Revista 90+10 #52

+52 + Detalle del taller del sastre Jorge Williams. Foto: Maia Croizet @MatiaWATIO

sumario +mundo creativo 012 series animadas, música, green design, moda, diseño, gastronomía, arte, marketing, publicaciones, gadgets, discos, other music, branding y diseño, vehículos, agenda

+personas creativas 048 052 056 060

diseño Julio Oropel Un mix creativo

ilustración Guy Billout Rompiendo las reglas

moda Jorge Williams Aquel tiempo del oficio

arte

+ideas creativas 064 076 078 068 080 070 072 082

Mireia Sallarès El arte de la entrevista

084 090

diseño Design Thinking Otra forma de pensar las cosas Concurso de Diseño Masisa Premiar la creatividad de la región 10 años de 90+10 Compartir inspiración

moda adidas ClimaChill Enfriamiento instantáneo para el deportista Topper + diseño Tres ritmos de estilo

gadgets Drones Cuadricópteros a control remoto

arte El tiempo del afiche Ganadores del Concurso Arte Único Darkaus Rosario Elian Chali y su satisfacción por la idea creada

vehículos Foro Ford ¿Cómo será la movilidad del futuro?

Salón del Automóvil de San Pablo Los autos que llegan el año que viene

086

destinos Miami Renacimiento artístico

+portfolio fotográfico

+ Con la alegría del trabajo realizado, Elian Chali fotografía la fachada de la galería Darkhaus de Rosario. Foto: Gustavo Villordo @gustavovillordo

093

Aldo Bressi

098

+conexión

+52 | Foto: Aldo Bressi www.aldobressi.com

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010 Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Atención al Cliente Paula Pedrouzo paula@90mas10.com.ar @PaulaPedrouzo Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Prensa y Comunicación

Colaboran en esta edición Adri Godis, ArtsMoved, Celeste Nasimbera, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Enrique Avogadro, Fernanda Cohen, Gala Décima Kozameh, Germán Andrés, Gustavo Villordo, Jorgelina Peciña, Maia Croizet, María Paz Berri, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Rodolfo Sánchez

Nuestros colaboradores Gala Décima Kozameh @GalaDK Periodista y casi comunicadora social. Rosarina de nacimiento y residencia. Escribe de cultura joven, rock y turismo en varios medios de Buenos Aires y Rosario. Cuando no está detrás de un texto, trabaja a tiempo completo en comunicación interactiva para una agencia de publicidad. Le gusta el río, la cerveza fría, las bandas bien ruidosas y la popular de Newell’s Old Boys. Colaboradora corresponsal en Rosario de 90+10, para esta edición entrevistó a Elian Chali, a propósito de la intervención que realizó en la fachada de la galería Darkhaus.+

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro Hnos. S.A. Av. Entre Ríos 919, 1º Piso Tel. (+5411) 4305-3908 / 3854 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Taller Impresor Amison S.A. Tabaré 2110, CABA www.amison.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones suscripcion@90mas10.com.ar Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 11 “A” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 5178640 | ISSN 1668-6403 Año 10 - Nº52 – Diciembre 2014

+52 + El artista ruso Morik pinta sobre la migración cubana en EE.UU. en las paredes de la nueva sede del Miami Ad School en Wynwood. Foto: Gonzalo Fargas @gonza9010

editorial Para esta editorial, quiero compartirles algunas frases de nuestros entrevistados en esta edición, que me atrajeron particularmente cuando las leí, y que merecieron sucesivas relecturas.

Empiezo por la española Mireia Sallarès, una artista que tras varios años de trayectoria y con una obra muy profunda, elige no vivir de su arte profesionalmente. Nos confesó que cree que “una buena definición de artista es la que refiere a aquél (o aquélla) que se mete donde no le han llamado, y que busca lo que no se le ha perdido”.

Sigo con Julio Oropel -el arquitecto y diseñador de interiores argentino querido por todo el que lo conoce porque (sin dudas) es una persona encantadora-, que trabaja de lo que ama, y desea “Que todos puedan vivir de los que hacen con pasión”.

Continúo con el ilustrador francés Guy Billout, que nos rebela: “Sigo la filosofía del placer absoluto, aunque me cueste, porque tengo los hábitos ya muy formados”.

+ “Work No. 2070: People” de Martin Creed en galería Gavin Brown´s enterprise en Art Basel Miami Beach. Foto: Gonzalo Fargas @gonza9010

Y concluyo con Jorge Williams, el sastre de Palermo, que se pasea por las calles para el placer de quien se lo cruce, vistiendo aquellas adorables prendas que pocos se atreven a usar.

“Yo tengo un estilo propio, soy libre. ¿Sabés lo que significa ser libre? Ser libre implica ponerse lo que uno quiere”.

Cuatro formas de ver la vida, de vivirla y transmitirla. Reflejarlas en estas páginas, es parte de la magia de hacer una nuevo número de 90+10, que cumple 10 años contando las historias e ideas de personas creativas, que influyen en este mundo moderno, y en constante evolución. + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados.

Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

ILUSTRACIÓN DE TAPA Para la imagen de tapa, recurrimos a Patricio Oliver, para que ilustrara el concepto “Design Thinking”, del que hablamos en esta edición. “Luego de leer la nota, se me ocurrió usar colores vivos y variados, para ejemplificar la diversidad de elementos que se combinan en el proceso de pensamiento para el diseño. La idea de un trabajo colectivo para llegar a un resultado en conjunto; el proceso en el que varias mentes conjugan sus conocimientos para concretar una idea de diseño nueva, dinámica e innovadora. Pensé personajes felices diseñando en conjunto, como si pudieran visualizar la idea en sus cabezas y llevarlas al plano real. Casi como una proyección 3D del pensamiento dinámico de diseñar”. www.patriciooliver.com.ar

012

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

series animadas

Sobre el muro del jardín Mini serie animada en diez capítulos En sus diez capítulos de diez minutos cada uno, esta nueva apuesta de Cartoon Network merece ser vista y disfrutada con todos los sentidos.

No cabe duda de que Cartoon Network ha creado a lo largo de los años un estilo muy particular de series animadas: desde los ya clásicos “Laboratorio de Dexter” y “Chicas Súper Poderosas”, a los éxitos del momento, como “Hora de Aventura” y “Un show más”.

Pero si bien la cadena continúa ese camino entre la fantasía, lo ridículo y la aventura, con series como “Steven Universe” y “Uncle Granpa”, gratamente sorprende ver que no todo se construye con esa fórmula de éxito, y que también apuesta a conceptos más clásicos, pero no por eso menos atractivos y bien realizados.

a medida que avanza la narración, hasta se vuelve intrascendente saberlas. Wirt (Elijah Wood) es un adolescente inseguro, un tanto negativo, siempre al borde entre lo infantil y la madurez, pues sabe que su rol como hermano mayor tiene un lugar importante en la dinámica entre ellos dos. Greg (Collin Dean) y su rana de nombres cambiantes es un espíritu alegre, un niño que no puede ver el mundo de otra manera que la que los niños lo ven. Está siempre alegre y dispuesto a cantar, aún en las situaciones menos favorables.

Surgiendo de series como “Adventure Time” y “The Misadventures of FlapJack”, el director Patrick McHale construye su propio cuento de hadas en su críticamente aclamado corto animado “Tome of The Unknown”. Basándose en el imaginario y personajes creados, Patrick es el responsable de la primera mini serie animada para la cadena: “Over the garden walls”. Con un clima oscuro (para algunos, tal vez demasiado oscuro para un público infantil), la historia está narrada en diez capítulos, claramente influenciada por las narraciones de los hermanos Grimm y el folklore europeo.

En su travesía, a estos hermanos los acompaña Beatrice (Melanie Lynskey), un pájaro azul del este parlante. En un bosque oscuro y lleno de personajes surrealistas y seres fantásticos, Sobre el muro del jardín hace un paseo estilístico por los principios del siglo 20, tanto en la literatura como la pintura, y posee influencias visuales de Max Fleischer y Richard Scarry. Con una banda de sonido compuesta por el grupo de gypsy-folk The Petrojvic Blasting Company, y una paleta de colores cálidos y otoñales (en contraste con grises y tonos más ocre y plomo), es imposible no sentir y palpar la calidad con la que está construido este pequeño cuento de hadas. + www.cartoonnetwork.com

Greg y Wirt son dos hermanos, y están perdidos en un bosque. Las razones que los llevan a estar en esa situación son desconocidas, y

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

014

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando Foto: Felipe González

música

Octafonic La otra revelación del rock, creada por Nicolás Sorín Un súper grupo nuevo de rock que desafía los límites del género y a la vez, suena bien rockero. Sus nueve integrantes vienen del mundo del jazz: bien formados, tocan perfecto, y hacen una música original, muy actual, cantada en inglés. Todos guiados por el talento creativo de Nicolás Sorín.

Para los que no saben quién es el mentor de Octafonic (banda de art rock revelación), acá lo presentamos: Nicolás Sorín. Hijo del director de cine Carlos Sorín, es un compositor, arreglador, productor y director de orquesta formado en el Berklee College of Music, de Boston. Premiado por la creación de muchos soundtracks, y por producir discos para otros artistas internacionales, desde hace unos años, además, coquetea tanto con el jazz como con el rock inteligente y de fusión. El caso de su última creación está dando mucho que hablar por su sofisticación y mezcla, a la vez que atrapa con sus canciones directas. Aquí nos cuenta sobre este trabajo con su noneto, y su gran disco debut llamado “Monster”. + Armaste primero el grupo y luego vino el disco, ¿o fue al revés?

NS Comencé primero con algunos temas, y luego formé la banda, para terminar de cerrar el disco. + ¿Cómo es tener un grupo tan grande y de talentosos? ¿Hasta dónde dejás que aporten?

NS En general, soy bastante obsesivo, y escribo todo antes del contacto con los músicos. Luego, por suerte, cada uno aporta desde su

personalidad, y ocurren modificaciones de forma natural. + ¿Cuáles son las principales influencias que alimentan esta ópera prima?

NS No sé si hay una influencia directa de alguien en particular. No obstante, hay muchos guiños y citas estilísticas. Lo pienso como un licuado de toda la música que me gusta. + ¿Qué pensás de la nueva escena alternativa del jazz/rock en la que están inmersos?

NS Creo que es un gran momento musical, muy abierto. Existen decenas de propuestas con improntas súper interesantes. Además, me parece positivo que es un momento en que los géneros y los músicos se empiezan a cruzar más, y de forma orgánica. + ¿Qué le dirías a alguien que recién descubre este “monstruo”, para que no se espante?

NS Que lo escuche con la luz prendida y el volumen alto. Que no tema, ya que en el fondo, somos buenos muchachos. + www.octafonic.com

Monster - Octafonic | S-Music. Argentina. 2014 Sorprendente rock inclasificable, pegadizo y enérgico. A lo largo del disco, se dan cruces de todo tipo como algo concreto, poético y electrificado. Todas compuestas por Nico Sorín y cantadas por él mismo en inglés, las canciones de Octafonic pasan por muchos lugares, sin caer en exageraciones ni liviandad. Con mucho carácter, expone la sinergia entre sus intérpretes (no es sólo lo que tocan, sino cómo lo tocan), creando un cocktail explosivo entre post rock, jazz, electrónica y funk. El debut de este noneto significó, no sólo hacer realidad en menos de un año el jugado sonido del grupo para la grabación, sino también que su propuesta tenga un alcance superlativo en su corta carrera. Producida por Sorín, la banda comenzó a trabajar a mediados de 2013, y enseguida grabó este interesante álbum. Lo editaron en forma independiente, y pronto agotó la primera tirada de mil ejemplares. Ahora, ya con un sello que los acompaña, y el mote de revelación 2014, el súper grupo va por el mercado internacional. Hay que destacar que son todos músicos que tienen años de carrera y experiencia en el medio; además, hacen diferencia generando algo nuevo y grupal, partiendo de la gigantesca capacidad autoral de Sorín. +

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+ mundo creativo

green design

Mafia Bags La mar estaba serena A partir de la reutilización de velas náuticas, se realizan prácticos bolsos, resistentes mochilas y accesorios. Marcos y Paz Mafia llevan adelante una marca con objetivo sustentable.

El campeón argentino de kitesurf acumuló durante años velas en desuso, hasta que se decidió por la reutilización creativa. Su actividad deportiva y la cotidianidad en la playa, lo animaron a lanzar el modelo “Classic Mafia”. El éxito obtenido terminó de decidirlo: se unió a su hermana Paz y lanzaron Mafia Bags; una propuesta funcional, diseñada para resolver.

Pensada para consumidores con un ritmo de vida activo, se presenta una amplia línea de resistentes bolsos, mochilas, billeteras y accesorios varios, destacándose por sus bloques de colores. Desarrollan diferentes modelos, en variados tamaños, con prácticas manijas y bolsillos. Cada producto es realizado con distintos paños de vela, lo cual les imprime un carácter único, continuando una historia.

La energía se transforma, se recicla y genera. Es por ello que, con el objetivo de obtener un impacto social positivo, Mafia trabaja en conjunto con Avanzar, una asociación civil encargada de vincular

a la marca con distintos talleres que fomentan la inserción laboral de los vecinos del barrio Los Piletones en Villa Soldati. En la página Web www.mafiabags.com se encuentra disponible la sección “Doná tu Vela” para que todo aquél que quiera, pueda donar velas viejas o rotas de windsurf, kite o de barco, colaborando con el proyecto, y obtener así un producto Mafia hecho a partir de su propia vela.

Se encuentran además vinculados a un equipo de deportistas profesionales que practican surf, snowboard, kitesurf y wakeboard, quienes serán próximamente los encargados de diseñar sus ediciones limitadas, bajo el nombre “Mafia Signature Models”. Los productos de la marca se adquieren en los principales locales de surf del país, así como en su tienda online. La resolución del reciclaje y la funcionalidad del diseño distinguen a Mafia Bags, que entiende de estar siempre en movimiento. + www.mafiabags.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @cronistademoda

moda

Transeúnte Trazo moderno La diseñadora Lula Rojas viste en femenino y masculino con un trazo moderno, impregnada del entorno, y desenvuelta en la función. En la ciudad de Córdoba recorremos su colección Docta, sus líneas arquitectónicas, y el potencial del diseño argentino.

En las prendas de Transeúnte es factible decodificar historias previas; detrás de ellas se esconden intenciones, materialidades y probabilidades. Desde 2013, la marca surge con la intención de fusionar la arquitectura y el diseño de indumentaria, explorando en la moldería, y expresándose en una moda unisex.

Docta fue presentada en BAFWeek, en el marco de la pasarela Mapa de Diseño curada por el Observatorio de Tendencias (INTI).

La colección se construyó (valga la redundancia) sobre el trazo urbano cordobés. El contraste se obtuvo a través de una paleta de colores naturales, tomando como referencia el río, las sierras, la vegetación, el aroma a peperina. Transeúnte rescata un hecho histórico para nombrar su verano. Córdoba es cuna de la primera universidad en nuestro país; se realizó entonces un recorrido visual por antiguos guardapolvos blancos, uniformes de acrocel y tablas marcadas. De allí se diseñan tipologías unisex con detalles

sastreros, prolijas prendas con definición y superposición.

Transeúnte está integrada por tres socios: Lula Rojas (diseñadora de indumentaria), Evangelina Cerutti (a cargo del área de finanzas) e Ignacio Cerutti (director ejecutivo). La innovación en el diseño encuentra coherencia en el punto de venta. Studio&Shop (Ituzaingó 1285) se encuentra en barrio Nueva Córdoba, y es al mismo tiempo espacio de venta y estudio. Esta excepción brinda al consumidor la posibilidad de observar el desarrollo, conocer las instancias de creación de una colección, descubrir (y valorar) cómo se realiza aquello que viste. Además, retroalimenta al equipo creativo, reconociendo en la cercanía al usuario.

Bocetando el paisaje y tomando nota de las necesidades de uso, Transeúnte diseña pensando en qué vamos a vestir mañana.+ www.transeunte.net

mundo creativo

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Elian enfatiza los contrastes de la ciudad de Besançon En su búsqueda que trasciende las fronteras del arte, Elian Chali desembarcó en Francia, y dejó su impronta en los muros de Besançon.

Del 8 al 20 de junio de 2014, el artista cordobés participó de la cuarta edición del festival de arte público Bien Urbain, en el que quince artistas intervinieron las calles de la ciudad que limita con Basilea, Suiza.

En el lapso de un mes, la ciudad se preparó para recibir diferentes manifestaciones en el espacio público. Murales, teatro, instalaciones y performance, entre otros, se dieron cita durante este festival, que contó con la curaduría de David Demougeot.

“Contrast” se llamó la obra que Elian Chali pintó sobre uno de los lados de la casa de Alain, un vecino de la silenciosa Besançon.

“Durante el proceso de la obra, pasamos por diferentes texturas de

relación, comenzando por negativa, hasta llegar a un nivel de compañerismo absoluto”, recuerda el artista autodidacta que viaja por el mundo pintando murales, y conociendo a otros artistas y culturas.

Acompañó a Elian, una completa grilla de artistas invitados al festival, integrada por: Jaz - Franco Fasoli y Pastel - Francisco Díaz (Argentina), Étienne Bultingaire y Aurélien Bertini con instalaciones sonoras y Les frères Ripoulain (Francia), Graphic Surgery (Holanda) , Zosen y Mina (España - Japón), Momo y Brad Downey (USA), Tellas (Italia). + www.bien-urbain.fr #DeCordobaAlMundo www.90mas10.com/decordobaalmundo

020

+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @cronistademoda

diseño

+ Auto a pedal para los más chicos

Little Man Pedaleando estilo Los automóviles clásicos de los años 50 se reproducen a pedal para los más chicos. Una propuesta personalizada de juego y aprendizaje psicomotriz, con intenciones serias de colección. Átense los cinturones, vamos a viajar en el tiempo.

El primer auto puede no ser a fricción, sino a pedales. Esa es la propuesta de Little Man, una iniciativa del estudio de diseño Arlandini, a cargo del diseñador industrial Martín Arlandini, con la técnica en comercialización Andrea Flores. El nuevo emprendimiento ofrece automóviles de dimensiones reducidas, con detalles hiperrealistas propios de los carros originales, para que niñas y niños puedan interrelacionarse con el objeto, desarrollando sus capacidades motrices.

“No es un auto feo”, es un trabajo de diseño industrial. Sobre un sólido chasis tubular, se monta una caja de cambios a engranajes, con dos velocidades. Son piezas de colección que recuerdan una elegancia de antaño.

Los modelos reproducidos (con detalle) recorren las décadas de los 50 a los 80. La referencia histórica atrapa la mirada de los adul-

tos, y sorprende a los más pequeños. El objetivo es realizar réplicas exactas, utilizando diferentes composiciones de plástico, hierro, aluminio y caucho, entre otros materiales. Un objeto lúdico para compartir gustos que perduran generación a generación.

Little Man entrega cada automóvil en un personalizado cajón de madera con el nombre impreso del dueño. Además, ofrecen garantía de por vida en el funcionamiento, ya que aspiran a transformar el juguete en un objeto heredable.

El aprendizaje se combina entonces con la propuesta lúdica, que suma valor con algo de nostalgia, y bastante para atesorar. Little Man se presentó en Auto Clásica 2014, encontrando miradas cómplices en los adultos asistentes y ganas en los chicos. ¿Te subís? +

022

+ mundo creativo

gastronomía

MAPA14 Aperitivos para ganar ¿Qué te vas a servir? Facundo Tochi (de Córdoba) obtuvo el primer premio en la categoría experto con su cóctel Little Blackberry Spritz, mientras que Matías Dana (de Rosario, Santa Fe) con su cóctel Cocomero Rosso, se hizo del podio en la categoría aficionados.

Ambos, junto a tus padrinos, viajarán a Italia.

Una receta, una historia. En los jardines de la Quinta Trabucco, se realizó el segundo Festival del Movimiento Aperitivo Argentino (MAPA14). Entre los 15 cócteles finalistas, el jurado -compuesto por Guillermo Blumenkamp (dueño y bartender del bar Doppelganger), Luciano Banchero (periodista y creador de Podcast.fm) y Pamela Villar (cocinera y propietaria de Yeite)- e invitados, eligieron a los ganadores 2014. Para la selección, se evaluaron tres puntos: la creación del cocktail, la elección de alguno de los platos creados por los cocineros que participaron de La Ruta de MAPA y el relato que los concursantes debían imaginar sobre sus tragos.

Con su cóctel “Little Blackberry Spritz”, Facundo Tochi contó la historia de la Quemadilla típica de Traslasierra; mientras Matías Dana, con su cóctel “Cocomero Rosso”, rompió el mito del vino con sandía. Además, en la categoría de aficionados, hubo otros reconocimientos de los cuales surgieron Sofía Galarce como segundo puesto con su cóctel “El Corazón de Hielo”, y Joe Fernández con su trago “Astral” se llevó el tercer puesto.

MAPA 2014 MAPA nació en el año 2013, de la mano de líderes de opinión y referentes, con el objetivo de unir a los amantes de la coctelería y de la gastronomía. Luego de los resultados positivos obtenidos, se observó la necesidad de darle un crecimiento orgánico. Por este

motivo, MAPA 2014 se propuso ampliar su alcance geográfico e impacto, convocando a profesionales y aficionados de las comidas y bebidas, para presentar su mejor creación. ¿Cómo participar de MAPA? Creando un cóctel aperitivo en relación a uno de nueve platos disparadores. Para el mismo, era necesario utilizar como mínimo uno de los productos de las siguientes marcas: Campari, Aperol, Cynar, Cinzano, Averna y/o Cazalis, en cualquiera de sus variedades. Al aperitivo se le sumaba una historia o relato, y un padrino de guía en el proceso. De los 314 trabajos recibidos de todo el país, el jurado seleccionó los 15 finalistas, los cuales se presentaron en la Quinta Trabucco, con sus propios stands. Luego de conocer las historias y de probar los aperitivos, los invitados al evento emitieron sus votos.

APERITIVO CON PREMIO Los ganadores Facundo Tochi y Matías Dana viajarán a Italia para seguir la ruta de los aperitivos con sus respectivos embajadores (Nicolás Marchetti de Córdoba y Federico Schneidewind de Rosario) y serán guiados por Martín Auzmendi, Embajador de MAPA. Alrededor de un aperitivo, se construyen excusas para reunirse, e historias para contar. Una nueva edición de MAPA con cuatro pasajes a Italia, listos para abordar. + www.movimientoaperitivo.com

LITTLE BLACKBERRY SPRITZ de FACUNDO TOCHI (categoría Expertos) -2 partes de Aperol -3 partes de quemadillo -1 parte de soda Decorar con rodajas de limón, menta y hierbas alimonadas (cedrón, lemon grass, albahaca limón, tomillo limón). Servir en vaso highball.

Para el quemadillo, colocar 130 grs de azúcar en una olla. Colocar una brasa encendida en la olla y tapar. Cuando se apaga la brasa, llevar al fuego y caramelizar. Agregar 1 litro de agua, y hervir hasta que se disuelva el caramelo. Apagar el fuego, y agregar 1 cucharada de miel, peperina, burro, cáscara de limón, cedrón, lemon grass, menta y tomillo limón. Tapar y dejar infusionar. Cuando se enfría, agregar 350cc de vino torrontés. +

COCOMERO ROSSO de MATÍAS DANA (categoría Aficionados) -1 parte de Cinzano 1757 -1 parte de Aperol -1 parte de jugo de sandía -1 parte de soda de sifón Decorar con bloque de sandía y menta fresca. Servir en frasco, con cubos de hielo. +

024 arte

+ mundo creativo

Fernanda Cohen Hojas a colores

300 marcadores, pinceles, lápices, lapiceras y tinta china. Una computadora, un escáner, una agenda. En el escritorio de Fernanda Cohen, entre fotos personales, siempre hay una hoja en la cual está bocetando. La ilustradora argentina, colaboradora permanente en 90+10, se encuentra dibujando.

