4.2 (KitKat). El cuerpo del equipo está hecho con dos placas de vidrio y un borde metálico, y está sellado contra agua y polvo: pu-

TU Go: Para el usuario móvil Se trata de una aplicación que ofrece a los clientes de Movistar, la posibilidad de utilizar el número móvil para realizar y recibir llamadas, SMS o visual voice mail en cualquier dispositivo (ya sean teléfonos móviles, tablets o computadoras), extendiendo la cobertura a cualquier red Wi-Fi de Argentina y el mundo.

El nuevo servicio es el primero de una generación de aplicaciones con las que Movistar irá abriendo el camino de la innovación, destinada no a un teléfono móvil, sino a un usuario móvil. “Vivimos en un mundo conectado, en donde el trafico móvil aumenta a un ritmo im-

ede estar bajo un metro de agua durante media hora, sin dañarse.

La cámara, por su parte, tiene estabilización de imagen, es capaz de grabar video en Full HD y cuenta con un flash LED, además de varios modos para tomar imágenes con poca luz, o en ráfaga.

En lo que respecta al sintonizador de TV, requiere el uso de una antena especial (que se incluye en la caja) y que tiene el aspecto de un cable de audio. De hecho, se enchufa donde van los auriculares, y permite acceder a una veintena de canales del servicio nacional de televisión digital (TDA). Este smartphone se consigue en el país por un precio que va de $7000 a $8000 (con abono), dependiendo de la operadora elegida. + www.sony.com.ar

parable, y las compañías tienen una gran oportunidad por delante”, afirmó Marcelo Tarakdjian, director de marketing de Movistar. ¿Cómo conseguirla? Desde www.movistar.com.ar/tugo, los clientes de Movistar pueden descargar TU Go en forma gratuita, así como acceder a toda la información relacionada con su funcionamiento.

También es posible descargar la aplicación desde las tiendas Google Play o iTunes. Entre otras plataformas, comprende Android 2.3+ (teléfonos y tablets), iOS 5 (iPhone, iPad y iPod Touch) y Windows 7 (PC y Notebook). + www.movistar.com.ar

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mundo creativo 023 lugares

Plain Vanilla

Sabor y madera argentina Existe en Singapur una panadería que invita a disfrutar de un buen momento, acompañado de un tentador sabor. Todas las delicias son exhibidas gracias al trabajo artesanal argentino. A la distancia, el oficio nacional.

Plain Vanilla es un local ubicado en Tiong Bahru, uno de los distritos más antiguos de Singapur. Fue construido durante la década del 30, y hoy se encuentra transitando la emergencia como barrio trendy. Una revalorización del área, permitió el surgimiento de proyectos nuevos, y un público variado interesado en ellos.

planeando la disposición de la cocina. El local posee dos secciones principales: una zona de relax (ubicada al ingreso), y la cocina (en el fondo). De esta forma, Plain Vanilla invita a residentes y transeúntes a disfrutar del espacio, tomar un café, leer una revista o trabajar en la notebook, sin la necesidad u obligación de entrar a adquirir sus productos. Una puerta abierta para estar.

En 2011, Vanesa Kenchington tomó la iniciativa, y dejó la abogacía para devenir en pastelera. Dedicó varios años al estudio de la técnica, hasta que decidió abocarse de lleno a la panadería Plain Vanilla, su emprendimiento personal, que ofrece cosas dulces, cupcakes y tortas, que se elaboran de modo casero. Todo puede observarse desde la cocina, la que se encuentra, además, abierta al público.

En las paredes, se pueden observar los procesos de elaboración: la artista coreana Amy Kim retrató los pasos, y montó las escenas en marcos de madera reciclada. La zona de la cocina, organizada alrededor de una mesada central que atraviesa el espacio, permite a los visitantes observar todo el proceso de cocción, y relacionarse así más íntimamente con los productos.

Entonces, Kenchington se puso en contacto con el estudio de diseño Outofstock –colectivo integrado por Gabriel Tan y Wendy Chua de Singapore, Gustavo Maggio de Argentina y Sebastián Alberdi de España-, quienes colaboraron con la construcción del proyecto desde sus inicios. Estuvieron a cargo del diseño del espacio, los objetos y el mobiliario. Se modificó la estructura inicial, y se construyó

HECHO EN ARGENTINA La panadería cuenta con exhibidores fabricados de modo artesanal por Gustavo Mutio, un tornero argentino con taller en Buenos Aires.

Realizó especialmente veinte exhibidores en madera de cerejeira, terminados con aceite natural. + www.plainvanillabakery.com | www.outofstockdesign.com

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Audi A3, el mejor del mundo El candidato de la firma de los cuatro anillos, el A3, fue reconocido por un jurado de 69 periodistas especializados en industria automotriz, pertenecientes a 22 países de todo el mundo, como el “mejor del mundo”. De este modo, relevó al Volkswagen Golf, último ganador de este certamen, con el que –curiosamente- comparte la mayor parte de los elementos. En esta oportunidad, el

compacto de Audi ha conseguido sumar más puntos que ningún otro vehículo, dejando en el camino modelos como el Mazda3 y BMW Serie 4, Land Rover Range Rover Sport, Ferrari F458 Stradale, Chevrolet Corvette Stingray, Audi E-Gas, Audi A3 SB g-Tron, VW XL1, y Mercedes-Clase C, entre otros. + www.audi.com.ar

Nissan March Se trata del modelo más chico de la marca, y acaba de recibir una importante actualización. En cuanto a estética se refiere, el March mantiene sus típicas formas redondeadas. Sin embargo, lo que cambió es su expresión, la que ahora deriva en un modelo con un toque más deportivo, gracias a su nueva parrilla, y sus ópticas delanteras más estilizadas. Uno de los puntos flacos del March anterior, lo tenía en el aspecto de seguridad, pero esta nueva edición presenta desde serie, el doble airbag y el ABS (ahora obligatorios), la distribución electrónica de frenado (EBD) y asistencia al frenado de urgencia (BA). Sigue disponible con un único motor naftero de 1.6 de 107 caballos de fuerza. Su versión más equipada, Advance Media Tech, se destaca por disponer de pantalla táctil de 5,8” con navegador satelital y cámara de retroceso. + www.nissan.com.ar pezar a importar una variante deportiva del 500, denominada Abarth. Es decir, una edición extrovertida del Fiat 500 normal, con un importante rediseño y un plus de potencia, que hizo pasar de los 105 caballos de la versión convencional, a los 135. Pero la cosa no ha terminado ahí, ya la marca presentó esta edición limitada que redobla la apuesta. Lo hizo en base al comprimido motor 1.4 de 16 válvulas Turbo T-Jet, pero que aumentó su potencia desde los 135, a los 160 caballos.

Fiat 500 Abarth 595 Turismo La denominación Abarth se ha sumado al vocabulario de los argentinos desde el año 2012. En esa fecha, la marca decidió em-

Con respecto a su estética, se distingue por su pintura, la cual puede elegirse bitono, faros de xenón, llantas que pasan de 16 a 17”, y la tapa del tanque de nafta en acero inoxidable. Los emblemas de Fiat (en trompa, llantas y baúl) fueron reemplazados por los del escorpión. Dispone de paragolpes con spoilers y tomas de aire más grandes, y las pinzas de los discos de freno son de color rojo. Se redujo el despeje del suelo en 20 mm, y sigue manteniendo su techo solar Sky Dome. Finalmente, posee una doble salida cromada de su escape, lo que le termina de dar el toque que todo auto deportivo debe tener. + www.fiat.com.ar

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

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mundo creativo 025 vehículos

The Beetle

El regreso del “Escarabajo” La marca alemana Volkswagen presentó la nueva generación del Beetle. Es decir, la reedición del histórico “Escarabajo”.

La nueva versión mantiene su atractivo diseño, pero en esta oportunidad, llega con líneas más agresivas y deportivas. La mayor longitud de su capot, su parabrisas más inclinado y su techo, son grandes responsables de este nuevo espíritu que, desde VW, definen como más masculino. Luego, detalles como sus anchos guardabarros redondeados, sus llantas deportivas (de 17 pulgadas en las versiones Sport), le terminan por otorgar el toque justo que todo auto deportivo no puede dejar de tener.

Si de versiones se trata, el mítico modelo puede elegirse con dos diferentes tipos de carrocerías: Coupé y Cabrio (su capota hidráulica se despliega en 9 segundos), y dos niveles de equipamiento: Design y Sport. Puertas adentro, se destaca -a primera vista- el equipamiento de cuero de sus butacas y su amplia pantalla táctil de 6,5 pulgadas, desde la que se puede comandar su lectora de CD, que alimenta -nada menos que- a 8 altavoces.

Asimismo, cuenta con sistema Climatronic bi zona (de serie), y el sistema de estacionamiento asistido ParkPilot. Es para subrayar su completo equipamiento de seguridad, dentro del cual se destacan los airbags frontales y laterales para conductor y acompañante, ABS y ESP. La versión Cabrio agrega, además, un sistema de protección antivuelco invisible, que se activa en milisegundos, por detrás del apoyacabezas trasero.

En cuanto a los motores, la versión Design (Coupé), estará impulsada por un el motor 1.4 TSI de 160 caballos. Éste se puede asociar a una caja manual de 6 velocidades, o a una DSG de 7 relaciones. Las versiones más “picantes”, serán las Sport (Coupé y Cabrio) y estarán equipadas con el potente 2.0 TSI de 211 caballos. También puede optarse por una transmisión manual, o DSG de 6 marchas, en ambos casos. Según la marca, el Beetle Sport, puede alcanzar los 100 km/h desde 0 en 7,3 segundos, y desarrollar una velocidad máxima de 229 km/h. + www.volkswagen.com.ar

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Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

VW Gol Trend Cup Con más de 150 mil autos vendidos desde su lanzamiento en 2008, el VW Gol Trend presenta una edición limitada de 2 mil unidades, denominada “Gol Cup”, que buscará seguir consolidando la estrecha relación entre la marca y el fútbol en el año de la Copa Mundial FIFA de Brasil 2014. El diseño de esta edición se destaca por su nueva grilla negra y faros con máscara oscurecida. Sobresalen también sus llantas de aleación de 15”, la luz de giro a los espe-

jos retrovisores exteriores, y un emblema trasero con los colores de la bandera Argentina. En el interior, ofrece volante multifunción, computadora I-System, Radio-CD Player integrada con Bluetooth, tapizado de asientos “Cup” y pedalera de aluminio. En cuanto a seguridad, se destaca el doble airbag y el sistema de frenos ABS. Esta nueva versión de Gol se ofrece en formato de 5 puertas. + www.volkswagen.com.ar

Chevrolet Cruze La familia del Chevrolet Cruze sedán y 5 puertas presenta novedades en todas sus versiones. En la LTZ -tanto en su configuración sedán como hatchback- sumó el exclusivo “Sistema de Alerta en Punto Ciego”, que asiste al conductor con una luz ámbar en los espejos laterales, al detectar un vehículo en la zona ciega lateral.

El Cruze posee, además, 6 airbags para todas las versiones (frontales para el conductor y acompañante, laterales y de cortina) y frenos a disco en las 4 ruedas, con ABS y ESP (Electronic Stability Program). Este Programa Electrónico de Estabilidad logra que a altas velocidades se estabilice el auto. También posee un sistema electrónico de control de tracción (TCS), que evita que las ruedas patinen. A su vez, incorpora en todas las versiones los espejos exteriores con luz de giro integrada con tecnología LED y posee, entre otros elementos de seguridad, anclajes ISO FIX, apoyacabezas y cinturones de seguridad de 3 puntos en todas las plazas. + www.chevrolet.com.ar

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mundo creativo 027 vehículos

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Nuevo Toyota Corolla

Nuevo Renault Twingo

Durante la última semana del mes de marzo, viajamos en exclusiva a Campinias (Brasil), para participar de uno de los lanzamientos más importantes que tendrá este año: el Nuevo Corolla. Allí, fuimos testigos de cómo aquél auto elegante, de perfil más bien señorial y sobrio que todos conocíamos, dejó lugar a un modelo con un estilo más agresivo y dinámico. Parte de este gran cambio, se lo debe a su gran parrilla cromada, faros delanteros con luces LED y diurnas, nuevos guardabarros, y una generosa grilla inferior, entre los principales cambios.

Tarea difícil es tratar de repetir el éxito que tiempo atrás alcanzó con creces un auto. Al Renault Twingo -pudo haber gustado o nonadie puede achacarle falta de personalidad en la década del 90.

Ese espíritu que caracterizó al “pequeñín” de formas redondeadas es el que la marca intentó replicar ahora.

Donde sí mantiene su filosofía intacta, es puertas adentro. Hablamos de una muy buena calidad percibida de sus materiales, y de un estilo sobrio en todo lo que es su plancha (relojes, frente del estéreo y comandos del aire acondicionado). La que marca la diferencia es su versión tope de gama, que incluye tapizados de cuero, pantalla táctil de 6”, reproductor de DVD, GPS y cámara de retroceso. La marca sigue poniéndole fichas a su ya conocido motor de 4 cilindros en línea, 1.8 litros y 140 CV. La caja manual sigue siendo de 6 velocidades. La gran novedad es su nueva transmisión automática CVT (una caja variable continua) de 7 velocidades. + www.toyota.com.ar

De este modo, y al igual que su predecesor, el nuevo Twingo dispone de una estética que transmite una gran personalidad. En su imagen se pueden ver influencias de algunos concept de la marca, como el TwinZ y el Twin R, develados el año pasado. También recuerda al Fiat 500 actual.

En cuanto a su exterior, lo más trascendental es que, por primera vez, el Twingo se ofrecerá en carrocería de 5 puertas. Se espera que su carrocería de 3 puertas quede reservada para una edición más deportiva, que se llamará Twingo RS. Dos motores, ambos traseros, serán los opcionales que podrán impulsarlo: un atmosférico de 70 CV, y un turbo de 898cc (que desarrolla 90CV).

Ambos están pensados para el mercado europeo. + www.renault.com

Aniversario Ford Mustang

Toyota I-Road

El clásico modelo de Ford, el Mustang, acaba de cumplir 50 años.

Para su festejarlo, la marca decidió reeditar la misma acción cuando se presentó el primer Mustang en 1965: colocar el Mustang en la cima del Empire State Building, en la ciudad de Nueva York. El edificio es uno de los más visitados del mundo y, en sus 83 años de historia, la única vez que un vehículo fue exhibido en la cima fue durante el lanzamiento del primer Mustang en 1965.

El modelo que fue llevado a la terraza panorámica del piso 86 en esta oportunidad, fue el nuevo Mustang 2015 convertible. Allí, estuvo exhibido los días 16 y 17 de abril. + www.ford.com.ar

Toyota anunció el inicio de la etapa de pruebas de su vehículo de movilidad personal “i-Road”. La misma se realizará hasta principios de junio, por las calles de Tokio. El i-Road combina la conveniencia de una motocicleta con el confort y la estabilidad de un automóvil.

Una vez finalizado el período de pruebas, se recolectará la opinión de los consumidores sobre la sensación de manejo, la satisfacción del usuario y la facilidad de uso, entre otros aspectos. + www.toyota.com

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+ mundo creativo

gastronomía

+ Dos opciones para disfrutar de una buena taza de café: las máquinas Nescafé Milano y Nescafé Dolce Gusto Melody.

Cómo preferimos el café los argentinos Los secretos de la bebida más consumida en el mundo, después del agua. ¿Sabías que en el mundo se consumen 30 mil tazas de café por segundo? Así invitaba a la prensa Nescafé, a un evento en el que su Coffee Marketing Manager -Valeria Rodríguez Pardal-, contó la historia y presentó las tendencias de consumo de esta bebida querida por casi todos. Tres son las razones por las cuales elegimos beber un buen café: porque es 100% natural, despierta los sentidos y mantiene el cuerpo y mente alertas (gracias a la cafeína y la presencia de antioxidantes), y es ¡rico!

Algunos datos de Argentina para asombrarse: -Por año, se consumen en promedio de 191 tazas de café por habitante.

-El soluble (o instantáneo, como Nescafé) es la variedad de café más consumida.

-El 85% de los consumidores de café instantáneo, lo bate.

-El 50% de los argentinos le agrega leche al café.

-El 71% del consumo del café se toma en casa, mientras que el 29% restante se consume fuera del hogar (bares, restaurantes,

coffee shops, etc.)

-Cortado, café con leche y capuccino son los preferidos.

-El mercado de las cápsulas viene creciendo a paso firme.

Por su parte, Nescafé brinda un amplio portfolio de soluciones para los adictos a tomar café, dentro y fuera de casa. Para disfrutar en el hogar, propone Nescafé y todas sus variedades (Espre-sso, Gold, Decaf y Clasico Capuccino); Nescafé Dolca y sus Dolca Mixes: Mokaccino, Cortado, Late, Café con Leche y Capuccino); la máquina Dolce Gusto, con sistema multibebidas, que prepara especialidades frías o calientes, combinando cápsulas de café, chocolate, leche y té. Fuera del hogar, Nescafé Milano sirve café Premium en restaurantes, hoteles, cafeterías y demás; mientras que Nescafé Alegría permite disfrutar un café para llevar, que se sirve en universidades, kioscos y otros comercios. + www.nestle.com.ar www.dolce-gusto.com.ar

mundo creativo

+ 029 discos

indie. Además de que su frescura jovial, su poderosa energía para los shows en vivo y su carácter lúdico, la diferencian de la mayoría de los exponentes de la escena que se caracterizan por ser un poco sombríos, o gente no muy divertida...

Su tercer disco de música nueva, que acaba de salir en Europa y USA, con el nombre de Nikki Nack, apuesta más fuerte, en esa impronta de colorear y sacudir la vida con su arte. Editado por el interesante sello 4aD, de Bristol (Inglaterra), el esperado trabajo tiene 13 composiciones extrovertidas, de sonido electrónico, y con el beat siempre presente. Con toda su alocada e interesante imaginación, Garbus creó temas que tienen su lado pop o de EDM, pero con humores, con tintes experimentales, y hasta con ironías hacia los propios géneros en la forma, que usa los recursos típicos. A la vez, todo tiene también una sonoridad poco atractiva y no empalagosa, pues utiliza timbres y sonidos muy bien procesados. Incluso, su voz no es nítida ni la del canto suave, cuidado. Ella enfatiza las cosas, canta en un tono urgente y, a la vez, entretenido y auténtico.

tUnE-yArDs o la empatía rítmica de una niña Detrás del alias tUnE-yArDs, está una joven y simpática americana, llamada Merrill Garbus, que alcanzó un singular éxito en la escena alternativa del rock en 2011, con su gran álbum, Whokill. Su claro desparpajo para componer canciones sin fórmulas clásicas y muy basadas en los instrumentos rítmicos -mezclando elementos del pop, el afrobeat y R&B,- le dieron un lugar único entre la cultura

En este caso, a diferencia del anterior y más rockero Whokill, hay mayor uso de máquinas y programaciones digitales protagonistas, pero no deja nunca de apoyarse en gravitantes líneas de bajo. Es más bailable y ligero que sus producciones previas, y posee una gracia peculiar que lo hace distinto al electro pop que estamos acostumbrados a oír. Mucho tiene que ver su tratamiento de la melodía y lo armónico, que parecen siempre ser guiadas por lo rítmico. Así propone, en este caso, micro mundillos eléctricos y atrevidos, con una soltura insospechada, como si jugara inocentemente a desarticularnos. + http://tune-yards.com/

su primer disco, con el mismo nombre que la banda. La Familia de Ukeleles debe su origen y basamento sonoro a ese instrumento acústico y folklórico de Hawai. El ukelele es una guitarra pequeña de sólo cuatro cuerdas, muy usado actualmente en varias músicas de Centroamérica. Esta banda de siete integrantes parte de su sonoridad, y lo acompaña con otros instrumentos típicos de formaciones orquestales acústicas, a lo que suman sus voces, para crear piezas propias muy relajadas, y versionar -atractivamente- clásicos del folk, el swing, boleros de los 50 y country blues.

La Familia de Ukeleles le da cuerda a la tradición Se trata de una agrupación de músicos argentinos que viene tocando, con éxito, desde hace casi cuatro años, y ahora presenta

Con buen gusto para los arreglos vocales, cantan varios de los músicos. Incluso, alternando la voz líder, juegan con las letras, cantan en distintos idiomas: todo con naturalidad y humores bien atinados. También suman vientos en algunos pasajes y percusiones tradicionales del Caribe. Así suenan rumbas, calipsos y otros entretenidos ritmos que los hacen suyos. Hasta una canción de cuna en el final tiene su propia intimidad. Es ajustada la amalgama que transmite, bien en conjunto, la sensación de músicas tradicionales, con una impronta festiva o costumbrista.

Todo tocado en vivo, con las cadencias necesarias en cada caso.

