Revista 90+10 #56

MILAN DESIGN WEEK DISEÑO QUE DEFINE NUESTRO PAISAJE DOMÉSTICO CONTEMPORÁNEO Ji Lee|Sergi Delgado|Mica Suárez Nic Galway|Alex Kratena|Carlos Rolando

Nº 56 – Abril/Mayo 2016 Arg $90.- Ch $9300.Uy $360.- USA $15.-

ESPECIAL

+56 + Duchas en el Salón del Baño. Foto: Juan Cavallero www.estudiocavallero.com

sumario +mundo creativo

+especial Milan Design Week

012

056 060 062 064 066

moda, Other Music, cómics, diseño, publicaciones, gadgets, ciudades creativas, marketing, art toys, vehículos, #DeCordobaAlMundo

+personas creativas diseño

040 048 052

Sergi Delgado De puño y letra

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Mica Suárez ¡Hola iutub!

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Ji Lee Del proyecto personal al éxito

Nic Galway Conocer el pasado para crear el futuro

nuevos talentos gastronomía Alex Kratena Charlas y copas con el mejor bartender del mundo

Las tendencias del baño y la cocina SaloneSatellite Cinco diseños destacados SuperDesign Show Experimentar el diseño en Milán Las mujeres del diseño italiano en el siglo XX

+serie fotográfica 067

Naturaleza fugaz por Nico Pérez

+clásicos contemporáneos 074

diseño Carlos Rolando Precisión infinita

+ideas creativas vehículos

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El mapa de los SUVs chicos

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Los ganadores del Concurso Arte Único 2015

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#AirMaxDay La zapatilla festeja su trayectoria

082 084 + Salón del Baño. Foto: Juan Cavallero www.estudiocavallero.com

El diseño que define nuestro paisaje doméstico contemporáneo

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arte

tecnología Realidad virtual Una montaña rusa de emociones

moda El denim en BAFWeek

diseño Diseño vasco Un secreto empecinado

+56 + Curioso, de la serie Naturaleza fugaz por Nico Pérez. www.nicolasperezphotography.com

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar Prensa y Comunicación

Colaboran en esta edición Adri Godis, Agustina D´Elia, Alejandro Ogando, ArtsMoved, Carolina Muzi, Diego De Marco, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Enrique Avogadro, Fernanda Cohen, Gala Décima Kozameh, Jorgelina Peciña, Maia Croizet, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Carolina Muzi Periodista y licenciada en comunicación social UNLP. Enfoca la comunicación de la cultura material a través de proyectos editoriales (creó las revistas dni y Maíz, editó IF y CIA revista y los libros Divino Barolo; La vanguardia invisible; CIDI - Un impulso de diseño en la industria argentina; Argentina, territorios de diseño) y de curadurías de diseño (Industria Argentina Apagada-Encendida, 2013; Pabellón Argentino del Bicentenario en Londres 2010; Genalogías del Sur en Malba y Mate, la savia de los argentinos en Tokio, 2007). Profesora de historia del diseño en UNDAV, investiga la historia disciplinar en la Argentina. Escribe en medios nacionales y latinoamericanos. + Diego De Marco Diseñador audiovisual por la Universidad de Palermo, productor profesional de música por la Escuela de Música de Buenos Aires y fotógrafo. Desde 2006 posee Triplab, su propio estudio de desarrollo audivisual, orientado al diseño integral de imagen y sonido, desde donde genera contenido para la industria de la moda y piezas audiovisuales para proyectos del mundo del arte y la música. Su incursión en la fotografía nace de forma natural, retratando situaciones de viajes/paisajes/amigos, desarrollando un lenguaje propio que, al pasar los años, fue incluyendo en la fotografía de moda. + www.triplab.com.ar

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro Hnos. S.A. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854

Producción gráfica e impresión Help Group S.R.L. Colombres 1333 Of.5, CABA Tel. (+5411) 3973-0217 www.hgprint.com.ar

Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

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Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 9 “B” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 5178640 | ISSN 1668-6403 Año 12 - Nº56 – Abril/Mayo 2016

+56 |Fotos: Adri Godis

editorial Unos días antes de viajar a Milán para cubrir la Design Week, nos juntamos a merendar con los Kostüme en el bar del Hotel Home.

Además de ponernos al día entre pares, la charla derivó en el valor de las propias ideas, que se traducen en los proyectos de cada uno y en una forma determinada de vivir la vida que, conciente o inconcientemente, uno elije. Pensábamos en las posibilidades de reeinventar los tradicionales pasos que se supone uno “debe” dar para comunicar su arte y llegar a su público. Cuando hace más de diez años que sos parte de un mercado, algo de experiencia tenés, y aunque sabés que las reglas cambian constantemente, la intención es desafiarse para seguir creciendo. Porque se trata de vivir de acuerdo a una forma de ser, de pensar y de hacer, que te identifican.

Eso me llevó a pensar en nuestro proyecto 90+10 como un polo de oportunidades al que se han acercado -y siguen haciéndolotantas personas. Más como una necesidad de hacer personal que con el objetivo de modificarle la vida a alguien más, hemos logrado transmitir ideas, proyectos, historias, conectar personas.

Hemos inspirado, acompañado, difundido, incentivado. En esa dirección planeamos seguir avanzando.

Como nos gusta generar cosas nuevas, junto con adidas Originals,

arrancamos con #CreativeNetwork, una red que busca conectar y dar visibilidad a personas que exploran su creatividad, curiosidad y pasión en diseño, arte, música, moda y comunicación. En formato de vlogs (video blogs) -con Paul Fava como anfitrión y Josefina Fogel Núñez en cámara y edición-, ya visitamos al referente local en cultura urbana Marcos Bellavia, al ilustrador Patricio Oliver, a la fotógrafa de moda Evelyn Sol, al especialista en Snapchat Matías Najle (@matzorama). Y la lista continuará a lo largo del año. Este material pueden verse en 90mas10.com/ creativenetwork Bajo el mismo concepto de red, retomamos los networkings. Esta vez, multidisciplinario dentro del mundo creativo. Por supuesto, estos eventos se seguirán durante el 2016. Y como creemos que la inspiración nos encuentra trabajando, cada vez estamos más entusiasmados y creyentes en la frescura e inmediatez del formato online y las redes sociales. Disfrutamos mucho de llegar diariamente a nuestros lectores con las distintas secciones de 90mas10.com y de comunicarnos a través de nuestras cuentas en Facebook, Linkedin, Google+, Periscope, Instagram y Twitter (@90mas10), y desde hace poco en Snapchat como @noventamasdiez. ¡Ah! También recibimos (y contestamos mails en info@90mas10.com +

Marcela Fibbiani Editora y Co-fundadora

/90mas10

noventamasdiez

IMAGEN DE TAPA “Time is Time” fue una de las instalaciones más visitadas durante la Milan Design Week. Se ubicó en SuperDesign Show, el evento insignia de Zona Tortona. La obra se cuestiona el concepto de tiempo y, empleando casi 120 mil mecanismos de relojería Citizen suspendidos en el espacio, invitó a disfrutar el verdadero significado de los pequeños momentos, a través de la contemplación, tanto personal como colectiva. Fue obra del estudio de arquitectura DGT (Dorell, Ghotmeh, Tane), con el soporte técnico de Yutaka Endo y el diseño sonoro de Evala. + www.citizenwatch-global.com www.superdesignshow.com

012

+ mundo creativo

Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

moda

Kostüme Prendas con ideología Fiel a su carácter innovador, Kostüme elige presentar sus colecciones en formatos no tradicionales -ya sea en espacios alternativos a la pasarela o desde la dinámica performática-, armando equipos creativos de trabajo, que logran amalgamar una estética original y propia.

Es así que para mostrar su colección #31AW16, Camila Milessi y Emiliano Blanco conjugaron su universo creativo con la visión del director y dramaturgo Silvio Lang y la estilista francesa Gisele Leblanc, para crear una puesta en escena que sorprendió al público de Designers BA. Cuarenta modelos repitieron, sincronizadamente, movimientos mecánicos de la aviación, mientras lucían las prendas atemporales y oversized ellas, y más urbanas y sporty ellos. Es que la inspiración para esta temporada se centró tanto en el cine de Fritz Lang, como en las obras del constructivismo ruso.

En la línea femenina, prevaleció la imagen de la aviadora Amelia Earhart y el estilo art-decó; mientras que en la masculina, se hizo referencia a las subculturas punks. El cambio en cómo mostrar lo que hacen, tiene que ver con que consideran que el sistema típico de moda -de desfilar sobre una pasarela normal- está agotado, y ya no los representa. “Se trata de generar una experiencia de espíritu de marca”, aclara Camila. +¿Cómo fue el trabajo con Silvio y Gisele para presentar la colección #31AM16?

CM El nutrirse con un director de teatro y una estilista, nos hizo refrescar la forma de hacer las cosas. Fue trabajar de manera diferente, porque para la gente que viene del teatro, hacer girar al modelo para la izquierda o para la derecha, es normal. Pero para el que está en la moda, es imposible: todos los modelos giran para un lado, ya lo vimos en Zoolander (risas). ¡Hasta hubo ensayo un día antes!

EM Además, para nosotros es interesante hacer algo que nos divierta. Está bueno interactuar con gente de otras disciplinas y hubo que negociar. Desde el lado de la inexperiencia de ellos en la moda, se creó algo buenísimo. +¿Cómo reaccionó el público?

CM La gente no sabía qué iba a pasar, de dónde salían los modelos,

que se hacían señas y hablaban en ruso. No hubo fotos de punta de pasarela. Pudieron ver cómo la ropa reacciona en movimiento.

Algunos vinieron a ver la ropa, otros a ver un espectáculo. Nuestro público ya sabe cómo es nuestra ropa. Comunicamos como pensamos y pensamos muchas cosas…

A algunos les habrá gustado el formato, a otros tal vez no. Pero con seguridad, el show no pasó desapercibido. En definitiva, el consumidor, ¿entiende el diferencial de la propuesta? “Lo que ofrecemos en Kostüme es una idea original de poca tirada, que posee una exclusividad que tiene que ver con un nuevo tipo de lujo -alejado de la ostentación-, que es la posibilidad de elegir una idea (o una prenda) que sólo tengas vos y tres personas más. Estás comprando algo no seriado, no copiado y hecho desde un criterio de pensamiento. No es hecho a medida, pero es una idea original y tiene un valor. Tiene la carga de alguien que pensó para otro”, explica Camila.

COLECCIÓN #31 EN 5 PASOS Dos líneas. Masculina y femenina, evitando la idea del no-género, con la que venían trabajando los últimos años.

El rojo. Es el color con el que dan acentos esta temporada. La paleta de colores surgió de un cuadro de Tamara de Lempicka, del que también tomaron el tapado rojo que viste el personaje y hasta su actitud, que se traduce en la campaña publicitaria.

Las prendas Kostüme se combinan con… Kostüme, con prendas vintage más coloridas, con Cora Groppo, Tramando o Garza Lobos.

En los pies. Zapatos o botas bajas, unisex y cómodas.

Prenda “it”. Los tapados de 100% lana. Hay una versión masculina (más entallada, estilo militar) y una femenina (más floja).

Ambas tienen cinturón negro y vienen en rojo, negro y con cuadros grises. ¡Hicieron muy poquitos! + www.kostumeweb.net

014

+ mundo creativo

Texto: Gala Décima Kozameh @GalaDK | Foto: Joakin Fargas @joakinfargas | Producción: Paul Fava @paulfava

Viva Elástico La fórmula del nuevo rock pop Consolidados dentro de la escena porteña y con visitas anuales al interior del país, la banda de Longchamps nos cuenta sobre su historia y nos adelanta la fecha de salida de su próximo disco.

Alejandro Schuster (voz y guitarra) y Mateo Zabala (guitarra) eran compañeros del secundario en un colegio de Longchamps, al sur de la Ciudad de Buenos Aires. Compartían clases, recreos, alfajores y música. Se pasaban las bandas que iban conociendo y juntos develaban la letra de lo que decían las canciones. Hasta que se enamoraron del rock inglés. Cuando escucharon Suede, Pulp y The Smiths, empezaron a pensar en formar una banda. Alejandro le contó a Mateo que tenía algunas composiciones y cuando se las mostró, Mateo sintió una profunda admiración, y se dio cuenta de que era su compañero de fórmula en este proyecto. Las letras de Alejandro le movieron el piso y juntos se pusieron a buscar amigos que sintieran lo mismo, que los ayudaran a ponerle música a esas letras.

La formación de la banda fue variando, y hoy Viva Elástico son ellos dos, Jean Jaques en el bajo y Juan García del Val en la batería. Tienen dos discos, una canción de adelanto de un próximo álbum y una rotación constante sobre los escenarios de la ciudad y el interior. Charlamos con Mateo y le preguntamos más sobre su historia, los planes para el 2016 y sobre la proveniencia de su sonido tan particular. + ¿De dónde sale el sonido de Viva Elástico?

MZ El proyecto se gestó en Longchamps y aledaños, lo que influyó directamente en nuestra forma de concebir la música, como cualquier contexto afecta a cualquier tipo de producción en espacio y tiempo. Todos crecimos a los finales del llamado rock sónico de los 90.

Nos desarrollamos viendo a bandas como Juana la Loca, escuchando alguno que otro disco de Los Brujos y observando la explosión de Babasónicos con “Jessico”. Eran todas bandas de la zona, lo que nos marcó en nuestra adolescencia y en nuestra forma de hacer música. + ¿Cómo definen su sonido? ¿Cuáles son sus principales influencias?

SON CANCIONES Aparte de su sonido -que mezcla el rock sónico argentino del que nos hablaban anteriormente mezclado con sus influencias adolescentes de rock inglés-, Viva Elástico es también sus letras, esa poesía tan particular que tiene Alejandro. En esta parte de la entrevista, les preguntamos los cinco temas que más los representan y algunas cositas más…

Los 5 temas que definen la esencia de la banda son... Imágenes de amor, El festejo, Hoy lo que quiero, Yo te quiero más, La traición.

MZ Nuestro sonido es rock pop. Son canciones, necesidades, despropósitos y alegrías. Hoy en día, estamos influenciados por diversos estilos: desde La Velvet Underground a Los Abuelos de la Nada, Caetano Veloso, Boards of Canada, The Rolling Stones, Bob Dylan, Wiz Khalifa, Radiohead, The Cure, Roy Orbison, Jeff Lynne, Suede, Pulp, The Beatles, etc. + ¿Qué es lo que buscan transmitir? ¿Cuál les gustaría que fuera su aporte a la música?

MZ Buscamos transmitir emociones; no conocemos otra forma de vivir que no sea haciendo música. Creemos que nuestro aporte a la música ya está hecho porque, aunque hayan sido dos, tres o mil personas las que nos escucharon o vieron y sintieron algo con nuestras canciones, es suficiente. + ¿Cómo llevan estas ideas al proceso de composición de los temas?

MZ Por lo general, los temas los compone Alejandro, los presenta y vamos trabajando con la banda los arreglos, baterías, cómo tocarlos, qué hacer y qué no hacer. + ¿Qué nos pueden contar sobre el material que se encuentra online?

MZ ¡Todo lo que hemos grabado está online y se puede bajar de forma gratuita! + ¿En qué están trabajando actualmente?

MZ Estamos preparando todo para nuestro próximo disco, que saldrá a fines de este año. + ¿Cuál es el siguiente paso que quieren dar como grupo?

MZ Poder seguir haciendo canciones, sacando discos y así llegar a más público.

Nuestros shows en vivo son… explosivos.

Antes de salir a tocar… tomamos unos buenos tragos.

Nuestro escenario ideal es… donde haya buena onda.

Además de hacer música, disfrutamos… estar entre amigos.

Nuestro mayor logro musical sería… el reconocimiento artístico.

Lo bueno y lo malo del universo de la música… la amistad y la envidia.

Lo mejor de ser parte de esta banda… ser esta banda. + www.vivaelastico.com.ar

Para conocer más sobre el mundo Jäger, visitá www.jagermeister-latam.com *Beber con moderación. Prohibida su venta a menores de 18 años*

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+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

cómics

Bosquenegro Monstruos terribles, árboles gigantes y grandes aventuras Llega la tercera entrega de Bosquenegro, la historieta infantil y juvenil (y por qué no, para adultos) creada por Fernando Calvi.

Los orígenes de este particular mundo se remontan a la revista Genios, donde se publicaron en el año 2006 tan sólo seis páginas.

Todo ese material -junto con otro nuevo- conforman el primer libro de 44 páginas. En el año 2012, sería el turno de recopilar tiras que fueron publicadas en otros medios, más una historia de 32 páginas. Y finalmente, en el año 2015, llega “Esa cosa rara que cayó del cielo”.

En este tercer libro, como lo indica su nombre, los habitantes del Bosquenegro deben luchar contra sus propios miedos y prejuicios, al verse frente a algo desconocido y que no logran comprender, que cayó desde el espacio en medio de sus vidas.

Las influencias de Calvi a la hora de crear este mundo de seres extraños y monstruos raros, provienen de varias fuentes, como las historietas de Los Pitufos, Los Muppets, La película de los años 80 “El cristal encantado” (protagonizada en su totalidad por marionetas), los monstruitos del manga Cowa! y la obra del francés Joann Sfar. Partió de ésto, teniendo en cuenta un formato que permitiera dividirse en pequeñas historias que se adaptaran a varias publicaciones, para luego poder recopilarlas.

En Bosquenegro, se pueden encontrar toda una gama de seres únicos: cada uno, con atributos y personalidades muy definidas y marcadas, donde la diversidad en su forma y ser, es bien visible y palpable. En sus relaciones -tanto familiares como de amistad- se van viviendo aventuras que abruptamente se les hacen presentes

en medio de conversaciones graciosas y dudas existenciales. Este bosque no sigue los parámetros establecidos de lo que es lindo en nuestro mundo; personajes muy extraños son admirados desde su belleza única, mientras que seres que pueden ser vinculados con algo monstruoso o terrorífico son amables y sociables.

Pícolo y Patín son dos de los protagonistas de la historia. También está Chochán (que es padre de Pícolo), Petru el trol, Tuk-Tuk, Creepa la Bruja, Nisa, Gupla y Pedroso, entre muchos otros. Los personajes son vibrantes, activos, gritones, exagerados, emocionales y graciosos. Esto es posible, gracias a la mano de Calvi a la hora de darles vida en escenas que a primera vista parecen simples, pero que contienen mucha información, color y dinamismo. Uno se pregunta si no sería ideal ver estas aventuras en formato animado, porque a pesar de estar hechas para papel, las historias de Bosquenegro comparten muchos elementos con series que actualmente se encuentran en la pantalla del televisor (series que salieron mucho después que Calvi hiciera esas primeras páginas, hace ya diez años atrás).

Esta historieta pensada para un público infantil, llega para mostrar cómo hablarle a los lectores más jóvenes de otra manera. En medio de aventuras y escenas cómicas -y sobre todo, en la dinámica de relaciones que se establecen-, el autor se permite tocar muchos temas con la suficiente inteligencia, para que puedan ser disfrutados por todas las edades.+ http://artoffernandocalvi.blogspot.com.ar/

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

018

+ mundo creativo

diseño

Kepot Una línea de muebles para esos locos bajitos Tres diseñadores formados en la Universidad de La Plata unieron fuerzas y saberes para crear una línea de mobiliario infantil.

Las formas simples y materiales nobles de Kepot ya conquistan al público de las ferias de diseño nacionales e internacionales.

“Al ser tres socios, cada uno tiene sus propios referentes, pero por lo general, tenemos inclinaciones muy similares en cuanto a las fuentes de inspiración. Respecto del diseño de nuestros productos, tal vez, el denominador común sea lo propuesto por el estilo escandinavo”, explican Rocío Vallotto, Jerónimo Vieyra y Rocío Puente, miembros de Rayos y Centellas (todos diseñadores industriales que -habiendo estudiado en La Plata- supieron especializarse en el Politécnico de Milán).

Si bien desde hace tiempo trabajan como estudio de diseño para terceros, Kepot es su primer proyecto propio, ideado y producido por completo. “Dentro del mundo del diseño y sus espacios de exhibición,

el mobiliario infantil pocas veces ha tenido relevancia. Creemos que esta propuesta le brinda al sector la cuota de desarrollo y calidad que le permite estar a la par del diseño de mobiliario internacional”.

A la calidad y simpleza (frente a cualquier otro parámetro formal y productivo) se agrega la calidez y el color del textil en las patas de mesas, bancos y muebles de guardado. Así nace una línea de mobiliario para chicos compuesta por cinco piezas, que busca estimular sus actividades artísticas y expresivas, generando espacios de inspiración y alegría para grandes y chicos por igual. + http://rayosycentellasdesign.com www.facebook.com/kepotmuebles

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mundo creativo 019 marketing

Delsey festeja 70 años de viajes Que sea ultraliviana, resistente, que posea gran capacidad interior y ruedas implacables. Y si su diseño es minimalista, moderno y elegante, estamos frente a la valija que nos acompañará en nuestro próximo viaje. Para cumplir con estas exigencias -y a propósito de su 70 aniversario-, la marca francesa Delsey lanza ediciones limitadas de tres de sus clásicos modelos de equipaje de alta gama.

Delsey celebra 70 años de innovación al servicio de los viajeros y lanza tres ediciones limitadas a lo largo del 2016: la versión 2 de su modelo Helium Air (en clave metalizada degradé, colores violeta, azul y gris), la evolución de su valija vintage Chatelet Hard +, y la segura y ultraresistente Belfort Plus.

Destacamos el diseño práctico de la colección Helium Air 2, que revela cuidadosos acabados y un estilo armónico en sus curvas. Pensadas para aquellos que prefieren las valijas rígidas (pero muy livianas), son de policarbonato 100% en su exterior. Con Securi Tech Zip, poseen un compartimento principal con cierres en dos direcciones, cerradura con combinación TSA, sistema trolley multiposiciones, placa de metal para localización en Internet y asa superior integrada. El volumen

interno es más que conveniente: para optimizarlo, ofrece correas de fijación, un bolsillo y un compartimiento con cierres. Siempre con cuatro ruedas, la Helium Air 2 mide sólo 55 cm para llevar en cabina, además de ofrecer versiones de 64, 70 y 76 cm.

70 AÑOS DE CARA AL FUTURO Para su campaña publicitaria, Delsey eligió como imagen una modelo de 70 años de edad, rodeada de tejados parisinos. Vestida con un estilo neo-futurista, expresa plenamente el ADN de la marca, que es al mismo tiempo histórica, audaz e innovadora. En otra de las visuales, se suma otra modelo de 30 años, demostrando la natural relación entre dos generaciones de consumidores Delsey. + www.delsey.com

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+ mundo creativo

Texto: Carolina Muzi

publicaciones

Postales por avión Correspondencia de artistas El correo podrá cambiar de soporte y la inmediatez de la comunicación podrá hacerse cada vez más vívida aunque sea virtual, pero nada detendrá jamás la magia postal, ese deseo de conexión entre dos personas que libran sus mensajes al azar del camino, comprometidas de modo alternado y parejo, a dar y a recibir.

A un tero perfilado en trazo grueso, como de fibra negra, con cinta escarapela argentina prendida a un costado de la imagen, le llega como respuesta una tarjeta tradicional francesa con Eric Satie dibujado. A un huevo con pelos, le responde una suerte de tapir peludo a birome; a la foto de una modelo fumando con sombrero, le llega una macetita con flores de gesto casi infantil; para un sorete caligráfico, la respuesta es la acuarela de una silla. Y así. Tierno y placentero, este diálogo visual entablado en páginas enfrentadas por Víctor Pupo Boldrini y América Sánchez, se recorre con deleite y fruición.

Para quienes no los conocen: Pupo es mendocino, diseñador gráfico recontra especializado en comunicación de vinos (junto con su socio, el Gato Ficcardi, dirigen el estudio que más etiquetas ha hecho para la industria vitivinícola argentina: Boldrini Ficcardi).

América Sánchez es un prócer de la gráfica y la imagen experimental, un diseñador argentino dedicado a la identidad corporativa, que emigró a Barcelona en 1965, y desde entonces forjó la escena del diseño catalán junto a otros cinco valores nacionales (Norberto Chaves, Jorge Pensi, Alberto Lievore, Ricardo Rousselot y Mario Eskenazi).

Ambos, Boldrini y Sánchez, son portadores de ese preciado y escaso don: dibujar espléndida y naturalmente. Hace unos años, Pupo tiró la primera piedra de papel, un convite al maestro a jugar con eso que bien que le gusta a ambos: el dibujo sin motivo, por el puro placer. Y así arrancó este vaivén, sin otra regla que la de soltar la mano. Como dice Tite Barbuzza, cómplice y curadora de esta “obra de correspondencia, ya que finalmente ése es el trato recíproco entre dos personas, donde cada diseñador flirteó

con su parte de no-diseñador, su área de juego, de expresión sin tapujos”. Siguen dos cálidos textos de presentación entre baluartes: Rubén Fontana se ocupa de Sánchez y Eduardo López hace lo propio con Boldrini.