Formada en la escuela de artes visuales SVA de New York, aprendió allí a “estar formateada, y por ende, a apreciar lo que era no tener estructura”. La ciudad que nunca duerme, la puso rápidamente en The New York Times, iniciando así una carrera que incluye trabajos para The Gap, Carolina Herrera, Coca-Cola, Macy’s, Sex and the City, Nylon, Flaunt, Paper, Glamour, Cosmopolitan, Ikram, Tiffany & Co., BBDO, DDB, Draft FCB, Publicis, MoMA Store, Harvard Business Review, Time, Fast Company, Random House, Doubleday, Scholastic. A nivel local, ilustró para Martín Churba, Jazmín Chebar y Clarín, entre otros tantos.

Luego del nacimiento de su hija Nina, notó que en los bebés existe “un punto en el cual los opuestos de la risa y el llanto se unen, y la expresión es casi la misma a esa edad”. La observación fue un dis-

parador. Durante todo el año dibujó en grafito esas caras, buscando captar el gesto, y produciendo 122 dibujos. MAMA se transformó entonces en una original muestra en la galería Elsi del Río (Humboldt 1510, CABA). Los rostros de los niños se transformaron también en señaladores magnéticos de edición limitada, producidos por Imanías.

En 2015, Fernanda Cohen vuelve a trabajar para Ikram (la estilista de Michelle Obama), con quien se inició en la ilustración de moda hace diez años. Mientras ilustra un cuento para niños, seguirá dando talleres de ilustración en Roseti Workshops, ilustrando las invitaciones de Frank’s Bar, y escribiendo su columna de ilustración en 90+10. Hay hojas en blanco en su escritorio, pero pronto serán proyectos nuevos. + www.fernandacohen.com

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mundo creativo 025 marketing

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1, 2 y 3. Claudio Rígoli, Iván de Pineda y Martín Barrantes acompañaron a smart en el Abierto de Polo de Palermo. +

smart junto al mejor polo del mundo El pequeño vehículo citadino acompañó al Campeonato Argentino Abierto de Polo de Palermo, el torneo más prestigioso a nivel mundial.

Siguiendo la estética rebelde y el espíritu joven propios del pequeño city car de Mercedes-Benz, el stand dedicado a la marca smart en la edición 121º del último Abierto Argentino de Polo de Palermo, propuso una tribuna exclusiva para que sus clientes disfrutaran del máximo certamen a nivel mundial jugado entre clubes. Ubicado sobre la cancha 2 de la Catedral del Polo (Av. Libertador y Dorrego), exhibió los modelos City, Passion Coupé y Passion Cabrio, y fue visitado por amigos de la marca, como Iván de Pineda, Gastón Recondo, Martín Barrantes, Juan

Marconi y Claudio Rígoli.

Cientos de smart ya se mueven por las calles de Buenos Aires, potenciando sus cómodas dimensiones de 2,69 metros de largo y 1,55 metros de ancho, que lo vuelven capaz de sortear el tráfico urbano con gran agilidad, y de aprovechar los espacios más reducidos a la hora de estacionar. Otra de sus claves es su motor compacto -potente y eficiente en el consumo-, que lo vuelve amigable con el medioambiente. + www.smart.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Enrique Avogadro (*) @eavogadro Fotos: Jorge Mañes Rubio

diseño

+ La bandera de la República independiente de Columbusplein, inpirada en el caos gráfico del campo deportivo local.

La cultura de la creatividad Una tendencia cada vez más fuerte en todo el mundo: encontrar soluciones viables y efectivas a los problemas humanos, administrando de forma inédita, los recursos con los que ya contamos.

Dentro de la ciudad de Ámsterdam, en Holanda, funciona Columbusplein: una micronación que cuenta con una bandera propia, una salsa típica, estampillas locales, y hasta un programa espacial “nacional”; iniciativas todas desarrolladas en el marco del proyecto de un grupo de diseñadores sociales que decidieron aplicar soluciones creativas para mejorar la vida de los vecinos de una de las zonas más vulnerables de la capital holandesa.

A través del diseño, los integrantes del grupo tuvieron éxito, allí donde los trabajadores sociales no lograron avances durante años. Con propuestas innovadoras y disruptivas, lograron involucrar a los vecinos en el desarrollo de la “República independiente de Columbusplein”, mejorar la cohesión social, darle una identidad sólida al barrio y, sobre todo, demostrar cómo la creatividad es una herramienta increíblemente valiosa a la hora de mejorar aquello que nos rodea.

Fantástica por donde se la mire, la experiencia de Columbusplein habla de muchas cosas al mismo tiempo: innovación social, identidad cultural, diseño aplicado a la vida cotidiana y mucho más, pero sobre todo, habla del poder infinito de la creatividad. Si con ella es posible inventar una nación donde antes había un barrio problemático… ¿Qué no va a poder modificarse por completo?

La pregunta, sin embargo, no es qué, sino cómo. En ese sentido, y al menos para empezar, es necesario acabar para siempre con la idea de la creatividad como un don exclusivo de unos pocos privilegiados, y empezar a entenderla como una cualidad inherente a todos los seres humanos; una característica básica de nuestra cultura y, a la vez, una poderosa herramienta para construirla.

Hablar de la creatividad en relación con la cultura no es nuevo, pero tal vez sí sea novedoso hablar de la cultura de la creatividad: una tendencia cada vez más fuerte en todo el mundo, que busca no ya inventar lo que no existe, sino desarrollar formas inéditas de usar los recursos con los que ya contamos, para encontrarle soluciones viables y efectivas a los pequeños y grandes problemas de la humanidad.

Abrirse a colaborar con desconocidos, compartir proyectos con personas de disciplinas distintas a la propia y salir a la calle a ver lo que está pasando, son todas formas simples –y hoy, Internet mediante, ampliamente accesibles-, para desplegar la creatividad propia, e inspirarse de la ajena. El momento es ahora, y la oportunidad no sólo histórica, sino también abierta, y disponible para todos. La creatividad es abundante e infinita; el desafío es ponerla en acción. +

(*) Enrique Avogadro es Subsecretario de Economía Creativa del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y director del Centro Metropolitano de Diseño (CMD). Es especialista en economía creativa, con experiencia en el desarrollo de políticas de promoción a las industrias creativas, al diseño y a la internacionalización.

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+ mundo creativo

publicaciones

The Tenebrae, el libro de arte Con más de ocho años de historias dibujadas, el diseñador argentino (colaborador de 90+10) ordenó cronológicamente las andanzas que emprendió con sus personajes. A través de la plataforma de financiamiento colectivo Ideame, publicó su primera novela gráfica.

El universo “The Tenebrae” se encontró finalmente con el papel. Tras un proceso de ordenamiento, Patricio Oliver exorcizó sus trabajos realizados, celebrándolos a través de una novela gráfica. En las páginas del libro de arte se pueden hallar a Priotcia, el ocultista, a los gemelos malditos y la serie de Cucos (que realizó para Kidrobot), entre otros personajes. Ante la idea, Patricio Oliver y Luciano Vecchio, bocetaron un orden. El objetivo era superar el registro, para no desembocar así en un álbum de figuritas coleccionables. A partir de allí, Oliver dedicó un frenético mes al diseño y armado del libro, llevándose todo el trabajo a casa.

Editorial MOEBIUS Autor PATRICIO OLIVER Formato 24,5 x 23 cm 96 páginas Español, inglés

El libro da cuenta de años de trabajo, y registra los procesos que conllevan la creación de los personajes y sus adaptaciones a otros formatos. La expectativa generada, logró la participación necesaria (incluso, superando el aporte requerido a través de Ideame), para transformar la propuesta materialmente. Inicialmente, el diseñador contó con el interés de los estudiantes de diseño y/o ilustración, pero en los últimos meses, se sorprendió con el disfrute del público infantil.

Ahora, el universo The Tenebrae tiene en las tapas del libro sus fuertes, y Patricio Oliver más aventuras por emprender. + www.thetenebrae.com | www.patriciooliver.com.ar

Punta del Este. Beach Houses Las líneas simples trazadas por el arquitecto argentino en Punta del Este y San Ignacio, se encuentran reunidas en un nuevo libro. Un panorama visual para su trabajo realizado al otro lado del río.

En el Museo de Arquitectura y Diseño, se presentó “Punta del Este. Beach Houses”. La propuesta editorial invita a viajar a Uruguay, allí donde el arquitecto argentino supo construir su impronta. A través de viviendas particulares, en las cuales reiteró su estilo, fijó un modo. Martín Gómez superpuso en los años los saberes de la profesión, el diseño de interiores y el paisajismo, para elevar precisamente líneas firmes, despojadas, en permanente contacto con el entorno natural.

Editorial LOFT PUBLICATIONS Autor MARTÍN GÓMEZ Formato 192 páginas Español

Recibido en la Universidad de Belgrano, Gómez residió muchos años en Uruguay, donde llevó adelante lo más diversos emprendimientos: residencias, edificios de viviendas, comercios, restaurantes, espacios culturales y públicos, entre tantos. En todos ellos, mantuvo sus formas modernas, con intención de despojo, y respeto por el entorno. En general, sus obras parten principalmente de la utilización de los recursos naturales que se encuentran en contacto directo con su entorno, característica que logra un atractivo único en ciudades como Punta del Este. Un libro para no pensar en nada más que descansar. + www.martingomezarquitectos.com www.loftpublications.com/loft

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

vehículos

HP EliteBook Folio 1020 Es la notebook corporativa más delgada del mundo, dice su fabricante: 15,7 mm de grosor gracias a su chasis de magnesio y fibra de carbono; y un kilogramo de peso. Un chip Intel Core M le permite funcionar sin ventilador. La pantalla (que puede ser táctil o no) es de 12,5 pulgadas, y con resolución Full HD o o QHD (2560 x 1440

píxeles). Ofrecerá 128 ó 256 GB de almacenamiento SSD, cuando salga a la venta en febrero. La batería interna ofrece 9 horas de autonomía usando Windows 8.1, según su fabricante. No se conoce su precio todavía. + www.hp.com

Nokia N1

Yotaphone 2

Es una tableta con Android 5, y la diseñó la gente de Nokia (la parte que no compró Microsoft). La fabrica Foxconn.

Es un smartphone con dos caras: la primera, una pantalla de 5 pulgadas Full HD, en donde podés hacer todo lo que hacés con un teléfono con Android, chip Qualcomm Snapdragon 800 y 2 GB de RAM: hardware de penúltima generación que anda muy bien. Del otro lado: una pantalla táctil de 4,7 pulgadas y resolución 960 x 540 píxeles, pero de tinta electrónica, como el Kindle. ¿Para qué?

Para ver información en pantalla sin gastar energía: libros, mapas, mails, textos de un blog. Podés mostrar lo que quieras, en rigor, a diferencia de la primera versión de este teléfono, incluso aplicaciones que no están pensadas para esta pantalla. No sirve para videos, claro, porque es su pantalla de tinta electrónica. Dice su fabricante que llega a América Latina en el primer trimestre del año. + www.yotaphone.com

Tiene una pantalla IPS de 7,9 pulgadas (2048 x 1536 píxeles), 2 GB de RAM, un chip Intel Atom de cuatro núcleos a 2,3 GHz, 32 GB de almacenamiento, cámara principal de 8 megapíxeles, 32 GB de almacenamiento interno y una batería de 5300 mAh. La carcasa, de aluminio, tiene 6,9 mm de grosor.

Va a estar disponible a U$S 249 en el primer trimestre de 2015. + www.n1.nokia.com

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

vehículos

Philips BDM4065UC

Xbox One

La diferencia entre un televisor y un monitor es cada vez menor, y esta última pantalla de Philips lo demuestra. Es un monitor de 40 pulgadas y resolución 4K (3840 x 2160 píxeles), lo que te permite sentarte cerca y tener muchísima información desplegada, sin perder calidad de imagen. Es un panel VA (que tiene mejores negros que un IPS o LCD convencional) con 60 Hz de tasa de refresco, contraste 5000:1 y brillo de 300 cd/m2. Viene con conectores DisplayPort, Mini DisplayPort, dos HDMI y cuatro USB. Precio: U$S 870 en Estados Unidos. + www.philips.com.ar

Finalmente, la consola Xbox One se vende en la Argentina, a un precio que oscila entre los $ 8999 y los $ 10.999, dependiendo del juego y de si viene o no con Kinect, el accesorio que suma identificación de movimientos para interactuar con el juego, reconocimiento facial y de órdenes verbales, etc.

Además de los juegos en Full HD, la consola permite gestionar la televisión (si tenés un decodificador digital), iniciar videollamadas, navegar por la Web, acceder a servicios de streaming de videos y más. + www.xbox.com

Logitech Bluetooth Audio Adapter Es un enchufe estéreo Bluetooth. Pero lo interesante de este modelo no es solamente que podés hacer streaming de audio de tu celular o tableta a un equipo de música, sino que tiene conector miniplug de 3,5 mm y los dos conectores RCA, lo que amplía notablemente su compatibilidad. Viene además con un botón para acelerar el emparejamiento y, según el fabricante, el alcance es de 20 metros. Y el enchufe para tener energía, claro. Precio: $399 a principios de 2015.+ www.logitech.com

Sony FES Watch

adidas MiCoach Smart Run

No es inteligente, pero igual es un reloj de pulsera muy novedoso, porque usa tinta electrónica en el cuadrante y en la malla.

Es un reloj para deportistas: con una pantalla táctil de 1,4 pulgadas, acelerómetro y GPS para determinar cuánto corriste y a qué ritmo, Bluetooth y 4 GB internos para cargarle la música que necesitás para ponerle onda al entrenamiento. También, Wi-Fi para transferir los datos que registra a una computadora y hacer un análisis de las mismas. La autonomía es de entre 4 y 8 horas. Precio: $ 3600. + www.adidas.com.ar/miCoach

Podés elegir entre combinaciones de blanco y negro (y variedades de tramados) para tener, con un click, el reloj que mejor combina con tu ropa del día. Sale a la venta en mayo. + www.sony.com.ar

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+ mundo creativo

marketing

+ Los 4 artistas autores de las 16 obras que se esconden en la ciudad.

#Converse4U

Intervención urbana 4 artistas, 16 obras, un par de pistas. La marca de calzado transforma la ciudad de Buenos Aires en un mapa de artes, le pone color, y te regala una obra.

#Converse4U es una acción creativa que involucra las redes sociales, el espacio urbano y quienes recorren diariamente la ciudad. Durante cuatro días se anticipa un lugar compartiendo pistas, e invitando al público a encontrar y quedarse con una de las obras de arte. Los artistas Andy Mermet, Javier Barilaro, Luti Vernet e Iván Enquin fueron convocados para hacer vibrar con el color de sus obras, las calles de Buenos Aires.

do, y el ritmo cotidiano es interrumpido. 4 artistas se expresan generando 16 producciones únicas que se pierden en Buenos Aires, esperando que te hagas de ellas. + www.converse.com.ar

Andy Mermet combina, a través de la pintura, el realismo mágico y la ilustración. Tomó la estrella (isologo de la marca), y la adaptó a la naturaleza onírica de su obra. Javier Barilaro dibujó la silueta de Sudamérica en cartón, realizando un trabajo colectivo con la cooperativa Eloísa Cartonera, que publica autores latinoamericanos. Las huellas de las zapatillas y la figuración en miniatura de bandas de rock distinguen la propuesta de Luti Vernet, mientras Iván Enquin trabajó el diamante y la estrella de Converse en calados de papel. Todas las obras se destacan por la personalidad de los artistas, el color y, cada una de ellas, lleva un elemento conector a la iconografía propia de Chuck Taylor.

Un tweet comparte el hashtag #Converse4U y una imagen. Es una referencia geográfica; un lugar clave de la ciudad de Buenos Aires. Una obra de arte se esconde en la calle, y aguarda que el primero que llegue siguiendo las pistas, se quede con ella. El gris de la ciudad se ve modifica-

+ Una de las obras encontradas

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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

discos

versiones distintas del compilado con el mismo título, o sea, que suman más de cien las canciones elegidas. Con esto, el gran camaleón blanco del pop cierra sus 50 años con la música. El cantante y multi instrumentista inglés nació el 8 de enero de 1947, está cumpliendo 68 por estos días, y su voz se oye impecable. Prueba de ello es el tema que abre esta trilogía: “Sue” es su más reciente canción, que vio la luz con un EP de impronta jazz, en noviembre último.

Toda la obra sigue un orden cronológico en los tres discos, retrocediendo hasta mediados de los 60. Pasa por sus últimos hits, las distintas facetas estéticas del duque blanco, y temas realmente buenos de su carrera. Aparecen joyas de su extensa discografía; están las colaboraciones con los más diversos artistas de la cultura rock como Queen, LCD Soundsystem, Trent Reznor o Pet Shop Boys.

Un recorrido ampuloso y memorable que incluye, claro, el clásico “Fame”, composición creada con John Lennon, y que fuera la que consagró a Bowie en USA en 1975. Todo cierra con dos buenos temas (casi inéditos para el gran público), del año 64. Las primeras grabaciones de este gran autor, pero con su nombre original: David Jones, y con la bandas del colegio, que tenía a sus 17 años.

David Bowie: Grande de éxitos Tratándose de un artista tan particular y productivo como es Bowie, puede resultar difícil hacer una retrospectiva o un disco de grandes éxitos. Y para este caso, fue el propio David Bowie quien se encargó de la curaduría de los temas que confirman “Nothing has changed”, que no hizo un disco, sino tres muy tentadores. A su vez, vienen tres

Esta es la tercera vez que sale un “The Best Of David Bowie”, pero en este caso, tiene aciertos muy singulares, que lo hacen verdaderamente especial. Hasta en el juego de la foto de tapa y sus tres versiones disponibles: en vinilo, la edición limitada de dos CDs, y la que contamos aquí, siendo la más importante y extensa. En total, la presentación de tres CDs contiene 57 tracks. Un verdadero combo para tener de una vez: la mejor selección musical hecha por el propio autor. + www.davidbowie.com/nhc/

mo libro-disco llamado “La Incertidumbre” tienen una amistad de años entre sí, pero además son referentes, cado uno en su disciplina. Casi sin proponérselo al principio, y con mucha creatividad luego, dieron lugar a este cruce único y a un producto híbrido; un objeto de arte que los mezcla y atraviesa a la vez. Pues para La Incertidumbre, tanto el escritor Ricardo Piglia, como el músico Luis Nacht y el ilustrador Eduardo Stupía pusieron su trabajo a disposición del otro.

Ricardo Piglia + Luis Nacht + Eduardo Stupía: La certeza de cruzar el arte Esta obra particular ofrece una suerte de retorno a la tradición del encuentro, y cruce entre los artistas plásticos, los músicos de jazz y los poetas. Los tres nombres que se dan cita en este bellísi-

Así es que resulta este libro-disco, en el que se puede escuchar al gran ensayista argentino leer sus propios cuentos, con una banda de jazz como cortina musical ambientando la lectura. Música original de Nacht inspirada en esos encuentros con sus amigos.

Y la forma en que todo eso se puede visualizar, quedó en las magistrales manos de Stupía, que intervino los textos impresos, y armó una serie de collages con impronta jazzística. Eso son las 50 páginas del book que acompaña el CD. Lúdicamente, estos tres hombres trabajaron dejándose influenciar entre sí, y a la vez traspasando las fronteras de sus propias disciplinas. La Incertidumbre es intervención mutua. Es un libro de arte, un disco de jazz (grabado a su vez por figuras nacionales del género), es un registro único con la voz del escritor, y es el espacio de juego de estos tres talentos, con rigor poético. Se trata de un objeto de colección que editó cuidadosamente el Club del Disco, como parte de los festejos de sus diez años. Se consigue en disquerías y en librerías de todo el país. + www.clubdeldisco.com/laincertidumbre

mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

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+ La mítica bebida alemana Jägermeister te acerca una selección de bandas y DJ’s de aquí y del mundo, que salen de lo establecido.

Animate a disfrutar de la “otra música”.

La Yegros La vuelta mundo con sabor a cumbia El proyecto de la cantante argentina Mariana Yegros está dando vuelta al mundo, con cumbia, chamamé y electrónica tropical.

Toca en vivo por toda Europa y América; conquista gente por YouTube con sus canciones, y tiene un tema en el juego FIFA 2014 World Cup Brazil. Ahora está en Argentina, grabando su esperado segundo disco.

La Yegros dió en Buenos Aires sus primeros pasos con Zizek, hace un par de años. Producida por Gaby Kerpel, editó su álbum debut en 2012: una mezcla de electrónica con ritmos argentinos litoraleños y cumbia. Ese disco llamado “Viene de mí” y su hit con el mismo nombre, siguen sonando en el mundo, pues se editó luego en USA y en Francia.

París es el segundo lugar de residencia de Mariana Yegros, así es que vive en un puente musical, y con su grupo trabajan aquí y allá. Por su atractivo show en vivo, en estos años de gira y festivales, han logrado fans en varios países, todos entusiasmados con bailar. Dentro de la escena alternativa aún, algunos acontecimientos la posicionaron mejor.

Uno de ellos es que en la banda de sonido del juego FIFA 2014 (de la Copa Mundial de Brasil) incluyeron su tema “El bendito”.

la Isla de La Reunión. + ¿Cuáles son los planes a futuro acá y en el exterior con el grupo?

MY Ahora arrancamos a grabar el próximo disco aquí. Un momento muy importante y emocionante para mí. Este fin de semana, vamos a tocar a Brasil. Pronto estaremos por primera vez tocando en México; volveremos a Colombia también. Y se viene una gira por toda Francia por un mes entero. Luego, tendremos noticias de próximos shows acá en Argentina, que deseosos estamos esperando, con tanto tiempo fuera de casa.

Aprovechando su estadía en Buenos Aires, donde están grabando el próximo disco, charlamos con ella sobre el presente y el futuro.

+ ¿Cómo preparás tu segundo disco y para cuándo?

MY Estamos a full con el nuevo disco. En este momento, grabando mis voces. En breve, arrancamos con toda la instrumentación. Ya tenemos casi todas las canciones; se está cocinando. Con muchas expectativas y deseos de que salga a la luz pronto, para compartirlo con la gente. Planeamos que para junio esté listo.

+ ¿Qué música nueva descubriste, o te ha influenciado últimamente?

MY Este año, he tenido la suerte de cruzarme con muchos artistas innovadores e interesantes en varios festivales que participamos.

Una de ellas es una cantante de Camerún, llamada Sandra Nkake, bella mujer con mucha fuerza y canciones hermosas. También Gasandji, otra fabulosa cantante del Congo, que tuve el placer de conocer bien en un festival muy atípico, donde convivimos por una semana con artistas de todas partes del mundo. Ella me cautivó con su voz y su carisma. Y la banda Lindigo, que hoy en día ya son amigos.

Conectamos por primera vez en Alemania, y toda la banda caímos rendidos ante su género musical llamado “maloya”, proveniente de

+ ¿Cuál es la esencia de la que se nutre tu música y lo que hace conexión con la gente?

MY Pienso que esa esencia es la autenticidad y transparencia que se plasma en el proyecto. Detrás, hay un equipo de personas que trabaja en pos de transmitir pasión y naturalidad, haciendo lo que amamos. Tanto en el estudio como en el vivo. Gaby Kerpel es un productor con un talento increíble; Daniel Martin un compositor con una profunda sensibilidad; los músicos con puro power que dejan todo en el escenario. Todos seres únicos y diferentes, que tenemos en común una esencia genuina.