Muy buen primer registro de esta formación porteña que, en menos de 40 minutos, logra movernos en el tiempo, con paisajes pintorescos y cálidos momentos. + http://vimeo.com/lafamiliadeukeleles

030

+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Huawei Ascend P7

LG G Pad 8.3

El fabricante chino tiene nuevo smartphone estrella: con Android 4.4 y un perfil de 6,5 mm, incluye dentro de su cuerpo de vidrio y metal la posibilidad de tener conectividad LTE, una pantalla IPS de 5” y resolución Full HD, chip de 4 núcleos diseñado por la compañía, 2 GB de RAM, una cámara de 13 MP con sensor Sony, Bluetooth, Wi-Fi, 3G y LTE, GPS, batería de 2500 mAh y uno de sus distintivos: una cámara frontal de 8 MP, con lente gran angular y función panorámica para tomar autofotos grupales. + www.huawei.com/ar/

Una nueva tableta llega al mercado argentino: es el más reciente equipo de LG, con una inusual pantalla IPS de 8,3” (1920 x 1200 píxeles), chip Qualcomm Snapdragon 600 de 4 núcleos a 1,7 GHz, 2 GB de RAM, 16 GB internos y ranura microSD, Bluetooth, Wi-Fi y GPS, cámara principal de 5 MP y frontal de 1,3 MP, batería 4600 mAh, 8,3 mm de espesor y 338 gramos de peso. En venta en la Argentina desde junio, a $ 5500. + www.lg.com/ar

OnePlus One

Samsung Galaxy Tab 4 10.1

Tiene un precio de U$S 300 en el hemisferio norte, viene de China, y es uno de los equipos más comentados del momento, porque sus prestaciones son de muy alta gama: pantalla Full HD de 5,5”, 3 GB de RAM, chip Qualcomm Snapdragon 801 de 4 núcleos a 2,3 GHz, cámara de 13 MP con sensor Sony, batería de 3100 mAh y Android 4.4 modificado (en la versión de CyanogenMod). Además, claro, de Bluetooth, Wi-Fi, GPS y conectividad LTE multibanda. + www.oneplus.net

Samsung renovó su oferta de tabletas, con un nuevo modelo de gama media, con pantalla de 10,1” (1280 x 800 píxeles), 1,5 GB de RAM, chip de 4 núcleos a 1,2 GHz, 7,95 mm de espesor, batería de 6800 mAh, 487 gramos y Android 4.4; entre otras funciones, permite tener más de una aplicación en pantalla, controlar un televisor, etc. + www.samsung.com/ar/

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mundo creativo 031 gadgets

Pentax 645Z

Sony BRH10

Las cámaras de bolsillo están en desaparición, pero las profesionales están ganando en prestaciones, como esta 645Z de Pentax: sensor de 51,4 MP (y una superficie que es 1,7 veces la de un 35mm), ISO 204.800. Enfoque de 27 puntos, 3 fotos por segundo en modo ráfaga, graba video en Full HD a 60 cuadros, tiene una pantalla de 3,2” (articulada) para control del equipo. Precio: U$S 8500 en Estados Unidos, a partir de junio. + www.ricoh-imaging.com

Este control remoto Bluetooth 3.0 no es como cualquier otro. Sirve para gestionar a distancia la reproducción multimedia de una tableta o smartphone. Es resistente al agua y hace algo más: sirve como manos libres inalámbrico, pero por su forma y tamaño, te lo llevás a la oreja como si fuera un teléfono. Requiere un teléfono con Android 4.4, pero esto habilita a realizar búsquedas y acciones con comandos verbales. + www.sony.com.ar

Asus C200 Una nueva portátil con Chrome OS llega a mitad de año a Estados Unidos por U$S 250. Usa un Linux con el navegador Chrome para gestionar la mayoría de las funciones, e incluye una pantalla de 11,6” (1366 x 768 píxeles), chip Intel Bay Trail N2830 a 2,4 GHz, 2 GB de RAM, 16 GB internos Wi-Fi, Bluetooth, USB, HDMI, ranura SD, un poco más de 1 Kg de peso. + www.asus.com/ar/

Gramofon Es un router Wi-Fi, pero es algo más: primero, una fonera, una red de routers hogareños que comparten gratis parte de tu ancho de banda (voluntariamente), para que tengas un Wi-Fi en donde conectarte si viajás. Pero la nueva versión también tiene una salida de audio, y podés mandarle música de Spotify, para que la reproduzca en tu equipo de música. Si vienen tus amigos, también pueden hacerlo en forma sencilla, y sin tener que conectarse al resto de tu red, y planean sumar más fuente de contenido al estilo Chromecast. Precio en Estados Unidos: U$S 50, aunque también podés participar en su campaña en www.kickstarter.com. + http://es.fon.com/

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eventos

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1. Brenda Gandini en la presentación de la colección de Mimo Invierno 14 2. Cintia Garrido asistió a la Copa de las Naciones, invitada por Stella Artois 3. Dolores Fonzi, Wally Diamante y Julieta Cardinali en la presentación de colección Invierno 14 de Clara 4.

Guillermina Valdez, invitada por Alcorta Shopping, recorrió la muestra de Mario Testino en el Malba, a puertas cerradas. 5. Jimena Cyrulnik y su hijo Calder en la presentación de Canciones de La Granja 2. 6. Juana Schindler y Jenny Williams en la presentación de los nuevos vestiditos de Jackie Smith 7. Leo Sbaraglia, fanático de los Tea Latte, pasó por el Tea Connection de Belgrano R, para disfrutar de un rico y sano desayuno 8. Liz Solari y Andrea Frigerio en el desfile de JT Invierno 14, en el marco de DesignersLookBA 9. Flor de la V en la presentación de Ménage À Trois, con el apoyo de HSBC Premier 10. Mía Flores Pirán y Momo Trosman, quien deslumbró a todos con su DJ set en el Malbec Day de Ernesto Catena 11. Romina Fontana (gerente de marketing de Nespresso) recibió a Claudia Fontán en el nuevo local de Unicenter 12. Rosella Della Giovampaola en el almuerzo realizado por la línea de anteojos Karina Rabolini Eyewear +

mundo creativo

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agenda + MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS Hasta 6/07 eMoCiones binarias Un encuentro entre diseño y arte. Trabajos de diseño gráfico realizados por profesionales desde el 2000 hasta la actualidad, y obras de artistas que pertenecen a la colección del Museo, y que hicieron sus primeras exhibiciones en los últimos 20 años.

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Av. San Juan 350, CABA http://museos.buenosaires.gob.ar/mam.htm 29/07 al 1/08 enCuentro latinoaMeriCano de diseño 2014 Novena edición del evento que apunta a la formación, vinculación e intercambio de experiencias entre profesionales, académicos, estudiantes de diseño y empresas. Más de 300 actividades de capacitación gratuitas, con inscripción previa.

Facultad de Diseño y Comunicación de la UP, CABA www.palermo.edu/encuentro 31/07 al 4/08 ardi buenos aires Exposición de artistas plásticos de distintas disciplinas (pintura, dibujo, escultura, fotografía, arte textil, street art y land art), así como de diseñadores de iluminación, mobiliario, diseño sustentable, ecodiseño y diseño de interiores.

Hipódromo Argentino de Palermo, Av. Del Libertador 4101, CABA www.ardibuenosaires.com 21 al 24/08 Presentes! PriMavera 14 29 Edición de la feria de deco, muebles, iluminación, textiles, regalos, mesa y bazar, que promete seguir inspirando a su público.

La Rural - Sarmiento2704, CABA www.presentesonline.com

+ CONCURSOS/CONVOCATORIAS Hasta 27/06 PreMio CMd: diseño en la eMPresa Se premiará la incorporación del diseño como herramienta para alcanzar mejores resultados de negocios. Podrán presentarse diseñadores o estudios de diseño, junto con las empresas o instituciones

Hasta 30/06 ConCurso de diseño Masisa 2014 – Módulos ConteMPoráneos Sexta edición del concurso dedicado a estudiantes y recién graduados de las carreras de arquitectura, diseño y afines. Argentina, Brasil, Chile, México, Perú, Colombia, Ecuador y Venezuela serán los escenarios en los que el certamen cobrará vida. La temática “Módulos Contemporáneos” fue definida a partir de un proceso de co-creación abierto, del que participaron alumnos de toda Lati-

con las que hayan trabajado en conjunto, para desarrollar un proyecto en el que la incorporación de diseño, entendido como un proceso de gestión, haya jugado un rol fundamental. www.cmd.gov.ar Hasta 30/06 Hiii illustration 2014 Contest El concurso internacional abre su convocatoria a ilustradores, profesionales creativos, editores, agencias, representantes, estudiantes y profesores. El concurso posee dos categorías: comercial y no comercial.

Un jurado de renombre internacional, del cual 90+10 será parte, junto con Olaf Hajek (Alemania), Adhemas Batista (/Brasil), Steve Simpson (Irlanda) y Saiman Chow (USA), seleccionará a los ganadores. Se reconocerá un Gran Prix, los mejores 20 trabajos (20 Best Works) y se entregarán 200 menciones a obras destacadas. Las obras seleccionadas serán compiladas en la App Hiii Illustration del Mac Apple Store. hi2012@hiiibrand.com | www.hiiibrand.com Hasta 9/08 ConCurso de diseño FedeMa 2014 - Juguetes en Madera Dirigido a oficinas y profesionales vinculados al diseño, estudiantes avanzados de carreras afines, y a fabricantes del sector juguetes con diseños originales, de Argentina. Serán recibidos trabajos pertenecientes al rubro juguetes, cuya materia prima sea principalmente madera maciza de forestación o nativa de manejo responsable, y los proyectos deberán evidenciar la racionalización y optimización de su empleo. Organizado en el marco de la FEDEMA, VI Feria Internacional del mueble y la madera, a realizarse del 9 al 12/10 en Formosa. www.fedema.com.ar | concursojuguetes@fedema.com.ar Hasta 9/08 ConCurso de diseño FedeMa 2014 – Muebles en Madera Dirigido a oficinas y profesionales vinculados al diseño y, a estudiantes avanzados de carreras afines de Argentina. Serán recibidos trabajos pertenecientes al mobiliario de hogar (estar, dormitorio, ocio, alimentación, etc.), institucionales y oficina (mobiliario de trabajo, reunión, escolares, contract, etc.). La materia prima utilizada será principalmente madera maciza, y los proyectos deberán evidenciar la racionalización y optimización de su empleo. Organizado en el marco de la FEDEMA, VI Feria Internacional del mueble y la madera, a realizarse del 9 al 12/10 en Formosa. www.fedema.com.ar | concursodisenio@fedema.com.ar

noamérica. Se recibieron 500 temas y, luego de un proceso de votación (cerca de 1.400 votos) se eligió la temática de la alumna Ana Paula Magalhães Esteves, estudiante de arquitectura y urbanismo de la Universidad PUC MG de Brasil.

La propuesta consiste en diseñar muebles modulares, que satisfagan necesidades contemporáneas del día a día, y a reinventar y desarrollar un mueble para el hogar, del tipo RTA (Ready to Assembly). Asimismo, los

concursantes deberán demostrar a través de sus proyectos que son capaces de elaborar un mueble adaptable a diferentes espacios.

Los diseños deberán ser inéditos, no estar en producción actual, y ser de autoría de los participantes. Además, deben ser una solución factible en términos técnicos, y con proyección comercial. Tendrán que distinguirse por ser estéticos y funcionales, sustentables (en cuanto al uso de materiales y procesos amigables con el medio ambiente) y, además, poseer factibilidad industrial e innovación.

ConCurso Por etaPas El concurso posee dos etapas de premiación: una a nivel nacional -que se realizará en forma simultánea en todos los países en los que Masisa está presente-, y una instancia final, internacional. A nivel local, un jurado de expertos distinguirá las tres mejores propuestas, asignándoles a cada una la distinción oro, plata y bronce, respectivamente. Quien reciba el máximo galardón, será quien acceda a la final.

La etapa internacional se desarrollará en la Ciudad de México, en el mes de noviembre. Allí se entregará al ganador un pasaje y 1.000 euros para visitar una de las ferias de diseño más importantes del mundo, entre Alemania, Estados Unidos, Francia, Inglaterra o Italia. + www.masisa.com/arg/

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James Sommerville

El diseño como manera de pensar Desde hace un año, es el VP Design global de Coca-Cola, liderando un equipo de diseño establecido en todas las regiones del globo. Trabajó anteriormente para la marca en mega proyectos globales, como la Copa del Mundo 2010 o los Juegos Olímpicos Londres 2012, pero desde Attik, la agencia creativa especializada en branding e identidad visual que cofundó hace 25 años en Londres. En esta entrevista, nos cuenta sobre la importancia del diseño para una de las compañías más grandes del planeta, así como su paso del mundo entrepreneurship al corporativo. | Texto y foto: Gonzalo Fargas @gonza9010

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Parte importante de la entrevista a quien hoy guía las decisiones de diseño de, tal vez, la marca con mayor reconocimiento en la historia, fue la experiencia misma de visitar la sede central de Coca-Cola en Atlanta, EE.UU., y vivenciar en primera persona cómo los detalles cuentan en la construcción del valor de una marca.

Desde el momento en que llegué a la dirección 1 Coca-Cola Plaza, cada detalle parecía ser parte de un guión, que buscaba que tuviera una experiencia única; que me sintiera único. Desde la foto de seguridad (que tiene que ser sonriendo), la bienvenida que me dieron una pantallas en mi brevísimo paso por la sala de visitantes, el esmerado relato de Lynne (la asistente de James), contándome cómo funciona la instalación de arte digital del lobby, la invitación a servirme mi bebida de una decena de máquinas y heladeras y, finalmente, ser recibido -sin ningún protocolo- por James, en una oficina cero corporativa, invadida por bocetos, libros, pósters y paneles con trabajos creativos, en donde se podían leer frases como “This is our moment”. + ¿Cómo es trabajar y diseñar para una de las marcas más grandes de la historia?

JS Me atrajo el rol de la posición. Lo vi como una oportunidad para cambiar el mundo desde el diseño para, a través de éste, cambiar la manera en que piensa la gente, cambiar cómo funciona el negocio, hacer cosas buenas, diseñar grandes cosas. Si puedo hacer algo bueno mientras estoy en la más grande y maravillosa marca del mundo, Coca-Cola, entonces sentiré que habré hecho algo bueno en la vida. + Lo que pensas y hacés tiene un impacto grande, llegando a mucha gente...

JS Obviamente, Coca-Cola es una marca global, y todo lo que producimos viaja a todo el mundo. Cuando comencé mi propio estudio de diseño en el Reino Unido, Attik, hace 25 años, mi empresa era chica, pero quería ser una compañía grande. Era joven, entrepreneur, quería ser grande. Ahora que estoy en una gran empresa, quiero pensar en chico. Quiero pensar como una startup, pensar rápido, moverme rápido, porque las grandes corporaciones, generalmente, se mueven más lento, porque son muy grandes. Trato de aportar una mentalidad de movimiento rápido. Somos como una boutique

dentro de un gran barco. + ¿Es un buen momento para los entrepreneurs dentro de grandes compañías?

JS Absolutamente. Los llaman intrapreneurs. En el mundo que vivimos hoy, ninguna compañía puede sobrevivir (especialmente, las grandes compañías) sin innovación. Sin ella, estás muerto. Al menos que quieras ser Kodak... Y la innovación requiere de una mentalidad rápida. Prototipado rápido, fallar, chequear, seguir adelante, rápido, rápido, mientras el negocio sigue operando en una escala masiva. Pero creo que la mentalidad de entrepreneur funciona muy bien en el mundo actual de grandes compañías.

Tal vez, diez años atrás, las grandes compañías no necesitaban entrepreneurs. Y Coca-Cola es muy inteligente en cómo lo hace hoy. Trae gente de afuera y, su vez, promueve gente de adentro, generando una combinación entre adentro y afuera. Entonces, tenés gente que entiende el negocio, que creció con el negocio y además, es muy inteligente; y tenés gente que no entiende el negocio, como yo, que tiene un punto de vista diferente. Cuando ponés esos pensamientos distintos juntos, en teoría, tenés algo que se siente correcto para la marca, pero al mismo tiempo, se siente como algo diferente. Cuando se comunica, se puede sentir como algo nuevo y fresco; es una buena combinación entre afuera y adentro. + ¿Qué tan importante es el diseño para Coca-Cola hoy?

JS Creo que para Coca-Cola, el diseño hoy es como el pegamento visual que une todo, que atraviesa todo. Por supuesto que es el packaging, pero también digital, la publicidad en las calles, los camiones, todo lo que Coca-Cola hace. Si vas a los archivos, en el sótano, hay 125 años de marketing. Es una compañía de marketing. Y el diseño siempre fue importante para Coca-Cola. + ¿Siempre fue igual en toda la historia de la compañía?

JS Tal vez en algunos momentos más y en otros no; no estoy al tanto de todo lo que se hizo en cada década. Pero si miramos para atrás, en el comienzo, tenemos la botella de vidrio de Coca-Cola. El año que viene cumple cien años, ya que fue diseñada en 1915. Podríamos decir que es un ícono del diseño, del diseño comercial. Y uno de los más exitosos. El diseño estuvo ahí, desde el comienzo. Tal vez, en

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+ Algunos de los pósters del proyecto 100 Years Contour Celebration - Icon Mashup.

los años esto fue cambiando, pero actualmente, para la compañía, el diseño es fundamental, y de altísimo valor para la organización.

Es un momento excitante para estar en Coca-Cola. + ¿Cómo es diseñar globalmente?

JS Tiene que ser escalable y modular, porque lo que puede funcionar en tu mercado, Argentina, tal vez no funcione en Francia, en Tokio, en Rusia. Y Coca-Cola está en todo el mundo. Entonces, cuando se diseña, se diseña un sistema de diseño, que tiene que funcionar en cada mercado. Tratamos de diseñar en un modo que llamamos “framework”. Un marco, pero que la imagen del medio puede ser pensada localmente. Se puede localizar en Tokyo, en Argentina o en EE.UU., pero si se ponen juntas, se puede ver que son la misma pieza de trabajo. + ¿Cómo está compuesto el equipo de diseño global?

JS Tenemos líderes de diseño, como el argentino Julio Ferro, en Latinoamérica. También tenemos en Asia, Europa, Japón, China, etc., que trabajan con las agencias locales. + ¿Cualés son los límites para diseñar en Coca-Cola?

JS Definitivamente, tenemos límites. Siempre miramos nuestros principios de diseño. Uno es el que llamamos “Bold simplicity”. Tiene que ser muy simple, pero a la vez, muy poderoso. Por ejemplo, algunas de las piezas que diseñamos recientemente, están basadas en este principio. (N.d. R.: Señala el libro sobre el proyecto de la Copa del Mundo Brasil 2014). El segundo principio es “Authenticity”: hay una sola Coca-Cola, y queremos que nuestro diseño sea original, auténtico. No queremos copiar y pegar de lo que hacen otras marcas. Queremos ser auténticamente Coca-Cola. El siguiente principio es “Power of red”, el rojo es -obviamente- nuestro color dominante, y nunca puede cambiarse por otro color. + ¿Cómo trabajaron para la campaña de la Copa del Mundo, Brasil 2014?

JS Es una campaña global, para todos los mercados. Pero le cambiamos los colores en cada país, para que sea bien nacional. La

gente se vuelve muy patriota, y quiere apoyar a su equipo. Entonces, diseñamos de una manera en que puede ser celeste y blanco en Argentina; amarillo, verde y azul en Brasil; rojo y blanco en el Reino Unido. Es un sistema modular, pero con el mismo diseño. Es como si les pidieras a cinco niños que coloreen un libro de líneas negras con unos crayones: cada uno lo va a colorear distinto, pero la línea negra es la misma. Acá creamos la línea negra, y permitimos que en cada mercado lo coloreen de manera diferente. + ¿Qué es lo más interesante de diseñar para Coca-Cola?

JS Lo que es excitante de trabajar en Coca-Cola es que te da la posibilidad de crear algo que es realmente nuevo. Hacer el trabajo gráfico está bien, puedo hacerlo. Pero ser parte del equipo que crea e inventa algo que ayuda a cambiar el mundo, eso es lo interesante. Eso es lo interesante de la innovación, porque ya no es más diseño gráfico, es una manera de pensar. Es “Design Thinking”. Y puede ser en algo totalmente nuevo, puede ser tecnología, puede ser algo muy simple.

Puede ser transporte, o algo relacionado al agua, al bienestar, o la mujer. Y ayudar a otros entrepreneurs y a gente joven. Eso es lo interesante de Coca-Cola, que puede hacerlo. La oportunidad excitante en Coca-Cola, es la manera en que se piensa, se quiere hacer algo más que sólo diseño gráfico, ser parte de los que innovan.

DE LA ESCUELA DE ARTE A LA CORPORATIVA James Sommervile cofundó Attik en 1986, en Yorkshire, UK, desde donde trabajó hasta abril de 2013 para proyectos de diseño global de varias marcas como Coca-Cola, adidas, Sheraton, Virgin Atlantic, Nike y Baileys. Entre distintos premios y reconocimientos, se destaca el que recibió de la reina Isabel II de Inglaterra, como “Lo mejor del diseño británico”. + ¿Por qué elegiste el diseño como carrera?

JS ¡Oh, Dios! Yo era... dejame mostrarte. (N.d.R.: Me muestra una foto en blanco y negro de un adolescente punk, con una gran cresta). Éste era yo a los 16. Fui a la escuela de arte, sabía dibujar. Era ambicioso, pero en una forma pequeña. Y el diseño parecía ser una buena manera de expresar mis pensamientos en ese momento.

+ 037 + ¿Cómo es tu proceso para crear?