“En la encrucijada entre gracia, gratuidad e inocencia habita la poesía”, escribió Eduardo López. “… Nos damos cuenta de que todo es más simple y que podemos analizar la línea, la superficie, lo material, el azar, la inteligencia; pero que todo junto es lo que nos conmueve, lo que nos detiene frente a la imagen, y en la contemplación de este todo están la emoción y el goce”, observó Fontana. Y ése es, ni más ni menos, el espíritu que despierta este floreo entre dos amigos separados por un océano y por 30 años de edad: el de la sensibilidad poética.

Tan preciocista en la edición como en la impresión, el libro (formato 20 x 15 cm) de tapa negra opaca, tiene impreso en la portada un dibujo también negro, laqueado y con apenas relieve: una mano en posición para lanzar un avioncito de papel.

Al modo de las libretas Moleskine para dibujo, tiene también un elástico negro para cerrarlo y una banda móvil turquesa con el título: “Postales por avión”. En papel ilustración con gramaje semejante al de las postales, se suceden entonces las imágenes que hablan este diálogo. A una foto del estandarte del ACA en Avenida Del Libertador –con las palabras “ícono argentino” en tinta manuscrita–, le contesta una acuarela hermosa con el autito tipo Fangio y su fantasma. A un león dibujado con rayitas, le dirá mucho sobre melenas y miradas una foto de Rita Hayworth, intervenida a mano alzada.

Un hermoso detalle con que el azar intervino este juego: el cartero que durante quince años llevó la correspondencia hasta la casa de América Sánchez, hizo su última entrega porque lo trasladaban de zona. Era un postal de cumpleaños enviada por Víctor Boldrini el 28 de mayo de 2014. En el dorso, la postal decía: “Dale un abrazo al cartero de mi parte”. +

022

+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

Moto X Style Motorola presentó en la Argentina el Style, el más avanzado de la línea Moto X: con pantalla QHD de 5,7 pulgadas, la misma cámara de 21MP del Moto X Play, una cámara frontal con flash propio, 3GB de RAM, un chip Qualcomm Snapdragon 808, batería de 3000 mAh y una carcasa que combina un frente blanco con un dorso hecho en madera (bambú). Tiene 4G, ranura microSD para ampliar los 32GB de memoria y un tratamiento para protegerlo de salpicaduras y algún chapuzón ocasional. + www.motorola.com.ar

Apple iPhone SE

HP Spectre 2016

Apple reflotó el formato clásico y presentó el iPhone SE, un smartphone con la pantalla tradicional de 4 pulgadas (y el mismo diseño, así que las fundas sirven), pero que en su interior tiene casi todos los mismos componentes que el iPhone 6S: el mismo procesador A9, la misma cámara de 12MP con grabación de video 4K. No tiene, eso sí, el 3D Touch de sus hermanos mayores. + www.apple.com

HP presentó una versión renovada de su notebook Spectre: dice que es la más delgada del mundo, con 10,4 mm de grosor. Tiene una pantalla de 13,3 pulgadas Full HD, chips Intel Core i5 o i7 con un sistema de enfriado hiperbárico, 8GB de RAM y hasta 512GB de almacenamiento interno, dos baterías para reducir el grosor del equipo (pero ofreciendo una autonomía de 9 horas), y una estructura de aluminio y fibra de carbono que le permite un peso de algo más de 1 kilogramo. Incluye tres puertos USB-C. + www.hp.com

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mundo creativo 023 gadgets

GoPro Omni Varios fabricantes están probando las cámaras 360, dispositivos capaces de grabar video envolvente. La mayoría usa un dispositivo con dos cámaras (una que mira hacia adelante y otra hacia atrás), con lentes gran angulares. GoPro prefirió algo más sofisticado: su Omni tiene seis cámaras Hero4 que trabajan sincronizadas para grabar un único video de muy alta resolución. + https://gopro.com/

Xiaomi QiCycle R1

Hasselblad H6D-100c

Xiaomi es conocida por hacer celulares de buen diseño y precio económico. También hace accesorios, televisores y hasta una arrocera. Y ahora va por más, con una bicicleta inteligente. El rodado tiene varios sensores integrados a la estructura, que comparten información con el teléfono y te permiten medir tu rendimiento físico y la energía generada por el pedaleo. Pesa 7 kilos, gracias a su cuadro de firma de carbono y cambios Ultegra de Shimano. + http://xiaomi-mi.com/

Hasselblad amplió su línea de cámaras digitales de formato medio con este nuevo modelo, que tiene un sensor de 100MP con ISO 12800, un rango dinámico de 15 pasos, un procesador de imágenes mejorado, la posibilidad de grabar video en 4K y sumar dos tarjetas de memoria (SD y Compact Flash). Tiene Wi-Fi y USB 3.0 tipo C (el reversible) integrados. También posee una pantalla táctil de 3 pulgadas para controlar el equipo. + www.hasselblad.com

024

+ mundo creativo

Texto: Enrique Avogadro (*) @eavogadro

ciudades creativas

Las industrias creativas El combustible invisible de la economía global Hace pocas semanas, estuve en Londres como conferencista invitado en un encuentro sobre economía de la experiencia: un sector que los británicos vienen desarrollando con fuerza en los últimos años, por su potencial en la generación de empleo de alto valor agregado y en la exportación de servicios (¡prometo una nota a futuro dedicada a este tema!).

el caso de la Ciudad de Buenos Aires). Tener más y mejores datos, nos permitirá evaluar el impacto de las políticas públicas dirigidas al sector, y generar recomendaciones y buenas prácticas en torno a las mismas. Esa es, precisamente, la misión del SinCA (Sistema de Información Cultural de la Argentina, creado en el año 2007 en la entonces Secretaría de Cultura).

Aproveché el viaje para reunirme con instituciones del ecosistema cultural y creativo local, lo que me llevó a juntarme con la gente de NESTA, la agencia del Reino Unido dedicada a estudiar y promover la innovación y la creatividad. La conversación con los colegas de NESTA fue particularmente estimulante, y seguramente traerá cola respecto a nuestro trabajo a futuro. De todos modos, destaco este encuentro porque los investigadores de NESTA mencionaron los estudios que están desarrollando para medir el tamaño real de la economía creativa británica (una de las más grandes del mundo), ya que consideran que las estadísticas del propio gobierno subestiman el rol cada vez más relevante de este sector en la economía local.

Aún asumiendo la subestimación de su impacto real, los datos sobre el impacto de las industrias creativas a nivel global son realmente alentadores. A fines del año pasado, la consultora EY publicó “Cultural times. The first global map of cultural and creative industries”, un trabajo indispensable para quienes seguimos de cerca estos temas. Entre las conclusiones del estudio, destaco las siguientes: Las industrias culturales y creativas generan ganancias por 2250 miles de millones de dólares al año, representan el 3% del PBI global y emplean 29.5 millones de personas (el 1% de la población mundial activa).

Esta discusión, que podría desecharse por excesivamente “académica”, es muy importante para nuestro país. La economía creativa supone empleos de alto valor agregado, mejor pagos y más interesantes que los que vienen a reemplazar, por lo que claramente, tenemos el desafío de avanzar en esa dirección para generar un crecimiento equitativo. Alrededor del 3,5% del producto bruto argentino está vinculado a las industrias creativas (las cifras trepan al 10% en

En el Ministerio de Cultura de Argentina, creamos una Subsecretaría de Economía Creativa para aprovechar al talento como motor de desarrollo. Nuestros programas apuntan a generar oportunidades concretas para los emprendedores culturales, así como también activar una red de ciudades creativas en todo el país, que sean plataforma de crecimiento para las industrias culturales y creativas. La innovación y la creatividad están transformando el mundo y queremos ser parte de esa revolución. +

(*) Enrique Avogadro es secretario de cultura y creatividad del Ministerio de Cultura de Argentina. Es especialista en economía creativa, con experiencia en el desarrollo de políticas de promoción a las industrias creativas, al diseño y a la internacionalización.

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+ mundo creativo

moda

adidas PureBoost X

El primer calzado de running exclusivo para la mujer Deporte, tecnología y moda se conjugan en partes iguales en PureBoost X, la zapatilla de adidas diseñada por y para la mujer runner.

En el adidas Performance Store de Unicenter Shopping -y con la conducción de Naty Franzoni-, se realizó el lanzamiento del novedoso calzado dirigido a la atleta femenina. Acompañadas por la música de Belén Chavanne, y con la presencia de Manu Viale y Delfi Chaves, las invitadas pudieron probar el calzado en un área especial de testeo, y comprobar sus características únicas.

A su vez, las bloggers Agus D´Andraia (@agusdandri) y Flor Fernández (@thehealthyblog) compartieron consejos de entrenamiento y tips de alimentación saludable, preparando en vivo el desayuno ideal para la mujer que corre: un shot de granola natural, frutas y yogurt.

SOY PURA ENERGÍA Resultado de largos años de investigaciones y pruebas con mujeres de todo el mundo, adidas encontró la alternativa para que ellas puedan correr de forma elegante y ajustable. Es que las PureBoost X fueron diseñadas para adaptarse a la amplia gama de tipos de pie vistos entre las mujeres. Cualquiera sea su forma, sujeta el pie para darle un ajuste personalizado a cada atleta femenina, gracias a la

parte superior de malla expandible, el arco flotante y el sistema cerrado de cordones, que abraza el pie de talón a dedo.

La silueta petite y adaptable de PureBoost X envuelve el pie con estilo, y hace que éste descanse sobre una gran cama infundida de energía, con miles de cápsulas de espuma Boost. Esta suela proporciona energía en cada paso, haciendo del running la mejor opción para mantenerse en forma. El arco flotante brinda un aspecto fresco: su malla adaptable expandible se envuelve por debajo del pie medio, haciendo que éste se vea más pequeño, al entregar una sensación de apoyo que es posible sentir a lo largo de cada carrera.

La suela Stretch Web está diseñada para permitir flexiones en cualquier punto, haciendo que el pie mantenga su movimiento natural. El look en capas y el contraste de color de PureBoost X optimiza el estilo personal al ejercitarse y mantiene los pies listos para el running. + www.adidas.com.ar/running

mundo creativo

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+ Las bloggers Agus D´Andraia y Flor Fernåndez, Naty Franzoni (conductora del evento lanzamiento de las adidas PureBoost X en el adidas Performance Store de Unicenter Shopping) y Delfi Chaves y Manu Viale.

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publicaciones

Ricardo Blanco, diseñador Se trata del segundo libro de la editorial Franz Viegener, perteneciente al programa cultural de Ferrum y FV, que sigue a la publicación “Diseño Industrial Argentino”, lanzada en 2011. En esta oportunidad, se compila la extensa obra del máximo referente del diseño argentino y sus facetas como arquitecto, diseñador de producto, docente e historiador de la disciplina.

Los prólogos de Edgardo Giménez, Reinaldo Leiro, Laura Buccellato, Eduardo Naso, Pablo Bianchi, Juan Cavallero y Carmelo Di Bartolo, anticipan la entrevista que le realizara Cayetana Mercé sobre sus comienzos, sus primeros diseños y su forma de concebir el diseño. Luego el tomo se divide en capítulos temáticos: los inicios; lo experimental; lo profesional (en donde enumera cada una de las empresas para las que trabajó y los diseños que realizó en cada una, los distintos colectivos de diseño que integró, el diseño social realizado para escuelas, hospitales y hasta la Biblioteca Nacional, diseños para uso doméstico, a gran escala y objetística).

También se dedica una sección a la experiencia de Blanco en los campos del diseño gráfico y la tipografía, así como en proyectos más conceptuales en donde investiga materiales, formas y la relación diseño-arte, y en otros ámbitos como la docencia, sus libros editados, su accionar como gestor del diseño organizando la colección de diseño del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y numerosas exposiciones de diseño argentino, sin dejar de mencionar (y demostrar) su pasión por la tipología silla. En el apéndice, una útil cronología para entender su actividad profesional, en relación con su desarrollo personal.

Sin dudas, un archivo valiosísimo para quien desee comprender el panorama actual del diseño local, ya que Ricardo ha sido -y continúa siendo- maestro de diseñadores. El libro se consigue en formatos impreso o digital (e-book o pdf), entrando a www.libroricardoblanco.com.ar Todo lo recaudado por las ventas es donado a instituciones de Villa Rosa, Pilar. +

Doma 17 En tapa dura entelada, el libro es un compilado de los proyectos realizados por el colectivo de diseñadores gráficos Doma durante el período 1998-2015. Con textos de Rafael Cippolini, Enrique Longinotti, Rodrigo Alonso y otros tantos, Doma 17 fue producido por el mismo grupo, en colaboración con la Editorial KBB, y Sigismond de Vajay como editor.

najes “Gordos” (disfraces peludos de brazos largos y en colores primarios) quedarán para siempre en la memoria del festival berlinés Pictoplasma. Inconfundibles también sus esferas colgantes de acrílico, que encierran universos diminutos, casi de juguete. El común denominador de las obras es siempre el estilo irónico y una lectura absurda y ácida de la realidad.

Los stencils e intervenciones urbanas fueron los primeros pasos artísticos del grupo, para luego pasar al diseño de personajes 3D (en distintos formatos y materiales), performances, animaciones e instalaciones a gran escala, que fueron expuestas en museos, galerías y ferias de arte locales e internacionales. Incluso, en su propia galería Turbo, en Palermo, que mantuvo sus puertas abiertas entre 2008 y 2011. Las performances callejeras con sus enormes perso-

Quizás la referencia más cercana que el público general pueda identificar de Doma, sea el enorme “Coloso” de hierro que se levantó en Tecnópolis en 2012 y que, iluminado por las noches, representa a un dios tecnológico de la energía artificial. Si bien cada uno de los integrantes del grupo tuvo su desarrollo artístico individual, Doma mantuvo su mística y espíritu colaborativo. Esperamos que así continúe. + www.doma.tv

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mundo creativo 029 marketing

Cactus chair

Diseño y tecnología Citroën en la Milan Design Week Inspirándose en las Airbumps del Citroën C4 Cactus, el célebre diseñador italiano Mario Bellini proyectó la Cactus Chair, una combinación de diseño y tecnología, que se presentó durante la Milan Design Week.

Las Airbumps son cámaras de aire de poliuretano termoplástico dispuestas en los laterales del pequeño SUV C4 Cactus de Citroën, modelo que se estima llegue a la Argentina a principios de 2017. Generan una superficie elástica, que protege la carrocería del automóvil de eventuales impactos. Basándose en esta cualidad, el arqui tecto y diseñador italiano Mario Bellini creó la Cactus Chair, una silla de diseño, confortable y ligera, que refleja perfectamente la voluntad de Citroën de combinar utilidad y estética.

Habiéndose desempeñado como consultor de diseño para Olivetti durante casi tres décadas, Bellini ha diseñado para la industria automotriz, así como piezas de mobiliario y luminarias para las productoras más re-

nombradas. El ocho veces premiado con el Compasso d’oro (el máximo galardón del diseño italiano), explicó entusiasmado: “Cuando Citroën Italia me presentó su tecnología Airbump, la primera idea que tuve que pensar fue: ¿por qué no imaginar una nueva silla que tenga la misma ligereza que una silla de plástico, que le ofrece la comodidad de un verdadero sillón?”. El resultado es un objeto cotidiano de formas audaces, devenido en pieza de arte.

La Cactus Chair fue expuesta en el espacio “Feel Good” de Citroën durante la Milan Design Week, donde también se pudieron contemplar otras novedades de la automotriz francesa, como el flamante E-Mehari. + www.citroen.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

Muñecas Momiji con corazón argentino Tres nuevos personajes para completar la línea de niñas lectoras Momiji, diseñada por la argentina Luli Bunny: Lucky, Thank You y Birthday Girl.

Momiji fue creado en el año 2005, luego de que sus fundadores viajaran por Tokyo y Seúl, y se sintieran completamente cautivados por el nivel de detalles en el diseño de dichas ciudades. Si bien se consideran adictos a la tecnología, uno de los aspectos preferidos y destacados de este proyecto es su aire a “vieja escuela”. Cada muñeca contiene una pequeña carta doblada con un mensaje manuscrito, sueño o deseo.

otros diseñadores.

Fue en el año 2010 que la ilustradora y diseñadora de personajes argentina Luli Bunny dio inicio a una fructífera y creativa relación con ellos, por medio de la serie llamada “Club de Libros o lectura Momiji”, donde cada personaje representaba un arquetipo de lectora y sus afinidades. Dicha serie contaba con seis personajes: Clarice (lectora de novelas pulp, historias de detectives, y cuyo pasatiempo preferido es adivinar los misterios antes de llegar al final), Alex (la esotérica que predice el futuro), Danielle (cuyo sueño -dada su afinidad por los libros de cocina- es volverse una chef de repostería), la albina Enid (interesada en la meditación), la romántica pelirroja llamada Eve y, por último, Phoebe (fan del sci-fi y las historias sobre aliens).

Por un lado, tenemos a Lucky: es una niña trébol y un pequeño amuleto de buena suerte (doble suerte, ya que tiene como amiga en una de sus hojas una vaquita de San Antonio). Thank You fue creada para ser un obsequio para dar las gracias. Lo primero que se definió fue el color, para que se viera como un rayo de sol y una muñequita para regalar y agradecer a otras personas por estar, ayudarnos y acompañarnos. Y finalmente, Birthday Girl que, al parecer, le gustan las frutillas y las tostadas con manteca de castañas de cajú. Birthday Girl es el alma de toda fiesta. Desde el boceto, Luli la imaginó como una niña vestida como un pequeño cupcake con chispitas arcoiris, capaz de volver más alegre cualquier tipo de celebración.

Cinco años después, Momiji y Luli regresan por partida triple, con tres personajes muy especiales. En este caso, no se trata de una serie, sino de lanzamientos independientes. La compañía le da total libertad a la diseñadora a la hora de crear sus personajes, lo cual hace mucho más fluída y agradable la relación. Todos los nuevos diseños son versiones 2015, de temas tocados anteriormente por

Todas las muñecas están numeradas manualmente y producidas en cantidad limitada, en resina. Miden aproximadamente 8 cm de altura y vienen en diferentes diseños de empaque, dependiendo del personaje. Finalmente, 2016 es el año de salida de Happy Bean (amante de la canela) y de Jenni Murray. + https://lovemomiji.com/

En lo que respecta a su proceso creativo, Luli siempre procura investigar más allá de lo que proponen los temas y unir conceptos que, aunque muchas veces no sean visibles en el diseño final, están presentes en el alma de personaje, tratando de inspirar y generar alegría.

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

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mundo creativo 031 marketing

1. Evento de lanzamiento Be More Human 2. Carolina Goodacre (Brand Communication & PR Manager Reebok), Walter Koll (General Manager adidas Group) y Ander Ortiz (Marketing Director Reebok) 3. Los embajadores Reebok: Miguel Ángel “Tati” Paz, Dafne Schilling y Franco Cozzi 4. Luis “el Tucu” López, influenciador Reebok y conductor del evento de lanzamiento Be More Human.

Be More Human Reebok te impulsa a lograr tu mejor versión Salí de tu zona de confort y honrá tu cuerpo a través del deporte, para lograr tu mejor versión en todos los ámbitos de tu vida. Es lo que proclama Reebok Argentina con su nueva campaña “Be More Human”.

Miguel Ángel “Tati” Paz es coach de crossfit endurance (un programa de entrenamiento destinado a mejorar el rendimiento de los deportistas de resistencia mediante la actividad física, la fisiología y la nutrición) y de trail running (carreras por terrenos no tradicionales, como senderos de montañas o caminos secundarios, cruzando ríos y haciendo trepadas y bajadas abruptas). Franco Cozzi hace crossfit, una técnica de entrenamiento de alta intensidad, que combina ejercicios de atletismo y gimnasia. Dafne Schilling es profesora de yoga booty ballet, un deporte que fusiona yoga, ballet y meditación. ¿Qué tienen en común estos apasionados atletas? Los tres son embajadores de Reebok Argentina, la compañía que proyecta ser líder de fitness en el país. Esta marca mundial inspirada en Estados Unidos, es pionera en la industria de los productos deportivos, con

una rica historia y herencia en running, training y fitness.

Desde hace unos meses, forma parte del Grupo adidas, y acaba de estrenar nueva imagen: el símbolo delta, una representación del equilibrio mental, físico y social que puede lograr el ser humano a partir de la práctica deportiva. Pero hay más: con su campaña Be More Human, Reebok impulsa a las personas a encontrar la mejor versión de sí mismas, invitándolas a salir de su zona de confort y a aprovechar todo su potencial humano a través del deporte.

Es así que ofrece completas líneas de calzado, ropa y accesorios deportivos especialmente diseñados para crossfit, running, yoga, entrenamiento funcional y carreras de obstáculos. Tampoco deja de lado su línea urbana classic y kids. + www.reebokargentina.com

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Ducati Scrambler Hasta ahora, decir Ducati era sinónimo de frentes afilados y agresivos. Pero de ninguna manera, la marca estaba emparentada con lo clásico. Ahora esto cambió, ya que se decidió revivir a un modelo que fue importante para la marca en la década del 70. Se trata de la Scrambler, un ícono que supo enamorar por su diseño juvenil y su fácil conducción. Más allá de su estilo, la moto posee toda la tecnología: luces de LEDs que contornean su faro redondo de vidrio, que lleva dentro una bombilla. También dispone de LEDs en los testigos traseros. Después, detalles como su monoshock (un

solo amortiguador) al descubierto, los amplios discos de sus frenos Brembo, su moderno y corto caño de escape y el pequeño (pero totalmente digital) tablero ubicado sobre el manillar, ponen distancia con cualquier moto restaurada que busque replicar el mismo estilo. Finalmente, por supuesto, está su moderno motor bicilíndrico Desmodue de 800 cc y 75 CV, refrigerado por aire, el que viene asociado a una caja de sexta. Se ofrecen cuatro versiones que, además de presentarse con diferentes colores, están configuradas para usos bien distintos. + www.ducati.com.ar

Ford Ka Después de varios años de estar ausente, el modelo más pequeño de la marca del óvalo retornó. Lo hizo con una figura totalmente nueva, ya que ahora utiliza una silueta de cinco puertas (antes era de tres) y con un lavado de cara importante. Se alinea así, a lo que la marca denomina Kinetic Design (diseño kinético, o también, energía en movimiento). Esto se aprecia en su frontal, conformado por un grupo óptico grande, una parrilla generosa y los típicos nervios del capot, que también se presentan en el Ford Fiesta, Focus y hasta el Mondeo.

Gracias a esto, el nuevo Ka toma la misma expresión de sus hermanos mayores, salvando las lógicas diferencias de tamaño. No es una sensación, el Ka creció en dimensiones. Pero el cambio más influyente son sus 2,49 metros de distancia entre ejes (4 cm más), ya que es lo que justamente repercute puertas adentro y es el motivo de porqué su espacio se ha incrementado. Se ofrece en tres niveles de equipamiento (S, SE y SEL), todos impulsados con la misma motorización: un naftero 1.5 litros de 4 cilindros y 16 válvulas de 105 CV. + www.ford.com.ar

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mundo creativo 033 vehículos

Volkswagen Scirocco GTS

Ford Ranger

La firma alemana confirmó para principios del segundo semestre el lanzamiento del Scirocco GTS en nuestro país, la versión más potente de la coupé deportiva de Volkswagen.

Debajo de la consola central, se destaca la radio Discover Media, que con una pantalla touchscreen de 6,5 pulgadas, entrega tecnología Bluetooth, lector de CD y MP3, tarjeta SD, conexión USB y Aux IN, navegador satelital y la innovadora plataforma App Connect. + www.volkswagen.com.ar

La pick up Ranger que se fabrica en nuestro país desde 1996, se transformó por completo. El lugar elegido por la marca para su lanzamiento fue Iguazú, provincia de Misiones, y hasta allí llegó 90+10, para poder experimentar las nuevas aptitudes de la “chata” de Ford, por terrenos densos de selva y tramos de ruta. El cambio más visible es la nueva estética de su frontal, donde ahora toma protagonismo una importante parrilla cromada de forma trapezoidal, los faros con proyector y paragolpes integrados con los faros anti-nieblas. Además, suma llantas de 18 pulgadas en la versión Limited. La oferta se mantiene en tres motorizaciones: el Puma TDCI 2.2 litros de 125 CV, el Puma 3.2 litros diésel de 200 CV, y Duratec naftero 2.5 con 166 CV. A nivel seguridad, se convirtió en la única del segmento en ofrecer tres airbags de serie.