Pienso que eso el público lo capta, y es ahí cuando sucede la magia. + https://es-es.facebook.com/LaYegros

LA REVOLUCIONARIA BOTELLA Un ícono de diseño, protege el sabor único de Jägermeister. Curt Mast -el cazador inventor y destilador original de Jägermeister- eligió una botella especial que llegaría a ser tan famosa como el propio licor que contiene. Tenía que ser completamente fiable. Es así que comprobó cientos de modelos diferentes, lanzándolos desde grandes alturas sobre un suelo de madera de roble. Sólo una quedó intacta. Una impresionante e incomparable botella, cuya fiabilidad llegaría a personificar su contenido: un símbolo de la auténtica artesanía. + www.jager.com

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+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera

diseño

Axoma Diseño Juego inclusivo Dominó obtuvo el primer premio en el 5° Concurso de Diseño de Juguetes en Madera, organizado por FEDEMA (Feria Internacional del Mueble y la Madera) en el pasado mes de octubre. La propuesta consta de un juego didáctico, que puede ser usado por niños no videntes, o con visión reducida. Las fichas poseen formas sobre los bordes, facilitando su reconocimiento a través del tacto y la simple identificación para el encastre.

Axoma es un estudio de diseño industrial compuesto por Germán Sbrascini, Diego Martín y Daniel Callegari. Desde 2001, se encuentran dedicados al diseño y desarrollo de productos, realizando consultorías, asesoramiento e, incluso, modelado digital. La dinámica es propia de un grupo de trabajo, desarrollando proyectos para potenciales clientes o concursos de diseño. Logran así integrar al equipo diferentes especialistas que actúan como asesores y colaboradores, según la línea que requiera cada proyecto.

En la última edición de FEDEMA, Axoma presentó Dominó: un juego inclusivo, realizado en madera maciza. El mismo consta de estuche, bandejas y fichas, donde cada componente posee una intervención directa en la secuencia. Además, la presentación completa incluye antifaces para los usuarios videntes. La propuesta permite dos, tres o cuatro jugadores individuales, o bien dos pare-

jas. Funciona también como dominó cruzado.

La elección de la madera maciza como material es precisa, ya que se permite apreciar la textura al momento del tacto, e incentiva el sentido del olfato, posibilitando la identificación del aroma de la especie utilizada. Las fichas están realizadas en listones de madera de palo blanco, mientras que para las bandejas se utilizó tablero multilaminado de pino. El estuche posee sus laterales en listones de palo blanco, las tapas en multilaminado de pino, las fijaciones de las manijas en barras de palo blanco, y los topes en varilla de pino.

El diseño puesto a disposición del tiempo lúdico que suma, utilizando la nobleza de la madera para el disfrute del tacto y el olfato. + www.axoma.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

branding + Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Virginia Campodónico | FV “Pinchar para que los diseñadores traigan nuevas ideas, y después hacerlas realidad” Virginia Campodónico es mendocina, y antes de venirse a vivir a Buenos Aires (por amor) y de ser actualmente jefe de marketing de FV, trabajó en una empresa de tecnología, que fue la primera en llevar Internet a su provincia, en 1996. Luego se vino a Buenos Aires, y no encontró trabajo en empresas de servicios sino de producto, comenzando como asistente de marketing en FV, y conociendo entonces este nuevo mundo, que le gustó mucho.

Su área abarca mayormente publicidad, y trabaja en un equipo que incluye desde el diseño hasta la comercialización del producto.

Suele participar en las “reuniones de diseño” que se realizan todos los lunes durante tres horas, y están integradas por el gerente general comercial, gente de marketing, el ingeniero de fábrica, el analista de mercado, el maquetista y el diseñador Juan Cavallero.

En ellas se piensa, se dibuja, se diseña, y se producen los prototipos que se testean. Hace más de cuarenta años que Cavallero diseña para la empresa, y “Ya es es parte de la compañía FV, trabajando desde la gráfica, el diseño industrial y también desde el arte”, dice Virginia. “Este equipo, salvo algunos cambios, trabaja durante años conformando un ente compacto en ideas, realización y conceptos sobre los productos a producir”, afirma Cavallero, invitado también a participar de esta charla.

Para Virginia, es muy rico que una empresa confíe en un estudio de diseño durante tantos años, “ya que conoce la marca, qué puede comunicar y que nó, y cómo hacerlo; está siempre mirando, controlando y trayendo cosas nuevas”. Cuando le pregunto sobre la clave de mantener una relación durante más de cuarenta años, Virginia me explica que la idea es “pinchar, para que los diseñadores traigan ideas nuevas, y después tratar de que se hagan realidad. Si el diseñador trae ideas todo el tiempo y nunca se produce nada, tampoco está bueno”. Son procesos que pueden durar dos años desde el diseño hasta la ejecución, y se hace todo en el país.

Cuando le consulto a Cavallero sobre las ventajas de la relación a largo plazo, sostiene que “La ventaja del trabajo en comunión durante tanto tiempo es que los integrantes del equipo se respetan entre sí, y hay una ayuda constante entre ellos, para sacar adelante un producto con las mejores características técnicas y estéticas”.

FV también tiene su espacio de arte, que comenzó en el 2002. Al principio era interno, sólo integrado por cuadros pintados por los mismos empleados. Y luego salió a la calle, a través del Programa Cultural de FV, organizando muestras de los empleados y familiares, en distintos museos y centros culturales. “En FV, todos tenemos el arte incorporado; a mí me encanta dibujar”, dice Virginia.

Cavallero es quien los impulsa a este mundo: publicaron el libro “Diseño Industrial Argentino”, y sentían que era tan rico todo ese material, que también editaron videos de diez minutos, con entrevistas a diseñadores industriales y estudios de arquitectura, que pueden verse en el canal de YouTube de FV. A la hora de mantener su cabeza fresca para pensar y tener buenas ideas, Virginia consume mucho Internet y ferias de diseño. Y con su equipo, salen a inspirarse. Ella pinta junto a su hija, como método fresh casero. FV apuesta al diseño industrial, y es una empresa argentina que se iguala en calidad, eficiencia y diseño a las mejores europeas. + www.fvsa.com.ar

MUNDO VIRGINIA Una ciudad para vivir. Buenos Aires Una ciudad para vivir a futuro. Mendoza Un lugar para ir de vacaciones. Cualquier lugar que no haya ido Una marca de tecnología. LG Un club. River Un producto de tu empresa. Línea Novum Skyline

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

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+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera

diseño

Toca Paper Creatures por Toca Boca y CHU En Barracas diluvia. En un estudio de líneas industriales, el artista argentino CHU y colaboradores trabajan contra reloj. El estudio sueco de diseño de juegos digitales presentó en Argentina Toca Paper Creatures, su segundo producto de la serie Artist Play Series, un juego de encastres de cartón de dimensiones fascinantes. Para armar una y otra vez.

Mientras los adultos experimentamos los días entre lo analógico y lo digital, debatiendo sus diferencias y nuestro porvenir, los nativos digitales navegan entre ambas realidades, sin cuestionamiento alguno. El juego puede ser físico o digital, o una combinación de ambos.

Artist Play Series surge la comprensión de esa sinergia, es por eso que Toca Boca invitó a artistas internacionales a experimentar y desarrollar juguetes físicos, que fomentan la imaginación y la expresión personal.

Toca Paper Creatures es un juego sin instrucciones; una caja con piezas de múltiples combinaciones. Colores, formas, e imaginación; el desprejuicio de los más niños será el mejor diseño. El artista CHU marca el vínculo entre el arte y el juego. Sobre la mesa expone partes del juego, las une al azar, mientras relata los procesos de prueba. Co-fundador del colectivo DOMA (proyecto experimental de arte/diseño multidisciplinario), es un artista vinculado a los inicios del street art de Buenos Aires. Ese bagaje, esa impronta de resolver y crear para innovar, se traslada al juego. El proceso de desarrollo llevó un año aproximadamente, desde el prototipo a la

presentación. En el contexto de la celebración del 25º Aniversario de la Convención sobre los Derechos del Niño, el 22 de noviembre se realizó un evento gratuito en el Parque Centenario, donde se conformó una criatura de madera de importantes dimensiones, de manera colectiva.

La primera producción de Artist Play Series, Toca Ink, fue realizada en colaboración con Virginia Elwood, artista del tatuaje radicada en Brooklyn. Inspirada por los gráficos llamativos de los personajes de Toca Boca, Elwood desarrolló seis tatuajes temporales, lo cual permitió a los niños imaginar lo que sería tener un tatuaje real creado por una de las artistas del tatuaje más hábiles y reconocidas del mundo.

Una caja de colores y las piezas con formas únicas propias del estilo de CHU, tiempo e imaginación. Esa es la propuesta de Toca Paper Creatures, disponible por U$S 30 en la tienda online de Toca Boca. ¿Jugamos? + http://shop.tocaboca.com/

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Nuevo Ford Mondeo La nueva generación del Ford Mondeo es uno de los modelos confirmados para el año que viene. El anuncio oficial lo hizo la marca, en el marco de un evento para despedir el año. Producido en Alemania, el Mondeo se exhibió en primicia ante los presentes. Se mostró con carrocería sedán de 4 puertas (también hay una de 5 puertas y una familiar), la cual se caracteriza por contar con un diseño alineado a la nueva imagen global de la marca. El nuevo sedán, que sería el destinado al mercado local, es casi 9 cm más largo que la generación anterior del modelo (aún a la venta), ostentando una longitud total de 4,87 metros.

En Europa, el modelo se ofrece con diversas motorizaciones, y de momento no se sabe con cuáles de ellas llegará. Entre las alternativas, figuran los Ecoboost, con inyección directa y turbo; hay un 1.0 tricilíndrico de 125 CV, un 1.5 de 160 CV y un 2.0 de 241 caballos; la gama diésel incluye un 2.0 TDCi con 210 CV. También hay una versión híbrida. El equipamiento es otro de los puntos destacados del modelo, que en Europa ofrece ítems como el sistema de frenado autónomo, luces LED adaptativas, estacionamiento automático paralelo y perpendicular, asistente de salida de carril, y airbags en cinturones de seguridad laterales traseros. + www.ford.com.ar

Toyota Hilux Limited

smart y el carsharing

Toyota presentó una serie limitada de 1.200 ejemplares de su pickup. Se trata del último retoque que recibirá la Hilux antes de su verdadero rediseño el año que viene.

En la actualidad, car2go es la forma más rápida y ágil de trasladarse. Con más de 850 mil miembros registrados, es pionera en el sistema carsharing, y se encuentra presente en 6 países y 30 ciudades del mundo. Ahora, la firma anunció el lanzamiento de su servicio de carsharing en la ciudad de Brooklyn, Nueva York.

Basada en la SRV Pack Doble Cabina, la más “full” de todas, la nueva edición se ubica por encima de esta antecesora. Se diferencia principalmente por una serie de accesorios funcionales, que por lo general, son muy valorados por quienes utilizan este tipo de vehículos. Entre ellos, se destacan: barra cromada, protector frontal, gancho de arrastre, cobertor de caja de carga, lona cubre caja de carga, cubre alfombra con traba de seguridad para el conductor Limited, llantas de aleación de 17” Limited, zócalos de aluminio Limited, y una serie calcos exclusivos Limited.

Se podrá elegir en color negra o blanca, y traerá de regalo una cámara GoPro como beneficio adicional. + www.toyotanet.com.ar

Con más de 400 vehículos smart, Brooklyn se presenta como la primera ciudad neoyorkina que cuenta con los servicios de carsharing de car2go. Esta disponibilidad permite que sus usuarios puedan trasladarse de un lugar al otro las 24 hs del día y los 7 días de la semana. Para localizar el vehículo car2go más cercano, los usuarios pueden visitar la aplicación en su smartphone (disponible tanto en iTunes como en Google Play), el sitio Web de car2go, o simplemente tomarlo de la calle. Cuando los miembros terminan de utilizar un car2go, pueden estacionar en cualquier lugar destinado para vehículos car2go. Sin costo adicional, car2go brinda estacionamiento, combustible, seguros, e incluye el mantenimiento del vehículo.+ www.car2go.com | www.smart.com/ar

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mundo creativo 045 vehículos

Audi 3 Sedán

Mercedes-Benz GLA

La primera silueta tricuerpo del A3 Sedán ya se encuentra en nuestro país. Se trata de la variante con baúl, que comparte plataforma con los A3 de tres puertas y Sportback con cinco puertas.

El inédito SUV más pequeño de la marca ya forma parte del portfolio argentino. Las versiones disponibles son dos nafteras con inyección directa y turbocompresor. La primera es la 200 Urban, con motor 1.6 de 156 caballos; la otra es la 250 Urban, con propulsor de 2 litros con 211 caballos. En ambos casos, la transmisión es la automática 7G-DCT con sistema de doble embrague, 7 marchas y levas en volante. En el GLA 200, la tracción es simple (delantera), mientras que en el 250 es integral inteligente 4Matic. Posee una longitud de 4,42 metros (el Clase A mide 4,29 y la GLK 4,54 m), un ancho de 1,80 metros y una altura de 1,49 m, mientras que la distancia entre ejes es la misma que en el “A”, de 2,70 m (2,75). El baúl posee una capacidad de 421 litros, con 150 más que el hatch. + www.mercedes-benz.com.ar

Tiene una longitud de 4,46 metros (el Sportback mide 4,31 m) y una capacidad de baúl de 425 litros (380), que se incrementa hasta los 880 litros cuando están plegados los respaldos traseros. Es capaz de acelerar de 0 a 100 km/h en 9,4 segundos, y de llegar a una máxima de 212 km/h, con un consumo promedio de 5,3 l/100 km.

El tanque de combustible posee 50 litros. + www.audi.com.ar

Renault Fluence

VW Fox y Surán

La marca del rombo presentó la nueva edición de su sedán. Fabricado en la planta que la marca tiene en Córdoba, el nuevo modelo dispone de un frontal con nuevas ópticas, que si bien son iguales en cuanto a forma y dimensiones a las anteriores, cambian por dentro (son focales de doble óptica). La gran novedad en el tema luces pasa por la incorporación de LEDs -delanteras, traseras y en guiños en espejo retrovisores-, las cuales se ofrecen en todas las versiones.

Las flamantes generaciones del Volkswagen Fox y la Surán ya se encuentran a la venta en nuestro mercado. Ambos modelos están alineados en cuanto a estética. Así, estrenan una nueva cara conformada por renovadas ópticas y parrilla, a las que se sumaron un flamante capó, paragolpes y guardabarros.

Otras mejoras perceptibles son su renovada parrilla con el logo grande en el centro y el diseño de sus nuevas llantas, las cuales pueden ser de 16 y 17 pulgadas, dependiendo de la versión. Puertas adentro, el cambio más visible es su nuevo tablero totalmente digital.

Esta renovación está presente en todas las versiones, lo mismo que la pantalla táctil R-Link, a través de la cual se puede comandar el navegador satelital, las funciones del celular, visualizar fotos y videos, entre las principales. Se continuarán ofreciendo los motores nafteros 1.6 de 16 válvulas de 110 caballos y el 2.0 de 143 caballos. + www.renault.com.ar

Los cambios en el interior de ambos modelos no son muchos, aunque sí hay mejoras en cuanto a seguridad. De las tres versiones (Comfortline, Trendline y Highline), tanto del Fox como de la Surán, la de entrada (Comfortline) se ofrece con: ABS, airbags frontales, dirección asistida, volante multi función (regulable en profundidad y en altura), radio con Bluetooth y ordenador de abordo I-System, entre los principales. Una de las incorporaciones más importantes en ambos modelos es el motor 1.6 de 16 válvulas de 110 CV (se suma al conocido motor 1.6 de 8 válvulas de 101 CV). El plan de VW es ofrecer a este último asociado con caja manual de 5 marchas en las versiones Comfortline y Highline del Fox y Surán, y dejar a la Highline con el nuevo 1.6 de 110 CV en sociedad con la inédita transmisión manual de 6 marchas, o la automatizada I-Motion de 5. + www.volkswagen.com.ar

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+ mundo creativo

marketing

Una mujer en movimiento, multitasking, permanentemente conectada.

“Estamos felices de poder contar con Marcela Kloosterboer en el marco del lanzamiento del LG G3, y además muy contentos de poder tenerla como nuestra nueva embajadora de la unidad Mobile de LG”, comenta Juan Manuel Cosentino, Brand Manager para Mobile LG Electronics Argentina.

Sí, Marcela Kloosterboer protagoniza el lanzamiento del nuevo LG G3.

La campaña cuenta con una divertida pieza visual, que narra un encuentro inesperado. Además, en gráfica (liderada por el fotógrafo Fabián Morassut), la actriz luce tres diferentes looks, pero el verdadero accesorio es el smartphone, que no pasa desapercibido con su pantalla con resolución Quad HD, y una cámara con autofoco láser. ¡Hay más! A su vez, Marcela aparece con un outfit deportivo que hace juego con el nuevo LG G Watch, un reloj inteligente que se conecta al LG G3 mediante Android, y brinda toda la información relevante al instante,

con tarjetas de notificaciones. Es decir que ahora, con este reloj, no importa en dónde quedó tu celular: podés saber quién te llama con sólo mirarlo. Claramente, un estilo tech.

El LG G3 posee una pantalla de 5,5 pulgadas, con una resolución de 2560x1440 con 539ppi, y cuenta con dual Windows -que divide la pantalla en dos, para usar dos App al mismo tiempo-. Sus botones traseros permiten desde subir el volumen, hasta funcionar como obturador para tomar “selfies”, las que salen perfectas gracias a su cámara frontal, que reproduce los colores con gran naturalidad.

La batería 3000 mAh extraíble del LG G3 permite un mayor tiempo de uso y, para mayor seguridad, dispone del código de toques KnockOn, pero ahora con una nueva versión superior, llamada “KnockCode”, que crea un código para entrar al teléfono solamente a través de golpes en la pantalla. + www.lg.com/ar

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mundo creativo 047 agenda + MUESTRAS/EXPOSICIONES/FERIAS HASTA 08/02/2015 CéSAR PELLi: ARqUiTECTo GLoBAL Exhibición de las obras del estudio de arquitectura Pelli Clarke Pelli, que han sido significativas para la trayectoria profesional de César Pelli, junto con obras de los últimos seis años.

Centro Cultural Recoleta, Junín 1930, CABA pcparch.com | www.centroculturalrecoleta.org

Jean Nouvel: “Project: office for living”. Esta vez, el arquitecto italiano Michele De Lucchi será el curador de la exhibición “The Walk” en el pabellón de Workplace3.0: un espacio con propuestas y soluciones de diseño para vivir los espacios laborales, según distintas interpretaciones contemporáneas.

“In Italy” será el segundo evento, curado por el estudio de arquitectura Four in the Morning. Se centrará en el diseño del arquitecto Dario Curatolo, que junto a grupo de productores y diseñadores, proyectistas y arquitectos, abordarán el tema de la planificación y diseño de productos. Por medio de videos, el curador invitará al público a realizar una exploración virtual del know-how italiano, y los procesos de producción detrás de cada objeto.

En su edición 18, el SaloneSatellite será la oportunidad para que los jóvenes diseñadores interactúen con empresarios, arquitectos, diseñadores de interiores y prensa, y se los invitará a participar de la sexta edición del concurso Premio SaloneSatellite. www.salonemilano.it

+ CONCURSOS/CONVOCATORIAS

DEL 14 AL 19/04/2014 SALóN DEL MUEBLE 2015 Edición 54 del Salón del Salón Internacional del Mueble (en sus categorías clásico, moderno y design), Salón Internacional de Accesorios de la Decoración y SaloneSatellite. También se desarrollarán las dos muestras bianuales Euroluce (con las novedades en iluminación de interior y exterior, sistemas y software de iluminación) y Workplace3.0/SaloneUfficio (dedicado a muebles y accesorios para espacios públicos y comunitarios, salones de espera y oficinas, iluminación para arquitectura, soluciones para audio y video, sistemas de seguridad, aires acondicionados y paneles solares).

Dos eventos se realizarán en simultáneo a los Salones: el primero hará foco en los espacios de trabajo, como una continuación de la instalación proyectada dos años atrás por el arquitecto francés

DEL 02/02 AL 16/03/2014 CoNCURSo DE DiSEño DE iNDUMENTARiA 2015 “Universal adaptabilidad a distintos cuerpos” Feria PuroDiseño invita a estudiantes o jóvenes profesionales, a desarrollar una prenda de segunda o tercera piel, fácil de producir, usar, probarse, de talle único, que pueda comercializarse dentro de la Feria.

Deberá incluir una resolución escueta de packaging. Los elegidos tendrán la posibilidad de exhibir sus diseños durante la 15º edición, y ser premiados con $ 3000 para cada uno. concurso@feriapurodiseno.com.ar www.feriapurodiseno.com.ar HASTA 30/04/2015 CoNVoCAToRiA DE DiSEñADoRES FERiA PURoDiSEño 2015 Feria PuroDiseño invita a los diseñadores argentinos y de otros paíes, a participar de su próxima edición, que se realizará del 21 al 25 de mayo de 2015 en La Rural. Por primera vez, se ofrecerá a los expositores una jornada inaugural especial el 20 de mayo, de la que sólo podrán participar compradores mayoristas, comerciantes, prensa e invitados especiales. info@feriapurodiseno.com.ar www.feriapurodiseno.com.ar

gastronomía CHARTREUSE JAUNE Basado en una receta del siglo XVI, este licor es elaborado, aún hoy, por los padres cartujos, quienes a través de su comercialización, mantienen la continuidad de la comunidad y de su fin último: la oración en silencio y soledad, según la inspiración de San Bruno, el fundador de la orden de los cartujos. Estos monjes son los únicos en conocer el nombre de las 130 plantas utilizadas para la elaboración del licor.

Chartreuse Jaune es una adaptación de la fórmula original, con 40% de alcohol. De apariencia dorada con reflejos verdes, en su aroma predominan el café moca y el chocolate oscuro con notas de menta, angélica, anis, pícea y estragón.

Su sabor es dulce, y en él se destacan la miel, la menta fresca con presencia de raíces, la cáscara de cítricos y las agujas de pinos, con un final dominado por el café moca, la menta, el anís y la pimienta negra partida.

Siendo una bebida muy deseada por los bartenders de todo el mundo, puede consumirse a temperatura ambiente directo como un digestivo, helado a una temperatura inferior a 0° centígrados o “en las rocas”. También se puede disfrutar con tónica y hielo, o como parte de infinidad de tragos, ya que sus características son muy complementarias con bebidas fundacionales como el gin, el whisky o el brandy. + www.chartreuse.fr

personas creativas

+ 049 diseño

Julio Oropel Un mix creativo

Es uno de los arquitectos y decoradores de interiores más reconocidos del país. Participó en muchísimas exhibiciones y ferias de diseño alrededor del mundo, y pone el alma entera en cada uno de sus trabajos. Un recorrido por los días de Julio Oropel, sus placeres, ideas y creaciones. | Texto: María Paz Berri

Es arquitecto desde hace más de 25 años, diseñador de interiores, uno de los ganadores de Casa FOA La Abadía 2014, presidente de DArA (Diseñadores de Interior Argentinos Asociados), y curador de Feria PuroDiseño. Pero además, este año, retomó una de sus pasiones: la docencia (en el posgrado de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UBA, DISIN -Diseño del Espacio Interior-).

Pasión, intuición, dedicación, experimentación y trabajo, son las claves de su proceso al momento de crear: “Todas las variables están presentes. La creatividad no es un hecho divino o el resultado de pura inspiración, sino que se trata de un camino que va siendo definido por la práctica”. Y en esa práctica, es donde el cambio de escala es una constante: puede diseñar tanto una casa como un objeto (no nos olvidemos que también crea piezas escultóricas en cuero, madera y metal, entre otros materiales), y nunca dejar de sorprender.