JS Me entrené en la vieja escuela. Dibujo, uso marcadores, marco libros. Soy un afortunado por haber estado en el final de esa era, a mediados de los años 80; después vinieron las computadoras en los 90. Sigo comenzando a trabajar de la manera anticuada, haciendo bocetos, algo como para mostrar mis ideas, pero por supuesto, rápidamente, luego paso a una tablet o una Mac. Pero en el comienzo, siempre son dibujos, bocetos que hago cuando viajo. Cuando vuelo, es un buen momento para hacerlo. + ¿Dónde encontrás inspiración?

JS Viajando. Conociendo gente. Trato de cambiar mi oficina: no quiero lucir corporativo o sofisticado. Es una manera de expresarme personalmente. Hay cosas en el piso, imágenes. Cuando la gente viaja, me trae libros, revistas de Tokio, Londres o Buenos Aires, y traen inspiración de vuelta de distintas partes del mundo. Qué es cool en París en este momento, o en Ámsterdam, y compartir eso con nuestros diseñadores. Disfruto mucho trabajando con diseñadores de todo el mundo, me hacen ser un mejor diseñador y no estar encerrado en mi propio mundo.

100 YEARS CONTOUR CELEBRATION - ICON MASHUP Para este proyecto, James buscó los viejos pósters de la marca, y se los envió a todos los diseñadores del equipo global, para que los rediseñaran y modernizaran, con el objetivo de celebrar los cien años de la botella Cotour.

Julio Ferro, Design Manager de Coca-Cola para Latinoamérica, nos cuenta sobre este proyecto: “Fue como un ejercicio de taller, simultáneo y global. Me llega una invitación a participar que era justamente un póster, que sólo tenía una imagen de un pisapapas y una botella con la palabra “mashup”. Participamos todos los design managers del mundo, y tuvimos el lujo de que los jurados fueran Margaret Calvert y Lance Wyman. Margaret Calvert es toda una leyenda, tipógrafa, diseñadora, ilustradora.

Junto con Jock Kinneir diseñaron todo el sistema de señalización vial y del British Railroad del Reino Unido, a fines de 1950. Y Wyman diseñó los sistemas de diseño para las olimpíadas y para la Copa del Mundo de México 1970. Yo tomé de inspiración el brief original para el diseño de la botella, que pedía que, incluso rota, pudieras identificarla. Y quedó seleccionado. Los finalistas fueron impresos en serigrafía”.

+ ¿Qué pensás de las marcas en general? ¿Qué desafíos tienen?

JS Creo que ahora es más desafiante. Ya no se puede confiar en los viejos métodos. Tienen que converger entre las grandes multinacionales y las pequeñas startups. Hay que aprender y colaborar con las pequeñas marcas, no por el tamaño, sino por lo artesanal. Bebidas y comidas artesanales, de nicho, son una oportunidad para CocaCola, pero también para otras marcas. Las marcas emergentes las encuentro muy excitantes. Como también encuentro muy excitante a marcas como Coca-Cola, que están muy establecidas, pero tienen que mantener el liderazgo. + ¿Cómo fue pasar de tener tu propia agencia a ser el VP Design Global de Coca-Cola?

JS Es diferente. Veo mi tiempo en una corporación como Coca-Cola como una universidad: nunca fui a una escuela de negocios, nunca tuve esa formación formal. Cuando tenés tu propio negocio, hacés todo. A veces funciona, y a veces no. Y acá me estoy educando y aprendiendo. En esta etapa, la segunda mitad de mi carrera, quiero entender el pensamiento de una organización global. Así que siento que estoy de vuelta en la escuela. Primero, la escuela de arte, y ahora, la escuela corporativa. Aprendiendo, aprendiendo, aprendiendo.

+ El póster del argentino Julio Ferro, Design Manager de Coca-Cola para Latinoamérica.

LA COPA DE TODOS El concepto visual de la campaña global para la Copa del Mundo Brasil 2014 fue realizado junto con el artista callejero brasileño Speto. El proyecto fue dirigido desde el comienzo por James Sommerville, cuando él todavía trabajaba en Attik, y luego lo continuó como VP Design de Coca-Cola. Esta identidad visual le dio vida a numerosos elementos, que incluyen packaging (como la botellitas de aluminio), puntos de venta, marketing digital, material promocional e, incluso, a la acción “La Bandera de Todos”, una bandera del tamaño de una cancha de fútbol diseñada por Speto, conjuntamente con el artista argentino Tec. La bandera es, en realidad, un Photomosaic gigante, el más grande de la historia, construido con fotos y mensajes de Twitter, enviados por fanáticos de todo el mundo. Más info: www.happinessflag.com/ + www.coca-cola.com + Campaña global para la Copa del Mundo Brasil 2014.

Link a la nota: http://9010.co/jamessommerville

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Alfred Fellinger El don del equilibrio

Con 50 años de trayectoria, Alfred Fellinger presenta su libro. Un compendio de su vida, su sólida carrera profesional, su animado estilo de vida y su maravilloso legado. Fue gerente de ventas de las principales casas de muebles de diseño del país, diseñó interiores en su propio estudio, creó (y aún crea) alfombras, mesas, sillas y otras piezas de mobiliario, presidió DArA, expuso con creatividad en infinidad de ediciones de Casa FOA y es docente de los futuros profesionales del país. A continuación, cómo piensa y siente este dandy alemán. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

“Me gusta aquel dicho de Mies de que menos es más… y también aquel de que dios está en los detalles”, parafrasea Alfred Fellinger a van der Rohe, el arquitecto y diseñador alemán. Tal vez sean sus propias raíces las que hablan, desde el fondo de su inconsciencia. Y uno dice fondo, porque su voz llega como desde un sitio profundo.

Es gruesa, intensa, e igualmente amigable. Es transparente y cabal, sincera y astuta: un combo infalible.

Alfred es un dandy, pero no francés, bien alemán. Tiene el porte y los modos de un ser clásico, en el sentido más desfachatado del término.

De aquél que sabe cuidar los detalles que dan vida a un conjunto bien terminado, sumamente estético y, ante todo, funcional. Y aún así, se las rebusca para sorprender; todo en una dinámica que no es forzada ni intencional, sino fruto de un proceso natural. En definitiva, en el universo de Alfred, cada espacio tiene su lógica y guarda su

equilibrio. Sólo hay que saber leerlo.

“Creo que mi misión, como profesional, es hacer que la gente viva mejor. Esa la tengo clara, me la enseñaron desde chico”, explica en una entrevista incluida en su libro. Y uno se lo imagina, al hombre que tiene enfrente, poniéndole el cuerpo a la frase, haciéndola carne.

“La estética tiene que ver con todo en la vida”, retoma, “tiene que ver con cómo comés un huevo duro, en qué plato lo ponés. Para mí, todo está ligado a la estética”.

Lo dice el hombre que supo que quería ser interiorista cuando la profesión, como tal, aún no existía. El hombre que trabajó desde muy joven en Interieur Forma –más tarde lo haría en Only y en la hoy Colección-, un espacio en el cual recibía y descubría los muebles mejor diseñados del mundo, y desde donde asesoraba a clientes

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+ Casa ES. Proyecto de arquitectura: Arq. Nazareno de Souza. Proyecto de Interiores: Estudio Fellinger. Equipo: Ricardo Moretti y Roberto Ingaramo.

que luego lo seguirían toda la vida, hasta convertirse en amigos.

El hombre que trabajó con los mejores arquitectos del país. Que deslumbró en sucesivas Casa FOA. Que fue presidente de DArA (Decoradores Argentinos Asociados). Que se radicó en Alemania como representante de la casa milanesa DePadova. Que trabajó junto a profesionales de la talla de Eduardo Aldacour, Martín Zanotti y Patricia Urquiola. Que volvió a Buenos Aires. Que lleva su propio estudio. Que es padre, abuelo, amigo y un fantástico anfitrión de fiestas. Y tanto más.

LAS BASES Hay cosas que nacen con uno, y otras que se heredan. En efecto, la cuna de Alfred lo moldeó para lo que se vendría. Muebles de la Bauhaus vestían el salón de su casa, donde su madre alemana, Sophie Velten, daba vida a vestidos de lo más originales. Una diseñadora de indumentaria que le inculcó un amor profundo por la naturaleza, y un rechazo por lo sintético y artificial. “De mi madre aprendí a animarme a hacer lo que siento, y heredé su amor por los telares”.

Su padre, Michael Fellinger, era austríaco, y trabajaba en la industria hotelera. Alfred se nutrió de su rigurosidad, y del ceremonial y la etiqueta que hacen a una buena mesa. Dos seres mágicos de un hogar en donde se respiraba arte.

El pequeño asistió a un colegio alemán y, a los 18 años, el trilingüe Fellinger intuyó que su destino estaba en el interiorismo. Perseverante y disciplinado, se presentó tres veces al prestigioso local de Interieur Forma para pedir empleo, hasta que, finalmente, lo tomaron como cadete. Cuatro días más tarde, el joven Alfred ya era vendedor.

“Fue un trabajo muy estimulante, porque no era una mueblería más.

Los dueños eran tres austríacos: Martín Eisler, Arnold Hakel y Susi Aczel”. Corría 1962, y por ese entonces, el interiorismo consistía en una buena elección de muebles, tapices y cortinas de estilo, tal como ilumina Miguel Jurado (arquitecto y editor adjunto del suplemento de arquitectura del diario Clarín) en su libro. Fue Eisler uno de sus grandes maestros, junto al cual fue sentando las bases de su futura profesión.

A lo largo de esos prolíficos años, los muebles que importaba la firma fueron nutriendo un catálogo personal que aún figura en su memoria visual, como una biblioteca impoluta. A su vez, cada trabajo lo desafiaba con cuestiones de conjunto, composición, modulación y funcionalidad. “Dos veces al año hacíamos cócteles para presentar los lanzamientos. Yo armaba los eventos y las vidrieras. Marta Minujín hacía esculturas de queso, que la gente desarmaba al comer.

Era la época del Di Tella, una revolución del arte y el diseño”, relata.

Llegado 1982, Alfred decidió abrir su estudio como diseñador independiente. Su pasión y dedicación lo impulsaron, y así llegaron sus primeros trabajos: equipamientos para oficinas, despachos gerenciales, salas de reuniones y espacios de espera. El arte aparecía en sus obras, de la mano de firmas de la talla de Rogelio Polesello, Josefina Robirosa y Clorindo Testa. + ¿Cómo definís tu estilo?

AF Moderno y totalmente purista. Tuve la suerte de tener veinte años de carrera con los mejores arquitectos del mundo, que eran

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+ Alfred Fellinger - Keep Going, el libro que retrata los 50 años de trayectoria de Alfred.

+ Casa AC. Proyecto de arquitectura: Bodas Miani Anger. Proyecto de Interiores: Estudio Fellinger. Equipo: Ricardo Moretti.

+ Casa GS. Proyecto de arquitectura: Arq. Carlos Alberto Cucciolla. Proyecto de Interiores: Estudio Fellinger. Equipo: Ricardo Moretti. Iluminación: Arturo Peruzzotti.

contratados por Knoll para hacer obras para ellos. Trabajé con grandes y eso fue un gran aprendizaje. Eso me moldeó.

brio, que nace de una comprensión y dominio total de un espacio.

Del minimalismo más acérrimo hasta un mueble decimonónico, un textil precolombino o un mueble de Interieur, Alfred sigue su instinto, como en cada muestra de Casa FOA, como en cada trabajo, cada vez. En su “menos es más” hay algo que se revela. Sus ambientes tienen alma.

+ ¿Cómo trabajás?

AF Tengo que ir al lugar, sentirlo, palparlo. Y me gusta el trabajo interdisciplinario, algo que hago hace muchos años. Arquitecto, interiorista, iluminador, paisajista y propietario. Así uno puede pensar el espacio en su conjunto, y proyectar su evolución. + ¿Qué te inspira?

AF Miro mucho. Me gusta lo que está bien hecho, lo que tiene escala, las cosas con utilidad. Me gusta una pasta con pesto en una buena vajilla. Yo les digo a mis alumnos que, donde estén, abran los ojos y miren, porque mirando se descubren cosas maravillosas. Y también les digo que abran la cabeza y que siempre hagan lo que sienten.

LO SIMPLE La tapa del libro “Keep Going. Alfred Fellinger” es una foto tomada por Fabio Borquez. “Esto soy yo”, detalla Alfred. “Me gusta esto. El hormigón, una silla de diseño y listo. Nada más. A veces, he pensado que soy ideal para hacer clínicas y sanatorios”, bromea (o no tanto). La simpleza es, para este diseñador, un concepto que se aplica a muebles, ambientes, estados de ánimo. Una cualidad que ordena, que acompaña un sentido de la estética natural, que no requiere de explicación. “Creo que las cosas más simples son las más elegantes”, detalla.

En los trabajos de Alfred hay, además, una búsqueda de un equili-

Link a la nota: http://9010.co/alfredfellinger

+ ¿Cómo es la relación con tus clientes?

AF He aprendido a tener buena relación con todos. Las relaciones son muy importantes, y me inspiran. Aunque parezca extraño, me inspira profundamente el respeto por el otro. + ¿Cómo te llevás con la tecnología?

AF Me encanta todo lo nuevo, y siempre estoy buscando. En una FOA, coloqué una pantalla con láser disc cuando todavía no se hacía. Proyectábamos cantantes de ópera, y la gente se sentaba a mirar y a comer maní con chocolate, que renovábamos todo el tiempo. + ¿Qué disfrutás hoy de tu trabajo?

AF Me gusta mucho trabajar con estudios de arquitectura. Se genera un vínculo con los arquitectos, que a mí me da mucho placer.

Es muy importante divertirse y pasarla bien. Y también me gusta el intercambio con la gente joven, y conocer nuevas propuestas. Siempre va a haber diseño, pero lo que también es importante, es no maltratar a lo que alguna vez fue bueno. Como el arte, el diseño es absolutamente necesario para el ser humano. + www.fellinger.com.ar

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personas creativas 043 ilustración

Tomi Ungerer El niño subversivo

Desde libros para chicos, hasta erótica y pósters de propaganda política. A sus 82 años, el ilustrador alsacianofrancés Tomi Ungerer sigue siendo inquieto, curioso y eternamente autodidacta, con una sed insaciable por aprender y producir lo más posible, mientras sus manos y su mente se lo permitan. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

EL COMIENZO NAZI Tomi creció en Alsacia, donde pasó por la ocupación nazi de la Segunda Guerra Mundial. Recuerda que como no era un buen estudiante, los nazis alentaban su prematuro talento artístico para crear “un artista para el Führer” tratando -sin éxito- de lavar cualquier pensamiento propio que pudiera existir, para ser reemplazado por propaganda política pro-Alemania. Ésta es la raíz que explica el resto de su vida, la brusca realidad en sus libros para chicos, la retorcida mente humana de su erótica y, más directamente, sus pósters anti-Vietnam. “Yo era un francés con mi familia, un alemán en la escuela, y un alsaciano con mis amigos. Dibujaba mis propias cosas en casa, pero cuando estudiaba, hacía propaganda. Ese fue el primer estilo que tuve, y nadie entendía mejor cómo manipular los simbolismos gráficos que los nazis”.

disparo que él absorbe… No hace falta decir que dichas imágenes reflejan un tono inusual en la categoría de sus pequeños lectores, una vuelta de tuerca que lo consagró -con el tiempo, al menos- y, a su vez, lo condenó entre los críticos más tradicionalistas.

El reconocido autor-ilustrador Maurice Sendak era un gran amigo de Tomi: los dos se caracterizaron por recibir la ayuda de la editora Ursula Nordstrom en la editorial Harper & Row, quien les permitió

El tiempo pasó y, obedeciendo a su madre contra su voluntad, Tomi fue a la École des Arts Décoratifs por un año -que no parece haberle dejado mucho-, por lo que optó por desarrollar su propia educación.

“Al principio, mis dibujos eran terribles, pero tengo una disciplina sistemática, que me permite siempre seguir mejorando. Así que empecé a copiar todo, para aprender cómo dibujarlo, lo cual se acumuló a modo de conocimiento, coleccionándolo, para después poder comparar y, más tarde, usar mi imaginación”.

Esta necesidad de aprender y mejorar, sin una meta más allá de la vida misma, muestra algo de esa ansiedad de guerra que le dejaron de souvenir los nazis, lo cual él considera aún peor que el miedo, porque nunca más te abandona. Un buen ejemplo de estas secuelas es su libro para chicos “Otto: The Autobiography of a Teddy Bear” (1999), en donde un peculiar osito de peluche le pertenece a un niño judío durante la Segunda Guerra Mundial. Al nene se lo llevan los nazis, y Otto termina volando por una explosión. Entonces, cae en las manos de un soldado a quién le salva la vida, gracias a un

+ Otto (Diogenes Verlag, 1999).

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com

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+ The Mellops Go Flying (1º edición, Harper & Row, 1957).

romper los límites de libros infantiles establecidos hasta el momento. Tomi había llegado a Nueva York en 1956 con 60 dólares en el bolsillo, y un cajón lleno de dibujos. Al año y medio, ya tenía editado su primer libro “The Mellops Go Flying” (1957). Una vez, Sendak dijo que su libro más conocido, “Where the Wild Things Are”, pudo en parte existir, gracias al talento y al espíritu que Tomi ya había impregnado en la literatura infantil: “Él les permitió a los niños americanos ser tratados como las criaturas inteligentes que bien sabemos que son”.

LOS ESTADOS UNIDOS Tomi se enamoró de Norteamérica leyendo revistas americanas en la American House de su ciudad natal; era la tierra de oportunidades que le permitiría brillar en todas sus facetas. Su dibujante favorito, aún hasta el día de hoy, no podía ser otro más que Saul Steinberg, el genio de la síntesis de la línea y del pensamiento. Así que llegó en buque a Nueva York, se acentó y, en algún momento, mis dos artistas preferidos de todos los tiempos lograron cruzarse en el estudio de Steinberg. Cuando le pregunto al respecto en nuestra charla de Skype, Tomi se ve notablemente incómodo, le dice algo a su hija Aria -que está escondida por ahí-, y entiendo que él no me quiere contar, “porque es algo personal” y ella le insiste que sí. “Es el mejor dibujante del siglo… Lo fui a ver y no funcionó, porque en ese entonces, tenía una novia que no me cayó bien. Y yo, que nunca fui de quedarme callado, se lo dije, y no le gustó nada”. Pagaría lo que no tengo por haber estado ahí.

Los tiempos eran otros, y Tomi tenía ideas en todo tipo de direcciones, siempre en la búsqueda de una identidad que le unificara todos sus mundos. “En ese entonces, uno podía llamar a los directores de arte, y te abrían las puertas para que les muestres tu trabajo sin ningún problema. Entré en una oficina, y me dieron un contrato y un adelanto por un libro que todavía ni tenía”. A pesar de que hoy Tomi dice ser casi alérgico a sus primeros trabajos -como si fueran algo

+ Fornicon (Grove Press, Inc., 1969).

así como hijos bastardos que reflejan muchos de sus fracasos-, antes de cumplir sus primeros diez años en NY, ya llevaba editados más de veinte libros, sumado a su éxito y popularidad como ilustrador publicitario y editorial. “A mucha gente le costaba entender qué hacía,

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A sus libros le siguieron campañas publicitarias para Pepsi, The New York Times y TWA, ilustraciones editoriales para las revistas más reconocidas y hasta comerciales televisivos, lanzándolo a la fama como una especie de remolino. Pronto llegó la guerra de Vietnam, y Tomi no pudo tolerar la idea de que algo así volviera a repetirse, después de las atrocidades que había presenciado de chico. Por lo que en un solo día, en que la ira le sirvió como una inmensa fuente de inspiración, empezó y terminó una serie de pósters anti-Vietnam, que marcaron la mente de millones de personas para siempre. “La guerra me enseñó a entender la contracara de lo absurdo, como por ejemplo, cuando los franceses nos liberaron de los alemanes y después, ellos mismos fueron los que se encargaron de quemar todos los libros de la biblioteca, haciendo lo que uno hubiese esperado de los nazis. La realidad tiende a ser absurda, son más o menos lo mismo, porque todo es relativo: si ponés a una hormiga al lado de un charquito, para ella, es una pileta”.

En el 67, se edita “Fornicon”, un libro de sátira erótica que ilustra explícitamente el sexo mecánico en América, a modo de burla del comportamiento languidecido de la sociedad. Al año, le sigue “Totempole”, con mujeres en situaciones sadomasoquistas, usando un estilo más ecléctico. Tomi creció en un ambiente 100% puritano, por ende, el filo sexual en su trabajo floreció algo más tarde en su vida y, una vez que se lanzó, lo hizo sin límite alguno. “Un día me encontré con una chica que buscaba un empleo, había visto una película erótica, y ahora quería un amo para ser su esclava. Yo la tomé encantado, y de ahí salieron muchos de mis dibujos de bondage”.

+ Poster Eat (Anti-Vietnam).

porque estaba metido en muchas cosas diferentes. Todos intentan rotularte, como la mayoría de los artistas que usan el mismo estilo durante toda su vida. Pero para mí, sería muy aburrido. Con cada libro tengo que probar algo nuevo”.

En fin, no pasó mucho tiempo hasta que alguien notó los opuestos de Tomi: “Todo explotó una noche en que fui invitado a hablar en una convención de libros, y alguien me atacó porque hacía libros infantiles y erótica, a lo que yo respondí que, para empezar, si la gente no tuviera sexo, no existirían los niños. Fue lo peor que pude decir.