Además, todas las versiones cuentan con control de estabilidad y tracción, distribución electrónica de frenado, asistente de partida en pendiente, control de carga adaptativo y control antivuelco. Las versiones Limited y XLT contarán con siete airbags, entre los que se incluyen los frontales, de rodilla para conductor, laterales y de cortina. Puertas adentro, presenta un panel de instrumentos totalmente renovado, con una pantalla táctil de 8 pulgadas, desde donde se puede manejar el GPS, el entretenimiento, el climatizador y el smartphone. + www.ford.com.ar

smart

Fiat 500

El pionero del denominado segmento de los city cars a nivel mundial acaba de renovarse. Se trata de su segunda generación. Su evolución más notable: hay que destacar que, si bien conserva sus 2,69 m de largo, es su incremento de unos 10 cm más ancho, lo que repercutió en mejorar su espacio interior. Se decidió también retocar la posición del asiento del conductor (se la elevó), con el fin de que se adquiera una mejor visual. El renovado pequeñín viene equipado con dos opciones de motorización. Las versiones City y Passion tienen un motor naftero, atmosférico, de 3 cilindros, con 999 cc, inyección directa, 71 CV, que se combina sólo con caja manual de 5 velocidades. La versión Top, la frutillita: tiene un motor naftero, turbo intercooler de 3 cilindros, con 898 cc y 90 CV. Se combina sólo con caja automática de 6 velocidades, y al igual que el resto de las versiones, tiene tracción trasera. A partir de este año, también suma una versión de 4 puertas, en lugar de la clásica carrocería de 2. El llamado For Four mide 3,49 metros de largo y en ese espacio, se la ingenia para albergar a cuatro personas. + www.smart.com.ar

El chiquitín de Fiat acaba de presentar una nueva versión de la llamada Serie 4. Los cambios no son muchos, pero sirven para volver a centrar la atención en el producto. Proveniente desde México, conserva las formas redondeadas y las dimensiones compactas, pero suma llantas de 16 pulgadas, con un nuevo diseño para la versión Sport, que mejoran su impronta deportiva.

Se equipa con un motor 2.0 TSI de 211 CV y una caja DSG de 6 velocidades. Con ello, es capaz de acelerar de 0 a 100 Km/h en 6,9 segundos y a una velocidad máxima de 240 Km/h. Estará disponible en seis diferentes colores exteriores, combinados con el exclusivo tapizado GTS y llantas de 18 pulgadas, de diseño Norwich.

Todo el automóvil fue pensado para la comodidad y sensibilidad del conductor, desde el volante multifunción con velocidad crucero, hasta el tablero central donde se presentan indicadores de velocidad, RPM, presión de turbo, temperatura del aceite y cronómetro, entre otras informaciones.

También la versión Sport suma como equipamiento de serie el techo solar eléctrico y el tapizado de cuero negro, que hasta ahora formaban un pack opcional. Por dentro, se renovaron los tapizados para la versión Cult, con un nuevo tablero de instrumentos digital (en versiones Sport y Lounge), e incorpora de serie un equipo de audio UConnect con pantalla touch de 5 pulgadas.

El equipo cuenta con radio AM/FM, reproductor de CD/MP3 y conectividad Bluetooth, que permite realizar llamadas con manos libres y reproducir contenido multimedia desde los dispositivos conectados. + www.fiat.com.ar

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vehículos

+ Boxes del Renault e.Dams durante el Buenos Aires ePrix. Foto: Maia Croizet @maiiacroizet

Fórmula E Los autos del futuro corrieron en las calles de Buenos Aires La Ciudad de Buenos Aires vivió el evento automovilístico más innovador de la Federación Internacional de Automovilismo (FIA). Nos referimos a la Fórmula E, que en su cuarta cita en el calendario del campeonato 2015/2016, le tocó nuevamente desembarcar en Puerto Madero.

Una importante cantidad de público se acercó a disfrutar no solamente de lo que iba a suceder en uno de los circuitos callejeros más entretenidos del calendario, sino también por toda la “movida” ecológica que se genera en torno de este show, ya que se trata de una categoría de autos deportivos 100% eléctrica. Para el Buenos Aires ePrix, la bandera a cuadros caería encontrando en el primer puesto al inglés Sam Bird, seguido por Sébastien Buemi, mientras que el brasileño Lucas di Grassi ocupó el último escalón del podio. ¿QUÉ ES LA FÓRMULA E? -Es un laboratorio tecnológico único, en donde se prueban nuevas tecnologías eco amigables, que podrían ser aplicadas a los autos comerciales. Además de ofrecer entretenimiento y diversión, busca comunicar sobre la energía limpia, la movilidad del futuro y la sustentabilidad.

-El calendario está compuesto por 11 circuitos urbanos (desde septiembre de 2015 a junio de 2016).

-Esta 2° temporada presenta a 9 constructores, que tienen permiti-

do desarrollar motores, cajas y sistema de enfriado. Entre ellos está Renault, que cuenta con el exclusivo motor Z.E.15 para el Renault e.dams, que fue desarrollado por Renault Sport en Viry, y es el resultado de muchos años de experiencia en sistemas eléctricos.

-Cada equipo dispone de 2 monoplazas, que puede utilizar en función de las necesidades. La carrera incluye, además, un cambio obligatorio.

-Hasta la carrera 7 de esta temporada, el equipo puntero del campeonato es el Renault e.Dams. http://fiaformulae.com/ RENAULT E.DAMS Con sede en Le Mans, Francia, el Renault e.dams fue fundado por dos grandes nombres del automovilismo: el cuatro veces campeón del mundo de Fórmula 1 Alain Prost y el fundador y director de la exitosa escudería francesa Dams, Jean-Paul Driot. Ambos dirigen a los pilotos Nicolas Prost y Sébastien Buemi, que conducen potentes vehículos eléctricos monoplaza Renault Z.E 15. + http://renaultedams.com/

mundo creativo

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Ensayo público de opacidad Un díptico para todos en la Universidad de Córdoba Se trata del primer díptico realizado por Elian en el espacio público. De 40 x 60 metros, cada pieza fue pintada en acrílico y, aunque aparentemente iguales, nos obligan a reflexionar sobre sus diferencias.

Los arquitectos Pablo Bisio y Esteban Bondone le encargaron a Elian la tarea de pintar un mural sobre la fachada de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Católica de Córdoba, en el marco del ciclo de charlas y talleres “Ciudad: Representación y soporte”.

Luego de tres días de intenso trabajo, resultó “Ensayo público de opacidad”, la primera experiencia de Elian en pintar un díptico en el espacio público. Como siempre, el artista cordobés dejó que el contexto ambiental fuera parte de la obra; en especial, en el desarrollo cromático.

Es así que podemos ver la pieza de la izquierda con colores brillantes y blanco como fondo, mientras que en la pieza de la derecha (un tanto más pequeña), dejó como fondo el gris del hormigón, el que modificó la nitidez de los colores que van por delante. Inevitablemente, las formas y colores repetidos en esta obra nos invitan a compararlas y a buscar aquello que las diferencia. Según Elian: “Toda nuestra vida entera posee el mismo mecanismo: tenemos que comparar, ver y analizar antes de creer”. + www.elianelian.com.ar #DeCordobaAlMundo www.90mas10.com/decordobaalmundo

*Beber con moderación. Prohibida su venta a menores de 18 años.*

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diseño

Volvió el Concurso de Diseño Masisa para estudiantes El tradicional Concurso de Diseño Masisa para estudiantes abrió su convocatoria 2016 con la propuesta “Conecta tu mundo, diseña Smart”. Este año, el premio se potencia: además de visitar la feria de diseño internacional IMM de Colonia, el ganador del gran premio hará una pasantía en una importante empresa de diseño en Alemania.

El desafío que en esta oportunidad propone Masisa para los estudiantes de diseño, arquitectura y carreras afines de Argentina, Brasil, Chile, México, Perú, Colombia y Venezuela es el de pensar una pieza de mobiliario que se adapte a nuestro estilo de vida atravesado por las tecnologías digitales.

“Las tecnologías digitales actuales cambian constantemente y con esto, nuestro estilo de vida. La transición a esta era digital es una tarea compleja, que supone una constante renovación y adaptación de los espacios. De este modo, es necesario que el mobiliario con el que interactuamos día a día conviva y forme parte de esta nueva era digital”, opinan en Masisa, uno de los principales productores y comercializadores de tableros de madera para muebles y arquitectura de interiores en Latinoamérica. ¡MANOS A LA OBRA! -Se deberán diseñar muebles tipo RTA (Ready to Assemble), que logren vincular las tecnologías digitales disponibles, considerando el estilo de vida actual, para satisfacer la necesidades contemporáneas del día a día.

-Los proyectos deben ser inéditos y de autoría de los participantes.

-El diseño debe ser una solución factible en términos técnicos y con proyección comercial, logrando en forma exitosa y coordinada los criterios: estético y funcional (incorporando consideraciones de diseño para velar por una apropiada apariencia física y utilidad, según el concepto trabajado), sustentable (mediante el uso de materiales y procesos productivos amigables con el medio ambiente y considerando un aprovechamiento óptimo del formato a utilizar, con el fin de generar soluciones sustentables e inteligentes), factibilidad industrial (considerando en el diseño la posibilidad de ser producido de manera industrial), innovación (ofreciendo un nuevo concepto, idea y aporte al mundo del mueble).

-Los proyectos deberán utilizar como materia prima principal los productos Masisa (tableros Masisa Melanina -sustrato MDF y MDP- y Masisa MDF), pudiendo combinarse con otros materiales de manera secundaria.

-Los participantes deben ser alumnos regulares o egresados de

diseño, arquitectura o afines, con no más de 1 año de término de sus carreras (egresados durante 2015). La condición de alumno regular o egresado deberá acreditarse al momento de la presentación del proyecto, a través de un certificado de la institución en la que estudia.

-Podrán participar alumnos en forma individual o en grupos de hasta 4 personas de la misma universidad.

-Se entregarán 3 premios más el favorito del público por cada país.

La premiación internacional contempla 3 premios.

ATENCIÓN:El plazo de inscripción y presentación de proyectos vence el 29 de julio de 2016 a las 23:59hs.

INSCRIPCIÓN A través de http://www.masisa.com/arg/concurso-diseno CRONOGRAMA Hasta el 29/07/2016. Plazo de inscripción y presentación de proyectos.

Agosto 2016. Marisa hará una preselección, la que presentará al jurado compuesto por un representante de la compañía y especialistas de diseño, producción industrial y retail. Éste podrá elegir hasta un máximo de 12 proyectos para participar de la segunda etapa del concurso (Final Nacional), los que serán dados a conocer por las redes sociales de Masisa.

Octubre 2016.Realización de prototipos. Masisa se encargará de costear la fabricación y materiales de los prototipos, es por eso que vinculará a cada proyecto seleccionado con una industria del mueble nacional o algún local Placacentro Masisa para su realización.

Elección de ganador de la etapa nacional por parte del jurado y premiación del público a través de las redes sociales de Masisa.

Noviembre 2016. Premiación internacional, en la ciudad a designar, con costos de traslado y hotel para el ganador nacional por parte de Masisa. ¿TENÉS DUDAS? Enviá un mensaje privado a www.facebook.com/masisaargentina +

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Texto: Diego Giaccone (*) @diegogiaccone

diseño

ANIMAL PRINT Sigue muy presente el uso de animales en las etiquetas, sobre todo en Sudáfrica y Nueva Zelanda. Pieles, texturas, diversos animales en diferentes técnicas, animales para comunicar maridajes, etc.

WALL OF FASHION Un recurso muy visto, pero efectivo, es la utilización de apliques en la botellas, tanto metálicos como piedras preciosas, especialmente en las marcas italianas. Como así también canillitas en las botellas, botellas con formas para un mejor agarre, o fundas cubritivas.

SANS CÓMIC Si bien ya se hizo un poco reiterativo el recurso del cómic en las etiquetas, algunas marcas siguen utilizando ese lenguaje (sobre todo Australia), con un efecto visual interesante y disruptivo, aunque no comuniquen nada del vino.

HANDMADE Algunas marcas potenciaron el recurso artesanal del handmade, aportando personalidad y diferenciación. Principalmente, en el Nuevo Mundo. Etiquetas a un color, austeras, y mucha expresión handmade.

SENSE OF HUMOR El recurso del humor sigue siendo muy utilizado en marcas no tradicionales, para atraer a nuevos consumidores y a millennials. España está al frente de esta tendencia, como así también Argentina.

Humor en sus personajes, en sus nombres, en sus denominaciones.

Feria de vinos Prowein 2016 La fiesta de los sentidos Concurrir a la mayor feria de vinos del mundo en Düsseldorf, Alemania, es una fiesta para los sentidos. Para la vista, porque es un deleite ver tanta variedad conceptual; para el olfato, porque los aromas asoman en cada rincón; para el tacto, porque cada etiqueta dan ganas de tocarla (sobre todo, las de los apliques o relieves); para el oído, al sentir cada idioma diferente; y para el gusto, porque se prueban los mejores y más diversos vinos del mundo.

Cabe recordar que Prowein ofrece nueve pabellones completos, con las bodegas de todo el mundo. Cuenta con un pabellón para el Nuevo Mundo (California, Australia, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Argentina, Chile) y ocho pabellones para el Viejo Mundo: dos para España, dos para Francia, dos para Italia y dos para Alemania y Austria.

En el Nuevo Mundo, siempre es un placer visitar los puestos de Australia, Nueva Zelanda y Sudáfrica, que son los más disruptivos de la industria, como así también California. Ver cómics, animales, personajes, lettering, handmade, humor, ironías, nombres disruptivos, colores no esperados. Chile que sigue siendo clásico, y Argentina, con respecto al año pasado, con más presencia y con etiquetas más jugadas e inspiracionales.

Del Viejo Mundo, España tiene esa dicotomía entre tradición (por ser uno de los países pioneros) y su rica tradición artística, reflejada en algunas de sus etiquetas. Francia sigue con sus etiquetas impecablemente ejecutadas y con detalles ilustrativos de calidad.

Italia siempre sorprende con diseños industriales de sus botellas: desde formas diferentes a apliques en sus botellas. Entre las tendencias gráficas que pude detectar, hay recursos que se repiten año a año, y otros que se van incorporando en las nuevas ediciones.

EXPO ILLUSTRATION Recorrer la feria tranquilo, puede convertirse en una gran muestra de ilustración. Muchas etiquetas ilustradas íntegramente, como así ilustraciones de ornamentos, letras, etc. Llegó la hora de las etiquetas artísticas, ¡bienvenida esta nueva corriente!

CRAZY NAMING Siguiendo la intención de atraer a nuevos consumidores millennials, los namings fuera de caja gustan mucho, como para sacarle la estructura al tradicional mundo del vino de conocedores. Nombres como: Cabaret Frank (es un cabernet), ViZorro (el zorro vizarro), Vendetta, Mucho más, The long dog (un perro salchicha), El guardado, La burla, Lokita, Thr3 monkeys, Mudo.

HARD ORNAMENTS Las tramas y ornamentos son parte fundamental de la personalidad de las marcas. Un efecto vintage, pero actual. Ornamentos negros, rojos, dorados, en relieve, etc.

RE-biCYCLE Sigue siendo una debilidad de los diseñadores la utilización de las bicicletas en sus diversos modelos. Viene linkeado con el nuevo estilo de vida, en donde se disfruta el aire libre y las recorridas en bicicleta.

CON-CEPTS En la era de las experiencias de marca, sumado a la conquista del millennials como consumidor que viene de industrias menos formales, hace que muchas marcas emprendan el recorrido de los nuevos conceptos frescos y sin tradición vitivinícola, como los nuevos consumidores. Conceptos como Simple life, Incógnito, Cupcake, Love Noir, El viejo del valle, Salvaje, La Granja, Hola!, L’efecte volador, You&me, Monólogo, Habla de la tierra…

La lucha por atraer a millennials viene con todo en el mundo del vino, y se vuelve una industria más atractiva, diversa, versátil y artística para el mundo del diseño. Ya no basta con seguir las reglas tradicionales del mundo del vino, ya no alcanza… + www.prowein.com

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

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mundo creativo 039 vehículos

Renault Duster Oroch

Moderna, audaz y con generoso espacio interior La ciudad de San Carlos de Bariloche fue el escenario que Renault eligió para lanzar una de sus novedades más importantes de los últimos años. Hablamos de la Duster Oroch, la primera pick up del mercado que deriva de un utilitario deportivo, lo que dejó formalmente inaugurada la categoría de los Sport Utility Pick Up, segmento al que se sumará a fines de mayo la Fiat Toro, su única rival.

Por sus proporciones (4,69 metros de largo), se ubica entre las pick ups chicas -como Fiat Strada- y las medianas -como Toyota Hilux-.

Si la medimos contra la Duster, modelo en el cual se inspira, la Oroch es 36 cm más larga y tiene 15 cm más de distancia entre ejes (2,82 m). Se diferencia también por incorporar en todas las versiones, el esquema de suspensión trasera independiente Multilink de la Duster 4x4, pero con piezas reforzadas.

Vale recordar que la Oroch, en principio, sólo se ofrece con tracción simple (4x2), y sus motorizaciones son las mismas que impulsan a la Duster: 1.6 de 110 CV con caja manual de 5 marchas y 2.0 de 143 CV con caja manual de 6 marchas. La caja, la parte más innovadora, tiene 1.175 mm de ancho y 1.350 mm de profundidad, y una capacidad de carga total de 650 kilos. Para ayudar en el transporte de carga, dispone de 8 anillos de sujeción (que soportan 50 kg cada uno), que se pueden plegar cuando no están

en uso. Posee un cobertor plástico de serie y la tapa de la caja soporta hasta 80 kilos.

Su carrocería es de 4 puertas y dispone de espacio para 5 pasajeros.

Respeta puertas adentro lo presentado en la última actualización de la Duster. La versión full (Privilege) cuenta con una pantalla táctil de 7”, desde donde se comanda el sistema multimedia Media Nav Evolution, GPS y cámara de retroceso, entre lo más destacado.

Son interesantes los diferentes kits que se ofrecen (Kit Outsider y Work), con los cuales se le puede sumar: lona marítima cubrecaja, barras de protección de luneta trasera, overfenders, protección frontal y faros auxiliares, extensor de caja, barras de protección de luneta trasera, red, caja multiuso, cinta para sujetar carga y gancho de remolque, entre otros. + www.renault.com.ar/utilitarios/dusteroroch

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Ji Lee

Del proyecto personal al éxito Lee se autodefine como un comunicador de ideas, con una formación en diseño gráfico y publicidad que lo llevaron, a través de la frustración, a la búsqueda del eterno proyecto personal. El resultado: una bola de nieve viral e interactiva que llegó a las puertas de Droga5, Google y, más recientemente Facebook, para contratarlo por representar un puente entre lo corporativo y lo clandestino, priorizando ante todo la interacción con la gente. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

(*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com

personas creativas

+ 041 diseño

AGENCIAS Y LEE Cada agencia de publicidad tiene su propio manual para la creatividad, a pesar de ser algo tan subjetivo e intangible, que es difícil creer que exista una fórmula. Pero lo que todas las grandes agencias comparten, sin excepción alguna, es el miedo -más bien, terror- al consumidor. Lo cual se traduce, muchas veces, a un proceso bastante conservador a la hora de innovar en la interacción con un público activo. Las ideas son inevitablemente testeadas hasta al cansancio, resultando como consecuencia en una versión diluida de sí mismas.

“No estoy en contra de la publicidad ni nada por el estilo, sólo procuro cambiar este aspecto, para así poder generar un trabajo más relevante e interesante”, me explica Lee. Cada experiencia en el mundo publicitario lo llevó un paso más cerca a lo que se terminó transformando en su filosofía profesional: trabajar constantemente en proyectos personales. “Es genial, porque me permite crear cosas que me interesan, sin depender del cliente ni de la fecha de entrega, usando mi propio presupuesto y eligiendo mis colaboradores. No me tengo que preocupar por lo que no puedo hacer, sino que simplemente, sigo mi propia intuición. Además, me obliga a aprender cada aspecto del proceso, como crear una Web, redactarla, hacer relaciones públicas, etc. Realmente, creo en aprender haciendo. La gente aprecia mucho el sentir que el trabajo viene de un lugar tan real”.

Un gran ejemplo del resultado de este tipo de proyectos es el Bubble Project (NY, 2002), un concepto inspirado en una realidad -y frustración- urbana. “Las calles de Nueva York están llenas de avisos feos e invasivos… Es una polución que afecta la calidad de vida de los neoyorquinos. Yo quería hacer algo al respecto, así que decidí imprimir 50 mil stickers con forma de globos de cómics. Los puse sobre anuncios en la calle y, al estar en blanco, invitaba a los peatones a llenarlos con sus pensamientos. Los Bubble Stickers, instantáneamente, transformaron los monólogos chatos e invasivos de las corporaciones en un diálogo público”.

Un patrón evidente en el extremadamente diverso portfolio de esta mente inquieta es el uso del humor para comunicar todo tipo de mensajes. Cuando le pregunto al respecto, me ilumina su respuesta: “Creo en el humor porque es universal. Cuando la gente se ríe, o sonríe, baja la guardia. Entonces, es mucho más fácil llegarle al consumidor; es más efectivo que la negatividad. Creo en ideas que sean simples y universales, así nadie se siente amenazado”. Esta es, justamente, la clave de su encanto: Lee logra envolver a la gente -también conocida como los consumidores- en un contexto que se sienta cómoda y partícipe, en vez de atacada y engañada por el capitalismo. Sus proyectos personales son el motor principal de sus emprendimientos profesionales, complementándose mutuamente en un combo que nace de un factor humano.

+ The American Wonderer (NY Times). Week in Review. Artículo de Michael Powell.

Dirección de arte: Aviva Michaelo.

+ 3D Chess Board. Un tablero de ajedrez 3D que suma una dimensión extra de lo físico al plano de juego.

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+ GOOGLE & FACEBOOK Lee me aclara, con toda honestidad, que no le interesa que el enfoque principal de la nota sean estas dos corporaciones tan reconocidas. No. “La historia debería ser acerca del poder transformador de los proyectos personales. Quiero que los lectores se sientan inspirados, al entender que son esos proyectos los que me llevaron a los trabajos de mis sueños”. 100% de acuerdo. Ahora…

Sin embargo, ambas marcas le proporcionaron un marco de difusión a una forma de pensamiento y comportamiento moderno, donde los creativos más exitosos tienden a no especializarse en una sola cosa, sino en un abanico de habilidades muchas veces difíciles de palpar.

Por ejemplo, en Google (siete años atrás), Lee estaba a cargo del marketing de productos internos, explorando y explotando diferentes maneras de interactuar con los usuarios de Google Chrome, a través del open source; o desafiando los límites de Google Maps, al permitirnos crear listas de nuestros lugares preferidos, donde fuera que estuviésemos.

En Facebook, donde trabaja desde el 2011, se ocupa de educar a algunas de las corporaciones más grandes del mundo para maximizar el potencial del uso de las aplicaciones móviles, y de la tecnología innovadora de los videos 360. “Trato de que se me ocurran nuevos marcos creativos, cosa de hacerlo más interesante y que no sea tan sólo un video que registra una situación, sino más bien una experiencia interactiva. Se trata de que la gente la pase bien, contando sus propias historias”. Y lo dejamos ahí.

TODO ES DE TODOS “Cuando era más joven, existía esta concepción de que tenías que proteger tus ideas, pero Internet cambió todo, porque es completamente transparente. La gente aprendió a ser generosa y a compartir sus ideas. A mí no me gusta proteger las mías; todo lo contrario. La gente aprecia la accesibilidad y te da su devolución, lo cual siempre ayuda mucho. Cuanto más la involucrás, más dispuesta está a compartir con uno. Como consecuencia, al participar, te termina dando mucho más de lo que tendrías trabajando solo”.

+ En respuesta a la contaminación visual en la ciudad de Nueva York con tantos afiches publicitarios, Ji Lee decidió imprimir 50 mil stickers con forma de globos de diálogos en blanco y los fue pegando sobre estos anuncios, invitando a la gente a completarlos. Esto transforma al instante los monólogos corporativos intrusivos y sin brillo en un diálogo público. Desde su lanzamiento en 2002, el Bubble Project se ha convertido en global y burbujas de todo el mundo están surgiendo en distintas ciudades. www.thebubbleproject.com

+ Facebook miNY room. Una instalación en las oficinas de Facebook en Nueva York.

+ 043 Creative Commons es el representante más fiel de esta filosofía. Es una organización global sin fines de lucro, que promueve el compartir el uso de la creatividad y el conocimiento, a través de herramientas legales. Esto implica, como artista, ceder parcialmente tus derechos para que otros usuarios puedan reciclarlos, generando un ciclo interminable de la obra original. Lee, aunque nacido en 1971, aprendió a ser un referente de esta percepción moderna, que muchos aún interpretan como una violación al derecho intelectual, y es -de hecho- uno de los pilares de su éxito.

Proyectos y más proyectos, la máquina nunca se apaga. “Estoy siempre trabajando en varios proyectos a la vez, evitando poner todos los huevos en una sola canasta. Los categorizo en largo plazo, medio y corto plazo. Un proyecto a largo plazo implica, por ejemplo, el desarrollo de una nueva aplicación. Algo a mediano plazo puede ser crear una página Web. Y, por último, una idea a corto plazo es un proyecto que me puede llevar tan solo media hora, como ser un video explicativo de cómo aplaudir con ambas manos. Después, también hay proyectos como Word as Image, en los que trabajo constantemente. En este momento, estoy enfocado en un tablero de ajedrez 3D que vengo desarrollando con un diseñador de producto hace unos años. Me gusta mucho jugarlo, y noté que se han diseñado todo tipo de piezas de ajedrez, pero nadie cambia el tablero. Así que creé un tablero 3D armado con cubos, que suman una dimensión física a la batalla. Estamos lanzando una campaña para costearlo en Kickstarter en las próximas semanas”.