Y si bien, a veces pareciera que la arquitectura va por un lado y el diseño por el otro, Oropel está convencido de que el proyecto ideal es aquél en el cual ambos quedan entrelazados. Es claro: diseñar un interior para este apasionado que estudió en la Universidad Nacional de Córdoba (y que, como si sus títulos fueran pocos, también es matemático y físico), no se trata de ubicar correctamente objetos y muebles, sino de proponer una idea integral del lugar, en donde cada una de las partes formen un todo. “Si el profesional que diseña la vivienda o hace la reforma, no es el mismo que encarara el interiorismo, lo mejor es que puedan trabajar en forma conjunta desde el comienzo. Y si el mismo profesional se encarga de todo -arquitectura e interiorismo-, es la gloria”.

UNA CASA QUE ES UN MUNDO Las casas hablan de sus habitantes, de quienes las construyen cada día. A través de colores, de objetos, texturas y recuerdos, dejamos nuestra huella. Y con sólo entrar a los espacios, entendemos y conocemos la magia (o no), que se juega en esos sitios. Para Julio, esto es

esencial: tener en cuenta siempre las preferencias de los clientes, sus deseos y gustos particulares. Conocer sus costumbres y sueños, para luego dejarlos plasmados en cada detalle y en la atmósfera del lugar.

“No me gustan las casas impersonales. No me gustan los interioristas que plantean el interior basado en el concepto de que todo debe ser nuevo y ‘compatible’ con la propuesta. Es mayor el desafío de adaptar los objetos y elementos que hacen a la identidad del que habita, logrando que éstos convivan con el nuevo entorno. O mejor dicho, diseñar pensando en la historia y personalidad de cada persona”.

El año pasado, renovó un departamento suyo de los años 30, donde la madera es la protagonista (uno de los materiales que más le gustan, por su calidez, nobleza, sencillez y versatilidad). Lo hizo respe-

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tando muy bien la arquitectura, el entorno y el contexto del espacio.

La idea fue intervenirlo con un lenguaje actual, sin alterar la originalidad del espacio. Y lo logró: “Me reconfortó diseñar todos los ambientes en general. Es también mi estudio, y es como mi galería de diseño particular. El lugar donde tengo mis objetos preferidos, los muebles que son parte de mi historia; donde siento el afecto de los objetos regalados. Refleja mi afinidad multicultural y multiétnica”.

OROPEL OPEN 24HS Este año, estuvo nuevamente en Casa FOA, y la consideró un gran desafío para crear y experimentar. Ganó la medalla de plata a la Arquitectura y Diseño de Interiores por la materialización de Espacio Cetol: Un espacio mágico en el que la madera se destaca: “El área original carecía de la fuerza y personalidad que el resto de los sitios tenía. Básicamente, eran tres espacios muy diferentes, y en eso consistió el reto: darles unidad, armonía y belleza”. Y si bien el premio es un hecho que siente como un mimo para el alma, reconoce que “lo más importante es estar conforme con la propuesta y el resultado final”.

simas personas quieren incluir en su vida cotidiana objetos funcionales y lindos. “Lo que más me gusta es conocer los nuevos talentos.

En la sesiones de selección, es muy reconfortante ver cómo, a veces, hay cientos de productos, pero de golpe, y con una sola mirada, uno detecta lo que es diferente, pensado y único. Siempre buscamos creatividad, originalidad, y una propuesta en donde los detalles estén pensados en su totalidad. Es muy importante el diseño, pero fundamental también el packaging, la gráfica, la forma de comercialización, etc.”.

Para Julio, trabajar de lo que ama y le gusta, es un placer. Pero además, es un deseo para todo el mundo: “Que todos puedan vivir de los que hacen con pasión”. + www.juliooropel.com

También es presidente en DArA, un lugar desde el que trabajan para generar alternativas donde los profesionales puedan interactuar entre sí, crear acciones como cursos y concursos que permitan mejorar el nivel de conocimiento, y apoyar muestras de diseño que contribuyan a la difusión y posicionamiento del interiorismo; además de servir como puente para que los nuevos y jóvenes diseñadores logren su inserción en un mercado muy competitivo. “Siempre me gustaría dar más, y plantear más propuestas originales e integradoras. Este año, organizamos el Encuentro Internacional de Interiorismo y el primer libro DArA. Tenemos muchas y buenas ideas para el 2015”.

Pero como si eso fuera poco, participa como curador de la Feria PuroDiseño. Y esto le atrae cada vez más, porque entiende que el diseño dejó de ser algo para un cierto perfil de personas; hoy muchí-

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personas creativas 053 ilustración

Guy Billout

Rompiendo las reglas El ilustrador francés Guy Billout se caracteriza por la perfección interrumpida de sus escenarios notablemente arquitectónicos y de una naturaleza inmaculada, si no fuera por ese quiebre en contra de toda ley humana o natural, desafiándonos una y otra vez a desentender el mundo tal como lo conocemos. Con una trayectoria de 50 años, su humor le llega a adultos y a niños por igual. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

PARÍS Lo primero que noto acerca de Guy es una característica puramente lineal en su carrera, en donde muchos años de trabajo constante se resumen en tan sólo tres pasos cruciales, que sirven de pilares para entender toda su trayectoria.

Guy estudió diseño gráfico en la Ecole des Arts Appliqués de Beaune, y enseguida comenzó a trabajar en una agencia de publicidad en París. Después de un puñado de años aplicando lo que había aprendido en la universidad como mejor le salía, “Un amigo lo suficientemente bueno como para mostrarme las cosas de frente, me dijo que no era muy bueno en lo que hacía, que era un diseñador promedio; algo que yo en verdad ya sabía... Por algún motivo, también me dijo que debería hacer ilustración”.

Sin dudarlo mucho -y con las cualidades impulsivas de un joven de 27 años-, en 1969 decidió improvisar un portfolio de inmediato, y mudarse a Nueva York, como si fuera a la vuelta de la esquina. Claro que esos 14 dibujos que conformaron su primer portfolio como ilustrador, nada tenían que ver con el estilo que lo terminó consagrando. Por el contrario, opuesto a la consistencia de su trabajo actual, optó por usar diferentes técnicas, como acuarela, collage, tintas y demás (nada recomendable a la hora de proyectar la credibilidad que todo novato añora en este medio). Pero, sin siquiera entender bien cómo, cuándo o qué, ésta fue su tarjeta de presentación; así de simple. La aún popular New York Magazine le abrió sus puertas de la mano de -nada más y nada menos- que Seymour Chwast como director creativo, el diseñador/ilustrador y co-fundador de Push Pin Studios, una de las mayores influencias del momento en el mundo de la ilustración. “Seymour los vio, no dijo mucho, y los publicó en la revista”. Y así empezó todo.

fotográficas, en la arquitectura principalmente; empezaba dibujando en el lugar mismo, y después lo terminaba en mi estudio, usando la foto que había sacado”. Lo del hombre chiquito,con el tiempo, se lo fue apropiando, claro, como tantos ilustradores de esa época que eligieron destacar a la persona a través de su contexto, al estilo del también icónico Brad Holland. Pero el tiempo trae experiencia, y con la experiencia se enriquece el mundo que uno crea, para alejarse de los mundos que otros ya crearon, bajo el mismo proceso.

En 1982, se abrió una gran puerta: la revista The Atlantic Monthly le encargó a Guy hacer una ilustración de página entera a todo color, seis veces al año. “Empecé a usar fotos que había sacado de manera errática, y les agregué una vuelta de tuerca. Tenía que venir de algo que no pudiera inventar, como la arquitectura y los paisajes, muchas veces rompiendo las leyes físicas de la gravedad. Tenés que mirar muy atentamente para darte cuenta de que hay algo que está mal.

Esta tarea duró 24 años”. ¡El sueño de trascendencia editorial de todo ilustrador! Con este nuevo y definitivo estilo, llegaron otros clientes editoriales como The New Yorker, The New York Times, Travel & Leisure, Fortune y Time, y la excepcional tarea de ilustrar los reportes anuales de corporaciones como Herman Miller, LG (Corea) y Gard (Noruega), destacando con su estética la estrategia, el crecimiento, el desarrollo y el futuro de sus clientes.

NUEVA YORK En algún punto entre sus primeros pasos hacia el éxito en la ilustración y la estética que lo consagraría eventualmente, Guy se cruzó con las veneradas tintas Dr. Ph. Martin’s, dando así el primer paso de lo que sería todo el resto. “Estaba muy influenciado por JeanMichel Folon y la forma en que él aplicaba la tinta; era un personaje muy reconocido en Europa, y en la revista New Yorker. Otra cosa que saqué de él también es cómo retratar a la naturaleza, con un hombre chiquito en un mundo gigante. Poco a poco fui descubriendo la cámara, y en 1977 empecé a usar una Polaroid para mis referencias (*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com

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Siempre me intriga el proceso del ilustrador, por más de que todos terminemos siendo bastante parecidos. “Me consume bastante tiempo la conceptualización, de hecho, más que la ejecución. Tardo un día en el dibujo y un día en el color (promedio). La línea la hago toda a mano con lapiceras Rapidograph, usando la punta más fina posible, porque me da consistencia en el trazo; y el color lo hago con Photoshop. Originalmente, pintaba con aerógrafo, pero era más imperfecto”. Las ilustraciones de Guy, además de esta noción de que es imposible semejante prolijidad hecha a puro pulso, se destacan por la inocencia de su humor, mezclada con una sensación de inminente catástrofe. Según me cuenta, éste sería el resultado de la articulación de sus propias ansiedades, algo que dice no lograr a la hora de trabajar con clientes: “Nunca siento esa profunda satisfacción cuando no soy el único autor de una idea”.

que a libros para niños se refiere-, y está trabajando en su próximo libro para la editorial americana Creative Editions, con la dirección de arte de Rita Marshall. También le gustaría hacer animaciones con sus ilustraciones, e ilustrar exclusivamente usando textos de su autoría, para dejar de sentir esa frustración del director de arte, que siempre espera algo diferente a lo que él le gustaría hacer. “Sigo la filosofía del placer absoluto, aunque me cueste, porque tengo los hábitos ya muy formados”. Nueva York lo recibió con los brazos abiertos de par en par, y lo sigue mimando lo suficiente como para sólo volver a Francia dos veces al año. Placer absoluto, y nada más… ¡Vive la vie! + www.guybillout.com

AYER Y HOY Guy editó diez libros para chicos como autor e ilustrador, cinco de los cuales estuvieron en la lista de The New York Times Best Illustrated Children’s Books. El primero fue “Bus 24”, editado por Harlin Quist en 1973, un libro hoy diría casi de culto, basado en las críticas que encuentra en Internet. “Tuve la suerte de que me dieran libertad absoluta en mi primera experiencia. Me dijeron que hiciera el libro que yo quisiera, así que me fui al campo, y en dos meses lo tenía terminado. Sin sufrimiento, ni agonía”. Un hombre espera por el autobús 24, mientras imagina todo tipo de accidentes, por más de que cuando eventualmente llega el 24, nada terrible sucede. El encanto de Bus 24 se sumaba a la pequeñísima racha de libros peculiares para niños -como lo habían sido antes aquellos de Tomi Ungerer y Maurice Sendak-, donde el vértigo es bienvenido, a pesar de romper algunos ideales. Y la realidad es que los chicos, su audiencia principal, amaron la locura de sus ilustraciones y, cada vez que Guy daba una charla, ellos mismos narraban su propio contenido para otras posibles catástrofes del 24.

Hoy, Guy continúa siendo un privilegiado de la libertad total -en lo

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+ 057 moda

Jorge Williams

Aquel tiempo del oficio En las calles grises de Buenos Aires, en pasajes, esquinas y recovecos, se esconde algo del pasado porte単o.

En Palermo, entre atrevidas telas y colores, un sastre nos recuerda el oficio que fue y puede ser. | Texto: Celeste Nasimbera @cronistademoda Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

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No pasa inadvertido. Las miradas no pueden disimular, y descaradamente observan. Jorge Williams es un sastre de la Patagonia, con algo de espíritu de trotamundos, pero muy consciente de su entorno.

Camina enfundado en sus creaciones, vistiendo la bandera nacional, decenas de corbatas en una capa, transparencias, o motivos navideños. Un par de anillos sobre sus manos, sombrero, bastón, y la inherente seducción del dandy. Tiene estilo y lo sabe, lo provoca, lo disfruta.

Sobre Salguero al 2900, las letras dibujan su nombre y su oficio: sastre. En su tienda junto a Sandra Paiz, Jorge trabaja todos los días. Suena el timbre, ingresan dos señoras elegantes. Una de ellas tiene que tomarse medidas. Pasa a la habitación del fondo, mientras su amiga espera. “Me parece que ese pantalón no combina”; un sólo comentario, y toda la corrección que uno espera de ella, desaparece.

Williams encanta, y se le exige otra prenda para combinar con el saco estampado de figurines varios, en tonos amarillos y violetas.

En la tienda se arregla con dedicación todo aquello que el uso descose, mientras que en los percheros se acumulan trajes únicos. Una máquina de coser Singer, decenas de hilos de colores, sacos con las estampas menos esperadas, y sombreros varios. Jorge Williams es un sastre que conserva el tiempo del oficio y la desfachatez del creador. + ¿En qué momento decidiste ser sastre?

JW Tengo un problema: soy zurdo. Vos dirás, ¿cuál es el problema?

Cuando comencé la escuela, escribía con la mano izquierda. Eso fue un problema; la maestra me decía que era un burro. Soy hijo de descendientes colonos galeses, éramos cuatro hermanos, y vivíamos en la granja. El colegio católico fue otro problema: tenía que aprender el catecismo. Mi padre tenía un amigo tano que era sastre, y con él aprendí el oficio. + ¿De qué forma lo aprendiste?

JW Estaba en cuarto grado cuando empecé. Primero arranqué de cadete. Después empecé a agarrar la aguja, también haciendo hom-

breras que, en ese entonces, eran acolchadas. Estando, barriendo, acomodando, así fue que aprendí. ¿Sabes qué me incentivó? Ganarme mi moneda: podía comprarme un helado, ir al cine. Fui a dársela a mi papá, y él me enseñó a arreglarme con eso, a resolver solo. Fue una buena lección.

TRAJE DE TROTAMUNDOS “A los 19 años ya era maestro sastre, ya vivía en Trelew. Primero fui empleado, luego encargado. Al poco tiempo, cambié de local y me fui con otro sastre. Trabajé hasta que me independicé. Tenía mi boutique, pero presté hasta la chequera. Hacía trajes a cuenta, no les cobraba a mis clientes porque entendía que las prendas eran para casarse… Lo hice de buena fe”. No funcionó, y Williams decidió subirse a un barco junto a su mujer y su hija. El destino inicial fue Panamá y luego México, donde se instaló un par de años.

“De allí recuerdo que dentro de los sacos usaban forros de colores. Al volver, lo implementé acá, pero no lo aceptaron. Si viene de afuera sí, pero como lo hacía yo, no. Todavía funciona aquello de `lo traje de Europa´, como si aquí no fuera posible ser un creador”. En los papeles, Jorge Williams marcó pasaporte en varias ciudades de México, y cambió de domicilio, estableciéndose brevemente en Puerto Madrid y Bariloche. A Trelew fue y vino en nueve oportunidades.

Desde hace veinte años, está instalado en Buenos Aires.

VESTIDO DE OFICIO “Me considero un creador. Los trapos serán viejos, pero yo les doy vida. Con uno te hago una prenda. Hay que ponerle amor”. Jorge Williams entiende que las cosas ya no se hacen así, y que resguarda en sus bolsillos un modo de antaño. + ¿Pensás que hoy se valora el oficio?

JW No. Preguntás y no saben lo que hacés. Incluso, vienen a pedir trabajos, y no entienden. No está valorado. Vienen y dicen: “Me sale más el arreglo, que comprarlo nuevo”. Lo que no entienden, es que acá se hace un trabajo personalizado. Ahora las costuras vienen

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pegadas, y así venden trajes 2 x 1. Pueden comprar cómo y dónde quieran, pero acá se cuida la prenda, y eso tiene su precio. Yo tengo mi precio.

realizado por él mismo. Elige de los percheros el saco que decide llevar, combina el pantalón, suma algún detalle, y sale a tentar la indiscreción de los transeúntes.

+ ¿Cómo es el proceso del hacer?

JW La creación de un acto del creador. No miro, ni copio. Tengo la tela, y en algún momento, vienen las luces.

+ ¿Ves estilo en las calles?

JW No. En general, la gente no tiene estilo propio. Van como los corderos al rebaño. Les falta personalidad.

Para elevar el oficio, Jorge Williams se dedica (ad honorem) al cargo de vicepresidente de la Asociación Argentina de la Moda. Se viste para que lo vean, para mantener cierto espíritu dandista en las calles porteñas. Hay una preocupación (ocupación) en conservar aquello que aprendió.

Hay un discurso personal que se desprende en el hacer y en el vestir.

Jorge Williams encuentra en la sastrería un tiempo que le pertenece.

Mientras por las mañana ejerce el oficio, por las tardes lo transforma en una experiencia lúdica. “Yo tengo un estilo propio, soy libre. ¿Sabés lo que significa ser libre? Ser libre implica ponerse lo que uno quiere”. Ciertamente, Jorge Williams se pone exactamente lo que se le da la gana. Quizás allí se encuentran los motivos de las miradas. Hace lo que pocos se atreven. +

SR. ESTILO Jorge Williams sólo compra camisas. Todo lo demás que viste, fue

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+ Mireia Sallarès en el Monumento a las 7 Cabronas e Invisibles de Tepito. Barrio de Tepito, Ciudad de MÊxico, julio 2010. Foto: Ramiro Chaves

personas creativas

+ 061 arte

+ Creemos no equivocarnos si afirmamos que en todos tus proyectos hay una reflexión sobre la noción de identidad. ¿Qué es lo que identifica a Mireia Sallarès como artista?

MS Creo que algo que me identificaría como artista es que siempre he dudado de si soy artista. Otro aspecto que me ha acompañado es la inseguridad. Antes, era algo que escondía, porque me avergonzaba, pero creo que esta falta de identificación e inseguridad ha sido clave en mi trabajo, y me ha dado una gran libertad para meterme, por ejemplo, en terrenos y disciplinas no artísticas. Además, la inseguridad puede ser un gran motor creativo. Creo que una buena definición de artista es la que refiere a aquél (o aquélla) que se mete donde no le han llamado, y que busca lo que no se le ha perdido. + Vives entre Barcelona y otras ciudades, en tránsito. ¿Tiene tu forma de vivir consecuencias sobre el arte que creas con, por ejemplo, la atención siempre puesta en la condición de extranjería?

MS Creo que vivir en tránsito es una manera de entender algo que siento fundamental sobre el ser y la existencia y que, de alguna manera, podría ampliar la pregunta anterior sobre la identidad: nunca se es, sino que siempre se está siendo. Hay algo en la condición de extranjería que a mí me ayuda a no olvidar esto, y que configura mis proyectos, trabajos que se podrían entender como el material para un gran archivo de historias de vida. La condición de extranjería me interesa, porque no solamente afecta al que llega (al extranjero), sino al del lugar que lo recibe. Me gusta ubicarme en la inevitable ignorancia que acompaña siempre al extranjero, porque al que ignora, se le cuentan más cosas. Otro aspecto importante es que, como extranjera, una se sitúa en un lugar de vulnerabilidad (por todo lo que ignora: lengua, historia, códigos), pero también de fuerza (por la libertad de no pertenecer completamente, y que no te pertenezca aquello que observas).

La vulnerabilidad es un lugar común para relacionarnos. Nos es algo que debamos temer, y la extranjería lo resalta. Y, finalmente, quisiera subrayar que todos somos extranjeros. Es la condición existencial inherente en nuestros tiempos, común a todos nosotros, porque todos nos hemos sentido en algún momento extraños o extranjeros en nuestro propio país, ciudad, familia, cuerpo, género o ideas. Sí, incluso en esas ideas que pensábamos que eran tan nuestras. + La violencia y la verdad son también dos cuestiones clave en tu obra. De hecho, ¿podríamos decir que afirmas, por un lado, que la verdad es violenta, y por otro, que la violencia es verdadera? ¿En qué proyecto crees que estas ideas se ven más claramente?

MS La violencia, la verdad, el poder, los orgasmos, la legalidad, el amor o el trabajo (por citar otras cuestiones sobre las que se basan mis investigaciones artísticas) son conceptos potentes que se convierten en buenas excusas para poder averiguar aquello que más me interesa: lo que cada uno ha hecho con lo que la vida le ha dado y le ha quitado.

Historias de vida. La historia es para mí “la suma de todos los destinos humanos”, algo que también plantea uno de mis escritores favoritos, Danilo Kiš, autor de “La enciclopedia de los muertos”. La verdad fue el tema central de un proyecto que realicé en Caracas, titulado “Se escapó desnuda, un proyecto sobre la verdad (Caracas 2011-2012)”.

La verdad puede ser violenta cuando se impone, y puede ser muchas cosas. En mi opinión, siempre “se escapa desnuda”, porque a la verdad no le gusta que la encuentren allí donde esperan encontrarla. + ¿Cuáles son los motivos que explicarían el uso de la entrevista en casi toda tu obra?

MS Para mí, una entrevista es un encuentro, una relación, y toda mi obra tiene un gran componente relacional. Yo creo que el individuo como tal, como individualidad, no existe; lo que existe son las relaciones. Nos hacemos personas al relacionarnos. Me atrevería a decir que la soledad tampoco existe. Esto es algo que conversé con Alejandro Moreno, un cura y sociólogo al que entrevisté en Caracas, y que vive desde hace más de cuarenta años en la que se considera la

+ Una de las 12 placas que configuran el monumento a la verdad del proyecto: “Se escapó desnuda, un proyecto sobre la verdad (Caracas 2011-2012)”, Plaza Caracas. Foto: Gerardo Rojas

“favela” más grande y peligrosa del mundo: Petare. Las entrevistas me permiten, en definitiva, estar con el otro y escuchar su historia de vida. Su ejemplo de vida. Y esa es la esencia de mi obra: la vida que ha sido vivida. En varias ocasiones, he explicado que la vida vivida debería ser declarada patrimonio de la humanidad. Quisiera hacer un proyecto que pueda plantear eso seriamente. Presentar una propuesta formal a la Unesco, para conseguir que se declare la vida vivida patrimonio de la humanidad. Y a partir de allí, que se garantice como un derecho universal, que no se trata del derecho a la vida, sino el derecho a la vida vivida, que es otra cosa. + No hacer arte con una dimensión política explícita, ¿es también tomar partido? ¿Entre todos tus proyectos, cuál es el que más incidencia ha tenido?

MS En mi opinión, todo acto creativo, realmente creativo, tiene una dimensión política implícita. Por otro lado, en algunas ocasiones, los proyectos que se autodenominan políticos (sobre todo en un momento como el actual, que el arte político está de moda), no tienen un compromiso político tan interesante como algunos que no se autodenominan como tal. En ese sentido, yo me identifico más con esta cita del autor catalán Joan Brossa, cuando decía “El arte no es una fuerza de ataque, es una fuerza de ocupación”. No sé cual de mis proyectos haya tenido una incidencia política mayor. Tal vez “Las Muertes Chiquitas”, por aquella verdad de que lo personal es político; tal vez “Literatura de replà” (Literatura de rellano), por tratar de una problemática social urgente: la cuestión de la vivienda y la injusta penalización de la okupación. + ¿Nos ayudarías a presentar lo que es quizá tu proyecto más conocido, “Las Muertes Chiquitas”?