Los chicos saben de dónde vienen, no son estúpidos; lo que yo no sé, es de dónde vienen los adultos”.

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+ Fog Island, uno de sus libros más recientes (Phaidon, 2013).

De la noche a la mañana, Tomi pasó a ser una especie de enemigo público: “Estar de su lado, era estar del lado incorrecto”, reflexionó Sendak. Entre tantos otros, hasta el crítico de libros para chicos de The New York Times se reusó a hablar de los libros de Tomi, y a su vez, fueron prohibidos en todas las bibliotecas del país, y se dejaron de imprimir. Los setentas marcaron, abruptamente, el fin de su momento de gloria en los Estados Unidos, y en 1971, se mudó con su mujer a Nueva Escocia, Canadá. Cuando tiene que resumir su relación de amor y odio con este país, Tomi concluye: “Sin desesperación, no hay humor. Mi erótica nunca le molestó a nadie en Europa, pero en América, las normas son malas, se meten en la vida de todos, y les dicen cómo vivir. No es para mí”.

VIVA EUROPA Cuando Tomi y su tercera esposa Yvonne decidieron tener familia, en 1976, se mudaron a Irlanda y criaron tres hijos, se enamoraron tanto de la belleza y de la historia del país, que nunca más se fueron. Pasaron 23 años para que Tomi, finalmente, volviera al rubro que tan bien lo había tratado y que, a su vez, tan fácilmente parecía haberlo despojado de sus laureles. El libro elegido fue “Flix”, la historia de una pareja de gatos que tienen un bebé perro, con todas las contradicciones que eso implica, y cómo se las ingenian para salir adelante; una clara analogía acerca de la unión de razas en el mundo de los humanos.

Los años no vienen solos, y Flix parece mostrar una fuente de inspiración diferente en la vida del autor. “A pesar de que hay muchas cosas que dan miedo en mis libros, para equilibrar ese aspecto, en mis relatos, los chicos nunca están asustados. Es parte de mi autobiografía, porque cuando pasé por la guerra de pequeño, no recuerdo que mi madre tuviera miedo. Nunca me tomé mis libros infantiles muy en serio; lo hacía más bien para olvidarme de todo el resto.

Cuando volví a hacer libros para chicos, lo hice con un propósito muy diferente”. Lo cual, sin duda, hizo a la diferencia, ya que al año siguiente, Flix recibió algo así como el Pulitzer en los premios de libros infantiles, el Hans Christian Andersen Award. (N.del R.: En

2008, la editorial Phaidon Press empezó a reeditar los libros para chicos de Tomi en los Estados Unidos).

Una de las frases de Tomi que más resuena a través de los años, es que los chicos deberían ser traumatizados si se les quiere dar una identidad, auto-denominándose como la pesadilla de todo pedagogo. “Mi vida es un cuento de hadas con todos sus monstruos; es fundamental conocer tus propios demonios”-dice, sin reparo, en “Far Out Isn’t Far Enough”, el documental acerca de su vida, que lanzó Corner of the Cave Media en el 2012. Siguiendo esta línea de pensamiento a rajatabla, los protagonistas de sus cuentos tienden a ser marginales, presentándonos héroes inesperados, en una realidad que le pertenece más al Grinch de la Navidad de Dr. Seuss, que a Blanca Nieves y los siete enanitos. “Siempre me aseguré de hacer lo que se me diera la gana” es la explicación más racional que le podemos encontrar a su fórmula de un éxito hecho, por momentos, demasiado a medida.

Su trabajo se caracteriza por la tinta, el plumín y el papel, apropiándose de la hoja, para darle lo que él llama su “primera vida”. Una vez que un proyecto es editado, viene la segunda vida, y la tercera y última vida ocurren cuando su trabajo llega a las manos del espectador.

Esta noción de la interacción con un público activo, siempre le causó cierto vértigo a Tomi: “Nunca me gustó mi trabajo, pero cuando escribo, es diferente, me enorgullece. Igual, es mejor, porque siempre sigo intentando e intentando, para así progresar. En los últimos tres o cuatro años, es la primera vez que estoy feliz con lo que hago. Cuando abrió mi museo en Estramburgo (Musée Tomi Ungerer, 2007), pude finalmente ver que no era tan malo, al fin y al cabo. Lo que pasa, es que me aburro fácilmente, soy muy inquieto, tengo demasiadas ideas.

Y con la edad, es cada vez peor, como si se me cayeran encima, y me aplastaran”. Lo dice como si fuera una obviedad que, al paso de los años, le sigan surgiendo cada vez más ideas. Que la fiesta continúe entonces, mi querido Tomi, que el público pide “otra”. + www.tomiungerer.com

Link a la nota: http://9010.co/tomiurgerer

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Domestic Data Streamers Convertir datos en arte

Hay muchas maneras de recoger datos y hacer gráficos después. Sin embargo, nadie lo hace con la imaginación de Domestic Data Streamers, un equipo de diseñadores e investigadores que inventa nuevos métodos de visualización de datos. Con sus instalaciones analógicas, representan cada respuesta de un modo sorprendente, divertido, y muy estético. Con ellos, cambia la manera en cómo hemos entendido hasta ahora la infografía y la estadística. | Texto: ArtsMoved (*) + Instalación Lifesline en Disseny Hub Barcelona.

+ ¿Qué es exactamente Domestic Data Streamers y cómo surgió?

DDS Domestic Data Streamers es un experimento, un patio de juego en donde convertimos datos en helio, en cerveza o, incluso, en lencería íntima. Surgió en septiembre del 2013, cuando nos invitaron a participar con una intervención mural en un festival de street art, y nos planteamos cómo podríamos conseguir generar una pieza visual a través del paso de las personas. Empezamos con ideas muy abstractas, pero al final, analizamos el estado anímico de todas las personas que pasaron por delante de un muro, a lo largo de 24 horas. Cuando vimos el resultado, nos dimos cuenta de que teníamos algo gordo entre manos, y decidimos tirar del hilo hasta donde estamos hoy. + ¿Y dónde están hoy?

DDS Pues preparando “La máquina definitiva” para la nueva ex(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

posición del CCCB de Barcelona sobre Big Data, un proyecto en colaboración con la empresa Counterest, donde el tiempo que el visitante le dedica a cada artista irá generando, sin que el público lo sepa, un infográfico sobre el impacto que tienen las obras de arte en las personas. + ¿Os podéis dedicar exclusivamente a esto, o cada miembro del equipo tiene un proyecto aparte?

DDS Principalmente, nos dedicamos a la venta y exportación de frutos tropicales a los países nórdicos, porque hay una gran oportunidad de mercado con poquísima competencia; claro que tienes que estar muy encima de los proveedores, puertos y transportes.

Aún hoy, seguimos intentando desvelar la incógnita de cómo vivir de proyectos como éste. Si resolvemos el misterio, prometemos hacer un tutorial y colgarlo en YouTube. Creative Commons ante todo. + Nos podemos imaginar la respuesta, pero ¿cuál sería el valor que aporta hacer bases de datos visuales y en tiempo real, en com-

personas creativas

+ 049 arte

paración con los gráficos más tradicionales?

DDS El 90% de los datos que existen se han generado en los últimos dos años, esto significa que el 99,99999…% de los datos que existen han nacido en un entorno digital. Nuestra aportación es, precisamente, cuestionar eso. ¿Es el entorno digital el mejor para entender lo que los datos significan? ¿Para comunicarlos? Nosotros sostenemos que no, que una realidad analógica siempre será más cercana a la naturaleza humana y, consecuentemente, a su comprensión. + ¿Qué tiene que ver Domestic Data Streamers con las teorías y prácticas de intervención en el espacio público y de participación ciudadana?

DDS Nuestro trabajo se basa en generar sistemas, es el público quien construye las instalaciones, nosotros sólo generamos escenarios, contextos donde hablar, donde sintetizar realidades. La relación es estrecha: espacio público, arte público. Abrimos estos sistemas a todo el mundo. Es más, sin esta participación ciudadana, nuestras instalaciones carecerían de sentido.

+ Habéis estado recientemente en el Ús Barcelona, un festival que reinventaba un espacio urbano en desuso. ¿Cómo describiríais la experiencia y en qué se basó vuestra obra?

DDS El proyecto en Ús Barcelona fue increíble, no sólo por estar en ese espacio histórico que había sido sede de un mercado tan peculiar como los Encants Vells, sino por su propio público: había la mayor y más pintoresca variedad de gente de la que hemos podido disfrutar jamás en un festival. A diferencia de la mayoría de eventos de este tipo, el público no era sólo gente interesada en arte urbano, y eso nos fascinó. La pieza que hicimos se llamaba “Golden Age”, y cuestionaba la existencia de esta mitificada edad de oro. Le preguntamos a todo el mundo qué edad le gustaría tener y qué edad tenía realmente. Cruzábamos los datos en una matriz, y en su intersección, colocábamos una sección de árbol. De esta forma, podías ver cómo se elevaban los patrones sociales. ¿La conclusión final? No existe la Golden Age, la gran mayoría es feliz con la edad que tiene (sobre todo, la gente que está en la década de los 40). Para ver el video, entrar a https://vimeo.com/88023798

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+ Instalación urbana Yes vs No.

+ Spoon Vs. Fork. Infografía en tiempo real, sobre si las personas prefieren cucharas o tenedores, en la feria de arte contemporáneo SWAB. + Instalación Golden Age en el Festival Ús Barcelona.

+ ¿Cuál es la infografía cuyos resultados más os han sorprendido?

DDS Aún no estamos seguros del todo, aunque los más estúpidos suelen ser los más interesantes. Por ejemplo, en la instalación que hicimos en la Feria de Arte Contemporáneo de Barcelona, descubrimos que un gran porcentaje de gente zurda prefiere una cuchara antes que un tenedor.

barrio, un colegio público y otro privado, una de las discotecas más concurridas de la ciudad, y un espacio que es referencia internacional en el mundo del skate. En este contexto, lo que nos pareció interesante fue ser capaces de generar un termómetro del estado de ánimo de la gente que pasaba por la plaza. Preguntábamos a todos, sencillamente: ¿sí o no? Ahí entraba el debate, la debacle filosófica en muchos casos. Aparte de esto, les preguntábamos la edad e íbamos dibujando un círculo en función de cada respuesta: la posición del círculo venía dada por la hora en que se había tomado el dato, el color por la respuesta al “sí o no”, y el radio lo hacíamos en función de la edad, ¿Conclusiones? Los abuelos que madrugan, suelen estar de peor humor que lo abuelos que frecuentan la plaza por la tarde.

De 5 a 6, hay una gran ola de negatividad, probablemente, dada por todos los que salen de trabajar (infelices ellos).

+ Entre la espada y la pared: si os tuvierais que definir con sólo dos proyectos, ¿cuáles serían?

DDS Esto es como que te digan a qué hijos quieres más. Nosotros al mayor, “Lifeline”, y al más pequeño: “Yes vs No”. Estos dos lo abarcan todo. “Yes vs No” fue la primera instalación que hicimos, la más improvisada, con menos recursos, y con menos idea de lo que estábamos haciendo. Tuvo lugar en una plaza de la zona del Paral·lel, en Barcelona, que reúne gente con edades y perfiles muy distintos. De hecho, hay desde un hotel de 5 estrellas, a bloques de

+ ¿Y en qué consiste Lifeline?

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+ Behance Portfolio Review. Sistema de votación para elegir a los oradores del evento.

DDS Ha sido la última instalación que hemos hecho, también la más grande, con una superficie de 60 por 30 metros, en el mayor espacio del Disseny Hub Barcelona. En este caso, preguntábamos -aparte de la edad y el sexo-, hasta qué edad les gustaría vivir o, visto de otra forma, cuándo querían morir. Las columnas representaban la edad real, mientras que las filas, la edad a la que les gustaría morir. Con cada respuesta, cruzábamos los dos datos, y en la coordenada cambiábamos el globo blanco inicial por uno negro. Cuanta más gente coincidía, más se elevaba el globo negro. Al tener un cantidad tan grande de variables –teníamos una retícula de 840 posibilidades–, por primera vez, integramos datos tomados físicamente en el espacio y en diferentes puntos de Barcelona, pero también a través de Internet. Aún estamos estudiando los datos…

Eso sí, participaron un par de personas que, sorprendentemente, hace años que creen que deberían estar muertos. Optimistas que supieron burlar la muerte.

Link a la nota: http://9010.co/domesticdata

+ Si ahora mismo os dijéramos: podéis escoger cualquier ciudad del mundo y preguntar a la gente lo que más os apetezca, ¿dónde irías y qué pregunta haríais?

DDS Al Vaticano: ¿Carne o pescado? + ¿Hay colectivos y estudios que hayan hecho algo similar anteriormente, y que ahora sean para vosotros un referente?

DDS No hay mucha gente que trabaje sobre los datos de la forma en que lo hacemos, pero sí tenemos referentes que nos inspiran: desde conceptos de investigación como los de Jonathan Harris o Aaron Koblin, al modo como trabajan la visualización y la forma, gente como Troika, Alex Posada o Pelle Cass. + ¿Alguna pregunta que no os hayamos hecho y que os gustaría contestar?

DDS El Horóscopo. Somos todos capricornio. + www.domesticstreamers.com

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personas creativas

+ 053 diseño

Nika Zupanc

De la frivolidad a la elegancia Nika Zupanc es eslovena, y una de las promesas del diseño contemporáneo actual. Femenina en el sentido más filosófico del término, busca explorar los símbolos de la mujer –desde las tazas de té a los cuentos de hadas-, para escapar al estilo neto y oscuro de un diseño, a sus ojos, masculino y algo opresivo. Así, con cada trabajo, se enfrenta a nuevas preguntas, para escribir historias que emocionan. | Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

Si Victoria Woolf viviera hoy, probablemente, querría sentarse en la silla 5 O´Clock de Nika Zupanc, para tomar su té de la tarde con scons. Seguidamente, la escritora inglesa subiría a su estudio para dedicarse al trabajo diario, para lo cual, debería encender su velador Lolita, con el mismo sello de autor. Y, si no, se adentraría en el “Cuarto propio” de escritura que la Zupanc creó para el perfume Miss Dior, inspirado en el ensayo de Woolf de 1929 que reza: “Una mujer debe tener dinero y un cuarto propio, si es que desea dedicarse a la literatura”. Un símbolo de la emancipación femenina, devenido en una fabulosa estructura, que incluye una silla cuyo respaldo dibuja un moño. En palabras de Nika: “Representa a un pabellón pensado como una burbuja solitaria; el sitio ideal para soñar, para escapar, para crear”.

masculina. En el caso de Victoria, el de la sociedad toda. En el caso de Nika, el del diseño, abrumado por líneas netas y sobrias, muchas veces, estereotipadamente masculinas. Aquí es donde la eslovena se permite un juicio poético. Una exploración artística en la cual conviven materiales diversos -tanto en objetos como interiores-, y donde el uso deviene cuestionamiento y la experiencia, en entretenimiento.

Tanto la 5 O’Clock -inspirada en las flores pintadas sobre las tazas y platos de porcelana china decimonónicos-, como aquella lámpara blanca acampanada con una terminación símil de broderie y, finalmente, aquél espacio de ensueño para Dior, iluminan coincidencias que distan de ser accidentales. Se trata, en suma, de dos mujeres que han sido diestras manipuladoras de la ironía, del modo más agraciado y sutil. Y que fueron (y son) desenfadadamente románticas y femeninas, en dos mundos igualmente delineados por una impronta

+ ¿Tenés memoria de experimentar el diseño cuando eras una niña? ¿Con qué jugabas?

NZ Creo que tuvo alguna influencia, y siempre estaba atenta al mobiliario que me rodeaba. No necesariamente algo especial, o hermoso a primera vista. Creo que recuerdo todo el mobiliario a mi alrededor cuando era una niña, y creo que algunas veces he traducido estos recuerdos a formas de nuevos diseños y conceptos con los que trabajé.

“Mi imaginación persigue arquetipos femeninos intencionalmente”, relata Nika. “Objetos frívolos, e incluso, ingenuos, son mis víctimas favoritas. Durante el proceso creativo, me las ingenio para ser creativa de un modo reservado, y así alcanzo al significado más puro de mi trabajo. Es entonces cuando la frivolidad deviene en elegancia eterna”.

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+ La Forever bed, vestida con la ropa de cama Love me more

+ Reloj Infinity

+ ¿Cómo definirías a tu trabajo? ¿Tenés un estilo personal?

NZ Preferiría decir que la poética de cierto autor podría estar vinculada a mi trabajo. + ¿Dirías que ser mujer afecta el modo en que creás? ¿De qué manera?

NZ Creo que el hecho de que sea una mujer, no puede tener una influencia seria en mis diseños. Pero como diseñadora, trato de desafiar un modelo imperante, basado en la razón, la forma y la función, para darle voz a lo intuitivo, lo ecléctico y lo íntimo.

UNA FIRMA PROPIA “Elegancia punk”, “Tecno chic”, “Una maestra de las curvas y el glamour, en una industria que desconfía de ambos”… Estas son algunas de las frases con las cuales la crítica especializada se ha referido a la diseñadora. Basta ver alguna fotografía de esta mujer hermosa, para descubrirla en todos los adjetivos que le indilgan.

Amante de los detalles, su firma personal se plasma en sus proyectos de ediciones limitadas, así como sus trabajos de mobiliarios e iluminación, para firmas de la talla de Moooi y Moroso.

Otra de su obra destacada se incluye en una línea de mobiliario y productos que desarrolló especialmente para la firma inglesa Sé: un sillón, un sofá, armario, una lámpara de mesa y un espejo, que se presentaron en el espacio Rossana Orlandi de Milán. El cofundador de Sé, Pavlo Schtakleff, afirmó que se dejó deslumbrar por el “lenguaje de diseño distintivo de Nika. Además, me interesaba

+ Silla Miss Dior

trabajar con una diseñadora mujer. Veía la industria, y sentí que esto le daría una perspectiva fresca a la colección. Sin embargo, la creatividad y el enfoque de Nika hablan por sí mismos”, confesó al sitio Dezeen. Dicha colección fue destacada por su guiño a los muebles modernistas de los años 50, empleando materiales como el mármol, el metal y la madera. Piezas que deslumbran y emocionan. + ¿Cómo comienza tu proceso creativo?

NZ Es como armar un gran rompecabezas. Hay un número de parámetros diferentes, desde los tecnológicos e innovadores, a los emocionales, estéticos y físicos, que debo tomar en cuenta, y que funcionan a la vez. En realidad, amo estar limitada a aquello que puedo hacer y pensar cuando trabajo, en una pequeña caja. En este pequeño marco, sólo puedo ser creativa, si logro producir un diseño espectacular. + ¿Hay alguna etapa del proceso que disfrutes especialmente?

NZ La verdad, es que amo lo que hago, así que disfruto de todas las etapas. Pero claramente, ver un producto terminado por primera vez, es siempre muy especial. + ¿Cuál es el material perfecto?

NZ Me siento desafiada por cada material nuevo que descubro. + ¿Cuál es la meta del diseño? ¿O cuál debería ser?

NZ Pienso que el diseño contemporáneo tiene la habilidad de cam-

+ 055

biar la manera en que pensamos sobre la cuestión a la que él se refiere. El diseño puede y debe educar y entretener a la vez. Creo que el diseño, realmente, puede traer toda una nueva escala de emociones e historias, para ser contadas y vividas a lo largo de nuestra vida.

FEMINISMO FUERA DEL GUETO Un par de cerezas brillantes devenidas en lámpara fueron su debut en la Feria Internacional de Milán. Allí también presentó su ergonómica Maid Chair, así como la Full Moon Lamp (cuyo reflejo asemeja al de una luna llena), y su Golden Chari (una silla dorada), en sus palabras: “bella, elegante, y que remitiera a una historia de hadas”…. Nika pareciera ser una de las pocas diseñadoras que se animó a ser mujer. “Sé que camino en la cornisa, al decir que el feminismo es central en mi trabajo, pero es un proceso intrigante para mí. Trato de hacer lo opuesto. Intento llevar los elementos que son considerados femeninos, para sacarlos fuera del gueto”, resume la eslovena.

Graduada en el 2000 en la Academia de Artes de Ljubljana, su trabajo final recibió el prestigioso premio Presernova y, desde entonces, ha recibido encargos de producción de objetos, ambientaciones de espacios, y realización de instalaciones para firmas, organismos, galerías y museos de todo el mundo. Exhibió en Italia, Corea, Francia, Canadá y Holanda. Fue elegida por Tom Dixon para exponer en su espacio durante el London Design Week de 2012, y este año, regresó a Milán con sus trabajos para Dormeo: una cama y línea de blanque-

Link a la nota: http://9010.co/nikazupanc

ría. Al día de hoy, Nika vive y trabaja en su suelo natal. + ¿Qué es la belleza para vos?

NZ Es el entendimiento. De cosas, objetos, sentimientos, personas. + ¿Cómo desearías que la gente se refiera a tus trabajos?

NZ Con mis trabajos, simplemente, tiendo a plantar preguntas. + ¿Cómo es estar en la Feria de Milán?

NZ Siempre hermoso. Encontrarse con amigos y colegas de todo el mundo, y disfrutar de la maravillosa energía de la ciudad y todas las contribuciones creativas a este evento de diseño. + ¿En qué trabajás actualmente?