Lo que saco en limpio entonces es lo siguiente: hay que estudiar, ganar experiencia, abrir puertas que habiliten proyectos propios, apostar a un público interactivo y apoyarse en la Web, porque cuando uno más comparte, más recibe. Y… “Primero y principal, confiá en tu voz interior, alimentada por tus padres, tus colegas, tus amigos, tus jefes y demás gente que te rodea. A veces, es difícil distinguir tu propia voz, pero tu intuición y tu instinto siempre tienen razón. Después, compartilo con el resto del mundo, explotando este inmenso poder que tenemos hoy en día: canales y herramientas completamente gratis, al alcance de la mano. Es una era increíble para ser escuchado. Sólo hacelo”. + www.pleaseenjoy.com

+ Homeland Insecurity (Tapa para Time Magazine). El tema hace foco en cuánto de su privacidad deben abandonar los estadounidenses en pos de la seguridad.

+ Google Circle Logo, diseñado para Macwold 2009.

personas creativas

+ 045 diseño

Sergi Delgado De puño y letra

Sergio Delgado es un joven diseñador gráfico nacido en Barcelona. De pequeño, ya sabía que su vocación estaría enfocada al sector creativo, pero desconocía aún en qué ámbito especializarse. Ahora nos parece imposible que en algún momento dudara... Por la fascinación que demuestra y la manera como crea, quizá deberíamos decir que es un diseñador de puño y letra. De puño, porque busca siempre nuestra reacción. De letra, porque su pasión por el lettering es exquisita. | Texto: ArtsMoved (*)

+¿Por qué y cuándo decidiste estudiar diseño gráfico?

SD Realmente, siempre supe que acabaría en alguna rama creativa; lo que no sabía, era cuál. Desde pequeño, destacaba en tareas creativas, mientras que en otras áreas era un completo caos. Siempre encaré mis estudios hacia cosas artísticas, hasta que me tocó escoger una carrera: no sabía si estudiar Bellas Artes o diseño gráfico.

Me metí en diseño gráfico porque veía una carrera con más salidas y con la posibilidad de ganarme mejor la vida, así que entré sin tener ni idea de lo que era. Imagínate si le tengo que explicar a mi familia a lo que me dedico, cuando ni yo mismo sabía lo que realmente era al principio. Creo que aún hoy hay quien piensa que estudié graffiti. +Muchos de tus trabajos tienen una clara inspiración en el Op Art. ¿Cuáles son tus referentes e influencias?

SD Sí, es cierto, actualmente me encanta el Op Art. Siento bastante atracción por esa estética y esto se refleja en mis proyectos. Aún así, no me gustaría que me clasificaran por tener un estilo. Supongo que es una etapa: ahora me gusta, pero quién sabe, en un futuro, quizá hago otras cosas. Me considero un diseñador polivalente, tengo un problema y es que realmente me gusta todo: desde lo minimalista a lo barroco y de lo más geométrico a lo orgánico. Mis referentes dentro del mundo del Op Art son muchos: destacaría a Víctor Vasarely, M.C. Escher, Sol LeWitt, Shigeo Fukuda, Franco Grignani, etc. Es muy importante saber elegir tus referentes, pues al final, marcarán tu estilo y se verán reflejados en tu obra, quieras o no. Creo que hay que tener muchos referentes e influencias. Cuantos más mejor, y cuanto más antiguos sean, mejor. De nada sirve inspirarte por personas en activo; de esa manera, lo único que conseguirás es crear un sucedáneo de su obra. En este trabajo, resulta esencial mirar en libros y documentarse bien a la hora de realizar un encargo, así sorprenderás con algo fresco y rompedor, que no sea lo que todo el mundo está haciendo. Internet ha hecho mucho daño en ese sentido. +Y dentro del mundo del diseño, ¿cuáles son tus influencias?

SD Realmente, es mi día a día. Siempre intento estar en activo, y cada día intento mirar qué se está cociendo por el mundo creativo.

Entro en muchos blogs de arte y diseño, pero a veces, es para remar a contracorriente, para no hacer lo que ya se está haciendo. No me gustaría caer en una moda y que me etiqueten de “trendy”, creo que los buenos diseños son atemporales y no siguen modas. Soy

de los que tienen abiertas mil pestañas, se pierde en ffffound.com, Tumblr y no para de hacer screenshoots a la que ve cosas interesantes. Por suerte, herramientas como Delicious o Pinterest me ayudan a organizar esta marabunta de imágenes que encuentro interesantes o inspiradoras. A través de mi experiencia me voy nutriendo, e inconscientemente, voy cogiendo mis propias influencias sin darme cuenta. Por eso digo que el día a día de cada uno y la gente con la cual compartas tu espacio de trabajo pautará o dictará un poco tu estilo, quieras o no. +Recuerda cómo eran tus primeros proyectos: ¿en qué sentido crees que has evolucionado?

SD Diría que he pasado de hacer proyectos personales a proyectos reales. Gracias a la motivación personal y a la inquietud de experimentar, he conseguido clientes que me llaman para hacer esas cosas para ellos, que estaba haciendo por mi cuenta. Es muy gratificante recibir un brief y en las referencias estéticas de lo que quieren, ver sólo imágenes de cosas que has ido haciendo para mantenerte en activo, e ir probando. También está claro que veo que he evolucionado a la hora de tener “buen gusto”. Creo que en la carrera, lo que más he aprendido, es a diferenciar si algo funciona o no, dicho rudamente: si es bonito o feo. Esto se traduce a tener perspectiva y visión. Antes, cuando creaba algo, me entusiasmaba y creía que era la mejor idea para ese proyecto. Al cabo de unos días o incluso semanas, volvía a ver ese mismo trabajo resuelto de esa manera y veía claramente que no funcionaba.

Ahora veo mucho más rápidamente si algo encaja o no. Trabajar en equipo me ha ayudado también a abrir mi perspectiva y a mirar mis propios proyectos con ojos de tercero. El hecho de ver los proyectos como no míos o ajenos, me ayuda a juzgar mejor si esa imagen funciona realmente o no. +¿Qué diferencia la creación tipográfica del lettering y la caligrafía?

SD Para mí, la caligrafía es la creación de letras mediante una herramienta a mano. La forma de ésta dependerá de la herramienta, ya sea una plumilla, un brush pen... En cambio, el lettering es mucho más expresivo; es dibujar tus letras, no hay tantas pautas ni reglas a seguir como en la caligrafía. El lettering es más personal y “freestyle”, se trata de dibujar letras sin depender al 100% de la herramienta con la que la dibujas.

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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+Las tecnologías digitales han transformado el mundo del diseño. ¿Trabajas con herramientas analógicas? Explícanos cómo es el proceso de creación de una de tus ilustraciones.

SD Sí, trabajo con herramientas analógicas, pero también digitales.

La verdad, es que mi proceso creativo es algo caótico, ya que suele ser diferente según el proyecto, y no tengo una metodología clara.

Hay puntos en común en todos los proyectos: hacer un boceto, hacer el brainstorming, o intentar remarcar los conceptos que queremos comunicar. Pero una vez establecidos estos pasos, me gusta mucho investigar y probar caminos por los cuales aún no he explorado. Es lo que muchos diseñadores llaman “salir de tu zona de confort”.

Cuando te equivocas, descubres errores, y ésos te llevan a nuevos caminos, nuevas técnicas y sorpresas. Hay que ser muy curioso; me planteo retos en cada proyecto, para así motivarme y tener la excusa de probar nuevas técnicas. +De los proyectos que has hecho hasta ahora, ¿cuáles son aquellos de los que te sientes más orgulloso?

SD Supongo que diría del último, ya que realmente es aquél donde he podido aplicar todo lo que he ido aprendiendo pero, realmente, diría que de todos. De cada proyecto, siempre he aprendido algo. Si me paro a ver mi recorrido, me doy cuenta de que un proyecto me ha llevado al siguiente. Gracias a ir haciendo trabajos personales, he conseguido que me llamaran para transformar esos proyectos sin dueño y ficticios en proyectos reales, así que realmente no tengo ninguno favorito. +Hoy en día es habitual que personas y empresas pidan trabajar gratis a cambio de visibilidad y promoción. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

SD Hace un tiempo asistí a una charla de Javier Velilla, en la que hablaba de un triángulo a la hora de coger o no proyectos.

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Comentaba que los proyectos se regían por tres vértices: el dinero, la promoción y la motivación personal. Cada vez que entrase un proyecto, deberías de valorar si cumple al menos dos de esos tres requisitos. Es decir, si sólo te daban promoción, pero no había dinero por el medio ni motivación personal, no debías aceptar ese proyecto.

Tengo que reconocer que he trabajado gratis y, más de una vez, a cambio de promoción u otras cosas que no eran dinero, pero bueno, es un aprendizaje. Creo que es una cuestión de madurar como diseñador y al final, darte cuenta de que es una profesión como cualquier otra, y si no te valoras tú, nadie lo va a hacer. Aún así, no me arrepiento de haber trabajado gratis; gracias a ello, me he podido arriesgar más en según qué proyectos, y si es verdad que te ofrecen promoción y visibilidad, puede ser positivo. Al fin y al cabo, las redes sociales están a la orden del día. +¿Cuál sería el proyecto ideal en el que te gustaría trabajar?

SD Creo que no hay proyecto más ideal que trabajar para uno mismo, pero supongo que sería aquel proyecto en el cual la motivación fuese máxima. En mi caso, serían proyectos que me permitiesen viajar, conocer otras culturas, puntos de vista... Al final, lo que busco en proyectos, más que el trabajar para una gran marca o el ganar una gran suma de dinero, es el enriquecimiento personal. Creo que el diseño gráfico es un trabajo como otro cualquiera, hay mucho fanatismo, y a veces, nos olvidamos de las cosas realmente importantes. +¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar?

SD Sí. “¿Nos recomiendas un libro?” Steal like an artist, de Austin Kleon. + www.sergidelgado.com

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personas creativas 049 nuevos talentos

Mica Suárez ¡Hola iutub!

Hace poco más de dos años comenzó a subir videos a su canal en YouTube. El primero fue un tutorial de guitarra, en el que intentaba sacar la música de Harry Potter. Pronto, sus contenidos viraron hacia el humor y hoy, con tan sólo 19 años, posee más de 400 mil suscriptores, vive de lo que le gusta y es un modelo de entretenimiento, inspiración y enseñanza para muchos. Quién es Mica Suárez y cuáles son los secretos de su éxito en las redes. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010 Fotos: Maia Croizet @MaiiaCroizet

Gracias a su video tag #50 cosas sobre mí, sabemos que su nombre completo es Micaela Solange Suárez. Vive con sus papás, tiene dos hermanos, le cuesta levantarse temprano y no come cebolla ni morrón, ni los bordes de la pizza. Tampoco le agrada tomar agua y su comida preferida es el Big Mac. Hasta acá, la descripción de una chica del Gran Buenos Aires como cualquiera otra, ultra tímida en el colegio, fanática de las producciones de Cris Morena y con el sueño secreto de convertirse en actriz algún día. Pero lo que parecía tan alejado en ese momento, ya no lo es. Todo cambió cuando decidió abrir su canal en YouTube y compartir videos pensados, actuados y editados por ella misma, tomando como inspiración experiencias propias, siempre en clave humorística. El auténtico quiebre se produjo con el video “Nos veamo y nos besemo Brian”, con la entrevista en vivo que le hizo por WhatsApp a la chica cordobesa autora de un gracioso -y viralísimomensaje que le dejara (estando ebria) al chico que le gustaba.

Más allá de lo anecdótico, el video evidencia la verdadera labor periodística de Mica para dar con la cordobesa desconocida, así como su capacidad para entrevistarla y preguntarle lo que todos queríamos saber. A partir de aquí, su número de suscriptores no para de crecer y con asombrosa velocidad, gracias a su estilo fresco y semi-improvisado. Mica sabe cómo mantener activo a su público a través de todas las redes sociales, las que conserva siempre actualizadas y que utiliza para dialogar virtualmente con sus seguidores: les hace preguntas, les pide comentarios y hasta que le sugieran temas para sus próximos videos. Para esto, utiliza hashtags que rápidamente se transforman en TT (Trending Topics). En especial, el famoso #MicaSuarezResponde, cuando sus fans le hacen todo tipo de preguntas, las que ella selecciona, agrupa y responde en alguno de sus esperados videos.

La cuestión es que, para una amplia proporción de chicos de entre 12 y 20 años -de Argentina, Uruguay, México y Chile principalmente-, esta fanática de Justin Bieber y Emma Watson es una celebridad, y sus seguidores son tanto o más fieles que los fans de los más renombrados rockstars o actores del momento. Cada tanto, Mica Suárez trasciende la virtualidad y se vuelve real para su público: organiza juntadas en lugares públicos como El Planetario, o participa de eventos de youtubers, en donde suele hacer un pequeño

sketch interpretando a Thaiel (el “novio de Mica”), canta una canción acompañada de su guitarra y, una vez más, incluye activamente a su público: los hace subir al escenario, participar de algún juego, y los premia con algún objeto o prenda que usó en uno de sus videos. +Por qué pensás que la gente te sigue?

MS Quizás, los chicos se sienten identificados en muchas de las cosas que digo, o con mi personalidad, y piensan: “Si esta chica se parece a mí y le va bien, yo también puedo llegar a algo”. +¿Qué querés lograr con tus videos?

MS Lo que estoy buscando es mayor convocatoria. De a poco, hablar de temas más serios y hacerles ver cosas a los chicos que quizás no ven (o no se dan cuenta) y de hacerlos reflexionar sobre ciertas cosas.

DE PROFESIÓN, YOUTUBER Pero nada es casual. Evidentemente, Mica posee un talento natural para lograr la empatía con sus seguidores, pero también la ejercita.

Toca el piano, la guitarra y la flauta. Le gusta leer (“Los primeros libros que leí fueron los de Harry Potter, y seguí con otros como `Bajo la misma estrella´ y `Los juegos del hambre´”) y es una apasionada del cine. “Me gustan mucho las películas, y ahora que estoy un poco más interiorizada con este tema, veo una y empiezo a observar los planos, la puesta, la continuidad de las escenas. Y pienso, `ese plano estaría bueno para alguno de los videos´”. En diciembre pasado, terminó un entrenamiento en actuación y canto en Cast (Centro Artístico de Selección de Talentos de Telefé) y este año comenzó a estudiar producción de cine, porque le gusta tanto estar delante como detrás de la cámara. +¿Qué es lo bueno y lo malo de ser youtuber?

MS La misma cosa: es el estar muy expuesto (me pueden ver desde nenes de 5 a 13 años, hasta personas de 50 años) y te pueden poner los ojos encima productores o directores a los que les pueda llegar a gustar lo que hacés. Se te abren muchísimas puertas y, si a la gente le gusta lo que hacés, se puede llegar a convertir en un trabajo. De la misma forma, te puede ver gente muy mala. Haters hay en todos lados, no importa lo que hagas. La cosa es cuando te los cruzás en persona. +¿Hoy tu canal en YouTube es tu trabajo?

MS Sí, hoy es mi trabajo.

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+ Algunos videos de Mica Suárez en YouTube.

+Es difícil convertir esto en un negocio?

MS Sí. Llegan muchas propuestas nuevas, gente nueva. Y no sabés bien si confiar o no… +¿Cómo funcionan las colaboraciones con otros youtubers?

MS Las colaboraciones se usan para compartir suscriptores, hacer un video y promocionarse mutuamente. Yo no me fijo mucho en eso, sino en si me cae bien una persona, o si me gusta su contenido. Por más que me convenga hacer una colaboración porque el otro tiene el triple de suscriptores que yo, no lo acepto si no me gusta su contenido, o no me llevo con la persona. Suelo colaborar con los chicos de BNT (Bajo Ningún Término): los había conocido a través de un

video de ellos y me mandaron un mensaje. Fui a verlos y ese día terminamos yendo a bailar. Nos vemos casi todas las semanas, hicimos varios videos, y seguramente haremos más. Lo mismo con los chicos de Dos Bros; nos llevamos bien. Para mí, divertirse lo es todo.

Los suscriptores se dan cuenta enseguida cuando algo es forzado y cuándo en realidad te divertís y lo estás pasando bien. +¿Una anécdota linda que te haya pasado como youtuber?

MS Nunca me voy a olvidar de una juntada que hice cuando llegué a los 50 mil suscriptores. Pensé que iban a ir entre 10 y 20 personas; con eso me iba a sentir re bien. ¡Y fueron unas 300! Es que ponía un estado y tenía 600 me gusta. No me ponía a pensar en la reper-

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cusión de 600 personas paradas en un lugar; sólo eran 600 likes. Y de repente, ver 300 personas desesperadas por tocarme o sacarse una foto… Me quedé dura. ¡No lo podía creer! +De los videos que hiciste hasta ahora, ¿cuál es el que más te gusta?

MS Creo que “El peor novio del mundo”, porque habla de un tema con el que me identifico mucho. Si bien es humorístico, incluí cosas que me pasaron a mí. Creo que fue el video por el que más mensajes recibí de las chicas. Una que me vio en persona, me contó que el novio la maltrataba y que después de ver ese video, reflexionó y lo dejó. Aunque parezca una tontería, estás cambiándole la vida a una persona. Y para mí, eso lo es todo. Que vengan y me digan: “Me dejaste un mensaje y me ayudaste con algo”, me llena y me incentiva a seguir. +¿Cada vez que subís un video, ¿es muy adictivo ver qué es lo que pasa?

MS Sí, es adictivo: subirlo, actualizar, 500 visitas, actualizar, mil, 10 mil. Es increíble cómo va subiendo. Es adictivo ver lo que ponen en Twitter, los comentarios, qué opinan, si les gustó. Es parte del todo ver lo que a tu público le interesa, lo que le llamó la atención. Porque si los videos no fueran tan gustados o tuvieran muchos dislikes, tendría que ver la manera de buscar en qué estoy fallando, dónde está el error. Para esto, también ayuda leer los comentarios. +¿Tu familia entiende tu trabajo? ¿Te apoya?

MS Sí, mi familia me apoya. Al principio, pensaban que era un hobbie, y que lo iba a desechar enseguida. Pero ahora que ven que me están

Link a la nota: http://9010.co/micasuarez

surgiendo muchas cosas, se lo toman de una manera mucho más seria.

Por ejemplo, cuando mi sobrinito está en la computadora y le digo a mi mamá que tengo que editar, ella le dice: “La tía tiene que trabajar y necesita la computadora”. En esas mínimas cosas se nota que me están apoyando, y es mucho más fácil hacerlo de esa manera. +¿Y las amistades de antes siguen estando?

MS Algunas, no todas. Aparecieron amistades nuevas, pero no tuvieron nada que ver con YouTube. Sí me alejé de algunas personas por YouTube, pero estoy feliz con el círculo de amigos que tengo, porque los conozco desde que tengo 11 años, y están desde antes que sucediera todo esto, de cuando era la chica tímida del colegio, desde que no hablaba con nadie. Ellos me incluyeron en su grupo, y para mí, esas amistades valen oro. Creo que no necesito otras personas en mi vida más que ellos. Sé que van a llegar amistades nuevas, pero no me quiero alejar de ellos. Aprecio mucho la amistad. +¿A qué se dedican estos amigos? ¿O los estás volviendo youtubers?

MS Hace una semana, dos amigos empezaron con YouTube, y hay uno que va a empezar a subir videos. (risas). +Hay algo en vos de ser inspiradora también…

MS Sí, puede ser.

Ahora, sólo les queda entrar al canal de Mica Suárez en YouTube, suscribirse, hacer click en alguno de sus videos y dejarse llevar por el inconfundible saludo inicial: ¡Hola iutub! + www.youtube.com/user/Smicax

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Link a la nota: http://9010.co/nicgalway

personas creativas

+ 053 diseño

Sus primeros pasos en el campo del diseño fueron de la mano del diseño industrial y automotriz, pero esto, mucho antes de unirse a adidas, en 1999. La clave de su trabajo tiene que ver con el enfoque multidisciplinario que aplica y que queda de manifiesto en el desarrollo de productos, como las Pure Boost. Además, Galway fue una de las piezas clave en proyectos de alto perfil, como adidas by Stella McCartney y, más recientemente, en la alianza con Kanye West.

Su proceso de diseño se apoya sobre el concepto de Collective Memory (memoria colectiva), que implica entender la historia de adidas Originals para identificar momentos icónicos y traducirlos a un contexto moderno y atractivo. Según sus propias palabras, buscar en la historia de la marca, en sus modelos pasados, aquellos elementos que lo llevarán a ir más lejos. Esta unión de herencia, innovación y conexión cultural se manifiesta en Tubular y continúa con la silueta de las NMD, ambos modelos de aparición reciente.

DIME QUÉ ZAPATILLAS DISEÑAS 90+10 tuvo la oportunidad de entrevistar a Nic, para conocer de primera mano cómo es trabajar en el diseño de producto de una de las empresas más reconocidas a nivel mundial en su campo. La excusa fue el lanzamiento de las nuevas NMD en New York, las zapatillas que nacen de una combinación atrevida de formas, ángulos y materiales sobre una icónica base de bloques de color. Con una construcción moderna para la parte superior, la suela media de la NMD es elevada y cuenta con tecnología adidas Boost, duradera, resistente a golpes y receptiva. La parte superior, a su vez, utiliza la integridad de adidas Primeknit, lo que brinda nuevos niveles de flexibilidad, estabilidad y fuerza. ¿El resultado? Una zapatilla sólida en su estructura, con mucho estilo y diseño en su exterior. Imposible no querer tener todas… + ¿Qué nos podés contar sobre el concepto de Collective Memory?

NG Memoria colectiva es la forma en que me gusta hablar del pasado. En adidas, contamos con un interesante archivo de la historia de la industria. Creo que la historia puede darte poder o atraparte en el pasado, y yo no quiero quedarme en el pasado. Por eso hablo de memoria colectiva, de cómo recordamos y eso nos vuelve más fuertes. Cuando cierro los ojos, vienen imágenes a mi mente, formas de otros modelos, pero sólo los tomo como para crear algo nuevo. + ¿Tenés algún método para diseñar?

NG Sí, tengo un método, definitivamente. He trabajado en muchos proyectos en el pasado, en colaboraciones a lo largo de estos 16 años, y todos funcionan de diferentes maneras. Si seguís siempre el mismo camino, como en un libro, llegás al mismo resultado. Mi método es más atractivo. Generalmente, hago bosquejos rápidos y luego paso al dibujo, hasta que llego a mi idea. Luego, trabajo con los materiales concretos, las telas, las zapatillas, hago estudios so-

¿Querés saber más de NMD? Entrá a 90mas10.com/adidasnmd

bre ellos. Me gusta trabajar orgánicamente. Comenzás con una idea en tu cabeza y luego termina siendo muy diferente. + ¿Cómo trabajás el tema de los materiales? Te puede pasar que no los tengas disponibles, según tu idea.

NG Es muy normal que te pase eso. Creo que el diseñador no tiene todas las respuestas. Si lo que vas a diseñar es lo posible, entonces no vas a hacer algo diferente. También es bueno no saber cómo hacerlo, ya que si dejás los diseños para más adelante (tengo muchos en la oficina), luego puede ser que obtengas la solución para llevarlos adelante. + ¿Tenés en la cabeza un consumidor ideal, a la hora de crear un modelo de zapatilla?

NG No, lo que me entusiasma es que sea un objeto que desafíe a la gente, porque es la forma en la cual ellos hablarán del tema. Probablemente, lo que más me interesa es no tener un preconcepto, lo que busco es que mi producto esté en el imaginario de la gente, que los provoque y vean algo nuevo. Ese es el público que se interesa en mi trabajo. + ¿Cómo fue trabajar en las NMD? NG El punto de partida fue claro. Quise tomar cosas que la gente ama de nuestro pasado, para combinarlas con las innovaciones de hoy, como Boost y Primeknit. No tenía sentido usar una suela Boost con elementos rígidos. Hay elementos que usamos que son icónicos, tienen una razón utilitaria. En sí, el proceso fue elegir unos cuantos elementos del pasado, otros tantos del futuro y unirlos. + ¿Cuánto tiempo se tarda en llegar a un resultado final?

NG Depende del producto. En algunos casos es rápido; cuando sabés que está bien desde el inicio. Podés agregar elementos o detalles, pero la idea es correcta, vas en la dirección correcta. El desafío es lograr que el resultado final sea tan bueno como el que buscabas inicialmente. + ¿Cómo ves el futuro de las zapatillas?

NG Creo que no deben ser futuristas ni de ciencia ficción. Para mí, el futuro es entender qué es lo que viene. Me gusta; es un desafío. Hoy estoy compartiendo esto con ustedes y, en unos años, seguramente estaré en otro lugar, compartiendo algo diferente. + ¿Qué opinás sobre el valor que se le da a lo retro?