MS Es un proyecto que realicé en México, del 2006 al 2009, y cuya idea era investigar cuál es la relación que tienen las mujeres con sus orgasmos (la “muerte chiquita” es una expresión mexicana que hace referencia al orgasmo) y, por lo tanto, con el deseo y el placer, pero también con su reverso: el dolor, la violencia y la muerte. Se trata de un proyecto en el que entrevisté a unas treinta mujeres de distintas partes de la república mexicana, de distintas realidades y profesiones (indígenas, ex monjas, guerrilleras, profesoras, prostitutas, ricas, pobres, jóvenes y ancianas). Es un proyecto hecho desde la necesidad

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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+ Doña José, líder indígena. Colonia Centro Histórico, Ciudad de México, 2009.

Serie fotográfica de Las Muertes Chiquitas. Foto: Ramiro Chaves

+ Carmen, sexo servidora. Jardines Torres Quintero, Ciudad de México, 2007. Serie fotográfica de Las Muertes Chiquitas. Foto: Dante Busquets

(mi propia dificultad para tener orgasmos), con el que logré colaborar con mujeres generosas y potentes que dejan de ser leídas como víctimas, porque son dueñas de sus relatos. Narrarse como un modo de sobrevivir. El proyecto generó una película de cinco horas con las entrevistas a todas ellas, una serie fotográfica que retrata a las entrevistadas junto a un cartel luminoso con el título del proyecto en distintas partes de la república mexicana; y un libro que es la memoria integral del proyecto, y que incluye también ensayos de distintas autoras (por ejemplo, hay uno de Beatriz Preciado, que en mi opinión, es una de las filósofas más potentes vinculadas al pensamiento transfeminista). Es, en definitiva, un proyecto de esos que nunca terminan, que ha sido presentado, y sigue siéndolo en Latinoamérica, EUA y Europa, y cada vez que lo presento, lo acompañan debates o talleres que siguen ampliándolo. Se ha convertido en una herramienta de trabajo para algunos colectivos de mujeres en México, y eso me fascina.

Ha generado tanto o más interés fuera del campo del arte, que dentro. Podría hablar horas y escribir miles de páginas sobre el proceso y los resultados, y sobre cómo no hay una frontera clara entre uno y otros, porque es un proyecto que, ante todo, no jerarquiza. Tal vez, la frase que mejor lo representa es la que parafrasea (y amplía) el grito revolucionario mexicano de Zapata y Villa: “Los orgasmos (como la tierra), son de quien los trabaja”.

los golpes que le da la vida, y a pesar de las veces que haya caído o se haya equivocado, siempre se levanta y rectifica. Una cabrona no nace cabrona, se hace cabrona, y lo que la hace cabrona es su capacidad de recomponerse. Cuando en mi vida hay momentos que no veo una salida, mis maestras son las cabronas de Tepito. En el proyecto, hubo un especial cuidado en trabajar desde mi complicidad, honestidad y admiración hacia ellas. Ellas dicen que yo soy la 8ª cabrona de Tepito. Y eso es un honor tal, que con esa identidad, sí que me identifico.

+ Ser una “cabrona” en el barrio de Tepito (México DF) es un halago, pues significa ser una mujer capaz de rebelarse contra las injusticias del sistema patriarcal y desigual en el que vive. Éste es el punto de partida de tu proyecto “Las 7 cabronas e invisibles de Tepito (México, 2009)”, y nos gustaría saber si, de algún modo, te consideras también tú una “cabrona” con respecto a un sistema artístico que, sin duda alguna, es también desigual, patriarcal y eurocéntrico.

MS Lo que identifica a una cabrona en el que se considera el barrio más peligroso del DF (y por ello, más estigmatizado), no es ser una mujer fuerte con la que nadie se mete, y que se rebela de manera obvia, y haciendo mucho ruido. Una cabrona no es una mujer a la que nunca se han “chingado”, sino aquella que, a pesar de todos

+ Recientemente, has inaugurado una exposición en el Centre d’Arts Santa Mònica de Barcelona en la que, de algún modo, pones tu nombre al servicio de la cineasta Jill Godmillow. ¿En qué consiste el proyecto?

MS El proyecto titulado “Joan, Jill Godmilow (What Godmilow Taught)” parte de una entrevista que realicé hace un año a Jill Godmillow, una cineasta independiente reconocida y premiada en los EUA, que yo no conocía hasta que me escribió interesada en la película de Las Muertes Chiquitas. Es una autora que nos recuerda que el trabajo y la responsabilidad de un artista -sobre todo, cuando tiene voluntad política- no termina cuando la obra está hecha, sino que el autor debe implicarse también en su distribución. Un proyecto como Las Muertes Chiquitas no podían quedar en una serie limitada de videoarte para ser vendida solamente a colecciones de arte contemporáneo, porque la gente me pedía la película para poder tenerla y usarla, y Jill me ayudó a resolver ese problema. A partir de ahí, nos conocimos y convivimos, y me fascinó no sólo su trabajo, sino su compromiso de vida; entonces, decidí entrevistarla. Fue cuando descubrí que algo característico de su trabajo era precisamente el reconocimiento del trabajo de otros autores, y su capacidad para infiltrarse en ellos. Es un proyecto en el que más que poner mi nombre al servicio de ella, pongo mi nombre y mis modos de trabajo en relación con los de ella. El título es una cita con variación de la película “What Farocki Taught” (Lo que Farocki enseñó), que Jill realizó en el 1998, y que consistía en una copia exacta, pero en color y en inglés, del film de denuncia “Nicht löschbares Feuer” (Fuego

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+ Marilú, miembro de la asociación “Nuestras Hijas de Regreso a Casa”. Ciudad Juárez, 2008. Serie fotográfica de Las Muertes Chiquitas. Foto: Dante Busquets

+ Yolanda, ex guerrillera. Iztapalapa, Ciudad de México, 2008. Serie fotográfica de Las Muertes Chiquitas. Foto: Diego Pérez

inextinguible), rodado en 1969 por un director entonces casi desconocido: Harun Farocki. Mi proyecto plantea que el reconocimiento de la obra de otro puede ser un modo de apropiársela para hacer tu obra y, al mismo tiempo, darle un reconocimiento al otro.

amor. Partiendo de un contexto específico (Serbia), se pregunta si hay en el amor, además de la concepción romántica que implica básicamente a dos personas solamente, algo que pueda ser útil para la construcción social, que se aleje de lo identitario (familia, raza, nación), y que tenga su fuerza en el colectivo y lo común. El proyecto es el segundo capítulo de la “Trilogía de los Conceptos Basura”. Se trata de una reflexión sobre tres nociones (verdad, amor y trabajo) que, a pesar de ser fundamentales para el ser humano, parecen haber perdido sentido y valor en la actualidad, y reclaman una redefinición. De algún modo, lo que planteo, es que en tiempos de crisis, nos tocaría reciclar los viejos conceptos, en lugar de tirarlos a la basura, o de seguir explotándolos. + www.mireiasallares.com

+ Te hemos pedido una fotografía en tu estudio y nos has contestado que no tienes, porque tampoco podrías pagarlo. ¿Cómo consigue hoy una artista como tú hacer del arte una profesión?

MS No solamente nunca he tenido un estudio, sino que nunca he vendido una obra (sólo algún ejemplar de una serie ilimitada, a un precio muy módico). Por ello, tal vez, debería decir que nunca he conseguido “profesionalizarme”, ya que no vivo de la venta de mi obra. Pero hay un texto de Jodorowski que plantea que los artistas no deberían vivir de su trabajo bajo ningún concepto, porque pierden su libertad, y estoy bastante de acuerdo. No quisiera que se me entendiera mal: he participado activamente en la Asociación de Artistas Visuales de Catalunya (AAVC), que lleva más de una década luchando por los derechos de los artistas para que cobren por su trabajo, firmen contratos y reciban los honorarios por sus exposiciones. Lo que ocurre, es que la muy nombrada profesionalización del artista parece que sólo sea posible si la obra entra en el mercado. Y entendida así, ¿a quién beneficia verdaderamente la profesionalización del artista? Tal vez, solamente a los mismos que siguen beneficiándose en un sistema económico que cada año amplía las injusticias y diferencias sociales. Afortunadamente, he conseguido ganar becas durante los últimos diez años, que me han permitido desarrollar mis proyectos de manera bastante autónoma, sin necesidad de estar en el mercado, gracias también a que trabajo como realizadora freelance, y porque he renunciado a tener una estabilidad económica. Podríamos decir que vivo al día. + ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te gustaría contestar?

MS Por ejemplo, en qué estoy trabajando ahora, para poder contar que acabo de regresar de Serbia, donde durante los últimos seis meses, he empezado una investigación que explora el concepto de

Link a la nota: 9010.co/mireiasallares

+ Libro de Las Muertes Chiquitas. Editorial Blume, Barcelona 2009.

+ Ilustración: Patricio Oliver @patriciooliver

Design Thinking

Otra forma de pensar las cosas Si bien es un reconocido método utilizado para diseñar productos y servicios, también se postula como un camino válido para hallar soluciones y respuestas a nivel negocios, y hasta en la vida diaria. Con la innovación como norte, el Design Thinking se vale de metodologías que emplean los diseñadores profesionales. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

ideas creativas

+ 065 diseño

Es cierto que no es necesario ser un profesional para diseñar un objeto, o crear un modo diferente de hacer las cosas. También es cierto que la creatividad no es un patrimonio exclusivo de los artistas; está presente en todas las personas, y es un ingrediente necesario para vivir.

Nos enfrentamos todos los días a múltiples desafíos, para los cuales se necesitan respuestas, y es ahí donde (de una forma u otra, algunas veces con mayor éxito que otras) las personas ponen en práctica su creatividad. Siempre está ahí, lista para ayudar.

Ahora bien, los caminos para encontrar soluciones varían de persona a persona, pero bueno sería encontrar un método que ayude en la tarea. Ese método existe, y se llama Design Thinking. ¿De qué se trata? Pensar como un diseñador, utilizar sus métodos de trabajo y sus herramientas para crear o buscar soluciones a diferentes problemas.

Y aquí, la lista es infinita, según los seguidores del Design Thinking.

Si bien se puede decir que el método cuenta con varios padres o fuentes, fue IDEO -una firma de diseño multipremiada, con oficinas en Londres, Boston, San Francisco, Palo Alto, Chicago, New York, Munich, Tokio, Singapur y Shangai- la impulsora principal durante estos últimos años. El método de trabajo de IDEO se centra en las personas y sus necesidades, y postula la innovación como meta a alcanzar en todos sus trabajos. ¿Cómo lo hacen? Poniendo en práctica el método Design Thinking, a través del cual identifican las necesidades latentes, los comportamientos y los deseos de las personas, para luego diseñar productos, servicios, espacios y experiencias interactivas innovadoras. Además de sus propios diseños, IDEO también trabaja a nivel corporativo, ayudando a las organizaciones a construir una cultura creativa y sistemas internos, que les permitan innovar y emprender nuevos negocios.

a lo seguro. En cambio, desde el Design Thinking, se propone hacer las cosas diferentes, precisamente, poniendo en práctica la creatividad y la intuición.

Así es cómo cualquiera puede valerse de la metodología de Design Thinking -tanto las empresas como las personas-, sin importar el rubro en el que se manejen, ya que puede ser aplicado a cualquier objeto, idea o servicio. La clave está en innovar. Para eso, lo que habrá que tener en mente a la hora de plantear alternativas, es ser creativo, salir al mundo, observar, mirar, y generar empatía con los problemas y los desafíos reales de las personas.

El Design Thinking cuenta con tres etapas. La primera es la inspiración (inspiration), vista como la oportunidad de hacer algo. La segunda es generar una idea (ideation), momento en el cual se conciben soluciones en general. Finalmente, la tercera es la implementación (implementation), es decir, hacer realidad la idea. En todas las etapas, habrá que poner especial foco en el cliente/usuario de la innovación sobre la cual se trabaja. Asimismo, para lograr el objetivo, propone una lista de técnicas bien simples y al alcance de todos, como dibujar, construir prototipos y contar historias.

PENSAMIENTO A LA OBRA Actualmente, el desafío del diseño está puesto en las experiencias de los consumidores, más que en el desarrollo de nuevos productos. Para avanzar en Design Thinking, es importante entender cómo se desarrolla el proceso de interacción de las personas con los productos y los servicios, para que éstos resulten más funcionales y atractivos.

En otras palabras, se busca innovar. ¿Cómo? Desde adentro. Se necesita no sólo observar, sino también experimentar qué hace la gente y

+ IDEO planeó la identidad para el programa “Divide and Share” o Divvy de Chicago www.divvybikes.com. Fotos: Flickr Jaysin Trevino y Kevin Zolkiewicz

Según las propias palabras del presidente y CEO de IDEO, Tim Brown (portavoz y autor del libro “Change by Design: How Design Thinking Transforms Organizations and Inspires Innovation”): “Design Thinking es un método centrado en las personas, que busca la innovación a través de las herramientas utilizadas por un diseñador, que integra las necesidades humanas, las posibilidades que brinda la tecnología, y lo que se necesita para que el negocio tenga éxito”. Para Brown, pensar como un diseñador es la clave para transformar la manera en que las organizaciones desarrollan productos, servicios, procesos y estrategias, y el camino para llevarlo adelante se llama Design Thinking, el método que logra unir los deseos humanos con las posibilidades que brinda la tecnología, dentro de lo económicamente viable.

PENSAR COMO UN DISEÑADOR Generalmente, las personas no utilizamos todas las posibilidades que tenemos para resolver problemas; más bien, reproducimos esos caminos que ya probamos con buenos resultados. En otras palabras, vamos

qué no hace, qué busca y qué espera de un nuevo teléfono móvil o de su servicio de videocable, por poner ejemplos concretos. Por eso, una innovación será exitosa si toma en cuenta la experiencia del usuario y su respuesta emocional. Concretamente, se trata de sentir lo que la otra persona sentirá.

La clave para que el método funcione, es no generar ideas por separado, o en forma abstracta. Más bien, se invita a poner en juego diferentes recursos, entre ellos, dibujar. ¿El beneficio?

Las representaciones visuales ayudan a crear mapas mentales, y a reconocer conexiones que hubiera sido mucho más difíciles de identificar utilizando sólo las palabras. Lo mismo sucede con la idea de contar una historia sobre la idea o proyecto que se tiene, ya que de esta manera cobra vida, y es más fácil entender y explicar cuál es el valor de esa innovación. Por último, se invita a diseñar prototipos, que deben ser sencillos y de bajo costo, que servirán como modelo para comprobar la viabilidad de las ideas.

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+ Londres, Inglaterra, un museo que alberga una de las colecciones de arte más importantes del mundo. En este caso, el desafío era claro: se buscaba llegar a más personas que experimenten todos los recursos del museo, y que tengan las mejores vistas de las obras. ¿Cómo? De manera digital, a través de un nuevo Website.

IDEO puso manos a la obra y, valiéndose de las técnicas del Design Thinking, se reunió con artistas, empleados, visitantes y diseñadores, celebró talleres, y redefinió las herramientas digitales a utilizar. El resultado fue un Website, en donde los artistas pueden conocer más sobre las escuelas de la RA, y el público en general accede a la información extra de cada obra, por ejemplo, el objeto que sirvió de inspiración para la obra de un gran artista, entre otras cosas. La clave del éxito del trabajo fue, acorde al método, centrarse en las necesidades de las personas, y no en la estructura organizacional. Así, este nuevo espacio digital permite a las audiencias circular libremente por el museo, y descubrir detalles íntimos de las obras.

+ Diseño Web para www.royalacademy.org.uk

APLICACIONES DEL DESIGN THINKING Hasta aquí, la teoría de qué es y cómo se implementa el Design Thinking. Es momento de ver el método en acción, repasando tres casos en donde las personas fueron el centro del problema y, también, de la solución.

Uno de los casos de éxito en los que IDEO implementó el Design Thinking tiene sede en Chicago, Estados Unidos, una ciudad en donde el tránsito vehicular se convirtió en un problema a resolver. Y, como en muchas otras ciudades del mundo, la bicicleta resulta ser una solución para el transporte de cortas distancias. En 2013, se lanza el programa “Divide and Share” o Divvy, que en español significa dividir y compartir. Se trata de un servicio estatal de alquiler de bicicletas para trasladarse por la ciudad, pensado para trabajadores y turistas, disponible las 24 horas. El programa resultó ser un éxito, con lo cual el desafío fue ampliarlo. ¿Cómo? Ahí es donde entra a jugar IDEO, y su método Design Thinking al escenario.

El desafío tuvo que ver con diseñar una marca para el programa, que no sólo le dé una identidad fuerte y reconocible, sino que también conquiste a los actuales y futuros ciclistas de la ciudad. La nueva marca aparecería en todas las bicicletas, estaciones de cambio, camionetas de traslado, uniformes de los empleados y en las piezas de comunicación, y debía estar lista y en la calle en sólo seis meses.

Planteado el objetivo, la estrategia de IDEO fue asociarse con un estudio de diseño de marca local (Firebelly Design), para que colaborara en la solución. Hablando en términos del método, lo que se buscó aquí fue un socio que, entre otras cosas, conociera el ser y sentir de los habitantes de Chicago.

De esta manera, el nuevo equipo de trabajo que involucraba a IDEO, Firebelly y los responsables del programa a nivel oficial, condujeron múltiples encuentros y charlas con los habitantes de la ciudad, actuales y potenciales usuarios del servicio Divvy. Con el resultado de estas sesiones en las manos, se diseñó una marca que celebrara la alegría y libertad de andar en bicicleta, y que fuera parte del ecosistema de transporte urbano de la ciudad. El nombre Divvy se relaciona con el concepto de compartir, mientras que su diseño color celeste y sus seis estrellas hacen referencia a la bandera de la ciudad. De esta manera, la marca se transformó en una parte funcional y divertida de Chicago, y fue muy bien aceptada por sus habitantes.

El siguiente caso tiene que ver con el arte y cómo hacer que éste llegue a más personas. Se trata de la Royal Academy of Arts (RA), de

El tercer y último caso, también tiene sede en Chicago, Estados Unidos, pero esta vez, su protagonista es un equipo de fútbol, los Chicago Fire, con serios problemas para lograr que sus fans visiten su estadio.

Con el problema a resolver entre manos, convocaron a IDEO para que diseñara nuevas campañas de marketing que fueran memorables, con el objetivo de volver a llenar su estadio.

Durante tres meses, el equipo de trabajo de IDEO se interiorizó en la experiencia de ser un fan del equipo, para descubrir que la personalidad que proyectaba la marca era caótica. El primer paso fue definir seis personalidades características del fan de Chicago Fire -humano, rudo, irreverente, alternativo, orgulloso del equipo y curioso global-, y generar acciones puntuales que apunten a cada uno de ellos de manera directa. También se diseñó el planning de un nuevo estadio con múltiples áreas de servicio, incluyendo desde un gimnasio hasta un restaurante y un bar. A sólo tres meses de la implementación de las nuevas campañas de marketing diseñadas por IDEO, el resultado fue un creciente número de visitantes al estadio, que se vio reflejado en el aumento del 21% en ventas de tickets.

LAS CLAVES DEL MÉTODO Dado que abunda la bibliografía, y las opiniones a favor y en contra de la metodología en cuestión, vale la pena hacer foco en sus puntos clave: -Cualquier persona puede ponerla en práctica.

-Implica generar opciones creativas, para luego elegir la más acertada.

-Propone observar cómo la gente realmente utiliza los productos o servicios.

-Significa hacer más, con menos.

-Se desarrolla en tres etapas: inspiración (identificar las oportunidades), generación de ideas (crear soluciones) e implementación (puesta en práctica).

-Utiliza cuatro estados mentales: divergente y convergente; análisis y síntesis.

-Dibujar, contar historias y diseñar prototipos aceleran la innovación.

-Centra el proceso en las personas y en sus experiencias.

Hoy, el mundo necesita más que invertir en ciencia y tecnología para enfrentar los desafíos actuales y por venir. Hay múltiples problemas -muchos de ellos, generados por el hombre-, como el impacto de la vida moderna en el medio ambiente. Frente a la falta de respuestas y acciones concretas, se necesita un método que permita explorar nuevos caminos para enfrentarlos. Quizá, el Design Thinking sea una respuesta. + www.ideo.com

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+ Ray y Charles Eames

“El Design Thinking necesita más rigor científico” La visión de un diseñador sobre el método impulsado por IDEO. | Texto: Rodolfo Sánchez (*)

Si hay algo que nos enorgullece a los diseñadores es la idea de que poseemos una forma de pensar que nos es propia, y que nos diferencia de las demás profesiones, haciéndonos especiales. Somos el equilibrio justo entre arte y técnica: nos invitan a resolver problemas, y lo hacemos con exactitud y elegancia. Por momentos somos divergentes, y minutos más tarde, convergentes. En nosotros convive lo femenino y lo masculino, la pasión junto al más alto desapego.

Y si bien podría seguir un largo rato escribiendo sobre la intrínseca y necesaria dualidad del ser diseñador, es esa misma la que en este instante me inunda y, una vez más, me hace dar cuenta de que no es lo mismo diseñar hoy, que hace diez años, o veinte...

Pero como estoy entrenado para desafiarme, me cuestiono, y es entonces cuando redescubro lo que no cambia, lo fundacional. Y es ahí que la frase “El diseño es el método de la acción” de Charles Eames, me ayuda a poner cada cosa en su lugar. La verdad es que encuentro fascinante y revelador que el diseño exista en la manera en que elegimos hacer las cosas o, su corolario directo, el resultado del proceso está directamente relacionado con la metodología que utilizamos. Eames no está hablando de otra cosa que de “Design Thinking”, o la estructura o “schemata” que sostiene nuestra forma de accionar el diseño.

Ahora me permito un pequeño “mental leap”, y viajo a España, para recordar la respuesta que le dió a un periodista Frank Ghery, cuando éste le cuestionó su forma de hacer arquitectura: “Déjeme decirle una cosa, en el mundo en el que vivimos, el 98% de lo que se construye o diseña, es pura mierda”, mientras le mostraba el dedo mayor de su mano derecha. Dos cosas se me ocurren a partir de este episodio: la primera, es que tengo casi la certeza de que Ghery considera que su arquitectura está dentro del 2%; la otra es cómo la arquitectura ha llegado a un estado de situación en el cual

no es capaz de discernir si una obra vale la pena o no ejecutarse. ¿Cómo es que no puede poner fin a este continuo sinsentido de ejercicios formales que, como único mérito, tienen que demostrar la capacidad proyectual desarrollada que permite ejecutarlos?

Ya de regreso, pienso que el Design Thinking debe basarse en una estructura mucho más compleja y ambiciosa que la simple búsqueda de la inspiración o la generación de ideas, y no olvidar que Eames nos invitó a reflexionar sobre qué variables estamos dispuestos a incluir, y ponderar al momento de desarrollar un proyecto. Y es en esa decisión donde definimos qué visión del mundo tenemos.

El diseño no es sólo una manifestación creativa o un ejercicio formal; el diseño tiene consecuencias, y éstas no siempre están dentro de nuestras previsiones y control. El poder agente del diseño, en cualquiera de sus manifestaciones, es una característica intrínseca que hemos demostrado no estar en condiciones de gestionar.

Sólo basta con pensar en cómo el automóvil, la telefonía celular o la escalera mecánica y aire acondicionado han modificado y formado nuestra forma de vivir.

El Design Thinking necesita menos de fórmulas para estimular la creatividad y más de rigor científico, para poder definir y detectar variables que representarán restricciones que, a su vez, determinarán el verdadero rol del proyecto o solución. Se necesita redefinir paradigmas y comenzar a incluir etapas que vayan más allá del lanzamiento del producto, y comiencen a considerar como parte del proyecto tanto su concepción como su desaparición o posterior transformación, para nombrar algunos cambios posibles.