NZ Ahora mismo estamos preparando la exhibición de la ropa de cama Love me more y la cama Forever, desarrolladas con Dormeo, utilizando su tecnología revolucionaria en colchones, almohadones y sábanas. Esto será en la galería Rossana Orlandi en Porto Cervo, Cerdeña. Estaré sumando nuevos diseños de blanquería a la edición limitada que fue presentada en el Museo Bagatti Valsecchi, durante la semana del diseño de Milán 2014. + ¿Qué diseño disfrutaste más?

NZ Supongo que la lámpara Lolita para Moooi. Fue la primera pieza que entró en una producción real. Una historia que nunca voy a olvidar. + www.nikazupanc.com

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+ Las Masters Chairs de Philippe Starck y Eugeni Quitllet para Kartell, ahora incorporan nuevas y exclusivas terminaciones brillantes, en oro, bronce, plata, cobre.

Milan Design Week La cita anual con el diseño

Durante seis días, Milán dio cuenta -una vez más- de su posición privilegiada en diseño y decoración, a nivel internacional. Del 8 al 13 de abril de 2014, se realizaron los Salones del Mueble en los pabellones de la Rho Fiera, el Temporary Museum for New Design y demás exposiciones alternativas en las zonas Tortona, Brera, Ventura Lambrate, además del espacio Rossana Orlandi y el museo de diseño Triennale. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

Mirá la cobertura completa de #MilanDesignWeek 2014 en: http://90mas10.com/milan-design-week presentada por Heineken.

ideas creativas

+ 057 diseño

+ Silla Boing de Karim Rashid para Gufram www.gufram.it

+ Silla Gina de Jacopo Foggini para Edra www.edra.com

+ Lámparas Tweet T. de Jake Philips para Casamania www.casamania.it

+ Sofá Taffeta de Alvin Tjitrowirjo para Moooi www.moooi.com

En paralelo con el Salón Internacional del Mueble, se realizaron el Salón del Complemento de la Decoración, EuroCucina, el Salón del Baño y el tan esperado SaloneSatellite, con las jóvenes promesas del diseño. Acaso refugiándose en la crisis mundial que viene azotando al diseño desde hace unos años, se continúan diseñando piezas cada vez más simples o elementales (en riqueza estética, en estructura), pero bien funcionales.

El gusto por la realización -aunque industrial- que simula ser artesanal (con juntas visibles, uso de madera maciza, materiales porosos) convive con aquellas piezas efectivamente realizadas

+ Sillón Gardenia de Jaime Hayón para BD Barcelona Design www.bdbarcelona.com

+ Espejo Loop de Front para Porro www.driade.com

+ Sillón Hervé de Lievore Altherr Molina para Driade www.driade.com

por artesanos que conocen muy bien los secretos de su oficio, así como aquellos objetos que se generan con un mix de ambas técnicas. Y se insiste, con éxito, en las reediciones de piezas del pasado -íconos del diseño italiano, escandinavo y norteamericano de los años 40 a 70-, pero reversionados en materiales innovadores.

Aquellos diseños de carácter más lúdico, o que cuentan una historia que pueda crear empatía con el usuario, también son bienvenidos, de la misma forma que los que mezclan distintos materiales, como madera, acrílico, mármol, etc. +

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+ Espacio argentino en la Feria del Mueble

DISEÑO ARGENTINO EN MILÁN Por primera vez, y gracias al Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y la Fundación Exportar, Argentina tuvo un stand oficial en el Pabellón 8 - Design, del Salón del Mueble de Milán. Como resultado de una convocatoria pública, cinco empresas fueron seleccionadas para exponer sus productos: No Pánico, Designo Patagonia, Federico Varone, Topcret y Crivos objetos.

De vuelta en el país, todos coinciden en que la experiencia fue ampliamente enriquecedora, en la que se generaron numerosos contactos comerciales (que seguirán su proceso para concretar negocios) y con colegas de todo el mundo, además de empaparse de las tendencias del mercado.

Los productos tuvieron excelente aceptación del público, en cuanto a originalidad e identidad, ya que hoy, “el valor de lo regional es muy apreciado en el mundo globalizado”, aportan desde Designo Patagonia. Las cinco empresas coinciden, también, en que sus productos no desentonaban frente al resto de los expositores: compiten bien en diseño, calidad y precio, pero que se debe aumentar y mejorar la capacidad productiva, para poder cubrir la demanda de los pedidos del exterior. Esto implica “reforzar las alianzas con las empresas productoras, y que entiendan que vale la pena apostar por el diseño, que es una herramienta que puede ayudar a mejorar y potenciar la economía”, explica Varone. Para poder competir en el mercado internacional, según las No Pánico, “Nos falta apoyo en las políticas de exportación. Necesitamos una economía más estable, para que los costos sean los mismos a lo largo del año. Tenemos grandes diseñadores con ideas vanguardistas, pero nos limitan los materiales y las tecnologías”.

Sin embargo, el diseño argentino, tiene mucho que aportarle a la comunidad global del diseño. “El juego, el humor, los materiales autóctonos y las técnicas artesanales son -a nuestro criterio- algunos de los puntos fuertes de nuestro diseño. Lo que nos diferencia del resto. Somos un país con muchísima instrucción académica y mano de obra de alto nivel en muchísimos rubros, y sería interesante seguir trabajando para formar alianzas de producción”, opinan en Crivos objetos.

No Pánico -la marca de Aranzazu Salgado y Rocío Saavedramostró en Milán dos de sus clásicos: los sillones Paz para el mundo y Calavera, de estilo colorido y original, que incluyen estampas propias en los tapizados. “Saber que nuestras sillas fascinaban tanto a italianos como a japoneses y rusos, fue impagable”, admiten entusiasmadas estas dos amigas que se conocieron estudiando cine, y que decidieron dedicarse al diseño y fabricación de muebles con mano de obra artesanal. De su presentación en Milán, concluyen que el diseño y la mano de obra especializada que utilizan (carpinteros, ebanistas e ilustradores) son sus fortalezas, pero es allí también donde deben redoblar sus esfuerzos, “ya que los procesos productivos se hacen muy largos para la eficiencia y rapidez que implica exportar. Además, percibimos la importancia que le dan al marketing las grandes marcas. Para ser vistas, hay que invertir y tratar de llegar a nuestro público de la mejor manera”.

Generar un diálogo con el espectador/usuario de un objeto es lo que se propone Federico Varone. El banquito Sientateteta -una síntesis formal de las características de la vaca argentina-, la jarra Pinguino empetrolado -una versión de la tan tradicional

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+ Luminarias de Crivos objetos

+ Sillas Calavera y Paz para el mundo de No Pánico

jarra de vino-, una familia de lámparas en acrílico, el candelabro Drago y el portapalillos Pic a Pic son algunos de los productos de este diseñador industrial formado en la FADU/UBA, que viajaron a Milán, junto con el revistero Random y el banquito Vayviene, lanzados en exclusiva durante la feria. Varios de estos productos quedaron en exhibición y venta en locales de Milán, uno de ellos, la prestigiosa galería de Rossana Orlandi.

Cristian Izurieta e Ivana Crivos lleva adelante Crivos objetos, un estudio/taller en donde el uso de materiales nobles -como el textil y la madera- permiten el desarrollo de objetos de uso cotidiano, pensando en la funcionalidad y lo lúdico. Su línea Enredados, que hace alusión al uso del textil, hizo su debut en Milán. Desechos de lycra de alta calidad tejida artesanalmente, se fusionan con otros materiales como el acrílico, generando así un lenguaje propio. La mezcla de lo duro y lo blando en un mismo objeto: luminarias, mesas y floreros. Dos nuevas luminarias realizadas con mangueras plásticas de red y acrílico fueron presentadas en exclusiva en la feria. También fueron de la partida la línea en madera (que comenzó con el desarrollo de la escalera doméstica Noemí) y las luminarias Eli y Margarita, surgidas a partir de palos de escoba en desuso, y que incluyen tecnología LED.

Proveniente de España, pero con franquicias en varios países de América Latina -incluyendo Argentina-, Topcret se dedica a la fabricación de microcemento, y mostró su línea de mobiliario en el pabellón argentino del Salón Internacional del Mueble de Milán, con el objetivo de crecer y expandirse a nivel nacional e internacional. En colores vivos o neutros, cálidos o fríos e, incluso, metálicos y tornasolados, Topcret ofrece una amplia colección de mesas altas y bajas, butacas y sillones, que se amplía a mobiliario para el baño. Cada pieza es única, ya que la terminación manual del microcemento logra superficies siempre diferentes e irrepetibles.

Desde la ciudad de La Plata, el dúo de diseñadores formado por

“El público (diseñadores, arquitectos, decoradores) nos preguntaba sobre técnicas, precios, si exportábamos… Nos hacían referencias desde las formas, materiales, y daban su punto de vista de lo interesante de vincular materiales como los textiles,

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+ Los muebles de Designo Patagonia

que provienen de otro lenguaje, el tejido, y que de allí surgiera una luminaria con vida propia. Estamos más que sorprendidos y satisfechos por la repercusión de nuestros objetos de diseño de uso cotidiano en un mercado internacional”, concluyen.

Radicados en Bariloche, los diseñadores industriales Martín Sabattini y Manuel Rapoport están al frente de Designo Patagonia. Desde el sur del sur, llevaron a Milán dos nuevos productos, un remix y un clásico. “Ya en comercialización, la silla Chiva es uno de los nuevos productos, además del Disco Bit, en instancia prototípica. El remix es la mesa Veril, pero realizada con la técnica de reutilización de las tejuelas de madera de alerce. Y el clásico: el banco Matero, que es nuestro ícono indispensable”. ¿Cómo percibieron sus propios productos en comparación con el resto de los expositores? “La primera conclusión es que nuestros productos compiten bien en diseño (son originales, no vimos nada igual en la feria, gustaron mucho y atrajeron público), calidad (nuestros productos están bien, pero debemos lograr que sean impecables) y precio (nuestro banquito Matero lo ofrecimos a un valor más bajo que los banquitos del mismo rango de otras empresas)”.

+ Para ahorrar espacio, la escalera doméstica Noemí de Crivos objetos.

Sobre la necesidad e importancia de participar en las ferias internacionales de diseño, Federico Varone opina: “Es necesario mostrar el trabajo de los diseñadores argentinos en el mundo.

Y esto se logra participando en ferias internacionales, para demostrarle al mundo que hay buen potencial de este lado del planeta”. “Nos dimos cuenta de que primero debemos insertarnos fuertemente en el mercado argentino, ser fuertes como marca y como empresa. Una vez allí, volveremos a participar en las ferias, pero con mucha más experiencia y volumen de stock”, concluyen desde No Pánico. Habiendo sido su segunda experiencia en mostrar sus productos en el exterior (la primera fue en la última 100% Design, en Londres), desde Crivos creen que “Para instalarnos a nuestra escala en el negocio de la exportación, es necesario seguir participando de la Feria de Milán, por lo menos, es nuestro anhelo”. Para los Designo Patagonia, “El valor de lo regional es muy apreciado en el mundo globalizado. Para un mundo Ikea es necesario, de vez en cuando, algo que acerque a las personas al mundo especial de los objetos únicos”. + www.cosmit.it | www.designopatagonia.com.ar | www.federicovarone.com.ar | www.ivanacrivos.com.ar | http://nopanico.com.ar/ | www.topcret.com + Banco Sientateteta de Federico Varone

Link a la nota: http://9010.co/disenoargentinomilan

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De la Patagonia a Milán

El banco Matero en la Feria del Mueble Los contrastes de la Feria de Milán, desde la mirada de un pequeño de cinco patas. | Texto y fotos: Manuel Rapoport

Se los presento, es el banquito Matero; no tiene nombre de fantasía, es lo que es. De origen patagónico, surgió por allá, en el 2002 ó 2003.

Con los años se fue haciendo conocido, generó contactos (networking que le dicen), hizo amigos entre colegas nacionales, formó con algunos el Movimiento Nacional en Defensa de los Derechos de los Banquitos Materos (http://banquitos-argentinos.blogspot.com.ar/), con la idea de desmitificar a las sillas como únicas capaces de tener reconocimiento en el mundo del diseño.

Un poco rústico y campechano, es un tipo arraigado a su tierra, pero también curioso y aventurero. Este año, tuvo la suerte de ir a representarnos a la Feria del Mueble de Milán. Argentina tuvo su stand, y su empresa creadora (Designo Patagonia) estuvo allí, con otras cuatro empresas emergentes. El banquito Matero no aguantó quedarse quieto, y fue a recorrer la Feria.

El primer punto que le impresionó fue la cantidad de gente: el primer día, una muchedumbre interminable se abalanzó a los molinetes; muchos, desesperados por ser los primeros en descubrir las primicias, los lanzamientos. Según los números, más de 350 mil personas visitaron la Feria. En segundo término, el tamaño de la muestra: pabellones inmensos, escaleras mecánicas, cintas transportadoras, cafés, restaurantes, kioscos de revistas…. En fin, prácticamente, una ciudad.

Arrancó visitando, como muchos, los stands más prometedores,

como el de Kartell, Driade y Vitra. Consideren que un tipo de estepa y de montaña, se sintió bastante como sapo de otro pozo.

En Kartell, todo era dorado, brillante, transparente. En términos design, todo era “flashy and glamorous”. Se preguntó si existirá algo después del dorado. En el stand de Edra, se encontró con las estanterías y otros productos de los Hermanos Campana, y ya se sintió más a gusto, como en familia. En Moroso, se hiso muy amigo de los poufs “Anomaly”, del estudio Front. Forrados en una pieza de cuero, estos zoomórficos personajes generaron impresiones contradictorias entre los visitantes. Algunos de los stands que más le gustaron al petiso fueron el de Dedon -un paisaje como de papel recortado- y el de Cassina, con árboles colgantes y canto de pájaros.

Otros banquitos que conoció en su recorrida fueron los de Nendo para Emeco, empresa que sigue fabricando esas sillas de aluminio de los 50, las Navy Chairs. Y los de Valsecchi1918 le cayeron bien; aunque un poco “intelectualoides”, su onda bohemia era piola.

Hubo encuentros memorables con algunos grandes, casi próceres.

Por ejemplo, se topó con el octogenario clásico de Alvar Aalto, reversionado por Hella Jongerius. También con los taburetes de Jasper Morrison que, en términos de personalidad, le parecieron “medio de corcho”.

A su vez, nuestro banquito Matero tuvo la oportunidad de conocer algo del mundo de Zaha Hadid. Esta vez, en colaboración con una empresa italiana (Citco), fábrica de mobiliario de mármol y otras

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+ Matero junto a los bancos de Valsecchi1918.

+ El banco Matero en el stand de Edra, con piezas de los Hermanos Campana.

+ En su recorrida por la Feria, Matero confundió con bancos a las mesas de Zaha Hadid.

+ Matero conoce a los bancos de Nendo para Emeco.

+ Instintivamente, Matero se acercó a esta mesa de edición limitada, de la colección Dalí de Oscar Tusquets, inspirada en la obra del artista.

piedras. Pero desgraciadamente, estos seres amorfos se ofendieron con él, porque no eran bancos, sino mesas. Por el desliz, ¡lo echaron del stand! Instintivamente, se acercó a esta oveja. Resultó ser una interpretación de Tusquets, de un cuadro de Dalí. Entre obra de arte, mesita de apoyo y mesa de luz, fue un agradable encuentro con el surrealismo.

negocios… De todas maneras, la experiencia fue enriquecedora, desde todo punto de vista. Conoció cómo se juega en las grandes ligas, y también cómo los más pequeños e innovadores, se catapultan en el Fuori Saloni. Llegó a la conclusión de que el diseño sudamericano –definitivamente- se la banca, en calidad, originalidad y precio. Esto, según él, implica que hay grandes chances de exportación de diseño argentino.

Luego de tanto caminar, nuestro banquito Matero quedó agotado. La Feria de Milán es gigante, y para un pequeño latinoamericano, fue abrumador. Ver esas grandes empresas en enormes stands haciendo grandes

Luego de una semana en esta capital del diseño mundial, el banquito Matero juntó sus pocos pertrechos, y enfiló al aeropuerto, para retornar a su querida Patagonia. +

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ideas creativas

+ 063 diseño

+ Instalación en movimiento Elements de Melogranoblu, con diseño de Massimo Crema y Ermanno Rocchi

+ Instalación de eBay

Temporary Museum for New Design El futuro ya llegó

Nueva edición de la mega muestra de Zona Tortona, alternativa a los Salones del Mueble en Milán. Una propuesta que se renueva año a año.

Habiendo elegido un formato de exhibición similar a la de los museos, pero sumando experiencias interactivas, el Temporary Museum for New Design vuelve a instalarse en las dos locaciones de Superstudio Più, en Zona Tortona, durante la Milan Design Week.

Integrar arte y diseño es la gran especialidad del Temporary Museum.

Es así que a las instalaciones artísticas interactivas, se suman mil metros cuadrados dedicados al diseño contemporáneo, especialmente seleccionado por Giulio Cappellini. El tema de esta edición -“The world is here. The future is now”- se manifiesta en la torre de luz en movimiento de Melogranoblu, la instalación artística de Nendo para Alcantara, la casa del futuro de Karim Rashid para LG Hausys y la habitación de meditaciones de Cotto, hasta en las muestras de diseño tailandés, croata, de jóvenes madrileños y de nueva arquitectura china.

Además, piezas de mobiliario sustentables, así como objetos de Jasper Morrison, Wataru Kumano y el argentino radicado en Suiza, Alfredo Häberli. La arquitectura temporaria también dice presente, con el prototipo de Rainhouse -a cargo de Ivanka- que, gracias a un sistema innovador, filtra el agua de lluvia, transformándola en potable de óptima calidad.

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A través de la exhibición de los premiados en el Carbon Fiber Design Contest, un concurso internacional de diseño que plantea el uso de tecnología innovadora (como impresión 3D) y materiales técnicos (como la fibra de carbono), fue posible vivenciar su aplicación en diseño de interior. Por último, eBay presentó su nuevo portal de diseño, con una imponente instalación y un video que explicó el ABC del mundo del e-commerce, una forma de compra cada vez más popular en el mundo del diseño.

DIME QUÉ COMES La gran novedad de este año fue Superortopiù, un proyecto que une ecología, arquitectura, alimentación, diseño y arte. Se trata de una gran huerta de 750 metros cuadrados, proyectada por Michelangelo Pistoletto, sobre el techo de Superstudio Più. Un encuentro entre la naturaleza y la actividad humana, se constituye en un símbolo de regeneración de los lugares y territorios que los acogen a ambos. Cultivar la ciudad es la condición necesaria para volver a vivir felices en comunidad. Con la curaduría de Fortunato D’Amico, el evento reunió instalaciones de artistas dedicadas al paisaje, debates, conciertos musicales, encuentros con paisajistas, arquitectos, diseñadores y agrónomos. El objetivo fue la creación de un nuevo mundo. + www.superstudiopiu.com

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+ El escritorio Didrik contempla un espacio para guardado, y otro para ordenar los clásicos desórdenes de cables y enchufes. Una lámina de chapa plegada sirve como estructura y contenedor. Una tapa de madera está montada sobre un paralelogramo, lo que permite abrirla manteniendo su horizontalidad, sin sacar los objetos que estén apoyados sobre ella. El resto de la estructura se resuelve con partes de lenga mecanizada.

Leko en el SaloneSatellite Diseño que sorprende

Desde 2011, José Domínguez y Leandro Leccese se dedican al diseño de objetos cotidianos para el ámbito doméstico, bajo el nombre de Leko. Y son los únicos argentinos que participaron del SaloneSatellite 2014, en Milán. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

El SaloneStatellite -la feria que reúne el diseño de jóvenes diseñadores de todo el mundo hasta 35 años- recibió a un dúo argentino.

Este prestigioso escenario fue el lugar elegido para el lanzamiento oficial de Leko, el estudio de diseño que llevan adelante Leandro Lecesse (Le) y José Domínguez (Koko). En la ciudad lombarda, mostraron el escritorio Didrik, las lámparas Eiko y Dak, la silla Pina, y una original alcancía.

“En Leko -sentencian los diseñadores- no buscamos un estilo.

Obviamente, tenemos nuestros gustos, y ellos influyen, pero cada producto va obteniendo su propia identidad a medida que se va desarrollando, tanto en materialidad como en resolución. Una de las premisas que intentamos manejar y que influye en esto, es la idea de atemporalidad. Tratamos de que nuestros productos sean simples y, a la vez, particulares. Posibles de fabricar con las tecnologías que están a nuestro alcance, tratando de explotarlas al máximo, y haciendo mucho hincapié en los detalles”.

Para dar vida a sus objetos, no poseen una metodología de búsqueda de ideas. Hablar de los pensamientos propios, compartir información sobre materiales, resoluciones, procesos e, incluso, bocetos mentales inconclusos, es lo que motiva la creación.

+ ¿Cómo fue la experiencia de participar en el SaloneSatellite?

L Fue increíble: el hecho de viajar con nuestros productos y darlos a conocer frente a gente de todo el mundo que se especializa en diseño, es realmente muy enriquecedor. Desde el punto de vista profesional, porque uno puede ver dónde está parado con respecto a otros y reflexionar sobre qué caminos tomar, porque realizamos contactos que pueden ser muy útiles para futuros desarrollos, y porque es bueno tener feedback de todo tipo sobre lo que hacemos. También a nivel personal fue una experiencia muy movilizante, porque representa un crecimiento importante: aprendimos mucho y también vimos cuánto nos falta aprender. + ¿Cuál fue la respuesta del público frente a sus productos?