NG Me encanta y tengo mucho respeto por lo retro, uso mucho del archivo de adidas, pero lo que hay que tener en claro es que esas zapatillas siguen estando por algo. Muchas veces, no vemos que esos modelos fueron diseñados por pioneros sin miedo a diseñar algo que sea demasiado precioso para tocar, y eso nos da un enorme espacio para continuar. + www.adidas.com.ar/NMD

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Alex Kratena

Charlas y copas con el mejor bartender del mundo Es uno de los mejores bartenders de la actualidad a nivel mundial. Jefe de barra del reconocido The Artesian Bar de Londres, Alex Kratena estuvo en Buenos Aires invitado por Tía María y brindó una serie de clínicas y charlas sobre su especialidad, hacer tragos. Los mejores. | Texto: Gonzalo Fargas @gonza9010

Alex Kratena nació en 1981, en República Checa, donde pasó su infancia en familia. Luego, en su juventud, emprendió diversos viajes que lo llevaron por casualidad o necesidad -como él mismo dice-, a convertirse en bartender. Los años pasaron, y hoy es conocido por reinventar la experiencia de bar tradicional en The Artesian, el bar del lujoso The Langham Hotel de la ciudad de Londres. Con Kratena al mando, The Artesian fue distinguido por cuarta vez consecutiva como el mejor bar del mundo, según el prestigioso ranking que elabora la revista Drinks International sobre los 50 mejores bares del mundo.

Esto se debe, en gran parte, a los eclécticos cócteles elaborados por Alex, reconocidos a nivel mundial por su innovación y creatividad.

Asimismo, en su trabajo, Alex ha cosechado múltiples premios, no sólo para el bar que dirige, sino también a nivel personal, como el premio al Mejor Barman Internacional en 2012, o el Bar Personality of

the Year 2013, que entrega la revista Imbibe. Además de su tarea de bartender, Kratena es especialista en el diseño de vasos para cócteles y, también, brinda capacitaciones y charlas sobre su oficio alrededor del mundo. Y si bien dice que no cree ser un buen maestro para enseñar, sabe que muchos de los que pasaron por su barra aprendieron bien el oficio; tanto, que hoy brillan por sí mismos. Y eso, en sus propias palabras, lo pone muy feliz, porque para él, ser bartender es pertenecer a una gran familia, donde el éxito de uno, es el éxito de todos. + Desde muy joven descubriste lo que quisiste hacer. ¿Cómo conectás los puntos en el pasado para ver lo que lograste hoy?

AK Cuando miro el pasado, veo qué loco e irresponsable fui, y me pregunto en qué estaba pensando... Yendo a lugares sin trabajo, perdiéndome, metiéndome en situaciones raras y locas. Pero al mismo tiempo, esas experiencias definen cómo soy hoy. Sin embargo, si no

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personas creativas 055 gastronomía hubiera hecho todo lo que hice en el pasado, no estaría donde estoy ahora. Mi mamá siempre se enoja cuando habla de mi pasado. No estábamos creciendo en un barrio muy lindo, hacíamos lío, muchas veces me buscó en la policía. Tuve como tres abogados… Hacíamos graffitis (y por esto, en la República Checa, podías ir a prisión).

Cuando hacés algo ilegal, tenés que ser rápido. Entonces, eso hice.

Hacer graffitis es hacer letras, esencialmente. Te enseña de espacios, proporciones, y eso lo encuentro muy útil cuando diseño los vasos con mi equipo. También hice break dancing, y eso te ayuda a aprender a moverte y te lleva a la eficiencia… Todo te influye. + Tu abuelo estaba relacionado con las bebidas...

SK Mis padres son ambos ingenieros, pero mi bisabuelo era el jefe de la destilería Blueberry. Así que mi madre hace esta conexión romántica. Nunca lo conocí, pero cuando cumplí los treinta, mi mamá me dio un hermoso regalo, que era un pendrive con un archivo con las recetas de mi abuelo. Tengo 300 páginas con sus recetas. Fue el regalo más hermoso que recibí en mi vida. Creo que alguna vez estas recetas pueden llegar a ser creadas. + ¿Cuánto influyó tu país, la República Checa, en tu trabajo?

AK Creo que tus raíces te influencian en todo. Una de las cosas que tenemos la gente de Europa Central y del Este, es lo complejo del lugar donde venimos. Cuando estás creciendo, te creés que sos de un país de segundo nivel, y hasta hay gente que no quiere decir que viene de allí. A mí me enseñaron a estar orgulloso del lugar de donde vengo y de todos los productos también. Ahora, veo bartenders de todo el mundo promocionando productos locales. Años atrás, nadie hablaba de los productos checos, a menos que sea de cerveza. Pero ahora hay mucho interés, así que es mi pequeña misión. La primera vez que puse un licor de la región en un trago, no estaba disponible en Londres. Por un año, tuve que traerlo de contrabando. Pero ahora lo importan y es muy popular en los bares de Londres. A veces tenés que empujar, trabajar con otros.

Quizá no sea la manera correcta, pero finalmente sucedió. + ¿Cómo definís lo que hacés, ya que sos más que un bantender?

AK Para mí, saltar de detrás de la barra después de un día largo, es una recompensa, libertad. Las mañanas son de las finanzas, las reuniones de marketing, eventos, todo eso. Suelo ir a East London y, a la tarde, continúo haciendo consultoría y desarrollo de productos.

Cuando llega el horario de ir al bar, trato de evitar a todos, voy directo. Estoy en servicio. Es muy reconfortante, porque es una tarea muy ecléctica. Soy privilegiado porque puedo viajar mucho, y eso me hace feliz. La mayoría de la gente dice que viajar cansa mucho, pero a mí me da como electricidad, saco mucha energía de los viajes. + ¿Qué tan importante son el diseño y la creatividad en tu trabajo?

AK Es una de las razones para hacerlo. Valoro la libertad de creación; no importa el dinero. La creatividad y el diseño no son sólo pensar en los objetos, sino también pensar en cómo funcionan, la composición, cuál es el rol. Desde la idea de que querés ir a ese lugar, los menús, los tragos, los contenedores, el website, hasta el punto en que estás viviendo y viendo cómo fue tu experiencia. + ¿Tenés un método de trabajo?

AK Ser organizado, tener hábitos y procesos que sean bien estructurados. Si no estás organizado, vas a perder mucho tiempo tratando de organizarte vos mismo. Y empiezo con las cosas más sencillas.

Me gusta llegar a un evento donde voy a trabajar y, simplemente, armar los cócteles. Y eso se aplica a todo. Lo mejor es entender tu proceso creativo, verbalizar y organizar tu orden de trabajo. + Le das mucha importancia a los detalles…

AK Siempre dicen que Dios está en los detalles. Al principio, cuando viajaba, me frustraba por no poder ejecutar las cosas como las tenía en mi cabeza. Después, te das cuenta de que hay mucha belleza en las imperfecciones. En los bares hay manchas, en las mesas y en los platitos.

Por ejemplo, mi jefe dice que hay que rediseñar la barra, pero yo le digo que piense en cuántas charlas y experiencias pasaron por esa barra, que la hacen viva. A veces, los detalles son más lindos en la imperfección. + ¿Con cuánta gente trabajás en un proyecto?

AK Depende, varía de proyecto a proyecto. Si es una colaboración, es con un coffee roaster y un barista. Pero si trabajamos en cristalería, hay más gente involucrada. Por ejemplo, cuando trabajamos con las destiladoras, yo sabía adónde quería llegar con mi cerveza y qué hacer, pero la misma gente tuvo que venir y decirme las cantidades a usar, el tiempo de fermentación, etc. Yo no sé de esas cosas, y eso lo hace más interesante. Cada proyecto tiene sus necesidades. Y aprendés en ellos. + ¿De qué experiencias te nutrís e inspirás?

AK Lo consigo de cualquier cosa: puede ser de un perfil de sabores, un licor Tía María, una película, también de los olores y las esencias.

Las mejores son los jabones hechos a mano; muchas de mis combinaciones han sido inspiradas por los jabones. Y a la gente le encanta cuando lo digo. Cuando trabajás con una esencia, la combinás diferente y puede servir para un trago. Cualquier cosa te puede inspirar, pero hay que estar abierto a recibirla. + ¿Recordás cuál fue tu primer cóctel?

AK No en realidad. Aparentemente, probé el alcohol a los cinco años. Cuando los amigos de mis papás venían de visita, hacíamos gin tonic. Y me acuerdo que lo mezclaban bien. De mi primera creación, tampoco me acuerdo… No recuerdo porque no pensaba en ser bartender… Fue una casualidad, lo hice como una necesidad al principio; la pasión llegó más tarde. Es lo que fue. Tampoco tuve un maestro, ya que cambié mucho de países. Quizá, la gran lección fue que mucha gente me mostró cómo no hacer las cosas. + ¿Cuál es la clave para preparar un buen cóctel?

AK Es como una comida, será tan bueno como sean buenos los ingredientes. Tanto si vas a hacer un trago, como un proyecto. Tiene que estar muy bien presentado, ser excitante para los sentidos. + ¿Te gusta enseñar a otros?

AK No sé si soy bueno en eso, pero disfruto si veo a la gente alrededor mío crecer. Leí hace un tiempo que la cosa más hermosa que podés disfrutar es cuando la gente que comienza con vos, se hace más grande que vos. Entonces, ahí está bueno el trabajo. En lo nuestro, el éxito de uno, es el éxito de todos. Hay una unión entre bartenders; somos como una familia. + ¿Próximos pasos?

AK Tenemos lindos proyectos. The Artesian está en su infancia. Lo que estamos logrando es grandioso, pero ahora vamos a ir más rápido. Tendremos proyectos más grandes, colaboraciones, cosas más globales. Estamos en una muy buena posición. + http://alexkratena.com/

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+ Beam Sofa System de Patricia Urquiola para Cassina

Milan Design Week

El diseño que define nuestro paisaje doméstico contemporáneo Del 12 al 17 de abril, la ciudad de Milán se vió invadida por la presencia de grandes marcas, startups, estrellas del diseño y talentos emergentes de todas las nacionalidades, que llegaron para ser parte del evento de diseño más importante del año. Todos quieren estar presentes de la Semana del Diseño más intensa en el mundo, en la ciudad que, gracias a su fuerza creativa, ha logrado ser el hilo conductor capaz de unir todos estos elementos. | Texto: Andrés Carpinelli (*) @andrescarpinell

(*) Andrés Carpinelli es diseñador industrial marplatense, con un máster en design en la Domus Academy. Residente en la ciudad de Milán, se desempeña en el estudio Fattorini+Rizzini & Partners.

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especial 057 Milan Design Week

+ Dream’ Air chair de Eugeni Quitllet para Kartell.

+ Brut Collection de Konstantin Grcic para Magis.

La edición Nº 55 del Salone del Mobile registró el récord histórico de visitas durante los cinco días en que el predio ferial de Rho mantuvo sus puertas abiertas. Cerca de 370 mil visitantes -casi un 70% de ellos extranjeros- y 2400 expositores en 270 mil m² de exposición, no sólo demuestran la importancia que la feria tiene en el plano internacional, sino que son una señal positiva para el sector del mueble, que viene de un período de más de siete años de dificultades, y que empieza a ver los primeros signos de crecimiento.

Kartell se lució con uno de los stands con mayor personalidad en la feria: la instalación “Talking Heads” dejó que los propios referentes del diseño contaran en sus palabras las últimas novedades de productos. Sin duda, la silla “Dream’ Air” de Eugeni Quitllet representa la filosofía de la compañía, que busca crear productos innovadores con una alta dosis de innovación tecnológica en materiales y procesos. Una lámina que surge de la estructura y que se transforma en el asiento, generando la sensación de levitar en el aire. Una silla de inyección de plástico producida a través de un solo molde, y que demuestra el compromiso de Kartell con la búsqueda de innovación en la tecnología de inyección de plástico.

+ Para Cassina, Bertjan Pot diseñó un colorido textil para el icónico sillón Utrecht de Gerrit T. Rietveld.

Uno de los diseñadores que continúa con su prolífica producción es Konstantin Grcic. Este año, algunas de sus intervenciones en Magis, Driade, Classicon y Cassina, dejaron ver la capacidad técnica y la honestidad con la que trabaja en el desarrollo de sus piezas, transformando los materiales más nobles, en piezas de gran carácter y personalidad. La colección de mesas y bancos “Brut” para Magis (realizadas en fundición de hierro) son ejemplo de la atención en los detalles para el desarrollo de productos. La elegancia y ligereza de estas piezas, coherentes con el lenguaje proyectual despojado de estilismos de Grcic, se contrastan con un material pesado y robusto, como es el hierro.

En cuanto a los grandes nombres que cada año logran sorprender, este año -sin dudas- fue el de Patricia Urquiola. La diseñadora española fue designada recientemente directora creativa de Cassina, una de las empresas productoras de grandes íconos en el diseño italiano.

Fiel a su personalidad, Urquiola logró plasmar su visión y estilo femenino rico en texturas y colores, para traer un aire de renovación a una empresa con gran identidad, y que busca renovarse para seguir creciendo. + www.salonemilano.it

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+ Instalación “The Restaurant” de Tom Dixon, en colaboración con Caesarstone. Fotos: Peer Lindgreen

EL FUORISALONE La atención no está puesta únicamente sobre el espacio ferial en el que se organizan iSaloni. Con organizaciones como 5Vie, Zona Tortona, Ventura Lambrate o Brera Design District -que han llevado adelante la planificación en diferentes zonas de la ciudad-, las opciones se multiplican y la oferta de eventos que se organizan en paralelo asciende a más de 700 durante esta semana. El Fuorisalone se consolida cada año como el espacio alternativo para que las marcas que quieren decir presente en la Design Week, puedan hacerlo con el marco de fondo de palacios del siglo XVI o de ex espacios industriales, que sólo la ciudad de Milán puede ofrecer.

Como en los últimos años, una de las exhibiciones que se ha convertido en referencia de Zona Tortona es la realizada por Moooi. Un espacio de 1700 m² que se transforma en un universo de sofisticación, sorpresa creativa y “armonía rebelde”, tal y como se define la empresa holandesa. Este año, la nueva colección presentó 22 nuevos productos, organizados en diferentes sets alrededor de una pista de baile central. ¿La estrella? El sillón “Charleston” de Marcel Wanders que, colocado de manera vertical sobre una base giratoria, transforma un

sillón de dos cuerpos en un sillón individual, ligero y dinámico. Y en este mundo surreal, donde los sillones están de pie, también nos encontramos con las alfombras impresas lanzadas en 2015, pero que continúan evolucionando en calidad, sorprendiendo con diseños tridimensionales sobre una superficie de sólo dos dimensiones.

El diseñador argentino Francisco Gómez Paz desarrolló, junto a la recientemente relanzada empresa de iluminación Astep, la luminaria “Candela”: una elegante lámpara de mesa que utiliza el calor de una llama para generar la electricidad necesaria para encender la luminaria a LED en su interior y, a su vez, gracias a una batería que se recarga a través de la misma llama, permite generar la energía suficiente para cargar nuestros dispositivos. Un producto resuelto hasta en sus últimos detalles, con una lógica de desarrollo sostenible y una dosis de poesía, ya que la técnica de iluminación más antigua y la más moderna conviven en un solo producto.

La instalación de Nendo, “50 manga chairs” (creadas para la Galería Friedman Benda) se trató de una colección de sillas inspiradas en la expresividad del manga japonés; añadiendo pequeños gestos

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+ Charleston chair de Marcel Wanders para Moooi.

+ Instalación “50 manga chairs”de Nendo para la galería Friedman Benda. Fotos: Takumi Ota

a las sillas, les otorgaba un carácter único. El diseñador Oki Sato, director del estudio Nendo, logró transferir con su trazo gestos y emociones al arquetipo de silla lo que, más allá de que pueda resultar un ejercicio banal, nos hace reflexionar sobre la necesidad de crear productos que susciten emociones en la gente.

La presencia de grandes instalaciones de empresas como Nike, Mini, BMW, Microsoft o Lexus durante la semana del Salone del Mobile, es parte de un fenómeno que ha ido consolidándose en los últimos años, y que responde a una fuerte estrategia de comunicación en la que las marcas buscan ser identificadas como “empresas orientadas al diseño. Muchas veces, con presupuestos que las empresas del sector mobiliario no poseen, logran crear instalaciones en escalas que impactan con su monumentalidad, pero que a veces fallan en el intento de comunicar un mensaje con contenido.

“The Restaurant”, la instalación realizada por Tom Dixon en colaboración con Caesarstone, fue una verdadera experiencia multisensorial. A través de cuatro cocinas de cuarzo compuesto, cada una de ellas ofrecía diferentes menús inspirados en los cuatro elementos:

aire, fuego, tierra y aire. El espacio elegido fue la Rotanda della Besana, una iglesia desconsagrada en el corazón de Milán en la que, gracias a su planta en cruz, permitía a los comensales disfrutar de manera casual -y muy relajadamente- de los platos creados para la ocasión. Cada una de las salas estaba equipada con mobiliario y luminarias de la colección Tom Dixon y, gracias al juego de luces, texturas y materiales, lograba estimular todos los sentidos. Mármol, madera, metal, vidrio, hierro, cobre y bronce son el abecedario de materiales que definen el lenguaje de una empresa que ha sabido dar forma a una serie de objetos extraordinarios para el uso cotidiano.

Una edición en la que se vio revalorizada la materialidad como valor agregado de los productos, una búsqueda por crear objetos más honestos y que se “conecten” emocionalmente con el usuario. Un signo de que las tendencias de consumo están cambiando, con un consumidor que se está volviendo ecológicamente responsable y consciente de su impacto ambiental. Aunque la industria a veces no se mueve a la velocidad de los cambios en la sociedad, es capaz de leer los momentos históricos, para crear los productos correctos, que definen nuestro paisaje doméstico contemporáneo. +

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Las tendencias del baño y la cocina Una recorrida por las muestras bianuales Eurocucina y Salón del Baño del Salone del Mobile y los showrooms del Fuorisalone, para descubrir las tendencias en mobiliario, accesorios, grifería y artefactos de dos espacios vitales del hogar. Un mix de materiales, colores, acabados. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

Las cocinas siguen creciendo en espacio y en posibilidades de uso dentro de la casa. Las mesadas son amplísimas áreas de trabajo, que permiten compartir las tareas propias del cocinar (otrora reservadas a la soledad de quien preparaba los alimentos) con el resto de los habitantes del hogar, que pueden simultáneamente ocuparse en otras actividades, o bien acompañar el proceso culinario.

No sólo los olores quedaron en el olvido, gracias a las sofisticadas campanas extractoras que, en diferentes estilos sirven de necesaria luminaria (en el caso de las colgantes), o están totalmente integrados a la pared en forma de apliques. Las eternas mesadas -con disimulados y delicados movimientos- revelan o esconden los utensilios, los pequeños electrodomésticos, abren o cierran cajones y hasta

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especial 061 Milan Design Week

| Fotos: Juan Cavallero www.estudiocavallero.com

ocultan los mismos anafes y hornos. Es de destacar el avance de las tecnologías que desde hace varios años se vienen perfeccionando para agilizar estos procesos y sumar rapidez y silencio al funcionamiento.

Los muebles de cocina pueden ser paneles de distintas texturas que encierran el espacio ocultando zonas de guardado, o adoptar la forma de vitrinas de techo a piso, que dejan ver su contenido. Las texturas varían desde las maderas hasta las piedras, el mármol, el concreto y el metal. Si bien los colores neutralizados son los predominantes, la grifería asume colores y terminaciones novedosas como cromados, cobre y hasta acrílicos, sobre todo en el baño, el sector de la casa que probablemente más variaciones haya sufrido con los años: la versión spa del baño es la más aplaudida, con espacios convenientes para la relajación, espacios de apoyo dentro de las bañeras y muebles auxiliares que amplían las posibilidades de guardado para todos aquellos productos relacionados con el

cuidado del cuerpo.

El equipo de diseño de Novum que nos acompaña, nos da algunas pistas sobre las tendencias que ofrece la feria. Para José Rodríguez (gerente comercial de FV), queda en claro que las duchas son el elemento protagonista del baño: cada vez más grandes, con cascadas y cromoterapia. Pero si bien todas las marcas las ofrecen, es sorprendente que aún no se hayan incorporado al mercado argentino.

Advierte en algunos casos cierto brutalismo en cuanto al tamaño de los accesorios, que son más grandes de lo habitual. Por su parte, el diseñador Juan Cavallero destaca la oferta de accesorios de apoyar: continúa el furor por las bachas, pero apoyadas sobre superficies más amplias, que permiten incorporar la jabonera y otros elementos, facilitando su uso. Para la diseñadora Georgina Pizzabiocche, estas novedades son siempre aplicables a baños espaciosos, ya no para cualquier casa ni cualquier baño, sino para un lugar dedicado al relax personal. +

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+ Container Mocoke de Leko.

SaloneSatellite

Cinco diseños destacados El énfasis de la edición 19 del SaloneSatellite estuvo puesto en los materiales. Los diseñadores de hasta 35 años de edad exhibieron piezas que supieron combinar con inteligencia y armonía los llamados “materiales nobles” (como la madera, el plástico, el metal y textiles) con otros materiales más innovadores. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

De entre éstos, elegimos cinco productos que demuestran por qué el Salón curado por Marva Griffin es el lugar por excelencia adonde acuden los grandes productores del mundo en búsqueda del talento joven que promete.

Philipp Käfer nació en Baviera, Alemania, pero se estableció en Berlín en 2011, desde donde diseña y produce piezas de mobiliario e iluminación de carácter experimental. Su espejo “Interference”posee un pequeño estante a la mitad. El reflejo de la parte inferior varía levemente su ángulo, de modo que al pararse frente al espejo, la

persona verá su rostro en la parte de arriba y los pies en la de abajo. El estante medio y la posibilidad de ver los zapatos son dos características prácticas del espejo que, al mismo tiempo, crea una interferencia: al evitar reflejar la parte media del cuerpo, se crea otra versión del mismo, sin abandonar la veracidad de la imagen. www.philippkaefer.com De los diseñadores Leandro Leccese y Koko Domínguez del estudio Leko -únicos argentinos presentes en el SaloneSatellite, y por segunda vez- el container “Mocoke” es un sistema para el cual de-

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especial 063 Milan Design Week

+ Lámpara Cupallo de David Pompa.

+ Proyecto Bobina de Studio Nito.

sarrollaron un perfil que logra una estructura modulable: sirve tanto de pie, como de contenedor y estantes. Sumando tapicería, los módulos también pueden cerrarse. La propuesta es que el usuario pueda configurarlo según su gusto y necesidades. Aluminio, acero, madera (y eventualmente, textiles) pueden dialogar en este diseño. www.le-ko.com.ar El proyecto “Bobina” de los alemanes Nil Atalay y Tobias Juretzek de Studio Nito se inspira en las bobinas de hilo, sus estructuras y capacidades textiles. Gracias a una técnica de fabricación desarrollada por ellos mismos, logran combinar hilos de algodón de distintos colores para dar vida a muebles de gran estabilidad, como sillas y mesas auxiliares. Su silla Bobina obtuvo el tercer premio del SaloneSatellite Award. www.studionito.com La lámpara colgante “Cupallo” del mexicano David Pompa une dos oficios tradicionales de su país natal: el vidrio soplado y el latón pu-

+ Espejo Interference de Philipp Käfer.

+ Reel Side Tables de David Derksen.

lido. La tapa es de vidrio reciclado, lo que genera una superficie irregular con burbujas de aire pequeñísimas, que dan un cálido efecto lumínico. El estudio David Pompa propone un diseño contemporáneo con fuerte compromiso con la identidad mexicana: “Trabajamos con un espíritu de innovación de la artesanía y materiales, dentro del respeto de su patrimonio”, explican. www.davidpompa.com Desde Róterdam, David Derksen trajo sus “Reel Side Tables”, una interpretación contemporánea del tradicional carrete de cable de madera, tanto en su estética formal como en su construcción. Los tableros de la mesa, bases y columnas vienen cada uno en tres materiales y colores diferentes, por lo que pueden obtenerse numerosas combinaciones. Las partes se ensamblan fácilmente, gracias a un tornillo central. Aluminio anodizado, MDF y latón son algunos de los materiales posibles. + www.davidderksen.nl www.salonemilano.it

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SuperDesign Show

Experimentar el diseño en Milán Es sabido que la propuesta de SuperDesign Show -el principal evento de Zona Tortona durante la Milan Design Weekes la de experimentar sensorialmente el diseño, con la ayuda de música y efectos lumínicos. Nos dejamos atrapar por dos instalaciones que lograron sorprender y conmover con su belleza visual. Al mismo tiempo, destacamos una muestra de diseño chino contemporáneo. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010

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especial 065 Milan Design Week

+ Amorphous installation. Foto: Akihide Mishima

Dos fueron las instalaciones que mayor público convocó SuperDesign Show durante la Milan Design Week. La primera de ellas, “Time is Time” se pregunta qué es el tiempo. Utilizando casi 120 mil mecanismos de relojería Citizen suspendidos en el espacio, el estudio DGT con base en París, ofreció una experiencia nueva de tiempo, invitando a disfrutar el verdadero significado de los pequeños momentos, a través de la contemplación, tanto personal como colectiva.

En la instalación “Amorphous”, AGC Asahi Glass demuestra las cualidades y versatilidad de su finísimo cristal Dragontrail, reforzado químicamente para ser utilizado en los campos de la arquitectura, el interiorismo y diseño de producto. Liviano, flexible y expresivo, fue el principal componente de esta instalación ideada por el estudio Nosigner que, con la ayuda del diseñador de iluminación Izumi Okayasu, se valieron de 5 mil piezas de vidrio dispuestas poéticamente.