Cuentan que Ray y Charles Eames, al alcanzar el éxtasis con el diseño de una nueva silla, como filtro, respondían la siguiente pregunta: “Una nos encanta, ¿pero qué pasa con cincuenta o quinientas de ellas?” +

(*) Rodolfo Sánchez es ingeniero y diseñador industrial con más de veinte años de experiencia. Trabaja para clientes nacionales e internacionales en diversas categorías, en proyectos vinculados al desarrollo de marcas, productos y servicios.

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+ El futbolista David Beckham es embajador de ClimaChill.

adidas ClimaChill

Enfriamiento instantáneo para el deportista Sobre cemento o arena, el verano es tiempo de práctica intensiva. Los corredores inician el año con nuevos objetivos y metas para alcanzar. adidas comprende la importancia del control de la temperatura en el entrenamiento, es por eso que desarrolló la nueva tecnología de enfriamiento activo: ClimaChill. ¿Qué proporciona? Lo importante: bajar la temperatura y elevar el rendimiento del deportista. ¡Largamos!

El verano nos permite dedicar más tiempo a la actividad física, y es el momento para planear un entrenamiento sostenido. El escenario puede trasladarse o ser el parque urbano más cercano, pero hay algo seguro: las altas temperaturas. Es por eso que adidas, luego de numerosos tests, lanzó al mercado su nueva tecnología ClimaChill.

Las piezas claves de la gama son las camisetas de entrenamiento y las camisetas de tenis para hombre, incluyendo también la categoría de entrenamiento masculino y femenino completa, kids y tenis masculino. Las mismas incorporaron un innovador tejido que utiliza esferas de aluminio e hilos planos de titanio.

ClimaChill proporciona un efecto de “enfriamiento” instantáneo, y mantiene al atleta en su temperatura corporal óptima, lo que le permite poder entrenar por un tiempo más prolongado, y así obtener un rendimiento mejor. Las innovadoras esferas de aluminio se ubican en zonas estratégicas, en las áreas más cálidas del cuerpo, enfriando la piel al entrar en contacto con ésta. Además de los puntos de aluminio, el hilo plano SubZero contiene titanio, y es usado en las costuras de cada remera, ofreciendo mayor contacto con la piel que los hilos comunes (hasta un 36% más de capacidad de enfriamiento).

La tecnología ClimaChill fue testeada en las cámaras “Clima” de adidas de última generación, donde se probaron prendas mediante el

ideas creativas

+ 069 moda

+ La atleta Jessica Ennis-Hill entrena con prendas adidas ClimaChill.

+ El tenista Pico Mónaco se vale de la tecnología adidas ClimaChill para entrenar.

uso de una “placa caliente” de 35 grados, que simula las funciones críticas de la piel humana. De esta manera, se pudo determinar una preselección de telas funcionales, hasta llegar a la tela definitiva.

Heike Leibl, SVP entrenamiento de adidas, señaló que: “En adidas, nos esforzamos constantemente por crear innovaciones para que el atleta esté cómodo, y pueda concentrarse en el rendimiento. Las esferas enfriadoras de aluminio utilizadas proporcionan un efecto de `frío´ instantáneo para mantener al atleta en su pico de temperatura óptima, para que rinda al máximo en cualquier condición”.

El futbolista inglés David Beckham, embajador de ClimaChill, explicó que: “Jugar y entrenar en condiciones extremas puede ser un desafío, tanto mental como físico. La tecnología ClimaChill realmente ayudará a los atletas a concentrarse en su juego, para que puedan rendir al máximo, aún en las condiciones más difíciles”. En Argentina, el embajador de ClimaChill es el tenista Juan “Pico” Mónaco: “Los diferentes torneos en los que participo, hacen que juegue en condiciones climáticas extremas, con pocos días de diferencia. ClimaChill me va a permitir concentrar en dar lo mejor, y poder optimizar mi rendimiento, tanto en sesiones de entrenamiento como en el momento de juego”.

Un nuevo año comienza, y es tiempo de romper nuevas metas. ¿Adónde querés llegar? + www.adidas.com.ar/climachill

Link a la nota: 9010.co/adidasclimachill

+ Las prendas adidas ClimaChill poseen un innovador tejido que utiliza esferas de aluminio e hilos planos de titanio para bajar la temperatura corporal del deportista.

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+ 3DR Iris+, Walkera QRX350 Pro y Parrot MiniDrone Rolling Spider

Drones

Cuadricópteros a control remoto Algunos de los mejores modelos que pueden comprarse hoy.

Es un momento de gloria para el aeromodelismo. O de fastidio, porque los advenedizos que llegan con sus cuadricópteros, no siempre respetan las tradiciones de los aviones de radiocontrol.

Hasta hace no mucho, el aeromodelismo suponía emular, a pequeña escala, un avión real, usando motores eléctricos o de combustión y respetando, en lo posible -aunque no siempre, porque no es obligatorio- su aspecto, diseño, decoración, etc. También hay aviones a control remoto que son diseñados específicamente para ser volados con un mando a distancia. Y helicópteros, barcos y autos, claro: el concepto es similar.

¿Cómo elegir un drone, entonces? El precio, el tamaño y las funciones tienen, en general, una relación directa. Hay de cuatro rotores (cuadricóptero) y de seis (hexacóptero). Es casi inevitable que choquen con algo (pared, ramas, etc.) en las primeras pruebas. Es así que algunos tienen protección (un círculo de plástico o telgopor que evita que las hélices impacten contra algo duro); otros están preparados para que las hélices se suelten, y los motores se detengan ante un choque.

Los más baratos entran en un bolsillo, y son ideales para divertirse en un ambiente cerrado, pero la batería le dura unos pocos minutos.

En una plaza o en la playa, el viento se los lleva porque son muy

Pero ahora están los drones, esos cuadricópteros a control remoto que, a diferencia de los avioncitos, no son la reducción de un vehículo mayor: nacieron específicamente para ser pequeños y manejados a distancia. En muchos casos, se los usa para la guerra, al estilo de los misiles teledirigidos. Pero en forma creciente, se usan también para trabajos civiles y por diversión; han bajado de precio y han sumado prestaciones.

El drone tal como lo conocemos, además, tiene una ventaja sobre el avión: te da tiempo para pensar. Como el autito a control remoto, el drone puede quedarse quieto en un lugar (suspendido en el aire, claro), algo que no es posible con un avión a control remoto, que surca los cielos como un bólido, y sobre el que hay que estar más pendiente. El drone es más limitado en sus movimientos (casi no hay lugar para las piruetas tradicionales), pero a cambio, ofrece espacio para una cámara, mucha estabilidad para tomas aéreas, el uso de un GPS, y una computadora interna muy sofisticada.

+ DJI Phantom 2

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ideas creativas 071 gadgets

+ UDI U818A

+ Parrot AR.Drone 2.0

livianos, y sus rotores no pueden contrarrestrar esa masa de aire en movimiento, así que hay que usarlos con cuidado.

permite 28 minutos de autonomía. Un modelo más avanzado incluye su propia cámara.

Los más grandes tienen estabilizador, una autonomía de 15 ó 20 minutos, monturas para cámaras GoPro (o cámaras propias, aunque no suelen tener la misma calidad) y, dependiendo del modelo, conectividad Wi-Fi -que no requiere un control adicional, sino que se maneja con el smartphone, pero que tiene menos alcance- o el clásico control de los aviones, con 400 metros de alcance, y mejor respuesta a los comandos de ascenso, avance o viraje.

PARROT AR.DRONE 2.0 Uno de los clásicos del mundo de los drones, permite definir una ruta aérea que seguirá gracias a su GPS; tiene un modo “regreso a casa”; cámara integrada que graba videos en alta definición (y cuya orientación se puede controlar en vuelo), y los transmite por streaming al smartphone o tableta que los controla. Precio: entre 650 y 700 dólares en Estados Unidos.

Muchos de estos modelos, además, tienen GPS, tanto para seguir un recorrido predefinido y volver a casa -ideal para una toma aérea específica-, como para seguir a su dueño o quedarse inmóvil -o casi-, en un lugar específico. Además, tienen un estabilizador para la cámara (en inglés se lo denomina gimbal; en español sería un cardán o un giróscopo), que permite grabaciones de video, casi sin vibración. Los modelos más sofisticados usan ultrasonido para detectar colisiones posibles, barómetros para determinar su altura, y cámaras de baja resolución que apuntan al piso para medir el ascenso y descenso.

3DR IRIS+ Este drone es conocido, entre otras cosas, porque el firmware que controla el dispositivo es de código abierto. Y tiene tecnología de seguimiento si el usuario lleva un teléfono con Android y GPS, moviendo la cámara para mantenerlo siempre en el centro de la escena; también permite que se defina un trayecto, un punto de inicio al que debe volver si pierde la señal, etc. Tiempo de vuelo: entre 16 y 22 minutos por carga de batería, según el fabricante. Es compatible con múltiples controladores. Tiene un precio en Estados Unidos de 750 dólares.

La contra de los modelos más avanzados: el ruido y la potencia de los rotores los hace muy incómodos para lugares cerrados: si hay un papel suelto, saldrá volando casi inevitablemente. Lo bueno: los motores más grandes suelen ser “brushless” (lo mismo vale para el estabilizador de la cámara), que significa que usan imanes en los rotores, disminuyendo la fricción, y mejorando el rendimiento de los motores.

En la Argentina, el Código Aeronáutico no contempla su uso, por lo que hay un vacío legal respecto de los permisos requeridos para usarlos. Un proyecto de ley presentado en la Cámara de Diputados en 2014 buscaba definir legalmente esa categoría de vehículos aéreos no tripulados, o VANT (UAV, según sus siglas en inglés), ya que además del uso deportivo que se les suele dar, también pueden representar una invasión a la privacidad por el uso de tomas aéreas con sus cámaras. Cada uno tiene sus preferencias, pero acá están algunos de los mejores modelos que pueden comprarse hoy.

DJI PHANTOM 2 El drone profesional más conocido, el Phantom 2, tiene un precio de 800 dólares en Estados Unidos. Es un cuadricóptero con su propio radiocontrol, soporte para un estabilizador externo para la cámara, GPS integrado, y con una batería (removible) de 5200 mAh que le

Link a la nota: 9010.co/notadrones

WALKERA QRX350 PRO Cuatro rotores, posicionamiento por GPS, con baja batería aterriza automáticamente, soporte para GoPro con estabilizador de imágenes, 25 minutos de autonomía aérea, control por radiofrecuencias, estabilización automática de altura. Precio: 400 dólares en Estados Unidos.

UDI U818A Cuatro rotores, 30 metros de alcance para el control, giróscopo para mantenerlo nivelado, diseño modular para facilitar la reparación; tiene cámara integrada. Tiempo de vuelo: 9 minutos, y usa un control por radiofrecuencia convencional. Precio: 100 dólares.

PARROT MINIDRONE ROLLING SPIDER Uno de los drones más inusuales en llegar al mercado, combina cuatro rotores con dos ruedas desmontables. Está pensado para ser usado en interiores y exteriores, y puede tomar curvas de 90 grados, o dar una vuelta entera en el aire con un sólo click, además de rodar por el piso, paredes o el techo, estable gracias a su acelerómetro y giróscopo incorporados, además de sensor de ultrasonido para vuelos al ras del piso. Precio: 160 dólares en el país. +

ideas creativas

+ 073 arte

El tiempo del afiche

Ganadores del Concurso Arte Único Fernet Branca entregó los premios de la séptima edición de su Concurso Arte Único. Entrevistamos al Conde Niccolò Branca (presidente del Gruppo Branca International) y a los ganadores de años anteriores en el Palais Glace, para recorrer la tradición, el diseño y la comunicación propia de un afiche. En tiempos de Instagram, el arte único.

Hay saberes que se mantienen, modos que sobreviven, y espacios que no pierden vigencia. El afiche es uno de ellos. Surge al calor de la Revolución Industrial, atraviesa períodos artísticos, se diseña en el tiempo, y se conserva en nuestros días. Pieza visual, herramienta de comunicación, hoja en blanco para devenir en arte. Históricamente, Fernet Branca utilizó afiches, generando un repertorio de notables colaboraciones. Entre su colección, se destacan ejemplares realizados por Giuseppe Amisani, Elio Stelminig, Osvaldo Ballerio y Luciano Mauzán, entre tantos otros. El vínculo creativo se prolonga hasta nuestros días, motivo por el cual, desde el año 2008, se realiza el Concurso Arte Único. La última edición recibió 1.500 trabajos, demostrando el interés creativo que busca visibilidad.

“Es importante que los jóvenes encuentren un espacio de difusión”, comenta en italiano el Conde Niccolò Branca, quien representa no sólo a la empresa, sino también la actitud que la distingue. Viste elegante traje, escucha atentamente, y mira cada obra interesado en la forma. Hay una tradición que renovar, una intención creativa para comunicar.

Fue hacia 1845 cuando en Milán, Italia, Bernardino Branca elaboró el Fernet Branca. La bebida se popularizó rápidamente en nuestro país. Tanto es así que en 1941 la compañía se radicó en Argentina, instalando una planta con el objetivo de producir y distribuir localmente sus productos. “Branca nace con una particularidad: la primera es el secreto de la fórmula, y la segunda, la relación con el arte. Porque la historia del arte se cruzó con el afiche: la expresión artística estuvo presente en Branca desde el inicio, y sigue presente”, manifestó el presidente de la compañía.

“El afiche es una de las formas más antiguas de comunicación: hay que identificar qué es lo que quiero decir, establecer prioridades, y decidir las técnicas apropiadas para poder plasmarlo. Es un ejercicio interesante; el afiche te da una sola oportunidad, se imprime y queda plasmado”, explica la diseñadora gráfica Danila Moiana.

Todos coinciden en la eficacia del afiche a pesar de los años, y las novedades que conlleva. “Es un medio de comunicación expresivo, tiene una validez que no ha sido superada. Es como una cápsula en el tiempo”, enfatiza Pablo Derka.

Además de superar épocas diversas, el afiche se mantiene ligado al arte. “En mi búsqueda, intenté unir el afiche y el objeto de arte, detectar en la pintura los elementos para integrarlos, y contar así una historia que incluyera a un tercero, en este caso, Fernet Branca”, ejemplifica Pablo Daniel Luparelli. Todos los participantes volvieron sobre la historia de la marca, sus afiches, y cómo representar los valores que transmiten. Cada uno encontró sus modos y sus herramientas para relatar historias actuales.

El diseñador gráfico Nicolás Rago da cuenta del proceso pruebaerror como medio de aprendizaje; mientras su colega Andrés Mendilaharzu considera que las sucesivas muestras Arte Único que se realizan posteriormente, generan un valor diferencial. Gimena Ditamo cierra la charla, explicando la relación que se establece luego con la marca, generando espacios didácticos y de exposición.

“El afiche es una forma de arte. Parece simple a primera vista, pero no es así de fácil para crear. Hay que captar el alma del producto y tocar a la persona. Cuando un afiche logra eso, pasa a la historia.

AFICHES ÚNICOS Fernet Branca renueva su vínculo con el arte, llevando adelante el Concurso Arte Único. En 2014, la séptima edición incrementó el número de participantes, duplicándose en relación al año anterior. Pablo Daniel Luparelli (artista plástico, seleccionado en 2012), Danila Moiana (licenciada en publicidad y diseñadora gráfica, primer premio en 2010), Pablo Derka (diseñador gráfico, segundo premio en 2013), Nicolás Rago (diseñador gráfico, mención en 2012), Andrés Mendilaharzu (diseño gráfico, primer premio en 2012) y Gimena Ditamo (diseñadora multimedial, seleccionada en 2010 y 2012) participaron en diferentes ediciones del concurso, demostrando el interés por diseñar desde distintas vertientes, y el entusiasmo por encontrar un espacio de difusión. Cada uno de ellos demostró su inquietud por experimentar técnicas para generar afiches, recorriendo la historia del mismo y de la marca; incluso, manifestando un vínculo con ella. + Primer premio 2014: “Único por donde lo mires” de Guillermo Zapiola.

+ El Conde Nicoló Branca junto al ganador de Arte Único 2014, Guillermo Zapiola, y Gonzalito Rodríguez, quien condujo el evento de premiación.

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+ Segundo premio 2014: “Islabote” de Marino Nicolás Di Iorio.

+ Tercer premio 2014: “Vasos vacíos” de Gastón Rodríguez.

Pienso en Andy Warhol... La simplicidad del lenguaje es importante para llegar al público, unir la expresión interior y exterior en una trabajo de síntesis”, concluye Niccolò Branca.

(CABA), Lucas Puch Guasco (CABA), Cristian Lucero (Río Grande, Tierra del Fuego), Renata Cymlich (CABA), Yanina Salinas (Buenos Aires), Franco Cavallone (Rosario, Santa Fe), Esteban Serrano (CABA), Ramiro Amílcar Fernández (CABA), Florencia Macarena Basta (Buenos Aires), Andrés Miranda (Santo Tomé, Santa Fe) y Juan José Barrionuevo (San Miguel de Tucumán, Tucumán) fueron seleccionados.

Fue el artista Leopoldo Metlicovitz quien diseñó el águila y el mundo que se reproducen en las icónicas botellas de Fernet Branca. Un logo que se mantiene, y encuentra renovación en varios de los afiches creados por los jóvenes. La imagen de la marca busca innovación, rescatando su historia estética, y generando imágenes únicas.

LOS GANADORES DEL CONCURSO El pasado 17 de noviembre, se presentaron las 24 obras finalistas del Concurso Arte Único. Allí se conocieron los seleccionados, menciones y ganadores; las propuestas de cada uno de ellos conformará la muestra 2015. Este año, la temática fue libre, y los jóvenes pudieron enviar, en una primera instancia, su obra digitalizada a través del renovado micrositio www.arteunico.com.ar. El primer premio fue otorgado a Guillermo Zapiola (CABA), el segundo lo recibió Marino Nicolás Di Iorio (CABA) y el tercero fue para Gastón Rodríguez (Santa Fe). Los ganadores fueron premiados con $ 20 mil, $ 14 mil y $ 8 mil respectivamente. Además, Fernet Branca premió a los participantes que recibieron menciones con una beca de estudio por $3 mil para realizar cursos, talleres o capacitaciones relacionadas al arte y al diseño, en cualquier institución educativa del país, con total libertad de elección, tanto de la actividad a realizar como del lugar.

Ana Julia Fernández (Pergamino, Buenos Aires), Ignacio Varone (CABA), Eleonora Ridi (Mendoza) y Sofía Ugarte (CABA) obtuvieron menciones. Por otra parte, Juan Manuel Pons Lezica (Buenos Aires), Lucía Martorell (CABA), Gustavo Scacchi (CABA), Giuliana Grippo (CABA), Juan Martín Romaris (CABA), Luciano Verón

La decisión estuvo a cargo del jurado, integrado por Enrique Longinotti (arquitecto y docente), Florencia Battiti, (docente y curadora externa del Malba), y tres nuevos integrantes: Ana María Battistozzi (crítica de arte y curadora), Santiago Porter (fotógrafo) y Cristian Turdera (ilustrador). La selección se realizó entre más de 1.500 inscriptos. + www.arteunico.com.ar

+ El Conde Niccolò Branca (presidente del Gruppo Branca International) y los ganadores de las distintas ediciones de Arte Único.

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Concurso de Diseño Masisa Premiar la creatividad de la región

En forma simultánea en Argentina, Brasil, Chile, México, Perú, Colombia, Ecuador y Venezuela, la empresa que fabrica y comercializa tableros de partículas y de fibra de madera para muebles y arquitectura de interiores, organizó la 6° edición del Concurso de Diseño Masisa para estudiantes 2014. Un repaso por los tres ganadores locales.

+ Sesenta grados de Luciano Licciardi, medalla de oro.

De entre los doce proyectos finalistas de Argentina, el jurado -compuesto por los diseñadores Eduardo Simonetti, Ricardo Blanco, Miki Friedenbach y Eduardo Naso, junto a Matías Correa Garlot, María Taussig y Francisco Estruga de Masisa- otorgó las medallas de bronce, plata y oro, así como el iPod touch al proyecto favorito del público, elegido a través de las redes sociales de Masisa. El ganador de la medalla de oro pasó a la instancia de premiación internacional en la ciudad de México, donde se definirá quién ganará un pasaje y €1.000 en concepto de viáticos, para visitar alguna de las ferias de diseño más importantes del mundo que se realizan en Alemania, EE.UU., Francia, Inglaterra o Italia, durante 2015.

Los estudiantes y recién graduados de las carreras de arquitectura, diseño y afines, fueron convocados a diseñar muebles modulares

para el hogar, que satisfagan necesidades contemporáneas del día a día, y sean del tipo RTA (Ready to Assembly). Este año, el certamen recibió más de 950 proyectos en toda la región. Doce proyectos fueron seleccionados a nivel nacional y, con el asesoramiento de Masisa, pasaron a la instancia de producción del prototipo, para luego ser expuestos el día de la premiación, en el Museo Fortabat de Buenos Aires. Pero sólo tres fueron premiados.

DISEÑOS PREMIADOS La medalla de plata fue para la silla Tempo de Alan Arias Molina, estudiante de la carrera de diseño industrial en la facultad de arquitectura, urbanismo y diseño de la Universidad Nacional de Córdoba. Con sólo una placa Masisa se puede producir este mobiliario versátil, que requiere de ocho piezas, para adoptar veinticinco

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+ 077 diseño

+ Silla Tempo de Alan Arias Molina, medalla de plata.

+ Banco Guillerme de Abel González y Exequiel Cantarutti, medalla de bronce.

posiciones. Respecto del paso del boceto al prototipo, Alan destacó que “Fue algo realmente gratificante y motivador ver realizada una idea propia, y sentirse que fue proyectada en conjunto, como en un grupo de trabajo”.

en cambiarlo por un módulo “triángulo” de mayor tamaño, ya que éste, al realizarlo había quedado bien. Esa fue la única modificación.

El banco Guillerme de Abel González y Exequiel Cantarutti -compañeros de tesis de la carrera de diseño industrial en la FauDi (Facultad de arquitectura, urbanismo y diseño industrial) de la Universidad Nacional de Córdoba- recibió la medalla de bronce. Solo o combinándolo, Guillerme puede cumplir las funciones de un banco, una mesa, un esquinero, una estantería y las que surjan de su uso.

Manteniendo la idea de la curvatura, el dúo creativo espera poder comercializar la pieza, y extenderla a toda una línea de muebles.

Finalmente, los módulos Trama de Mauro López (quien cursa las últimas materias de la carrera de grado en diseño de interiores y equipamiento de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán) fue el favorito del público. “Creo que vieron en Trama un producto para acompañar la vida cotidiana del hogar, aportando funcionalidad y estética, para equipar aquel sector de mayor preferencia dentro de sus casas o departamentos, y exponer en él sus objetos favoritos”, apuntó su creador.

+ ¿Por qué creés que el jurado eligió tu proyecto?

LL Si bien se ve muy sencillo, el proyecto funciona muy bien, y el hecho de no necesitar fijaciones estancas como tornillos o encolados, fue un punto a favor. También tiene como ventaja que el sistema está compuesto sólo por secciones cuadradas de madera, lo que permite el total aprovechamiento de las placas comercializadas por Masisa, como así también, bajos costos de mecanizado y terminaciones. + ¿Te gustaría ponerlo en producción?