L La respuesta fue muy buena. Hay mucho de detalle en lo que hacemos, que no se descubre a simple vista. En un primer acercamiento al stand, la instalación de papel plegado -que funcionaba como soporte para la marca y los productos- era la primera sorpresa al descubrir que estaba formada por barcos de papel, los que se desarmaron el último día, y se entregaron al público con un sello con nuestros datos, y convivían muy bien con los barcos de color que se dieron durante la feria, e hicieron las veces souvenir/ folletería para la prensa. La instalación se realizó en conjunto con

ideas creativas

+ 065 diseño

+ Lámpara Dark

+ La lámpara Eiko posee base de hierro, brazo de aluminio anodizado o laqueado, y propone el uso de la tecnología LED a 220 volt.

+ El stand de Leko en el SaloneSatellite.

+ Silla Pina

+ Martillos alcancía de cerámica y lenga

el estudio MON.NOM (DI Rosaura Flynn y Arq. Ivana Umansky).

Sin su ayuda, el stand no hubiese sido posible.

+ ¿Se cumplieron sus expectativas?

L Fuimos cautelosos en lo que a expectativas respecta, y lo seguimos siendo; creemos que la experiencia fue por demás positiva, y representa un punto de partida con mucho potencial para seguir trabajando. Concretamente, hay algunas empresas interesadas en producir nuestros productos y también en nuevos desarrollos, lo cual nos entusiasma y nos predispone a seguir adelante. La muestra nos dio mucha difusión que, por supuesto, es siempre bienvenida, y también descubrimos algunos interesados en comprar nuestros productos. Creemos que, con el correr de los meses, se irán definiendo estas situaciones, y podremos hablar de resultados más concretos. ¡Sentimos que es una muy buena forma de comenzar para Leko! + www.le-ko.com.ar www.cosmit.it/en/salonesatellite

+ ¿Alguna de las piezas captó particularmente las miradas?

L Una gran parte del público se sorprendía cuando abríamos el escritorio Didrik, sin retirar las piezas que estaban apoyadas encima. Descubrían la posibilidad de guardado y lo simple de su construcción, y que las cosas que estaban encima no se caían. Las lámparas Eiko fueron muy “mimadas”: mucha gente se acercaba a interactuar con el producto, y a descubrir sus detalles. Los martillos alcancía de cerámica y lenga también llamaron mucho la atención de los más curiosos, que se acercaban a preguntar qué era y, cuando lo descubrían, sonreían. Las chicas de Artefactos nos dieron una mano enorme para la realización de los prototipos de la alcancía.

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+ Chanel ambientó como un supermercado la presentación de su colección otoño-invierno 2014-15. Foto: Olivier Saillant

La industria de la moda El calendario internacional

Un breve recorrido por las semanas de la moda, y un viaje por Londres. El subte, la calle, las tiendas, las revistas, las lejanas pasarelas. El vivir el ritmo de una semana de la moda internacional, la profesionalización de la misma, la organización, los proyectos alrededor. Una maquinaria generando trabajo, y olvidando también algunas cuentas pendientes. Caminar París, Londres y Milán, implica comprender cómo camina allí la moda, y descubrirla bella en los recovecos. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

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ideas creativas

+ 067 moda

New York, Londres, Milán, París Cómo funcionan las semanas de la moda Las semanas de la moda respetan un calculado calendario. La industria se reúne con prisa y precisión. La máquina no cesa, y es necesario renovar la excusa para ponerse en movimiento. La moda como espectáculo ya no reporta novedad, pero sí se incrementa o intenta hacerlo, temporada tras temporada.

Cada ciudad posee su propio oficio, su estilo distintivo, y un conjunto de factores económicos y sociales, que crean una semana de la moda particular. Es así cómo, cada temporada, New York invade de productos las revistas. La cosmopolita ciudad sabe -como buena sede del capitalismo norteamericano- diseñar esas prendas fetiches de estación. Fácilmente olvidables, tientan a la compra. Tendencias ligadas al sportwear, presentan novedades fugaces, que se reproducirán con velocidad, y acabarán en una tienda de fast-fashion. Frías, pierden la gracia.

Londres construye desde la contradicción de la tradición y la vanguardia. Con un calendario amplio, propone diversidad. La misma que transcurre en sus calles. Logra capturar la atención mediática, pero sólo después de New York y París.

“No tengo idea del tiempo que va a llevar, hoy arranca Milan Fashion Week”, gruñe un malhumorado taxista. Milán se inicia con una protesta en la Galería Vittorio Emanuele. “El rey está desnudo”, se lee en un cartel que los activistas de Greenpeace extienden sobre el histórico espacio. De las cuatro estaciones, Milán es quién más se aferra a una obsoleta noción de lujo, al uso (¿o abuso?) de pieles, y en vestir el gusto burgués. La propuesta es más escueta, y pocas marcas logran captar la atención. París se acerca; eso es lo que importa.

Si París siempre estará, Chanel también. Mientras Karl Lagerfeld montó un supermercado con productos básicos de la marca, Rick Owens convocó a mujeres (no modelos de pasarela) a desfilar. El consumo y la representación femenina son temas de agenda; probablemente, puntos a tratar.

+ Colección Burberry Prorsum mujer, otoño invierno 2014.

Karl toma el logo, y lo vuelve manía. La pasarela es un espacio tan lúdico como de consumo. La nueva propuesta retoma el espíritu deportivo de la última colección de alta costura: se calza las zapatillas. Pares similares se pueden adquirir en el mítico local (atelier) de Chanel, sobre la 31 rue de Cambon. Entre las tradicionales ballerinas negras con camelias como detalle, se exhiben zapatillas en tonos plateados, con cordones con brillos. Ya resulta evidente marcar la influencia del sportwear en las propuestas de ready to wear. Subiendo la icónica escalera, se encuentra uno de los ateliers de la marca francesa. Las zapatillas de alta costura sólo bajaron por ellas.

Apenas unos metros de allí, sobre Saint Honoré, Zara se presenta minimalista. Se sabe rodeada de marcas de lujo a la vuelta de la esquina. Chanel impuso hace décadas el vestido negro. Balenciaga cuelga la temporada pasada: no necesita mucho, apuesta a la discreción. Las líneas más geométricas, los tops y la resolución deportiva, se retroalimentan entre lujo y low-cost. Las tendencias se encuentran en ambos sentidos, colapsan y vuelven sobre sí mismas.

La tienda Colette aporta color, arte urbano y precios elevados. Los universos creativos, los presupuestos y los consumidores son diversos. La línea ya no es lineal, la Web dinamitó el sistema. Hay apuro, inmediatez por comunicar, necesidad de vender. Hay una industria que mantener.

LA MODA ESTÁ DE OFERTA Galería Lafayette, en París, divide la tienda en moda creativa, moda para mujer y moda-tendencia. Printemps -sobre Boulevard Haussmann-, entre luxury, fashion y trends. Selfridges, en Londres, de modo similar. Las grandes tiendas entienden el sistema actual de la moda. La pasarela de marcas de lujo mantiene la agenda ocupada: convoca tanto a la prensa como a los compradores. Las firmas saben de la necesidad de volverse accesibles, y ofrecen segundas marcas. Las crecientes low-cost se apuran para procesar la novedad y sacarla al mercado. Probablemente, Zara funcione como el modelo de negocio que explica la rentabilidad, producción masiva, ventas internaciones, y lo innecesario de la publicidad, si estás estratégicamente bien ubicado. ¿La contracara? Una deuda más de la moda: los procesos productivos.

El calendario marca una nueva temporada, las páginas Webs transforman en una sucesión de imágenes cada pasarela, los blogs viralizan lo que conviene, las revistas armarán sus producciones, y toda una maquinaria productiva comenzará a fabricar. La fiebre.

Las tendencias se filtrarán, en diferentes dosis, a los más lejanos mercados locales. Se incorporarán, se tomarán literales, se utilizarán como guías, se referenciarán, se reinterpretarán o, simplemente, acostumbrarán al ojo a determinadas figuras, formas y colores. Algunas tendencias lograran dar cuenta de un espíritu de época, y con el tiempo, se transformarán en básicos. Se incorporarán y olvidaremos su origen, naturalizándolas. Otras tantas pasarán, volverán disfrazadas de novedad, y el ciclo se renovará permanentemente. +

LFW Es sólo moda El transcurrir de la semana de la moda londinense.

Una voz femenina, con marcado acento, nos indica: “Usted se encuentra en la línea circular Victoria & Alberto”. Nos encontramos dando vueltas sobre la cosmopolita ciudad de Londres; el frío parte la comisura de los labios y el abrigo es el único rasgo de uniformidad en las calles. Los diversos idiomas que se oyen, se observan en diferentes estilos.

Nos dirigimos al London Fashion Week. Desde la primera plana, Evening Standard, el diario gratuito que se repite en cada andén del metro, se ocupa de los ingresos económicos que produce la industria, y le preocupa la falta de diversidad que exhiben las pasarelas. Marca los 800 mil puestos de trabajo que genera el sector, y hace suya la palabra “racismo”. El periódico da cuenta de un modo de entender la moda. De vivirla socialmente.

Llegamos a Temple, y apenas ascendemos por la estación, una pizarra nos pregunta si nos dirigimos a Somerset House, sede central de la moda inglesa por los próximos días. A mano alzada, el cartel indica cómo llegar al LFW. Son apenas unas cuadras, pero para el inglés, todo se mide en tiempo: estamos a cinco minutos.

La ciudad se impone imperialista, y en cada recoveco, se crea estéticamente. El contraste surge del gris e industrial horizonte londinense, y la multiplicidad de culturas que conviven. A la salida de la

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+ Los alrededores de Somerset House, donde se desarrollan los desfiles de London Fashion Week. Fotos: María Celeste Nasimbera.

terminal, un kiosco de revistas se encuentra atestado de moda. Es tan sencillo conseguir Lula Mag (revista dirigida por la estilista Leith Clark (con un un contrato de lectura tanto femenino como feminista), como la edición de cualquier diario. Se abre, en papel, la paleta cromática (porque todo artificio es útil para escapar de la monocromía).

Street Strand se exhibe gris a ambos lados, para no desentonar con el resto de la ciudad. Una avenida que se construye en sendos espacios desde una pesada arquitectura, en donde conviven la tradición con la más pretenciosa modernidad. Somerset House apenas se distingue: un par de afiches, un par de llamativos atuendos. De todos modos, es sólo moda, y Londres avanza en permanente (y ordenado) cambio.

Somerset House recibe al London Fashion Week y a todos sus artífices. Un calendario que se superpone, eventos paralelos, una pasarela virtual en la vidriera de Topshop sobre Oxford Street. Periodistas, fotógrafos, bloggers, productores, curiosos, propios y ajenos, desfilan. Algunos se visten para la jornada; otros tantos, para el gatillar de los lentes. Sólo basta que alguien dispare: nadie quiere perderse una foto. Con captar la atención de una cámara, obligarás a las demás a registrarte. El número de fotógrafos es elevado, pero nada desproporcionado.

Entre el idilio de cámaras y retratados, ella, sobre una de las escaleras, parece ajena. Detenida en el tiempo, capta los estilos en lápiz y papel. En un cuaderno de tapa dura, con las hojas en blanco, boceta lo que ve. Va a contratiempo, mientras los fotógrafos se encuentran en permanente estado de alerta, mirando la puerta como si, en cualquier momento, hiciera su aparición la moda misma, vestida de tendencia y estilo, otorgándoles la contemporaneidad. Pero no, eso no va a ocurrir. Pero ellos, pacientes o resignados, esperan.

Renata Lindroos es londinense, estudia diseño de indumentaria y en las escaleras frías de Somerset dibuja en silencio. A su tiempo, observa a los asistentes, y se detiene en sus modos. La mayoría de los retratados no se percibe observado; entonces, no posa. O no lo fuerza tanto, al menos. Como el Señor G del “El pintor de la vida moderna” de Baudelaire, hay una intención moderna de tomar registro. Del tiempo presente -sin los vicios del mismo-, intentando dejar de lado lo evidente. Sí, ya nadie es fotografiado de modo casual, pero

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en el dibujo, las prendas se vuelven líneas, se encuentra una silueta, y se captan gestos. + MODA EN LA RED, LA CALLE Y EL MUSEO La tecnología ha modificado el acontecimiento, se ha mediatizado. Dos de las marcas más económicamente rentables: Topshop y Burberry, lo saben. Del low-cost a la marca de lujo, la pasarela se transmite en directo al globo entero.

La marca liderada por Sir Philip Green, Topshop, transformó las vidrieras de su local situado en Oxford Circus en un enclave virtual a la pasarela. Mientras las modelos pisaron el museo Tate Modern, los aficionados pudieron disfrutar de la experiencia 360° desde el local. Las vidrieras son digitales, lo entiende bien Christopher Bailey (director creativo y CEO de Burberry), desde hace ya varios años.

Todo puede ser una excusa válida para viralizar información. Un tweet, un video, una foto en Instagram. Burberry transcurre en la red, y comercializa donde sea necesario.

La red, la calle, el museo. La moda encuentra un espacio de legitimación en la colección permanente del Museo Victoria & Alberto (además de una muestra abocada a los años 80); en Design Museum, dedicándole un piso completo a Paul Smith e, incluso, en el mismo Somerset House, en donde se exhibe la muestra dedicada a Isabella Blow. Las estaciones de subte promocionan una retrospectiva de David Bailey. En Londres, si buscás moda, la vas a encontrar.

La intermitente llovizna se repite sobre Londres. Digna hija de la revolución industrial, es de acero. Somerset House reúne las tendencias que se encuentran en las tiendas low-cost, y se replican en toda la ciudad. El minimalismo práctico de leggings, camisas y tapados de corte masculino convive con el color (se destacan los pasteles), y la estampa pop sobre toda prenda que se le cruce en suerte. A unos veinte minutos a pie, recorriendo Covert Garden y desembocando en Oxford Street, pueden obtenerse las prendas clave para vestir tendencia, desde los 10 a los 45 euros, aproximadamente.

La pasarela se transforma en bits, y las tendencias invierten su desarrollo. Las tiendas low-cost entienden qué extraer de las marcas de lujo. Logran editar lo que los directores creativos no; transforman la abstracción en producto, y visten. Topshop, Forever 21, Zara y H&M están en la calle. +

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+ PQTZ Diseños

Diseño original argentino Tela, estampa y forma

Buenos Aires, Rosario, Tucumán, entre otras tantas ciudades argentinas, desarrollan diseño. Generan moda. Nos visten. Anotaciones al margen de los lenguajes originales que emergen de nuestro extenso territorio, dando cuenta (en diferentes graduaciones, a través de diversos recursos) de nuestra identidad. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

¿Qué posee de original el diseño argentino? Probablemente, sea más preciso hablar en plural, e intentar detectar en el territorio nacional, propuestas que emergen y comienzan a sostenerse, ofreciendo novedad y, sobre todo, rasgos positivos de originalidad. Se decantan contrastes e, incluso, contradicciones que definen. Existe un rompecabezas estético que no termina de encajar: que se transforma, con piezas propias y ajenas, con referencias en el tiempo; que intenta establecer diferencias y da cuenta (en mayor o menor medida) de individualidades y entornos que nos pertenecen.

En la vista panorámica de un pueblo o una ciudad, se detectan constantes y excepciones. Aquellos horizontes interpelan al diseñador/a y, a través de sus prendas, cuentan su contexto. Cada ambiente se conforma en relación a otros; en cada ciudad, existen otras lejanas, pero la búsqueda pasa por lo que la distingue. En las capas de información, encontrar la original.

La tela que cubre, la estampa que imprime la diferencia, y la for-

ma que se construye pensando en un cuerpo cercano, dan cuenta de identidades colectivas. Por diferentes diseñadores y diseñadoras argentinas, vamos a recorrer los horizontes que se transforman en motivos, y las siluetas que delatan los espacios que transcurrimos.

Prendas, accesorios y calzado que en conjunto, en diálogo con propuestas consolidadas, cuentan también de qué habla la moda argentina. Entre referencias en el tiempo -nacionales e internacionales-, surgen propuestas con valor propio.

DE TELAS Y ESTAMPAS Cuatro diseñadoras imprimen identidad a través de la estampa. Motivos recurrentes, parecen tomar fotografías de su entorno y sus temporalidades, para revelarlas en tela. Sabrina Sastre (San Miguel de Tucumán, Tucumán) se propone desarrollar una identidad textil, creando con un marcado gusto artístico y la influencia estética de su entorno. Débora Orellana (Rosario, Santa Fe) posee una práctica similar, al plasmar su ciudad portuaria en las holgadas prendas de PQTZ Diseños; mientras que Julieta Santini (Ciudad de

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+ Cocoliche

+ Juli Santini

Buenos Aires) y Cintia Gabris (Quilmes, Buenos Aires) se permiten tratar la feminidad, e inventarse una excusa lúdica. Cuatro modos de trabajar sobre un mismo tema, desde diferentes técnicas, utilizando la tela como lienzo.

Mientras las propuestas de Clara Rosa y PQTZ Diseños dialogan con espacios urbanos, Juli Santini y Cocoliche construyen escapando en el tiempo. Santini es estudiante de indumentaria de la Universidad de Buenos Aires. Su marca (creada en 2009) lleva su nombre de modo informal. Marca un código de complicidad, y propone explorar ese límite entre la niña-mujer. Una estampa lúdica que se nutre de la literatura, dibujada a mano (que luego se realiza por serigrafía o sublimación), reproduce boquitas pintadas, besos, moños, juegos de niñas que nunca pasan de moda. En su última colección, “Les Illusionistes”, estampó la tapa del libro “Lolita”, porque está todo dicho.

En 2010, Sabrina Sastre emprende Clara Rosa, combinando diseño y expresiones artísticas. Piensa las piezas para mujeres que requieren novedad y, desde la moldería clásica, genera prendas estampadas. Las manifestaciones creativas tucumanas son el principal disparador para trabajar a través de la sublimación experimental.

La moda de Sastre hace tela las ilustraciones y las obras de artistas plásticos como Piero Sogno, Ángeles Rodríguez, María Luz Lobo, Javier Juárez, Alfredo Frías, y el street art de Ignacio Stesina. Su colección Otoño/Invierno, “Mix”, presenta las piezas clave del traje y los vestidos, con flores de pinceladas ocupando la prenda, como escapando del cuadro, para llevarlas puestas.

Débora Orellana es arquitecta, y se le nota. Ante cada paso por la ciudad de Rosario, relata el patrimonio cultural que la rodea. Su formación, el defecto (efecto) profesional, los planos, se encuentran reflejados en el textil. Hace ocho años, PQTZ Diseños estampa prendas holgadas (destacándose los vestidos) y accesorios.

Una ciudad sin fundación precisa, un puerto, y mística. Lo que la historia no relata, Rosario lo inventa. Y seduce desde su propio relato. Débora rescata planos y fotografías antiguas. Cada estampa está pensada desde el entorno urbano; de allí se resignifica de modo textil. PQTZ Diseños presentó su última colección, “Instante Urbe”, trabajando desde la sublimación por metro, el corte y calado láser, y la serigrafía. La arquitectura envuelve el cuerpo, y lo viste. Los vértices geométricos de la ciudad, las expresiones artísticas y la arquitectura como alimento creativo. El entorno repite motivos, y mutan en estampa.

Santini intenta la huída en las formas de otros tiempos, diseña desde una moldería vintage propia de los años 60 y prendas fetiche de los años 90. La juventud de su madre y su niñez como siluetas en donde reflejarse. También viaja, encontrando en Buenos Aires lo que posee de parecido a París. Un permanente juego de niñas, coqueteando con las distancias.

Cintia Gabris creó Cocoliche al finalizar su carrera en la Universidad de Buenos Aires. En 2011, un ejercicio académico se transformó en pasarela, al ser seleccionada para Semillero UBA/BAFWeek.

Un rompecabezas para armar, prendas para volver al colegio, se fueron bajando a producto en las colecciones sucesivas. Gabris apuesta a la mujer que viste, por momentos, de niña; ella también explora la seducción naif. Las estampas varían en cada colección: desde helados hasta animales en el bosque, Cocoliche siempre celebra la feminidad en un moño. Su moldería es experimental, toma piezas claves (por ejemplo, los blazers) y las desestructura. Su última colección, “Refugio”, remite a las casas que construyen las niñas en sus habitaciones, con sábanas y telas. Porque la moda es un juego.

Juli Santini y Cocoliche coinciden en niña–mujer, y se diferencian en la moldería. Mientras una se refugia en el vintage, la otra boceta un posible mañana. Dos diseñadoras jóvenes que diseñan lúdicamente.

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+ Clara Rosa

+ Dubié

DE FORMAS El arte, la arquitectura, la nostalgia, la feminidad: cuatro propuestas que se vuelven motivos recurrentes. Al igual que las siluetas, las formas crean instantáneas de nuestro tiempo. Cuatro propuestas -tres de ellas, conformadas por duplas-, visten el cuerpo con intenciones modernas.

Agustín y Martín diseñan Boerr-Yarde Buller, y poseen un punto de contacto con Débora Orellana de PQTZ Diseños: la arquitectura.