ENTRE TRADICIÓN E INNOVACIÓN Decidos a desterrar la idea de que su diseño se basa en la copia, con la muestra “Tradition in Evolution”, los chinos acercaron su filosofía de vida contemporánea, que bien sabe conjugar una cultura milenaria con la más pura innovación. El movimiento desde una forma de vida basada en tradiciones milenarias hacia un estilo más contemporáneo apoyado en innovar, se reflejó en la exposición sobre diseño chino que pudo verse en los pabellones de SuperDesign Show.

Una selección de los mejores diseñadores y las más renombradas productoras chinas de la actualidad, pusieron en evidencia la verdadera creatividad de este pueblo: la tradición devenida en evolución, representa el avance genuino de su cultura. + www.superdesignshow.com

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Las mujeres del diseño italiano en el siglo XX A través de una completa e impecable exhibición, el museo Triennale de Milán presenta una selección de objetos creados por diseñadoras italianas durante el siglo XX. Una de las citas imperdibles de la reciente Milan Design Week, que puede verse hasta el 19 de febrero de 2017. | Texto y fotos: Marcela Fibbiani @marce9010

Con sus sucesivas exposiciones, el Triennale Design Museum intenta responder la pregunta “¿Qué es el diseño italiano?” y ya ha intentado respuestas en el diseño de objetos y el diseño gráfico. En su novena edición, con la muestra “W.Women in italian design”, la curadora Silvana Annicchiarico celebra a las mujeres como la nueva fuerza creativa detrás de una forma de diseño menos prepotente y autoritaria, al mismo tiempo que más espontánea y dinámica.

Durante el siglo XX, los objetos creados por mujeres fueron prácticamente ignorados por historiadores y teóricos del diseño, mientras

que el siglo XXI redescubre las habilidades de tantas mujeres que crean, experimentan, arriesgan y aceptan el desafío de crear desde su sensibilidad y creatividad. Este recorrido fue representado espacialmente por Margherita Palli, utilizando la metáfora de un río que agrupa los objetos cronológicamente y según su funcionalidad.

Con esta muestra, el Triennale Design Museum se cuestiona si esta nueva afirmación de las mujeres demostrará ser uno de los aspectos principales del “diseño después del diseño”. + www.triennale.org

+ No tan dóciles

serie fotográfica

Naturaleza fugaz por Nico Pérez Las obras que se muestran son el resultado de sucesivos viajes de Nico Pérez a diferentes puntos selváticos de Misiones, como El Jardín de los Picaflores (en Iguazú) y San Sebastián de la Selva (Andresito).

En estas obras, “el objetivo era realizar fotos de alta velocidad, para captar en una toma el despliegue de los movimientos de las aves, que son imperceptibles a nuestros ojos. Y para congelar estas acciones de la naturaleza, la técnica que aporta y utiliza Pérez es la velocidad del destello del flash de baja potencia. A este eje técnico, se suma la utilización de fondos elaborados previamente. Y en una conjunción de oficio, artificio, sensibilidad compositiva, lenguaje plástico, es con esos elementos que el artista construye escenografías y escenas, cuyos guiones son producidos por el azar de la naturaleza. Es así que en cada foto, queda plasmado un mundo nuevo y fantástico, de colores soñados de presencia pregnante y brillante, de variaciones sutiles y detalles sorprendentes, de minuciosidad encantadora. Sus protagonistas son estáticos, y a la vez sumamente dinámicos, llenos de intenciones e historias”, explica la Arq. Olga Correa, a propósito de la serie “Naturaleza fugaz”, que se expuso en dos oportunidades: en el Centro Cultural Leonardo Favio en 2014 y en la Galería Maggio Boutique en 2015.

Nico Pérez nació en Buenos Aires, en 1972. Fotógrafo y artista visual, es un apasionado por la naturaleza desde la infancia. Recibido en 1997 de la EDAF (Escuela de Arte Fotográfico), ha estado tomando fotos por más de veinte años, sobre todo en el campo de la fotografía editorial y publicitaria. Cuatro de sus historias especiales fueron publicadas en National Geographic Argentina.

Desde el año 2013, está realizando un trabajo personal, que fusiona la fotografía de naturaleza y la iluminación de estudio. Es una búsqueda incesante de pequeñas historias, intentando captar la intimidad del momento, instantes fugaces de acción y donde la composición, junto con climas fantásticos de luz, juegan un papel protagónico.

Con sus fotos intenta hacerle justicia a la naturaleza, mostrar su increíble biodiversidad, sus diferentes formas, ansiando captar esos instantes mágicos, pequeñas historias que se consiguen con mucha observación y paciencia. Desea inspirar y mover a las personas a cambiar su comportamiento respecto de la naturaleza y tomar acciones para asegurar que los ambientes naturales y la vida salvaje persistan. Actualmente, Nico Pérez se encuentra trabajando en varios proyectos, entre ellos, uno de criaturas de hábitos nocturnos. + www.nicolasperezphotography.com

+ Compañeros. Foto: Nico Pérez

+ El secreto. Foto: Nico PĂŠrez

+ El nuevo arcoiris. Foto: Nico PĂŠrez

+ Entre ojos. Foto: Nico PĂŠrez

+ Acr贸batas. Foto: Nico P茅rez

+ Sorpresa y polen. Foto: Nico PĂŠrez

074

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Carlos Rolando Precisión infinita

El pasado 3 de febrero falleció uno de los diseñadores argentinos con mayor impacto en la calidad del diseño iberoamericano. Su aporte amplió las respuestas gráficas y la teoría de la profesión, hasta convertirlas en hitos de la precisión comunicativa y el buen gusto. | Texto: Wustavo Quiroga

clásicos contemporáneos

+ 075 diseño

+ Packaging para cigarrillos de marihuana.

ARGENTINA Y EL MUNDO EN LOS PUERTOS AUSTRALES Carlos Rolando nació en 1933, en el seno de una familia de inmigrantes, y en un barrio bajo del puerto de Rosario. Escenario de la mafia portuaria y la cultura europea de quienes arribaban al país en busca de una oportunidad, seguramente, el contexto donde pasó su infancia colaboró con su posterior capacidad para adaptarse a los terrenos más desconocidos. Y fue su padre -artista comercial y realizador de litografías para avisos publicitarios y etiquetas-, el que le imprimió de pequeño un oficio que supo elevar al nivel de los grandes maestros del diseño.

De joven y ya como estudiante, presenció la renovación de la Facultad de Arquitectura de la Universidad del Litoral, cuando ingresaba el movimiento moderno, y se replanteaban los modos clásicos de resolver la planificación. Por ese entonces, sus referentes eran Carlos Méndez Mosquera, Alberto Le Pera y Gastón Breyer.

Uno de sus primeros trabajos, como gráfico del Departamento de Diseño de la UNL, se plasmó en la revista “Arquitectura y Planeamiento” (A&P), testimonio de la transformación intelectual de la ciudad de Rosario. Al mismo tiempo que estudiaba pintura y tipografía, con su amigo Jorge Vila Ortiz –creador en 1962 del Instituto de Diseño Industrial (IDI)– realizaron fotografías y cortometrajes experimentales.

Poco tiempo después, se trasladó 300 kilómetros para llegar a

la capital del país. Desde Buenos Aires, participó como director de arte en Agens, la agencia cautiva de la empresa Siam Di Tella y donde convergieron poetas, artistas, arquitectos, diseñadores.

La agencia le permitió trabajar con grandes creativos y aprender sobre la relevancia del mensaje en la publicidad. Su gran aporte se visualizó en el cambio de estrategia de la marca y el impacto comunicativo de los avisos.

Trabajó como segundo responsable de arte en Editorial Abril, empresa que realizaba ocho revistas en simultáneo –entre ellas, Claudia, Claudia Casa, Panorama, Corsa–. Influido por las novedades de su época, las vanguardias artísticas, las experimentaciones tempranas con LSD y el psicoanálisis, realizó también proyectos gráficos para distintos ámbitos de la cultura, como portadas de longplays para el sello Trova, o afiches para obras de teatro y exposiciones.

A causa de un nuevo giro brutal en la política del país, fueron varios los talentos que comenzaron a migrar. Y Rolando no fue la excepción. En 1966 decidieron irse a Europa, junto a su compañera Susana Casalucci. Brillante artista rosarina abocada a la producción textil, fue la madre de sus dos hijos. De esta manera, la “familia Rolando” (como solían firmar las tarjetas de fin de año) había emprendido la búsqueda de un mejor lugar para crear y vivir, y comenzar así un nuevo capítulo en su propia historia.

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+ Campaña genérica. Indistinto a la temporada o al modelo, el mensaje sigue siendo zapatos Camper.

+ Camper spring, 1990.

ESPAÑA, LA OPORTUNIDAD FRENTE AL CAMBIO Si bien Rolando viajó con la idea de instalarse en Londres, atraído por la contundencia de su cultura gráfica y con la posibilidad de ingresar a Pentagram, evaluó que lo mejor sería trazar su camino.

Y aunque pasó por Madrid, fue en Barcelona donde encontró el lugar propicio para quedarse.

Loca, Daniel Melgarejo. Actualmente, la pieza forma parte de la colección del Museu de Disseny de Barcelona y está expuesta en la muestra permanente “El diseño gráfico: de oficio a profesión”.

Al poco tiempo de llegar, ganó el concurso del afiche para Barbarella, la primera megadisco española. La silueta en negro de una figura femenina se complementaba con una sección donde podía verse un ombligo realista a color. Esta sutil operación gráfica, le otorgaba sensualidad y discreción a una imagen que debía aparecer para un público joven en pleno franquismo. Ese premio le dio amplia visibilidad entre sus colegas.

En 1980, se asoció con Frank Memelsdorff , con quien había trabajado años antes en Agens, para formar la agencia Rolando-Memelsdorff. Carlos fue el director de arte y Frank, el responsable de gestión. Ese estudio albergó a más de treinta creativos bajo la tutela de Rolando. Bajo el título “Diseño: imagen y empresa”, su vasta experiencia fue editada en 1984 en el famoso libro amarillo pionero en hispanoamérica en desarrollar la imagen corporativa de manera teórico-práctica.

Durante el primer período -y con trabajos de identidad gráfica, envases, campañas publicitarias y diseños editoriales-, Rolando demostró su versatilidad para el oficio en agencias pioneras en la publicidad española. Carvis, Lluís Bassat y Joaquín Lorente fueron sólo algunas de ellas. Con MMLB, diseñó la exitosa campaña de recaudación de fondos para el nuevo Hospital San Juan de Dios.

El cambio de dinámica global que comenzaba en los años 80 con la aparición de multinacionales, siguió con las macro-agencias publicitarias. En 1993, la posibilidad de venta de R&M a Minale&Tallerfield, con la obligación de exclusividad creativa del rosarino, terminó de manera irreconciliable con la dupla. Fiel a su cualidad constante de interpelar la realidad y reinterpretar el funcionamiento social de las cosas, Rolando decidió fundar su propio estudio: “Design Consultancy”.

Como Barcelona no contaba con estudios de diseño y el diseño gráfico aún no se profesionalizaba, Carlos decidió crear el suyo y albergar, entre otros creativos, a los argentinos que migraban durante esos años. Una de las piezas de autopromoción considerada un ícono de la cultura gráfica española fue el póster “Un dromedario es un galgo diseñado por un comité”, ilustrado por el artista de la vanguardia porteña e integrante de La Manzana

Muchos casos ilustran su genialidad, como aquel pedido de un folleto promocional de bolsas para basura, donde detectó que el producto de venta era la limpieza y terminó en un cambio de identidad empresarial que incrementó del 3 al 32% el segmento de mercado. Otra operación memorable fue la elaborada desde 1975 para Camper, una compañía que logró ser líder en el mercado del calzado, basándose en la identidad y el diseño de productos. La

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+ Diseño: empresa e imagen

+ Revista A&P. Rosario, 1963.

estrategia consistió en crear una marca internacional con gráficas que evitaran representar un calzado particular o un modelo: no había uso de fotografías, sino ilustraciones de ideas que afianzaban la relación con el seguidor.

la mayor distinción otorgada en España por los aportes realizados a la cultura del país ibérico. En 2011, recibió el CdC de honor del Club de Creativos y, un año más tarde, el Premio Laus honorífico, otorgado por el FAD.

Empresas históricas y nuevos emprendimientos; amigos, instituciones y entes de gobierno; productos y eventos; cada cual fue resuelto con su propia lógica, con un estilo gráfico diferente. Evax, Roca, Fagor, Maremagnum, Cha chá, La Compañía General de Sandwiches, Bocatta, Dry Martini, feria ARCO, Expo Sevilla 92, Best Pack, Bilbao Metropoli, Revista Freudiana. Enumerar todos los casos que Rolando resolvió de manera magistral no es una tarea fácil.

EL TIEMPO COMPRENDE Definir a Carlos como diseñador es una visión mezquina: fue pintor, escultor, fotógrafo, publicista, hombre de negocio, teórico, sociólogo, filósofo, estratega, amigo. Adelantado, fue un experto en encontrar respuesta a problemas que aún no terminaban de formularse. Su virtud era la de entender la esencia de cada circunstancia y lograr una solución a la medida.

El libro “Seis diseñadores argentinos en Barcelona”, editado por Santa & Cole en 2006, rinde homenaje a los profesionales que migraron a España entre el 60 y 70, en búsqueda de un espacio fértil para su creación. Alberto Lievore, Jorge Pensi, Mario Eskenazi, Ricardo Rousselot, América Sánchez y Carlos Rolando en Barcelona, al que podría sumarse Juan Gatti en Madrid, son una parte ineludible del auge del diseño en España. Ahí, Norberto Chaves, autor del libro, encuentra una de las mejores definiciones para Carlos: “Llega a su oficio casi huyendo del aburrimiento”.

Rolando es y será considerado un gurú de la publicidad y el diseño gráfico. Su legado profesional abarcó, además, la enseñanza a varios profesionales que transitaron por su estudio y aprendieron el valor y contundencia de las ideas. Reconocido con cientos de premios y homenajes, en 2005 recibió el Premio Nacional de Diseño,

Hace varios años planificaba su libro, un contundente compendio de materiales y reflexiones que revelan la obra de uno de los diseñadores más visionarios y acertados de nuestro tiempo. Planteaba que el origen de las cosas es la clave para comprender su destino.

Por ello, aceptó formar parte del fondo patrimonial de diseño argentino I-D-A, en el país de donde provenía su historia.

Se retiró de la vida de manera limpia y expresa; una acción difícil de comprender, pero admirable. Días antes, al preguntarle sobre el futuro, respondió: “Las máquinas hacen todo, menos tener sentimientos. Lo único que nos va a salvar como humanidad es el amor”. Su existencia está llena de elegancia, de aprendizaje, de grandeza. Sin dudas, disfrutó de estar acá y allá. Y, en ambos lados, su tránsito le dio más sentido a nuestro entorno. Por todo esto, al gran Maestro: gracias. + www.crolandodesign.com

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+ Chevrolet Tracker

El mapa de los SUVs chicos La categoría de los utilitarios deportivos chicos es una de las de mayor crecimiento en el mercado. Su buena recepción incentivó a que prácticamente todas las terminales quieran tener un exponente para competir. Conocelos en este informe. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Seguramente nadie había imaginado, ni siquiera Ford, que cuando allá por el año 2003 apareció aquella fusión entre un auto de ciudad y una pick up que ellos bautizaron EcoSport, iba a tener tanta cabida en nuestro mercado. Viendo tal repercusión, el resto de las marcas no tardaron en salir al cruce con sus propios modelos con la misma propuesta: fusionar dos segmentos en un uno. En esta nota, un recorrido por una de las categorías que más viene creciendo en nuestra industria y de las estrategias que cada marca aplica para poder destronar a quien reina desde varios años en el segmento.

FORD ECOSPORT Como lo adelantamos, la categoría de los denominados utilitarios deportivos chicos para el off road “light”, fue concebida por Ford hace trece años atrás. ¿El resultado de su éxito? Proponer una alternativa más económica y versátil para todos aquellos que anhelaban llegar a una pick up. En la actualidad, se comercializan en diez versiones diferentes, con dos opciones de motorizaciones: 1.6 Sigma de 110 CV y un 2.0 Duratec de 143 CV. Todas las versiones están basadas en aquel rediseño que recibió en el 2012, y que hasta el momento le sigue sirviendo para conservar la punta de la categoría.

Fue el modelo de la marca donde el gen del Kinetic Design más pulgares arriba recibió, y es por ello que hoy sigue vigente. Entre sus rasgos más fuertes, se destaca la amplia grilla frontal, con ópticas delanteras afiladas y luces de posición de LED. Lateralmente, sobresalen las barras de techo, la línea de cintura ascendente y las llantas de aleación de 16 pulgadas. Desde atrás, se impone la rueda de auxilio colgada del portón y el diseño de ópticas que lo invade.

RENAULT DUSTER Fue la primera en salir al cruce a la solitaria EcoSport en el año 2011. La última reacción que tuvo la marca para actualizarla, fue a principios del año pasado, y se encarnó en la Duster Fase 2. Una nueva edición que principalmente le dio un toque más actual a su estética, que ya había quedado desfasada. Así, incorporó nuevos juegos ópticos delanteros -le otorgaron otra mirada- y traseros. Estos últimos incorporaron luces LED. Adentro, sigue siendo uno de los SUVs chicos más sobrios, donde lo más “tecno” es su pantalla táctil Media Nav con GPS, que ahora ganó algunas nuevas funciones, entre ellas, la cámara de marcha atrás (sólo en las versiones más equipadas). Nada se le puede objetar al amplio espacio de sus plazas traseras y a la gran capacidad de su baúl (400 litros), características que mantienen de la anterior generación. Conserva las dos motorizaciones habituales: nafteras de 1.6 litros de 110 CV y la mayor de 2.0 litros, que ahora dispone dispone de 143 CV (antes, 138). Esta última, se equipa con caja manual de 6 marchas y guarda la manual de 5 para el propulsor más chico.

CHEVROLET TRACKER Por tener prácticamente las mismas proporciones que la exponente de Ford, se ganó el apelativo de “la anti EcoSport”. Es una de las de aspecto más “fortachón”, con sus pasaruedas bien marcados y una línea de cintura elevada. Puertas adentro, su estilo es muy agradable, y se destaca su pantalla de 7 pulgadas con el sistema My Link, una solución táctil que sirve para comandar el audio y algunas conexiones, como la del celular. No dispone de navegador satelital,

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ideas creativas 079 vehículos

+ Jeep Renegade, Peugeot 2008, Honda HR-V y Renault Duster Fase 2.

pero sí de cámara de retroceso. Actualmente, se comercializan tres versiones (dos de tracción simple -una con caja manual de 5 y otra con caja automática de 6 marchas- y una con caja automática de 6 marchas y tracción integral), todas ellas impulsadas con un motor 1.8 naftero de 16 válvulas y 140 caballos de fuerza (el mismo que equipa al Cruze).

la 1.6 de 16 válvulas y 115 CV (asociada a una caja manual de 5 marchas). Le sigue el 1.6 16 v turbo THP de 165 CV, con una caja manual de 6 marchas. Al igual que la Honda HR-V, no dispone de 4x4, pero sí cuenta con el sistema Grip Control (sólo en la versión Sport, la tope de gama), con el cual se puede mejorar la tracción, en terrenos como la nieve, barro y arena.

HONDA HR-V Irrumpió en el segmento el año pasado, y su llegada hizo ruido. Es que con su perfil que intenta imitar a un cupé (mantiene los picaportes traseros escondidos), es la más elegante y deportivas de todas.

Se ofrece con un motor naftero 1.8, con 140 CV. La caja es manual de 6 velocidades o automática CVT, y su versión tope de gama (EXL) cuenta con levas al volante y 7 marchas preprogramadas. Se ofrece sólo en versión 4x2, de modo que la marca lo define como Crossover, aunque compite de lleno en esta categoría de SUVs, con las versiones que no presentan tracción integral. Un dato a destacar es que tiene control de estabilidad (ESP) de serie, frenos a disco en las cuatro ruedas, asistencia al arranque en pendiente y freno de estacionamiento eléctrico. Hace poco, la marca sumó una opción intermedia entre la LX y la EXL. Se denomina EX, y se ofrece sólo con caja automática CVT. Por otro lado, desapareció la versión de entrada a gama con caja manual.

JEEP RENEGADE Se trata de la primera SUV chica de la marca Jeep, y es el primer Jeep fabricado en Brasil. Pese a estas diferencias de sus hermanos norteamericanos, su estilo off road está muy presente. Así lo evidencia su “mirada”, conformada por faros en forma redondeada y su eterna e inconfundible parrilla de 7 barras. También conserva su carrocería cerrada; en esta oportunidad, con trazos más modernos.

De momento, está a la venta únicamente la versión Sport con el motor naftero 1.8 E.torQ de 132 CV, con caja manual de 5 y tracción delantera. Se espera un naftero más potente (184 CV) y el eficiente MutliJet 2.0 16 V turbodiésel de 170 CV. Esta última motorización llegaría asociada a una inédita caja automática de 9 velocidades y doble embrague (con levas al volante), además de ofrecer diferentes soluciones para el off-road, como el Active Drive Low (simula la función de una caja reductora) y el Select terrain (mejora la estabilidad y tracción dependiendo del terreno). +

PEUGEOT 2008 Se lanzó el pasado mes de marzo, llegó con ansias de escalar rápidamente posiciones y para ello, propone soluciones más bien emparentadas con el lujo que con el mundo off road. Así, mientras que en la mayoría de los aventureros prevalecen los guardabarros ensanchados, los plásticos negros en las zonas más expuestas y algunos modelos -incluso- llevan colgada en su portón trasero la rueda de auxilio, el 2008 recurre a líneas más redondeadas y puras, detalles cromados y, en las versiones más caras, dispone del “techo cielo”.

Está concebido sobre la plataforma del 208 y puertas adentro, reitera el puesto de conducción tipo i-Cockpit del hatchback. Esto es, un volante de diámetro más chico que lo normal, con un tablero de instrumentos ubicado por encima del aro de la dirección. La calidad de sus materiales está por encima de la media de la categoría. Se ofrece en dos motorizaciones, ambas nafteras. La menos potente es

+ Ford EcoSport

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+ Encuentro Único de Ignacio López Arambarri, 1er premio.

+ Expresión Única de Clara Quinteros, 2do premio.

Los ganadores del Concurso Arte Único 2015 Tres fueron los afiches ganadores de la octava edición del Concurso de afiches Arte Único. Sus autores nos cuentan quiénes son, por qué les interesó participar del certamen, y en qué se inspiraron para crear las obras elegidas por el jurado.

La octava edición del Concurso Arte Único organizado por Fernet Branca fue más federal y convocante que nunca. Los ganadores se conocieron en noviembre pasado, durante un evento en el MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires), con la presencia de los artistas seleccionados, los miembros del jurado, representantes de Fernet Branca e invitados. Las 22 obras finalistas fueron expuestas durante la celebración y ya forman parte de la Muestra Arte Único 2016.

Tres de las obras fueron premiadas por el jurado integrado por Enrique Longinotti, Florencia Battiti, Ana María Battistozzi, Cristian Turdera y Urko Suaya. A su vez, se entregaron 4 menciones y 15 obras quedaron seleccionadas. Una nueva oportunidad de reconocimiento para los jóvenes artistas argentinos. Ignacio López Arambarri se llevó el primer premio de $ 24.000, Clara Quinteros se hizo con el segundo por $ 18.000 y Gabriel Salvador Balbinot se adjudicó el tercero por $ 12.000. Los tres vienen de ciudades distintas de la Argentina, poseen diferentes formaciones y desarrollos profesio-

nales, pero se vieron atraídos por la convocatoria de Fernet Branca, y coinciden en que el premio es un gran incentivo para sus carreras.

LA IMPORTANCIA DEL ENCUENTRO Ignacio López Arambarri es diseñador gráfico, egresado de la Escuela Superior de Artes Visuales de Bahía Blanca, un instituto de formación terciaria dependiente de la Provincia de Buenos Aires. Su experiencia profesional incluye el paso por agencias de publicidad y diseño, hasta llegar a la Unidad de Comunicaciones del INTA en Bahía Blanca, donde trabaja actualmente.

Desde 2011, decidió volcarse hacia la ilustración, técnica que empleó en su afiche ganador del primer premio del concurso. “En primer lugar, realicé varios dibujos a mano alzada para definir la idea. Para mí, esto es fundamental antes de hacer cualquier cosa en la computadora. Luego escané todo y lo pasé a la máquina para dibujar en vectores, y lograr figuras planas y definidas. Por último, pasé todo a Photoshop, para dibujar los tatuajes y darle volumen a las formas, utilizando luces y sombras”.

ideas creativas

+ 081 arte

+ Maridaje Único de Gabriel Balbinot, 3er premio.

+ Los ganadores de Arte Único reciben sus premios.

La importancia del encuentro entre dos personas al momento de tomar Fernet Branca es la imagen que eligió retratar Ignacio en su obra: “Además, quise explotar este concepto de encuentro desde el punto de vista de la igualdad, intentando evitar el lugar común en el que caen muchas marcas de bebidas alcohólicas, de relegar a la mujer a un rol casi de adorno. En este caso, ella es una protagonista fundamental e imprescindible del diseño. Está brindando con su compañero (no está sirviéndole); están disfrutando juntos de este encuentro”.