LL La verdad es que, si llegase a pasar, sería algo increíble. Sería más que un sueño realizado, estando todavía en carrera y con un producto propio, no habría más que pedir. Sin dudas, sería lo mejor hasta ahora. Estoy más que feliz con todo lo que el concurso me aportó y me hizo vivir. + www.masisa.com/arg/

LA MEDALLA DE ORO Sesenta grados es el nombre del conjunto de módulos presentado por Luciano Licciardi, estudiante de diseño industrial en la Universidad Nacional de Mar del Plata, que se adjudicó la medalla de oro. De fácil ensamble, está pensado para que los más pequeños puedan organizarlos y distribuir de manera lúdica, de acuerdo a sus necesidades. + ¿Cómo fue la experiencia de pasar del boceto al prototipo? ¿Tuvieron que hacer cambios con respecto a la idea original?

LL La experiencia de ver el prototipo fue muy gratificante, ya que al estar todavía estudiando, es raro ver que algo que bocetaste, le buscaste la vuelta y diseñaste, se haya convertido en un objeto real, a escala real. Si bien los materiales no eran los definitivos, se veía muy bien. Pero tuvimos que realizar cambios. Al principio, el proyecto constaba de dos módulos distintos, pero al materializarlo, surgió que el módulo “rombo” no funcionaba completamente, no quedaba firme. Por esa razón, me contactaron desde Masisa, y concluimos

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+ Trama de Mauro López, favorito del público.

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10 años de 90+10 Compartir inspiración

Una idea que surge a partir de una película. El desarrollo de un proyecto personal que deviene en empresa, y se reinventa continuamente. 10 años comunicando y hablando de diseño y creatividad, como argumento para contar historias de gente e ideas creativas, que influyen en este mundo moderno, conectado, y en constante evolución.

Pensativa, Scarlett Johansson hojea una revista sentada en la ventana de un altísimo edificio en Tokio. Está en un momento de su vida en el que reflexiona sobre su presente y proyecta su futuro, un tanto desconcertada. Acaso en esa misma búsqueda se encontraba Gonzalo Fargas, cuando al ver esta imagen de “Perdidos en Tokio” (Sofía Coppola, 2003) tuvo la idea de editar una revista. Habiéndose desarrollado en marketing, diseño gráfico y publicidad, estaba en búsqueda de un proyecto personal que lo motivara.

A los pocos días, surgió el nombre. La revista sería una vidriera del diseño que se gestaba en Argentina y, sobre todo, de la creatividad post crisis 2001, que favoreció el crecimiento de empresas que utilizaban la creatividad como principal recurso y herramienta de trabajo. Entonces, tras un intenso brainstorming entre Gonzalo y Marcela Fibbiani, fue inevitable pensar en la frase del genio inventor Thomas Alva Edison, quien solía decir que genialidad y creatividad se consiguen con mucho esfuerzo y perseverancia: “90% transpiración y 10% inspiración”. ¡90+10 les pareció perfecto!

Y así se inició un proceso de exploración, descubrimiento y crecimiento, a prueba y error, hasta llegar a la edición 52, con la que se cumplen 10 años de esta aventura. Es por eso que quisimos repasar junto a ustedes

algunos hechos importantes para el proyecto durante esta década.

Entrevistar a Ricardo Blanco en la edición #1. Fue la primera entrevista de 90+10, y nada menos que a uno de los más importantes diseñadores argentinos, al que Gonzalo conocía desde chico, porque junto a su papá, había producido mobiliario para escuelas unos cuantos años atrás. Recordamos con cariño esa tarde de extensa charla en el taller de Ricardo en San Telmo, sobre la trayectoria de uno de los grandes responsables de la enseñanza del diseño en Argentina y fanático del diseño de sillas.

Especial de diseño automotriz. En la edición #4 publicamos un especial sobre diseño automotriz, en un momento en el que poco se hablaba de él. Ahí conocimos al diseñador José Luis Denari (formado en Italia), al Dr. Mario Mariño, responsable del diseño de interior del Dodge 1500, y a Horacio Pagani, diseñador argentino radicado en Módena, Italia, creador del exclusivísimo Zonda.

Editar una tapa 3D. Para que las ideas locas se concreten, primero hay que animarse a pensarlas y desearlas muy fuerte, para que se hagan realidad. La tapa del #14 es un ejemplo. Las ganas de usar la tecnología lenticular 3D por primera vez en la tapa completa de una revista,

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la intención de Martín Churba y su gente de Tramando de sumarse, y el buen asesoramiento del equipo de producción gráfica, dieron por resultado una de las ediciones más vendidas de 90+10.

a nivel mundial. Una semana de pura adrenalina, que genera una adicción para todo el que ame el diseño, que hace que uno desee volver cada año. Todo pasa en Milán en esos días, y hay que estar ahí.

Doble desplegable de 2 metros de largo. Fue una idea que pudimos concretar gracias al apoyo de adidas Originals. Para celebrar los 60 años de la marca, organizamos una House Party real, en la casa de Ronnie Arias. Con mucha música y modelos invitados, armamos una fiesta que fue retratada por el lente de Rafael Delceggio, y que se imprimió en un doble desplegable en el interior del #22. Todo un desafío de producción, que resultó muy bien.

Inspiration Fest. Se concretaron tres ediciones de este festival anual de creatividad: 2009, 2010 y 2011, sumados a Pre-Inspiration Fest e Inspiration Day 2011 y 2012 (eventos más pequeños, pero que compartían el mismo espíritu del evento mayor). En el Centro Cultural Konex, se proyectó una agenda de conferencistas nacionales e internacionales, y se invitó al público a explotar su creatividad, participando de distintos workshops, en donde podían crear con sus propias manos todo tipo de objetos y obras de arte individuales y colectivas. Todo musicalizado por buenas bandas.

Nota sobre Facebook. Fue en diciembre de 2007 cuando hablamos de un fenómeno que veíamos en ascenso: la aparición de la red social Facebook. Hasta ese momento sólo disponible en inglés, se proyectaba como un club de amigos digital que, nos guste o no, hoy modificó por completo nuestras vidas, y la forma de relacionarnos socialmente.

Especial de diseños sustentable. Hacía tiempo que queríamos hablar del diseño sustentable, y el momento llegó en el #28. Abordamos el tema en 12 páginas, consultando a expertos, reflexionando, e intentando dar un paso más allá del reciclaje y más acá de la concientización.

Lanzamiento de 90mas10.com. Fue en febrero de 2012 cuando se puso online la actual plataforma digital de 90+10 que nos exige, hasta hoy, un ritmo diario de actualización de contenido, junto con una activa presencia en redes sociales (Facebook, Twitter, Google+, Instagram,Tumblr).También comenzó a estar disponible en Issuu la revista en papel, para leer en formato digital, en todo tipo de pantallas.

Especial de diseño lúdico. Fue intenso, pero muy divertido también, el trabajo de relevar objetos cotidianos de diseño y producción local, que poseen un condimento lúdico. Lo completamos con fotos propias que produjimos en conjunto con Pedro Quintans y Patricio Oliver, una de las cuales llevamos a la tapa de la edición #42. El resultado fue muy tierno...

Y la lista es eterna, así como las anécdotas, las experiencias vividas, los personajes que conocimos gracias a 90+10, los colaboradores circunstanciales y permanentes, los viajes de prensa, las invitaciones a eventos, los stands de la revista en distintas ferias, el ser sponsors de premios de diseño, ferias, encuentros y conferencias, la relación con empresas, auspiciantes, agencias, librerías y distribuidores, la organización de workshops. Todas acciones que tienden a un único objetivo: la creación de una comunidad que piensa y cree en otra manera de hacer las cosas.

Primera visita a la Milan Design Week. Fue en abril de 2009 cuando fuimos especialmente invitados como prensa a cubrir el Salón Internacional del Mueble de Milán por primera vez. Ahí comprendimos la dimensión -en vivo y en directo- de esta gran industria

10 años brindando información, conocimiento, y una mirada propia a la comunidad de las industrias creativas y al público en general.

10 años conversando con una audiencia curiosa, creativa e influenciadora, que busca y comparte inspiración. +

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+ La línea de zapatillas de Pesqueira para Topper incluye en esta oportunidad también a las niñas.

Topper + diseño Tres ritmos de estilo

La marca de calzado estableció alianzas con los diseñadores argentinos Valeria Pesqueira, Gustavo Samuelián (Bolivia) y Martín Churba (Tramando), para ofrecer tres modos diferentes de recorrer la ciudad. El sentido lúdico, la desfachatez del rock y la exploración textil, marcando ritmos modernos. | Texto: Celeste Nasimbera @cronistademoda

Tres diseñadores, un proceso masivo. Tres modos, un uso práctico.

La masividad de Topper establece un diálogo con diferentes modos de diseñar, logrando así ampliar su cartera de productos. Desde el encanto naif de Pesqueira, pasando por la actitud de Bolivia, y transitando la innovación con Martín Churba, hay modos diversos de apostar a la comodidad de un buen par de zapatillas. Recorremos los tres ritmos, entendiendo el apuro de nuestros días.

“Al arrancar con la marca, sentí que tenía que poner un sello que continuara durante toda mi carrera, y me decidí por las estampas.

Desde pequeña, siempre soñaba con otros mundos, ya sea el de Japón por medio de Sanrio, o el de las figuritas con brillantina; los animales siempre me acompañaron. Me parece tan genuina e infinita la relación con un animal, que no dudé en incluirlos. Siempre, siempre, ellos estuvieron”.

VALERIA PESQUEIRA: RITMO NATURAL “Diseño para niñas/mujeres. O mejor dicho, para mujeres/niñas.

Siempre recreo mundos de fantasía. Juego mucho con la imaginación: arranco de una manera muy ingenua, y lo plasmo en estampas. En este caso, fue interesante poder llevar las Topper a nuestro mundo, y contar un nuevo cuento juntos. Seguimos dándole foco a las estampas. Es nuestro fuerte, y lo que podemos aportar. Topper es clásico, industrial, masivo. Nosotros somos más chicos, más exclusivos, y más relacionados con la moda”. Así expresa su intención la diseñadora.

Entonces, la estampa que la distingue (aquella que uno ve sobre una prenda, y entiende por quién fue diseñada) se lleva en un calzado bajo, liviano, apto para el andar cotidiano. Con aires informales, esas líneas suelen dibujar osos. Los mismos que van desde las reconocidas carteras, hasta el logo de la marca. “Me parece que estas zapas son tan frescas, que van con todo. Si te las ponés con un short de jean y una remera, y vas a un día de campo o a la playa. Si te las ponés con un vestido Jackie negro, te vas a una fiesta”, comenta Valeria sobre las posibilidades de uso. Así, repite su intención de juego en su diseño, ofreciendo un ritmo de estampas naturales.

Pesqueira repite su alianza con Topper sosteniendo la manera: vuelve sobre las figuras de animales y los colores. Pensada para una mujer con humor, viste a quienes mantienen en su gusto estético ciertas referencias infantiles. En esta ocasión, con más amplitud de talles, permitiendo a las niñas llevar la naturaleza estampada en sus pies.

BOLIVIA: IT’S ONLY ROCK AND ROLL “La música es un eje fundamental en todas nuestras colecciones de Bolivia; por eso, no podía quedar afuera de la unión con Topper. Usamos elementos que son muy representativos para nosotros, como calaveras, diamantes, parches y escudos”, explica Gustavo Samuelián,

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+ 081 moda

+ Plataforma Move to Win (3º puesto)

+ 2, la colección de Martín Churba para Topper.

diseñador a cargo de la propuesta de Bolivia para hombres y niños.

Rockstar, groupie, intenciones de... Si el melómano transita Buenos Aires con los auriculares encima, en su ropero suma ritmo: un buen par de zapatillas. Bolivia se caracteriza por sus referencias permanentes a la música; vibra con ansias de festival. Esa actitud la vuelve muy urbana, instancia que se hace más práctica en la alianza con Topper. En una paleta de colores intensos, los modelos se diferencian por el uso de motivos, un constante recordatorio de la intención: “It´s only rock and roll, but I like it”. Una propuesta para hombres y niños, permitiendo compartir un gusto por la música, y un potencial modo de vestir. Así, Bolivia propone llevar las zapatillas con “chupines rotos, gastados, de denim y de colores”. Es cuestión de seguir el ritmo.

de ser utilizada para practicar actividades físicas, así como intercalarlas con looks urbanos. Depende del ropero y la actitud de la usuaria.

Tres diseñadores, un modo. La necesidad de un calzado cómodo ya no se discute; ahora se busca el andar con ritmo propio de diseño. A la funcionalidad, sumarle estilo. + http://pesqueira.topper.com.ar/ | http://bolivia.topper.com.ar/ | http://martinchurba.topper.com.ar/

MARTÍN CHURBA: TIEMPO COMPLETO “Lo urbano, lo que avanza sobre el deporte. Mis colecciones buscan ser hermosas y funcionales, con personalidad autoral, y cercanas a las usuarias. Hoy, el fenómeno del calzado deportivo rompió todos los moldes. Los y las usuarias las usan en todas las ocasiones nunca antes imaginadas: zapatillas para el día laboral, y hasta para la foto, con vestidos mini glitter. Nuestra propuesta tiene una piel muy especial: las huellas dactilares son el human print del calzado de esta colección. Muy particular, muy humanas”, señala el destacado diseñador argentino.

La colección “2” de Topper por Martín Churba potencia el vínculo entre una marca deportiva y un diseño autoral con destacada exploración textil. La alianza entre ambos transita ya su tercer año consecutivo, ofreciendo variedad de prendas y calzado. La tecnología aplicada al training y running, se une a la silueta moderna que caracteriza a Tramando, tomando prendas que visten el día. La nueva colección presenta pilotos y chalecos de confección precisa, así como prendas básicas funcionales, realizadas en géneros nobles.

Mientras que en la línea “Running”, se destacan dibujos en plastisol al tono o contra tono, “Tecno” presenta estampas diferenciales del diseñador, en una paleta de tonos claros.

Así, uno puede encontrar un conjunto completo, combinando prendas y zapatillas con resolución deportiva y estilo. La propuesta pue-

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+ La actitud rockera en el calzado masculino de Bolivia para Topper.

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+ Elian frente a la fachada de Darkhaus.

Darkaus Rosario

Elian Chali y su satisfacción por la idea creada En el marco de la 10° Semana de Arte Rosario, la galería de diseño Darkhaus presentó oficialmente su nueva fachada, obra del artista cordobés Elian Chali, en una noche con música, tragos y amigos. | Texto: Gala Décima Kozameh @GalaDK Fotos: Gustavo Villordo @gustavovillordo

Elian está apoyado en el frente de la vieja casona céntrica rosarina mientras charla con sus ayudantes, y saluda amablemente a todos los que, antes de entrar a la galería de diseño Darkhaus, lo felicitan por su imponente intervención sobre la fachada del edificio de dos pisos, en Corrientes al 200.

darme solamente en la etapa del bosquejo, en ese pedazo de creación en el cual lo que se origina en mi cabeza puede convertirse en realidad”, explica Elian sobre su proceso creativo, mientras le da sorbitos a su vaso con Americyno, uno de los tragos que Cynar preparó especialmente para la presentación.

El acento cordobés de Elian Chali es como las olas que llegan a la orilla de una playa: se va y viene suavemente, mientras explica el proceso de creación de las intervenciones que lleva a cabo desde hace algunos meses en varias ciudades del planeta, con #DeCórdobaAlMundo. Después de haber participado en workshops en Estados Unidos, muestras en Europa y de haber expuesto su arte en más de un frente en varios puntos del país, Elian llegó a Rosario para ponerle su firma a la galería, dando por comenzada la temporada (nada más y nada menos), que en el marco de la 10° Semana de Arte.

No sólo la inmensidad del frente de la casa -de casi 7 metros de ancho por 15 de alto- fueron un desafío para ejecutar esta obra que rompe con las líneas rígidas de la estructura, y le aporta movimiento a un edificio clásico. Influyó la distancia en el armado del proyecto, ya que no había posibilidad de tocar el terreno a trabajar: “Fueron meses de idas y vueltas de mails con información sobre el material de la fachada, para saber qué pinturas utilizar, detalles sobre su arquitectura y características del entorno”, agrega Elian acariciando la pared.

“Mi mayor satisfacción es cuando la idea se genera. Podría que-

Sin embargo, el artista disfruta de los retos que van apareciendo cuando se embarca en nuevo proyecto: cuando llegó y Rosario lo

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+ 083 arte

+ En el interior de Darkhaus, una muestra con piezas de Laura Echenique, María Crosetti, Bruce Labruce, Maximiliano Masuelli, Gisela Cortese, Lucas Di Pascuale, Vicente Martín Grondona, Benito Laren, Juan Gatti, Juan Manuel Hernández y Male Bruniard.

recibió con chaparrones y granizo, Elian se puso un piloto de lluvia y se subió al andamio de todas formas, acompañado de sus colaboradores, y amigos, cordobeses. Había riesgos de que la pintura no secara a tiempo por la humedad, de que no pudieran terminar por los vientos y suciedades que levantaba la tormenta… Pero en esta noche de jueves, las estrellas acompañan el evento, y la primavera es otro componente del combo arte + aperitivos + música.

Adentro, Silvia Cagnone, una de las dueñas de la prestigiosa galería de diseño que va por su cuarta temporada, se mueve con gracia entre los invitados que disfrutan de las obras y del suave house que ameniza el ambiente. Está muy satisfecha con el resultado de la obra de Elian, que será la tarjeta de presentación de Darkhaus por los próximos meses. Agradece los comentarios positivos con el orgullo de una madre, y cuenta que la propuesta de Elian fue amor a primera vista: “Intervino la fachada con dulzura, la maquilló haciendo que realce y se destaque de una forma distinta. La enaltece, y su idea representa lo que queremos transmitir de nuestra galería de diseño y trastienda de arte”. Darkhaus utiliza el frente de su casona como un gran lienzo que se renueva año a año para darle lugar a un artista que, interviniendo la fachada, da por comenzada la apertura anual de galería.

Todavía faltan varias rondas de tragos de Cynar adentro, cuando Elian se escapa de la multitud un rato, y se cruza de vereda a saludar a unos amigos rosarinos que se acercaron al evento. Se acomodan uno al lado del otro a observar la imponente obra del cordobés, y quedan en silencio algunos minutos, cruzados de brazos, concentrados en los colores y las luces que estimulan la visión.

Palmean a su amigo, y se meten a Darkhaus. Elian se queda solo mirando su obra; de seguro ya está pensando en la próxima. + www.darkhausweb.com

DIEZ AÑOS DE AGENCIAMIENTO CON EL ARTE Con un pie en octubre y otro en noviembre, en la ciudad del río Paraná, se llevó a cabo la 10ª edición de la Semana de Arte Rosario (SAR). Desde el jueves 30 de octubre hasta el 1º de noviembre, los espacios públicos y privados se poblaron de talleres, intervenciones, muestras y un clásico rosarino: La Noche de los Museos, un recorrido nocturno y guiado por los museos más importantes, como el MACRO y el Castagnino.

El evento que propone la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario desde el 2005, apunta a trasladar a ámbitos no convencionales el arte urbano de la ciudad, repensando los espacios, y convirtiendo cada rincón que podría pasar inadvertido, en un escenario para el encuentro artístico. Se realizaron intervenciones en plazas, bares, comercios de todo tipo, vidrieras y museos. Incluso, los mismos shoppings hicieron su aporte, y también los transportes públicos se volvieron paisajes artísticos, que fueron intervenidos por artistas locales.

La premisa siempre ha sido promover el encuentro de la gente con el arte, y sacarla de los sitios tradicionales. Además, se propuso cruzar esta idea con el concepto de “agenciamiento” de los filósofos Félix Guattari y Giles Deleuze, que entienden a muchos géneros heterogéneos que establecen uniones, relaciones entre ellos, a través de distintos factores. Siguiendo esta idea, junto a las actividades en simultáneo, también se le propuso a diez artistas interactuar con la gente en la elaboración de propuestas colectivas donde, si bien la primera idea la proponía el artista, tras distintos encuentros, la idea cambiaba y se volvía una creación grupal. +

Para saber más de #DeCordobaAlMundo, visitar www.90mas10.com/decordobaalmundo

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+ Urban Shuttle, ganador del Concurso Futuro de la Movilidad

Foro Ford

Cómo será la movilidad del futuro?

Mediante el Foro Futuro de la Movilidad, Ford invitó a reflexionar sobre la forma en que nos movemos en las ciudades hoy, y a pensar en posibles escenarios y soluciones para definir un nuevo concepto de movilidad para el futuro.

También en ese marco, anunció a los ganadores del Concurso Futuro de la Movilidad.

En el campus del IAE Business School en Pilar, el viernes 14/11, Ford Argentina organizó el Foro Futuro de la Movilidad. Con el periodista José del Río como moderador, una amplia exposición de ideas y visiones sobre la perspectiva de la movilidad en el futuro.

Sebastián Trotta (Gerente de Comunicaciones Ford Argentina) dio la bienvenida, anunciando que la movilidad está desafiada por el aumento de la población en las ciudades y del parque automotor. El desafío es lograr una movilidad eficiente y sustentable, llevada adelante gracias al desarrollo colaborativo entre industrias, gobierno, instituciones académicas e individuos. Es así que Ford Argentina organizó el Concurso Futuro de la Movilidad y este Foro, para reflexionar con expertos en la materia, y analizar visiones y perspectivas sobre el futuro de la movilidad.

En su exposición, Pablo Bereciartúa (Director de ITBA), opina que la solución no es una sola, sino un mix, incluyendo al transporte público. Se debe dar la combinación de cuatro factores: acciones para crear un sistema, buenas políticas, planificación y regulaciones complementadas con desarrollo tecnológico. La planificación debe estar centrada en las personas y no en la tecnología.

Eduardo Gorchs (Director Mobility Argentina, Siemens) apuntó la necesidad de que evolucione la estructura, mediante la electrifica-

ción y automatización de la conducción. Dos aspectos en los que Ford viene trabajando. Para José Luis Romanutti (Software Design Center, Intel), un gran porcentaje de los accidentes de tránsito se podrán evitar gracias a sensores del interior de los habitáculos, combinados con la administración de los datos que se generan en tiempo real, a través de los siete dispositivos que maneja en promedio cada persona en el mundo.

Por su parte, Emiliano Espasandín (Director y Fundador de PALO Arquitectura Urbana) aseguró que las calles nos pertenecen a todos, y que debemos pensar las del Siglo XXl: entender que hay distintos modos de uso de la calle, varios sistemas de movilidad desarrollándose en simultáneo, y que existen velocidades mínimas y máximas dentro de la ciudad. Brent Toderian (City Planner & Urbanist. Former Vancouver Chief Planner) explicó cómo se resuelve la movilidad en Vancouver, Canadá. En orden de importancia, la ciudad está pensada para: caminar, para bicicletas, el metro, el tren y los autos.

El peatón como centro de la ciudad.

El MUNDO DE LOS EMPRENDEDORES Eduardo López Ortiz presentó el proyecto Sincropool, una plataforma de car pooling, para compartir el auto para ir a trabajar. Apuntan a una comunidad de confianza, que genere un círculo de usuarios que se recomienden y cuiden entre sí. Menor contaminación y me-

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ideas creativas 085 vehículos

+ GiBike (2º puesto)

+ Plataforma Move to Win (3º puesto)

nores gastos. Diego Goldesten (Gerente de Operaciones de Moovit), explicó cómo funciona esta app con 10 millones de usuarios a nivel mundial, que facilita el uso del transporte público dando, por ejemplo, información sobre puntos de recarga de la tarjeta Sube, o cuánto tardará en llegar el próximo colectivo. Además, permite planificar un viaje desde distintos puntos de la ciudad, brinda un listado de paradas y horarios de cada una. Es un servicio de alertas en tiempo real, que se nutre de la colaboración de los usuarios y de los mapeos que ellos mismos realizan.