Mientras la rosarina estampa la urbanidad, ellos construyen una silueta de líneas simples y puras. La naturaleza encontrando espacio en el paisaje gris de la ciudad, es un contraste que dispara creación en Boerr-Yarde Buller. Una propuesta de indumentaria que se acerca al concepto de unisex, tomando la síntesis del pasado, y generando prendas que dan cuenta de un factible mañana. Simpleza y practicidad en tejidos a mano, nuevas significaciones de la sastrería y pijamas para llevar más allá de la cama.

Su última colección se llama “Hain”, nombre que denomina al rito de iniciación de la cultura Selk’nam, ausente en nuestros días. Un punto en el tiempo para retomar referencias gráficas; un estudio para diseñar las prendas e, incluso, la elección de los materiales: asta, alpaca y cuero. Un presente que construye aprendiendo del ayer, y suponiendo un futuro inmediato.

Silvia Querede y Noelí Gómez diseñan Quier, y el tiempo comienza a surgir como síntoma. Desde Rosario, dos mujeres -de dos generaciones diferentes-, retoman el oficio, y diseñan las prendas multi+ Luz Ballestero

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+ Boerr-Yarde Buller

funcionales, reversibles, envolventes y sustentables. El ritmo de la ciudad determina la practicidad, y la búsqueda de nuevas formas es una premisa de diseño de la marca. “Híbrida”, la última colección, mantiene las constantes que las definen desde 2005. Dos duplas, hombres y mujeres, diseñando desde Buenos Aires y Rosario, encontrando en el contraste de la naturaleza y la urbanidad, un imaginario moderno. Ambas propuestas construyen una silueta despojada, slim por lo bajo, y envolvente en el torso.

Para Luz Ballestero, la comodidad es una premisa de diseño. Desde 2010, la diseñadora construye desde el sportwear. Allí, la necesidad de resolución y un modo de realización, se encuentran. Se vuelve entonces inevitable pensar en la Ciudad de Buenos Aires como espacio de uso de las prendas. Ballestero propone aquellas que conjugan las referencias deportivas, la sastrería y la remera ítem clave. Su última colección, “Talega”, vuelve sobre la superposición y las prendas holgadas, en una paleta de negros, azules y dorados apagados.

Agustina Dubié y Javier Martínez Bo (tal vez, más cercanos a la sastrería) diseñan en Dubié desde y para la ciudad. Marcan como disparador los edificios racionalistas en el porteño paisaje cotidiano. Pantalones deportivos, camisas, tops y largos blazers, delinean una marca que busca definir una nueva elegancia urbana. La indumentaria masculina es un espacio de exploración para el diseño. La colección otoño – invierno 2014 vuelve sobre la sastrería clásica, indagando en una silueta redondeada, que decanta en una situación de comodidad. La obra del artista Lucio Fontana es tomada como disparador creativo. + Quier

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+ Polonia Cruz

+ Bellebas

+ JKShoes

DE ACCESORIOS Las siluetas que permiten el movimiento, que acompañan el ajetreo diario, se nutren de las propuestas deportivas, y las ponen en relación con la sastrería. Los accesorios se vuelven necesarios para cargar. Polonia Cruz (de la diseñadora Soledad San Juan), Bastardo (de Marcelo Yarussi) y Bellebas (de Lucila de Paula y Dolores Mouriño) presentan tres propuestas de bolsos, sobres y mochilas, que se encuentran en la resolución. Con líneas simples, ofrecen productos con identidad en el diseño y facilidad en el uso.

Lo práctico puede convivir con la nostalgia, y el calzar porteño mantiene una elegancia citadina. Movimiento sin resignación de estilo.

Lucas Sánchez y JKShoes (de Jessica Kessel) ofrecen un confortable andar, sin resignar el estilo. Lucas Sánchez recorre desde el calzado clásico masculino (con divertidos prints) hasta el mix con lo deportivo. Permite una pisada fuerte. Jessica Kessel es una marca de calzado femenino, con un diseño conceptual que une la abstracción geométrica con un uso del color lúdico. De mocasines a tacos nocturnos, se diferencia en la propuesta.

El arte que brota del asfalto y la naturaleza que intenta sobrevivir en él, conforman capas de información que determinan las ciudades.

Como otras tantas, pero no tan propias. Tucumán, Rosario, Buenos Aires se relatan aquí para dar cuenta de todos aquellos espacios de inspiración, creación y uso del diseño argentino.

+ Lucas Sánchez

DIRECCIONARIO Bastardo

http://unbastardo.tumblr.com/

Bellebas

www.bellebas.com

Boerr-Yarde Buller www.boerr-yardebuller.com Clara Rosa

http://clippate.com/Clararosa

Cocoliche

www.facebook.com/cocolicheame

Doris Viñas

www.dorisvinas.com.ar

Dubié

www.dubie.com/

JKShoes

http://jkshoes.com.ar/

Juli Santini

www.julisantini.com

Käira

www.kairaweb.com.ar

Lorena Sosa

www.facebook.com/lorenasosadiseno

Lucas Sánchez

www.facebook.com/lucassanchezcalzado

Luz Ballestero

www.luzballestero.com

Marina Massone

www.marinamassone.com.ar

Polonia Cruz

www.poloniacruz.com

PQTZ Diseños

http://pqtz.com.ar/

Quier

http://quier.com.ar/

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+ Collar Hilos de Marina Massone

+ Collar de Lorena Sosa

+ Aros de Doris Viñas

JOYERÍA CONTEMPORÁNEA Transitamos días en los cuales el tiempo es el verdadero lujo, y la contemporaneidad ya no exige materiales preciosos. El adorno puede realizarse en cualquier material moldeable de diseño. A través del trabajo de cuatro diseñadoras, observamos cómo la joya argentina viste la nueva distinción.

Doris Viñas se volcó la joyería experimental desde un proceso autodidáctico. El disparador surgió (y surge) desde la materialidad.

El tacto - contacto con el material a moldear, genera la energía creativa que Doris necesitaba canalizar. A partir de allí, produce piezas (anillos, colgantes, accesorios para el cabello) orgánicas, circulares, que vuelven permanentemente sobre sí mismas. Algo de geometría, y bastante de reutilización. Viñas piensa las piezas contemporáneas y atemporales, donde el cierre es el fetiche.

La arquitecta Ruth Schaffer genera Käira desde las simetrías y asimetrías: una propuesta en joyería que también se repite en las formas orgánicas. La paleta de colores se amplía, e introduce el cuero reciclado como material. Aros, anillos y collares, piezas flexibles que se enredan en sí mismas, generando un juego óptico

+ Anillo de Käira

y una novedad lúdica.

Lorena Sosa es una diseñadora de indumentaria tucumana, que saltó de la prenda a la joya. En sus piezas (collares, pulseras y anillos), dialogan materialmente la alpaca, el acrílico y el textil; la tradición ofrece el oficio, y la tecnología, la innovación. Su última colección, “Negromio”, es la síntesis de ese espacio reducido, en donde encontró el aire suficiente para expandir su creación. Un producto que se repite en formas geométricas, explorando las potencialidades el negro, que acompaña a la mujer activa.

Desde el año 2000, Marina Massone se encuentra dedicada al diseño y producción de la joyería contemporánea. Parte desde un patrón, que le permite la reproducción, sin caer en la serialización.

Cada pieza se mantiene única, casi como una extensión natural.

Desde el 2011, posee su propia galería de joyería contemporánea, en San Antonio de Areco.

Cuatro mujeres explorando la joyería contemporánea en gestos modernos, en donde las formas naturales acompañan al cuerpo, vistiendo la feminidad, sin necesidad de ostentación alguna. +

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+ Las cuatro tendencias para el invierno 2015 en la colección de Loco Serious Denim: grungy, urbanity, responsible y sophisticated.

Loco Serious Denim El jean siempre es moda

A través del análisis de tendencias internacionales, y buscando satisfacer las necesidades de las primeras marcas de indumentaria del país, Santana Textiles desarrolla Loco Serious Denim, una colección de denim de carácter Premium. Cómo se captan y cuáles son las tendencias en denim para el invierno 2015. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

El jean es el vestido negro del trabajo. Una pieza clave del vestir. Alejandro Ogando, diseñador de indumentaria y coordinador del departamento de producto de Santana Textiles, nos comenta: “El denim siempre es -y será- un tejido muy democrático dentro de la moda: es el único tejido usado por todas las clases sociales, jóvenes y adultos, como uniforme de trabajo, o como una prenda básica que acompaña, quizás, el outfit más trendy. Como si todo esto fuera poco, el denim posiciona a una marca. Todas las etiquetas tienen o anhelan tener su línea de jeans”. Motivo por el cual, el denim siempre se renueva, se modifica, y ofrece novedad cada nueva temporada. ¿Cómo?

Innovando. Y para eso, se requiere de información precisa para entender por dónde ir. + ¿Cómo se captan las tendencias en denim?

AO En primera instancia, es muy importante analizar y definir con precisión a nuestro consumidor: la edad, el nivel socio-cul-

tural y adquisitivo, las necesidades y las ocasiones de uso, etc.

Y es aquí en donde debemos profundizar. Este trabajo no será el mismo para una marca masiva, que para una marca de lujo.

Lo peor que nos puede pasar, es ofrecer algo que esté demasiado adelantado, y que la gente no lo entienda, o viceversa. Para esto, se realizan estudios de mercado y consumo, análisis de la competencia, y viajes de producto a las principales ferias y ciudades de Europa y EE.UU. En paralelo, se cuenta con el servicio de sitios Webs que brindan informes de tendencias, y todo un research de las páginas Webs que consumiría el target para el que estamos trabajando.

Es por eso que Ogando viaja, observa, analiza y decodifica tendencias. Tanto la pasarela como la calle, lo nutren de claves para comprender qué se va a usar, y en consecuencia, qué ofrecer primero al mercado. “Todos los años, trabajamos con tres o cuatro líneas de tendencias, que direccionan nuestras colecciones

ideas creativas

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de tejidos, analizando pasarelas, y haciendo un gran trabajo de street report, ya que las prendas denim nacen como prendas de trabajo, haciendo un gran hincapié en la funcionalidad”, explica.

Son cuatro las tendencias para el próximo invierno; diferentes líneas de innovación, que toman inspiración y ofrecen un marco de trabajo para crear colección.

Grungy Denim. El movimiento grunge funciona como disparador creativo, retomando la década del 90 como período a referenciar. Un aspecto industrial se combina con una actitud rebelde, en donde las piezas maximizan su silueta sobre tipologías clásicas de denim. Black (el negro absoluto, ya sea con trama blanca o con lavados con mucha abrasión) y Baby Blue (que con tratamientos de lavandería, dan la idea de un look usado y derruido), conforman la propuesta cromática.

Urbanity denim. El arte callejero y los deportes urbanos dan cuenta de la calle, y eso inspira prendas de tejido denim de espíritu adolescente y movimiento permanente. La practicidad y libertad de movimientos son fundamentales. Las prendas toman las tipologías deportivas confeccionadas en tejidos livianos, elastizados o confort. La paleta de color lograda en lavandería tiene base Deep Blue, desde un teñido 100% índigo.

nación de los tejidos (raclas, resinas y matizados), mantienen el look visual del auténtico denim. + ¿Cómo se aplican estas tendencias a la colección de Loco Serious Denim?

AO Loco Serious Denim intenta satisfacer las necesidades del mercado más Premiun del país. Hoy, la innovación pasa por la tecnología del tejido, y para eso, la empresa realizó una gran inversión en maquinarias de última generación, que nos dieron como resultado exclusivas terminaciones: Clean Finish le otorga a los tejidos un look flat, mayor estabilidad dimensional, y mejora la afinidad con el teñido; Core Finish es un proceso de terminación, en donde una combinación de resinas le dan al tejido una mano diferencial al tacto, brillo, y una construcción más definida. Por ultimo, 3F es una nueva tecnología aplicada en la construcción del hilo de trama, que une tres cabos de algodón, poliéster y elastano, conservando el brillo y la resistencia del poliéster. Esto da como resultado, el confort y la elasticidad tan necesarias para las prendas más anatómicas que el mercado de moda demanda.

Sophisticated denim. La línea de tendencia más moderna, toma el concepto de lo sofisticado. La arquitectura y la urbanidad -con obras como las de los arquitectos Zaha Hadid y Norman Foster- son el punto de partida para prendas denim que entran, definitivamente, a otros rubros, otras tipologías, reestructurando silueta, métodos de producción y confección. Tejidos compactos y muy elastizados, con terminación clean finish y tramas color.

+ ¿Qué tendencias en realización y desarrollo del denim existen hoy?

AO En el exterior, existe un gran culto en la confección del denim: todos los sistemas de confección están perfeccionando sus métodos, para lograr prendas que tienen una fuerte inspiración en la sastrería. Las marcas se pusieron a trabajar el interior de las prendas y su calce, algo muy complejo para el tipo de confección al que estamos acostumbrados en Argentina. De hecho, no nos movemos mucho de la tipología five pockets. Hoy, marcas como Denham, G-Star o Tenue de Nimes (uno de mis favoritos en Ámsterdam) ofrecen prendas con detalles mucho más cuidados.

Responsible denim. Una oda a la funcionalidad. Las marcas denim toman la idea del original y lo resemantizan, para diseñar prendas que no pierden su esencia. La tecnología en la termi-

La calle pone el ritmo, la pasarela la estética reinante, y el denim siempre será un básico para andar. + www.locoseriousdenim.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/locoseriusdenim

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+ Phipps Plaza

Atlanta

Shopping Destination La ciudad de Atlanta y sus alrededores es una de áreas metropolitanas más importantes, y con mayor crecimiento en los últimos años en Estados Unidos. También es conocida como una ciudad de negocios, por tener las sedes centrales de compañías como Coca-Cola, AT&T, Delta y CNN. Pero además, es uno de los principales destinos de compras dentro del sudeste de los Estados Unidos. | Texto y fotos: Gonzalo Fargas @gonza9010

Link a la nota: http://9010.co/atlantashopping

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ideas creativas 079 destinos

+ En Phipps Plaza, la tienda Jeffrey ofrece prendas de marcas de lujo.

Invitados por Simon -una empresa propietaria de 325 shoppings en Estados Unidos, Asia y Europa-, visitamos este destino en Giorgia, para recorrer algunos de sus malls, y conocer los distintos conceptos y propuestas que ofrecen cada uno: Lenox Square, Phipps Plaza, Mall of Giorgia y North Georgia Premium Outlet.

LENOX SQUARE Desde 1959, es un legendario destino de compras en el sudeste de los Estados Unidos. Posee tiendas departamentales como Bloomingdale's, Neiman Marcus y Macy's. Y además, ofrece más de 250 tiendas, entre las que se cuentan a Fendi, Anthropologie, Burberry, Brooks Brothers, Cartier, David Yurman, Louis Vuitton, Bvlgari, Ralph Lauren, Salvatore Ferragamo, St. John, Henri Bendel, Ermenegildo Zegna, Facconable, Nike, y Apple, entre otras. En breve, estarán abriendo sus tiendas las marcas británicas Topshop y Topman. Además, tiene cinco restaurantes, entre los que se destaca Prime Seafood & Steaks, y un patio de comidas: el Lenox Fashion Café.

Está ubicado en el corazón de Buckhead, uno de los barrios comerciales más importantes de Atlanta, y a minutos de varias de las principales atracciones de la ciudad, incluyendo el Acuario de Georgia, el World of Coca-Cola, el CNN Center, Underground Atlanta y el Fernbank Museum. Tiene conexión directa con el J.W. Marriot, y se sitúa a unos pasos de hoteles de lujo como W. Hotel, Ritz Carlton, Grand Hyatt, Intercontinental y Westin. Su dirección es: 3393 Peachtree Road NE. www.lenoxsquare.com + Degustamos los postres del restaurant italiano Davio’s en Phipps Plaza.

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+ El bazar Williams - Sonoma en Mall of Giorgia.

+ Tienda Michael Kors en Mall of Giorgia.

+ 50% Off en la tienda de bolsos y accesorios Vera Bradley en North Georgia Premium Outlets.

+ En la tienda Build a Bear, en Mall of Giorgia, es posible dar vida al propio osito de peluche.

PHIPPS PLAZA El centro comercial Phipps Plaza es el hogar de más de cien tiendas especializadas de lujo, como Gucci, Giorgio Armani, Jimmy Choo, Versace, Bottega Veneta, Elie Tahari, Jeffrey Atlanta, Wolford y Valentino, y cuenta con las tiendas departamentales Saks Fifth Avenue, Nordstrom y Belk. Además, tiene cuatro restaurantes de servicio completo (destacándose Davio’s, especializado en comida italiana), un cine AMC de 14 pantallas y el centro Legoland Discovery. También ubicado en Buckhead, muy cerca de Lenox Square, en 3500 Peachtree Road NE. www.phippsplaza.com

Crew, Michael Kors, P.F. Chang’s China Bistro, Pottery Barn, Sephora, Swarovski, Vans y Williams-Sonoma. Posee restaurantes como P.F. Chang’s China Bistro y The Cheesecake Factory, además de un patio de comidas. El centro comercial incluye un cine con 20 salas y IMAX. Está situado en 3333 Buford Drive, Buford. www.mallofgeorgia.com

MALL OF GEORGIA Es el destino de compras y entretenimiento dominante en los suburbios del noreste de Atlanta. Este centro comercial de tres pisos ofrece un entorno de compras único, inspirado en la historia y la arquitectura de los pueblos de Georgia. Es así que presenta elementos que demuestran la historia y el patrimonio del estado de Georgia, tales como murales históricos, vitrinas con objetos auténticos, mientras que su arquitectura recuerda las estructuras históricas del pasado de Atlanta. Tiene como tiendas ancla a Nordstrom, Belk, Dick’s Sporting Goods, Dillard's, JCPenney y Macy's, que se suman a otras más de 225 tiendas, tales como A|X Armani Exchange, Brighton Collectibles, Coach, Francesca’s Collection, Fresh Produce, H&M, J.

NORTH GEORGIA PREMIUM OUTLETS Ubicado al norte de Atlanta, en el corazón de las montañas de Dawson County, este centro comercial construido al estilo gregoriano presenta 140 tiendas, incluyendo Ann Taylor Factory Store, Banana Republic Factory Store, BCBG Max Azria, Brooks Brothers Factory Store, Burberry, Calvin Klein, Coach, Gap Factory Store, Guess Factory Store, Hugo Boss Factory Store, Nautica, Michael Kors, Movado Company Store, Saks Fifth Avenue Off 5th, Polo Ralph Lauren Factory Store, Pottery Barn Outlet, Restoration Hardware, Under Armour, Williams-Sonoma Outlet y muchas más. El área ofrece una gran variedad de actividades para los visitantes, incluyendo degustaciones de vinos, escalar montaña y golf. El centro está localizado en 800 Highway 400 South, Dawsonville, en la cercanía de atracciones turísticas para toda la familia, como Amicalola Falls State Park, Georgia Racing Hall of Fame y Lake Lanier. + www.premiumoutlets.com/northgeorgia www.simon.com

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Mini SUVS

Ahora los prefieren pequeños La categoría de los SUV (Sport Utility Vehicle) siempre estuvo conformada por exponentes corpulentos y de gran porte. Sin embargo, la tendencia hoy va hacia los utilitarios deportivos mucho más comprimidos. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Cuántas veces habremos escuchado que “Lo bueno viene en envase chico”. Y la verdad es que, dependiendo del contexto en que se lo mencione, puede resultar cierto o no. Si viajáramos a un par de años atrás (década del 70), y quisiéramos representar al mercado automotor de entonces, seguramente, nos hubieran dicho que esa valoración es errónea. Más aún, en un país como Estados Unidos, por ejemplo, en donde el boom de autos grandes (sedanes, SUVs y minivans), dominaban la escena urbana.

+ VW Taigun

Pero los tiempos cambian y hoy, hasta la misma Ford -una de las referentes en lo que a autos grandes y motores poderosos se refiereacaba de presentar una investigación que concluye en que los consumidores actuales prefieren los autos más chicos. Una clara muestra de esta nueva tendencia, lo representa el creciente segmento de los mini SUVS. Es decir, utilitarios deportivos que se las ingenian para proponer lo mismo que sus primos “grandotes”, pero en espacios

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ideas creativas 083 vehículos

mucho más reducidos. A continuación, presentamos los modelos que ya están dando que hablar en el mundo.

RENAULT CAPTURE Cortito como un Clio, pero tan espacioso y con buen despeje como una Duster. Así se puede definir al Captur, el comprimido SUV de Renault que será puesto a la venta este año en Brasil, y que para el año tiene planes de desembarco en nuestro país. Mide 4,12 metros de largo, 1,77 de ancho, 1,57 de alto, y su baúl tiene capacidad para 377 litros.