BRANCA COMO APERITIVO El tercer premio fue para Gabriel Salvador Balbinot, licenciado en publicidad y director de arte. Para su afiche “Maridaje único”, se inspiró en la obras de naturaleza muerta y en la esencia de Fernet Branca como aperitivo, para lo cual se valió de la fotografía, la composición y el retoque digital. “Me parece que, además de ser lindo esteticamente, capta una parte del universo de Fernet Branca, como es la reunión de amigos, lo gastronómico y lo simbólico de la pieza”. + www.arteunico.com.ar

LA SEGUNDA ES LA VENCIDA Es la segunda vez que Clara Quinteros participa del Concurso Arte Único. La primera fue en 2010, en la edición bicentenario, cuando formó parte de la selección que integró la muestra itinerante. Este año, le sedujo la posibilidad de “trabajar un buen rato para mí, y no sólo para clientes, algo que a veces se hace difícil con el ritmo diario de trabajo”. Y ganó el segundo puesto. Diseñadora gráfica freelance, es egresada del Instituto Superior de Diseño Aguas de la Cañada y diplomada en Planning y Creatividad Publicitaria en la Universidad Siglo XXI de la ciudad de Córdoba.

Sirviéndose de la ilustración digital, quiso representar en su obra “el uso popular de la palabra y la forma en que los consumidores nos fuimos apropiando de ella a lo largo del tiempo. Me imaginé un pedido al barman o al mozo (o yendo un poco más atrás, a un cantinero), y fue por eso que la resolución gráfica tiene una estética retro que, con un código simple y el foco puesto en la palabra tal cual la pronunciamos, busca no sólo el impacto visual de quien la enfrenta, sino también, la asociación mental y la proyección de su significado cultural/popular”. La síntesis de los afiches alemanes de comienzos del siglo XX, así como la resolución tipográfica y el tono humorístico de los afiches de los años 50 fueron sus fuentes de inspiración.

+ El jurado: Urko Suaya, Florencia Battiti, Enrique Longinotti, Ana María Battistozzi y Cristian Turdera.

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Realidad virtual

Una montaña rusa de emociones Fue la estrella en Barcelona, durante el Congreso Mundial de Móviles 2016, y todo indica que en los próximos años tendrá un papel preponderante en la informática personal (y no tanto). La realidad virtual viene con todo y parece ser la gran apuesta de las empresas de tecnología. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

+ Sony PlayStation VR

La realidad virtual es un mundo digital en el que nos metemos usando un casco (o unos anteojos) para verlo, y un mando para interactuar con él. Si en un videojuego realista (o en una película animada) vemos esa realidad inventada a través de una ventana, aquí estamos adentro. Es una experiencia inmersiva: el usuario tiene la sensación de estar ahí, en ese mundo virtual: los anteojos, que detectan su movimiento y cómo cambia su punto de vista, son clave para lograr esa sensación de realidad, porque no importa dónde uno mire, tendrá alrededor algo digital de ese entorno.

Si bien al principio el uso estaba pensado para el mundo del entretenimiento y especialmente el de los videojuegos, cada vez se exploran más posibilidades como el aprendizaje, la medicina, la arqueología, el arte, el entrenamiento militar y de vuelo. También es importante diferenciar la realidad virtual de la llamada realidad aumentada.

Mientras en la primera el usuario se introduce en otra realidad, en la segunda, se interactúa con el mundo real a través de un dispositivo tecnológico, directa o indirectamente, que crea algo mixto. La típi-

ca: un anteojo (o una pantalla, una cámara, una ventana) que superpone en forma dinámica, sobre un objeto real, información digital.

Es decir que se añade (se aumenta) el mundo real con información, pero no se sustituye la realidad física: no hay intención de esconder lo real, sino de complementarlo.

El CINE: DEL 3D A LA VR En Ámsterdam, por ejemplo, existe una sala de cine en la cual la verdadera estrella es la realidad virtual. La sala no tiene pantalla y en lugar de butacas, hay cómodos sillones que permiten a los espectadores girar 360° sobre sí mismos. La sala, para 50 personas, pertenece a la cadena Samhound Media. Los espectadores usan anteojos Galaxy Gear VR con un Galaxy S6 en su interior; el teléfono aporta la pantalla, el procesamiento de las imágenes y la detección de movimientos (cuando el usuario mira para un lado o para otro).

El anteojo de plástico tiene dos lentes para acercar la imagen y un borde acolchado para aislar la imagen virtual del entorno real.

El audio está a cargo de los auriculares Sennheiser. Las funciones

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ideas creativas 083 tecnología

+ LG-360VR, HTC Vive, Samsung Gear y VR Oculus Rift

cuestan 12,5 euros y duran media hora. Por ahora, ofrecen películas breves (experimentales) y documentales especialmente creados para estos dispositivos. Muchos apuestan que -tratándose una ciudad como Ámsterdam- el porno no tardará en llegar a estas particulares salas.

UNA MONTAÑA RUSA DE EMOCIONES Más allá de que uno de los primeros videos VR que salieron es una montaña rusa, un parque de diversiones de Atlanta decidió llevar la experiencia un paso más allá. Se trata del parque de diversiones Six Flags, que se unió a Samsung para crear una montaña rusa tradicional con un agregado: los pasajeros suben con anteojos de realidad virtual. Al igual que en el cine de Ámsterdam, los anteojos utilizados serán los Gear VR. En una primera etapa, serán nueve montañas rusas que utilizarán las gafas Gear VR: seis totalmente nuevas con el nombre de “The New Revolution” estarán fabricadas específicamente. Las otras tres, serán experiencias adaptadas a montañas rusas ya existentes, con temática de Superman. Los movimientos, giros, curvas y subidas estarán acompañados por un nuevo escenario sincronizado con estos movimientos, el que verán los pasajeros en las pantallas de las anteojos. Las temáticas de “The New Revolution” irán desde una batalla futurista para salvar la Tierra de una invasión alienígena, hasta las de Superman, en las cuales el público volará sobre Metrópolis para derrotar a Lex Luthor.

MÁS ALLÁ DEL ENTRETENIMIENTO Son muchos los usos que se están encontrando para la realidad virtual, y que no se relacionan con el entretenimiento. En educación, por ejemplo, la posibilidad de sobrevolar un cordón montañoso y poder acercarse a un punto específico, puede ser mucho más eficiente que sólo ver un dibujo. En medicina, los usos son variados: desde el entrenamiento para cirujanos hasta el uso terapéutico, en especial, para pacientes que han sufrido lesiones cerebrales. La firma suiza MindMaze, por ejemplo, está combinando la realidad virtual con la neurociencia, para desarrollar tratamientos virtuales. HTC parece ir por el camino de la medicina, para usar esos anteojos para la formación de estudiantes de medicina y reducir el coste del uso de cadáveres, junto a la universidad de Los Ángeles. También se está trabajando en terapias del manejo del dolor: el paciente se concentra en las imágenes de realidad virtual y mantiene a su mente alejada del dolor físico. En concreto, la Universidad de Washington está experimentando con un juego que consiste en arrojar bolas de nieve a pingüinos.

HTC Vive es más sofisticado que la solución de Samsung, ya que

permite pararse, caminar, agacharse y hacer sentadillas. Y tiene dos mandos que pueden usarse para manipular objetos virtuales. La inmersión es tal, que el casco cuenta con una cámara frontal que ayuda con la desorientación, e impide que el usuario se choque contra las paredes en el mundo real, mediante la visualización de un aviso en el juego. El casco también tiene sus propias pantallas, micrófono y parlante, pero requiere una PC poderosa para funcionar.

EN CASA TAMBIÉN Más allá de estas experiencias, la realidad virtual puede disfrutarse en cualquier momento y lugar. Ya sea que se quiera usar para videojuegos, o simplemente para ver imágenes con distintas duraciones.

Los anteojos de realidad virtual varían en costo y sofisticación: desde las Google Cardboards hechas en cartón (que incluso, cuentan con un tutorial para hacerlas en casa), pasando por las de Samsung y la flamante apuesta de LG (unos anteojos que se vinculan con su teléfono LG G5), hasta los equipos más completos como las Oculus Rift de Facebook o las Sony Playstation VR. EL CHICHE DE LOS GAMERS Sin duda, en el mundo de los videojuegos, la realidad virtual es un hit. Y aunque muchos aseguren que después de jugar un buen rato con las gafas sufren mareos y algunos dolores de cuello, la experiencia inmersiva bien lo vale. Además de HTC, el proveedor insoslayable es también el pionero: Oculus, con sus Rift. Como HTC, Oculus ofrecer unos anteojos con pantallas internas (también de resolución 2K) y debe estar atado a una PC para funcionar. Ambas permiten 110º de ángulo de visión dentro del mundo virtual, pero mientras las HTC Vive son capaces de detectar (con unos sensores externos) una zona de más de 20 metros cuadrados para que se mueva el usuario, las Oculus Rift se circunscriben a unos 5 metros cuadrados.

Como tercero en discordia está Sony con su Playstation VR, que sólo requiere una PS4 para funcionar. Estará en el mercado en octubre próximo. Además de las gafas propiamente dichas, se requiere tener la PS Camera, que trabaja con una serie de paneles LED que se iluminan y permiten que el seguimiento del movimiento de la cabeza sea lo más preciso posible. Los controladores de la consola pueden ser aprovechados, pero Sony podría estar desarrollando sus propios mandos de realidad virtual. Una virtud de esta solución es que todos los juegos para PS4 son compatibles. En el caso de Oculus y HTC, tienen una oferta que se va completando, pero que es menor. A la vez, los juegos de HTC y Oculus son específicos para meterse de lleno en la realidad virtual. +

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+ Nous Etudions

El denim en BAFWeek Una mirada rasante a las colecciones presentadas en la semana de la moda local y sus propuestas en denim para la próxima temporada invernal. | Texto: Alejandro Ogando @OgandoA Fotos: Diego De Marco para Triplab www.triplab.com.ar

Al parecer, el denim en esta temporada se lleva como un tejido que aporta una combinabilidad indiscutida para el armado de conjuntos.

Así, se lo vio combinado con una camisa blanca, con un sweater de tejido artesanal, una capa de lana, o acompañando un clásico saco sastre. El denim sería, entonces, el compañero ideal, dejando sólo para los fanáticos el total look del tejido más democrático.

en el shopping Alcorta, con una exclusiva fiesta londinense, donde mostró una colección en la que el denim acompañó a la perfección outfits sastreros, con tipologías como el mono en black denim, o con básicos cinco bolsillos en índigo intenso, que dejan los bajos con una terminación raw; ruedos que se cosen y luego descosen, y un largo final que da por encima del tobillo.

Vitamina fue la encargada de la apertura oficial de la edición otoño-invierno 2016 de BAFWeek, la noche del jueves 25 de febrero

Lee -que se presentó por primera vez en BAFWeek-, expuso una colección inspirada en el movimiento de gente creativa, inquieta

ideas creativas

+ 085 moda

+ Garçon García

y desinhibida, con tres estéticas bien definidas: Sporty, Military y Rock, con una gran variedad de calces y lavados, en una paleta de tonos claros, con gran reminiscencia al grunge para las tipologías características del denim. La marca duplicó su debut, presentando “Cooperatio”, una cápsula de 25 prendas que diseñó Jessica Trosman, con la intención de revolucionar las clásicas prendas denim de la marca a través de parches, recortes que dan bloques de color, procesos de engomados y degradés de color. Chaquetas con prints, tachas, ojalillos y cuero. Una paleta de color de diferentes tonos índigo en combinación con negro, blanco y gris, más una estampa realizada en colaboración con el artista Luis Ropero, hicieron de la propuesta una de las más llamativas y jeaneras de la temporada.

Por su parte, Nous Etudions presentó entre sus pasadas, un básico cinco bolsillos en un azul más eléctrico, de silueta skinny, que combinó con unas “thigh high boot” con puntera de vinilo, que subían muy anatómicas hasta el muslo, y simulaban un bloque en color negro sobre la prenda. Mostró un solo outfit de total look denim black, y dejó para el cierre un ejército de mujeres que pasaron el mismo básico cinco bolsillos de silueta skinny, en distintos lavados que iban del clásico stone wash, hasta bajadas de color que daban celestes cielo, sin ninguna abrasión manual de lavandería: todos combinados

+ Vitamina

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+ Lee by Jessica Trosman

con remeras básicas blancas y botinetas de vinilo en color amarillo, salpicados por el gulal, polvo que le dio color a la puesta en escena, e hizo de alfombra colorida durante el desfile. Cabe aclarar que el gulal es un polvo utilizado en el festival del color en India, cuando conmemoran la llegada de la primavera.

Corría el tercer día de desfiles, y Garçon García -en colaboración con la firma Tavex- subió a la pasarela con básicos cinco bolsillos de silueta slim fit, en tonos de lavados claros y con algunas roturas a la altura de las rodillas. También en este caso, el denim acompañó la propuesta más sastrera de la marca, tanto para hombre como para mujer. Recordemos que el año pasado, fue la firma Santana Textiles la encargada de colaborar con el diseñador Pablo Ramírez, para presentar su línea de prendas denim para el verano 15-16. ¡Bravo por estas colaboraciones, y ojalá se repitan en cada temporada!

A las 21hs., en el pabellón 8 de La Rural, con una puntualidad precisa y muchos fanáticos de la marca tratando de acceder al desfile, comenzaba la presentación de Complot, una de las propuestas más trendy -a mi criterio- tanto para hombre como para mujer. La marca presentó una nueva mirada del denim: tejidos de look más robusto,

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+ Complot

sargas bien marcadas, siluetas que suben su cintura a su posición original, y que van dejando atrás el calce slim fit y el skinny, dándole la bienvenida al regular fit o boyfriends, en su mayoría con roturas, localizados intensos y una paleta de color que comenzaba por desencolados de tono índigo intenso, y recorría distintas tonalidades de stone wash; sin olvidar el black denim que mostró en monos, jeans y chaquetas.

Mientras tanto, las tendencias internacionales dictan la llegada de nuevas construcciones de tejidos, nuevos acabados y terminaciones, que por medio de la tecnología, le confieren a los tejidos una mano que invita a usarlos. Pero por estos lados (ya sea por nuestra idiosincrasia, clasicismo o necesidad de seguir uniformados), las marcas reflejan en sus colecciones lo que en su mayoría el público elige y el mercado cerrado le permite ofrecer.

Ojalá avancemos, podamos tener más acceso a la tecnología industrial, de maquinarias y a las distintas materias primas, para internamente poder ofrecer una propuesta algo más aggiornada o actualizada, en cuanto a las colecciones de prendas de tejido denim, y a precios más democráticos, como en todas partes del mundo. +

Link a la nota: http://9010.co/denimbafweek

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La zapatilla festeja su trayectoria Seis artistas argentinos se inspiraron en el icónico calzado de Nike e interpretaron su estilo, a través del concepto del aire y de lo que sentían al ver y usar el emblemático objeto que les asignó la marca a cada uno de ellos para expresar la idea de las Air Max 1, 90 y 95 en pinturas, durante la muestra de Fitzrovia. | Texto: Agustina D’Elia @agusdelia

+ Alan Berry

ideas creativas

+ 089 arte

En un ambiente vanguardista, las bicicletas y los skates decoraban las paredes junto con los estantes de zapatillas para todos los gustos: pintadas a mano, con un mix de texturas, los clásicos modelos rediseñados, y la cita podría continuar. La música y las bebidas frescas eran la combinación perfecta para generar un encuentro entre seres creativos y otras personas dispuestas a conocer e interiorizarse en el espacio común que compartían.

Talento, capacidad, ideas y pasión son los calificativos de Pampi, Alan Berry, Pum Pum, Bernando Henning, Molokid y Jowy Roman por deslumbrar al público con su arte en la tienda Fitzrovia, en el centro de la ciudad. En medio de la grisácea Buenos Aires, ellos supieron cómo intervenir la agitada cotidianidad con una paleta de colores y variedad de conceptos que permiten despejar la mente y trasladarse a un mundo donde todo flota con las zapatillas Air Max. Por cada dos artistas, había un modelo con el que trabajaban individualmente acerca de las sensaciones, sueños que la zapatilla les transmitía al usarla y observarla.

PAMPI El boca en boca existe y, en esta era tecnológica es representado en Instagram. Por esta red social, Flor de Pampi fue contratada por Nike y 13 agencias al mismo tiempo. La diseñadora gráfica se basó en el concepto de “hacer visible lo invisible”, el mismo que utilizó Tinker Hatfield para la creación de la cámara de aire de la Air Max 1.

co. Además, representó montañas por Oregon, donde se crearon las zapatillas, y el astronauta -en su mente creativa- significa el aire.

Se considera “auténtica”, diseña tatuajes y le apasiona combinar el skate y el ski con el arte. Su primera pintura la recreó en una tabla que le dieron en un viaje que hizo por Latinoamérica hace tres años y desde aquel entonces no frenó el hobbie, que ahora se convirtió en un trabajo. Aunque tuvo una época en la que dudó si era un pasatiempo lo que le daría seguridad para mantenerse a un futuro, llegó a la conclusión de que si lo disfruta tanto y hace no mucho tiempo empezó, debería confiar, ya que constantemente le surgen trabajos y la divierten. “Tengo mi estilo marcado y no pienso cambiarlo por nada, y eso hace que la gente acuda a mí”, se define. http://ppampi.tumblr.com/ JOWI ROMAN Ella es vibrante, y si tuviera que reflejar su vida en un mural, sería “una locura”. Resalta sus creaciones con trazos geométricos y un borde negro. Trabaja con mucho color, usa el neón y bastantes fluorescentes, tintes que sean “shockeantes”. Con estas premisas, pretende llamar la atención y considera que su obra pensada en la Air Max 95, “La escala”, transmite más de lo que es, ya que “si uno se pone a analizarla, se da cuenta de que abarca mucho más”.

En la obra se aprecian cosas que están en el mundo y no pueden verse, tales como la parte de abajo de un iceberg, el corazón -que representa la pasión por el deporte- y asimismo, todo un simbolismo del interior del humano, del lado emocional y no tanto lo anatómi-

¿Por qué? “ Yo quería salir de la zapatilla negra y neón que me había tocado y tratar de imaginarme en qué me inspiro. Al ver las zapatillas, vi que tenía distintos degradé de grises y se me ocurrió que era el Valle de los siete colores. Entonces, lo dirigí para ese lado.

Hice una chica durmiendo y soñando, y que escala por un desafío.

Dibujé las montañas detrás de ella y al fondo, como meta a llegar, todo lo que es el aire. Por eso el Air Max, el espacio, y ahí le puse

+ Pampi

+ Jowi Roman

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+ Pum Pum

el juego del color neón. Y en todo este movimiento donde ella está haciendo la escala está transpirando, porque cuando uno trata de escalar no es fácil, entonces es ahí donde se le cae una especie de laguna por su cabeza, que es una gota de transpiración”. Jowi pintó murales para jugadores de fútbol y sueña intervenir en The Museum of Art, en Nueva York. Sin dudas, Nike apostó a una artista sin límites, que trasciende barreras, lo que se refleja en su trabajo. http://jowyroman.com/ PUM PUM Tranquila, pero con un carácter explosivo cuando se enoja, y de ahí su apodo. La diseñadora gráfica transmite la sensación de aire que sube a la cabeza y repercute en las conexiones cerebrales exactamente igual que al usar las zapatillas Air Max 90, las “ideales para caminar”. En esta “representación deforme” de sí misma, la artista muestra a una chica en el aire, donde flotan sus pensamientos.

mono, y un biberón de agua”, describe la obra que llama la atención por los colores rosa, azul, rojo y blanco que empleó Alan.

Su filosofía es “destruirse para exigirse más todo el tiempo”; se exige para mejorar en la profesión y que la obra sea una idea, en la que la técnica sea meramente un medio. Con esta fuerte concepción, Alan apunta a que sus obras sean “sólidas desde lo conceptual”.

Desde su punto de vista, lo gráfico acompaña, y esto tiene que ver con una “idea muy fuerte”. Sin dudas, se trata de un artista que trasciende la técnica de lo que pinta y se focaliza en la idea que quiere comunicar, tal como lo hizo con su cuadro. www.behance.net/alanberryrhys

A Pum Pum le gusta pensar en todo lo que sentimos, tocamos y olemos. Para ella es importante “generar conexiones en el cerebro, porque esa sensación explota a partir de lo que pensamos”. Sin embargo, admite que “muta a lo largo del tiempo”, cambia el lenguaje y la técnica, pero mantiene el espíritu naif a la hora de hacer arte. www.pum-pum.com.ar ALAN BERRY Se trata de un ejemplo de que el conformismo no es para los grandes. El ilustrador se dio cuenta de que su obra era “bastante infantil” y decidió comenzar una nueva, la que finalmente expuso en la muestra. Pensó en la película “Forrest Gump” para reinterpretar el par de Air Max 1 que le tocó. Imaginó a Gump cuando corre barbudo, con el pelo largo, y le modificó ciertos aspectos.“El resto es el universo, la zapatilla con el año en que corrió y se prendía fuego por andar mucho, una banana por los calambres porque además es un

+ Bernando Henning

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+ Molokid

MOLOKID El cuerpo humano puede ser mirado desde lo artístico y ser tan real como cada humano lo siente. Molokid lo hace posible con su mente y pulso, le fascina hacer paralelismos entre el cuerpo y diferentes mundos. Para la exposición quiso “ir un poco más allá de lo etéreo, al cosmos, a algo más astrológico”. Trabajó en dos instancias con las Air Max 95: una literal de la zapatilla armada con partes del cuerpo humano y en otra, mostró qué pasa en el sector de las costillas, donde se alojan los pulmones y se produce un intercambio gaseoso y el aire que sale a la superficie recreado en un fibro fácil y cortó papel, usó pegamento y fundamentalmente, tuvo mucha paciencia El peculiar fondo termina de envolver toda la obra y le da el carácter astrológico.

Todo es inspiración y autoconocimiento, al que llega dejándose fluir en las cosas que hace, “creo que cada uno tiene una interpretación, cada obra dialoga y a su vez, la persona y la obra pueden dialogar”.

Molokid sabe de arte y lo experimenta a través de su vida, porque tiene “los sentidos al aire”. “Algo que aprendí es lo increíble que vivís, pensás y relacionas; cómo eso se traduce a algo que estás haciendo. Es como que la bajada del inconsciente del cerebro es esto, aunque esto también pasó por el filtro de Molokid”. Una persona que disfruta ver las cosas introspectivamente, y no se acostumbra “en qué debería trabajar”, sino que se permite sentir, para que las sensaciones no lo terminen cerrando a una única iidea, y por eso no anota sus proyectos, prefiere tenerlos en la mente, ya que el tenerlos allí, le permite “seguir germinándolos”. http://molokid.com/ BERNARDO HENNING Como fanático de Nike y diseñador gráfico, fue mucho más sencillo realizar una obra. Casualmente, Bernardo estaba trabajando por su cuenta con una serie de personajes que no tenían zapatillas, hasta que la agencia Visión Invisible hasta que lo contactaron para inte-

grar los artistas que expondrían en la muestra. Usa colores básicos con fondo blanco y se ven varios corredores, en diferentes texturas.

Trabaja con marcadores, lápices, y se distingue porque sus obras son son “divertidas”. Opina que, si piensa demasiado, puede arruinar la obra, motivo por el cual no planea tanto. El par de Air Max 90 fue su fiel compañera durante los 40 minutos que tardó en pintar y no borró nada, simplemente tachó o lo re-interpretó. El detalle final: envolvió la pintura en una bolsa con bolitas de aire, y cuando llegó a Fitzrovia entendió la analogía, y se la dejó puesta.

Bernardo se define como un “artista relajado con obras sinceras”, debido a que no esconde lo que hace. Actualmente es su propio jefe en un estudio de diseño que comparte junto con amigos, y trabaja para agencias publicitarias y marcas, aunque quisiera colaborar en más en más proyectos similares al de Nike. + www.behance.net/Maybe www.nike.com/ar/es_ar/

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+ Vista nocturna del Museo Guggenheim Bilbao, diseñado por Frank Ghery.

Diseño vasco

Un secreto empecinado Bilbao y Buenos Aires unidas como Ciudades del Diseño por la UNESCO. Desde la moda y la gastronomía superior hasta la arquitectura, el urbanismo, las tablas y los textiles, el diseño vasco emerge como nuevo referente europeo, con revelaciones contemporáneas de una cultura que aquí conocemos de antes. | Texto: Carolina Muzi

ideas creativas

+ 093 diseño

+ El metro de Bilbao por Norman Foster.

Aunque hablar de diseño vasco suene a novedad en la Argentina -lo es, en tanto no ha sido aún divulgado como nuevo emisor de tendencias y ricas manifestaciones contemporáneas-, el diseño vernacular vasco tiene aquí algunas raíces profundas, de esas que nos constituyen en torno a los objetos de nuestra cotidianeidad. Cosas que nos acompañan de pies a cabeza desde el siglo XIX, con elementos identitarios introducidos por el carrier transcultural que son las migraciones. Hablamos, claro, de las alpargatas y las boinas, santo y seña de la vestimenta campera, hoy ya íconos de lo nuestro. Alpargatas, primera empresa argentina de indumentaria popular, fue fundada por un vasco: Juan Etchegaray, en 1883. Así funcionan los legados objetuales de la inmigración, cuando las culturas se fusionan exitosamente en generaciones a través del tiempo: un 10% de la población local tiene ancestros vascos.