2° puesto: GiBike. De Lucas Toledo, un prototipo de bicicleta eléctrica, inteligente y full-size, que logra plegarse rápidamente por su diseño innovador, con un sólo movimiento. A la GiBike es posible integrarle un smartphone, gracias a su interfaz móvil, permitiendo al ciclista conocer los datos de desplazamiento (velocidad, calorías consumidas, carga de baterías, etc.) y hacer uso de plataformas GPS. Además, la aplicación móvil de GiBike permite controlar las funciones de la bicicleta desde el celular, como revisar sus niveles de asistencia, apagar las luces y activar sus dispositivos de seguridad.

Cuenta con Smart Electric Assistance, sistema que distribuye la potencia eléctrica en forma automática, para reemplazar el pedaleo del usuario según el destino y la velocidad de desplazamiento.

Guillermo Dietrich (Subsecretario de Transporte de la Ciudad de Buenos Aires) describió los proyectos que está poniendo en práctica el gobierno, desde el bike sharing a las bicisendas y el metrobus. Guibert Englibienne (CTO & Co-Fundador de Globant), junto a Gabriela Macagni (Directora Ejecutiva de Endeavor) abordaron cómo la movilidad puede geo-distribuirse, para que el sistema de transporte funcione de forma más dinámica.

Para finalizar, Erica Klampfl (Global Future of Mobility Manager at Research & Advanced Engineering en Ford Motor Company) presentó los planes a corto, mediano y largo plazo de Ford para asegurar la movilidad en el futuro, destacando la importancia de las nuevas tecnologías en la evolución de los medios de movilidad.

LOS GANADORES DEL CONCURSO Fueron premiados con una beca de posgrado para emprendedores del IAE Business School o el Instituto Tecnológico de Buenos Aires (ITBA), a elección de cada ganador, los responsables de tres proyectos, seleccionados de entre 300. El primer puesto, además, viajará al Salón del Automóvil de Detroit en 2015, para conocer a los ingenieros de Ford que están trabajando en mejorar la movilidad del futuro.

1° puesto: Urban Shuttle. Una alternativa para reducir la cantidad de autos que buscan acceder desde las áreas periféricas a la ciudad, pensada por Melina Nikiel y Gabriel Minutella. Consta de un Shuttle Car (mini-vehículo eléctrico biplaza) y el Shuttle Bus (autobús transportador de seis mini-vehículos). Ambos serían potenciados por energía eléctrica. El concepto Shuttle combina las ventajas del transporte privado (Shuttle Car) con la eficiencia del transporte público (Shuttle Bus).

Link a la nota: 9010.co/foroford

3° puesto: Move to Win. Una plataforma que invita a los usuarios a cambiar su comportamiento a través del gaming, utilizando vías de movilidad más eficientes y colaborativas. Permite visualizar en tiempo real los posibles recorridos y la conveniencia de cada uno, según el tiempo que demanda, la distancia a recorrer, las emisiones de CO2 a producir, y el gasto que implica según el medio de transporte por el que se opte. Cuanto más ecológica, eficiente y rápida sea la ruta elegida, mayores puntos ganará cada usuario para canjearlos por beneficios. Por Catalina Giacomucci, Leonardo Stier, Leonel Maguet y Nicolás Borromeo. + www.futurodelamovilidad.com/futurodelamovilidad

+ El equipo responsable de Urban Shuttle recibe el premio por parte de los organizadores del Concurso.

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+ “Western Sun” de Mark Handforth. De la colección permanente del Pérez Art Museum Miami (PAMM).

Miami

Renacimiento artístico El establecimiento de las ferias Art Basel Miami Beach y Design Miami, así como la construcción de museos, hoteles y residencias particulares firmadas por arquitectos de renombre internacional, hacen que la ciudad de Miami transite un renacimiento artístico y cultural sin precedentes. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010 Fotos: Gonzalo Fargas @gonza9010

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ideas creativas 087 destinos

+ “Jardim Botânico”, primera muestra retrospectiva en EE.UU. de la brasileña Beatriz Milhazes en PAMM.

+ “Fly´s Eye”, 1978, de Buckminster Fuller. Escultura de vidrio y Plexiglás en las galerías del PAMM. Se expone por los 10 años del Design Miami.

+ Galerie Kreo en Design Miami.

+ Plantas que crecen a partir de espejos en la tapa de una mesa de roble, en la instalación “Ephemera” de Perrier-Jouet en Design Miami.

Ubicada en el extremo sur de la Florida, Miami sigue ostentando el título de centro internacional de comercio y finanzas. Es el lugar en donde grandes empresas de todo el mundo instalan sus sedes para manejar los negocios con Latinoamérica. El clima tropical, su cómodo acceso al mar y sus playas, la han convertido en uno de los destinos turísticos más populares en Estados Unidos. El mayor puerto de cruceros del mundo es también la Meca para todos aquellos que adoran la experiencia shopping.

todos ganadores del premio Pritzker), así como a artistas urbanos que deseen plasmar su arte en los murales de Wynwood, o a inversionistas que apuestan a proyectos inmobiliarios -sólo para millonarios-, que encuentran en el arte la excusa para construir.

Vemos algunos ejemplos.

Pero hay más. Desde hace unos años, la ciudad está dispuesta a convertirse también en un polo cultural, y a darle batalla a ciudades cosmopolitas como New York o Chicago, preparándose para ofrecer, además de un estilo de vida extravagante, una amplia agenda de arte, cultura y entretenimiento, que atraiga no sólo a los viajeros, sino a nuevos residentes. Es por eso que Miami recibe con el mismo entusiasmo a grandes coleccionistas que abren imponentes museos (diseñados por los arquitectos del momento,

ART BASEL MIAMI BEACH Es la feria de arte moderno y contemporáneo insignia, que revolucionó la ciudad de Miami, gracias a los 75 mil visitantes que recibió del 5 al 8 de diciembre. Se presentaron 258 galerías internacionales de 31 países. A su vez, los principales museos y colecciones privadas de Miami Beach hacen coincidir sus más potentes exhibiciones, para potenciar la afluencia de público. La galería argentina Ruth Benzacar presentó, entre otras importantes obras, un proyecto de Leandro Erlich que mostró en video, un reconocible viaje en colectivo por la ruta Panamericana. www.artbasel.com/miami-beach

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+ “iPod invader” de Yinka Schonibare en Woolff Gallery, en la muestra Scope.

+ Mark Jenkins en Wunderkammern Gallery, en la muestra Scope.

+ Muestra Scope en Miami Beach.

DESIGN MIAMI En un acotado pabellón en South Beach, la décima edición de Design Miami presentó una selección de 35 galerías internacionales de diseño, especializadas en la venta de ediciones limitadas de objetos de diseño y piezas de mobiliario; algunas históricas, otras contemporáneas, que pueden ser tomadas como referencias de inspiración para la industria del diseño y la decoración. www.designmiami.com

Un recurso interesante es el del auditorio, un amplio espacio que suele permanecer mucho tiempo sin usarse. Éste se sitúa en una especie de pasillo con escalinata, por donde inevitablemente se transita en los recorridos por las distintas salas. Al momento de usarse como auditorio, gracias a sistemas de rieles y cortinados, se construye el espacio, para albergar conferencias, proyecciones. www.pamm.org

SCOPE Y UNTITLED Montadas sobre la playa misma y enfrentadas una de la otra, ambas exhibiciones se disfrutan durante el día. De espíritu más irreverente, son el espacio para las galerías de artistas emergentes y multidisciplinarios. Con acciones performáticas de por medio, fue posible recorrer los pasillos de estas muestras plagados de arte gráfico y referencias pop. http://scope-art.com/ www.art-untitled.com PÉREZ ART MUSEUM MIAMI Desde hace un año, sobre Biscayne Bay, en el Museum Park, el PAMM exhibe su colección permanente de arte moderno y contemporáneo (principalmente donada por el argentino Jorge M. Pérez), así como muestras temporarias de arte de los siglos XX y XXI. Diseñado por los arquitectos Herzog & de Meuron, su edificio es un ejemplo de sustentabilidad y de apertura a la comunidad.

Sus jardines colgantes, parques y sus galerías exteriores buscan la integración del público, a través de galerías y espacios comunes pensados para eventos, que también pueden ser utilizados más allá del horario de apertura del Museo. Con amplias vistas a la bahía, sus interiores son versátiles, y pueden adecuarse a las necesidades de la exposición en curso.

TURNBERRY FOR THE ARTS Visitar el Aventura Mall no es sólo ir de compras. Este shopping posee un programa cultural centrado en la educación y el arte contemporáneo, que contempla la inclusión en sus pasillos de una serie de obras de artistas de Miami e internacionales, muchas de las cuales fueron realizadas a pedido del Mall, y están totalmente integradas a la arquitectura del shopping. Un claro ejemplo son las columnas de Daniel Arsham, ubicadas en el segundo piso. Se trata de dos esculturas que replican las del shopping, pero les falta una parte; imagen que desconcierta al espectador.

Otra instalación interesante es la de Lawrence Weiner: sobre las vigas de uno de los pasillos puede leerse en perspectiva esta frase en inglés: “Acquired Required Desired Admired | All within the realm of | Possibility”, para leerla en español si se la mira del lado opuesto. Un estilo totalmente distinto, plantea el patio de juegos “Rainbow Valley”, ideado por el colectivo Friends With You. Un mundo mágico de toboganes, nubes y montañas pequeñas y puentes arco-iris. www.turnberryforthearts.com LAS PAREDES DE WYNWOOD Es, en Miami, el distrito que tomó el arte urbano como bandera, y que ofrece sus paredes como lienzo para que artistas de todo el

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+ “The past is part of the future”. Obra de Leandro Erlich en la galería argentina Ruth Benzacar, en Art Basel Miami Beach.

+ Galería Gió Marconi de Milán en Art Basel Miami Beach.

+ Galería Mehdi Chouakri de Berlín en Art Basel Miami Beach.

+ “Blah, Blah, Blah” de Mel Bochner en la galería Two Palms en Art Basel Miami Beach.

mundo pinten murales que se renuevan constantemente, lo que hace de este barrio, una galería de arte a cielo abierto. A su vez, la mayor parte de las históricas tiendas de ropa y zapatos al por mayor que solían ubicarse en esta zona, le han cedido su espacio a más de 70 galerías, bares y tiendas de objetos de diseño. Especialmente durante la primera semana de diciembre -cuando se desarrolla Art Basel Miami Beach- sus calles están inundadas de gente que las recorre durante el día y la noche, mientras artistas urbanos subidos a sus grúas con pincel y/o aerosoles en mano- pintan sus murales. www.wynwoodmiami.com EL PARAÍSO DE LA CONSTRUCCIÓN Los emprendimientos inmobiliarios están en su mejor momento en Miami. Pero ya no se trata de incluir los más caprichosos amenities para convencer a los compradores. Las ofertas en Miami incluyen -cual más, cual menos- una relación con el arte como diferencial.

The Edge on Brickell (www.theedgeonbrickell.com) es la torre más delgada jamás construida en la ciudad. Este “boutique art building”se extenderá por 91.5 metros frente al río Miami, y es una compleja combinación de arquitectura, tecnología, ingeniería y arte. Con 130 residencias de lujo, ofrecerá vistas panorámicas envidiables. Su arquitectura en manos de Rafael Aragonés y Daniel Orozco plantea una comunión con la obra artística del holandés Jan Hendrix, quien desarrolló una escultura de vidrio vertical, que se instalará sobre la totalidad de los 200 metros de fachada del edificio, y se iluminará con LEDs. Esta obra estará terminada en 2017.

A cargo del diseño del Turnberry Ocean Club (www.turnberryoceanclub.com), el arquitecto venezolano Carlos Zapata proyec-

Link a la nota: http://9010.co/notamiamiart

tó esta torre entre Aventura y Bal Harbour, cuya novedad es el skyclub en la mitad del edificio (niveles 30-31 y 32), que incluye gimnasio, sala de pilates y yoga, spa, salones con cocina para organizar reuniones, bar, soñadas piletas en voladizo, zonas para mascotas y un teatro al aire libre.

En el marco de Art Basel Miami Beach, la histórica casa de subastas inglesa Bonham’s expuso una muestra de fotógrafos mundialmente reconocidos como David Lachapelle y Helmut Newton, en el salón de ventas del proyecto arquitectónico Biscayne Beach (www.biscaynebeachresidences.com), que contempla 399 residencias en este condominio de lujo en el barrio de East Edgewater. El diferencial de esta torre es el diseño de interior a cargo de Thom Felicia, cultor del nuevo estilo americano, quien también proyectó el diseño de un oasis durante la feria de arte en el James Royal Palm Hotel, donde refugiarse luego de recorrer la intensa propuesta artística de los primeros días de diciembre.

Siete manzanas ocupa el nuevo desarrollo de uso mixto que Len Blavatnik y Alan Faena construyen en lo que será el Faena District Miami Beach (www.faena.com). Diseñado por Rem Koolhaas/ OMA, Foster + Partners y Brandon Haw, comprende la renovación de edificios históricos, así como la construcción de nuevas locaciones, como la destinada al Faena Forum, una institución dedicada al desarrollo de programación cultural que trasciende disciplinas, y alienta la colaboración más allá de toda barrera artística, intelectual y geográfica. Trabajando en conjunto con el Faena Art Buenos Aires, servirá como un foro público para la exploración de ideas, a cargo de profesionales, practicantes y pensadores del arte, la ciencia, tecnología y urbanismo, a fin de promover la investigación. +

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Salón del Automóvil de San Pablo Los autos que llegan el año que viene

Transitamos por la recta final del 2014 y, pese a haber sido un año complejo para la industria, muchas terminales se animaron a vaticinar cuáles serán los nuevos modelos que estarán a la venta el año que viene. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Nos acercamos al 2015, y como suele ocurrir en esta época del año, las marcas ya dejan entrever los nuevos modelos que pasarán a formar parte de sus catálogos el año que viene. Uno de los escenarios en donde se aprovecha para exhibirlos, son los salones del automóvil.

Y el pasado mes de octubre, justamente se realizó el de San Pablo, Brasil. El más importante, luego del que se realiza en Buenos Aires, ya que la mayoría de los modelos allí exhibidos tienen muchas probabilidades de llegar a nuestro mercado. En base a ello, anticipamos las marcas que tienen previsto sumar novedades a sus salones de venta.

VOLKSWAGEN El corriente año fue movido en cuanto a presentaciones para la marca. El estandarte fue sin dudas el Up!, el pequeño modelo proce-

+ Ford Focus III

dente de Brasil. Pero no fue el único, ya que también se presentó la Amarok Dark Label y los recién incorporados: VW Fox, Surán y la renovada Saverio. Pero apenas comience el venidero año, la marca será nuevamente noticia. Lo será primero por el nuevo Vento, que para evitar que sea afectado por el “impuestazo”, dispondrá de nuevas versiones de entrada de gama (Advance y Advance Pack Summer). El otro que llegará será el Golf, que vendrá con tres opciones diferentes de motores: 1.4, 1.6 y 2.0 litros; todos ellos nafteros. El último confirmado para el primer semestre del 2015, es la versión automática del Up! CHEVROLET Mirando el 2015, el compromiso más inminente, lo tiene con el Spin

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ideas creativas 091 vehículos Activ durante el primer trimestre. Se trata de una versión aventurera del monovolumen, que ahora dispone de su auxilio colgando en el portón trasero. Tendrá capacidad para cinco pasajeros, y seguirá siendo impulsado por el motor naftero 1.8 litros de 105 CV. Otra incorporación que planea la marca , pero esta vez para el 2016, es el nuevo modelo que se producirá en la planta de Rosario, conocido como proyecto Fénix, y que todo indica que será el Cruze, modelo que hoy llega desde Corea.

RENAULT Para el año que viene, la única confirmación hasta el momento es el lanzamiento del nuevo Sandero y Sandero Stepway, para mitad de año.

FIAT Otra que llevará nuevos aires para el 2015 a uno de sus modelos íconos, será la italiana Fiat. El modelo en cuestión será el Uno, que adoptará una imagen mucho más deportiva, gracias a las mejoras en su equipamiento. Así, sumará el sistema Start&Stop, que apaga y enciende el motor en forma automática cuando el vehículo está detenido, por ejemplo, en un semáforo. De esta forma, se reduce el consumo de combustible (según Fiat, hasta un 20%), y también el nivel de emisiones contaminantes. Mecánicamente no tendrá novedades, de modo que mantendrá el motor naftero Fire de 1.4 litros

y 85 caballos. Su interior sí recibirá fuertes reformas, como un tablero totalmente nuevo con una computadora de abordo digital en el medio del velocímetro, y una pantalla en la parte superior de su consola central.

CITROËN Por ahora, el único lanzamiento previsto será el nuevo DS3 Full LED. Se trata de una nueva versión del modelo, con algunos cambios de equipamiento, sobre todo en su grupo óptico delantero, que ahora, además de tener nuevos faros bi-xenón con luces diurnas de diodos, suma tres módulos de luces LEDs. El cambio más importante estará oculto debajo del capot, ya que su motor 1.6 THP (el que ahora equipa a la versión SportChic) recibirá un ajuste en el turbo y en la gestión electrónica, por lo que pasará de 156 a 165 CV. FORD Se rumorea que el 2015 será el año en el que llegará el renovado Focus III. Uno de sus principales cambios estéticos, es la adopción de la gran parrilla de trapecio invertido a la Aston Martin, que ya adoptó el Fiesta KD. En la parte posterior, las modificaciones son menos importantes, y se centran en las ópticas, que tienen nueva distribución interna. También tendrá mejoras tecnológicas, como por ejemplo, la actualización del sistema SYNC, y mejoras en el sistema de estacionamiento automático (ahora permite estacionar

+ Honda HRV

+ Jeep Renegade

+ Chevrolet Spin

+ Nuevo Sandero Stepway

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+ y salir a 90º, y no sólo en perpendicular), gracias a más sensores, y pantalla más grande, de 8 pulgadas.

JEEP Será una de las grandes novedades el año que viene. Nos referimos al Jeep Renegade. El comprimido Jeep se ofrecerá con versiones 4x2 y 4x4 con motores a nafta y diésel, y opciones de caja manual y automática, incluida una de 9 velocidades. Reforzando su estirpe aventurera, el Renegade dispondrá de un selector de terrenos con cinco alternativas de conducción, que van variando la tracción del vehículo, según el terreno por donde se transite. El nuevo modelo llegará para meterse a competir de lleno en la categoría de los SUVs (Sport Utility Vehicle), donde hoy conviven Ford EcoSport, Chevrolet Tracker y Renault Duster.

HONDA Todo gira alrededor de un sólo nombre: HRV, el nuevo apelativo con el que se bautizó al primer Crossover que dispondrá la firma en su catálogo, y que será fabricado en la planta que la marca dispone en la localidad de Campana. El nuevo Honda empezará a comercializarse a partir del segundo trimestre del 2015, y estará sólo disponible con versión 4x2.

LOS QUE MARCAN EL CAMINO No hay exhibición de autos, si no hay prototipos. Y la feria brasileña no fue en este año la excepción. Aquí, un repaso por los más llamativos y trascendentales.

más peculiar de su estructura: una caja de carga en la parte posterior. Se estima que el modelo podría llegar a producirse en serie, y a comercializarse en Argentina en el 2016.

Nissan Kicks. Fue otra de las grandes excentricidades de Brasil. En este caso, lo que se buscó es anticipar un SUV para el segmento chico. Fue diseñado en conjunto por expertos de Estados Unidos, Asia y Río de Janeiro, y se perfila como un vehículo “muy viable” para la región y la Argentina.

Honda FCEV. Se trata de un vehículo eléctrico de pila de combustible que revela el diseño de la nueva generación de automóviles con esa tecnología, que será producido a partir de 2015. Será el primero, a nivel mundial, en incorporar este sistema bajo el capó motor, lo que permite una mayor eficiencia del espacio interior de cabina. Se destaca por el diseño muy futurista y aerodinámico.

Mitsubishi GC PHEV. Es el anticipo de un nuevo vehículo 4×4, que une las características de un producto moderno, inteligente, con las últimas innovaciones tecnológicas. Una versión híbrida, que combina un motor 3.0 V6 MIVEC Supercharged con uno eléctrico de 95 CV. Tiene formas robustas, y llama la atención especialmente por la apertura no convencional de las puertas.

Subaru VIZIV 2. Es el sucesor del VIZIV, un concept más realista que se presentó como un Crossover compacto, cuyas dimensiones son muy similares a las del actual XV.

Renault Duster Oroch. Un avance de la marca del rombo que revela cómo sería la incursión de la marca hacia la categoría pick-up.

Tiene cuatro puertas, cabina doble, espacio para cinco personas y lo

Volkswagen T-ROC. Adelanta en una nueva generación de SUV de la marca, después del despliegue de prototipos que la marca alemana viene haciendo salón tras salón, con modelos como CrossBlue Concept, CrossBlue Coupé Concept y Taigun Concept. Es más corto y más bajo que el Tiguan, lo que anticipa un nuevo segmento en la marca. También se destaca por tener tres puertas, y un techo que se desmonta en dos piezas para guardar en el baúl. Está basado en la plataforma MQB, lo que supone ahorro de peso. + www.salaodoautomovel.com.br

+ Honda HRV

+ Jeep Renegade

Fiat FCC4. Se trata de un concept que anticipa una nueva pick-up mediana de la italiana, aunque desde la compañía prefieren mantener el misterio, y no revelar muchos datos. Ya hace un tiempo se rumorea que estarían por desarrollar un producto para esa categoría, junto al fabricante japonés Mitsubishi.

+ Honda FCEV Concept

+ Fiat FCC4

+ Renault Duster Oroch

+ Nissan Kicks Concept

+ Subaru VIZIV 2

+ Volkswagen T-ROC

Link a la nota: 9010.co/salonsanpablo

portfolio fotográfico

Aldo Bressi Aldo Bressi (23 de enero de 1951, Catanzaro, Italia - 12 de septiembre de 2014, Buenos Aires, Argentina). Llegó a la Argentina en el año 1986, para presentar la serie de fotografías “Itinerarios de la religiosidad calabresa”. A partir de ese viaje, decidió arraigarse en el país, y continuar con su fotografía de investigación. Luego de algunos años, empezó a dirigir su propia escuela: Fotodesign Buenos Aires. Más tarde, abrió sedes en Colombia, Chile y España.

De esta manera, el fotógrafo italiano que había sido premiado en su país de origen, se convirtió en el maestro de varias generaciones de fotógrafos argentinos. Con el paso del tiempo, Aldo también se volvió editor, curador y gestor cultural, editor de las dos ediciones de la revista Big Buenos Aires, curador de la galería Catena, y editor de la sección de portfolios fotográficos de revista 90+10. Su obra fue exhibida en Alemania, Suecia, Argentina e Italia.

Es imposible dejar de lado el carisma y entusiasmo que supo contagiar con su vida y obra a todos los jóvenes que se le acercaron. + www.bressi.com

* Agradecemos la colaboración de Verónica Mansi, asistente de dirección de Fotodesign.

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BICICLETA MÁGICA Valiéndose de maderas con más de 80 años de antigüedad, Matías Flocco construyó un prototipo de bicicleta hace dos años atrás. Hoy, su proyecto se completa con varios modelos, incluyendo su más reciente creación, la “bicicleta mágica”, que esconde un sinfín de trucos, inspirada en la estética del mago Fú Manchu. Fue hallada en el sótano de una casona de principios de siglo durante su demolición, en la localidad de 9 de Julio. Dentro de la bici se encontraron dados cargados, naipes marcados, vasos metálicos para realizar la estafa de “la tapadita”, y hasta una varita mágica. Aún quedan muchos trucos por descubrir, que formarán parte de un cortometraje. + www.matiasflocco.com