Es decir, se trata de un auto muy compacto, y con un gran despeje (20 cm) con respecto al suelo que, vale aclarar, ya es un éxito de ventas en Europa. En nuestro mercado, competirá contra versiones como la Ford EcoSport y Chevrolet Tracker. Sin embargo, ésta no tiene una versión con tracción en las cuatro ruedas, como sí lo ofrecen los dos modelos antes mencionados. En el viejo continente, se presenta con motor diésel de 90 CV y dos nafteros también de 90 y 120 CV. VOLKSWAGEN TAIGUN Lo venimos viendo en sucesivos salones del automóvil y, desde su primera aparición en el 2012 en la feria brasilera del automóvil en San Pablo, su camino hacia su producción es cada vez más concre-

+ Renalt Captur

+ Peugeot 2008

to. Nos referimos al Taigun, un robusto y compacto prototipo inspirado en la corpulenta Tiguan. Se sabe que será fabricado en Brasil, desde donde llegará a nuestro mercado, y utilizará la plataforma del Volkswagen Up!, el compacto de la marca que será lanzado antes del mes de julio en nuestro mercado. Entre sus principales atributos, sigue manteniendo su reducido tamaño (3,86 metros de largo, 1,73 de ancho, 1,57 de alto, y una distancia entre ejes de 2,47 metros) y su estética, la cual guarda mucha relación con su hermano fortachón, el Tiguan. Su arribo a nuestro país será en el año 2016.

FIAT 500L De todo el listado de modelos expuestos aquí, el 500 L -es decir, el hermano largo del Cinquecento- será el primero en llegar a nuestro mercado. Lo hará a finales del mes de mayo, con el conocido motor 1.4 naftero de 95 CV que equipa a la Dobló. En Europa, ya se comercializa una versión campera del 500L, que se apellida Trekking.

A diferencia de la variante urbana, el Trekking dispone de molduras laterales, guardabarros específicos y más altura del suelo, pero vale aclarar que no se trata de una versión de doble tracción. El otro exponente de la marca que podemos incluir dentro de esa categoría

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es el Panda. Este sí es una buena opción para aquellos que quieran tomarse más en serio el tema de hacer off-road, ya que el Panda se ofrece en dos opciones, una de las cuales será 4x4.

PEUGEOT 2008 Se puede incursionar hacia una categoría sin tener experiencia y, a pesar de ello, obtener un excelente producto. Probadas muestras las dio Peugeot el año pasado, cuando lanzó el 4008. Es por ello, que no es de extrañar que la marca del león figure en este listado. Para esto, utilizó la base de su modelo citadino del momento: el 208. A éste, le inyectó una dosis de masa muscular. ¿El resultado? El 2008, un SUV con un poco más de 4 metros de largo, y que es dueño de una verdadera estética off-road. Su llegada a nuestro mercado será este año y, cuando ello suceda, estaremos en presencia de uno de los exponentes más interesantes de esta categoría.

JEEP RENEGADE Si bien todos los modelos que mencionamos en este informe son novedades, hay uno que es una primicia absoluta. Se trata del Jeep Renegade, el primer Jeep de la historia que no se fabricará en Estados Unidos, sino en Italia, China y Brasil. Esta impensada fusión de raíces es fruto

de la reciente alianza entre Fiat y Chrysler. La consecuencia es un SUV para cinco personas, de aspecto sólido (se asemeja al Jeep Wrangler), pero con terminaciones más actuales y un comportamiento -según dicen sus mentores- que combina las prestaciones de un todo terreno con un auto de ciudad a la perfección. Se ofrecerá con 5 motores a nafta entre los 110 y 190 caballos, y 3 diésel de 120 a 170 caballos.

CITROËN CACTUS Se viene exhibiendo en sucesivas ediciones de los salones internacionales del automóvil. Se trata del Cactus, y su última aparición en público, la hizo en la reciente muestra de autos de Ginebra. Allí se pudo apreciar un auto que destila personalidad y que asombra, porque es prácticamente igual a aquella maqueta que se exhibió en su fase experimental. De este modo, estamos en presencia de un SUV, con una longitud de 4,16 metros, una anchura de 1,73, una altura de 1,48 m, y una distancia entre ejes de 2,60. Su imagen de “auto del futuro” es lo primero que cautiva, pero hay otras soluciones ocultas, tales como: su bajo peso de 965 kg (200 kg menos que el C4 Lounge), o su escaso consumo y baja contaminación (la marca declara un consumo de apenas 3,1 l/100 km en diésel) que, seguramente, cautivarán a los europeos, cuando salga a la venta el próximo mes de julio. +

+ Fiat 500L

+ Jeep Renegade

+ Citroën Cactus

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+ Bose SoundLink III

+ Bose SoundLink III

Parlantes inalámbricos Liberá tu música

Para llevar la banda de sonido de tu vida adonde quieras, todo lo que hay que saber sobre los nuevos parlantes inalámbricos. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

¿Dónde es la fiesta? No hay dirección, dicen que dijo Diego alguna vez. Y la frase es hoy más cierta que nunca, porque la fiesta hoy es donde vos quieras que sea. ¿Por qué? Muy simple, porque los dispositivos de reproducción evolucionaron tanto, que nos permiten llevar nuestra música a todas partes.

De los toscos tocadiscos “portátiles” en valija, que actualmente nos resultan impensable trasladar, hasta los reproductores de audio más modernos, la portabilidad ha sido un tema central. Y si bien desde que nació el concepto walkman hasta hoy, trasladar la música es posible, la capacidad de compartirla con los demás (más allá de usar un auricular cada uno) era una deuda pendiente. Sin embargo,

hoy tenemos una enorme variedad de parlantes inalámbricos que, no sólo nos permiten escuchar y compartir nuestras melodías favoritas desde diferentes dispositivos sino que, además, lo hacen sin necesidad de usar cables, con un gasto mínimo de batería y una alta fidelidad en la reproducción, asegurándonos la posibilidad de disfrutar de la música donde quiera que estemos.

Estos parlantes son Bluetooth, por lo que podemos conectarlos a cualquier dispositivo con Bluetooth 2.1 o superior, que incluyen el perfil A2DP para transmitir audio en estéreo en forma inalámbrica, sin importar -en teoría- la marca, modelo o sistema operativo.

Este estándar, además, incluye el uso del teléfono o tableta como

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ideas creativas 087 gadgets

+ Logitech X100

control remoto: podés iniciar la reproducción de música, pausarla, cambiar a otra canción, o subir el volumen. Si tiene micrófono, sirve de manos libres (ideal para una oficina o para cuando estás escuchando música, entra una llamada y no querés cortar la conexión).

Algunos modelos más sofisticados, incluyen también soporte para una tecnología llamada aptX, que ofrece una mejor calidad de audio sobre Bluetooth, pero el teléfono o tableta también tienen que ser compatibles. Son variadas y numerosas las alternativas que nos ofrece el mercado.

SONY SRS-BTX300 Con este equipo portátil de Sony, hay fiesta siempre, y en cualquier lugar. Además de Bluetooth, tiene NFC, por lo que se vincula con el smartphone o tableta que tiene música, con un simple toque. Tiene 20 watts de potencia con radiador pasivo para los graves, soporte para aptX, una batería que le permiten 8 horas de reproducción de audio, entrada auxiliar para cuando tenés un reproductor de audio sin Bluetooth, y un costado buena onda: un puerto USB para cargar tu smartphone o tableta en una emergencia. Precio en la Argentina: $ 3000.

PHILIPS SBT75W/00 Además de la conexión por Bluetooth, este parlante Philips cuenta con una entrada auxiliar para conectarse con otros dispositivos musicales que no tienen Bluetooth. La batería de litio integrada, te

asegura hasta 5 horas de música con sistema de sonido estéreo y una potencia de salida (RMS) de 4 watts que, según el fabricante, ofrecen graves profundos, precisos y sin distorsiones. Y quien quiera oír, que oiga.

ORBITSOUND SPACED 360 Otro tipo de propuesta nos llega desde Gran Bretaña, donde Orbitsound creó el Spaced 360, especialmente diseñado para proyectar el sonido en todas las direcciones. Tiene tres parlantes, bajos y amplificadores independientes (20 watts por canal), Bluetooth 2.1 con NFC para una vinculación inmediata con tu celular o tableta, cable para conexiones analógicas convencionales y una batería interna que le da hasta 14 horas de autonomía. Precio: £ 250.

+ Sony SRS-BTX300

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+ Philips SBT75W/00, Orbitsound Spaced 360, Beats Pill 2.0 y Sol Republic Deck

BEATS PILL 2.0 Los parlantes portátiles de Beats tienen forma de pastilla -de ahí su nombre-, y les gusta funcionar en modo colaborativo. Si tenés dos parlantes iguales, alcanza con hacer que se toquen una vez, para que reproduzcan la misma música (y así extendés el alcance de la fiesta); dos toques, y uno reproduce el audio del canal izquierdo, y el otro del derecho. También vienen con micrófono para funcionar como manos libres Bluetooth (la vinculación es por NFC). La batería interna dura 7 horas. Tiene, además, un conector de audio convencional. Precio: U$S 200 en Estados Unidos.

LOGITECH X100 Es un disco, pero no tiene música: sí parlantes, controles en el borde, y un gancho para llevarlo en la mano o colgarlo de cualquier parte.

Viene en varios colores, tiene una batería de 5 horas de duración y micrófono para usarlo como manos libres Bluetooth. No tiene NFC ni es el más potente de la cuadra, pero por U$S 50 (en EE.UU.) es una muy buena alternativa.

SOL REPUBLIC DECK WIRELESS SPEAKER Acá lo estuvo promocionando Motorola antes de su venta a Lenovo.

Tiene NFC, sonido envolvente, entrada y salida analógica de audio, y la batería posee 10 horas de autonomía (y se carga por USB). Pero lo más canchero, es que puede vincularse con hasta 5 dispositivos, y cada uno le va tirando un tema; una opción interesante para esas fiestas o reuniones, en donde todos sugieren qué música pasás. Precio: U$S 200 en Estados Unidos.

NOKIA MD12 El nuevo parlante mini de Nokia (hoy Microsoft) tiene el bajo en la base, por lo que aprovecha las superficies en las que está apoyado (una mesa, el piso) para darle más potencia. Tiene NFC, y la batería dura 15 horas. Viene en varios colores, e incluye un cable de audio analógico para esos momentos en los que no querés ser inalámbrico.

Precio: € 39 (en Europa).

PIONEER XW-BTSP1 Estos parlantes de una de las compañías históricas de audio, tienen NFC y una batería interna para darle vida a los altavoces de 8 watts y a su radiador pasivo (para los bajos) durante 10 horas. Tienen también un conector de audio analógico. Salen a la venta en junio en Europa.

SAMSUNG LEVEL BOX En abril, Samsung presentó su nueva línea de accesorios de sonido para smartphones y tabletas, entre los que se encuentran sus parlantes inalámbricos. Tienen NFC y micrófono con cancelación de eco, cuerpo de metal, y altavoces de 56 mm con radiador pasivo. Poseen una batería que permite 15 horas de funcionamiento y botones de control para cuando no querés usar los del smartphone. Pesan 600 gramos.

BOSE SOUNDLINK III La tercera generación de estos altavoces tiene cuerpo de metal, una batería de 14 horas de duración y recuerda los últimos seis equipos con los que se conectó; ideal para una familia o compartir con un grupo de amigos. Tiene entrada de audio analógica, pero no NFC. +

Link a la nota: http://9010.co/notaparlantes

+ Lena Szankay, Sombra mexicana

portfolio fotográfico

Lena Szankay | Curador: Aldo Bressi @aldobressi

Desde 1986, Lena Szankay desentraña la vida a través de la fotografía. Habiendo comenzado sus estudios fotográficos con Eduardo Gil en Buenos Aires, vivió gran parte de su vida en Berlín, donde se formó artísticamente. Desde la caída del muro, y siendo testigo de los grandes cambios de una Europa post guerra fría, produjo su obra, realizó proyectos curatoriales, y fomentó la fotografía argentina. Hoy sigue formándose como profesional, al mismo tiempo que ejerce la docencia, en forma institucional y privada.

Link a la nota: http://9010.co/lenaszankay

El trabajo de Lena no es lineal, ni tiene un solo concepto claro y fácil de explicar. Es el trabajo de una vida. Es complejo. Con una técnica y calidad fotográfica impecables, abarca temáticas diversas, y nos lleva a distintos lugares. Lo más especial de su trabajo, es que toca sensibilidades distintas en cada persona. Y que sus imágenes quedan en la memoria del que las tiene frente a sí. + www.lenikem.com

+ Lena Szankay, Serie Sinestesia

+ Lena Szankay, Serie Sinestesia

+ Lena Szankay, Serie Sinestesia

+ Lena Szankay, Rinc贸n, Serie Siesta

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Hans J. Wegner

Un pragmatismo sensible Con un sello propio que se caracteriza por el pragmatismo y la exploración en torno al trabajo artesanal, Hans J. Wegner elaboró más de mil diseños, que pusieron a la estética danesa (y escandinava) en el centro de la escena. En el aniversario número cien de su nacimiento, muestras y relanzamientos celebran su búsqueda por un proceso que respete, ante todo, la nobleza del material. | Texto: Natalia Iscaro @natusfila Imágenes: Gentileza PP Møbler

clásicos contemporáneos

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+ Swivel Chair, pp205 (1955)

En 1960, John F. Kennedy y Richard Nixon se enfrentaron en el primer debate televisivo de la historia. A la hora de sentarse para aguardar su turno, los contrincantes lo hacían en la “Round Chair”, una obra de Hans J. Wegner (1914-2007) quien, a partir de entonces, empezó a estar en boca de todos. Según se supo después, la cadena CBS había adquirido, para el suceso mundial, un total de doce sillas del citado modelo, posteriormente rebautizado como la “Kennedy Chair” o, también, “Perfect Chair”.

El detalle, aunque anecdótico, refleja con naturalidad el impacto del diseño escandinavo en Los Estados Unidos de aquél entonces y, más especialmente, el del propio Wegner. Más tarde apodado “el rey de las sillas”, el diseñador -nacido en Dinamarca- no se dejó deslumbrar por la celebridad, ni por los premios. Por el contrario, a lo largo de su vida, se caracterizó por una modestia para algunos provinciana, la misma con la cual bautizó a ésta y tantas otras sillas, sin falsas expectativas, ni frases grandilocuentes.

Hoy, a cien años de su nacimiento, muestras y reediciones de algunos de sus productos le rinden un merecido homenaje; y nos dan la excusa para recordarlo. Una de estas exhibiciones debutó en abril de este año, en el Museo del Diseño de Copenhague, bajo el nombre

“Sólo una buena silla” -una frase del propio Wegner-, que incluye más de 150 obras originales, dibujos, fotos y modelos. El recorrido se propone explorar los métodos de trabajo, procesos de elaboración y la lógica detrás de una filosofía que toma como eje al potencial de la madera como material.

Sumado a ésto, en su ciudad natal, Tønder, cerca de la frontera con Alemania, el Museo de Arte local exhibe una exposición permanente llamada “Ícono del Diseño Nórdico”, la cual se centra especialmente en la vida del diseñador. En más de 700 metros cuadrados, 150 piezas de mobiliario, lámparas, herramientas y demás objetos, repasan su formación como carpintero, hasta convertirse en uno de los diseñadores más destacados de la “edad dorada” del diseño nórdico, entre 1950 y 1960. Cinco diseñadores de la misma región, pero contemporáneos, completan esta exhibición, demostrando su influencia y vigencia al día de hoy.

Además, la productora danesa PP Møbler relanzará cuatro sillas exclusivas de Wegner, en su showroom MC Selvini de Milán. Todas las obras expuestas son resultado de fructíferos años de trabajo conjunto entre PP Møbler y el diseñador, así como de su exploración en torno a las posibilidades técnicas del material. Las sillas disponi-

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+ Upholstered Peacock Chair, pp521 (1953).

Foto: Bruun Rasmussen Auctioneers. www.bruun-rasmussen.dk

+ The Chair, pp501 y 503 (1949/1950)

bles serán: Round, Tub, Hammock y Upholstered Peacock, una versión reformulada de la original Peacock, de 1947. Finalmente, este mayo, desembarca en Nueva York la muestra “Norwegian Icons: Important Norwegian Design”, que presenta más de 500 trabajos de diseñadores escandinavos y su profundo legado en el diseño, entre cuyas obras se encuentran las de Wegner.

A lo largo de su abultada carrera, recibió numerosas distinciones, como el premio Lunning (1951), pero su mayor premio fueron sus obras. Imposible olvidar a la silla Round (1949): un ícono de diseño, que a poco tiempo de su nacimiento, aparecía en la portada de la revista American Interiors como “la silla más hermosa del mundo”. La silla Y (1950): hoy en día, una pieza sumamente codiciada, un símbolo de buen gusto, y un asiento sumamente confortable. De inspiración animal, la Peacock (1947), con sus patas cortas y respaldo alto, representa el confort con un tono lúdico. Delicada y sumamente práctica, la silla Plegable (1949) marca un debut con el pragmatismo, así como una búsqueda de nuevas técnicas. Funcional, la silla Valet (1953) es un homenaje musical en su silueta, cuyo asiento deviene en un práctico elemento para colgar prendas. Al nacer su hijo, Wegner diseñó piezas de mobiliario encastrables, a la manera de un juego, que nos recuerdan a muchas de las piezas que hoy pululan en vidrieras palermitanas.

UNA SILLA BUENA “Si uno pudiera realizar una sola silla buena en su vida… Pero uno, simplemente no puede”, afirmó Wegner alguna vez. Y, de algún modo, toda su obra es un recorrido en torno a esta idea. Una búsqueda de simpleza alrededor de la forma, y una exploración en torno al material. El danés supo mostrar al mundo moderno y minimalista, cómo el trabajo artesanal y la madera podían revalorizarse, para dar vida a muebles, en plena era de la industrialización. En sus palabras, esta época bisagra transitaba “una evolución, no revolución”, tal como lo llamaban sus coetáneos. En este sentido, en su trabajo, las líneas se limpian y las formas se definen. ¿El resultado? Más de 500 modelos de sillas diferentes, muchos de los cuales fueron realizados en masa, con el mismo material. “El amor por la madera es algo que toda la humanidad tiene en común”, afirmó alguna vez, y acaso por ello, sus trabajos fueron aceptados en el mundo entero.

A no dejar afuera a la elegantísima silla Tub (1954), cuyo nombre se refiere a la forma del respaldo, donde debuta su técnica de madera contrachapada moldeada con tapicería, añadiendo un mecanismo de ajuste en el ángulo de la parte trasera. Ni la Hammock (1967), una escultura que, desde su forma, promete una experiencia relajante, algo que se comprueba una vez sentado en ella, gracias a sus curvas y es-

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+ Tub Chair, pp530 (1954)

+ Peacock Chair, pp550 (1947)

tructura flexible, sobre un marco de madera. Finalmente, la versión retapizada de la Peacock (la Upholstered Peacock, de 1953), reúne a la madera y el cuero en una inesperada fusión, para un equilibrio perfecto.

en 1943, en Arhis.

EL REY DE LAS SILLAS Hijo de un maestro zapatero, desde la cuna, el pequeño Hans apreció profundamente el trabajo artesanal, tanto como las cualidades inherentes a los materiales. Desde joven, se sintió atraído por la madera, y así fué cómo llegó a trabajar como aprendiz en el taller de carpintería de H.F. Stahlberg. Una vez devenido ebanista calificado, continuó perfeccionándose durante tres años, hasta que partió a estudiar carpintería en el Politécnico de Copenhague. Allí, entre clases que proponían medir muebles antiguos de época y visitas a exposiciones temporales del gremio de ebanistas, decidió su futuro: sería diseñador.

En 1936, Wegner comenzó su formación con el arquitecto y diseñador Orla Molgaard-Nielsen (1907-1993), en la Escuela de Artes y Oficios. Dos años más tarde, trabajaba en el estudio de Erik Moller (1909-2002) y Flemming Lassen (1902-1984), impulsores del estilo danés moderno y, para 1940, preparaba su escritorio para despuntar el ejercicio de su ya consolidada profesión, en el despacho del célebre Arne Jacobsen (1902-1971). Su estudio propio llegaría

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Dos años más tarde, el director de la Unión Cooperativa Danesa, Frederik Nielsen, le encargó una serie de muebles económicos, pero de calidad, para pequeños pisos posguerra. Al finalizar, Wegner desarrolló obras asociadas al arquitecto Palle Suenson, hasta que en 1948 partió a Copenhague, para poner su nombre en la puerta de una nueva oficina. Allí crearía numerosas sillas para el fabricante de muebles y presidente del Gremio de Ebanistas, Johannes Hansen.

Para 1950, la crítica amaba al danés por su mobiliario “bien acabado y exquisitamente equilibrado”. Según el diseñador, su única pretensión era que su obra fuera “todo lo simple y genuina posible, para demostrar que se puede crear con nuestras propias manos, dotar de vida a la madera para darle espíritu y vitalidad, y lograr diseños tan naturales, que sólo puedan ser obra nuestra”.

Típicamente escandinavo, su diseño orgánico es el fruto de esta filosofía. Pragmático, humanista y reflexivo, Wegner nunca creyó en la inspiración como un concepto aislado. Para él: “La libertad más grande se deriva de la más severa rigidez”. + www.pp.dk

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EL QUE GUARDA, SIEMPRE TIENE Hojalata, tuercas, tornillos, arandelas, alambre de cobre, de bronce, de aluminio, de hierro… De aquí, de allá, de regalo, después de una caminata por el barrio. Todo le sirve a este artesano para crear. Con manos creativas de una herencia toscana de trabajo, paciencia y dedicación, Juan Carlos Fibbiani le da a estos materiales una segunda oportunidad de brillar y lucirse en sus piezas, las que pueden verse en: www.facebook.com/juancarlosfibbiani +