LA GASTRONOMÍA Y no es casual que este factor étnico en la Argentina se asocie al trabajo y al campo, áreas donde esa comunidad se impuso, ya que además, se trata de una cultura por excelencia trabajadora, de modo muy ligado a la tierra, aunque también al mar. Y por ende, a la cocina, con especial sabiduría para la preparación de pescados y mariscos: la gastronomía vasca es un núcleo atávico de calidad y placer.

Quien en Buenos Aires haya pasado por el Centro Vasco Francés de la calle Moreno, el Laurak Bat de la Avenida Belgrano o la moderna taberna Sagardí en San Telmo, sabrá de qué se trata. El País Vasco es hoy el territorio con más cantidad de estrellas Michelin por kiló-

metro cuadrado. Y, justamente, es en torno a la gastronomía donde se registra el nuevo foco de innovación y vanguardia para el diseño transdisciplinar. Mugaritz, el emprendimiento que desde fines de los 90 conduce Andoni Luiz Aduriz (la versión vasca y más audaz de lo que al despunte del siglo XXI significó El Bulli catalán de los hermanos Adriá) es un claro ejemplo de ello. Considerado el tercer mejor restaurant del mundo (con 3 estrellas Michelin y otros tantos soles Repsol), Mugaritz trabaja en la experiencia total del comensal, llegando a niveles integrales inéditos del acto gastronómico. Para el diseño de esa experiencia, puede aliarse tanto con filósofos como con la Fura del Baus. Ni hablar de su libros: otra sofisticación.

VESTIR LA MESA Los rituales de la mesa -que en lo tradicional han hecho culto de las finas porcelanas de Bidasoa o Irabia y la mantelería de hilo blanco, o del cuadrillé en la versión de diario acompañado, entre otra vajilla típica, por Lozas del Nervión-, hoy tiene nuevos paladines, como la Maison Artigas que, cimentada en la calidad del algodón vasco, en 1999 montó una economía creativa en el poblado de Magesq, al sur de Francia, en torno a los textiles de hogar. Con un diseño característico que aplica de mil formas las siete rayas que representan las siete provincias vascas (cuatro del lado español y tres del lado francés) son un ejemplo de producción centralizada, que ya tiene diez tiendas en Francia. Un caso semejante, del lado español, lo constituye Euskal linge, el emprendimiento que desde Pamplona y también cimentado sobre la tradición del Linge Basque (lino vasco)

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+ Accesorios de Skunkfunk. “Greener fashion from a little green country” (moda ecológica de un pequeño país verde).

+ Las estampas de Laura Varsky en las prendas de Skunkfunk.

encaró en 2006 la familia Etxeberria. Con un input de diseño importante en las estampas y las tipologías, los motivos rayados también se aplican en los más variados textiles de hogar (cocina, baño, jardín, cama, playa y bebés) en otra de las cadenas que enarbolan la bandera del Design Basque.

LA MODA VASCA “Porque fueron somos, porque somos serán”, hace un guiño Mikel Ezkerro, 78 años, referente de la cultura vasca en la Argentina, tras excusarse de hablar de diseño contemporáneo: “Es que de eso no sé; sí puedo señalar aquellas artesanías importantes, ligadas a los materiales propios y a un modo de hacer que han de tener sino continuidad, al menos ingerencia en nuevas actividades”.

Y en este sentido, vale tener en cuenta ciertos aspectos del hacer que caracterizan a esta cultura (no se puede eludir el dato del cooperativismo agrario y el modelo de las Cajas Rurales del siglo XIX, que en 1943 fundaron el cooperativismo industrial, antecedente de la poderosa Corporación Mondragón, hasta hoy el mayor conglomerado cooperativo industrial del mundo). Es Mikel Elzo Feijó, un joven empresario, quien lo recuerda para explicar el contexto conceptual en que nació Skunkfunk, su empresa, marca de ropa y accesorios cuyo eslogan revela mucho sobre los valores que exporta: “Greener fashion from a little green country” (moda ecológica de un pequeño país verde). Lo usan en inglés porque, justamente, además de la filosofía de sustentabilidad que rige su producción, desde Euskadi venden al mundo moda comprometida con todas las certificaciones posibles de sostenibilidad en procesos, materiales y transporte.

Tienen los sellos GOTS y el CCS. Y si la familiaridad con que Mikel y su compañera Maia Curutchet dirigen una empresa joven impacta desde la barraca gigante donde están las oficinas y los talleres, en el Polígono Industrial de Bilbao, más impacta aún, sobre todo para lxs

argentinxs, llegar a la ciudad del Alethic y toparse con una vidriera de las tiendas Skunfunk, donde lucen las estampas y tipografías signé… ¡Laura Varsky! Ella viene diseñando para los textiles y las prendas de esta marca vizcaína desde hace cuatro temporadas, en una relación de exportación de diseño que ambas partes celebran felices. Junto con otro muy especial de moda como Loreak Mendian y tantos más de las distintas ramas del diseño –desde la infografía hasta el paisajismo–, el caso Skunkfunk integra las páginas de Selected Bilbao, un cuidado libro con dirección de arte del porteño Hernán Ordóñez, cuya historia en el País Vasco encierra en sí misma un valioso caso de intercambio cultural a través del diseño. Selected recoge los principales referentes que forjaron el reconocimiento de Bilbao como Ciudad del Diseño de la UNESCO el año pasado, integrando la Red de Ciudades Creativas que Buenos Aires inició en el rubro en 2005.

HACIA UN ESTILO DE DISEÑO +Hernán Ordóñez, ¿creés que el “efecto Bilbao” recién ahora le hace lugar al diseño?

HO No creo que sea recién ahora. Hay varias manifestaciones donde el diseño está presente y vienen a consecuencia del Guggenheim (y la Alhóndiga de Philippe Starck, el metro de Norman Foster, la nueva urbanización programada en la ría, el tranvía, el nuevo estadio San Mamés…). Esto no es actual, lleva quince años o más; la ciudad cambió muchísimo. Que recién ahora se esté notando afuera, me parece más producto de un carácter introvertido, que a veces le quita difusión a lo que se está haciendo. Esa transformación fue el factor por la cual UNESCO la nombró Ciudad del Diseño 2015.

Ordóñez emigró al País Vasco hace trece años. Se asentó en un pueblo de cuentos a veinte minutos de San Sebastián: Hondarribia, donde enseñó tipografía. Hoy dirige un máster en el Instituto Europeo de Design de Barcelona, pero prefiere viajar cada semana antes que mudarse. Junto a un grupo de ex alumnos, tutoreó el diseño de la

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+ Adaptación contemporánea de tipografía vasca.

+ Typex, un registro del desarrollo de las clases y workshops de diseño y tipografía que Hernán Ordóñez ha impartido en España.

+ Ilustraciones de Iker Ayestarán.

identidad visual del Guggenheim y de aquel grupo, tras graduarse, uno de los estudiantes, Iker Bereziartua, siguió a cargo de la comunicación visual del museo por cinco años.

“A diferencia de manifestaciones artísticas que sí tienen una ‘denominación de origen vasco’ (Oteiza, Chillida, Basterretxea…), no tengo muy clara la existencia de un estilo vasco en diseño. No lo veo como etiqueta que sí puede existir de Design Italiano, Swiss Design o un American Style: creo que esto sí está estrechamente relacionado con aciertos en la conexión industria–sociedad–escuela. En el País Vasco, todavía hay una deuda pendiente en el apartado escuela: hay muy buena demanda y producción de diseño por parte de la industria, jóvenes talentosísimos, una sociedad que sabe asimilarlo muy bien y ha dado excelentes respuestas… Pero la escuela todavía está en deuda.

Esto sí ocurre en gastronomía, donde hace escuela el Basque Culinary Center como referente global. En mi opinión, aquí la escuela debería ser menos egocéntrica y más ambiciosa que en otros países: elegir a los mejores, involucrar a los jóvenes dando lo mejor, ganar en objetividad, aprovechar el altísimo potencial de la identidad vasca y su capacidad para entender las problemáticas de diseño contemporáneo, sin renunciar a esas señales. Hay muchísimos diseñadores en todas las disciplinas en el País Vasco trabajando en un alto nivel, pero aislados.

Son verdaderamente sorprendentes, aprendí mucho trabajando con ellos, son emocionales y a la vez lógicos, profundos y con poder de síntesis, contundentes y refinados. Y otra característica tal vez no tan conocida: tienen muy buen humor”. +¿Tus primeros impactos?

HO Cuando llegué hace trece años, me impactaba la tipografía vasca, heredera de la grafía romana, pero producida con los elementos que tenían a mano las personas (herramientas de la vida rural, agricultura y ganadería). Sinceramente, me parecía que tenía potencial, pero estéticamente merecía un aggiornamiento y un enfoque que

fuera más allá de la cosmética visual: que abordara problemas del lenguaje y del idioma. Hay un ensayo que hizo Iker Bereziartúa en uno de mis workshops de diseño de familias tipográficas: propuso una tipografía para escribir en euskera, pero el trabajo no se enfocó en la anécdota gráfica de las letras (que ya es bastante conocida), sino en cómo los signos se comportan al escribir. También me sorprendió la calidad y la energía de su gente joven: muchísimas ganas de aprender, pero un excesivo respeto a lo que pasaba en Barcelona y Madrid, y un escaso conocimiento de lo que pasaba más allá de estos referentes respetables, pero un error tomarlos como únicos.

En síntesis: pocos referentes y geográficamente muy cercanos. En cuanto al diseño gráfico, lo veía en un estrato primario y mejorable (cosa que felizmente va ocurriendo), y que no se condecía con la calidad del diseño culinario, paisajístico, urbanístico, arquitectónico, ni con las expresiones artísticas: excelentes. +Tanto en Bilbao como en San Sebastián, se percibe una cierta protección de las avalanchas trendy urbanas, ¿es así?

HO No veo a los vascos intentando ser trendy, y eso me parece genial. Se agradece. Por mi trabajo viajo muchísimo, y actualmente veo que todo tiende a parecerse y, por lo tanto, a perder identidad en nombre de un diseño homologador que puede dar resultados seguros, pero es inocultablemente aburrido y pierde la espontaneidad de lo creativo y los signos identitarios que dan ese factor diferenciador propio del diseño. Esa protección de lo trendy puede tener que ver con una cuestión de idiosincracia. Veo a los bilbaínos más listos en este sentido: más acostumbrados al comercio internacional y al donostiarra un poco más conservador. Un ejemplo concreto está en que suelen buscar a los mejores y su mapa es el mundo. Volvemos a los ejemplos del Guggenheim de Frank Gehry o el metro de Norman Foster: el problema es el diseño y no de dónde es el diseñador, como ocurre en Donostia. Aunque veo más calidad y sensibilidad artística en Guipúzcoa que en Bizkaia: no es casual que Eduardo Chillida,

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+ Selected Bilbao, un cuidado libro con dirección de arte del porteño Hernán Ordóñez.

+ Paisajismo por Lur Paisajistak.

Jorge de Oteiza, Andoni Aduriz, Jose Mari Arzak, Karlos Arguiñano, Lur Paisajistak, Mikel Casal, Iker Ayestarán, Xabi Zirikiain, Paco Rabanne, Cristóbal Balenciaga sean… guipuzcoanos.

bricación digital con las últimas tecnologías en impresión 3D, fresadoras de control numérico… Pertenece a la red mundial del MIT (Massachusetts Institute of Technology), junto a otros centros con los que se comparte el conocimiento de forma abierta y colaborativa. Deusto FabLab es una apuesta por la creatividad, la tecnología, el diseño y el trabajo colaborativo: hará converger personas de distintas especialidades de la ingeniería, de las ciencias sociales y de la empresa. Porque aquí se materializarán las ideas y sueños que podamos tener”, augura entuasiasta.

En torno a Balenciaga -junto con Paco Rabanne, asumidos como genealogía patrimonial por las nuevas generaciones-, Igor Uría, director del Museo que lleva el nombre del famoso modisto en Getaria, su ciudad natal, se pregunta: “¿Cuántos Balenciaga habrá en la Argentina?”. Seguramente sean muchos, y ya sería hora de que esos arcones se abran para el registro histórico.

Retomando la huella del “efecto Bilbao” –vale aclarar tal vez que así es como se conoció en urbanismo a la conversión de la vieja ciudad industrial contaminada en nuevo imán de la cultura y el turismo a través de una gentrificación de áreas degradadas, recuperación de edificios históricos como el Teatro Arriaga, tendido del mejor metro de Europa junto con el nuevo Eusko tren y tranvía, pero sobre todo, la implantación de un ícono como el museo Guggenheim de Ghery y la siembra de otros proyectos de autor: Foster, Starck, Isozaki, Pelli, Hadid, Calatrava y siguen las firmas–; para Benicio Aguerrea, coordinador de la Asociación de Diseñadores de Euskadi/EIDE, éste “tiene mucho que ver con el diseño entendido de una forma amplia y transversal: diseño de ciudad, urbano, de espacios… Más allá de su iconografía y de su repercusión y reconocimiento mundial, este efecto ha conseguido descubrir en los sectores culturales y creativos de Bilbao y del País Vasco en general, especialmente en el diseño, el motor de una nueva economía, la economía del conocimiento. Es fundamental propiciar el intercambio, la colaboración internacional y el mestizaje”, sostiene.

TRADICIÓN INDUSTRIAL Desde la Universidad de Deusto, en Bilbao, el diseñador industrial argentino Marcelo Leslabay (que emigró hace 25 años a España y desde hace un ciclo lectivo dirige allí la carrera de ingeniería en diseño industrial), asiente y cuenta cómo la currícula se ata a la experiencia industrial e ingenieril del diseño vasco. Luego exalta la flamante nave: “El nuevo Deusto Fab Lab es un laboratorio de fa-

La tradición industrial del País Vasco tiene como base ancestral la manufactura del hierro. Por eso, resulta tan acertado que una de las pocas muestras permanentes que aloja el museo Guggenheim sea “La materia del tiempo”, de Richard Serra, que no sólo impacta con su espacialidad y la relación entre material y escala, sino también con otra sala conceptual donde se explica el vínculo entre esta cultura, el hierro y la metalurgia. Es que el diseño contemporáneo vasco nace indefectiblemente ligado a la actividad industrial: “Más que con un lenguaje o estilo propio, sus señas de identidad tienen que ver con el concepto y la práctica del diseño, como la estrecha relación que siempre ha existido entre los diseñadores y las empresas industriales o sus equipos técnicos internos.

Aquí se tiende más al trabajo en equipo que al trabajo individual típico de las artes plásticas y de una forma de entender el diseño propia de otras geografías”, explica Benicio Aguerrea, coordinador de la Asociación de Diseñadores de Euskadi/EIDE que, a propósito de sus 25 años, editó un libro con los casos emblemáticos de este tiempo. Recién llegado de Milán -donde el País Vasco tuvo por segundo año consecutivo su stand oficial de industrias creativas-, refuerza la idea de un diseño que, más allá de su fuerte articulación con la industria y las empresas, recién ahora comienza a mostrarse como un corpus productivo y cultural. Sobre casos que le impactaron últimamente, marca a título personal el trabajo de Jean Louis Iratzoki para fabricantes de mobiliario como Alki o Retegui; el de Muka Design Lab, joven estudio que practica el slow-design, edita sus propios muebles y tuvo un premio Red Dot reciente; la iniciativa

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+ Decadencia, plato de Mugaritz. Foto: José Luis López de Zubiría.

+ Uvas de melón y semillas especiados, plato de Mugaritz. Foto: José Luis López de Zubiría.

del estudio guipuzcoano Husmee Studio Graphique de organizar una exposición homenaje a Massimo Vignelli. Destaca como relevante el trabajo de EIDE para organizar una misión comercial a Chile en 2015 y la reciente a Milán.

“Es que les ha ido de maravillas; estupendamente”, sintetiza Aizpea Goenaga, directora del Etxe Pare, Instituto Vasco de Cultura, con sede en Donostia / San Sebastián, la activísima nueva capital de la cultura europea 2016 que, del 18 al 20 de julio, alojará el Primer Congreso de Diseño Gráfico “Marcas gráficas de identidad corporativa”, organizado por el Grupo de Investigación en Diseño Gráfico y Tipografía “Letraz” de la Universidad del País Vasco. Famosa por su Festival de Cine -con sede principal en el impactante Kursaal, el edificio transiluminado que diseñó Rafael Moneo-, el Parlamento Europeo eligió a San Sebastián porque su proyecto cultural gira en torno a la convivencia. Y porque la comuna apuesta a utilizar la ciudad como laboratorio que fomente la creatividad y la innovación.

ARQUITECTURA, COMIDA Y MAR En otro tipo de lectura, más orientada al pos efecto Bilbao en la escala del diseño arquitectónico, el crítico Peio Aguirre marca que “como situación derivada de la intervención de nombres, obtenemos un mapa contradictorio: por un lado, los políticos desearon atraer celebridades internacionales como representantes de una arquitectura icónica, mientras que los arquitectos autóctonos se sienten capaces de proyectar y construir novedosas estructuras”. Y lo hacen.

El star system extranjero no hizo más que fortalecer la personalidad propia y refundarla en una interesante fusión de arquitectura e ingeniería. Un caso emblemático es el del estudio ACXT, cuyo brazo ingenieril es IDOM (fundada en Bilbao en 1957, constructor del Guggenheim), que trabaja desde una concepción que se distancia de la arquitectura intelectual para instalarse en una pragmática poética, cuya expresión visual aunque tech, emana aires pintoresquistas como demuestra el Palacio de los Deportes de Mirabilia (2010) en Bilbao. Con afán contextualista, tanto del paisaje como de la cultura, hay nuevas voces en el diseño arquitectónico, como las de Ibon Salaberría y Amaia Casado (el Bar alberge de Santa Bárbara es un

+ Unión de semillas tostadas y especias en sopa, plato de Mugaritz. Foto: José Luis López de Zubiría.

buen ejemplo) o la del joven estudio donostiarra VAUMM, que proyectó en San Sebastián la sede de la nueva tanqueta de la cultura y el diseño vascos: el Basque Culinary Center.

“Es que por ahí marcha hoy el emergente más innovador”, insiste Hernán Ordóñez, mientras da cuenta de una serie de pintxos (así se llaman las tapas en el País Vasco) en la mítica taberna Sport del centro viejo donostiarra. De modo ineludible, volvemos al corazón de la cultura vasca que hoy más desafía al diseño desde lo transdisciplinar: la gastronomía. En ese sentido, toman la posta dos ex alumnos de Ordóñez, hoy profesionales consagrados en sus respectivas áreas de ingerencia: son Xabier Arrillaga de Mandrágora Studio y Gabriel Alonso de la imprenta Otzarreta. Mandrágora se especializó en fotografía de diseño gastronómico (son los autores del multipremiado libro anual del Campeonato de Pintxos –ojo, la pasión vasca que se ejerce en las tabernas tiene nombre y apellido: pintxo y pote / tapa y vino) y en edición artesanal de libros sofisticados. En tanto Otzarreta es una imprenta boutique experimental, que logra lo imposible: desde imprimir agua hasta tintas que al tacto puedan dejar el aroma de una hoja de eucalyptus. Tanto Alonso como Arrillaga asocian lo vasco a un espíritu de trabajo muy concentrado y cooperativo, a la pequeña escala capaz de hacer a lo grande, al placer artesanal con foco en la calidad. Y señalan las dos áreas donde hoy, como siempre, ancla la cultura material: la comida y el mar.

Es que a la vera del Cantábrico, que es la porción vasca de océano Atlántico, brilla otra novedad del presente por donde el diseño tracciona nuevas economías: la meca del surf está en Euskadi (así se llama el País Vasco en el idioma euskera, una lengua milenaria que es de las tres en toda Europa que no poseen raíz indoeuropea, y que ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad). Ni California, ni Hawai o Thailandia. Señoras y señores, la mejor ola para montar está en Mundaka, aseguran los entendidos, que van siguiendo las playas bravas de los Pirineos atlánticos hasta las landas o tierras bajas, ya pasada la frontera con Francia, donde el País Vasco se achata en topografía, toma el nombre de Iparralde y ostenta ciudades emblemáticas como Biarritz o Saint Jean de Lutz.

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+ Ilustraciones de Mikel Casal.

Con olas de hasta 6 metros de alto y tubos de varios segundos en condiciones limpias, Hossegoor alberga los principales campeonatos desde los 80. Ser la meca del surf (y esto viene de la década del 50, los modelos de tablas lucen en los museos marítimos junto a osamentas de ballenas e imágenes de traineras -las larguísimas embarcaciones impulsadas por 14 remeros-, que protagonizan regatas antológicas en el mar Cantábrico), ha hecho que las grandes marcas asociadas a esta cultura de playa y deportes extremos trasladen sus centrales al País Vasco: Quicksilver a Roxy, Ripcurl, Carhart y BillaBong tienen sus fábricas con departamento de diseño en Hoseegoor, hoy epicentro de la industria surfera de Europa.

Con base en la nueva capital de la cultura europea 2016 (San Sebastián), la marca Pukas es la niña mimada del surf, que inició esta andanada al despunte de los 70: Iñigo Letamendia, Marian y Miguel Azpiroz arrancaron un negocio de tablas y bikinis artesanales en 1973 desde Casa Lola, una antológica comunidad surfer de Cantabria, donde se respiraba algo de libertad en medio de la oscuridad franquista. En 1988, instalaron la fábrica en Olatu y desde entonces se convirtieron en meca mundial de diseño de tablas. También de Donostia es el pionero surfista que acaba de crear la ola artificial: el ingeniero Josema Odriozola la desarrolló en Gales, donde inauguró Surf Snowdonia, el primer parque público de olas sin mar. El invento, que costó 8 millones de euros, se alista para llegar a los próximos Juegos Olímpicos de Japón.

Tal es la movida comercial en torno a estas marcas, que ya existe un formato de ventas específicamente creado: durante las Pascuas, las Carpas de Hoseegoor son ferias anuales donde se liquida bajo toldos gigantes la mercadería de años anteriores, a precios irrisorios. Desde esquíes y tablas en general, a camperas y trajes de neoprene, en esos cuatro días, se concentran más de 200 mil visitantes. Y esto, que sucede en la región de Aquitania (sur de Francia), está a pasos de un imaginario que hizo mella en la Argentina. Es que la influencia de lo vasco en la Pampa atlántica -relacionada no con diseño directamente, pero sí con aires estilísticos y esta vez marítimos-, puede ubicarse en Mar del Plata, donde tanto la arquitectura pintoresquista de las casonas de piedra y los barrancos plagados de hortensias remiten al

estilo de las casas costeras pirenaicas, como la mismísima rambla diseñada por Alejandro Bustillo emula a la de la elegante Biarritz, que también inspiró las sillas de Mar del Plata y el tipo de carpas playeras con esqueleto de madera y lonas a rayas.

Si bien la llegada de vascos al Río de La Plata comenzó con los mismísimos navegantes fundadores Pedro de Mendoza y Juan de Garay, el año próximo se cumplen los 80 años del bombardeo de Gernika y las consecuencias en España de la Segunda Guerra tras la Guerra Civil. Del flujo de refugiados vascos de aquellos años, conviene reparar en uno ligado a la cultura material y al diseño vasco: el escultor Néstor Basterretxea, también empresario y diseñador industrial (de mesas, despachos, sillas, lámparas, chimeneas y hasta un juego de ajedrez), que vivió aquí desde 1937 hasta los 60, cuando regresó a Euskadi, dejando una profunda huella y obra en Buenos Aires.

Junto con los ya mencionados Jorge Oteiza y Eduardo Chillida (no hay en el mundo otra escultura que converse mejor con el paisaje marítimo que su Peine de los vientos, en San Sebastián), Basterretxea completa la tríada de grandes voces del hierro vasco que han dialogado con la forma. “No obstante, y aunque su modo de hacer escultura participa de una más que clara lógica del diseño, éste no ha alcanzado el reconocimiento de sus artes plásticas. Las lecciones de estos maestros hacia el diseño, más allá de la teoría y de lo estrictamente formal, ha sido la extrema sensibilidad hacia el entorno y el contexto”, señala el crítico Peio Aguirre.

Por las páginas de Selected Bilbao -el libro que le dedicó a la ciudad el Festival Selected Europe, a realizarse allí en noviembre- desfilan 46 casos potentes en las diversas ramas, que hacen a la cultura material vasca contemporánea. Resultaría injusto acotarlos aquí.

Porque, como destaca Antoni Canal, director del festival, si algo se rescata, es la inspiración de la ciudad. Y esta sólo es posible en tanto fuerza colectiva, múltiple y ubicua, que crece al paso de una urbe.

Un gran acierto de diseño que en el logo luzca con su flor una baldosa de vereda bilbaína: la unidad mínima de construcción del espacio público de una ciudad, por donde se la puede caminar absorbiendo sus aires, inhalando su espíritu. +